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NÚMBERO #29

Bienvenidos a Mixmag #30. En este número, especialmente importante para nosotros, tenemos el enorme placer de recibir en portada a Patrick Topping, uno de los artistas más influyentes del sonido tech-house de los últimos años y parte fundamental de ese groove que hoy recorre pistas de baile de todo el mundo. En una nueva etapa de su vida, siendo padre, esposo y artista, Patrick busca cada hueco posible para seguir haciendo música. Sobre este equilibrio, su evolución y el momento que atraviesa hablamos en nuestra entrevista de portada. Viajamos también a Ibiza para conocer Can Jay Recording Studio, el espacio que Jay ha construido en el sur de la isla y que se ha convertido en mucho más que un estudio: un refugio creativo para artistas que buscan trabajar de otra manera. Charlamos con Curses, el proyecto de Luca Venezia, cuyo universo conecta post-punk, synth, technopop, new beat y disco entre Berlín y Nueva York; y conocemos a Dying & Barakat, dos nuevas figuras argentinas que aterrizan en Europa con un sonido profundo

e hipnótico que bebe del Detroit techno, el dub, el electro y los ritmos tribales. En La Voz de la Industria conversamos con Hitch (Eduard Clarà), una figura cuya trayectoria permite recorrer varias décadas de evolución de la música electrónica en España. También entrevistamos al argentino Manu Oubiña, que llega de tour a Europa en un momento de transformación de su proyecto, entre la música, la gestión cultural y la construcción de escena. Pasamos por Small Black Dots para que Nick y Alex Picone nos cuenten la historia detrás de una de esas tiendas imprescindibles para los diggers de Barcelona y de todo el mundo. Además, repasamos las Mixmag Intimate Sessions en Ibiza y nos preguntamos ¿está cambiando la forma de salir de fiesta? También encontrarás nuestra crónica de Parallel 2026, uno de los festivales boutique que más dio que hablar esta temporada.

En Tech descubrimos lo último de AlphaTheta, mientras que Nina Emocional nos abre las puertas de su proceso creativo en una nueva entrega de Cómo Produzco. Y, como siempre, cerramos con nuestra sección de Reviews, donde puedes diggear tranquilamente entre algunas de las gemas musicales que han aparecido durante el último mes. Llegar al número 30 nos hace especial ilusión. Gracias, una vez más, por apoyar este formato, por seguir leyendo y por permitirnos continuar imprimiendo música en papel. Nos vemos dentro. Federico Cortina Director

STAFF MIXMAG SPAIN DIRECCIÓN:

Federico Cortina

REDACCIÓN:

DISEÑO:

MÚSICA:

Borja Comino Federico Cortina Juanma Molina Guillermo Cimadevilla Marian Ariss Maf Rodríguez

Maf Rodríguez

editor@mixmag.es

DIRECCIÓN CREATIVA:

DEP. COMERCIAL:

Carlos Pego

Borja Comino campaigns@mixmag.es

Mixmag Spain no se responsabiliza de las imágenes y opiniones vertidas por sus colaboradores. Queda prohibida la reproduccíon total o parcial de contenido sin previo aviso.

AG OSTO - 2026

005 Bits Beats 008 Paral·lel Festival 012 Mixmag Intimate Sessions: Blond:ish 016 Cumhur Jay 020 Jovenes & Alcohol 022 Dying & Barakat 028 Manu Oubiña 032 Mixmag Intimate Sessions: Aline Rocha 036 Tech: CDJ-1500x 038 Curses 042 Small Black Dots 046 Patrick Topping

c o n t e n i d o s

058 Cómo produzco: Nina Emocional 062 Tech: Verano unplugged 066 Reviews Álbumes por Bruno Garca 070 Reviews Ambient & Downtempo por Guillermo Cimadevilla 072 Reviews Drum & Bass por Olga Casas 074 Reviews House por Francisco Perez 076 Reviews Melodic House & Techno por Marian Ariss 078 Reviews Techno por Facundo 080 Reviews Club Music por Alejandro Serrano

054 La voz de la industria:Hitch

a-z

CONCEPTONEAGENCY.COM

bits beats BEHRINGER METE EL SONIDO DEL MINIMOOG EN EL BOLSILLO Behringer ha presentado el D Mini, una versión ultracompacta inspirada en la arquitectura del mítico Minimoog Model D. El pequeño sintetizador mantiene una señal completamente analógica, filtro ladder de 24 dB, MIDI y alimentación USB-C. Su precio: 99 euros.

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BEATPORT DICE NO A LA MÚSICA GENERADA MAYORITARIAMENTE POR IA Beatport ha actualizado sus políticas para prohibir tracks creados total o mayoritariamente mediante inteligencia artificial. La IA podrá seguir utilizándose como herramienta dentro del proceso de producción, siempre que la autoría continúe siendo esencialmente humana. Además, los lanzamientos realizados con asistencia de IA deberán indicarlo mediante una etiqueta.

+info: https://www.beatport.com/

SVEN VÄTH LLEVA SU LADO AMBIENT AL GASHOUDER Sven Väth presentará en directo ‘Inner Horizon’ el próximo 18 de noviembre en el Gashouder de Ámsterdam. La actuación formará parte de Harmony, un nuevo ciclo de experiencias inmersivas con visuales 360º. Roman Flügel abrirá la noche con un set ambient especialmente preparado para la ocasión. +info: https://harmony.now

REKORDBOX ABRE SPOTIFY A CDJs Y SISTEMAS ALL-IN-ONE La actualización rekordbox 7.2.18 permite iniciar sesión con Spotify desde equipos CDJ, XDJ y sistemas All-in-One compatibles, acercando todavía más el streaming al entorno profesional de cabina. La novedad facilita acceder al catálogo y playlists de Spotify dentro del ecosistema rekordbox.

+info: https://rekordbox.com/

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paral·lel festival FOTO G R A F Í A X A RL E N E

AUTO R M A F RO D RÍ G U EZ

“ ¿ Cómo es el sonido de la montaña ?” El pasado fin de semana del 24 al 26 de julio se celebró la novena edición del Paral·lel Festival, un evento único y completamente mágico en su propuesta, donde la calidad importa más que la cantidad. Con un cartel formado por tan solo quince artistas, puede parecer casi un riesgo para cualquiera que no entienda la intención y la pasión con la que se produce. Un fin de semana donde la masterclass era principalmente del techno como protagonista, música ambient y sonidos más experimentales, como una manera de entender que el techno va mucho más allá de lo que el mainstream nos ha enseñado a esperar. Actuaciones live llenas de personalidad, sesiones de larga duración que te permiten entrar en cada universo y llevarte un pedacito de la historia de cada artista directo al corazón. Escribo de ello y se me eriza la piel de solo recordarlo. La localización es un completo sueño. Rodeado de las montañas mágicas del Pirineo catalán, en la pista de esquí del Port del Comte, se levanta el domo y las dos torres de Funktion One. Una simplicidad que garantiza una experiencia sonora acondicionada para escuchar el sonido con la máxima fidelidad posible. Todo está pensado para una sola cosa: que la música llegue entera a nuestro organismo..

Viernes - Prologue El evento da inicio con el Prologue, arrancando con el live modular de Puntalaberinto, lleno de sonidos electrónicos ejecutados al ritmo de la naturaleza, como si el propio paisaje estuviera tomando el control de las frecuencias. Le siguió Xiaolin, que entre texturas, emociones y sonidos intrincados nos fue dando la bienvenida a la montaña. Los asistentes iban llegando poco a poco y los amigos se iban encontrando. El público del Paral·lel no es cualquiera, es una comunidad de fieles que se reencuentra cada año para compartir esta experiencia de alta calidad. Refracted tomó el relevo con su techno energético, lleno de capas que activaban todas las articulaciones del cuerpo, para dar paso a Dasha Rush, quien clausuró la noche con ese sonido tan característico que la representa donde quiera que vaya… Y esto solo era el inicio del fin de semana.

crónica

Sábado - Story Segundo día y tal como lo llama el festival, es el día del Story. Y tal como suena, cada set fue un storytelling personal e intransferible. Jin Mustafa abrió con su selección de ritmos y atmósferas, recibiendo a los asistentes con esa sensibilidad suya que mezcla lo experimental con lo sombrío. Le siguió el live de Ishq, que fue casi como un masaje para el cuerpo, para calentar motores desde adentro. Mammo llegó después con una técnica impecable que dejó a todos sin palabras. Con su gran capacidad de contar historias a través de la combinación de géneros, siempre con una base de techno experimental y mucho groove que nunca perdía el norte. Shed llegó con su live que lo representaba, lleno de melodías intrincadas y densas armonías, regalándonos una experiencia etérea que no se olvida fácilmente. Zara llegó a darnos todo lo que era, mostrándonos su alto entendimiento de la pista de baile. Nos dio emoción, intros-

pección entre géneros, un set sensible pero potente de esos que se te quedan en el cuerpo y te dejan pensando durante mucho tiempo. Reeko nos llevó por un viaje de múltiples localizaciones sin decirnos a dónde íbamos y al ritmo del groove le seguíamos confiadamente. Cada tema era mejor que el anterior y las mezclas casi ni se sentían; en el momento en que ya estabas ahí, no sabías ni cómo habías llegado. El volante del cierre estuvo a cargo de Sandwell District. Sabemos lo que han perdido y eso se sentía en cada segundo de su set. Una sesión completamente elegante, llena de energía, con una curaduría altamente exquisita cuya selección se sentía como una dedicatoria a su propia historia y a los suyos. Las emociones estaban a flor de piel y la energía que nos dieron nos mantuvo bailando hasta el final. Durante todo el día no sobró ningún sonido. Cada sesión fue puro hipnotismo personalizado con un poco de psicodelia a su manera, cada historia única en sí misma. Terminamos el día cansados de tanto bailar pero con el corazón completamente lleno.

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Domingo - Epilogue El tercer día empezó con sentimientos encontrados. El clima seguía siendo perfecto, los nuevos asistentes ya formaban parte de algo y la comunidad se sentía mucho más fuerte. Eso es lo que pasa con tres días de compartir la misma experiencia: se logra un momento de conexión sumamente especial donde nadie quería que se acabase.

La última sesión del festival la llevó a cabo el gran maestro Marco Shuttle, muy querido por todos los asistentes. Llegó con ese groove tan característico que nos hizo volar a través de las montañas y nos trajo de vuelta bajo la luz del atardecer, como el gran cierre que merecía un festival como este. Sin decir más, fue uno de los mejores cierres que he experimentado en mi vida.

AIWA dio inicio marcando el tono del día, suave pero presente. Estábamos cansados pero todos queríamos estar ahí, así fuese acostados en el pasto pero disfrutando. El live de Sabla fue completamente inmersivo, envolviéndonos en esa atmósfera dominguera que mezcla nostalgia con energía contenida. Marie Pravda nos envolvió con sus percusiones hipnóticas que iban construyendo tensión de forma milimétrica, llevándonos de la mano hacia el gran cierre.

Podría pasarme párrafos intentando explicar lo que es el Paral·lel Festival, pero nada le hace justicia. Es un evento que va más allá que cualquier festival, es un festival que te transforma tanto dentro como por fuera. Y quizás es porque ocurre donde ocurre y te da a entender que la montaña no es el escenario del festival, sino que es parte de él. Te obliga a bajar el ritmo, escuchar diferente, pero sobre todo a estar presente de una manera que la ciudad no permite. Y cuando uno ve que las frecuencias te hacen viajar y te traen de vuelta bajo ese atardecer, se entiende que el sonido y el paisaje no sonv dos cosas distintas… y es así como suena la montaña.

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crónica

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AUTO R BO RJA C O M I N O

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blond:ish abre las puer tas de mixmag intimate sessions BLOND:ISH inauguró Mixmag Intimate Sessions en Soho Farmhouse Ibiza con una conversación sobre las canciones que han marcado su trayectoria, su relación con la isla y todo lo que ha aprendido después de convertir Abracadabra en una residencia semanal en Pacha Ibiza.

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intimate sessions

Este verano estrenamos en Ibiza Mixmag Intimate Sessions, una nueva serie de conversaciones construidas a partir de una premisa sencilla: pedir a los artistas que elijan algunas de las canciones que han marcado su vida y su carrera y utilizarlas para tirar del hilo. La primera sesión tuvo lugar el 15 de julio en Soho Farmhouse Ibiza, con BLOND:ISH sentada frente a Steve Machin y una selección musical que terminó abriendo conversaciones sobre creatividad, conexión, sus primeros recuerdos en la isla y, inevitablemente, Abracadabra, que este verano afronta su segunda residencia consecutiva en Pacha Ibiza. Pocas horas después, BLOND:ISH cambiaría la intimidad de Soho Farmhouse por la cabina de Pacha, donde esa misma noche compartía cartel con Monolink, Samm y Peace Control.

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Una de las primeras paradas de la conversación fue Jamaica, donde parte de su música reciente ha nacido en el complejo de estudios de Diplo. Con una agenda que apenas le deja espacio para detenerse, BLOND:ISH intenta reservar allí periodos dedicados exclusivamente a crear. “Es la única manera en la que puedo hacer música últimamente porque la vida está muy ocupada y estoy siendo arrastrada en muchas direcciones”, explicaba. Para ella, alejarse de la rutina no es únicamente una cuestión logística: esa libertad termina entrando en la propia música y dejando, como ella misma lo describe, “espacio entre las notas”. Esa misma idea de estar presente apareció al hablar de su relación con el público. Incluso frente a 10.000 personas, asegura

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elementos diseñados para romper la distancia entre artista y público. Abracadabra cuenta, por ejemplo, con un “portal” que reacciona a lo que sucede durante la noche y con intervenciones inesperadas como la de un mentalista. “Solo quiero mostrarle a la gente que la magia es real. La música es magia, la gente es magia, la magia es real”.

Esa filosofía ayuda a entender Abracadabra. En su segunda temporada consecutiva en Pacha Ibiza, la residencia ha reunido a artistas como Diplo, Disclosure, Marco Carola, Joseph Capriati, Patrick Topping, SG Lewis, Vintage Culture o WhoMadeWho, pero BLOND:ISH insiste en que su identidad no depende únicamente del cartel. “Muchas de las fiestas aquí son similares y creo que es bueno ofrecer algo diferente en la isla”, explicaba durante nuestra Intimate Session. Habla de una pista con muchas mujeres, de una sensación de seguridad que convive con la energía de una rave y de pequeños

Pero construir esa experiencia semanal en Ibiza ha obligado a BLOND:ISH a conocer una cara de la isla muy diferente a la que descubrió cuando llegó por primera vez con 17 años. Entonces estaba obsesionada con la música y comenzó a abrirse camino haciendo contactos hasta que sus propias producciones empezaron a circular entre DJs y sellos europeos. Muchos años después, ponerse al frente de una residencia en Pacha le ha enseñado también el trabajo que existe fuera de la cabina. “Este es solo mi segundo año de residencia. El primero fue muchísimo trabajo porque cuando eres la persona nueva en la ciudad tienes mucho que demostrar”, reconocía. En una isla donde determinadas noches llevan años instaladas en los hábitos del público, Abracadabra tenía que construir el suyo desde cero. Y eso, explica, implica llamadas, WhatsApp, promoción de calle, visitar personalmente a la gente y entender las distintas formas de trabajar que conviven en Ibiza. “El año pasado no era La segunda temporada ha traído nuevos retos y la necesisolamente DJ. También era promotora. Y dad de continuar adaptándose, algo que BLOND:ISH asume todavía lo soy”. como parte inevitable de Ibiza. Esa capacidad para reajustar constantemente el rumbo aparece también cuando habla de su carrera, de la maternidad y de una agenda internacional que reconoce que necesita replantear de cara a 2027. Aun así, entre todos esos cambios parece haber encontrado una idea bastante estable: “Hago todas mis elecciones con el corazón ahora. Todo es energía. Pongo atención en todo lo que hago”. La primera Mixmag Intimate Session terminó así prácticamente donde había empezado: hablando de espacio, intención y conexión. Horas después, BLOND:ISH estaría de nuevo en Pacha poniendo en práctica muchas de esas ideas dentro de Abracadabra y recordando a su manera algo que había repetido durante nuestra conversación en Soho Farmhouse: que la música, la gente y los pequeños momentos que aparecen entre ambas siguen teniendo algo de magia. FOTO G R A F Í A @ N A I ST I K K

que intenta encontrar pequeños momentos de contacto visual, responder a un baile desde la cabina o, cuando puede, acercarse a la entrada y abrazar personalmente a quienes llegan a sus shows. “Intento prestar atención a la gente, aunque sea simplemente haciendo contacto visual. Quiero que sepan que están ahí fuera y que los veo”.

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intimate sessions

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FOTO G R A F Í A F I N N L A FCA D I O O’ H A N LO N & H A Z Y U C E I L

AUTOR JUANMA MOLINA

cumhur jay

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El productor afincado en Ibiza ha pasado de perseguir sonidos ajenos a construir un estudio donde la humanidad pesa tanto como el equipo técnico, y donde la comodidad, la libertad y la curiosidad forman parte del proceso creativo. Hay productores que pasan por Ibiza buscando un sitio donde encajar, y hay otros que, al no encontrarlo, deciden construirlo ellos mismos. Ese es el caso de Cumhur Jay, DJ y productor afincado en la isla desde hace años, que en el sur levantó Can Jay Recording Studio, un estudio que ha ido ganándose fama entre artistas que buscan algo distinto a una sala de grabación convencional: un espacio con una identidad propia, pensado para quedarse en él más allá de lo estrictamente técnico. Su llegada a la música electrónica tiene más de accidente que de vocación temprana. Todo empezó con una guitarra que le regalaron sin saber que es sordo; acabó cambiándola en la misma tienda por una Technics, porque en ese momento no había guitarras adaptadas disponibles. Así arrancó todo, convencido de que en seis meses iba a revolucionar la música electrónica. La música electrónica, cuenta con ironía, no estaba de acuerdo.

