Empieza mayo con una nueva etapa: paso de ser redactor a también director de la revista. Así que lo primero que quiero decir es gracias infinitas a Mixmag Spain por la confianza depositada, y también a todxs los que alguna vez leyeron alguna de mis entrevistas o artículos.
Después del gran trabajo de Patricia Pareja Casalí, de quien aprendí muchísimo, tengo el honor y el placer de continuar este legado: dirigir un medio especializado en música electrónica, mi mayor pasión.
Para quienes no me conocen, una breve introducción: soy Federico Cortina, aunque en el mundo de la música electrónica me conocen como Rindeau, mi nombre artístico de DJ y productor. Lo que más voy a disfrutar de esta nueva etapa es poder excavar en lo más deep, visibilizar artistas que realmente tienen algo que decir y seguir aprendiendo a través de la música y las personas que la hacen posible.
Para esta edición presentamos un cruce entre generaciones. Recibimos en portada al legendario Guy Gerber, una de las figuras más personales e influyentes de la electrónica contemporánea, en un momento de plena reinvención artística.
En estas páginas también hablamos con Franco Cinelli, con más de 30 años dejando manteniendo viva la escena en Sudamérica; con Diamin, artista afincada en Berlín; el mítico Innershades nos abre las puertas de su ritual de producción; 30Drop presenta Insight Into Mind And Space, su nuevo show audiovisual.
Tuvimos además una charla b2b con Bixbita y Paula GM, dos artistas en plena expansión, y conversamos con Verushka y Maia, del colectivo Me Siento Extraña, sobre cómo construir una comunidad propia y generar espacios reales dentro de la cultura club. También destacamos el trabajo de 303 Audiophile Bar, un espacio que se ha convertido en uno de los puntos más interesantes de la escena barcelonesa actual.
Celebramos el Día de las Madres con un artículo especial dedicado a mujeres que continúan activas en la música electrónica mientras atraviesan la maternidad, demostrando que ambas realidades pueden convivir.
En “La Voz de la Industria” hablamos con Joel Silva sobre el presente de Under Club, uno de los espacios más importantes de la cultura underground sudamericana. Y en opinión, “Redefinición” pone el foco en lo que está ocurriendo en Ibiza, un lugar que nunca deja de transformarse.
En moda, exploramos el universo de Raf Simons y el nacimiento de la estética electrónica dentro de la industria fashion.
Además, encontraréis una review del nuevo MPC Sampler y, como siempre, nuestras selecciones de lo último en Electro, Techno, Hard Techno, House, Melodic, Drum & Bass, Breaks y álbumes.
Gracias a los lectores por pasaros por aquí y a todos los que confían en nosotros para contar sus historias a través de estas páginas. Disfrutad, leed y compartid: esto recién empieza.
Federico Cortina, Director
STAFF MIXMAG SPAIN
DIRECCIÓN:
Federico Cortina
REDACCIÓN:
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Federico Cortina
Juanma Molina
Maf Rodríguez
Marian Ariss
Mixmag Spain no se responsabiliza de las imágenes y opiniones vertidas
DISEÑO:
Adrià Clotet
Maf Rodríguez
DIRECCIÓN CREATIVA: Carlos Pego
MÚSICA: editor@mixmag.es
DEP. COMERCIAL: Borja Comino campaigns@mixmag.es
005
Bits Beats
Golpe de Amistad
Franco Cinelli
30drop
Bixbita y Paula GM
Me siento extraña
Guy Gerber
Diamin
Maternidad
La voz de la industria:
Joel Silva
Música y moda: Raf Simons
303 audiophile bar
Cómo produzco: Innershades
Opinión: Redefinición
Tech: MPC Sample
Reviews Álbumes por Bruno Garca
Reviews Drum & Bass por Olga Casas
Reviews Electro por Felipe Méndez
Reviews Hard Techno por Alejandro Serrano
Reviews Melodic House & Techno por Marian Ariss
Reviews House por Francisco Perez
bits beats
Fabric renueva su sonido
El icónico club londinense Fabric ha llevado a cabo una renovación integral de los sistemas de sonido en sus Rooms 2 y 3, la primera en casi diez años. El rediseño, desarrollado junto a especialistas acústicos, busca ofrecer una experiencia más inmersiva y adaptada a la arquitectura de cada sala, reforzando la conexión entre música, espacio y público
El influyente dúo Boards of Canada ha anunciado ‘Inferno’, su primer álbum en 13 años. El disco, previsto para mayo de 2026, promete una evolución de su sonido característico hacia atmósferas más oscuras y complejas, tras una campaña promocional llena de pistas enigmáticas.
+info: https://boardsofcanada.com/
La música electrónica alcanza un récord global
La industria mundial de la música electrónica ha alcanzado un valor histórico de 15.100 millones de dólares en 2025, según el IMS Business Report 2026. El sector creció un 7% impulsado por el streaming, el merchandising y la expansión en nuevos mercados, consolidándose como uno de los motores clave de la industria musical global. +info: https://www.internationalmusicsummit.com/electronic-music-business-report
Thomas Bangalter anuncia nuevo álbum
El exmiembro de Daft Punk lanzará ‘Mirage – Ballet for 16 Dancers’ el 5 de junio de 2026, un nuevo trabajo centrado en la composición contemporánea. Concebido como banda sonora para un ballet, el álbum explora un sonido minimalista y orquestal, alejándose de sus raíces en la música electrónica de club.
+info: https://www.instagram.com/thomasbangalter/
golpe de amistad
”...El regreso que nadie anuncio pero que todos necesitábamos”
En el 2022 la sala Meteoro fue el club que los vio nacer, con una serie de fiestas tan energéticas como intrigantes y un universo visual potente desde el inicio bajo la dirección creativa de Oliver Campell. Ellos presentan una fuerte apuesta por la escena nacional vanguardista, mezclando el talento local con nombres internacionales cuidadosamente elegidos “con mucho cariño”, una frase que sus fundadores: David Charro (Mental D) y Pablo Embudo (Souto) repiten constantemente. Desde ahí han crecido paulatinamente junto con su fiel comunidad de asistentes, pasando por la sala Upload, Pre-humans en Razzmatazz, la sala LAUT, Casa Montjuïc y el Dabadaba en San Sebastián. Es mucho mas que una fiesta y como lo dicen sus propias palabras, “Golpe de Amistad nace por puro amor a la música y a la pista de baile. Creamos un espacio seguro para las mujeres y las personas LGTBIQ+ donde la paz, y el respeto mutuo son la norma”.
Su última edición se llevo a cabo el pasado 10 de abril de 2026 y llegó con mucha expectativa. En su lineup estaba SYSTEMA, Iro Aka, y un “Secret Guest” en el slot de las cuatro de la mañana, todos esperábamos con ansias la gran sorpresa. La propuesta también contaba con la colaboración del colectivo Lágrima, con Adrasha, iulia y Sami Sameer en control de la sala 2 del Upload.
La noche empieza y el club abre sus puertas a medianoche. En la sala grande arrancan SYSTEMA con su groove hipnótico y elegante, el duo de chicas controlan la energía y reciben con calidez a todos los asistentes que van llegando. Así, sin darte cuenta llegas bailando y la energía del ambiente aumentando. Adrasha toma el control de la sala dos con sus ritmos experimentales de bajos contundentes para calentar el cuerpo.
El reloj marca las dos de la mañana, Iro Aka toma el control y van llevando la energía de la fiesta en otra dirección, a una mas progresiva. Con sus percusiones llenas de textura van marcando el tiempo. Lo ralentizan y lo aceleran, creando así atmósferas que van llevando a la audiencia en un crescendo constante. Preparando el oído, el cuerpo y la pista para la gran sorpresa final. En la sala dos suena iulia con un set de dub, break ritmos rotos para cambiar el compás corporal.
Finalmente marcan las cuatro de la mañana y hay un momento de electricidad en el club. Salen a la cabina Marc Piñol y Hugo Capablanca tocando b2b con bajo el nombre de su proyecto en conjunto C.P.I. Justo el regreso que nadie anunció pero que todos necesitábamos. El legendario residente del Nitsa llevaba mucho tiempo fuera del radar, y hace poco que venía haciendo su gran regreso. Lo más simbólico, es que ambos llevaban mucho sin tocar juntos. Ya se sabía que iba a ser un cierre sumamente especial e histórico. Los sonidos se rompen y se oscurecen, sin soltar el hipnotismo que ha gobernado la noche entera. Fue un viaje musical con sonidos elevados, en donde el cambio de las mezclas era imperceptible e impredecible. Era un set que sabia el peso de las horas y que estaba consciente que a las cinco de la mañana la pista estaba completamente entregada. Si necesitabas un cambio, en la sala dos sonaba el hyperpop energético y club deconstruido de Sami Sameer para un último sacudón de cuerpo.
La noche llega a su final y en la atmósfera se respira un gran sentimiento de gratitud por lo que se ha vivido.
El gran secreto de GDA, es que la amistad no es solo el nombre, es toda la esencia de la fiesta. Los lineups se curan con mucho cariño pero también con criterio. Lo que demuestra una gran coherencia musical de todas sus ediciones y ha logrado alta fidelidad en su audiencia y comunidad. Consiguiendo un publico fiel que se anima a que lo sorprendan musicalmente, y que sin duda Golpe de Amistad es una de esas fiestas muy especiales donde sabes que los organizadores también están en la pista bailando y disfrutando contigo.
franco cinelli
“La música me hace sentir que no hay límites. Está en cualquier momento y lugar, y siempre saca lo mejor de mí. Es un tesoro que debemos cuidar.”
Con más de tres décadas vinculado a la música, Franco Cinelli es de esos artistas cuya trayectoria no se explica en hits puntuales, sino en una construcción constante, paciente y profundamente conectada con el dancefloor. Nacido en Rosario (Argentina) en 1978, desde su primer contacto con la música a las 14 años, su recorrido atraviesa desde la influencia temprana del sonido Detroit hasta consolidarse como una de las figuras clave del circuito argentino y una presencia habitual en Europa desde principios de los 2000.
Su evolución nunca ha sido abrupta. Más bien, responde a una lógica orgánica donde el pasado y el presente conviven sin fricción, algo que él mismo reconoce cuando habla de su música como un flujo continuo más que como una ruptura. Esa misma filosofía se traslada a sus sets: largos, narrativos, abiertos a la improvisación y guiados por una lectura fina del contexto.
En plena antesala de una nueva gira europea, con paradas en clubes y festivales que llevaba años queriendo pisar, Cinelli reflexiona sobre su vínculo con la escena global, su conexión casi telepática con Ricardo Villalobos, la importancia de moverse sin perder el centro y una idea que atraviesa toda su carrera: la música no como destino, sino como proceso.
Hola Franco, bienvenido a Mixmag Spain. Estamos muy felices de recibirte en esta edición. Muy pronto empieza tu gira por Europa, ¿cómo estás viviendo este momento previo?
Hola, muchas gracias. Agradezco este espacio para charlar y el interés de parte de ustedes.
Siempre espero con muchas ganas este momento previo a embarcar en un nuevo tour. Europa es un punto muy importante en mi carrera desde el primer viaje que hice, siempre fue y será muy motivador. Así que lo vivo con mucha ilusión.
¿Por dónde vas a estar pinchando? ¿Hay alguna fecha que tenga un significado especial para ti más allá del club o la ciudad?
Para este primer tour del año tenemos fechas como Días De Campo (Valencia), Les Enfants (Barcelona), Club Guesthouse (Bucarest), Bret (Ámsterdam), Unum Festival (Albania), Studio Club (Málaga), Roots Off Sonar (Barcelona) y algunas más que pronto se anunciarán.
Todas son importantes para mí. Siempre es un placer volver a ciudades o clubes donde ya he estado y reencontrarme con amigos. En este tour, además, voy a conocer espacios como Guesthouse o Bret, y el festival Días De Campo, que tenía muchas ganas de visitar.
Hola Franco, bienvenido a Mixmag Spain. Estamos muy felices de recibirte en esta edición. Muy pronto empieza tu gira por Europa, ¿cómo estás viviendo este momento previo?
Hola, muchas gracias. Agradezco este espacio para charlar y el interés de parte de ustedes.
Siempre espero con muchas ganas este momento previo a embarcar en un nuevo tour. Europa es un punto muy importante en mi carrera desde el primer viaje que hice, siempre fue y será muy motivador. Así que lo vivo con mucha ilusión.
¿Por dónde vas a estar pinchando? ¿Hay alguna fecha que tenga un significado especial para ti más allá del club o la ciudad?
Para este primer tour del año tenemos fechas como Días De Campo (Valencia), Les Enfants (Barcelona), Club Guesthouse (Bucarest), Bret (Ámsterdam), Unum Festival (Albania), Studio
Club (Málaga), Roots Off Sonar (Barcelona) y algunas más que pronto se anunciarán.
Todas son importantes para mí. Siempre es un placer volver a ciudades o clubes donde ya he estado y reencontrarme con amigos. En este tour, además, voy a conocer espacios como Guesthouse o Bret, y el festival Días De Campo, que tenía muchas ganas de visitar.
Una de las cosas que tengo en mi lista de ver antes de morir es tu b2b con Ricardo Villalobos. Dicen que tienen algo casi telepático. ¿Qué ocurre realmente ahí dentro cuando compartís cabina?
Podríamos hablar mucho de esto…
Ricardo siempre fue y será alguien muy especial para mí. Nos conocimos a principios de los 2000 en Santiago de Chile, y ese encuentro marcó un antes y un después en mi carrera y también en lo personal.
Con el tiempo fuimos afianzando la relación y, sin forzar nada, empezaron a surgir las primeras
sesiones juntos. Tiene una forma muy particular de transformar la tensión de la cabina en algo relajado, y eso me enseñó mucho.
Siempre hubo respeto y cero egos. Creo que esa es la clave. Todo se construye en tiempo real, sin preparación previa. Ahí es donde aparece la magia.
Hablando de eso… ¿existe la posibilidad real de veros juntos este año por España o todavía es misterio?
Sí, vamos a estar haciendo el closing de verano en Amnesia Ibiza, en la fiesta Pyramid, en formato back-to-back junto a Ricardo y Raresh, como ya lo hicimos anteriormente.
Argentina es un país con una enorme cantidad de talento. Muchos sienten que deben irse para crecer. En tu caso decidiste quedarte. ¿Fue una decisión estratégica, emocional o una forma de resistencia?
No fue algo planeado, se dio de manera natural.
Antes de viajar a Europa ya tenía un camino en Argentina y me sentía cómodo. Siempre me gustó la idea de estar entre ambos lugares, viajar constantemente.
Creo que el artista crece mucho
más con el movimiento, conociendo culturas, públicos y escenas distintas. Volver a Argentina después de un tour y compartir lo aprendido es muy motivador.
Al final, lo importante es seguir creciendo, aprendiendo y acumulando experiencia, más allá de dónde estés.
Recuerdo escucharte en Moonpark 2011 junto a Richie Hawtin y Loco Dice. Desde entonces ¿qué cambió en sonido y qué se mantiene intacto?
Es interesante porque no encuentro una diferencia tan grande.
Siento que los sonidos del pasado y del presente están muy conectados.
Lo que cambia es cada presentación. Me gusta improvisar, no seguir un patrón. Cada set es distinto según el contexto: la hora, el público, el espacio…
Me interesa ser ecléctico, moverme entre el house y el techno en distintas formas y construir una narrativa en cada sesión.
¿Puedes contarnos cómo nace el concepto de Psyfunk?
La idea fue crear una plataforma curada según mis gustos, sin restricciones.
No sigue una línea concreta: puedes encontrar ambient, house, dub techno o música experimental.
Los últimos lanzamientos fueron de artistas emergentes como Danny David y Jose Pelaez, y para los 10 años del sello viene un álbum de Nast.T.
Como productor, ¿en qué estás ahora mismo? ¿Hay algo que nos quieras adelantar?
Estoy remodelando mi estudio, así que estoy en un pequeño impasse en producción.
Aun así, siguen saliendo releases que ya estaban terminados, como remixes para Acme Records, Abuelo Negro, Phonogear, Bar Music, y una colaboración con Lucio De Rosa para Savor Music.
¿Qué artistas argentinos sientes que están empujando la escena actualmente?
Jose Pelaez, Guillermo De Caminos, Alan Castro, Ninin, entre muchos otros.
Grabaste un set para nosotros. Sin hacer demasiado spoiler, ¿qué viaje podemos esperar?
Fue grabado en vivo en Perú, en la fiesta Daze.
Refleja muy bien las dinámicas e intensidades que me gusta generar en una sesión, con diferentes momentos y cambios de energía.
Estamos en una era donde la fama puede llegar en meses. ¿Qué riesgos ves en esa velocidad?
La velocidad no tiene nada que ver con construir una carrera.
Esto lleva tiempo, persistencia, pasión, aciertos y frustraciones.
Es una carrera infinita. Los grandes artistas tienen décadas de trayectoria, y eso se construye con trabajo y amor por lo que haces.
Para cerrar: la parte más espiritual de la música. Esa experiencia que te conecta con algo más profundo. ¿Cómo la vives tú?
La música es uno de los lenguajes más antiguos que tenemos.
Siempre fue algo muy importante para mí. La disfruto con respeto, como el primer día.
Me hace sentir que no hay límites. Está en cualquier momento y lugar, y siempre saca lo mejor de mí. Es un tesoro que debemos cuidar.
Gracias Franco, nos vemos muy pronto. Te deseamos lo mejor para lo que viene.
franco
30drop
30drop lleva su trabajo al terreno audiovisual con ‘Insight Into Mind And Space’
30drop presenta ‘Insight Into Mind And Space’, un nuevo directo en el que replantea cómo llevar su trabajo al show audiovisual en directo. Desde ahí, el live deja de funcionar como adaptación del estudio y pasa a entenderse como una extensión del propio proceso con una lógica más cercana al espectáculo audiovisual. El desarrollo del show junto al artista visual Santiago es uno de los ejes centrales del proyecto. Ambos trabajan desde un enfoque compartido en el que sonido e imagen se construyen a la vez.
A lo largo de la conversación, también sitúa este planteamiento dentro de su trayectoria, aborda la convivencia con su alias de club Blast Shadow, planteado como un espacio separado para trabajar la pista, y reflexiona sobre el contexto actual del techno. En ese recorrido aparecen referencias como Jeff Mills y Axis Records, así como el papel de 30D, el sello que desarrolla junto a Ángel Molina.
‘Insight Into Mind And Space’ marca un momento nuevo dentro de tu trayectoria. ¿Qué dirías que define esta etapa frente a trabajos anteriores?
Creo que esta etapa se define por una idea muy clara: dejar de pensar la música como producto y volver a pensarla como experiencia. En mis trabajos anteriores ya había una voluntad de construir universos, pero en ‘Insight Into Mind And Space’ esa intención se vuelve total. Ya no se trata solo de componer tracks o de diseñar una narrativa sonora, sino de crear un espacio mental, casi un umbral, en el que imagen, sonido, tiempo y percepción trabajan juntos.
Siento que con este proyecto 30drop entra en una fase más madura y más radical. Más madura porque está menos interesada en responder a expectativas externas, y más radical porque se permite ir hacia lugares menos funcionales y más profundos. Me interesa menos hacer música para acompañar un contexto y más crear contextos a través de la música.
Si antes había una exploración del lenguaje, ahora hay una exploración de la conciencia. Y eso cambia todo: la forma de componer, la forma de tocar y también la forma de presentarme como artista.
