Junio vuelve a demostrar por qué es uno de los meses más importantes para la cultura electrónica en nuestro país. Entre la semana de Sónar, Off BCN, Primavera Sound y una agenda repleta de festivales, clubes y encuentros que convierten a España en uno de los grandes epicentros mundiales de la música electrónica, llegamos con una nueva edición cargada de historias, protagonistas y proyectos que reflejan el momento que vive nuestra escena.
Nuestra portada está protagonizada por Malóne Morez, artista nacido en Cuba y afincado en Miami que, año tras año, sigue consolidando su vínculo con Ibiza hasta convertirla prácticamente en un segundo hogar. Tras una trayectoria marcada por el crecimiento constante dentro de la escena house internacional, Morez inicia una nueva etapa artística que va mucho más allá de un simple cambio de nombre. Hablamos con él sobre evolución, identidad, WHYNOTUS, sus residencias y el momento más ambicioso de su carrera.
Viajamos hasta Asturias para descubrir todo lo que prepara Aquasella para una edición histórica que reunirá a más de un centenar de artistas este verano, mientras que Dreambeach nos presenta una nueva etapa en la Costa del Sol con un cartel encabezado por Eric Prydz y David Guetta.
En nuestras secciones de entrevistas también conversamos con Manu Sánchez sobre la evolución de la cultura club en Mallorca, conocemos el recorrido de Thinkpink y celebramos los 17 años de Tropical Animals, el sello y colectivo fundado por Ricardo Baez en Florencia, Italia. Además, charlamos con TRYM, una de las figuras que mejor representa la transformación generacional que vive actualmente el techno.
También recibimos en estas páginas a Efdemin, una de las figuras fundamentales del underground europeo y residente de Berghain/Panorama Bar, con quien conversamos a propósito de su reciente lanzamiento en Dekmantel. Nos adentramos además en el universo de Laura BCR, alma de On Board Music, para conocer la historia de uno de los proyectos más sólidos de Rotterdam y reflexionar sobre la evolución de la escena electrónica actual.
Este mes también ponemos el foco en nuevos proyectos que ayudan a construir comunidad. Descubrimos Dancefloor Archive, una iniciativa creada por dos jóvenes barcelonesas que busca documentar la realidad de la pista de baile desde una perspectiva honesta y humana, alejándose de las pantallas para capturar la esencia de lo que sucede dentro del club. También visitamos Domus Audio, una
propuesta formativa que entiende la educación musical como un espacio de diálogo, crecimiento y desarrollo artístico.
En nuestras crónicas os llevamos hasta el Festival Miceli, celebrado en el singular entorno del Cementerio de Montjuïc, y hasta YARD Festival en Portugal, dos experiencias muy diferentes pero unidas por una misma pasión por la cultura electrónica.
Coincidiendo con el Mes del Orgullo, presentamos una nueva entrega de Statements of a Community, donde diferentes colectivos y artistas comparten sus visiones, experiencias y el impacto que están generando dentro de la escena. En nuestra sección Tech nos acercamos a Friendly Pressure y su legendario FP-398, uno de los sistemas hi-fi más admirados por los amantes del sonido de alta fidelidad.
Y, por supuesto, completamos esta edición con las mejores críticas, recomendaciones y lanzamientos del último mes, junto a algunos clásicos imprescindibles que merecen seguir ocupando un lugar en cualquier colección.
Gracias por acompañarnos una edición más.
Nos vemos en la próxima pista de baile.
Federico Cortina
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Bits Beats
YARD Festival Efdemin
Manu Sánchez
Dreambeach
Dancefloor Archives
Pride
Laura BCR
Tech: Friendly Pressure
Malóne Morez
Thinkpink Trym
Domus Audio
Tropical Animals
Aquasella
Festival Miceli
Reviews Álbumes por Bruno Garca
Reviews Ambient & Downtempo por Guillermo Cimadevilla
Reviews Drum & Bass por Olga Casas
Reviews Electro por Felipe Méndez
Reviews Hard Techno por Alejandro Serrano
Reviews Melodic House & Techno por Marian Ariss
bits beats
Traktor Pro 4 se renueva con motor de ‘time-stretching’
Native Instruments lanza Traktor Pro 4 con nuevo motor de timestretching. NI publica la nueva versión mayor de su software para DJs con mejoras de audio, renovado browser y compatibilidad ampliada. Disponible como actualización y compra nueva en su web oficial.
Ableton ha desplegado su nuevo SDK basado en JavaScript, permitiendo a los productores crear herramientas personalizadas integradas directamente en el flujo de trabajo de Live 12 Suite. A diferencia de Max for Live, estas extensiones actúan sobre la estructura del Set —pistas, clips y datos MIDI— mediante un clic derecho, facilitando desde la automatización de tareas tediosas hasta la creación de patrones generativos complejos.
+info: https://www.ableton.com/es/live/extensions
Dekmantel Festival devela el cartel para su edición 2026
El festival neerlandés Dekmantel ha presentado la programación completa para su esperada cita en el Amsterdamse Bos. Este año, el festival destaca por el retorno del mítico Ricardo Villalobos tras ocho años de ausencia, además de directos imperdibles de figuras del calibre de Jeff Mills, James Holden, Surgeon y un show especial del colectivo Underground Resistance junto a Saul Williams.
+info: https://dekmantelfestival.com/
Tinlicker explora la dualidad digital en ‘Dreams Of The Machine’ El reputado dúo holandés Tinlicker ha lanzado de manera oficial su nuevo álbum de estudio bajo el título Dreams Of The Machine. A través de un refinado diseño de sonido que oscila entre el progressive, el synth-pop de vanguardia y el pulso hipnótico de la pista de baile, el LP se adentra en las tensiones y colisiones que surgen entre la emoción humana y la frialdad de los entornos digitales.
+info: https://www.instagram.com/thomasbangalter/
El
yard festival
encuentro portugués agotó entradas en su cuarta edición y continúa desarrollando un ecosistema propio alrededor de The White Sand Mountains
Durante mucho tiempo, cuando desde España pensábamos en viajar por música electrónica, la mirada casi siempre se iba lejos: Ibiza, evidentemente; Países Bajos o Reino Unido. Así como algunos de los grandes festivales del centro de Europa.
Portugal, pese a su cercanía y a una escena con décadas de historia, no siempre aparecía en esa primera lista mental. Quizá por eso descubrir un proyecto como YARD sorprende al principio. No porque Portugal no tuviera cultura electrónica, sino porque la propuesta parece jugar con unos códigos diferentes a los habituales:
menos centrada únicamente en acumular nombres dentro de un cartel y más interesada en construir un contexto alrededor de ellos.
YARD Festival celebró del 21 al 24 de mayo su cuarta edición con todas las entradas agotadas. el evento reunió a artistas como Jamie Jones, Seth Troxler, Chris Stussy, Bonobo, RY X, Parov Stelar, Monolink, Ahmed Spins, Gui Boratto, Miguelle & Tons, Amrita, Saraga o RY X, entre otros.
Pero para entender YARD quizá hay que mirar más allá de esos cuatro días. El proyecto ha ido desarrollando un calendario propio alrededor de The White Sand Mountains de Azeitão, un espacio que durante el año acoge diferentes formatos y experiencias vinculadas a la marca. Por ejemplo, en los próximos meses pasarán por allí artistas como Rampa & Adam Port, además de eventos como One Last Summer Dance, mientras que el universo YARD también se extiende fuera de Portugal con AYÁ: Music & Arts Festival en Jericoacoara (Brasil). Esa continuidad ayuda a entender por qué un festival todavía joven transmite una sensación de identidad tan definida.
La edición comenzó en el Castillo de Palmela, una fortaleza histórica situada en la región de Setúbal que sirvió como primera toma de contacto con el universo YARD. A partir del segundo día, el festival se trasladó a The White Sand Mountains, el espacio donde realmente se entiende la dimensión del proyecto. Situado en Quinta do Anjo (Azeitão), a unos 40 kilómetros al sur de Lisboa, The White Sand Mountains funciona como el centro de operaciones de YARD durante todo el año. Se trata de un espacio al aire libre desarrollado alrededor de su propio paisaje: montañas de piedra blanca, diferentes zonas conectadas entre sí, instalaciones artísticas y escenarios integrados en el entorno natural de la Serra da Arrábida.
RY X protagonizó uno de los momentos más especiales del fin de semana precisamente por eso. En un entorno así, con el sol cayendo y una banda tocando en directo, el formato cobraba un sentido distinto. La electrónica muchas veces puede caer en dinámicas muy funcionales (un DJ, una mesa, una pantalla…), pero hay escenarios que parecen construidos para recibir algo más físico, más orgánico. La actuación del australiano, una de sus pocas fechas en directo este año, encontró exactamente ese espacio. Guitarras, voz, músicos sobre el escenario y una relación con el público más cercana al concierto que al club. Después del festival, el propio artista describió su paso por Portugal como “beautiful moments” y agradeció la respuesta recibida. Esa misma idea apareció con otros nombres del cartel. Parov Stelar llegó a YARD inaugurando su temporada de festivales y la energía de la banda austríaca se notó desde los primeros minutos. Su mezcla de electrónica e instrumentación en directo encontró un lugar natural dentro de una programación donde convivían diferentes maneras de entender la música electrónica. También Gui Boratto
representó esa otra cara del festival. El brasileño, una figura clave de la electrónica melódica durante las últimas dos décadas, presentó un live set en lugar de un DJ set tradicional. Un detalle que puede parecer pequeño, pero que marca una diferencia importante: no todo dentro de la electrónica sucede desde la selección musical; también hay espacio para la interpretación y la construcción de un directo.
Eso no significa que YARD renuncie a la cultura de club. Al contrario. Chris Stussy llegó en uno de los mejores momentos de su carrera, convertido en una de las caras más reconocibles del nuevo auge del house europeo. Jamie Jones y Seth Troxler aportaron la experiencia de dos nombres fundamentales para entender la evolución del sonido club durante los últimos quince años, mientras Ahmed Spins confirmó la conexión de una nueva generación de artistas con un público cada vez más global. Bonobo, evidentemente, perfecto.
Más allá de la programación musical, YARD también continúa desarrollando una dimensión artística que forma parte de su identidad. Este año han incorporado Tierra Bomba, un camp nacido dentro de la comunidad de Burning Man que contó con su propio escenario y programación, además de la presencia de Favela, otro de los colectivos vinculados al encuentro de Nevada. Las comparaciones con, precisamente, Burning Man aparecen de manera inevitable. Hay instalaciones, intervenciones artísticas, una relación directa con el paisaje y una intención de construir algo más amplio que una sucesión de conciertos. Pero YARD funciona a una escala completamente distinta: más pequeña, más cercana y adaptada a su propio territorio.
Como explica Susana, una de sus fundadoras, la idea inicial nació precisamente de esa búsqueda. “Queríamos crear el tipo de experiencia que sentíamos que faltaba en Portugal. Nos encantaban los festivales, pero pensábamos que había espacio para algo más inmersivo y conectado con su entorno”. Con los años, esa idea ha ido incorporando instalaciones artísticas, espacios creativos, gastronomía, cultura local y experiencias alrededor del propio festival. Elementos que muchas veces se utilizan como añadido, pero que aquí forman parte de una visión más amplia del proyecto.
La cuarta edición deja a YARD en un momento interesante. Lo suficientemente grande como para atraer artistas internacionales y público de fuera de Portugal, pero todavía con margen para crecer sin convertirse en una experiencia completamente masificada.
Y quizá esa es una de las lecturas más interesantes desde España. A veces buscamos nuevas experiencias electrónicas a miles de kilómetros sin mirar lo que está sucediendo mucho más cerca. Y YARD empieza a demostrar que algunas de esas respuestas también pueden estar al otro lado de la península.
efdemin
“Se lo recomiendo a todo el mundo: ¡protéjanse los oídos! La audición no se recupera.”
El alemán Phillip Sollmann, mejor conocido como Efdemin, es un respiro de aire fresco en una escena a veces muy rígida en sus definiciones. Con una extensa trayectoria detrás de las bandejas y una residencia de más de una década en Berghain, se retroalimenta de un trabajo consistente en el estudio, ya sea dedicado a la pista de baile o con incursiones sonoras experimentales. Mezclando influencias esenciales del house y el techno con un oído exquisito y una marca registrada a la hora de producir con texturas hipnóticas y elementos microtonales, su música es como un faro en este inmenso océano de sonido. Tuvimos un encuentro para charlar sobre Mirror Phase, su nuevo trabajo para la UFO Series de Dekmantel con salida en julio, la magia detrás de sus sesiones más memorables, lo que significó haber visto a Richie Hawtin tocando en un sótano okupado a fines de los noventa, su visión de techno foucaltiano y lo que le dijo Ricardo Villalobos sobre la esencia de la fiesta, entre otras cosas.
¿Recuerdas algún club que te haya llamado la atención inesperadamente?
A lo largo de los años tuve experiencias muy memorables, tanto buenas como malas. En cuanto a viajes, creo que cualquiera que lo haga con frecuencia experimenta un montón de cosas raras. Por otro lado, hay muchos clubes pequeños por todo el mundo donde vives algo que no te esperabas. Quizá viajas a algún sitio y piensas:
“Oh, es un lugar pequeño y puede que no haya nadie”. Pero luego acabas en un pueblito en las montañas de Japón, con solo 50 personas, pero es tan intenso, tan increíble y tan acogedor que nunca lo olvidas. Algunas de esas experiencias también están relacionadas con las sesiones, ¡y de algunas noches todavía puedo recordar lo que pinché! Es muy curioso, en otras fiestas grandes no tengo ni idea de lo que puse, pero hay lugares donde sí lo recuerdo porque fue muy intenso.
Eso es algo muy especial.
¡Absolutamente! Se trata de los diferentes estados mentales en los que puedes estar mientras haces este trabajo. Puedes simplemente ofrecer algo que funcione, digamos, que tal vez, no sé... lo que la gente espera, algo que funciona y cumple con la fórmula.
Pero también puedes tener una sesión especial porque no se ajusta a un marco establecido. Es como crear una fórmula en su propio mundo, durante un tiempo determinado.. es como un túnel del tiempo, o algo así. Cuando eso sucede, que no es muy a menudo porque también está condicionado por cosas que escapan a tu control: el sonido, el club, la situación política, las drogas que consume la gente... ¡no puedes controlar eso! Pero una vez que sucede, la belleza de todo esto es abrumadora, y ahora entiendo a qué se refería Ricardo Villalobos cuando decía: “No soy yo quien hace esto, es algo que hacemos juntos; este proceso solo se puede lograr con la participación de todos en este momento”. Al principio pensaba: “¿De qué habla? ¡Qué raro!”. ¡Pero ahora lo entiendo! Incluso la gente del bar, la de la entrada, todos están muy involucrados. Hace poco toqué en Vancouver y tuve una de esas noches intensas y cálidas, porque todos los que participamos nos preocupamos por lo que hacíamos juntos, y eso es precioso. Claro que también están los grandes festivales, que no pueden ser así, ¡pero también son geniales! Es una experiencia muy diferente, ¡pero es el mismo trabajo! (risas)
Eres conocido por este tipo de experiencias, pero ¿qué tal una sesión corta en un festival?
Siempre intento sacar el máximo provecho de cada situación. Creo que, al fin y al cabo, de eso se trata ser DJ. Sales con una selección determinada; si pinchas vinilos, es muy limitada, y si pinchas en digital, tienes una selección ilimitada. También puedes tener tu lista de reproducción ordenada a tu gusto, etc. Pero luego subes al escenario.. por ejemplo, en Dekmantel el año pasado, y te das cuenta: “Vale, pincho después de Donato (Scaramuzi), y el ambiente es increíble, ¡lo están petando con su directo!”. Era Voices From The Lake, fue tan bueno que nadie se lo podía creer. ¡Y fue muy difícil tomar el relevo en un momento tan perfecto! Solo puse un tema que tenía planeado, el primero. A partir de ahí me salí de la fórmula y lo di todo. Fue una de las mejores sesiones, la respuesta del público fue increíble, ¡pero no fue para nada lo que había planeado! Tomó rumbos completamente diferentes, incluso puse un tema de Deetron al final; simplemente pensé: “Vamos a pasarlo genial, no le des más vueltas”.
Creo que esto se aprende con los años y la confianza en uno mismo, pero también debo decir que ser DJ implica fracasos y momentos de total insatisfacción porque las cosas no salieron bien. Eso también forma parte de esto, ¿sabes?
A veces, simplemente, no funciona. Y creo que es bueno saberlo, ahora que vivimos en un mundo donde todo es positivo, donde todo es ‘genial’. Aun así, hay momentos en los que hay que reconocer que no fue lo mejor, que quizás no fue... satisfactorio. Está bien si te esfuerzas. A veces estás demasiado cansado, o distraído, o el sonido es realmente terrible, o algo falla en la CDJ, y la gente te mira fijo, simplemente sucede.
Cuéntanos un poco sobre Mirror Phase, tu nuevo trabajo para Dekmantel.
Es un EP de 4 temas, todos para la pista de baile, por supuesto al estilo de Efdemin, y a la vez un poco diferente. Comparados con el últi-
mo álbum están bastante enfocados al club, en su mayoría rápidos y minimalistas, pero con muchas referencias a material antiguo. Una dirección es, digamos, la del techno experimental de Chicago, como DJ Slip y otros, al estilo de Minneapolis. Y la otra es Detroit. Estas son las dos influencias principales y todo surgió mientras improvisaba con máquinas, algo que no hago todos los días, pero cuando lo hago, me meto en un sector del estudio, veo qué me parece interesante y luego lo grabo.
Los tracks se basan en improvisaciones en vivo en el estudio, y solo los estoy arreglando un poco. Todo se hizo bastante rápido. Y hay una referencia importante para mí: algo del X-Mix de Kevin Saunderson. Es un clásico, pero aún lo sigo tocando a veces como introducción en mis sets, porque para mí fue una influencia muy importante. Así que, en un momento usé una mezcla vocal durante esta introducción en uno de los temas, y luego pensé ‘¡nunca podremos lanzar esto, no podremos obtener la autorización!’. Dekmantel simplemente contactó a Kevin y él les respondió “está bien, puedes usarlo, gracias” (risas). Ahora está ahí, y es prácti-
camente un guiño al origen de todo esto, estoy muy contento de ver un cierto resurgimiento de Detroit en este momento, todos los jóvenes buscando cosas de Underground Resistance por ejemplo, porque en un momento sentí que esta música estaba a punto de desconectarse un poco de los orígenes. Esto es algo que siempre me ha interesado, pensar en el techno como algo muy... en el sentido foucaultiano, como algo que es todo relacional.
¡Elástico!
Es como algo elástico donde puedes viajar a través del tiempo, el estilo y las referencias, establecer conexiones y encontrar... ya sabes, hay todos estos reciclajes ahí. Hay trabajos haciendo referencia a este panorama de oscilación transatlántica entre Europa y Estados Unidos, entre Kraftwerk, Detroit e Inglaterra... esto es algo que siempre me ha fascinado, y en un momento sentí que los jóvenes no saben mucho sobre esto. Ahora veo mucho un resurgimiento, me encanta. Este EP intenta mostrar respeto a eso, que es algo que siempre he intentado hacer.
¿La escucha es mejor de forma colectiva?
Creo que es el problema clásico que surge cuando la gente habla de ‘grabar una actuación en directo’ y todos los que estuvieron allí saben que fue increíble, pero la escuchas y no está ahí, ¡no se ha capturado! “¡No es la grabación correcta!”, pero simplemente no se ha capturado. Me ha pasado muchas veces. Por eso intento no publicar muchos dj sets, algo que todo el mundo quiere hacer: grabar y publicar. No creo que tenga sentido. A veces pincho un tema que no quiero que se asocie demasiado con mi perfil, pero en ese momento tiene todo el sentido del mundo ponerlo. Pero si lo pinchas, lo grabas y lo publicas, la gente puede percibirlo de otra manera.
¿Sueles grabarte en vivo?
No, también borro el historial. Solo quiero estar presente en el momento, soy de la vieja escuela. Hace poco volví a pinchar con vinilo porque es muy diferente. No me entusiasma tanto la tecnología del vinilo en sí, que suene mejor o lo que sea, lo que me gusta es que es imposible rastrearlo. Simplemente sucede en este preciso instante y desaparece. Y esto es algo que me encanta de ser DJ. Creo que con las redes sociales y el entorno algorítmico en el que vivimos es peligroso exponer demasiado lo que haces. Por eso siempre estuve en contra de esas plataformas que quieren publicar tus listas de reproducción y demás. Se trata de dejarse llevar, de perderse en el sonido y no pensar “de quién es este track”. Se trata de perder el control, ése es el objetivo final de todo esto.
De la música de club a la experimental. ¿Es una evolución natural?