Lo que siguió fue un proceso de obsesión por entender cómo sonaban los discos que a él le parecían sencillos, hasta descubrir que conseguir que algo suene simple es, probablemente, lo más difícil de todo. Sus primeras producciones, admite, eran “un museo del mal gusto”: decenas de plugins abiertos y compresores peleándose entre ellos. La pista de baile, dice, fue su primera y más honesta profesora: “No entiende de excusas ni de expectativas; simplemente conecta... o no conecta”. Da igual que la mezcla sea perfecta o que se pinche con vinilo — si funciona, la gente baila; si no, también te lo hacen saber.

can jay

Esa misma pista de baile es la que, con los años, le fue empujando hacia su sonido actual. Al principio quería sonar como los grandes; con el tiempo entendió que los grandes llegaron a serlo precisamente porque dejaron de sonar como los demás. Persiguió referencias durante años hasta comprender que la identidad no aparece cuando se encuentra un sonido nuevo, sino cuando se deja de intentar impresionar. Para Cumhur Jay, encontrar una voz propia ha tenido más que ver con desaprender que con aprender: dejar de producir buscando aprobación y empezar a hacerlo desde un lugar más libre. “Cuanto menos intentas convencer a los demás, más reconocible acaba siendo lo que haces”, resume.

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El punto de inflexión, cuenta, llegó el día que entendió que acumular más herramientas y equipo no te convierte en mejor productor. Hoy cualquiera puede tener el mismo sintetizador, los mismos plugins, los mismos samples y hasta el mismo preset de moda; lo difícil sigue siendo tener una idea propia. A partir de ahí empezó a quitar más de lo que añadía, y a producir pensando cada vez menos en satisfacer a otros. Llegó a la isla por trabajo, hace años, para tocar en el que entonces era Privilege y hoy se conoce como Unvrs. Al principio hacía lo que hace casi todo el mundo al llegar: consumir Ibiza. Con el tiempo, dice, empezó a intentar entenderla. Antes solo veía los clubs, los openings y el ruido; ahora disfruta mucho más de un martes de invierno en el que no pasa absolutamente nada, algo que en Ibiza, bromea, casi parece un deporte extremo. Para él, la isla tiene una forma curiosa de seleccionar a quien pasa por ella: “Es como un examen: o te aprueba, o te suspende”. Quien llega buscando fiesta todos los días normalmente acaba agotado; quien llega con ideas claras, a trabajar y a construir algo, puede quedarse enganchado durante años. Eso sí, admite entre risas, acabas quejándote del tráfico en verano como cualquier otro local.

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De esa relación con la isla, y de una necesidad muy concreta, nació Can Jay Recording Studio: quería un sitio donde la música fuera la prioridad y no el cronómetro. Había trabajado antes en estudios donde parecía que se alquilaban minutos en lugar de desarrollar ideas, espacios que, según él, se sentían más como gimnasios que como lugares en los que apetecía quedarse. Can Jay nació como lo contrario: un sitio donde un artista pudiera equivocarse, probar cosas absurdas y encontrar algo inesperado sin sentir que cada minuto le costaba otro plugin, tirado cómodamente en el sofá si hace falta, como en casa. Lo que él considera que faltaba en los estudios ya existentes se resume en una palabra: humanidad. Estudios técnicamente perfectos, dice, donde parece que si te tomas un café dentro el dueño te está mirando mal. Su idea era otra: un sitio profesional pero relajado, partiendo de la base de que el mejor estudio no es el que tiene mejor material, sino el que consigue que el artista deje de sentirse juzgado y esté cómodo. Curiosamente, apunta, cuando alguien se relaja, casi siempre hace mejor música.

No hay un perfil único de artista que encaje en Can Jay. Le da igual si alguien tiene diez seguidores o diez millones de reproducciones, algo que además cambia con rapidez; lo que busca es curiosidad y ganas reales de hacer buena música. Por el estudio suelen pasar artistas que todavía disfrutan del proceso y entienden que una buena producción necesita tiempo, paciencia y aceptar que el primer intento normalmente es bastante malo. Quien entra preguntando cuánto tarda en hacerse un hit porque quiere subirlo el viernes, o quien piensa más en el reel que en la canción, suele descubrir enseguida que ese no es el estudio que buscaba. Ahí, resume, primero se hace música; el contenido, si sobrevive, ya llegará. De cara al futuro, a Cumhur Jay le gustaría que Can Jay fuera conocido por lo que ocurre dentro y no por lo bien que queda en Instagram: que la gente vaya porque sabe que ahí puede desarrollar una idea de verdad. Y si además el proyecto sirve para conectar a artistas de distintos países y convertir a Ibiza en un punto creativo durante todo el año, mejor que mejor.

can jay

Sobre dónde encuentra la inspiración en un sitio tan magnético y estimulante como Ibiza, tiene claro que no es algo que se encuentre en un lugar concreto, por muy estimulante que sea, sino algo que se cultiva en la vida cotidiana. Se construye viviendo. Una vida demasiado cómoda, encerrada en una burbuja o en una zona de confort, deja poco que contar; a él le interesa sobre todo conocer a los artistas como personas, porque su obra nace de cómo viven. Una vida plana, por muy buena que sea la técnica de quien la vive, difícilmente emociona. La inspiración, concluye, está en salir, observar, equivocarse, conocer gente y acumular experiencias.

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¿Está cambiando la forma en la que salimos de fiesta?

AUTO R J UA N M A M O L I N A

El contexto económico, las nuevas generaciones y el precio real de la fiesta Normalmente hay una pregunta que ronda entre promotores y profesionales de la industria: ¿consume la gente cada vez menos alcohol? La pregunta también podría plantearse de otra forma, ¿está equilibrado el poder adquisitivo de las nuevas generaciones con el precio actual de clubs, salas y festivales? Comparar el contexto de hace 30 o 40 años carece de sentido, ni el coste del día a día era el mismo, ni tampoco lo eran los hábitos, las costumbres o las opciones de ocio disponibles.

Pero además del factor puramente económico, hay otro elemento que empieza a pesar cada vez más en esta ecuación: lo healthy está de moda. Y no hablamos solo de comer bien o hacer deporte, sino de una forma distinta de entender el ocio y el consumo, que también ha llegado a la fiesta. Cada vez es más habitual ver cómo el bienestar, el descanso y el cuidado del cuerpo condicionan las decisiones de una generación que ya no concibe la noche exclusivamente en torno al alcohol.

Hubo un tiempo en el que parecía que salir de fiesta se estaba convirtiendo en el equivalente a adquirir un artículo de lujo, sobre todo en territorios como Ibiza, donde se llegó a hablar de entradas en torno a los 100 euros, copas de 20 euros o refrescos de entre 12 y 15 euros. Si se ofrecía a esos precios era porque existía demanda, y recordando aquella mítica frase que cierto político pronunció una vez en este país, “eso es el mercado, amigo”. Pero lo cierto es que, con el tiempo, muchos clubs y salas de la isla decidieron recoger cable y bajaron hasta un 70% el precio de sus copas, al tiempo que se popularizaba el ya conocido “bonocopas”.

Los datos confirman que el consumo de alcohol entre los jóvenes lleva años en caída. Según el último informe del Ministerio de Sanidad, elaborado a partir de la Encuesta de Salud de España, el consumo habitual de alcohol en la población de 15 a 24 años ha caído casi un 60% desde 2006, la reducción más intensa de todos los grupos de edad analizados. En términos generales, el 31,1% de la población española consumía alcohol al menos una vez por semana en 2023, frente al 48,4% registrado en 2006.

Ese ajuste no fue casualidad. La industria empezó a notar que el modelo de precios inflados tenía un techo, y que ese techo coincidía, cada vez más, con lo que el bolsillo de las nuevas generaciones podía aguantar. Hoy, salir de fiesta compite con otros muchos gastos fijos, como el alquiler, la vivienda o el día a día, en un contexto muy distinto al de hace 30 o 40 años, cuando el ocio nocturno ocupaba un lugar casi indiscutible en el presupuesto de cualquier joven. La ecuación ha cambiado, y con ella también lo ha hecho la forma de entender qué merece la pena pagar y qué no dentro de una noche de fiesta.

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Ahora bien, cabe preguntarse si esta prioridad por el autocuidado está transformando también nuestra manera de entender el ocio. Nadie discute los beneficios de apostar por el bienestar personal, pero conviene reflexionar sobre si las nuevas generaciones no están renunciando, en parte, a algunos espacios tradicionales de socialización por levantarse un sábado a las ocho de la mañana para entrenar y cumplir con una rutina planificada al milímetro. ¿Puede la popularización de estos hábitos generar, a gran escala, algún tipo de desequilibrio?

jovenes y fiesta

El debate no debería reducirse a elegir entre salir de fiesta o levantarse temprano para entrenar. Tampoco se trata de convertir el día a día en una competición permanente ni de perseguir constantemente una versión idealizada de nosotros mismos. El verdadero reto está en no caer en las autoprohibiciones, en la romantización de una disciplina entendida como una obligación permanente ni en la estigmatización del disfrute. Quizá el riesgo no esté en cuidarse más, sino en convertir ese cuidado en una forma de medir constantemente nuestro rendimiento. Cuando el foco se desplaza casi por completo hacia el individuo, existe el peligro de que el tiempo compartido, la comunidad o lo colectivo vayan perdiendo espacio frente a objetivos cada vez más personales. Porque el ocio nunca ha servido solo para divertirnos. También ha sido una de las formas más importantes de construir relaciones, comunidad y cultura.

Esta tendencia conecta directamente con otro fenómeno en auge, el del consumo “healthy” y consciente, que también ha llegado al mundo del vino y las bebidas alcohólicas en general. Según datos de la consultora IWSR, en torno al 60% de los compradores de vino sin alcohol en los principales mercados analizados pertenece a la generación Z o a los millennials, una proporción que en Estados Unidos alcanza el 73% y en Reino Unido el 67%. El fenómeno, conocido internacionalmente como movimiento “NoLo” (no alcohol / low alcohol), ha dejado de ser un nicho para convertirse en una categoría de mercado en pleno crecimiento, impulsada por una generación que prioriza el bienestar y el consumo moderado sin renunciar del todo al ritual social que representa una copa. Quizá esa sea la verdadera cuestión: ¿está preparado un modelo construido durante décadas en torno al alcohol como eje central de la experiencia para una generación que bebe menos y que, cada vez más, busca otras formas de ocio, socialización y diversión? La respuesta todavía está escribiéndose. Y probablemente sea la próxima generación la que termine de escribirla.

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Identidad, independencia y una nueva etapa desde Europa Con más de quince años de recorrido, Dying & Barakat forman parte de una generación de artistas argentinos que construyó su identidad mirando hacia las raíces del techno sin quedarse atrapada en ellas. Rodrigo Agüero y Yibran Barakat encuentran en el Detroit techno, el dub, el electro y los ritmos tribales un lenguaje común que trasladan hacia un sonido profundo, hipnótico y con una marcada sensibilidad melódica. Su trayectoria los ha llevado de Latinoamérica a Europa, con lanzamientos en sellos como Knotweed Records, Mitsubasa Records, South Signatures y PATENT, además de presentaciones especialmente significativas, como un live de tres horas en Tresor Berlín. Ahora, instalados en Europa y atravesando una nueva etapa, el dúo continúa expandiendo su universo con nuevos lanzamientos, el desarrollo de Nommo Records y proyectos paralelos como GL3W. Conversamos con ellos sobre el salto de Argentina a Europa, la realidad de construir una carrera independiente, la presión actual sobre los artistas, su proceso creativo y los próximos movimientos de un proyecto que continúa evolucionando sin buscar fórmulas cerradas. Hola chicos, qué ilusión me hace tenerlos en Mixmag Spain. Los conozco desde sus inicios en el sur de Buenos Aires, pero para quienes todavía no han descubierto vuestro proyecto, ¿cómo os presentaríais y qué creéis que define realmente a Dying & Barakat?

Acabáis de aterrizar en Europa después de muchos años construyendo vuestro camino en Argentina. Imagino que dar ese salto no ha sido nada fácil. ¿Cuál fue el mayor desafío que tuvisteis que superar para llegar hasta aquí y qué habéis aprendido en el proceso?

Somos Rodrigo y Yibran, un dúo de amigos y productores del sur del conurbano bonaerense. Nos define un sonido basado en pads, acordes de teclado y baterías pesadas.

Llegar a Europa desde Sudamérica ha sido todo un reto, especialmente por las costumbres, la familia y el aspecto económico. El proceso es la parte más difícil, pero fue una decisión meditada: ya habíamos viajado previamente y llevábamos años con la idea de establecernos en Europa.

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Sin duda, Europa era un paso natural para vuestra carrera. Imagino que llegar y, prácticamente de inmediato, debutar en Tresor debió de ser un momento muy especial. ¿Cómo vivisteis esa experiencia y qué significó para vosotros?

Una vez llegas a Berlín te das cuenta de que no todo es tan sencillo. Empieza otra misión: darse a conocer, salir, construir relaciones y hacerse un lugar en una escena muy competitiva. ¿Cómo estáis viviendo esa etapa?

Antes de nuestro primer tour europeo no teníamos fechas confirmadas. Las primeras las organizamos nosotros junto a Gastón Volpe para prepararnos para el viaje, así que fue bastante estresante. Cuando llegamos a Tresor ya habíamos presentado nuestro live seis veces y nos sentíamos seguros. Sin duda, fue una de las mejores experiencias que hemos tenido hasta ahora.

Aunque es una escena nueva para nosotros, llevamos años en contacto con gente de Berlín. Tener un proyecto y una identidad que nos respaldan facilita darnos a conocer, aunque adaptarse al sistema de la ciudad no es sencillo.

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Hoy en día da la sensación de que un DJ no solo tiene que hacer buena música, sino también convertirse en una marca. Hay quien disfruta estar delante de la cámara, quien lo hace por obligación y quien directamente lo rechaza. ¿Dónde os situáis vosotros dentro de ese panorama? Somos un perfil que no se siente demasiado cómodo delante de las cámaras y muchas veces lo hacemos por obligación. Aun así, estamos aprendiendo y buscando cómo utilizar esta herramienta a nuestro favor.

Hoy parece que, sin una agencia o un manager detrás, el camino para vivir íntegramente de la música es cada vez más difícil. ¿Cómo veis esa realidad? ¿Creéis que sigue siendo posible construir una carrera de forma independiente? No creemos que sea imposible vivir de la música de forma independiente, pero cada vez es más complicado. La globalización de la escena y la competencia con grandes empresas supone un gran desafío. Nosotros, hasta hoy, hemos construido toda nuestra carrera de manera independiente.

Existe un debate cada vez más presente: ¿el promotor debería ser el principal responsable de llenar una sala o creéis que hoy el artista también tiene la responsabilidad de mover público y vender entradas? Crecimos en una época en la que el promotor y el club tenían gran parte de la responsabilidad de atraer público. Hoy sentimos que la situación se ha invertido y que el DJ también debe vender entradas e incluso mesas VIP. No sabemos qué está bien o mal, pero es cómo percibimos la escena actualmente.

Hace poco habéis lanzado vuestro propio sello discográfico, un proyecto que además de música incluirá sample packs y otras herramientas para productores. ¿Cómo nació la idea y qué visión hay detrás de este proyecto? La idea nació hace años y recientemente pudimos comenzar con Nommo Records, un proyecto basado en conceptos acuáticos y espaciales. Ya lanzamos nuestro primer sample pack, Sample Pads Vol.01, y próximamente llegará nuestro primer EP en vinilo.

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En los últimos años habéis publicado música en sellos como South Signatures, Knotweed, Mitsubasa, PATENT, etc. ¿En qué momento creativo os encontráis ahora mismo y qué podemos esperar de vosotros en los próximos meses?

Nunca hemos podido identificar nuestro sonido dentro de un subgénero específico. Siempre nos hemos sentido muy atraídos por la música de Detroit y por una fuerte progresión melódica en nuestras canciones.

GL3W publicará próximamente en Transcend y Nommo Records. ¿Qué significa para vosotros lanzar música tanto en sellos con una identidad tan marcada como en vuestro propio sello? ¿Buscáis cosas diferentes en cada uno de ellos?

Actualmente estamos explorando diferentes géneros. Nunca hemos querido encasillarnos ni buscar una fórmula de éxito. Tenemos varios lanzamientos próximos que exploran sonidos y géneros que todavía no habíamos publicado.

Os hemos visto defender vuestro proyecto en formato live en varias ocasiones, incluso con actuaciones de más de tres horas en Tresor. ¿Seguís viendo el directo como una parte importante de vuestra identidad o ahora mismo está en pausa?

Poder lanzar música en nuestro propio sello es un sueño hecho realidad y un gran logro personal. Transcend se enfoca en sonidos dub, deep y Detroit orientados a la pista, mientras que Nommo incorpora una dimensión experimental, con conceptos espaciales y acuáticos.

El formato live lleva algunos años en pausa, pero el próximo año volveremos con nuevas presentaciones.

Para cerrar, en unos días seréis los encargados de abrir Sophie Festival, una cita muy especial para la escena underground. Si tuvierais que convencer a la gente de llegar desde el primer minuto y no perderse vuestro set, ¿qué les diríais?

Cuando os sentáis a producir, ¿cuáles son las herramientas —hardware, software o incluso formas de trabajar— que más utilizáis hoy para crear vuestra música? Desde nuestros comienzos hemos trabajado principalmente con efectos nativos del DAW, pero nunca utilizamos sus sintetizadores. Preferimos descargar plugins inspirados en teclados antiguos. Actualmente seguimos con esa metodología, incorporando cada vez más plugins externos. El techno lleva años evolucionando y ramificándose en infinidad de direcciones. Si tuvierais que ubicar hoy el sonido de Dying & Barakat dentro de ese mapa, ¿cómo lo definiríais?