El proyecto parte del universo que ya venías desarrollando en discos como ‘Soroban’ y ‘Photosynthetic Zone Manifesto’. ¿Cómo has trasladado ese imaginario al formato en directo?
Lo he trasladado entendiendo el directo no como una reproducción del disco, sino como una expansión física de ese imaginario. En ‘Soroban’ y en ‘Photosynthetic Zone Manifesto’ ya había una búsqueda muy marcada de atmósferas, de arquitectura emocional y de una cierta ciencia ficción interior. Lo que he hecho en Insight Into Mind And Space es llevar todo eso a un lenguaje escénico.
El reto era convertir una gramática sonora en una experiencia viva. Eso implicaba pensar cómo respira una textura en una sala, cómo se transforma un motivo armónico cuando dialoga con la imagen, o cómo una secuencia puede tener una dimensión casi cinematográfica cuando está integrada en una narrativa visual.
No quería “llevar los discos al escenario”; quería que el escenario se convirtiera en el lugar natural de ese universo. El directo ya no es una adaptación del estudio: es el siguiente estado de la obra.
En este live, música y visuales funcionan como una única narrativa escénica. ¿En qué momento viste claro que este proyecto tenía que tomar esa forma?
Lo vi claro cuando entendí que la música sola ya no bastaba para contener todo lo que quería expresar. Había conceptos, tensiones y estados perceptivos que necesitaban una dimensión visual para completarse. No como acompañamiento ni como decoración, sino como una capa estructural del propio lenguaje.
Vivimos en una época saturada de estímulos, pero paradójicamente muy pobre en experiencias verdaderamente inmersivas. Muchas veces lo visual en la música electrónica queda reducido a un fondo, a una estética, a un adorno. Yo quería lo contrario: que sonido e imagen se necesitaran mutuamente. Que una frecuencia pudiera tener su eco en una forma, y que una imagen pudiera abrir una lectura nueva de lo sonoro.
‘Insight Into Mind And Space’ nace cuando dejo de pensar en un live y empiezo a pensar en una obra escénica total. Ahí fue cuando entendí que el proyecto necesitaba esa forma.
¿Cómo ha sido el proceso de trabajo con Santiago? ¿De qué manera se ha construido ese diálogo entre sonido e imagen?
Ha sido un proceso de escucha mutua, muy orgánico pero también muy preciso. Desde el principio entendimos que esto no consistía en poner imágenes sobre música, sino en construir un lenguaje compartido. Con Santiago ha habido un diálogo muy fértil porque los dos partimos de una sensibilidad similar: entender que lo abstracto también puede ser emocional y que la tecnología puede ser una herramienta poética.
El trabajo se ha ido construyendo a partir de correspondencias: densidades, tensiones, vacíos, pulsos, respiraciones. A veces una pieza sonora pedía una respuesta visual concreta; otras veces una idea visual abría una dirección musical nueva. No ha sido una relación jerárquica, sino una conversación real.
Eso me parece muy importante, porque hoy muchas colaboraciones se hacen de forma casi funcional. Aquí no. Aquí lo esencial era generar un tercer lenguaje que no fuera ni solo mío ni solo suyo. Cuando la colaboración funciona de verdad, aparece un territorio nuevo que ninguno de los dos podría haber alcanzado por separado.
Más allá de lo musical, da la sensación de que ‘Insight Into Mind And Space’ está pensado como una experiencia también sensorial y conceptual. ¿Qué querías provocar o activar en el público con este formato?
Quería activar una forma de atención distinta. Hoy todo empuja hacia la distracción, hacia la fragmentación, hacia el consumo rápido. Este proyecto va en la dirección opuesta: invita a entrar, a permanecer, a percibir de otra manera. No busca solo entretener, sino abrir un espacio de introspección, de extrañamiento y también de expansión.
Me interesa que el público sienta que está atravesando algo, no simplemente asistiendo a algo. Que durante un tiempo salga de la lógica cotidiana y entre en una percepción más lenta, más profunda, más abierta. La música puede seguir siendo un instrumento para alterar la conciencia sin necesidad de caer en la nostalgia ni en el cliché futurista.
Si el proyecto provoca algo, me gustaría que fuera eso: una sensación de desplazamiento interior. Como si durante un momento la mente pudiera observarse desde otro lugar.
Presentar este proyecto en Sónar le da un contexto especialmente potente. ¿Qué significa para ti mostrar esta nueva dirección artística en un marco así?
Tiene un valor muy simbólico y también muy emocional. Y agradezco mucho la confianza de todo el equipo del festival en mi proyecto, especialmente a Christian quién desde el inicio apostó por ello. Sónar es un festival que históricamente ha sabido abrir espacios para propuestas que entienden la electrónica más allá de lo funcional o lo estrictamente club. Presentar ahí esta nueva dirección significa situarla en un contexto donde ese tipo de riesgo puede ser entendido y compartido.
Para mí también tiene algo de declaración de intenciones. Es decir: este es el lugar desde el que quiero hablar ahora. Un lugar donde la música electrónica no está obligada a responder a fórmulas, donde puede seguir siendo investigación, lenguaje y visión.
Además, presentar la premiere en un marco así refuerza la idea de que 30drop está entrando en un territorio nuevo, más cercano a lo performativo, a lo audiovisual y a lo cultural en un sentido amplio. No es un cambio de formato: es un cambio de paradigma.
En tu trayectoria hay una conexión clara con Jeff Mills y Axis Records. ¿Qué ha supuesto esa relación en tu evolución artística y en la manera de entender tu trabajo?
Ha supuesto una confirmación muy importante de ciertos valores que para mí siempre han sido esenciales: rigor, identidad, visión y compromiso con una idea propia del futurismo. Jeff Mills representa una manera de entender la música electrónica como pensamiento, como arquitectura del tiempo y como proyección hacia lo desconocido. Esa visión ha sido muy influyente para mí.
La relación con Axis no la vivo solo en términos de validación externa, sino como un diálogo con una tradición muy concreta de la electrónica: una tradición en la que la innovación no se plantea como un gesto de marketing, sino como una necesidad artística real. Eso me ha reafirmado en la idea de que hay que proteger una voz propia incluso cuando el contexto empuja hacia la simplificación.
La verdadera herencia de Axis no es un sonido, sino una ética del futuro. Y esa ética sigue siendo muy necesaria hoy.
Paralelamente, estás desarrollando Blast Shadow, una vía más enfocada al techno de club. ¿Qué te llevó a abrir ese alias y qué espacio ocupa ahora mismo frente a 30drop?
Blast Shadow nace de una necesidad de separación. Sentí que 30drop estaba yendo cada vez más hacia un territorio narrativo, conceptual, audiovisual y menos ligado a la lógica del club. Y al mismo tiempo seguía teniendo interés en trabajar una energía más física, más directa, más enfocada a la pista. En lugar de forzar ambas cosas dentro del mismo marco, preferí abrir dos canales distintos.
Pero Blast Shadow también nace como una reacción crítica al momento actual de la escena. Creo sinceramente que el techno atraviesa una crisis de sentido. La comercialización extrema, la estetización superficial y el fenómeno de los llamados “Instagram DJs” han desplazado el foco de la música hacia la imagen, hacia el branding y hacia la inmediatez. Se ha confundido visibilidad con profundidad.
Por eso necesitaba proteger 30drop de esa deriva. Alejarlo de la escena techno actual no es una renuncia al techno; es una forma de preservar una libertad artística. Blast Shadow ocupa ese espacio más de club, pero también me permite entrar ahí con una conciencia muy clara de lo que quiero hacer y de lo que no quiero representar.
Por el momento he podido presentar al Blast Shadow en formato DJ en clubs como Moog en Barcelona y a finales de mayo, en el club Potent de Shanghai en. Así que encantado de poder dar salida a mi lado más oscuro, underground y techno en todo el mundo.
¿Cómo conviven hoy esas dos líneas dentro de tu trabajo: la más experimental y narrativa de 30drop y la más orientada al club de Blast Shadow?
Conviven como dos extensiones distintas de una misma visión. No las siento como proyectos opuestos, sino como dos formas de canalizar energías diferentes. 30drop es el espacio donde puedo trabajar con más profundidad narrativa, con más ambición conceptual y con una temporalidad más expandida. Blast Shadow, en cambio, me permite trabajar la tensión, el impacto físico y una relación más directa con el cuerpo y con la pista.
La diferencia está sobre todo en la función y en el contexto, no en la honestidad artística. En ambos casos intento escapar de lo previsible y mantener una identidad propia. Pero necesitaba dos marcos distintos para que cada lenguaje pudiera respirar de verdad.
De hecho, esa dualidad me parece muy sana. Un artista no tiene por qué caber entero dentro de una sola etiqueta ni de una sola economía de atención. Hoy más que nunca me interesa construir ecosistemas creativos, no marcas cerradas.
También estás al frente de 30D. ¿En qué momento se encuentra ahora el sello y qué planes tienes para él en esta nueva etapa?
30D está en un momento de consolidación y reconocimiento. Los 12 años de trabajo duro y constante tanto mío como de Angel Molina, mi amigo y compañero de batalla en 30D; han dado su fruto como no podía ser de otra forma. Siempre he creído en el trabajo constante y decidido.
Para mí siempre ha sido más que un sello: ha sido una plataforma de identidad y de curaduría; y creo que para Ángel también. 30D se separa de los muchos sellos que están creados y funcionan como herramienta de marketing de un DJ o Productor, otro mal endémico de los tiempos que vivimos, y se inspira más por el concepto y funcionamiento de sellos creados por el amor a la música como pueden ser Mute, R&S, Tresor y muchos otros.
Compartimos una misma visión de lo que un sello discográfico debe ser. Un lugar desde el que defender una manera de entender la electrónica que no dependa de modas rápidas ni de inercias de mercado.
Queremos que 30D siga siendo un espacio selectivo, con una línea precisa y exigente. Nos interesa que el sello acompañe esta evolución hacia propuestas con más identidad, más riesgo y más visión. No tenemos interés en convertirlo en una maquinaria de contenido; preferimos que cada referencia tenga un peso real y sea perdurable.
También es interesante que 30D pueda dialogar con otros formatos y no solo con el lanzamiento musical tradicional. El futuro de un sello no está solo en editar discos, sino en construir marcos culturales alrededor de una sensibilidad y en la híper personalización de la experiencia de usuario.
Después de esta presentación, ¿te gustaría seguir desarrollando ‘Insight Into Mind And Space’ como formato en directo en otros contextos?
Sí, absolutamente. De hecho, la idea es que este proyecto no sea un gesto aislado, sino el comienzo de una línea de trabajo. Me interesa mucho seguir desarrollándolo en contextos donde pueda desplegarse con todo su potencial: festivales, centros de arte, espacios culturales, entornos audiovisuales o formatos híbridos donde el público esté dispuesto a vivir la experiencia de otra manera.
Creo que hay una necesidad real de abrir más espacios para una electrónica que no esté pensada únicamente desde la lógica del club. Y Insight Into Mind And Space quiere habitar precisamente ese territorio. Me interesa hacerlo crecer, refinarlo y llevarlo a otros lugares donde el diálogo entre música, imagen y concepto pueda seguir evolucionando.
Mirando un poco más allá de Sónar, ¿en qué estás trabajando ahora mismo y qué próximos proyectos te apetece empezar a mostrar?
Ahora mismo estoy trabajando en varios frentes que, de alguna manera, amplían esta nueva etapa. Por un lado, estoy preparando un nuevo álbum que conceptualmente estará muy centrado en el trabajo de los armónicos en la música. Me interesa explorar cómo los armónicos pueden convertirse no solo en material técnico o acústico, sino en una herramienta expresiva, emocional y casi arquitectónica. Es un proyecto muy enfocado en la resonancia, en la percepción y en la idea de que el sonido tiene capas invisibles que también construyen sentido.
Por otro lado, estoy empezando a desarrollar instalaciones de arte multimedia, que es un terreno que me interesa cada vez más. Me atrae la posibilidad de sacar la música del tiempo lineal del concierto y llevarla a espacios donde pueda convertirse en ambiente, estructura, materia y diálogo con lo visual y lo espacial.
En ese sentido, siento que 30drop está entrando en una fase más abierta y más ambiciosa. Ya no pienso solo en discos o directos; pienso en sistemas de experiencia. Eso es lo que más me interesa ahora: construir obras que puedan habitar distintos formatos sin perder identidad.
bixbita y paula gm
En plena expansión de la escena, hay nombres que empiezan a consolidar su lugar desde la constancia y la evolución. Bixbita y Paula GM se encuentran en ese punto, atravesando etapas clave dentro de sus respectivos caminos. Ritmos de agenda cada vez más exigentes, una evolución clara en su lenguaje musical y una conexión directa con la pista definen el presente de una generación que está dando forma al ahora de la electrónica nacional.
Su paso por la próxima edición de Brunch Electronik Festival llega en ese contexto como una oportunidad para trasladar ese momento a un formato de gran escala, sin perder de vista lo esencial: la construcción del sonido, la conexión con la pista y la identidad propia.
Un placer teneros en este número de mayo de Mixmag. ¿Cómo estáis y en qué punto os encontráis ahora mismo?
Bixbita: Hola! Un placer también participar en este número y contar un poquito de mi. Ahora justo acabo de volver de pinchar en Colombia y Costa Rica, mi primera vez en Latinoamérica, y estoy super contenta con cómo ha ido. Me emociona mucho poder estar viajando tan lejos para compartir mi música y siento que esto marca un punto importante en mi carrera. Me ilusiona muchísimo ver cómo está evolucionando mi proyecto y la buena respuesta del público allá donde voy, es muy motivador :)
Paula GM: ¡El placer es mío! Es todo un honor tener un altavoz como Mixmag. Ahora mismo creo que la mejor forma de describirlo sería “rollercoaster”. A ratos me siento tremendamente afortunada por las oportunidades que me están llegando. Pero, como cualquier artista sabe, la pasión es un arma de doble filo, y aunque me siento muy feliz, también hay momentos de frustración y estrés que hay que trabajar.
Este año formaréis parte de Brunch Electronik Festival. ¿Cómo afrontáis una cita de este calibre dentro de vuestra trayectoria?
Bixbita: Pues con mucho cariño e ilusión, ya que conozco el Brunch desde sus inicios, y el haber visto su crecimiento, cómo se ha consolidado como marca de referencia, así como haber asistido a tantas de sus fiestas, hace que sea todo un honor para mí formar parte de ello.
Además me hace mucha ilusión representar el talento local de Barcelona, pinchar en casa en un festival de esta magnitud, y compartir cartel con tantos grandes nombres lo hace realmente muy especial :)
Paula GM: ¡La afronto con muchísima ilusión! A la Paula de 17 años que fue por primera vez a Paradise le explotaría la cabeza si supiera que 10 años más tarde estaría compartiendo escenario con Jamie Jones y pinchando discos suyos de los 2000.
Bixbita ¿Cómo planteas un set en un evento como Brunch frente a un club? ¿Cambia tu forma de construir la sesión?
Bixbita: Para mí, como DJ, club y festival son vibes algo distintas. En el club suele haber una interacción más cercana con el público, lo que me permite conectar más rápidamente con el crowd, el momento, y entender si el impacto de mi música está siendo el que yo quiero producir en la pista. Pinchar en un stage de festival es un poco más challenging ya que esa interacción suele ser más distante. Y por eso, al construir la sesión, mi intuición juega un papel muy importante, así como imaginarme a mí misma siendo parte del crowd.
Por eso me gusta ir preparada, y además es que me encanta la parte de preparar sets con antelación. Me parece una parte de ser DJ super guay, que incluso creo que a veces está un poco infravalorada. Me parece super poderoso como DJ poder plantear previamente un set, con un principio y un fin, en vez de escoger las canciones in situ. Obviamente soy flexible y me adapto si la situación lo requiere, pero creo que preparar las sesiones como un todo, con una evolución, una progresión y una identidad única para cada show en concreto, le da un valor especial al pinchar.
Y para Brunch no será menos. Prepararé una selección especial para la ocasión, pensada para ese momento y para el público de Brunch :)
Paula: en un contexto como Brunch, con un público amplio, ¿Te permites asumir riesgos en cabina o preferís jugar sobre terreno seguro?
La verdad es que cuando tengo un gig de este calibre me gusta poder comprar discos con tiempo, tener material nuevo para esa fecha y construir un set especial. No solo para el público, sino también para mí. Al final creo que la clave es disfrutar uno mismo para poder transmitirlo a los demás, y siempre lo paso mejor si tengo nueva mercancía en mi maleta ;)
Así que, por un lado, sí que existe el riesgo de usar discos que nunca haya testeado en pista, pero dentro de una selección muy curada y pensada para la ocasión. Un punto medio entre el riesgo y la preparación.
El cartel del festival es amplio y diverso. ¿Hay alguna actuación que no os pensáis perder o que recomendaríais especialmente al público?
Bixbita: Intentaré ir a Jeff Mills ya que nunca lo he visto en directo, y tengo muchas ganas de vivir la experiencia con alguien tan legendario como él, o sea tiene que ser único!
También me hace ilusión ir a ver a Nhymph, DJ también de Barna, y a Paula GM que no la conocía hasta ahora y me ha entrado curiosidad por escuchar lo que hace, y apoyar también el talento de otras DJs mujeres de Barcelona :)
Paula GM: No quisiera perderme actuaciones como las de Doudou MD, Paramida o Enzo Siragusa… pero sin duda las que me hacen especial ilusión son las de artistas locales y amigas de la escena, como mi Brieela. Me hace realmente feliz ver compañeras que admiro y quiero en carteles como este.
Bixbita sabemos que estás profundamente conectada con la escena de Barcelona. ¿Cómo la percibes actualmente desde dentro?
Bixbita: Barcelona es casa y su escena es el lugar donde he cultivado mi pasión por la música electrónica. Empecé conectada a un lado más underground, y desde ahí y con el tiempo he podido vivir la escena desde varias perspectivas: he visto evolucionar durante más de 10 años la escena de BCN, y yo he evolucionado con ella.
Todo esto me permite percibir la escena actual como una escena muy viva, en constante crecimiento, con mucha diversidad y talento, y un carácter único.
¿Qué creéis que la diferencia ahora respecto a otras escenas europeas?
Bixbita: La diversidad de propuestas, la singularidad de la ciudad en sí, la calidez de la gente de aquí y la apertura hacia quienes vienen a Barcelona atraídos por la escena de la electrónica de aquí. El que no es una escena elitista, sino participativa y cosmopolita. Y creo que el Brunch es un buen ejemplo de ello.
Paula, tu sonido está muy ligado al vinilo y en tus sets conviven referencias muy claras al pasado con una energía actual. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre nostalgia y presente sin perder identidad?
Paula GM: Creo que precisamente eso es lo que me ha ayudado a darle forma a mi identidad. A pesar de comprar muchos discos de los 90s y 2000s, también intento apoyar siempre a nuevos sellos y pequeños artistas que invierten el dineral y el tiempo que requiere prensar música actualmente. No solo porque admiro ese trabajo y, como co-founder de Algorythm Records (only vinyl record label), comparto y comprendo el trabajo invisible detrás, sino que también quiero estar al día de qué hace la escena. Así, mezclo esos bangers old school con una propuesta contemporánea.
