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NÚMBERO #22

Este mes de diciembre en Mixmag Spain celebramos el cierre de un año extraordinario con una protagonista a la altura: Esther Bronchal. Una artista que ha convertido 2025 en un punto de inflexión absoluto en su carrera, marcado por una gira que la ha llevado por Asia —desde Phuket hasta Shanghai, Hong Kong o Bali— y que no solo ha ampliado su horizonte musical, sino que también le ha revelado nuevas facetas de sí misma. A ello se suma su paso por Latinoamérica y el Caribe, donde ha conectado con un público muy entregado que le ha dado una energía difícil de olvidar. En clave internacional, este mes hablamos con Weval. Después de años afinando cada detalle en el estudio y escribiendo discos casi desde la introspección, el dúo ha decidido trabajar desde otro punto: más ritmo, más decisión y menos pudor a la hora de enseñar su cara más directa. A días de su concierto en Barcelona, hablamos con el dúo sobre su nuevo álbum ‘CHOROPHOBIA’. Seguimos con una interesantísima charla con Nicolas Lutz en la que desciframos uno de los enigmas más grandes de la escena underground. Hablamos con él sobre su vida, su visión y lo que está por venir.

A continuación, hablamos con una artista cuya carrera comenzó con una fuerza desbordante, cargada de ironía y sarcasmo, usados siempre de la manera más potente posible, nunca desde la frivolidad. Hoy, su lucidez la convierte en una mujer y una artista que no se aferra al pasado: observa el presente, acoge el futuro y permanece abierta a todo lo que se mueve. No podía ser otra: Kittin. Seguimos con una potente entrevista con Laurine, donde nos cuenta cómo se rompe la inercia de la escena con una fuerza que no quiere atraer, pero que inevitablemente lo hace. Finalmente, cerramos esta ronda de entrevistas con RUIZ OSC1, una charla en la que repasamos los aprendizajes que marcaron su evolución, el papel que juega España en su identidad, la presión de mantener una voz propia en un circuito exigente y los nuevos caminos que está trazando para su próximo capítulo creativo.

Cambiamos de tercio para introduciros el evento de Año Nuevo de Output x Loud Contact en Diverbosc, que contará con diez horas de música con Richie Hawtin y Héctor Oaks como protagonistas. Por otra parte, os traemos una guía útil y sencilla sobre cómo hacer tu propio sello DIY. Y como siempre, en esta edición encontraréis lo último en tech y las mejores críticas musicales. Continuamos trabajando para ofreceros muchas más secciones de interés relacionadas con nuestra industria en nuestras próximas ediciones. ¡Felices fiestas y feliz año a todos, queridos lectores! Patricia Pareja, Directora

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Carlos Pego

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DICIEMBRE - 2025

007 Bits Beats

c o n t e n i d o s

068 Reviews Álbumes por Bruno Garca

008 Kittin 015 Nicolas Lutz 022 Laurine

072 Reviews Breaks por Eduardo Carbonell 074 Reviews Drum & Bass por Olga Casas

028 Sellos DIY 034 Esther Bronchal 042 Weval

076 Reviews Electro por Federico Cortina 078 Reviews Hard Techno por Alejandro Serrano

048 Output x Loud-contact 050 Ruiz Osc1

080 Reviews Melodic House & Techno por Marian Ariss

056 Cómo produzco: Javier Carballo 058 La Rítmica Club 064 Tech: El DVS según ALGORIDDIM

082 Reviews House por Francisco Pérez 084 Reviews UK Garage por Borja Comino

066 Tech: Voice Acoustics

a-z

CONCEPTONEAGENCY.COM

Las entradas se pueden comprar a través de Resident Advisor. 06

bits beats Aphex Twin sorprende con dos nuevos temas en SoundCloud Aphex Twin volvió a hacer de las suyas: sin previo aviso, el productor británico publicó dos tracks inéditos en su cuenta oficial de SoundCloud. La noticia encendió a la comunidad electrónica, que siempre está preparada para estos movimientos inesperados del icono de Warp Records. Dos piezas nuevas, cero explicación y el misterio intacto. +info: https://soundcloud.com/user18081971/zahl-am1-live-track-1c-f760m1

Boy Harsher da el salto al cine con su primer proyecto audiovisual El dúo darkwave Boy Harsher presenta su debut cinematográfico, llevando su estética inquietante y minimalista a un nuevo formato. El film expande el universo que ya habían construido en su música, mezclando atmósferas densas, narrativa fragmentada y esa sensualidad industrial que los caracteriza.

+info: https://www.instagram.com/boyharsher/?utm_source=ig_embed

Massive Attack anuncia nueva música para 2026 Massive Attack confirma que su próximo trabajo verá la luz en 2026. Tras años de silencio discográfico, la banda pionera del trip-hop prepara un regreso muy esperado. Aunque no han revelado detalles, el simple anuncio ha reactivado el hype global alrededor de uno de los proyectos más influyentes de la música electrónica moderna.

+info: https://www.massiveattack.co.uk/

SIGHT consolida su tradición de fin de año en el renovado Ku Barcelona SIGHT vuelve a colocarse en el centro de la escena clubber con un fin de año que se perfila como uno de los más potentes de Barcelona. Tres noches, tres relatos y una programación que mezcla tradición e identidad: Loco Dice, Syreeta y Art No Logia (21.12), un Christmas Special liderado por Paco Osuna junto a Melanie Ribbe y Esther Bronchal (25.12), y un cierre por todo lo alto con Marco Carola, Joey Daniel y Abdon (30.12). Una celebración que reafirma el peso cultural de SIGHT y reactiva el pulso de la ciudad. +info: https://www.sightofficial.com

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kittin AUTO R A L ESSA N D R A SO L A

“Vender tu arte sin vender tu alma” ¿Qué significa, hoy, ser libres? Vaya pregunta. Difícil y, al mismo tiempo, difusa. Para nosotros, argonautas de la música electrónica, la libertad es dejarnos destrozar los tímpanos por un sistema de 50.000 vatios o encerrarnos en un estudio con unos auriculares (a veces ni siquiera tan buenos), y devorar discos sin parar. Decir que la libertad nace de la introspección suena casi obvio. Buscar dentro de uno mismo, en la propia obra, en la propia pasión, aquello que nos hace sentir libres, es una forma hermosa de cuidarse. Esto es, dicho en palabras bastante pobres, lo que me transmitió Kittin desde la primera vez que la escuché y, después de esta entrevista, puedo decir que de algún modo mi intuición se confirmó. Su carrera comenzó con una fuerza desbordante, cargada de ironía y sarcasmo, usados siempre de la manera más potente posible, nunca desde la frivolidad. Hoy, su lucidez la convierte en una mujer y una artista que no se aferra al pasado: observa el presente, acoge el futuro, permanece abierta a todo lo que se mueve. Quizá por eso aún no tiene una respuesta definitiva a la pregunta de “Quién es Kittin hoy”. Y tal vez ahí esté justamente el punto. Ser libres significa habitar el desequilibrio, no encerrarse nunca en una definición, en una era. Encontramos a Kittin exactamente ahí: en ese espacio vivo y cambiante donde no hace falta saber quién eres para serlo de verdad.

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¿Quién es Kittin hoy, como artista y como mujer, y en qué punto sientes que estás dentro de tu camino musical?

pero al final terminaría hablando con alguien más. Y así fue. Ese es el poder de la intención, y es crucial.

Eso es justo lo que me pregunto a mí misma. Todavía no tengo todas las respuestas, y por eso no he lanzado música nueva. Aún estoy procesando la longevidad, todo lo que he vivido y logrado. Pasar de la espontaneidad y la ausencia total de expectativas de los primeros años a una forma de conciencia más elevada es un proceso intenso. ¿Cómo mantener la ingenuidad y, al mismo tiempo, aumentar el “propósito”? como dice Jeff Mills… Pensar menos y pensar mejor. Ahí es donde estoy. De lo que sí estoy segura es de esto: lo conseguí. Alcancé mi objetivo de libertad. Mi intuición sigue siendo fiable, trabajo cuando quiero, donde quiero, con quien quiero, con un ritmo que me sienta bien, con un equipo al que quiero profundamente, y la vida fuera del trabajo me da muchísima alegría y paz mental. Ese es, sin duda, mi mayor logro. Todo lo demás es un bonus.

Cada época tiene sus propios problemas sociales. Esta no es diferente. Al contrario, ahora hablamos más: de abusos, de salud mental, de inclusión,… Muchos artistas son radicales, pero normalmente no son los que tienen un éxito masivo. No encaja con una economía basada en números y beneficios, sin emociones. Si tu sueño es ser rico y famoso, puedes seguir un método de marketing. Sino, es tu responsabilidad escribir tu propio camino, y prepararte para un recorrido más áspero pero infinitamente más gratificante —sobre todo para la autoestima. Tienes que saber lo que quieres y tener cuidado con los espejismos, con la experiencia aprendes qué es lo correcto para ti. Es completamente normal equivocarse a veces, incluso con el riesgo de no poder volver atrás.

Tu sonido siempre ha llevado un espíritu juguetón y provocador, y has defendido de forma constante una libertad total de expresión. En un momento en el que todo se filtra, se juzga y a menudo se polariza, ¿qué tan difícil es mantener viva esa libertad radical? Está dentro de mí. ¿Por qué hago música? Si pienso en mi propia experiencia, es una especie de impulso existencial. Vida o muerte. No por el estilo de vida, no por el ego, no para que me quieran o admiren, no para dejar un rastro. Simplemente necesitaba expresar todo lo que no podía en la vida diaria. Nunca me pregunté si era “respetable”,

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En tu web mencionas que, en los años 90 y principios de los 2000, el DJing era, sobre todo, un juego de hombres. Si miramos a las DJs mujeres de hoy, ¿crees que algo ha cambiado de verdad, o solo ha cambiado la narrativa? Por supuesto que ha cambiado. Ahora las DJs mujeres ya no somos criaturas exóticas. Siendo más del 50% de la población, es lo justo. Lo mismo ocurre con cualquier actividad tecnológica. Siempre me entusiasma conocer y pinchar con mujeres talentosas; podemos tener conversaciones entre nosotras que pondrían en apuros a muchos hombres. La sexualización de las mujeres aún tiene que mejorar, por ambas partes. Todavía tenemos que desmontar esa orden tan

persistente que dice que una mujer debe ser atractiva, que su físico es lo que más importa. No solo en la música, en todas partes. Es muy frustrante ver que seguimos siendo culpadas exactamente por aquello que se espera y se ha condicionado que seamos. No hay ni una sola entrevista en la que no me pregunten por el tema de mi género. ¿Qué me dices de eso? Bueno, eso lo dice todo. Entonces, ¿hoy te identificas con la idea actual de “female empowerment” en la música electrónica, o sigue sintiéndose atrapada en clichés? Para mí, el empoderamiento es un tema terapéutico y privado. Llegar al punto de sentir que valgo, que soy “querible”, que soy suficiente, es un trabajo de toda la vida. No tiene nada que ver con la escena, sino con mi pasado. La música me ayudó a sobrevivir y a encontrarme. Probablemente por eso tantas mujeres me han dicho que se sintieron inspiradas por mi trabajo. ¿Tu decisión de eliminar el “Miss” de tu nombre estuvo influenciada por tu trabajo dentro de la escena para poner a las DJs mujeres al mismo nivel que los hombres? ¿O fue simplemente un cambio natural ligado a tu evolución artística? Fue un cambio natural, una vez que recordé que no fui yo quien eligió añadir “Miss” delante de mi nombre. Fueron los promotores de aquella época, para vender entradas, porque sonaba “cute”, y así nos marginalizaban sin siquiera darse cuenta. Pero la gente no olvida fácilmente: está grabado como un marcador emocional de su experiencia con mi música.olvida fácilmente: está grabado como un marcador emocional de su experiencia con.

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No puedo cambiarlo en las plataformas de streaming por cuestiones de registro de catálogo, ni en redes sociales. Ya no me preocupa.

tan loca y este ritmo de viajes. No se trata solo de poner música y pasarlo bien; eso no dura. Se trata de tu contribución a una comunidad. Es un trabajo social.

Hablando de la escena contemporánea, ¿qué es lo que todavía te sorprende y qué es lo que te aburre?

Y en medio de todo ese ritmo y esas comunidades, ¿tienes algún ritual, algo que sigas haciendo antes o después de un set?

Me sorprende la creatividad de los productores jóvenes, cómo consiguen integrar y digerir influencias antiguas para convertirlas en algo nuevo, con las posibilidades tecnológicas infinitas de hoy y sin límites. Al final, es lo mismo que hicimos nosotros en nuestra época. Así que no tiene sentido quejarse. Los lamentos de “antes era mejor” me aburren muchísimo. Todas las críticas sobre el éxito rápido, los mega-shows, las redes sociales… Todo eso me aburre. Es lo que hay, fruto de una cultura que ha crecido de forma enorme, y hay espacio para todos. No tienes por qué amarlo. Si no abrazas el cambio, vivirás frustrado.

No realmente. Solo me gusta estar en silencio antes de tocar. Como un atleta: no entras en un modo creativo de DJ así porque sí.

Nunca tuvimos tantas oportunidades como ahora: clubes, fiestas,… Es una suerte. Todos tenemos sueños distintos, y muchos caminos para llegar a ellos. Y siguiendo con esa idea de cambio constante y nuevas generaciones… Tu música siempre parece impulsada por nuevos estímulos. ¿Qué es lo que te enciende más ahora mismo? Lo dije antes. Me estimulan muchísimo los productores jóvenes y los promotores. En cada bolo conozco comunidades increíbles, con valores sólidos y un compromiso real. Al hacerme mayor, le dije a mi agente que quería darle aún más sentido a lo que hago: tocar menos y hacerlo en eventos que realmente importan. Quiero salir de casa sabiendo por qué sigo metida en esta vida nocturna

La mente empieza a imaginar la vibra que vas a aportar: el público, el tamaño de la sala, el DJ que toca antes, el país, la situación sociopolítica… No necesito estar en la sala para eso, curiosamente, igual que no necesito mirar al público. Es algo más sutil. La libertad de expresión ha estado en el centro de tu arte desde los primeros días. Pero ser libre dentro de una industria que a menudo quiere empaquetar al artista como un producto puede ser complicado. ¿Hay compromisos que consideras aceptables, o ninguno? Siempre tenemos que hacer compromisos. A veces, mi equipo me convence de cambiar de opinión en un proyecto, cuando no veo lo suficientemente lejos o cuando soy demasiado impulsiva. Escucho, aprendo. Pero, en general, mis decisiones nacen de la intuición: ¿cómo me hace sentir esto o aquello? Normalmente funciona. Mantienes tu intuición afinada cuidando tu salud física y mental. No hago compromisos con mi arte, a menos que esté colaborando; en ese caso, debes encontrar un acuerdo común con la otra parte.

vendiendo algo. Ser independiente con un presupuesto pequeño me parece algo positivo; te obliga a ser creativa otra vez. Vender tu arte sin vender tu alma. Tener cero restricciones tampoco garantiza buen gusto. ¿Qué es lo que más te inspira últimamente buscando temas? ¿Sigues fiel al enfoque oldschool, o te entusiasma descubrir nuevos productores también? No lo sé. Escucho muchísima música y sé en cuestión de segundos si puedo pincharla, y cómo. Busco en lugares oscuros para encontrar “secret weapons”. No lo hago de forma regular, solo cuando lo siento. Cuando el momento es el adecuado, la pesca funciona. La mayoría de lo que pongo ahora es nuevo y, normalmente, de productores que no son famosos. Hay sellos y crews increíbles, especialmente en Francia. Y después de tantos años construyendo tu propio camino, ¿sientes el deseo de transmitir algo de lo que has creado a las nuevas generaciones? Si es así, ¿cómo lo haces? Y si no, ¿por qué? Sí, claramente. Pero lo entiendo como un intercambio, nos inspiramos mutuamente: su visión, su sonido, su entusiasmo,… y yo aporto exposición pinchando su música, a través de nuestras conversaciones o de mi mundo y mi técnica vocal cuando colaboramos. También he participado últimamente en algunos paneles hablando de mi carrera. Pero no estoy aquí para dar consejos, ni para juzgar. Como digo siempre, tienes que hacer tu propia experiencia, encontrar tu propio camino. Todos somos distintos. Yo estoy aquí si me necesitan.

En lo empresarial, sí tienes que hacerlo: eres un producto, estás

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“Utilizo los discos como herramientas para un trabajo personal bastante profundo, y sé que eso tiene un impacto fuerte en la pista…” Cuando hablamos de DJs envueltos en un aura de misterio, esos que parecen habitar entre las sombras y el vinilo, un nombre aparece antes que cualquier otro: Nicolas Lutz. Selector uruguayo de culto, romántico de la oscuridad y creador de atmósferas hipnóticas que rozan el chamanismo, Lutz es de esos artistas de los que quizá nunca escuches hablar… pero cuya vibración reconoces de inmediato. Su carrera no nació de un golpe de suerte: se forjó en miles de horas de investigación obsesiva, escarbando en los rincones más oscuros de la electrónica underground y conectando géneros que muchos ni siquiera saben nombrar. Hay un momento, cuando suena un track con cierto ADN inexplicable, en el que todos pensamos: “esto lo pincharía Lutz”. Hoy desciframos uno de los enigmas más grandes de la escena underground. Hablamos con Nico sobre su vida, su visión y lo que está por venir.

