Rivellino - Mixmag Spain #23 by Mixmag Spain

a-z

CONCEPTONEAGENCY.COM

NÚMBERO #23

¡Feliz año 2026 a todos, queridos lectores! Empezamos el año en Mixmag Spain y, para la ocasión, me enorgullece recibir en portada a un artista que está despuntando y avanzando a pasos agigantados en la industria: Rivellino. Para celebrarlo, hablamos con Felipe largo y tendido y repasamos su evolución artística, el peso de la pista en su forma de producir y pinchar, la convivencia entre sus raíces colombianas y el contexto europeo, el trabajo detrás de conceptos propios como Valhalla y Avalon, y el momento de madurez creativa desde el que afronta este nuevo año. En clave nacional, este mes profundizamos en el recorrido del artista español Janse: la evolución de su sonido, su proceso creativo en el estudio y las experiencias que han marcado su crecimiento compartiendo cabina con algunos de los nombres más consolidados de la escena. Un retrato honesto de un artista en pleno proceso de construcción de su camino, con los pies firmes en la pista de baile y la mirada puesta en lo más alto.

Recientemente, tuvimos el placer de asistir al estreno de Future Festival: L’Arca del Dora en la 43ª edición del Torino Film Festival. Para comprender cómo nació este objeto cinematográfico suspendido entre el arte, la vida y el ritmo, hablamos con una de sus creadoras, Eleonora Danco, quien nos contó qué habita dentro de L’Arca del Dora y qué permanece cuando la música deja de latir. Por otra parte, también asistimos a Ombra Festival el pasado mes de diciembre: una de las experiencias más impactantes a nivel musical y de producción. Más de 8.000 personas recorrieron los muros de hormigón de las Tres Chimeneas, consolidando a Ombra como un referente cultural contemporáneo en Catalunya. Con este contexto, hablamos con Nico y Raúl, organizadores principales de Ombra Festival, para saber más sobre este gran evento. Para completar, nos sumergimos en el Cocoricò, el icónico club de Italia que desde el inicio se distinguió por una visión que iba más allá de la simple programación musical, transformando el espacio en experiencia gracias a una arquitectura convertida en símbolo: la Pirámide. Hablamos con Antonio Mazzotta, actual director artístico del club, para saber más sobre su arquitectura, su público, la ritualidad de la noche y esa tensión continua entre memoria y riesgo que sigue definiendo su identidad.

Cambiamos de tercio para introduciros una reflexión sobre el futuro de la música electrónica y cómo se perfila de cara a 2026. Tras varios años marcados por la aceleración, la sobreexposición en redes sociales y cierta homogeneización sonora en muchos carteles, la escena comienza a reordenar sus prioridades. No se trata tanto de una ruptura como de un desplazamiento: algunos estilos pierden centralidad, mientras que otros recuperan espacio a través de un enfoque más funcional, centrado en la pista de baile y la comunidad. Y, como siempre, en este número encontraréis las últimas novedades en tecnología y las mejores reseñas musicales. Seguimos trabajando para traeros muchas más secciones de interés relacionadas con nuestra industria en nuestras próximas ediciones. Esperamos que este 2026 os traiga momentos únicos y experiencias inolvidables. Patricia Pareja, Directora

STAFF MIXMAG SPAIN DIRECCIÓN:

REDACCIÓN:

DISEÑO:

MÚSICA:

Patricia Pareja

Patricia Pareja Borja Comino Federico Cortina Juanma Molina Alessandra Sola

Adrià Clotet

editor@mixmag.es

DIRECCIÓN CREATIVA:

DEP. COMERCIAL:

Carlos Pego

campaigns@mixmag.es

Mixmag Spain no se responsabiliza de las imágenes y opiniones vertidas por sus colaboradores. Queda prohibida la reproduccíon total o parcial de contenido sin previo aviso.

ENERO - 2025

007 Bits Beats

c o n t e n i d o s

054 Reviews Álbumes por Bruno Garca

008 Janse 014 Eleonora Danco 018 Ombra Festival 024 Rivellino 030 Futuro música electrónica 034 Art Fact

058 Reviews Breaks por Eduardo Carbonell 060 Reviews Drum & Bass por Olga Casas 062 Reviews Electro por Federico Cortina 064 Reviews Hard Techno por Alejandro Serrano

040 Cómo produzco: Sera de Villalta 044 Reconocimineto

066 Reviews Melodic House & Techno por Marian Ariss

046 Cocoricò 050 Tech: SLAB 052 Tech: Union Audio

068 Reviews House por Francisco Pérez 070 Reviews UK Garage por Borja Comino

bits beats Oscar Mulero recibe la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2025 El DJ y productor español Oscar Mulero ha sido galardonado con la prestigiosa Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2025 por el Ministerio de Cultura, en reconocimiento a su trayectoria y papel clave en la música electrónica y la cultura de club. El premio se incluye entre los 35 distinguidos de este año y simboliza una legitimación institucional de la escena techno en España. +info: https://www.cultura.gob.es

Francia reconoce la música electrónica como Patrimonio Cultural Inmaterial El Gobierno francés ha incluido oficialmente la música electrónica en su lista nacional de Patrimonio Cultural Inmaterial, un paso histórico para visibilizar y proteger la escena local. La medida acompaña iniciativas que posicionan a clubes como espacios de expresión artística y refuerza la aspiración de que estilos como el “French Touch” sean también patrimonio de la UNESCO. +info: https://es.euronews.com

Music On confirma su primera edición en Malta para 2026 La marca liderada por Marco Carola aterriza en Malta con su primer evento internacional, programado para el 1 de agosto de 2026. El lanzamiento marcará un nuevo destino para el festival, presentando su cuidada producción y cartel de house y techno en una ubicación inédita para grandes eventos electrónicos en la isla. +info: www.musicon.com

SOUNDIT Festival avanza nombres para su edición 2026 El SOUNDIT Festival confirmó parte de su cartel para la edición 2026, que se celebrará los días 17 y 18 de julio en el Parc Nou del Prat de Llobregat. Entre los artistas anunciados figuran Oscar Mulero, DVS1, Blawan, Helena Hauff y John Talabot, cruzando house, techno y electrónica experimental en una programación ambiciosa. +info: https://www.soundit.es

mixmag Spain

janse AUTO R A PAT R I C I A PA R E JA

Groove, elegancia y visión de club Con solo 23 años, Janse representa a una nueva generación de productores y DJs que entienden el club desde dentro y el estudio como un espacio de búsqueda constante. Su sonido —marcado por un groove inmediato, elegante y profundamente bailable— no es fruto de una fórmula, sino de horas interminables de trabajo y de una clara conexión con la pista. Tras más de una década pinchando, Janse se encuentra en un punto de madurez creativa que contrasta con su juventud, y sus últimos lanzamientos lo confirman. Después de firmar un EP en el sello de Rony Seikaly, y con nuevos releases en el horizonte en labels tan relevantes como los de Luciano y Manda Moor, 2026 se perfila como un año clave en su trayectoria. En esta entrevista, hablamos con Janse sobre la evolución de su sonido, su proceso creativo en el estudio y las experiencias que han marcado su crecimiento compartiendo cabina con algunos de los nombres más consolidados de la escena, entre otras cosas. Un retrato honesto de un artista en plena construcción, con los pies en la pista y la mirada puesta en lo más alto. A tus 23 años ya tienes un sonido muy reconocible, con mucho groove y también bastante refinado. ¿Cómo ha evolucionado tu sonido con el paso del tiempo y cómo ha sido el proceso hasta encontrar tu identidad en el estudio? La música electrónica tiene muchas formas. Después de más de 10 años pinchando y produciendo diferentes géneros, estoy en un momento en el que priorizo la pista de baile y la elegancia tanto en el estudio como en el club. Siempre me ha gustado la música con groove, la que te hace bailar instantáneamente. Pero también me encantan los ritmos más finos, profundos, con vocales o elementos melódicos sorprendentes.

El proceso de encontrar mi identidad en el estudio se ha basado en pasar infinitas horas haciendo música hasta que, prácticamente sin querer, he conseguido que la mayoría de mis tracks sigan una línea. Cuando entras al estudio, ¿sueles partir de un ritmo o de una idea? ¿Qué es lo que normalmente enciende una nueva producción? Cada vez que empiezo un track es diferente. A veces empiezo creando un ritmo o una línea de bajo, y otras empiezo a trabajar a partir de una vocal o un sample. No tengo una única manera de empezar un proyecto.

janse

mixmag Spain

Este año hicimos nuestra sección “Cómo Produzco” contigo en Mixmag Spain, pero ahora me gustaría que nos explicaras — con tus propias palabras— cómo es una sesión de estudio “típica” para ti. ¿Eres metódico o un poco caótico cuando produces? Creo que soy metódico y caótico a la vez. Tengo mi forma de trabajar, que suele ser parecida siempre. Me gusta levantarme e ir al estudio, hacer un descanso cuando llevo tres horas y luego volver unas tres o cuatro horas más. También soy caótico, porque mi manera de empezar un track y el proceso creativo no es siempre el mismo. No sigo un orden o unas reglas, sino que intento que suene bien y, si suena bien, está bien.

¿Cuánto influye tu experiencia como DJ a la hora de producir? ¿Pruebas los tracks directamente en club o en un ambiente más íntimo? Influye mucho, porque cuando estoy produciendo intento imaginar si el track que estoy haciendo funcionaria en una pista de baile, y si encajaría en un set mío. Cuando quiero probar un track acabado, lo pincho directamente en un club. Es la mejor manera de saber si funciona.

Recientemente has lanzado un EP en el sello de Rony Seikaly. ¿Qué ha significado para ti publicar ahí y qué crees que aporta este release a tu trayectoria como productor? Me hizo mucha ilusión firmar un EP de 6 tracks en el sello de Rony, ya que es un artista que he admirado durante muchos años y tiene un sonido con el que me siento muy identificado. Creo que es un release en el que se ve una cara de mí que no siempre puedo sacar. Los tracks del EP tienen groove y energía, pero al mismo tiempo hay elementos melódicos y vocales que hacen que los tracks sean emocionales y elegantes. Este EP permite que los oyentes puedan ver que mi sonido es amplio. ¿Dirías que este último EP representa bien el momento creativo en el que estás ahora mismo? ¿O ya estás mirando hacia otro sonido diferente? Ahora estoy yendo hacia un sonido un poco diferente, tratando de mantener la elegancia pero intentado ser más enérgico. En lugar de hacer música para el principio de la noche, estoy tratando de hacerla pensando en el momento más álgido de una sesión. Este 2026 parece que va a ser un año clave para ti a nivel de lanzamientos. Uno de los más importantes llegará en el sello de Luciano. ¿Cómo surge esa conexión y qué podemos esperar de ese release? Luciano es uno de mis ídolos desde que empecé, cuando era un niño. Sin duda, uno de los más grandes de todos los tiempos. Le envié mi música y hubo un track que le encantó y lo quiso firmar en su sello. El otro día colgó un video pinchando el track en Nueva York y la reacción del público fue increíble. Es el release que mas ilusión me hace de 2026.

010

janse

011

mixmag Spain

012

janse

También tienes previsto un EP en el sello de Manda Moor. ¿Qué te atrajo de su label y en qué se diferencia ese EP del que has lanzado en el de Rony? Manda Moor es uno de los nombres más reconocidos de la industria y en su label han lanzado música algunos productores increíbles, como Nick Curly o Marian. Eso me atrajo mucho. El EP que saldrá en el sello de Manda se diferencia bastante con el que ha salido en el sello de Rony. Es mucho más agresivo, hecho especialmente para el club. Tiene muchos menos elementos melódicos y se focaliza en el groove.

Pinchar con DJs de este nivel me gusta porque es exigente y permite que un público que quizás no te conoce descubra tu sonido y tu manera de pinchar. Además, me encanta el momento en el que yo pongo el último track y un DJ de talla mundial al que admiro está a mi lado para poner su primer tema. Con experiencias así, se aprende a calentar la pista y a dejar espacio al headliner para que pueda subir la energía e intensidad. ¿Hay algo que hayas incorporado a tu forma de pinchar o producir después de compartir escenario con artistas como ellos?

Cuando trabajas con sellos tan distintos, ¿adaptas tu producción a cada contexto o buscas que cada track sea 100% tuyo independientemente del label?

Sí. Siempre me sorprende lo bien que suenan sus tracks en el club. Cuando voy al estudio al día siguiente, intento hacer algo que suene igual de bien.

Cuando empiezo un track nunca pienso en hacer algo para un label en concreto. Eso limita mi creatividad. Me gusta empezar sin saber qué voy a hacer y, cuando el track está acabado, es cuando empiezo a pensar en qué label podría encajar.

Más allá de los releases, ¿cuáles son tus objetivos principales para 2026? ¿Te ves priorizando más la producción, las actuaciones o un equilibrio entre ambos?

El pasado año 2025 compartiste cabina con artistas como Vintage Culture o Butch, incluyendo una fecha en Cova Santa. ¿Qué se aprende de ese tipo de experiencias al lado de nombres tan consolidados?

Eres parte de una nueva generación que entiende muy bien tanto el club como el estudio. ¿Cómo te gustaría verte de aquí 5 años? Me gustaría firmar mi música en mis sellos favoritos: Cécille, Saved, Botaniq, Get Physical, Crosstown Rebels y Hot Creations, entre otros. Por otro lado, me gustaría estar pinchando junto a los mejores DJs del mundo en los mejores clubes y festivales. ¡Objetivos fáciles y poco ambiciosos! Si miras atrás, al Janse que empezó a pinchar con 11 años, ¿qué crees que pensaría del momento en el que estás ahora mismo? Estaría sorprendido por ver que aún sigo luchando por su sueño. Seguro que estaría orgulloso de todo el trabajo y los objetivos que se han conseguido, pero también pensaría que es el momento perfecto para seguir trabajando e ir a por más… Y que aún queda mucho para cumplir su sueño.

Así como en 2025 he priorizado mucho la producción, en 2026 quiero mantener mi disciplina y constancia en el estudio, pero quiero añadir más actuaciones a mi calendario. En definitiva, quiero tener un equilibrio entre ambas.

Siempre es increíble poder abrir la sesión y calentar la pista para artistas de esta talla. Butch es uno de mis productores favoritos, su sonido me inspira y me veo muy reflejado en su manera de pinchar. Disfruté mucho pinchando en Cova Santa y compartiendo cabina con él. Por otro lado, Vintage Culture es uno de los nombres más potentes de la escena. Pinchar justo antes de él en Barcelona fue increíble. El público tenía muchísima energía y la pista se llenó muy rápido.

013

mixmag Spain

eleonora danco AUTO R A L ESSA N D R A SO L A

sobre su cortometraje “FuturFestival: L’Arca del Dora Recientemente tuvimos el placer de asistir al estreno de FuturFestival: L’Arca del Dora en la 43ª edición del Torino Film Festival, donde compite en la sección Short Documentary. Un cortometraje fugaz, de apenas ocho minutos, que sin embargo golpea la pantalla con la misma intensidad con la que el Kappa FuturFestival atraviesa el Parco Dora cada verano, sin pedir permiso. Dirigido por Eleonora Danco, una de las voces más radicales del cine y del teatro contemporáneo, junto a Marco Tecce, y nacido de una idea compartida con la productora Alì Toscani, el film se abre con una pregunta desarmante: ¿Qué parte de tu cuerpo es techno? Es el umbral que arrastra al espectador dentro de una experiencia sensorial, física y casi ritual, donde la cámara se desliza entre equilibristas, soñadores, cuerpos en trance y más de cien mil personas que cruzan las puertas del festival turinés. El corto late de principio a fin: imágenes aceleradas, apariciones de DJs internacionales como Chris Liebing y Seth Troxler, cortes rápidos y transiciones tajantes que reflejan los BPM del techno y la dramaturgia desnuda típica del lenguaje de Danco. Y, sobre todo, ese espíritu inconfundible que cualquiera que haya respirado el ambiente del Kappa reconoce al instante: sudor, amor, emoción y pasión. Una comunidad que se mueve unida no solo para bailar, sino para encontrar un lugar donde existir sin juicios. La base misma del techno desde sus orígenes. Elegir llevar a la gran pantalla un festival que nace del movimiento, el caos y la transformación nos pareció un gesto potente y necesario. Así que, para entender cómo tomó forma este objeto cinematográfico suspendido entre arte, vida y ritmo, hablamos con una de las mentes que lo han creado, Eleonora Danco, para que nos cuente qué vive dentro de L’Arca del Dora y qué queda cuando la música deja de latir.