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Junto a Gastón Volpe también desarrolláis GL3W, un proyecto que nació en Buenos Aires y que sigue creciendo desde Europa. ¿Qué representa este proyecto para vosotros y en qué se diferencia de Dying & Barakat? GL3W representa el barrio donde crecimos, ya que el nombre proviene de la ciudad de la que somos originarios los tres. El proyecto combina nuestras melodías características con las rítmicas percusivas y los acordes dub de Volpe.

Queremos mostrar nuestra versión más tranquila, con BPMs lentos y una selección de música que hemos acumulado durante años. Por primera vez en mucho tiempo, mezclaremos canciones atemporales y fuera de época con algunas producciones más actuales e incluso pistas inéditas de nuestra autoría.

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dying & barakat

05 SEP

OGUS PARK, MÁLAGA

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AUTO R F E D E RI C O C O RT I N A

manu oubiña Manu Oubiña está atravesando un momento de transformación personal y profesional. Una etapa donde los límites entre DJ, gestor cultural y curador de escena se diluyen para dar paso a una visión más amplia y colectiva de la música electrónica. Desde el crecimiento de proyectos como Cyberwax yCyberfunk hasta su reciente incorporación a tHE GANG AGENCY, su recorrido refleja no solo una evolución artística, sino también un compromiso profundo con el desarrollo de comunidad y la conexión entre escenas. En esta conversación, exploramos los aprendizajes de los últimos años, los desafíos del contexto argentino y las motivaciones que siguen impulsando su camino dentro y fuera de la cabina. ¿Cómo describirías el momento que estás atravesando actualmente y qué sentís que cambió en tu forma de relacionarte con la música electrónica respecto a tus comienzos? Sin dudas, el correr de los años vinculándome a la música electrónica me ha mostrado un montón de facetas y posicionamientos que uno puede tener dentro de este enorme mundo. Eso hace que hoy no me considere solamente un DJ, sino también una especie de gestor cultural y, por qué no, un líder dentro del hermoso equipo de trabajo que hemos construido. Ocupar distintos roles me ha mostrado la posibilidad de generar espacios donde uno no necesariamente es el protagonista, sino donde se trata de amplificar el trabajo de los demás. En un mundo tan individualista, tanto en el contexto global como dentro de la propia carrera de un DJ o productor, creo que eso es algo muy positivo y una faceta que disfruto muchísimo desarrollar. Cyberwax cumple seis años este año y se prepara para una nueva etapa. ¿Qué balance hacés de este recorrido y qué representa la mudanza a AVG Electric Café? Cyberwax acaba de cumplir seis años y está atravesando enormes cambios. Algunos ya se perciben como muy positivos y otros mostrarán sus resultados en el corto o mediano plazo. Estamos viviendo un momento económico complejo en Argentina y eso me llevó a tomar decisiones importantes. La disquería va a seguir funcionando, pero vamos a mudarla a AVG Electric Café, el café de Avant Garten. Cyberwax llega para aportar experiencia y mucho amor a ese proyecto, además de unir fuerzas con un espacio que también ha sido mi casa durante los últimos diez años.

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A la hora de hacer un balance, puedo decir que ha sido un enorme placer ver cómo mi primera tienda física terminó convirtiéndose en mucho más que una disquería. Se transformó en un punto de encuentro para artistas de la escena local e internacional y en una forma de conectar la escena argentina con sellos, distribuidoras y artistas de Europa. Muchas veces, Cyberwax funciona como un puente para que artistas argentinos reciban su música prensada en Europa, y eso para mí es algo muy importante. Incluso hay artistas que han venido a escuchar sus propios discos por primera vez a la tienda porque nosotros logramos tenerlos antes que ellos. Son situaciones curiosas, pero que reflejan el rol que fue tomando el proyecto con el paso del tiempo.

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Cyberfunk comenzó como una plataforma de fiestas y hoy también incluye contenidos, eventos y una agencia artística. ¿Cómo evolucionó el proyecto y cuál es la visión detrás de esta nueva etapa? Cyberfunk es un proyecto vivo que integra a muchas personas y, justamente por eso, está en constante evolución. Comenzamos haciendo fiestas; durante la pandemia nos convertimos en una plataforma de divulgación y streaming; luego fortalecimos nuestro colectivo artístico y continuamos desarrollando eventos de distintos formatos, desde nuestras free raves hasta fechas en clubes como Under Club y muchos otros proyectos que llevamos adelante en Argentina. El crecimiento del colectivo y el desarrollo individual de cada uno de los artistas que lo integran nos llevó a la necesidad de estructurar más el proyecto y acompañar de una manera más profesional sus carreras. En parte, de ahí surge la creación de la agencia. Más allá de las diferencias estilísticas, sentimos que existe una coherencia muy fuerte dentro de Cyberfunk. Y esa coherencia no tiene que ver únicamente con la música, sino también con los valores, con lo humano y con las intenciones que cada persona aporta al proyecto.

¿Cómo ves el momento actual de la escena electrónica argentina? Argentina está atravesando un momento económico complejo y pocas veces he visto una situación como la actual. Sin embargo, también hay muchísima gente trabajando para fortalecer la escena: organizadores, artistas, clubes y colectivos que apuestan por hacer mejores eventos, con mayor calidad de producción, sonido y propuestas artísticas. Hay proyectos como Avant Garten, Dune Park, Under Club, Deseo y muchos otros espacios que hacen que hoy Argentina tenga un circuito de fiestas muy interesante, con una identidad propia y un nivel que puede compararse tranquilamente con el de las mejores ciudades del mundo. Si tuviera que marcar una diferencia con Europa, diría que todavía hay margen para seguir desarrollando sistemas de sonido de primer nivel. Sin embargo, hay otros aspectos donde siento que Argentina destaca especialmente: la energía de la pista de baile, la forma en que la gente vive la música y la conexión que se genera entre artistas y público. Para mí, esa es una de las grandes fortalezas de nuestra escena.

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En agosto volvés a Europa y este año te incorporaste a tHE GANG AGENCY. ¿Cómo vivís esta nueva etapa internacional? Estoy muy feliz de volver a Europa este año, después de un 2025 donde tuve un tour con muchas fechas alrededor del mundo y con muchas buenas experiencias y buenos feedbacks sobre mi trabajo. Este año entré a tHE GANG, un proyecto impulsado por Tini y acompañado por muchos amigos alrededor, y la verdad es que estoy muy contento de formar parte y de potenciar mi carrera y este viaje a través de ellos. tHE GANG es una agencia integrada por un montón de colegas que admiro mucho, artistas con los que ya he tocado y con quienes hemos compartido grandes momentos. Me gusta saber que, además de ser un proyecto que tiene que ver con la administración y la búsqueda de fechas para trabajar, también hay un costado humano del que me siento parte y que me agrada mucho que así sea.

¿Qué objetivos te siguen movilizando de cara al futuro? Objetivos hay miles. Esta nueva etapa de Cyberwax es, sin duda, un gran desafío y, obviamente, seguir creciendo como DJ y al mismo tiempo ver crecer al colectivo Cyberfunk son mis mayores anhelos. Solo espero seguir haciendo las cosas con las mejores intenciones y con buena energía, porque creo que así las cosas buenas llegan. Y más aún cuando el camino se comparte con amigos.

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FOTO G R A F Í A @ H AT T I E P H OTO G R A P H Y

mixmag intimate sessions: el turno de aline rocha Aline Rocha protagonizó la segunda entrega de Mixmag Intimate Sessions en Soho Farmhouse Ibiza, pocas horas antes de actuar en Glitterbox en Amnesia y después de uno de los grandes hitos de sus veinte años de carrera: su debut en Tomorrowland. Nueve días después de inaugurar Mixmag Intimate Sessions junto a BLOND:ISH, regresamos a Soho Farmhouse Ibiza para sentar frente a Steve Machin a Aline Rocha. La DJ brasileña llegaba después de una semana especialmente importante: acababa de actuar en el Freedom Stage de Tomorrowland y esa misma noche tenía por delante Glitterbox en Amnesia. Dos momentos que adquirían todavía más significado en el año en que celebra dos décadas detrás de los platos. “Para mí, como brasileña, estar invitada a Tomorrowland en un escenario enorme como Freedom y además celebrando veinte años de carrera fue muy emocionante”, recordaba. Al terminar su set acabó llorando, especialmente después de encontrarse numerosas banderas brasileñas entre el público. “Creo que los sentimientos son muy importantes. Me gusta tocar también con el corazón”. Su selección musical permitió regresar hasta Brasil y entender cómo esa identidad continúa entrando en sus sets y producciones sin recurrir necesariamente a sus referencias más obvias. Uno de los ejemplos fue “Berimbau”, su colaboración con Caio Sensi, construida alrededor del instrumento tradicional asociado a la capoeira. “Cuando hablas de Brasil, hablas de samba, carnaval… es un poco obvio”, explicaba. “Tenemos muchísimos ritmos y una cultura musical muy rica, con muchos tesoros que me gusta compartir”. Rocha comenzó su carrera pinchando EDM antes de abrir progresivamente sus sesiones hacia el house y el disco, una evolución que acabaría llevándola a uno de los encuentros decisivos de su trayectoria: Defected Croatia.

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Rocha lleva cinco años actuando en Ibiza, aunque asegura que la isla todavía conserva para ella cierta sensación de irrealidad. “Todo sigue siendo nuevo para mí, como si fuera la primera vez”, explicaba. Ibiza le permite conectar con un público internacional y encaja con una forma de entender la música en la que leer la pista resulta tan importante como seleccionar canciones. En festivales puede condensar su energía en una hora, pero siempre que puede prefiere sesiones de tres, cinco o incluso siete horas para construir la atmósfera lentamente. Esa voluntad de explorar se extiende también a sus producciones: “No quiero ser una DJ atrapada en un género. Quiero respirar diferentes culturas, diferentes músicas y experimentar como artista, como persona y como productora”.

Después de más de una década trabajando en Brasil, atravesaba un momento en el que se sentía perdida profesionalmente y viajó al festival buscando inspiración. Allí descubrió Glitterbox en persona por primera vez. “Miré aquel escenario y pensé: ‘Dios mío, ¿qué es esto? ¡Necesitamos esto en Brasil!’”. Durante un set de The Shapeshifters sonó “Lola’s Theme” y Rocha, de nuevo, acabó llorando en mitad de la pista. Un amigo la animó a contactar con ellos para contarles lo que había significado aquel momento y al día siguiente pudo conocerlos, además de hablar con Simon Dunmore, fundador de Defected. El equipo comenzó a seguir lo que estaba haciendo en Brasil y, cuando la pandemia trasladó buena parte de la cultura de club a internet, Rocha ganó una competición para actuar en uno de los festivales virtuales de Defected. “Mi público empezó a convertirse en un público mucho más internacional”, recuerda. En 2021 regresaría a Defected Croatia, pero esta vez para encontrarse detrás de la cabina frente a parte de aquella audiencia que hasta entonces solo había conocido online. Contar esa historia desde Ibiza tenía algo de círculo completo. Años después de descubrir Glitterbox desde la pista, Rocha estaba sentada en Soho Farmhouse preparándose para actuar esa misma noche en Glitterbox en Amnesia, en un cartel que incluía a Grace Jones, The Shapeshifters y Armand Van Helden. “Cada vez que escucho ‘Lola’s Theme’, vuelvo a Defected Croatia, a aquella pista, a Glitterbox, a mí llorando”, explicaba. La casualidad llega todavía más lejos: después de mudarse a Reino Unido hace tres años, terminó viviendo cerca de The Shapeshifters. “La vida es una locura. Soy simplemente una brasileña que se mudó a Londres y ahora soy vecina de The Shapeshifters. Mi vida podría ser una película”. 034

La conversación terminó pocas horas antes de que todo aquello pasara de las palabras a la pista de Amnesia. Con Eau de Provence acompañando el encuentro en Soho Farmhouse, Aline volvía una última vez sobre la conexión como hilo conductor de su carrera: escuchar al público, mirar a los ojos y entender qué está ocurriendo al otro lado de la cabina. Veinte años después de empezar a pinchar en Brasil, acababa de debutar en Tomorrowland y estaba a punto de ponerse al frente de una fiesta que años atrás había observado desde la pista como una fuente de inspiración. Quizá por eso aquella frase que había dejado escapar entre risas durante la conversación terminaba resumiendo bastante bien el recorrido: “Mi vida podría ser una película”.

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alphatheta presenta el cdj-1500x AUTO R BO RJA C O M I N O

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El nuevo multi player se sitúa entre el XDJ-1000MK2 y el CDJ-3000X, incorporando pantalla táctil de 10,1 pulgadas, conectividad Wi-Fi, integración con Apple Music y la nueva función social CoBeat El CDJ-1500X no busca competir a la gama alta en los grandes estadios, sino democratizar la tecnología de club en espacios optimizados. Su propuesta de valor es clara: ofrecer la potencia de procesamiento, la fiabilidad y el flujo de trabajo de un estándar profesional, pero bajo un formato físico reducido y ligero (3.6 kg de peso) que facilita la movilidad para el DJ ambulante y encaja a la perfección en cabinas con espacio limitado. El cambio más radical respecto a las generaciones previas salta a la vista en su superficie. AlphaTheta ha decidido aplicar una limpieza visual profunda, barriendo del chasis los históricos botones físicos de bucles y funciones secundarias que solían abarrotar el hardware tradicional. Esta simplificación no significa una pérdida de herramientas, sino una migración estratégica. El núcleo operativo se traslada por completo a una espectacular pantalla táctil capacitiva de 10.1 pulgadas, la misma que monta el buque insignia de la marca. Funciones críticas como el ajuste de Quantize, el Slip Mode o el Vinyl Speed ahora se gestionan mediante gestos táctiles directos en el panel, agilizando la navegación y permitiendo previsualizar hasta 15 pistas de forma simultánea con formas de onda de alta resolución. NUEVAS FUNCIONES: Ecosistema CloudDirectPlay: Gracias a su chip Wi-Fi integrado y conectividad NFC, el CDJ-1500X permite pinchar de forma totalmente autónoma sin necesidad de llevar ordenadores ni memorias USB tradicionales. Los DJs pueden loguearse escaneando un código QR en pantalla para acceder directamente a sus librerías alojadas en la nube de rekordbox o pinchar en streaming vía Apple Music, Beatport y Tidal. Integración de Stems: El jog wheel de tamaño medio mantiene el tacto mecánico característico, pero ahora se apoya en 8 botones físicos dedicados para Hot Cues en la parte superior. Estos pads actúan de forma nativa como controladores de separación de frecuencias por pistas (Stems) al conectar el equipo vía USB-C a software como Serato DJ Pro.

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Tecnología CoBeat: Pensando en la interacción en recintos pequeños, el sistema estrena una función opcional donde el público puede escanear un QR en la sala para enviar peticiones de pistas o reacciones que aparecen en tiempo real en la pantalla del DJ, abriendo un nuevo canal de comunicación en el set.

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Especificaciones Técnicas y Ficha de Lanzamiento: Para los profesionales del sector que analizan cada milímetro de la cadena de audio, estas son las características de fábrica del nuevo dispositivo: Conectividad de Salida: Salidas analógicas RCA balanceadas de audio (prescinde de la salida digital coaxial tradicional de los modelos de festival).

Conectividad de Red: Wi-Fi multibanda integrado, puerto LAN (soporta PRO DJ LINK para interconectar hasta 4 unidades de forma síncrona), Bluetooth y emparejamiento NFC instantáneo.

Audio de Alta Fidelidad: Respuesta de frecuencia de 20 Hz a 20 kHz, Relación Señal/Ruido de 105 dB y una Distorsión Armónica Total de apenas 0.003%.

Pantalla: Táctil capacitiva full-color de 10.1 pulgadas con modos avanzados de visualización (Light / Dark).

Puertos de Datos: Bahía frontal iluminada y protegida contra impactos con un puerto USB Tipo-A y un puerto USB Tipo-C de alta velocidad.

Dimensiones: 252.1 × 374.7 × 116.5 mm.

Chasis y Estética: Acabado premium en negro mate, tiras de LEDs frontales personalizables en 12 colores para identificación de canales y paneles laterales modulares intercambiables mediante tornillería exterior.

Con este movimiento, AlphaTheta no solo cubre un hueco comercial evidente, sino que redefine las reglas del juego de cara al futuro inmediato de las cabinas. Al desplazar el control físico en favor de una interfaz táctil masiva y apostar de lleno por la música alojada en la nube, el CDJ-1500X se posiciona como el catalizador de una transición inevitable: el fin de la dependencia absoluta del pendrive tradicional y el nacimiento de un DJ mucho más conectado, ágil y adaptado a los entornos digitales dinámicos. El tiempo dirá si la comunidad de puristas abraza este nuevo flujo de trabajo o si extrañará la botonera clásica, pero lo que es innegable es que la firma ha puesto sobre la mesa la hoja de ruta tecnológica para los próximos años. 037

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AUTO R G U I L L E RM O C I M A D EV I L L A

curses Post-punk, nostalgia synth, technopop, new beat, disco con otra vuelta de tuerca y mucho más confluyen en el universo multifacético de Luca Venezia, más conocido por su proyecto Curses. Entre Berlín y Nueva York, lleva años marcando su propio ritmo tanto con su música en vivo como con su particular visión detrás de las bandejas. Sobre esa búsqueda y sobre cómo conviven las distintas facetas de su trabajo, nos cuenta: “Todo está conectado. Necesito estar en una banda para mantener viva la ilusión de ser DJ, y viceversa. Producir es simplemente el medio para expresar el momento, hasta que llega la hora de interpretarlo”. Logramos conversar con él en medio de sus sesiones de estudio y a pocas semanas del lanzamiento de Perfect High. Hablamos sobre su nuevo EP, que verá la luz en Altered Circuits el 14 de septiembre; repasamos algunos de los mejores momentos de su último año, su compilación Next Wave Acid Punx Trois, la influencia de la Ruta del Bakalao y mucho más. Mientras tanto, vamos calentando motores para recibirlo de nuevo este otoño: “Cada vez que pincho allí es memorable. Me encanta el público español: el entusiasmo, la devoción, la pasión. Soy medio italiano, y esa mezcla de romanticismo y punk en la música electrónica es algo que ambas culturas comparten”. Podremos verlo en formato live band el 5 de noviembre en Wolf, Barcelona, y el 6 de noviembre en Sala Nazca, Madrid. Cuéntanos dónde te encuentras ahora mismo y cómo está todo por allí. He pasado las últimas semanas en Nueva York dando conciertos y terminando el próximo álbum. La energía aquí vuelve a sentirse muy fuerte. La vida nocturna está en pleno auge desde que Mamdani se convirtió en alcalde; ahora mismo hay muchísimos clubes y fiestas increíbles. Uno de los momentos más memorables del viaje fue la fiesta en Casa Calle. Hice un set de siete horas en el que pude pasar de 110 a 130 BPM y luego volver a bajar hasta los 100 sin perder en ningún momento la conexión con el público.

beat y el disco experimental, manteniendo al mismo tiempo esa actitud de los primeros años del EBM y las vocales punk. Innershades (Thomas Blanckaert) se puso en contacto conmigo para trabajar en el lanzamiento. Soy fan de sus producciones desde hace tiempo y me encanta el sello, así que no lo dudé ni un segundo.

