Charlie Sparks - Mixmag Spain #21

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NÚMERO #21

Este año casi toca su fin, el frío acecha, los festivales al aire libre ya no son tan frecuentes y nos preparamos poco a poco para preparar el año nuevo, que se acerca a paso ligero.

Este mes de noviembre, en Mixmag Spain tenemos el placer de recibir en portada al DJ y productor Charlie Sparks.

De estudiante de arquitectura a figura clave del techno más explosivo, Charlie Sparks ha construido su carrera con la misma precisión con la que un arquitecto diseña sus estructuras: equilibrando emoción, ritmo y forma. Con raíces británicas y japonesas, y una energía que se alimenta tanto de la disciplina como de la rave, Sparks ha sabido transformar la pista de baile en su verdadero hogar. Con motivo del lanzamiento de su esperado álbum debut, nos sentamos a charlar con este gran artista para celebrar su portada en esta casa.

En clave nacional, este mes nos sentamos a charlar con Meritxell de Soto, una de las voces más singulares de la actual escena electrónica barcelonesa. Procedente de la performance, ha convertido la mezcla en un acto físico, una extensión del cuerpo y de su manera de entender la creación.

En clave internacional, este mes conocemos más en profundidad a LVCA, quien a lo largo de más de quince años dedicados a la música, ha llevado su visión y sonido a los clubes más importantes del mundo tanto en formato DJ set como a través de su live.

Seguidamente, os traemos nuestra interesante charla con Alexia Glensy donde nos habla sobre su nuevo proyecto llamado MÆTERIA junto a Alex Dima. Por otra parte, os sumergimos en la embaucadora historia de Pedro Elías, aka DJ Babatr, el DJ que transformó la violencia y el estigma del oeste de Caracas en una revolución musical. Finalmente, hablamos con el gran DJ y productor Tony Guerra sobre su ferviente objetivo de educar, conectar y elevar a la próximas generaciones a través de Overtones.

Cambiamos de tercio para hablaros sobre Quinoa Records a través de nuestra entrevista con Chris Gorrie, la persona detrás de este proyecto.

Hablamos con él sobre cómo nació y evolucionó el sello, la comunidad que se formó alrededor, y hacia adónde se dirige esta propuesta que hoy representa una de las voces más originales del underground madrileño. Finalmente, os acercamos a la interesante historia de Conxi Sane, su conexión con la música, sus procesos creativos y la manera en que el arte puede convertirse en una forma de sanar, compartir y soltar.

Y como siempre, en esta edición encontraréis lo último en tech y las mejores críticas musicales. Continuamos trabajando para ofreceros muchas más secciones de interés relacionadas con nuestra industria en nuestras próximas ediciones.

Patricia Pareja Directora.

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NOVIEMBRE - 2025

007 Bits Beats

c o n t e n i d o s

078 Reviews Álbumes por Bruno Garca

008 Nekoza Records 012 Conxi Sane 018 Chris Gorrie

082 Reviews Drum & Bass por Olga Casas 084 Reviews Electro por Federico Cortina

026 Alexia Glensy 032 LVCA 042 Meritxell de Soto 048 DJ Babatar 056 Charlie Sparks

086 Reviews Hard Techno por Alejandro Serrano 088 Reviews Melodic House & Techno por Marian Ariss 090 Reviews UK Garage por Borja Comino

064 Cómo produzco: Brunetto 066 Tony Guerra 072 Tech: CDJ-3000X 074 Tech: Roland TR-1000

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a-z

AARON MARTIN ABDON ACA ALIBERTI ANDREA CASTELLS ART NO LOGIA BIZZA BRENDA SERNA C.I.S.C.O CHRIS FIGUEROA CLAUDIA TEJEDA CORTES ESTHER BRONCHAL FRAN HERNANDEZ FREDDY BELLO GASTON ZANI GONÇALO HECTOR JANSE LA CINTIA LEXLAY LONDONGROUND LOS CANARIOS MANU GONZALEZ MARCEL BS MARIAN ARISS MEXES NACHO SCOPPA ODIL PAU GUILERA RAUL PACHECO RIVELLINO SALDIVAR SERA DE VILLALTA SERGIO SAFFE SOVA SSERO VALERIE SANTOS VIDALOCA

CONCEPTONEAGENCY.COM

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bits beats Sónar unifica día y noche en un solo recinto El festival barcelonés ha anunciado que para su próxima edición (del 18 al 20 de junio) eliminará su formato “Sónar de Día” en la Fira de Montjuïc y concentrará toda la programación —día y noche— en un único espacio con seis escenarios (tres cubiertos y tres al aire libre).