9- Paula en un momento en el que emergen constantemente nuevos nombres en la electrónica nacional, ¿Cómo vives esa evolución? ¿Se siente como estímulo, presión o ambas cosas?
Paula GM: Como buena Géminis, tendría que decir que es un mix de todo. Me encantan los retos, siempre estoy tratando de poder aportar algo más a la escena y a mi camino artístico. Pero más que nunca, y para los que hemos crecido con redes, es difícil no compararte, no tener momentos de sentirte insuficiente y, por supuesto, cargarte con una presión extra.
Hace unos años me tatué una frase para cuando pierdo el foco y me invaden estos pensamientos: “trust the process”. Estás dónde has de estar para aprender y llegar a donde quieres llegar. Hay que creer en el proceso de cada uno; es una lucha de ti contra ti, y hay que disfrutarla y empaparse de ese proceso. Solo pinchando en salas vacías y afrontando públicos difíciles adquieres los skills de poder llevar al público donde quieres.
Para terminar, ¿Qué no puede faltar en un set vuestro? Y pensando en Brunch Electronik, ¿qué podéis adelantar a quienes vayan a veros?
Bixbita: En mis sets me gusta mezclar principalmente Techno y Hardgroove, pero también me gusta salir de mi zona de confort y en cada set añadir un toque de algún género diferente. A veces hago unos minutos más tranceros, a veces me pongo un poco más hard, igual esta vez ya que es veranito me pongo un poco más tropical, o igual pruebo algo completamente diferente. Me encanta experimentar y sorprender tanto al público como a mí misma :)
Paula GM: Algo que no puede faltar en un set mío es un disco que rompa un poco con toda la sesión. Puede ser un breakbeat, un tema de UK garage con vocales voladoras… podríamos llamarle un “efecto Shazam”, jaja. Quiero que te vayas a casa pensando que necesitas ese track. Y me encanta que me pase a mí cuando veo un set de un artista que me gusta. Volverme loca en Discogs para encontrar el disco de turno. No puedes construir una sesión solo de bangers, pero soltar alguno que capture a la gente es muy necesario.
me siento extraña
Antes del club, primero vino el lunes
En 2019, en un bar queer del centro de Barcelona, Verushka Sirit y Maia Jenkinson decidieron que los lunes podrían tener un toque especial. No pensaban en simplemente montar alguna fiesta puntual. La idea más bien era crear un punto de encuentro semanal donde la comunidad FLINTA* de Barcelona pudiera simplemente estar, conectar con la música y conocerse entre elles. De esos lunes nació Me Siento Extraña, un colectivo fundado por Verushka y Maia, y respaldado por sus DJs residentes y colaboradores: Meritxell de Solo, Hello Sasy, Coolkid 2000 y Anaco, que con tiempo y esfuerzo salió de un bar y creció hacia los clubs, festivales y a otras ciudades de Europa. MSE ha tenido la oportunidad de contar con grandes nombres de la escena como: James K, Chloé Caillet, Dana Montana, Shanti Celeste, Peach, Surf2Glory Bambii, Pureblast, In2stellar entre otres, y a su vez ha servido como plataforma para otros proyectos queer-emergentes, sin perder la intención principal, que es: “el espacio importa más que el espectáculo”.
Cinco años después sus fundadoras siguen aún sin faltar (casi) ningún lunes (el día del apagón, que era lunes, fue insalvable). “Me parece absolutamente loco que hayamos podido sostener un proyecto durante cinco años sin faltar” me cuenta Verushka con una mezcla de orgullo y asombro, como si ella misma no terminara de creérselo aun viviéndolo desde adentro.
En 2023 tuve la oportunidad de conocerlas en un contexto que ellas mismas habían creado. Esta vez no era formato de lunes, sino formato club en la Sala Upload. En la sala pequeña había Soft Karaoke, y en la main room sonaba música electrónica. Se trataba de uno de esos espacios donde, de repente, caes en la cuenta de que estás entre tu gente sin que nadie te lo haya tenido que decir. Eso es exactamente lo que MSE ha construido en Barcelona, y se podría resumir así: es un lugar que se siente tuyo antes de que puedas explicar por qué.
Sentadas en La Monroe, un bar del Raval, una tarde de martes conversábamos las tres. Maia y Verushka hablan como piensan, en paralelo completando las frases, riéndose de lo que la otra dice antes de que termine de decirlo. Llevan más tiempo construyendo MSE que el tiempo que muchas parejas llevan juntas. “Nos conocimos, empezamos a salir y seis meses después nació MSE”, cuenta Maia, “tuvimos un hije muy pronto, algo muy típico de lesbianas ;)”.
LO QUE NADIE VE EL LUNES POR LA NOCHE.
Detrás de cada lunes hay un martes, un miércoles y un jueves de correos, búsqueda de DJs, noches de diseño y de investigar qué proyectos FLINTA* están haciendo cosas interesantes en el mundo. Verushka es la que está detrás de todo esto, todos los días. Descubriendo, conectando, aplicando a festivales que parecen imposibles pero son más cercanos de lo que creían. “Cuando pasó lo del WHOLE Festival (BER) fue como, vamos a escribirles a ver si sale” recuerda Verushka, “Y nos dijeron que conocían el proyecto y nos concedieron espacio dentro del festival”.
Es un proyecto autogestionado que no ha recibido ayuda financiera de nadie, y que aun así lleva cinco años siendo uno de los referentes de la escena queer de Barcelona. “Que pasen cosas como lo del WHOLE es como un regalito de vida” dice Maia. Es un poco la magia de la intención y la energía que se invierte en el proyecto, que el universo te lo devuelve en conexiones, personas y oportunidades increíbles. También crearon el BINGO4THEM, un bingo mensual que hacen los lunes donde todo lo recaudado va destinado a proyectos comunitarios como una casa rural en la montaña para personas trans y migras, operaciones de reasignación de género, etc. Los premios son donaciones de varios proyectos locales de Barcelona y forman parte de una red de cuidado construida sobre bingos, comunidad y buena voluntad.
*FLINTA: mujeres, lesbianas/bisexuales, personas intersex, no binarias, trans fem/masc y agénero.
MSE empezó como un lunes lésbico, pero eso duró poco. No porque cambiara la intención, sino porque la realidad les abrió el marco. “Al principio le comenté a Maia: como soy bisexual, ¿qué tal si pensamos algo que nos incluya a más personas?”, cuenta Verushka. Fue ahí cuando, después de investigar y repensar el espacio, llegaron al término FLINTA* (mujeres, lesbianas/bisexuales, personas intersex, no binarias, trans fem/masc y agénero), que sentían que encajaba mucho mejor con quienes eran y con su entorno. “Si dices que es un lunes lésbico, solo van a venir lesbianas. ¿Y cuántas bisexuales han venido después a decirnos que nunca se habían sentido parte de la comunidad queer, porque en ese momento no estaban relacionándose con personas de la comunidad?”
EL ESPACIO Y SUS LÍMITES.
Ahí está el corazón de lo que MSE representa, que no es un espacio solo para quien ya sabe quién es, sino para quien todavía lo está descubriendo y para todo aquel que se sienta extrañe. “Tú tienes deseo y curiosidad. Eso es todo lo que vale” dice Maia con una convicción que no necesita más explicación. “Los lunes originaron Me Siento Extraña, y eso nos llevó a replantearnos que si queríamos pasarlo bien otros días de la semana y hasta tarde teníamos que ir a un club. Y que si queríamos esa misma atmósfera en un club, podíamos tenerla.” No fue un salto, fue una extensión natural de la misma intención. Si el espacio pequeño funcionaba tan bien, el grande también podía funcionar, siempre y cuando la comunidad y el cuidado sean prioridad.
Con esa misma lógica también aprendieron a elegir los espacios donde llevan el proyecto. “Al principio queríamos ocupar todos los espacios posibles, pero hay muchos lugares que no están preparados para nosotres. Si hablamos de comunidad, tiene sentido que pongamos la comunidad por delante de todo.” Han dejado de ocupar espacios, no como declaración, sino simplemente porque no tenía sentido seguir ahí. El cuidado de los espacios y la comunidad es esencial para el
completo disfrute de la música y no todos los espacios respetan esos códigos. De ahí surge Safe Amorx, un awareness team creado precisamente para velar porque los espacios nocturnos sean espacios más seguros para todes.
INTENCIÓN Y COMUNIDAD.
Lo que más me sorprende de MSE no es todo lo que han construido, sino el cómo. Un colectivo que funciona sin reuniones de equipo, sin plan a seis meses, sin estructura formal, pero que lleva cinco años sin fallar creando una gran comunidad. Lo que sí tienen son roles que fueron encontrando solos y una sinergia que le da motor a todo. Maia está más en los lunes, encargada de la parte social, con ese don de hacer que cualquier persona que entre se sienta parte de algo desde el primer momento, esa cercanía y comodidad que te da ganas de volver y ser parte de la comunidad. Verushka, además de ser una DJ residente del colectivo, se enfoca más en el diseño del universo visual, en los clubs, en los festivales, y en esa búsqueda constante de proyectos, artistas y comunidades que nutren el ecosistema de MSE. “Yo espero en casa a que Maia vuelva los lunes para que me cuente a quién conoció”. Y eso resume bastante bien cómo funciona todo. Un colectivo donde cada parte sabe lo que hace, donde no hay acuerdos sino una visión totalmente compartida de lo que debe ser un espacio seguro.“Somos personas que no están en conflicto”. Y cómo se nota. No existe la tensión, hay coordinación de dos personas que llevan tanto tiempo haciendo algo juntas que ya no necesitan discutirlo. Porque cuando el espacio se construye con intención real, la comunidad se sostiene y se expande sola.
SER CASA.
Verushka es de Venezuela, dato que importa más de lo que parece en una escena que todavía está aprendiendo a verse a sí misma desde el sur global. “Quiero que haya siempre esta representación y que el espacio se sienta que es un espacio para todes, que se vean otros cuerpos, vivencias, y en el club se escuchen otros sonidos, y que a pesar de estar en Europa, se sienta que hay un poco de mi identidad ahí también”.
MSE ha sido un punto de encuentro para toda una red de proyectos y DJs latinas en Barcelona como Latineo, Club Expansivo, o Sinsync, que es una escuela de DJs para gente FLINTA*, que también son proyectos que comparten algo más que la música. “Son mis amigues, y para mí son casa. Hablamos el mismo idioma, nos entendemos. Muchas somos migrantes en Europa, venimos de realidades distintas donde hemos tenido que hacer muchísimo para estar aquí, para sostenernos. Y si Me Siento Extraña puede ser ese espacio para mi gente, y además ayudarlas a crecer profesionalmente, eso me llena muchísimo”.
Maia, que es de origen catalán/neozelandés, lleva años construyendo este puente de comunidad cultural desde adentro: “los lunes también están para amplificar voces, dar espacio a quien no lo tiene y entre todes crear una comunidad que nos da energía y fuerza”.
LO QUE SIGE PARA MSE.
El pasado marzo se celebró un conversatorio con varias mujeres importantes de la industria de la música: Futura Artists, una agencia de bookings FLINTA*, Reinventar la noche, una red de apoyo y recursos pensada por y para DJs y profesionales del sector musical, y la booker del SOUNDIT, una de las fiestas más relevantes de Barcelona. El debate era claro: ya no es opción seguir haciendo las cosas como se han hecho. “Quiero pensar que llegará un momento en el que no incluir a mujeres en la programación ni a personas FLINTA* en los carteles será simplemente inaceptable” dice Verushka, “Es muy fácil caer en ‘es que no pincha con vinilo’ como si eso fuera solamente el criterio”.
Y si algo explica por qué la escena electrónica de Barcelona suena como suena hoy, Verushka lo resume mejor que nadie: “Hay un interés en la industria por los colectivos, les DJs y los proyectos que se mueven en la contracultura. El underground queer creó cosas súper interesantes y eso se expandió. Lo puedes ver en los grandes clubes, en los festivales, y es parte importantísima del tejido que sostiene la escena de la electrónica en Barcelona durante todo el año”. Estamos aquí, dice, redefiniendo cómo se vive la música electrónica. No solo a nivel de sonido, sino de cómo se experimenta el club y cómo se experimenta la noche.
El consejo que nos dejan es bastante sencillo: “Ten une amigue FLINTA*. Si tienes a alguien cerca que pueda entender lo que está pasando, tú también podrás entenderlo. Pero si lo tienes lejos, son realidades que probablemente nunca llegues a ver ni a comprender”.
guy gerber
RENACENTISMO ELECTRÓNICO
Guy Gerber es uno de esos nombres que llevan años moviéndose a su propio ritmo, sin encasillarse y sin seguir una única dirección. DJ, productor, guitarrista, guionista de cine, creador de su propio vino rosado y la mente detrás de Rumors, una de las fiestas más reconocidas de Ibiza. Su trayectoria no responde a una lógica convencional, sino a una necesidad constante de expansión.
Musicalmente, siempre ha tenido un sello muy claro: sonidos electrónicos con mucha carga emocional, sintetizadores, melodías que se quedan y una forma de construir sesiones que te atrapan poco a poco. Sus sets suelen moverse entre lo hipnótico y lo íntimo, creando momentos que funcionan tanto en la pista como a nivel más personal. No busca solo hacer bailar, sino generar una conexión.
A lo largo de los años ha pasado por algunos de los clubs y festivales más importantes del mundo, además de firmar residencias en Ibiza que han dejado huella. También ha desarrollado su faceta como curador a través de sus sellos, Supplemental Facts y Rumors, dos plataformas clave dentro del circuito underground.
En su discografía hay temas que ya son parte de la historia reciente del dance y que siguen siguen resonando en la memoria colectiva de la pista, como “Stoppage Time”, “Sea of Sand” o “Secret Encounters”. A ellos se suma “What To Do” (2018), uno de los lanzamientos más icónicos de su sello Rumors.
Ahora emprende un emocionante nuevo capítulo aventurándose en el mundo de las artes visuales para crear experiencias inmersivas y cautivadoras. Combinando su profundo entendimiento del poder emocional de la música con el potencial transformador de los medios visuales, Gerber busca expandir su expresión artística más allá de las producciones musicales. Inspirándose en espejos, bolas de discoteca, luces, humo, arena y otros elementos, pretende transmitir un poderoso mensaje visual que conecte con el público en un nivel multidimensional. Pero hablar de Guy Gerber en 2026 implica ir más allá de la música.
RUMORS: UNA IDEA QUE SIGUE CRECIENDO
La influyente fiesta Rumors, creada por Guy Gerber, regresa a Ibiza en 2026 con su 13ª temporada, consolidándose como una de las propuestas más respetadas del circuito underground. La residencia se celebrará una vez más en Cova Santa cada miércoles, en un formato íntimo y cuidadosamente curado. Fiel a su esencia, Rumors apuesta por una experiencia que va más allá del clubbing tradicional, donde la atmósfera y la conexión emocional con la pista son protagonistas. La fiesta ha sido un éxito rotundo desde su temporada debut, con inolvidables sesiones en las que pudimos disfrutar de su espíritu bohemio y la visita de una cuidada selección de invitados internacionales desde este espacio hedonista y único. Convertida durante años en una de las fiestas de culto en Ibiza, Rumors es una cita hedonista y cosmopolita con mucha esencia ibicenca. La fiesta ha viajado por todo el mundo, desplegando el talento musical de grandes artistas y una cuidada dirección creativa en increíbles lugares al aire libre, desde los Cenotes Mexicanos a los callejones históricos de Londres, pasando por villas en Coachella, acantilados en Río o Los Ángeles, donde tuvo su segundo hogar en Chinatown Square con Dj Harvey.
DEL SONIDO A LA IMAGEN:
EL UNIVERSO VISUAL DE GERBER
En su nueva etapa, Guy Gerber amplía su lenguaje creativo hacia las artes visuales, construyendo experiencias donde la música es solo una parte del relato. Su trabajo, que abarca fotografía, pintura, collage y cine, gira en torno a un concepto recurrente: el espejo.
No solo como objeto, sino como símbolo. Un dispositivo para explorar la autoconciencia, la introspección y la relación que establecemos con nosotros mismos cuando nadie está mirando. En sus obras, los reflejos no devuelven únicamente una imagen, sino preguntas: ¿quiénes somos cuando nos observamos? ¿Qué buscamos validar?
Este diálogo entre lo visible y lo invisible ha ido tomando forma a lo largo de los años, en proyectos que conectan directamente con su universo musical. Desde “Wisdom of the Glove” en Pacha Ibiza (2013), hasta la experiencia inmersiva “Mirror Games” en 2022, o la presentación de su primera obra digital titulada “Invisible Trails”, presentada en el contexto de Art Basel Miami en 2023.
El punto de inflexión llegó con “Blind Date” (2024), su primera obra subastada en Gala One en 2024, que alcanzó los 50.000 dólares y marcó el inicio de una nueva fase en su carrera. A partir de ahí, su presencia en el circuito artístico no ha dejado de crecer: Art Dubai 2025 acogió su primera exposición, “I’ll Be Your Mirror: Journey Through The Shields of Reflection”, una muestra privada presentada a un pequeño grupo de ejecutivos del mundo del arte, coleccionistas, medios, VIPs y amigos cercanos. Tras el éxito de su exposición privada en Dubái, Guy Gerber presentó su primera exposición pública de corta duración con una colección completamente nueva de obras durante la Semana de la Moda de Nueva York. “SEPARATE WAYS” llegó a la semana de Frieze Los Ángeles 2026 este febrero.
La colección de obras es una continuación de su experimentación continua con la interacción y la intersección entre el espejo, la musa o sujeto, el entorno, el artista y el público. Guy Gerber continúa expandiendo su lenguaje artístico visual. Ya sea a través de la intimidad de un instante fotográfico o del poder inmersivo de la imagen en movimiento, sigue comprometido con revelar nuevas facetas de la reflexión y la autopercepción, invitando al espectador a conectarse con su mundo interior en evolución mediante experiencias cada vez más complejas y sensorialmente ricas.
UN ARTISTA EN EXPANSIÓN CONSTANTE
En esa constante búsqueda, lejos de repetirse, sigue reinventándose. Lo interesante de Guy Gerber es que no se queda quieto. No abandona lo que ya hace, sino que lo expande. Su música sigue evolucionando, su fiesta sigue creciendo y su trabajo visual abre nuevas formas de conectar con el público. Al final, todo gira en torno a lo mismo: crear algo que haga sentir. Y en eso, Guy, sigue siendo difícil de encasillar.
diamin
“Descubrir continuidades, señalar lo primitivo en el futuro y lo innovador en lo elemental.”
Nacida en Chile y formada en Buenos Aires, Amapola ha construido una presencia difícil de encasillar. Hay algo en su forma de pensar, entre lo científico y lo musical, que se filtra tanto en su manera de entender el mundo como en su forma de habitar la cultura electrónica underground.
Co-Fundadora del sello Tecnologías Elementales, residente de la fiesta LA CURA en La Plata (Bs.As) y Mutant Radio de Tblilisi, actualmente basada en Berlín, su recorrido la ha llevado por una amplia variedad de cabinas, compartiendo sesiones b2b con figuras como Jane Fitz y desarrollando una identidad que escapa de lo evidente.
Más que una narrativa lineal, responde a una lógica de exploración constante, una relación íntima con el sonido, el archivo y el tiempo, donde conviven lo primitivo y lo futurista, lo emocional y lo estructural. En esta conversación, nos acercamos a un artista que encuentra en la música un lenguaje atemporal y una forma de conocimiento.