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¿Tienes algún estudio o actividad que hagas aparte en relación con el manejo de energías? Puedo manejar la energía cuando pincho. La música que pongo tiene frecuencias muy potentes y profundas que pueden alterar el estado de quienes están abiertos en ese momento. Sí que he estudiado y me he formado en disciplinas relacionadas con el trabajo de la energía y la vibración, pero necesitaríamos mucho tiempo para explicarlo y creo que esta entrevista va por otro camino, así que prefiero dejarlo aquí. Durante años, tu sello My Own Jupiter fue referencia absoluta y ayudó a posicionar el sonido uruguayo. Aunque esa etapa ya fue, ¿cómo nació el label y qué significó para ti? Hola Nico, bienvenido a nuestras páginas. ¿Listo para revelar por fin tus secretos… o seguimos con el misticismo hasta el final? Hola Fede, muchas gracias. Sí, claro. Aquí me tienes. Revelaremos algún que otro secreto y otros me los guardaré. Un poco de misterio siempre habrá. En torno a tu figura circulan mitos que van desde magia negra para encontrar discos imposibles hasta hechizos para hipnotizar la pista. ¿Cuál es la realidad detrás de esa mitología lutziana? Puedo decirte que, si hay mitos, es porque algo hay. El tema de encontrar discos viene de una búsqueda muy profunda que llevo desde siempre: discos que conecten con sensaciones y emociones intensas, a veces profundas y otras más sutiles. Hay momentos en los que yo encuentro esos discos y otros en los que los discos me encuentran a mí. Creo que lo que llega cerca de uno es porque, de alguna manera, lo has proyectado. Cada uno crea su propia realidad.

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Utilizo los discos como herramientas para realizar un trabajo personal profundo y sé que eso tiene un impacto fuerte en la pista. Dependiendo del momento vital en el que se encuentre cada persona, la experiencia le llegará de una forma u otra. Cuando estoy pinchando hay momentos en los que yo mismo me encuentro hipnotizado. Es una fase por la que necesitamos pasar durante la sesión para llegar adonde quiero. Esto también es posible gracias a cada persona que está en la pista y se abre a la experiencia, así como al trabajo del sonido y de las luces. Sin ellos no sería posible. Entre todos creamos esa atmósfera. Siempre hay una transformación de la oscuridad hacia la luz. Es exactamente así como vivo, siento y experimento la vida. Los DJs tenemos una herramienta muy potente y debemos ser conscientes de ello, utilizándola de la mejor manera posible. Una de las experiencias más bonitas es vivir un buen viaje a través de la música. Es un ritual que construimos entre todos los que compartimos ese momento.

Comenzamos este proyecto en 2014. Fue una experiencia muy especial que llegó a su fin este año y detrás hubo muchísimo trabajo. Edurne estuvo a cargo del aspecto gráfico del sello, mientras que yo me ocupé de la curaduría musical y la búsqueda de los discos. Trabajamos con amigos y con otros artistas con los que conectamos profundamente, y cada artista implicado dio siempre lo mejor de sí y se involucró al máximo. Con muchos de ellos hoy mantenemos una buena amistad y, a nivel musical, estoy muy satisfecho con cada disco que se editó. Y si tuvieras que dedicarle unas palabras de despedida a esa experiencia, ¿cuáles serían? Principalmente palabras de agradecimiento para todos los artistas involucrados en el proyecto, desde Edurne hasta cada productor que confió y conectó con nosotros.

FOTO G R A F Í A C R I STI N A D E L BA RC O

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Esther nicolas Bronchal lutz

Hace poco te animaste a abrir una cuenta en Instagram, algo que muchos ni esperaban de ti. ¿Qué te llevó a dar ese paso ahora? Estuve mucho tiempo en el anonimato y en este momento me he sentido cómodo para dar ese paso. Ha habido muchos cambios en mi vida en este último periodo. Me interesa que mi mensaje llegue a nuevas generaciones y, si a través de Instagram puedo compartir contenidos que conecten con ellas, lo veo como algo positivo. ¿Cuál sería la siguiente transformación que te gustaría darle a tu carrera? ¿Hacia dónde te ves evolucionando? Hemos cerrado un proyecto en el que trabajamos durante los últimos diez años y actualmente estoy inmerso en uno nuevo, junto a artistas con los que no había trabajado antes. Parte de mi tiempo está enfocada en eso ahora mismo. Creo que estamos en constante evolución, pero hay momentos de grandes cambios. Estoy atravesando uno de ellos desde hace varios meses. No sabría decir hacia qué dirección me llevará, porque estoy enfocado en el presente y poniendo la energía en el ahora.

Hablemos de digging: ¿eres más de tiendas físicas o de Discogs a las tres de la mañana? Sinceramente, busco discos en todos lados. Lo que más me gusta es ir a tiendas físicas, aunque también utilizo Discogs y otras tiendas online. Muchas veces, donde menos te lo esperas, encuentras discos que te marcan la vida. Siempre lo he vivido así y por eso busco música en todos los lugares posibles. ¿Escuchas promos digitales o prefieres mantenerte 100% en vinilo incluso para eso? Me gusta investigar, es una de mis grandes pasiones. Si dedicara el tiempo a escuchar todo lo que me envían, sería un camino fácil y no tendría tiempo para investigar profundamente por mis propios medios. Creo que parte de la magia está en dejar que la intuición te guíe. A veces llegas a algo increíble simplemente dejándote llevar por esa intuición, por una portada que te genera curiosidad o por un artista del que nunca habías oído hablar. Al igual que cuando pincho, hay una fuerza que va más allá de mi entendimiento y que me guía hacia sensaciones nuevas o, en el caso del digging, hacia música que no imaginaba que existiera. Nunca me quitaría la posibilidad de sorprenderme a mí mismo. Si dejara de sorprenderme, dejaría de pinchar y de buscar música.

¿Qué productores o DJs te han sorprendido este último año? Siempre me llama la atención escuchar un set de Kino o de Kinetic. El set de Unai Trotti en el último Houghton fue increíble. Este año escuché un live de Santi Uribe muy bueno y también a Ed Warner, un DJ excelente de Barcelona. En el festival OMBRA escuché un live muy potente de Gab Gato. Y el live de The Source Experience (Robert Leiner), fue sin duda uno de los mejores que he escuchado. Para quienes viajan en busca de tesoros: ¿qué tiendas de vinilo son “imperdibles”? Voy a nombrar algunas, aunque seguramente me olvide de muchas. Spacehall (Berlín), Audio In (Berlín), Hard Wax (Berlín), Discos Paradiso (Barcelona), Rhythm Control (Barcelona), Seawolf (Barcelona), Crevette Records (Bruselas), Discos Moda (Montevideo), Serendeepity (Milán), Clone (Róterdam), Rush Hour (Ámsterdam), Killacutz (Ámsterdam), T-Bag Records (Miami). Podría nombrar muchas más, pero con estas hay material suficiente para un buen rato de búsqueda.

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Con el tiempo te convertiste en uno de los máximos referentes de Uruguay. ¿Cuándo sentiste que ciertas tendencias del underground empezaban a alinearse contigo? Es cierto que mucha gente empezó a decírmelo hace algunos años, pero yo no lo veía así. Cuando comenzamos con My Own Jupiter empecé a recibir música de productores que sentía que estaba hecha para mí. Y, de hecho, lo estaba: se habían inspirado en los sets que me escuchaban desde hacía años. Ahí percibí que algo estaba pasando y que el mensaje estaba llegando. En Uruguay, especialmente junto a DJ Koolt y luego con artistas como Z@P, Omar, Digregorius, KINO y muchos otros, llevamos décadas creando algo muy sólido que se ha ido expandiendo a otros continentes en la última década. No es algo que haya creado yo solo. Somos un grupo pilotando la nave en la misma dirección desde hace mucho tiempo. ¿Sientes que plantaste una semilla para lo que hoy entendemos como underground moderno? No sé si lo llamaría plantar una semilla. Como dije antes, tenemos una herramienta muy potente y siempre he intentado darle un buen uso. He tenido momentos bastante oscuros en mi vida y ese mensaje quizá no era de luz, pero algo siempre se movía. Soy consciente de que en cada sesión hay alguien en la pista que se lleva algo consigo. Sobre el underground moderno no sé muy bien qué es hoy en día. Creo que es algo que no se ve, que creemos formar parte de ello, pero que en realidad habita en lugares que casi no frecuentamos.

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Hace tiempo, la música con la que se me relaciona se encontraba en contextos muy underground. Hoy es mucho más accesible y eso me parece muy positivo. Significa que hemos hecho algo bien. ¿Quiénes fueron y son tus inspiraciones más fuertes? Mis inspiraciones más fuertes, y las primeras fueron Bruno Gervais y Laurent Garnier. La manera que tenían de construir sus sesiones era algo que no le escuchaba a nadie más. Se movían por todos los estilos de una forma única. Quienes estuvieron presentes en alguna de sus sesiones saben perfectamente a qué me refiero. Nos llevaban a un viaje tan intenso que todavía se me pone la piel de gallina solo de recordarlo. Eso dejó una marca muy profunda en mí, tanto en la forma de construir mis sets como en la libertad absoluta de tocar cualquier disco que sienta, independientemente del estilo. No hay límites. Con el tiempo, obviamente, van apareciendo otras personas que te inspiran, ya sea por sus producciones, por sus sets o incluso por una entrevista. Jeff Mills, Underground Resistance, Juan Atkins, Sven Väth, DJ Mau Mau, Óscar Mulero, Ricardo Villalobos, Craig Richards, George ACTV. Podría nombrar a muchos artistas que en distintos momentos me han inspirado. También me he inspirado muchas veces a través de una conversación con un desconocido, con un amigo o en infinidad de otras situaciones.

Y desde un lugar muy personal, hay una persona que últimamente viene a escucharme y que, cuando está bailando delante de mí, me inspira muchísimo. Siento que pincho mejor cuando ella está ahí. Al final, la inspiración puede llegar de lugares que nunca imaginarías y no necesariamente tiene que venir de un artista. La música que seleccionas suele generar atmósferas muy particulares. ¿Alguna vez sentiste que un set se transformó en un rito colectivo? Sí, totalmente. Es un ritual. La clave está en cómo utilizas la música: en qué momento la pongas, de qué manera la mezcles, qué progresión tenga la sesión, pero sobre todo en la intención que tengas al hacerlo. Qué quieres crear al poner ese disco. Que no sea solo porque es un buen tema, sino porque lo estás utilizando con una intención concreta. La música puede volverse especial y llegar profundamente, o puede pasar desapercibida. Eso está literalmente en tus manos. Desde lo personal, cada sesión es un ritual. Pero, como dije antes, no es algo a lo que llegue solo. Todos los que estamos en esa situación influimos en el resultado final.

Esther nicolas Bronchal lutz

A veces se comenta que en tus sets se puede percibir tu estado anímico casi al instante. ¿Cómo vives esa conexión emocional con la música y con el acto de pinchar? Sí, soy totalmente consciente de eso. Mi estado anímico, emocional y físico se percibe claramente. No sé disimularlo. De todas formas, siempre doy todo lo que tengo en ese momento cuando hago una sesión. Para mí es una de mis terapias. Como decía antes, se trata de transformar lo que esté pasando y, si es posible, terminar el viaje con cierta luz. En la vida en general, nuestros actos están condicionados por nuestro estado anímico, emocional y psíquico. Lo bueno, en este caso, es que he encontrado una herramienta muy potente para poder modificar ese estado, el mío y el de quien se sume al viaje. Tus sesiones tienen la capacidad de llevar a la gente a estados alterados de conciencia, muy lejos de la superficialidad habitual del clubbing más estándar. ¿Cuál dirías que es tu mayor fortaleza como DJ? Creo que mi mayor fortaleza como DJ es la técnica. El control de la ecualización y el conocimiento profundo de la música que pongo. Al no tener que pensar en cómo mezclar y conocer bien la estructura y la intensidad de los discos, eso me da una libertad total para que cada mezcla sea única y para combinar temas que muchas personas no creerían posibles.

Es difícil de explicar, pero hay una fuerza que no sé exactamente de dónde viene, que mueve mis manos al mezclar y combina frecuencias de un disco y de otro de una manera casi mágica. Esa es una de las partes más bonitas: sorprenderme a mí mismo cuando mezclo. Muchas veces, sinceramente, se escapa de mi propio entendimiento. Nunca sentí que me costara aprender a mezclar, pero le dediqué miles de horas en casa, siendo muy joven, para perfeccionar la técnica y entender la estructura de la música. Con el tiempo, la experiencia y la madurez, fui afinando y profundizando todo eso aún más. Para ir cerrarando —y dejando la puerta abierta a una parte II—: ¿qué te gustaría decirles a las nuevas generaciones de DJs y clubbers? Que no sean conformistas. Que esto es infinito y que lo más bonito es el trayecto. No hay prisa por llegar a ningún sitio. Cuando buscas y profundizas en ti, los resultados pueden ser maravillosos. Que la belleza está hecha de altos y bajos, y que cuando sentimos que estamos abajo, en realidad es una gran oportunidad para mirar hacia dentro, ecualizar la máquina y seguir adelante con más fuerza, ideas nuevas y mayor madurez. Que nadie es mejor ni peor. Que en el arte no existe la competencia. Que experimenten y salgan de la zona de confort. Y que practiquen mucho en casa antes de pinchar delante de un público. Que lo hagan cuando realmente sientan que están preparados. Aprender a hacerlo es un proceso profundamente personal.

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laurine AUTO R A L ESSA N D R A SO L A

La física de la autenticidad Laurine nos cuenta cómo se rompe la inercia de la escena con una fuerza que no quiere atraer, pero que inevitablemente lo hace. La densidad de un campo magnético depende de la intensidad de la fuerza que lo genera. Es una ecuación de la física sencilla, casi ingenua, que explica cómo algunas energías orientan todo lo que las rodea de manera inconsciente, casi sin quererlo. En las trayectorias de la música no es fácil encontrar artistas que respondan a las reglas del campo magnético. A menudo, hay una gran efervescencia detrás de los movimientos, los colectivos y los clubs. Y, aún más a menudo, detrás de esa efervescencia se esconde una idea rancia sobre la necesidad de aparentar, de llevar el propio arte a otro nivel solo por la urgencia de mostrar algo a alguien. La fuerza de Laurine está precisamente ahí: en una autenticidad espontánea que nunca se ha planteado realmente ser algo o alguien, más allá de una artista que lleva su idea de música y de comunidad cada vez que se sube a la cabina, o cuando organiza un Slow Life con su familia de artistas, como ocurrió el último fin de semana de noviembre en Berlín, dentro del barco de Hoppetosse. Cuidar su música y todo lo que ha orbitado a su alrededor en estos años parece ser para Laurine la misión que ha alimentado no solo su carrera, sino toda su vida. La concentración que guía su selección musical habla de una pasión profundamente arraigada en su instinto, que siempre deja espacio, sin embargo, a una visión que quiere ir más allá de sus propios límites. Y, en un panorama musical en el que la zona de confort parece ser la vía más inmediata para llegar al público (y sacarle algo), esta constante necesidad de evolucionar genera precisamente esa fuerza del campo magnético de la que hablábamos unas líneas más arriba. No me malinterpretéis, Laurine no activa energías únicamente de forma inconsciente y sin querer. Cualquier forma de expresión artística requiere trabajo duro, años y años de pruebas y setups para encontrar la propia dirección, la propia voz, en un mar en tormenta que a veces solo quiere recordarte cuánto estás dispuesto a resistir. Y, ¿qué es el arte, si no nuestra —quizá última— forma de resistencia? Se lo hemos preguntado directamente a ella.

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Empecemos por algo sencillo, pero fundamental. ¿Cómo estás? ¿Cómo estás viviendo este periodo de tu vida? Hola Ale, este periodo está marcado por una gran tranquilidad, una sensación bastante rara para mí, ya que hasta ahora mi vida siempre ha estado caracterizada por la frenética. Me siento fuerte, lúcida y centrada, y eso me da la posibilidad de observarme y trabajar en un nivel interior muy profundo. Debo decir que le estoy cogiendo el gusto. El último fin de semana de noviembre tuvo lugar la clásica reunión familiar en Hoppetosse (¿quizá deberíamos decir “en casa”?). ¿Te apetece contarnos cómo ha evolucionado Slow Life en los últimos años y cuáles son los objetivos para el futuro? Aquí, hablando de tranquilidad… de vez en cuando también hace falta un toque de sana locura, y de hecho todavía estoy sin voz. Estoy realmente satisfecha por cómo salió el weekender: el viaje musical durante las 34 horas, la calidad del público, el sound system sonando a la perfección,… cada elemento estaba en su sitio y contribuyó a crear lo que para mí ha sido una de las mejores fiestas que hemos organizado nunca. Salí con el corazón lleno de esperanza: todavía es posible recrear un ambiente de clubbing sano, serio y respetuoso, donde todas las personas están presentes por la misma razón: escuchar buena música, divertirse y compartir una experiencia auténtica juntas. En cuanto a Slow Life, las cosas siempre han sido bastante estables desde el principio: hoy seguimos con el sello, las fiestas y… siento decepcionarte (risas), pero no tenemos grandes objetivos para el futuro más allá de seguir haciendo lo que siempre hemos hecho, el mayor tiempo posible y con la motivación adecuada.