Las entradas “SonarPass” y “SonarPass +” permitirán acceso total sin distinción de jornada: todo fluido, todo en uno. Una decisión que simplifica la logística y potencia la experiencia global del festival. + info: www.sonar.es

Ombra Festival celebra su séptima edición en el recinto brutalista de las Tres Chimeneas El festival underground de música electrónica oscura, new beat y darkwave anuncia su 7ª edición los días 5, 6 y 7 de diciembre de 2025 en las icónicas Tres Chimeneas de Sant Adrià de Besòs, en Barcelona.

Más de 70 artistas internacionales conforman el cartel, entre ellos nombres de peso como Linea Aspera y Orphx, además de una jornada de “Opening Day” el 4 de diciembre. Un plan perfecto para quienes buscan una experiencia sonora que mezcla identidad, espacio industrial y vibración underground. + info: www.ombrafestival.com

Subasta histórica: la colección del cofundador de Kraftwerk sale al mercado La colección personal de Florian Schneider (cofundador junto a Ralf Hütter de Kraftwerk) será puesta a subasta el 19 de noviembre en Nashville (Tennessee). Una colección que incluye hasta más de 450 piezas: sintetizadores históricos, cajas de ritmos, su famosa furgoneta Volkswagen Tipo 2 de 1964, y hasta la bicicleta del videoclip “Tour de France”. Una oportunidad única para coleccionistas y fans de la historia de la música electrónica. + info: www.mercylaneauctions.com

Llega Catalog, la plataforma que revoluciona las licencias musicales Catalog agrupa más de 30.000 temas de 1.800 artistas y cuenta con el respaldo de sellos como Warp Records, Ninja Tune o Kompakt. El sistema permite a cineastas, diseñadores y desarrolladores de videojuegos obtener licencias musicales en cuestión de horas, con autenticación blockchain y valoraciones basadas en datos. Una jugada inteligente para devolver el protagonismo al artista y al valor cultural de la música en la era digital. + info: www.catalog.works

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nekoza records

nekoza records AUTO R F E D E R I C O C O RTI N A

El nuevo record shop de Valencia fundado por Tommaso Pizzelli Tommaso Pizzelli ha encontrado su lugar en la escena valenciana poco a poco, tras pasar de Milán a Ámsterdam y, finalmente, asentarse en la ciudad que hoy considera su hogar. Con los años, se ha ganado el respeto tanto de los artistas consolidados como de las nuevas generaciones, convirtiéndose en una figura clave dentro del circuito underground local. Sus sesiones regulares en Oven y Spook, junto a sus colaboraciones con colectivos como Special K o Cheatmeal, lo han consolidado como una de las caras más activas y coherentes de la nueva ola valenciana.

Como productor, suma seis vinilos editados y un catálogo digital en constante crecimiento. Su sello, Feline Mob, refleja su filosofía: trabajar con independencia, constancia y una visión clara. Ahora, en 2025, abre un nuevo capítulo con la inauguración de Nekoza Records, su propia tienda de discos en Valencia, un espacio que une todo lo que representa: comunidad, cultura y una dedicación absoluta por la música electrónica.

Hoy Tommaso nos cuenta sobre este nuevo proyecto, su manera de entender la escena y el papel que una tienda de vinilos puede tener en el corazón de una ciudad.

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nekoza records

¿Por qué surgió la idea de montar tu propio record shop? ¿Hubo algún momento clave que te empujó a hacerlo realidad?

Después de gestionar una tienda durante un par de años, se me presentó la oportunidad de abrir mi propio proyecto por varias circunstancias. Al final es lo que me gusta y mi pasión, así que era lo que tocaba. Además, aquí en Valencia sentía que faltaba alguien de mi generación abriendo una tienda, con una visión más moderna y fresquita para la gente joven de aquí (sin quitar mérito a los otros dos referentes, David y Rafa). ¿Dónde se encuentra la tienda y qué tiene de especial la zona en la que decidiste abrirla?

Está en el casco antiguo, en El Carmen. Lo guapo de esta zona es la buena energía que hay. Estoy en una calle peatonal, así que estoy rodeado de turistas, pero solo entra quien realmente conecta con la propuesta :) ¿Qué géneros predominan en la tienda? ¿Buscas un sonido específico o prefieres una selección más diversa?