Creo que una de las plataformas más influyentes para mí en aquella época fue Mille Plateaux, una discográfica de Frankfurt. También Force Inc., Force Tracks, una plataforma postestructuralista basada en la teoría que reunía techno, música experimental, exposiciones, debates.. Era todo un conjunto. Esto fue a mediados de los noventa, en Alemania Occidental, y me sumergí por completo en ello. No había fronteras. Achim Szepanski, que falleció hace dos años, era la figura que lo unía todo, y me entusiasmaba muchísimo. Hasta el día de hoy, mi visión de casi todo es muy amplia, y trato de abarcar diferentes cosas al mismo tiempo, de alguna manera, y de desafiar los esquemas establecidos. ¡Pero cuando pincho soy muy estricto!
“¡Esto es una fiesta techno, pincho techno!”. Depende del lugar... No, no es cierto, a veces intento que todo se desmorone y luego lo reconstruyo.
En cuanto a mi enfoque musical, ahora mismo, cuando vuelva a mi estudio, practicaré el violonchelo y luego trabajaré en un tema que tengo que entregar esta noche. Para mí es lo mismo: hago música, también trabajo con mi compañero Konrad Sprenger en órganos modulares. Es algo muy diferente, pero a la vez es lo mismo. Simplemente me dirijo a un espacio con sonido y veo cómo se puede experimentar. Soy bastante, digamos, amplio, es difícil de traducir. Me dí cuenta que si publico algo sobre esta faceta no recibo muchas reacciones de la escena techno; me preguntan “¿qué es esto?”, ¡y no me importa!
¡Probablemente primero les haga falta un poco más de clubbing!
Siempre fui muy escéptico con el techno, las raves y todo eso. Recuerdo un momento muy importante, creo que fue cuando Richie Hawtin lanzó ‘Decks, Efx & 909’ en los noventa. Fui a verlo a un teatro de ópera okupado en Hamburgo, que conocía bien por mi activismo político de la época. Había una fiesta techno en el sótano, y Richie Hawtin estaba pinchando en una sala completamente a oscuras; no se le veía, lo cual era genial. No había escenario, solo linternas y mucho humo. Estaba en un rincón escuchando, completamente absorto, y entonces me di cuenta de que era un concepto fascinante. Creo que esa noche me cambió la perspectiva. También era la época en la que se podía disfrutar de sesiones experimentales en directo en la sala de al lado. Todo estaba conectado. Quizá haya una banda tocando en otro piso o algo así, ¡ya sabes a lo que me refiero! Creo que antes no era tan sencillo, pero ahora que se ha convertido en un negocio, todo está más estructurado, hay menos espacio para la experimentación. Pero al mismo tiempo veo colectivos jóvenes totalmente ajenos a esta escena techno comercial que hacen cosas geniales, y lo entienden perfectamente.
¿Crees que la paleta sonora podría ser una forma de arte en sí misma?
Al final, todo es un solo lenguaje: el sonido, las decisiones que tomas, qué eliges como material para tu trabajo, cómo lo organizas en el tiempo; eso es la composición. Me atraen mucho ciertos sonidos. Hay una persona, por ejemplo, a la que adoro, a la que conozco bastante bien y con la que tengo el placer de trabajar: Will Guthrie. Creo que su vocabulario, su habilidad para trabajar con percusión (a veces dos o tres elementos, redoblante y un platillo), puede tocar durante horas y te quedas alucinado. Es textura, ritmo y sonido, todo en uno. No puede separarlo. ¡También puedes tener los mejores sonidos y hacer música horrible con ellos! (risas)
Conocí a Will Guthrie gracias a Oren Ambarchi, con quien también trabajaste en ‘Panama/Suez’.
Eso fue gracias a nuestro amigo Konrad Sprenger, después de que Oren hiciera Hubris, donde Konrad participó. Oren vino al estudio y grabó algunos sonidos de cuerdas; había construido una guitarra increíble controlada por computadora. Tenían esas grabaciones, las escuché y pensé: “Ya me imagino cómo arreglar esto, ¿quieren que lo intente?”. Dijeron que sí porque estaban en un atasco con la idea, así que la tomé y estuve experimentando con ella durante medio año. En mi estudio, de viaje, en hoteles. Fue más trabajo del que había imaginado, pero en un momento me di cuenta del camino a seguir. Añadí algunas cosas, algo de bajo, algo de ritmo. Se la dimos al sello discográfico que aún se estaba formando (A-TON, sublabel de Ostgut Ton). Así fue como salió, también hicimos algunos conciertos juntos, como el Primavera Sound en España. Tuvimos algunos shows realmente Zmpo de trabajo en el que puedo desenvolverme. Claro que al mismo tiempo hay desventajas, muchas preguntas, a veces estás agotado; ya no soy tan joven, a veces puede ser muy cuestionable: “¿Por qué toco a las 5 de la mañana?”. Pero luego vas al club o al festival y es increíble porque es el mejor horario, tienes el honor de cerrar la noche haciendo lo que haces. Y entonces no pido que me dejen las dos horas si me dicen que puedo tocar más, ¡simplemente termino tocando más!
Estoy bastante contento con lo que hago. Lo único que lamento es no haber usado protección auditiva en aquel entonces. Se nota, después de 25 años de exposición a un volumen alto, que daña la audición. Se lo recomiendo a todo el mundo: ¡protéjanse los oídos! La audición no se recupera. Hoy en día, jamás iría a un lugar así sin protección. ¡Antes me encantaba escuchar música a todo volumen! Oír es algo maravilloso; la profundidad del oído es asombrosa.
manu sánchez
Detrás de algunos de los proyectos más consolidados de la música electrónica en Mallorca se encuentra una figura que ha sabido combinar distintas facetas dentro de la industria. DJ, promotor y responsable de producción, ha participado activamente en el crecimiento de Danzû y, más recientemente, en el desarrollo de OverClub, un espacio que en poco tiempo se ha convertido en uno de los nuevos referentes de la isla. Hablamos sobre la evolución de la escena mallorquina, los retos de construir una cultura de club local y la visión que impulsa sus proyectos.
Hola Franco, bienvenido a Mixmag Spain. Estamos muy felices de recibirte en esta edición. Muy pronto empieza tu gira por Europa, ¿cómo estás viviendo este momento previo?
Hola, muchas gracias. Agradezco este espacio para charlar y el interés de parte de ustedes.
Siempre espero con muchas ganas este momento previo a embarcar en un nuevo tour. Europa es un punto muy importante en mi carrera desde el primer viaje que hice, siempre fue y será muy motivador. Así que lo vivo con mucha ilusión.
¿Por dónde vas a estar pinchando?
¿Hay alguna fecha que tenga un significado especial para ti más allá del club o la ciudad?
Para este primer tour del año tenemos fechas como Días De Campo (Valencia), Les Enfants (Barcelona), Club Guesthouse (Bucarest), Bret (Ámsterdam), Unum Festival (Albania), Studio Club (Málaga), Roots Off Sonar (Barcelona) y algunas más que pronto se anunciarán.
Todas son importantes para mí. Siempre es un placer volver a ciudades o clubes donde ya he estado y reencontrarme con amigos. En este tour, además, voy a conocer espacios como Guesthouse o Bret, y el festival Días De Campo, que tenía muchas ganas de visitar.
Danzû lleva casi una década siendo la marca de música electrónica de referencia en Mallorca. Tú mismo dices que todavía no habéis llegado al punto que os gustaría. ¿Cuál es ese techo que aún no habéis tocado?
Para mí es importante no tener techo, y que el equipo sienta lo mismo. Seguir evolucionando constantemente y seguir aportando nuestro granito de arena a la escena sin que la gente de Mallorca tenga la necesidad de salir de la isla para disfrutar de grandes artistas de la música electrónica.
OverClub es un proyecto que ha aterrizado hace poco en la isla, pero que en este tiempo se ha convertido en un auténtico éxito, tanto por sus características técnicas como por su programación, que va del hard techno al techno o al house. Para quien no lo conozca, ¿qué es OverClub exactamente y por qué ahora?
OverClub es la suma de un equipo con más de 20 años de experiencia dentro de la industria, donde cada uno aporta lo que mejor sabe hacer. Para nosotros, este proyecto llega en el mejor momento a nivel de equipo y como nuevo reto.
OverClub se presenta como un espacio inclusivo donde la pista manda. En un mercado como Mallorca, donde el turismo lo condiciona todo, ¿cómo trabajáis para construir durante todo el año una cultura de club local y auténtica?
Llevamos muchos años trabajando con el público local, llegando a ellos de diferente manera, con diferentes estilos. Eso no quiere decir que el turismo no tenga lugar en nuestro club, para nada; al contrario. Es más, cada vez tenemos mucho más turismo que viene a conocer nuestro nuevo club, pero es verdad que nuestro cliente principal es el local y eso también nos permite poder trabajar durante todo el año. Tenemos claro que lo de aquí se tiene que cuidar.
¿Qué tiene que pasar en una noche en OverClub para que tú, como responsable del proyecto, te vayas a casa satisfecho?
Felicidad, risas, abrazos, besos… Cuando veo eso, soy feliz. Me doy por satisfecho cuando veo a la gente pasárselo bien independientemente del estilo de música que esté sonando. OverClub tiene que ser un “refugio” donde, por lo menos mientras estés ahí dentro, todo lo demás no te importe.
Llevas tres roles simultáneos: artista, promotor y production manager. ¿Cuál de los tres te da más satisfacción y cuál te quita más el sueño?
Me siento cómodo y me gustan todos los roles. He ido formándome y creciendo simultáneamente por igual. Imagino que, al haber sido algo natural, hace que disfrute de ellos.
Como DJ en tus propios eventos, has reconocido que a veces hay conflicto de intereses. ¿Puedes contarnos una situación concreta en la que tuvieras que elegir entre el artista y el promotor que llevas dentro?
La pregunta es buena, ya que cada vez veo más al “DJ” que se hace “promotor” porque, si no, no lo llaman o no le dan el posicionamiento en el cartel que a él le gustaría. En mi caso, creo que nunca he tenido ese conflicto de intereses. Creo que siempre he sabido cuál es mi posición en los line ups, sin egos, sin querer aparentar más. Esto es clave para que, sobre todo, te valoren y te respeten.
¿Qué le dirías a alguien que quiere hacer lo mismo que tú, pero que empieza desde cero en una ciudad sin escena?
Crear tu propia comunidad y que la gente que forme esa comunidad crea en lo que haces. Nunca les mientas, no los engañes y, sobre todo, no les falles. Ese es mi mejor consejo.
El proceso de booking es uno de los pilares de todo lo que hacéis. ¿Qué valoras más al elegir un artista: el nombre, el sonido o el momento de su carrera?
En una industria donde va todo tan rápido es difícil decirte en qué me fijo a la hora de bookear. Hace años te diría que la música, la manera de actuar, pero hoy en día son muchos factores los que tienes que tener en cuenta.
Tampoco te puedes fijar solamente en los seguidores, ya que eso puede estar “trucado”. En resumen, te diría que yo todavía intento que mi oído haga de guía a la hora de bookear, sobre todo a la hora de encontrar nuevos talentos.
Llevas años defendiendo que Mallorca puede plantar cara a Ibiza como destino de música electrónica. ¿Sientes que ese objetivo ya es una realidad o la brecha sigue siendo grande?
Cada vez estamos más cerca, pero todavía nos queda mucho por trabajar, sobre todo a la hora de apoyar a artistas emergentes. Nos sigue costando pagar una entrada por un artista que no es tan reconocido. Pero, repito, creo que ahora mismo estamos en el mejor momento y que la línea de trabajo es la correcta.
Si pudieras traer a cualquier artista del mundo para una noche única en OverClub, ¿quién sería?
Ni me lo pienso, Laurent Garnier .
dreambeach
Dreambeach aterriza en la Costa del Sol con Eric Prydz, David Guetta y un cartel de cuatro escenarios para este verano.
El festival desvela su programación por días para Vélez-Málaga: techno, hard techno, house y drum & bass en una nueva etapa para el evento los días 31 de julio y 1 de agosto.
Una nueva etapa y un cartel a la altura del momento. Dreambeach Festival ha revelado la distribución completa de su programación por días y escenarios para la edición de 2026, la primera en celebrarse en la Costa del Sol tras más de una década de historia ligada a Almería. Los próximos 31 de julio y 1 de agosto, el recinto de Vélez-Málaga acogerá un festival que llega renovado en formato, ubicación y ambición, con cuatro escenarios y un elenco de artistas que abarca desde el techno más oscuro hasta el drum & bass, el hard techno, el house y los sonidos urbanos.
La revelación del cartel por jornadas permite visualizar con claridad el arco dramático del fin de semana. El viernes 31 de julio tendrá como figura central a Eric Prydz, uno de los nombres más respetados de la electrónica mundial, conocido por sus espectáculos audiovisuales de alto impacto y por una discografía que ha acompañado a varias generaciones de clubbers. Con él compartirán noche el fenómeno del hard techno Nico Moreno y Sasha & John Digweed, que regresan a España con un show exclusivo para 2026, una cita que la comunidad techno y progresiva llevaba tiempo esperando.
La primera jornada se completa con una programación que refleja la vocación transversal del festival. Andrés Campo, A.M.C, Hedex, Kanine, DJ Pepo, Vendex o Prada2000 son algunos de los nombres que poblarán los cuatro escenarios en una noche donde los sonidos bass, el drum & bass y la cultura urbana tendrán su espacio propio junto a las propuestas más orientadas al club.
El sábado 1 de agosto arrancará con una apuesta de primer nivel: David Guetta presentará su show especial Monolith, una de las producciones más desarrolladas de su etapa reciente y un despliegue visual y sonoro pensado para grandes formatos. Junto a él, la jornada reúne a figuras esenciales de la escena contemporánea como Loco Dice, referente indiscutible del techno europeo; Paco Osuna, garantía de rigor y selección; Korolova, una de las voces más reconocidas del melodic techno internacional; Brennan Heart, icono del hard dance y la cultura harder; Mathame, Nicole Moudaber o SNTS, que completan una programación de enorme densidad artística.
El sábado también abre espacio a propuestas más eclécticas, con Hannah Wants, Oguz, Zatox o Future Funk Squad contribuyendo a una mezcla de estilos y públicos que ha sido siempre una de las señas de identidad de Dreambeach. El festival nunca ha apostado por un único género, y la nueva edición lo confirma: la propuesta está diseñada para recibir a distintas generaciones de asistentes con intereses tan variados como complementarios.
Junto a los artistas, la edición de 2026 contará con la presencia de algunas de las marcas más relevantes del circuito electrónico, que refuerzan la propuesta con sus propios universos sonoros y culturales. Blackworks, Nowhere by Paco Osuna, LOOP, Drum And Bass All Stars, Ritmika e Híbrida formarán parte de un programa diseñado para ofrecer algo más que una suma de actuaciones: una experiencia completa y plural a lo largo de dos jornadas.
Más allá del cartel, el traslado a Vélez-Málaga representa un salto significativo en términos de producción. El nuevo recinto, con cuatro escenarios independientes y estructuras de alto nivel, tiene en la comodidad de los asistentes —los llamados dreamers— su principal objetivo. El nuevo emplazamiento junto al Mediterráneo ofrece un marco privilegiado que potencia la experiencia global del festival e introduce a Dreambeach en uno de los circuitos turísticos más activos del verano europeo.
Tras once años escribiendo su historia en Almería, el festival inicia así una nueva etapa en la Costa del Sol sin renunciar a su esencia: grandes nombres internacionales, apuesta sostenida por la escena nacional y un formato pensado para congregar a distintas generaciones de público. Dreambeach Costa del Sol 2026 cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Vélez-Málaga y el patrocinio del INAEM, respaldo institucional que consolida su vocación de convertirse en una de las grandes citas del verano europeo.
Más información y entradas en: https://www.dreambeach.es/
dancefloor archive
un archivo visual de la escena electrónica creado desde la pista de baile
La cultura de club está llena de momentos irrepetibles que, en la mayoría de los casos, desaparecen tan rápido como termina la noche. Con la intención de preservar esos recuerdos nace Dancefloor Archive, un proyecto creado por Judit Murphy y Violeta Falgas que transforma la energía de la pista de baile en un archivo visual permanente.
Coincidiendo con la semana de Sónar, la iniciativa se presenta en Barcelona con una exposición inaugural en Les Enfants Brillants, donde la fotografía electrónica abandona la pantalla para convertirse en una pieza física pensada para conservar, coleccionar y revivir la memoria de una escena en constante movimiento.
statements de una comunidad
En honor al mes del Pride, quisimos adentrarnos en la visión, misión y valores de una comunidad que, aunque hoy vive un momento de mayor visibilidad y expansión dentro de la escena electrónica global, sigue enfrentando tensiones, desafíos y luchas que no siempre ocupan el centro del relato.
La cultura queer ha sido, y continúa siendo, una fuerza fundamental en la construcción del clubbing tal y como lo conocemos: un espacio de encuentro, de resistencia y de transformación. Sin embargo, en un contexto donde la industria parece cada vez más interesada en apropiarse de sus códigos estéticos, resulta necesario detenerse a escuchar qué está pasando realmente dentro de la comunidad.
Para este artículo de Mixmag, reunimos a distintos artistas y colectivos queer que están dando forma al presente de la electrónica desde múltiples frentes. A través de una serie de preguntas abiertas, les invitamos a reflexionar sobre temas clave de la comunidad.
¿Qué hace que un club o una fiesta sea genuinamente un espacio seguro y no solo una estética inclusiva?
pride aines
Son muchos los factores, pero para mí el principal es el espacio. Si montas un evento en un lugar politizado y atravesado por lo cuir, ya estás poniendo mucha intención y cuidado en las personas que van a habitarlo. Sin embargo, en el marco de las grandes salas o los festivales masivos es más difícil sostener esos cuidados, ya que la cisheteronormatividad suele ocupar un espacio muy grande, por mucho que exista una estética inclusiva.
Desde la autogestión, me parece muy potente y mágico que el colectivo que organiza la fiesta esté presente en el lugar y atentx al público, haciéndolo partícipe de la experiencia desde la horizontalidad. Tener una mirada inclusiva es clave para generar un sentimiento de pertenencia entre quienes habitan el espacio. Por norma general, las personas del colectivo tenemos muy herido este sentimiento y cuando acudimos a un espacio queer lo que más buscamos, además de bailar, es sentir que formamos parte de una comunidad.
¿Crees que la institucionalización del Pride ha afectado a la cultura club queer?
(él/ellle) España
Mi opinión es que lo que se institucionaliza termina afectando directa y negativamente a los colectivos que se encuentran al margen, a aquellos que están invisibilizados. El mainstream se alimenta del underground; siempre ha sido así. Desde lo pequeño y lo local se hace el trabajo más difícil y, con la “visibilidad” de lo queer, llegan las grandes marcas a lucrarse de todo lo cultivado: es la rueda del capitalismo girando a un ritmo atroz.
La problemática aquí es que estas marcas llegan a un público muy amplio, y eso hace que los espacios queer pierdan seguridad y cuidado. Aquí entra el gran dilema porque por una parte la institucionalización ayuda a llegar a más gente y, por tanto, a tener solvencia económica pero por otro lado, siento que se pierde el motivo y la intención con los que se crearon dichos espacios.
¿Qué escenas, artistas o espacios fueron importantes para tu desarrollo personal y artístico?
Cuando empecé a salir en 2012, sentí que había descubierto algo que realmente capturaba ese momento en Miami. Había una energía casi ilegal y DIY en muchas fiestas diferentes. Había hip hop, dancehall, reggaeton, música en vivo, electro house, tribal house y minimal en los afters. Lugares como Vagabond, Mekka, Club Space, The Cove, Twist, The Pickle y Grand Central fueron formativos para la música que hago hoy, y siguen influyendo cómo pienso en la música de baile y la energía que quiero que sienta la gente.
¿Qué le dirías a una persona queer joven que está descubriendo ahora la escena electrónica?
El gusto es una práctica. Cuanto más tiempo te dedicas a descubrir cosas que realmente te gustan, más fácil será entender lo que quieres hacer tú mismo. Recomendaría a cualquiera que esté empezando, que enfoque bien en construir su gusto antes de buscar oportunidades para tocar en frente de un público. Recuerda que tu propia historia es lo más interesante que tienes. Intenta mantenerte conectado en donde estás, de dónde vienes y la gente que tienes alrededor tuyo. Este consejo me lo dieron cuando estaba empezando, y me ayudó muchísimo.
¿Qué luchas dentro de la comunidad queer crees que siguen invisibilizadas en la escena electrónica?
Algo que pienso mucho, es cuánto dependen los clubs de las ventas de alcohol, y la presión que eso pone al consumo. Yo no tomo mucho, pero he visto muchos locales y fiestas increíbles luchar para mantener precios accesibles para la comunidad queer mientras cubren sus gastos. Si queremos preservar los espacios queer y la cultura de baile, tenemos que encontrar mejores formas de apoyar a nuestros DJs, eventos locales y los clubs.