014

eleonora danco

015

mixmag Spain

“¿Qué parte de tu cuerpo es techno?” es una pregunta radical, casi carnal, alrededor de la cual gira todo el corto. ¿Cómo nació y qué revela sobre la relación entre cuerpo, ritmo e identidad? El techno deja al individuo extremadamente libre, tanto física como espiritualmente, al menos para mí. Es un sonido en constante evolución, muy cercano a la metrópolis, al ruido de la realidad, y al mismo tiempo se convierte en un ritual social. Una puesta en escena física y emocional. El techno nació en Detroit en los años ochenta, la capital de la industria automovilística estadounidense, por eso pedí a la escritora Livia Valenti que hablara de los futuristas, y por eso aparece en el film. La primera referencia visual que me vino a la mente cuando empezamos a trabajar en el corto fue La Ciudad Que Surge de Umberto Boccioni. ¿Cuál era tu relación con la música electrónica y con el KFF antes de hacer este film? Mi relación con el techno empezó en los noventa, junto con mi amor por la música electrónica. Es algo que también he llevado al teatro, gracias a mi colaboración con Marco Tecce, mi co-director en este cortometraje. Desde hace años es él quien selecciona la música de mis obras y de mis películas, y juntos hemos creado un lenguaje sonoro que ya forma parte de mi manera de contar historias. Casi nunca hay palabras, y por eso la música llega como un sonido que toca estados emocionales con ritmos casi cinematográficos, trabajando sobre todo en las atmósferas. Nunca había estado en el FuturFestival. Lo descubrí gracias a Alì Toscani, la productora del corto, que nos invitó y así nació esta idea. Había visto mis películas N-CAPACE y N-EGO, y nos pareció natural continuar ese camino junto a Marco Tecce y su montaje extraordinario.

016

El film mezcla confesiones reales, improvisación, lágrimas y risas. ¿Cómo trabajaste la espontaneidad de los participantes? Y, ¿cómo se dirige algo que, por naturaleza, no quiere ser dirigido? Trabajar sobre las emociones y sobre las performances de las personas que elijo es nuestra marca de identidad. Aquí fue más complicado, porque eran personas detenidas en el momento, casi siempre durante los DJ sets del festival. Al final fue exactamente ahí donde encontramos la espontaneidad que buscábamos. Tu poética teatral tiene un contexto techno que, a menudo, se percibe distante del cine de autor. ¿Qué te atrajo de la idea de contar un festival de música a través de un lenguaje tan íntimo? No creo que estén tan lejos. Por ejemplo, pienso enseguida en la maravillosa Nashville de Robert Altman. La música y el cine son dos formas de expresión muy relacionadas que se potencian mutuamente. Trabajar dentro de un festival de techno, con toda esa fuerza expresiva y esa energía desbordante, fue electrizante para nosotros. Fue una apuesta sumergirnos en ese torbellino. Parco Dora es un set cinematográfico natural: acero, vacíos industriales, luz,… ¿Fue difícil convertir ese espacio en cine? Parco Dora es una alfombra voladora, un lugar increíble sin memoria, más proyectado hacia el futuro que hacia el pasado. Parece una especie de templo griego futurista. Sus columnas metálicas, tan altas e imponentes, evocan una dimensión atemporal, austera y a la vez libre.

eleonora danco

No fue fácil captarlo, porque la potencia que sientes a primera vista tiende a diluirse en el encuadre. Pero conseguimos sacar su fuerza. Trabajé mucho la profundidad y los detalles. Todo ese acero mezclado con la gente era increíble, igual que todo el verde alrededor, la hierba. Asombroso. Y para completar el trabajo, rodamos algunas secuencias extra en septiembre. El film habla de “tres noches que parecen mil”. ¿Cómo abordasteis el montaje para traducir esa percepción alterada del tiempo tan típica de los festivales? Esta dejo que la responda mi co-director, Marco Tecce: «Intentamos eliminar los momentos muertos y crear un flujo de imágenes que se acercara lo máximo posible a los 120–150 BPM del techno. No queríamos ser demasiado descriptivos ni añadir subtítulos, sino dejar que el espectador descubriera las atmósferas y las almas complejas que habitan FuturFestival».

Su selección en el Torino Film Festival lleva el techno a un terreno poco habitual. ¿Crees que la cultura de los festivales de electrónica necesita encontrar su propio lenguaje audiovisual? Creo que sí, y cada vez más. Es una ola en expansión constante, un lenguaje joven —pero no solo eso—, que golpea con fuerza y sigue generando mundos en transformación continua. En varios momentos, el film parece un flujo de conciencia colectivo. ¿Cuánto estaba guionizado y cuánto fue “robado a la realidad”? Es una mezcla de lenguajes. Tenía algunas líneas guía, pero todo se moldeó finalmente a partir de lo que ocurría frente a mí. Para esto, me inspiré en Robert Rauschenberg usando fragmentos de realidad y combinándolos entre sí. Se podría decir que filmar L’Arca del Dora fue como interpretar un concierto dentro de otro concierto.

¿Hay algún aspecto del festival, o de la música, que en tu opinión solo pueda revelarse a través del cine?

Cuando imaginaste por primera vez este corto, ¿qué querías contar? ¿Querías derribar prejuicios sobre el techno o simplemente retratar a la comunidad que la habita? Simplemente queríamos sumergirnos en ese flujo y descubrir algo nuevo junto a Marco Tecce. Derribar estereotipos no era realmente nuestra intención. Queríamos centrarnos en otro tipo, fue un descubrimiento y también un verdadero desafío trabajar de este modo dentro de un festival de esa magnitud.

Intentamos llevar a este corto nuestra manera de mirar la realidad. Sería hermoso crear una película completa dentro de un concierto o de un festival. Podría ser interesante trabajar sobre la energía que despierta en todos y sobre las personas que viven y habitan ese entorno. El poder que libera la música siempre es estimulante.

017

mixmag Spain

AUTO R F E D E R I C O C O RT I N A

C R É D ITO S FOTO G R A F Í A M I G U E L S I LVA

ombra festival El festival, celebrado del 4 al 7 de diciembre, ha marcado un hito: Ombra Festival se convirtió en el primer evento cultural en ocupar durante cuatro días consecutivos Las Tres Chimeneas de Sant Adrià de Besòs, un icono del brutalismo industrial del área metropolitana de Barcelona que, desde ahora, se perfila como su nueva sede estable. Para cerrar 2025, Ombra Festival fue una de las experiencias más impactantes que he visto a nivel musical y de producción. Más de 8.000 personas recorrieron los muros de hormigón de las Tres Chimeneas, consolidando a Ombra como un referente cultural contemporáneo en Catalunya. Quienes vivimos esta primera edición bajo las chimeneas sabemos que, aunque se repita, siempre podremos decir: yo estuve en la primera. En la pista se escuchaban comentarios constantes: —“Wow, esto es increíble” —“Es como estar en Berghain, pero mejor” —“Soñaba con venir a una fiesta aquí desde hace años” El sound system fue simplemente impresionante, con VTECNICS supervisando cada detalle. Friendly reminder: el año que viene, no olvidéis los tapones. Los oídos también quieren llegar vivos a 2026. Musicalmente, Ombra vuelve a demostrar que es un festival para descubrir. Su curaduría —que abarca electro, techno, new beat y todo el espectro dark wave— confirma una identidad clara y sin concesiones. Y ahora sí, la música. El cierre de The Source Experience fue, sin exagerar, uno de los mejores en la historia del festival. Destacar artistas sería interminable, pero hubo sets que dejaron huella: Nicolas Lutz, Gab Gato, Luke Eargoggle, Flash Zero, entre otros. Con este contexto, hablamos con Nico y Raúl, organizadores principales de Ombra Festival.

018

ombra festival

019

mixmag Spain

020

ombra festival

¿Cómo estáis después de semejante trabajo? La verdad es que todavía estamos digiriendo todo lo que ha ocurrido, aterrizando la experiencia. Ha sido muy intenso, pero al mismo tiempo estamos llenos de felicidad. Ver que, una vez más, todo el esfuerzo que ha puesto el equipo da su fruto es profundamente emocionante. Este festival es el resultado de un grupo de personas que vive la experiencia sin condiciones y se entrega por completo para trasladarla al público. Y lo más bonito ha sido ver cómo mucha gente, tanto quienes nos acompañan cada año como quienes se suman por primera vez, se van con una sonrisa y palabras de agradecimiento. Eso nos coloca en una nube. Literalmente. A mí me costó recuperarme emocionalmente después del festival. ¿Cómo lo vivisteis vosotros? ¿Pudisteis disfrutar algo de la pista o estuvisteis los cuatro días controlando que todo funcionara? Para ser totalmente sinceros, en mi caso sí pude disfrutar de algunos momentos. Intenté gestionarlo para poder ver partes de la programación que había elegido de manera más personal. Tuve pequeños momentos de evasión, viendo alguna banda y, especialmente, el cierre del domingo en Operator, que viví casi completo y fue muy especial. Dicho esto, como podéis imaginar, es un proyecto que requiere atención constante. Hay que estar disponibles para cualquier situación que necesite nuestra presencia. En ese sentido, el equipo es increíble: muy humano y muy profesional. Poder delegar en ellos libera una parte importantísima del trabajo.

Aun así, la atención nunca se apaga del todo. Hay una responsabilidad muy grande para que todo funcione y la experiencia sea realmente única. Pero también buscamos huecos, quizá no para ver conciertos enteros, pero sí para compartir ratos con amigos y con esa familia que es la comunidad del festival. Esos momentos también forman parte de la experiencia. En pocas palabras, ¿cómo describiríais la evolución de Ombra? OMBRA empezó como una reunión de amigos con la intención de programar bandas y propuestas que nos habían influenciado desde el inicio. Era algo muy orgánico, casi íntimo, nacido desde la pasión. Con el tiempo, la evolución ha sido evidente. Este año tuvimos la sensación clara de que el proyecto había crecido, y cuando eso ocurre hay que atenderlo con cuidado. Hoy ya no es solo una fiesta entre amigos ni únicamente un festival: es un espacio que necesita atención constante para seguir siendo lo que es. Como indica nuestro lema, OMBRA quiere seguir siendo eso: un Unusual Sounds Gathering. La curaduría musical de Ombra es muy reconocible y coherente año tras año. ¿Cómo es vuestro proceso de selección de artistas? Es un proceso lento y muy orgánico que dura todo el año. Tanto Nico como yo hacemos un trabajo muy exhaustivo de búsqueda y escucha. Para nosotros es fundamental intentar escuchar todo el material que nos llega.

Y eso ya lo estamos viendo: personas que vienen de sonidos más clásicos y conectan con propuestas contemporáneas, y gente joven que descubre proyectos más antiguos y queda completamente atrapada. Ese cruce es muy importante para nosotros. ¿Qué papel juega el equipo que hay detrás de Ombra y cómo se organiza una maquinaria así durante cuatro días? Gran parte del éxito de Ombra está en el equipo humano. Hay una base estable de personas que trabajan durante todo el año y, durante el festival, esa estructura se amplía en una coordinación muy profesional entre distintas áreas. Lo más importante es que el equipo ha hecho el proyecto suyo. No son personas que aparecen solo durante el evento: viven Ombra en el día a día. Y eso no se puede comprar. Desde la entrada hasta la parte técnica y artística, todo forma parte de una misma experiencia. Aquí quiero destacar especialmente a Irene, Muto, Mihail, Emma, Andrés, Alberto, Sergi, y al equipo de diseño y comunicación, Ivi e Ivet, cuyo trabajo es fundamental durante todo el año. Y, por supuesto, a Nico, mi socio, con quien trabajo mano a mano constantemente para mantener esa sintonía que el proyecto necesita. Ombra es un trabajo colectivo, honesto y muy humano, que se construye desde dentro y se siente desde fuera.

Buscamos un equilibrio entre artistas con trayectoria y proyectos más recientes que representan vanguardia y una altísima calidad artística. Nos importa que las propuestas encajen entre sí, que el cartel tenga sentido como conjunto y que permita descubrir cosas nuevas.

021

mixmag Spain

Para que la gente sea consciente de lo que implica levantar algo así —artistas, localización, personal, seguros, producción—, ¿qué nivel de inversión requiere un festival como Ombra? Es una pregunta importante, porque ayuda a entender la dimensión real del proyecto. El coste exacto es difícil de calcular y, en parte, es una información más privada, pero sí podemos decir que cada año intentamos encontrar un equilibrio entre el tiempo, el esfuerzo y el dinero que implica organizar algo así. Hasta la fecha, Ombra no ha sido un festival rentable. Nuestro objetivo es que lo sea en el futuro, pero sobre todo que sea sostenible. Cada vez contamos con más apoyo por parte de la administración y de algunos patrocinadores, y eso es fundamental, pero aun así hay una cantidad enorme de costes que se asumen durante todo el año. También es una decisión consciente no crecer de manera descontrolada en número de asistentes. Queremos mantener cierta cordura y poder seguir ofreciendo una propuesta de calidad, cuidando tanto al público como a los artistas. Es importante decir que hay muchas personas dentro del proyecto que no cobran o lo hacen muy por debajo de lo que sería el coste real de un profesional de su nivel. Esto habla del compromiso que existe con el festival. Si tuviéramos que remunerar todo ese trabajo como correspondería, el proyecto sería completamente inviable. Ombra es posible gracias a ese esfuerzo colectivo que va mucho más allá de lo económico.

022

El festival se muestra como transgresor, con un mensaje claro hacia la sociedad, visible en las proyecciones y visuales que abordan temas políticos, culturales y educativos. ¿Cómo elegís este tipo de acciones y discursos? La propuesta artística de Ombra nace de una necesidad de expresión honesta. No entendemos el festival únicamente como un espacio de entretenimiento, sino como un lugar donde música, imagen y discurso conviven y dialogan con el contexto social y cultural en el que vivimos. Las acciones y los visuales no responden a una provocación gratuita. Surgen de una reflexión constante sobre el mundo que habitamos, sobre aquello que nos inquieta o creemos que merece ser cuestionado. No hay una fórmula cerrada, sino una sensibilidad compartida. Trabajamos con artistas visuales que entienden el espacio y la responsabilidad que implica comunicar desde un escenario. No buscamos adoctrinar ni imponer un mensaje único. Nos interesa abrir preguntas, provocar reflexión, incomodar a veces y emocionar otras.

Soy padre de dos hijos adolescentes y observo mucho lo que ocurre alrededor de la gente más joven. Las opciones culturales que se les ofrecen son, muchas veces, muy limitadas y masificadas, con poco contenido o contexto detrás. En ese sentido, sentimos la necesidad de ofrecer algo diferente, más elaborado y con una base cultural y social más sólida. No se trata de adoctrinar ni de que la gente siga nuestras ideas, sino de ofrecer opciones. Que alguien llegue al festival, escuche algo que no conoce y sienta curiosidad por investigar qué hay detrás. Recuerdo una escena muy significativa durante el cierre de The Source Experience. Había una chica joven con el móvil encendido; no estaba grabando ni sacando fotos, sino leyendo en Wikipedia quién era el artista que estaba escuchando. Ese gesto, tan sencillo, resume muy bien el sentido cultural y social de Ombra. Además de organizadores, sois artistas, y no de un solo proyecto. Nos encantaría que nos contéis más sobre vuestra faceta musical.

Ombra propone un espacio crítico y libre, donde conviven diferentes generaciones y sensibilidades. Que alguien venga atraído por la música y se encuentre con un discurso visual que le haga pensar forma parte de la experiencia que queremos generar.

Lo de artista siempre lo digo con cierto pudor. En mi caso llevo pinchando música desde hace muchos años, pero nunca lo he entendido como algo profesional. Siempre ha sido una pasión, una manera de mantenerme conectado con la música.

¿Sentís una responsabilidad cultural o social a la hora de construir el festival?

Sigo comprando vinilos y haciendo alguna sesión cuando se da la oportunidad, desde un lugar muy libre, sin presión ni expectativas más allá del disfrute.

