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Nº 351 junio 2026 www.mondosonoro.com

ejemplar gratuito

Fillas de Cassandra Falemos TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO · FCUKERS · CHRIS ISAAK · PARQUESVR · LA PEGATINA · GUILLE GALVÁN · ANGINE DE POITRINE

8 - 11 • JULY 2026 8th WEDNESDAY

FOO FIGHTERS · MOBY · THE WAR ON DRUGS · WOLF ALICE

THE LAST DINNER PARTY · THE WARNING · JEHNNY BETH · THE WAR AND TREATY PALAYE ROYALE · DOGSTAR · HOT MILK · VILLANELLE · HOTWAX HOONINE · MADMADMAD · BIGGER SPLASH

9th THURSDAY

FLORENCE + THE MACHINE · JENNIE · LORDE · TEDDY SWIMS

ZARA LARSSON • RENEÉ RAPP • CHARLIE PUTH • THE BLAZE dj set • CMAT SADIE JEAN • ZIMMER90 • CHLOE SLATER · FROST CHILDREN · SON MIEUX FLORENTENES · LA PALOMA · CANDELA GÓMEZ BOYS NOIZE • PALMS TRAX • YUNG PRADO • AMRITA THE LOOP

10th FRIDAY

TWENTY ONE PILOTS · KINGS OF LEON · PIXIES · HALSEY

A PERFECT CIRCLE · INTERPOL · SIGRID · HOLLY HUMBERSTONE · MIDNIGHT GENERATION CLIFFORDS · USTED SEÑALEMELO · KAREN DIÓ · RIO KOSTA · MY FIRST TIME TAPE VISITORS · LOS BLODY · BABYLON POLO & PAN dj set · BUNT. · SWIMMING PAUL · WEVAL · MAESIC THE LOOP

11th SATURDAY

THE BAD NICK CAVE &SEEDS · PULP · THE BLACK CROWES · DAVID BYRNE

KASABIAN · JALEN NGONDA · THE VACCINES · MATT BERNINGER THE REYTONS · PERSIA HOLDER · OVERPASS · TTSSFU · SUPERMODEL* BAD TOMATO · BREAK THE SENSES RICHIE HAWTIN · NINA KRAVIZ · AEREA · LUXI VILLAR THE LOOP

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GUADALAJARA · 27.28.29 AGOSTO 2026

¡HAZTE YA CON TU ABONO!

5/Mondo freako La ya mítica banda gallega regresa a escena con “Mi catedral” (Sonido Muchacho, 26), un disco con la abrasadora esencia marca de la casa, pero que también abre algunas rendijas para que entre algo de luz. Y por si eso no fuese suficiente, incluye varias piezas que son clásicos instantáneos.

RIÁNGULO DE AMOR Bizarro ostentan por derecho propio la denominación de banda mítica, casi reverencial y capaz de generar una devoción (a su manera) religiosa. No en vano, la formación gallega que en la actualidad conforman Isabel Cea, Rodrigo Caamaño y Rafael Mallo suma ya más de veinte años de una carrera a los que debemos añadir “Mi catedral”, el que es nuevo álbum de estudio del grupo. Contactamos con Rodrigo e Isa para conocer más detalles de este nuevo trabajo del trío, comenzando por las que serían principales novedades con respeto a todo su catálogo previo. “La aproximación de este trabajo es completamente diferente, porque, en el fondo, planteamos hacer un disco de guitarra, bajo, batería y voces. Ese planteamiento es muy diferente y afecta a la manera en la que compones. Aunque siempre hemos sido un grupo de guitarras, este es casi el primer disco en el que la guitarra es realmente el instrumento principal: están más altas y tienen más definición. Esta vez no pensamos tanto en las capas. Estuvimos dos o tres años componiendo y no teníamos esa urgencia que te marca el calendario”. “Mi catedral” supone, pues, un reencuentro con trazados pasados en el que también tuvo mucho que ver aquella gira XX aniversario que protagonizaran no hace demasiado, revisitando sobre los escenarios toda su discografía. “Volvimos un poco a la esencia, a las raíces. Nos vino muy bien para retomar caminos que habían quedado un poco olvidados y volver a ver quiénes somos. Eso lo utilizamos y fue un

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Triángulo de Amor Bizarro Santa devoción

junio 2026 #05

MONDO FREAKO

poco como volver a hacer un primer disco. Además, habíamos llegado al tope de oscuridad y no queríamos girar más esa rueda ni seguir en esa cueva, recuperando, a cambio, ese punto de luminosidad que creo que tenían los primeros discos”. Cabe asumir, por tanto, que “Mi catedral” es en cierta medida una obra de contrastes, entre la aspereza habitual del combo y acercamientos más indisimulados que nunca al indie-pop de guitarras y sus melodías subyacentes. “Ese punto de oscuridad siempre lo tuvimos, pero tocó techo y acabó en ‘SED’. Era como nuestra época gótica [risas]. Nuestra intención era que este disco abarcase un poco todo lo que somos capaces de hacer y lo que hicimos a lo largo de todos los discos. No tuvimos miedo de hacer canciones más brillantes”. EN “MI CATEDRAL”, nuestros entrevistados se vuelven a repartir el papel tras el micro principal, con ligera ventaja para Isa. “Si las canciones son un poco más melódicas, la voz es más lenta o la canción tiene melodías con más vueltas las suele cantar Isa. La parte más bruta, más monocorde o de fraseo más rápido suelo acabar cantándolas yo”, aclara Rodrigo. “En este disco hubo un esfuerzo para que las dos voces estuvieran presentes en el mayor número de canciones posibles. Es algo que antes hicimos de forma puntual, pero que siempre nos costó por el hecho de que nuestras tesituras están bastante separadas. Hasta ahora no nos vimos capaces de hacer ese tipo de armonizaciones con las que pudiéramos encajar las dos voces”. Para eso (y mucho más) han vuelto a contar con la producción de Carlos Hernández, quien sigue ejerciendo como miembro adicional de pleno derecho de Triángulo de Amor Bizarro. El resultado es un sonido muy bien trabajado, pero respetando siempre en esa honestidad, realismo y rugosidad inherentes al grupo. “Muchos de los discos que se hacen ahora tienen un timbre muy determinado, con un sonido tan puro que a mí me resulta un poco homogéneo, como pasaba con los discos de finales de los ochenta. Escuché mucha música de los noventa de rock clásico alternativo y me di cuenta de que había una crudeza que sonaba muy bien, y eran mucho más directos porque no tenían ese acabado. Nosotros con el sonido intentamos ir siempre un poco a la contra, con esperanza de ir así por delante. Siempre necesitamos ir un poco fuera de la ola. Le preguntamos a Carlos cómo grabó los discos de la noventa de Los Planetas o Mercromina y usamos ese planteamiento. Mezclar a ojo y hacerlo todo de manera muy natural. Queríamos que el #06 junio 2026

“ “Nunca fuimos un grupo de costumbrismo indie”

disco mostrase su propia personalidad con respecto a los anteriores”. LA MÚSICA de Triángulo de Amor Bizarro –siempre cortante, arrasadora y algo apocalíptica– podría ejercer mejor que nunca como banda sonora de ese entorno caótico que viene definido por el actual plano socio-político. “Siempre cuadra un poco así y, aunque no lo buscamos, acabamos recogiendo un poco lo que está pasando”, afirma Isa. Por su parte, Rodrigo remata con contundencia que odia “a los artistas que están en una burbuja y hablan de un mundo idealizado o de nostalgia idealizada… Hay una crudeza y una realidad en todo y siempre partimos de ahí. Nunca fuimos un grupo de costumbrismo indie. Siempre es algo que me pareció muy vacuo, además de muy pasajero. Al final parece que vives aislado. Bebemos de lo que vivimos y está pasando, y de esa realidad que nos afecta. Yo nunca hice distinción entre sonido y composición y nunca hicimos distinción entre, por ejemplo, política y amor. La propia canción te va inundando y lo importante es lo que estás intentando transmitir con esa letra, que es

algo que tampoco puedes controlar. Si te conviertes en una figura de bronce que no te afecta nada y tu mundo interior es tan increíble que ya autoexplica el mundo, obviamente estás equivocado. La música tiene que venir de otro sitio”.

Las salas, nuestras catedrales DE CARA AL ANUNCIO de las primeras fechas de la gira por salas con la intención de defender en directo las canciones de “Mi catedral”, el grupo anunció que había luchado por fijar un precio justo para las entradas, chocando así de frente con la tendencia seguida por cierta música en directo. “En las giras por salas es en donde de verdad puedes expresarte, tocar hora y media, repasar el repertorio y también el disco nuevo... Estamos en una tendencia inflacionista motivada por ese rollo de superestrella que es una cosa más turística que otra cosa, como el rollo este que va a hacer Shakira. Estas cosas me parecen horribles, y lo único que consiguen es que cada vez sea todo más difícil. Afecta mucho también a la música en general,

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LA MÍA A reírse toca

porque si la gente se plantea ir dos conciertos al año, porque por el precio no puede ir a más, el sector tampoco va a expandirse y te cargas las escenas. Nosotros fuimos a garitos a ver a grupos y ahí pillamos cosas o nos apeteció tocar música a partir de ahí. Y como persona que vive y nació en un pueblo, me da muchísima alegría poder ir a tocar a muchos sitios pequeños. Es importante que el precio de las entradas sea justo para evitar que solo vaya un determinado tipo de público. Todos los que vivimos en los noventa sabíamos lo que valían las entradas. Metallica por 4.000 pesetas, joder. Esto viene del modelo corporativo de negocio y la avaricia. Esos precios exagerados desplazan al público natural y a los futuros músicos. Las salas es algo fundamental para nosotros: es donde realmente puedes ver la mejor versión del grupo”. Para finalizar, Isa lo deja aún más claro. “Yo lo que más disfruto de la música es divertirme en el escenario pasando un poco de todo. Esa parte es tribal y salvaje”. —RAÚL JULIÁN

Í, QUERIDOS LECTORES de Mondo Sonoro, yo también soy de los que prefiere las salas para disfrutar de un buen concierto, aunque esta afirmación pueda sonar a postureo del bueno. Las prefiero a cualquier macroconcierto en un espacio titánico e inabarcable, ya sea en un gran pabellón, un estadio o un enorme recinto festivalero. Semejante perogrullada viene a cuento porque, siendo cierto que prefiero las salas pequeñas, me he sorprendido a mí mismo realizando un balance de la gran cantidad de eventos a los que he asistido en estas últimas semanas que se han llevado a cabo en grandes espacios. De la actualización electro del sinfonismo de Tame Impala, pasando por la juerga flamenquita de Los Delinqüentes, la verbena festiva de En Tol Sarmiento, el culmen artístico de Rosalia o el ejercicio nostálgico del El Último de la Fila. Y, visto lo visto, pues… ¡Menos mal que me gustaban las salas para ver un buen concierto! Y no solo eso… Menos mal que, en mi calidad de periodista, he podido asistir a todos los conciertos sin pasar antes por taquilla o, de lo contrario, el agujero en mi economía doméstica hubiera cobrado unas dimensiones capaces de absorber todo lo que estuviera alrededor de mi cartera. Por eso, no es extraño que, si tuviera en cuenta el poder adquisitivo como factor para hacer un análisis de la media de edad de los asistentes, no le sorprendería a nadie que esta se encontrara más cerca de los cincuenta que de los veinte. Y eso que el festín familiar protagonizado por En Tol Sarmiento y el fenómeno pop de Rosalía contribuirían a bajar un poco la media. Porque el resto, y en especial los dos Estadios Olímpicos de El Último de la Fila, reventarían esa misma media por su horquilla más alta. De hecho, recuerdo abandonar el concierto de Quimi Portet y Manolo García convencido de lo imposible que iba a resultar en pocos años pagar tantas jubilaciones en ciernes. Por suerte, y para paliar tanta desazón sobre el futuro, siempre nos quedará el poder disfrutar de sátiras tan certeras como la que hace tan solo unos días realizaron Pantomima Full en su canal de YouTube titulado “Banda indie”. Dos minutos de oro en los que han sabido condensar, con simpática mala baba, todos esos tópicos achacables a los grupos indies de nuestro país, representados en ese grupo ficticio llamado Viento Desamor. Parodia que pide a gritos una película a lo Spinal Tap que muestre la importancia de tocar en Aranda mientras suena un hit incontestable como “Duele París”. Eso sí, será mejor que no nos riamos demasiado, no vaya a ser que los siguientes en ser parodiados seamos nosotros. Los que tenemos la edad y el poder adquisitivo suficiente para asistir, con fingido vigor juvenil, a según qué conciertos. —DON DISTURBIOS

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junio 2026 #07

ENTREVISTA

FCUKERS

Fiesta en casa Dejemos que todo fluya y subamos el volumen hasta freírnos el cerebro. “Ö” (Ninja Tune/[PIAS], 26), el debut de Fcukers, se ha convertido en un oasis de desconexión que entra solo, como una de esas fiestas chill en casa en las que hasta la resaca del día siguiente merece la pena.

—TEXTO Álex Jerez —FOTO Jeton Bacalli

UEDAMOS CON SHANNY para que nos cuente, por videollamada desde New York, cómo están viviendo tremenda expectación alrededor de “Ö” y para hablar sobre la importancia de generar comunidad. Le confieso, además, que se han convertido en nuestra banda sonora de cabecera en los últimos meses. “Lo que queremos es que todo el mundo se lo pase bien, que sientan que estamos juntos en esto. Romper con esa cosa del artista sobre el escenario y el público ahí abajo. Siempre he buscado sentirme conectada con el público y quería hacer música para todos. Música simplemente para divertirnos juntos. Música con la que se pudiese pasar un buen rato sin que tuviera que ser demasiado intensa o seria”, explica Shanny con una sonrisa de ilusión por esta nueva etapa, una sonrisa que no abandona durante toda la entrevista. LA VERDAD ES QUE ESTE ÁLBUM debut en Fcukers nos ha atrapado hasta tenernos completamente enganchados. Es un disco adictivo que te hace entrar en un mood de #08 junio 2026

buen rollo que no quieres que acabe jamás. Por eso, cuando acaba una escucha, únicamente piensas en volver a reproducirlo desde el principio. “Ö” se grabó durante dos semanas muy intensas bajo el liderazgo de Kenneth Blume, más conocido como Kenny Beats y productor de artistas como Vince Staples o IDLES, como maestro de ceremonias. “Fue increíble. Kenny es el mejor, es una persona fantástica con la que trabajar”. Y entre los créditos aparecen además otras grandes figuras como Dylan Brady de 100 gecs, con quien buscaron desarrollar un lado más experimental de la propuesta y quisieron apostar por el riesgo. “Él y Kenny trabajan juntos en muchas cosas. Yo había conocido a Dylan el día anterior y acabamos haciendo una sesión juntos. Conectamos y terminó quedándose con nosotros varios días más”, comenta Shanny sobre el proceso de creación. AUNQUE LA BASE CENTRAL del sonido de Fcukers se dirige al US house (“Nos inspiró mucho la música con la que crecimos de niños, como la música de club de los dosmil”, sí que es cierto que la pluralidad

“

“Lo importante es ser fiel a lo que te gusta y a lo que crees que es guay o divertido”

del álbum los ha llevado a fluir como dúo por un montón de géneros y, en especial, a construirse una identidad bastante europea. Lo confirman canciones como “TTYGF”. “Es una de mis favoritas del álbum. Jackson y yo queríamos incluir un momento dub en el disco, algo que le diera un toque un poco más sucio, con un wobble bass. Y la verdad es que me encanta”. Además, antes de dar el salto a la electrónica, ambos componentes de Fcukers formaban parte de una escena más indie rock, y eso es algo que se nota a la hora de, por ejemplo, apostar por banda al completo en sus directos actuales. “Lo importante es ser fiel a uno mismo, a lo que

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CRITICANDO Ö

te gusta y a lo que crees que es guay o divertido”, subraya Shanny, remarcando además que en la actualidad está únicamente focalizada en vivir el momento, en disfrutar que ya tienen el disco en la calle y no pensar demasiado en lo que les deparará el futuro. CUANDO LE PREGUNTO sobre cuál de las canciones del disco se quedaría para pinchar en bucle en una de sus fiestas en casa, no duda en responder que la canción que jamás puede faltar en sus sesiones en “If you wanna party, come over to my house”. Además, insiste en que uno de los puntos fuertes del disco desde su perspectiva es la libertad que representa como tal. No se han querido cerrar a nada y se han entregado por completo a lo que cada canción necesitaba. “No hemos marcado límites. Teníamos algunas ideas y luego todo fue creciendo. Con ‘Play Me’, por ejemplo, la primera idea era enfocarla al drum’n’bass, pero luego todo evolucionó hacia el trap”. “Ö” SUPONE UNA GRAN APUESTA para el dúo, pero Shanny está “muy orgullosa” del resultado final y de la forma en la que han

Ninja Tune

8 ELECTRÓNICA / EL ÁLBUM DEBUT de Fcukers sube rápido y te aguanta toda la noche. Shanny y Jackson entregan con "Ö" un bucle de hits en forma de playlist frenética y adictiva que define perfectamente el crecimiento bestial del proyecto en los últimos años. Cómo han terminado convirtiéndose en unos “imprescindibles” de la escena neoyorkina, generando enemigos, fieles y despertando envidias. "Ö" es un disco que nace casi a modo de recreación de una noche cualquiera entre cuatro paredes blancas, una mesa de mezclas y con pocas ganas de pensar. Un álbum dispuesto a construir comunidad, en el que todos estamos invitados a la fiesta, y con el que reproducir esas ganas de cambio constante, quemar el tiempo y freírte la cabeza a beats para volar.—A.J.

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atrapado en él una energía muy determinada. Y es que, desde que el proyecto vio la luz, no se ha dejado de hablar de Fcukers como una de esas propuestas que, al llegar a la industria, la ponen patas arriba y marcan tendencia tanto para bien como para mal. Porque, aunque ya cuentan con un importante fandom gracias a su concepto de generar familia, también les han salido –¡cómo no!– algunos detractores que les tachan de tener una identidad falsa, de ser un producto elitista y vacío. “La verdad es que, cuando algo te sale del corazón, te gusta y es en lo que crees, es cuando más conecta con la gente, cuando puedes sentir que es de auténtico”. DESPUÉS DE SU EXITOSO paso por la pasada edición del barcelonés Primavera Sound, Fcukers volverán al festival para ofrecernos otra extenuante actuación el jueves 4 de junio. Será una nueva fiesta colectiva que nos elevará del suelo durante un buen rato. Hasta que eso ocurra, tengamos paciencia y sigamos quemando su disco en casa. —A.J.

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junio 2026 #09

MONDO FREAKO

No cabe duda de que Chris Isaak es una leyenda, le tengamos más o menos presente en nuestro día a día. A eso cabe sumarle que, cuando se sube al escenario, su carisma se despliega como un pavo real cuyo encanto va más allá de lo físico. Ahora podremos volver a reencontrarnos con su directo.