¿Cuáles han sido tus mejores momentos en lo que va de año? Ha sido un año bastante loco. Acabo de regresar del Duna Jam en Cerdeña con la banda. No anunciaron el cartel con antelación y tocamos al atardecer en la playa, justo antes de un épico set de shoegaze y psicodelia de otra banda en formato jam session. El festival Ombra también fue memorable: tocamos con el proyecto paralelo Silver Tears, junto a Damian Shilman, y después hicimos un B2B con Andi en el afterparty. Hablemos de Perfect High, que verá la luz en Altered Circuits en septiembre. ¿Cómo surgió la idea? Quería hacer un EP enfocado en el club antes del próximo álbum de la banda. Altered Circuits me invitó a lanzar un EP y la idea fue tomando forma a partir de combinar mi amor por el new

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Tienes como invitada a Andi, quien también aparece en tu serie Acid Punx. Andi es una gran amiga, una productora increíble y una de mis DJs favoritas. Compartimos gustos similares: un espectro oscuro, amplio pero muy específico, con influencias del goth que también se adentra en el freestyle latino y el synth-pop neoyorquino de los años ochenta y noventa. De hecho, todavía tenemos algunos temas por terminar; esto es solo un adelanto de los temazos que empezamos juntos. Coprodujimos ‘Blasted’.

¡Enhorabuena por Next Wave Acid Punx Trois! ¿Habías imaginado desde el principio convertirlo en una trilogía? ¿Hay algún DJ set de otro artista que consideres esencial? Este último fue el que más trabajo me dio, pero estoy muy contento con el resultado. No puedo decir qué será lo próximo para Next Wave Acid Punx, pero en cuanto a las recopilaciones, terminarlo como una trilogía se siente muy bien. También he curado escenarios y carteles bajo el nombre Next Wave, así que esto no significa el final. En los shows, muchos artistas jóvenes se acercan a decirme que han descubierto muchísima música nueva gracias a las recopilaciones, y esa es precisamente la razón por la que las hago: compartir mis influencias y, con suerte, inspirar a otros a mantener viva la curiosidad. Cualquier set antiguo de Weatherall es inspirador. También vi una vez una sesión inolvidable de DJ Sneaker en Barcelona, donde pasó con total naturalidad del new beat al dark techno y al italo. Ese tipo de riesgo es lo que me entusiasma. Mencionas la Ruta del Bakalao como una de tus influencias. Fue una época increíble para la cultura de club española; ojalá hubiera podido vivirla en primera persona. La conexión sonora entre Shep Pettibone en Nueva York o Razormaid en San Francisco y grupos como Megabeat era muy estrecha. Aprendí a pinchar en los noventa con las caras B —normalmente versiones dub— de discos de latin freestyle. Eran los únicos que podía permitirme entonces, rebuscando entre las cubetas de ofertas. Los drums, los arpegios, las snares con reverb y el sampling también estaban muy presentes en la música de La Ruta, junto con una fuerte influencia del new wave y el post-punk, así que me sentí atraído por ese sonido desde el principio. ¡Diez años de Ombra International! ¿En qué momento se encuentra actualmente el sello? Está en pausa o se acabó... No puedo decirlo porque realmente no lo sé. Con tantos proyectos al mismo tiempo, no quería que se estancara ni que siguiera adelante sin fuerza. Tampoco quería forzarlo más allá de su propia esencia. Ya veremos qué sucede, pero fueron diez años realmente inspiradores, en los que conocí a muchísimos artistas emergentes de todo el mundo a quienes todavía hoy me enorgullece llamar amigos.

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¿Cuál sería el escenario ideal para un concierto de Curses? Vi a Brian y Roger Eno actuar en la Acrópolis hace unos años. Dar un concierto allí sería épico. ¿Qué fue lo más difícil que tuviste que superar para poder dedicarte al arte? Ser fiel a mí mismo y tener paciencia. Antes de Curses tuve otras carreras, y una mala gestión o determinados consejos pueden llevarte más hacia el dinero que hacia el arte. He aprendido a priorizar el arte. La pasión es contagiosa y, si es sincera, el dinero termina llegando de forma natural. Quizá más despacio, pero de una manera mucho más orgánica y espontánea. Eso es lo que le da un carácter atemporal. ¿Planes para el resto del año? Muchas presentaciones como DJ, además de una gira europea con la banda este noviembre. También me uniré a Boy Harsher durante su gira y haré algunos conciertos con Marie Davidson. Ahora mismo estoy mezclando el próximo álbum y terminando un EP para Sound Metaphors.

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Detrás de Small Black Dots están Alex Picone y Nick, dos figuras con trayectorias profundamente vinculadas a la cultura del vinilo y la escena electrónica underground. Nick, DJ italiano y fundador del sello O.C.D., ha desarrollado su carrera entre cabinas y proyectos discográficos con una clara orientación hacia sonidos de nicho. Por su parte, Alex Picone, también italiano, cuenta con una extensa trayectoria como DJ, productor y perfil multidisciplinar dentro de la escena electrónica. Con lanzamientos en sellos como Cadenza, Bosconi o Bass Culture, y proyectos como Vae Victis, MUS o Seekers, su carrera se caracteriza por una constante exploración creativa y una implicación activa en múltiples iniciativas dentro del ecosistema musical.

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Small Black Dots nació en Berlín en 2013 como una distribuidora de vinilos enfocada en la escena underground. Tan solo un año después, en 2014, el proyecto amplió su actividad con la apertura de una tienda online, consolidando así su presencia en el circuito europeo. En 2015, Alex inauguró un pequeño headquarters con estudio en el barrio de Friedrichshain, un espacio concebido como punto de encuentro para artistas y profesionales del sector, donde era posible adquirir discos mediante cita previa. La expansión continuó en 2017 con la apertura de una segunda sede en Barcelona, impulsada por Nick, quien estableció operaciones en el barrio del Raval compartiendo espacio con Subwax. Durante casi tres años, Small Black Dots desarrolló su actividad de forma simultánea entre Berlín y Barcelona, hasta que la llegada de la pandemia obligó a replantear su estructura. El año 2020 marcó un punto de inflexión para el proyecto. La gestión de dos oficinas en países distintos, con un equipo de cuatro personas, se volvió insostenible. A esta situación se sumó la imposibilidad de acceder a ayudas institucionales: en Alemania, por el cierre previo de la sede berlinesa, y en España, debido a la reciente constitución de la sociedad. Ante este escenario, Small Black Dots decidió concentrar toda su actividad en Barcelona.

Actualmente, su headquarters se ubica en Carrer del Comerç 18, en un espacio de 70 m² que integra estudio, área de distribución y tienda física. Este último alberga alrededor de 5.000 discos de segunda mano, en constante rotación, junto a más de 4.000 referencias nuevas publicadas en los últimos cinco años. En paralelo a su actividad como distribuidora de música, Small Black Dots ha ampliado su catálogo con la distribución exclusiva de equipamiento especializado. Entre sus colaboraciones destaca Audio Solution, marca italiana de mixers rotativos y valvulares con gran reconocimiento en la escena underground internacional. Asimismo, tras años de experiencia en el alquiler de sistemas de sonido para eventos y gracias a su colaboración con HPS Ibiza, el proyecto se ha convertido en distribuidor exclusivo en Cataluña de Pequod Acoustics. Esta firma italiana ha destacado por su enfoque innovador en el diseño de sistemas de sonido, combinando tecnologías contemporáneas con investigaciones inspiradas en estudios históricos sobre propagación de ondas. Su catálogo abarca desde soluciones para home studio hasta sistemas para clubes y festivales de gran formato, como su modelo insignia Hydra.

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Otro de los pilares de su actividad es la distribución oficial de 100 Sounds, marca japonesa responsable de una cápsula inspirada en la icónica Shure M44-7. Este modelo incorpora un aumento de ganancia de aproximadamente 3 dB respecto a otros fabricantes, manteniendo la calidad sonora y la respuesta en frecuencia, lo que supone una ventaja significativa para DJs de vinilo en contextos de club actuales.

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El desarrollo de producto también forma parte de la evolución de Small Black Dots. Tras la buena acogida de su mochila, la marca trabaja actualmente en una segunda versión con mejoras funcionales y estructurales orientadas a optimizar su resistencia y ergonomía.

En el ámbito de la distribución, la compañía colabora con más de veinte sellos y marcas especializadas, apostando por una selección curada basada en afinidad artística. Lejos de modelos automatizados, mantiene un enfoque cercano y directo en la relación con tiendas, priorizando la comunicación personal.

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En un contexto marcado por la constante transformación de la escena underground, Small Black Dots asume un papel activo como agente dinamizador, consciente de la responsabilidad que implica orientar el desarrollo de los proyectos con los que trabaja. Además, Small Black Dots actúa como productor ejecutivo para diversos artistas y sellos que han ido construyendo una identidad propia dentro del ecosistema del proyecto. Aunque algunos colaboradores se han desvinculado recientemente por diferencias creativas, nuevas propuestas continúan encontrando en la plataforma un espacio alineado con su visión de la música electrónica.

Junto a la tienda y la distribuidora, el estudio del espacio ha acogido a numerosos artistas en los últimos años, dando lugar a sesiones y producciones que han visto la luz en sellos como Seekers, O.C.D., Low-Key o EsponTánea, este último centrado exclusivamente en producciones originales desarrolladas íntegramente in-house por Alex Picone. 045

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AUTO R F E D E RI C O C O RT I N A

patrick topping Patrick Topping llega a nuestra portada como uno de esos artistas que demuestran que detrás de una gran carrera hay mucho más que talento. Constancia, compromiso y la capacidad de seguir encontrando tu lugar en una escena que nunca deja de moverse son parte del camino que lo ha convertido en una figura respetada dentro de la música electrónica. Hoy se encuentra en un momento clave de su carrera. Después de años explorando diferentes vertientes de la música de baile desde una perspectiva muy personal, parece haber encontrado una nueva claridad. Más creativo que nunca, produce prácticamente desde cualquier lugar —trenes, aviones o habitaciones de hotel— mientras compagina giras, familia y todo lo que implica mantenerse en una industria que nunca se detiene. No te pierdas esta conversación sobre música, creatividad, raíces y el camino recorrido hasta llegar lo más alto sin perder personalidad. Hola Patrick, bienvenido a nuestra portada de Mixmag Spain. Es un verdadero placer tenerte con nosotros. Has comentado recientemente que produces prácticamente en cualquier lugar hoy en día. En trenes, aviones, habitaciones de hotel, entre fechas de gira. ¿Cómo ha cambiado esta forma de trabajar tu proceso creativo? ¿Hay algo liberador en no depender de un estudio tradicional?

Siempre he hecho música principalmente en mi portátil. El único hardware que he usado ha sido un teclado MIDI durante un par de años y también la NI Maschine de vez en cuando, pero básicamente siempre ha sido solo un ordenador y monitores o auriculares, así que se presta bien a hacer música de viaje. Durante muchos años no producía casi nada de viaje, tenía ese bloqueo mental de que necesitaba estar en el estudio, que en realidad era solo un cuarto extra con paneles acústicos en la pared. Además tenía un iMac de sobremesa que tenía la mayoría de mis plugins, y mi portátil solo unos pocos. Pero cuando me deshice de eso y trasladé todo a un único portátil en 2023, todo se volvió mucho más ágil y cambió las reglas del juego; ojalá lo hubiera hecho mucho antes. Pero creo que fue ponerme sobrio del todo, también en 2023, lo que hizo que la idea de producir estando de gira fuera mucho más realista. Ya llevo 17 años haciendo música, y por fin he llegado a un punto en el que puedo hacerlo con distracciones alrededor, disfrutarlo y simplemente desconectar. Ahora también soy padre, así que salir de casa es en realidad un buen momento para ponerme con ello. ¡Aunque sea de pie entre vagones de un tren porque no hay asientos y sujeto el portátil con una mano! Ahora estoy tan metido en esto que lo disfruto en cualquier sitio.

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EST I L I S M O WAY P E R RY D I R EC C I Ó N C R E AT I VA N B H D C R E AT I V E

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Wow, me imagino que compaginar todo no debe ser nada fácil. ¿Cuáles son las herramientas esenciales en las que confías cuando produces de viaje? ¿Es más una cuestión de equipo o de entorno? He pensado en montar un estudio de verdad fuera de casa o en otro edificio. Pero, sinceramente, me encanta tener la libertad de retomarlo y dejarlo según mi vida de padre y marido. Creo que, como ya llevo mucho recorrido en mi carrera de producción, ahora puedo empezar y parar sin que me afecte, mientras que antes todo tenía que ser perfecto, lleno de golosinas y chocolate, y en completo silencio sin interrupciones, ¡porque era muy difícil! Dicho esto, sí que me encanta estar en un hotel y poder hacer música sin interrupciones, despertarme y ponerme directamente. Ahora mismo estoy tan enganchado que tengo que obligarme a no seguir retocando canciones después de tocarlas en clubes, y a obligarme a dormir.

Tus últimos lanzamientos en Solid Grooves, Hellbent y Metamorfosi parecen reconectar con la energía cruda y groovera del tech house que en su día te puso en el mapa. ¿Sientes que estás volviendo a tus raíces, o es simplemente la evolución natural de tu sonido? Sí, totalmente. Es una vuelta a mis raíces, pero al mismo tiempo nunca dejé de hacer este sonido. Simplemente incorporé otros sonidos junto a él, así que en realidad es más un reenfoque y una reducción del alcance que un regreso. Pero también es una evolución, porque durante mi etapa de experimentación aprendí muchísimo a nivel de producción y tuve muchas influencias y experiencias, y ahora miro este sonido con una energía y una perspectiva nuevas. El término tech house ha cambiado drásticamente en la última década y hoy significa cosas muy distintas según a quién se le pregunte. ¿Crees que sigue siendo lo que originalmente representaba? Creo que el tech house de los 90 y los 2000 tenía un significado diferente al que la mayoría de la gente asocia hoy. Aunque respeto el tech house de los inicios, mi definición se basa realmente en el sonido desde 2013 hasta ahora. Desde 2013 en adelante ha sido bastante similar, pero hay muchos más sellos y artistas destacados, e incluso subgéneros dentro de eso y sonidos adyacentes que no son tech house, como la nueva clasificación de minimal o minimal deep tech, si se le quiere llamar así, y otros tipos de pistas de bass techno más lentas y a contratiempo, que podrían considerarse tech house. Fragmentos de melodic house y techno, etc.; sinceramente, todo eso entra bajo el paraguas del tech house en mi cabeza en cierto modo, cuando piensas en la música electrónica como un todo, con géneros muy distintos como el drum & bass, el trance, el hard techno, etc. Porque géneros similares, como ciertas pistas de techno con BPM parecidos, minimal house, disco house, etc., podrían pincharse en una sesión de tech house y los puristas no se ofenderían. Pero mete una pista de hard techno a 150 BPM, como hacía yo durante dos o tres años, y a algunos sí les molestaría. Pero nunca me he obsesionado demasiado con los géneros. Parafraseando al gran Jackmaster, que en paz descanse, para mí se trata más de energía que de género. Ahora mismo hay tantos sonidos eclécticos dentro de este mundo del tech house que me he dado cuenta de que puedo seguir siendo muy interesante sin llevar el BPM o los géneros a extremos, y ese es un nuevo reto que me tiene muy ilusionado en este momento.

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Trick se ha convertido en mucho más que un sello discográfico. Se ha transformado en una marca global con eventos, festivales y una comunidad muy fiel detrás. ¿En qué momento te diste cuenta de que se había convertido en algo mucho más grande que simplemente sacar música? Bueno, por un lado, cuando ves cientos de tatuajes del rayo y del logo completo, eso sí que te deja claro la huella que ha dejado en la gente. Y también la gente llevando el merchandising. Además, hemos hecho cuatro weekenders, en Budapest y tres en Tenerife, y esos fueron realmente especiales y te hacen valorar el aspecto de comunidad, porque es mucho más que tu club local de una noche. He conocido y he llegado a tratar a algunas de las caras habituales, y es increíble ver cómo desconocidos se han unido y se han hecho buenos amigos gracias a su pasión compartida por Trick. Me encanta esa parte. Siempre se te ha reconocido por apoyar a artistas emergentes a través del sello. Cuando escuchas demos o descubres nuevos productores, ¿qué cualidades te llaman la atención de inmediato? ¿Qué es lo que no se puede fingir?