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El concepto detrás de Slow Life parece ser el reflejo de lo que tú y vosotros queréis ver en el mundo: energía positiva, sentido de pertenencia a una comunidad basada en el respeto y una felicidad consciente de la cual deriva una gratitud constante, tanto vuestra como de quienes os siguen. En un mundo donde los números cuentan más que la calidad, siempre habéis respondido con autenticidad. ¿Cómo ves hoy la escena en términos de autenticidad y evolución? Antes de nada, gracias, has conseguido expresar con gran claridad y sensibilidad un concepto complejo, logrando representarnos por completo. Respondiendo a tu pregunta, diría que el momento en el que se encuentra hoy la escena forma parte de ese ciclo continuo de cambio que caracteriza todo en la vida: hay fases buenas y fases menos buenas, pero es precisamente gracias a las más difíciles que aprendemos a dar valor a las primeras. En este momento, por usar un eufemismo, diría que la situación es un buen “regalito intestinal”. Pero quiero pensar que es solo un paso, una fase necesaria para volver a reconocer y apreciar aquello que quizás, en el pasado, dábamos por sentado. Ha habido otros momentos en que las cosas parecían tomar un mal rumbo, por ejemplo cuando el vinilo parecía destinado a desaparecer con la llegada de Traktor, pero al final lo que es verdadero, sustancial y auténtico siempre ha conseguido sobrevivir y seguirá haciéndolo. Lo demás es pasajero.

¿Hubo un momento concreto, una especie de punto de inflexión, en el que viste un gran cambio en la escena electrónica actual? Sí, diría que alrededor de 2015, cuando las redes sociales empezaron a ocupar un papel cada vez más central en nuestras vidas. Desde entonces, la escena comenzó a cambiar rápido y, en muchos aspectos, a empeorar de manera exponencial. La cultura de la música electrónica nace de la experimentación y de la necesidad de muchas subculturas de sentirse parte de algo. ¿Crees que estos paradigmas siguen presentes en la escena actual? Por supuesto, en la naturaleza humana está el deseo de sentirse parte de algo. El clubbing, en este sentido, siempre ha tenido un poder único: crear conexión. La diferencia está en la conciencia, en elegir pertenecer a algo verdadero basado en la sustancia y no en la apariencia. Porque solo lo que es verdadero consigue nutrir realmente el alma a largo plazo. Y hablando de alma, la de tu música. Lo hemos dicho, siempre ha estado alimentada por “dogmas” imprescindibles, sin estar en contraste con una búsqueda constante. ¿Nos hablas un poco de eso? La búsqueda constante va de la mano de la evolución, que es inevitable y necesaria, pero si no está arraigada en algo auténtico corre el riesgo de perder sentido o de llevarte a evolucionar en la dirección equivocada. Para mí, los “dogmas” son precisamente eso: un punto firme en el cambio continuo, una brújula que me guía mientras exploro nuevas direcciones.

Uno de mis dogmas principales es la autenticidad. Para mí significa elegir música que refleje de verdad lo que siento, sin perseguir modas o tendencias. Es un camino largo llegar a entender quiénes somos realmente y qué música nos representa. Además, todo está en constante cambio, así que inevitablemente habrá momentos de confusión. Momentos que yo siempre recibo con gratitud, porque sin crisis no hay evolución. Con el mercado y, peor aún, la sociedad tal como son hoy, a veces puede ser difícil mantener la inspiración. Sin embargo, pese a tu sensibilidad hacia estas cuestiones, pareces no perder el foco en lo que realmente importa. ¿De dónde sacas esa energía? Primero, de dentro. Siento un profundo sentido ético en todo lo que hago, y cada acción o decisión está acompañada por un sentimiento, una señal visceral que me indica si es correcta o incorrecta, si está alineada con una frecuencia elevada o no. Es algo imposible de ignorar y que juega un papel fundamental para mantener el foco. Al mismo tiempo, tengo la suerte de estar rodeada de personas que me inspiran, que me han ayudado a comprender muchas cosas y a tomar conciencia, y sobre todo personas que comparten mis mismos valores, con quienes puedo intercambiar, crecer y apoyarnos mutuamente para seguir fieles a lo que para nosotros es realmente importante.

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En estos más de veinte años de carrera, ¿hay algo que te habría gustado que siguiera igual que cuando empezaste a tocar? ¿Y algo que haya cambiado pero que no extrañas para nada? Si hablamos de la escena en general, hay muchas cosas que me habría gustado que permanecieran igual respecto a cuando empecé, pero me he esforzado en elegir tres: la ausencia de redes sociales, del sync button y la gran cantidad de clubs que existían. Las dos primeras han sido perjudiciales para lo que un DJ debería representar, para las habilidades necesarias y para el camino de crecimiento, que requiere tiempo para madurar lo imprescindible para llamarse DJ. La tercera tiene que ver con el declive del clubbing y es una de las cosas que más me entristece. En aquel entonces, finales de los 90 y principios de los 2000, en Italia se podía decir que levantabas una piedra y había una discoteca. Las opciones eran muchísimas, y lo bonito era que cada una tenía su propia personalidad musical. Por desgracia, hoy la situación es lo contrario: los clubs casi han desaparecido y los pocos que quedan luchan por sobrevivir. Vivimos en la era de los festivales, que pueden ser experiencias fantásticas, pero para mí nada se compara con la conexión que se crea en un club, con pocas luces y la cabina al mismo nivel que la gente.

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Lo que sí me alegra que haya cambiado es la manera de buscar música. En aquella época ni siquiera tenía un ordenador y solo podía comprar discos en la tienda local, donde la selección no era tan amplia. Ahora, con plataformas como Discogs, tenemos a disposición una biblioteca vastísima de música, accesible con un solo click, y eso ha sido un paso fundamental en la evolución del DJing. En cuanto a mi recorrido personal, no hay nada que desee que hubiera permanecido igual o que hubiera cambiado. Lo único, quizá, es aquella inocencia que tenía cuando empecé a tocar. Era más libre, menos estructurada, pero también más ingenua en mi propuesta. Ahora todo tiene que ser mucho más meticuloso en mis sets: el flow, la selección, el concepto que quiero expresar. Antes todo era más instintivo, aunque a veces confuso, mientras que hoy hay una mayor conciencia en cada elección, lo que implica un sentido más fuerte de responsabilidad y autocrítica. Ya que hablamos de esto, ¿qué le dirías a la Laurine de su primera gig en Barcelona, donde ni siquiera quería tocar? Siempre estarás nerviosa antes de tocar, así que acostúmbrate.

Ahora tú y Cecilio os habéis mudado, después de quince años, de Berlín a España. ¿De qué manera influye este cambio en vuestra música? La música, o por lo menos como la vivo yo, refleja una frecuencia personal y única que cada uno de nosotros lleva dentro. Cada vez que me he mudado (de Italia a Barcelona, luego a Londres y de allí a Berlín) ha sido porque algo en mí quería cambiar, quería avanzar, pero el lugar donde estaba no me lo permitía. Mudarnos a Málaga surgió por la misma necesidad: progresar. Obviamente, cuando uno evoluciona, produce un cambio interno importante, y esto, quieras o no, se refleja en la música. Es algo inconsciente, pero poco a poco te das cuenta de que te atraen otros tipos de sonidos y frecuencias, y que ciertas cosas que antes no resonaban ahora sí lo hacen. Esto me ha estimulado mucho, porque se abren nuevos terrenos por explorar y nuevos conceptos por proponer. La búsqueda constante de evolución en la música, aunque slow y nunca forzada, es lo que te ha movido desde los inicios de tu carrera. ¿La encuentras también en todos los demás aspectos de tu vida? ¿O hay cosas en las que te gusta detenerte? Absolutamente, en cada aspecto. Y paradójicamente, a veces hay que detenerse para avanzar. Si no nos detenemos, no podemos escucharnos ni entender cuál es el camino correcto que debemos tomar. Regálate un deseo para el futuro. Sé feliz, estate en paz y deja que todo lo demás fluya.

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Cómo hacer tu propio sello discográfico DIY

Montar un sello propio puede sonar una tarea sencilla: te abres un Bandcamp, subes un par de tracks y listo, ya eres label owner. Pero la realidad va bastante más allá. Un sello DIY que funcione no es un trámite administrativo ni un capricho impulsivo: es crear un mundo imaginario, una identidad sonora, un concepto artístico y un espacio para aportar a tu escena. Es dejar una impronta, construir algo que tenga sentido en tu comunidad y, a la vez, impulsar tu carrera y la de tus artistas. Cualquiera puede montar un sello desde cero, pero que ese sello siga vivo años después, que tenga coherencia y que, al mencionarlo en tu escena, la gente lo reconozca… ahí está la magia. Por eso, aquí tienes una serie de consejos que no te prometen el éxito —nadie puede hacerlo— pero sí la satisfacción personal, que al final es lo que sostiene cualquier proyecto cultural. El Nombre El nombre de tu sello es una de las decisiones más importantes. La música puede cambiar, tú puedes cambiar, tu catálogo puede expandirse hacia territorios inesperados… pero el nombre se queda. Es tu personalidad congelada.

Si le pones Dark Blood, ya estás marcando un territorio sonoro. Si le pones Housemasters, te estás comprometiendo con un género concreto. No necesitas que sea literal, pero sí que tenga sentido en relación a lo que creas.

Por eso, búscalo en lo más profundo: Cuando encuentres el nombre correc¿qué te define realmente?, ¿cuál es la to, lo vas a sentir. No hace falta forestética de tu universo musical?, ¿qué zarlo. valores quieres transmitir?,..

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El Formato

→ Distribuidora digital

Una vez tengas el nombre, toca decidir cómo vas a publicar tu música. Y aquí aparece la primera gran decisión: ¿digital, vinilo o ambos?

Si quieres que tu música aparezca en Spotify, Apple Music, Beatport, Deezer, Traxsource y demás plataformas, necesitas una distribuidora.

Digital

Hay varias distribuidoras populares como, por ejemplo: DistroKid, Label Engine, Repost Network, Symphonic, OneRPM, Altafonte (muy presente en España), Believe o Kuroneko Digital. Funcionan por porcentaje o cuota anual. Algunas te permiten usar Bandcamp por tu cuenta, otras lo integran.

Tienes varias opciones: Bandcamp, distribuidora digital o ambos. → Bandcamp Una de las plataformas clave del ecosistema underground. Aquí se mueven DJs, coleccionistas, melómanos y gente que busca música sin algoritmos ni intermediarios. Tiene diversas ventajas, entre ellas: el control total de tu catálogo, la mayor parte de los ingresos te llega directamente y, —como plus— te pagan rápido (48h) y el margen de beneficio es mayor, puedes construir una comunidad real y puedes experimentar con precios, “name your price”, descargas gratuitas, bundles, merchandising, etc. Pero ojo: Bandcamp no funciona solo. Hay que mover el primer EP como si fuera tu propio hijo: regalar códigos, compartir previas, conectarlo con medios y premiers,… Y aceptar que tus primeros compradores serán personas que probablemente nunca te vieron en Instagram.

Cada una trabaja distinto, por lo que hay diferentes modelos: • Servicio de distribución. • Tú gestionas la fabricación directamente pagando por tu cuenta, le envías los discos a la distribuidora que las vende a tienda y te paga por copia vendida. Tú cubres la fabricación completa y te quedas todas las ganancias. Control absoluto. Vinilo Aquí empieza el terreno más analógico, romántico y complejo. Tienes dos opciones: trabajar con una distribuidora de vinilo o con una fábrica directamente. → Distribuidoras de vinilo Si tu sonido encaja en la cultura del vinilo, puedes enviar tu música a distribuidoras especializadas. En España y Europa hay varias muy conectadas con la escena electrónica: Subwax Distribution (Barcelona), Outside In Distribution, Lírica Archives, Memoria Records, R.A.N.D MUZIK (fabrica) o Runas Distribution.

• P&D (Press & Distribution). Esto es oro si te lo ofrece. La distribuidora adelanta los costes de la fabricación completa, gestiona el planchado de discos con la fábrica, lo distribuyen y —una vez recuperen el adelanto o préstamo—, pueden darte un porcentaje de las ventas o un precio por copia vendida. Pero incluso con un P&D, tu trabajo no desaparece: tú sigues encargándote del mastering, del artwork, del concepto, del contacto con artistas… básicamente de todo lo creativo. • P&D hibrido. Sería como el anterior pero los gastos de fabricación no son adelantados al 100%. Ambas partes ponen dinero para fabricar el disco y luego dividen ganancias.

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→ Fabricar y distribuir por tu cuenta Si quieres control total —y también mucho más trabajo— puedes ir directo a fábrica. Al no pasar por el distribuidor, los márgenes de beneficio suben, pero nombre vender más y la gran no teElgarantiza mayoría de tiendas prefieren trabajar El nombre de tu sello es una de las decon cisiones distribuidoras porque más importantes.pueden La música comprar discos de varios sellos. De esta tu puede cambiar, tú puedes cambiar, manera, abaratan los gastos de envío. catálogo puede expandirse hacia territorios inesperados… pero el nombre Algunas fábricas de vinilo son: Mad VR se queda. Es tu personalidad conge(Madrid), Record Industry (Holanda), lada.Tongue (Italia), Phonopress Mother (Italia), (Francia),enVinyl De profundo: Paris PorMPO eso, búscalo lo más (Francia), Optimal (Alemania), R.A.N.D. ¿qué te define realmente?, ¿cuál es la Muzikestética (Alemania), (Polonia),¿qué de tu Kuroneko universo musical?, Pressvalores Play (España), (España), quieres Krakatoa transmitir?,… Intakt (Alemania), Objects (Alemania) o Disker Si le(España). pones Dark Blood, ya estás marcando un territorio sonoro. Si le pones Identidad Housemasters, te estás compromeun género concreto. Aquí tiendo ya noscon tiramos de cabeza a No un necesitas que sea literal, pero sí que lago lleno de posibilidades. La identidadtensentido ensolo relación a lo queescreas. de tuga sello no es el artwork: el

sonido, el concepto detrás de cada Cuando encuentres el nombre correcrelease, el tipo de artistas que fichas, to, lo vas a sentir. No hace falta forzarcómolo.hablas hacia afuera, la estética visual,… El formato No copies, pero inspírate. Mira sellos que te gusten. Piensa: ¿qué tienen en Una vez tengas el nombre, toca decidir común? ¿Qué sentir su música cómo vaste a hace publicar tu música. Y aquí y su diseño?. aparece la primera gran decisión: ¿digital, vinilo o ambos? Digital Consejo fundamental: trabaja con un diseñador quevarias entienda tu universo. Y sí, Tienes opciones: Bandcamp, puedes usar IA como apoyo o boceto, distribuidora digital o ambos. pero hacer el arte entero con IA mata cualquier personalidad. A largo plazo, se nota. Mucho.

Promoción → Bandcamp Vale, ya tienes nombre, formato, Una de las plataformas clave del ecoidentidad y la música lista. Ahora… sistema underground. Aquí se mueven ¿cómo lo haces llegar al mundo? Hay DJs, coleccionistas, melómanos y gendiferentes maneras, te las explico a te que busca música sin algoritmos ni continuación. intermediarios. · Premieres/reviews Tiene diversas ventajas, entre ellas: el control total de tu catálogo, la mayor Busca canales que representen parte de los ingresos te llega directu sonido y escríbeles mensajes tamente y, —como plus— te pagan personalizados. No “hola, bro, aquí mi rápido el margen beneficio EP”, sino(48h) quiényeres, cuál esde tu concepto mayor, puedes una yes por qué ese trackconstruir encaja en sucomucanal. nidad real y puedes experimentar Link de SoundCloud privado. con Sin precios, “name your price”, descargas descarga. Siempre. gratuitas, bundles, merchandising, etc. · Plataformas principales Pero ojo: Bandcamp no funciona solo. Hay en quedía, mover el primer EPexistir como es si Hoy tu tríada para fuera tu SoundCloud propio hijo: regalar códigos, YouTube, e Instagram. Si compartir previas, con mela música es buenaconectarlo y hay un concepto dios y varios premiers,… Y aceptar tus detrás, canales te van aque querer primeros compradores serán personas publicar. que probablemente nunca te vieron en · Instagram. Enviar promos a DJs No lo hagas al tuntún. → Distribuidora digitalEsa época murió. Piensa: ¿este DJ realmente pincha este Si quieres que tu música aparezca en tipo de música?, ¿en qué momento Spotify, Apple ¿encaja Music, Beatport, Deezer, podría sonar?, en su identidad Traxsource y demás plataformas, artística?,… Cada track tiene su neDJ cesitas una distribuidora. ideal. Encontrarlo es clave para que un EP se mueva. Hay varias distribuidoras populares como, pordía… ejemplo: DistroKid, Label Al final del Engine, Repost Network, Symphonic, Montar un sello DIY no(muy es solo sacar OneRPM, Altafonte presente música: es construir cultura, un en España), Believe ouna Kuroneko Digiespacio, una familia creativa.o cuota Lleva tal. Funcionan por porcentaje trabajo, constancia y cabeza, pero anual. Algunas te permiten usar Bantambién satisfacción, comunidad y dcamp por tu cuenta, otras lo integran. momentos que no se compran. Si al final del camino no te haces rico, pero miras tu catálogo y piensas “esto soy yo”… ya está. Has ganado.