HRIS ISAAK no necesita presentación. Reciente ganador del Premio a la Trayectoria en los Americana Honors, Isaak siempre ha estado ahí, con alma de crooner y corazón de rock’n’roll. Pasan los años y sigue activo junto a su inseparable banda Silvertone, ya sea girando o, como es el caso, grabando nuevo material. Contactamos con él vía telefónica. Ha dejado su querido San Francisco por unas semanas para instalarse en Nashville. “Estoy trabajando con la idea de componer y creo que este es el sitio idóneo. Es el lugar en el que me siento más cómodo y relajado, con un ambiente musical propicio. Cuando estoy aquí, todas mis energías se dirigen hacia la creación y no hay otras cosas que me distraigan. Aquí tengo mi propio espacio, los micrófonos adecuados, el piano… Trabajo ocho horas al día para concretar todo lo que tengo entre manos y, cada vez que acabo una sesión, la sensación es buenísima”. EVIDENTEMENTE, Isaak tiene en el horizonte el completar un nuevo disco, un proceso que requiere de ciertos pasos y de metas. “En unos meses he conseguido dejar acabadas siete canciones. Ahora me quedan otras siete. Estoy excitado ante la idea de acabarlo, así que no puedo dejar que me ataque la pereza. Por eso, cuando no estoy grabando, me entretengo planeando cosas y viendo fotografías para la portada”. Las expectativas son grandes, puesto que es el propio músico quien cuida los detalles de cada uno de sus discos. “Quienes están cerca de mí me preguntan y quieren respuestas, pero nadie excepto los implicados en el proceso han escuchado nada”. En los últimos años ha puesto empeño en los discos navideños, es una de sus obsesiones, pero también una vía de negocio. “Me encanta la Navidad, pero #10 junio 2026

úsica, el rock’n’roll” “Lo primordial es la m

Chris Isaak

Infinita tristeza

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10 AÑOS ATRÁS

también el verano. Sin embargo, la Navidad me da pie a grabar discos y, cuando se acercan esas fechas, también a hacer cosas relacionadas con esos días tan señalados”. EL PRÓXIMO MES DE JUNIo, Chris Isaak volverá a visitarnos. De hecho, en Barcelona, el norteamericano tocará en la misma sala en la que, en 1995, presentó “Forever Blue”. “Me gusta mucho esa sala. La recuerdo. De hecho, si alguien de quienes estuvo ahí tiene el setlist de aquella noche, podría repetir el mismo repertorio. Sería divertido”. Nos visitará, claro está, sustentado por Silvestone, la fiel banda que le ha acompañado durante cuarenta años. Con el paso del tiempo, algunos de sus miembros han sufrido bajas temporales por enfermedades o incluso alguno ya ha abandonado el edificio. “En algunos casos resulta inevitable, pero es triste ver sufrir a tus compañeros. Por eso es tan importante disfrutar de cada momento. Valoro mucho cada segundo que pasamos juntos, tanto dentro como fuera de los escenarios. Somos como una gran familia y tengo un respeto absoluto por estos chicos”. PARA DESPEDIRNOS, hablamos sobre un par de temas alejados de su propia música. Por un lado, Isaak ha desarrollado también su faceta de actor en la que es otra de sus grandes pasiones, el cine. “Sigo interesado en ver películas, aunque apenas voy al cine. Veo muchos clásicos de los años cuarenta, cincuenta y sesenta. En casa tengo una pantalla grande y ahí las disfruto. Lo siento, pero me atrae más lo antiguo que lo moderno”. Por el otro, en el momento de mantener esta conversación, todavía colea la participación de Bad Bunny en el intermedio de la Super Bowl, así que le pregunto su opinión al respecto. “La actuación en el descanso de la Super Bowl siempre crea controversia. En Estados Unidos es el mayor evento del año. Yo echo de menos ver a una banda de rock sobre ese escenario. Me gustaría que volviera a suceder en el futuro. Y sí, me parecen bien esas actuaciones con tantos bailarines y todo el espectáculo, pero cuando las veo pienso en un documental que vi el otro día sobre The Beatles en el que Ringo Starr y otros tres tipos le acompañan a su lado haciendo música. Para mí eso es lo primordial, la música, el rock’n’roll”. —TONI CASTARNADO

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EN CONCIERTO l Bilbao 26 junio. BBK Legends Bilbao l Barcelona 27 junio. Paral·lel 62 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Mondo Sonoro número 240 junio de 2016 Fueron portada: King Gizzard & The Lizard Wizard Charlamos con: Muchachito, Moderat, Rufus Wainwright, Garbage, Opeth, Nothing, Fuel Fandango, Digitalism, Nunatak, Tale Of Us, Jean-Michel Jarre, Natos y Waor, Andrew Bird, Parquet Courts, Los Chikos del Maíz, Gramatik, Michael Kiwanuka, Nistra, Pájaro, Monte del Oso, Wild Animals, Burofax, Denom, Trajano!, Los Wallas, El Imperio del Perro, F/E/A, Texxcoco y Stay, Nos dijeron: “No somos chicos de clase media con flequillo que gusten a gilipollas que van a Starbuks” (Los Chikos del Maíz) “Nuestra intención era crear un universo propio… un universo friki o algo así” (King Gizzard & The Lizard Wizard) “Para mí, la música es una adicción. No es algo que haga por dinero, ni mucho menos” (Jean-Michel Jarre) “De Adele me maravilla su capacidad para crear tal impacto en todo el mundo” (Michael Kiwanuka) Los conciertos de mi vida: Oscar D’Aniello (Delafé) selecciona los conciertos de Manowar (1992), Orbital (1995), Fugazi (1995), The Jon Spencer Blues Explosion (1996), The Roots (2002) y Nacho Vegas (2016) Fue disco del mes: “The Colour In Anything” de James Blake También destacamos: “Muzik” (Delorean), “A Moon Shaped Pool” (Radiohead), “Konnichiwa” (Skepta), “Weezer” (Weezer), “Nattesferd” (Kvelertak), “Feelin Kinda Free” (The Drones), “Vertical” (Jose Domingo), “Lemonade” (Beyoncé), “A Sailor’s Guide To Earth” (Sturgill Simpson) y “Bottomless Pit” (Death Grips) —MS

junio 2026 #11

Parquesvr Del cinismo al sentimiento El vehículo expresivo de Javi Ferrara está de vuelta con “Mitos y leyendas” (Raso Estudio, 26), cuarto trabajo en el que ahonda junto a sus compañeros en su singular sonido y una visión cada vez más personal de la vida. —TEXTO JC Peña —TEXTO Daniel Vázquez

DIÓS AL HUMOR absurdo y la astracanada, no al sarcasmo ingenioso ni a la crítica social. Y más énfasis en ese lado tierno que tan bien ha calado entre sus fans. Me veo con el cantante y letrista en las nuevas oficinas del sello, en el sureño barrio de Urgel. Javier está tan afable y prudente como siempre, quizá más relajado. El vocalista afirma que este es el disco suyo que más escucharía. Está justificado. La banda suena sólida y confiada, y él aporta hasta melodías bien resueltas. Detrás de todo, otra vez Raúl Pérez en La Mina, cuyo trabajo alcanza la excelencia. Tres colaboraciones –las del joven productor PatataOnStereo, Escandaloso Xpósito y Teo Lucadamo– enriquecen las canciones. “YO CREO QUE LLEVAMOS una dinámica bastante productiva, y eso se nota tanto en los conciertos como grabando”, dice. Llevan casi dos años con la misma formación. Algo tendrá que ver en el sonido que han sacado. Por no hablar del técnico. “Raúl [Pérez] me parece un tío increíble. Es el tercer disco que grabamos con él, nos entendemos muy bien. Para mí es el que mejor sonido nos saca. Lo hemos notado sobre todo cuando hemos ido a otros sitios. Sin desmerecer nuestro trabajo, Raúl es muy importante. Él también nos dice que hemos crecido un montón. Y, sobre todo, tenemos la enorme suerte de que en Parquesvr hay músicos muy buenos que durante toda su vida se han visto obligados a moverse en circunstancias mucho más precarias. Grabamos muy rápido por eso”, reflexiona. HABER HECHO MÁS DE SESENTA bolos en un año ayuda mucho. “Poder rodarnos es fundamental. Lo ha sido a la hora de #12 junio 2026

tu nombre y apellidos, estoy convencido de que la gente se cortaría de decir según qué cosas”. RESPECTO A LAS DOS CARAS del álbum –una satírica, otra más personal–, Javier explica que algunas de estas canciones son “para dentro” y otras “para fuera”. “Este disco se divide en dos vertientes claras. Una en la que están “Tonto”, “Mi peña” o “Tuk Tuks por Lavapiés”, y otra más introspectiva”.

intentar generar nuevas melodías con la voz, cosa que no me había atrevido en otros discos. Grabamos este disco en octubre y nos fuimos directamente a Valladolid a tocar. No podía más, pero nos hemos curtido un montón”. La parte mala es que “nos cansamos muchísimo de nosotros mismos. Es muy difícil, porque un grupo es tener cuatro relaciones distintas. Cada uno tiene sus fobias, sus miedos, sus manías, defectos, virtudes… Cuesta”. PESE A SU CRECIMIENTO ORGÁNICO, hay que insistir en que el éxito de Parquesvr es un caso bastante raro. “Empezamos a una edad relativamente tardía, y los años no han mejorado esa circunstancia. Gente con compromisos y prioridades vitales distintas se han ido yendo. Sobre todo, compaginarlo con otros trabajos es agotador”. En cierto modo, el grupo te devora, admite. Pero “es una elección libre que te compensa. Si no, no lo haría. Todo lo que te estoy diciendo de volverme de Huesca a las ocho de la mañana para intentar comer con mis padres te compensa cuando ves a dos mil doscientas personas en La Riviera cantando tus canciones. Dices: ‘Hostia, algo hemos hecho bien’”. Sin embargo, confiesa Ferrara, “hay algo muy estúpido, y es que te centras más en los haters, cuando los que te quieren te lo demuestran mucho más. Cuando sacamos el single ‘Tonto’, muchos de los comentarios a un artículo en un medio digital fueron negativos. Cuando hacen referencia a tu físico, a tu edad, a lo mal que cantas, a mí me jode. Y a lo mejor con esto estoy alentando a que me lo digan más”. Es el precio de un mundo con redes sociales que amplifican al infinito opiniones que se esconden tras el anonimato. “Esto alienta las barbaridades. Porque si estuvieses con mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ENTREVISTA Ferrara se enorgullece de haber sido capaz de combinar ambas facetas. “Haber hecho ese recorrido, de grupo sarcástico y cínico, nihilista, con letras un poco bobas –“Lance Armstrong” es una ópera grotesca–, a atrevernos con ‘Arde, quema, duele’ y ahondar en esa idea con el tercer disco, creo que no lo ha hecho nadie en este país. En este cuarto disco esa parte tiene muchísimo peso. Sigue habiendo una carga de cinismo grande, pero el humor absurdo ya no aparece”. JAVIER VA MÁS ALLÁ. “Está feo decirlo, pero la puta verdad –y no puede evitar reírse– es que hay canciones que ya no me representan, aunque las canto porque a la gente le gustan”. Y le parece “muy sorprendente” que su público haya abrazado esa parte seria que les permite salir del chascarrillo, por ingenioso que sea. “Las canciones más escuchadas a día de hoy son ‘Tu

“ “Un grupo es tener cuatro relaciones distintas”

nombre es una puerta por cerrar’ y ‘Arde, quema, duele’. Y en este disco, ‘Rizo de gitana’ ha funcionado muy bien. Venimos del punk, del cinismo, pero nos estamos encontrando mucho más cómodos en este terreno. En los conciertos lo notas una bar-

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baridad. Cuando tocamos las clásicas van apareciendo en las primeras filas hombres de cuarenta años [risas]”. PESE AL SORPRENDENTE éxito del grupo entre públicos de distintas generaciones, Ferrara se mantiene firme en su prudencia respecto a las expectativas. Llenar dos Rivieras [ya han vendido la mitad de las entradas para la presentación del 20 de noviembre] le parecería una pasada si se diera una segunda fecha, pero no está dispuesto a renunciar a determinadas cosas. Y ve una desconexión “muy heavy” entre el mundo de los grandes festivales y el de los conciertos en salas. “Si la música es una burbuja, tiene dimensiones estratosféricas”. —J.C.P.

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junio 2026 #13

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MONDO FREAKO

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NADIE CON ESE nombre vive aquí” es un álbum intimista y sereno, que nació de la dolorosa despedida hacia el padre del músico, pero se transformó también en un disco de “alumbramiento”. Y que se nutre de su gusto por la palabra “precisa”. Me encuentro con él en las oficinas de Esmerarte, antes de que interprete un par de canciones delante de un puñado de invitados. Galván se muestra tan reflexivo y articulado como orgulloso de un disco especial y a contracorriente. Empiezo preguntándole por esa dicotomía entre el duelo y la luz. “Es curioso que, en mi caso, esa despedida me ha servido para poner en valor y celebrar esos últimos tiempos con mi padre, y también para escribir canciones de mi relación con toda esa gente que me ha hecho ser quien soy. Es algo que nunca me había atrevido a hacer de manera directa”. El compositor se dio cuenta de que “estaba componiendo un disco que me tocaba cantar a mí, y que formaba parte de todo este proceso. Tenía que encontrar la manera de cantarlo y defenderlo”. Y continúa: “Llevo casi treinta años haciendo canciones, pero esto es el disco de un ‘artista nuevo’ que cuenta una ficción con un principio y un final. Me resulta más interesante contar la historia del disco que mi historia personal, aunque en él hay parte de ella. Nunca me ha gustado sobreexponerme, aunque aquí de repente te hablo de mi familia… Y me hago preguntas. ¿Por qué lo hago…? Porque no puedo explicar el disco si no lo cuento”.

Guille Galván Un refugio abierto “Nadie con ese nombre vive aquí” (Canción Muralla/Esmerarte, 26), una frase sacada de “My Father’s House” del “Nebraska” de Bruce Springsteen, titula el primer álbum con canciones en solitario de Guille Galván, el guitarrista y compositor de Vetusta Morla, tras varias bandas sonoras y un par de poemarios.

—TEXTO JC Peña —TEXTO Jerónimo Álvarez

GUILLE LLEGÓ a una serenidad luminosa que quedaba lejos de “una parte más pesada y triste” que había empezado a explorar en aquel momento difícil, pero que “no llevaba a ningún lado bueno”. Otra clave fue encontrar su propio estilo vocal. Cierto que “aparte de Vetusta, he compuesto y producido para otra gente, he hecho colaboraciones y bandas sonoras… poco a poco me estaba enfrentando a hacer cosas en solitario que no acababan de ser cantadas por mí. Ya estaba muy cerca de ese lugar. Me faltaba dar el paso de la voz, que supongo que es lo más complejo. Me daba respeto encontrar una forma de cantar que fuera comunicativa y que le hiciera un favor a las canciones. Si encontraba el tono de la voz, todo iba a ser más fácil. Y fue así”. De hecho, cuando los productores y músicos con los que culminó el disco (Carles Campi Campón, David Soler, Marcel Bagés y Pablo Martin Jones) se unieron al proyecto tras el “impulso” de Héctor G. Fazzo, la parte vocal “ya estaba hecha, como las guitarras.

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junio 2026 #15

MONDO FREAKO

Les dije que quería que la gente pensara que estaba en un refugio. No les llamaba para que lo llenaran de músicos, sino para que lo decoraran. Quería que cada canción fuera la escena de una película. Darle a cada una algo concreto, y que esa paleta la fuéramos decidiendo mientras trabajábamos muy plásticamente con los sonidos, no tanto con los instrumentos”. Además de mantener la cohesión entre las canciones –por trabajar con distintos productores a distancia–, era importante no rendirse a la tentación de hacer demasiado. “Me pasó con la voz. Todas las personas que tenemos cierto pudor con ella tendemos a doblarla, a poner distorsión o reverb… Pero a medida que iba grabando me di cuenta de que había que hacerlo al revés. Era la voz la que tenía que estar al frente. Y está bastante cruda. Tenía que escucharme y decir: ‘Esto es lo que hay’”.

CINCO ESENCIALES

EN LO MUSICAL, Galván combina una elegante madurez “clásica” con sutiles toques electrónicos. “A veces las limitaciones o las normas que te pones al principio son lo más importante, porque marcan su personalidad. Yo quería hacer un disco marcado

Jay Bentley (Bad Religion)

Jay Bentley, bajista de Bad Religion, no suele ser el tipo al que más se acude a la hora de hablar del grupo, pero ha sido pieza imprescindible desde que se unió de forma definitiva a la banda en 1986. Por eso es un placer descubrir cuáles son sus cinco canciones favoritas. El grupo estará actuando en el Barcelona Rock Fest (5 julio, Santa Coloma de Gramenet).

#16 junio 2026

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“Quería cerrar los ojos y no escuchar una banda”

por algo muy de verdad, que no tuviera que fortalecerse con músculo. De hecho, ha habido un ejercicio de contención, aunque hice mucho trabajo de investigación para decidir con qué guitarras iba a grabar. Carlos Raya (que mezcló el disco) me dejó varias. Y fui trabajando para saber con qué previos y micrófonos iba a grabar. Hay una parte de elección técnica que no es casual”. Además, las canciones apenas tienen percusión o ritmos, porque “Intentaba que las canciones tuvieran su propio pulso y bombeo, que el ritmo fuera interno. Vengo de un grupo, de girar muchos años, y quería cerrar los ojos y no escuchar una banda”. “Lo cálido

1“Sensory Overload”

(“Bad Religion EP”, 1981) Hicimos un cassette de cinco canciones y se la dimos a un hombre llamado Rodney Bingenheimer, quien tenía un show llamado “Rodney On The Rock” los fines de semana en la emisora K-Rock. Esta fue la primera canción nuestra en sonar en la radio. Y fue algo importante porque la gente de nuestra escuela, piensa que teníamos quince o dieciséis años, nos venía a decir “¡Eh, tíos, os he escuchado en la radio!”.

2“Suffer”

(“Suffer”, 1988) Después de todo eso que ocurrió en la primera mitad de los ochenta, Brett y yo no estábamos en la banda, pero alrededor de 1986 o 1987 volvimos. Y la primera canción que Greg y Brett escribieron juntos fue “Suffer”. Brett la escribió con Greg solamente para ver si todavía podían trabajar juntos. ¡Creo que la hicieron en unos doce minutos!

y lo orgánico está buscado, y también en la mezcla con elementos de 2026 y procesos electrónicos y paletas que lo alejan más de lo que puede ser un disco de cantautor. Siempre me han parecido interesantes los discos raros en las carreras de los artistas que me gustan, y que me obligan a imaginarme más de lo que hay. ‘Nebraska’ de Springsteen, ‘Pink Moon’ de Nick Drake, ‘The Boatman’s Call’ de Nick Cave, el primero de Bon Iver… Son discos cuyas canciones se podrían haber desarrollado mucho más, pero hay algo fantasmagórico e incompleto en ellos que me transmite mucho”. Para mí, todos estos álbumes tienen en común cierto clasicismo atemporal. ¿Fue ese el enfoque de Guille? “Supongo que a priori lo es, pero, más que clásico, lo que pasa es que en este momento en el que puedes hacer todo lo que quieras, procesarlo todo, y que suene perfecto, y que tu voz sea igual que la de Nina Simone si le pones el plugin adecuado, me parecía pertinente jugar a la contra. Desde un lugar que tiene más que ver con la verdad, la imperfección y ese tipo de discos”. —J.C.P.

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3“You”

(“No Control”, 89) Con este disco stuvimos girando y girando, pero no se puede decir que hubiera hits, canciones que destacaban sobre el resto. Eso ocurrió en el futuro, cuando “You” acabó en “Tony Hawk Pro Skater 2”. Todavía, hoy en día, hay gente que nos dice que nos descubrió por ese vídeo.

4“Atomic Garden”

(“Generator”, 1992) Fue lo primero que hicimos con Glover Binsky. Nuestro primer vídeo profesional hecho con la intención de que fuera un videoclip. El primero que proyectaron en la MTV y que hizo que mucha gente empezase a hablar de nosotros como una banda a tener en cuenta.

5“The Gray Race”

(“The Gray Race”, 1996) La razón de su importancia no es otra que la introducción de Brian Baker como compositor además de como guitarrista. Brian estuvo en bandas como Minor Threat, venía de la Costa Este y eso significaba que tenía un estilo diferente al nuestro. Fue un importante golpe de timón para la banda, nos trajo una nueva teoría completa. —MS

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ENTREVISTA

Hablar de La Pegatina es hablar de movimiento. Dos décadas como referencia del sonido verbenero, de la rumba, del mestizaje, y más de una decena de discos, miles de conciertos y una forma de entender la música siempre en tránsito. Pero incluso las inercias más asentadas necesitan detenerse. Mirar atrás. Ordenar. Decidir hacia dónde seguir. De ahí nace “Fuegos del Barrio” (Calaverita Records, 26), su undécimo trabajo, un disco que parte de una idea sencilla: volver a casa.