Hola Diamin, estamos felices de recibirte por aquí. Siempre he escuchado muy buenos comentarios sobre tu forma de pinchar y de diggear. ¿Qué significa para ti coleccionar música hoy?
Hola, un gusto para mí ser entrevistada para esta revista. Coleccionar es de cierto modo comprometerse con la re-escucha. Es una práctica que realizo constantemente que nace y/o responde a la curiosidad. Es esa necesidad de seguir buscando y descubriendo músicas con las que te identificas tanto que te dan ganas de generar una relación a largo plazo con algún formato físico, y así poder revisitar una y otra vez. Para mi coleccionar hoy es una forma de vida
¿Qué géneros son los que más te atraen actualmente? ¿Cómo ha cambiado tu interés en los últimos años?
Me parece difícil pensar en esto; desde el principio coleccioné y pinché maxi singles de muchos géneros y estilos. Desde mis primeros discos de New Beat o Acid House fui pasando luego por el Bleep, UK
Ambient House, Electro y demases. En paralelo también nunca dejé de alimentar mi colección de LPs más enfocada en Synth-pop, Post-punk, Art Rock, Industrial, Krautrock, etc.
Al ser una persona bastante consistente no he perdido interés por ninguno de estos sonidos, pero sí podría decir que estoy escuchando mucho Techno Experimental, Industrial y proyectos más bien Leftfield en general. Creo que más que hablar de géneros me interesan claramente determinadas texturas, paletas sonoras y/o motivos estéticos dentro de la música, que se pueden reconocer de manera transversal a lo largo de diversos géneros. En esta idea de buscar el timbre propio, personal, dentro del eclecticismo podría decirte que me reconozco y me interesa el misterio, la melancolía, la psicodelia, la catarsis, la luz en la oscuridad, la liberación luego de la contracción, lo scifi y lo primitivo, el mundo acuático y/o celular, por mencionar algunas cosas.
Vienes de una formación en ciencias ambientales, incluso con investigación en fisiología vegetal. ¿Encuentras conexiones entre ese pensamiento científico y tu forma de entender la música.
Sí, sin duda veo conexiones en ambos mundos. Sin ir más lejos en la forma de observar, adquirir conocimiento y necesidad de organización de la información o creación de archivo. Tanto la ciencias naturales como la historia de la música caen, para positivo o negativo, en la categorización y agrupación o diferenciación, ya sea de los seres vivos y sus ambientes como de las artistas, los géneros musicales y las escenas de las que forman parte. Sin ánimos de negar, sino más bien lo contrario, reconociendo el binarismo y la subjetividad del observador a la hora de describir la “realidad”, en donde muchas historias quedan relegadas a la marginalidad de las minorías. La representación visual del desarrollo de los géneros musicales en una línea temporal no se aleja tanto al observar, a grandes rasgos, un diagrama de la evolución de las especies en la historia de la tierra.
Hay interconexión, hay influencia, hay retroalimentación, hay divergencias, hay también aleatoriedad, hay contexto ambiental y socioeconómico, etc.
Estudiaste en Buenos Aires, donde también empezaste a profesionalizarte como J. ¿Cómo es tu conexión con la ciudad hoy?
Buenos Aires es la ciudad donde he vivido, de corrido, más tiempo en vida. 10 años para ser exacta... llegué a los 19 y me fui a los 29. Estoy eternamente agradecida de haber transitado este período super formativo, ese paso a la “adultez” en esa ciudad y sobre todo, de haber tenido el privilegio de que se diera bajo la contención y los valores de la Universidad de Buenos Aires, la educación pública y lo que eso significa a nivel humano.
Eso sumado al no menor plus de empezar mi carrera como DJ allí y haber encontrado tantxs amigxs que comparten una visión común y con lxs que me veo cercana para siempre, hace que mi conexión con la ciudad y Argentina sea super profunda, de reciprocidad mutua, de constante inspiración y en donde sé que tengo un hogar al que me veo regresando felizmente en algún momento de mi vida.
¿Qué te llevaste de esa escena? ¿Hay algún colectivo o artista que sientas que no podemos perder de vista?
Ufff, tanto por mencionar. Tuve la suerte de llegar en un momento en donde había una gran diversidad intergeneracional en la cultura nocturna. Conocí a artistas y colegas que tuvieron sus primeras residencias en clubes en los 80-90-00s y también ví surgir a nuevas generaciones de artistas, contemporáneos a mi camada. Me llevo por sobre todo el aprendizaje de sacar adelante varios proyectos underground, pese a la inestabilidad política y económica del país: esa manija interna de crear y no
dejar de crear y generar espacios contraculturales, autogestivos, impulsados a pulmón. Lacura es un ejemplo de un colectivo contemporáneo de La Plata que acaba de cumplir 10 años, donde tengo el honor de haber participado como residente desde la primera fecha. Ellxs son un ejemplo en todo sentido: a nivel estético, artístico y humano de cómo impulsar y sostener la creación de un espacio de rave.
Empezaste a salir muy joven, dentro de circuitos góticos, alternativos y queer. ¿Cómo influyeron esas primeras experiencias en tu sensibilidad como DJ?
Empecé a salir en Santiago de Chile a los 13-14 años buscando conocer personas alternativas y LGBTIQ+ , una comunidad y un sentido de pertenencia, que por esos años en Latinoamérica era casi imposible de encontrar en el contexto educacional, donde era discrimininadx por salir del marco heteronormativo tradicional. Así conocí mis primeras pistas de baile: espacios como La Blondie, Balle-duc, Club Miel, y escuchando new wave, electroclash, dark wave o brit-pop. Si pienso a nivel influencia sonora, podría resumirlo en que estas experiencias generaron en mí una fascinación con la música sintética. Algo muy marcado en mi selección es la textura de la música hecha con sintetizadores, fríos, rítmicamente perfectos por un programador robotico sensible.
LABEL TECNOLOGÍAS ELEMENTALES
PHOTO LA CURA
La escena queer parece estar expandiéndose más allá de ciertos núcleos tradicionales y generando espacios donde la sensación de seguridad y comunidad es cada vez más visible.¿Cómo percibes este cambio? ¿Crees que responde a una evolución generacional o a transformaciones más profundas dentro de la cultura de club?
Creo que son cambios positivos, de largo proceso y sobre todo de reformulación constante porque estamos hablando de brindar seguridad e integración en un ambiente y sabemos que aún muchas personas no se sienten seguras a la hora de salir. Hay aún mucho trabajo por delante de parte de lxs promotores, clubes y asistentes. Sobre todo para que estos cambios se generen a un nivel profundo y no queden en un contexto de co-optación capitalista.
Si pudieras cambiar algo de la escena actual, ¿qué sería?
La redistribución de costos e ingresos. Salir se volvió inaccesible para muchxs a través de la sobreacumulación y enriquecimiento de pocos.
¿Qué tiene Berlín que aporte a tu lifestyle y a tu desarrollo artístico?
Berlín tiene anonimato, eso de que nadie te mira porque respetan tu individualidad y a la vez les das un poco igual. Es algo que de una manera extraña le sirve a mi estilo de vida. Y a mi desarrollo artístico le brinda una red muy amplia y en constante cambio de personas de todos los lugares del mundo.
Hablemos de Tecnologías Elementales. ¿Cómo nace el sello y qué universo quieres construir a través de él?
El sello nace a raíz del deseo de sostener un vínculo creativo con F.A.N.G.O., uno de mis mejores amigos, cuando decido mudarme a Berlín. Juntos ya habíamos tenido varios proyectos musicales, desde fiestas, radio, fanzine, etc. Y la idea de difundir la música que amamos, que nos formó o que se producía en nuestro entorno siempre había estado en nuestro horizonte. Un poco como un modo de transmitir a través del sonido y de la estética del sello, el modo de hacer que sentimos característico del lugar de donde vinimos: inventivo, experimental, ingenioso, capaz de encontrar belleza en la imperfección y estrategias compositivas en la precariedad. Mi relocalización en Europa brindaba una nueva estructura para la producción y difusión de ese contenido local latinomaricano o del sur globlal del cual somos parte.
El nombre del sello parece moverse entre lo futurista y lo primitivo, como si conectara tiempos distintos. ¿Qué les interesa explorar a nivel conceptual en los releases?
Exactamente, esa fue la búsqueda: romper con los binarismos que implica la idea de progreso occidental. Como si el pasado fuera algo obsoleto y el futuro un punto de llegada. Nuestra experiencia como DJs nos abrió la puerta a otras nociones de temporalidad, ya que el mismo oficio te permite conectar tiempos distantes, trazar puentes en el aquí/ahora. Con los releases buscamos hacer eso, descubrir continuidades, señalar lo primitivo en el futuro y lo innovador en lo elemental. Por eso empezamos publicando a dos artistas contemporáneos, Qik de Argentina y Kamila Govorčin de Chile, ambos con un sonido mutante, orgánico, muy personal, difícil de encasillar en géneros y épocas.
Y también a Quum, un grupo mítico, protoindustrial, que empezó a hacer música electrónica a fines de los setenta en Argentina y siguen haciéndolo a día de hoy: una música indescriptible, atemporal, que parece el sonido ritual de una civilización desconocida. Nuestro tercer lanzamiento, en camino, es de una banda surgida en Tijuana, México, en los años noventa, y que combina minimalismo crudo con sonidos techno futuristas: Ford Proco.
¿Qué es lo más difícil de sostener una carrera basada en la selección y no en la producción masiva?
Sin duda, la identidad es lo más difícil de sostener y proteger. Estamos viviendo en un contexto en donde la industria musical nos presiona constantemente para ser un producto más, así que para mí el reto está en lograr seguir siendo nosotrxs mismxs, participando de la producción cultural contemporánea sin perdernos en las dinámicas del hype y consumismo masivo. En mi experiencia, lo que más ayuda a mantenerme coherente es ser transparente con lo que me gusta. Seguir mi intuición y confiar en la veracidad de la obra que comparto con los demás.
¿Y qué es lo que más te sigue emocionando de todo esto?
Me emociona no saber lo que va a pasar. Ya todo lo que he aprendido y conocido a través de la pasión musical supera toda expectativa posible. Expectativas que de hecho intento no tener. Creo más bien en la importancia de estar presente, y en el acto de estar ahí para que se sigan abriendo nuevos caminos y posibilidades. Me emociona tener la disposición de continuar saliendo, de seguir escuchando y buscando el diálogo con lxs demás.
CUIDAR Y CREAR: MATERNIDAD EN LA ESCENA ELECTRÓNICA
Cada mes de mayo, con la celebración del Día de la Madre, las narrativas sobre maternidad suelen repetirse: cuidado, entrega y amor incondicional. Pero fuera de ese relato más clásico, existen otras realidades que rara vez ocupan el foco. Como la de las madres que habitan la escena electrónica. Un entorno que siempre ha presumido de libertad, donde las normas se rompen, los horarios desaparecen y la vida gira en torno a la música.
Pero hay una pregunta que sigue siendo incómoda: ¿Qué pasa cuando esa libertad se cruza con la maternidad?
Durante años, la cabina no ha estado pensada para madres. No por falta de talento, sino por una estructura que exige disponibilidad total, movilidad constante y una energía difícil de conciliar con la crianza. Y aun así, estamos ahí.
DJs y productoras que pinchan después de acostar a sus hijos e hijas, que cruzan países con un sacaleches en la maleta, que hacen malabares con una planificación que el club rara vez alcanza a ver y que sostienen carreras en una industria que todavía no sabe muy bien cómo acompañarlas. Al final, el mayor reto no siempre es creativo, sino logístico: esa lucha constante por habitar dos mundos sin permitir que uno apague al otro.
Este artículo nace también desde lo personal. Desde ese momento en el que la música, que siempre ha sido el centro de mi vida, empezó a convivir con algo que lo reconfiguró todo: la crianza. Cuando descubres que el tiempo ya no es igual, que la ambición cambia de forma y que tu trayectoria encuentra un nuevo ritmo, más complejo y más honesto. Tener la sensación de estar aprendiendo a habitar dos mundos al mismo tiempo, sin un manual claro de cómo hacerlo. Pero también desde todo lo que vino antes: el miedo, las dudas y el tiempo que me llevó tomar la decisión de ser madre por temor a perder mi lugar en la música. Desde enfrentar una logística que muchas veces me desborda y cuestionarme qué apoyos existen realmente, cuáles faltan y cómo se construye una carrera cuando las reglas no están pensadas para ti.
Aunque durante mucho tiempo el miedo ocupó en mí más espacio que la certeza, hoy también puedo decir que la maternidad no solo no me alejó de la música, sino que me conectó con ella de una forma más emocional y más profunda. Me ha abierto puertas inesperadas y me ha dado una motivación aún más fuerte para seguir avanzando hacia mis sueños y metas.
Este artículo también nace de la necesidad de escuchar a otras. Porque, aunque cada experiencia es distinta, hay algo que se repite: cómo seguir, cómo adaptarse, cómo no desaparecer. Y en ese intercambio, quizá, empezar a encontrar nuevas formas de hacerlo posible.
Con motivo del Día de la Madre, tomé la iniciativa de reunir varias voces de la escena para construir un retrato colectivo, honesto y sin filtros. Porque ser madre no nos ha sacado de la cabina ni de la industria, pero sí nos ha obligado a cambiar las reglas del juego.
Anna Tur
¿Qué cambió en tu relación con la música al ser madre?
Ser madre cambió completamente mi forma de sentir y vivir la música. Antes la veía principalmente como una pasión y una profesión, pero después de la maternidad se volvió también una forma de conexión emocional mucho más profunda. La música adquirió otro significado: se volvió refugio, inspiración y también una manera de transmitir sensibilidad y valores. Ahora todo lo hago con una perspectiva más consciente y auténtica.
¿Cuál ha sido el mayor reto real de compaginar la maternidad con tu carrera como DJ o productora?
Sin duda, el mayor reto ha sido el equilibrio entre el tiempo y la energía. La maternidad exige una presencia total, y la música, especialmente en nuestro mundo, también demanda mucha dedicación, horarios irregulares y mucha disponibilidad. Aprender a no sentir culpa, a organizarme mejor y a entender que no siempre se puede llegar a todo ha sido una de las lecciones más importantes, pero nunca me pasó por la cabeza renunciar a mi sueño; mi profesión.
¿Cómo ha sido tu experiencia con la industria desde que eres madre? ¿Te has sentido acompañada?
Ha sido una experiencia con contrastes. Los prejuicios los ponía yo misma sin darme cuenta. No he sentido que nadie me trate de otro modo por el hecho de ser madre. Cuando cierro la puerta de mi casa, soy artista. A nadie le tiene que preocupar mi condición de madre porque no afecta para nada en mi carrera. Gracias a Dios, dispongo de ayuda y apoyo para poder seguir con mi carrera.
¿Qué consejo le darías a una artista que quiere ser madre sin dejar su carrera?
Le diría que no tiene que elegir entre una cosa y la otra. Ser madre no significa renunciar a tu profesión y condición artística, sino transformarla. Rodearte de una buena red de apoyo y de un buen equipo profesional. Respetar tus tiempos y confiar en tu proceso es fundamental. La maternidad no apaga el talento, muchas veces lo potencia de una forma increíble. Somos mujeres, somos artistas, somos madres. ¡Adelante con todo!+
Juliet Fox
¿Qué cambió en tu relación con la música al ser madre?
Fue una de las sensaciones más increíbles actuar y crear música mientras estaba gestando vida dentro de mí. Había una energía, casi como si viniera desde mi vientre, que cambió por completo la forma en la que me conectaba con la música, tanto en el estudio como sobre el escenario. Sentía que podía escuchar todo con más claridad. Mi pasión no ha cambiado, de hecho, ha crecido aún más. Pero la forma en la que vivo la música ahora es distinta. Hay una motivación más profunda detrás. Ya no creo solo para mí, también creo para mi hijo, y eso es algo realmente poderoso.
¿Cuál ha sido el mayor reto real de compaginar la maternidad con tu carrera como DJ o productora?
Cuando estaba embarazada, sentía una energía y una ilusión completamente nuevas, y una manera distinta de ver la vida. Pero después de convertirme en madre fue cuando empezaron los verdaderos retos, porque antes no sabes realmente cómo te vas a sentir. Empiezas a cuestionarlo todo: cuánto quieres girar, qué es lo mejor para tu bebé y qué es lo mejor para tu propia salud. Tuve que encontrar de verdad un equilibrio entre continuar con una carrera que amo y entregarme plenamente a ser madre.
Ese primer año fue el más intenso. Tu cuerpo y tu mente cambian muchísimo. Sinceramente, fue como volver a encontrarme conmigo misma desde cero. Siempre dicen que cambias después de ser madre, y es verdad, incluso si intentas aferrarte a quién eras antes. Para mí ha sido cuestión de mantener esas partes de mí, mientras aprendo a abrazar esta nueva versión.
¿Cómo ha sido tu experiencia con la industria desde que eres madre? ¿Te has sentido acompañada?
He sentido mucho apoyo, especialmente al principio. Todo el mundo estaba muy ilusionado por conocer a Cosmo y me hicieron sentir muy bienvenida. A menudo me preguntaban si viajábamos como familia, y eso significaba mucho para mí, porque siempre fue algo que quería: poder girar juntos en lugar de estar sola. A medida que Cosmo ha ido creciendo, he notado un pequeño cambio. A la gente no siempre le interesa escuchar sobre tu hijo; quieren verte como artista. Así que me he vuelto más consciente de encontrar ese equilibrio y de no compartir demasiado públicamente. Aun así, el apoyo ha sido real. Muchas mujeres de la industria se han puesto en contacto conmigo porque están pensando en formar sus propias familias, y hay una calidez y una apertura muy genuinas alrededor de esto, lo cual ha sido muy especial.
¿Qué consejo le darías a una artista que quiere ser madre sin dejar su carrera?
Sin duda, que lo haga. Convertirme en madre ha sido una de las experiencias más bonitas y transformadoras de mi vida. Yo no era alguien que siempre hubiera planeado tener hijos, estaba completamente centrada en mi carrera y me encantaba mi estilo de vida. Pero ha sido como un renacer, he descubierto una versión completamente nueva de mí misma. Ahora siento todo con más intención y, de hecho, soy mucho mejor gestionando mi tiempo.También hay algo increíblemente reconfortante en saber a quién vas a ver al volver a casa. Una de las mayores recompensas te está esperando allí, y esa sensación lo es todo. Tener una pareja que te apoye es fundamental, alguien que realmente te permita hacer ambas cosas. Y, en última instancia, eres tú quien decide cómo moldear tu carrera: no tienes que dar un paso atrás a menos que tú quieras. No siempre es fácil, claro, hay menos horas de sueño y más desafíos, pero es totalmente posible y merece muchísimo la pena.
Cinthie
¿Qué cambió en tu relación con la música al ser madre?
Mi relación con la música sigue siendo la misma incluso después de convertirme en madre. Pero, obviamente, la forma de salir ha cambiado. Y creo que es algo normal cuando tienes una familia. Aun así, es precioso ver cómo mi amor por la música ahora también se está transmitiendo a mi hija.
¿Cuál ha sido el mayor reto real de compaginar la maternidad con tu carrera como DJ o productora?