Sí, sin duda. El festival nace de una inquietud personal por dar a conocer propuestas artísticas que nos gustan y en las que creemos, pero con los años esa inquietud se ha transformado también en una responsabilidad.

Quien sí tiene una faceta más profesional es Nico, con su sello discográfico ‘Oráculo’ y una labor constante de edición y curaduría que tiene una proyección muy fuerte a nivel internacional. Ombra nace, en parte, de ese cruce entre una faceta más profesional y otra más pasional, y para mí no genera conflicto porque todo parte del mismo lugar: el amor por la música y la cultura.

ombra festival

Para cerrar, ¿qué mensaje os gustaría dejar al público? Lo primero es dar las gracias. Gracias por venir, por participar, por conectar y por formar parte de algo que va mucho más allá de un festival. El comportamiento del público de Ombra es una parte fundamental de la experiencia. Se habla mucho del espacio y de la música, pero yo destacaría sobre todo la energía. Esa sensación que se respira al entrar y que no la crea solo la programación, sino la gente. Es un público respetuoso, sensible y muy consciente, y eso hace que la experiencia sea realmente especial. A quienes lleváis acompañándonos desde hace años, gracias de corazón. Intentaremos seguir trabajando para mantener esa energía. Y a quienes todavía no conocen el proyecto, les invitamos a vivirlo en primera persona. Artistas que llevan décadas girando nos dicen que lo que han vivido aquí quizá no lo han vivido en toda su carrera. Y otros que vienen a tocar por primera vez vuelven al año siguiente simplemente como público. Eso, para nosotros, lo dice todo.

023

mixmag Spain

024

rivellino

rivellino AUTO R A PATR I C I A PA R E JA CASA L Í

C R É D ITO S FOTO G R A F Í A CA R LOS P EG G O

“La energía del momento manda” Nacido en Colombia y afincado en Barcelona, Rivellino lleva años construyendo su proyecto desde la pista, con una presencia constante en clubs y eventos clave de la escena europea. Su sonido —marcado por el groove, la percusión y una lectura muy personal del Indie Dance, el Melodic House y el Techno— ha recibido el apoyo de artistas como Solomun, CamelPhat o Raxon, y ha sonado en espacios como Razzmatazz, Nitsa, Pacha Barcelona, Brunch Electronik o Cova Santa. Para celebrar su portada en esta casa repasamos su evolución artística, el peso de la pista en su forma de producir y pinchar, la convivencia entre sus raíces colombianas y el contexto europeo, el trabajo detrás de conceptos propios como Valhalla y Avalon, y el momento de madurez creativa desde el que afronta este nuevo año. Este mes de enero nos hace inmensamente felices abrir nuestro 2026 contigo protagonizando la primera portada del año. ¿Qué significa para ti este momento y cómo sientes que llegas artística y personalmente a este punto de tu carrera? Abrir el año con una portada así es un momento de mucha gratitud y también de confirmación. Siento que llego desde un lugar muy honesto, después de un proceso largo de entender quién soy musicalmente y qué quiero comunicar. Artística y personalmente me encuentro en un punto de calma y claridad, ya no busco encajar en una etiqueta concreta, sino profundizar en un lenguaje propio que se construye desde el groove, la pista y una identidad muy definida.

Entrar a formar parte de ConceptOne Agency ha sido un paso clave en tu trayectoria. ¿Qué ha cambiado en tu día a día y en tu visión como artista desde que formas parte de la agencia? Entrar en ConceptOne ha supuesto ordenar muchas capas de mi proyecto. En cuanto al día a día, me ha permitido enfocarme más en la música y en el desarrollo creativo, sabiendo que hay una estructura que entiende el largo plazo. A nivel de visión, me ha ayudado a pensar el proyecto de forma más global, no solo como productor o DJ, sino también como artista con un discurso, una estética y una narrativa coherente.

025

mixmag Spain

“Mi sonido siempre ha estado más cerca del Indie Dance que de lo puramente melódico. Con el tiempo, he ido soltando capas innecesarias y quedándome con lo esencial” Tu sonido se mueve con naturalidad entre lo melódico y el underground, siempre dentro de los géneros Indie Dance, Melodic House y Techno con elegantes toques de Afro House. ¿Cómo ha evolucionado tu sonido con el paso del tiempo y en qué punto te encuentras hoy en día? Mi sonido siempre ha estado más cerca del Indie Dance que de lo puramente melódico. Con el tiempo, he ido soltando capas innecesarias y quedándome con lo esencial: groove, percusión con carácter y vocales tratadas como un instrumento más. Hoy me siento en un punto muy natural, donde lo underground y lo melódico conviven sin esfuerzo, donde el electro encuentra un nuevo espacio, y donde el glitch y las texturas digitales aportan tensión y movimiento. Artistas como Solomun, CamelPhat o Raxon han apoyado tu música y la han incluido en sus sets. ¿Recuerdas la primera vez que escuchaste uno de tus tracks pinchado por alguno de ellos? ¿Qué te hizo sentir? La primera vez fue una mezcla de sorpresa y respeto. Más allá del impacto emocional, lo sentí como una validación silenciosa: la música estaba funcionando en el contexto para el que fue creada, que es la pista. Es bonito ver cómo un track conecta con públicos distintos, tanto en grandes festivales como en clubs underground, pero sin perder su identidad.

En los últimos meses has lanzado música en sellos muy diversos como Mago Music, Beats On Time, Untersharp o Simulate. ¿En qué te basas para elegir un sello u otro para cada release? Me guío mucho por el contexto y el relato que puede aportar cada sello. No todos los tracks cuentan la misma historia ni están pensados para el mismo tipo de escucha. Me interesa que cada release tenga un hogar coherente, donde el sonido dialogue bien con el catálogo y con la comunidad que hay detrás del sello. ‘Infrared’ (Mago Music), ‘Space Samba’ (Beats On Time) o ‘Another Line’ (Untersharp) muestran distintas facetas de tu sonido. Si tuvieras que describir qué une todos estos tracks, ¿qué me dirías? Sin duda, lo que más une estos tracks es que todos encajan naturalmente en uno de mis sets. Aunque muestren facetas distintas, todos comparten una base muy clara: el groove como motor principal. Son tracks pensados para generar movimiento, con un trabajo muy consciente de las dinámicas, las vocales y la percusión, y siempre buscando una identidad rítmica reconocible. Destaca mucho tu manera de incluir vocales latinas en tus tracks, tal como haces en ‘Space Samba’ u otros releases como ‘Cuando Bailas’ o ‘Baby Loca’. ¿De dónde sacas la inspiración para utilizar este tipo de vocales y cómo las trabajas? Las vocales latinas forman parte de mi identidad, pero no desde un lugar obvio o folclórico. Me interesa tratarlas como materia prima sonora, procesarlas, fragmentarlas y llevarlas a un terreno más club. Muchas veces, la inspiración viene del lenguaje cotidiano, de frases simples que, al repetirse y transformarse, generan una energía muy directa en la pista.

026

rivellino

027

mixmag Spain

028

rivellino

El próximo 16 de enero lanzas The Decision EP en Discos Eterna. ¿Qué podemos esperar de este EP y por qué ese título? Es un EP muy conceptual. Habla de esos momentos en los que una decisión cambia el rumbo de algo, aunque sea de forma sutil. Musicalmente es más crudo y directo, con mucho peso rítmico y un trabajo de tensión muy marcado. El título tiene que ver con confiar en la intuición y seguir adelante. Incluso sin tener todas las respuestas. Para quienes te descubren ahora a través de esta portada, y escuchen tu música por primera vez ahora, ¿qué te gustaría que sintieran o entendieran después de que acabe el último track? Me gustaría que sintieran curiosidad. Que perciba que hay una intención detrás de cada track, pero también espacio para interpretarlo libremente. No busco imponer emociones concretas, sino generar un viaje que invite a quedarse. Habiendo crecido en Colombia y desarrollado gran parte de tu carrera en Barcelona, ¿cómo conviven hoy esas dos identidades culturales en tu forma de producir y de entender la música electrónica? Colombia me dio el “flow”, el ritmo, la sensibilidad y la conexión con lo corporal. Barcelona me dio estructura, contexto clubbing y una visión más amplia de la electrónica europea. Hoy, ambas conviven de forma muy natural: una aporta el pulso, la otra el marco donde ese pulso se desarrolla.

Además de DJ y productor, eres el creador de conceptos como Valhalla y Avalon, y estás detrás de fechas muy cuidadas en Barcelona. ¿Qué me puedes contar de estos dos proyectos? Son extensiones naturales de mi manera de entender la música. Más que fiestas, son espacios donde cuido mucho el relato, el sonido y el contexto. Me interesa crear experiencias coherentes, donde el público se sienta parte de algo, y no sea solo espectador. Tu tour de inicio de año te lleva por Colombia, México, y algún otro territorio del que todavía no podemos hablar pero, en definitiva, estarás en lugares muy distintos entre sí. ¿Cómo adaptas tus sets según el lugar y el tipo de público? No es lo mismo un club que un festival, un open air o una ciudad concreta. Me gusta adaptarme sin perder identidad, dejar que el lugar también influya en el set, leer la pista, interactuar con el público y que cada set sea único e irrepetible.

En tus sets se percibe un gran cuidado en la construcción del viaje, desde el groove hasta el underground pasando por momentos más emotivos. ¿Planificas mucho tus sesiones o prefieres dejarte llevar por la energía del momento? Nunca los planifico al 100%. Hay una estructura mental, pero dejo mucho espacio a la intuición. La energía del momento manda. Para mí, un buen set es un diálogo constante con la pista. Con la mirada puesta ya en este año 2026, ¿qué crees que va a marcar realmente la próxima etapa de Rivellino? ¿Qué podemos esperar de ti este año? Creo que esta etapa va a estar marcada por la consolidación del proyecto a nivel internacional y por una profundización aún mayor en mi sonido. Habrá nueva música, nuevos formatos y experiencias más cuidadas. Mi objetivo es seguir creciendo sin perder la esencia que me trajo hasta aquí.

Colombia vuelve a tener un peso importante en tu agenda, con fechas en Cartagena, Cali y Bogotá. ¿Cómo sientes la evolución de la escena electrónica colombiana desde dentro? La siento más madura y diversa. Hay una generación muy consciente del valor de la identidad y del trabajo a largo plazo. Ya no se trata solo de replicar lo que pasa fuera, sino de aportar una voz propia.

Has dejado huella en clubs y eventos icónicos como Razzmatazz, Nitsa, Brunch Electronik, Pacha Barcelona, Cova Santa o La Terrrazza, donde además fuiste residente. ¿qué aprendizajes te ha dado la pista que no se enseñan en el estudio? La pista te enseña a escuchar, te obliga a entender los tiempos, las energías y los silencios. Hay cosas que funcionan perfectamente en el estudio y no sobreviven a un club lleno, y al revés. Esa experiencia es irremplazable.

029

mixmag Spain

030

musica electrónica 2026

Así se perfila el futuro de la música electrónica en 2026

AUTO R J UA N M A M O L I N A

La escena entra en una fase de reequilibrio sonoro tras años de aceleración y sobreexposición Lejos de responder a ciclos cerrados, la música electrónica entra en 2026 en una fase de reajuste. Tras varios años marcados por la aceleración, la sobreexposición en redes y una cierta homogeneización sonora en muchos carteles, la escena comienza a reordenar prioridades. No se trata tanto de una ruptura como de un desplazamiento: algunos estilos pierden centralidad mientras otros recuperan espacio desde una lógica más funcional, de pista y de comunidad. Uno de los movimientos más visibles es el descenso progresivo del hardtechno como fenómeno dominante. Tras alcanzar un pico de popularidad impulsado por su agresividad, su estética extrema y su gran repercusión, el género parece entrar en una fase de valle. Sigue presente —y seguirá estándolo—, pero ya no monopoliza la conversación ni los line ups. Parte del público empieza a demandar más matices, más groove y menos saturación constante, especialmente en contextos de club prolongados. Este reajuste se percibe con claridad en algunas de las marcas de referencia del circuito nacional, que en los últimos tiempos han ido modulando su discurso sonoro. Sin renunciar a la contundencia, muchas de estas plataformas están ampliando su foco hacia sonidos menos lineales y más rítmicos, reflejando una lectura más fina del momento que vive la pista: la energía sigue siendo central, pero necesita respiración, narrativa y continuidad. En ese contexto, el techno en sus múltiples variantes vuelve a ganar peso, especialmente aquellas orientadas al trabajo percusivo y al groove sostenido. El hardgroove se perfila como una de las corrientes con mayor proyección de cara a 2026: hipnótico, físico y con referencias claras al sonido de finales de los noventa y principios de los dos mil, reinterpretado desde una sensibilidad contemporánea. Su capacidad para mantener la tensión sin recurrir a velocidades extremas lo convierte en un punto de equilibrio entre intensidad y recorrido. Junto a él, el hardbounce comienza a ocupar un espacio que hasta hace poco parecía residual. Sus bajos elásticos, patrones juguetones y una clara vocación de pista conectan con una nueva generación de clubbers que buscan energía sin rigidez y diversión sin solemnidad. Es un sonido que reaparece tanto en sesiones nocturnas como en afterparties, contextos donde el cuerpo pide movimiento sostenido más que confrontación.

031

mixmag Spain

Paralelamente a estas transformaciones dentro del techno, hay géneros que no responden a picos ni valles, sino a una estabilidad construida con el paso del tiempo. El house sigue siendo uno de los pilares más sólidos de la cultura de club: mantiene un público fiel, transversal y constante, capaz de sostener escenas, residencias y festivales temporada tras temporada. Su fortaleza no reside en la novedad, sino en su capacidad para adaptarse sin perder identidad. Dentro de ese ecosistema, el afrohouse parece haber superado la etiqueta de tendencia para asentarse como lenguaje propio. Tras vivir su momento de máxima exposición en años anteriores, el género entra en 2026 desde una posición más madura, menos dependiente del hype y más integrada en circuitos estables. Su éxito ya no se mide solo en viralidad, sino en la respuesta sostenida del público en pista. Pocas plazas funcionan como vara de medir tan clara de estas dinámicas como Ibiza, que continúa actuando como laboratorio de tendencias y termómetro real del clubbing global. Las últimas temporadas han confirmado la fortaleza del house y el afrohouse en formatos de largo recorrido, donde el groove, la continuidad y la experiencia colectiva vuelven a situarse en el centro. Más allá de los estilos concretos, 2026 apunta a una escena menos obsesionada con etiquetas y más centrada en la funcionalidad del sonido en la pista. La tendencia se orienta hacia sets más largos, narrativas menos fragmentadas y una recuperación del DJ como selector, no solo como generador de picos. El regreso de estéticas y sonidos del pasado reciente no responde a una nostalgia vacía, sino a una búsqueda de identidad en un ecosistema saturado. La electrónica no abandona la dureza, pero la redistribuye. Menos impacto inmediato, más resistencia. Menos algoritmo, más club. Si algo define el horizonte de 2026 es esa voluntad de volver a bailar sin necesidad de ir siempre al límite, recuperando el pulso, el groove y el sentido colectivo de la pista.

032

musica electrónica 2026

033

mixmag Spain

034

art fact

ar t fact AUTO R F E D E R I C O C O RTI N A

”Un recuerdo de los 80 y 90 que vuelve a respirar a través de la música” Art Fact nace en Suecia a mediados de los 80, cuando los sintetizadores todavía eran una promesa de futuro y no un ejercicio de nostalgia. Formado por un grupo de amigos que se movían entre la inocencia del synth pop y la oscuridad industrial, el proyecto capturó —casi sin querer— una sensibilidad difícil de replicar. Cintas caseras, letras intensas y una mezcla temprana de EBM y electrónica emocional acabaron convirtiendo Art Fact en un nombre de culto. Una música que suena como si el tiempo se hubiera detenido justo antes de que todo se volviera irónico. Más de 30 años después, el proyecto vuelve a activarse. La recuperación de ‘South in the Rain’ a través de nuevos remixes y su publicación en 22 Recordings devolvieron a Art Fact a las pistas de baile de medio mundo y reabrieron una historia que parecía cerrada desde los 90. Ahora, Art Fact regresa al directo con una gira europea que pasará por ciudades como Barcelona. Hablamos con sus fundadores para entender cómo se revive un proyecto nacido en la era analógica… en pleno presente digital.