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AUTO R A PATR I C I A PA R E JA CASA L Í

C RÉ D ITO S FOTO G R A F Í A : CA R LOS P EG O

“La parte humana es tan importante como la musical” Este mes de diciembre en Mixmag Spain celebramos el cierre de un año extraordinario con una protagonista a la altura: Esther Bronchal. Una artista que ha convertido 2025 en un punto de inflexión absoluto en su carrera, marcado por una gira que la ha llevado por Asia —desde Phuket hasta Shanghai, Hong Kong o Bali— y que no solo ha ampliado su horizonte musical, sino que también le ha revelado nuevas facetas de sí misma. A ello se suma su paso por Latinoamérica y el Caribe, donde ha conectado con un público muy entregado que le ha dado una energía difícil de olvidar. En este año decisivo, también ha pinchado en eventos tan relevantes como elrow y debutado en otros como Brunch Electronik, y ha comenzado a moldear un sonido cada vez más sólido, elegante y maduro, sin renunciar a esos guiños old-school que forman parte de su ADN. Pero más allá de los logros profesionales, Esther habla con honestidad sobre cómo gestiona la soledad del artista, la importancia de la salud mental, la forma en la que su lado humano sostiene su carrera y hasta el papel que la moda urbana juega en su identidad. Para celebrar su portada —y un 2025 lleno de crecimiento, aprendizaje y sueños cumplidos— nos sentamos con ella para repasar todo lo vivido y mirar hacia un 2026 que promete venir cargado de nuevos retos, nuevos sonidos y nuevas metas por conquistar.

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“en Asia...la gente vive la música de forma muy emocional. No hacen ruido porque sí. Reaccionan cuando sienten algo” Este 2025 ha sido un gran año para ti. Vienes de una gira por Asia pasando por Phuket, Shanghai, Hong Kong, Tailandia y Bali. ¿Qué te llevas de esa experiencia y qué descubriste de ti misma pinchando tan lejos de casa? Asia es de los continentes más ricos a nivel cultural que he visto nunca. Cada país es muy distinto y especial. He vivido experiencias muy diferentes en cada uno de ellos, pero todas me han hecho conectar con una parte de mí. Creo que, como artista, es necesario salir de tu zona de confort y adaptarte a otras culturas y formas de vida para inspirarte y retarte a crecer constantemente. Considero que ha sido un tour muy enriquecedor, me ha hecho evolucionar como artista y como persona. El público asiático tiene sus propias dinámicas y energía. ¿Hubo algún momento o conexión especial en alguno de esos shows que te marcara? Totalmente. Lo que más me sorprendió es que, en Asia, la gente vive la música de forma muy emocional. No hacen ruido porque sí. Reaccionan cuando sienten algo. En Shanghai, el público era muy diverso y quise que mi set se adaptara a todos ellos. Así que cambié el ritmo en varias ocasiones y me encantó la reacción. Seguían el camino del set a la perfección y se dejaban llevar por cada ritmo de una forma muy natural.

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A lo largo del año también has pinchado en el Caribe, concretamente en Punta Cana, y en Latinoamérica, en países como Colombia, Argentina y Chile. ¿Cómo describirías la energía de estos territorios desde la cabina? ¿Qué diferencia encuentras en la forma en la que sienten y viven la música allí? La energía en estos territorios es tremendamente cálida y auténtica. La gente es expresiva, cercana y participa contigo en cada momento del set. Eso crea una atmósfera muy especial desde la cabina, como si todos estuviéramos construyendo el show juntos. Este año también has pinchado en grandes eventos como elrow y has debutado en Brunch Electronik Festival, abriendo el escenario Groovik. ¿Qué han significado para ti estos hitos dentro de tu carrera y cómo has vivido la presión (y la emoción) de esos momentos? Tocar en elrow siempre es emocionante. Desde el primer momento he tenido una conexión muy especial con el equipo humano y el público de esta gran marca. Siempre hacen que me sienta como en casa. Por otro lado, haber tocado por primera vez en Brunch Electronik ha sido muy gratificante. Abrir un evento de tal calibre y compartir line up con artistas a los que admiro ha sido, sin duda, una experiencia muy enriquecedora para mí en todos los aspectos.

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Además de pinchar en estos dos grandes eventos, ¿hay algún otro del que me quieras hablar que te ha marcado especialmente? O, por otra parte, ¿alguno en un futuro cercano que estés deseando que llegue? Sé que el día de Navidad tienes algo especial… ¡Sí! Estoy muy emocionada con la fecha de este 25 de Diciembre junto a Paco Osuna y Melanie Ribbe en Ku Barcelona. La gente que me sigue sabe cuánto admiro a Paco, y compartir line up con ellos dos en el evento de SIGHT me hace especial ilusión. En cuanto a otros eventos, me cuesta mucho escoger uno. Este año ha sido tan bueno… y estoy muy agradecida con todos, tanto con las promotoras grandes como con las pequeñas, porque para una promotora pequeña, contratar a un artista también es mucha responsabilidad y saben cuánto se juegan. Por ello, agradezco mucho que cuenten conmigo tanto las grandes como las pequeñas, en clubs o festivales con más aforo o menos,… En todos los eventos disfruto porque, al final, cada lugar sacar algo distinto de mí. Cuando tengo que hacer un warm up, descubro una parte de mí, y cuando hago de headliner, descubro otra. Por lo tanto, es muy difícil quedarme o escoger solo uno. Entrar en la agencia ConceptOne Agency y Analog ha supuesto un gran paso en tu carrera. ¿Qué ha cambiado desde entonces en tu enfoque, en tus oportunidades y en tu forma de verte como artista? Ha sido un punto de inflexión total en mi carrera. Más que un cambio de rumbo, ha sido una especie de aceleración. Me ha obligado a tomarme a mí misma más en serio, a confiar en mi proyecto y a entender que tengo un equipo que apuesta por mí y me impulsa a crecer. Estoy desarrollando mi sonido con más intención, cuidando la narrativa detrás de cada sesión y construyendo una identidad artística más sólida. Todo esto ha hecho que a día de hoy pueda formar

parte de eventos y shows más relevantes y alineados con mi visión artística. Tu manera de ser —una persona natural, cercana y que transmite alegría constantemente— hace que generes vínculos muy auténticos allá donde vas, ya sea con promotores, otros artistas o con el público. ¿Sientes que esa parte humana es tan importante como la musical en tu carrera? ¿Cómo cuidas y cultivas esas relaciones mientras viajas por el mundo? Para mí, la parte humana es tan importante como la musical, porque todo esto va de energía y de cómo la compartimos. Al fin y al cabo este trabajo es un modo de vida y nos relacionamos tal cual somos. Para mi es gratificante poder conocer personas de otras partes del mundo, su cultura, su forma de ver y entender la vida. Todo esto me hace crecer e inspirarme como persona y artista al mismo tiempo. Tu sonido fusiona Tech House, House y guiños old-school con influencias de hip-hop y un groove muy personal. Con el paso del tiempo y tu crecimiento como artista, ¿sientes que tu música ha evolucionado? ¿En qué dirección dirías que se está transformando tu sonido ahora?

Este año también has hecho grandes avances en producción, con un sonido cada vez más personal. ¿En qué estás trabajando ahora mismo y hacia dónde te gustaría llevar tu música en los próximos meses? Estoy trabajando en un sonido mucho más elegante y con propósito que refleja la etapa en la que estoy. Sigo manteniendo el groove y esos guiños a mis raíces, pero lo estoy llevando a algo más sólido, fresco y definido. Los lanzamientos del próximo año van a ser muy distintos a los anteriores —en cuanto a la esencia y dirección de los sonidos—, pero mismo género musical. Has actuado ya en clubes y festivales de referencia en España y en medio mundo. ¿Hay algún destino, festival o cabina que tengas en tu lista de sueños para un futuro cercano? Muchos. Como artista, es imposible no tener sueños y ambiciones. Hay tantos clubs y festivales en el mundo en los que me encantaría tocar que es imposible mencionarlos todos. Estoy muy agradecida y feliz por haber tocado ya en muchos lugares con los que antes solo podía soñar, y espero y deseo que en un futuro se cumplan muchos sueños más.

Sí. siento que mi sonido ha evolucionado muchísimo, al igual que yo como persona y como artista. Sigo manteniendo mis toques old-school porque es la música con la que he crecido y soy fiel a mi esencia pero, al mismo tiempo, mi sonido está madurando. Siento que va en una dirección mucho más seria y enfocada a un tipo de eventos más profesionales.

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Tu estilo suele ir muy ligado a la moda urbana: zapatillas, prendas oversize y un toque muy street que ya forma parte de tu identidad. ¿Qué papel juega la moda en tu día a día como artista? ¿Sientes que tu forma de vestir también cuenta algo de tu personalidad y de la energía que llevas a la cabina? Para mí, la moda es otra forma de expresarme y de crear comunidad. Mi estilo no es algo pensado, sino una extensión natural de mi personalidad. Siento que, mostrándome tal como soy, permito que la gente conecte tanto con mi sonido como con mi manera de ser. Y esto genera un vínculo real, una sensación de pertenencia. Esa energía es la que llevo a la cabina y la que quiero seguir compartiendo con mi público.

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La salud mental en la industria es un tema cada vez más visible. ¿Cómo vives tú la “soledad del artista” cuando estás de gira? ¿Qué haces para mantenerte emocionalmente bien entre aeropuerto, hotel, cabina y vuelta a empezar? A pesar de ser una persona muy sociable y hogareña llevo bastante bien los momentos de soledad. Los tomo como una forma de descanso social y conexión conmigo misma. En estos ratos suelo reflexionar sobre como fue mi show, hacer una lectura de mí misma y de mi música y así poder seguir trabajando conectada conmigo. Los contrastes de energía entre el “momento adrenalina” del show y el “momento soledad” son heavys. Por eso, creo que cuidar nuestra salud mental y nuestra energía es muy importante para mantenernos en este modo de vida. Cuando no estás produciendo o de gira, ¿qué hobbies o actividades forman parte de tu vida? ¿Qué cosas te gusta hacer o te ayudan a desconectar más allá de la música? Lo que más me ayuda a desconectar es la cocina. Me encanta recrear recetas que veo por internet y hacer platos típicos de nuestra tierra inspirados en las recetas de mi abuela.

¿Cómo es Esther Bronchal en un día normal cuando no está de gira? ¿Qué no ve la gente en redes o en las cabinas, pero forma parte esencial de quién eres? Soy una persona muy tranquila y normal. Mi día a día es bastante chill. Cuando no estoy en el estudio, aprovecho para dar paseos por la playa, cocinar, leer, hacer algo de ejercicio y estar con mi familia. Es una forma de equilibrar el ajetreo del fin de semana. Para cerrar, no quiero dejar pasar la oportunidad de decirte que es un honor para nosotros dedicarte nuestra portada de diciembre de Mixmag Spain, cerrando un año tan maravilloso y cargado de metas cumplidas para ti. Si miras atrás, ¿qué te emociona más de todo lo vivido en 2025 y qué le dirías a la Esther que empezó a soñar con dedicarse a esto? Y, por otra parte, ¿cómo se plantea este próximo 2026? Muchísimas gracias. El placer es mio. Ha sido un año increíble en todos los aspectos. He crecido como artista y también como persona. Me siento muy agradecida por todo lo que me da la música, por permitirme vivir todo esto. Si pudiera contárselo a la Esther del pasado, no se lo creería. Han sido muchos años soñando, luchando y confiando. Muchas horas de estudio, de aprendizaje y esfuerzo. El camino es gratificante, pero conlleva mucha frustración en algunos momentos. Sin embargo, la pasión por la música es mayor. El próximo año lo afronto con la misma ilusión, ganas de seguir creciendo como hasta ahora e impaciente por vivir todo lo que me espera este 2026. Muchas gracias por tu tiempo, Esther. Todo el equipo de Mixmag Spain te desea lo mejor en tu carrera musical.

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CHOROPHOBIA significa miedo a bailar Weval llega a Barcelona en plena transición. Después de años afinando cada detalle en el estudio y escribiendo discos casi desde la introspección, el dúo ha decidido trabajar desde otro punto: más ritmo, más decisión y menos pudor a la hora de enseñar su cara más directa. ‘CHOROPHOBIA’ nace justo en ese espacio, en ese impulso de moverse sin filtro y de asumir que la inmediatez también puede ser un motor creativo. Harm Coolen y Merijn Scholte Albers llevan más de una década publicando música asiduamente, siempre cuidadosamente abiertos a influencias aun. Esta vez, el proceso fue distinto: decisiones tomadas con menos vueltas, ideas que se quedan tal cual salieron y un criterio muy claro para avanzar. Si un tema les hacía bailar —aunque ellos mismos digan que bailan fatal—, era suficiente. Ese enfoque más físico, casi instintivo, marca el álbum entero. No hay géneros definidos ni una dirección única, lo que hay es la voluntad de hacer un disco que funcione tanto en un club como en una fiesta pequeña. Esa misma lógica está en su directo, donde conviven quienes bailan sin parar y quienes se quedan hipnotizados mirando sus sintes. Para Weval, ambas cosas son válidas: lo importante es que la sala esté conectada. A días de su concierto en Barcelona, hablamos con el dúo sobre este cambio de ritmo, los temas que tuvieron que borrar para mantener el disco centrado en la pista, la importancia de los deadlines, los placeres pop que antes escondían, el estado actual del público y el tipo de energía que buscan cuando presentan este álbum en vivo.

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CHOROPHOBIA’ se siente como el intento de una persona super introvertida por acceder a su lado más extrovertido. Si pensáis en el disco como una especie de auto-terapia, ¿cuál fue el “ejercicio” más incómodo mientras lo hacíais? Nombrarlo directamente como un disco de baile. Decirnos: este disco no va a tener ambient ni temas downtempo (y nos encantan esos tracks). Teníamos algunos muy buenos, pero tuvimos que eliminarlos porque queríamos que todo estuviera centrado en el baile. Matar tus propias joyitas siempre es incómodo. Habéis dicho en algunas entrevistas que solíais “juzgaros” si un tema sonaba demasiado directo o demasiado pop. ¿Cuándo dejó de tener credibilidad ese juez interno en el estudio? Después de hacer ‘DOPAMINE’, sobre todo al tocarla por primera vez en un club. En Weval siempre ha habido una tensión interesante entre ser productores muy detallistas y ahora tomar decisiones más rápidas y espontáneas. ¿Cómo evitáis volver al túnel de tres años por álbum como pasó con ‘Remember’? La respuesta es sencilla: deadlines. Deadlines estrictos. Y aceptar que lo que hagas no va a ser perfecto. Pero puede ser muy bueno igualmente. Descubrimos que muchas de nuestras mejores ideas son temas hechos rápido (como Gimme Some, por ejemplo).

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En ‘CHOROPHOBIA’ os abrís más a la música de baile, pero seguís evitando etiquetas cerradas. ¿En qué momento decidís que un tema ya es “suficientemente dance”? Siendo malos bailarines —y eso es quedarse cortos—, si a nosotros nos dan ganas de bailar, al resto también. Si algo nos hace movernos en el estudio, ya es suficiente. Y puede ser cualquier cosa: pop, disco, R&B, drum & bass, minimal techno… lo que sea. Decís que ya no creéis en los “placeres culpables”. ¿Recordáis un tema que escondíais de adolescentes y que ahora ponéis sin problema? Michael McDonald – ‘I Keep Forgettin’. Pero lo mejor son todos los temas de Nelly Furtado con Timbaland. All Good Things, por ejemplo. Cuando miráis al público hoy, ¿qué creéis que ha cambiado de verdad: la forma de moverse, la forma de escuchar o la forma de grabarlo todo con el móvil? La forma de moverse. Y como ahora se mueve más gente, hay menos móviles en el aire. Barcelona puede ser muy emocional pero también muy cerebral, sobre todo en directos electrónicos. Cuando pensáis en tocar aquí, ¿qué reacción os dice que el show está funcionando? Si la gente deja de estar en la cabeza y empieza a bailar, funciona. Pero todo está bien, sinceramente: nosotros también escuchamos música de baile sin bailar. Si el público está concentrado, funciona igual. Me encanta ver a alguien mirando nuestros sintes totalmente hipnotizado sin moverse, justo al lado de alguien bailando a saco.

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Si pudierais diseñar el momento perfecto de pista donde el disco tiene todo el sentido —hora, tamaño de la sala, número de personas, nivel de sobriedad—, ¿cómo sería? Justo antes de medianoche, 140 personas en una fiesta pequeña, máquina de humo y una bola de discoteca barata. Algún estrobo después. Unos un poco piripis, otros totalmente sobrios, pero todos con ganas de moverse. Esa era la imagen que teníamos en mente. Pero también funcionó con 9.000 personas. Se puede escalar el concepto. Colaborasteis con Nsanshi y KILIMANJARO. ¿Qué cambió en la dinámica del estudio al incorporar a una tercera persona? Menos hablar y más hacer. Tenían una energía increíble. Pusimos dos micros, lanzamos los instrumentales y se volvieron locos encima de ellos.

¿Hay alguna cadena de procesado “fea” o técnicamente incorrecta que hayáis dejado en el disco precisamente porque sonaba imperfecta y humana? Creo que destruimos por completo el master de Dopamine. Está lleno de limitadores, pero si los quitábamos la mezcla dejaba de funcionar y perdía el groove. Se nota cómo se aplasta el bombo, pero funciona. Y no solo en sistemas grandes, también en pequeños. Vuestra base cinematográfica sigue ahí —la pista titular tiene energía de horror setentero / serie B. Si el disco fuera una película proyectada en un pase de medianoche, ¿qué tipo de filme sería y qué escena sonaría en los créditos? Uno de nosotros hizo un largometraje el año pasado llamado After School, y fue un éxito en Países Bajos. Va sobre un profesor muy rígido que necesita soltarse, y acaba en una fiesta del colegio volviéndose loco —para bien—. Creo que algunos temas de CHOROPHOBIA encajarían perfectamente en esas escenas.