El mayor reto fue, sin duda, compaginar las giras con el cuidado de mi hija. Me separé de mi ex cuando ella tenía 4 años y mi familia no vive realmente cerca de mí. Sinceramente, hubo un momento en el que estuve a punto de dejar mi carrera musical y volver a mi trabajo como programadora. Pero, por suerte, mi hermana pequeña me dio el consejo de buscar una Au Pair. Ella lo había sido en Estados Unidos y me dijo que era muy fácil y que tampoco era excesivamente caro. Y fue la mejor decisión que pudimos tomar. Gracias a eso, por fin pude combinar mi trabajo con la maternidad. Especialmente en Alemania no es nada fácil encontrar buenos cuidados, y menos aún para trabajos que no son de 9 a 5.
¿Cómo ha sido tu experiencia con la industria desde que eres madre? ¿Te has sentido acompañada?
Tener una familia o hijos dentro de la industria musical sigue siendo algo bastante poco común. Quizá para los hombres funciona mejor, porque normalmente es la madre quien se encarga de los niños, pero para las mujeres sigue siendo algo importante. Empezando por tener que parar antes y después del nacimiento del bebé. Requiere bastante planificación y también mucha confianza en una misma para hacerlo.
Porque todos lo sabemos: si no estás presente cada día, la gente tiende a olvidarse de ti muy fácilmente. Por suerte, mi hija nació antes de toda esta locura de Instagram, cuando podías tener una buena carrera simplemente publicando y pinchando buena música.
¿Y si me he sentido apoyada por la industria? Mmm… la verdad es que no demasiado. Como decía, sigue siendo algo poco habitual y, siendo sinceros, la vida nocturna y una carrera así no encajan demasiado bien con tener familia. Pero, por otro lado, tampoco es que haya pedido apoyo. Para mí, tener una familia sigue siendo algo privado, en mi humilde opinión. Sí recuerdo una vez en un festival, cuando viajaba con mi hija, que me hicieron pagar la mitad de mi habitación de hotel porque iba con ella. Ella ya tenía 13 o 14 años y cuando pregunté al hotel, me dijeron que los menores de 16 años en realidad no pagaban. Así que no entendí ese gesto; si mi hija genera gastos extra, por supuesto que los cubro.
Pero, por otro lado, la mayoría de la gente es muy amable cuando viene conmigo, lo cual no es tan habitual. Por ejemplo, hace unas semanas en Seúl, el promotor fue encantador y le consiguió un álbum firmado de su artista favorito de K-pop, lo cual me pareció muy tierno. Supongo que según el país, el apoyo es distinto.
¿Qué consejo le darías a una artista que quiere ser madre sin dejar su carrera?
Creo que es muy difícil dar un buen consejo aquí porque cada persona es diferente, pero lo que sí puedo decir con seguridad es que, si quieres tener un hijo y ya tienes una carrera, hazlo sin duda. Siempre hay una manera de combinar ambas cosas. Y cuando no estés de gira, quizá sea el momento de quedarte más en casa, centrarte en la producción mientras el bebé duerme y volver con más fuerza después de esa pausa por maternidad.
¿Qué cambió en tu relación con la música al ser madre?
Me di cuenta de que la amo aún más; realmente cambió mi perspectiva. Siempre he amado la música, pero ahora, con un bebé, todo se siente más significativo. Ir a pinchar es incluso más gratificante; me siento genuinamente más feliz tocando, y luego volver a casa al día siguiente me da otro tipo de alegría.
También me encanta ver a mi hijo descubrir la música: tocar discos, intentar ordenarlos y empezar a conectar con ella a su manera. Entiende lo importante que es para mí. Verle bailar por la mañana es algo muy especial.
¿Cuál ha sido el mayor reto real de compaginar la maternidad con tu carrera como DJ o productora?
El mayor reto es el TIEMPO, con mayúsculas. Es más difícil implicarte como antes: no puedes quedarte tanto tiempo en las fiestas ni asistir a tantos eventos, y encontrar tiempo para buscar música y producir se complica porque se van acumulando muchas cosas.
Viajar y mantener las conexiones dentro de la escena también es más complicado. Ahora cada minuto cuenta de verdad. Pero, al mismo tiempo, mi pasión por la música no ha hecho más que crecer. Ojalá tuviera más tiempo para seguir buscando música como antes y para producir. Hoy en día tengo que tomar decisiones y hacer concesiones. Como también paso más tiempo en casa, lancé mi sello, LIFE ENIGMA, y creo que es una forma perfecta de mantener viva la pasión.
¿Cómo ha sido tu experiencia con la industria desde que eres madre? ¿Te has sentido acompañada?
Diría que ha sido un 50/50. Me he sentido apoyada de manera incondicional por mi pareja, mis amigos cercanos y algunas personas de la industria.
Por otro lado, sí he perdido algunos bolos, hice menos giras y, en cierto modo, me empezaron a contratar menos en comparación con antes. Pero ahora veo las cosas de otra manera: tener un hijo te hace poner todo en perspectiva. Dicho esto, sí creo que la industria podría apoyar más a las madres en la música. Es un tema del que nadie habla, así que gracias por sacarlo a la luz.
¿Qué consejo le darías a una artista que quiere ser madre sin dejar su carrera?
Construye una red de apoyo sólida; la familia y los amigos son esenciales. Confía en que encontrarás la manera de que funcione; ¡siempre hay soluciones! Y lo más importante: tener un hijo es una de las experiencias más bellas de la vida. Poder combinar eso con la música lo hace aún más increíble, ¡así que no lo dudes!
Marine
¿Qué cambió en tu relación con la música al ser madre?
Durante muchos años mi camino profesional fue otro. Fui madre soltera en los primeros años de la vida de mi hija y, en ese momento, estaba construyendo mi carrera como arquitecta. La música seguía ahí, pero ocupaba un lugar más íntimo, casi como un refugio personal.
Cuando conocí a Cruz y creamos 22Recordings, todo empezó a transformarse. Lo que al principio era un hobby fue creciendo poco a poco hasta ocupar cada vez más espacio en mi vida.
La maternidad cambió profundamente mi relación con la música porque dejó de ser solo una pasión individual y pasó a convertirse en algo que quería compartir con mi hija y construir también como proyecto familiar. Poder transmitirle a tu hija aquello que amas tiene una fuerza inmensa. La música adquirió un sentido mucho más profundo: se volvió más consciente, más emocional, más conectada con quién soy. De alguna manera, ser madre también me ha llevado a volver a mi esencia. A volver a la música, a mis raíces y al lugar del que vengo. Crecí rodeada de sonido y de discos. Mi padre era cantante, productor, y también fundó la radio francesa NRJ.
Ha sido una forma de reencontrarme conmigo misma desde otro lugar, más maduro y más auténtico. Con el tiempo, esa reconexión se convirtió en una decisión vital. Decidí dejar la arquitectura para dedicarme por completo a la música. Entré como booker en la agencia tHE GANG y, al mismo tiempo, decidí impulsar la agencia de 22Recordings.
Ha sido, sin duda, uno de los saltos más arriesgados de mi vida, especialmente siendo madre. Emprender un proyecto nuevo sin garantías, dedicándole tiempo, energía y amor, da vértigo. Pero también creo que hay momentos en los que una tiene que atreverse a dar el paso.
¿Cuál ha sido el mayor reto real de compaginar la maternidad con tu carrera en la industria musical?
El mayor reto ha sido encontrar estabilidad dentro de un mundo que, por naturaleza, es incierto. Trabajar dentro de un nicho de la música electrónica que no genera grandes ingresos ya supone un desafío constante. Pero cuando además eres madre, esa incertidumbre se vive de una forma mucho más intensa. Ya no se trata solo de asumir riesgos por una misma, sino también por la persona más importante de tu vida.
Ese peso de la responsabilidad está siempre presente. En mi caso, no soy DJ, así que no tengo que viajar continuamente. Mi trabajo dentro del sello y la agencia tiene una dimensión más creativa y estratégica, y en gran parte se desarrolla desde casa, lo que me permite construir una rutina más estable.
Aun así, compaginar la creatividad con la carga mental que implica la maternidad es profundamente exigente. Creo que emprender siendo madre ya es, en sí mismo, un reto enorme. Y hacerlo dentro de la música electrónica, quizá todavía más.
¿Cómo ha sido tu experiencia con la industria desde que eres madre? ¿Te has sentido acompañada?
Sinceramente, siento que ni la industria de la música electrónica ni la sociedad en general están todavía preparadas para acompañar realmente a las madres que desean vivir de su pasión. Falta mucho apoyo real y, sobre todo, una mirada más inclusiva.
Muchos eventos de música electrónica no están pensados para incluir a niños. Los eventos de día rara vez cuentan con espacios adaptados para que la infancia también pueda formar parte de la experiencia. Esto limita mucho, porque parte de mi trabajo implica también estar presente en ese entorno. Además, dentro del nicho en el que me muevo existe una conexión con una cultura nocturna, a veces asociada a lo oscuro o al consumo, lo que hace aún más compleja la integración de la maternidad.
También existe cierto juicio social. A veces todavía se mira con recelo a una madre que sigue vinculada a la noche o a una vida creativa fuera de los marcos tradicionales. Y eso pesa. Pero, al mismo tiempo, yo he decidido transformar esa mirada en una fuerza. Siento que puedo aportar algo diferente a la industria. Otra sensibilidad, otra forma de construir comunidad, otra manera de habitar este espacio.
¿Qué consejo le darías a una artista que quiere ser madre sin dejar su carrera?
Le diría, ante todo, que es posible y que también puede ser una experiencia profundamente enriquecedora. La maternidad no tiene por qué alejarte de tu camino creativo; al contrario, puede darte una nueva perspectiva, una nueva fuerza y otra manera de conectar con lo que haces. Requiere mucha organización, una red de apoyo sólida y, sobre todo, mucha confianza en una misma.
En mi caso, con Cruz, mi pareja, intentamos organizarnos al máximo y también encontrar maneras de integrar a nuestra hija dentro del proyecto. Porque al final 22 no es solo un sello o una agencia: es un proyecto de amor, un proyecto familiar, algo que también forma parte de nuestra manera de vivir. Además, la maternidad también me ha acercado mucho más a otras mujeres. Siento una conexión más fuerte y una necesidad real de apoyarnos entre nosotras. Por eso, para mí es muy importante poder dar espacio a más mujeres dentro de la agencia, y me hace especialmente feliz estar trabajando ahora codo a codo con otra mujer en el proyecto.
También creo que es importante reivindicar una responsabilidad colectiva. Necesitamos espacios culturales más inclusivos, donde la infancia pueda existir también dentro de la música. Y creo profundamente que cuantas más madres nos apoyemos entre nosotras, más podremos transformar la imagen que todavía arrastra la música electrónica y abrir nuevas posibilidades para las que vienen detrás. Sobre todo, le diría que confíe en su propia manera de hacerlo. No existe una única forma de ser madre ni de construir una carrera. El equilibrio no siempre es perfecto, pero el camino también puede ser profundamente transformador y hermoso.
joel silva
Under Club
Hace 13 años, en el corazón underground de Buenos Aires, nació una idea tan simple como difícil de sostener: crear un club de techno que fuera más que un espacio nocturno. Un refugio cultural para artistas, ravers y curiosos de la música electrónica.
Lo que comenzó como una búsqueda hoy se percibe con claridad. Un proyecto que ha crecido sin atajos, sin traicionar su esencia y sin ceder ante las dinámicas más superficiales de la industria, pero también entendiendo el club como una herramienta real de impacto.
En esta conversación con Joel, su fundador, se abre una mirada honesta sobre el camino recorrido, su impacto en la escena de Buenos Aires y la construvcción de un lenguaje propio dentro del techno. Pero también sobre todo lo que ocurre fuera de la cabina: una comunidad que comparte, que impulsa prácticas sostenibles, que recicla, que organiza donativos para comedores infantiles y que intenta devolver algo a su entorno.
Desde una filosofía basada en el respeto en pista hasta un compromiso activo con lo social y lo cultural, Under Club no solo ha acompañado el crecimiento de una escena ya potente, sino que ha redefinido lo que puede ser un club hoy: un espacio independiente, consciente y profundamente conectado con el ritual del baile y con las personas que lo hacen posible.º
Han pasado 13 años desde el nacimiento de Under Club. ¿Qué sientes al mirar atrás y ver en qué se ha convertido hoy?
Es una linda sensación, que nos genera mucha paz, porque durante mucho tiempo buscamos vivir lo que hoy estamos viviendo. Pero lo que consideramos realmente importante es que lo hemos alcanzado sin vendernos, sin traicionarnos y sin pisotear valores que consideramos claves para el crecimiento de nuestro club.
Buenos Aires siempre ha tenido una escena electrónica muy fuerte. ¿Qué impacto crees que ha tenido Under Club dentro de la cultura techno de la ciudad?
Sin dudas, el trabajo que se realizó en Under Club impactó en la escena local y también en distintas partes del mundo. Haber entablado una relación directa con clubes como Tresor, Bassiani, Lanna, Gare y otros deja en claro que estamos hablando de espacios muy respetados a nivel mundial, y eso representa un empujón muy grande para lo que sucede en nuestra ciudad y para las nuevas generaciones. También deja en claro que se puede, y más aún entendiendo que nos manejamos de manera independiente, sin el aporte de ninguna empresa ni de inversores.
En ese sentido, Under parece haber construido su propio lenguaje dentro de la escena. ¿Cuál fue la idea inicial y desde qué perspectiva quisisteis desarrollar el proyecto?
Para nosotros, la música techno y nuestro club son canales para expresarnos y transmitir un mensaje. Como ya sabemos, existen muchos factores que perjudican el crecimiento de la escena y del movimiento. Desde nuestro lugar, buscamos acompañar cada problemática en la que consideramos que nuestro aporte puede sumar.
Por ejemplo, hablar abiertamente del daño que hoy generan los espacios exclusivos, donde se divide al público, o el mal uso de celulares y cámaras digitales con el fin de captar un momento, rompiendo la conexión dentro de la sala, además de otras problemáticas sobre las que aún queda mucho por trabajar.
Under siempre ha estado ligado a valores muy claros: “permiso, perdón y gracias”. ¿Cómo se trasladan estos principios al día a día del club?
Volviendo a la pregunta anterior, estas tres palabras forman parte de lo mismo, porque no usarlas también es parte de otra problemática. El respeto en la sala es fundamental, y más aún cuando se trata de quienes están a tu lado disfrutando del encuentro. Consideramos importante que estas palabras sean un idioma necesario para moverse dentro de una pista de baile, ya que ayudan mucho a mejorar la experiencia de cada asistente.
El aniversario número 13 llega con una programación muy potente. ¿Cómo planteasteis esta serie de fechas y qué narrativa hay detrás?
Estamos agradecidos con la programación del aniversario. Para que te des una idea, Mike Banks, de UR, nunca pisó nuestro país; imagina lo que eso significa para nuestra escena y para la escena del continente. Luke Slater hace 27 años que no visita Argentina, y luego tenemos dos noches seguidas de Oscar Mulero: una junto a Adriana López y otra junto a Kolpos.
Sumado a esto, se presentan Carl Craig, Chris Liebing, Rene Wise, Perc y otros nombres nacionales e internacionales. Sin dudas, es lo que el público merece, y nosotros queremos estar a la altura de la situación.
Creemos firmemente que el aporte cultural que esto significa para nuestro club es difícil de comprender, pero sin dudas es un antes y un después para nuestra historia. Ya sabes que la industria está atravesando un momento muy extraño, donde la música está dejando de ser el centro de atención y muchos artistas no producen su música y otros son productos de las redes sociales. Entonces lo que quiero destacar es que esta programación es un faro de luz en un camino donde todo se encuentra a oscuras, y es así como se debe festejar un aniversario.
Under no es solo un club, también hay un fuerte enfoque en la educación. ¿Cómo nace esta idea de ofrecer formación gratuita a la comunidad?
La educación es la base de todo. Es por esta misma razón que decidimos lanzar un programa educativo gratuito para nuestra comunidad, con clases de producción musical, DJ y producción de eventos. Entendemos que no todos pueden abonar un programa en una academia, ya que la situación en Argentina no está para nada bien, y la música es una medicina que todo ser humano necesita cuando se encuentra atravesando un mal momento.
Habéis colaborado con Tresor Berlin llevando el formato New Faces fuera de Alemania por primera vez. ¿Qué significa esta conexión internacional para vosotros?
Para nosotros, Tresor es mucho más que un club; es una institución que nos inspira y nos da fuerzas para continuar. Apoyamos, respetamos y valoramos profundamente todo lo que hacen y, sobre todo, su historia. Tenemos muy en claro lo difícil que es sostener un club durante tantos años, y ellos lo han logrado.
Poder realizar este tipo de colaboraciones es un mimo al alma, porque deja en claro que nuestro trabajo es valorado y reconocido. A eso se suma que New Faces se presentó en nuestro país por primera vez fuera de Tresor, y entendemos muy bien el potencial de este concepto, ya que abre las puertas a artistas emergentes que quizás no siempre encuentran un espacio para mostrar todo lo que vienen trabajando. Sin dudas, es algo hermoso y estamos muy felices de poder llevarlo adelante.
Después de tantos años, ¿cómo ves la evolución de la escena electrónica en Buenos Aires y en Latinoamérica?
Sudamérica, en general, atraviesa un gran crecimiento, y eso hoy se puede notar con claridad en países como Argentina, Chile y Colombia. Actualmente, puedes encontrar grandes sellos discográficos, artistas consagrados, agencias, clubes y festivales de primer nivel, algo que antes también sucedía, pero a una escala mucho menor.
Para que te des una idea, nosotros, en el año 2013, bookeábamos artistas y no podíamos compartirlos con otros clubes del continente porque prácticamente no existían. Hoy, en cambio, esos mismos artistas viajan a Sudamérica más de una vez al año y realizan giras de tres o cuatro fechas en distintas ciudades.
Al mismo tiempo, muchos artistas sudamericanos viajan constantemente a Europa y se presentan en clubes y festivales de primera línea. Sin dudas, estamos atravesando un muy buen momento.
¿Qué crees que diferencia a Under Club de otros espacios en la actualidad?
Para mí, entender que no todo debe suceder en la cabina fue un paso de mucho crecimiento, y creo que podría ser una de las cosas que nos diferencian de otros espacios. Esto que hablábamos hoy sobre dar un mensaje e involucrarnos en distintas causas parte de una idea muy clara: entender que no somos una discoteca, sino un club.
También quiero destacar la pasión del equipo. Sentimos al club como nuestra casa, y eso es muy importante, porque no sucede en todos los equipos que conforman la organización de un espacio.
¿Qué es lo más difícil de sostener un club independiente hoy en día?
Sin dudas, lo más difícil es sostener la parte económica, porque suceden situaciones como pandemias, clausuras, cambios de gobierno, leyes, crisis, inestabilidad en la moneda y muchas otras cosas que te cambian el panorama constantemente.
Pero hay que continuar, siendo fiel a lo que uno desea, porque cualquiera puede llevar adelante un proyecto que solo genere dinero, pero no cualquiera puede vivir de lo que ama hacer, y creo que ese es el verdadero camino del éxito.
Mirando hacia el futuro, con una gira europea en camino, ¿qué objetivos tenéis para esta nueva etapa del proyecto?
Ahora estamos diagramando nuestro tour por Colombia y Europa, donde nos presentaremos en Berlín, Porto, Gijón, Madrid y Londres, mientras seguimos viendo la posibilidad de sumar otras ciudades. Al mismo tiempo, también estamos avanzando con nuestro sello discográfico. Sin dudas, esos son los dos grandes objetivos que tenemos para este 2026.