¿Cómo empezó Art Fact y cuáles fueron vuestras principales influencias musicales y artísticas en los primeros años? A mediados de los años 80, Måns, Jonas y Olle empezaron en una prestigiosa escuela de coro en Estocolmo, Suecia. No estábamos muy conformes con ser niños de coro toda la vida, y pronto descubrimos que teníamos mucho más en común musicalmente. Olle ya conocía a Anders de antes, y empezamos a hacer música bajo distintos nombres y en varios géneros desde 1985, cuando teníamos once años.

Estábamos muy inspirados por el pionero británico del pop electrónico Howard Jones, y queríamos hacer música con la emoción de canciones como “Like to Get to Know You Well” o “Hide and Seek”. Pero también nos encantaban Depeche Mode y la banda sueca de synth pop más importante de ese momento, The Mobile Homes. Nos fascinaba Kraftwerk, con su humor y sus sonidos peculiares, y sin duda nos influyeron más adelante, cuando empezamos a usar más efectos de sonido y ritmos en The Nuclear Princess. A medida que crecíamos, también descubrimos a Nitzer Ebb y Front 242, y la ola EBM de finales de los 80 y principios de los 90 nos hizo querer hacer una música “más dura”.

035

mixmag Spain

¿Cómo era la atmósfera o el sentimiento que rodeaba al proyecto en aquel momento?

En aquel entonces, ¿imaginabais que la banda viviría algo como lo que está pasando hoy?

¿Qué tipo de relación o vínculo teníais entre vosotros en esa etapa?

Estábamos simplemente jugando; quiero decir, ¡éramos niños! Cuando empezamos a hacer In Fact tendríamos unos 13 o 14 años. Al empezar tan jóvenes, no nos tomábamos nada en serio, y eso se nota claramente, sobre todo en nuestra primera cinta, In Fact. En ‘Dig Hole’ nos estamos riendo y haciendo el tonto. No sé por qué pensamos que era buena idea dejar ese tema tal cual, pero tiene una inocencia y una alegría muy juveniles que contrastan con las letras y los sonidos bastante oscuros. Supongo que, de algún modo, funciona.

Hicimos nuestras cintas y, la verdad, no sabíamos muy bien qué hacer con ellas. Lo único que conocíamos era una sección de una revista sueca para músicos llamada MM. Tenían una columna mensual dedicada a maquetas, y enviamos In Fact con la esperanza de que la mencionaran. Ganamos la “demo del mes” y nos quedamos completamente alucinados. Esto fue en 1990, probablemente casi un año después de haber terminado la cinta, pero cambió por completo la forma en la que veíamos nuestro propio trabajo. Hasta entonces solo se la habíamos puesto a amigos y familiares, pero de repente había una prueba de que realmente teníamos algo bueno entre manos.

Estábamos juntos literalmente todo el tiempo. Siento que hacíamos música o, como mínimo, quedábamos todos los días después del colegio, todos los fines de semana, todas las vacaciones. Probablemente exagero un poco, pero nos veíamos muchísimo. Éramos mejores amigos haciendo música juntos. Ese tipo de confianza total entre vosotros y en lo que estáis haciendo, que solo conocen las personas que han estado en una banda creyendo que van a conquistar el mundo.

Las letras de Art Fact tienen una profundidad notable. ¿Qué edad teníais entonces? ¿Había una base literaria consciente detrás de ellas o eran más bien un reflejo del romanticismo y la sensibilidad de aquella época? Empecé a escribir letras desde el principio, probablemente con 12 o 13 años. En realidad no sabía mucho inglés, así que simplemente usaba las palabras, frases y oraciones que me sonaban bien. Más adelante, al hacerme mayor, empecé a incorporar temas más serios sobre el amor, la vida, la muerte y otras cosas que pasan por la cabeza de un adolescente precoz. Algunas letras son bastante densas y, escuchándolas ahora, más de 30 años después, a veces me pregunto cómo fui capaz de encontrar esas palabras. Por supuesto, los años 80 fueron una época muy romántica, y eso se refleja claramente en las letras.

036

En la revista podías indicar si los lectores podían enviar dinero a algún sitio para conseguir una copia de la cinta, y empezamos a vender In Fact por correo. No sé cuántas vendimos… ¿20? ¿50? ¿100? No lo recuerdo, pero no fueron muchas. Éramos muy jóvenes e ingenuos. Yo pensaba que íbamos a ser la banda más grande del mundo. Esa es una de las grandes cosas de ser adolescente: nada parece demasiado difícil o imposible (salvo conseguir novia, supongo). Lo tenía todo perfectamente planeado en mi cabeza. Enviamos cintas a varios sellos discográficos después de ganar la “demo del mes”, pero solo recibimos rechazos educados.

¿Por qué el proyecto no continuó después de la publicación de los primeros discos? Creo que el proyecto se agotó bastante después de Nowadays. Habíamos empezado a escuchar lo que llamábamos “música dura”: más EBM y menos synth pop, y ahora pienso que eso nos condenó. The Nuclear Princess es un concepto fallido. Algunas canciones tienen buenas ideas, pero empezamos a ser demasiado conscientes de nosotros mismos, algo que le pasa a muchas bandas, supongo. Perdimos parte de nuestra inocencia juvenil y pensamos que teníamos que dejar de hacer música “infantil” o “feliz”. Después de The Nuclear Princess tardábamos muchísimo en escribir nuevas canciones, y una cuarta demo nunca llegó a terminarse. Existe una demo inédita llamada “Art Fact’s Last Demo” que quizá tiene una canción bonita, pero ya habíamos empezado a meter guitarras, porque en los años 90 los sintetizadores se consideraban anticuados. Y simplemente no conseguimos volver a encontrarnos.

art fact

037

mixmag Spain

¿Cómo continuaron vuestras vidas después de que el proyecto llegara a su fin? ¿Fue una decisión consciente parar o se convirtió simplemente en una pausa larguísima hasta ahora? Decidimos claramente cerrar la banda. Después de Art Fact empezamos otros proyectos en distintas formaciones. Jonas, Anders y yo tocamos en Lupu, que era una banda de indie rock bastante mala. Olle formó una banda muy exitosa llamada Pineforest Crunch, tuvo singles de éxito y llegó a girar por todo el mundo. Si pudieras volver al momento en el que todo empezó, ¿cambiarías algo? ¿Y qué consejo le darías al Art Fact de entonces? Me gustaría poder decirnos que no nos lo tomáramos tan en serio, que simplemente nos divirtiéramos. Creo que nos destruimos a nosotros mismos al empezar a pensar que teníamos que hacer las cosas de cierta manera para ser “cool”, en lugar de hacer simplemente lo que nos apetecía. Pero pasan muchas cosas en la vida entre los 14 y los 19 años, ¿no? Un chico de 14 es un niño, pero uno de 19 es un joven adulto sombrío y complicado, y probablemente nadie habría podido decirme “anímate”, especialmente en una época en la que nos esforzábamos tanto por ser más oscuros que la oscuridad.

038

¿Hay planes para lanzar nueva música? No. Lo maravilloso, extraño y especial de Art Fact ahora es que otras personas están descubriendo nuestras canciones antiguas y dándoles nueva vida a través de remezclas. Esto es algo que jamás habría imaginado que pudiera pasar. Y, en cierto modo, Art Fact está publicando música nueva todo el tiempo, porque aparecen nuevos remixes por todas partes, ¡desde cualquier lugar del mundo! Esta gira llega diez años después de vuestra última actuación en directo y treinta y cinco años después del lanzamiento de los discos, en una era muy diferente, más rápida y mucho más ligera en cuanto a equipamiento. ¿Cómo ha sido adaptar el directo de un sistema analógico a uno más compacto? En cierto modo, creo que hemos tenido mucha suerte con el momento. Si esto hubiera pasado hace 10 o 15 años, probablemente habríamos pensado que necesitábamos recrearlo todo con sintetizadores analógicos, sistemas modulares y todo lo que ha estado de moda últimamente. Pero ahora siento que lo que podemos ofrecer es un fantasma, un recuerdo de un tiempo pasado, un breve soplo de vida de los años 80 y 90, y lo haremos dejando que las canciones se sostengan por sí solas, tal y como son.

Por supuesto, hemos tenido que reconstruir los temas, ya que todas las secuencias originales estaban en máquinas que ya no funcionan o en disquetes que perdimos hace muchísimo tiempo. Y, además, salir de gira con nuestro antiguo equipo sería hoy una pesadilla. Es mucho más divertido centrarse en cantar lo mejor posible y aportar energía en directo. ¿Cómo te sientes con este regreso? ¿Te apetece volver a tocar en directo? En sueco hay una expresión: “skräckblandad förtjusning”. Significa algo así como “placer mezclado con terror”, y creo que describe bastante bien cómo nos sentimos. Estamos muy ilusionados con esta gira, pero nunca hemos tocado fuera de Suecia, y mucho menos después de más de una década. Es una nueva vida para nosotros, y pensamos aprovecharla al máximo. Y esperamos de verdad que el público esté dispuesto a acompañarnos en este viaje. Art Fact vuelve a estar en directo, y pienso en el Måns de 14 años y en lo emocionado que estaría: ¡Milán! ¡Barcelona! Así que sonrío a mi niño interior, cierro los ojos y vuelvo a salir al escenario una vez más.

art fact

039

mixmag Spain

040

cómo produzco

C Ó M O PRO DU ZC O

S E R A D E VI L L A LTA Soy Sera de Villalta, nací en 1993 en Vélez-Málaga (Málaga) y la música siempre ha sido una constante en mi vida. El house fue el primer sonido con el que conecté de verdad, pero nunca me he sentido cómodo quedándome en una sola etiqueta. Para mí, producir es una forma de explorar, experimentar y transformar emociones en energía. He lanzado música en sellos como El Row, LTF Records, MoodChild y Libero Records, y también gestiono mis propios proyectos: Vice Music Records y, recientemente, Lost In The Groove. Gracias a eso y a trabajar de forma constante en mi sonido, he conseguido que los mejores DJs de la escena apoyen mis temas. Si quieres descubrir cómo desarrollo mis tracks y consigo ese sonido, sigue leyendo… Inspiración y punto de partida De todos los años que llevo produciendo, siempre me he dejado llevar por mi estado de ánimo. Según cómo me sienta al entrar al estudio, eso ya marca mucho el tipo de beat que voy a hacer: unas veces más enfocado al club y enérgico, y otras algo más melódico. Esto se refleja en todo: desde el groove, el bajo y los sintetizadores hasta las percusiones que voy añadiendo para construir el track. Preparación Produzco en FL Studio, también conocido como “Fruity Loops”, y suelo trabajar con una plantilla bastante personalizada en la que tengo el proyecto dividido en secciones: Kick, Bass, Subbass, Synths, Percs y efectos. Esto me ayuda a mantener todo organizado y saber en todo momento dónde está cada elemento.

Groove y base rítmica Aquí te voy a dar un “tip” que a mí me hubiese gustado saber cuándo empecé: elige muy bien la calidad de tus sonidos, ya sean one-shots o loops. Esto define casi al 100% el sonido final de tu track. Si eliges un sonido que no suena bien, ¿cómo crees que va a sonar tu tema al final?. Partiendo de esto, hay un programa que llevo años usando y que siempre recomiendo: Loopcloud. Si no lo conoces, es una plataforma de samples y sonidos para productores, con plugin para integrarlo directamente en tu DAW. Puedes encontrar vocales, líneas de bajo, percusiones, stabs, melodías,… incluso crear tus propios loops desde cero o importar tus librerías personales. Para mí, se ha vuelto imprescindible en mis producciones y a la hora de desarrollar mis grooves. Bajo y elementos principales Enfocándome en mis próximos temas, ‘Dancin’ On The Moon’ y ‘Stars Will Shine’, empecé a definir los tracks cuando el groove ya estaba funcionando, y de ahí pasé directamente al bajo. Para mí, especialmente en estos tracks, es lo que conecta todo y da cohesión al tema. El bajo suele ser el eje central. Me gusta que tenga presencia, pero sin robar protagonismo al groove, así que siempre trabajo muy de cerca la relación entre kick y bajo. Los plugins que suelo utilizar para hacer mis bajos son: Subboombass, Diva, Serum o directamente algún loop. También hay otras veces que los realizo a partir de un one-shot, lo paso a formato MIDI y hago yo mismo la melodía.

Normalmente empiezo los proyectos entre 127 y 130 BPM, dependiendo del tipo de track y del enfoque que quiera darle, ya sea algo más orientado al club, para streaming o algo más experimental.

En cuanto a sintetizadores, suelo usar sonidos limpios y sólidos, enfocados en la energía más que en la complejidad. Busco melodías simples que funcionen a la perfección dentro del groove que estoy desarrollando.

Soy un productor que suele buscar primero un bajo definido, y a partir de ahí voy añadiendo percusiones o sintetizadores. Pero te mentiría si te dijese que siempre trabajo así: hay veces que empiezo por el groove y desarrollo todo a partir de ahí. Eso sí, siempre empiezo con un beat de 8 patrones y busco lo que yo llamo un “groove vicioso”: un ritmo que no te cansas de escuchar por mucho que pase el tiempo.

Los elementos principales que destacan en estas producciones suelen ser stabs, leads, congas y vocales, y en algunos otros temas incluyo instrumentos de viento o cuerda. Al final, cada elemento tiene que tener su espacio y cumplir una función clara. Si algo no suma al groove o al tema, prefiero quitarlo: menos, es más.

El próximo 23 de enero sale mi nuevo EP por el sello de Francisco Allendes, Caníbales, con los tracks “Dancin’ On The Moon” y “Stars Will Shine”. Son temas muy personales que representan al 100% mi sonido y dirección para 2026, y a continuación te cuento cómo los he desarrollado.

041

mixmag Spain

Herramientas y plugins esenciales para mi En esta sección voy a contarte algunos de los plugins esenciales para mí, tanto para diseño de sonido o mezcla y voy a ir al grano para que realmente pueda servirte y que puedas ponerlos en práctica. Utilizo muchos plugins nativos de “FL Studio”, pero voy a decirte algunos que, en caso de que no utilizes este, te pueden servir.

ShaperBox 3

Dub Delay

Lo uso muchísimo para dar movimiento a los sonidos o texturizarlos. Tanto para sidechain como para filtros o modulaciones rítmicas. Me gusta porque puedo controlar todo muy al detalle y hacer que un loop tenga más groove sin tocar demasiado.

Lo uso para darle espacio y movimiento a stabs, vocales o efectos. Normalmente lo automatizo para que aparezca solo en ciertos momentos y no esté todo el rato sonando.

A1 Trigger Gate

Uso sobre todo el Pro-Q y el Pro-C. Para mí son básicos para limpiar frecuencias y controlar la dinámica. Los uso de forma bastante transparente, sin complicarme demasiado. O el Pro-MB como compresor multibanda, para algún que otro top loop.

Lo uso para crear patrones rítmicos y darle más groove a sonidos estáticos. Me gusta aplicarlo en stabs, pads o efectos para que respiren con el ritmo del tema sin necesidad de programar demasiado MIDI. Por ejemplo, algunas melodías de mi track ‘Dancin’ On The Moon’. CLA Vocals Lo uso sobre todo en vocal chops o samples hablados. Es muy rápido para darles presencia y dejarlos bien colocados en la mezcla sin tener que pensar demasiado en la cadena. CLA MixHub Lo suelo usar en buses o pistas importantes. Me resulta muy cómodo para ecualizar, comprimir y dar un poco de color. Es bastante directo y me ayuda a no perder tiempo en detalles técnicos.

FabFilter

De-Esser Lo uso cuando alguna vocal o sonido brillante molesta demasiado. Normalmente muy poco, solo para controlar lo justo y que esas frecuencias agudas no molesten. Wider Lo uso para abrir un poco el estéreo en efectos o capas altas, pero siempre con cuidado de no perder fuerza en el centro.