La Peg Gente del

—TEXTO Víctor Terrazas OS CITAMOS en el Gracias Vieja, una taberna en pleno Lavapiés convertida estos días en su centro de operaciones. La tarde avanza entre idas y venidas. Un goteo constante de gente empieza a poblar el bar. En unas horas, serán ellos quienes tomen el pequeño escenario del local para presentar las nuevas canciones en formato showcase. “Hemos tenido una dinámica de no parar”, se sincera Adrià Salas. “De estar grabando incluso en plena gira, sacando tiempo de donde no lo había. Y llegó un momento en el que dijimos: ‘vale, necesitamos parar y ver qué estamos haciendo’, porque no era sostenible”. AL FONDO, EN UNA MESA ALARGADA y a pocos metros de las tablas que pronto les reclamará, se sientan Romain Renard, Ferran Ibáñez, Miki Florensa y el propio Salas. Le devolvemos la pelota a Adriá casi por instinto, acelerando también la pregunta: ¿de dónde nace esa sensación de no parar nunca? “La industria y los sueldos”, responde Salas sin rodeos. “Somos quince personas de gira, al final hay que correr”, añade Renard. Ferran introduce otra capa, seguramente de las más honestas: “Nos gusta tocar; es el ansia de ver todo lo que tienes al alcance y querer llegar. No paramos porque siempre hay nuevos objetivos”. La conversación fluye con la naturalidad de su trayectoria, saltando de tema en tema sin fricción. Rememoran a Mano Negra y el auge del mestizaje catalán como el germen del que, una década después, floreció en una escena de bandas afines y consolidó un circuito capaz de desbordar fronteras. Analizan también el vínculo con Latinoamérica y el impacto del Covid, especialmente duro para formaciones tan numerosas y con un calendario internacional. Sin embargo, el relato siempre regresa a un eje central: la velocidad. “El funcionamiento del mundo urbano ha marcado mucho al resto”, retoma Salas. “Antes sacabas un disco y lo girabas dos años. #18 junio 2026

Ahora cada mes hay que publicar algo. Y la industria, aunque no quieras, te empuja”. El resultado no siempre juega a favor. “Al final ocurre lo contrario: la gente se queda con tus hits anteriores”. “Es algo general”, remata Miki. “La gente está volviendo a los temas clásicos por la sobresaturación”. EL BAR SIGUE LLENÁNDOSE. Entre el ruido empiezan a colarse las nuevas canciones en los altavoces. Temas que remiten a lo conocido, pero también a algo distinto. “Voltereta”, con ese pulso de rumba catalana. “Del Barrio Soy”, que apunta a nuevo himno. “Este tiempo nos ha servido para vernos desde fuera y pensar qué nos motiva a seguir”, explica Salas. Ferran remata: “Al parar, vimos claro que queríamos hacer música más callejera, más rumbera. Ser conscientes del barrio, de los amigos, de la familia. Volver a un sonido más original, más rupestre”. SI SU ANTERIOR TRABAJO, “Hacia otra parte” (22), miraba hacia fuera, este apunta hacia dentro. Lo hace junto a aliados como los paraguayos Kchiporros en “Rómpela”, viejos amigos como Eskorzo en “Impura” y sobre todo la producción de Camilo Lara (Instituto Mexicano del Sonido). “Con Camilo llegamos a una sencillez que nos devuelve a la esencia”, explica Romain. “Nos perturbaba lo demasiado purificado. Buscábamos algo menos macroproducción y más original, casi rupestre. Menos pop y más rumba. Más ganas de bailar nosotros y hacer bailar al público”. “Las canciones están pensadas para el directo”, añade Miki. “Suena natural y está muy poco editado. Fue curioso recuperar ese punto de movimiento y la naturalidad de los instrumentos”. Esa vuelta a lo “rupestre” no fue solo estética, sino una consecuencia directa de su residencia en La Casamurada, una masía en Banyeres del Penedès en la que se instalaron durante un mes. “Allí captamos cómo el entorno afecta a la grabación”, explica Miki. “Estábamos súper tranquilos; te levantabas, desayunabas y te ponías a grabar. Facilitó mucho las cosas”. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

gatina barrio

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“La gente está volviendo a los temas clásicos por la sobresaturación”

TAN REAL FUE EL PROCESO que hay un documental en camino que muestra ese día a día. “Vinieron familiares a vernos; yo iba en bici con mi hijo, volvía y me ponía a grabar”, recuerda Romain. Fue integrar el disco en su cotidiano, sin presiones, algo que permitió que lo instrumental fluyera. Además, la libertad fue total. “El estudio estaba abierto veinticuatro horas. Podías ir cuando quisieras. Trabajábamos mucho de noche y eso estuvo genial”, añade Miki. Al final, esa libertad es la que se siente en el sonido: suena a verdad porque se grabó viviendo. AUNQUE CAMBIEN SU CENTRO de operaciones, el corazón sigue en Moncada i Reixac. Adrià habla con orgullo de cómo el pueblo se ha volcado con ellos. El Teatro Municipal para ensayar. El estreno del documental allí. Un mural gigante a la entrada del municipio. Incluso el nombramiento como pregoneros de la Fiesta Mayor. “No tenemos una calle, pero al menos sí un mural”, dicen entre risas. Quizá ese sea el verdadero giro: romper la inercia de vivir hacia fuera tras veintiún años sin descanso. “Puede que lo mejor del parón haya sido darnos cuenta de lo bonito que es todo lo que nos rodea”, reflexiona Ferran. “Llevamos una vida de estar siempre viajando. Y cuando paras dices: ‘Joder, qué guay es esto’; y cuando aprecias lo que te rodea, quizás lo que lo envuelve te aprecia a ti”. AHÍ RESIDE LA CLAVE: en la raíz y en el barrio. En bajar el ritmo para recordar el origen. Porque, aunque hayan decidido parar las máquinas un tiempo, basta la primera rumba para entender que hay algo que no se detiene. Un movimiento que nace de dentro; un impulso que, ni siquiera ellos mismos, podrán detener nunca. —V.T.

R Más en www.mondosonoro.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

junio 2026 #19

20 26

VILANOVA I LA GELTRÚ

2—4 JUL

RALPHIE CHOO·CHARLOTTE CARDIN·SAINT ETIENNE·OSEES ALCALÁ NORTE·BARRY B·AMORE·MARIA JAUME·LA TANIA TRIQUELL·FADES·DAN PERALBO I EL COMBOI·AL·LÈRGIQUES AL POL·LEN CARMEN LANCHO·AZULEJA·ALAVEDRA·MAIG CONCERT INAUGURAL: EL PETIT DE CAL ERIL I LA PROCESSÓ METAFÍSICA VIDA CLUB: MYD GEMS·MAADRAASSOO·MACHINDA RECORDS·UK VENTURA

03.07 GUITARRICADELAFUENTE·LIA KALI·LA LOM·NU GENEA(LIVE BAND)·LEWIS OFMAN LA LUDWIG BAND·SIDONIE·SHAME·DEPRESIÓN SONORA·MUJERES·SUNDAY(1994) JUAN WAUTERS·FRENTE CUMBIERO·GRETA·ROSERONA KILIKI·PREEN·REMEI DE CA LA FRESCA·EDNA BRAVO VIDA CLUB: YUNG PRADO ALDO·RED BANANNA·END OF THE ROAD·MMMEEL·THISORDER·ZONZO

04.07 FATBOY SLIM ·AMAIA·ALDOUS HARDING·YERAI CORTÉS MARIA ARNAL·CUPIDO·BALU BRIGADA·TYLER BALLGAME FERRAN PALAU·LA PALOMA·ÁNGELES TOLEDANO·MODERN WOMAN LAS PETUNIAS·TRISTÁN!·SVSTO·INDUS·ME AND THE BEES·GAZELLA·LECOCQ CASSIUS ARMELA·COL·LECTIU TONYINA·LLAMADAS PERDIDAS DJ NESI·PANASOMA·SRXMAS VIDA CLUB:

Organitza:

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ESPECIAL

Observatorio Mondo Sonoro

Emerger hasta morir La sobrecarga en los nuevos artistas Hace no tantos años, era habitual encontrarnos un disco de nuestros artistas favoritos cada cierto tiempo. Al menos el suficiente como para componer, escuchar, tocar, descansar y vivir. Donde antes encontrábamos música para sentir, ahora muchas veces encontramos música para consumir. El streaming, las redes sociales y, en definitiva, la globalización han supuesto un cambio de paradigma en nuestra forma de escuchar y, en consecuencia, en la forma en la que los artistas crean su música.

e acuerdo con su primera acepción en la RAE, el artista es un “virtuoso”, y de acuerdo con la cuarta, es un “artesano”. Entonces, la pregunta es: ¿Cómo puede un artista hacer música con virtuosidad mediante un proceso artesanal si tiene que sacar una canción al mes, hacer contenido para redes para publicitarla, relacionarse con agentes de la industria para posicionarla y, al mismo tiempo, llegar a fin de mes a base de otro empleo? Para intentar aclarar esta cuestión hablamos con Metrika y 1111, dos de los fichajes estrella de Universal para este año. En el caso de la primera, la entrevisté por la publicación de su EP “JANE DOE IN THE DREAM HOUSE” y, cuando publicamos la entrevista en abril, ya había anunciado el

lanzamiento de un nuevo larga duración. Entre otras cuestiones, la “conejita playboy” declaró: “De normal las cosas no se desinflan porque sí y yo no paro de trabajar. La industria va muy rápido y es muy bueno porque por eso tengo lo que tengo ahora mismo. La industria va rápido, pero yo más”. Además, sobre el tema “Virgen Putita” añadió: “Hay un poco de feminidad súper capitalista y vacía y esto es genial firmando con Universal”. No en vano, estas afirmaciones nos hacen plantearnos: ¿Están abrazando los artistas el modelo de producción capitalista? ¿Quién nos exige más, nosotros o nuestro contexto? ¿Hace falta no parar de trabajar, y por ende tener presencia activa, para que las cosas no se desinflen? Nos responde Fedra, vocalista de 1111 a punto de lanzar su tercer disco –primero con la multinacional– y compositor para

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“ “lo que más abunda es abrazar el capitalismo sin conciencia y sin conocer de verdad la putada que está siendo esto”

cine, televisión y publicidad. “Creo que lo que más abunda es abrazar el capitalismo sin conciencia y sin conocer de verdad la putada que está siendo esto. Mucha gente también se lleva a sí mismo esa frustración y esa falta de respuestas y reciprocidad del consumo. Hay un problema de dinero, de generar dinero de verdad, de dar oportunidades de verdad y dejar de inflar de dinero a puestos. Creo que hay

junio 2026 #21

juny / agost 2026

Luz Casal · Dàmaris Gelabert

& BUMT · Carmen · Quartet Mèlt Rodrigo Cuevas · Cia. Mal Pelo Los Sara Fontan · Lila Downs Cie des Chaussons Rouges Maika Makovski · Nerobambola Bernarda · Gran Cabaret de Circ BotProject · KIW · Yerai Cortés Alba Sarraute i Les Ofèlies La Sra. Tomasa · DJ Wu Shido Compota de Manana

Amb el suport de:

ESPECIAL

que empezar a ir a los conciertos de verdad y escuchar a los chavales que quieren decir de verdad. Cada vez hay menos casos de un chaval que sale del barrio. Creo que Metrika tiene razón y que hay un punto en el que trabajar y el seguir dando en la tecla perpetúa las cosas y perpetúa una carrera larga, pero hay un punto también en el que la cabeza juega muy malas pasadas y viene cogiendo el ejemplo de Charli xcx. Joder, saca ‘Rock Music’ y la gente se le está tirando de alguna manera al cuello. ¿Cómo te atreves a meterla en el Khia Asylum? Un concepto que es bastante jodido”. En lenguaje de redes sociales, Khia Asylum es esa cárcel metafórica a la que los haters envían a aquellos artistas que, consideran, han perdido relevancia dentro del mainstream o han dado un paso en falso en su carrera.

“ “Es imposible que a todos los artistas se les dé bien hacer TikToks”

rezcas constantemente. Para visualizar estas tensiones, Rosa conceptualiza la “rueda del hámster”. Aquí los individuos viven con el miedo permanente de ser excluidos de la rueda por ser demasiado lentos o necesitar descanso sin conciencia de que es el hámster quien mueve la rueda, convirtiendo así la competencia y la aceleración en el motor de nuestro propio sometimiento. Los músicos necesitan tocar, un “espacio sagrado” como es el estudio para 1111 y no una rueda de hámster abrasiva y figurada. Está en nuestra mano elegir el camino, aunque siempre condicionado por nuestra libertad y contexto. —MARTÍN P. CORRAL El Observatorio Mondo Sonoro trabaja con el apoyo de:

Los datos reflejan que el ritmo y la frustración tienen motivos. Conforme con el estudio sociolaboral de AIE sobre los músicos en España, de un total de 1.610 encuestados el 44% compatibiliza la actividad artística con otro trabajo y el 84% se dedican a la música sin contrato discográfico. Sin recursos ni apoyo, Internet y plataformas como Tiktok o Instagram se tercian como un puente inevitable en el camino hacia la viralidad. “Es imposible que a todos los artistas se les dé bien hacer TikToks. Hay una movida en la que se exigen unas competencias de saber editar, saber ser gracioso, estar atento… Igual no tienes tiempo para vivir y hacer canciones, que es la base y sustento de todo. La peña que se dedica a esto tiene que bajarle un poco al tema de la viralidad y empezar a hablar de música, empezar a sentir bien los conciertos de verdad y dejar de estar en el camerino metiéndose rayas e hinchándose a copas gratis”, declara Fedra. Esa “movida” encuentra algunas claves en “Alienación y aceleración: hacia una teoría de la temporalidad en la modernidad tardía” (2010) de Hartmut Rosa. Una de ellas es que hay dos formas muy distintas de construir algo que tenga valor en el tiempo, y están chocando. La primera es la del oficio y la segunda la del algoritmo, donde lo que cuenta no es la profundidad de lo acumulado, sino que estés, que apamondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

junio 2026 #23

EN PORTADA

“TERTÚLIA” (Altafonte, 26) es, además del segundo largo de las gallegas Fillas de Cassandra, toda una invitación a salir a la fresca, desplegar la hamaca y dejarse llevar por una combinación precisa de música popular, elegante electrónica y un mensaje tan simple como certero. Una tertulia precisa de una buena escucha, así que hagámoslo frente a tanto parloteo.

Fillas

Tertulia es

—TEXTO Don Disturbios —FOTOS Candela Lora

N LA SALA 2023.02 del Reina Sofía de Madrid hay un cuadro de la gran pintora catalana Ángeles Santos que encierra en sí mismo una paradoja. La obra se titula “TERTÚLIA”, pero muestra a cuatro mujeres que andan distraídas, cada uno a lo suyo, sin reparar en la compañía que se profesan en el reducido espacio en el que están acomodadas. El lienzo, dibujado al óleo en 1929, sorprende por la modernidad que desprende, tanto en la actitud del instante que recoge, como en un posado y un vestuario que no parece tener casi un siglo. Y entiendo perfectamente que llamara poderosamente la atención de María SOA y Sara Faro, hasta el punto de darle sentido a todo el batiburrillo de letras y melodías que tenían acumuladas hasta la fecha. Una colección de ideas que, según me cuentan, “desprendían una gran diversidad temática”, pero que empezaron a cobrar sentido gracias a esa otra “TERTÚLIA”. La que no existe en el cuadro. Fue a partir de ese momento que el cauce artístico empezó a surcar su propio rumbo, en un proyecto que, me explica María, “antes de empezarlo no nos apetecía llamarlo segundo disco” conscientes como eran de que iba a ser algo más. “Se habló de mil millones de cosas, de un disco doble, de algo relacionado más con el teatro, pero nunca se habló de una exposición escultórica y al final acabamos ahí”.

Algo más que un disco ES LUNES de mediados de abril y me he citado con Fillas de Cassandra en la redacción de Mondo Sonoro Madrid. Tan solo hace un par de días acaban de presentar “TERTÚLIA: doce cancións, doce cadeiras” en el espacio Infinito Delicias de la capital. Se trata de una instalación artística, #24 junio 2026

diseñada por el colectivo As Dúas E Punto, que sirve también de escucha en primicia de su nuevo álbum, a la par que viene a ilustrar la portada de este. Doce sillas, a cuál más diferente entre sí, vinculadas a doce canciones de lo más diverso, pero sujetas todas por el hilo conductor del corro que forman entre ellas. María y Sara lo han conseguido. “TERTÚLIA” es mucho más que un disco, es una llamada a la comunicación entre los seres humanos y, se nota en la amplia sonrisa de ambas, lo satisfechas que están con el resultado. No es para menos. Más allá del trabajo que implica la exposición en sí misma, “TERTÚLIA” es un disco en el que han logrado que aflore lo mejor de su propuesta: esa peculiar combinación entre tradición y una modernidad que va más allá del uso de la electrónica, sujeto todo a una coartada conceptual que le otorga un sentido global y ciertamente humano a la obra. Por eso estamos hablando de un disco que debía implicar en sí mismo un trabajo coral en el que han intervenido múltiples protagonistas. Un diálogo contante de “voces en el estudio, pero también con todas las otras personas con las que trabajamos en toda la parte de ahondar en el concepto a nivel estético y a nivel visual del álbum”, tal y como me cuenta la propia Sara, mientras añade: “No podíamos entender la intervención de otras personas como una intromisión, como si entrometerse en nuestro trabajo fuera algo negativo, sino todo lo contrario .Y eso que a veces es difícil abrirse en el ego a ese lugar en el que la tuya no tiene por qué ser la mejor idea, ni tampoco la que al final va a estar en el disco. Entonces, bueno, fue un proceso también de cura hacia adentro”. Queda claro, por tanto, que “TERTÚLIA” es una llamada al encuentro, al diálogo entre generaciones, a subirse en ese autobús público que aparece en los vídeos de “saír a fresca” e “insolación”. El mismo en el que la gente juega a la charranca o al chichón; lee a Emi-

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de Cassandra

revolución

junio 2026 #25

lia Pardo Bazán o a Gloria Fuertes; se comparte un cafecito o se acaba participando en una rave en la que todos y todas, hasta la que sustenta un rosario, tienen cabida. Una reivindicación al diálogo entre humanos como el acto más revolucionario que puedes ejercer en un mundo que no escucha. Que se ampara en el insulto o la descalificación. Que vive dominado por la dictadura del like y las apariencias. Un mundo sin esa tertulia que se puede ejercer en un autobús o, como me indica María, “en esos espacios que no existen. Incluso cuando quedas para hablar con las amigas, estás atenta a otras cosas” algo que querían expresar “pero sin ser como carcas, sabes, sin ser obvias también”.