Y para cerrar: si tuvieras que definir Under Club en una frase hoy, después de 13 años… ¿cuál sería?
Nunca te rindas !
BELEVA
AUTOR NAIRA
música y moda
RAF SIMONS Y EL NACIMIENTO DE LA MODA ELECTRÓNICA
A principios de los años noventa, la cultura rave en Bélgica, Alemania y el Reino Unido configuró un lenguaje visual basado en la repetición, el anonimato y la presencia colectiva. Este contexto estuvo marcado por escenas como el techno y el gabber, así como por artistas y grupos como Kraftwerk, Front 242 o New Order, cuya estética y sonido definieron una sensibilidad compartida. Raf Simons surge en este entorno, cercano a estos circuitos culturales y a las comunidades que se formaban en torno a ellos.
Raf Simons en los años 2000 siempre se caracterizó por una fuerte conexión con la cultura de la música electrónica, especialmente conv escenas alternativas como las raves clandestinas, el post-punk y los sonidos industriales. En lugar de mirar hacia el pasado, el diseñador comenzó a centrarse en captar y reinterpretar las subculturas juveniles de su propio tiempo, construyendo una estética masculina reconocible por volúmenes amplios, referencias militares y una gráfica de inspiración industrial.
Uno de los ejemplos más representativos de este enfoque fue su colección Primavera/Verano 2000, “Summa Cum Laude”. En ella, Simons se inspiró en la escena gabber —muy presente en Bélgica y Países Bajos— para retratar a una juventud marcada por la intensidad de la cultura rave. Las prendas, como bombers de aire militar, pantalones de cintura alta y detalles en forma de parches, evocaban ese espíritu nocturno y colectivo.
Sus primeras colecciones, como Black Palms y Radioactivity (1998), ya apuntaban a esta influencia, pero es en Riot Riot Riot (2001) donde se vuelve más explícita. Presentada en París, la colección incorporaba imágenes de jóvenes, referencias a protestas y material gráfico tomado de contextos reales, incluyendo retratos y textos vinculados a escenas underground.
En algunos casos, Simons utilizó imágenes encontradas o personales sin autorización directa, lo que generó controversia y reforzó el carácter crudo y directo del proyecto. Más que una cita literal a la música, Riot Riot Riot capturaba el estado emocional de una generación marcada por el techno, el post-punk y la cultura de club: intensidad, repetición y sentido de pertenencia.
En la colección Otoño/Invierno 2003, “Closer”, considerada una de las más influyentes de su trayectoria, exploró el universo del postpunk y la música industrial. En colaboración con el diseñador gráfico Peter Saville, incorporó portadas de discos de New Order y Joy Division en prendas exteriores, generando piezas que con el tiempo se han convertido en auténticos objetos de culto.
Ese mismo año, en “Consumed” (Primavera/Verano 2003), desarrolló una propuesta más oscura, marcada por una estética tecnológica e industrial. A través de materiales técnicos y gráficos contundentes, la colección planteaba una reflexión sobre el consumo contemporáneo y la alienación dentro de la cultura juvenil.
Esta línea continúa en la colección de 2003, donde Simons hace referencia directa a New Order, incorporando su imaginario gráfico y reforzando el vínculo entre música, diseño y juventud.
La música no solo fue una referencia conceptual, sino también una parte esencial de la experiencia de sus desfiles. Durante esta etapa, los desfiles de Raf eran acompañados de sets electronicos, hard techno, cercanos al ambiente de club, reforzando la coherencia entre el universo sonoro y visual de sus colecciones.
Además, entre 2000 y 2001, el diseñador trabajó junto al fotógrafo David Sims en el proyecto “Isolated Heroes”, una serie que retrataba a jóvenes desde una perspectiva muy pura y realista, alineada con la estética marginal de la época.
Hoy, estas colecciones ocupan un lugar central en el archivo de la moda contemporánea. Su circulación limitada, el contexto en el que fueron producidas y su conexión directa con una cultura específica han hecho que sus piezas sean especialmente buscadas, tanto por coleccionistas como por nuevas generaciones interesadas en esa intersección entre moda y música.
En conjunto, el trabajo de Raf Simons en esta década dejó una huella duradera en la moda masculina contemporánea. Su manera de traducir las inquietudes de la juventud y plasmarlas en un desfile influyó tanto en marcas de lujo como en el streetwear, consolidando elementos como la silueta oversize y reafirmando la música como motor creativo dentro de su discurso. Raf Simons de los 2000 para siempre quedara como el icono de la rebelion y subcultura underground.
303 audiophile bar
Precisión sonora y cultura consciente en el corazón de Barcelona
Cercanía, detalle e intención. En pleno Eixample, 303 Audiophile Bar no intenta competir con los grandes templos del clubbing en Barcelona. Es un club que, desde sus limitaciones, ha construido una identidad clara: sonido cuidado, comunidad y una pista donde la experiencia importa más que el espectáculo.
DE ALTA COCINA A CULTURA CLUB
La historia de 303 no empieza como club. El proyecto original de La Textil Collective nace en 2021 con una ambición completamente distinta: un restaurante de alta gama con aspiraciones Michelin, acompañado de una sala de conciertos en la planta inferior que llegó a albergar eventos vinculados a Primavera Sound. Pero el modelo no funcionó.
Lejos de desaparecer, el espacio se transformó. Entre pérdidas económicas, incertidumbre y problemas de licencia, el equipo decide cambiar de dirección hacia algo más esencial. Así, el 1 de enero de 2024 nace 303 Audiophile Bar: un club pequeño, con horario limitado y muchas dudas alrededor.
UN CLUB CONSTRUIDO DESDE SUS LÍMITES
“¿Un club que cierra a las 3 a.m?” Quizás la pregunta era inevitable.
En una escena acostumbrada a largas noches, la propuesta parecía difícil de sostener. Pero lo que inicialmente era una desventaja se convirtió en el núcleo del concepto: una experiencia más contenida, menos agresiva y centrada en el disfrute real de la música. El enfoque es claro: volumen alto pero controlado, público consciente, bebidas de calidad y una pista donde la energía fluye sin excesos.
Si hay un elemento que define a 303, es su relación con el sonido. Equipado con un sistema de L-Acoustics y una sala tratada acústicamente desde cero, el club se presenta casi como un “búnker” en medio de la ciudad. Cada detalle, desde la calibración hasta la ecualización, está pensado para ofrecer una escucha precisa y envolvente.
No es casualidad que muchos DJs destaquen la comodidad de la cabina y la respuesta del sistema. En un circuito donde no siempre se prioriza este aspecto, 303 convierte la experiencia sonora en su principal argumento.
Pero la diferencia no está solo en lo técnico. Como explica Martín Vespa, Director of Operations & Artist Booker, el enfoque va mucho más allá:
“Muchas cosas nos diferencian, pero principalmente una curaduría muy consciente tanto de la música como de la audiencia. Entendemos que la verdadera vibra del lugar nace de ese cruce.”
Esa curaduría busca un equilibrio poco habitual en la escena:
“Apuntamos a un sonido underground, pero sin irnos a los extremos. Evitamos tanto lo demasiado alegre y fácil como lo excesivamente oscuro. Buscamos algo con carácter, groove y energía.”
SIN CÁMARAS, MÁS CONEXIÓN
En tiempos en los que la pista muchas veces se vive a través de una pantalla, 303 toma una decisión radical: no cámaras. La política busca preservar la privacidad y devolver el foco a lo esencial: la música y la conexión entre quienes están presentes.
“Hoy en día hay mucha mediación a través del móvil: fotos, vídeos, flashes, pose… Todo eso corta bastante la fluidez de la pista. La idea es justamente lo contrario: menos pantalla, menos filtro y más presencia.”
Sin distracciones, sin documentación constante, la pista recupera algo cada vez más escaso: vivir el momento.
COMUNIDAD ANTES QUE CARTEL
Lejos de depender exclusivamente de grandes nombres, 303 crece de la mano de promotores locales como Kommuna, Strain, Seguim Records o Keep Silent, entre otros.
La curaduría, liderada por Martín Vespa, apuesta por el equilibrio: talento emergente, propuestas arriesgadas y artistas que entienden el contexto del espacio.
Pero, como él mismo señala, la curaduría va más allá de la programación:
“Para nosotros, la curaduría no es solo elegir música o nombres, sino también saber construir, acompañar y cuidar una audiencia alineada con la experiencia que queremos generar.”
El resultado no es una programación predecible, sino una identidad en construcción constante.
“303 es un espacio íntimo de alta fidelidad sonora, donde la gente se reúne a escuchar, conectar y dejarse llevar por la música”
MÁS QUE UN CLUB
Parte de la experiencia de 303 sucede fuera de la pista. El espacio forma parte de La Textil Collective, que incluye terraza, lounge y una fábrica de cerveza propia liderada por Brian Blazek.
La oferta incluye cerveza artesanal, ginger beer y sodas caseras, y refuerza la idea de un club que también funciona como punto de encuentro social. No es solo nightlife: es cultura de bar llevada al club.
Además, la dimensión cultural del espacio sigue expandiéndose:
“Desde el inicio fue pensado como un lugar de colaboración multidisciplinaria dentro del arte”, explican. “Ciclos de cine, exposiciones, eventos de síntesis modular o charlas también forman parte de la identidad del lugar.”
Incluso la propuesta gastronómica suma a esa personalidad, actualmente con residencias como Tercopizza, que aporta una capa más a la propuesta del club.
LO QUE VIENE: RADIO, SELLO Y EXPANSIÓN NATURAL
Actualmente, el equipo trabaja en la transformación del lounge en un centro de operaciones para streaming, radio online y un futuro sello discográfico. El primer lanzamiento ya está en marcha, con música de Downtown Sai (colaboración con Max Haas y remix de Furz), marcando el inicio de una nueva etapa en la que el club no solo programa música, sino que también la produce y la difunde.
Todo esto, sostenido por una motivación clara:
“La pasión por la música y las conexiones que se generan a través de ella. También la gente con la que trabajamos: intentamos priorizar relaciones sanas, con respeto y profesionalismo.”
Como resumen, lo definen de forma simple:
“303 Audiophile Bar es un espacio íntimo de alta fidelidad sonora, donde la gente se reúne a escuchar, conectar y dejarse llevar por la música”.
CÓMO PRODUZCO INNERSHADES
¿CÓMO ES TU RITUAL DE STUDIO?
Cuando empiezo una sesión en el estudio, siempre arranco haciéndome un café. La mayoría de las veces ya tengo una idea del estilo en el que quiero trabajar, o una melodía en la cabeza que quiero desarrollar. Para mí, la melodía principal es clave: si no tengo un lead fuerte, el track normalmente no termina de encajar. Aun así, a veces simplemente improviso, experimentando hasta encontrar un loop que me guste y construyo a partir de ahí.
Intento hacer al menos un track por semana, dependiendo de lo inspirado que esté. La música es mi mayor vía de escape, así que paso todo el tiempo que puedo en el estudio, manteniendo a la vez un equilibrio sano para mi mente y mi cuerpo. Hay días más difíciles, y otros en los que tengo un subidón creativo y puedo producir dos o tres temas en un solo día —o materializar la misma cantidad de ideas interesantes.
Normalmente termino un track completo en pocas horas y luego vuelvo a él en los días siguientes para hacer la mezcla. Esto me permite escucharlo con oídos frescos y decidir si merece la pena terminarlo. Si después de unos días no me convence, muchas veces lo dejo sin acabar. No quiero gastar energía en algo con lo que no estoy totalmente satisfecho. Prefiero pasar a otra cosa y empezar algo nuevo. Al final, probablemente solo publico alrededor del 10% de todo lo que produzco cada año.
INFLUENCIAS
Mi sonido está muy inspirado por la música electrónica de 1986 a 1992, que considero la edad dorada del género. El New Beat belga temprano y el techno han tenido una gran influencia en mis producciones. Artistas como CJ Bolland, Olivier Abbeloos, Patrick De Meyer, Patrick Claessen y Peter Bonne han marcado mi dirección musical. Sellos como R&S Records, Target Records y Antler Records están profundamente arraigados en mi ADN musical.
También me influye mucho la primera escena techno de Frankfurt, con artistas como Torsten Fenslau (RIP), que en su momento estaban empujando los límites.
PRODUCCIÓN
Uso una combinación de hardware y VSTs —lo que más me importa es el resultado. Algunos de mis sintes principales son el Roland Juno-106, Alpha Juno-2, DX100, UDO Super 6 y Roland D-50. También soy muy fan de los romplers de los 90 como el JV-1080 y el Kawai K1R. Para las baterías, uso principalmente la TR-09 junto con oneshots de CDs de samples de los 90.
Mi workflow suele empezar construyendo un loop de batería. A partir de ahí, me centro en crear una melodía principal sólida que lleve el track, y luego añado el bajo y los elementos que la acompañan. Siempre tengo en mente la pista de baile mientras produzco, imaginando cómo podría reaccionar el público como parte del proceso creativo.
Secuencio y grabo todo en Ableton, donde también hago la mezcla. Me siento muy cómodo con este DAW, lo que me permite trabajar rápido y de forma eficiente.
LO QUE HE APRENDIDO
Con el tiempo, he pasado de trabajar de noche a producir por la mañana, algo que me funciona mucho mejor. Tengo la mente más clara y puedo entrar al estudio sin distracciones del día. Me gusta empezar con la cabeza vacía, centrándome solo en la dirección que quiero tomar.
Recientemente también reduje mucho mi setup, vendiendo más de 20 sintes para quedarme con lo esencial que realmente me funciona. Antes caía en la trampa de comprar equipo nuevo pensando que mejoraría mi música, pero muchas veces pasaba lo contrario y terminaba sin usarlo. He aprendido que tener una idea sólida y una dirección clara es mucho más importante que tener más equipo. La clave está en usar herramientas que te permitan traducir tus ideas de forma efectiva.
Mantener un flujo de trabajo constante y seguir con hambre de crear ha sido esencial para mí, y sigue impulsando mi proceso.
SELLO
En 2021 lancé Altered Circuits junto a Thwang, un amigo de hace muchos años. Nos conocimos en el skatepark, donde él me introdujo a la música electrónica alrededor de 2007.
Cuando decidí crear el sello, buscaba a alguien con quien construir algo sólido, y Thwang era la persona perfecta. Nos complementamos muy bien, así que me hizo mucha ilusión que quisiera embarcarse en este proyecto conmigo.
La idea del sello era crear una plataforma para mis propios lanzamientos, pero también ofrecer a otros artistas un espacio donde fueran tratados con cuidado y respeto.
Después de cinco años llevando el sello, estoy muy orgulloso de lo que hemos conseguido y de cómo está evolucionando. Hemos sacado grandes EPs de artistas como DMX Krew, Legowelt, Alex Neri, Oshana y Paolo Mosca, entre otros.
Siento que hemos construido un catálogo sólido y el futuro pinta muy bien.
Ahora mismo tenemos mucha música nueva preparada de artistas como Lauer, Betonkust y Curses!, todo previsto para 2026. También ha sido muy especial trabajar en el próximo EP de Olivier Abbeloos, recopilado a partir de su archivo de cintas DAT antiguas.
Además, he empezado a trabajar en Heritage Vol. 3, que será el último EP de la trilogía.
Hay más cosas en camino, pero todavía es pronto para desvelar detalles.
redefinición
AUTOR SERGIO BIFEIS
Cada temporada en Ibiza parece empezar de cero, pero nunca lo hace realmente. La isla arrastra memoria, inercias y cicatrices que se filtran en cada apertura de puertas. Sin embargo, 2026 no es una temporada cualquiera.
Llega con el eco aún reciente de una sacudida estructural —la irrupción de UNVRS el pasado verano— y con un hito simbólico de enorme peso: el 50 aniversario de Amnesia. Entre lo nuevo que redefine y lo histórico que reafirma, Ibiza se encuentra, una vez más, en ese delicado equilibrio entre reinvención y legado.
La llegada de UNVRS en 2025 no fue solo una apertura más. Supuso un cambio de paradigma en la forma de concebir el clubbing en la isla. Su propuesta, a medio camino entre la experiencia inmersiva y la macrodiscoteca tecnológicamente avanzada, obligó a replantear estrategias al resto de actores. No era solo una cuestión de cartel —que también—, sino de narrativa: ¿qué significa salir de fiesta en Ibiza en plena década de 2020? La respuesta ya no puede limitarse a un line-up potente y un sistema de sonido impecable. El público exige relato, identidad y una experiencia que trascienda lo musical.
Ese impacto se ha dejado sentir de forma desigual. Algunos clubs han optado por reforzar su esencia, casi como un acto de resistencia cultural. Otros han abrazado el cambio, introduciendo elementos escenográficos o reformulando sus residencias para competir en ese terreno híbrido entre espectáculo y club. Lo interesante es que, lejos de homogeneizar la oferta, UNVRS ha provocado una diversificación más marcada: cada espacio parece más consciente de lo que es; y de lo que no quiere ser.
En este contexto, la celebración del 50 aniversario de Amnesia adquiere una dimensión casi emocional. No es solo una efeméride, es un recordatorio de que Ibiza no nació con pantallas LED ni con experiencias multisensoriales. Amnesia representa una forma de entender la noche basada en la comunidad, el sudor compartido y la música como eje central. Celebrar medio siglo en un entorno tan volátil como el clubbing es, en sí mismo, un acto de resistencia. Pero también una oportunidad, la de reinterpretar su legado sin caer en la nostalgia vacía. Amnesia tiene la oportunidad de recordar que la innovación no siempre implica ruptura; a veces, consiste en profundizar en lo esencial.
Otro de los síntomas de esta temporada es el movimiento constante de residencias. Cambios de sala, traslados inesperados y nuevas alianzas dibujan un mapa más fluido que nunca. Las fiestas ya no pertenecen a un espacio de forma permanente, sino que circulan, se adaptan y buscan el contexto que mejor amplifique su propuesta. Este dinamismo genera incertidumbre, pero también abre la puerta a combinaciones inéditas.
Especialmente significativo es el fenómeno de residencias compartidas. Un ejemplo de esto lo encontramos en Hï Ibiza con la convivencia de propuestas como las de Francis Mercier y Andrea Oliva en un mismo espacio habla de una nueva lógica menos territorial y más colaborativa. Ya no se trata solo de competir por el mejor día o la mejor sala, sino de generar sinergias que enriquezcan la experiencia global. Para el público, esto se traduce en noches más eclécticas, donde los límites entre estilos se difuminan y la curaduría adquiere un papel central.
Mientras tanto, en los márgenes de los grandes focos, siguen floreciendo propuestas que recuerdan otra cara de Ibiza. Las programaciones de Chinois apuestan por una sofisticación más contenida, donde el detalle y la selección musical pesan más que el impacto inmediato. Por su parte, Pikes continúa siendo ese refugio casi mítico donde la imprevisibilidad y el carácter íntimo se convierten en valor diferencial. En un ecosistema cada vez más espectacularizado, estos espacios funcionan como contrapunto necesario, recordando que la magia de la isla también reside en lo pequeño, en lo inesperado, en lo que no se puede replicar.
La temporada 2026, por tanto, no se define por una única narrativa, sino por la coexistencia de varias. La hiperproducción convive con la autenticidad cruda; las grandes marcas con las propuestas de nicho; la memoria con la experimentación. Ibiza sigue siendo un laboratorio, pero uno más consciente de sí mismo, más estratégico y, quizás, más fragmentado.