Finalización de un track Para mí, terminar un tema nunca es un momento perfecto, es más una decisión. Llega un punto en el que siento que el track ya dice lo que tiene que decir y prefiero no tocarlo más. Más de una vez he seguido retocando… y bueno, he acabado empeorándolo (risas). Antes de darlo por cerrado, suelo dejarlo reposar unos días y escucharlo en todos lados: en el estudio, en el coche, con mis AirPods, con los Beyerdynamic DT 770… y, por supuesto, en el club cuando voy a tocar. No suelo pedir muchas opiniones, confío bastante en mi criterio, pero sí valoro el feedback de gente de confianza. Pocas opiniones, pero sinceras y útiles. Al final, la última palabra siempre la tienes tú: es tu estilo, es tu música. Escucha a otros, pero solo si encaja con tu idea del tema. La masterización normalmente la dejo en manos externas, me gusta separar esa parte para tener otra visión más objetiva. Aun así, intento que la mezcla llegue lo más sólida posible antes de enviarla. Cuando el tema ya está fuera del estudio, intento no volver atrás. Cada track es como una foto de un momento concreto, un sentimiento o algo que pasó en mi vida, así que prefiero centrarme en el siguiente antes que quedarme enganchado en el anterior. Aunque hay veces que sí vuelvo, pero solo para mejorar algo que se me haya pasado de la mezcla, nunca para cambiar el proceso creativo.

042

cómo produzco

Filosofía y consejos Con el tiempo, he aprendido que producir no va tanto de tener el mejor equipo, sino de tener mejores ideas, entender lo que estás haciendo y confiar en tu criterio. Al principio me obsesionaba con sonar como otros productores, y te prometo que me arrepiento de esos primeros 2–3 años en los que lo hacía, pero creo que es algo normal y un error muy común que todos los que empiezan a producir suelen cometer. Desde aquí te digo: confía en ti, en el proceso, arriesga, prueba estilos diferentes y ten paciencia. Te aseguro que, tarde o temprano, encontrarás un sonido con el que te sientas cómodo produciendo y, lo más importante, pinchando en tus sets. Algo que para mí ha sido clave es terminar música. Aunque un tema no me convenza del todo, prefiero cerrarlo, aprender de él y pasar al siguiente. Muchas veces, lo que hoy no te gusta o parece que no encaja, mañana puede funcionar perfectamente. A los productores y DJs que están empezando les diría que no comparen su proceso con el de otros. Es difícil, pero vivirán mejor y evolucionarán tanto como personas, como en producción. El sonido se construye con tiempo, haciendo muchos temas, equivocándose y probando cosas nuevas. No hay atajos. De cara al futuro, ahora mismo estoy muy centrado en mi próximo EP, que sale el 23 de enero en el sello Caníbales de Francisco Allendes, como he comentado con anterioridad. Este EP representa bastante bien el momento en el que me encuentro como productor. Son temas pensados para escucharlos de principio a fin, tanto en club como en streaming: divertidos, con groove y energía, reflejando mi sonido y mi estado emocional, siempre con una identidad clara que he ido puliendo con el tiempo. Al final, producir siempre ha sido más que hacer música para mí: es capturar un momento, una emoción y un estado de ánimo y transmitirlo. Cada tema es un reflejo de lo que siento y, cuando la gente lo conecta, todo ese esfuerzo vale la pena. La música sigue siendo mi forma de explorar, experimentar y compartir aquello que no siempre se puede decir con palabras.

ESCANEA EL CÓDIGO QR Y DISFRUTA DEL EP EN EXCLUSIVA

043

mixmag Spain

044

opinión

reconocimiento AUTO R S E RG I O B I F E I S

Durante décadas, la música electrónica —y el techno en particular— ha vivido en una especie de limbo cultural en España. Masiva, influyente y decisiva en la construcción del imaginario sonoro contemporáneo, rara vez fue reconocida por las instituciones como una forma de creación artística plena, con lenguaje propio, genealogía, pensamiento y comunidad. La concesión de la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2025 a Óscar Mulero por parte del Ministerio de Cultura supone, por fin, un acto de justicia simbólica. No solo hacia una trayectoria individual incuestionable, sino hacia toda una escena que durante años construyó cultura desde los márgenes. El techno llegó a España tarde y sin manual de instrucciones. A finales de los años ochenta y principios de los noventa, cuando en Detroit, Berlín o Londres ya existía una escena consolidada, aquí todo era intuición, ensayo y error. Clubs improvisados, medios técnicos precarios y una incomprensión generalizada por parte del discurso cultural dominante marcaron sus inicios. En ese contexto, Óscar Mulero no fue solo testigo, sino uno de los agentes activos de un proceso fundacional. Su figura emerge como una de las más coherentes, rigurosas y persistentes de la electrónica española.

Mulero comenzó a pinchar en el Madrid más underground, cuando el techno ni siquiera era una etiqueta reconocible ni, mucho menos, un reclamo comercial. Desde el principio, su aproximación al djing estuvo guiada por una ética clara: entender la sesión como un acto narrativo, físico y emocional, y al DJ como mediador entre la máquina, el espacio y el cuerpo colectivo que habita la pista. Frente a la espectacularización y el protagonismo individual, Mulero ha defendido siempre la música como centro y la experiencia como fin, con la sobriedad de quien concibe el techno como un lenguaje profundo y exigente. Esa manera de entender la electrónica —que se extiende también a sus distintos alias, como Dr Smoke, Trolley Route o Infamous Monster, donde exploró territorios como el drum & bass, el electro o el EBM— no solo definió su estilo, sino que contribuyó a formar y educar a varias generaciones de oyentes, DJs y productores. Mulero no fue una moda ni una figura circunstancial, sino una referencia constante. Una llama incandescente. Su papel resulta clave en la consolidación de una escena con identidad propia. A través de sellos como Warm Up y, posteriormente, PoleGroup, creó estructuras estables en un contexto frágil, ofreciendo plataformas para artistas nacionales y conectando el sonido español con un circuito internacional en el que ya era respetado y venerado, especialmente en ciudades como Berlín, Londres o Tokio. No se trataba únicamente de publicar discos, sino de construir un ecosistema sostenible basado en el riesgo, la coherencia y la continuidad.

Con el paso del tiempo, Mulero amplió su campo de acción hacia el directo audiovisual, explorando nuevas relaciones entre sonido, imagen y espacio. Proyectos como Biolive se alejaron del formato clásico del club para plantear performances en vivo que exigían una escucha atenta, casi física, en diálogo con el arte sonoro y la experimentación contemporánea. Esta evolución constante desmonta uno de los prejuicios más persistentes sobre el techno: la idea de repetición, de fórmula cerrada o de estancamiento creativo. Que hoy reciba una de las máximas distinciones culturales del Estado implica reconocer que la electrónica ha sido una de las fuerzas culturales más relevantes de los últimos cuarenta años. Que ha generado lenguajes estéticos, discursos políticos, formas de comunidad y modos de producción alternativos. Durante demasiado tiempo, el techno fue relegado al ámbito del ocio nocturno, cuando en realidad ha sido un espacio de resistencia, experimentación y libertad creativa. Este reconocimiento debería entenderse como un punto de partida que interpela al presente y al futuro de la escena para una relación más madura entre las instituciones culturales y la electrónica. Una constatación de que el techno forma parte del patrimonio cultural contemporáneo de nuestro país. Legitimar, de una vez por todas, y decir en voz alta algo que la pista de baile ya sabía desde hace años: que el techno es cultura.

045

mixmag Spain

046

cocoricò

cocoricò AUTO R A A L ESSA N D R A SO L A

el rito de la Pirámide Hay clubes que pertenecen a una ciudad, y clubes que pertenecen a una época. El Cocoricò siempre ha sido ambas cosas. Fundado en 1989 en las colinas de Riccione, el Cocoricò se distinguió desde el principio por una visión que iba más allá de la simple programación musical, transformando el espacio en experiencia gracias a una arquitectura convertida en símbolo: la Pirámide. A lo largo de más de treinta años, por el Cocco han pasado algunos de los nombres más radicales e influyentes de la escena electrónica internacional. Un lugar que ha sido templo del ocio, pero también escenario de expresiones artísticas transversales, donde la noche nunca se ha limitado a una secuencia de DJ sets, sino que ha asumido una dimensión física, mental y colectiva. Aquí el amanecer se convirtió en rito, y el dancefloor en un territorio de transformación. Durante los años noventa y dos mil, el Cocoricò fue uno de los puntos cardinales de la música electrónica en Italia y en Europa. Un club que construyó su propio mito no persiguiendo las modas, sino a menudo anticipándolas, asumiendo el riesgo de una visión siempre en tensión. Hoy, hablar del Cocoricò significa enfrentarse a una herencia compleja y estratificada. Bajo la guía de Enrico Galli y Antonella Bonicalzi, que en 2020 tomaron el relevo de la marca, el club emprendió un proceso de renovación profunda, manteniendo alta la calidad de su propuesta artística y ampliando su dimensión cultural sin quedar prisionero del pasado. Junto a una programación musical que sigue acogiendo a algunos de los mejores DJs de la escena internacional y nacional, el Cocoricò ha desarrollado proyectos que cruzan distintos lenguajes, como el festival Galactica y MUDI Museo Discoteca, el primer museo de arte contemporáneo dentro de un club en Italia. Una confirmación más de cómo la Pirámide continúa siendo un espacio de experimentación, encuentro y comunidad. Es desde este equilibrio constante entre pasado, presente y futuro desde donde nace el diálogo con Antonio Mazzotta, actual director artístico del club, para recorrer juntos el Cocoricò de hoy: su arquitectura, su público, la ritualidad de la noche y esa tensión continua entre memoria y riesgo que sigue definiendo su identidad. Entrar en diálogo con Antonio significa, ante todo, enfrentarse a una palabra que vuelve varias veces a lo largo de la conversación: respeto. Es desde ahí desde donde nace mi curiosidad por entender qué significa cuidar un lugar casi sagrado como el Cocoricò, algo inevitable cuando se habla de un espacio tan cargado de imaginario. “Significa, ante todo, tener respeto”, explica Antonio. “El Cocoricò no es solo un club, es un símbolo que ha marcado a generaciones. Cuidarlo hoy quiere decir proteger esa energía originaria sin cristalizarla, mantener viva la identidad del lugar y al mismo tiempo permitirle evolucionar. Es un equilibrio delicado entre memoria y responsabilidad hacia el presente y el futuro.” Es un concepto que toma forma de inmediato en el propio espacio, precisamente porque en el Cocoricò la arquitectura nunca ha sido un simple envoltorio, sino un elemento activo de la experiencia. Antonio es plenamente consciente de cómo la Pirámide sigue guiando el mundo de la noche: “la Pirámide no es un contenedor, es parte de la experiencia. Cuando entras ahí dentro, todo cambia: el tiempo, el sonido, la manera en que las personas se mueven. Cada decisión nace de ese espacio, no puedes ignorarlo. El público debe perderse y reencontrarse durante el rito del amanecer, por eso no puedes programar el Cocoricò como un club cualquiera.”

047

mixmag Spain

Y, siendo el rito un verdadero acto comunitario que se arraiga en la repetición y en la continuidad, resulta inevitable preguntarse cómo mantenerse fiel al pasado sin quedar prisionero de él. La visión de Antonio es clara y directa: “Se parte del coraje. El Cocoricò se convirtió en leyenda porque siempre se atrevió. Mantener vivo el hilo con el pasado no significa copiarlo, sino tener el mismo espíritu de ruptura. Si dejas de arriesgar, traicionas su historia.” Este enfoque emerge también en la forma en que se construye la programación. Los line-ups del Cocoricò siguen hablando a públicos distintos, sin parecer nunca forzadas… “Esto es porque pensamos en términos de emociones, no de targets. Ponemos en diálogo a quienes hicieron la historia con quienes están escribiendo el presente. Dos movimientos activos que coexisten internamente como ‘Memorabilia’ y ‘Galactica’ son el emblema de este diálogo. Uno mira a la memoria, el otro al espacio abierto del futuro. Ahí es donde sucede el diálogo verdadero, esta es nuestra gramática.” No nostalgia ni hype, subraya, sino “crear continuidad emocional, haciendo que todos se sientan parte de la misma experiencia.” El público, al fin y al cabo, siempre ha sido uno de los elementos más transversales del club. Pero algo ha cambiado, y Antonio lo observa con lucidez: “las nuevas generaciones son mucho más conscientes, visuales y fluidas, buscan una experiencia total, no solo musical. Cuando encuentran un lugar que devuelve emociones reales, la respuesta es inmediata y profunda. No buscan solo entretenimiento, buscan una experiencia que los represente y que los haga sentirse parte de algo.” En el Cocoricò de hoy, esta pluralidad también se refleja en los espacios: Pirámide, Titilla, T-Room y Ciao Sex conviven como mundos distintos dentro de una misma noche. Pero en el centro permanece un concepto que va más allá de la estética y vuelve a poner el foco en la importancia de la ritualidad: “la estética es importante, pero sin rito está vacía. En el Cocoricò el rito todavía existe. El amanecer no es el final de la noche, es su punto más verdadero. Quien sigue ahí no está por casualidad, está porque ha atravesado la noche hasta el fondo. Es un momento casi sagrado que puede traducirse como un pasaje, un cierre y un renacimiento al mismo tiempo. Por eso lo llamamos rito. Porque no se replica, no se programa, no se fuerza. Sucede.” Y hablando de ritos, el Cocoricò es uno de esos clubes que despide el final del año y da la bienvenida al nuevo respetando la tradición de una programación que se articula a lo largo de varias noches. También la última edición de Galactica en Nochevieja dejó huella, comenzando el sábado 27 de diciembre de 2025 y concluyendo el lunes 5 de enero de 2026, alternando en cabina a artistas de talla mundial como Planet Funk, Seth Troxler, Hades, Francesco Del Garda B2B Raresh y muchos otros, durante las noches del 27 y 31 de diciembre y del 1 y 5 de enero. Antonio explica que para construir un line-up tan denso y abierto a una variedad tan amplia de géneros, pensaron ese período como un único gran flujo, capaz de representar cada noche de forma distinta pero siempre como parte de la misma historia, dando vida a un viaje que une mundos, gustos y energías sin perder identidad. Quizás sea precisamente este espíritu auténtico, en un panorama europeo saturado de eventos, el que permite al Cocoricò ofrecer una experiencia única tanto a sus fieles como a los nuevos argonautas. Según Antonio: “el Cocoricò es un lugar que no puede ser trasladado ni copiado. Es la suma de geografía, arquitectura, historia y público. Aquí la noche no es solo entretenimiento, es una experiencia emocional y mística. Este tipo de alquimia no se diseña, existe y basta.” Pero trabajar en un lugar tan cargado de memoria implica, inevitablemente, una responsabilidad cultural. “La historia debe ser una plataforma de lanzamiento, pero hay que tener el coraje de arriesgar, porque es así como el Cocoricò se convirtió en lo que es”, explica Antonio. “Cuando llegué al Cocoricò, lo primero que hice fue analizar sus años más legendarios para buscar la máxima inspiración, no para copiar, sino para entender cuál había sido el riesgo que tuvieron el valor de asumir.” Pensándolo bien, ¿qué puede significar innovar si no es arriesgar?… “Exacto. Innovar significa sentir que todavía no lo has logrado, trabajar en varios niveles al mismo tiempo: sonido, público, lenguaje, visión. Es una actitud continua. No es hacer algo nuevo a toda costa. Es no dejar nunca de cuestionarse. Si crees que ya lo has logrado, ya has perdido.”

048

cocoricò

049

mixmag Spain

SLAB

AUTO R BO RJA C O M I N O

El primer controlador hardware diseñado específicamente para Serato Studio AlphaTheta y Serato presentan SLAB, el primer controlador MIDI concebido desde cero para trabajar de forma nativa con Serato Studio. No es un controlador genérico adaptado: es una pieza de hardware pensada para trasladar el flujo de trabajo del software a un entorno físico, táctil y directo, eliminando fricción entre idea y ejecución. Serato Studio, orientado tanto a DJs como a productores, se ha consolidado como un DAW de enfoque ágil y sample-based, con herramientas de sampling, secuenciación, separación de stems, instrumentos virtuales y efectos integrados. SLAB nace para potenciar ese ecosistema desde el hardware. Al conectarlo, Serato Studio se desbloquea automáticamente en su versión completa, sin coste adicional, rebajando de forma significativa la barrera de entrada.