(ella)
Estados Unidos
coffintexts
hyperaktivist
(ella) Venezuela
¿Qué señales identificas cuando una fiesta entiende de verdad la cultura queer y cuándo simplemente la utiliza como branding?
Creo que se nota en la consistencia. Cuando un colectivo entiende realmente la cultura queer, ese compromiso se refleja edición tras edición: en sus line ups, en quién ocupa los espacios de decisión y en la manera en que cuida y construye comunidad. No se trata de incluir artistas queer o trans para cumplir una cuota o evitar críticas, sino porque su trabajo, su sensibilidad y sus perspectivas forman parte del ADN del proyecto.
También habla mucho del rol de quienes programan, cuánto investigan, qué riesgos toman, si sus line ups responden únicamente a tendencias o a una visión más profunda. Cómo sostienen a artistas quienes ya tienen una trayectoria y cómo cultivan nuevas voces. Pero no es solo una cuestión de curaduría. También tiene
que ver con preguntarse quién puede acceder realmente a esos espacios y qué medidas se toman para que personas minorizadas no solo sean visibles, sino que también puedan asistir, participar y sentirse seguras, respetadas y representadas. Para mí, una de las formas más genuinas de proteger, nutrir y asegurar la continuidad de nuestra comunidad es a través de un compromiso real y sostenido con la cultura que se dice representar.
¿Qué papel puede tener la música electrónica frente a la violencia o discriminación hacia personas queer y trans?
La música electrónica tiene hoy un alcance enorme. Es una industria global con capacidad no solo para entretener, sino también para generar conversación, posicionarse y educar. Ese alcance es una herramienta poderosa para visibilizar realidades que muchas veces siguen siendo ignoradas.
La violencia y la discriminación hacia personas queer y trans siguen ocurriendo con
mucha más frecuencia de la que mucha gente imagina. Por eso, clubes, festivales, colectivos y promotores tenemos la responsabilidad de ir más allá de una relación transaccional basada en vender entradas. Debemos preguntarnos qué mensajes amplificamos, a quién escuchamos, cómo protegemos a las personas más vulnerables dentro de nuestras escenas y qué medidas concretas tomamos para que nuestros espacios sean realmente seguros. No basta con celebrar la diversidad, también hay que defenderla.
Si pudieras definir el futuro ideal de la cultura electrónica queer en una sola frase, ¿cuál sería?
Un futuro donde las comunidades queer no tengan que justificar su presencia ni negociar su lugar; donde nunca se olvide a quienes hicieron de la pista de baile un espacio de libertad, resistencia y celebración, y donde tengamos poder real para decidir el rumbo de la industria, no solo desde los márgenes, sino también desde los espacios de decisión.
lydo
(él/elle)
Estados Unidos
¿Recuerdas algún momento concreto en el que sentiste que el club podía ser un espacio de libertad o de transformación?
Lo sentí bastante pronto, cuando me di cuenta de que el club podía sostener un tipo de honestidad que no encontraba en ningún otro sitio. Podía simplemente estar ahí, moverme por el espacio y sentirme parte de él sin tener que traducirme. Esa clase de libertad se sentía poderosa. Y también fue transformadora, porque hizo espacio para partes de mí misme que no siempre sabía cómo expresar en otros lugares.
¿Sientes que hoy existe más visibilidad queer genuina en la electrónica, o simplemente más marketing alrededor de ella?
Las personas queer siempre han sido parte de la música electrónica. Lo que ha cambiado es que hoy se reconoce más. Lo importante es si esa visibilidad se traduce en apoyo real y oportunidades a largo plazo. Como persona trans, la visibilidad ha importado, pero me interesan más los espacios que tratan la cultura queer como algo construido por comunidades.
¿Sientes diferencias entre la escena queer underground y los grandes festivales o marcas?
Sí, definitivamente. Los espacios underground a menudo se sienten más frágiles pero también más vivos, porque los construyen personas que realmente los necesitan. Los grandes festivales y marcas pueden amplificar la visibilidad, pero también tienden a suavizar las
cosas, a empaquetarlas y hacerlas más fáciles de consumir. El underground conlleva más riesgo, pero también más verdad.
Creo que existe potencial para que las plataformas más grandes se relacionen con la cultura underground de una forma más significativa.
¿La industria musical está cambiando de verdad, o solo está adaptando su discurso?
Las dos cosas a la vez. Hay más visibilidad y lenguaje en torno a la inclusión, lo cual es positivo. Pero la industria también es muy buena absorbiendo la crítica sin cambiar demasiado en lo estructural. El discurso ha avanzado más rápido que los sistemas.
¿Recuerdas algún momento concreto en el que sentiste que el club podía ser un espacio de libertad o de transformación?
Para mí no es realmente una noche en concreto, es un estilo de vida, son los espacios donde las personas se forjan en lo que son. Eso me incluye a mí y a mi música también. Solo que ahora me toca estar al otro lado de la sala donde las personas más interesantes están siendo moldeadas.
¿Qué escenas, artistas o espacios fueron importantes para tu desarrollo personal y artístico?
Berlín es lo más importante. Aquí puedes ser nadie, y ser nadie es lo que por fin te deja convertirte en alguien. Me formó como artista y como persona. También conocí aquí a algunos de los artistas más talentosos y conecté con ellos de una manera que creo que no habría pasado en ningún otro sitio.
¿Sientes que hoy existe más visibilidad queer genuina en la electrónica, o simplemente más marketing alrededor de ella?
Aunque haya más visibilidad, no podemos negar que nos siguen pagando mucho menos. A veces también siento que la industria usa un nombre queer seguro y al año siguiente pasa al siguiente. No
nene h
(ella/elle)
Alemania
podemos negar que vivimos en una sociedad con estructuras capitalistas, así que siempre habrá marketing alrededor. Eso sí, hay algo que es seguro: cada vez hay más promotores y eventos queer, lo cual es definitivamente una buena señal.
¿Qué hace que un club o una fiesta sea genuinamente un espacio seguro y no solo una estética inclusiva?
Mi experiencia es que si el promotor u organizador es una persona buena y que se preocupa, se nota en las fiestas. Su intención se va a reflejar en el público. Al final todo es energía. La energía correcta atrae a la gente correcta, y esas fiestas se vuelven automáticamente más seguras. Un espacio seguro es una infraestructura. Cualquiera puede imprimir “safer space” en un flyer y poner un arcoíris en la pared. La pregunta real es qué pasa a las 3 de la mañana cuando algo sale mal. La seguridad tiene que ver con quién asume la responsabilidad. Una sala puede parecer perfectamente inclusiva y ser insegura, y un warehouse cutre con un público que se protege mutuamente puede ser el lugar más seguro en el que hayas bailado. Educar al público también es muy importante. Las mentes curiosas siempre querrán aprender y mejorar. Quieres a esa gente en tu sala, apoyándote.
¿Crees que la institucionalización o comercialización del Pride ha afectado a la cultura club queer?
Yo no pienso en términos de qué corrompió a qué. Esa nostalgia me resulta bastante inútil. Que el Pride sea comercial es simplemente lo que es, no es nuestro mayor problema. Me atrevería incluso a decir que no puede afectar a la cultura club queer, porque lo hacen todo de una manera muy poco queer, mientras los espacios queer hacen lo suyo. No sé, prefiero centrarme en elevar los espacios que me encajan que quejarme de lo que pasa fuera de mí. No necesito tener esa energía amarga a mi alrededor. Creo que la cultura club queer está más fabulosa que nunca y estoy muy feliz y emocionada de vivirla por todo el mundo.
¿Qué luchas dentro de la comunidad queer crees que siguen invisibilizadas en la escena electrónica?
Muchas. Las mujeres trans y las personas transfemeninas son celebradas como estética pero están infrabookeadas e infrapagadas en la práctica. La clase es el gran silencio: esta cultura asume que tienes el dinero, el tiempo libre y el cuerpo para estar de fiesta hasta el mediodía, lo cual excluye a las personas queer pobres y trabajadoras. Las sustancias también son otro tema. Tenemos muy poca ayuda con los problemas en torno al consumo. Y las personas queer migrantes, del SWANA, negras y asiáticas cargan con un miedo diferente relacionado con visados, fronteras y familias que la narrativa occidental del coming out simplemente no ve.
¿Cómo influye la energía de una comunidad concreta en la construcción de un set?
Completamente. Un set es una conversación, no una emisión, así que la sala lo reescribe en tiempo real. En un espacio queer el público confía en mí y yo confío en él, así que puedo arriesgarme más, ser más vulnerable, volverme más rara. Trato el género musical como una herramienta emocional, no como un manual de instrucciones, y la energía de la comunidad decide qué sensación necesita la noche.
¿Las redes sociales han ayudado a amplificar las escenas queer o también han generado nuevas presiones?
Las dos cosas, y no se pueden separar. Me permitieron llegar a un público sin necesitar el permiso de ningún guardián, y permitieron a personas queer encontrarse más allá de las fronteras, incluso en lugares donde la escena local es peligrosa o no existe. Eso es real. Pero también convirtió la identidad en contenido y los seguidores en política de pagos. Los bookers miran tus números antes que tu música.
¿Qué le dirías a una persona queer joven que está descubriendo ahora la escena electrónica?
Una pista puede amplificar lo que traes, pero no puede darte una identidad que no construiste tú. Exige respeto desde el principio y no te disculpes por ello. Después de eso, eleva a las personas que tienes alrededor, construye la sala que desearías que existiera en vez de esperar que te dejen entrar en la de otro. MANTENTE CURIOSA, brilla, crece, aprende, comparte y sigue compartiendo. La escena no es un lugar al que llegas, en realidad la vas haciendo tú :))
paul wolsch
(él)
Costa Rica
¿Recuerdas algún momento concreto en el que sentiste que el club podía ser un espacio de libertad o de transformación?
Definitivamente mi historia personal encaja perfectamente en esta pregunta. Mi relación con la música electrónica comenzó el mismo día que me echaron de mi casa después de salir del clóset. Regresé tras una discusión y encontré mis pertenencias afuera y el llavín cambiado. Lo que parecía el final de algo terminó siendo el comienzo de mi verdadera vida.
Aunque tenía pocos recursos y muchas incertidumbres, también había ganado algo invaluable: la libertad de ser yo mismo. Días después, descubrí los clubes de música electrónica de San José y encontré allí algo que nunca había sentido antes: pertenencia.
La pista de baile me enseñó que existían espacios donde no tenía que esconderme ni explicarme. A través de la música aprendí a aceptarme, a reconciliarme con mi cuerpo y a celebrar mi identidad. Por eso sigo creyendo que los clubes tienen un enorme poder transformador. En su mejor versión, el dancefloor es un lugar donde las personas pueden encontrarse consigo mismas, sentirse libres y experimentar la autenticidad sin condiciones.
¿Qué papel puede tener la música electrónica frente a la violencia o discriminación hacia personas queer y trans?
Definitivamente, el dancefloor debería representar un espacio seguro. Y en sí mismo, eso ya es una forma de resistencia. La posibilidad de reunirse, expresarse libremente y celebrar la autenticidad en comunidad es una respuesta poderosa frente a cualquier forma de discriminación.
La música tiene una capacidad única para conectarnos con nosotrxs mismxs y con otras personas más allá de las palabras. Es un lenguaje universal que nos permite sentirnos vistxs, comprendidxs y acompañadxs. Cuando la música electrónica crea espacios donde las personas queer y trans pueden existir con libertad, seguridad y dignidad, se convierte en mucho más que entretenimiento: se convierte en una herramienta de visibilidad, comunidad y transformación.
Creo que cada espacio seguro que se crea, cada colectivo que surge y cada evento que apuesta por la inclusión contribuye a amplificar nuestras voces.
La música electrónica no puede resolver por sí sola la violencia o la discriminación, pero sí puede construir comunidades más fuertes, generar pertenencia y recordarnos que nadie debería tener que ocultar quién es para sentirse aceptado.
¿Qué luchas dentro de la comunidad queer crees que siguen invisibilizadas en la escena electrónica?
Creo que una de las conversaciones más invisibilizadas es la del acceso a los recursos y las oportunidades. Se habla mucho de identidad, pero menos de las condiciones materiales que permiten desarrollar una carrera artística. Viajar para tocar, producir música, comprar discos, obtener visas o simplemente disponer del tiempo necesario
para crear arte requiere recursos económicos que no todas las personas tienen.
También creo que la conversación global sobre cultura electrónica sigue estando muy concentrada en unos pocos centros culturales. Cuando hablamos de escena queer electrónica, solemos mirar hacia ciudades como Berlín, Londres, Nueva York o Ámsterdam etc. Sin embargo, existen artistas y colectivos extraordinarios en regiones como Centroamérica, África o el Sudeste Asiático que muchas veces deben trabajar el doble para alcanzar la misma visibilidad internacional.
Paradójicamente, son estos colectivos locales los que con frecuencia realizan algunos de los trabajos más importantes para sus comunidades, creando espacios seguros, inclusivos y profundamente conectados con las realidades de sus territorios. Creo que una de las grandes tareas pendientes es reconocer, apoyar y visibilizar más esas escenas que existen fuera de los grandes centros de poder cultural.
El underground queer está llamando cada vez más la atención del mainstream ¿Qué ocurre cuando los mismos espacios que antes ignoraban estas propuestas ahora quieren incluirlas en su programación? ¿Sentís que existe un apoyo real a los valores del colectivo o que, en ocasiones, responde más a una cuestión de representación o cuota?
karne kulture
KARNE KULTURE es un colectivo fundado en 2019 dedicado a la promoción de la música electrónica desde una perspectiva centrada en el cuidado, la seguridad y la inclusión de mujeres y disidencias. Nuestro proyecto nace con la voluntad de generar espacios más seguros y diversos dentro de la escena, entendiendo la música y la cultura de club como herramientas de encuentro, expresión y comunidad. Apostamos por una programación abierta y ecléctica, que abraza tanto la variedad de géneros musicales como las distintas formas de expresión personal y de género.
Actualmente, el colectivo está formado por sus fundadoras Mena G, Orfigyal y Tina Lambardeta, junto a nuestra nueva DJ residente Bat. Durante estos años hemos desarrollado una trayectoria vinculada tanto a la organización de eventos como a la práctica artística, colaborando con salas, festivales y plataformas de referencia como Boiler Room, Keep Hush, Nitsa, Primavera Sound, Bilbao BBK Live o Dabadaba, entre otros.
Con más de siete años de experiencia organizando fiestas y pinchando, nuestro trabajo se ha centrado en impulsar y dar visibilidad a talento local e internacional, mayoritariamente FLINTA, fomentando redes de apoyo y espacios de representación dentro de la cultura club.
Paralelamente, hemos desarrollado actividades formativas y de mediación cultural, organizando talleres y charlas sobre temáticas como la implementación de protocolos de seguridad y cuidados en clubes y eventos. Nuestra labor y visión han sido recogidas en medios como El País, El Mundo y Televisión Española, entre otros.
Sin duda los valores feministas y queer se han comodificado y convertido en un valor de mercado que suma según qué producto se proponga. A nosotras esto cada vez nos resulta menos relevante, en un mundo hipercapitalista donde todo es monetizable, claro que esto lo iba a acabar siendo también. Lo importante es que, por un motivo u otro, está ganando visibilidad y relevancia. Esto es lo que nos importa y donde podemos actuar; el gigante económico va solo y ahí poco podemos hacer. Sin duda para la mayoría de espacios es más una cuestión de cuota que de auténtico interés, pero sea por lo que sea: que sea. Que estemos. Que se nos oiga. Es lo único que podemos hacer al final.
¿Cuál consideráis que es un “toxic trait” de la escena electrónica queer? ¿Qué creéis que podría cambiar para fortalecer la comunidad y mejorar la escena?
Quizás un toxic trait de la escena electrónica queer sea una cierta inclinación endogámica social, aunque sin duda responde a una protección y tiene muchísimo sentido histórico. Y la sensación de un medidor invisible de “cuán queer eres” como baremo para legitimar estar en un espacio. Todos los espacios nicho en la música tienden a la endogamia social, y los espacios queer no están lejos de librarse.
¿Qué tipo de espacio estabais buscando crear y no encontrabais en la escena?
Más que buscar algo que faltaba, queríamos construir un espacio que nos apeteciera habitar.
Un lugar donde pudieran convivir la música que nos gusta, nuestras experiencias como personas queer y migrantes, nuestras amistades y nuestra forma de entender la fiesta. Un espacio donde encontrarnos, bailar, compartir y sentirnos cómodxs siendo quienes somos.
También nos interesaba crear una plataforma para dar visibilidad a talentos latinxs y celebrar nuestra cultura lejos de nuestros países de origen. Muchas veces las comunidades migrantes quedan reducidas a ciertos estereotipos o espacios específicos, y para nosotrxs era importante mostrar la diversidad, creatividad y riqueza cultural que existe dentro de nuestras comunidades.
¿Qué conversaciones creéis que la escena electrónica sigue evitando hoy en día para poder sostenerse económicamente y culturalmente?
Creemos que todavía cuesta hablar de dinero con honestidad.
Muchas veces se habla de diversidad, inclusión o comunidad, pero menos de quién puede permitirse organizar eventos, quién tiene acceso a recursos o quién sostiene determinados proyectos con trabajo invisible durante años.
También seguimos evitando conversaciones sobre precariedad. Hay muchísima gente sosteniendo escenas enteras desde el agotamiento, especialmente artistas independientes, personas migrantes y colectivos pequeños.
Y, al mismo tiempo, creemos que es importante reflexionar sobre cuánto valoramos realmente el trabajo cultural. Si queremos escenas más sostenibles, tenemos que acostumbrarnos a pagar mejor a artistas, técnicxs y trabajadorxs de la cultura. Eso no solo mejora las condiciones de quienes participan, sino que también ayuda a elevar los estándares y la calidad de toda la escena.
¿Cómo distinguís una colaboración genuina con la industria de una inclusión meramente simbólica?
Para nosotrxs es bastante diferente colaborar con otros colectivos, artistas u organizadorxs independientes y queer que trabajar con clubes, festivales o marcas.
latineo
Con los primeros suele existir una afinidad natural porque compartimos experiencias, preocupaciones y formas de hacer las cosas. Muchas de nuestras colaboraciones favoritas han nacido simplemente de amistades, conversaciones o encuentros dentro de la propia comunidad.
Además, con muchos colectivos los vínculos terminan trascendiendo el proyecto específico y se convierten en relaciones duraderas. Eso es algo que valoramos muchísimo.
Cuando trabajamos con instituciones más grandes, lo importante es que exista un respeto real por las políticas y valores que son importantes para nosotrxs. Si la colaboración nos permite seguir haciendo las cosas a nuestra manera, mejorar las condiciones de trabajo o abrir espacio para más personas y artistas, entonces puede funcionar.
Al final, suele notarse rápido cuando alguien quiere apropiarse de un discurso sin realmente estar interesado en construir algo conjunto.
Más allá del mes del Orgullo, ¿qué papel puede (o debe) jugar la fiesta como espacio político y comunitario para las personas queer?
Para muchas personas queer, especialmente migrantes, la fiesta es uno de los primeros lugares donde encuentran amistades, redes de apoyo, referencias culturales o incluso
oportunidades laborales. Son espacios donde se construyen vínculos que muchas veces terminan teniendo un impacto muy concreto en la vida cotidiana.
También es uno de los pocos lugares donde puedes experimentar otras formas de estar en el mundo. Bailar, encontrarte, enamorarte, compartir música o simplemente existir con tranquilidad puede parecer algo pequeño, pero para muchas personas tiene un valor enorme.
Además, la fiesta cumple un papel cultural importante porque convierte la cultura en algo participativo. Son experiencias abiertas y cotidianas donde personas de distintos contextos pueden encontrarse, sentirse parte de una comunidad y construir algo en conjunto. En ese sentido, la cultura deja de ser algo que solo se observa y se transforma en algo que se vive, se comparte y se crea colectivamente.
Vuestra propuesta parte de una mirada política, estética y sonora. ¿Cómo dialogan estas dimensiones cuando diseñáis una fiesta?
Cuando invitamos a alguien no pensamos únicamente en el estilo musical que hace, sino también en la energía que aporta, las comunidades con las que dialoga y las conversaciones que puede abrir dentro de la fiesta.
Nos interesa mezclar escenas, generaciones, ciudades y formas distintas de entender la música. Creemos que esa diversidad enriquece la experiencia y genera encuentros que de otra manera quizá no sucederían.
La dimensión política aparece de forma bastante natural porque está presente en como entendemos la fiesta: quién organiza, quién toca, quién ocupa el espacio y quién está bailando.