La pregunta que sobrevuela este verano no es si la isla cambiará —porque siempre lo hace—, sino hacia dónde se inclinará la balanza. ¿Será la confirmación de la experiencia total el nuevo estándar o habrá un retorno a lo esencial como reacción? ¿Podrá el legado de espacios históricos dialogar de tú a tú con las nuevas narrativas sin diluirse?
Quizá la respuesta esté en aceptar que Ibiza no necesita elegir. Su verdadera fortaleza ha sido siempre su capacidad para ser muchas cosas a la vez. Y en ese caos controlado, en esa tensión constante entre lo que fue y lo que está por venir, es donde sigue encontrando su razón de ser. En 2026, más que nunca, la isla no renace: se redefine.
AKAI PRESENTA MPC SAMPLE
UN SAMPLER PORTÁTIL POR 399 EUROS
QUE RECUPERA EL ESPÍRITU DE LA MPC CLÁSICA
La nueva unidad compacta apuesta por un flujo de trabajo centrado en sampling, batería integrada, altavoz, micrófono interno y compatibilidad con MPC3, aunque con un enfoque más limitado que el de las MPC mayores
Akai Professional ya ha hecho oficial la MPC Sample, un nuevo sampler portátil que reduce la filosofía de la saga MPC a una máquina más pequeña, más asequible y claramente orientada al beatmaking inmediato. El dispositivo, que ya se había filtrado a comienzos de marzo, sale a la venta por 399 euros y se presenta como una alternativa más directa y ligera frente a las MPC standalone de formato grande.
Inspirada visual y conceptualmente en la MPC60 de 1988, la MPC Sample condensa ese imaginario clásico en un chasis de 23,6 x 19,4 x 5 cm, con batería recargable, altavoz incorporado y micrófono interno. La idea es sencilla: poder samplear, trocear, secuenciar y manipular audio sin entrar en el terreno más complejo de las MPC actuales, cada vez más cercanas a una workstation o a un DAW en hardware.
A nivel técnico, incluye 16 pads RGB sensibles a la velocidad con poly aftertouch, pantalla a color de 2,4 pulgadas, 2 GB de RAM, 8 GB de almacenamiento interno y expansión por microSD. También suma más de 100 kits de fábrica, grabación por entrada estéreo, micrófono o USB-C, además de funciones como chopping instantáneo, timestretch en tiempo real, repitch, Note Repeat, 16 Levels, resampling interno y automatización de parámetros. Uno de sus argumentos más claros está en los efectos. La MPC Sample integra cuatro motores con 60 tipos distintos, entre ellos Pad FX, Knob FX, Flex Beat y un compresor de color.
En la práctica, eso la sitúa en una zona especialmente atractiva para directos, sketching rápido y producción sobre la marcha, con un enfoque más performativo que técnico.
Eso sí, no pretende sustituir a una MPC completa. Varias primeras reviews coinciden en señalar que su principal límite está en la estructura del proyecto: funciona, en esencia, como una sola pista dentro del universo MPC, por lo que no ofrece la misma profundidad que modelos superiores a la hora de construir arreglos complejos con múltiples kits o capas instrumentales. Precisamente por eso, su gancho está en otro sitio: rapidez, inmediatez y menos fricción.
También destaca la comparación inevitable con la MPC60 original. Frente a una máquina de 10,4 kg, 16 voces de polifonía, 13,1 segundos de memoria de sample y un precio de casi 5.000 dólares en 1988, la MPC Sample llega con 32 voces estéreo, almacenamiento muy superior, batería interna y un precio radicalmente más bajo. No juega en la misma liga histórica, pero sí recoge parte de aquella lógica de trabajo que convirtió a las primeras MPC en herramientas decisivas para la producción moderna.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca
pr@freelastica.com
PLANETARY ASSAULT SYSTEMS
PLANETARY PEOPLE
OSTGUT TON
Luke Slater vuelve a las andadas con su alias Planetary Assault Systems. ‘Planetary People’, un disco gestado con calma y donde condensa décadas de exploración dentro de la escena de techno físico y cerebral. Lejos de la inmediatez, el álbum se percibe como una obra paciente, y donde la experiencia en la materia, logra que su sonido fluya con precisión quirúrgica. Desde la corrosión ácida de ‘Into The Night’ hasta la brutalidad casi arquitectónica de ‘Beton Brut’, Slater construye paisajes densos, industriales y profundamente hipnóticos. Hay momentos de tensión asfixiante y otros de inesperado groove, como en ‘Ha Jam’, que aportan aire sin romper la coherencia. Aunque por momentos su rigor puede resultar impenetrable, el artista se reafirma como un tipo meticuloso, oscuro y en evolución constante. Su propuesta, una especie de serendipia.
ELDER ISLAND
HELLO BABY OKAY !K7
Los de Bristol afrontan su tercer álbum de estudio con la misma esencia que los anteriores: hacernos disfrutar con música tibia y bailable ideada para el directo. De hecho no han tardado nada en anunciar gira por Norteamérica y Europa. Este nuevo disco, ‘Hello Baby Okay’, pretende convertirse en una redefinición consciente del proceso creativo del trío. El trabajo, que ha sido moldeado a través de improvisaciones fluidas comandadas por el funkpop y las texturas analógicas de los 90, captura como nunca esa energía vibrante de sus conciertos. Un buen ejemplo sería ‘Bang’. Una canción que se siente y disfruta con inmediatez. Otro punto a tener en cuenta es el ‘acercamiento’ a paletas sonoras afines a Air en el ya clásico ‘Moon Safari’. En este sentido, bendita sea ‘White Corridor’. Escapismo lúdico bañado por el sol.
D4MIAN SMITH
50 YEARS OF LIGHT REDBOX RECORDS
El productor D4mian Smith es un toro bravo de nuestro Techno. Décadas de experiencia donde no ha perdido el tiempo desde que descubriese sonidos como la EBM de Front 242, para finalmente sublevarse con oscuridades enérgicas y decididas como las del Techno, si era en su versión Acid, incluso mejor. Aunque en ‘50 Years of Light’, primer álbum en solitario de este héroe sin capa, no se aprecien esos picos y filtros chirriantes típicos de una Roland TB-303, sí que vamos a sumergirnos en una robusta mansalva de secuencias que a poco que subamos el volumen nos rememorará al mejor Oscar Mulero, explorando tonalidades clásicas, inmersivas e hipnóticas, con sutiles influencias retro y de los 90. En cortes como ‘La penúltima’ o ‘D. Fouriman’ se percibe técnica y pasión por el groove seriote. Astuto y muy personal.
JËAN FIXX HINDSIGHT INNFLEXIA
Ojo con este. Desde electro con influencias industriales hasta EBM, electroclash y synthpop— desfilan por este intenso álbum. No lo hacen de cualquier manera, Jëan Fixx es capaz de domarlos, y luego agitarlos de una manera más contemporánea, psicodélica y electrónica en cuanto a emoción. Dicho de otro modo, evita la nostalgia fácil. Una especie de reconstrucción de la cultura de club desde una perspectiva postindustrial. Esto suena evidente mientras alzamos los brazos al son de ‘Pink Noise’, ‘Dopamina’ o ‘Song of Fire’. El cruce mutante entre techno, electro y síntesis es total. La mayor proeza del disco, además de lo ya dicho, sería convertir la pista de baile en un espacio introspectivo, donde identidad y memoria no solo se evocan, sino que se reformulan. Un refugio donde sudar y evolucionar.
ÁLBUM DESTACADO
LUCIID REELUV
BE YOURSELF MUSIC
Sin concesiones y con fuerza bruta. Así arranca el irlandés Luciid su álbum debut. ‘Pray” es esa primera toma de contacto de un trabajo discográfico ambicioso y confesional que trasciende el hard techno que le dió fama. Aunque de primeras parezca otra cosa, poco a poco te vas coscando que, lejos de ser una mera colección de herramientas de club, el disco funciona como un viaje emocional nacido del desgaste creativo y la reconciliación personal con la música. Entre schranz, breakbeat, trance y electrónica melódica, construye un relato sonoro diverso pero coherente. La contundencia rítmica de cortes como ‘Nothing to Lose’ o ‘In Ur Eyes’ convive con pasajes más electro, introspectivos y melódicos (‘Missing’, ‘Sakura’ a la postre mi favorito). No reinventa el juego, pero lo exprime al máximo y lo lleva a un terreno más visceral.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca pr@freelastica.com
TYGAPAW
TOGETHER YOU GATHER ALL POWER APPLIED WORLDWIDE TRESOR RECORDS
El tercer álbum de TYGAPAW se presenta como su obra más ambiciosa hasta la fecha. Un disco marcado por la experiencia vital de Dion McKenzie y su proceso de transición. Más que un simple compendio de tracks, funciona como un manifiesto sonoro donde lo político y lo corporal se entrelazan y hermanan con intensidad. Musicalmente, una fusión de techno y ecos del ballroom neoyorquino generando un paisaje vibrante, cargado de urgencia y propósito. Dicho esto, la densidad conceptual puede resultar abrumadora y desafiante: el discurso a veces eclipsa la fluidez musical, exigiendo una escucha atenta más que instintiva. Cuando ambos planos se equilibran, el productor destaca. ‘B2B’ (junto a SUUTOO), por ejemplo. O el cierre: ‘Black Trans Masculine Experience’. En conjunto, es un álbum desobediente que transforma la pista en un espacio de resistencia y afirmación identitaria.
LOVETEMPO
THERE IS A LIGHT BASTARD JAZZ
Es curioso como, de la noche a la mañana, en menos de dos días me han rodeado proyectos ligados al sonido disco más sofisticado y lascivo. Todos ellos venidos desde Nueva York y a raíz de pillarme en un rastro el ‘Machine’ de Konk y otra joyita de Liquid Liquid. Y claro, lovetempo no iba a ser menos, con la diferencia que este LP acaba de publicarse. ‘There Is A Light’ es el orgullo del músico y vocalista asentado en Brooklyn, Mattie Safer. A este caballero -que también lo podemos conocer por sutrabajo con Poolside y The Rapture- le pirran géneros como el soul, disco, house y jazz-funk. Él tira de todo esto, incluso lo revela dando unos matices más sensoriales y con gran pericia en los detalles rítmicos. Sensual y físico.
INSTITUTO MEXICANO DEL SONIDO & MERIDIAN BROTHERS RUIDO TOVAR
ANSONIA RECORDS
Instituto Mexicano del Sonido y Meridian Brothers aúnan fuerzas e ideas para encontrarse de pleno dentro de un terreno fértil y maleable: el de la memoria tropical reinterpretada desde la experimentación. El disco -inspirado en figuras como Rigo Tovar- no se limita al homenaje. Lo desarma. Entre sintetizadores ásperos, guitarras psicodélicas y estructuras que rozan lo disparatado, el dúo construye un collage sonoro tan agitado como estimulante. La propuesta brilla cuando abraza su rareza, aunque por momentos la densidad conceptual diluye el pulso bailable que evoca. Aun así, el disco destaca como una pieza valiente dentro de la nueva vanguardia tropical: un diálogo transnacional que no busca reconciliar pasado y presente, sino tensarlos hasta generar algo original, fresco y sorprendentemente coherente. Entre los muchos temas destacados, ‘Ritmo Babilonia’ por supuesto junto al californiano Beck.
CONIC ROSE
WEDDING CONIC ROSE
Me resultó curioso que este quinteto sea de Berlín. No sé, los hacía más de un lugar como Montreal. Allí recuerdo haber asistido a las más vibrantes sesiones en directo donde se entrelazaban electrónica experimental (IDM, minimal) con la esencia más tolerante del jazz. Conic Rose sorprenden con canciones en constante transformación. Piezas que -como ocurre con ‘Twist’ o ‘Loving Parents’- resultan a priori tímidas, pero vaya tela todo lo que esconden dentro. La inquietud aflora desde lo más íntimo, que también desde una formación de músicos que no riñen en talento. Miedo y esperanza a partes iguales en un LP donde además de vibrar lo compositivo, lo musical, es un imán en cuanto a seducir con capas y profundidades. Rico a la hora de armonizar soniquetes electrónicos con otros más orgánicos (vientos, cuerdas, etc.). Todo instrumental.
REVIEW CLÁSICO
DOUG LAZY
DOUG LAZY GETTIN’ CRAZY ATLANTIC RECORDS
Me ha resultado complicado elegir entre artistas vitales del género como Deskee, Twin Hype o Fast Eddie. Finalmente, el honor es para el siempre risueño Doug Lazy, quien se marcó un notable disco, bandera del Hip House, con este ‘Doug Lazy Gettin’ Crazy’ en 1990. Lo escogí porque la mayoría acaban metiendo Rap, Hardcore y otros sonidos callejeros en sus largos, sin embargo, el bueno de Doug se decantó de pleno por la pista de baile en su formato más desinhibido. Aún sin ser una obra maestra, este LP marca un hito por ser sumamente pegadizo y porque la música House fue la gran herramienta para este MC de Washington. Logró que los fans de gente como Inner City se interesasen mucho más por el género a través de “jitazos” como ‘Let it Roll’ o ‘H.O.U.S.E.’. Lo que toca ahora, fresquito.
DRUM AND BASS
Autor: Olga Casas drumandbass@mixmag.es
HLZ
LOVE IS STRENGTH METALHEADZ
Tras un primer encuentro con Goldie en una noche de Metalheadz en Roma, HLZ ha estado muy ligado a este sello, primero como miembro de Need For Mirrors y, posteriormente, en solitario. Tras numerosos proyectos en Metalheadz, ahora ve la luz su primer LP en el catálogo de esta mítica casa. Debuta con un álbum muy especial que se ha estado gestando durante los últimos cinco años.
‘All my life’ recoge la identidad y experiencia del italiano condensadas en 16 pistas que van desde la profundidad del soul hasta éxitos más enfocados a la pista, pero siempre con algo en común: su sensibilidad sonora, la cual queda reflejada, por ejemplo, en ‘Love Is Strength’.
Profundo, atmosférico y con el característico contraste entre luz y oscuridad que este artista maneja tan sumamente bien. Todo encaja con la vocal masculina, fina y aguda, que le acompaña durante toda su extensión. Un tema que no necesita mucho para sentirse completo y con identidad propia.
KURSIVA
TUNNEL VISION
SOUTH YARD
Con ‘Tunnel Vision’, el cordobés Kursiva continúa adelantando su próximo álbum ‘Ataraxia’, del que ya conocemos varios singles y que verá la luz este verano a través de South Yard, su propio sello.
Este quinto adelanto, arranca con una intro que va generando tensión y se incrementa hasta llegar a un drop contundente, con una batería rápida y precisa. A partir de ahí, el tema no baja en ningún momento, moviéndose en un terreno oscuro y enérgico con un enfoque muy actual.
Otro paso más dentro de un álbum que está dejando clara la dirección: sonido sólido, directo y enfocado para funcionar en la pista.
HACKWAVES BONE
GUTTING AUDIO
Hackwaves regresa a Gutting Audio para presentar su nuevo trabajo ‘Denial Of Service’, un EP de dos temas en el que el artista español vuelve a demostrar su manejo y predilección por el neurofunk.
En ‘Bone’ no hay mucho espacio para florituras. Tras la vocal que encontramos en su intro, entra fuerte el drop, con un bajo muy marcado y un ritmo que se mantiene constante durante todo el desarrollo.
Es un tema que sigue claramente la línea de Hackwaves, con ese sonido oscuro y agresivo que ya es bastante reconocible en sus producciones.
Todo gira en torno a la energía y el empuje, pensado para generar impacto directo en la pista.
BLACK BARREL WAITING DISPATCH RECORDINGS
Tras varios meses de espera y generando expectación, ha llegado el momento del lanzamiento oficial del nuevo EP de Black Barrel, ‘Third Wave’, en su regreso a Dispatch Recordings.
Un EP que combina distintos enfoques, pero mantiene una coherencia global muy sólida, y que va desde el minimalismo hasta el funk, pasando por atmósferas emotivas, y es aquí donde se encuentra ‘Waiting’.
Un tema emotivo que encaja dentro de ese liquid más serio y profundo, con un punto introspectivo y oscuro. En él, se refleja su característica mezcla de diseño rítmico innovador y profunda musicalidad.
REVIEW CLÁSICO
BREAK, KYO
LAST CHANCE
SYMMETRY RECORDINGS
Casi un cuarto de siglo desde su primer lanzamiento, dos décadas desde la creación de su propio sello, 18 años desde la publicación de su primer LP… Si en algo está de acuerdo la comunidad del drum and bass, es que Break es pasado, presente y futuro de la música y, concretamente, de este género.
A los dos años de fundar Symmetry Recordings, el de Bristol presentó su primer LP, ‘Symmetry’, asentando las bases de la que sería su casa, reconocida por su alta calidad y donde acumula tantísimos éxitos. Uno de tantos podría ser ‘Last Chance’, tema con el que nos da la bienvenida en su primer LP. En él colabora con su vocalista favorita, Kyo, y dejan constancia de la perfecta conexión que hay entre ellos, tanto a nivel musical como personal.
‘Last Chance’ ejemplifica la relevancia de la figura de Break en el drum and bass. Un track adelantado a su época con una idea original y una técnica impecable, que da como resultado un sonido limpio y preciso; todo ello fluye con total naturalidad junto a la cálida y emocional vocal. En definitiva, pura música con alma.
Escuchar esta pista hoy sigue generando esa misma sensación: cuesta creer que sea de 2008. No ha envejecido ni un ápice, como si pudiese haberse publicado hoy mismo, demostrando la maestría de Break desde sus inicios y dejando claro por qué es tan respetado y admirado.
ELECTRO
Autor: Felipe Méndez electro@mixmag.es
MISTR DEAN
PHASE SHIFT
LOWER POWER
Primer lanzamiento del sello Lower Power de Melbourne, firmado por el joven productor Australiano Mistr Dean. El trabajo plantea una aproximación sólida al dub, apoyándose en patrones repetitivos que, lejos de volverse previsibles, sostienen una tensión constante gracias a un cuidado desarrollo de atmósferas ambient y trance.
Hay una madurez sonora que sorprende: el álbum suena como si detrás hubiese años de recorrido en la escena. A lo largo de sus nueve tracks, la narrativa crece de forma progresiva hasta desembocar en un remix final de alto impacto, concebido claramente para la pista.
El diseño sonoro, meticuloso y preciso, equilibra funcionalidad y profundidad, permitiendo tanto una escucha atenta como su uso en contextos de club. Disponible en vinilo a través de One Eye Witness y en formato digital en el Bandcamp del sello.
KORDIAN NIEZNANOWSKI
THAWED PSYCHEDELIC RHIZOMES NOTTETENOI
Kordian Nieznanowski es un productor con amplia experiencia en diversos géneros de la música electrónica. En su catálogo encontramos tintes darkwave, synthwave, ambient, metal y muchos más.
En esta ocasión se entrelaza con el sello italiano Nottetempo, un imprint acostumbrado a publicar música electrónica fresca y ecléctica para introducir el release 007 del label.
En este trabajo introduce vocales ásperas, cercanas a su faceta más darkwave, que logra encajar con sutileza dentro de estructuras trance e italo, junto a melodías que mantienen la tensión en todo momento. Esperad música variada y bien ejecutada.
Disponible a través de deejay.de.