050

El diseño de SLAB prioriza el control intuitivo y la velocidad. Su disposición está pensada para navegar el software sin depender del ratón, con una lógica clara de zonas y funciones. El controlador incorpora una sección de transporte con controles de reproducción, grabación y búsqueda, además de un dial central multifunción que permite desplazarse por librerías, hacer scrubbing o ajustar parámetros en tiempo real. Este dial integra el sistema Focus Control, que permite manejar plugins de terceros sin necesidad de mapeos manuales. Uno de los puntos clave del dispositivo es su integración con la tecnología Stems de Serato. SLAB incorpora un control específico de niveles de stems, lo que permite aislar y manipular por separado voces, melodías, batería y bajo dentro de un sample. Una función especialmente relevante para productores que trabajan con remezclas, edits o reinterpretaciones rápidas.

tech

En el apartado expresivo, SLAB incluye 16 pads de alto rendimiento, con sensibilidad a la velocidad y aftertouch ajustable. Están diseñados tanto para tocar melodías como para disparar samples, secuenciar patrones o controlar efectos, y cuentan con retroiluminación sincronizada con la interfaz de Serato Studio para una lectura clara del estado de cada función. A esto se suma un touch strip configurable, pensado para controlar filtros, pitch, efectos o swing con precisión gestual. Aunque su enfoque principal es Serato Studio, SLAB también funciona como controlador MIDI genérico, compatible con Serato Sample, Serato DJ Pro (como Official Serato Accessory) y otros DAWs. Esto permite usarlo tanto en contextos de producción como en directo, ampliando su utilidad más allá del estudio. Con SLAB, AlphaTheta y Serato trasladan al terreno del hardware una filosofía clara: producción rápida, física y accesible, sin renunciar a profundidad ni control. Un dispositivo pensado tanto para quienes dan sus primeros pasos en la creación musical como para productores experimentados que buscan un flujo más inmediato y performativo.

051

mixmag Spain

U N I O N AU D I O AUTO R F E D E RI C O C O RT I N A

four.valve Signature

052

Union Audio es sinónimo de ingeniería analógica sin atajos, y el four.valve Signature es, probablemente, el mejor ejemplo de esa filosofía llevada a un formato compacto, elegante y tremendamente serio en lo que importa: el sonido. Fundada en 2014 por Andy Rigby-Jones, figura clave en la evolución del mixer moderno y responsable de hitos históricos como la serie Xone, Union Audio nació con una idea clara: priorizar el audio, la construcción y la experiencia real del DJ por encima de cualquier moda pasajera. Son mixers hechos para usarse, viajar, sobrevivir a cabinas exigentes y convertirse en auténticos tanques de guerra para las fiestas. Y sí, además son una pasada a nivel estético… pero lo verdaderamente serio está por dentro.

four.valve Signature: válvulas, control y carácter El four.valve Signature forma parte de la Signature Series, versiones ensambladas a mano de la valve.series, pensadas para DJs profesionales, audiófilos y amantes del hifi que buscan el equilibrio perfecto entre ingeniería moderna y el carácter orgánico de la tecnología a válvulas. Cada canal incorpora su propia etapa, rica en segundas armónicas y capaz de generar una compresión suave y natural cuando se la exige. Este mixer no “colorea” porque sí: añade riqueza armónica y headroom real, manteniendo una claridad excepcional incluso en mezclas largas y exigentes. El resultado es un sonido cálido, profundo y definido, especialmente apreciable en sistemas grandes y entornos de club bien afinados. Funciona igual de bien en sesiones de vinilo —con entradas phono refinadas para una reproducción precisa— que en setups híbridos o digitales de alto nivel.

tech

Diseño funcional, sonido protagonista Como es habitual en Union Audio, el four.valve Signature apuesta por una construcción robusta, componentes de alta calidad y una disposición pensada para mezclar con precisión y calma. Incorpora el fader rotativo altamente amortiguado del Orbit.6, una EQ de tres bandas de sonido natural y un crossfader Innofader, todo integrado en una interfaz clara y sin distracciones. El mixer se convierte en una extensión natural del DJ, permitiendo trabajar el groove, el espacio y la dinámica con total control. Fabricado en las instalaciones de Union Audio en Cornwall, el four.valve Signature desprende además una estética modern-retro muy cuidada: chasis metálico, detalles en aluminio mecanizado y laterales de madera maciza que refuerzan esa sensación de objeto bien hecho, pensado para durar. Muchos sabemos que ni la mitad de las funciones que traen los mixers más actuales se usan… y menos a las cinco de la mañana. El Union Audio four.valve Signature recuerda algo esencial: un gran mixer no necesita aparentar, solo sonar mejor. Y en eso, pocos juegan tan fino. Sin hype innecesario, sin luces raras, solo audio de alto nivel, hecho para durar y para cruzar fronteras entre el estudio, el club y la cabina más exigente.

053

ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca album@mixmagaegroup.com

WATA IGARASHI MY SUPERNOVA DEKMANTEL El eclecticismo vanguardista y lanzamientos poco o para nada comerciales caracterizan la idiosincrasia de Dekmantel como sello de referencia. Con ‘My Supernova’ de Wata Igarashi nos subimos al carro de la música de baile propulsada por el delirio. Tras una balsa engañosa -’One Way In’- y en menos tiempo que el Propofol te pone a dormir, la locura se desata con ‘Shockwave’. Es Techno sacando pecho, y como si fuese el de Lobezno. Un rayo de energía inmersivo e impactante que luego vuelve a multiplicarse por ‘Meltzone’, ‘Unleashed’, en definitiva, por todo el LP, hasta alcanzar ‘Echoes Beyond’. Dignísimo final. Si eres capaz de zamparte todo el disco del tirón, notarás mucha cohesión entre un corte y otro. El frenesí de Igarashi es refinado y su rumbo contempla el concepto. Agárrate a ‘Skin’ y saldrás disparado.

LEMURIAN TIME WARRIORS HYPERSTITION DISGUISE RECORDS Se me revolucionaron los nervios con piezas tan hirientes como ‘Eclipse’. Lo que bien empieza con un beat noventero pronto es poseído por la maldad de gritos desgarrados y soniquetes industriales, también ácidos, que invitan a una masacre. Aunque el debut de Lemurian Time Warriors esté marcado por ese tipo de látigo, no siempre resultará tan martillo. ‘Electric Circus’, por ejemplo, donde parece que los Underworld acaban de cumplir los dieciséis y tienen en su local de ensayo posters de And One o Nitzer Ebb. La EBM es sin duda sinónimo de máquinas, oscuridad y espíritu intrépido. Por ahí, vamos bien. En este ‘Hyperstition’ agitan también con Techno (ese nervio en ‘Land of the Living Lies’) o carnicería fina a medio camino entre el Hard Hop y la intoxicación por setas alucinógenas: ‘Argus Panoptes’.

054

CALIBRE THEY WANT YOU SIGNATURE RECORDINGS “Me llamo realmente Dominick, soy de Belfast y me pirra el drum’n’bass”, así podría presentarse rápidamente Calibre si nos atenemos a su largo ‘They Want You’. Pero es que si seguimos indagando en su personaje, nos vamos a encontrar a un erudito de los sonidos electrónicos con más de tres décadas de carrera musical. Encima pinta, y lo que más nos importa ahora, es capaz de cantar sobre sus propias producciones. Con sinceridad y velocidad nos somete en este nuevo LP de espectro entre el jungle vanguardista, el dubstep y el pop tristón. Experimenta con la profundidad de su voz y la musicalidad de atmósferas y beats. Escuchando a fondo este disco, es precisamente con los instrumentales tipo ‘Ratbag Dub’ o ‘Sally Broke’ con los que siento más conexión. Definitivamente atrapado.

KID SUBLIME THE PARADIGM SHIFT NATURAL ELEMENT Es curioso que el productor detrás de este proyecto sea de Ámsterdam, aún más el tipo de calidez que destila su sonido. Aunque estemos en época de frioleras, este LP refleja completamente el camino marcado -precisamente el pasado verano- por aquel 12” titulado ‘ ‘You Got Me Runnin’. Un viaje sonoro donde todas las paradas son luminosas y de un modo u otro, conciliadas con el House, los ritmos entrecortados y muy especialmente con el neo-jazz. Es baile, y es orgánico. Los sonidos sintéticos están para armonizar con ritmos cómodos, instrumentos lanzando notas optimistas y un buen puñado de voces que marchan a la par. En este sentido, mucha variedad y colaboraciones que ajustan aún mejor el sentimiento de magia y unión. Entre ellas: vAn, Bako, Oliver Night o Natalie Slade. Cuando el BPM se nos pone romántico…

ÁLBUM DESTACADO

DJ HELL NEOCLASH INTERNATIONAL DEEJAY GIGOLO Destinado a convertirse en el álbum destacado de este principio de año por la relevancia de su artífice: el incombustible, y ahora personaje híbrido -humano y extraterrestre- de rostro plateado. A ver, dónde iba, ah sí, DJ Hell. El alemán regresa a las andadas con una especie de reto mayúsculo que sería renovar el electroclash y el techno más experimental. Eso, yendo muy al grano. Su propuesta pretende unir el pasado y el presente de la cultura electrónica de baile y la música de club. La estética es importante para Helmut Josef Geier, quien apuesta firmemente por un temario donde mantienen un pulso tenso la tecnología, los bajos aguerridos, la extrañeza y por supuesto la cultura del pasado junto a la más vanguardista. El LP arranca un tanto intrincado, pero mejora en formas según avanza.

055

ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca album@mixmagaegroup.com

GAZTWEEN II LP JAZZEGO Algo que me ha encandilado de esta propuesta es la manera de alterar las formas sin resultar algo dañino para el oído. A fin de cuentas Gatzween, dúo formado por los productores con base en Oporto, Miguel Tenreiro y Tito Romão, proponen una especie de electrónica de salón tan sofisticada y refinada, como íntima y lujosa. Sin inventar nada nuevo, las posibilidades de escuchar música de ambiente relajante, son diseminadas con pericia a lo largo de los diez cortes que componen este ‘II LP’. Su título, tal cual. La corriente dub y los experimentos inspirados en gente como Saint Germain, Trüby Trio o Nuspirit Helsinki están omnipresentes en temas como ‘Nway’, ‘Baía’ ‘Egydio’ o ‘Peaceful Nights’. Realmente en todo el disco. Estamos ante una reimaginación de la Tropicana y raíces brasileñas con pasajes de electro-jazz.

PSYCHOTIC BEATS SOUNDTRACK WITHOUT A MOVIE LOG LADY RECORDS La intensidad y la emoción que se perciben en el nuevo trabajo de Pshycotic Beats son brutales. Canciones que lloran por todos nosotros a través de ejercicios refinados de electrónica, acompañamientos orquestales para nada cargantes y una voz, su impresionante voz, pellizcando en nuestro espíritu como nunca. En canciones como ‘Silence’, ‘After You’ o ‘In the Air’ -muy especialmente en esta última- se fusionan extraordinariamente lo hermoso y lo siniestro. Como si Badalamenti y David Lynch hubiesen encontrado un nuevo aliado creativo y narrativo en el compositor y músico madrileño. Y aún me queda ‘Loner’, a mi parecer, y al menos para mi ser, la excelencia del disco. Un paseo que pone los pelos de punta y donde se confabulan trip hop, britpop y notas eléctricas de rock, de nuevo sin excesos. Con él, cultivamos la atención.

056

SOTOMAYOR WABI SABI WONDERWHEEL RECORDINGS La dupla mexicana permanecía demasiado en silencio durante los últimos seis años, pero ahora, a la vez que cumplirán diez años de su formación, regresan con un nuevo largo de estudio. Dos hermanos (Raúl y Paulina, también conocida con su otro desdoble artístico Pahua) que con este proyecto conjunto reflejan a la perfección la querencia en ese otro lado del charco que es América por rendir a la electrónica la herencia cultural de toda un continente. Florece en manos de ellos el baile con un espíritu tan ancestral como actual y global. Canciones donde se combina desde house a afrobeat, pasando por cumbia, dancehall, plena y kuduro. También se redescubren a sí mismos a través de unos sonidos más sintéticos y unas letras exploran los ciclos y la resiliencia.

VVAA 10 YEARS OF PASSARELLA RECORDS VOL 2 PASSARELLA RECORDS La discográfica creada por Danny Passarella ha visto necesario publicar un segundo volúmen con motivo de su décimo aniversario. Y es que el primero funcionó bastante bien. De nuevo podremos sumergirnos en la propuesta de una casa nacida para revitalizar el techno de alas y tintes hipnóticos, minimalistas, industriales y contemplativos. En un tracklist copado por el mismo Passarella, y junto a otros nombres como Kempes, Oliver Ho, Perc o Samantha Togni, descubriremos piezas que desde luego manifiestan la esencia del clan. Y me refiero muy especialmente a ‘Milan’. También ‘Movement Expression’ donde el jefazo, y a través de su proyecto en paralelo que tributa aquel espléndido futbolero argentino, se marca una de techno analógico, volátil y visceral. Más desafiante, con más cuerpo, un pelín menos minimalista y espectral.

REVIEW CLÁSICO

AMON TOBIN PERMUTATION NINJA TUNE Este disco es, mal y hablando pronto, un pasote. Para mucha gente, ‘Permutation’ marcó un antes y un después dentro de la escena que se pirraba por la electrónica de mil caras y los ritmos rotos engordados con mucha creatividad, si, pero con muy mala baba también. Estamos ante un intrincado tejido por todo tipo de capas, desde atmósferas peliculeras tipo David Lynch a otras incluso más bizarras, psicodélicas y oscuras. Nervio y acongoje. Sea como sea, la rítmica a lo largo de sus doce cortes es gloriosa. Una fusión vanguardista de jazz contagioso, big beats y electrónica experimental harto inquietante. Si te sumerges de lleno en el disco, con la mente colocada y sin pausas, lograrás re-tonificarte. Una distopía hipnótica, enfermiza y afilada con obras maestras como ‘Toys’, ‘People Like Frank’, ‘Nightlife’ o ‘Sordid’.

057

mixmag Spain

BREAKS

Autor: Eduardo Carbonell breaks@mixmagaegroup.es

YO SPEED MYCELIUM VOL.1 INFECTED SHROOMS ‘Mycelium’ es la carta de presentación de Infected Shrooms, el nuevo sello fundado por Yo Speed junto a Waxport Records, y también una declaración de intenciones. Editado solo en formato vinilo, este lanzamiento reúne cuatro cortes exclusivos donde el artista despliega sin restricciones su identidad sonora. La propuesta se mueve entre electro y breakbeat, alternando pasajes diseñados para la pista de baile con momentos más emocionales y sorprendentes, siempre bajo un enfoque experimental. El disco refleja una amplia paleta sonora y una clara vocación exploratoria, jugando con distintos BPMs y texturas que remiten a un universo orgánico y mutante, coherente con el concepto micológico que inspira el sello. ‘Mycelium’ no solo inaugura una nueva etapa creativa, sino que confirma a Yo Speed como una figura clave del breakbeat andaluz, una escena que desde el sur de España proyecta su sonido al exterior. Un cierre sólido y ambicioso para la temporada de vinilos breakbeat de 2025.

ALEX PHYSALIS W AXIS HIGH TREE RECORDS El productor musical Alex Physalis vuelve a nuestras páginas con un nuevo single publicado bajo su sello High Tree Records, recientemente reabierto. En el extenso lanzamiento ‘W axis’ encontramos tanto la versión original, como siete remixes a cargo de Akuma, Devis Hard, EvilSound, J-Break, Windom R, Zionow ND y el propio Alex, con una versión alternativa de estilo bass house. Un trabajo muy completo con breaks para todos los gustos y desde diferentes partes del globo. Recomendamos también otros releases del sello como el neuro breaks ‘Point Blank’ de Xsonsence y otros más subidos de tempo como el neurofunk ‘Polarization’ y ‘Reckoning’ de Physalis o ‘Savage’ de Neothrope. Tampoco te pierdas otros lanzamientos de Physalis desde otros sellos como ‘Mastersound’, ‘Mind Divers’ y ‘Proximal Definition’ bajo Dirty Kitchen, ‘Axiom’, ‘Deep Break’, ‘Masquerade’ y ‘Portal Among The Dunes’ bajo Samay Records o la producción con su propia voz ‘Sol’ bajo ElectroBreakz.