Llévame a la tierra en la que nací LLEGADOS A ESTE PUNTO del relato, es el momento de coger algo de perspectiva para entender del todo cómo se ha forjado “TERTÚLIA”. Y para ello hay que remontarse a junio de 2025 y, más en concreto, a la publicación del single “A todas partes”, perpetrado junto al trío Çantamarta, o lo que viene a ser, junto al granadino Benito Casado, el colombo-venezolano Luis Lozano y el cordobés Omar Roldán. En esa delicada colaboración se encuentran y dialogan las propuestas de ambas formaciones, en una fusión que sirve como alegato del proceso migratorio a través de la añoranza que evoca la música. Fue entonces cuando se produjo un flechazo artístico que ha tenido su continuidad en este nuevo disco, con todo lo que representa tener a nada menos que cinco cabezas pensantes en el proceso de producción del álbum. María me lo explica. “Recuerdo que cuando estábamos trabajando en ese tema nos comentaron como de pasada que habían estado produciendo unos discos y ahí fue… Un momento ¿también sois productores? Era algo que no sabíamos y entonces ya fue en plan ‘¿Qué hacéis en los meses de invierno? Porque vamos todas a producir un disco y lo sabéis’” [risas]. Trabajo conjunto que, como me sigue contando María, les aportó “una visión con otro tipo de raíz, además de su conocimiento de todo el género urbano… Fue muy chulo presentarles melodías más tradicionales y esas cosas que nos salen a nosotras y ver qué ritmo le ponían”. Nuevas texturas que han quedado reflejadas en el devaneo balcánico de “Tertulia”, los minimalistas detalles electrónicos de “Alboroto”, el balanceo latino de “am0r”, los aires de bolero universal de “VERBENA”, los diferentes quiebros melódicos de “déixate ver” o el big beat final de la #26 junio 2026

poderosa “insolación”. Una diversidad sonora surgida del encuentro, pero sin perder de vista a las protagonistas del disco. Jugando siempre a favor de las voces de las gallegas, situadas en un evidente primer plano, tal y como María me confirma. “Pues esa fue justa nuestra intención, así que muchas gracias por decírnoslo, porque sí. De hecho, queríamos reflejar a través de las voces los diferentes planos que puede haber en una tertulia. Ese aquí te susurro, y quiero que te suene, pero aquí te lo grito y que te dé un puñetazo. Y, además, ha sido la primera vez que hemos grabado las voces a la vez juntas, cada una en una cabina, mirándonos. Fue genial”. A lo que Sara apostilla. “Hay algo como muy orgánico en el disco que parece que estamos cantando en directo. Es como que las canciones han adquirido una viveza que no hubiéramos logrado grabadas de otra manera”. TODO UN PROCESO que ha confluido en un disco muy coral que encajaba de lleno con el concepto basado en la tertulia y el constante intercambio de ideas tal y como

Sara me confirma. “Es cierto que cuando salió el término tertulia eso acabó implicando también a la metodología del proceso”. Algo que también ha quedado reflejado en un atípico corte tres, titulado “Track audios magnética”, que viene a recoger las voces de todos los que han participado en el álbum. (Sara) “Este corte se corresponde con la silla magnética que está construida, no sé, por cientos de imanes… y es el único que está construido a partir de ver la silla y no al revés. Vimos la silla y nos dijimos que teníamos que incorporar todos los audios de WhatsApp de las personas participantes como si fuera algo magnético”. Experimento que contrasta con la capacidad que posee el disco, por muy conceptual que sea, para generar canciones con el suficiente gancho para convertirse incluso en un éxito a escala más popular. Me refiero a temas con duende melódico como “saír a fresca”, “TERTÚLIA”, “déixate ver” y, sobre todo, “insolación”. Pero ¿hay una intencionalidad por parte de Fillas de Cassandra a la hora de construir un hit? (Maria) “A ver, no es que se plantee en términos vamos a

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“No estar cerca a lo que uno quiere, es lo más parecido a la oscuridad”

hacer un hit, sino que hay veces en las que notas cómo una canción se te está yendo de madre y te dices a ti misma que igual hay que permitirse en algún tema no irse hasta Cuenca, pero de repente te vas del todo y, sin pretenderlo, se crea “insolación”. Entonces, claro, lo escuchas y te das cuenta de que, aunque se te fue de madre, porque hicimos tres ritmos distintos en el mismo tema, es una canción que igual puede llegar al oyente de forma más fácil”. (Sara) “En nuestra discografía creo que efectivamente hay como dos tipos de hits. Unos que, vinculándolo con trabajos anteriores, serían temas como ‘As Moiras’ o ‘ECO’ que podrían tener como esa estructura que es un poco confusa y que va cambiando como mucho, pero que no deja de ser efectiva y pegadiza, que es un poco lo que busca el hit. Por otra parte, hay otras que tienen una estructura como más tradicional, como puede ser por ejemplo ‘Tertulia’, que funciona de per se y además tiene esas melodías que son como que están llamando a tu puerta nada más las escuchas, que te da una sensación de ‘Yo esto ya lo conozco de antes’. Pero es un poco

como que, aunque esté la preocupación, no está la búsqueda. Entonces, sí es cierto que, si en este disco no hubiera llegado ninguna canción más pegadiza, igual hubiéramos forzado la maquinaria para que la hubiera, pero como al final salieron…”.

Voces RESULTA OBVIO que un disco que reivindica, tras una tórrida tarde de verano, ese sacar las sillas a la fresca para, como decimos en Cataluña, “fer petar la xerrada”, debía tener unos cuantos invitados que aportaran su voz a tanta conversación colectiva. Artistas que se han ido incorporando cada uno con su historia detrás, pero teniendo presente siempre cómo podían encajar en cada una de las canciones. Así sucedió, por ejemplo, en el caso de “cuchicheo”, en la que tuvieron muy claro que debían incorporar al dúo madrileño Pipiolas, pese a que no las conocían personalmente. “Por eso nos dijimos, vamos a seguirlas en redes y, si ellas nos corresponden y nos siguen esta noche, le proponemos.

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EN PORTADA

Nos siguieron y así fue. Ahora somos súper amigas”. En cambio, en el caso del musicólogo Abraham Cupeiro, conocido por su trabajo en la recuperación y reconstrucción de instrumentos antiguos, la cosa resultó algo distinta. Fue el propio Abraham el que se presentó con un aulós construido especialmente para ellas. Un aulós o lo que viene a ser una especie de flauta de doble caña que, por lo visto, plañían tanto los íberos como los castrexos durante la edad de bronce. Y, claro, ante semejante presente había que buscar, como me cuenta María, un tema con encaje. “Teníamos una canción “Filla Filliña” a medio componer y le dijimos: ‘¡Ostras! ¿te apetecería?’. De hecho, el aulós no estaba en esa misma tonalidad así que construyó otro para adecuarlo al tono de la canción”. Y luego, claro, había que echar mano también de las amigas. Ese ha sido el caso de Ede en esa preciosidad titulada “déixate ver” donde la madrileña nos alumbra con ese verso que dice: “No estar cerca a lo que uno quiere, es lo más parecido a la oscuridad”. Y por último había que devolverle a Pello Reparaz, máximo responsable de Zetak, la invitación que él les cursó en 2023 para colaborar en “Anguleele”. “Fue justo eso. Fue ¿te vienes tú ahora, en vez de nosotras, a nuestra casa? Y lo cierto es que nos dijo que sí a ciegas y eso que no nos habíamos vuelto ver desde que grabamos en su disco”.

No hace falta decir nada más A TODO ESTO, está finalizando la entrevista y no me he visto en la necesidad, tampoco lo he pretendido, de preguntarles por esas cuestiones que parecen surgir siempre cuando se habla de Fillas de Cassandra. Por un lado, esa orgullosa militancia feminista que las acompaña desde sus inicios, y por otro el uso del gallego para expresarse en su manifestación artística. Y no lo he hecho porque me gustaría que esta “tertulia” nos llevara a un lugar en el que no hiciera falta abordar cuestiones como estas al estar ya totalmente superadas ¿Será algún día posible? ¿Lo verán nuestros nietos? (Maria) “Sí, absolutamente. Si no les suena extraño que estemos hablando en gallego, ni que sea algo en lo que abanderarse, eso significará que ya está todo como bastante asimilado, Y con el feminismo sucede lo mismo, pero bueno”. Igual llega ese día en el que los tiempos cambien de verdad. Buen tema para iniciar una nueva tertulia. —D.D.

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junio 2026 #27

Julieta Venegas

Nuevo álbum

"Norteña"

YA DISPONIBLE

.EL RETROVISOR La rareza Blakroc (2009)

Aunque no haya evidencias en la portada de este proyecto-disco respecto a la autoría de The Black Keys, son sin embargo sus dos miembros los instigadores de una arriesgada y estimable empresa donde entregan su escritura a una múltiple galería de intérpretes pertenecientes a la escena hip-hop y R&B, como Q-Tip, Ol’ Dirty Bastard o Pharoahe Monch entre otros. Bajo la producción de Damon Dash, experto conocedor de dicho entorno, la traslación del orgánico ecosistema del rock al fraseo irreverente funciona con igual solvencia en su manifestación más envolvente o por medio de su recitar lenguaraz. La siempre aludida disputa entre la música urbana y aquella filtrada entre electricidad en busca de una supuesta hegemonía en el discurso, aquí sabe convertirse en una recomendable alianza de iguales a los que solo les separa el dialecto tomado de una raíz común.

The Black Keys

Si el dúo formado por Dan Auerbach y Patrick Carney irrumpió en el siglo XXI como un proyecto enfundado en un potente sonido de blues-rock setentero, su pronta y oportuna evolución les ha conducido a ser una de las referencias esenciales en lo relativo a conducir los viejos ritmos afroamericanos hacia un terreno contemporáneo y heterodoxo. Los volveremos a tener actuando en España el 13 de septiembre en Movistar Arena (Madrid). El imprescindible Brothers (2010)

Contextualizado por un momento de parón, consecuencia de los malos entendidos grupales y el traumático proceso de separación de su batería, el regreso a los vínculos artísticos y personales se firma con un extraordinario álbum que comprende y asume a la perfección lo que significa reivindicar las herencias musicales preté-

ritas desde el presente. Capaces incluso de engendrar melodías con las que colonizar las pistas de baile, como demuestra “Tighten Up”, sin embargo el mérito absoluto de estas composiciones habita en su aparente facilidad para construir un idioma propio, y desde ese momento absolutamente reconocible, a partir de las aportaciones legadas por el rhythm and blues, soul o blues. Géneros personalizados por momentos a través de Jimi Hendrix, una sombra exprimida en el sobresaliente y clásico “Rubber Factory”, o T. Rex, pero que sitúan su verdadero anclaje en una reconversión de la tradición, reproduciendo un sonido en blanco y negro que pocas veces ha contado con tanto colorido.

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La decepción No Rain, No Flowers (2025)

Si todo grupo, ya sea por prescripción promocional o por plena convicción, señala a su más reciente creación como su hijo predilecto, la última referencia –antes de la publicación de su nuevo “Peaches!”– del dúo de Akron representa en su árbol genealógico una rama suspendida por el tedio y el adocenamiento. Un poco estimulante resultado en el que ni las proclamas bailables ni los medios tiempos, ni por supuesto una épica poco aprovechable, consiguen enunciar un diálogo cautivador. Al contrario, este trabajo da síntomas, esperemos que eventuales, de ser consecuencia, inspirándonos en su su propio título, de una sequía inspiracional incapaz de germinar ningún tipo de flor especialmente digna de contemplación.

—KEPA ARBIZU junio 2026 #29

Admire Arte en vena Lo que hace a una artista única es crear desde un lugar propio y personal. Y eso es precisamente lo que hace Admire, una artista a la que ya se compara con nombres de referencia como Rosalía y Judeline, pero que parte desde una base radicalmente diferente. Así lo demuestra en su álbum debut, “REVELACIÓN” (Autoeditado, 26).

premonitoria. Después ya empiezas a renacer y encontrar el nuevo mundo. Es un poco ese ciclo del viaje de uno que se va a repetir no sé cuántas mil veces a lo largo de la vida. También me he fijado mucho en el orden que quería y a veces me faltaba un hueco y era como ‘Vale, necesito una canción que hable de este sentimiento’. Por ejemplo, ‘Nostalgia Peligrosa’ apareció la última porque era un sentimiento que yo no pensaba que entraría dentro de ese viaje, el recordar y anhelar un pasado. Me pasó en mis apocalipsis personales y me pareció curioso el decir: ‘No pensaba meterla, pero al final sí’”.

S DIFÍCIL ENCONTRAR un álbum en el que baladas y dembows sean capaces de convivir, más aún en el que lo hagan con una armonía y significación innata para crear la narrativa de todas las Mireia que habitan en Admire. “El inicio es de las trompetas del Apocalipsis que anuncian que se viene el final del mundo para ti al menos. Es una intro muy

EN SU DEBUT, Admire no solo ha contado lo que quería, sino que también lo que no le quedaba más remedio. Así nacen canciones como “SUPERMAN” y “SEFUE”. “Las canciones más viscerales te salen sin pensarlas. ‘SUPERMAN’, de hecho, ni la pensaba hacer. La hice para mí porque me acosaron por la calle y la necesitaba para sanar. Se la mandé a una amiga y me dijo ‘Esto lo tienes que sacar’

TAN.LEJOS TAN.CERCA

RR Los irlandeses Gurriers, uno de los nombres del momento, han anunciado su nuevo álbum, “Nobody’s Coming To Save You”, que verá la luz el próximo 25 de septiembre a través de [PIAS]. Lo presentarán en nuestro país. RR Alcalá Norte vuelven con

RR El hombre acusado de robar música inédita de Beyoncé en 2025, Kelvin Evans, ha aceptado un acuerdo de culpabilidad de última hora. Evans ha sido condenado a cinco años, de los cuales dos los cumplirá en prisión y el resto en libertad condicional, tras declararse culpable.

“Los Llamados Pitagóricos”, segundo adelanto del que también será su segundo disco a publicar en algún momento de este mismo año. El tema se suma a la anterior “El Hombre Planeta”.

RR Repion han transformado su canción “Columnas” como parte de una sesión acústica que se publicará al completo el próximo 5 de junio, y de la que

Nil Moliner La reconstrucción Nil Moliner firma con “NEXO” (Warner, 26), un disco que, desde la honestidad y la pausa, reafirma el vínculo inquebrantable que mantiene con su público. Desde aquellas primeras salas hasta el impacto de llenar grandes recintos, su carrera ha sido una evolución constante.

#30 junio 2026

scerales “Las canciones más vi te salen sin pensarlas”

S PRECISAMENTE la madurez de Nil Moliner la que articula “NEXO”, un álbum que funciona como un ejercicio de sinceridad tras un periodo de introspección consciente. Como bien reconoce el propio artista: “Miro para atrás y pienso: ‘He actuado en el Movistar Arena, en el Navarra Arena y en el Palau Sant Jordi’. ¡Jolín, qué guay poder recordar que, en esas tres ciudades, también empecé haciendo salas de ciento veinte personas!”. En todo caso, el disco no nace de la inercia, sino de la crisis. Tras la gira de 2022, Moliner tomó una drástica decisión: parar. La fatiga acumulada le llevó a una pausa de año y medio,

un tiempo durante el que buscó refugio en Madrid, intentando descifrar un vacío que no lograba llenar. La revelación llegó de la forma más pura posible. “Todo se me curó el 20 de abril del 2024 cuando volví a subir al escenario”. Fue ahí, al reencontrarse con el público, cuándo entendió que su identidad artística está profundamente ligada a esa conexión con el público. “NEXO” es el resultado de dos años de composición sin presión, en tiempos de inmediatez, permitiéndose el lujo de la calma y la reflexión. En lo sonoro, el álbum es una mezcla de texturas en la que cada canción mantiene su independencia, pero a la vez todo está conectado. Si bien la influencia de los ritmos latinos sigue presente —como en “Ya no estoy triste”, un son cubano nacido de la complicidad con sus colaboradores Nico y Pablo—, el disco es un

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FOTO: NEUS LIRIA

MONDO FREAKO y yo como ‘¿Qué dices?’. Creía que todas las mujeres se podían sentir identificadas y yo creo que la valentía como artista está ahí. De desvincularte como persona, como Mireia, para crearlo como artista. No te lo tomes como que lo he escrito yo, empatiza y tómatelo para ti. Ser muy vulnerable y aprender a desvincularme del juicio ajeno y ser lo más libre posible ha sido un trabajo, por eso también lo valoro mucho de los artistas a los que escucho”. Esa libertad es la que le permite navegar sin miedo entre el beat y la austeridad, el baile y la confesión. “Con el álbum quería explorar todas mis facetas. A mí me encanta bailar, ponerme un dembow, pero también necesito que la gente me escuche por mis letras, que como canal de expresión para mí es muy importante. Siempre estoy a disposición del mensaje o de la historia que quiero contar. Si una emoción requiere lo que sea usaré todos mis recursos para mostrar eso. Si estoy diciendo ‘Vamos al bajomundo. No importa lo que pase mañana porque ya se ha acabado el mundo. Vámonos de fiesta’ usaré un dembow. Si estoy hablando de perdonarme a mí misma para volver a enfrentarme al mun-

ENTRE EL NEOLIBERALISMO y el anuncio de coach sin titular se encuentra el eslogan “Si te esfuerzas cumplirás tus sueños”. A mí, personalmente, me genera rechazo, pero aplicado a Admire lo entiendo como esperanza. Una artista que, sin apenas apoyo y recursos tangibles, ha cumplido su sueño de tocar en Apolo, como plasma en su documental “Admire: Road to Apolo”. La primera vez que lo pensé fue viendo a Mon Laferte tocando allí hace no sé cuántos años. Siempre he sido muy ambiciosa y, cuando cumplo algo, ya estoy con lo siguiente. Ha sido una de las cosas que más he tenido que trabajar porque me creaba mucha frustración. No me daba el tiempo de decir ‘Hostia, que he tocado en Apolo’, después de todos estos años que he querido esto”. —MARTÍN P. CORRAL

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nour”. En ellos encontraremos colaboraciones de gente como Future, Molly Santana, 21 Savage, PartyNextDoor, Central Cee, Popcaa y otros.

también formarán parte “Me sabe a poco” y “Cerrar los ojos”. RR Barry B ha publicado el single

“Silverado”, primera canción que sirve de adelanto del que será su próximo trabajo tras “Infancia Mal Calibrada”, lanzado el pasado año.

RR Tras agotar todas las entradas en pocas horas, el espectáculo “A Night of Mellon Collie and Infinite Sadness” con Billy Corgan, recuperando las canciones del disco de The Smashing Pumpkins que le da título a la gira, pero en formato orquesta, suma una segunda noche en Madrid. Podremos asistir los días 11 y 12 de septiembre en el Palacio Vistalegre. —MS

RR Drake ha batido varios récords de streaming en lo que llevamos de año tras publicar –el pasado viernes 15 de mayo– por sorpresa nada menos que tres álbumes de manera simultánea: “Iceman”, “Habibti” y “Maid Of Ho-

tar “Para mí es esencial esrar creando, y no voy a pa nunca”

do o de un abuso, pues siento que usaré otros instrumentos y otros recursos. Por eso, cuando me dicen que soy cantante de afrobeat y dancehall pienso ‘Bueno, pues por ahora’”.

tejido en el que conviven mundos sonoros distintos. El artista ha optado por una producción colectiva, arropándose en nombres como J. Cruz, Liam o Mapache, consolidando una dinámica de trabajo que eleva el proceso de creación y permite que cada canción respire con personalidad. En este mapa emocional hay paradas obligatorias que definen el carácter del disco. La canción “Alex” destaca como una pieza terapéutica una canción sobre el duelo compartido que ha mutado en cada escenario, convirtiéndose en un momento de comunión colectiva con su público, donde las historias personales de sus seguidores se entrelazan con la suya propia. “Es una parte de terapia muy bonita; lleva el nombre de Alex, pero también lleva el nombre de mucha gente que he perdido en mi vida y, seguramente, la gente

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cuando la escuche cambiará ese nombre de Alex”. “NEXO” se cierra con “Bonanit”, un homenaje a sus raíces y a la nostalgia adolescente, rescatando ese imaginario de campamentos y guitarras alrededor de la hoguera —con guiño incluido a Els Pets— que ha formado parte de su educación sentimental. La ambición de Moliner se centra en la propuesta escénica de esta nueva etapa. Sobre esta gira confiesa que “es algo que hacía mucho que no sentía, esa emoción y esa ambición. Volver con algunas canciones al Nil de quince años, es algo que no me esperaba que pudiese pasar. Qué sorpresa encontrarte con ese recuerdo, darle la mano, abrazarlo y escribirlo”. —MARTÍN P. CORRAL

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junio 2026 #31

MONDO FREAKO

My New Band Believe Un folk de Lo único bueno de las separaciones de grupos como black midi es que aseguran nuevas carreras individuales. No era el plan inicial del joven Cameron Picton, que publica ahora su brillante debut “My New Band Believe” (Rough Trade/ Popstock!, 26), bajo ese mismo nombre. Además, ha agotado todas las localidades para sus conciertos en nuestro país.