También intentamos replantear cada edición de LATINEO. Nos gusta cambiar de lugar, horario y formato para mantener viva la propuesta y explorar nuevas formas de encuentro. Dentro de lo posible, buscamos que cada evento tenga una identidad propia y ofrezca una experiencia distinta, sin perder la esencia del proyecto.
musa
¿Qué conversaciones sigue evitando la escena?
La más incómoda: el dinero. Hay una opacidad económica muy instalada en la cultura de club que protege siempre a los mismos. Se habla poco de presupuestos, de cachés, de quién cobra y quién no. La cultura del free entry o la entrada barata se romantiza como gesto político, pero muchas veces lo que hace es trasladar el coste a quienes menos pueden asumirlo: los colectivos que sostienen estos espacios con trabajo invisible, sin contrato, sin cotización, por amor al proyecto.
Se evita hablar de la brecha entre el booking internacional y los artistas locales y emergentes. Esa jerarquía se reproduce incluso dentro de espacios que se dicen alternativos. Y se evita hablar de lo que cuesta depender de salas y promotores mainstream para sobrevivir: los compromisos en horarios, en sonido, en control creativo que a veces hay que aceptar para simplemente tener un espacio donde existir.
Está también el agotamiento de las personas que sostienen todo esto. Esa conversación casi nunca ocurre en público.
Y luego está algo que se nombra todavía menos: la gentrificación del underground. Festivales y marcas que se apropian de la estética queer y FLINTA sin redistribuir, sin ceder poder, sin asumir ningún riesgo. Toman el lenguaje y dejan fuera a las comunidades que lo construyeron.
La fiesta como espacio político y comunitario
La fiesta queer no empieza en junio ni termina en julio. Para nosotras es una práctica continua, no una fecha en el calendario.
Hay algo que ocurre en una pista de baile entre personas que comparten disidencia que es difícil de nombrar pero muy fácil de sentir: una suspensión temporal de la negociación constante que supone existir en el mundo. No tener que justificar tu cuerpo, tu deseo, tu forma de estar. Eso no es un lujo ni es trivial, es político. Y dentro de eso caben cosas muy distintas: la fiesta como celebración y la fiesta como refugio no son lo mismo, y las dos son necesarias.
La pista de baile es también una práctica colectiva. Compartir un estado alterado, vulnerabilidad, placer, con personas que no te piden que te expliques: eso construye comunidad de una forma que pocas otras cosas consiguen.
El Orgullo comercial ha hecho un trabajo muy eficiente de vaciar de contenido esa visibilidad. Lo que queda es estética sin riesgo. Por eso los espacios autogestionados importan: porque recuperan la fiesta como lugar de refugio, de rabia, de memoria colectiva, de duelo. No solo de euforia.
Pero espacio seguro no es una declaración de intenciones, es trabajo. Protocolos reales, accesibilidad pensada, gestión honesta de los conflictos que surgen. Una comunidad no se proclama, se construye cada vez.
Cómo dialogan lo político, lo estético y lo sonoro
El punto de partida para nosotras siempre es la comunidad, quiénes están en la sala, pero eso es inseparable de qué suena. La música no es el fondo, es parte de la propuesta política. Qué artistas programamos, de qué geografías, qué cuerpos están en el booth: esas decisiones
construyen un relato antes de que empiece la noche.
Cuando diseñamos una fiesta pensamos en cada capa como parte del mismo mensaje. La estética visual, el círculo, los colores, el lenguaje gráfico, no es decoración. El círculo habla de totalidad, de no-jerarquía, de continuidad. Que todos los nombres del flyer tengan el mismo tamaño no es un detalle: es una postura sobre cómo entendemos el valor artístico y la visibilidad.
Hay un momento que para nosotras lo resume todo: el speech en la entrada. Las personas que te reciben antes de entrar no solo te dan la bienvenida, te explican qué espacio es ese, qué se espera de quienes están dentro, cómo cuidarse mutuamente. Esa pequeña práctica cambia la calidad de lo que ocurre después.
Y los horarios largos son también una decisión consciente. No queremos una fiesta de consumo rápido. Queremos que haya tiempo para conectar, para hablar, para que las cosas sucedan sin prisa. El tiempo es parte del diseño.
Lo político no lo anunciamos. Intentamos encarnarlo en cada decisión: en cómo tratamos a los artistas, al público, al equipo. Ahí es donde se nota si algo es real o solo es estética.
MUSA es un colectivo de personas queer barcelonés que se creó con la intención de dar una plataforma a artistas principalmente FLINTA* de la escena electrónica a través de nuestra fiesta, podcast y sello discográfico. Nuestra misión es generar espacios más seguros y ofrecer un refugio donde expresarnos y bailar libres y seguras la música que nos inspira, tomando la noche como nuestra musa.
“MUSA está formado por Andy, carolina, Doppelganger, Drazzit, Fillo Deportaberta, SANTANA y SITSOPE. “
laura bcr
“La música me hace sentir que no hay límites. Está en cualquier momento y lugar, y siempre saca lo mejor de mí. Es un tesoro que debemos cuidar.”
Han pasado ya más de once años desde que On Board Music nació entre vinilos y ropa en una pequeña tienda de Berlín. Lo que empezó casi como una necesidad de supervivencia entre amigos terminó convirtiéndose en una de las plataformas underground más respetadas de Europa, trabajando junto a artistas como PSYK, Luigi Tozzi, Polygonia y muchos más.
Detrás de todo esto está Laura BCR, una figura clave dentro de la escena actual que, además de liderar el colectivo, también desarrolló una sólida carrera como DJ y productora. Aunque recientemente decidió poner pausa a su faceta como selectora musical, sigue profundamente ligada a la electrónica desde otro lugar: construyendo artistas, desarrollando proyectos y programando festivales con una visión muy personal.
Charlamos con ella sobre los inicios de On Board, su relación con Barcelona, la evolución de la escena electrónica actual y la búsqueda de sonidos profundos, psicodélicos y emocionales que definieron la identidad del proyecto desde el primer día.
Hola Laura, estamos muy felices de tenerte aquí con nosotros. Eres la mente detrás de On Board Music, el sello, agencia y colectivo de fiestas que ahora celebra su 11º aniversario. ¿Puedes contarnos cómo nació esta idea y cómo evolucionó con el paso de los años?
Alrededor de 2013 tenía una tienda de discos y ropa en Berlín junto a otras personas, y muchos de nuestros amigos cercanos eran DJs y productores con muchísimo talento. Algunos de ellos estaban buscando representación y, sinceramente, en esa época estábamos completamente arruinados, así que surgió la idea de crear una agencia de bookings para intentar sostenernos y también ayudarles a tocar más.
Empecé sola en 2015 con quizás ocho artistas, sin grandes nombres, pero sí gente muy talentosa, y todo creció de forma muy orgánica. Desde entonces no he parado: el 95% de mi tiempo en estos últimos años ha estado dedicado a On Board.
FOTOGRAFÍA
GEORGE NEBIERIDZE
Claramente aburrirte no es lo tuyo. Además de llevar todo esto, también eres DJ y productora. ¿Cómo haces para equilibrar el trabajo de agencia, las giras, el DJing y la producción sin perder la cabeza en el proceso?
Cuando trabajas en algo que es básicamente tu pasión, es muy difícil terminar el día a las 17:00. Es una entrega total. Siempre he estado rodeada de música; incluso cuando intenté escapar de ella, volvió a mí. En realidad estudié cine y se suponía que iba a dedicarme a eso, pero no sucedió. Lo intenté y no me gustó.
Todo se construyó de manera orgánica, nunca tuve realmente un plan de negocios, simplemente ocurrió. Llevo tocando música desde los 6 o 7 años. Mi padre tocaba, mi madre tenía una colección de discos y me llevaba a ferias de vinilos. Siempre estuvo dentro de mí.
Pinchar y producir creo que fue lo que me mantuvo cuerda dentro de esta industria. Es un trabajo muy estresante, con presión constante, y especialmente hoy en día, donde todo va tan rápido, como agente tienes que responder constantemente o tus artistas simplemente terminan yéndose a otro lado.
También tengo mis límites. Ya sufrí burnout en el pasado en otro trabajo dentro de la industria musical en Francia. Pero al mismo tiempo, la adrenalina que genera este trabajo es intensísima. Cuando inviertes tanta energía en el proyecto de un artista y ves que finalmente explota, no hay nada más gratificante. Eso es incomparable.
Pero este año tomé una decisión: sentí que ya era suficiente y necesitaba dejar el DJing. Hice muchísimo más de lo que alguna vez imaginé y estoy muy feliz con todo lo que ocurrió, pero necesitaba volver a mis raíces y descansar un poco. Tener más tiempo para mí y recentrarme. Ahora me estoy mudando nuevamente al campo en Francia y estoy muy feliz de haber tomado esa decisión.
El año pasado lanzasteis una preciosa compilación con artistas como Polygonia, Luigi Tozzi, PSYK y muchos más. Me gustaría saber más sobre el proceso de selección musical y el concepto detrás del lanzamiento.
Lanzamos esta compilación el año pasado, en abril, cuando celebrábamos nuestro décimo aniversario. Quería hacer algo que todos pudiéramos recordar, una especie de pequeño manifiesto de On Board y de nuestras inspiraciones.
La mayoría de artistas enviaron música y todo terminó encajando de una manera muy bonita. Representa quiénes somos y la música por la que luchamos. Estoy muy feliz de trabajar con productores tan talentosos que realmente viven por y para la música.
Vais a lanzar un EP de remixes en junio. ¿Qué puedes contarnos sobre esos tracks?
Ese paquete de remixes nació a partir de una serie de compilaciones benéficas que hicimos durante la pandemia para Sea Watch. Participaron muchísimos artistas emergentes y también nombres consolidados. Me sorprendió muchísimo la respuesta de los productores y la predisposición para colaborar.
Amigos míos también ayudaron en el proceso de mastering y fue una experiencia increible. Me alegra que de alguna manera pudiéramos aportar algo y ayudar a una causa en un momento tan difícil.
Los tracks más exitosos de aquella compilación recibieron un pequeño remaster por parte de Neel y remixes de Luigi Tozzi, Psyk, Dorisburg y míos. Amo ese disco. Además, acabamos de empezar a trabajar con Marius Renard en la fotografía y el diseño visual.
Hablando de tus producciones… Acabas de lanzar un álbum en Going In, el sublabel de The Bunker N.Y. ¿Cómo fue el proceso detrás de ese lanzamiento?
Empecé a trabajar en esa música hace unos dos años, principalmente utilizando hardware, sobre todo mis sintetizadores Moog y el Digitone. Quería explorar algo diferente y construir el proyecto alrededor de jams que hacía en el estudio.
Tenía ganas de hacer un álbum largo, algo más profundo, centrado en emociones y movimientos. Se lo envié a Bryan, con quien ya estaba en contacto, y respondió bastante rápido diciendo que le encantaba el proyecto y quería publicarlo.
Entre mezcla y mastering el proceso duró casi un año, y el disco lleva ya unos dos meses fuera.
Estamos felices de tenerte a ti y al crew de On Board en Laut durante OffBCN. ¿Qué podemos esperar de esa noche y qué experiencia intentáis crear cada vez que lleváis el universo de On Board a un club?
Llevamos ya cuatro años seguidos haciendo Laut, igual que nuestro evento en Else, Berlín. Siempre colaboramos con un sello local y esta vez será junto a Non Series.
Junto a Psyk estaremos reuniendo a Shoal, Zara y a Luigi Tozzi en live. Este evento es muy especial para nosotros y creemos que es súper importante apoyar a las salas pequeñas durante períodos tan importantes como OffBCN. Los clubes pequeños son clave para nuestra escena y es importante devolverles algo.
Salas como Laut parecen esenciales para ciudades como Barcelona: espacios que todavía apoyan realmente una cultura underground cuidada. ¿Cuál es tu relación con Barcelona y con la escena española en general?
De hecho, estaba viviendo en Barcelona cuando empecé a pinchar más seriamente. Clubs como Moog, Laut o Human me dieron mis primeras oportunidades internacionales.
Siempre me encantaron esos clubes pequeños de 200 o 250 personas donde realmente puedes conectar con el público y sentir el feedback directo. Ahí es donde la energía se vuelve una locura. Algunos de mis sets favoritos fueron para apenas 80 personas.
También pasaba muchísimo tiempo en tiendas de discos como Rhythm Control o Discos Paradiso. Y hace años viajaba mucho a Madrid gracias a F-on, que fue una gran inspiración para mí. Era DJ, tenía tienda de discos, un sello increíble y compartíamos gustos muy similares. Me descubrió muchísimo talento español.
Todo aquello fue muy especial para mí. Y por supuesto toda la crew de Paral·lel. Todos esos años en España fueron muy formativos para entender cómo evolucionó mi gusto y mi percepción de la música. Así que sí, España ocupa un lugar muy especial en mi corazón.
¿Cuántos años llevas siendo DJ y cuáles sientes que fueron los mayores desafíos de dedicar tu vida profesionalmente a este camino?
Empecé a los 17 años, cuando compré mi primer equipo con algo de dinero que había ahorrado trabajando en verano. Me gastaba todo en discos jajaja. Aunque sinceramente era bastante mala .
En esa época estaba muy metida en el hard techno, hardcore, free parties y raves en el bosque… todos esos sonidos alternativos que solo podías encontrar en vinilo.
Después, alrededor de los 18 o 20 años, descubrí todos los discos de Plastikman, la música de Detroit, mucho electro y techno, Arpanet… era fanática absoluta.
Luego tuve un gran parón porque empecé a girar por el mundo trabajando como production manager para cantantes y no tenía tiempo para nada más. Retomé el DJing en 2013, coincidiendo con la tienda de discos, y ahí fue cuando volví a tocar frente a público.
A veces es un camino difícil, pero tampoco puedo quejarme: consigo vivir de mi pasión. Sí, tienes que hacer ciertos sacrificios en tu vida personal, pero honestamente nunca sentí que estuviera perdiendo algo.
Siempre sentí que On Board ocupa un lugar muy particular dentro del panorama electrónico actual. Hay techno, ambient, psicodelia, sonidos profundos e hipnóticos, pero también algo muy espiritual atravesándolo todo, sin sonar nunca fácil de etiquetar. ¿Cómo describirías la identidad sonora y filosófica del proyecto?
Diría que, más allá de los BPMs o de hacia dónde se incline cada release, el proyecto siempre tiende hacia sonidos profundos y psicodélicos.
Siempre odié la palabra “hipnótico”, pero supongo que al final también conecta con nosotros. Y para mí, más allá de todo, se trata simplemente de música buena y de calidad hecha con y para el alma.
Formas parte de Nous’Klaer Festival. ¿Cómo es organizar un festival así desde dentro? ¿Sientes que en Países Bajos existe un apoyo institucional real para este tipo de iniciativas culturales y underground?
El equipo está basado en Rotterdam y este año me uní al equipo de programación. Con el tiempo me hice muy amiga de Sjoerd/ Oberman, primero porque es una persona increíble y dedicada, pero también porque compartimos una visión muy similar sobre la música.
Trabajar con él es de las experiencias más fluidas que he tenido nunca. Es precioso acompañar a alguien con ideas tan buenas.
El festival es uno de mis favoritos: tiene una capacidad de 2000 o 2500 personas, sigue siendo muy humano, ocurre de día y en un espacio artístico con una atmósfera increíble. Honestamente creo que es uno de los mejores festivales que existen y estoy muy feliz de que me hayan invitado a formar parte.
Organizar algo así junto a un equipo apasionado y motivado es simplemente maravilloso. Requiere muchísimo trabajo de coordinación, pero me encanta. Y sí, en Países Bajos existen muchos programas de apoyo para artistas y festivales, subvenciones y ayudas, y es genial ver eso.
¿Qué artistas, sellos o movimientos te están inspirando más actualmente?
Además de los artistas que represento, que son mi inspiración diaria, los sellos que más estoy escuchando últimamente son Non Series, System Revival, Kynant, Deep Medi, Woozy, AD93 y por supuesto Nous’Klaer.
Dentro del techno me encanta también Instinkt Lab, creo que son increíbles. Amo ese sonido minimalista. También toda la serie Extans Mantra de Sunju Hargun. Absolutamente todo lo que sale en Kontakt Records y las producciones recientes de Sebastian Mullaert.
Todo el trabajo de The Bunker e Interdimensional Transmissions es una inspiración enorme para mí.
En cuanto a artistas: Jo Johnson, Cousin, Pye Corner Audio, Monolake, u-Ziq o Patricia Wolf son algunos de mis favoritos. Y últimamente James K, Laurel Halo, Zemog, Om Unit, Katatonic Silentio, Oklou, Purelink o Perila me parecen súper inspiradores.
La lista podría seguir eternamente .
También siento que la música electrónica está atravesando una evolución interesante, mezclando influencias del pasado con nuevas formas de producción para crear algo híbrido, emocional, oscuro e inmersivo. Desde tu perspectiva, ¿hacia dónde crees que se dirige la escena?
Depende desde dónde lo mires. Creo que, en medio de toda la basura comercial que tenemos que soportar constantemente en redes sociales, también sale música increíble todos los días.
Ahora que producir es mucho más accesible gracias al software, hay gente creando auténticas bombas de dancefloor o piezas ambient maravillosas.
Sí, a veces existe cierta uniformidad en los sonidos, pero dentro de ese enorme espectro siempre aparecen joyas. Constantemente me impresionan productores nuevos o personas que trabajan muchísimo y terminan haciendo música excelente.
Así que sinceramente me mantengo muy positiva respecto al futuro.
Y para terminar, ¿podrías recomendarnos algunos discos o releases recientes que consideres esenciales y que la gente no debería perderse?
Me encantó el último release de Mammo, Lateral. Realmente me emocionó muchísimo.
También The Sacred Rage, dedicado a Beirut a través de Morphine, me parece un lanzamiento muy poderoso que nadie debería perderse.
Y quiero destacar también a dos productores cuya música no puedo dejar de escuchar últimamente: Âsan y Nao Nhil.
FRIENDLY PRESSURE – FP-398
En pleno resurgimiento del hi-fi, el sonido ya no es lo único que importa. La estética, los materiales, la presencia física y la forma en la que un sistema habita un espacio se han convertido en parte de una nueva experiencia sensorial donde diseño y audio conviven como nunca antes. Porque cuando el sonido se combina con una identidad visual potente, el resultado puede ser realmente alucinante.
Hace poco nos cruzamos con Friendly Pressure, un estudio con base en Londres que va mucho más allá de todo lo que hayas visto dentro del universo hi-fi. Fundado por Shivas Howard Brown, el proyecto nace de una obsesión por el sonido, pero también por la cultura, la arquitectura y la experiencia colectiva de escuchar música.
Friendly Pressure no se limita a diseñar altavoces: crean objetos que parecen estar en algún punto entre instalaciones artísticas futuristas y sistemas de audio atemporales, manteniendo al mismo tiempo una conexión muy profunda con la cultura soundsystem británica y la época dorada del sonido analógico. Su trabajo mezcla artesanía, ingeniería de alto nivel y un lenguaje visual extremadamente refinado.
Desde el primer vistazo queda claro que esto no es un sistema de altavoces convencional. El FP-398 tiene una presencia casi escultórica. La trompeta transparente, desarrollada mediante resina impresa en 3D activada por UV, se convierte en el centro visual de todo el sistema. En lugar de esconder la ingeniería, Friendly Pressure la transforma en parte de la identidad estética del objeto.
El FP-398 fue desarrollado durante años de investigación inspirada en algunos de los diseños hi-fi más legendarios de los años 60 y 70. En su núcleo encontramos un driver de graves Supravox, fuertemente influenciado por los icónicos altavoces vintage de Altec y JBL que marcaron generaciones enteras de soundsystems y espacios de escucha. Para medios y agudos, Friendly Pressure eligió un driver coaxial de compresión ultra high-end del fabricante alemán BMS.
El carácter sonoro general se siente increíblemente abierto, cálido y tridimensional. Hay profundidad, claridad y una sensación de realismo casi orgánica que cuesta encontrar incluso en muchos sistemas contemporáneos de alta gama. Gran parte de esto proviene del diseño adaptado de la trompeta SEOS 22, desarrollado junto a More Human Systems, capaz de extenderse hasta los 500Hz mientras ofrece una dispersión sonora amplia e inmersiva.
Otro detalle fascinante es la forma en la que Friendly Pressure abraza el envejecimiento como parte de la identidad del objeto. Debido a la resina UV utilizada en la construcción de la trompeta, las versiones transparentes pueden desarrollar lentamente un tono amarillento con el paso del tiempo al exponerse al sol. Lejos de verlo como un defecto, el estudio lo entiende como parte de la evolución natural del altavoz, casi como el envejecimiento de un instrumento musical.