Recientemente sacaste ‘Tonight’ junto a Layton Giordani, un artista que viene de un trasfondo musical bastante distinto. ¿Cómo encontrasteis el equilibrio entre vuestras dos identidades, y qué te llevaste de esa colaboración? Layton hizo un remix muy bueno de ‘Voicemail’, que he estado pinchando, y hay algunos otros temas suyos que he tocado en mis sesiones a lo largo de los años, como ‘PATT’ y su remix de ‘Strobe’, así que lo admiraba desde hacía tiempo, aunque su música se sitúe un poco alejada de la mía. Pero tiene mucho talento y es muy buena persona, y conectamos bien. Es un gran artista, así que cuando se puso en contacto conmigo para lanzar algo en su nuevo sello, me dijo que incluso podría ser una colaboración, y obviamente no dejé pasar la oportunidad. Estoy muy contento con cómo quedó el tema, porque probablemente se acerca más a mi sonido que al suyo, ¡aunque él tuvo más peso en la producción que yo! Así que creo que quedó muy interesante y no me alejó demasiado del camino en el que estoy, sino que fue un añadido interesante a los sonidos más groove que estoy sacando ahora y en el futuro.

Lo primero que siempre me llama la atención es la mezcla del tema. Eso suele indicar la experiencia del productor. Así que, si algún productor está leyendo esto, es algo en lo que hay que centrarse mucho. Después de eso, es ese factor X en el que destaca, ya sea de una forma única, o siguiendo tendencias pero hecho de una manera muy sólida y con un toque propio. Pero la prueba principal es: ¿la pincho una y otra vez en mis sesiones? Si la respuesta es sí, normalmente acabo fichándola. 049

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También tienes colaboraciones en camino con Rebuke, Wade y Airwolf Paradise. ¿Qué es lo que más te entusiasma de colaborar con otro productor? ¿Buscas retarte creativamente, o amplificar algo que ya forma parte de tu sonido? La de Layton y las de Rebuke fueron para amplificar mi sonido, ya que ambas empezaron como temas terminados que yo ya tenía hechos, y luego esos chicos, por separado, los transformaron y fuimos y vinimos con ideas. Ha sido una incorporación muy interesante a mi proceso de producción, porque nunca lo había hecho hasta la colaboración con Ewan McVicar en 2024. Ese era un tema terminado, y Ewan me dio feedback sobre él, y yo le dije: “Bueno, ¿por qué no lo haces tú directamente?”. Y lo hizo. Eso me hizo darme cuenta de que a veces es mejor soltar ideas y dejar que otra persona entre si no estoy del todo convencido, o incluso a veces cuando creo que sí lo estoy, porque puede crear algo aún mejor. La de Wade y la de Airwolf surgieron porque hemos conectado mucho en persona y hemos hecho buena relación, así que se siente muy natural. La de Airwolf la hicimos juntos en su estudio en Melbourne, pero el sample fue rechazado, así que se une a la larga lista de temas míos que nunca saldrán a la luz. Es frustrante, pero estamos trabajando en uno nuevo a distancia, así que ya veremos. La de Wade está casi terminada, y tenemos una voz original de Sam Harper, así que estoy muy ilusionado con eso. Este tiene más un estilo UK house que otras cosas que he hecho.

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En lugar de comprometerte con una única residencia en Ibiza este verano, has elegido tocar en casi todas las grandes fiestas de la isla en Pacha, DC10, Hï, UNVRS, Amnesia, Playa Soleil... ¿Qué motivó esa decisión? Ha habido muchas razones para eso. Tuve los mejores tres años en Hï y el año anterior en DC-10, pero este año es muy emocionante para mí. Estoy disfrutando muchísimo de la diversidad, debutando en fiestas nuevas y tocando en sitios en los que no había tocado en años. Pero la razón principal fue musical. Como he vuelto a sacar música en otros sellos además de Trick, y he reenfocado mi sonido hacia el house/tech house, tenía sentido ir a tocar en todos estos sitios para tener una plataforma más grande y mostrarle a la gente en qué punto estoy ahora mismo, en lugar de seguir con la residencia y que la gente no se entere.

Cada uno de esos eventos tiene su propia identidad y su propio público. ¿Preparas una sesión para Solid Grooves de forma distinta a una para Elrow, Paradise, el show de CamelPhat, o siempre te mantienes fiel a tu propia dirección musical? Son diferentes, pero todas están dentro de la misma línea, y ahora mismo tengo una visión muy clara de lo que quiero mostrar, con mis propios temas, temas del sello y temas de otros artistas, así que no varío tanto en función de esas fiestas que mencionas. Se trata más de mantenerlo fresco, ya que saco mixes online, y de que mi sesión vaya evolucionando para la gente que me ve más de una vez. Dicho esto, sí que hubo bastantes temas que metí en el set específicamente pensando en el ambiente de Solid Grooves. Este año has debutado en Pacha y también has tocado en algunos de los conceptos más grandes de UNVRS. Después de vivir tantas pistas de baile distintas en una sola temporada, ¿qué crees que define hoy en día una gran experiencia de club? Realmente, una gran experiencia de club no depende tanto del local o de la producción, etc., como de la gente. Creo que es el público el que realmente define el ambiente. Dicho esto, tener un local histórico o prestigioso sí que añade algo. Pero el mismo club puede ser muy distinto cada noche dependiendo de quién toque y quién vaya. Tengo que mencionar Metamorfosi, porque el público que había la noche que toqué era en su mayoría una mezcla de italianos y británicos, y esa fue una combinación letal.

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Tu relación con Elrow sigue creciendo, no solo en Ibiza sino también a nivel internacional con fechas en Liverpool, Edimburgo y más allá. ¿Qué es lo que te sigue trayendo de vuelta a ese mundo después de tantos años? Me encanta Elrow. Es uno de los mejores promotores de la historia, si no el mejor. Si lo piensas, son más grandes que cualquier marca de DJ del mundo, porque pueden estar haciendo cinco fiestas en todo el mundo al mismo tiempo, todas enormes y con las entradas agotadas. Es una locura, y entiendo por qué. Crean una producción sin igual sin que el foco esté completamente puesto en una pantalla, lo cual creo que es una mezcla única y hace que se sienta más “del mundo real” que quedarte quieto mirando un visual impresionante en una pantalla. Se siente más rave, pero sigue siendo una experiencia inmersiva. Siempre es un gran honor tocar para Elrow. Hoy en día muchos artistas sienten la presión de alimentar constantemente las redes sociales mientras giran, producen y llevan sus sellos. ¿Cómo equilibras la construcción de tu perfil público sin sacrificar el tiempo y la mentalidad necesarios para mantenerte creativo? Vi un artículo hace poco que decía que el DJing es el trabajo más deseado en Estados Unidos, Canadá, Nueva Zelanda y algunos otros países. Eso da un poco de contexto de lo difícil que es abrirse camino en la industria. Así que sí, me resulta bastante complicado llevar una vida tan equilibrada como me gustaría, pero esta industria es muy voluble y tienes que comprometerte al cien por cien para triunfar, y luego mantenerte ahí arriba es igual de difícil. Así que no veo a mis amigos ni a mi familia tanto como querría, pero eso puede pasar en muchas profesiones. Cuando eres tu propio jefe y llevas tu propio negocio, especialmente, siempre puede haber trabajo pendiente, y el DJing es así. Creo que es una de las industrias más competitivas que hay.

Pero, en medio de todo eso, sí me resulta fácil ser creativo. Es más bien cuestión de encontrar el tiempo. Pero cuando tengo un hueco, ahora las canciones salen rápido. Antes sufría mucho de bloqueo creativo, durante buena parte de mi carrera la verdad, pero diría que en los últimos años ha sido algo mucho más pasajero cuando me he quedado atascado. Puede que tenga que ver con mi reenfoque, porque ahora tengo muy claro lo que quiero hacer de nuevo, y también porque simplemente llevo más tiempo haciéndolo. Además, ahora es más fácil que nunca gracias a los avances tecnológicos. Dicho todo esto, todavía ha habido algunas veces en los últimos años en las que literalmente he pensado que toda mi carrera fue pura suerte y que nunca volveré a hacer nada que me guste. Y al minuto siguiente he tenido un momento de inspiración y estoy bailando por la habitación, ¡pensando que he hecho la mejor canción de mi vida! ¿Sigues descubriendo música de la misma forma que cuando empezaste a pinchar? ¿Qué es lo que más te inspira hoy: buscar discos, otros productores, la pista de baile o experiencias completamente ajenas a la música? Buscar música, pincharla en mis sesiones y, en contadas ocasiones, quedarme en un club o festival escuchando las sesiones de otros DJs; eso es lo que me inspira. También simplemente hacer música, buscar samples y trastear, escuchar un sonido o un patrón, eso me inspira. Ahora me propongo, un puñado de veces al año, meterme entre el público durante las sesiones de otros DJs para inspirarme y escuchar la música desde la perspectiva de un asistente en lugar de la del DJ. He comprobado que eso influye de forma muy positiva en lo que hago después, porque me abre la mente a sonidos que pasaría por alto en mi rutina habitual de buscar música, hacer música y pinchar.

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Si mañana tuvieras de repente un mes entero sin vuelos, sin bolos y sin plazos, ¿cómo lo pasarías? ¿Te encerrarías en el estudio, o necesitas alejarte de la música para reconectar con ella? Intentaría hacer ejercicio y dormir todo lo posible, y luego pasar el máximo tiempo posible con la familia, intentando también llenar cada día con tanta creación musical y/o gestión del lado empresarial de la industria como pudiera. ¡Básicamente, lo normal en mí! Siempre siento que no hay suficientes horas en el día y que empiezo cada jornada en deuda, intentando hacer todo lo posible. Después de más de una década en lo más alto de la escena, ¿qué es lo que todavía te genera esa emoción cuando aceptas un bolo? ¿Es el club en sí, el público, el cartel, o simplemente la posibilidad de sorprenderte a ti mismo detrás de los platos? Hay algo muy especial en mis propios shows principales, donde no toco como parte de un cartel ni soy el plato fuerte para un promotor reconocido, sino donde es mi propio show con entrada propia. Ahí es donde realmente tienes a los fans más incondicionales, y la conexión es una locura. También está el otro lado, tocar para esas marcas, clubes y festivales mega prestigiosos dentro de la escena en la que me muevo, lo cual también es una sensación enorme. Pero cualquier fiesta puede ser genial. Todo se reduce a la conexión entre el público y la música que estoy ofreciendo, y si esa conexión es bidireccional, entonces es muy especial. Imagina que dentro de diez años alguien le da play a uno de los tracks que estás haciendo hoy. ¿Qué te gustaría que la gente escuchara sobre quién era Patrick Topping en este capítulo de su carrera? Espero que se note que era un productor más consolidado de lo que era en los primeros tracks de mi carrera.

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AUTO R M A RI A N A RI SS

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Pocas trayectorias resumen tan bien la evolución de la música electrónica en España como la de Eduard Clarà, mejor conocido como Hitch. DJ desde mediados de los 90, ha sido también promotor, vendedor de discos, redactor en medios especializados, responsable de comunicación y marketing, y dueño del sello discográfico Yakazi Music. Ha trabajado en Space Ibiza, Privilege, Deejay, Vicious Magazine y Fact Worldwide, entre otros, y hoy forma parte del holding Thank You, que gestiona espacios como Input, Output, Les Enfants, SeaSea Club, Bikini, Opposite, Sunsea Bar, Selva Club, entre otros. Su sonido, marcado por la sobriedad y la mente abierta, tiene sus raíces en el techno y el house más clásicos, pero rehúye las etiquetas. Entre Barcelona, Reino Unido e Ibiza, Hitch ha construido una carrera que no se entiende solo desde la cabina, sino desde todas las capas que sostienen una industria: la producción, la gestión, la comunicación y la programación. Charlamos con él sobre esa mirada 360º, sobre lo que ha cambiado (y lo que no) en treinta años de industria, y sobre su rol actual dentro de uno de los holdings de ocio nocturno más importantes del país. Has estado en casi todos los lados de la industria: cabina, discográfica, comunicación, prensa, promoción… ¿Cómo se construye una mirada así de completa? ¿Sientes que cada faceta te ha dado herramientas para las otras? La verdad que en ningún momento fue intencionado. Esta conjunción ha sido fruto de un proceso evolutivo natural. Uno va forjando su propio camino desde abajo y paso a paso; y ello es lo que hace que vayas adquiriendo conocimientos y experiencia en distintos ámbitos de la industria musical. Sin lugar a dudas cada faceta nutre a las otras y viceversa. Te ayuda a tener una visión más completa y objetiva. Estudiaste derecho antes de entrar en la música. ¿Qué papel crees que jugó esa formación en cómo terminaste gestionando negocios y equipos dentro de la industria? Ninguno! XDDDD Si bien es cierto que estudiar te permite tener una cierta disciplina y constancia. Y eso aplicado al ámbito laboral puede ser de gran ayuda.

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Entraste en esto a mediados de los 90. ¿Qué es lo que más ha cambiado en la industria musical desde entonces, y qué es lo que, para bien o para mal, sigue igual? Muchas cosas han cambiado. Hemos pasado de una industria de nicho y de distribución física, en la que la música se descubría en las tiendas de discos y en las pistas de baile, a un ecosistema global e hiperprofesionalizado, dominado por las redes y el algoritmo. Hemos pasado de la verdadera cultura de club a la cultura del entretenimiento. No obstante, no deberíamos caer en la nostalgia ni deberíamos juzgar si los cambios han sido a mejor o a peor. En toda época, así como en cualquier proceso evolutivo, hay cosas positivas y cosas negativas. Por mucho que nos pese, debemos intentar interpretar de la mejor forma posible el paso del tiempo y los cambios que se producen. Además, analizar tiempos pasados con la mirada actual hace que pierdas un poco la perspectiva de la realidad actual ya que tendemos a idealizar siempre los recuerdos y memorias. ¿Lo que sigue igual? La necesidad humana de conectar en una pista de baile y el instinto de encontrar música que te mueva el alma. Han cambiado el tablero, las fichas y las reglas de juego, pero la esencia sigue siendo la misma.

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Has vivido en Barcelona, Reino Unido e Ibiza. ¿Cómo influyó cada una de esas escenas en tu forma de entender la música y de pinchar? Han influido mucho. Las vivencias adquiridas en las distintas ciudades en las que he vivido me han ayudado a lo largo de estos años a construir un criterio musical propio. Antes de la era de la globalización cada territorio tenía sus peculiaridades y características, tanto en tendencias musicales como en pautas de comportamiento de la comunidad clubber. Existía una cierta variedad, identidad local y riqueza cultural. Con la llegada de las redes sociales la industria se ha ido homogeneizando cada vez más y ha provocado la pérdida de la identidad territorial. En el plano musical por ejemplo, en los años 90 cada pista de baile de cada ciudad tenía sus propias reglas. Los DJs buscábamos discos únicos que nadie más tenía. Había que adaptarse al público de cada ciudad y de cada club. En cambio, a día de hoy, la inmediatez digital ha democratizado el acceso a esa música y se ha cargado por completo la originalidad, el factor sorpresa y la identidad local. No digo que sea mejor o peor; simplemente ha cambiado radicalmente.

Tienes un sello discográfico, Yakazi Music, que prensa en vinilo y que ahora mismo está parado por falta de tiempo. ¿Qué representa el vinilo para ti hoy, en una industria cada vez más digital? Es mi medio de expresión más natural en cabina. He tocado en vinilo desde que empecé a poner discos a mediados de los 90. Para mí, no es una cuestión de modas o tendencias, ni supone una limitación o sobreesfuerzo. A mí, personalmente, este formato me aporta una “conexión física” con la música que el digital no me da. Además, le doy mucho valor al proceso de selección que hay detrás. Cuando tocas con vinilo, tu maleta tiene un límite de espacio. Eso te obliga a elegir cada track con un criterio muy estricto. Aparte del elevado coste que supone comprar música.

Sin embargo, tocar con vinilo no te hace ser mejor dj. Creo que cada uno debe tocar con el formato con el que mejor se exprese. Hay que respetarlo. La tecnología actual ofrece mucha diversidad y herramientas sólidas y creativas que son totalmente válidas. Al final, gran parte de la audiencia que sale de fiesta no está pendiente de si pinchas a tres platos, con un ordenador, con CD o tocas la trompeta con la nariz. La gente sale para pasarlo bien y para conectar con la energía de la pista, y no tiene por qué valorar mejor o peor las sesiones en función del formato que el dj usa en cabina. Lo que realmente importa es la narrativa, el ritmo y lo que logras transmitir.

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Ahora trabajas para el grupo empresarial que gestiona Input, Output, Les Enfants o Bikini, entre muchos otros clubes y espacios ¿Cómo es pasar de la cabina y la producción a la gestión de un holding con tantos clubs bajo un mismo paraguas? Es importante aclarar que no soy yo quien gestiona todos estos clubes. Cada uno tiene uno o varios responsables directos y entre todos formamos un equipo que no entiende de roles. Yo soy uno más de este equipo humano muy implicado y comprometido, que ama lo que hace. Nos apoyamos constantemente entre todos para tomar las mejores decisiones. Con los años he aprendido que las decisiones consensuadas suelen ser más acertadas que las decisiones unilaterales. Además, este ejercicio mejora notablemente la comunicación interna y cohesiona los equipos de trabajo. Respecto al cambio de rol, combinar mi faceta artística con estas funciones de gestión no supone ningún tipo de impedimento; al contrario, ¡me encanta! Al final, llevar tantos años en cabina y en el estudio te da una perspectiva más completa: entiendes al artista, conoces la pista y sabes lo que necesita un club para funcionar. Creo que todos aquellos que se ven en la misma tesitura que yo tratamos de aplicar esa misma experiencia, pero desde otra perspectiva, ayudando a crear el entorno ideal para que la gente pueda divertirse. Con esa doble perspectiva de DJ y de gestor, ¿cómo cambia la forma en que programas o entiendes lo que necesita un club? Cambia por completo porque te obliga a bajarte del ego que todos los DJs tenemos para tener una visión más general. Como DJ, quieres poner aquel disco que acabas de comprar en discogs y que nadie tiene; como promotor, sabes que si la barra no factura o no se venden tickets, estás jodido. El club es un ecosistema vivo que necesita sostenibilidad económica, flujo de público, buen ambiente y una experiencia global que va más allá de la cabina y de la música. Entender ambas realidades te da una visión panorámica. Ya no programas solo para complacer a los puristas, sino para sostener una identidad a largo plazo. Un buen club necesita momentos de vanguardia musical, pero también necesita ser sostenible. Mi trabajo es lograr que el riesgo artístico y la respuesta comercial convivan sin traicionar la esencia de la marca.