AMERON PICTON se ha acercado a Madrid para presentar un álbum que nos muestra su versión del folk psicodélico y progresivo británico. En los jardines de la plaza de Oriente le comento que tuve el privilegio de ver a black midi en la única gira que hizo con su ex banda por nuestro país. Fue en El Sol, donde desplegaron una actuación memorable. Tenía entonces diecinueve años. Pero black midi ya no existen, y estamos aquí para hablar de su debut. Cameron insiste en que le daba pereza lo de hacer un disco por sí mismo después de la separación. Aunque el británico habla español –su madre es profesora– prefiere que nos entendamos en inglés. Me habla sobre este álbum, que él ve más como un proyecto colaborativo. Por la tarde nos regalará un espléndido concierto en un local de Huertas junto a otro guitarrista. “No me gustaba la idea de que hacer un álbum en solitario sea lo que hay que hacer por defecto cuando se acaba un grupo. Me resultaba aburrido, tópico. Así que empecé a componer, pero como si fuera una cosa del momento. Ya lo había empezado a hacer cuando el grupo se estaba rompiendo, y justo después”, dice al respecto.

ner estas canciones y a tocarlas con ellos, probando si eran buenas o no, y viendo qué pasaba. Simultáneamente, hablamos de la posibilidad de hacer un disco colaborativo. Al final estas dos cosas confluyeron en el álbum”. Cameron no descarta que hacer un disco tan acústico fuera una reacción a la electricidad caótica de la que venía, pero además “desde adolescente, durante toda mi vida, siempre he disfrutado mucho tocando música de guitarras compuesta para acústica. Al final, ha sido una cosa ideológica, pero también práctica, porque si añades guitarras eléctricas se comen a las acústicas”. En cuanto a las fuentes de las que bebe su debut –música compleja, pero por momentos accesible–, admite estar “muy influenciado por los guitarristas ingleses del revival folk

de finales de los sesenta y primeros setenta: Bert Jansch, John Renbourn [ambos, parte de la mítica formación Pentangle]… Discos que no estaban modernizando el folk, sino haciendo su propia versión de la tradición. Yo no veo mis canciones como folk, pero sí trato de presentar una nueva forma de hacer música de cantautor”. EL BRITÁNICO grabó en su pequeño estudio y en otros del país para no tener que reservar con meses de antelación, y ganar así inmediatez y flexibilidad. “Normalmente decidíamos grabar en el último minuto, y buscábamos cualquier lugar que estuviera disponible. Grababa las guitarras con el batería y luego añadíamos capas o quitábamos cosas a partir de esa base. En

#32 junio 2026

FOTO: ARCHIVO

EL PROBLEMA es que “el final de black midi no fue divertido, así que en ese momento no me apetecía montar otra banda, de manera que llegué a este punto de hacer algo con una base individual”. Al principio, la idea era colaborar con Caroline (formación también de Rough Trade), de modo que no fuera “ni una cosa en solitario ni un grupo”, y que “no implicara un gran compromiso durante mucho tiempo. Empecé a compomondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“El final de black midi no fue divertido”

otra manera realidad, el disco está súper editado”. Le digo que eso, teniendo en cuenta el sonido orgánico al que ha llegado, me resulta sorprendente. Él asegura que el concepto creativo que maneja es un punto de partida de cara al futuro. “Quiero desarrollarlo. Tengo un montón de canciones nuevas. Este es un disco en solitario, pero en cierto modo no lo es. Me gustaría hacer algo que fuera más un grupo, pero con mucha flexibilidad, aunque quizá eso no pueda ser”. Ahora espera sortear los problemas asociados a un “grupo”. “Con veintiún años no tienes por qué lidiar con los conflictos de forma madura. Con veintiséis, las cosas caen por su propio peso. Ahora tengo más experiencia y sé con quién va a ser bueno trabajar sorteando los problemas. Y el grupo es muy flexible. No hablo específicamente de black midi, pero con muchas bandas lo que pasa es que la gente cree que no tiene otra opción. Se convierte en una obligación porque llevas toda la vida con esa gente. Conozco a muchos músicos que serían felices dejando su banda, pero que no pueden hacerlo. Y no se trata de dinero, es simplemente que lo hacen con sus colegas. Creo que es una mala motivación para hacer música”. Su teoría me resulta interesante. “Es una inercia rara, sí. Y pasa porque mucha gente empieza el grupo con dieciséis o diecisiete años. Luego cuesta parar, porque girar y hacer discos es emocionante, y no quieres quedar mal con tus colegas. Es difícil. Por eso la idea de este ‘grupo’ es muy abierta. Al final de cada disco o cada gira veremos si nos apetece seguir”. PICTON SUBRAYA la vitalidad de la escena londinense en la que se desenvuelve. “Está en constante evolución, porque mucha gente se muda a Londres específicamente para hacer música. Pasan muchas cosas y todo está interconectado. Este disco ha sido en cierto modo un intento de conectar con ese mundo, porque como con black midi giramos tanto, no tuve oportunidad de tocar con otra gente”. Cameron termina hablando de dinero e industria con la misma sobria sensatez. “Mi experiencia con el lado monetario de la industria musical se limita esencialmente al directo. Con black midi nuestros números de streaming estaban bien, pero no eran locos. El sello ganó la mayor parte de los ingresos con las ventas físicas”. Y esa es una situación que presumiblemente se va a prolongar con este proyecto. —JC PEÑA

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EN CONCIERTO l Madrid 02 noviembre mayo. Cadavra R

l Barcelona 03 noviembre mayo. Paral·lel 62 Club

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WALA. WALA.

“En la cima hoy está Rosalía, Karol G, Bad Bunny… y mañana serán otros. Los hay que se obsesionan por permanecer mucho tiempo en la cima, pero son muchos los que se han ahogado, porque el oxígeno escasea y se respira mal” Enrique Bunbury en Ruta 66

“Me he visto inmersa en situaciones que no tenían nada que ver conmigo. Pero necesitaba experimentar para descubrir quién soy” Grace Ives en NME

“En mucha música actual falta la sensación de peligro. Lo desconocido. De qué va a pasar. Te pone en una situación en la que no estás cómodo, o en la que no sabes qué esperar” Greg Anderson de sunn o))) en Rockzone

“No me gusta que me llamen ‘el futuro del rock’. No me gustaría que la gente piense que yo he dicho eso. Soy un chico de clase media y nunca lo he escondido, sencillamente hago lo mío” Yungblud en The i Paper

“VER LAS DIFERENTES REACCIONES A MI CANCIÓN ‘ROCK MUSIC’ HA SIDO MUY INTERESANTE. MIS AMIGOS Y YO HEMOS ESTADO HABLANDO DE CÓMO, EN CIERTO MODO, NOS RECUERDA AL DEBATE INICIAL SOBRE PC MUSIC” Charli xcx en redes sociales junio 2026 #33

MONDO FREAKO

n de un millón “No sentimos la presió sorprendidos de fans esperando sers” por líricas mesiánica

Emilia, Pardo y Bazán

La hora de la resaca

El ahora quinteto regresa con “Qué ha sido de los planes que hicimos anoche cuando estábamos borrachos” (Mushroom Pillow, 26), empático título que corresponde al que es su tercer álbum, con el que banda surgida en Talavera de la Reina continúa perfilando su personalidad artística.

UENTA LA LEYENDA que Emilia, Pardo y Bazán nacieron en la puerta de un cine de la localidad toledana de Talavera de la Reina. De eso hace ya tiempo y, tras “El mal de la juventud” (21) y “La fiesta que me prometiste” (24), la formación presenta el que es su tercer larga duración, “Qué ha sido de los planes que hicimos anoche cuando estábamos borrachos”. “Sabíamos lo que no queríamos perder, y mantenernos firmes en!la libertad creativa era esencial. No somos un grupo de masas; no sentimos la presión de un millón de fans esperando ser sorprendidos por líricas mesiánicas y melodías jacarandosas. Nos agarramos a una máxima universal y bizarra ‘Hagamos lo de siempre, pero hagámoslo como nunca’”. El resultado es un disco de claroscuros que focaliza en esa dualidad uno de sus atractivos.

#34 junio 2026

“Se parece bastante a la vida, ¿no? Hay mucho de confesional y de nostalgia de la mala, de la de cosas que no has llegado a vivir por miedo. Un disco de nubes y claros. La tristeza más difícil de superar deja siempre un gusto alegre en el cielo de la boca. El disco alberga una especie de tristeza alegre”. EL DISCO SE HA GRABADO junto al el ex Ellos Guille Mostaza en su estudio Álamo Shock, algo que resultó determinante en el perfil sonoro de la obra en cuestión. “Consideramos a Guille Mostaza una Emilia más. Hicimos un curro previo de demos y al entrar al estudio tenía muy claro lo que quería. Es receptivo, creativo y comunicativo, y Álamo Shock uno de los lugares más acogedores del planeta. Nos encantó la idea de un disco conceptual que planteó y, junto a Diego Perinetti, hicieron que diez canciones se convirtieran en un disco con hilo conductor preciso y precioso”. Las letras de Emilia, Pardo y Bazán pueden manifestarse como lúcidamente costumbristas, aunque sus autores apostillan la afirmación. “Es un término algo impreciso, puesto que depende de las costumbres de cada cual. Pero es cierto que nuestras costumbres se plasman en las canciones. Ahora quizá hay un deseo de volver a ese sitio en el que nos quisieron: a la ideología, a las raíces o al pueblo”. En el decálogo que nos ocupa también caben algunas dosis de romanticismo implícito. “Nos confesamos emocionalmente demagógicos, pero no

es intencionado. Percibimos la realidad con una pasión desmedida, mediterránea y a veces cruel. Nos encantaría viajar al pasado y darle a Baudelaire una amoxicilina para evitar su muerte causada por la sífilis y salir con él una noche de farra. Nos enamoramos con facilidad de lo hermoso, pero con lo feo (neoliberalismo salvaje, el sionismo, Trump o la especulación inmobiliaria) ni olvido, ni perdón. La confrontación es la única salida”. En este conjunto de canciones tampoco falta la ironía (por ejemplo, en el sencillo “Acto de navidad”), una cualidad que, a veces, supura durante la escucha y que también define, al menos parcialmente, al propio proyecto. “La ironía nos resulta sencilla. Es una forma de escondernos de la realidad y abrazar el cinismo. En ese tipo de canciones no demandamos nada, no duele tanto, no precisamos esa dosis de ternura que, aún en silencio, reclamamos a gritos”. “QUÉ HA SIDO de los planes que hicimos anoche cuando estábamos borrachos” es el tercer disco de Emilia, Pardo y Bazán, y, como es lógico, presenta novedades con respecto a referencias previas. “Se podría decir que el primero era más irónico. Al ser la presentación quizá no nos atrevimos a ser tan confesionales como en el segundo. Ese segundo álbum estaba muy condicionado por el momento vivido: una vida más urbana, una sensación de ser fracasados a los que el éxito acariciaba las mejillas sin

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llegar a besarnos. Hoy sabemos que el éxito es seguir siendo lo que somos: amigos que hacen música, que se quieren y tratan de huir del ruido haciendo más ruido todavía”. Es complicado hablar con el grupo y no preguntar acerca de un título que, de paso, se antoja de lo más empático. “Es una frase de la película ‘Parthenope’ de Paolo Sorrentino. Define a la perfección cómo nos encontramos y refleja algo que nos sucede de manera habitual. Salimos, bebemos y embriagadas de ambición creativa y política hacemos planes imposibles que nunca llegamos a ejecutar. Una pena, pero te aseguro que mientras los planeamos son tan hermosos que merece la pena pasar el trance de no llevarlos a cabo”. Para terminar, procede interesarse por sus conciertos y por la hipotética gira que seguirá al lanzamiento de “Qué ha sido de los planes que hicimos anoche cuando estábamos borrachos”, primero dentro del circuito estival de festivales y después al cercano amparo de las salas. “Los conciertos son un eterno retorno al principio, como si un pintor impresionista de repente se metiera en la cueva de Altamira y tratase de realizar un bisonte. Quiero decir que, en directo, somos lo que fuimos cuando empezamos: punkis, sexis y de provincias. Hay varios festivales previstos, como Islasónica en Huelva, El Vid en Ciudad Real o Creampop en Altea, y también estaremos en Burgos. Estén atentos a nuestras redes”. —RAÚL JULIÁN

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junio 2026 #35

Angine De Poitrine Diez ingredientes de su fórmula Salvo que vivas aislado en una cabaña en lo profundo del bosque maquinando oscuros proyectos, es muy probable que en los últimos meses te hayas cruzado con Angine De Poitrine. Bien, pues aquí te descubrimos las claves para entender mejor su propuesta. —TEXTO Óscar Alarcia

NGINE DE POITRINE son ese dúo canadiense de rock cuyos miembros tocan embutidos en aparatosos trajes dadaístas, con narizotas de papel maché y la piel pintada a topos blanquinegros, que recuerdan a algo a medio camino entre fichas de dominó gigantes y el disfraz de ducha de Daniel LaRusso en “Karate Kid”. Se han convertido en uno de los fenómenos musicales del momento, especialmente a raíz de su paso por la influyente emisora de Seattle KEXP, el pasado mes de febrero. Con un Internet más controlado que nunca por un puñado de malvados trillonarios, atestado de ragebait y repugnantes contenidos generados con inteligencia artificial, la irrupción de Khn y Klek de Poitrine en la industria, machacando el algoritmo con sus loops de bajitarra, su juguetona propuesta bailable y esa fiesta Illuminati que proponen en vivo, ha sido una bocanada de aire fresco. Y está generando un culto a su imagen como no se veía desde los Teletubbies. Para el gran público son “una banda graciosa de Internet”, un meme fascinante pero intercambiable. Sin embargo, es difícil negar que, bajo la deliciosa pantomima, hay dos músicos con un talento desorbitado, que ejecutan un estilo de math rock minimalista pero agresivo e hipnótico, que no para de #36 junio 2026

generar adhesiones. Si has llegado hasta el castillo de Oz y miras detrás de la cortina, descubrirás que no hay mucho más misterio detrás de ese sonido que la constancia y la experiencia: esta pareja de squatters de Quebec llevan más de diez años tocando juntos, desarrollando ese sonido y esa imagen. Pero no hace falta ser un músico experimentado para valorar sus compases de relojería, el exotismo de sus melodías y cadencias, la compleja arquitectura de esas composiciones que se deslizan más allá del compás cuaternario y la escala jónica: el mundo entero, desde el niño a la abuela, está reaccionando con emoción y jolgorio a este carrusel exoplanetario y microtonal. Habitan su propio rincón musical, un Planeta Imaginario de aspavientos tribales, tiradas de dados, pirámides, manzanas doradas, perritos calientes y misterios insondables. Son un fenómeno intransferible, pero tal vez podamos escarbar un poco y proponer diez de los ingredientes que forman parte del cóctel Angine De Poitrine:

álbumes como “Red” (74) o “Discipline” (81) encontramos muchas pistas que llevan hacia el hardcore y el math rock.

King Crimson

No creo que sea casualidad que Les Claypool haya colaborado a lo largo de su carrera tanto con King Crimson como con The Residents… Retozan en ese mismo limbo primordial de todo el rock que se percibe juguete, ficción, utopía, videoclip de plastilina en movimiento. Toda la carrera

Una banda multitudinaria de rock progresivo y sinfónico, con todo un arsenal de instrumentos. Pero los fraseos de guitarra de Robert Fripp, persistentes y repetitivos, destacaban por encima de todo. Su discografía es inabarcable y variada, si bien en

The Residents

Al margen del furor microtonal que se ha desatado en YouTube, Angine De Poitrine han abierto otro debate acerca de las pintas de los grupos. ¿Llamarían tanto la atención entre el público mayoritario si separásemos su puesta en escena de su música? Pues probablemente no, ¿por? ¿Qué necesidad hay de separarlo? El rock siempre ha sido una pasarela, un circo. La imagen es importante y el toque carnavalesco es un aliciente. Con esos globos oculares gigantes por cabeza, The Residents fueron durante décadas, además, máximos defensores del anonimato y la alta extrañeza: con sus faralaes punteados, Angine no sólo están llamando nuestra atención desde el plano extramusical, sino también diciéndonos: “¿Qué más dará quiénes somos en realidad? ¡Abraza nuestra fantasía!”.

Primus

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ESPECIAL

de Claypool es otro claro ascendente: una fantasía plástica, cromática y temática que orbita en torno a machacones, mesmerizantes, irresistibles loops de bajo apuntalados por la guitarra de Larry Lalonde y una batería pétrea y mecánica.

Ozric Tentacles

Este prolífico, incansable quinteto británico fabrica un rock espacial de metrónomo, obstinado y reiterativo como pocos, a veces rozando el breakbeat. Es verdad que abusan de teclados, samplers y psicodelia en algunos discos, pero la estructura de su música es prima hermana de los de Quebec.

Nomeansno

En Angine puede haber trazas de prog-rock experimental, pero el origen de sus miembros es el hardcore punk, y pocos ejemplos de virtuosismo sincronizado a la hora de percutir riffs pertinaces que los también canadienses Nomeansno o los inmensos fIREHOSE.

The White Stripes

Probablemente, la banda de Jack y Meg White fue el primer power duo que irrumpió en el mainstream. Este tipo de formación no es tan extraña o inédita (ahí están Flat Duo Jets, The Bassholes, The Kills, Royal Blood, los también canadienses Japandroids o los

españoles Bala, Za! o Cala Vento, por citar unos pocos), pero es lógica la sorpresa al descubrir que todo ese ruido lo hacen sólo dos almas sobre el escenario. Con la colección de pedales y la guitarra/bajo de dos mástiles que maneja Khn de Poitrine, estamos además ante un dúo cuya mitad es un hombre-orquesta.

ClownC0re

El delirio viral que están desatando tuvo un claro antecedente hace una década con este otro dúo de California de inquietante presencia: máscaras de payaso, monos de faena, encerrados en un sanitario portátil o una furgoneta, haciendo grindcore salvaje. Uno toca la batería y un teclado a la vez, mientras el otro se desgañita junto a otro teclado o soplando un saxo de juguete.

La Poexe

No quiero romper la magia, pero como ya he dejado caer creo que es justo reconocer que detrás hay una trayectoria profesional. Exudan esa clase de pasión por el rock que muy a menudo se traduce por “incapacidad de hacer otra cosa”. El grupo de doom metal Project RL, La Poexe o la comuna de improvisación ruidista Le GGRIL son algunos de sus antecedentes directos. Québec Redneck Bluegrass Project están al frente de la pequeña discográfica que ha editado

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su segundo disco, tienen por maestros locales a artistas como Alain Caron u Olivier Tremblay y en su casilla de Spotify comparten una lista con varios de sus amigos Du Québec.

King Gizzard & The Lizard Wizard

Este sexteto australiano, que también se ha ido popularizando en la última década gracias a su constancia y su talento, navega en unas aguas próximas a las de nuestro dúo alienígena favorito, mezclando garage e instro surf con un toque psicodélico y folclórico que los ha llevado a lo más alto. Podemos citar también, dentro de esta nueva ola de post-math bizarro, a los mexicanos Austin TV, Battles, Horse Lords, Animals As Leaders…

The Friendly Frogs Freak Show Si has venido aquí sólo por la diversión y la mamarrachada, que sepas que Angine tienen en Quebec un grupo de colegas gamberros, con pintas aún más estrafalarias, una puesta en escena no menos narcótica y una propuesta instrumental sorprendente, entre el jazz y el funk. Quién sabe, puede que se conviertan en tu nueva banda favorita antes de que devoren el algoritmo de un lengüetazo. —O.A.