808 STATE VS HUMANOID IN PLACE OF LANGUAGE
DE:TUNED
In place of language es una colaboración entre 808 state y Humanoid en tiempo presente, 2 fundadores de la musica dance de UK por el sello De:tuned. Si escuchamos el nombre 808 state y Humanoid seguramente algo resuene en nuestra retina musical, fueron ellos los responsables de redefinir el sonido en las pistas de Baile en el Reino Unido a comienzos de los 90. Techno, acid, bleeps, hardcore, downtempo y más, todo congeniado en este acotado pero sólido EP de 4 tracks. El release en si es un viaje sutil pero enérgico que nos pasea por todos estos géneros hasta cerrar con un ambient Dub elegante, un release que pienso agradará a los nostálgicos como también a las nuevas generaciones.
Fue una grata sorpresa encontrar este crossover épico entre los nuevos releases del 2026 y su capacidad de adaptarse a los tiempos que corren sin perder identidad.
DUMISTRESCU
CLUB FUNKTION MAD SIGNAL
En esta segunda referencia del label con base en Bucarest, Mad Signal, es el turno de uno de sus propios creadores. Dumitrescu, con bases sólidas en el minimal rumano de hace unos ocho o diez años, se aleja aquí de ese enfoque para volcarse hacia un sonido más intenso y contundente sin renunciar del todo a ciertos matices del minimal y el tech. El resultado se sitúa en un terreno electro/techno que invita a volar, pero con un low end sólido que no te dejará olvidar dónde estás. La distribución estará a cargo de Clone.
REVIEW CLÁSICO
BLOOP
DELIRIOUS ALLUSION EP(1993)
Dirk Bittner y Dirk Jan Müller publicaron su primer material en 1993, mostrando una vertiente cercana al space rock bajo el alias Electric Orange. Teniendo esto en cuenta, no resultaba habitual que desarrollaran trabajos orientados al techno o al electro. Sin embargo, en 1997 decidieron volcar en el estudio ritmos más duros y complejos, alejándose de lo que habían mostrado en su faceta previa, como si un espíritu raver latente reclamara salir. Trazando un puente el Detroit techno y el sonido Europeo; en este caso, con una estética más sensible y futurista, partiendo del space rock antes mencionado.
El EP es muy completo: incluye un track de techno más clásico, con vocales oscuras; otro corte más “trippy”; y una pieza de electro en 4/4 que no desentona en absoluto. Un EP de culto que no conviene perderse. Esta es la segunda reedición que el sello belga Pinguin Society Records realiza de este trabajo, lo que sin duda responde a su relevancia. Una obra que invita a disfrutar de todo el abanico sonoro que propone este dúo. Distribución a cargo de Resonanz.
HARD TECHNO
Autor: Alejandro Serrano hardtechno@mixmag.es
BELLAIRE
CLOSE TO ME EP CLOSE TO ME
El productor francés Bellaire arranca 2026 con una propuesta fresca que reafirma su identidad dentro de la música electrónica contemporánea. Con el anuncio de su debut Born Funky, plantea un discurso sonoro donde tradición y modernidad se entrelazan con naturalidad. El álbum se perfila como un homenaje al groove, recuperando la esencia de los 90s con una sensibilidad actual. Su enfoque destaca por su calidez y cercanía. El resultado es un trabajo accesible, bailable y con una clara vocación emocional. Lejos de quedarse en lo nostálgico, el álbum proyecta una energía optimista y universal.
Bellaire demuestra así su capacidad para llevar su sonido a públicos diversos sin perder autenticidad. En este contexto, ‘Close To Me’ emerge como una pieza clave dentro de su narrativa, con su groove contagioso, ‘Close To Me’ sintetiza a la perfección el espíritu del productor. Además, el tema funciona como una puerta de entrada ideal al universo de Born Funky, anticipando su carácter luminoso y envolvente. Su construcción orgánica y su energía inmediata lo convierten en un corte pensado tanto para el club como para la escucha cotidiana. Con ‘Close To Me’, Bellaire no solo marca el pulso de su debut, sino que reafirma su talento para conectar emoción y ritmo en un mismo lenguaje.
CHARLOTTE DE WITTE
AMOR EP O MOVIMENTO
La productora belga Charlotte de Witte amplía su universo sonoro con Amor, un EP que refuerza su posición dentro del techno contemporáneo mientras explora nuevas texturas emocionales. Publicado en su sello KNTXT, el trabajo se articula como una pieza cohesionada donde cada track se enlaza con sutileza, generando la sensación de una suite pensada para la pista de baile pero también para una escucha más profunda. La presencia de CERES resulta clave en esta narrativa, aportando vocales en portugués que introducen una dimensión orgánica y cálida sobre bases rítmicas intensas y precisas. Inspirado en la cultura de Portugal y Brasil, el EP combina la contundencia habitual de de Witte con una sensibilidad poco común en su catálogo, integrando elementos ácidos, percusiones dinámicas y atmósferas envolventes que evolucionan con naturalidad.
En este contexto, ‘O Movimento’ destaca como el punto culminante del conjunto, un track donde la tensión, el groove acelerado y la interacción vocal alcanzan su máxima expresión, sintetizando la esencia del EP y confirmando la capacidad de Charlotte de Witte para innovar sin perder la fuerza hipnótica que define su identidad.
^L_ +
NUXX
THE BASEMENT SESSIONS 3AM
The Basement Sessions se presenta como una obra colaborativa que se aleja de las estructuras convencionales para priorizar la exploración sonora. NUXX y ^L_ construyen un lenguaje compartido donde el diálogo creativo fluye sin jerarquías, dando forma a una narrativa orgánica. El EP se percibe más como un proceso capturado que como un producto cerrado, enfatizando la inmediatez del momento.
Las reverberaciones naturales y las imperfecciones refuerzan su carácter honesto y poco intervenido. En un contexto dominado por la producción digital, esta decisión resulta sutilmente radical. Sonoramente, se sitúa entre el ambient techno, el IDM y matices cercanos al shoegaze. Los pads expansivos se difuminan en el espacio mientras los ritmos laten con complejidad contenida. Las melodías emergen de forma fugaz, diluyéndose entre capas densas de sonido.
El conjunto genera un paisaje en constante mutación, entre lo hipnótico y lo inestable.
La escucha invita tanto a la introspección como a una atención detallada. Como punto destacado, “3am” resume la esencia del EP con una atmósfera envolvente y emocionalmente resonante.
NERVO FT. NUSHA
DON’T RUN
DON’T RUN
“Don’t Run” marca un giro contundente en la trayectoria de NERVO, adentrándose en terrenos más oscuros y agresivos. En colaboración con Nusha, el dúo construye un puente sólido entre el mainstage y el hard techno más crudo. El release se presenta como una pieza directa y funcional, pensada para el impacto inmediato en pista.
Desde el inicio, la tensión se convierte en el eje central, guiando toda la narrativa sonora. Las vocales, sello distintivo de NERVO, aportan un magnetismo seductor con un trasfondo inquietante. Este elemento melódico contrasta con una base rítmica implacable y de carácter industrial. El groove evoluciona de forma progresiva, intensificando la presión sin perder el control. La producción destaca por su contundencia, con kicks pesados y una energía sostenida.
Hay una clara intención de dominar el espacio sonoro, tanto en club como en contextos más masivos. La fusión entre dramatismo festivalero y crudeza de warehouse resulta especialmente efectiva. El track no busca sutileza, sino una respuesta física inmediata en la pista. Se trata de una declaración firme, donde ambos proyectos expanden sus límites estilísticos. Como pieza central, “Don’t Run” se erige como un himno de alta intensidad, diseñado para los momentos más álgidos de la noche.
REVIEW CLÁSICO
BÄCK
ESCÚCHAME EP ESCUCHAME
El EP Escúchame, Escúchame de BÄCK se despliega como una experiencia hipnótica que desdibuja las fronteras entre el afro house y el techno más envolvente. Desde el primer compás, la pista se apoya en una percusión tribal firme y constante, que actúa como columna vertebral de un viaje sonoro profundamente inmersivo.
Sin embargo, lo que realmente distingue este lanzamiento es su enfoque claramente orientado hacia el techno, con una progresión tensa y una construcción narrativa pensada para la pista de baile avanzada. Las texturas evocan paisajes áridos, casi desérticos, donde los elementos orgánicos se funden con capas sintéticas de gran profundidad. El groove, aunque cálido en esencia, se endurece progresivamente, adoptando una estética más oscura y mecánica.
BÄCK juega con la repetición de forma inteligente, generando una sensación de trance que atrapa sin recurrir a excesos. Los detalles atmosféricos emergen y desaparecen como espejismos, aportando dinamismo a una estructura aparentemente minimalista.
Es en esa dualidad —entre lo tribal y lo industrial— donde el EP encuentra su mayor fortaleza. Perfecto para sets de madrugada, su energía es constante pero nunca predecible. En definitiva, estamos ante un corte que trasciende etiquetas y se instala cómodamente entre el afro house más hipnótico y el techno más sugestivo.
Autor: Marian Ariss
melodictechno@mixmag.es
MELODIC HOUSE & TECHNO
VOMEE
GET TO KNOW ME
SIAMESE
Vomee es la firma musical de Gianluca De Girolamo, DJ y productor nacido en Italia y afincado en Ámsterdam. Desde sus inicios como DJ residente en dos de los clubes más icónicos de Italia, como Clorophilla y Cromie, su nombre y talento captaron rápidamente la atención de prestigiosos nombres de la industria. Con ‘Get to Know Me’ Vomee vuelve al reconocido sello Siamese. Un track que desde el arranque juega a largo plazo con una intro contenida, donde el lowend respira con paciencia y deja espacio a una percusión muy definida, muy Siamese-core. Con un groove profundo y progresivo, ‘Get To Know Me’ tiene ese punto medio entre club y narrativa que tanto funciona en pista cuando quieres subir energía sin romper la atmósfera. Vomee no busca el drop épico fácil, sino mantener tensión y elegancia. No es peak time banger, pero tampoco quiere serlo. Es sin duda un track de los que suman más en set de lo que destacan en escucha rápida. Sutil, sólido y muy bien producido.
FUR COAT
TIMELESS MOTION AXEPT
Fur Coat es el proyecto de Sergio Muñoz, DJ y productor Venezolano afincado en Barcelona. Durante la última década, Fur Coat ha estado a la vanguardia de la escena de la música electrónica, consolidando progresivamente su reputación como productor, DJ y dueño del reconocido sello Øddity Records. En constante búsqueda de nuevos sonidos para presentar en sus sets, Fur Coat se esfuerza por innovar, explorar y evolucionar, impulsando hacia adelante su visión musical. Siendo su primer single de 2026, el Venezolano nos presenta ‘Timeless Motion’ publicado en el sello AXEPT. Un track que hace honor a su nombre: fluido, envolvente y con una sensación constante de avance. Desde el inicio, el tema plantea un terreno sólido: kick firme, groove limpio y una vocal que se va insinuando sin prisa. Todo está medido para que cada elemento respire y tenga su momento. ‘Timeless Motion’ crea una atmósfera que crece sin perder elegancia, sin giros bruscos ni drops exagerados, el foco está en la continuidad y la inmersión.
ENGELBERT, LACKOFAFFEKT VERITAS
STEYOYOKE
LackOfAffekt y Engelbert unen fuerzas en el track ‘Veritas’, publicado en Steyoyoke, sello independiente con sede en Berlín, conocido por consolidar el techno etéreo como su propio género musical y su sonido característico. El DJ y productor radicado en Amsterdam y el Dj y productor Inglés moldean la tensión, la distancia y la contención en este lanzamiento. Construido sobre texturas sombrías, el track avanza con una intensidad sutil dentro de una atmósfera refinada más introspectiva. El break sigue esa misma línea: nada de explosiones, sino una apertura progresiva que refuerza esa sensación de distancia y conexión a la vez, muy en línea con ese concepto de “mundos paralelos” que sugiere el propio release. Cuando vuelve el groove, lo hace con más cuerpo, pero sin romper la atmósfera que ya ha construido. El resultado es un track que fluye más por profundidad que por energía. ‘Veritas’ no es para levantar la pista de golpe, sino para mantenerla dentro del viaje.
GOLDEN HOUR, MARVIO (AR) EXOTICO COMPLAINT KULTURE
Los DJs y productores Argentinos, Golden Hour y Marvio se unen en ‘Exotico’ un lanzamiento a base de groove, textura y movimiento constante. Publicado en Complaint Kulture, el sello con sede en Budapest. Desde el primer momento ‘Exotico’, tiene claro su enfoque. Un groove cálido que marca el pulso mientras las percusiones se entrelazan con pequeños detalles melódicos y vocales que aparecen y desaparecen. Hay swing, hay espacio, y sobre todo hay paciencia. Es de esos tracks que no necesitan gritar para funcionar. Guiado por el ritmo, flexible en su forma y profundamente conectado con lo que te hace moverte en la pista. ‘Exotico’ tiene esa dualidad entre lo espontáneo y lo funcional dándole al release una identidad muy clara. Golden Hour y Marvio entienden el groove como un lenguaje en sí mismo, capaz de sostener relato, energía y dirección sin necesidad de recurrir a recursos evidentes.
REVIEW CLÁSICO
UNDERCATT
BRITANNIA
DIYNAMIC
En 2018, Undercatt era un dúo y publicaban ‘Britannia’ en Diynamic. Uno de esos tracks que definen un momento concreto dentro del sonido melódico, pero que al mismo tiempo consiguen escapar de su propia época. Desde el inicio, ‘Britannia’ construye su identidad desde una tensión constante, elegante y profundamente envolvente. Sin embargo, es en el desarrollo donde el track realmente cobra vida. Las capas melódicas se introducen de forma progresiva, creciendo en intensidad sin perder nunca el control, dibujando una historia que avanza con precisión y sentido. El elemento más reconocible llega con su lead principal: una línea melódica cargada de dramatismo que, sin resultar excesiva, logra instalarse en el centro del track y darle una identidad inmediata. Es precisamente ese equilibrio entre emoción y contención lo que convierte a ‘Britannia’ en una pieza tan efectiva, tanto en escucha como en la pista. Con el paso del tiempo, ‘Britannia’ se ha consolidado como una referencia dentro del melodic techno, no solo por su solidez técnica, sino por su capacidad para capturar una atmósfera específica y sostenerla de principio a fin. Un track que demuestra que la verdadera fuerza no siempre está en la intensidad, sino en el control del detalle y la intención. Hay tracks que nunca pierden su magia, y personalmente no importa cuántas veces lo ponga, me sigue emocionando con la misma intensidad que la primera vez que lo puse.
HOUSE
Autor: Francisco Pérez house@mixmag.es
MAD VILLAINS
PLEASURE (ORIGINAL MIX)
ARTIST INTELLIGENCE AGENCY
Mad Villains, natural del sur de California y afincado en Londres, ha forjado un sonido propio que le ha abierto puertas en sellos como Strictly Rhythm, Food Music, Avotre, Desert Hearts y ha recibido el apoyo de DJs como Sidney Charles, Seb Zito, Maya Jane Coles, Roger Sanchez, Kenny Dope o Todd Edwards. Con su tema “Pleasure” nos presenta una pieza que golpea desde el primer compás: una base rítmica inigualable que respira swing en cada golpe. Mad Villains juega con capas y texturas, pads cálidos, percusiones nítidas y líneas subgraves perfectas para clubes. El tema mantiene tensión y liberación con sutileza, invitando tanto al bailador técnico como al público masivo a perderse en el groove. Un release que reafirma su dominio del lenguaje house y que encaja a la perfección en los sets de DJs que buscan energía y elegancia sonora.
S.A.M
01 FOR GIO BANDCAMP
S.A.M. nos comparte esta composición titulada “For Gio”, incluida en su nuevo álbum publicado en bancamp bajo el nombre “The Drives Vol. 1”. Este compilado nos muestra que el artista también trabaja en la sombra ofreciendo calidad sin buscar validación de terceros. Este album cuenta con 11 piezas que narran la visiónde S.A.M. con este nuevo concepto proyectando intención, elegancia y carácter. Sin lugar a dudas es un album perfecto para escuchar sin distracciones. Desde los primeros beats de “For Gio” el productor propone una base rítmica sólida, un groove que no busca exhibicionismos sino movimiento sostenido: las percusiones, sintetizadores hipnóticos cuidadosamente modulados que construyen un tema perfecto para cualquier escenario.
SDK, SIMONE DE KUNOVICH SUMMER CARD (ORIGINAL MIX) SAFE TRIP
El productor italiano y colaborador de Love on the Rocks, Simone de Kunovich, inicia un nuevo capítulo con el lanzamiento de SDK, un proyecto que afina su enfoque hacia un house visionario impregnado de emoción vintage y claridad moderna. Concebido como un reinicio y una refinación, SDK canaliza las influencias de larga data de de Kunovich a través de una lente más depurada y orientada a la pista de baile. “Summer Card” llega como un himno nostálgico pero eufórico, equilibrando una melodía bañada por el sol con un ritmo discretamente impulsor. Evocando la calidez y el optimismo de la música dance de principios de los 2000, el tema posee una cualidad atemporal —como un clásico perdido del Y2K que finalmente encuentra su momento. Es emotivo sin excesos, inmediato pero duradero, pensado tanto para pistas al aire libre como para escuchas nocturnas. El lanzamiento viene acompañado por un remix del propio Young Marco, “Summer Card (M’s Freak Mix)”, en una versión sólo en vinilo que añade un contrapunto crudo y excéntrico que subraya la versatilidad del tema y su intención para la pista de baile.
LUKEY
FEEL IT
FLUFF RECORDS
Lukey, nacido en Dublín y afincado ahora en Barcelona, nos comparte su tema “Feel It”. Artista conocido por difuminar las líneas entre house, electro, su sonido con hogar en sellos como Hot Creations, Dark Side of the Sun, Into the Wizard’s Sleeve, Carpet & Snares y The Void Project, entre otros— aporta peso y credibilidad a la referencia. “Feel It” se mueve entre el tech house y una sutil influencia deep, manteniendo un enfoque directo y perfecto para la pista; desde el inicio el groove se sostiene sobre una base rítmica firme, con percusiones tribales ajustadas que marcan el pulso sin sobrecargar el arreglo. Las vocales, con matices rastafari, aporta una esencia old school, integrándose perfectamente en la mezcla, mientras un sencillo acorde de órgano eleva la energía de esta obra, generando tensión y liberación sin perder la esencia minimalista. Sin excesos ni artificios, Lukey demuestra cómo menos puede ser más. Este VA, que también suma a productores como Wilba, Brennan y Joolmad, es una joya para los amantes de la buena música; FLFR001, primer catálogo de Fluff Records, ya cuenta con el apoyo de DJs como Janeret, Raresh, Arapu, Per Hammar y Jamahr. Pronto disponible en Subwax.
REVIEW CLÁSICO
MOVING MATTERS, PABLO CAHN & JAY HAZE
TWISTED SENSES (ORIGINAL MIX)
CONTEXTERRIOR / TUNING SPORK
Contexterrior y Tuning Spork fueron lanzados a principios de la década de 2000 por Jay Haze. En 2010 los sellos fueron temporalmente suspendidos, pero tras este breve hiato, ambos han sido relanzados en un formato combinado, que los reunirá bajo el mismo paraguas. Este sello híbrido se lanza con el número de catálogo CNTXTS 1001.