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En tu bio se habla de selecciones honestas frente a tendencias. ¿Cómo se defiende eso hoy, con la presión de redes sociales y algoritmos sobre lo que “debería” sonar en una sesión? Se defiende perdiéndole el miedo a no ser el más popular de la semana. Hoy en día, el algoritmo premia la inmediatez, el contenido rápido y los micro-momentos coreografiados en TikTok o Instagram. Si construyes tu carrera solo sobre lo que “debería” sonar según una métrica, te conviertes en un DJ sin identidad perfectamente reemplazable. El puto algoritmo no tiene alma. La “honestidad musical” se defiende en la pista construyendo tu propio discurso musical sin tener en cuenta la homogeneización de las tendencias que impera en la comunidad clubber. Cuando la gente entra al club, quiere una experiencia real, no un feed de pantalla. Prefiero conectar de verdad con 200 personas a través de un viaje musical propio, que complacer a miles de personas en una red social haciendo el subnormal. Después de trabajar en medios como Vicious Magazine, Deejay o Under Magazine entre otros ¿cómo ves el periodismo musical actual? ¿Qué se ha perdido y qué se ha ganado? Hemos ganado una democratización absoluta y una inmediatez brutal; hoy día cualquiera tiene un canal para recomendar música o eventos, y llegar al mundo al instante. El acceso a la información y a la música es ilimitado, lo cual es maravilloso. Sin embargo, se ha perdido el espacio para la profundidad, la crítica constructiva y la pausa. Antes, los medios impresos ejercían de filtro y daban contexto: una crítica de un disco o una entrevista de fondo te ayudaban a entender el porqué de un movimiento cultural. Hoy, gran parte del periodismo musical se ha convertido en relaciones públicas o en creadores de contenido que buscan el clickbait. Se echa de menos el análisis reposado y la libertad de poder decir que un disco o un festival ha estado mal sin miedo a perder los banners de publicidad o el acceso al artista. Si tuvieras que quedarte con una sola de todas tus facetas (DJ, promotor, gestor, sello, comunicación) ¿cuál elegirías y por qué? Difícil porque me siento cómodo en todas, pero si tuviese que elegir solo una sería la de DJ sin lugar a dudas. Porque tengo una adicción a la música muy preocupante. Paso muchas horas escuchando música, descubriendo discos nuevos, explorando viejas joyas, ordenando y limpiando los discos… Es peor que una droga. ¡Y más caro!

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FOTO G R A F Í A SO L A R M E N A

cómo produzco RITUAL Y PROCESO CREATIVO

Un vaso de agua, enciendo el ventilador y me siento al piano a improvisar cualquier cosa. Es el puente del mundo exterior a lo interno, la forma que tengo de cruzar del afuera al adentro antes de empezar a trabajar. No hay un orden fijo para arrancar un track. Suele ser un impulso, algo con lo que llevo cargando un tiempo o con lo que estoy obsesionada ese día. Y sé que una canción está terminada simplemente porque lo siento, porque deja de pedirme cosas. Estoy intentando aprender a no pensar en el dancefloor, al menos en primera instancia. Luego sí pienso un montón, me imagino dónde podría sonar; es algo visual, casi cinematográfico.

HERRAMIENTAS Y REFERENCIAS SONORAS Suelo partir de textos, de audios que grabo con el móvil, de resampleos, de sonoridades que me gustan. Una risa, un vídeo que grabé en un concierto, o en el metro… no suelo partir de música para hacer música. Mis referencias tampoco vienen de discos: la voz de mi amiga Marya, la risa de Eric, los audios de Aïda, la trompeta de la línea roja, el maullido de Paquete, Modheaven, Agustina tocando Trinity a la guitarra, el arpa de Alice Coltrane y los dedos de Carlos Santana, Juan Luis Guerra, el aviso a los bañistas de la playa de San Sebastián, r010, los reels de gente tocando en túneles, la escopeta de Simón, las fiestas de mis amigas y el parchís. Todo eso es lo que me inspira estos días

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MIRADAS Y ENFOQUE Me gusta recuperar sensibilidades del pasado. Al final creo que la música del futuro es un depósito de reinterpretaciones de emociones pasadas, pero vistas desde otras perspectivas.

APRENDIZAJES Y EVOLUCIÓN Últimamente he entendido algo importante: hacer música sola. Siempre viví el momento de producir como un lugar de intimidad, de libertad, de purgamiento… a veces evasión, otras todo lo contrario. Pensaba que, por ser tan íntimo, no debía compartirlo. Ahora estoy descubriendo que todos nos sentimos igual de solos, igual de tontos, y eso me gusta y me hace gracia a la vez. Es mucho más alentador habitar lo colectivo y perderse ahí. Con los años he ganado confianza en mi intuición. Antes analizaba todo, lo cuestionaba, intentaba controlarlo. Ahora no pienso tanto ni pongo resistencia, y siento que el resultado es mucho más orgánico y libre. Lo más difícil sigue siendo terminar una canción y conseguir sacarla sin que el tiempo se dilate demasiado, para que no deje de sentirme identificada con ella. Lo que más disfruto ahora, en cambio, está fuera del estudio: conocer a gente, ir a ver los directos de mis amigos, simplemente escuchar. Siento que estoy atravesando un momento nuevo, de aprendizaje, de poner atención a lo que está cerca, y me está gustando mucho quedarme ahí.

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AUTO R BO RJA C O M I N O

verano unplugged Tres equipos AlphaTheta para montar una cabina prácticamente en cualquier lugar La cabina ya no tiene por qué terminar donde acaba el enchufe. Con baterías integradas, streaming, conectividad inalámbrica y equipos cada vez más compactos, pinchar fuera de casa o del club es bastante más sencillo que hace unos años. AlphaTheta lleva esa idea a tres terrenos diferentes con OMNIS-DUO, WAVE-EIGHT y XDJ-AN: un sistema DJ portátil, un altavoz preparado para exteriores y una solución all-in-one que acerca algunas de las posibilidades de una cabina profesional a un formato más flexible. Tres máquinas distintas con una misma idea detrás: menos cables y más libertad para decidir dónde empieza la sesión.

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WAVE-EIGHT

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omnis-duo Una cabina dentro de la mochila Compacto, ligero y con hasta cinco horas de autonomía, OMNIS-DUO convierte una mesa, una terraza o cualquier rincón al aire libre en una cabina improvisada. Su batería integrada permite utilizarlo sin conexión a la red eléctrica y su diseño all-in-one reúne en una sola unidad todo lo necesario para mezclar. La conectividad Bluetooth amplía todavía más el juego. Además de enviar audio de forma inalámbrica, OMNIS-DUO permite recibir música desde un smartphone. Una canción enviada por alguien del público puede entrar directamente en la sesión para después manipularla desde el equipo con efectos, Hot Cues o scratch. Su acabado índigo completa una máquina pensada deliberadamente para salir del estudio y acompañar al DJ allá donde vaya. PVP: 1.599 €

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wave-eight Ocho horas de música, cero cables Si OMNIS-DUO pone la cabina, WAVE-EIGHT pone el sistema de sonido. El altavoz portátil de ocho pulgadas cuenta con batería para aproximadamente ocho horas de uso y resistencia al agua IPX4, dos características especialmente útiles cuando la sesión se traslada al exterior. La clave para utilizarlo como monitorización DJ está en SonicLink, la tecnología inalámbrica de latencia ultrabaja de AlphaTheta. Frente al retardo habitual de Bluetooth, el sistema reduce el tiempo de transmisión para que la respuesta entre la mezcla y lo que sale por el altavoz resulte prácticamente inmediata. Ruedas y asa extensible facilitan además el transporte de un equipo diseñado para moverse: de una terraza a una piscina, de una casa a la playa o a cualquier otro lugar donde aparezca una fiesta. PVP: 775 €

xdj-an La cabina también se vuelve wireless En el extremo más cercano a una configuración de club aparece XDJ-AN, un sistema DJ all-in-one de dos canales que lleva la filosofía inalámbrica a una configuración más avanzada. Su conexión Wi-Fi y Streaming DirectPlay permiten acceder a música desde servicios como Apple Music, Beatport Streaming o TIDAL sin depender exclusivamente de memorias físicas. A esto se suma la compatibilidad con rekordbox Cloud Library Sync, que abre el acceso a librerías almacenadas en servicios cloud como Dropbox o Google Drive. XDJ-AN también integra un transmisor SonicLink para monitorizar la mezcla con auriculares compatibles sin utilizar cable y con una latencia de apenas 9 ms. Una forma de trasladar parte del workflow de una cabina profesional a un sistema más abierto, conectado y flexible. PVP: 1.149 €

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ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca pr@freelastica.com

ÁLBUM DESTACADO

FLUKE THE SECOND BITE SURFACE RECORDS / !K7 ¡Bombazo! Lejos de conformarse con la nostalgia, y tras una batalla legal para recuperar sus derechos, “The Second Bite” demuestra que Fluke aún saben dialogar con el presente. En lugar de un simple “recopilata”, el trío revisita doce piezas esenciales de su catálogo con una producción renovada que respeta el pulso evocador y los grooves embarrados que definieron su identidad. Clásicos como “Atom Bomb” o “Absurd” adquieren una nueva dimensión sin perder su esencia, confirmando que el legado sigue vigente en la actualidad. Incluye una remezcla muy especial de Daniel Avery y desde luego guarda el sentir de comunión creativa y filosofía futurista. Más que una mirada al pasado, repito, el álbum funciona como una actualización inteligente de un repertorio influyente, reafirmandolos como una banda capaz de reinventarse sin sacrificar la personalidad que los convirtió en referentes del género.

ANTHONY ROTHER DATAPUNK 20+ YRS DATAPUNK Otro que se calza por los pies y sigue dejando un legado brutal. “DATAPUNK 20+ YRS” funciona como el cierre de un capítulo fundamental en la trayectoria del productor alemán Anthony Rother quien revisita su etapa más influyente con una selección que combina clásicos, material inédito y nuevas versiones híbridas de temas emblemáticos como “Father” y “Back Home”. Agárrate donde puedas, cuenta con hasta 38 cortes en un doble LP altamente inflamable. En este trabajo recontextualiza su imaginario futurista y confirma la vigencia de una obra que ayudó a redefinir el electro contemporáneo. Con un sonido que sigue oscilando entre la frialdad mecánica y la carga emocional, Rother convierte este lanzamiento en una autobiografía musical que celebra su legado sin dejar de mirar hacia adelante. Un, dos, tres, veinte… y seguimos contando.

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ALEXANDER KOWALSKI ECHOES REMASTER CYCLES MUSIC Muchas veces pensé que el futuro de la música estará en la manera de percibirse. De aportar nuevos matices a la escucha. “Echoes Remaster” confirma que las grandes obras del techno nunca decaen, simplemente revelan nuevas dinámicas. Y si encima se enfrenta a una remasterización que potencia la riqueza de sus texturas, la profundidad de los bajos y la elegancia de una producción adelantada a su tiempo... Alexander Kowalski lo acaba de hacer con aquel clásico de 2001. Temas como “Voices”, “Oxygen” o “Delicious” conservan intacta su capacidad para envolver al oyente entre pulsos hipnóticos y atmósferas melancólicas. Lejos de alterar la esencia, esta reedición realza lo que continúa siendo una referencia del techno melódico y dub de Berlín. Un regreso necesario para quienes lo descubrieron entonces y una puerta de entrada ideal para nuevas generaciones.

VICTOR RUIZ VICTOR VOLTA A modo de sorpresa absoluta nos ha aterrizado como de la nada, más bien saliendo desde una nube de dimensiones épicas “VICTOR”, el nuevo álbum del brasileño -aunque afincado en Lisboa- Victor Ruiz. Catorce canciones donde se mantiene un pulso tan elaborado como entretenido y variopinto. Por supuesto seguiremos disfrutando del sonido que lo ha santificado, el techno reverencial y alza-brazos (“Silence”, “When Words Fail…”, “Running”), pero es que la paleta sonora en este disco abarca mucho más. “Skyfall” (con Enrico Minelli) a modo de bajonazo a los infiernos. Electrónica oscura e hipnótica con halo rockero. Mientras, en “Alone” y “Life Is But A Dream” construye desde la ilusión y la picardía sintetizada. A modo de gran acierto, Victor explora su propia transformación personal y autodeterminación a través de una experiencia auditiva interconectada ¡bravo por la música!

REVIEW CLÁSICO

MADELMAN IDEM PALAIS COSMOS / AUSTROHÚNGARO Treinta años de historia bien valen una pequeña trampa. Cuando países punteros dentro de la escena artística electrónica como Inglaterra o Alemania no paraban de amontonar productores lanzando ideas y barbaridades en formato largo, en España, y aún teniendo grandísimos DJ, aún seguíamos en gallumbos en ese sentido. El cambio y el salto llegó de la mano de nombres como HD Substance, Álex Martín, Prozack… y el sorprendente Madelman, quien firmó “Palais” en 1996. El bilbaíno imaginó una música que miraba tanto al techno y al electro como al celuloide, la ciencia ficción y la escucha doméstica. Un LP convertido en narrativa y referencia de culto que acaba de ser redescubierto y planchado por primera vez en vinilo. Una joya que nos vuelve a mostrar cómo el ingenio y el no tener prejuicios nos puede indicar el mejor camino a seguir.

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ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca pr@freelastica.com

GOLD PANDA TON UP STUDIO BARNHUS Coincido con el rumor mayoritario. Gold Panda coje un desvío para acercarnos a un acantilado sin salida, donde a poco que nos acerquemos, el mamporro está asegurado. De otro modo. El artista, al abandonar en gran medida el carácter introspectivo y melódico de sus últimos trabajos, abraza un house más directo, crudo y orientado a la pista. No sé si manteniendo firme su firma personal -en su incesante charcuteo de samples y bases desde luego sí- pero no se muestra tímido, todo lo contrario, aquí abraza con decisión lo impulsivo. Diez cortes físicos y espontáneos. Que prefiero la propuesta que encerraba en discos como “Lucky Shiner” (2010), pues si. Que el londinense se ha roto la camisa y pisado el acelerador con ritmos compulsivos, grooves infecciosos y una actitud despreocupada que resulta contagiosa, eso también.

BAYCHIMO PERSONALITY COMPUTER WOODLAND CREATURES Interesante, no, lo siguiente. Baychimo -el danés Frederik Meyer- representa en “Personality Computer” un bizarro pero harto entretenido viaje hacia la memoria digital de una era marcada por la curiosidad y el descubrimiento. Procura recuperar el espíritu optimista de los primeros años de internet, Windows ’95 y la cultura online emergente, pero lo transforma en un vaivén sonoro completamente moderno. Entre chasquidos, ritmos precisos, sintetizadores envolventes, melodías con ecos de jazz, atmósferas shoegaze y una energía de microfallas cercana a la pista de baile, el productor construye un mundo donde lo retro nunca pasa, ni pesa, sino que impulsa nuevas formas de exploración. Temas como “Chat Request”, “Surf” o “3D Maze” revelan un equilibrio brillante entre diseño sonoro y experimentación. Un álbum colorido, detallista y lleno de imaginación que celebra el pasado tecnológico mirando siempre hacia el futuro.

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DJ SPEN THE PRAISE PARTY QUANTIZE RECORDINGS Lejos de acomodarse en su legado, DJ Spen vuelca en “The Praise Party” un trabajo fresco, inspirador y profundamente arraigado en el espíritu del gospel house. De cabo a rabo motivado por aquel triunfal directo dominical que nació durante la pandemia, el álbum reúne quince temas cargados de esperanza, energía y espirituales negros, donde los coros, las voces solistas y los grooves clásicos del house se funden con naturalidad. El veterano productor se rodea de un elenco de lujo —las míticas Barbara Tucker o Robin S, Dawn Tallman, Tasha LaRae, Inaya Day, entre otros— para ofrecer un disco tan emotivo como bailable. Un lanzamiento que reafirma al de Baltimore como una de las figuras esenciales del soulful house y el gospel contemporáneo. A sus casi sesenta tacos sigue definiendo y elevando el sonido de estos géneros.

SPACE AFRIKA QUIET STORM DAIS Con “Quiet Storm”, Space Afrika parece dar el salto definitivo hacia una obra más ambiciosa y cinematográfica, ampliando el universo de “Honest Labour” y sin perder pizca de esencia. El dúo fusiona ambient, dub, trip-hop, electrónica experimental y música contemporánea en un disco que prioriza la emoción y la textura sobre la inmediatez. La amplia nómina de colaboradores (Alto Aria, Any, Tony Njoku) enriquece un sonido que se mueve entre la fragilidad y la tensión constante, mientras las reflexiones sobre identidad, diáspora y espiritualidad aportan un trasfondo conceptual sólido. Con esto, se trata de álbum de escucha calmada, donde los arreglos orquestales y la producción minuciosa construyen paisajes sonoros de enorme fondo. Expansivo y conmovedor. Un largo que podría consolidarlos como una de las propuestas más singulares e innovadoras de la electrónica contemporánea.

JANUS RASMUSSEN INERT EMBASSY ONE Janus Rasmussen -a quien conocerás por Kiasmos- es uno de los productores más meticulosos de la electrónica actual. En “Inet” actúa en solitario. Un LP donde lejos de buscar el impacto inmediato, construye entre texturas refinadas, ritmos contenidos y una atmósfera melancólica que invita a la inmersión completa. Un carrusel de sensaciones donde cada sintetizador, cada reverberación y cada detalle parecen ocupar exactamente el lugar que les corresponde. Su frágil voz aporta una dimensión orgánica que no rompe con el equilibrio minimalista del conjunto. Si hay un punto débil, es que su apuesta por la sutileza hace que algunos momentos resulten demasiado homogéneos, echándose en falta una auténtica catarsis. Aun así, se trata de un disco elegante, coherente y profundamente inmersivo. Más lo escuchas, más atrapa. Rasmussen opta por una evolución refinada que no un cambio de rumbo.