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junio 2026 #37

MAÑANAS DE EUFORIA

NUEVO DISCO

39/Mondo VINILOS 8

Niña Polaca

¿Dónde está la ONU cuando más la necesitas? Subterfuge

INDIE ROCK / No podemos decir que

el tercer trabajo de Niña Polaca sea un disco canónicamente político (le faltaría todavía mucha más mala baba para ganarse semejante etiqueta), pero sin duda sí se trata de su repertorio más autoconsciente y maduro. Es el signo de nuestros tiempos, funcionando aquí como resorte de un cancionero que amansa la desafección existencial con arrebato y saña. A su prosa encabronada le acompaña una producción estilizada que recae en el rock castizo (“Policía-Hachís”), los himnos de estadio (“William Wallace en Lacaster”), la ternura sabinera (“Contigo”), la canción protesta reimaginada (“La codicia y capital de las fuerzas extranjeras”) o la psicodelia sinfónica (“La Platería”). La banda abandona el canallismo malasañero de postín para ofrecernos una llamada a la insurgencia doméstica donde el amor contestatario nos hace a todos responsables de que la última palabra no sea de los de arriba. —fran gonzález Bon Iver

Volumes: One (Selections From Music Concerts 1019 – 2023 Bon Iver 6 Piece Band) Jagjaguwar/ Popstock!

Kneecap abren su abanico Kneecap

Fenian Heavenly/[PIAS]

8 RAP / Paso a paso, prosigue el destilado pro-

gresivo de Kneecap hacia formas menos old school, enriqueciendo su paleta sonora con nuevos sabores en una fórmula que, desde el primer corte de su tercer álbum, deja claro que ahora mismo es permeable a una integración trip-hop de tonos dream-pop, tal que en “Éire go Deo”, y de que salgan bien parados en el intento o de armar un refinado afrobeat en “Carnival” como si lo llevaran haciendo toda la vida. Pero que nadie se piense que, más allá de una mayor ambición en sus necesidades expresivas instrumentales, se han enfundado las pistolas para la ocasión. Ni mucho menos. En este sentido, ahí reluce la reivindicativa “Palestine”, con la presencia del MC palestino Fawzi, y una tónica general rítmica que suena a la versión irlandesa de Run The Jewels. Poca Broma. Así sucede en pildorazos de flow irresistible como “Smugglers & Scholars”, cortes que subrayan

la intención del trío por no bajar ni un ápice la guardia ante el desolador contexto social de hoy en día. Aun así, este “Fenian” también aporta nuevas vías expresivas líricas a través de gemas como “Irish Goodbye”, cierre por todo lo alto en un corte en el que Móglaí Ba exorciza el dolor de convivir con el recuerdo del suicidio de su madre, acaecido en 2020. Para ello, se hace acompañar por el infeccioso spoken-word de Kae Tempest, en el que podemos considerar pináculo de Kneecap hasta el momento. Pero “Fenian” contiene más razones para ser considerado un triunfo total. Una macedonia estilística en la que tanto se envuelven en las matemáticas punk de Prodigy en “Liars Tale” y, sobre todo en los breakbeats anfetamínicos de “Headcase”, como nos recuerdan que, ante todo, estamos ante un modélico híbrido de hip-hop y grime, del cual “Big Bad Mo” quizás sea el ejemplo más elocuente. Sea cual sea la deriva tomada, la pulsión digital está cada vez más presente en un trabajo que derrocha frescura por los cuatro costados, sin inventar nada nuevo, sino simplemente (y aquí está lo difícil) sumando flexibilidad en un tratado hip-hop que, cuanto más caleidoscópico es, más suena a Kneecap. —marcos gendre

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INDIE FOLK / Los directos de Bon

Iver siempre ofrecen algo más. Una sofisticación, una escenografía, un despliegue de matices extra. Y como nunca hasta ahora había publicado un disco en directo, algo que se suele considerar una concesión facilona en tiempos de poca inspiración, pues la verdad es que veo más que justificado que lo haga ahora, a casi dos décadas de su rutilante debut, en la que es la primera de las entregas de una serie inspirada en los Bootlegs de Bob Dylan y en los archivos de Neil Young. Acompañado de otros seis espléndidos músicos y reafirmando el rol de Bon Iver como banda de pleno derecho, Justin Vernon esgrime una versión intensa y refinadísima de clásicos de su última década de carrera. Pese a que todas pertenecen a conciertos distintos, no se aprecia discontinuidad en su tracklist. Señal de la deslumbrante fiabilidad que ha adquirido su directo. Una delicia.

—carlos pérez de ziriza

junio 2026 #39

MONDOVINILOS

Robyn

Sexistential Konichiwa/ Young

—

POP ELECTRÓNICO / Robyn

nos tiene acostumbrados a la excelencia pop y a las largas esperas. La llegada de “Honey” (2018) dejó el listón bien alto con un álbum fuerte, redondo y con luz propia. Pero los años pasan y el tiempo siempre vuelve a ejercer su misión de transformarnos para exponernos a otras etapas vitales que nos hacen evolucionar. Es así como, tras aquella pieza, la vida de Robyn echó el freno, la artista aprendió a entender la soledad, a valorar aún más la individualidad… Pero también quiso abrazar los cambios, lo nuevo y sumergirse en el terreno de la maternidad. “Sexistential” supone el resultado de todo lo expuesto, un disco de reconexión en muchos sentidos y de comprensión en tantos otros. Un álbum que avanza, pero va sobre seguro. De ahí que vuelva a ir de la mano de Klas Åhlund y Oscar Holter, o aparezcan en créditos figuras como Max Martin, Joseph Mount de Metronomy y Svein Berge de Röyksopp. —álex jerez Skindred

You Got This Earache

Foo Fighters siguen jugando Foo Fighters

Your Favorite Toy RCA/Sony

7 ROCK / El treinta aniversario de Foo Fighters como banda no pudo llegar en un momento más extraño. A mediados de 2025, Dave Grohl atravesaba un momento duro a nivel matrimonial y familiar, y su banda acababa de prescindir de los servicios de un gran batería como Josh Freese. Sea como sea, la celebración suponía una gran oportunidad para reconectar con la esencia de una banda fundada en 1995. Así, si en el anterior trabajo, “But Here We Are” (23), la música jugó un papel catártico tras la dolorosa pérdida de su amigo y compañero Taylor Hawkins; en el actual “Your Favorite Toy”, encontramos un “back to basics” de manual buscando la frescura y el descaro que perdieron con los años. El duodécimo disco de la banda, el primero con Ilan Rubin como batería titular, es un trabajo rebosante de

#40 junio 2026

energía con un sonido crudo, sin florituras, firmado por una banda con ganas de avanzar, disfrutar como la primera vez y olvidarse de todo lo demás. El corte que da título al disco es, por encima de todo, una invitación a volver a confiar en ellos (“Hold fast and hold my hand/And hold me over the fire”). Con todo, la banda puede hacerlo mejor. Ahí están las iniciales “Caught in the Echo”, con la banda desatada (“Nobody here is truly free/consider this an emancipation”), y “Of All People”, un sonoro puñetazo encima de la mesa con unas guitarras dignas de Motörhead. En esta línea rabiosa también entregan la frenética “Spit Shine” y la más épica del lote, “Asking for a Friend”. Cuesta imaginar cuántas de estas nuevas canciones llegarán a calar realmente entre sus seguidores. Apuesto por “Unconditional”, un medio tiempo con mensaje esperanzador en la línea de las pretéritas “Run” y Walk” (“There are better days awaiting/It’s true”), y la emocionante “Child Actor”. Sin ser un discazo, “Your Favorite Toy” suena vivo y honesto, y a veces tampoco hace falta mucho más para pasar un buen rato. —luis benavides

METAL / Con sus miembros pisando la sexta década de vida, resulta admirable el nivel de energía que tiene este “You Got This”, sobre todo en la excelente ejecución de Benji Webbe. Su fama de frontman explosivo se traduce en cada uno de los cortes, convirtiendo el disco en un trabajo con el que hay que estar en sintonía para disfrutarlo entero. Básicamente el andar de las pistas se podría regir por la máxima que reza “una de cal y otra de arena”. El audio es efectivo y pirotécnico, bien logrado para lo que se espera aquí. Las canciones son redondas, pegadizas y súper directas siendo esto una virtud y un drama al mismo tiempo. La lista de temas se debate entre canciones que parecen caras B de Limp Bizkit en 1999 y algunos aciertos que atienden al ADN de la banda: la combinación del metal con ritmos jamaicanos. No estamos ante una obra maestra, pero el disco tiene momentos de entretenimiento, quizá chabacanos, pero los tiene. —adriano mazzeo

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José González

Tomora

Come Closer Fontana Records/ Universal

ELECTRÓNICA / Tom

Rowlands (The Chemical Brothers) y AURORA avanzan entre paisajes etéreos y espíritu ravero para entregar un sólido y brillante debut. “Come Closer” nace con la fuerza de un río capaz de arrasar con todo y se desarrolla en libertad entre espiritualidad, maximalismo y pista de baile. Un despertar creativo que, tras entregas previas, consiguen certificar a lo grande el valor del proyecto. Con este álbum relatan la ruptura de una inocencia que se quiebra, el dúo lo supo pintar bien en el videoclip de “Somewhere Else”, para alcanzar una etapa de autodescubrimiento, fascinación y evasión de la realidad. Los universos de sus dos integrantes se funden en un viaje espacial sin entorpecerse y, entre su pluralidad sonora, nos llevan a la pista con “Ring The Alarm” sin prejuicios de por medio, nos invitan a recorrer un rock progresivo en “My Baby” o se vuelven más folk-pop con “Side By Side”. —álex jerez

INDIE FOLK / José González vuelve a ensimismar con sus encantos cinco años después de “Local Valley” (21), lazando además un alegato a favor del ser humano y sus capacidades al margen de esa tiranía tecnológica que contamina su naturaleza. Un disco de aspecto orgánico en el que la voz del autor y su guitarra suponen el máximo exponente. Una preferencia con la que la más pura esencia de las canciones emerge hasta la superficie, evidenciando esas emociones latentes en las propias composiciones. Canciones acompañadas de sutiles añadidos que terminan reafirmando cada corte sin recargar su personalidad. Lejos de afrontar experimentos por otra parte innecesarios, este es un elepé con el habitual trazo limpio del sueco, que mantiene su sedoso transcurrir y consecuencias sanadoras en el oyente, con esa elegancia de cuna que, en manos del músico, brilla como la cualidad más natural del mundo. —raúl julián

POP / Tras el tono eufórico

de “Només Viure”, su anterior EP, Ginestà regresan con “Gira tot igual, però diferent”, un nuevo disco sonoramente diverso, donde optan por un enfoque más reflexivo manteniendo su característico eje temático: el amor. Lejos de repetirse, los catalanes construyen un recorrido emocional que va del flechazo inicial, al encandilamiento o la persistencia del vínculo. Quienes disfrutaron de su álbum “VIDA MEVA”, seguirán encontrando guitarras y percusiones enérgicas en canciones como “MUAMUAMUA” o “El mirall”, esta última destacando por su crudeza al mostrar una rabia sin filtros. La gran novedad es “Pau”, primera canción íntegramente compuesta por Júlia; una pieza íntima dedicada a su hermano que emociona por su vulnerabilidad y sencillez. Fieles a su estilo, Ginestà siguen convirtiendo lo cotidiano en poesía. —alejandro blasco

POP / El nuevo disco de Hnos Munoz es como ese suspiro profundo que te sale del alma en la playa en pleno verano, mirando al mar mientras asumes que este tampoco ha sido el año que esperabas que iba a ser. “Cat Fun” llega tras seis años, sin contar el EP de “Valle Niza” en 2023, y lo hace de la mano de un reseteo creativo por parte de Nacho y Alex. Un nuevo álbum anti-industria, si hablamos de ritmos de creación, que prioriza el valor artístico y la calma por encima del consumo. Una obra que añade nuevas capas a la genial identidad de Hnoz Munoz, sin alterarla y que sigue nutriéndose de esa nostalgia que tanto pesa. Priorizan así las líneas de bajo, agarrándose a la energía de las cuerdas, lo físico, revalorizando la percusión… Buscando alcanzar una sensación de concepto de grupo que te traslada al directo de todos tocando con figuras como Seye Adelekan (bajista en directo de Gorillaz) o Will Fry (Jungle).

—álex jerez

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INTERNACIONAL 1 Kneecap Fenian

2 Triángulo De Amor Bizarro Mi catedral

2 Basement WIRED

5 Dan Peralbo i El Comboi Quin goig

6 Social Distortion Born To Kill

3 Kacey Musgraves 3 Rata Middle of Nowhere No me quiero morir 4 My New Band Believe nunca My New Band Believe 4 Niña Polaca 5 Tomora Dónde está Come Closer la ONU cuando...

7 Kehlani Kehlani

6 Cervatana Cervatana 7 Ginestà Gira tot igual, però diferent

8 Jonny Greenwood, Shye Ben Tzur & The Rajasthan Express Ranjha

8 La Pegatina Fuegos del Barrio

9 The Lemon Twigs Look For Your Mind!

9 Parquesvr Mitos y Leyendas 10 Fernando Lagreca Motion Tactics

10 Foo Fighters Your Favorite Toy

Querido

Mañana El Volcán Música

Cat Fun Mushroom Pillow

NACIONAL 1 Tanxugueiras O Cuarto

Lero

Hnos Munoz

Ginestà

Gira tot igual, però diferente Halley Records

top 10.

Against The Dying Of The Light City Slang

POP URBANO / El extremeño aboga en su tercer disco por la auto-ternura, sin caer en la condescendencia, tratando de entender y poner palabras con ello al frenético paradigma que define cómo debe ser el éxito hoy día. En medio de esta dinámica salvaje, donde la música está más próxima al ultraprocesado que al arte, Lero restaura una ilusión marchita y vituperada por lógicas ilógicas, recordando cómo era entregarse a la pasión antes de que un algoritmo intruso lo echara todo por tierra, y jugando sus mejores cartas, o al menos sí las más retozonas, cuando toca. Tena estima innecesario exhibir con evidencias el eje rector de su discurso, apostando más bien por soterrarlo bajo un romancero torcido que combate el marco viciado de su oficio con sus propias armas; un sabotaje elegante en el gesto, que nos demuestra que incluso en el terreno más domesticado pueden abrirse grietas por las que cabe algo parecido a la ilusión. —fran gonzález

¿Qué Seré Yo? Universal

POP ROCK / “¿Qué Seré Yo?”

deja claro desde el primer momento que Querido no han llegado a la industria para ser uno más. Y eso se traduce en un álbum que no funciona como continuación evidente de “Una Nueva Esperanza IV” (24), en el que apostaban por un sonido más recargado y letras más complejas. Porque ahora el grupo presenta un disco más reconocible y directo en lo emocional, con una instrumentación más desnuda y activa en el relato. Todo el peso recae en las letras. Las canciones giran en torno a la identidad, el futuro y la sensación de no encajar, retratando sin dramatismo a una generación que ya no finge tener respuestas. Las colaboraciones suman sin desviar el foco, y los audios conectan el relato y aportan sentido dentro del conjunto. “¿Qué Seré Yo?” confirma a Querido como un proyecto con ambición y discurso propio. Puede que no impacte a la primera, pero tiene un poso que crece con las escuchas. —daniel pose junio 2026 #41

MONDOVINILOS

Basement: la espera ha merecido la pena Basement

WIRED Run For Cover

8 ROCK / Siempre que los británicos Basement se han permitido desaparecer del radar, y eso ha pasado al menos un par de veces, su popularidad no ha hecho más que aumentar. La última ausencia ha durado ocho largos años, los que separan su cuarto disco del actual “WIRED”, y seguramente por eso mismo este sea el álbum del quinteto de Ipswich que más expectación ha generado. La banda, uno de los referentes del emocore contemporáneo tras la publicación del amargo “Colourmeinkindness” (12), lejos de estancarse durante este parón discográfico, ha seguido evolucionando lejos del foco mediático. De hecho, escuchando este “WIRED”, no cabe duda de que los chicos de Basement se han esforzado para no hacer otro álbum tan pulcro como “Beside Myself” (18). Grabado en Los Ángeles bajo la batuta de John Congleton (St. Vincent, Mannequin Pussy, Mogwai), su quinto largo rezuma reflexión, madurez

y libertad creativa. Muestra un grupo con ganas de abrazar las imperfecciones y, sobre todo, ampliar su terreno de juego para entregar un disco diferente. Resulta evidente en la adrenalítica “WIRED”, la garajera “Pick Up The Pieces”, la luminosa “Satisfy” o los medios tiempos “Head Alight” y “Embrace”, esta última con ecos a los galeses Feeder. Siguiendo con los parecidos razonables, cuando estalla la sosegada “Broken By Design” no puedo evitar

Go Cactus

Groggy Rude

Natalia Doco

Vidas Modelos Hotel Records

pensar en Ben Gibbard y sus Death Cab for Cutie, mientras la irresistible “The Way I Feel” incluye unos alaridos en la parte final que podrían llevar la firma de Pixies. Basement cierra brillantemente este gran disco de retorno con una declaración de intenciones: “Summer’s End”, una pieza noventera que invita a confiar en uno mismo y desconfiar de todo lo demás. Sí, han vuelto para reafirmarse sin repetirse. —luis benavides

Jonny Greenwood, Shye Ben Tzur & The Rajasthan Express

Res a perdre Propaganda pel Fet!

Hacha Casa del Árbol

Ranjha BMG

INDIE ROCK / El trío mallor-

quín Go Cactus vuelve en 2026 con un disco que mantiene su nervio de rock alternativo directo, actual, pero con una mirada en el indie de los noventa, orientado hacia un retrato irónico de la vida contemporánea. A lo largo de once canciones que apenas superan en conjunto la media hora, el grupo convierte la obsesión actual por tener una vida perfecta en materia prima para sus letras. El resultado es un álbum urgente, luminoso, de guitarras afiladas y estribillos pegadizos muy pop, que retrata con sarcasmo el desconcierto generacional. Y es que ese es uno de los elementos que más define el disco, el no tomarse nada del todo en serio, y a la vez hacerlo. Grabado en Granada junto al productor Raúl Pérez, el álbum suena compacto y sin excesos, con poca querencia al arreglo excesivo, como un disco pensado para ir directo al grano ¿Espíritu punk y alma pop? Pues sí, así es.

—eduardo izquierdo #42 junio 2026

ALT LATINO / En la mitología hinduista, a la diosa Kali se la suele leer desde la destrucción, pero también representa la liberación tras la decapitación del ego. Desde esa lógica se articula “Hacha”, el cuarto disco de Natalia Doco. La argentina afincada en París nos muestra un álbum atravesado por la emancipación personal; un proceso que va desde aceptar la pérdida de la inocencia hasta asumir que ciertas renuncias son nuevos puntos de partida. El álbum dialoga con su anterior proyecto, “Sagrada” (23), inspirándose en arquetipos espirituales, pero bajo una perspectiva más terrenal y menos contemplativa. Musicalmente, se sostiene en la relectura de un imaginario latinoamericano amplio. Bolero, chachachá, cumbia, reggaetón o chanson francesa se filtran a través de una coproducción junto al multinstrumentista Lilian Mille, que no teme desplazarse entre texturas y glitches.