058

BRUNETTO OOPARTS BEAUTIFUL ACCIDENT Con ‘Ooparts’, Brunetto firma un regreso sólido y profundamente personal tras cinco años de exploración creativa. Este mini-álbum de seis cortes condensa un universo sonoro donde trip hop, electrónica, hip hop abstracto y urban beats conviven sin jerarquías ni prejuicios. Publicado por el sello Beautiful Accident, el disco respira una marcada atmósfera cinematográfica, construida a base de sampleo minucioso, ritmos cambiantes y texturas sintéticas que invitan tanto a la introspección como al movimiento. Colaboraciones como la de la francocolombiana Ëda Díaz, de claros ecos trip hop, o el rework junto al rapero Young Quincy, aportan nuevas capas narrativas a un conjunto coherente y sugestivo. Lejos de fórmulas previsibles, ‘Ooparts’ apuesta por la experimentación y la libertad creativa, confirmando que el tiempo ha afinado la mirada de Brunetto. Más que esperado este comeback, de un viejo conocido en la escena noventera, tanto en solitario como por su banda Bockors.

THE PRODIGY 160 EXPERIENCE BANDCAMP El DJ y productor serbio Nikita Mironov, más conocido como Neekeetone, es un artista muy valorado en la escena jungle, drum and bass y UK garage. Coincidiendo con nuestro disco clásico del mes y de manera inesperada, nos encontramos con este álbum recién estrenado en su cuenta de Bandcamp. Algo muy atrevido, pero a la vez excelente, ya que el de Belgrado se aventura a remezclar todo un disco histórico del breakbeat hardcore, como es el álbum debut de los ingleses The Prodigy, y sale muy bien parado de ello. Neekeetone se lo lleva al terreno del jungle, moviéndose generalmente entre los 160 bpm, una velocidad que le sienta de maravilla al material original y da como resultado una reinterpretación y un homenaje de calidad. Si eres productor y te gusta el sonido jungle, no te pierdas su cuenta de Bandcamp, ya que además de sus trabajos musicales cuenta con diversas librerías del género.

REVIEW CLÁSICO

THE PRODIGY EXPERIENCE XL RECORDINGS Publicado en 1992, ‘Experience’ es el álbum debut de The Prodigy y una piedra angular del hardcore rave británico. El álbum captura la energía cruda de los primeros noventa, cuando la electrónica todavía respiraba ese espíritu underground primigenio. Con bases aceleradas, breakbeats incisivos y líneas de sintetizador hipnóticas, el disco transmite una sensación constante de movimiento y euforia colectiva, creando un sonido directo y sin concesiones. Aunque aún no muestra la agresividad rockera que definiría a la banda en sus trabajos posteriores, este álbum destaca por su frescura, su capacidad para conectar con la cultura rave de la época y como todo un documento histórico. Anteriormente ya habían publicado el EP ‘What Evil Lurks’ y los singles ‘Charly’, ‘Everybody In The Place’, ‘Fire’ y ‘Jericho’, pero con este disco se consagraron alcanzando el puesto número 12 en la lista de álbumes de UK y logrando el estatus de platino en ese país y el oro en Polonia.

059

DRUMANDBASS

Autor: Olga Casas drumandbass@mixmagaegroup.com

BRAIN, NOVAGLITCH DESESPERO YAMATAI RECORDS ‘Desespero’ es la nueva colaboración entre Brain y Novaglitch, dos artistas colombianos que ya han demostrado en anteriores trabajos una conexión creativa muy sólida. El tema ve la luz en Yamatai Records como parte de un EP de dos cortes firmados por Brain, y muestra una faceta especialmente intensa y cuidada de su sonido. Aquí, Brain se aleja de sus producciones más funcionales para explorar un terreno más oscuro y emocional, sin perder el pulso rolling que define gran parte de su identidad. ‘Desespero’ es tenso y envolvente, con un groove constante que atrapa desde el primer momento. Los sintetizadores secuenciados marcan el carácter del track y sostienen un bajo con patrón hipnótico, sobre el que se apoya una batería muy rolling y directa. Es un tema que combina crudeza y sensibilidad, incorporando matices melódicos sutiles que aportan profundidad sin suavizar su impacto. La atmósfera transmite una sensación de inquietud y urgencia que conecta con el propio título y dota al corte de una carga emocional muy reconocible. En él, podemos ver la evolución de esta dupla, con guiños a colaboraciones pasadas como ‘Rush’, pero llevando el sonido hacia un registro cada vez más oscuro y maduro. Una pista sólida y bien construida, que demuestra cómo el Drum & Bass actual puede seguir siendo intenso, expresivo y profundamente envolvente.

NIXXY RAIN LAWYER HOSPITAL RECORDS Nixxy Rain debuta en Hospital con ‘Lawyer’, el segundo single de las celebraciones de Hospital30, constituyendo un gran homenaje al sonido Drum & Bass que ayudó a definir la identidad del sello en distintos momentos de su historia. Anteriormente conocido como la mitad del aclamado dúo británico Spectrasoul, Nixxy Rain forja ahora su propio camino, aportando un enfoque personal al género, marcado por una profunda musicalidad y sensibilidad líquida que ha caracterizado gran parte de su trayectoria. Este tema actualiza el sonido Liquid con un toque fresco y moderno, construido sobre respiros melódicos, punzadas de piano delicadas y fragmentos vocales emotivos que se integran a la perfección en la instrumentación. Cada elemento fluye con cuidado, creando una atmósfera que conecta con la esencia más pura del sello. ‘Lawyer’ supone una apuesta destacada en este nuevo capítulo del artista y se convierte en una contribución perfecta al legado de 30 años de Hospital Records, reflejando tanto la historia como la evolución del sello.

060

TEEJ, RESSLEK CHAGRIN (RESSLEK REMIX) NYX RECORDINGS Hace un año, Teej lanzaba ‘Chagrin’ en su propio sello, NYX Recordings, y ahora ha invitado a Resslek a realizar su propia versión del tema. Este remix se mueve en territorios profundos y secos, muy en la línea del sonido Deep que caracteriza a Resslek, a Teej y al propio sello, donde la experimentación dentro del Drum & Bass más oscuro y minimalista es una constante. Percusiones precisas, líneas de bajo sólidas y un groove hipnótico que envuelve sin adornos innecesarios. La reinterpretación de Resslek mantiene la esencia del original mientras le aporta su propio estilo, con texturas densas y una progresión intensa, reforzando el ritmo, la tensión y la sensación de inmersión en el track. Se trata de un remix que no reinventa el original, pero sí lo expande de manera convincente, mostrando cómo un tema puede evolucionar dentro de la misma estética del sello y dejando claro el talento de este artista para aportar una nueva dimensión y tensión adicional a la pieza.

ONEBYONE SPECTRUM VIP HIGH RESISTANCE Seis años después del lanzamiento original, oneBYone nos desvela la versión VIP de ‘Spectrum’, un ejemplo contundente del Neurofunk más técnico y duro, encajando a la perfección en el catálogo del sello High Resistance. El artista construye un tema lleno de cortes, cambios y texturas complejas, con un ritmo implacable y frenético, manteniendo la tensión en todo momento. La percusión quirúrgica y el bajo profundo crean una base sólida sobre la que se desarrollan los elementos más intrincados del track, mientras que la vocal aporta un toque distintivo que se integra de lleno en la atmósfera. Cada sección está pensada para sorprender al oyente, alternando momentos de explosión con pasajes más controlados y densos, demostrando la capacidad del artista para equilibrar brutalidad y detalle. ‘Spectrum VIP’ reafirma la personalidad de High Resistance y consolida a oneBYone como un productor capaz de dominar el Neurofunk más técnico y contundente. REVIEW CLÁSICO

PENDULUM, MC SPYDA, DJ FRESH, TENOR FLY TARANTULA BREAKBEAT KAOS Hablar de Pendulum es hablar de una discografía repleta de himnos, y escoger solo uno nunca es tarea fácil. ‘Tarantula’ es, sin embargo, uno de esos temas que resume a la perfección el impacto que tuvo el proyecto australiano en la escena musical internacional a principios del siglo XXI. Fue publicado en 2005, tanto como single como formando parte de su famoso álbum debut ‘Hold Your Colour’, pero, meses antes de su lanzamiento oficial, pudieron oírse diversas versiones de este track en sesiones de varios DJs de renombre de la época. Tanto el tema como el LP marcaron un punto de inflexión para la banda y para el género, acercando el Drum & Bass a un público mucho más amplio sin perder contundencia. ‘Tarantula’ está influenciado claramente por el jungle más agresivo, con breaks afilados y un groove acelerado que no da tregua, pero lo combina con una estructura directa y una energía casi punk. La vocal, repetitiva y cruda, se convierte en uno de sus sellos más reconocibles, aportando tensión y actitud, mientras el bajo y la percusión empujan el tema con una urgencia constante. En su momento, esta pista tuvo una acogida enorme en todo tipo de eventos, convirtiéndose rápidamente en una de las más pinchadas de Pendulum y otros DJs, siendo una referencia obligada de la era. A día de hoy, sigue siendo un arma infalible, capaz de encender cualquier sesión y de conectar generaciones muy distintas de público.

061

ELECTRO

Autor: Federico Cortina electro@mixmagaegroup.com

PANICO EN DIRECTO TERCER ACTO VOYKOT El misterioso productor afincado en Barcelona, Panico En Directo, lanza su tercera referencia bajo su propio sello, Voykot. Un mini álbum que parece salido directamente de una película de terror psicológico, pero con clase. El track ‘Tercer Acto’ abre el disco con melodías inquietantes y paisajes sonoros profundamente cinematográficos, marcando el tono de un release que cierra la trilogía del label. El tema —y el EP en general— es difícil de encasillar: abarca la esencia más pura del EBM con influencias de techno y electro que refuerzan un carácter muy personal y reconocible. Disponible via Outside In.

ROTO ASCH PROJECT VOYAGE RECORDS Nueva aparición del productor catalán ROTO, esta vez en Voyage Records. Un lanzamiento que deja clara la maduración sonora del artista, incorporando elementos orgánicos como baterías y guitarras de raíz post-punk reinterpretadas desde el electro, el darkwave y terrenos más electrónicos. Oscuro y atmosférico, es un track que invita a la introspección. Quizá no esté pensado para el peak time de la pista, pero sí para jugar con tu cerebro y dejar poso.

062

ORLI DEAL IS DEAL JOOICE Referencia número 7 del sello Jooice, dirigido por Gabbs, con Orli al mando. Un disco diseñado para hacer bailar a la pista de principio a fin: groove hipnótico, psicodelia progresiva con guiños al trance y baterías que se mueven entre el house y el techno con total naturalidad. De esos temas pensados para sonar a las 4 AM, cuando el club ya está entregado y las manos se levantan solas. Groove sólido, maduro y muy efectivo. El resto del release mantiene el nivel: ojo, porque vuela. Distribuido por Lirica Archives.

DROXAL PURPLE ABYSS MELCURE Siguiendo esta nueva ola de trance hipnótico y profundo que está marcando el cierre del año, Melcure lanza su referencia número 14 junto al productor Droxal: cuatro tracks pensados para pistas exigentes. Mención especial para el B1. Funciona a la perfección en mezcla con — prácticamente— cualquier track, y avanza de forma casi progresiva mientras las líneas de acid se desplazan por todo el estéreo. Cuando la melodía entra, toma el control absoluto de la pista. Hipnosis bien entendida.

REVIEW CLÁSICO

SPEEDY J FLASHBACK OVERLAST RECORDS (1993) Lanzado en 1993, cuando los géneros aun no tenían nombre. Este álbum doble llamado Ginger no tiene ningún desperdicio. De entre todos los temas, ‘Flashback’ es uno de esos tracks que no necesita presentación: techno directo, crudo y muy bien construido. Speedy J va a lo seguro con un groove constante, repetitivo, sin melodías protagonistas ni breaks innecesarios. Todo pensado para que funcione en la pista. Es un tema muy DJ-friendly, fácil de mezclar y perfecto para mantener la tensión sin robar el foco. Funciona especialmente bien cuando el set ya está encaminado y lo que necesitas es empujar sin romper el clima, o también como primer track, todos notarán que empezó tu set sin necesidad de poner nada estridente. Si no lo conocías, ¡de nada!

063

HARD TECHNO

Autor: Alejandro Serrano

hardtechno@mixmagaegroup.com

NAU LEONE CENIZAS BE YOUR OWN STUDIO En ‘Cenizas’, Nau Leone condensa toda su visión artística en un solo tema que funciona como un manifiesto emocional y sonoro. El productor madrileño, conocido por su enfoque cinematográfico y su habilidad para construir paisajes electrónicos de alta sensibilidad, entrega aquí una pieza que respira introspección, ruptura y renovación. La obra se despliega lentamente, con texturas orgánicas que emergen como brasas aún calientes, mientras un diseño sonoro meticuloso guía el ascenso hacia un clímax de intensidad controlada. Las capas melódicas —frágiles pero firmes— dialogan con pulsos rítmicos que laten como un corazón después de una tormenta, evocando el tránsito entre la devastación y la esperanza. El track mantiene un equilibrio perfecto entre electrónica contemporánea, techno y un sutil dramatismo propio del universo de Nau Leone. En su conjunto, el tema ‘Cenizas’ se siente como un renacer: un viaje íntimo que transforma la pérdida en impulso creativo y que confirma al artista como uno de los productores españoles más narrativos y sensibles de su generación.

INOX TRAXX AMOR KNTXT Inox Traxx vuelve a demostrar por qué es una de las voces más singulares del techno contemporáneo con It’s All Just Memories, su nuevo EP para el sello RPM by KNTXT de Charlotte de Witte. Tras el impulso creativo mostrado en ‘Free’ (2025) y su debut ‘In My Darkness’ (2024), la productora afincada en Berlín consolida aquí un sonido minimalista, emocional y profundamente diseñado alrededor de las voces. El EP recoge esa esencia hipnótica que la ha llevado a escenarios como Berghain, Awakenings o los eventos de KNTXT en Europa, reafirmando su visión introspectiva y contundente. Cada corte funciona como un fragmento de memoria encapsulado en textura y pulso: desde la ligereza vaporosa de ‘Tender Woods’ hasta la espiritualidad percusiva del tema homónimo. Pero es ‘Amor’ el que verdaderamente sorprende: un viaje oscuro y fascinante donde la percusión mecanizada convive con arpegios espaciales, sonidos industriales y una voz distorsionada que crece hasta el clímax. Un cierre atrevido, emocional y magnético que confirma el poder narrativo de Inox Traxx y su capacidad para remodelar el minimal techno desde dentro.

064

RENWARTHERGER DISTANT SYSTEM BULLETDODGE RECORDS Renwartherger regresa con su segundo lanzamiento del año en Bulletdodge Records, consolidando el impulso obtenido con su anterior EP. Moving EP profundiza en su fusión característica de electrónica con guiños a más géneros, oxigenándose de referencias exclusivamente electrónicas. El proyecto destaca por un enfoque más expansivo y emocional, sin perder su pulso y contundencia en el club. La presencia vocal de Jillian Raye y Jennifer Johnson, integrantes de 3rd Secret, aporta textura y carácter. El tracklist despliega siete cortes que muestran la evolución sonora del productor. Cada pieza explora un matiz distinto, desde lo introspectivo hasta lo impulsivo.La producción mantiene una coherencia sólida pese a su amplitud estilística. Entre todos los temas, ‘Distant System’ brilla por su profundidad hipnótica. Su mezcla de melodías suspendidas y tensión rítmica crea uno de los momentos más envolventes del EP. Un corte, en definitiva, que resume a la perfección la madurez y sensibilidad que define esta nueva etapa de Renwartherger.