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AMBIENT AND DOWNTEMPO Autor: Guillermo Cimadevilla music@mixmag.es

KLARA LEWIS OPENING EDITIONS MEGO Klara Lewis ocupa un lugar muy personal en el panorama de la música electrónica contemporánea. Con extensas piezas que develan nuevas capas como ‘Ingrid’ (2020), o igual de misteriosas pero breves (‘Too’, 2016), su trabajo nos invita a un viaje de introspección. Una de nuestras referentes de Editions Mego, ha colaborado con Nik Colk Void, Peder Mannerfelt y Yuki Tsujii. ‘Opening’ continúa su catálogo desde el grandioso ‘Thankful’, un homenaje a Peter Rehberg editado en 2024. Lewis genera musicalidad partiendo del ruido absoluto, dejándose llevar por la nostalgia más profunda. En ‘Opening’ su obra avanza y una vez más encuentra cierto equilibrio perfecto entre grabaciones de campo, cuerdas delicadas y elegantes, y manipulaciones propias de una alquimista del sonido. Con un manejo excelso de drones y texturas, alcanza un clímax emocional en más de una ocasión. Ya sea en la belleza dulce y melódica de ‘Hardcore’ o en la disonancia afilada de ‘Vaknar’. De aire espectral y misterioso en ‘Tide’ y ‘How Far?’ a la corrosión sonora en ‘Ta Min Hand’ y ‘Drip’, pieza que forma parte del soundtrack de Failed Emptiness, film de Mika Taanila. También nos encontramos viñetas como interludios de ensueño, de larga duración en el subconsciente, en el camino hacia un punto ominoso y trascendental en el tema homónimo que cierra el álbum.

LUSINE MELTING DAYS GHOSTLY INTERNATIONAL Oriundo de Texas y con base en Seattle, el polifacético Jeff McIlwain es uno de nuestros héroes del (mal llamado) IDM, y quizá una de las referencias más solidas del género en Estados Unidos. En ‘Melting Days’, su décimo album de estudio, regresa a su costado ambient, explorando temas como la memoria, el duelo y las transiciones con la riqueza sonora que lo caracteriza. Por más que este trabajo se encuentre lejos de ‘Long Light’ (2023), Lusine no renuncia a sus ambiciones rítmicas y de cercanía al formato canción. En Melting Days, uno de nuestros preferidos del ya clásico Ghostly International nos recuerda su capacidad para crear paisajes llenos de detalles nítidos en cuestión de segundos. Sumando a Trent Moorman en percusión y al saxofonista Bryan Manzo en los temas de apertura y cierre, nos encontramos con estructuras palindrómicas e hipnósis en piezas como ‘Apparition’ o ‘Bird’s Eye’, segundo single -y uno de nuestros favoritos-. La profundidad y el glitch en ‘Farewell’ anteceden el magnetismo distorsionado de ‘Overlook’, otro de los tracks que tenemos en repeat. Hay mucho más, transiciones vocales deconstruidas y manipulaciones sonoras muy bien logradas en ‘Intruder’, la psicodelia en slow motion que nos recuerda su histórico álbum ‘Language Barrier’ en ‘All Clear’, y por supuesto el momentum que logra en ‘Pendulum’, primer single del disco, masterclass en textura.

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VARIOUS ARTISTS THE PLACES WE CARRY HOME NORMAL Con orígen en Japón y desarrollo en Polonia e Inglaterra, Home Normal es una referencia para los amantes del ambient y mantuvo vigencia durante más de 15 años. Gracias a ellos hemos descubierto artistas como Library Tapes, Chihei Hatakeyama o bvdub, solo por nombrar algunos. Este será su último año con ediciones físicas, y su fundador Ian Hawgood nos presenta una sesión llena de inéditos. Casi dos horas recorriendo su catálogo, con música de 2026. Texturas de fantasía de la mano de Maps And Diagrams, tonos expansivos e hipnóticos en ‘Turquoise Artifice’ de Wil Bolton, atmósferas etéreas en ‘Lull’ del japonés Rhucle y un paisaje onírico en ‘A Dark Tide’, obra de midorinozu, proyecto de Mike Cottone y Tim Diagram. Esta compilación cubre muchas facetas de un amplio espectro musical, es mucho más que un cálido y bonito atardecer. Nuestros momentos favoritos también incluyen el trabajo de piano y electrónica modular de Aiko Takahashi y el español David Cordero en ‘Inlight’, y ‘Pimlico’, un arrorró digital de Ian Hawgood que ya nos tenía embelesados de antes.

LYNN WRIGHT BEFORE THE SINKING PLAINS MIASMAH Con varias décadas de incursión en las escenas de New York y Berlín, ciudad donde reside, Lynn Wright es guitarrista en directo y percusionista en Insect Ark, la banda experimental y cinematográfica de Dana Schechter, bajista de Swans, y forma parte del dúo de dark ambient eiSou, entre otras facetas. ‘Before The Sinking Plains’ es su primer disco solista, a través de Miasmah, uno de nuestros sellos indispensables, hogar de muchos clásicos para los amantes del ambient. El recorrido inicia con ‘El Cabanyal’, una induccción al trance en base a drone y lamentos que flotan sobre densas capas de órgano, extendidas en mutación constante. Lynn Wright encuentra una voz particular a través de loops melódicos, guitarras procesadas y sintetizadores. Nos encontramos diversas atmósferas, de construcción épica como en ‘Morning Voices’ o ‘Before The Sinking Plains’, o tonos más íntimos en ‘Reunion’ o ‘Surely As The Sea’, cuyas vocales y narrativa armónica nos transportan a una visión downtempo del folk.

GAS NAH UND FERN KOMPAKT Wolfgang Voigt no necesita presentación; fundador del sello Kompakt y artista multifacético, es conocido por su producción artística y por sus incursiones metafóricas en densos bosques sonoros a través de su proyecto GAS. Además de girar en vivo, GAS volvió con un single en 2020 y ‘Der Lange Marsch’, un álbum grandioso que revisita diferentes etapas de su obra a través de una perspectiva renovada en 2021, año en el que presentó ‘Werkschau’, su exposición retrospectiva en Colonia, y retomó su alias Rückverzauberung (encantamiento inverso). ¿Ambient techno? El primer lanzamiento oficial de GAS fue en 1995, y su obra cumplió un rol fenomenal en alcanzar el fenómeno ambient o chillout a los fanáticos del techno. Aquí también hay 4/4, pero difuminado, diversos elementos que oscilan entre lo industrial y lo orgánico, samples que recuerdan a latidos cardíacos acelerados y ralentizados, y nuestro detalle auditivo preferido: hi-hats ligeramente sueltos y silenciosos, como gotas de agua dispersas en la distancia. El tiempo parece transcurrir de forma diferente durante un concierto de GAS; hay mucho más condensado en esa hora, y la dirección que toma puede ser en círculos y ciclos repetitivos, o bien partiendo de ritmos obsesivamente cuantizados hacia pads etéreos de ambientación detallada. Estos sonidos transmiten un espacio liminal, como un baño repentino de texturas sonoras, un viaje muy presente pero difuso, y a veces esquivo como un sueño. A pesar de no ser su última compilación, ‘Nah Und Fern’ fue un box set precioso publicado en 2008 con 4 de sus obras más importantes: GAS, Zauberberg, Königsforst y Pop, editadas entre 1996 y 2000 en Mille Plateaux.

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DRUMANDBASS

Autor: Olga Casas drumandbass@mixmag.es

RESEÑA DESTACADA

GLXY GRAINS GEMINI GEMINI Cambiar de sello no siempre implica cambiar la esencia. En el caso de GLXY, supone consolidar un sonido que ya contaba con una personalidad muy marcada y que ahora encuentra un nuevo hogar en Gemini Gemini, tras una larga y exitosa etapa en Shogun Audio. En su nuevo EP, ‘NO ID’, vuelven a mostrar su amplia gama de estilos, alternando distintos enfoques y reflejando esa evolución que los propios artistas describen como un nuevo capítulo. ‘Grains’ se aleja del lado más soulful de GLXY para mostrar una faceta mucho más incisiva y sacar a relucir su vertiente más tech. El ritmo interno del tema apenas concede un respiro, manteniendo el interés sin necesitar grandes cambios, lo que hace que su recorrido sea tan dinámico como adictivo.

KID DRAMA, GOLDIE RIGHT NOW METALHEADZ Hay temas que parecen pedirte unos minutos de atención, pero ‘Right Now’ te pide algo más: paciencia. Incluido en ‘Machines And Other Things’, el primer álbum de Kid Drama para Metalheadz, el trabajo fusiona el inconfundible universo de Autonomic con el espíritu de los Metalheadz clásicos, dando forma a un sonido que mira hacia delante sin romper con sus raíces. Junto a Goldie, ‘Right Now’ resume muy bien esa filosofía. Un track que avanza sin prisas, dejando que el ambiente, las baterías y las melodías marquen el recorrido. Una construcción pausada que encuentra su valor precisamente en todo aquello que decide no acelerar y que convierte la escucha en una experiencia profundamente inmersiva.

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SERPNT, M:FX FRACTURE DISPATCH RECORDINGS Dispatch Recordings recibe de nuevo a Serpnt junto a Wingz y M:FX para un EP de dos temas que encaja perfectamente en la línea más técnica del catálogo del sello. Un lanzamiento que llevaba tiempo esperando su momento y que, como explica el fundador del sello, Ant TC1, ya había encontrado su sitio en sus sesiones antes de llegar finalmente a las plataformas. Uno de los cortes es ‘Fracture’, la colaboración entre Serpnt y M:FX, una producción que representa la parte más minimalista y profunda de Dispatch. Lejos de necesitar una gran cantidad de elementos, el tema deja espacio para que cada detalle tenga su propio peso. Los productores consiguen una pieza oscura y contenida, en la que el control se convierte en su principal virtud, dejando claro que cada detalle está colocado con intención.

VIBRANT, JMN COLOURS HIGH TEA MUSIC High Tea Music vuelve con una selección de artistas en ‘Sencha’, su segundo recopilatorio de estas características tras ‘Chai Latte’. Una nueva muestra de las propuestas que conviven dentro del sello neerlandés, manteniendo esa particular estética que acompaña a estas recopilaciones: música servida a 174 BPM. Entre los temas encontramos ‘Colours’, la colaboración entre Vibrant y la vocalista JMN. ‘Colours’ se aleja de los enfoques más pisteros del recopilatorio para centrarse en una faceta más luminosa y emocional del género. La combinación entre la vocal y la melodía transmite una sensación veraniega, acercándose a esa vertiente más accesible del liquid drum & bass.

REVIEW CLÁSICO

BLACK SUN EMPIRE ARRAKIS BLACK SUN EMPIRE RECORDINGS Más de 20 años después de su lanzamiento, ‘Arrakis’ se niega a envejecer junto a su época. Sigue provocando la misma sensación de intensidad y asombro que cuando apareció en ‘Driving Insane’, el álbum con el que Black Sun Empire consolidó una de las visiones más reconocibles del drum & bass más oscuro. Un tema que encuentra su fuerza en una atmósfera opresiva, unos sintetizadores inconfundibles y un desarrollo que convierte cada cambio en un momento de máxima tensión. Su oscuridad depende del carácter de cada elemento y de la atmósfera que se consigue al combinarlos. Quizás por eso sigue teniendo esa capacidad de impactar tras más de dos décadas sonando. Para muchos oyentes fue la puerta de entrada a la parte más profunda y sombría del género; para otros, un recuerdo de una época en la que el neurofunk podía sonar misterioso sin necesidad de recurrir al exceso. Una de esas producciones que no necesitan ser actualizadas, porque su esencia permanece intacta y nos sigue poniendo la piel de gallina.

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HOUSE

Autor: Francisco Perez house@mixmag.es

SAKTU UNMUTED GLOW HEISENBERG Con más de 25 años detrás de las cabinas y en el estudio, Saktu sabe perfectamente cómo construir un groove que funcione sin necesidad de complicarlo demasiado. HSBRGV015 reúne cuatro cortes que representan el universo de Heisenberg: minimal y micro house hipnótico, elegante y pensado para la pista. Dentro del VA, su tema Unmuted Glow define perfectamente por qué este productor es una pequeña joya de la escena underground: un viaje de sonidos etéreos, atmósferas hipnóticas y un groove sutil que te atrapa poco a poco. Es de esas producciones que encuentran su lugar natural en clubes más íntimos, donde la música es realmente la protagonista y cada detalle del sonido tiene espacio para respirar. Nu Zau, Direkt y D I N completan un VA muy bien equilibrado, mientras Saktu pone el broche final con una auténtica orquesta de sonidos curados con elegancia. Con Barcelona como nueva casa de Heisenberg, el sello abre una etapa que promete mantener intacta su esencia underground.

DAVID GTRONIC & REBOOT ORLANDO BASS (ALCI REMIX) PERSONALITY DISORDER MUSIC Tras el lanzamiento de Mind Games, David Gtronic y Reboot invitan a una cuidada selección de grandes artistas a reinterpretar los temas originales. Este VA nos presenta productores como Voigtmann, Cristi Cons, Mihai Pol, Mathew Jonson o Alci. Dentro de estos remixes el productor suizo aporta su particular visión al universo de Orlando Bass, un track donde el groove te contagia desde los primeros segundos. Jugando con texturas minimal, una línea de bajo con mucho movimiento y unas vocales que complementan perfectamente la composición, Alci construye una pieza pensada para funcionar directamente en la pista de baile. Hay algo en la manera en la que los elementos aparecen, respiran y se mezclan que hace que el tema avance con naturalidad sin necesidad de excesos. Una de esas herramientas que, en el momento adecuado de la noche, puede cambiar por completo la energía de la pista una serie dividida en dos partes y publicada a través del sello Personality Disorder Music.

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LUKEY SUDDEN DEATH ROUNDHOUSE RECORDS Desde Dublín hasta Barcelona, Lukey lleva tiempo desarrollando un sonido con mucha personalidad, algo que he podido ver de cerca compartiendo horas juntos en el estudio. Way of the Warrior supone el primer lanzamiento en vinilo de Roundhouse y muestra perfectamente hacia dónde apunta su visión: cinco cortes donde la cultura de lucha japonesa se cruza con la energía cruda de South Central Los Angeles. Grooves de tech house, líneas ácidas, texturas analógicas y vocales con sabor West Coast construyen un EP con actitud, mientras una inesperada incursión en el breakbeat y el electro rompe la dinámica sin perder coherencia. Hay fuerza y mucho carácter, pero sobre todo música pensada para ser utilizada en la pista. Un debut en wax que refleja muy bien la identidad de Lukey y abre un nuevo capítulo para Roundhouse, demostrando que esto es solo el comienzo de un camino que promete dar mucho que hablar.

ANDREW AZARA & TRAUMER NEED YOU CECILLE RECORDS Cécille Summer 2026 llega como uno de esos recopilatorios que entienden perfectamente lo que necesita una pista durante los meses de verano: groove, personalidad y música que respira house por todos lados. Once cortes construyen el viaje entre nombres históricos del sello y una nueva generación que aporta frescura sin romper con su esencia. “Need You” reúne dos maneras de entender el house que encajan con una naturalidad increíble: la de Andrew Azara, desde Irlanda, y la de Traumer, desde Francia. El resultado es un track lleno de energía, construido sobre un groove que entra fácil y que rápidamente te lleva directo a la pista. Hay mucha elegancia en la producción, pero también esa pegada necesaria para convertirlo en una herramienta perfecta tanto para clubes como para grandes festivales. Azara y Traumer consiguen ese difícil equilibrio entre profundidad y funcionalidad, entregando un tema que ha estado siendo protagonista en diferentes escenarios. Una compilación con ese equilibrio entre música para DJs y tracks que simplemente apetece escuchar: once historias diferentes que terminan sonando como un verano muy Cécille.

REVIEW CLÁSICO

DANIEL MEHLHART FISTBUMP (FRANCO CINELLI REMIX) MOVIDA RECORDS Hablar de Franco Cinelli es hablar de uno de los grandes referentes de la electrónica argentina, un artista que lleva décadas construyendo su propio lenguaje entre el house, el minimal y el techno. En este lanzamiento para Movida Records vuelve a demostrar por qué su música sigue teniendo una identidad tan especial: un tema cargado de groove donde los sonidos dub aparecen con mucha clase, creando profundidad y movimiento sin quitar protagonismo al ritmo. Todo fluye con una naturalidad casi instrumental, como si cada elemento formara parte de una banda tocando al mismo compás y encontrando su espacio dentro de la composición. Hay elegancia, experiencia y sobre todo ese toque Cinelli que consigue hacer mucho con los elementos justos. Una auténtica joya underground, pensada para esos momentos del club donde el groove toma el control y la música habla por sí sola.

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MELODIC HOUSE & TECHNO Autor: Marian Ariss melodictechno@mixmag.es

CHRIS AVANTGARDE ORIGIN HYPERREAL El productor y compositor alemán Chris Avantgarde abre con ‘Origin’ su esperado álbum debut, ‘Hyperreal’, publicado a través de su propio sello. Como primera pista del proyecto, el track funciona como una puerta de entrada: una introducción que va desplegando capas de sintetizadores con paciencia y sin prisa por llegar a ningún sitio. Se nota el bagaje de Avantgarde componiendo para banda sonora y tráilers, esa capacidad de generar tensión a través del detalle y no de lo fácil. ‘Origin’ consigue una atmósfera oscura pero luminosa a la vez. Dentro de ‘Hyperreal’, un álbum de dieciocho tracks que recorre buena parte del espectro del sonido club, este tema marca el tono introspectivo con el que arranca el viaje.