—víctor terrazas

PUNK ROCK / Sería muy

injusto valorar la propuesta musical de Groggy Rude únicamente por sus versiones de temas comerciales o por seguir el camino abierto por Crim. Sí, este trío también es de Tarragona y toca punk-rock, y dos de sus canciones más célebres son “Serà perquè t’estimo” y “Una birra més” (versiones de “Serà perché ti amo” y de “Freed From Desire”, respectivamente), pero hay muchísimo más. Tras diez años de trayectoria y con cuatro discos a sus espaldas, Groggy Rude han subido un peldaño más en su ascensión musical. Su primer trabajo con el respaldo de Propaganda pel Fet! es un disco formado por ocho composiciones nuevas más la versión mencionada anteriormente y en el que la característica principal del combo sigue siendo que sus tres componentes aportan voces. Con todo, los temas nuevos son ideales para corear con el puño alzado y una cerveza en la otra mano. —jordian fo

WORLD MUSIC / Diez años des-

pués de “Junun”, el debut de esta asociación multicultural llega esta continuación que propone algunas diferencias en su concepción. Ciertamente se encuentra algo más de inmediatez en “Ranjha” que en “Junun” aunque es posible que esta sensación llegue a través de los lentes occidentales con los cuales observamos estas melodías tan ajenas como fascinantes y que a su vez resultan cautivantes y hasta emotivas. En “Ranjha” aparecen las tradiciones de la India del norte, cruzadas con arpegios radiohedianos, beats post rockeros, magias folklóricas con ritmos sombríos o instrumentaciones cinematográficas sobrecogedoras. Del mismo modo que lo hizo “Junun” o el genial “Jarak Qaribak” (23) de Greenwood junto al también israelí Dudu Tassa este disco es una puerta a un mundo con una concepción espiritual profunda, capaz de evocar emociones de un modo desafiante.

—adriano mazzeo

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M.I.A.

M.I.7 OHMNIMUSIC

ELECTRÓNICA / “M.I.7” fun-

ciona casi como uno de esos folletos que te reparten por la calle para llevarte a cualquier celebración religiosa. Apoyada en una narrativa apocalíptica, Maya va atravesando las siete trompetas del apocalipsis hasta alcanzar la plenitud. “When you think M.I.A is done and Satan puts a full stop. God puts a comma and says to be continued”, narra en “Jesus” bajo la producción de Swick, con el que colaboró en “MATA” (22), y la participación de Sunday Service Choir, el coro góspel al que dio vida Kanye West cuando lanzó “Jesus Is Born”. Pese a tratarse de una obra muy personal, es cierto que la literatura y las reflexiones que residen en ella se quedan bastante pobres al centrarse en la palabra de Dios y abusar de la lucha del héroe y el antagonista. Además, apuesta por el reciclaje de temas y hay pocos momentos de lucidez a nivel musical que recuerden a la Maya creativa y fuera del proceso de evangelización.— álex jerez Nine Inch Noize

Nine Inch Noize The Null Corporation/ Interscope ELECTRÓNICA / Trent Reznor y Atticus Ross se unen a Alexander Ridha (Boys Noize) en Nine Inch Noize, proyecto gestado tras sus previas aventuras conjuntas y coronado en el Coachella. A medio camino entre un directo y con el mismo tracklist del mencionado festival, mezcla las características de un álbum con nuevas remezclas. Este “Halo 38” esquiva la frialdad ofreciendo algo abrasivo e interesante donde el techno encaja en el ADN industrial con espíritu rock de NIN. “Vessel”, “She’s Gone Away” o “Heresy” son tres trallazos EBM rompepistas, y las versiones “Parasite” (How To Destroy Angels) y “Memorabilia” (Soft Cell) cumplen con creces. A pesar de ciertas previsibilidades y de esa adaptación new beat de “Closer” que puede llegar a dividir, culminan con una bacanal electro-industrial más que disfrutable con “Came Back Haunted” y “As Alive As You Need Me To Be”, demostrando que el trío sabe lo que hace. —jaime tomé

La distopía de Cervatana Cervatana Cervatana Oso Polita

7 ELECTRÓNICA / Los integrantes de Cervatana

no esconden su objectivo de convertir su nuevo proyecto en referente local y europeo de ese género tan escurridizo que es el “rock electrónico”. Digo complicado porque no me parece fácil a estas alturas integrar con solvencia y naturalidad poderío rock con bases y sonoridades electrónicas. Ellos se atreven con el envite desde el puro entusiasmo y una visceralidad que se agradece. Y escuchando el debut del súper grupo formado por miembros de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y Kalia, la referencia o espíritu de The Prodigy, banda cuya energía primaria está siendo muy reivindicada en estos últimos años por artistas de distintas generaciones, es evidente, junto a otras inspiraciones más insospechadas como Moderat, Hans Zimmer

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o James Blake. Hay también psicodelia ácida, krautrock y melodías meridionales, en una coctelera atrevida y de sonido rotundo que apuesta por una narrativa futurista abiertamente distópica: en un futuro en que la humanidad ha sido aniquilada una inteligencia artificial despierta en busca de un cuerpo. Ciencia ficción hace poco tiempo, hoy no tan descabellado. Sin embargo, más que futurista o abiertamente experimental, el ácido sonido sintético de canciones como “Despertar” nos retrotrae a finales de los noventa y los primeros dos mil, cuando ese híbrido de rock y electrónica vivía su edad de oro. No es que Cervatana tiren de nostalgia, aunque proponen en este debut una suerte de rave rock mutante sin cortes entre las distintas composiciones, y con “capítulos” como el poderoso single “La bomba” o la hipnótica “El templo” –en la que concilian el espíritu de The Chemical Brothers con su idiosincrasia–, para desembocar por todo lo alto con el kraut frenético y catártico de “El cazador”. No es mala cosa que se dejen el corte más inspirado de toda la distopía para culminar el viaje. —jc peña

junio 2026 #43

MONDOVINILOS

Kehlani Kehlani Atlantic

R’N’B / Esta pieza supone el

movimiento más honesto y ambicioso hasta la fecha para la artista. Un disco que nace desde lo más profundo de su ser y como reflejo de su verdadera identidad, de sus raíces. “Kehlani” trae al presente por fin el R’N’B más clásico para viajar por la memoria sonora y recuerdos que han hecho a la estrella ser quién es en la vida, tanto en la industria como a nivel personal. Un disco que refleja la fidelidad y el amor de esta hacia el género de la forma más pura. Respetando al milímetro cada regla con colaboraciones de oro como la de Brandy o figuras tan icónicas como Rich Harrison, uno de los creadores del “Crazy In Love” de Beyoncé; Jermaine Dupri, parte de la producción del “We Belong Together” de Mariah Carey; o el histórico Terry Lewis que tantos buenos temas de Janet Jackson nos brindó.

—álex jerez

My New Band Believe My New Band Believe Rough Trade/ Popstock

El mejor álbum de Tanxugueiras Tanxugueiras

necesario hacer gala de ella para demostrar O Cuarto Autoeditado/Taste The Floor que “non hai fronteras”. Aquí la épica no reside en un sobredimensionamiento de una identidad, sino en su esencia. En los aturuxos, las muiñeiras y las panderetas. 9 Lo que marca la diferencia en “O Cuarto” es cómo han conseguido que la electrónica se FOLK / Tanxugueiras ya no tienen mucho integre de forma orgánica entre los tambores de lavadora y los botes de pimentón que que demostrar, y esa libertad de presiones conforman la percusión. La conjunción de junto con las tablas que han construido en el centenar de oportunidades que han tenido elementos suena como lo que debe ser. Una para tocar en directo en nuestro país –algo evolución natural de lo que escuchamos de niños para que siga teniendo vigencia en inédito hasta su participación en Benidorm nuestros hijos sin tener que llevarlo a terreFest fuera del norte peninsular– les han servido no sólo para crear el álbum más fiel nos límite. El mensaje de resiliencia aquí es clave. Se evidencia sin ir más allá del título a quienes son, sino también el mejor de su discografía. Mientras que en el anterior de los primeros singles, de “chorar, chorei” a “todo amaina”. Como gallego, me es inevita“Diluvio” (22) encontrábamos himnos por pretensión, aquí los encontramos por nable ver a mi abuela representada en la línea narrativa de “O Cuarto”, una mujer valiente turaleza. No en vano deciden reinterpretar composiciones del cancionero popular gay sonriente que nunca se quitó el negro del luto. Como gallego también, me llena pensar llego como “chorar, chorei” o el “Ven Bailar, Carmiña” en “mentres brille”, de imprescinque gracias a este trabajo puedo compartir con ella algo que va más allá de nosotros, la dible interpretación para todo aprendiz de tradicional. Aquí la fuerza es un elemento identidad de un pueblo intergeneracional y diverso. —martín p. corral intrínseco mientras que previamente era

#44 junio 2026

FOLK / El bajista y oca-

sional cantante de los disueltos Black Midi regresa con un proyecto “en solitario” con el que trata de desmarcarse de tópicos. Abandonando la electricidad demente y visceral de su exgrupo, Cameron Picton y sus colaboradores se marcan un disco acústico con el que redefinen las fronteras del “folk”. No quiere decir esto, ni mucho menos, que abandone una libertad formal y experimental, aunque sea más serena y amable. Picton tiene en mente a luminarias del folk psicodélico como los clásicos de culto Pentangle. ¿Es folk My New Band Believe? Sí y no. Hay melodías vocales y armonías que evocan cierto espíritu medieval psicodélico de finales de los sesenta y los primeros setenta –esa época en la que tantos músicos actuales buscan inspiración–, aunque las estructuras de las canciones divaguen en dirección a lo progresivo o jazzístico. —jc peña

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MONDOVINILOS

Parquesvr: corredores de fondo Parquesvr

Mitos y leyendas Raso Estudio

7 ROCK / El quinteto madrileño alcanza su cuarto capítulo discográfico aprovechando su pujanza sobre los escenarios y un éxito tan sostenido como constante. La entrada de Héctor (bajo) y Lucas (guitarra) ha sido perfectamente metabolizada en decenas de actuaciones en las que han crecido, expandiendo su estilo. No obstante, en este nuevo álbum, que llega un año y medio después del anterior, junto a momentos brillantes detecto otros de cierto agotamiento. Por un lado, la estrecha colaboración creativa con el técnico y productor Raúl Pérez (La Mina) alcanza aquí su pico, con un sonidazo que está muy lejos de la imagen de grupo de risas con la que irrumpieron. Tampoco hay que soslayar lo que ha crecido Javi Ferrara haciendo melodías vocales. Ferrara y compañía ahondan en la combinación de sátira inteligente e introspección sentimental por la que apostaron desde su segundo trabajo.

Serpent

HARDCORE / En tiempos de anestesia colectiva, “Absolutisme Zen” suena a bendita anomalía. Serpent dibujan con guitarras disonantes y apocalípticas una sociedad, la nuestra, sedada por sonidos inocuos y discursos hegemónicos. Con un armazón post-hardcore deudor de Drive Like Jehu y Hot Snakes, este segundo largo reúne once historias verosímiles, once canciones sobre toxicidad social y manipulación (“Mai ningú enlloc”, Esbarzer”, “Diners i abdominal”) y resiliencia emocional (“El día que vaig parlar de sentiments”). Serpent regresan más viejos y enfadados (“Vell i Cabrejat”), criticando las ciudades que se venden al capital y acaban moldeadas por la gentrificación (“Hem buidat la sala”, “Swing del dolor”) y señalando a los xenófobos que se envuelven en banderas (“Himne nacional”). “Absolutisme Zen” se limita a colocarnos frente al espejo, y cada cual que saque sus conclusiones.

—luis benavides

Born to Kill Epitaph/[PIAS]

LP4 Polyvinyl Records

EMO / Una década después de su regreso con “LP2”, American Football continúan avanzando sin prisas ni nostalgia con “LP4”, su tercer disco en diez años. Grabado en Los Ángeles con el productor Sonny DiPerri (My Bloody Valentine, Trent Reznor), este es un disco profundo e intrincado, lleno de capas y con un mayor protagonismo de elementos como el vibráfono y los sintetizadores. La banda expande su sonido hacia el post-rock y el ambient, más allá del twinkle emo de sus inicios. En lo lírico, es su disco más descarnado, el más duro. Canciones como “Man Overboard”, “Bad Moons” o “No Feeling” giran alrededor de la culpa, la resignación y las despedidas dolorosas. Aun prefiriendo los derroteros algo más livianos y cercanos al dream pop del anterior “LP3”, la extraña belleza de este nuevo trabajo de American Football termina atrapando y podría acabar dejando una huella más profunda. Tiempo al tiempo. —luis benavides

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que no alcanzan el mismo nivel (“El deporte es una droga” o el single “Rizo de gitana”). Pese a estos altibajos, lo bueno de “Mitos y leyendas” es que un puñado de cortes van a ser clásicos del grupo en directo. Y ese es, con toda seguridad, uno de los principales objetivos. —jc peña

Social Distortion

American Football

Absolutisme Zen BCore

Sin embargo, los resultados se me hacen un poco desiguales. Abandonado el humor surrealista corrosivo que marcó algunos de sus primeros hitos, coexisten en las nuevas doce canciones algunos momentos sobresalientes, de su mejor producción (“Esto que vivimos”, “Aftersun”, “Tonto”, “Google Fotos”), con otros

LA PLAYLIST Lana Del Rey “Oh my Carmen”

PUNK ROCK / Postergada

durante tres lustros, a veces interrumpida por motivos creativos y otros trágicos, como la enfermedad padecida por su líder, Mike Ness, la nueva grabación de la banda enuncia una arrebatadora confrontación directa contra el tedio, anímico y social. Con la portavocía de esa dandy de los bajos fondos que es su tatuado cantante y guitarrista, su intacta capacidad para recoger el legado más aguerrido “ramoniano” otorga trazas de himnos imperecederos al tema homónimo o a la irredenta “No Way Out”. Pero que éste no es un proyecto cómodamente instalado en ritmos monocordes lo ejemplifica un flujo inspiracional que transita por el rock americano firmado por Petty o Springsteen, se detiene con orgullo en el espíritu beodo de The Pogues o incluso danza un vals bajo métrica country. Un imponente trabajo que muestra sus fauces no al dictado de filigranas estilísticas, sino como la única forma de vida que conocen. —kepa arbizu

Viajamos al pasado para ver cómo la eterna romantización de la auto-destrucción de Lana Del Rey ha ido mutando y sigue viva en el presente. La “Tumblr girl” del interior de Lana nunca murió, se transformó. —álex jerez 1 “Boarding School” (inédita) 2 “Jealous Girl” (inédita) 3 “Yayo” (“Born To Die. The Paradise Edition”, 2012) 4 “Off to the Races” (“Born To Die”,2012) 5 “Carmen” (“Born To Die”, 2012) 6 “Last Girl On Earth” (inédita) 7 “Ride” (“Born To Die. The Paradise Edition”, 2012) 8 “Is This Happiness” (“Ultraviolence: iTunes Deluxe Edition”, 2014) 9 “Change”v (“Lust For Life”, 2017) 10 “Venice Bitch” (“Norman Fucking Rockwell!”, 2019) 10 “Nectar of the Gods” (“Blue Banisters”, 2021) 10 “A&W” (“Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd”, 2023)

junio 2026 #45

.LOS DISCOS DE MI VIDA Down Nola (1995)

Un montón de superestrellas del metal se unieron para darle forma a una banda que nos ofreció un álbum de auténtico heavy rock clásico. Estos riffs pesado grabados con amplificadores de sonido clásico son increíbles. Y las voces de Phil Anselmo son crudas y encajan a la perfección. ¡Es una pasada de disco!

Cream Disraeli Gears (1967)

“Strange Brew”, “Sunshine Of Your Love” y “Tales of Brave Ulysses” son grandiosas canciones. Y el arte del disco es increíble. Es un auténtico clásico de la antigua escena del blues británico. Soy un gran fan de la forma de componer y del sonido de Jack Bruce.

Nickelback Silver Side Up (2001)

Cam Cole

El exitoso y viral Cam Cole nos visitó hace apenas unas semanas para presentar su cuarto larga duración, “Lost In Creation”. Aprovechamos la ocasión para preguntarle por los discos que le cambiaron la vida. The White Stripes Elephant (2003)

Kyuss Welcome to Sky Valley (1994)

No hay ninguna canción floja en este disco. Te patea el culo en todos los sentidos, tanto en lo musical como en el sonido y en la producción. Para mí es un recuerdo de juventud, habiendo nacido en 1992. Me encanta el sonido de slide-blues-metal-country que tenían en este disco.

Queens of the Stone Age Songs for the Deaf (2002) En mi opinión, el mejor trabajo de Jack White y el momento en el que su estilo y sus ideas con ese sonido tan crudo y rasposo alcanzaron su máximo nivel. La forma en la que se grabó y capturó su esencia es parte del motivo por el que es tan bueno. Las canciones son muy diferentes entre si aunque tengan una vibración parecida. Además, la portada y el diseño del álbum son fantásticos.

Un auténtico clásico del Stoner rock. ¿Cómo podía no elegirlo? Es su cima creativa y, por lo que respecta al sonido, es perfecto. Suena como si estuvieses con ellos en un garaje, sentado sobre una Harley, escuchándolos y fumándote un porro. El sonido de guitarras es perfecto. Josh Homme y el ingeniero, Joe Barresi, crearon algo atemporal.

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La portada de este disco es verdaderamente icónica. ¡Cuántas canciones para el recuerdo! El sonido es perfecto e incluye un repertorio que Josh Homme nunca ha superado. ¿Acaso necesita hacerlo después de haber creado algo como este disco? —MS

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48/Mondo Media

DORIAN Dos décadas bien valen un libro

El periodista Alex Serrano (Valencia, 1976) ha trazado una fiel radiografía de la trayectoria de una de las bandas más emblemáticas del pop independiente español de los últimos tiempos en el libro “Dorian. A cualquier otra parte. Veinte años y un día de la banda que cambió el rumbo del indie español” (Plaza & Janés), para cuya redacción recabó más de cuarenta testimonios, tanto de los miembros del grupo como de personas de su entorno. Hablamos con el autor y con Marc Gili.

“

DORIAN. A CUALQUIER otra parte” refleja no solo la historia de Dorian sino también la evolución de la escena estatal a lo largo de casi tres décadas, y es la excusa para charlar con el autor y con Marc Gili, vocalista y compositor principal del cuarteto barcelonés. El libro refleja muy bien la trayectoria del grupo, que se podría haber solventado como una historia oral, pero es una narración. “Por una parte, a la gente le gusta leer historias”, dice Alex, al tiempo que explica que “Todos los grupos tienen canciones, pero no todos tienen una historia, y la de Dorian es muy interesante porque corre en paralelo a la historia de los últimos veinte años de música en España, sobreviviendo a enormes cambios, y no hay muchos casos así”. Marc añade que “el libro tiene un poderoso valor periodístico porque ofrece un diálogo generacional que trasciende la mera biografía, y una persona que tenga ganas de investigar sobre la evolución de la industria discográfica en los últimos veinte años podrá formarse una idea leyéndolo: aquí, hace veinticinco años, no había

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ALEX SERRANO FOTO: ARCHIVO

prácticamente nada, tres festivales, cuatro ayuntamientos y un montón de salas precarias, y ahora es una de las escenas independientes más poderosas de Europa y diría que del mundo”. GILI ATRIBUYE LA LONGEVIDAD y la capacidad de Dorian para adaptarse durante tantos años a diferentes contextos a un factor esencial: “Creo que las bandas que guardan una singularidad en su sonido tienen la capacidad de ir evolucionando dentro de sus propias coordenadas y de capear las modas, que son muy perniciosas en la música, porque vivimos en una sociedad turbocapitalista que necesita que en el mercado haya productos nuevos cada equis tiempo para que la gente no se aburra”. Una singularidad que está ahí, a la que Alex añade otro factor decisivo: “Creo que tener una apuesta artística y laboral total, es una de las claves, porque a veces parece que haya que hacer bandera del amateurismo, y no: Dorian tenían claro lo que querían y el peaje que supone, y el libro es un viaje que refleja toda clase de penalidades, porque no todos los grupos están dis-

puestos a tocar una noche en A Coruña y la siguiente en Alicante, viajando en un coche y cruzando la península sin dormir”. OTRA DE LAS CLAVES para que la progresión de Dorian fuera tan escalonada, conquistando territorios de forma gradual, ha sido siempre su empeño en hacer las cosas a su manera. La independencia, sí. Ese término tan emborronado hoy en día, que para ellos ha sido una divisa irrenunciable a la hora de manejarse en la industria. “Siempre hemos estado en la independencia, sin tener nada en contra de las multis”, detalla Marc, “porque hasta Sonic Youth estuvieron en una, y no hay nada que objetar si respetan al artista”, matiza, pero alega que siempre han tenido “muy dentro la autogestión. Nos ha costado que nos domaran”, algo que, para él, explica por qué han podido “empezar de cero en México, en Argentina o en Perú, cuando en España ya nos iba muy bien”. Esto supone una reivindicación de sus inicios: “En los noventa era más difícil llegar al gran público desde lo independiente”, apostilla.