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Output x Loud-Contact AUTO R BO RJA C O M I N O

Diez horas de música con Richie Hawtin y Héctor Oaks como protagonistas del día de Año Nuevo en Diverbosc Este próximo día de Año Nuevo, Output y Loud-Contact celebran el inicio del año con diez horas de música electrónica al aire libre en Diverbosc, de 10:00 a 20:00. El evento se estructura en dos espacios diferenciados —Forest Stage y Club Stage— y plantea una jornada continua fuera del esquema habitual de club nocturno, adaptada a un entorno natural. El Forest Stage concentra los nombres de mayor visibilidad del cartel y articula el eje principal de la jornada. Richie Hawtin y Héctor Oaks encabezan este escenario, acompañados por Gabbs, LAIA, Álex (ES) y HITCH, en una programación diseñada para desarrollarse de forma progresiva a lo largo del día. El Club Stage ofrece un recorrido más centrado en sesiones prolongadas y transiciones continuas, con Francesco Del Garda, Onur Özer, Lumiere y Test13. Este espacio funciona en paralelo como contrapunto al escenario principal, con un enfoque más sostenido y menos fragmentado. Esta primera fiesta del 2026 es el primer cruce directo entre Output y Loud-Contact bajo este formato. Fundada en 2011 por Alessio Teora, Loud-Contact ha desarrollado una actividad continuada en Barcelona a través de residencias y eventos en espacios como Poble Espanyol, Parc del Fòrum, INPUT o Les Enfants Brillants. Output, por su parte, nace como la propuesta outdoor vinculada a INPUT, club activo en Barcelona desde 2016 en el Poble Espanyol, y forma parte del mismo ecosistema que Les Enfants Brillants, inaugurado en 2022 en el centro de la ciudad y reconocido por su sistema L-Acoustics y una programación conectada con sellos y escenas internacionales. El formato se articula como una jornada continua desde la mañana hasta el anochecer y se desarrollará íntegramente en Diverbosc. Gracias a esta programación ininterrumpida se trata de un formato especialmente atractivo que permite sets extensos y transiciones menos fragmentadas, adaptadas a la progresión natural de la jornada y al cambio de luz en el entorno.

Las entradas se pueden comprar a través de Resident Advisor.

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ruiz osc1

ruiz osc1 AUTO R J UA N M A M O L I N A

Autenticidad y personalidad en una escena de club cada vez más exigente RUIZ OSC1 ha hecho de la electrónica un espacio de descubrimiento constante: desde sus primeros ensayos en casa hasta las giras que hoy la llevan por clubes de referencia en medio mundo. Su sonido, cada vez más reconocible, nace de una mezcla de disciplina, curiosidad y una capacidad innata para construir tensión en la pista. En esta entrevista, la artista repasa los aprendizajes que marcaron su evolución, el papel que juega España en su identidad, la presión de mantener una voz propia en un circuito exigente y los nuevos caminos que está trazando para su próximo capítulo creativo. ¿Recuerdas el momento —o el sonido— que te hizo entender que la electrónica era tu camino? Recuerdo que, alrededor de 2004, dormía en la misma habitación con mi hermano y nos poníamos a escuchar metal y house. Hacíamos mímica como si fuéramos una banda o DJs de verdad. Cinco años después, me vine a vivir a Italia y terminé siendo la speaker y animadora de una fiesta de chupitos a 1 euro en un bar chiquito de Rapallo, donde obviamente sonaba música electrónica. Después, me dejaron poner música y ahí empezó todo: me entraron ganas de meterme más en las técnicas de mezcla y en la producción.

Cuando miras tus primeros sets o producciones, ¿qué descubrimientos o errores valoras más como parte de tu evolución? Bueno, hablando de mis sets, puedo decir que antes le tenía algo de miedo a tocar un vinilo mientras estaba pinchando. Y creo que eso es un error, porque lo mejor es tener seguridad mezclando y animarse. Al final, tú eres quien lleva el control. Y en cuanto a la producción... cuando ponía un bajo y un kick y se montaban uno encima del otro y sonaban horrible, yo no tenía ni idea de que el sidechain era, básicamente, la solución para que todo quedara mucho mejor.

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¿Hubo algún referente, escena o club que marcara tu interés por la música electrónica? Quiero hablar de alguien que ha producido muchísima música durante años y que todavía sigue haciéndolo, y eso es realmente admirable. Una de las cosas más bonitas de él es que le encanta interactuar y compartir su conocimiento con las nuevas generaciones de DJs y productores. Incluso hicimos un B2B en Berlín y todo fluyó súper bien; fue muy divertido. Techno del bueno 100%. ¡Cisco Ferreira, te quiero mucho! Y, por supuesto, clubes donde siempre soñé estar, como el Basement de Nueva York, Bassiani en Tbilisi y VENT en Tokio. Ya puedo morir en santa paz. ¿Qué opinas del rumbo actual de la música electrónica? Creo que está bien evolucionar y aprovechar la tecnología y todos los recursos que tenemos hoy. El problema es que mucha gente tiene prisa por hacerse famosa y presumir de cómo toca o produce, pero sin entregar algo de calidad o, mejor aún, algo que realmente sea único. Y claro, hay promotores que ven negocio en eso.

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Pero volviendo a los DJs: muchos no tienen ganas de mejorar y se quedan en la mediocridad. Yo siento que todos tenemos una misión en este mundo... pero para muchos, definitivamente, no es ser DJ. Dentro de todo esto, también hay gente que lo está haciendo súper bien, y eso me hace feliz. ¿Cómo gestionas la presión de mantener una identidad sólida en un entorno que cambia tan rápido? En realidad no me esfuerzo demasiado. Decidí no estresarme por eso para mantener una salud mental estable. Lo único que realmente define mi identidad es mi música, así que le dedico todo mi tiempo a la producción. ¿Qué papel ha jugado España en tu identidad artística tanto a nivel emocional como profesional? España, culturalmente, es como mi segundo hogar por muchas razones: el idioma, la calidad de la gente, el hecho de que cada vez que voy a pinchar termino sí o sí comiendo en un restaurante de comida española, y porque tengo muchos amigos colombianos y de otros países de Latinoamérica que viven allá.

Pero, en cuanto a lo profesional, sí me gustaría tener un poco más de espacio en España. ¿Cómo percibes la conexión del público español con tu propuesta? ¿Qué diferencia notas respecto a otros países? Si voy a tocar en España, ya sé desde el principio que voy a estar rodeada de gente increíble. Y cuando estás en buena compañía, todo fluye: te sale un buen set, te tomas la botella de tequila con todos y terminas recibiendo un montón de cariño en español, del sincero. Y claro, al final te vas a dormir súper tarde. ¿Cómo equilibras la vida personal con un ritmo de viajes tan exigente? Por suerte, tengo a mi lado gente muy madura que lo entiende. De hecho, en el amor, tener que viajar y estar lejos hace que, cuando vuelves, sientas que ves a las personas como si hubiera pasado muchísimo tiempo. Las extrañas, y ese sentimiento es súper bonito.

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¿Qué se aprende cuando recorres tantos países en solitario? Bueno, la pregunta en sí lo dice: aprendes a estar solo, una cualidad que no todos los seres humanos poseen. También aprendes a ser paciente y a saber esperar, sobre todo en aeropuertos con retrasos o viajes muy largos. Ya no miras el reloj con impaciencia, porque si tu avión está retrasado, de todas maneras necesitas ese avión y lo tendrás que esperar sí o sí. Te miras un Netflix. Tu música tiene un estilo muy reconocible: ¿qué elementos sientes que definen mejor tu universo sonoro? No sabría cómo explicarlo, pero un día mi amigo SHDW me dijo: “si yo escucho un track tuyo sin saber que lo hiciste tú, yo digo que ese track es de RUIZ OSC1”. ¿Hay alguna idea, emoción o conflicto personal que esté guiando tu música en esta etapa? He tenido una pausa en la producción para no hacer toda la música igual. Por esto estoy escuchando mucha música (no techno) para poder preparar un nuevo EP, y también porque estoy cambiando de casa, con trabajos de remodelación, y tenía todas las herramientas para hacer música en cajas.

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¿Cómo abordas la construcción de tensión y narrativa en tus sets?

¿Hay colaboraciones soñadas o nuevos caminos estilísticos que te gustaría explorar?

Todo empieza por encontrar las pistas correctas. Tengo una carpeta que llamo ‘Highlights’, y para un set que arranca con techno más hipnótico y va subiendo poco a poco hacia hardgroove, esa carpeta es clave. Ahí tengo pistas ambientales, algunas con voces, otras con folclor colombiano,… y suelo repartir al menos cinco de ellas durante el set.

Me gustaría sacar mi live set, pero tiene que ser algo con algunos años de elaboración. Un live set en el que tenga recursos para durar más de una hora. Estoy pensando en algo muy sólido.

Cuando faltan unos 15 minutos para que termine, meto una pista más melódica, a veces un poco melancólica, que da la sensación de que vamos cuesta abajo. Es muy importante tener tus carpetas de intros y outros. ¿Qué herramientas o hábitos de estudio se han vuelto imprescindibles para ti? Para mí, la producción es un momento demasiado íntimo; creo que no podría producir con otras personas presentes en el estudio. Es simplemente una cuestión de concentración. Y no puede faltar un poco de THC, para ir más allá.

¿Qué proyectos, lanzamientos o próximas fechas puedes contarnos? Quería hacer un paréntesis para contar que hace pocos días arrancó mi residencia con un fiestón en París llamado GRÜV, y no pude sentirme más identificada y querida. En febrero y marzo voy por primera vez a Detroit y a Chicago, y desde ahí se extenderá mi tour por las Américas. Además, vienen otros showcases de sellos europeos y, obviamente, releases, que nunca faltan. Todo esto lo logramos junto a Margaux, mi agente y con quien comparto un flujo de trabajo constante. Ah, y por supuesto, felicitaciones por su nuevo proyecto OVERTONE Artists. Muchas gracias por la invitación, ¡nos vemos en el club.

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javier carballo

C Ó M O PRO DU ZC O

JAVI E R CA RBA L LO En el estudio En los últimos años, he transformado de manera notable mi enfoque de producción musical. El primer cambio importante fue la transición de Logic Audio —mi plataforma durante más de una década— hacia Ableton Live. Este paso se dio, principalmente, por la necesidad de agilizar el flujo creativo: procesos que en Logic requerían cerca de una hora, en Ableton podían resolverse en cuestión de minutos. Posteriormente, me sumergí en una etapa de trabajo centrada exclusivamente en hardware, utilizando el DAW únicamente como herramienta de grabación. Tras consolidar un método cómodo y eficiente, comencé a integrar de nuevo ambos mundos para obtener un equilibrio óptimo entre tactilidad y flexibilidad digital. Proyectos En los últimos años decidí trabajar bajo diferentes alias con el objetivo de ampliar mi libertad creativa y alejarme de las expectativas asociadas a mi nombre, especialmente después de tantos años vinculado a un estilo muy particular dentro de la escena española —un sonido del que fuimos pioneros Hanfry Martinez, Julián Perez y yo mismo. Esta estrategia me permitió explorar nuevos territorios sin el peso del juicio externo. Así, durante mi primera estancia en Berlín, nació TERMS, un proyecto orientado al Dub Techno, Electro y Ambient, concebido desde la madurez, sin pretensiones y con la libertad creativa como eje central. Más tarde, en mi segunda etapa en Berlín y en pleno periodo pandémico, surgió Look Perry, un alias enfocado a la música de baile sin etiquetas e influenciado por el trance, el progressive

house y el house de los años 90. Este proyecto representa un homenaje a una década que marcó profundamente mi trayectoria. También desarrollé HDZ junto a mi primo Aniano, un espacio colaborativo caracterizado por la experimentación abierta: desde minimal hasta electro, pasando por EBM y paisajes downtempo. El disco: Look Perry – Progreso Inadecuado (Duckit 006) El EP fue producido en dos estudios diferentes. El track principal, ‘Progreso Inadecuado’, fue concebido en mi estudio en Gran Canaria, un espacio reducido pero cálido situado en casa de mis padres. Compuesto en 2022, este tema busca representar un sonido progresivo con tintes de UK tech-house. El proceso destacó por el trabajo armónico con pads y chords, generando atmósferas envolventes complementadas por líneas de bajo con el groove característico de mi sonido. Para su creación utilicé una Korg EMX-1 para las bases rítmicas, un Behringer Deepmind y una Elektron Model para melodías y texturas, y un módulo Mooer Ocean Machine para efectos, aportando profundidad mediante reverbs, delays y modulaciones. Los otros dos temas se produjeron en Barcelona, en un estudio que compvartí con otros productores antes de establecer mi propio espacio de trabajo. Allí pude utilizar equipamiento que nunca antes había usado, como el secuenciador Sequentix Cirklon, el Roland SH-101y la Roland 909 entre otros instrumentos. ’Funky Mondays‘ nació con la intención de crear un sonido contundente y depurado, en un punto intermedio entre electro, techno y tech-house. La línea

de bajo se desarrolló con el SH-101 y los leads con un Nord Lead 2, cada uno procesado mediante un Eventide H3000 Harmonizer, pedales de drive y reverbs, lo que aportó un carácter distorsionado pero controlado. La voz procesada con vocoder añade el matiz irreverente que define el track. El último corte, ‘Sintonnia Adversa’, se desarrolló a partir de improvisaciones con el secuenciador Seqund de Alex Kid, explorando sonidos del MicroKorg y el Korg Minilogue. La melodía inicial resultaba intrigante pero no del todo amable, lo que inspiró el nombre del tema. La línea de bajo, sencilla pero robusta, se creó con el plugin Minimoog, aportando calidez y presencia. El resto de elementos se construyeron con instrumentos nativos de Universal Audio como Opal Morphing y Oval, complementados con efectos externos como el H3000 y pedales Mooer. Proceso creativo Aunque no sigo un método fijo, sí identifico ciertos estados que potencian al máximo mi productividad creativa. Reconozco con facilidad cuándo mi cuerpo y mi mente me impulsan hacia el estudio, es como una urgencia por expresar ideas que yo denomino “chorrera creativa”. Durante estos periodos suelo trabajar de manera intensiva, grabando y editando material a diario, llegando incluso a desarrollar un track por jornada, sin espacio para la reflexión racional. Una vez finaliza esa fase — casi trance— creativa, reviso el material con más distancia y claridad para decidir qué piezas merecen desarrollarse y cuáles pueden convertirse en recursos para futuros proyectos o remixes. Escucha Look Perry - Progreso Inadecuado | Duckit Records

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L A RÍTM I CA C LU B AUTO R F E D E R I C O C O RT I N A

FOTO G R A F Í A @ C R I S KO RT ES . R AW

Un nuevo paso para la cultura club valenciana Durante años, la cultura club ha hablado de crecimiento, impacto y visibilidad, pero también del valor que tiene que un espacio consiga generar una conexión genuina con su gente y construir comunidad. La Rítmica Club es un nuevo espacio en Valencia que no promete revoluciones grandilocuentes, pero sí algo más difícil de encontrar: coherencia entre lo que se escucha, lo que se ve y lo que se siente dentro de la sala. El club se plantea como un lugar donde la música vuelve a funcionar como lenguaje común. Aquí, la electrónica se presenta como una experiencia compartida, no como producto ni como reclamo. Encontrar a artistas con margen creativo, público atento y una energía colectiva auténtica, ocurre o no. Y cuando ocurre, se nota. Minimal y techno conviven bajo una estética cuidada, una programación con sentido narrativo y un sistema de sonido que cumple su función principal: hacer justicia a la música. Sin exceso, sin distracciones, sin fuegos artificiales innecesarios. En poco tiempo, ha conseguido el reconoci-

miento de artistas que saben distinguir entre un bolo más y un espacio con identidad. Temudo lo resume así: “Clubs como La Rítmica son vitales para la escena: íntimos, cómodos, con un gran sistema de sonido y una curaduría que no sigue tendencias, sino que refleja una dirección estética fuerte, tanto en house como en techno. Todo esto, además, fuera de una capital” Tras su paso por Valencia, Mathew Jonson destaca el contexto humano y el potencial del espacio; “Recientemente toqué en La Rítmica, en Valencia. El club es nuevo, pero ya ha construido una comunidad muy unida y un público genuinamente bueno. La hospitalidad fue impecable. Incluso en invierno se puede sentir el enorme potencial del lugar, especialmente pensando en esa zona exterior que espera las noches más cálidas. Es un espacio precioso y perfecto para futuros eventos musicales y culturales. Dentro han instalado un sólido sistema Void, y todo el proyecto da la sensación de estar creciendo muy rápido. Estoy seguro de que volveré el año que viene”,

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La sensación de cercanía y cuidado se repite en palabras de Nastia Reigel; “Un club nuevo encantador, donde realmente se siente cuánto amor han puesto los promotores en el proyecto. Gran sistema Void y un público muy cálido y acogedor. Fue un auténtico placer pinchar allí. El equipo de La Rítmica es increíblemente atento y cercano. Les deseo todo lo mejor.” Tom Ellis pone el foco en el ambiente de pista: “Muy buenas vibras en La Rítmica. Público muy cálido y acogedor, gran música por parte de los DJs locales y un sistema de sonido espectacular. Estética minimalista y depurada. Seguridad amable. Gente realmente metida en la música, con muchas sonrisas. Con ganas de volver en algún momento.”