AYALA (IT) IRISH RITMO FUTURO El productor italiano Ayala (IT) publica ‘Irish’ en el sello portugués Ritmo Futuro. Un track que entra directo en modo hipnótico. En ‘Irish’ Ayala apuesta por una producción contenida, donde el groove y la progresión tienen tanto peso como la propia melodía. Capas de melodía se repiten y varían ligeramente en cada vuelta, generando esa sensación de trance tan característica del sonido más actual del sello. Lo interesante del track es cómo dosifica la tensión sin recurrir a grandes subidones: todo fluye de forma orgánica, con pequeños matices que mantienen el interés minuto a minuto. Un track pensado para las horas en las que la pista ya está entregada y solo hace falta mantener el groove en movimiento.

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DJOLEE AGRESSOR RUMMEL Djolee, DJ, productor y cofundador del sello barcelonés Rummel, presenta ‘Agressor’. El track parte de una estructura sólida y progresiva, en la que el groove ocupa el centro de la producción y los diferentes elementos van apareciendo con precisión, creando una sensación de movimiento constante. Como el título indica, aquí no hay tregua: capas rítmicas que se van acumulando y una tensión que se mantiene firme de principio a fin, sin grandes respiros. El productor argentino también juega muy bien con la tensión. En lugar de construir el track alrededor de un único momento de impacto, la energía va creciendo de manera progresiva, haciendo que cada transición tenga sentido dentro de la estructura. El resultado es una producción que puede funcionar muy bien en club, tanto en momentos de construcción como cuando la pista ya está completamente metida en el groove. Hay además un carácter ligeramente oscuro en ‘Agressor’, pero sin convertirlo en un track excesivamente denso. Encaja perfectamente en esa identidad sonora y ecléctica que ha ido definiendo a Rummel desde su nacimiento.

SEZER UYSAL HEY MAN THEORY X Sezer Uysal es un productor y DJ turco activo desde 2006. Desde entonces, ha producido más de 400 temas y ha publicado en sellos como Habitat, Armada, Purified, Stil vor Talent, Global Underground y Ministry of Sound. Esta vez, vuelve a su propio sello, Theory X, con ‘Hey Man’, track principal del EP homónimo que completa junto a ‘Miracles’. Desde el arranque el track apuesta por una progresión constante, construida sobre percusiones marcadas y una línea melódica que va ganando presencia a medida que avanza. Hay una energía directa en ‘Hey Man’, pensada para funcionar en el peak-time sin renunciar a cierta emocionalidad de fondo. Uysal demuestra de nuevo por qué Theory X se ha convertido en una plataforma sólida para su propio sonido, entre lo melódico y lo más contundente de pista.

REVIEW CLÁSICO

TALE OF US, VAAL MONUMENT AFTERLIFE RECORDS Hay tracks que, con el paso del tiempo, terminan convirtiéndose en una especie de referencia dentro de una escena. ‘Monument’ es uno de ellos. Publicado en 2017 como sexto lanzamiento de Afterlife, fue un track que definió la época dorada del melodic techno. Desde sus primeros compases, ‘Monument’ plantea una atmósfera oscura y envolvente. La producción avanza de manera progresiva, dejando que cada elemento encuentre su espacio antes de comenzar a aumentar la intensidad. Lo interesante es cómo el track consigue mantener ese equilibrio entre emoción y funcionalidad. La vocal tiene suficiente protagonismo para convertirse en el elemento reconocible de la pieza, pero nunca termina desconectándose de la pista. Todo está construido alrededor de una progresión muy clara, pensada para generar anticipación y liberar tensión en el momento adecuado. Para mí, ‘Monument’ representa muy bien una época en la que el melodic techno consiguió encontrar un punto de equilibrio entre emoción, oscuridad y energía de club. Casi diez años después, ‘Monument’ sigue sonando como una perfecta representación de lo que Afterlife acabaría aportando al género: emoción, escala y una producción impecable. Un sonido que, con el tiempo, muchos hemos acabado echando de menos.

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TECHNO

Autor: Facundo techno@mixmag.es

FOREST ON STASYS DEPROGRAMMING OF REALITY EP DELSIN RECORDS El histórico sello neerlandés Delsin Records, lleva más de dos décadas siendo una referencia del techno de vanguardia, equilibrando precisión funcional con exploración sonora. Dentro de su catálogo, Inertia representa su línea más orientada a la pista de baile, sin renunciar al carácter hipnótico y minimalista que define la identidad del sello. En esta nueva entrega, Forest On Stasys, cofundador del sello argentino Danza Nativa, deja en claro su experiencia dentro del estudio con Deprogramming of Reality EP, un trabajo de cuatro cortes donde la eficacia para el dancefloor convive con un diseño sonoro sofisticado. Influenciado por el techno tribal y minimalista de los años noventa, así como por la faceta más abstracta del techno contemporáneo, el productor construye un recorrido sólido y equilibrado, alternando grooves orgánicos, percusión precisa y texturas envolventes. El resultado es un EP inmersivo, dinámico y profundamente funcional, que reafirma tanto el criterio curatorial de Inertia como el excelente momento creativo de Forest On Stasys.

DJ SPENCE WELCHES DOO En Meanwhile On Eart 2, DJ Spence vuelve a demostrar por qué es una de las voces más interesantes del catálogo de Doo. El productor canadiense se mueve con total naturalidad entre el techno, el electro y el house más excéntrico, construyendo un lenguaje propio donde el groove siempre pesa más que la fórmula. Welches tiene esa identidad desde el primer compás: directa, inquieta y llena de pequeños desvíos. La producción destaca por su equilibrio entre crudeza y precisión. Un bajo elástico sostiene una batería seca y muy dinámica, mientras sintetizadores llenos de textura aparecen y desaparecen sin saturar la mezcla. Todo parece estar en constante movimiento, pero nunca pierde el pulso; es un track que genera tensión desde los detalles, no desde los grandes cambios. Lo mejor de Welches es su personalidad. Tiene la energía suficiente para funcionar en la pista, pero también ese punto impredecible que mantiene al oyente atento. DJ Spence firma una pieza fresca, inteligente y con mucho carácter, reafirmando el excelente momento creativo que atraviesa el sello Doo.

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JAVIER MARIMON DILETTANTE 03 JUST BREATHE Javier Marimon debuta en Just Breathe con Dilettante., un release que encaja perfectamente con la sensibilidad experimental del sello de Lyon. Dilettante 03 destaca por su capacidad de construir una atmósfera con muy pocos elementos: un groove contenido, texturas en constante movimiento y una sensación de espacio que hace que el track respire sin prisa. La producción apuesta por los pequeños detalles antes que por los grandes momentos. Los sonidos aparecen, se transforman y desaparecen lentamente, mientras el ritmo mantiene todo en movimiento. Hay algo muy orgánico en esa evolución, con una tensión que crece casi sin que te des cuenta. No necesita recurrir a drops ni a golpes evidentes; su fuerza está precisamente en la sutileza. Un track que funciona tanto en el club como fuera de él y que recompensa especialmente la escucha atenta. Marimon demuestra que no hacen falta demasiados elementos para crear algo con personalidad: Dilettante 03 es hipnótico, espacioso y ligeramente impredecible, una pieza que gana cuanto más tiempo pasas dentro de ella.

FADI MOHEM PSEQ MOHEM Pseq, incluido en MOHEM 05, la quinta entrega de la serie homónima de Fadi Mohem, continúa profundizando en el lenguaje que el productor berlinés ha ido desarrollando a lo largo de estas referencias. Su relación con la tradición de Basic Channel y Chain Reaction es evidente, pero Mohem la aborda desde una perspectiva actual, con una producción más definida y una atención especial al detalle. Casi doce minutos de duración le permiten construir el track lentamente, sin necesidad de apresurar ninguna de sus ideas. El groove es sólido pero nunca invasivo, mientras delays, reverberaciones y modulaciones van alterando sutilmente el paisaje sonoro. Los elementos parecen entrar y salir de foco, generando una sensación constante de profundidad y movimiento. Hay una precisión casi quirúrgica en la mezcla, aunque el resultado conserva cierta calidez y ese carácter ligeramente hipnótico que hace que el dub techno funcione especialmente bien cuando se escucha en un buen sistema. Mohem entiende que aquí el espacio no es un efecto añadido, sino parte de la composición. Pseq es una pieza paciente y segura de sí misma. No pretende actualizar el dub techno mediante recursos innecesarios, sino demostrar cuánto recorrido sigue teniendo su lenguaje esencial cuando está bien ejecutado. Como parte de MOHEM 05, funciona como otra sólida declaración de principios de una serie que encuentra su fuerza precisamente en la constancia, la profundidad y el respeto por el tiempo.

REVIEW CLÁSICO

VARIOUS ARTISTS DECAY PRODUCT CHAIN REACTION Publicado en 1997 como CRD-03, Decay Product es uno de esos lanzamientos que explican por qué Chain Reaction terminó convirtiéndose en mucho más que un sello de techno. Presentado bajo el deliberadamente escurridizo nombre de Various Artists, el álbum reúne diferentes trabajos vinculados al universo de Torsten Pröfrock —Erosion, Resilent y sus numerosos alias— junto a material procedente de otros capítulos del catálogo del sello. Con Robert Henke encargado de la postproducción, el resultado funciona casi como una radiografía de la estética Chain Reaction de mediados de los 90: dub techno despojado, ambient, abstracción y una fascinación constante por el espacio y la degradación del sonido. Incluso el formato original, un CD alojado en una característica caja metálica, parecía formar parte del mismo concepto. Musicalmente, Decay Product es fascinante precisamente porque nunca termina de comportarse como un álbum convencional. Los primeros cortes, No. 4, No. 5, No. 6, No. 7 y No. 3, funcionan casi como pequeñas piezas de transición antes de que el disco se hunda progresivamente en territorios más profundos. A partir de Erode y Melted, las estructuras se vuelven más densas y físicas: graves blandos y erosionados, delays interminables, filtros que parecen arrastrar las frecuencias por el suelo y capas de reverberación que convierten cada golpe en una presencia espacial. Erosion 2, Resilent 1.2 y Erosion 3 llevan esa idea todavía más lejos, sustituyendo buena parte de la lógica tradicional del techno por repetición, atmósfera y pequeñas mutaciones tímbricas. Es música que parece avanzar sin moverse, y ahí está precisamente su magia. Escuchado hoy, Decay Product conserva una cualidad extrañamente humana: no parece preocupado por demostrar lo que una máquina puede hacer, sino por descubrir cuánto puede decirse con muy poco. Hay algo cálido escondido dentro de toda esa oscuridad, especialmente en la manera en que los ecos se desvanecen y las frecuencias se mezclan hasta perder sus contornos. Más que una simple compilación, es una fotografía de un momento en el que productores como Pröfrock, Henke y el entorno Chain Reaction estaban ampliando silenciosamente las posibilidades del techno. Un disco paciente, hipnótico y profundamente atmosférico que, casi treinta años después, sigue sonando como si hubiese llegado de algún lugar ligeramente más avanzado que nosotros.

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CLUB MUSIC

Autor: Alejandro Serrano hardtechno@mixmag.es

SOULSTIZE SIGNAL 1 WRD RECORDS Con Signal_, Soulstize confirma una evolución artística que apuesta por la profundidad antes que por el impacto inmediato. El productor mexicano construye un LP de techno hipnótico donde la repetición, las texturas en constante mutación y el pulso analógico generan una experiencia inmersiva que funciona tanto en la escucha doméstica como en la pista de baile. Lejos de los clichés más explosivos del género, el disco encuentra su fuerza en el desarrollo gradual de la tensión y en una narrativa sonora que invita a perder la noción del tiempo. La producción, realizada íntegramente con hardware analógico, aporta una calidez orgánica y una sensación de imprevisibilidad que refuerzan el diálogo entre la intuición humana y el comportamiento de las máquinas, eje conceptual del álbum. Publicado por WRD Records, Signal_ es un trabajo elegante, cerebral y físicamente absorbente, que consolida a Soulstize como una de las propuestas más interesantes del techno contemporáneo. El tema homónimo, “Signa 1l”, resume con acierto esa dualidad entre precisión mecánica y emoción humana, convirtiéndose en la puerta de entrada ideal al universo sonoro del LP.

NTO MYOSOTIS NTO Con Myosotis, NTO vuelve a demostrar por qué es una de las figuras más influyentes del melodic techno europeo. El productor francés amplía el universo sonoro de NAKED con nuevas versiones y relecturas que respetan la esencia emocional de las composiciones originales, al tiempo que las proyectan hacia nuevos territorios. Su característico equilibrio entre melodías envolventes, pulsos hipnóticos y una producción de gran sensibilidad vuelve a ser el hilo conductor de un trabajo que combina profundidad atmosférica y contundencia para la pista de baile. Tras el éxito de APNEA, este lanzamiento reafirma la identidad de un artista capaz de evolucionar sin perder su sello personal, enriquecido además por colaboraciones que han marcado su trayectoria. Entre los momentos más destacados del lanzamiento sobresale “Myosotis”, una pieza que captura a la perfección la capacidad de NTO para combinar emoción, sofisticación melódica y una atmósfera tan envolvente como evocadora. Al mismo tiempo, nos prepara para los que nos va a presentar en su próximo lanzamiento: NAKED. Se viene un sonido de órdago.

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ANNIE HALL FUTURE SPORTS SYNAPTIC CLIFFS ADMZ regresa a Be Your Own Studio Label con *Hope*, un nuevo EP que vuelve a situar al productor granadino dentro del territorio de la electrónica emocional que define buena parte de su catálogo. El proyecto continúa una trayectoria marcada por la búsqueda de atmósferas, texturas y melodías capaces de funcionar más allá de la pista de baile. La relación entre ADMZ y el sello no resulta casual: desde sus primeros trabajos, el productor ha desarrollado una identidad que conecta la electrónica de club con una sensibilidad más introspectiva. Sus influencias, que van de Nicolas Jaar y Kiasmos a Monolink, Apparat o Jon Hopkins, ayudan a entender ese equilibrio entre pulsación y paisaje sonoro. Be Your Own Studio Label, por su parte, ha construido una identidad alrededor de la denominada Emotional Electronic Music, dando espacio a propuestas donde la dimensión melódica ocupa un lugar central. En ese contexto, *Hope* encuentra un marco especialmente apropiado para desarrollar su lenguaje. ADMZ apuesta por una electrónica que no necesita sobrecargar sus elementos para generar una respuesta emocional, dejando que el espacio y la progresión hagan buena parte del trabajo. El resultado se siente íntimo y contemplativo, pero sin perder de vista el movimiento propio de la música electrónica. Todo desemboca en “Hope”, el tema que da nombre al EP, donde esa combinación entre emoción, atmósfera y progresión adquiere su forma más representativa. La pieza funciona como una síntesis del universo de ADMZ: una electrónica delicada y envolvente que avanza sin prisa, construyendo su impacto a través de pequeños cambios y una sensación constante de profundidad. Más que buscar un momento explosivo, “Hope” encuentra su fuerza en esa capacidad para generar una atmósfera sostenida y dejar espacio para que el oyente complete el viaje.

SAM SPARACIO FALL IN YOUR EYES MONKEY LEAGUE RECORDS Sam Sparacio regresa a Monkey League Records, sello alemán, con un lanzamiento que explora el lado más profundo y atmosférico del progressive house. Su producción se apoya en una línea de bajos envolvente y ritmos hipnóticos que sostienen el desarrollo sin necesidad de precipitarlo. Sobre esta base aparecen texturas cálidas y capas melódicas que evolucionan con sutileza, aportando profundidad emocional sin restar protagonismo al groove. Los elementos vocales, tratados con discreción, amplían esa sensación de espacio y contribuyen a crear una atmósfera envolvente. La estructura avanza de manera progresiva, introduciendo pequeñas variaciones que mantienen el movimiento sin recurrir a cambios excesivamente evidentes. Es un sonido que funciona tanto en contextos íntimos como en sesiones más profundas de club, especialmente cuando la pista pide dejar que la música se desarrolle a su propio ritmo. Sparacio demuestra aquí un buen equilibrio entre melodía, textura y pulsación, con una producción cuidada pero sin perder su carácter funcional. El resultado encuentra su mejor expresión en “Fall in Your Eyes”, tema que da nombre al lanzamiento y que concentra buena parte de sus virtudes. Su groove constante, las melodías cálidas y ese tratamiento vocal casi fantasmal construyen un viaje progresivo que gana fuerza precisamente a través de la contención. Una pieza que apuesta por la atmósfera y el detalle antes que por el impacto inmediato.

REVIEW CLÁSICO

THEARCHITECH Y NORTHERN WIND OHNE UNS THE WARE HOUSE MIAMI TheArchitech y Northern Wind unen fuerzas en “Ohne Uns”, un corte que construye su identidad a partir de la tensión, la profundidad y un low-end cuidadosamente controlado. Desde sus primeros compases, el track se apoya en un kick firme y un subgrave contundente que mantienen una presión constante sobre la pista. A partir de ahí, sintetizadores, texturas y elementos percusivos se incorporan progresivamente, dando forma a un paisaje oscuro y envolvente. La producción encuentra su principal virtud en el equilibrio entre fuerza y espacio, evitando saturar la mezcla con recursos innecesarios. Cada elemento parece ocupar su lugar con precisión, contribuyendo a una evolución que se siente natural y deliberada. En lugar de buscar un impacto inmediato, “Ohne Uns” apuesta por desarrollar su tensión poco a poco. Ese enfoque convierte el groove en el auténtico motor del track, mientras la atmósfera gana presencia con cada nueva capa. El resultado es una pieza hipnótica, especialmente efectiva cuando se traslada al contexto de un club. Hay contundencia, pero también suficiente espacio para que los detalles respiren y la producción mantenga profundidad. TheArchitech y Northern Wind consiguen así un sonido nocturno, serio y funcional, aunque lejos de limitarse a ser una simple herramienta para DJs. “Ohne Uns” demuestra que la presión también puede construirse desde la contención y el control. Una colaboración sólida que encuentra su punto de equilibrio entre contundencia, atmósfera y evolución gradual.

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Patrick Topping - Mixmag Spain #30