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DORIAN FOTO: ARCHIVO

LIBROS

LO QUE SIEMPRE TUVIERON CLARO es que la renuncia no era una opción. Dorian era una prioridad. Y no pensaron nunca en tirar la toalla. “Sé que es una cosa muy bestia, pero nunca desfallecimos, porque para nosotros era la música o la muerte”, responde Marc. “Sentía una gran tristeza alguna vez, volviendo de Murcia, de Euskadi, de Aragón o de Madrid, por haber tocado delante de muy poquita gente, llegar destrozado un domingo por la noche a Barcelona con el coche o con la furgoneta y tener que ir a trabajar al día siguiente de cualquier cosa. Te sientes miserable, pero no tienes ganas de abandonar: sentía rabia”, explica. Todo empezó a cambiar con la primera canción que les granjeó cierta repercusión. “Pasaban los años y no pasaba nada: fue como cruzar el océano y no ver tierra, hasta que avistamos una isla, que fue nuestra canción ‘Te echamos de menos’, y luego vino más tierra firme, pero la música era nuestra vida, nunca hubo un plan B”, confiesa con cierto orgullo. Alex añade que “la gente que no ha conocido otro mundo que no sea el digital,

“ “Todos los grupos tienen canciones, pero no todos tienen una historia”

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ya no te compra esa película que dice que si te esfuerzas mucho puedes conseguirlo: nuestra generación ha vivido el final de una era para lo malo y el principio de otra también para lo malo: ahora te tienes que multiplicar, haciendo muchas más cosas que simplemente ensayar, ponerte a hacer canciones y subirte a un escenario”. La publicación de este libro, en cualquier caso, responde a la consolidación de la escena independiente estatal. Sin ella, quizá no tendría sentido porque no tendría público. “Yo sitúo el estallido en torno a 2009, ese paso al mainstream de parte de la escena española, que no ha parado de superar récords, y del que podemos estar orgullosos”, comenta Marc. “Qué maravilla que se puedan publicar tantos libros sobre músicos porque hay un público al otro lado, dispuesto a consumirlos, y ojalá este libro pueda inspirar a chicos o chicas jóvenes para dedicarse a esto”, remarca. Que así sea. —carlos pérez de ziriza

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junio 2026 #49

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CINE Y SERIES Incontrolable

Gary

Kirk Jones

Christopher Storer

7 KIRK JONES irrumpió hace poco más de un cuarto de siglo con su primera película, la deliciosa “Despertando a Ned”, que evocaba el sentido de comunidad de las comedias de la productora británica Ealing de mediados del siglo pasado. Perdido, luego, entre olvidados remakes (“Todos están bien”) e innecesarias secuelas (“Mi gran boda griega 2”) de Hollywood, Jones regresa ahora con el segundo punto notorio de su carrera, este “Incontrolable”, que, a través de caminos distintos a los de su debut, incide en la necesidad de los lazos comunitarios. Para ello, se fija en un héroe anónimo real, John Davidson, activista escocés con síndrome de Tourette, condición que le provoca no solo tics, sino también problemáticos ataques de coprolalia (proferimiento involuntario de insultos y obscenidades), como le sucedió en la última ce-

remonia de los premios BAFTA. En 2019, Davidson llegó a ser condecorado –y así se inicia la cinta– por la Reina Isabel II por su labor en la concienciación social de dicho trastorno, cuestión que ocupa la parte final del film de forma un tanto subrayada. Pese a esto, “Incontrolable” se desarrolla como un eficaz y emotivo biopic al uso que cuenta la aparición imprevista del síndrome y la incomprensión al que el joven John se enfrenta en su entorno, tanto familiar como escolar. Jones, como guionista, se encarga de señalar, en ese mar de hostilidad, algunos personajes fundamentales como raros islotes de calidez. La película destaca en su vertiente actoral, aparte de los abrazables Peter Mullan y Maxine Peake. “Incontrolable” es, sin duda, la carta de presentación de lujo de su protagonista Robert Aramayo.

—j. picatoste verdejo

8 CABRONAZOS. Malnacidos. Lo han vuelto a hacer. Clímax brutal, anticlímax devastador y un final que deja contando los días hasta la llegada a finales de junio de la quinta y última temporada de “The Bear”. Estrenado hace unos días con nocturnidad y alevosía, “Gary” es un capítulo independiente ambientado cinco o seis años antes del inicio de la serie. Una precuela que puede verse sin conocer el universo de Carmy Berzatto, pero cuyo final –¡qué final!– anticipa uno de los posibles ejes narrativos de la nueva temporada. “Gary” funciona como una peculiar buddy movie melancólica, personal road trip dramédico. Richie y Mikey viajan de Chicago a Gary, Indiana, para entregar un misterioso paquete por encargo de su tío Jimmy. Mientras esperan al destinatario, deambulan por una ciudad tan

Mi querida señorita

Hit Me Hard And Soft: The Tour Live In 3D

Fernando González Molina

Billie Eilish & James Cameron

7 ATAVIADO con guion de Alana S. Portero y la hipnótica ofrenda en cámara de una debutante Elisabeth Martínez, Fernando González Molina se atreve a revisar el clásico homónimo de Jaime de Armiñán y José Luis Borau, yendo mucho más allá del mero remake y enmendando los descuidos de la cinta original. El más importante: no presentarnos la intersexualidad como una mera metáfora insinuada, sino como un conflicto verbalizado con palabra y grito. Aquí, el viaje de Adela (interpretada, además, por una actriz intersexual), atraviesa con verdadera visceralidad los sinsabores de la duda, siguiendo en primera instancia los pasos de su trasunto referente a puro verbatim (desde el accidente de coche con el respectivo encontronazo con un amor del pasado, hasta la inolvidable y reveladora escena en la consulta

triste como una cerveza 0,0 desbravada, bebiendo, drogándose y encadenando diálogos cargados de existencialismo torturado. Y los silencios y las miradas. Pero más allá de las machiruladas de treintañeros con síndrome de un Peter Pan depresivo, el episodio retrata a dos tipos aterrados ante la vida. Dos amigos inseparables que se quieren y se destruyen a partes iguales. Ahí aparece el gran momento del capítulo: Mikey descargando toda su bilis contra Richie en un monólogo doloroso, una escena que ayuda a entender el futuro emocional de ambos personajes dentro de la serie. “Gary”, con unos Moss-Bachrach y Bernthal que traspasan la pantalla y vuelve a recordarnos la gran idea que atraviesa toda la serie: la vida es bonita, pero complicada. Uno de los mejores capítulos de la saga “The Bear”. —oriol rodríguez

médica), para terminar dando una vuelta de campana total y convertir su segunda mitad en una verdadera oda a la libertad y al autodescubrimiento. Es entonces cuando realmente sentimos que la película crece y encuentra su voz, trasladándonos de la Pamplona de 1999 al renovado e idealizado Madrid del 2000, donde nuestra protagonista aprenderá el valor de la familia que se elige, a mirar de frente al deseo (y a no juzgarlo) y a reinventarse de verdad entre chupaditas de eme y temazos de Chico y Chica. Profanar, en el mejor de los sentidos, un título de esta envergadura es, asimismo, una forma brillante de conseguir que este no caiga en el olvido y que su mensaje siga recordándonos, cinco décadas después, que hay ciertas batallas que nunca hay que dar por ganadas.

—fran gonzález

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CADA CONCIERTO de Billie Eilish es una celebración en comunidad, un espacio en el que ser libre siendo uno mismo, sentirse seguro, emocionarse sin complejos. El reto de llevar todo esto a la gran pantalla no era pequeño. De lograr transmitir lo que verdaderamente significa la propia Billie para un colectivo de fans, una generación, que sienten que incluso les ha salvado la vida. En “Hit Me Hard And Soft: The Tour Live In 3D”, Billie se une al genio del 3D James Cameron para generar una experiencia total que te absorba, traspase la pantalla y haga sentir que estás disfrutando de un concierto de Billie en vivo. Recrear esa bola catártica de energía que arrasa con todo, te descarga de la vida y te hace sentirte invencible. Cameron persigue a Billie de una forma discreta, respetuosa y calmada. Dejando margen total a

que la propia estrella actúe también como directora del documental y poniendo un gran foco en el fandom: sus rostros de emoción, abrazos, lágrimas. La película retrata concretamente uno de los conciertos que Billie ofreció en el Co-Op Live de Manchester durante el mes de julio de 2025. Una de las grandes fechas que formó parte de una gira de más de cien citas y casi dos millones de asistentes. Como eje central, Billie y James apuestan absolutamente por la música, por regalarse a las canciones y generar en la medida de lo posible la sensación de que desde tu butaca también seas parte de ese público británico entregado a la causa. Pero, además, muestran pequeños detalles detrás de las cámaras que encapsulan el increíble talento de Billie a la hora de construir su propuesta. —álex jerez junio 2026 #51

CÓMICS

LIBROS VV.AA.

Radiohead. El presente es imposible Nórdica Libros

8 Radiohead rezuman una personalidad artística plagada de giros inesperados, recovecos de compleja explicación (y/o asimilación) y un talante creativo que ha derivado en un género (o varios) en sí mismo. Unas peculiaridades que potencian el acierto de la estructura de este libro, con la recuperación de textos añejos o recientes de redactores de diferentes países y medios. Un puzle narrativo que, ordenado de manera cronológica, constituye un valiosísimo documento en torno al universo Radiohead. Un tomo con el objetivo común de dilucidar (o intentarlo a través de valerosos acercamientos) las multiplicidades del grupo de Oxford, en lo que no es sino un parcial escudriño de su alma. El resto, seguirá luciendo como maravilloso enigma.

—raúl julián

Guillermo Lorenzo Libritos Jenkins

Guillermo Lorenzo firma este pequeño libro que aparece en el momento justo, con el actual revival en manos de nuevos artistas, para resumir un género desde sus antecedentes a sus nombres más representativos, lanzando cabos a las derivaciones posteriores. Aunque, en ocasiones, el tono sea algo académico, cuando se centra en la música Guillermo Lorenzo acierta describiendo los cambios y las mutaciones que nos han llevado de un lugar a otro. Así, aquí se habla de la generación C-86, del sello Creation, de My Bloody Valentine, obviamente, pero también de Swervedriver, Curve, Slowdive, The Jesus And Mary Chain o incluso Sigur Rós, por citar algunos nombres. Para ampliar contexto a la historia, añade las secciones Playlist y Fichero (con fichas de los grupos). —joan s. luna

Running Up That Hill: 50 miradas a Kate Bush

El libro que nos presenta el también músico y DJ Mauri Ibáñez no es un trabajo exhaustivo sobre la música electrónica catalana. En realidad, ni lo es, ni lo pretende. Ahora bien, sí es un libro imprescindible para conocer la intrahistoria de la llegada de la electrónica a Barcelona, su evolución y los primeros cambios en el horizonte que dieron pie a otra historia bien diferente tras las Olimpiadas. Ibáñez nos habla sobre la relación entre las vanguardias artísticas de la Ciudad Condal y la electrónica, entre el post-punk y los primeros sintetizadores, entre aquellos locales emblemáticos que fueron caldo de cultivo para el riesgo y aquellos grupos y colectivos que, casi sepultados por el paso del tiempo, fueron auténticos héroes en lo suyo. —martí viladot

Dos mujeres desnudas Luz Reservoir Books

Los inicios de la música electrónica en Barcelona (19761992) Mauri Ibáñez Ed. Enkuadres

#52 junio 2026

Shoegaze. La música se celebra a sí misma

Tom Doyle Liburuak

Este libro no es sólo una chuche para sus fans y todo ser viviente con mínimo de curiosidad por adentrarse en la obra de la reina absoluta del art-pop, sino que también desprende un vibrante duelo interior por parte de Doyle a la hora de sofocar su devoción hacia Bush, siempre desde una mordaz visión irónica que envuelve de empatía cada palabra encadenada en tan goloso documental hecho en papel. Uno en el que no falta una medida concepción coral con la presencia de testimonios de sus familiares y de gente tan relevante a la hora de impulsar su carrera como David Gilmour e incluso el incorregible John Lydon. Tan profundo como ameno de leer, Doyle consigue que veamos a Bush como un ser terrenal en primerísimo primer plano. Un lujazo. —marcos gendre

A diferencia de las personas, los cuadros pueden ser inmortales, eternos. A menos que alguien los queme, claro. Eso es lo que pasó durante el régimen nazi, que miles de obras de arte acabaron en la hoguera por considerarlas arte degenerado, Por suerte, “Dos mujeres desnudas” de Otto Mueller se salvó de las llamas; Luz nos cuenta la historia de este cuadro eterno. Estas magistrales páginas del francés Luz –quien se salvó por poco de la masacre del Charlie Hebdo– nos cuentan los hechos tras una grandiosa labor de documentación previa. El resultado es un excelente cómic que ha recibido ya varios premios importantes y que, por fin, “Dos mujeres desnudas” puede contemplarse en la última página, pero también en el Museo Ludwig de Colonia. —jordian fo Carretera fantasma. Vol. 3

Gabriel Hernández Walta y Jeff Lemire Astiberri

7 Quienes son uno de los dibujantes españoles de mayor reconocimiento internacional y uno de los guionistas más activos de la actualidad vuelven a unir esfuerzos para cerrar el primer arco de uno de esos cómics que, como si sonase a contradicción, parecen desarrollarse a toda velocidad para, al mismo tiempo, atraparnos poco a poco. Porque a cada página que pasa “Carretera fantasma” engancha más con sus dos dimensiones, con sus saltos entre ellas, con esas criaturas que vagan cual zombies, con esa ambigüedad constante entre quién representa el mal y quién el bien, con sus estaciones de servicio y todas esas herramientas con las que Lemire lleva el terror y el misterio a esas carreteras polvorientas, desoladoras y fantasmas que le dan título a la obra. —joan s. luna

La barca de los cinco colores Yoko Kondo Gallo Nero

7 No haber leído el relato en el que se inspira una obra puede, en ocasiones, otorgar aciertos al cómic que bien podrían ser del relato, pero si lo firma Yoko Kondo queda claro que los mayores logros serán suyos. La mangaka acude a una historia del fallecido Yasume Tsuhara para presentarnos a un grupo de protagonistas cuyos cuerpos les obligan a viajar como un circo de freaks de ciudad en ciudad. Solitarios, esos desconocidos acaban creando una familia destinada a sufrir, pero también a crear fuertes vínculos entre ellos. Como buena discípula del gekiga original, Kondo tiñe estas premiadas páginas de elevadas dosis de tristeza, sin darle la espalda, para lo bueno y lo malo, a la humanidad de los personajes y a la crudeza del mundo en el que intentan sobrevivir. —mercè gutiérrez Lorquiana

Salva Rubio y María Badía Planeta Cómic

7 Hay tres grandes tragedias de Federico García Lorca –“Bodas de sangre”, “Yerma” y “La casa de Bernarda Alba”, que giran en torno a la experiencia femenina. En “Lorquiana”, el veterano escritor y guionista Salva Rubio y la ilustradora María Badía las adaptan unificando sus tres figuras centrales: la Novia, Yerma y Bernarda. Rubio realiza un estupendo trabajo al condensar las tramas de las tres obras, al igual que María Badía en el apartado visual, especialmente en el segmento dedicado a Bernarda Alba, en el que logra transmitir la sensación de encierro y opresión que destila el texto original. Pero lo que verdaderamente eleva este cómic es el maravilloso lenguaje de Lorca: su capacidad única para fundir la raíz popular y el impulso visionario. —josé martínez ros

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ENTREVISTAS

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador general Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com

José González

Santi Campos

José González vuelve a ensimismar con sus encantos cinco años después de “Local Valley”, lazando en “Against The Dying Of The Light” (City Slang, 26) un alegato a favor del ser humano y sus capacidades al margen de esa tiranía tecnológica que contamina su naturaleza.

Santi Campos celebra treinta años en la música con “Ruinas de Interior” (Rock Indiana, 26), un disco recopilatorio que revisita su trayectoria desde una mirada íntima y honesta. Canciones que han crecido con el tiempo, cargadas de emoción, melodía y una sensibilidad muy personal.

PUBLICIDAD Director comercial Dani López T. 687 914 719 dani@mondosonoro.com Coordinador publicidad David Morell T. 607 366 693 david@mondosonoro.com Ed. Madrid Publicidad: María Alfonso maria@mondosonoro.com T. 915 400 055 Ed. Cataluña Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com T. 607 366 693 Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró T 637 447 561

CONCIERTOS

Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Iker Bárbara T. 665 050 639 Ed. Sur. Andalucía, Extremadura, Murcia sur@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González T. 699 339 245

Foyone

Pignoise

Para el malagueño Pedro Navarro Utrera - Foyone - (1991) el ser humano “no es para tanto, nuestro ego nos hace creer que somos el centro de todo, pero solo somos una pulga en un perro”. Esa idea se esconde en las canciones de “Manolito” (Taste The Floor, 25), un disco que su autor está presentando en concierto estos meses.

Se cumplen más de dos décadas desde el debut de Pignoise, y el secreto de su longevidad se encuentra en la efectividad y solvencia de sus canciones. Las mismas que integran “Las Ganas” (Acqustic, 25), su último álbum. No han abandonado su fórmula de punk pop juvenil, sino que a estas alturas no queda otra que ampliar el foco.

Más conciertos 091 (Bilbao, 02-05-26) Si hacemos el ejercicio de comparar el escenario de una sala de conciertos con el recibidor de una casa, en el caso de 091, se trataba de abrir la puerta a uno de los más memorables episodios del rock hecho en castellano.

El Último de la Fila (Barcelona, 03-05-26) Mientras artistas veteranos de todo el mundo anuncian giras de despedida interminables, Manolo García y Quimi Portet se han permitido –nos han permitido– el placer de despedirse de su público en una de las giras más esperadas e improbables a priori de la música en castellano.

Iván Ferreiro (A Coruña, 09-05-26) El concierto de Iván Ferreiro en A Coruña tuvo algo de celebración, algo de reencuentro y algo de revisión vital. Era la segunda parada de la gira ‘Hoy x Ayer’, iniciada la noche anterior en Bilbao, aunque el propio artista reconoció que tocar en una ciudad que siente como casa tornaba la cita en el verdadero punto de partida.

Ed. Noroeste. Galicia, Castilla y León noroeste@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Raúl Julián T. 659 93 02 04 Administración y contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com COLABORADORES Textos: Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Fernando Fuentes, Eva Sebastián, J. Batahola, J.C. Peña, Jordi Forés, Jorge Ramos, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Manu González, Mara Gómez, Marcos Gendre, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Sergio Ariza, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, María Alfonso, Montse Galeano, Virginia Barbero Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com

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The Lemon Twigs 15.10.2026 Barcelona●Paral·lel 62 26.10.2026 Madrid●Teatro Eslava

Songhoy Blues 19.10.2026 Madrid●Sala Villanos 20.10.2026 Barcelona●Sala Upload

Yard Act 20.10.26 Barcelona●Sala Apolo 21.10.26 Madrid●Teatro Eslava

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