Todo en los FP-398 comunica permanencia. Cada cabinet está hecho y ensamblado artesanalmente en Londres utilizando madera obtenida dentro del Reino Unido, tanto para minimizar el impacto ambiental como para mantener un control absoluto sobre el proceso de construcción.
Pero quizás lo que hace realmente especial a Friendly Pressure es la manera en la que conecta dos mundos que rara vez se cruzan de forma tan natural: la obsesión audiófila y la rica historia cultural de Londres. Sus sistemas no solo están construidos para sonar excepcionales; están diseñados para transformar espacios, moldear atmósferas y convertirse en puntos emocionales dentro de una habitación.
En un momento en el que el acto de escuchar empieza lentamente a recuperar importancia dentro de la cultura de la música electrónica, proyectos como Friendly Pressure nos recuerdan que el sonido todavía puede ser físico, visual, emocional y profundamente humano.
malóne morez
Después de años de crecimiento constante dentro de la escena house internacional, el artista nacido en Cuba y residente de Miami inicia una nueva etapa bajo el nombre de Malóne Morez, un cambio que no llega únicamente desde lo estético, sino desde una evolución personal y artística mucho más profunda. Entre residencias en Miami, veranos eternos en Ibiza, giras por Europa y el crecimiento de WHYNOTUS, su sello y plataforma creativa, Morez se encuentra en uno de los momentos más sólidos y ambiciosos de su carrera.
Su sonido respira groove, cultura club y una sensibilidad muy ligada a la pista de baile, pero también a la construcción de comunidad y a una visión del clubbing que todavía conserva algo humano en medio de una escena cada vez más acelerada. Desde sus noches infinitas en Space Miami hasta su reciente remix del clásico ‘Fired Up’ para el 30 aniversario de Nervous Records, Malóne Morez representa a una generación de artistas capaces de moverse entre el underground y una proyección global sin perder identidad.
Para nuestra portada #28 de junio, hablamos con él sobre Ibiza, Miami, evolución artística, producción musical, comunidad, WHYNOTUS y el gran objetivo que todavía persigue: construir su propia residencia en la isla más icónica de la música electrónica.
Vienes de unos años de muchísimo crecimiento y ahora además arrancas una nueva etapa bajo el nombre de Malóne Morez. ¿Qué representa realmente este cambio para ti? ¿Sientes que también cambia tu manera de entender la música y el proyecto artístico?
Es algo que llevaba tiempo queriendo hacer. A medida que fui creciendo como artista y también como persona, sentí muchos cambios internos respecto a la música y mi carrera. Después de pasar mi primera temporada completa viviendo en Ibiza junto a mi familia el verano pasado, entendí mucho más claramente qué tipo de artista quería ser, qué música quería hacer y qué tipo de fiestas quería tocar. Y, sobre todo, hacia dónde quería llevar WHYNOTUS, tanto como sello como proyecto.
Este verano vuelves a Europa con una agenda bastante intensa. ¿Cómo estás viviendo esta nueva etapa de tours? ¿Hay alguna ciudad o club con el que hayas conectado especialmente en los últimos años?
Esta es mi época favorita del año. Los veranos de gira por Europa son algo único. La cultura, la historia, el público… todo eso me inspira muchísimo como artista y me da una energía nueva que necesito constantemente. Uno de los recuerdos más especiales que siempre tengo presente fue mi primer set en la main room de Fabric London. El sonido, la atmósfera, la historia que tiene esa sala… fue increíble. E Ibiza siempre será especial para mí. Poder tocar por primera vez en Pacha el verano pasado, en el closing de la primera residencia de Blond:ish, es algo que nunca voy a olvidar.
Ibiza sigue siendo una parte importante de tu historia cada verano. Después de tantos años tocando en la isla, ¿cómo percibes su evolución? ¿Crees que todavía conserva espacios donde la cultura de club sigue siendo auténtica?
La perspectiva es muy importante. Cada persona vive y siente las cosas de manera distinta. Para mí, Ibiza siempre va a tener algo mágico y especial. Cada año tengo más ganas de volver. Las fiestas mejoran, los sets mejoran, y lo más importante es que cada temporada me llevo algo nuevo conmigo. Descubro nuevas partes de mí como artista. Evolucionar constantemente es algo fundamental en cualquier industria, especialmente en la música house.
Miami parece haber tenido una influencia fuerte en tu identidad artística. ¿Qué tiene esa ciudad que marcó tanto tu visión musical y estética?
Miami es una de las ciudades más especiales del mundo. La energía, la mezcla cultural, la gente que llega de todas partes… tiene algo eléctrico. Tuve la suerte de crecer viendo DJs increíbles muchísimo antes de dedicarme profesionalmente a esto. Antes de ser DJ era un raver total (risas). Pasé noches enteras en Space viendo sets de diez horas, estudiando cómo leer una pista. Luego, cuando me convertí en residente del club, sentí una evolución enorme como artista. Desde opening sets de cinco horas hasta cierres empezando a las ocho de la mañana, todo eso me preparó para cualquier situación y moldeó muchísimo mi sonido.
Desde fuera, Miami tiene una mezcla muy particular entre cultura latina, nightlife americana y groove. ¿Cómo aparece eso en tu música?
Totalmente. Todas esas influencias están presentes en mi música y en mi manera de pinchar. Todo gira alrededor del groove. Una de las mejores cosas que me dicen cuando toco en otros países es: “Sentí que estaba en Space” o “Nos encanta esa vibra Miami”. Me hace sentir orgulloso representar esa energía y mantenerme fiel a mis raíces.
También has estado muy conectado con la escena española. ¿Qué crees que España hace especialmente bien a nivel club culture?
El público. Sin duda. La pasión que tiene la gente aquí por la música electrónica es increíble. Aman bailar, forman parte de esa cultura de verdad. Y eso para un DJ es súper especial. Además, el público español entiende y respeta algo que en muchos sitios se ha perdido: el valor de un buen opening set.
Hablemos del estudio. ¿Cómo produces actualmente?
Hoy mi proceso es bastante híbrido, aunque cada vez trabajo más en digital desde mi home studio. Cuando te acostumbras a tu espacio, las ideas empiezan a salir mucho más fluidas. Aunque sigo disfrutando muchísimo entrar en estudios más grandes y colaborar con vocalistas o compositores. Esa parte humana y colaborativa es probablemente lo que más disfruto de hacer música.
Tus tracks tienen muchísimo foco en la energía y el groove, pero también en los detalles y las atmósferas. ¿Cuando produces piensas más en el club o en la emoción?
Ese equilibrio es uno de los mayores desafíos actualmente. La manera en la que la gente consume música cambió muchísimo. Es importante hacer música para el club y la pista de baile, pero también crear tracks que puedan conectar fuera de ahí. Intento mantener siempre el groove, aunque a veces acercándome un poco más a algo más emocional o accesible sin perder identidad.
¿Cómo haces para mantener tu identidad en una escena cada vez más rápida y homogénea?
Hay que saber adaptarse sin perder quién eres. Las tendencias cambian rapidísimo y las redes sociales aceleran todo aún más. Creo que uno de los mayores retos para cualquier artista hoy es mantenerse fresco sin perder inspiración ni identidad. Yo siempre me consideré estudiante de esta escena. Llevo muchos años viendo cómo aparecen y desaparecen tendencias, así que intento evolucionar sin dejar de ser yo mismo.
Viendo todo lo que has construido hasta ahora, ¿sientes que estás más cerca de la visión que tenías al principio?
Sinceramente, jamás imaginé llegar hasta aquí. Todo esto empezó como un hobby, pinchando con un pequeño controlador en el patio de mis amigos. Y ahora, doce años después, estoy girando por el mundo y tocando en Ibiza. A veces todavía me cuesta creerlo. Pero también siento que estoy en mi mejor momento: haciendo la mejor música de mi vida y sintiéndome más cómodo que nunca detrás de la cabina.
¿Te queda todavía algún gran sueño por cumplir?
Sí. Mi gran objetivo ahora mismo es conseguir una residencia en Ibiza. Quiero llevar WHYNOTUS hasta ese nivel. Para mí significaría muchísimo como artista, curador y label owner. Seguir dºescubriendo artistas nuevos, construir una comunidad real y convertir WHYNOTUS en una marca global es el gran sueño.
Más allá de las giras, los releases y el crecimiento de WHYNOTUS, lo que realmente transmite Malóne Morez es la sensación de estar viviendo uno de esos momentos donde un artista finalmente entiende quién quiere ser. Hay ambición, sí, pero también una búsqueda muy clara de identidad en una escena que muchas veces parece moverse demasiado rápido.
Entre el groove de Miami, las temporadas eternas en Ibiza y una visión cada vez más definida de comunidad y cultura club, Morez parece haber encontrado ese equilibrio difícil entre evolución y autenticidad. Y aunque todavía persigue el sueño de construir su propia residencia en la isla, da la sensación de que el verdadero viaje recién empieza.
thinkpink
Thinkpink está construyendo su propio espacio a base de versatilidad y conexión con la pista de baile. Su historia comienza en 2020, en pleno cambio de paradigma para la industria, cuando decide apostar por la música como camino profesional y se forma en Microfusa, uno de los semilleros del talento local en Barcelona.
Desde entonces, su evolución ha sido rápida pero consistente: de las aulas al club, pasando por cabinas de referencia como Pacha Barcelona, Opium o Tantra Ibiza, y consolidando una propuesta que navega entre el tech-house, el house y el deep. Más allá de los géneros, su enfoque está en la energía y en la construcción de sets como experiencias vivas, donde la intuición y la lectura de la pista juegan un papel fundamental.
Con hitos como su paso por el Open Stage de Brunch Electronik Festival o su participación en el circuito Up&Coming de elrow, Thinkpink representa una nueva generación de artistas emergentes que crecen dentro de la escena actual. En esta conversación, hablamos sobre su proceso creativo, su manera de entender la cabina y cómo es abrirse camino como mujer joven en la electrónica actual, además de sus próximos pasos, que incluyen nuevas fechas en Ibiza y el lanzamiento de una colaboración muy esperada.
Empezaste tu camino en la música en 2020, un momento bastante incierto para la industria. ¿Qué te impulsó a dar ese paso y apostar por ello de forma profesional?
Creo que precisamente el contexto tuvo mucho que ver. Siempre he sido una amante de la música y consciente de que tengo buen oído para ello pero durante esa etapa tenía mucho más tiempo para descubrir música, investigar sonidos y conectar de verdad con la escena electrónica. Empecé casi como una necesidad creativa y poco a poco me di cuenta de que no quería que fuese solo un hobby. Sentí que era algo en lo que podía expresar mucho de mí misma y decidí apostar por ello de forma seria, aunque el momento fuese incierto.
Te formaste como DJ y productora en Microfusa. ¿Qué dirías que fue lo más importante que te llevaste de esa etapa?
Más allá de la parte técnica, que obviamente fue fundamental, creo que lo más importante fue entender la música desde una perspectiva mucho más profesional. También rodearme de gente que estaba empezando como yo me ayudó muchísimo a crecer, compartir inquietudes y entender cómo funciona realmente la industria.
Tu sonido se mueve entre el tech-house, el deep y el house. ¿Cómo definirías hoy tu identidad artística?
Diría que intento mantener un equilibrio entre groove, elegancia y energía. Me gusta mucho trabajar sets que tengan personalidad y que no sean simplemente una sucesión de tracks rápidos. Aunque me muevo entre distintos estilos, siempre intento que haya una línea coherente y enfocada al club o evento en el que toco.
AUTOR
Has pasado por cabinas como Pacha Barcelona, Opium o Tantra Ibiza. ¿Hay algún momento en concreto que recuerdes como un punto de inflexión?
Creo que empezar a tocar en Ibiza fue un momento importante para mí. Es un sitio que siempre había visto como algo muy lejano y de repente verme allí, conectando con gente de tantos lugares distintos, me hizo sentir que todo el trabajo estaba empezando a tener sentido.
También has participado en plataformas como el Up&Coming de elrow. ¿Cómo influyen este tipo de oportunidades en el desarrollo de una artista emergente?
Ayudan muchísimo porque te dan visibilidad y también confianza. Cuando estás empezando, formar parte de plataformas así te hace sentir que vas por el buen camino y te permite enseñar tu proyecto a gente que probablemente de otra forma no llegaría a conocerte.
A nivel de producción, ¿Cómo nace normalmente una idea en el estudio para ti?
Normalmente nace de la inspiración de otros temas que me gustan. A veces puede ser una vocal, un groove o incluso una referencia fuera de la música y a partir de ahí voy desarrollando según lo que me encaje.
Este mes lanzas una colaboración con Daniel Aguilar. ¿Qué nos puedes adelantar de este proyecto y qué significa para ti?
Es un proyecto muy especial porque ha sido una colaboración muy natural desde el principio. Creo que hemos conseguido juntar influencias de ambos y crear un track con mucha energía pero también bastante identidad. Tengo muchas ganas de que salga y que lo podáis escuchar todos.
En paralelo, tienes fechas importantes como el próximo 6 de junio en Metro Dance Club y varios shows en Ibiza. ¿Cómo estás viviendo este momento a nivel profesional?
Lo estoy viviendo con muchísima ilusión pero también intentando mantener los pies en el suelo. Siento que están empezando a pasar cosas muy bonitas y que poco a poco el proyecto está creciendo, pero al final esto también requiere mucha constancia y muchísimo trabajo detrás.
¿Has encontrado algún reto como mujer joven en la industria electrónica?
Sí, creo que todavía existen ciertos prejuicios dentro de la industria, especialmente cuando eres mujer y joven. A veces tienes la sensación de que necesitas demostrar más constantemente, pero también creo que cada vez hay más espacio para nuevas generaciones de artistas femeninas que están aportando muchísimo a la escena.
Mirando al futuro, ¿Qué visión tienes para Thinkpink tanto dentro como fuera de la cabina?
Me gustaría que Thinkpink creciese como un proyecto artístico completo, no solo enfocado en los shows sino también en la producción, la identidad visual y todo lo creativo que rodea al proyecto. Quiero seguir evolucionando, encontrar un sonido cada vez más per-
sonal y poder conectar con públicos de distintos lugares.
seguir siendo nosotrxs mismxs, participando de la producción cultural contemporánea sin perdernos en las dinámicas del hype y consumismo masivo. En mi experiencia, lo que más ayuda a mantenerme coherente es ser transparente con lo que me gusta. Seguir mi intuición y confiar en la veracidad de la obra que comparto con los demás.
¿Y qué es lo que más te sigue emocionando de todo esto?
Me emociona no saber lo que va a pasar. Ya todo lo que he aprendido y conocido a través de la pasión musical supera toda expectativa posible. Expectativas que de hecho intento no tener. Creo más bien en la importancia de estar presente, y en el acto de estar ahí para que se sigan abriendo nuevos caminos y posibilidades. Me emociona tener la disposición de continuar saliendo, de seguir escuchando y buscando el diálogo con lxs demás.
trym
“La gente no recuerda un set porque fuera rápido, recuerda cómo le hizo sentir”
Durante mucho tiempo el techno parecía obsesionado con parecer serio. TRYM apareció haciendo prácticamente lo contrario: más rápido, más emocional, más visual y con menos miedo a romper las reglas.
Hijo de una generación que creció con tantos referentes de internet como de club, el francés se ha convertido en una de las figuras que mejor explican el cambio de lenguaje dentro de la escena electrónica actual.
Una de las primeras cosas que la gente asocia con tus sets es la energía pura. Incluso cuando pinchas a BPMs muy altos, sigue existiendo una sensación muy clara de control y progresión detrás. ¿Qué crees que separa la intensidad del simple caos dentro de un set?
Para mí, la intensidad tiene que ver con la tensión y la liberación. Puedes pinchar duro durante horas, pero si todo está al 100% constantemente, la gente deja de sentirlo. Un buen set necesita contraste y narrativa. Quiero que mis sets sean como una montaña rusa: pueden ser rápidos, emocionales y sorprendentes.
Tu crecimiento llegó en un momento en el que la escena parisina (y especialmente colectivos como Possession) transformaron por completo la imagen del techno a nivel mundial. ¿Por qué crees que esa escena conectó con tanta gente alrededor del mundo?
Creo que la gente conectó con su autenticidad. No era solo música, era una cultura, una comunidad y una identidad muy fuerte. La energía se sentía cruda y honesta. En ese momento, cada vez más gente quería formar parte de esas fiestas, incluso aunque muchas de ellas no fueran legales. El techno era realmente un espacio de libertad y seguridad para todo el mundo, y París ofrecía esa sensación.
Cuando empezaste a llamar la atención, gran parte del techno seguía dominado por sonidos más oscuros y rígidos. Tu enfoque parecía mucho más directo, influenciado por la cultura rave y con una carga emocional mayor. ¿Sentías que estabas yendo contra la cultura techno dominante de aquel momento?
Siempre sentí que iba por delante de mi tiempo. Estaba pinchando música dura cuando todo el mundo estaba como máximo en los 140 BPM, y al crecer quise buscar algo diferente y empecé a tocar cosas más melódicas. Simplemente estaba pinchando la música que más me emocionaba. Crecí escuchando muchos géneros distintos y siempre me ha gustado la música capaz de generar emociones fuertes. Quizá en aquel momento parecía diferente porque no estaba intentando encajar en una definición concreta
de lo que debía ser el techno. Has mencionado en otras ocasiones que una de las cosas más importantes para ti es conseguir que la gente sienta algo durante tus sets. ¿Cuál crees que es el mayor error que cometen hoy algunos DJs cuando se centran únicamente en la intensidad?
El mayor error es olvidarse de la emoción. La energía es importante, pero la gente rara vez recuerda un set simplemente porque fuera rápido. Recuerdan cómo les hizo sentir. A veces una simple melodía, una vocal o incluso un momento de silencio pueden crear un recuerdo más potente que el drop más duro de la noche. Si solo te centras en la intensidad, pierdes el viaje emo-
cional.
Muchos artistas de tu generación crecieron con referencias mucho más amplias que la cultura techno tradicional: internet, videojuegos, rap, anime, hardstyle, edits, música viral… ¿Crees que esa apertura define a esta nueva generación de artistas?
Totalmente. Nuestra generación creció con acceso ilimitado a música y cultura a través de internet. Nunca estuvimos restringidos a una sola escena o un único género. Creo que por eso los artistas
más jóvenes suelen estar menos interesados en las barreras.
Te convertiste en un nombre reconocido globalmente muy rápido gracias a clips de Boiler Room, redes sociales y momentos virales online. ¿Eso ha cambiado de alguna forma la presión a la hora de pinchar? ¿Piensas alguna vez en cómo se verán ciertos momentos en internet mientras estás actuando?
Si empiezas a pensar en los clips mientras estás pinchando, ya has perdido el foco. El público que tienes delante tiene que seguir siendo la prioridad. Los mejores momentos virales normalmente ocurren cuando estás completamente pre-
sente en ese instante, no cuando intentas crearlos.
Aunque ahora actúas en grandes festivales de todo el mundo, tu historia sigue muy ligada a la cultura warehouse y al underground parisino. ¿Sigues sintiéndote conectado a ese entorno o tu relación con la escena ha cambiado con el tiempo?
Esa cultura sigue siendo una parte enorme de quién soy. Por supuesto, las cosas cambian a medida que tu carrera crece, pero los valores que hicieron que me sintiera atraído por la música electrónica desde el principio siguen siendo los mismos: libertad, comunidad y experiencias compartidas. Los eventos más pequeños e íntimos todavía me inspiran mu-
cho porque ahí es donde ocurren muchos momentos especiales.
El hard techno ha explotado durante los últimos años, pero también se ha convertido en una de las escenas más debatidas dentro de la música electrónica. Algunos lo ven como algo emocionante y fresco, mientras que otros creen que se ha vuelto demasiado repetitivo. ¿Cómo ves personalmente el estado actual de la escena?
Cuando un género crece muy rápido, es normal que aparezcan tanto innovación como repetición. Creo que ahora mismo hay artistas increíbles llevando las cosas hacia nuevos lugares, pero también hay tendencias que acaban sobresaturándose. Es algo normal. Lo importante es que los artistas si-
gan evolucionando y sean fieles a su propia identidad en lugar de perseguir fórmulas. La música siempre está en un estado constante de renovación.
Siempre has evitado la imagen estereotipada del “DJ de techno serio”. Incluso tus visuales y tu presencia online parecen más humanos, divertidos y autoconscientes que los de muchos artistas dentro de esta escena. ¿Fue algo intencionado desde el principio?
Realmente no fue una estrategia. Siempre he creído que la gente conecta más con la autenticidad que con una imagen. Me tomo mi trabajo en serio, pero no me tomo demasiado en serio a mí mismo. Creo que es importante mostrar diferentes partes de tu personalidad y no crear una distancia innecesaria entre tú y tu público.