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Y Ebass apunta directamente al espíritu del proyecto: “La Rítmica es uno de esos clubs que sienten la música y la respetan por completo. Está construido desde la pura pasión de gente real que se ha manchado las manos por la cultura club, y puedes percibir ese amor en cada rincón y en cada cara dentro del club. Es nuevo, pero ya sabes que tiene un futuro brillante en la escena. Las noches allí se quedan contigo mucho después de irte. Tocan tu lado más humano y lo hacen elevarse. La Rítmica ha llegado para quedarse.”

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Aaron Gehrig | Dirección desde la cabina Una parte fundamental de esa coherencia sonora pasa por Aaron Gehrig, residente y CEO del club. Su rol no se limita a la gestión: Aaron entiende la cabina como el lugar desde donde se define el carácter del espacio. Como residente, no se trata solo de seleccionar música, sino de construir experiencias y sostener una narrativa sonora noche tras noche. Su enfoque combina técnica, sensibilidad y una lectura intuitiva de la pista, funcionando como un puente entre la esencia original del club y su proyección futura. “Para mí, como residente y CEO del club, es fundamental ser nosotros mismos en la música: construir una identidad real, sin máscaras, y sostener una visión que se sienta honesta en cada noche. Quiero crear una sinergia auténtica entre lo que nos apasiona —eso que nos llena por dentro— y la realidad del proyecto: convertir esa energía en un espacio vivo, coherente y sostenible, en el que la música, el equipo y el público estén alineados. Porque cuando la intención es verdadera, se nota: en la selección, en el sonido, en el ambiente… y en cómo la gente se va a casa.” 062

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Ángel | Residente de La Rítmica Junto a Aaron, Ángel representa la vertiente más intensa y oscura del ADN de La Rítmica. Residente desde los inicios, su sonido preciso y depurado ha sido clave en la construcción del carácter del club. Su forma de entender la sesión se basa en procesos largos, capas rítmicas que se desarrollan con paciencia y una narrativa que conecta directamente con la energía colectiva de la pista. Su aportación refuerza el equilibrio entre potencia, elegancia y profundidad que atraviesa todo el proyecto. “La Rítmica es un lugar donde la música encuentra espacio para respirar, donde cada noche se vive como una experiencia distinta y honesta. Para mí, desarrollar mi sonido aquí es un privilegio; me siento libre, conectado, en casa… y creo que el público lo percibe. Lo que viene es una evolución natural de lo que soy y de lo que hemos construido juntos.”

También está en marcha el desarrollo de un sello discográfico, contenido audiovisual propio y una evolución del apartado visual del club, con una propuesta más inmersiva donde luz, proyección y sonido dialoguen de forma integral. La idea no es solo escuchar la música, sino habitarla. A esto se suman experiencias open air en entornos singulares, acciones culturales, encuentros y charlas que refuercen el sentido de comunidad. Próximamente, todo este universo se articulará también a través de su nueva página web, pensada como un punto de acceso a la programación, el archivo sonoro y la identidad del proyecto. Su misión es concreta: preservar la esencia, elevar la calidad y volver a unir a la gente a través del sonido.

De cara a 2026 y 2027, el club prevé expandirse en varias direcciones: consolidación de residencias y ciclos curados, invitados internacionales, colaboraciones con colectivos afines y eventos especiales que fortalezcan el tejido local y su conexión con Europa.

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E L DVS S EG Ú N A LG O RI D D I M

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La integración de la app djay con tocadiscos, timecode y streaming plantea un nuevo estándar para el vinilo digital

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La idea del DVS no es nueva. Lo que sí es nuevo es ver un timecode corriendo directamente desde un iPhone. Sin portátil, sin interfaces externas, sin el despliegue técnico habitual: solo un smartphone conectado a unos platos tradicionales. Algoriddim lleva casi veinte años afinando esta plataforma hasta convertirla en una herramienta que democratiza el acceso al vinilo digital de una forma que hace poco Ese punto es clave para entender por qué parecía ciencia ficción. vuelve el vinilo a cabinas, festivales y Para quienes aman la fricción del platter, la streams. Y no como gesto nostálgico. Su inercia del pitch y esa sensación física que regreso convive con una práctica híbrida que solo da el vinilo, esta combinación abre un muchos DJs —de la nueva generación y de terreno propio. Mantienes el tacto analógico la vieja escuela— ya usan con naturalidad. mientras accedes a una biblioteca enorme: El equilibrio entre físico y digital está la del propio djay —con miles de temas reescribiendo cómo se mezcla hoy, y una de disponibles de sellos como MoBlack, las piezas que más está moviendo el terreno Drumcode, Revealed o Critical Music— o la de servicios integrados como Spotify, Apple es djay, la app de Algoriddim. Music, Beatport, TIDAL o SoundCloud. Un DVS —Digital Vinyl System— es un sistema que permite controlar archivos digitales desde un plato analógico mediante un vinilo de timecode. El disco no reproduce música: envía una señal que la app interpreta para trasladar cada movimiento del DJ al track digital. Es la forma más directa de mezclar digital conservando el tacto del vinilo.

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A eso se suma Neural Mix, su separación de stems en tiempo real. Significa que puedes mezclar un clásico de Kerri Chandler en vinilo y, en el otro deck, aislar solo la voz o la percusión de otro tema digital. Un enfoque híbrido que multiplica posibilidades creativas y que ya exploran artistas como Laidback Luke, Joyce Muniz o Robosonic. La mezcla actual funciona por acumulación de herramientas. Los platos siguen ofreciendo esa lectura física del tempo y del tacto; el DVS añade acceso inmediato a más música y más control. Djay está disponible en prácticamente cualquier plataforma —macOS, iPhone, iPad, Windows, Android, Meta Quest o Apple Vision Pro— tanto en versión gratuita como en su edición Pro, más orientada a uso profesional. Puedes grabar sesiones, mezclar en directo o activar Automix, su modo asistido por IA. El vinilo está otra vez en mesas de mezcla, pero esta vez dentro de un sistema más amplio: platos, timecode y software trabajando juntos. La escena ya lo está adoptando como parte natural del setup.

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Enjoy Division refuerza su apuesta por la excelencia sonora junto a Voice-Acoustic, en colaboración con VTècnics en Ruta, y abre un nuevo capítulo con su nueva residencia en el mercado portugués.

España se conecta con Portugal a todo volumen. Enjoy Division ha incorporado un sistema completo de la prestigiosa marca alemana VoiceAcoustic, distribuida en España por VTècnics en Ruta. Este movimiento estratégico no solo potencia su arsenal técnico, sino que también marca el inicio de su expansión internacional, con Lisboa como centro operativo, reforzando así su papel dentro del ecosistema clubbing ibérico.

Una alianza basada en la experiencia. El veterano CEO Hugo Quintanilla lleva casi una década colaborando con VTècnics en Ruta a través de una joint venture que ha logrado introducir con éxito la precisión alemana en el mercado local. Ahora, con un paso firme hacia Portugal, ambas compañías están estableciendo nuevos estándares para clubs y festivales en toda la península. El equipo de VTècnics en Ruta, liderado por Narcís Solé (CEO), Francesc Güell (Director de Sistemas) y Josep Maria Serra (Responsable de Producto de Importación), ha construido su reputación sobre tres pilares: calidad, diseño y experiencia sonora, elementos hoy imprescindibles para ofrecer una experiencia clubbing de primer nivel.

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El sistema: potencia con detalle. El nuevo setup combina tecnología pasiva y autoamplificada de gama alta, diseñado tanto para monitoreo de DJ como para sistemas de PA de gran formato: - Sistema PA: un line array compacto Ikarray-8 que ofrece una cobertura controlada y coherente para espacios medianos y grandes, acompañado de los subs Paveosub-118 de nueva generación, capaces de proporcionar graves profundos, precisos y potentes incluso a niveles SPL elevados. - Monitoreo DJ: dos configuraciones versátiles compacta y de gran formato, que garantizan precisión y adaptabilidad en la cabina, sin importar el entorno.

Voice-Acoustic: ingeniería alemana para la cultura club ibérica. La escena club ibérica vive un momento de expansión y reconocimiento internacional: desde los espacios underground de España hasta los clubs de vanguardia de Portugal, la demanda por un sonido de clase mundial nunca ha sido tan alta. Hoy, la experiencia sonora ya no es un complemento: es el núcleo de la noche. Fabricados íntegramente en Alemania, los sistemas Voice-Acoustic están diseñados para ofrecer un sonido natural y sin coloraciones. Su filosofía combina tecnología de vanguardia, materiales de alta calidad y un soporte humano cercano, todo esto bajo la impecable electronica de proceso y potencia by POWERSOFT brindando a promotores y artistas las herramientas necesarias para elevar cada evento a otro nivel. Porque en la cultura club, el talento del DJ importa, pero es la calidad del sonido lo que convierte una buena noche en una experiencia inolvidable.

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ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca album@mixmagaegroup.com

DOMINIK EULBERG LEPIDOPTERA !K7 RECORDS Además de ser un maestro componiendo piezas electrónicas motivadoras y exquisitas en cuanto al trato de las melodías -siempre cuidadosas, jamás correosas- sorprende por su conciencia por la naturaleza. Ha trabajado incluso de guardabosques. Esta devoción carga de carácter su trabajo, tanto en lo musical, como en lo visual. Cantidad de animales han prestado títulos y apariencia a su carrera en solitario desde… ¿2004? En Traum Schallplatten se hartó de dejarnos bendecidos, y desde hace menos, desde !K7 donde precisamente ha visto la luz ‘Lepidoptera’. Las mariposas toman el control de un séptimo álbum de estudio donde, a través del perfeccionismo y la síntesis moral, nos embadurnamos de una poderosa metáfora poética de la vida. Dentro de esta especie de conexión emocional, hay sitio por supuesto para el positivismo y el baile. ‘Schwalbenschwanz’ y ‘Brauner Bär’ lo demuestran.

PABLO BOLÍVAR & ALEXANDRA SAVVIDI OTHER STORIES SEVEN VILLAS Sonará a versículo de no sé donde, pero en esta ocasión se consuma: si, la unión es una bendición. Pablo Bolívar -quien para mí sigue siendo uno de los artífices de elevar el valor de la electrónica nacional en este siglosuma su talento al de Alexandra Savvidi, vocalista de origen ruso. En este lanzamiento se acarician y complementan desde sonidos ambientales (atmósferas reconfortantes siempre, incluso cuando las notas son fruto del piano), a tejidos electrónicos, de algún modo, conciliados con el techno-dub y el deep house de envoltura minimalista. Elegante y templado. Cercano y moderno. Esta colección de ocho canciones con títulos tan sugerentes como ‘Ode to Fall’ o ‘The Whole Truth’, ve la luz en vinilo, lo cual es una oportunidad única para degustar mejor esa combinación de introspección y energía sutil.

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OM UNIT ACID DUB VERSIONS III ACID DUB STUDIES La debilidad que yo siento por la música de Om Unit es como la de Superman con la kriptonita, pero al revés. La premisa del productor británico Jim Coles permanece fiel a una inclinación casi espiritual por los ambientes electrónicos construidos a partir del Dub y del Techno. Los seguidores, que también remezcladores de este tercer envite de los celebrados ‘Acid Dub Versions’, no pierden esa comba. Con esa premisa inicial, vamos a dejarnos levantar por una llamativa colección de versiones donde el beat si que es más maleable. Asoman y esconden bombos. Lo mismo con las cajas marcadas que invitan al step de nuevo cuño, ‘Liberation (remezclado por Krotone), un señor bicho campeón. Tampoco andan cojos los registros que proponen gente como Bok Bok, Daniel Avery o Dabrye. Magnético y nada monótono.

FRAZI.ER CAPITALISM KILLS CULTURE PARALLEL VISIONS Qué os voy a contar, las coincidencias me hacen gracia. Anoche justo veía como, tras un partidazo, la selección escocesa se clasificaba de nuevo para un Mundial, cuando hoy amanezco con la música a todo volumen de, eso mismo, otro amigo escocés. Frazi.er, productor que se pirra por el Techno y que es capaz de seguir dignificando la escena de club más underground con porrazos sobre la mesa como este. Debuta con un LP donde, además de marcarnos a fuego un claro mensaje anticapitalista, vierte sobre nuestra conciencia más bailonga un firme tributo al sonido Detroit, así como a aquella entidad Rave de finales del siglo pasado. Cultura que para nada está perdida y que él honra a lo bestia en este disco con temones como ‘It’s How We Met’, ‘Paths from the Origins’ o ‘Imposter Syndrome’.

ÁLBUM DESTACADO

ONEOHTRIX POINT NEVER TRANQUILIZER WARP Estaba cantado. El nuevo disco de Daniel Lopatin prometía mucho, y no ha defraudado. Su manera de experimentar y concebir es mayúscula. A este hombre le grabas el sonido de la cisterna perdiendo agua y a la abuela roncando, y es capaz de sacar un señor tema. El norteamericano es un artesano del arte del sampleo. En esta ocasión ha tirado mucho de muestrario de archivos de los 90 que en un primer momento encontró en el ciberespacio, y con acceso libre. Los enseña, esconde, tritura, voltea… Es capaz de moldearlos y adaptarlos con tal destreza, que luego encajan como calzador en su particular derrame futurista. En su falsa sensación de relajación, irrumpen las atmósferas sintéticas y la inquietud en forma de bucles. La New Age resucita, pero con la identidad de Akira avisando.

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ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca album@mixmagaegroup.com

NML ISOLA TELLÉ RECORDS Gran disco. Intenso e inmersivo a partes iguales. NML nos presenta un segundo álbum cargado de fuerza y explanadas melódicas muy curradas. Nils Martin Larsen -de ahí las siglas- nos pervierte con zarpazos de Techno sin filtros (‘Revive’) a la vez que juega con nuestra voluntad a través del serpenteo de cortes donde nada es lo que parece. ‘Centered’, por ejemplo, Extraño, optimista, emotivo, aunque repleto de trampas mecánicas. Algo parecido sería ‘Isola’, aunque en esta ocasión domina el rejoneo minimalista y ligero. Qué bien termina. El productor se presenta mucho más directo en ‘Circular’, decidido, impetuoso y va a por todas. Y todo lo contrario. Decide despedirse con un colchón completamente ambiental, ‘Elegy’, que está construido a partir de fragmentos de todas las demás pistas, simbolizando la finalización del disco.

BÉZIER DECOMPOSE DARK ENTRIES Tras un par de lanzamientos en Körperspannung, Bézier regresa a la casa que lo encumbró: Dark Entries. El sello californiano sigue con esto apostando por los sonidos donde se descomponen y habitan la electrónica contemporánea con otros más analógicos y sombríos. Este álbum que mantiene las espadas en alto, incluso cuando se muestra más febril y ambiental (‘Inner Grace’, ‘NewAge’) rinde homenaje a las víctimas del atentado en el club nocturno Pulse, además de a las vidas perdidas o que sufren a causa del genocidio en Gaza. Entre las cualidades del autor están los arpegios. Una buena muestra es ‘Peat Moss’, donde irrumpe con una buena tunda de sintes, y en cierto modo, adoptando la personalidad de un genio como John Carpenter. Si buscas precipitarse al baile, “Codebreaking” es tu mayor perdición.

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PURP! PURPURINA MÖDULAR KOLLEKTV A su bola. Y sinceramente, este productor tiene pinta de ir así desde que nació. El álbum debut de PurP! es tan eléctrico como inclasificable. Reina la electrónica por todos sus poros, eso es de cajón, ¿pero en cuántas de sus formas? El barcelonés le saca brillo, y ya de paso vierte ‘Purpurina’, a escenas auto-destruidas por el exceso y la fiesta como son el electro, el French House o el funk maquinero sexy y vicioso. Rompe con cualquier posible moda de nuestro tiempo y actúa independiente y con plena libertad. Es cierto que podemos encontrar en su propuesta algún que otro efecto secundario derivado de escuchar gente como Vitalic, Digitalism o Etienne de Crécy. En este rumboso y descarado trabajo encontramos además un homenaje nada menos que a Pink Floyd, ‘Another World’. Arriesgado.

SKATMAN SELECTED BANGERS INTERNATIONAL DEEJAY GIGOLO RECORDS Nada que ver con aquel artista y canción que nos vapuleó la sesera a mitad de los 90. Estamos ante un artista tunecino con residencia en Alemania, detalle nada trivial para que haya terminado fichado por la discográfica de DJ Hell. ‘Selected Bangers’ es un álbum de aires desiguales, pero definitivamente con el punto de mira en la pista de baile. En las diez canciones que lo componen no se respira otra cosa. En lo alto de la cadena está sin lugar a dudas ‘Aurawave’. Donde la energía y el impacto de los arpegios sintéticos son impecables. En esa onda, ‘Runaway Railway’. Menos degenerado, pero igual de convincente, ‘Movin’, esta vez tirando de Tech House alimentado de stabs. Un recorrido muy válido. En el otro lado de la balanza, cuando trastea y tira pasinhos fusionando sonidos globales: ‘Assim’ y ‘Drift Control’.