CRYME LONDON BOY SEVEN SEVEN celebra su primer aniversario con un EP de remezclas que recupera ‘London Boy’, uno de los temas más reconocibles y celebrados de CRYME. Desde su aparición en The Backroom EP (2023), el track no ha dejado de crecer dentro del circuito underground, sonando en sets de OK Williams, Gabrielle Kwarteng o Moma Ready entre otros referentes. Para este lanzamiento especial, CRYME convoca a algunos de los primeros defensores del corte como MCR-T, Stef de Haan, Roza Terenzi y JakoJako, cuatro productores que aportan una lectura expansiva del material original. Cada remix abre un nuevo ángulo del tema, explorando desde el músculo club más directo hasta paisajes más atmosféricos y cinematográficos. La versión remasterizada del original mantiene toda su pegada: un híbrido entre electro, grime y ghetto-house construido para detonar la pista, reafirmando la solidez del diseño sonoro de CRYME. El resultado es un EP contundente, variado y coherente, que amplía las posibilidades del track sin diluir su esencia y demuestra la versatilidad del concepto.

REVIEW CLÁSICO

MATTRAM FORCED ABANDONMENT REFLECT RECORDINGS Goodbye for Now de Mattram presenta una electrónica emocional envuelta en atmósferas limpias y precisas. El EP mantiene un tono introspectivo, donde cada sonido está diseñado con intención y sutileza. Su narrativa fluye con un equilibrio entre calidez analógica y una melancolía luminosa. Las texturas respiran, dejando espacio para que los detalles cobren protagonismo. Cada pista aporta un matiz diferente dentro de un conjunto cohesivo y evocador. La producción de Mattram destaca por su claridad y sensibilidad hacia el ambiente. Pero es en ‘Forced Abandonment’ donde el EP alcanza su punto más intenso. La pieza construye un dramatismo envolvente que crece sin prisas, casi hipnótico. Su progresión emocional golpea con una mezcla de fragilidad y determinación. Los elementos rítmicos entran como un eco distante que sostiene la tensión. Es, sin duda, el tema que mejor captura el espíritu emocional de todo el proyecto. Reflect Recordings demuestra con este lanzamiento que es un sello con un futuro prometedor.

065

MELODIC HOUSE & TECHNO

Autor: Marian Ariss melodictechno@mixmagaegroup.es

KEVIN DE VRIES, ADD-US ENTRANCE MUSICAL FREEDOM Uno de los nombres más importantes del techno melódico, Kevin de Vries, se une al productor emergente Add-us para presentar su imponente track ‘Entrance’, una auténtica arma de peak time. Un track directo, eufórico y diseñado para escenarios grandes, donde el techno melódico se cruza sin complejos con la energía del mainstage. En ‘Entrance’ el groove es implacable, sostenido por un bombo afilado y una progresión constante que no da respiro. Sobre esa base, una melodía luminosa y reconocible va creciendo poco a poco, apoyada en arpegios de aire trance que construyen tensión y liberación emocional. Este lanzamiento marca además el debut de Kevin de Vries en Musical Freedom, el sello de Tiësto, señalando un punto de conexión claro entre el sonido underground y la electrónica de gran formato.

ECHONOMIST, TOTO CHIAVETTA DOMINATOR (TOTO CHIAVETTA REMIX) HABITAT El reconocido artista griego Echonomist anuncia el lanzamiento de su nuevo EP, ‘Dominator’, a través del sello HABITAT, propiedad de Mind Against. Este trabajo de cinco pistas consolida el regreso del productor, cuya obra se distingue por su inconfundible tensión, groove marcado y un fuerte carácter análogo. Además de los originales, el lanzamiento se completa con un remix de alto calibre a cargo de Toto Chiavetta. Con su remix de ‘Dominator’, Toto lleva el original de Echonomist a un terreno más oscuro, hipnótico y profundamente introspectivo. Un track que no busca el impacto inmediato, sino que se construye desde la tensión y el detalle, pensado para momentos avanzados del set. Fiel al estilo de Chiavetta, el remix apuesta por la narrativa y la progresión lenta, dejando espacio para que cada elemento respire y cobre sentido dentro del conjunto. Es música de club elegante y cerebral, ideal para transiciones largas y viajes nocturnos.

066

AGUSTIN GIRI LET’S TALK RUMMEL DJ y productor argentino, Agustín Giri nació en Mar del Plata. Desde muy joven, su marcado interés por la música electrónica lo llevó a adentrarse en la producción musical. Con sus primeras producciones, Agustín comenzó a captar la atención de la escena musical de su país, actuando en algunos de los clubes y espacios más importantes de Argentina y compartiendo escenario con artistas de renombre. Gracias a su habilidad en la producción musical, ha logrado destacarse en la escena internacional, publicando lanzamientos en sellos de prestigio como Stil Vor Talent, Impressum, Innervisions, entre otros. Esta vez vuelve al sello Rummel con un EP antes de su próximo álbum. Con ‘Let’s Talk’, Agustín reafirma su identidad dentro del techno melódico y progresivo, apostando por un track elegante, profundo y de construcción paciente. Un track que confirma a Agustín Giri como un productor con criterio, sonido propio, profundidad y una clara visión sonora,

ARTBAT, CAMELPHAT, RHODES, ADAM SELLOUK & Y DO I FOR A FEELING (ADAM SELLOUK & Y DO I REMIX) RCA RECORDS Reinterpretar ‘For A Feeling’ no es una tarea menor. El track original de ARTBAT, CamelPhat & RHODES se convirtió en uno de los himnos más reconocibles del melodic techno de los últimos años, sonando de forma constante en clubes y festivales de todo el mundo. Conscientes de ese peso, Adam Sellouk y Y do I afrontan el remix con respeto y una clara visión artística. Su versión conserva la esencia emocional y melancólica que hizo del original un clásico moderno, pero la traslada a un terreno más hipnótico y profundo. El groove avanza con elegancia, sostenido por un bajo firme y percusiones precisas, mientras las melodías se desarrollan lentamente, envolviendo la voz de RHODES en una atmósfera más densa. Lejos de buscar el impacto inmediato, el remix apuesta por la progresión y la inmersión, funcionando especialmente bien en momentos avanzados del set, cuando la pista ya está conectada y abierta al viaje. ‘For A Feeling’ de Adam Sellouk & Y do I, es sin duda una relectura cuidada y sofisticada de un tema icónico, capaz de dialogar con la memoria colectiva del dancefloor sin perder frescura ni personalidad propia.

REVIEW CLÁSICO

GUY J LAMUR BEDROCK RECORDS ‘Lamur’ del DJ y Productor Israelí Guy J, es uno de esos tracks que no necesitan presentación. Publicado en 2009, en el sello Bedrock Records, se ha convertido en una pieza fundamental del universo Melodic Techno y Progressive, un tema que entiende la pista de baile como un espacio de viaje y no de impacto inmediato. La producción se construye con paciencia y precisión. Un groove profundo y constante sostiene el desarrollo mientras capas melódicas sutiles van apareciendo poco a poco, creando una tensión emocional que se siente más que se escucha. Nada es excesivo: cada elemento cumple una función narrativa, guiando al oyente a través de un recorrido hipnótico y envolvente. La fuerza de ‘Lamur’ está en su capacidad de atrapar sin recurrir a clímax evidentes. Es música para cerrar los ojos, perder la noción del tiempo y dejarse llevar por la progresión. Más de una década después, Lamur sigue sonando actual. Su elegancia, profundidad y carga emocional lo han convertido en un clásico atemporal, una referencia obligada para entender la evolución del Melodic Techno y la música electrónica de largo recorrido.

067

HOUSE

Autor: Francisco Pérez

house@mixmagaegroup.com

ANTRAUM B1 ONNANOKO OMAKASE Traumer, uno de los favoritos de Francia, ha estado conquistando las pistas de baile desde hace más de diez años con lanzamientos de calidad, promoviendo un sonido auténtico. Siempre innovando en el estudio, Traumer tiene varios nombres y proyectos que le permiten mostrar su creatividad y sensibilidad. Uno de estos Antraum, donde junto a su colega Anton comparten una serie de releases enfocados en un sonido más peculiar. ‘Onnanoko’ es una obra de arte donde el swing, la linea de bajo, las vocales en loop y el groove hacen de esta pieza un perfecto regalo para este nuevo año. Este productor francés transmite en sus sesiones un ambiente enérgico lleno de producciones inéditas y mezclas secretas, convirtiéndose en un DJ muy querido, tocando en los mejores lugares del mundo. Actualmente, se centra en su sello llamado get—traum que fundó en 2016, donde presenta a amigos talentosos y colabora con marcas fuera de la música.

DISTANT STRANGERS TAKE US IN DEEPER DRUGSEX RECORDINGS Este EP, originalmente lanzado en 2005, regresa como parte de la campaña de reediciones del sello neoyorquino Drugsex, conocido en la escena underground. Creado por los productores británicos Rob Pearson y Simon Copleston, Drugsex se destacó en el movimiento del tech house con su sonido crudo e hipnótico. En la segunda entrega de la serie, Pearson y Daniel Poli, bajo el nombre Distant Strangers, presentan el EP Lost Souls, que se convirtió en una pieza underground limitada y muy demandada. ‘Virtual Morality,’ un track dinámico y pegajoso donde el swing y el misterio toman control absoluto de la pista. Casi 20 años después, estas pistas mantienen la misma energía que las hizo favoritas de culto, recordando la perdurabilidad de su sonido.

068

NACHO BOLOGNANI ONE, TWO, TRES UVAR Nacho Bolognani, DJ y productor argentino, realiza su debut en el prestigioso sello UVAR, conocido por su enfoque en la conexión emocional que la música establece con cada oyente, sin requerir explicaciones. Este sello trata al público con la honestidad y el respeto de un buen amigo, permitiéndoles manifestar sus opiniones y experiencias más sinceras. Con la visión de alcanzar una audiencia global, UVAR destaca por su selección cuidadosa de lanzamientos y un arte conceptual que rinde homenaje a la rica cultura tradicional rumana. Recientemente, lanzaron un álbum recopilatorio titulado Voices of Giving LP, que incluye contribuciones de renombrados productores como David Gtronic, Dewalta, Alci, Per Hammar, Nu Zau, Andrew Azara y 22 productores más. En este contexto, Bolognani nos sorprende con una pieza de house impregnada de sonidos dub, y una atmósfera que te invitará a tararear su hipnótica línea de bajo como si se tratara de un himno. Este lanzamiento es un testimonio del compromiso de UVAR por ofrecer música de calidad y seguir inspirando a su audiencia a seguir creyendo en la calidad sobre la cantidad.

SWEELY THIS MY SHIT DUNGEON MEAT Sweely, un destacado DJ francés afincado en Barcelona, nos presenta su producción ‘This My Shit’. Tuve la oportunidad de escuchar este tema hace un año en Les Enfants, y es pura esencia para disfrutar y bailar. Los intereses musicales de Sweely se forjaron desde sus primeros días, abarcando una amplia variedad de géneros, incluyendo Rock’n’Roll, Hip Hop, Jazz y música del mundo, lo que ha moldeado su distintivo estilo sonoro. Este talentoso artista, a quien tuve la fortuna de conocer y con quien intercambié algunas palabras en su estudio, dedica gran parte de su tiempo a explorar todos los instrumentos musicales que encuentra, con un particular aprecio por las percusiones, guitarras y teclados. Sweely es frecuentemente considerado uno de los productores franceses más creativos y eclécticos de su generación, navegando con soltura entre el house y el electro, como demuestran sus lanzamientos en sellos como Distant Hawaii, Slapfunk y Concrete Music, entre otros. Sin duda, es probable que lo encuentres dirigiendo su orquesta en cabina con su MPC y otros equipos, creando música perfecta para la pista de baile.

REVIEW CLÁSICO

ACUMEN LETTING GO - ALEX CELLER REMIX Alex Celler nació en Salónica, Grecia. En 2009, sus sorprendentes lanzamientos en sellos como Trelik, Tuning Spork, Contexterrior y All Inn lo consolidaron como una de las promesas más destacadas de su generación. Esta impresionante trayectoria de producciones y remezclas le abrió las puertas para pinchar con regularidad en el emblemático Fabric de Londres, así como en los renombrados clubes de Ibiza como Amnesia y DC10, además de Watergate y Club de Visionaire en Berlín. Time Has Changed Records, un sello francés de tech y deep house dirigido por Timid Boy y Acumen, ha sido fundamental en su carrera. Su tema ‘Letting Go’ destaca por sus sonidos old school y su estilo tech house lleno de atmósferas viajeras. El estilo de Alex Celler refleja una obsesión por la búsqueda de vinilos, fusionando de manera intrigante temas antiguos y modernos. Este remix en particular es dinámico, con potentes líneas de bajo y ritmos sueltos, manteniendo siempre el énfasis en el groove. Tuve la oportunidad de pincharlo en uno de mis Vengo Showcase de Año Nuevo en Las Terrenas en 2024, un momento que jamás olvidaré.

069

UK GARAGE

Autor: Borja Comino ukgarage@mixmagaegroup.com

SASSY 009 FT. YUNÈ PINKU MIRRORS HEAVEN-SENT / [PIAS] El track colaborativo entre dos de las artistas más originales de la escena electrónica experimental de baile, profundiza en el eje más introspectivo de la discografía de Sassy 009. El tempo bajo y la estructura abierta sitúan el tema en un punto difuso entre pop digital, downtempo y sensibilidad club heredada del UK continuum. La producción trabaja con capas translúcidas, colas largas y un ritmo apenas insinuado, más pendiente del espacio que del avance. Yunè pinku aporta una voz ligera y controlada, integrada en el paisaje sonoro como un elemento más de textura. El track avanza en bucle, sin picos evidentes, reforzando una lógica onírica que encaja con el imaginario de Dreamer+. Funciona como pieza de atmósfera y como declaración de intención: una narrativa donde identidad y percepción se fragmentan sin necesidad de subrayado.

AMNESIA SCANNER, FREEKA TET HOAX PAN Este extenso álbum articula un proyecto dual basado en fricción y reescritura. El bloque firmado por Amnesia Scanner despliega baladas deformadas, tensión industrial y melodía erosionada, con una carga emocional explícita y una producción densa. Sobre ese material, Freeka Tet interviene mediante procesos de inversión, desgaste y abstracción extrema. La escucha se construye en capas superpuestas más que en tracks individuales. Ritmo, ruido y estructura aparecen desestabilizados de forma deliberada, generando un flujo discontinuo que exige atención constante. El conjunto encaja con la trayectoria de ambos: una exploración sostenida de los límites entre club, arte sonoro y lenguaje digital contemporáneo.

070

WILL HOFBAUER SOMEWHERE BETWEEN MALOCA Will Hofbauer firma en Maloca un EP centrado en la percusión como motor narrativo. ‘Somewhere Between’ se mueve entre electro, breaks y dub con una lógica funcional, aunque atravesada por detalles excéntricos que alteran la lectura inmediata del groove. Los temas avanzan con un equilibrio preciso entre repetición y desvío. Patrones rítmicos secos, subgrave contenido y elementos sonoros aparentemente anecdóticos conviven sin romper la cohesión del conjunto. El resultado es un EP diseñado para distintos momentos de la noche, con un sentido del humor discreto y una producción que prioriza el movimiento por encima del impacto inmediato.

DJ ADHD SHOWMAN HALFPIPE RECORDS ‘Showman’ inaugura el sello HPR con una propuesta centrada en energía cruda y lenguaje club contemporáneo. DJ ADHD articula cuatro cortes que beben del UKG, el bass y el techno híbrido, con una estética áspera y directa. Los tracks se apoyan en bajos tensos, percusión afilada y estructuras pensadas para la fricción en pista. Las colaboraciones con Swoush y Villager refuerzan el carácter colectivo del proyecto, alineado con la identidad de Halfpipe Records. Un debut conciso, funcional y orientado a contextos de alta intensidad.

REVIEW CLÁSICO

WIDEBOYS SAMBUCA (THE RETURN) ALL AROUND THE WORLD Este tema ocupa un lugar central en la transición del UK Garage hacia el mainstream de principios de los 2000. El patrón rítmico ágil, el bajo elástico y el hook vocal inmediato definieron una fórmula que conectó pista y radio sin perder identidad de club. Wideboys trasladaron su versatilidad como productores a un track que resumía el espíritu expansivo del género en ese momento. Dos décadas después, su impacto sigue siendo estructural: una referencia clave para entender la evolución del UKG comercial y su influencia posterior en el bass y el club británico.

071

072