Ahora viajas constantemente y actúas para públicos completamente diferentes cada fin de semana. ¿Qué países o ciudades te han sorprendido más últimamente en cuanto a energía y conexión con el público?
Estados Unidos siempre me sorprende. El público allí es muy diferente al europeo. Siento que son más abiertos en cuanto a variedad de géneros. Países como Colombia y México tienen una energía difícil de describir. Últimamente también me ha impresionado mucho el público de India. La escena electrónica allí está creciendo muy rápido y las audiencias están increíblemente involucradas.
Fuera de la música electrónica, ¿qué es lo que más te inspira creativamente ahora mismo? ¿Qué consumes o qué te obsesiona últimamente cuando estás fuera de las giras?
Me inspiran muchas cosas fuera de la música: el deporte, el cine, la moda, el anime y los videojuegos. Últimamente he pasado más tiempo explorando artes visuales y tecnologías creativas. A veces las mejores ideas musicales vienen de fuentes completamente alejadas de la música.
Después de todo lo que ha ocurrido durante los últimos años, ¿qué sigue motivándote creativamente? ¿Qué sigues persiguiendo como artista en 2026?
La curiosidad. Sigue siendo mi mayor motivación. El éxito nunca puede ser el objetivo final porque rápidamente te das cuenta de que por sí solo no genera satisfacción. Lo que mantiene mi interés es aprender, mejorar y encontrar nuevas formas de conectar emocionalmente con la gente. Todavía quiero sorprenderme a mí mismo, sorprender al público y seguir evolucionando como artista. Si tuviera que marcarme un objetivo, diría que quiero llevar la cultura y el sonido techno a los escenarios principales de los festivales más grandes.
domus audio
La saturación de la formación musical hoy en día hace que, a menudo, el ruido eclipse al contenido de valor. En medio de tutoriales rápidos, fórmulas repetidas y promesas de éxito rápido, se vuelve cada vez más necesario un espacio que priorice el oficio, la paciencia y el día a día en el estudio.
Bajo esa premisa opera Domus Audio. Detrás del proyecto están Kev Williams y Marvio, dos DJs, productores y profesores que han diseñado este ecosistema no como una simple escuela, sino como un lugar de diálogo para la comunidad electrónica. Con una propuesta que abarca desde sample packs muy cuidados hasta mentorías uno a uno, su objetivo es claro: ayudar al artista a encontrar su propio sonido y a madurar su criterio.
Nos sentamos a charlar con ellos para descubrir el origen del proyecto, su filosofía y el papel que juega la educación en la evolución de la música electrónica.
Nos gustaría saber un poco cómo fue el nacimiento de Domus.
Domus comenzó de una manera casi inconsciente en 2022, cuando ambos llegamos a Barcelona para establecernos y comenzar una nueva etapa. Desde ese primer momento nos hicimos muy amigos, y también entablamos una gran relación con personas y artistas como Gespona, Amadori, Martín Cozar, Djolee, Last Men On Earth, Hylia y Liebig, por mencionar algunos.
Cada vez que nos reuníamos, lo único que hacíamos era hablar de música, de tracks, de recursos a la hora de producir, de eventos y de todo lo relacionado con la música electrónica. Y un día, con toda esa información circulando, nos preguntamos: ¿por qué no volcamos todo esto en un espacio donde podamos compartirlo con más gente?
Así empezó Domus, a finales de 2024 y principios de 2025.
¿Quiénes están detrás de Domus Audio?
Nosotros, los fundadores, somos Kev Williams (Soft Division) y Marvio, ambos productores musicales, DJs y docentes.
Kev, que ahora también trabaja bajo el alias Soft Division, está desarrollando una nueva identidad sonora en la que explora con mayor profundidad el IDM, breaks y el ambient, buscando tender un puente entre la música electrónica de escucha y la de club. Se presenta en formatos live e híbridos, entendiendo ambos espacios como distintas formas de conectar esa narrativa sonora con el público.
Marvio viene desarrollando una etapa muy activa como productor y docente. También trabaja en mixing y mastering para otros artistas y es fundador y miembro del colectivo y sello discográfico Amancay. Ha publicado música en sellos como Get Physical y Renaissance, y su música también ha sido remezclada por artistas de gran trayectoria como Acid Pauli, Oliver Koletzki y Shall Ocin.
¿En qué momento sintieron que hacía falta crear Domus Audio? ¿Hubo algún punto de inflexión concreto?
Sentimos que hacía falta crear Domus cuando vimos que toda esa información podía compartirse con otras personas. Con el tiempo, nos dimos cuenta de que el contenido de esas conversaciones podía ser realmente útil para muchas personas que quizá están solas o carecen de este tipo de información.
Muchas personas desean iniciarse en este camino de la producción y el arte, y nosotros queremos estar ahí para acompañarlas, ofrecerles herramientas y recursos, y ayudar a que su proceso creativo sea sostenible.
El punto de inflexión fue entender que no queríamos limitarnos a enseñar producción musical, sino construir un espacio que acompañe de verdad al artista en su desarrollo.
Entonces, vienen de la práctica real como artistas y profesores. ¿Qué les frustraba del modelo educativo existente?
Nos frustraba que muchas propuestas se quedaran demasiado en lo técnico o en lo genérico. Se suele enseñar a usar un software, pero no siempre a tomar decisiones artísticas. Se habla de “hacer tracks”, pero no de construir una voz propia ni una identidad a través de la música.
También echábamos de menos un enfoque más cercano a la realidad del proceso creativo y menos atado a fórmulas rígidas o repetitivas. En otras palabras, tratamos de que nuestros alumnos disfruten durante el aprendizaje.
¿Por qué deciden definir Domus como un “ecosistema” y no simplemente como una plataforma educativa?
Por varios motivos. Para empezar, porque Domus no nace solo para impartir contenido, sino para conectar distintas capas de valor: formación, inspiración, herramientas, comunidad y contacto real. No es un catálogo de cursos; es un entorno en el que un productor puede aprender, descubrir referencias, acceder a recursos y sentirse parte de una cultura.
Por otra parte, actualmente estamos impartiendo nuestro primer workshop, y en él les pedimos a los alumnos que los proyectos en los que estaban trabajando por su cuenta los terminen desarrollando en colaboración con otro alumno. Esto también forma parte del ecosistema que imaginamos, ya que buscamos que las personas interactúen entre sí y compartan conocimiento, técnicas y distintas maneras de entender la música.
Además, queremos incorporar a nuestro equipo docente artistas de diferentes géneros, para que puedan compartir su conocimiento con la gente y enriquecer la enseñanza. Actualmente, Abuk y Djolee, artistas de Melodic House & Techno, ya forman parte de Domus, y en los próximos meses seguiremos incorporando nuevos artistas.
Hablan mucho de identidad sonora. ¿Cómo se enseña algo tan intangible como tener un sonido propio?
No se enseña como una receta, porque no existe una fórmula única. Lo que sí se puede hacer es crear las condiciones para que aparezca. Eso pasa por escuchar mejor, analizar referencias con profundidad, entender por qué te atrae cierto sonido, aprender a tomar decisiones de manera consciente y trabajar desde la emoción, no solo desde la técnica.
La identidad sonora aparece cuando el productor deja de imitar y empieza a elegir con intención.
También hacemos mucho énfasis en lo emocional, en hacer música para crear algo original desde el sentimiento. Muchas veces, por trabajar frente al ordenador, nos olvidamos de eso, pero conectar con los sonidos y luego plasmar esa conexión en la música hace que las composiciones tengan mucho más valor.
¿Un buen sample pack puede cambiar realmente la dirección creativa de un productor?
Sí, absolutamente. Un sample pack no es solo un conjunto de sonidos; debe ser un disparador creativo, una fuente de recursos que ayude al productor a hacer música. Puede abrir una puerta a la hora de construir la identidad sonora de la que hablábamos antes, también puede cambiar la energía de una sesión o incluso resolver bloqueos creativos.
Pero el valor real no está solo en la calidad de los sonidos, que también es muy importante, sino en la visión que los sostiene. Un buen sample pack inspira porque tiene una personalidad clara.
Nosotros hemos creado uno de 450 sonidos, que nos llevó aproximadamente dos meses de trabajo. Fueron varias sesiones sentándonos a experimentar con las máquinas que tenemos en nuestro estudio. Fue una experiencia realmente muy bonita.
Después tenemos el sample pack de Abuk, artista argentino con lanzamientos en sellos como Get Physical, Stil vor Talent y Renaissance, que consta de 250 sonidos y marca claramente su identidad sonora.
De aquí a final de año lanzaremos otros tres sample packs: uno de Reezar, artista italiano que acaba de publicar música en Innervisions; otro de la cantante Apo Lucia, que estará centrado en vocales originales; y una colaboración con artistas del sello portugués Ritmo Futuro. Hablan de crear puentes dentro de la cultura electrónica. ¿Cómo se materializa eso en Domus?
Se materializa conectando herramientas y conocimientos con artistas y personas de distintas partes del mundo que comparten una misma pasión: la música electrónica. Queremos ayudarles a crear y a crecer juntos.
Eso puede ocurrir a través de colaboraciones, contenidos educativos, los sample packs, las masterclasses y los proyectos compartidos. También significa tender puentes entre la parte más artística y la parte más práctica de la producción.
Queremos que Domus funcione como un punto de encuentro entre escenas, generaciones y maneras distintas de entender la música.
¿Qué papel juega la mentoría frente al aprendizaje más “pasivo”, como cursos o vídeos?
La mentoría tiene un valor distinto porque acelera el proceso y lo vuelve más personal. Un curso puede dar el conocimiento, pero la mentoría ayuda a aplicarlo directamente al caso de la persona, a corregir sus propios errores, a ordenar prioridades y a tomar decisiones con más claridad.
La diferencia principal es que la experiencia se vuelve completamente personalizada. Y en la música esto es muy importante, porque muchas veces no falta información; lo que falta es acompañamiento, criterio y feedback real.
A su vez en este primer workshop, construimos un track de principio a fin y mostramos nuestro proceso creativo mientras los alumnos iban desarrollando sus propios tracks al mismo tiempo. También es nuestra intención seguir trabajando con este formato, ya que forma parte de la comunidad que queremos desarrollar.
¿Qué les gustaría que fuese Domus Audio dentro de 3 o 5 años?
Nos gustaría que Domus Audio se convirtiera en una referencia real dentro de la cultura electrónica, no solo por la calidad de su contenido, sino también por la comunidad que queremos construir y por el impacto que buscamos generar en los artistas.
Queremos que se perciba como un lugar donde se forman productores con identidad y personalidad, donde nacen proyectos reales y donde la formación tiene una dimensión cultural, no solo funcional.
¿Qué consejo le darían a alguien que quiere dedicarse seriamente a la música electrónica hoy?
Que tenga paciencia y que no busque atajos ni siga modas pasajeras. Lo más importante es construir una identidad propia, desarrollar una visión artística y disfrutar genuinamente del proceso.
Es fundamental aprender técnicas y herramientas, sí, pero también escuchar música, salir, conocer nuevos artistas y seguir descubriendo. Ahí es donde realmente empieza la formación.
Y, sobre todo, entender que una carrera en la música electrónica no se construye únicamente con talento. También requiere constancia, perseverancia, disciplina, pasión y un amor real por esta forma de arte.
¿Tienen planes de expandir el proyecto más allá de lo digital?
Sí. Aunque el punto de partida es digital, la visión no se limita a eso. Nos interesa que Domus también pueda existir en formatos físicos y presenciales: encuentros, sesiones, workshops, listening sessions, colaboraciones con espacios, lanzamientos y experiencias que hagan tangible la comunidad.
La idea es que la marca tenga una presencia real en la escena. Vamos paso a paso.
tropical animals
Diecisiete
años escapando de la postal.
Florencia siempre ha tenido un pequeño problema: ser demasiado Florencia. Una ciudad convertida en postal permanente, atrapada muchas veces entre el peso de su propia historia, el turismo y una idea de cultura que suele mirar varios siglos hacia atrás. Pero mientras millones de personas recorrían sus calles buscando el pasado, debajo de la superficie también había gente intentando construir algo que hablase del presente.
En 2009, Ricardo Baez puso en marcha Tropical Animals, una fiesta semanal que durante años funcionó todos los jueves a pocos metros de la Piazza della Signoria. Una anomalía dentro de una ciudad donde parecía más fácil encontrar una visita guiada que una pista de baile mirando hacia adelante.
Lo que empezó como una noche de club terminó convirtiéndose en una pequeña institución dentro del circuito underground italiano. Sin grandes fórmulas ni una identidad cerrada alrededor de un género concreto, Tropical Animals fue creciendo a través de una idea bastante sencilla: juntar a gente interesante, cuidar la programación y dejar que la música se moviera sin demasiadas explicaciones.
Durante más de una década, su cabina fue reflejo de esa filosofía. Por allí pasaron nombres esenciales de distintas generaciones y escenas: desde Donato Dozzy, John Talabot, Lena Willikens, Vladimir Ivkovic, Boo Williams, Onur Özer o DJ Hell hasta figuras históricas como Carl Craig, Marshall Jefferson, Chez Damier o Ellen Allien.
También hubo espacio para directos de Caribou, Soichi Terada o Azari & III, y para artistas que entonces todavía estaban escribiendo sus primeros capítulos antes de convertirse en nombres habituales de los grandes circuitos internacionales, como Avalon Emerson, Jayda G, Mall Grab, Denis Sulta, Bambounou o Yousuke Yukimatsu.
Pero reducir Tropical Animals a una lista de invitados sería quedarse en la superficie. El proyecto encontró su personalidad en todo lo que ocurría alrededor: los residentes, la gente que repetía cada semana y una escena local que acabó entendiendo aquel jueves como algo propio. DJs como Gaiden, Teo Naddi o Fettedilimone formaron parte de una familia que ayudó a definir una identidad inquieta, difícil de encerrar en una sola etiqueta.
Esa misma inquietud acabó saliendo del club en 2018 con el nacimiento de Tropical Animals Records. El sello arrancó con ‘In Light’ de Whitesquare y fue ampliando catálogo con artistas como The Cyclist, Daniele Baldelli, Rebolledo, Robert Owens, Bawrut, Nick Anthony Simoncino o el propio Ricardo Baez.
Era un movimiento lógico: si durante años Tropical Animals había funcionado como filtro musical dentro de una pista de baile, el sello permitía llevar esa misma selección a otro terreno. Menos dependiente del calendario de una noche concreta y más conectado con una forma de entender la música.
Ahora, después de un periodo de pausa, Tropical Animals Records vuelve con ‘Veri/Gliss’, un nuevo EP firmado por Kasper Bjørke y publicado exclusivamente en vinilo. Un regreso que también marca el inicio de una etapa diferente para todo el proyecto.
‘Veri’ recupera esa parte más cinematográfica del productor danés: sintetizadores en constante movimiento, capas que aparecen y desaparecen y una construcción que avanza sin necesidad de buscar el golpe fácil. Ricardo Baez firma una reinterpretación más seca y directa, pensada desde la energía del club, mientras que ‘Gliss’ muestra una versión más pausada y melódica del mismo universo.
El lanzamiento llega en un momento de cambio para Tropical Animals. Después de diecisiete años asociado a una ciudad y una rutina semanal, el proyecto abandona la idea de residencia fija para moverse como una plataforma itinerante, llevando su sonido y su comunidad a nuevos espacios.
Quizá esa sea la forma más natural de entender su evolución. Una fiesta que nació intentando mirar más allá de la postal de Florencia y que, década y media después, sigue haciendo exactamente lo mismo: moverse antes de quedarse quieta.
aquasella
Aquasella desvela su propuesta para 2026 y todo apunta a que volverá a ser una edición histórica.
Más de 100 artistas darán forma a una de las programaciones más completas del festival, en una edición de 2026 que reunirá a algunos de los nombres más influyentes del techno internacional.
El verano en Asturias vuelve a tener en Aquasella uno de sus grandes puntos de encuentro dentro de la electrónica europea. En un entorno marcado por su identidad natural, el festival reafirma su papel como una de las citas imprescindibles del calendario estival. La 29ª edición del festival se celebrará en Arriondas, Asturias, del 13 al 16 de agosto de 2026. La edición llega con una nueva demostración de escala y ambición, consolidando un proyecto que ha sabido crecer sin perder su conexión con el territorio ni con su comunidad.
La edición de 2026 marcará un nuevo paso en esa evolución con una programación que reúne a 105 artistas distribuidos en 88 shows, en lo que se perfila como el cartel más ambicioso en la historia del festival asturiano. Una propuesta que no solo amplía nombres, sino que refuerza una visión clara: situar al techno en todas sus formas como eje central de la experiencia.
El line up vuelve a apoyarse en algunos de los nombres más influyentes de la escena internacional. Figuras como 999999999, Amelie Lens, I Hate Models, Kobosil o Héctor Oaks encabezan una programación que conecta distintas generaciones y sensibilidades dentro del techno contemporáneo.
Uno de los puntos más sólidos de esta edición reside en los formatos especiales. Los sets B2B volverán a jugar un papel clave, con combinaciones como Adriana López junto a Dasha Rush, Chris Liebing junto a Luke Slater o Philippa Pacho junto a Rødhåd, planteando encuentros diseñados específicamente para el contexto del festival y alejados de dinámicas más previsibles.
A su alrededor, el cartel se expande con nombres esenciales como Robert Hood, Ben Sims, DVS1, Joris Voorn o Dennis Ferrer, junto a artistas como Fatima Hajji, DJ Pepo, Héctor Llamazares, Aida Blanco, David Mallada o Carlos Pérez B2B K-Style, que mantienen el pulso entre distintas vertientes del género. En paralelo, propuestas como Jayda G, TSHA, HoneyLuv, East End Dubs o Mason Collective introducen matices que amplían el espectro sonoro sin perder coherencia.
El recorrido se completa con actuaciones que apuntan a los registros más intensos y contemporáneos del techno, con nombres como SNTS, Vendex, Novah o Onlynumbers, además de combinaciones como Chlär junto a Yanamaste o Dexphase junto a Negitiv, que refuerzan la dimensión más contundente del cartel.
Más allá de los grandes nombres, Aquasella 2026 también mira hacia adelante. La incorporación de nuevos talentos como AEREA Live, Alba
Franch, Alycia Bezgo, JakoJako Live o Fadi Mohem Live, entre otros, amplía el alcance del festival hacia nuevas corrientes y lenguajes dentro de la electrónica actual, consolidando un equilibrio entre presente y futuro.
En paralelo, el festival mantiene su compromiso con la escena nacional y local, integrando artistas como Alain Fanegas, Alex Vigo, Chanin o Jairo Beltrami dentro de una programación de alcance global. Una apuesta que refuerza su conexión con el territorio sin perder proyección internacional.
Con esta edición, Aquasella no solo presenta un cartel amplio, sino una declaración de intenciones. Un encuentro donde el techno se despliega en todas sus formas, desde sus raíces más puristas hasta sus expresiones más contemporáneas, en un entorno natural que sigue siendo parte esencial de su identidad.
Un año más, miles de asistentes volverán a reunirse en Asturias para formar parte de una experiencia que trasciende lo musical. Porque en Aquasella, el contexto importa tanto como el sonido.
Los abonos y entradas por día están disponibles en la web del festival.
festival miceli
Apertura Festival Miceli - Cementerio de Montjuïc, Barcelona / 29 de abril
El inicio de la primavera suele traer ciertas joyas ocultas para los melómanos más apasionados de Barcelona, cuyo abanico de propuestas culturales crece cada temporada.
Este año surgió Miceli, un festival de formato pequeño y no lucrativo, que opera en espacios independientes con el objetivo de explorar música que desactiva el ‘yo’ a través de un acto colectivo de sonido y presencia. Centrado en el aspecto experimental de la música, fue una apuesta fuerte donde se pudo disfrutar de artistas de la talla de Seefeel, legendario grupo inglés que volvió al ruedo hace poco, Jonny Nash, referencia del ambient en Países
Bajos (también conocido por ser parte de Gaussian Curve), Valentina Magaletti, quizá la percusionista más interesante que hemos escuchado en los últimos tiempos, el turntablismo surrealista de Mariam Rezaei o el aventurero FUJI|||||||||||TA con su órgano de tubos hecho por él mismo, entre muchos otros artistas locales e internacionales.
Asistimos a la apertura del festival en una locación ideal como declaración de principios: El Cementerio de Montjuïc, remarcable obra del modernismo catalán de fines del siglo XVIII, situado en la ladera sur de Montjuïc, frente al Mediterráneo. En una de las zonas más bellas del recinto -alrededor de la ruta cultural artística- presenciamos un encuentro muy especial durante el anochecer del 29 de abril.