REVIEW CLÁSICO

MASSIVE ATTACK MEZZANINE VIRGIN RECORDS Aprovechando que la banda anunció hace pocas semanas que publicarán material nuevo en 2026, a la vez que estrenan sello, y que además tengo el deber de decirlo, me posiciono del lado de ellos en la mayoría de sus ideales y compromisos, le sacudo el polvete a esta joyaza de 1998, ‘Mezzanine’. Uno de los mejores discos de todos los tiempos. Me quedo con este, y no con otro anterior, porque en este LP rompieron moldes combinando como nunca antes innovación y atmósferas oscuras. Un thriller psicológico hecho canciones, un híbrido bestial entre electrónica (trip hop), post-punk, dub y rock experimental. ‘Teardrop’, ‘Angel’, ‘Dissolved Girl’, ‘Black Milk’... Podría nombrar todos los títulos incluidos en este monumento que a día de hoy, sigue sonando épico e hipnótico. Irrepetible y hermosamente devastador.

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BREAKS

Autor: Eduardo Carbonell breaks@mixmagaegroup.es

VVAA CAPITAL HEAVEN RECORD BOX VOL.10 CAPITAL HEAVEN Capital Heaven es un sello independiente y estudio de grabación especializado en progressive breaks, progressive house y electrónica. Si te gusta la música electrónica de carácter emocional y menos enfocada a la pista de baile, este es uno de los sellos más top de la actualidad. Una manera de estar al día de sus lanzamientos es con su serie ‘Capital Heaven Record Box’, un recopilatorio que los chicos de Capital Heaven nos curan cada año con una selección de lo mejor de su catálogo. En esta ocasión encontraremos producciones de artistas como Aeron Aether, A Y C E, Ben Summers, Broken Chair, David Morris, Delta Horizon, Digital Department, Framewerk, Francesco Bove, Kelle, Keltik, Kostik Makso, Leandro Cisbani, Mark Tammo, Matty Wright, Motel Sazani, Muzvio, Nima, OFF META, Olly Klars, Rumfaler, Sjors, Stereo Mind, Vaim, V Mike Sulu, Zy Khan, etc.

RHADES REGENERATION 83 El sello 83 nos trae lo nuevo del DJ y productor Rhades. Bajo el título de ‘Regeneration’, el sevillano nos presenta un enérgico single con buenas armonías y un drop rompepistas. No te pierdas otros de sus lanzamientos por esta casa como ‘Light In The Dark’ junto al jefe del sello Guau, ‘Too High’ junto a FM-3, ‘Flashback’ junto a BassMaster, ‘Go With The Flow’ junto a Pavane o ‘Feel The Night’ en solitario. Muy disfrutables también las versiones VIP de su ‘Feel The Night’ y de ‘Too High’ junto a FM-3. En cuanto a publicaciones por otros sellos, podríamos destacar singles como ‘Feelings Right’ y ‘I Wanna Dance’ junto a Pavane y ‘Knocking’ junto a Code Breakerz bajo el sello Elektroshok Records, ‘Mind Invaders’ y ‘Cross The Line’ bajo Banana Club o el remix que realiza al track ‘Kalimba’ de Bowser para el sello Raveart Records.

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PAKET DROWN IN YOU SOUND PERFECT BREAKZ RECORDS A comienzos de los años 2010, gran parte de los géneros de música electrónica fueron influenciados por el complextro y el brostep. En el mundo del breakbeat no iba a ser distinto y uno de los sellos que mezclaban estos sonidos con los ritmos rotos era Sound Perfect Breakz Records, un sello onubense que operó entre los años 2011 y 2015 con temas interesantes como aquel ‘Detroit’ de Dr Bets. Fuera de esta ola sonora, también publicaron algunos excelentes trabajos como los potentes nu skool breaks ‘Mechnoca’ y ‘La Rissa Project’ de Perfect Kombo y ‘Perros Viejos’ de The Brainkiller, el tearout ‘In Connection’ de Prototyperz o el techfunk ‘Xumen’ de Forufreezer, fiel a su estilo personal. El pasado año volvieron a publicar nuevo material, enfocado al breakbeat pistero actual, entre los que destacamos el reciente ‘Drown In You’ del productor sevillano Paket.

DJ HERO MORNING STAR SOLITUDE STUDIOS Otra escena muy influenciada por otros géneros externos fue el breabeat estadounidense, el cual mutó en los años 2010 hacia sonidos provenientes del big room house y el melbourne bounce. Es el caso, por ejemplo, del artista DJ Hero y su sello Solitude Studios, donde se hacen muy notables estas influencias en todo el catálogo desde su apertura en 2015 hasta la actualidad. También hay algunas excepciones alejadas de ese sonido, que se acercan más al clásico florida breaks que nos llegaba en aquellos años 90, como es el caso del actual ‘Morning Star’ de DJ Hero. Otros títulos a tener en cuenta son ‘Soul Soothing’, ‘Madness’, ‘All Right’, ‘Sunrise Break’, ‘Smooth In Novation’, ‘Raise Your Hands’, ‘Super Sonic’, ‘Heads Up’, ‘Boogie Down’ y ‘Once Upon A Time In South Florida’ de DJ Hero, ‘Cortex Collapse’ de Less Complex y ‘After Dark’ de Yesterday.

REVIEW CLÁSICO

HYBRID WIDE ANGLE DISTINCT’IVE RECORDS Álbum debut del grupo galés de breakbeat Hybrid, formado por Mike Truman y Chris Healings. Para este trabajo colaboraron con Lee Mullin, además de una amplia gama de músicos. Las partes orquestales fueron interpretadas por la Orquesta Federal Rusa, dirigida por Sacha Puttnam, quien también se encargó de los arreglos orquestales. Julee Cruise, conocido por el tema de Twin Peaks, puso voz a varias canciones, y Soon E MC añadió rap francés al track ‘Sinequanon’. Fue recibido con gran éxito por parte de la prensa, descrito por The Times como «una de las piezas de música electrónica más emotivas de la historia». El álbum se reeditó en el año 2000 con una edición doble bajo el título de ‘Wider Angle’, que incluía un CD extra en directo con Alex Madge a la batería y Jamie Griffiths a los platos.

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DRUMANDBASS

Autor: Olga Casas drumandbass@mixmagaegroup.com

VANDERMOU QUEJÍO GUTTING AUDIO El sevillano Vandermou, mitad y cofundador de Gutting Audio, firma uno de los lanzamientos más personales del mes con ‘Quejío’, incluido en un EP de tres cortes publicado en su propio sello. El tema comienza con una intro cargada de raíces: guitarra española y un quejío flamenco que nos sitúan de lleno en Sevilla, pero cuando rompe, lo hace con un neurofunk rotundo. A lo largo de la pista, la voz y la guitarra vuelven a aparecer de forma sutil, manteniendo viva la esencia del inicio sin frenar la contundencia del drop. Esa mezcla entre identidad local y energía es justo lo que convierte a ‘Quejío’ en algo muy especial. Un tema que demuestra cómo Vandermou sabe llevar sus raíces culturales a su terreno sin perder intensidad, y que deja claro por qué el sello Gutting Audio es un referente en el neurofunk después de cinco años de trayectoria.

SUBMARINE YOU DO 1985 MUSIC 1985 Music despide el año con la segunda entrega de su serie ‘Fragments’, un LP que reúne a varios artistas familiares del sello junto a nuevas incorporaciones, y en el que se refleja todo su espectro musical, desde el dubstep hasta el drum and bass. Una de las joyas del proyecto pertenece a Submarine: ‘You Do’. En esta ocasión, el artista nos envuelve con un liquid impecable, construido sobre una melodía preciosa y una vocal masculina suave y muy pegadiza, que marca el alma del tema sin eclipsar la instrumentación. La delicadeza de la atmósfera, los detalles sutiles y una progresión muy cuidada, hacen que el track fluya de manera natural, sin prisas y con profundidad, llegando a cada fibra de nuestro ser.

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QUARTZ WATERMARK METALHEADZ Quartz nos presenta su LP ‘Interloper’ a través de Metalheadz, un trabajo que combina crudeza y claridad, con texturas distorsionadas, un diseño de sonido intrincado y un sampleo sutil que se entrelaza en cada pista. ‘Watermark’ es uno de los cortes destacados del LP, en sus casi siete minutos de duración, la precisión de su producción y sus detalles melódicos crean una atmósfera hipnótica y envolvente, que nos atrapa desde el primer segundo. Su construcción gradual y cuidadosa mantiene la tensión, descubriendo capas nuevas en cada escucha. Este tema es un ejemplo perfecto de cómo el drum and bass puede ser intenso, oscuro, técnico y a la vez profundamente introspectivo, mostrando el dominio del artista sobre su sonido.

ARTISTA: CON-FIGURE PISTA: DUST 2 DUST SELLO: INFLUENZA MEDIA Con-Figure aparece en el sello Influenza Media con su EP ‘Dust 2 Dust’, compuesto por tres pistas de liquid. El tema elegido para esta ocasión es el que da nombre al proyecto, y se siente como un plácido viaje. Soulful, elegante y profundo, su base suave invita al movimiento, mientras su delicada melodía y los distintos elementos sonoros crean una sensación emocional y absorbente. Con-Figure lleva años explorando el liquid, y esto se aprecia en ‘Dust 2 Dust’, donde combina energía rítmica y una atmósfera muy cuidada, con detalles que atrapan sin estridencias. El resultado es un corte que nos invita a cerrar los ojos y dejarnos llevar, elegante y con alma.

REVIEW CLÁSICO

CALIBRE, HIGH CONTRAST MR. MAJESTIC SIGNATURE RECORDS ‘Mr. Majestic’ es uno de esos himnos del drum and bass que no necesita presentación. Firmado por Calibre y High Contrast hace más de 20 años, este tema ha trascendido generaciones y se mantiene como un clásico indiscutible. Desde su lanzamiento en 2004 a través de Signature Records, el sello fundado por el propio Calibre, ‘Mr. Majestic’ ha cautivado a todo tipo de público gracias a sus influencias del liquid y el jungle. Con un groove impecable, unas bellas melodías y una vocal sampleada que se integra de manera magistral, es totalmente reconocible desde que suenan sus primeros acordes. Los elementos rítmicos recuerdan al clásico Amen, mientras que la producción general refleja el sonido característico y fluido tanto de Calibre como de High Contrast, creando un track que sigue sonando fresco y relevante décadas después. Su portada tiene tanta alma como el tema en sí. Se trata de una obra de Katherine St. Anglelo, una fotógrafa de Belfast, la ciudad natal de Calibre, a éste le gustó mucho dicha fotografía y pensó que encajaba con el tema. Todo un acierto. Un clásico en toda regla que nos seguirá acompañando durante muchos años y nos hará tararear el conocido “I man no like a man who tried to cheat her…”

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ELECTRO

Autor: Federico Cortina electro@mixmagaegroup.com

OBERGMAN BOLTZMANN CONSTANT ORSON RECORDS Nuevo lanzamiento de un artista pionero del género. Electro, acid y techno elaborados con una precisión quirúrgica: este track pasa todos los controles de calidad de los diggers más exigentes del mercado, además de desafiar los límites del electro clásico con secuencias acid del TB-303 envueltas en atmósferas inquietantes y llenas de suspenso. Un disco potente y profundamente hipnótico. Distribuido al mundo por Subwax BCN.

CAROL ES NECESARIO ATRAVESARLO H-SPOUT / CALYPSO’S DREAM El sello de culto Calypso’s Dream, dirigido por el talentoso productor y diseñador multimedia Richer, ha lanzado una nueva serie llamada H-Spout, donde buscan tocar las fibras más “espirituales” y ritualistas de la música electrónica. Este disco navega entre el Trance y el Progressive Trance, aunque realmente no se deja catalogar del todo. Es el debut de Carol, productora argentina que presenta una paleta sonora delicada y muy personal. ‘Es Necesario Atravesarlo’ demuestra que la delgada línea entre el techno, el trance y el espíritu más esencial de la música electrónica se unifican en un disco con un mensaje, diferentes matices y una exploración sonora especial. Ya disponible en Lirica Archives.

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CESARE MURACA WE ARE EVIL UNDERSOUND RECORDINGS Llega el nuevo Various VI, la referencia 036 del sello Undersound Recordings. Sin duda alguna, es un disco que no va a faltar en mi maleta de vinilos, ya que tiene 4 tracks y, cada uno de ellos, es para un momento diferente. El B1, particularmente, es el que más me atrapó: una mezcla de electro y techno, con sintetizadores hipnóticos y melodías profundas. El bass es muy envolvente y deep. Esto lo convierte en un track perfecto para usar después de un banger y dejar descansar la pista después de agitar tanto los brazos. Ve a escucharlo y me darás la razón.

OHO LIKE THAT NORD LTD El sello NORD LTD, comandado por uno de los productores del momento, Shkedul, lanza este split con dos tracks suyos y dos del joven productor de Seúl, Oho, que viene demostrando un gusto musical impecable. ‘Like That’ tiene un groove constante que roza el trance psicodélico, mezclado con electro y minimal. Lo he pinchado en repetidas ocasiones y el resultado siempre es el mismo: una pista sumergida en una energía colectiva profunda, captando la atención sin recurrir a sintetizadores estridentes ni trucos sobreestimulantes. Te recomiendo que escuches el disco entero, no tiene desperdicio.

REVIEW CLÁSICO

PETE LAZONBY SACRED CYCLES BRAINIAK RECORDS (1994) Publicado a mediados de los 90, en plena era del trance británico, este track condensa todo lo que hacía mágico aquel momento: místico y con una energía progresiva muy difícil de encontrar hoy en día. Son 11 minutos con casi 6 de intro ambient que te atrapan en un mantra psicodélico, donde los pads envolventes y la vocal crean una atmósfera que te prepara para lo que viene. Lo más particular es cómo desdibuja los límites de los géneros. No es un tema para cualquier ocasión, pero bien usado empuja la pista hacia un estado casi meditativo… hasta que explota el primer drop y la euforia toma el control.

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HARD TECHNO

Autor: Alejandro Serrano

hardtechno@mixmagaegroup.com

PAUL KALKBRENNER NINETY-TWO SONY MUSIC / B1 Después de siete años de silencio discográfico, Paul Kalkbrenner regresa con The Essence, un álbum que condensa lo más íntimo y auténtico de su trayectoria. Publicado por Sony Music / B1, este trabajo se erige como un archivo emocional construido entre un estudio y un apartamento berlinés —que se asemeja más a un santuario analógico que a un laboratorio digital. Alejado de los excesos tecnológicos, Kalkbrenner ha creado un sonido cálido y texturizado, donde cada nota respira historia y sensibilidad. En temas como ‘Ninety-Two’ con su groove hipnótico, o en “Que Ce Soit Clair’, su intensa colaboración con Stromae, el productor alemán demuestra que la conexión humana sigue siendo su materia prima. La diversidad sonora del disco —del pulso ochentero de ‘Dreaming On’ a la crudeza de ‘Der Schlörheinz’— revela a un artista que ha destilado su estilo hasta lo esencial. Lejos de buscar grandes gestos, The Essence es una obra sobre la claridad, la madurez y la honestidad creativa. Un álbum que no mira atrás con nostalgia, sino que celebra lo que permanece: la autenticidad como la verdadera esencia del arte.

BÄCK STRANGERS BACK TO THE DROP La pista ‘Strangers’ de BÄCK, junto a E.V Palmer, irrumpe como una poderosa fusión de house, tech house y latin house con una energía que roza el hard techno. Editada bajo su propio sello Back To The Drop, el tema encarna la visión libre y sin filtros del productor: beats contundentes, bajos densos y una estructura pensada para el club más exigente. La voz de Palmer añade un contrapunto emocional que equilibra la crudeza del ritmo, creando una tensión magnética entre lo humano y lo mecánico. Conforme avanza las capas se intensifican, los bombos golpean con precisión quirúrgica y el groove se transforma en pura euforia contenida. Hay oscuridad, pero también una vibra cálida y un eco latino que suaviza los bordes y mantiene el espíritu house vivo. ‘Strangers’ confirma el momento de madurez de BÄCK: un artista que domina el pulso de la pista y que, desde su propio sello, continúa redefiniendo el sonido contemporáneo del underground. Un lanzamiento que marca el punto exacto entre fuerza, emoción y evolución.

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LOXXE RESURFACING RESONANCE SPECTRUM RECORDS El sello Resonance Spectrum Records regresa con su segunda referencia, ‘Normal Sensations’, esta vez de la mano de la productora de Toronto Loxxe, quien vuelve a demostrar su talento para fusionar ritmos progresivos con tintes de trance y una sensibilidad electrónica única. Desde los primeros compases de ‘Resurfacing’, el oyente es envuelto por una textura cálida y envolvente que invita a un viaje hipnótico. Luego, ‘Normal Sensations’ eleva la intensidad con un pulso techno contundente, melodías en expansión y una energía de pista desbordante. Sin embargo, es ‘See You Next Year’ quien marca el clímax emocional del EP: una pieza de electrónica etérea y profundamente emotiva, donde los pads brillantes y los ritmos quebrados construyen una atmósfera de ensoñación y catarsis. Con este cierre, Loxxe convierte la despedida en una promesa suspendida en el tiempo, sellando un trabajo que encapsula a la perfección la calidez y el magnetismo sonoro de Resonance Spectrum. En definitiva, Loxxe entrega una obra coherente, elegante y expansiva donde cada pista funciona como un capítulo de un viaje introspectivo hacia la luz. Un lanzamiento que no solo consolida su sonido característico, sino que también proyecta un futuro brillante para el sello y su creciente universo sonoro.

PAUL RENDER Y LEOPOLD BÄR CINQUE TERRE DZB RECORDS Paul Render y Leopold Bär regresan con un EP que rinde homenaje al legendario sonido del techno napolitano. Inspirados por figuras como Gaetano Parisio, Marco Carola y Danilo Vigoritto, el dúo canaliza la energía que definió la escena underground de los 90 y principios de los 2000. El resultado es un trabajo que respeta sus raíces, pero que respira frescura y modernidad en cada compás. Su enfoque se centra en ritmos hipnóticos, bombos implacables y líneas de bajo fluidas que sostienen toda la estructura sonora. Las percusiones intrincadas añaden capas de textura que enriquecen la experiencia sin caer en excesos. Cada track mantiene el equilibrio perfecto entre groove y contundencia, invitando a perderse en su progresión. Con ‘Cinque Terre’, el dúo tiende un puente entre generaciones, demostrando que el espíritu de una era sigue vivo. Y como núcleo emocional del disco, el corte homónimo encapsula toda la fuerza y esencia de este homenaje al techno napolitano.

REVIEW CLÁSICO

K.MARTIN GRAVITATIONAL ANOMALY NOT PLAY RECORDS El nuevo EP de K. Martin, titulado Subharmonics Fields, marca un punto de inflexión en su trayectoria: un viaje por los territorios más hipnóticos y densos del techno contemporáneo. Compuesto por cuatro cortes, el trabajo despliega una narrativa sonora que oscila entre la fuerza gravitacional y el colapso del silencio, fiel a su título cargado de física y emoción. Destaca ‘Gravitational Anomaly’, que abre el EP con un pulso profundo y magnético donde los subgraves y las texturas industriales conviven en perfecto equilibrio. En este tema, como en el resto, el artista explora una dimensión más introspectiva, casi cósmica, donde el ritmo late como una respiración suspendida. Los remixes de David Mallada (España) y Pert (Argentina) expanden el universo del EP: el primero aporta contundencia y se enfoca en la pista de baile, mientras que el segundo introduce una sensibilidad atmosférica de corte mental y envolvente. ‘Subharmonics Fields’ confirma a K. Martin como uno de los productores más sólidos del techno nacional capaz de unir potencia, concepto y elegancia en una misma órbita sonora. Un EP que no solo se escucha, sino que también se siente en cada frecuencia.

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MELODIC HOUSE & TECHNO

Autor: Marian Ariss melodictechno@mixmagaegroup.es

COLYN, READ THE NEWS FUNK BELONGING Más que habituales en mis sets, Colyn y Read the News nos presentan el EP See The Light, una entrega que une al artista neerlandés y el dúo suizo en un ejercicio de pura química creativa. Publicado en el sello Belonging de Innellea, que sin duda continúa su racha ascendente. El EP de dos canciones exhibe la esencia única de ambos artistas y su compromiso compartido con la música electrónica expansiva y cargada de emociones. El track ‘Funk’ adopta una faceta minimalista y juguetona, apostando por un groove directo, limpio y altamente funcional en la pista. Este lanzamiento refuerza la visión del sello: tender puentes entre artistas que comparten una sensibilidad emocional y una búsqueda de profundidad en la música electrónica. Un lanzamiento breve pero contundente, pensado para conmover tanto en grandes festivales como en clubs más íntimos.

MANTI, AUGGIË, YET MORE Y BÁKAYAN TRUST ME AXEPT ‘Trust Me’ es uno de esos tracks que demuestra cómo una colaboración bien alineada puede elevar un concepto hasta convertirlo en una experiencia completa de club. Manti, Auggië, Yet More y Bákayan unen fuerzas en un track que destila seguridad creativa desde los primeros compases: un groove firme, oscuro, que avanza sin titubeos, y una atmósfera densa que invita a ceder el control y dejarse llevar. La producción destaca por su equilibrio entre tensión y liberación. Mientras el bajo empuja con una determinación que mantiene la pista en un estado constante de expectación. Detalles percusivos inteligentes y modulaciones sutiles añaden movimiento sin romper la cohesión. El resultado es un track que funciona tanto como herramienta para DJs que buscan un momento de máxima conexión en la pista, como para oyentes que aprecian una narrativa electrónica cuidadosamente diseñada. ‘Trust Me’ es una colaboración sólida, madura y con una dirección estética clara, que deja ver lo mejor de cada artista involucrado.

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TIMELAPSE ABYSS AUTOMATIK El artista italiano Tiemlapse ha ganado reconocimiento internacional gracias a sus lanzamientos en algunos de los sellos digitales más reconocidos del mundo. La libertad creativa que ha encontrado en la música electrónica ha transformado sus influencias, llevándolo a desarrollar un techno melódico profundo y complejo, notable por su diseño sonoro de alta calidad y la armonía entre sus elementos. Con ‘Abyss’ publicado en el sello Automatik, Timelapse firma un viaje sonoro que abre un paisaje profundo y envolvente, donde una vocal, pads oscuros y texturas etéreas se entrelazan para crear la sensación de estar descendiendo hacia un espacio desconocido. Cada elemento parece colocado con intención, desde los detalles atmosféricos casi imperceptibles hasta los builds cuidadosamente medidos que empujan la energía hacia adelante. Timelapse demuestra, una vez más, que su visión va más allá del simple “melodic techno”: es narrativa, textura y atmósfera en perfecto equilibrio.

ALTERWESS, AGA-HUSEYN DAWN (CANVI REMIX) TERRANOVA RECORDS CANVI es un DJ y productor de Menorca afincado en Girona. Destacado por fusionar varios estilos, su enfoque melódico y rítmico le ha permitido desarrollar una identidad sonora propia dentro de la escena electrónica internacional. Cuenta con más de una docena de lanzamientos en sellos destacados y ha recibido el apoyo de artistas de renombre consolidándose como una figura en ascenso. El sello Terranova Records presenta una poderosa reinvención de uno de los momentos más icónicos de su catálogo de este 2025: Dawn de Alterwess feat. Aga-Huseyn. Una pista que se ha convertido en un hito en el recorrido del sello. CANVI, Tomando un camino distinto, interviene con una reinterpretación hipnótica y contundente, mezclando groove y energía en capas palpitantes que empujan ‘Dawn’ hacia la pista de baile con una fuerza implacable. CANVI eleva ‘Dawn’ con una producción sofisticada y emocional. Ideal tanto para sets melódicos como para una escucha más reflexiva y tranquila.

REVIEW CLÁSICO

REINER ZONNEVELD PLASTIC PEOPLE STILL VOR TALENT ‘Plastic People’ del holandes Reinier Zonneveld es uno de esos temas que capturan a la perfección la estética más cruda y cerebral del techno contemporáneo. Publicado en una etapa en la que Zonneveld consolidaba su identidad entre el acid moderno y el techno de alto voltaje, este track funciona como una declaración de principios: intensidad, profundidad y un lenguaje sonoro que no busca complacer, sino sumergir. Lo que hace que ‘Plastic People’ siga destacando es su atemporalidad. No depende de un drop explosivo, se sostiene en un diseño sonoro sólido y una progresión que, aunque sutil, mantiene la sensación de movimiento constante. Es para perderse: denso, mental y totalmente inmersivo. En esencia, ‘Plastic People’ es un recordatorio de lo que el techno puede ser cuando se libera de estructuras previsibles y se enfoca en lo esencial: groove, tensión y una atmósfera que te envuelve por completo. Un track que, como los buenos, no se siente antiguo ni moderno… simplemente necesario.

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HOUSE

Autor: Francisco Pérez

house@mixmagaegroup.com

REBOOT RAMBO (V666) CÉCILLE RECORDS Reboot, destacado DJ y productor alemán, vuelve a Cécille con su nuevo EP ‘Lind’, una elegante colección de cinco temas que encapsulan su inconfundible sonido, marcado por su estilo minimal, tribal y sus bajos perfectos para mover todo el esqueleto. Desde hace dos décadas, este talentoso artista originario de Frankfurt ha dejado una huella indeleble en la escena underground. Su trayectoria incluye colaboraciones con sellos de renombre como Cocoon, Cadenza, Sei Es Drum, Rawax, y, por supuesto, Cécille, el legendario sello de house fundado por Nick Curly y Marc Scholl, que ha sido el espacio ideal para la expresión de su distintivo estilo. Con ‘Rambo’, una pista que se presenta como el pilar festivo de sonidos para clubes y festivales, Reboot reafirma su posición como un legendario en el ámbito de los artistas que buscan contar historias a través de su música, en lugar de ofrecer meras historias pasajeras.

BASTIAN BUX PETIT AFFAIR (ORIGINAL MIX) PETIT COMITÉ OF HOUSE Bastian Bux, renombrado DJ y productor barcelonés, ha dejado su impronta en los escenarios más emblemáticos del mundo a lo largo de su carrera. Con casi 37 años y tras haber sido residente en elrow, ha brillado en prestigiosos festivales internacionales como Green Valley, Tomorrowland, Space, Amnesia y Ushuaïa Ibiza. En su búsqueda por ofrecer experiencias singularmente memorables, fundó “Petit Comité of House” en Barcelona, un sello cuya misión es recuperar los valores fundamentales de la escena house a través de una conexión auténtica, la cercanía y la simplicidad. Este colectivo se distingue por su objetivo de crear momentos únicos que resuenen en el corazón de los amantes del género. Armado con un sofisticado repertorio musical, Bastian Bux se ha consolidado como un auténtico embajador del sonido house contemporáneo a nivel global. Su tercer EP, que amplía los horizontes sonoros del sello, incluye ‘Petit Affair’, una pieza exquisita que fusiona armonías inspiradas en el house clásico con ritmos cautivadores. Este verano tuve el placer de asistir a su set en Ushuaïa Ibiza, en la fiesta ANTS; fue una experiencia inolvidable llena de matices funky, grooves houseros y la esencia atemporal del house que suelo escuchar. Sin duda, Bastian posee la capacidad de encender la pista de baile con su arte.

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MICHAEL WAGNER MICHAEL’S PLAN DIG THIS RECORDS El talentoso productor austriaco Michael Wagner hace su esperado debut con un EP que marca un hito en su carrera. Con una dedicación inquebrantable, ha estado cultivando su estilo distintivo de house elegante y sofisticado en la intimidad de su estudio. Desde su incursión en la producción musical en 2022, Wagner ha trabajado arduamente, culminando en su primer lanzamiento bajo Syntho Records de Josh Baker a principios de este año. Actualmente, se encuentra inmerso en la producción musical, perfeccionando su arte para llevar su sonido a nuevas alturas. Su EP en Dig This consta de cinco pistas que ofrecen un viaje sonoro diverso a través del spectrum del house y minimal. ‘Michael’s Plan’ destaca por su estilo ecléctico donde las percusiones tribales, los acordes dubs y las voces meticulosamente ejecutadas se entrelazan, creando una experiencia perfecta para clubes íntimos. Este EP es un testimonio del enfoque de Wagner, que prioriza la calidad sobre la cantidad, y solidifica su lugar como una voz emergente en la escena de la música electrónica.

MATEO DUFOUR, PABLO ARISTIMUÑO LICK IT (ORIGINAL MIX FEAT. PABLO ARISTIMUÑO) HIGH CEILINGS RECORDS High Ceilings Records es un sello con un sonido distintivo old school fundado por Toman, un talentoso DJ y productor holandés que se ha alzado como una de las joyas emergentes de la escena electrónica a nivel mundial. En esta travesía musical, tenemos el honor de presentar a uno de los grandes talentos de la hermosa Argentina, Mateo Dufour. Este destacado productor ha dejado su huella en el mundo, compartiendo escenarios con leyendas como ANOTR, Sven Väth, Michael Bibi, Ricardo Villalobos, y colaborando con renombrados sellos como No Art, You&Me, Djebali y Talman Records. Nos presenta su tema ‘Lick It’, una colaboración con Pablo Aristimuño que es simplemente una joya para los amantes de los sonidos más crudos del house. Recuerdo el momento en que lo puse en el Ministerium Club en Lisboa hace unas semanas; la energía en la pista fue de puro groove, y la canción funcionó de maravilla. Cada nota resuena con pasión y elegancia, como es costumbre con el sonido distintivo que Mateo Dufour proyecta en sus sets.

REVIEW CLÁSICO

GRACE JONES FEEL UP (DANNY TENAGLIA MIX) GREAT JONES Danny Tenaglia es uno de los grandes pioneros en la escena electrónica global, y esto es innegable. Desde la tierna edad de 10 años cultivó una profunda conexión con la música, sumergiéndose en la colección de discos de leyendas como Giorgio Moroder, Marvin Gaye y The Tramps. Danny ha dejado su huella en algunos de los clubes más emblemáticos del mundo, como el Ministry of Sound y Space en Ibiza. Su fusión única de progressive techno, tribal beats, frecuencias ácidas y un house oscuro, profundo y sensual crea una experiencia musical que hechiza y transporta a quienes lo escuchan a un estado de hipnosis total. Una de sus composiciones — que escuché en casa de mi querido amigo Lancaster—, encapsula perfectamente la esencia de su arte. Hace unos días, tuve la suerte de cenar en su hogar y explorar su impresionante colección de alrededor de cinco mil vinilos. Entre esos tesoros, descubrió esta pieza mágica que me mostró aquella noche, un momento que definitivamente quedó grabado en mi corazón.

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UK GARAGE

Autor: Borja Comino ukgarage@mixmagaegroup.com

SOUND OF FRACTURES I WANNA GET BACK / VIBE CODING S-R Sound of Fractures publica ‘I Wanna Get Back’ y ‘Vibe Coding’, dos piezas que muestran distintos ángulos de su trabajo entre el future garage y el UKG más melódico. El primero se construye sobre percusión marcada y un piano digital brillante, con capas de síntesis ligeras que dan movimiento al arreglo. El lanzamiento se acompaña de un juego retro en el que los propios samples del tema aparecen como elementos interactivos. ‘Vibe Coding’, primer adelanto de ‘Alone Together’, parte de un bloqueo creativo y lo traslada a la estructura: motivos que se prueban, se repiten y se reajustan hasta encontrar forma.

JITWAM HARD N SOFT EP (VOL.2) ROYA Este segundo volumen forma parte de la trilogía de EPs con la que Jitwam está ordenando su trabajo reciente en torno a colaboraciones y diálogos entre escenas. ‘Hard N Soft’, con Fiorious, plantea el eje conceptual del proyecto: cómo Jitwam articula identidad y pista desde una perspectiva más vocal y directa. ‘Mag Sway’, con OX7GEN, refuerza ese puente constante entre India, Reino Unido y Nueva York que lleva tiempo definiendo su trayectoria. ‘Something Always’ aparece como la pieza más directa del conjunto, sin invitados y centrada en una idea rítmica concreta. Más que un EP aislado, este volumen funciona como un capítulo dentro de un proyecto mayor en construcción.

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BALTRA GENTLE TONE 96 & FOREVER RECORDS Baltra, que saca un montón de tracks al año ha publicado ‘Gentle Tone’ este noviembre, un corte que avanza entre breaks aireados y un ritmo más firme marcado por un bajo profundo. El tema funciona por contraste: la parte más atmosférica abre espacio mientras el breakbeat empuja hacia delante sin perder claridad. Es un paso más en la línea que Baltra está trabajando últimamente, menos centrada en la estética lo-fi de sus inicios y más en estructura, textura y presencia en club. Formará parte de su próximo EP ‘In The Afterglow’, que se publica en diciembre, donde parece ir afinando un sonido más definido y directo, pensado para funcionar tanto en escucha como en pista.

LEON VYNEHALL IN DAYTONA YELLOW NINJA TUNE Leon Vynehall presentó en octubre este LP centrado en la voz como eje narrativo. El productor incorpora su propio registro —procesado y casi hablado— junto a colaboraciones de Jeshi, TYSON, Beau Nox, Kenzie TTH y Chartreuse, explorando un enfoque más cercano a la canción que a la pista. El disco alterna pasajes íntimos con estallidos más densos, jugando con cambios bruscos de dinámica y estructuras menos lineales. Hay momentos que funcionan por contraste, como ‘Mirror’s Edge’, y otros más dispersos, pero el conjunto muestra a Vynehall en un proceso de búsqueda formal y emocional más abierto que en trabajos anteriores.

REVIEW CLÁSICO

SWEET FREMALE ATTITUDE FLOWERS (SUNSHIP EDIT) WEA ‘Flowers’ es uno de los grandes puntos de referencia del UK Garage. Lo que empezó como una balada R&B producida por Cutfather & Joe acabó convertido por Sunship en un 2-step luminoso que definió el sonido del año 2000: ritmo ligero, bajo cálido y un estribillo inmediato construido sobre la misma progresión armónica que las Gymnopédies de Erik Satie. El edit llegó al número 2 en listas y terminó certificado doble platino, convirtiéndose en un caso claro de crossover sin perder identidad. Su impacto ha sido constante: remixes, versiones y, más recientemente, el sample que PinkPantheress utilizó en ‘Pain’. Un clásico que sigue marcando referencias dentro y fuera del garage.

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Esther Bronchal - Mixmag Spain #22