En un esfuerzo de producción notable, cada detalle estuvo cuidado en pos de la experiencia colectiva: había caminos señalizados con velas en un sector lo suficientemente grande para poder pasearse libremente alrededor de esculturas neogóticas y panteones históricos, y el formato de escucha fue a través de cascos inalámbricos, para no alterar un lugar tan sagrado. El festival parte de un principio central: la ‘unselfing music’, música exigente en la que lo colectivo desactiva al ‘yo’, un momento en que la belleza o el arte nos hacen salir de nosotros mismos, y vaya que lo han logrado.
Al caer la tarde, y con las últimas luces del día, Asia abrió la jornada con una sesión pensada para la ocasión. La remarcable artista catalana dio un concierto de violín y electrónica con aires de requiem en su comienzo. Hubo coros apagados y distantes como cantos gregorianos, modulaciones vocales y un dejo de salmo prolongado con lamentos de cuerdas hacia el final, oscuro y vaporoso, con fragmentos de Bach.
Abul Mogard ha tenido un par de años muy prolíficos, y no pasó desapercibido para nosotros. Además de dúos notables (junto a Grand River y a Rafael Anton Irisarri), grabaciones en vivo y colaboraciones o remezclas para KMRU, CoH y Joachim Spieth, fundó su sello, Soft Echoes, con el lanzamiento de su álbum ‘Quiet Pieces’. Este trabajo tiene su origen en una colección de discos antiguos
de los años cuarenta que heredó de su familia. Su proceso característico de sampleo y loop sumado a sus capas de sintetizadores analógicos resulta hipnótico y espectral, ideal para ser escuchado en este entorno.
Una vez entrada la noche, y a la luz de la luna casi llena, vivimos el live modular de Abul Mogard, y nos perdimos con la luz tenue entre los árboles, las sombras de las velas sobre las tumbas, y los recuerdos evocados por frecuencias resonantes. Fue una experiencia sin igual, donde el entorno compensaba el sonido a través de cascos, limitación natural para un artista que genera armónicos hipnóticos a través de la distorsión, y pinta cuadros sonoros con sus modulaciones de bajos.
Disociativo y repleto de texturas densas, el sonido de Mogard generó un inmenso lienzo de posibilidades, nuestra favorita para dejarnos ir caminando alrededor de esculturas de ángeles con las alas desplegadas en la noche fue la deslumbrante ‘In A Studded Procession’.
La organización de Miceli explica que la filósofa Iris Murdoch describía la idea de ‘unselfing’ como un momento en que la belleza o el arte nos hacen salir de nosotros mismos.
Dejamos de ser el centro de nuestro mundo: nos volvemos presentes, atentos, y conectamos con algo más allá. Aquellos afortunados de asistir a este encuentro en el cementerio vamos a recordarlo durante mucho tiempo.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca pr@freelastica.com
MAX COOPER FEELING IS STRUCTURE MESH
Max Cooper lleva años haciendo electrónica a su manera, mezclando ciencia, emoción y sonidos que te vuelan magistralmente la testa. En “Feeling Is Structure” parece que ha conseguido juntar todas sus obsesiones en un solo disco. Y ojo, porque el proyecto nació por encargo del Royal Albert Hall, que básicamente le pidió algo grande para estrenar allí en directo. Pues misión cumplida. El álbum tira de estructuras físicas, biológicas y arquitectónicas para construir diez temas harto detallados, donde casi nada parece dejado al azar. Aun así, no se siente frío ni académico. Al contrario: hay momentos muy emocionales y bastante hipnóticos. Temas como “Becoming”, “Bass Mosaic” o la increíble “Chrysalis” lo demuestran. Además, el apartado visual promete ser una pasada en directo. Otro disco más para confirmar que el irlandés sigue mandando en su propia liga.
JEFF MILLS THE TRIP TO VEGA AXIS
Jeff Mills, ‘mago’ y visionario absoluto del Detroit Techno, vuelve a demostrar en “The Trip To Vega” que lo suyo siempre ha ido mucho más allá de la pista de baile. El álbum plantea un viaje espacial donde la humanidad abandona una Tierra ya inhabitable rumbo al sistema Vega, desarrollando una narrativa de ciencia ficción tan inmersiva como inquietante. La idea de un planeta condenado por una frecuencia sonora que destruye lentamente los sentidos humanos encaja perfectamente con el imaginario futurista del productor estadounidense. Todo en el disco transmite aislamiento, tensión y exploración cósmica. Más que una colección de cortes para bailar, parece una experiencia diseñada para escucharse con calma, auriculares y la mente flotando lejos de cualquier rutina terrestre. Ambient espacial, techno cinematográfico y narrativa sci-fi firmada por uno de los grandes arquitectos de la electrónica moderna.
ÁLBUM DESTACADO
MATÍAS AGUAYO ANENOA
PLATOON
Nos guste más, nos guste menos, Matías Aguayo sigue a su bola. Con “Anenoa” reafirma su capacidad para transformar la música electrónica en una experiencia extraña, libre de complejos y profundamente humana. El productor chileno-alemán, instalado actualmente en México, construye un disco donde ritmo, frescura, voz y extravagancia conviven con naturalidad. Canciones como “Sentimientos Encontraos” o “La Heredera” revelan una energía festiva atravesada por influencias latinoamericanas, mientras las participaciones de Javiera Mena, Girl Ultra o Daudi Matsiko amplían el carácter global del álbum. Aguayo evita fórmulas previsibles y apuesta por una electrónica orgánica, lúdica y emocional. El nuevo LP confirma su carácter excéntrico y su permanente espíritu innovador. Lejos de buscar nostalgia, el disco celebra el intercambio cultural contemporáneo con creatividad, humor y una sensibilidad sonora contagiosa en cada tema.
PARRA FOR CUVA
NACAR
PARRA FOR CUVA
Qué bonito es este disco. Con “Nacar”, Parra for Cuva entrega un corazón donde se palpa un corazón abierto. La pasión por seducir con detalles. El productor gotingués transforma experiencias recogidas durante sus viajes en un álbum delicado, atmosférico y profundamente emocional, donde cada composición parece suspendida entre la electrónica orgánica y la complacencia. Temas como “Towards Amber”, “Selva Selva” o “Juri” reflejan una sensibilidad minimalista construida a partir de percusiones artesanales y paisajes sonoros envolventes. Las colaboraciones con Nathan Ball, CRi y Vraell aportan matices cálidos y melancólicos sin romper la coherencia del disco. Lejos de buscar impacto inmediato o fórmulas de club se apuesta por la pausa y la emoción contenida. El resultado es una obra elegante y orgánica, ideal para escuchas íntimas, pero también para bailar con los ojos cerrados pero con todos los sentidos enchufados.
REVIEW CLÁSICO
RONI SIZE / REPRAZENT IN THE MØDE TALKIN’ LOUD
A pesar del acojone global, que el nuevo siglo empezara con movidas como esta, me daba para pensar todo lo contrario ¡Subidón! Roni Size y Reprazent consolidan la evolución del jungle noventero, con una visión del drum & bass harto sofisticada. Un álbum que abraza una narrativa más visual. “In the Møde” es capaz de combinar breakbeats nerviosos, líneas de bajo profundas, vocales rap o soul de infarto, y todo esto, con una producción de precisión quirúrgica. El sonido en expansión, cero saturación. La agresividad rítmica convive con una sensibilidad jazzística que aporta calidez y sofisticación. Las voces refuerzan una sensación urbana y nocturna que atraviesa todo el tracklist. No es un mero ejercicio de estilo, el trabajo de estos campeones redefine el potencial emocional del drum & bass sin perder contundencia ni identidad callejera. “System Check”, “Lucky Pressure” o “Who Told You”, palabras mayores.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca
pr@freelastica.com
PDQB
DER TRANSIENTE ZEUGE
SYNAPTIC CLIFFS
A pulso, y a través de discos de vinilo que son una pasada, pdqb se ha convertido en uno de mis nuevos favoritos dentro del electro-mutante. Con este nuevo lanzamiento, Sascha Dornhofner profundiza en su particular universo donde lo físico y lo conceptual, el electro futurista y la ciencia físico-sonora conviven con absoluta naturalidad. A lo largo de 13 pistas, el productor construye una experiencia intensa y cerebral, marcada por ritmos mecánicos, bajos nerviosos y sintetizadores que parecen transmitir señales desde realidades paralelas. El imaginario narrativo que acompaña al disco potencia aún más su identidad distópica. Cada surco posee personalidad y tensión propia, equilibrando precisión técnica y energía de club. Los remixes incluidos -entre ellos de gente como Egyptian Lover o Umwelt- expanden todavía más ese universo cambiante y confirman la solidez conceptual del proyecto.
MICHAEL GRAY YOU & ME SULTRA RECORDS
Michael Gray confirma por qué sigue inspirado y siendo una de las figuras más sólidas y respetadas del actual house. Y no solo por seguir reventando pistas con hitazos como “Weekend” o reinventando lo mejor de Sylvester, en este esperado regreso el británico reivindica su también pasión por los sonidos de baile elegantes, cálidos, donde las pinceladas disco y soulful continúan teniendo un notable impacto. Un trabajo que rezuma verano por la más de docena de canciones que lo componen. Mucha frescura y una paleta de sonidos diseñada para el buen clima donde además se suman colaboraciones de alto nivel como Mike Dunn, Bran Mazz o Derrick McKenzie. Temas como “Gravity”, “Detonate” o su versión de “Ascension” -original de Maxwell- destacan por su groove sofisticado y unos vocales con carácter. Un Gray refinado y plenamente vigente.
ACID ARAB RESONANCE
ALL NIGHT LONG
Acid Arab en estado puro. Los franco-argelinos se vuelven a entregar en cuerpo y alma en el noble arte de disolver fronteras. Este cuarto álbum entiende la electrónica como un lenguaje de encuentro antes que de apropiación. Entre pulsos club, electro-chaâbi y melodías levantinas, el colectivo logra que cada colaboración —de Wael Alkak a Sofiane Saidi, pasando por Hocine Staifi— aporte identidad sin romper la unidad del trabajo. “Yasmine Alsham” y “Stif”, por ejemplo, resumen muy bien la propuesta: ritmos hipnóticos, tensión política y sensualidad melódica conviviendo en un mismo espacio. Lejos del exotismo fácil, el álbum apuesta al completo por una fusión orgánica donde tradición y modernidad dialogan con soltura. Y sensatez. Más que un simple álbum de electrónica global, atravesamos con “Resonance” un puente deliberado y hermano.
ODD OKODDO & OGOYA NENGO
PALAGOMA
SVEN
KACIREK
El punto exótico del mes de junio es para esta vibrante fusión de corrientes tradicionales kenianas y electrónica minimalista, aún así estremecedora. En este LP encontramos un equilibrio muy interesante entre memoria y modernidad. Varias leyendas -como la artista de 83 años Ogoya Nengo- se unen para transformar el dodo keniano en una experiencia hipnótica. Marimbas, percusiones orgánicas y pulsos electrónicos industriales conviven con desparpajo. Lejos de una simple fusión folclórica, el álbum funciona como una charla viva entre generaciones y territorios sonoros. La voz de Ratego, cargada de melancolía y resistencia, sostiene canciones que hablan de amor, dolor y pertenencia cultural, mientras Kacirek aporta una producción minimalista y tensa que conecta la tradición Luo con las tendencias actuales. Este disco busca preservar una herencia musical, y lo hace proyectándola hacia el futuro con nuevas reglas y sensibilidades.
ÉTIENNE DE CRÉCY
WARM UP REMIXES
PIXADELIC
Observando el listado de remezcladores, uno rápidamente percibe la variedad final de este disco de reinvenciones sobre temas originales del maestro Étienne de Crécy. Un producto que no huele a fritanga, y sí a las diferentes bondades de la música de baile. Techno, acid house, garage, trance, canela, sudor… you name it! que dirían por ahí. Una especie de reconstrucción colectiva donde figuras importantes como Bob Sinclar, Luciano, Felix Da Housecat, Marie Davidson, Nala, A-Trak o mi siempre admirado Maceo Plex, expanden el rollo íntimo y elegantorro de “Warm Up” -publicado a comienzos del año pasado- hacia un terreno mucho más físico y nocturno. En definitiva, un proyecto dinámico y altamente aprovechable. Una especie de jugo vitaminado donde se celebra con diferentes discursos y formas el legado del French Touch.
AMBIENT AND DOWNTEMPO
Autor: Guillermo Cimadevilla music@mixmag.es
OREN AMBARCHI & WILL GUTHRIE COLD SHOULDER FUTURA RESISTENZA
Oren Ambarchi, el artista australiano radicado en Berlín con enfoque poco convencional de la guitarra, crea música que invita a ser descrita en términos de sensaciones. Esculpiendo con sus efectos, busca constantemente una frecuencia específica, y de vez en cuando la encuentra, permaneciendo en un bucle sin principio ni fin, cautivado por su belleza, trascendiendo el tiempo y el espacio. ‘Cold Shoulder’, su colaboración con el destacado e incansable percusionista Will Guthrie, es una sesión de delicadeza meditativa, grabada en vivo en Berlín a finales de 2024.
Centrada en la textura y con una compleja y minuciosa elaboración del sonido. Nos vimos inmersos en un trance casi espiritual guiados por cuerdas hipnóticas que se funden entre una variedad de tonos procesados, con destellos armónicos de vez en cuando. El sonido característico de Ambarchi, procesado por su gabinete Leslie, con una distorsión que modula como si intentara afinar un dial interior, inicia la sesión del lado B, que tuvimos en repeat por mucho tiempo.
SIAVASH AMINI
TILL HUMAN VOICES WAKE US UMOR REX
Desde Ciudad de México, Umor Rex es una de nuestras referencias ineludibles gracias a su catálogo tan cuidado donde destacamos a Kara-Lis Coverdale, Gudrun Gut + Mabe Fratti, Grand River, Leslie García y Yamila, talento español que nos sigue sorprendiendo. Para celebrar sus veinte años de existencia en 2026 habrá 4 relanzamientos de piezas por primera vez en vinilo, remasterizadas por Rafael Anton Irisarri. Es así como recibimos uno de nuestros favoritos del sello: ‘Till Human Voices Wake Us’ del artista iraní Siavash Amini.
Basado en poemas de T. S. Eliot, ‘Till Human Voices Wake Us’ es un conjunto de nubes musicales con capas etéreas de guitarra flotando sobre ecos distantes. Meditativa, con el hipnotismo del drone matizado por procesos delicados. Atmosférico, se trata de música para estar de viaje.
FEDERICO DURAND
LA MANZANA MÁGICA 12K
El artista argentino Federico Durand nos viene conquistando hace largos años gracias a su extenso catálogo con perlas en sellos como Home Normal, 12k, IIKKI o el japonés Spekk. En su regreso a la plataforma creada por Taylor Deupree nos ofrece un bello trabajo lleno de grabaciones de campo, un aire análogo y nostálgico entre sonidos procesados en cinta y manipulaciones electrónicas. Son viñetas musicales con la atracción de lo anacrónico y cierto encanto espectral, de un verdadero artesano del sonido.
FAX + BRAULIO LAM
MIXED SIGNALS III
DRAGON’S EYE RECORDINGS
Rubén Alonso Tamayo, mejor conocido como Fax, es una de nuestras principales referencias de electrónica en México desde principios de los 2000. Fundador de Static Discos, incursionó tanto en el minimal techno como en música más introspectiva. Braulio Lam viene de la región fronteriza de Tijuana, asiduo colaborador de Fax, cuyo trabajo Dream Lens estuvo en nuestras lista de reproduccción durante mucho tiempo. Mixed Signals III cierra una trilogía que comenzó en 2020, con un trabajo de esplendor cinematográfico y a la vez cercano, íntimo. La calidez de la guitarra de Braulio Lam marcando una narrativa orgánica en un universo de sutiles procesos electrónicos de la mano de Fax es remarcable, y la atmósfera generada en ‘Lowside’ es de una profundidad desgarradora.
LORAINE JAMES
DETACHED FROM THE REST OF YOU HYPERDUB
Inspirada en Aoki Takamasa, Ryoji Ikeda y en la era de los clicks&cut de la música electrónica de principios de los 2000, nuestra heroína Loraine James nos trae ritmos bien elaborados sobre pads relajantes y psicodélicos; una atmósfera de ensueño que deleitará a cualquier aficionado al IDM. James viene explorando cada vez más su voz, con muy buenos resultados, suave como el blues. Textura, ritmo, nivel de detalle, nitidez en sus loops y los hi-hats.. Podríamos escribir un ensayo centrándonos en la forma en que pule y manipula sus hi-hats para crear efectos alucinantes, pero esa es otra historia.
En ‘Detached From The Rest Of You’, con colaboraciones de Sydney Spann, Mélodie Blaison, Miho Hatori y su baterista Fyn Dobson, entre otros, flota una sensación de calidez. Loraine James juega con la yuxtaposición de melodías relajantes y una programación de drums intrincada, pero lo hace de una manera diferente. Y cuando actúa en directo, enfatiza esos elementos.
BREAKS
Autor: Eduardo Carbonell
music@mixmag.es
DUB
PISTOLS & FREESTYLERS ENTER THE SOUND CYCLONE RECORDS
‘Enter the Sound’ reúne a Dub Pistols y Freestylers en un proyecto que destila décadas de escena compartida. Ambos nombres, pilares del sonido británico híbrido desde los 90, confluyen aquí en un álbum vibrante que recorre reggae, ska, trip hop, breakbeat y jungle con naturalidad y energía festiva. La producción mantiene un pulso bailable constante, combinando bases contundentes con guiños dub y actitud rave. En 2023 ya colaboraron en el álbum ‘Frontline’ de Dub Pistols, publicado por el sello de estos últimos y por donde también se publica este nuevo trabajo. El disco brilla por sus colaboraciones: desde leyendas como Johnny Osbourne o General Levy hasta voces clave del circuito UK como Tippa Irie o Harry Shotta. Lejos de ser un simple ejercicio nostálgico, el álbum suena fresco, cohesionado y celebratorio: un testimonio de evolución sin perder identidad, pensado tanto para la pista como para reivindicar una cultura sonora mestiza y siempre en movimiento.
DEIBEAT
BASS & BOOTS
13MONKEYS RECORDS
Si hay un artista que me hace especial ilusión siempre que reaparece en la escena breaks, ese es el gaditano David Casal, más conocido como DeiBeat. El sello de los 13 monos nos trae su nuevo single, titulado ‘Bass & Boots’, donde DeiBeat nos ofrece una animada producción breakbeat con influencias del house. Por si fuera poco, la serie en formato físico del sello rescata uno de los clásicos del dúo gaditano DeiBeat y DJ Shemma, conocidos en su día como Fat & Blind. Esta formación de 1998 dejó huella en salas emblemáticas como Anfiteatro, Sala Visitors y Mangueta Beach. Tras 25 años, se rescatan en este EP cargado de historia y nostalgia las versiones trance y breakbeat del track ‘Dancing In The Rain’, junto a material inédito como son las pistas ‘Mangueta’ y ‘Trashed Breaks’. Un trabajo que captura la esencia de una época dorada del breakbeat andaluz.
LUNATIC CALM
MORE LUNATIC THAN CALM VOL.1 BANDCAMP
‘More Lunatic Than Calm Vol.1’ es una inmersión profunda en el lado más oscuro y contundente del sonido de Lunatic Calm. Se trata de una colección cruda y sin filtros que rescata material inédito, versiones raras y reinterpretaciones surgidas entre 1996 y 2002. Estas piezas permanecieron durante años en la sombra, dispersas entre viejos discos duros, cintas DAT y proyectos inacabados que nunca vieron la luz. Algunas han sido reconstruidas con sutileza; otras se presentan tal como nacieron: agresivas, directas y sin concesiones. El hilo conductor es su energía: una intensidad salvaje, cinematográfica y marcada por el breakbeat que definió aquella etapa. Desde la descarga inicial de ‘Shockwave (Lunatics Acid Remix)’ hasta la crudeza de ‘White Line Fever’, pasando por el tech-funk de ‘Basement Level’ o la revisión de ‘Leave You Far Behind’, este volumen captura su faceta más indómita. Otra joya más en el Bandcamp de Simon Shackleton.
ALEX PHYSALIS
PORCELAIN
PATA NEGRA RECORDS
En 2024 inició la andadura del sello Pata Negra Records, un sello dedicado al breakbeat en sus variantes más duras y oscuras. En cuestión de dos años se ha consolidado como uno de los referentes en este nicho más underground. Es por esta casa por la que nos llega la nueva referencia del bielorruso Alex Physalis, firmando este potente ‘Porcelain’ que viene acompañado de un remix a cargo de DataFunk. Neuro breaks de alta calidad. Si te quedas con ganas de más, no dudes en pasarte por el catálogo del sello, donde encontrarás otros grandes lanzamientos como ‘Break Me’ de Terrie Kynd, ‘Tribal Dance’ de SeekFlow, ‘Acidbath’ de SeekFlow y Cerbero, ‘Golpe Frigideira E Faca’ de Vazteria X y DataFunk, ‘Kasbah’ de Vazteria X y Acid Purrr, el remix de Shade K al track ‘Nightmare’ de Vazteria X y Staxia o el remix de SVD KID al track ‘Samurai’ de Vazteria X.
REVIEW CLÁSICO
DUB PISTOLS
POINT BLANK
CONCRETE
El álbum debut ‘Point Blank’ de Dub Pistols irrumpió a finales de los noventa como un manifiesto sonoro que capturaba el pulso mestizo de la electrónica británica. Liderados por Barry Ashworth, el grupo mezcló sin complejos big beat, dub, hip hop y breakbeat, construyendo un disco tan caótico como adictivo. Las bases pesadas y los bajos profundos conviven con samples descarados y una actitud punk que conecta tanto con la cultura rave como con la tradición sound system. El disco destaca por su energía cruda y su enfoque festivo, pero también por una producción sorprendentemente cohesionada para un debut. Cada tema parece diseñado para la pista de baile, sin renunciar a una identidad propia marcada por el cruce de géneros. ‘Point Blank’ no solo definió en el año 1998 el sonido de la banda, sino que se convirtió en un referente de la escena electrónica underground británica de la época.
DRUM AND BASS
Autor: Olga Casas drumandbass@mixmag.es
RESEÑA DESTACADA
BREAK SO RIGHT SYMMETRY RECORDINGS
El mes pasado viajábamos hasta uno de los clásicos de Break y, apenas unas semanas después, el británico vuelve a nuestras páginas con ‘So Right’, su primer lanzamiento del año en Symmetry Recordings, aunque la espera ha merecido la pena.
Break trae de vuelta ese sonido tan suyo con una producción limpia y de máximo impacto, dejando una sensación de control absoluto en cada elemento del tema. Un drop sobrio, pero contundente, donde la vocal de “you make me feel so” se convierte en una parte esencial de su encanto. El artista vuelve a encontrar ese punto donde todo encaja y el tema simplemente se siente “so right”.
ZERO T, STEO, ONJ ONSLAUGHT HOSPITAL RECORDS
Continúa la celebración de Hospital Records por sus 30 años de existencia y otro de sus invitados es Zero T, que vuelve al sello acompañado de Steo y Onj en ‘Onslaught’, una colaboración construida desde la conexión y la sensibilidad musical que llevan años compartiendo entre ellos.
El tema se mueve en un terreno pausado y soulful, donde todo parece colocado con muchísima intención, permitiendo que cada elemento tenga su espacio. La instrumentación de Onj, la voz soul de Steo y el elegante enfoque de Zero T terminan encontrando un equilibrio muy natural, dejando un track cálido y profundo, donde cada detalle contribuye a esa musicalidad que encaja con la esencia más emotiva de Hospital Records.
NC-17, PHILTH
BURN THE CLOCK (DIS2025 VIP)
DISPATCH RECORDINGS
Con motivo de sus 25 años de trayectoria, Dispatch Recordings lanza su primer volumen de su serie conmemorativa, un recopilatorio de 25 tracks donde conviven clásicos del catálogo y nuevas versiones VIP creadas para la ocasión por algunos de los artistas actuales favoritos del sello. Entre ellas aparece ‘Burn The Clock VIP’, reinterpretación de NC-17 y Philth a uno de sus propios temas.
Ambos artistas comparten lenguaje entre baterías incansables, movimiento constante y ese sonido rolling tan característico. La vocal del original sigue apareciendo para añadir aún más carácter a una producción dinámica, intensa y hecha para perder la noción del tiempo, tal y como nos sugieren con su título. Una versión que gana velocidad y ritmo sin perder lo que hacía especial al original.
TRIPPCORE
BAD BOY
SOUTH YARD
South Yard sigue dando espacio al talento nacional y vuelve a contar con el tinerfeño Trippcore, que presenta su segunda referencia dentro del sello con ‘Bad Boy’.
El artista apuesta aquí por un sonido rolling, con bajos marcados y una energía bastante estable durante todo el tema.
La vocal va repitiendo el título del track durante buena parte de su extensión y queda bien integrada en el beat, sin sobresalir ni romper el ritmo. Un lanzamiento muy en la línea de los últimos trabajos de Trippcore, que continúa afinando su identidad sonora a través del trabajo de estudio.
REVIEW CLÁSICO
LENZMAN
EVER SO SLIGHTLY
NTEGRAL RECORDS
Es un hecho indiscutible que uno de los nombres clave en la evolución del liquid drum & bass es Lenzman, un productor que, a pesar de moverse en más registros, es prácticamente inseparable de la idea de soulful dentro del género. Si piensas en liquid, en soulful, piensas en Lenzman. Es inevitable. Tras publicar sus primeros lanzamientos en varios sellos, se estrenó en Integral Records en 2008 con un EP de dos temas en el que se incluye ‘Ever So Slightly’, que ha terminado convirtiéndose en uno de sus clásicos por derecho propio. Es uno de esos tracks que definen perfectamente su manera de entender el drum & bass. No hay artificios ni búsqueda de impacto fácil, sino que todo gira en torno a la musicalidad, al detalle y a una sensibilidad muy marcada que lo ha convertido en un referente del estilo.
‘Ever So Slightly’ se construye a partir de una base con una producción muy fina, donde cada elemento tiene su papel, incluido el uso del sample de James Brown, con el piano y la voz fundiéndose dentro del conjunto.
Una producción que sigue sonando elegante actualmente y que continúa definiendo el lenguaje musical de Lenzman.
ELECTRO
Autor: Felipe Méndez electro@mixmag.es
DANI LABB
PHASE SHIFT
INTERDANCE
Cuarta referencia del sello argentino Interdance, que continúa consolidando una línea centrada en música de club funcional y de fuerte impacto. En esta ocasión presenta a Dani Labb, acompañado por un remix del uruguayo Z@P.
“Phase Two” se desarrolla sobre una base acid moderada que introduce al oyente de forma gradual en el universo sonoro del productor. La construcción avanza con paciencia, incorporando matices trance y elementos vocales que enriquecen el viaje sin perder tensión. Una herramienta de pista que encuentra su fuerza en la progresión y en el manejo de la energía.
El lanzamiento ya recibió el apoyo de artistas como Jane Fitz y DJ Koolt, entre otros, y estará disponible en tiendas especializadas a finales de este mes.
VILLAÇA YOU DON’T KNOW LES ENFANTS RECORDS
Les Enfants Brillants inaugura su primera referencia física como sello discográfico tras consolidar su actividad como club y plataforma cultural. Para esta edición cuenta con Villaça, DJ y productor brasileño actualmente radicado en Barcelona, quien aporta tres cortes extraídos de sus directos de 2023 y 2024, además del track “Ready”.
“You Don’t Know”, pieza encargada de abrir el EP, destaca por un low end sólido y envolvente sobre el que se despliegan arpegios hipnóticos y vocales sutilmente entrelazadas. El resultado es un corte de marcada personalidad, capaz de sostener la atención sin recurrir a excesos.
El conjunto remite a ciertas exploraciones melódicas que comenzaron a ganar protagonismo a mediados de los años noventa, cuando parte de la música electrónica de pista incorporó una dimensión más armónica sin abandonar por completo la energía heredada del techno y el trance de sus primeras etapas. Un trabajo que dialoga con esa tradición desde una perspectiva contemporánea.
MYKI VONGA SA CHTNR001
“Vonga Sa” propone una aproximación algo más relajada, aunque no por ello menos efectiva dentro de un contexto de club. Su estructura flexible permite integrarlo en distintos momentos de un set.
El resto del EP mantiene una línea coherente, con un diseño sonoro preciso que pone especial atención en las frecuencias graves sin descuidar los pequeños detalles que aparecen y desaparecen a lo largo del recorrido. Son precisamente esos elementos secundarios los que aportan movimiento y profundidad al conjunto.
El productor, radicado en Tel Aviv, ha desarrollado una discografía consistente en los últimos años. Este lanzamiento confirma una evolución perceptible tanto en términos de producción como de identidad sonora.
BERNAZ BULLY NOT FOUND RECORDS
Nuevo sello argentino con base en Barcelona, vinculado a proyectos como Akasha rec y Error 404, que en esta primera referencia presenta material de Bernaz, productor oriundo de la provincia de Buenos Aires.
“Bully” destaca por la solidez de su diseño sonoro y por una estructura construida sobre patrones repetitivos pero no así aburridos. La combinación entre tensión, groove y contundencia lo convierte en una pieza claramente orientada a la pista de baile. El various artists se completa con cinco cortes adicionales cuidadosamente seleccionados, capaces de cubrir diferentes momentos dentro de un set sin perder coherencia estética.
La referencia ya ha recibido el apoyo de distintos nombres de la escena underground y ha comenzado a sonar en festivales y clubes afines.
C.RU.Z
ACID FUTURE
STRAIN RECORDS
El artista argentino afincado en Barcelona C.RU.Z firma Acid Future, uno de los cortes destacados de este nuevo VA de Strain Records. Con un desarrollo preciso y una energía en constante crecimiento, el track transita entre atmósferas hipnóticas y momentos de máxima tensión, manteniendo a la pista de baile expectante de principio a fin.
Las líneas ácidas aportan carácter sin perder sutileza, mientras que la producción demuestra un gran control de la dinámica y el groove. El recopilatorio se completa con otros cuatro cortes de distintos artistas, ofreciendo una selección versátil para diferentes momentos de la noche y reafirmando la identidad sonora del sello.
REVIEW CLÁSICO
QUAZAR
THE SEVEN STARS SUPERSTITION
Publicado originalmente en 1990 por Gert van Veen y Eric Cycle bajo el alias Quazar, “The Seven Stars” es una de esas piezas que ayudan a entender la evolución de la música electrónica de finales de los ochenta y principios de los noventa. La reedición a cargo de Superstition recupera un material que conserva intacta gran parte de su impacto original. Baterías pesadas, líneas de bajo incisivas, riffs cargados de energía y pads atmosféricos conviven en una producción que refleja un momento de transición dentro de la cultura rave europea. El resultado mantiene una intensidad poco común incluso desde una escucha contemporánea.
A pesar de haberse reeditado en 2024, todavía es posible encontrar algunas copias disponibles en tiendas digitales. Una referencia de early techno que continúa siendo relevante tanto para coleccionistas como para DJs interesados en explorar las raíces de la pista de baile moderna.
HARD TECHNO
Autor: Alejandro Serrano hardtechno@mixmag.es
FERRÉ
KODE EP
INFINITE PLEASURE
Desde Rotterdam, Ferré lleva tiempo consolidándose como una figura clave dentro del circuito underground, no solo como DJ sino también como agitador cultural. Su implicación en la programación de WORM y su papel al frente de Anda Electronix lo sitúan en un punto estratégico dentro de la escena local. Con KODE EP en Infinite Pleasure, firma su debut como productor, dejando una primera impresión marcada por una identidad bien definida.
El EP se despliega en tres cortes que exploran distintos lenguajes sin perder coherencia, moviéndose con soltura entre texturas de club y enfoques más híbridos. Hay una clara intención de funcionalidad en pista, pero también un interés por construir atmósferas que vayan más allá de lo inmediato. Ferré evita fórmulas fáciles, apostando por un sonido guiado por criterio y curiosidad.
Destaca el tema “Kode”, de producción precisa y sin excesos, donde cada elemento encuentra su espacio con naturalidad. Un corte que resume bien la filosofía del EP: claridad, control y efectividad.
KODE EP confirma que Ferré entiende el lenguaje del club contemporáneo y tiene herramientas para aportar una voz propia. Un debut sólido que invita a seguir de cerca sus próximos movimientos.
ALEX DRIFT
CURIOSITY (CHAPTER 1)
ELECTROMANTICA
Con Curiosity (Chapter 1), Alex Drift recupera material de más de dos décadas, reconstruyéndolo en un LP coherente y con mirada actual. Tras una importante pérdida de datos, estas producciones—algunas con más de 15 años—han sido restauradas y actualizadas, dando como resultado un trabajo que conecta pasado y presente con naturalidad.
El álbum se mueve entre indie dance, tech house y electro, equilibrando sensibilidad melódica y funcionalidad en pista bajo una identidad clara. Más que recurrir a la nostalgia, Drift reinterpreta sus ideas con una perspectiva renovada, aportando cohesión y continuidad a lo largo de sus diez cortes.
Destaca “Sold My Soul to the Devil”, uno de los momentos más intensos del disco, donde un groove firme se combina con un vocal cargado de tensión, generando un contraste efectivo entre oscuridad y liberación. Un track que sintetiza bien el pulso emocional del álbum, entre introspección y energía de pista.
Un trabajo personal y bien enfocado que no solo mira al pasado, sino que lo reformula con intención, abriendo el camino a lo que está por venir.
NAU LEONE EGO DEATH BE YOUR OWN STUDIO
Con EGO DEATH, Nau Leone presenta su trabajo más descarnado e introspectivo hasta la fecha, concebido como un recorrido emocional marcado por la experiencia de la gira. El álbum nace de esa fricción constante entre exposición y desgaste, abordando el ego como motor y, al mismo tiempo, como conflicto interno.
Estructurado casi como un relato, el tracklist funciona como una sucesión de estados mentales— momentos de lucidez, caída, negación y reconstrucción. A nivel sonoro, se mueve en terrenos atmosféricos y profundos, con una producción contenida que prioriza la carga emocional sobre el impacto inmediato. Hay una crudeza deliberada en cómo se desarrollan las ideas, sin buscar cierres fáciles.
Más que evadir, EGO DEATH mira hacia dentro, explorando las contradicciones que surgen en el proceso creativo y en el movimiento constante. Un disco que funciona tanto en la intimidad como en contextos de club más introspectivos.
“The Truth” destaca como uno de los puntos centrales del álbum, con un enfoque más directo y tenso que refuerza el núcleo conceptual del proyecto. Su desarrollo contenido y su atmósfera reflejan ese enfrentamiento honesto con uno mismo. Un trabajo intenso y personal que muestra a Nau Leone en su faceta más vulnerable y consciente.
MESTIZA
SPANISH CHICA
SACRO MUSIC
Con Spanish Chica, Mestiza firman un álbum que, aunque parte de una base claramente influenciada por ritmos latinos, se permite explorar territorios más duros en distintos momentos. Publicado en su propio sello Sacro Music, el LP de 15 cortes articula un discurso híbrido donde conviven identidad cultural y energía de club, abriendo la puerta a matices cercanos al hard techno.
A lo largo del disco, la carga percusiva y el peso rítmico marcan el recorrido, combinando elementos tradicionales con estructuras electrónicas contemporáneas. Sin encasillarse del todo en lo hard, sí aparecen pasajes donde la intensidad aumenta, con kicks más contundentes y desarrollos más tensos y repetitivos.
“Lo Fuiste Ayer” destaca precisamente en ese punto de cruce, con un enfoque más oscuro y directo. Su construcción se apoya en la repetición hipnótica y una energía más seca, acercándose a códigos propios del peak-time sin perder la identidad vocal característica del proyecto.
Spanish Chica esquiva etiquetas cerradas, pero es en esos momentos de mayor presión donde logra dialogar con el hard techno. Un trabajo versátil que amplía su espectro sin renunciar a su esencia.
REVIEW CLÁSICO
AUTOR: BEDOUIN, LUCH Y KARL WILLIAMS THE ONLY ONE HUMAN BY DEFAULT
Bedouin se unen a Luch y Karl Williams en ‘The Only One’, un corte de club diseñado para las horas más profundas de la pista. Publicado en Human By Default, el tema apuesta por una tensión sostenida más que por un clímax inmediato.
Sintetizadores oscuros y envolventes se entrelazan sobre una base rítmica hipnótica, mientras la percusión mantiene un pulso constante y preciso. La voz de KARL aparece como un susurro cercano, aportando una carga emocional sutil sin romper la atmósfera.
Lejos de los picos evidentes, el track funciona en ese terreno introspectivo del club donde los matices mandan. Una producción inmersiva que mantiene la identidad sonora de Bedouin, reforzada por la precisión rítmica de Luch.
El lanzamiento coincide con la agenda de SAGA, incluyendo su residencia en Chinois Ibiza (21 de junio–4 de octubre), tras su reciente takeover de dos días en KOKO en Londres. Un arma de pista sutil, pensada para sets de construcción lenta.
Autor: Marian Ariss
melodictechno@mixmag.es
MELODIC HOUSE & TECHNO
LIMINAL MX, ELIF FAST LINE (ELIF REMIX) MARGINALIA
ELIF, La DJ y productora de Estambul y fundadora del sello Marginalia, aporta una nueva lectura de ‘Fast Line’ del DJ y productor mexicano Liminal MX. Track que pertenece al próximo álbum de remezclas del sello Marginalia. ELIF estaba tan enamorada de todos los temas del proyecto que decidió no elegir cuál remezclar: dio prioridad a sus compañeros y terminó trabajando con el último que quedaba disponible. Aunque ELIF tiene amplia experiencia en remixes, enfrentarse a un tema que ya ama y pincha habitualmente nunca es un proceso sencillo. Aquí, ese reto se traduce en una reinterpretación delicada pero firme: mantiene la esencia emocional de las vocales, respetando su carácter melancólico, mientras introduce texturas glitchy que empujan el track hacia un territorio más profundo y, a la vez, más funcional para la pista de baile.
NOSSIA, TIAGO ASHE DISCOTK NOW
Los DJs y productores Nossia y Tiago Ashe firman ‘Discotk’ en el sello NOW. El track avanza con una base rítmica sólida, apoyada en bajos, una vocal y detalles percusivos que mantienen la tensión constante. ‘Discotk’ funciona tanto en momentos de transición como en picos más enérgicos, gracias a un equilibrio entre elegancia y funcionalidad en el club. Un track efectivo, fresco y con personalidad, que confirma la química entre ambos productores.
AE:THER, VICIUS (BR) ROAR SPECTRUM
Ae:ther, DJ y productor italiano con lanzamientos en sellos como Afterlife y reconocido por su sonido melódico y emocional, se une a Vicius (BR), una de las figuras emergentes de la escena brasileña, para dar forma a ‘Roar’. El track se construye sobre un beat donde ambos artistas encuentran un punto común entre profundidad y tensión. La base rítmica es firme, mientras capas melódicas oscuras y texturas en constante evolución van elevando la intensidad de forma gradual. ‘Roar’ destaca por su elegancia y precisión: un track de construcción paciente, con clara orientación a la pista, que refleja tanto la sensibilidad melódica de Ae:ther como la energía fresca de Vicius.
SENSES OF MIND EVERLOST UNTOLD STORIES
El duo formado por los hermanos Miles and Simon Vanderlooven, Senses Of Mind, firma ‘Everlost’ en el sello Untold Stories, un track que se mueve en terrenos melódicos. Fiel a su sonido, los artistas construyen una atmósfera donde emoción y energía avanzan de la mano. La pieza se apoya en una base rítmica sólida y contenida, mientras líneas de synth expansivas y pads etéreos van dibujando un viaje profundo. Los breaks están trabajados con sensibilidad, generando tensión sin perder fluidez en el desarrollo. ‘Everlost’ destaca por su equilibrio entre introspección y funcionalidad club: un track elegante, de progresión cuidada, que encaja tanto en momentos de transición como en momentos más emocionales de la noche.
REVIEW CLÁSICO
STEPHAN BODZIN SINGULARITY
LIFE AND DEATH
Publicado en 2015 como parte del universo creativo que culminaría en Powers of Ten, este track abre con un synth protagonista y emocional. Desde el primer compás, Bodzin construye una atmósfera donde la melodía no es un elemento más, sino el eje absoluto de la experiencia. La estructura es clásica en su planteamiento, pero profundamente efectiva en ejecución. Capas de hi-hats y percusiones tratadas con delay van generando tensión progresiva, mientras el groove se mantiene contenido, hasta desembocar en un breakdown donde todo se detiene para ceder el espacio a un solo de sintetizador cargado de melancolía. ‘Singularity’ no es un track pensado únicamente para el club, sino para el viaje emocional dentro del club. La influencia de la escuela analógica, con guiños evidentes al legado de Moog, se traduce en un sonido cálido, orgánico y profundamente humano, incluso dentro de su precisión digital. Más de una década después, el track sigue funcionando como puente entre lo emocional y lo funcional, entre el techno y lo que vendría a consolidarse como melodic techno. Puede que su fórmula haya sido replicada hasta la saciedad desde entonces, pero aquí en su forma original, sigue sonando pura, elegante y atemporal. Un clásico que encapsula la esencia del maestro Bodzin: melodía, síntesis analógica y una capacidad única para convertir la pista en un espacio introspectivo.