La tienda se basa en electrónica, desde los 90 hasta hoy. Ahora mismo quiero traer lotes un poco diferentes a lo que siempre se encuentra aquí. Además del sonido que sé que funciona, quiero compartir mis gustos y ofrecérselos a la escena.

¿Cómo crees que una tienda de discos aporta a la cultura de la ciudad y a la escena local?

Puede ser un punto de encuentro tanto para quien crea como para quien quiere aprender sobre este mundo de la música electrónica.

Mi idea es, además, organizar charlas y presentaciones de proyectos emergentes para que tengan su espacio.

Como dueño de un record shop, estás en una posición desde la que puedes influir en lo que la gente escucha y descubre. ¿Sientes esa responsabilidad de acercar música nueva a los DJs y coleccionistas locales, y de alguna forma contribuir a moldear el sonido de la escena? ¡Seguramente! Creo que es algo que va en ambos sentidos. Yo soy el primero en intentar descubrir música nueva constantemente, y quiero hacer lo mismo para quienes entren en la tienda.

Siento que lugares así pueden ayudar a instaurar una cultura y una energía alrededor de ciertos estilos, tanto para quienes se nutren de la música física como de la digital. El simple hecho de poder recomendar un disco o un proyecto que alguien no conocía, y ver que aprende o se inspira con eso, para mí ya es una victoria.

Plantar una semilla que saque a alguien de su zona de confort y le haga aportar más a la escena es, sin duda, un honor… y también una responsabilidad :) ¿Planeas hacer eventos dentro de la tienda, como in-store sessions, live streamings o presentaciones especiales?

Claro, esa es justo la idea. Hay que compartir la cultura con la comunidad :)

¿Cómo ves la escena musical en Valencia actualmente? ¿Cuáles dirías que son sus mayores virtudes y también los obstáculos con los que te cruzas en el día a día?

Por lo que veo y por mi experiencia, las virtudes y los obstáculos a veces son lo mismo. La escena es pequeña: trabajar con todos es bonito, pero entrar y hacerse un hueco puede ser difícil. Aun así, se están cociendo cosas de mucha calidad porque hay cantera, pero ganarte tu sitio cuesta :) ¿Qué tipo de público esperas atraer? DJs, coleccionistas, curiosos… ¿Cómo imaginas que se construya ese vínculo con la tienda?

Espero que cada vez más gente local recupere la rutina de ir a la tienda física. No voy a mentir: por la zona en la que estoy, también espero muchos turistas, jaja.

Quiero que el trato sea personal, ofrecer una experiencia de digging a medida —por así decirlo— y sacarles música que aún no sabían que les iba a gustar :) ¿Cómo imaginas la disquería en 5 años? ¿Cuál sería tu mayor sueño con este proyecto?

Espero que en 5 años sea una referencia en Valencia y, por qué no, en España. Soy una persona bastante humilde, así que voy paso a paso. Me gustaría que este proyecto y la marca fueran reconocidos por lo que ofrecemos y por el trato con todo el mundo… y, claramente, por tener siempre buena música.

Si estás por aquí, pásate por C/ Zapateros 8 (46003). Quién sabe, quizá tu próximo disco favorito te esté esperando en una de las bateas :)

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conxi sane AUTO R F E D E R I C O C O RT I N A

“La música y la pintura hablan entre sí, y yo solo soy el canal” Entre pinceladas y frecuencias, la obra de Conxi Sane respira como un track en movimiento. Su universo es un punto de encuentro entre color, ritmo y emoción: un diálogo entre lo visual y lo sonoro que parece extenderse más allá del lienzo.

Desde su estudio en Berlín —tras un recorrido que la llevó de Santander a Londres y Málaga— su lenguaje artístico se nutre de la música electrónica, del silencio y de la intensidad de lo humano.

Charlamos con ella sobre su conexión con la música, sus procesos creativos y la manera en que el arte puede convertirse en una forma de sanar, compartir y soltar.

Tu obra dialoga mucho con la música, casi como si los trazos fueran frecuencias o beats. ¿Cómo empezó esa conexión entre el arte visual y lo sonoro en tu vida? ¿Recuerdas el primer momento en el que sentiste que ibas a dedicarte a esto?

Creo que todo tipo de arte está conectado por algo que no se ve, pero se siente. Hay una frecuencia que une la música con el arte plástico. Cuando pinto, muchas veces siento que sigo un ritmo o una energía que se va transformando. No pienso demasiado, simplemente dejo que fluya. A veces es una canción, otras veces es el silencio o un sonido que se me queda en la cabeza.

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Dedicarme al arte fue algo que se fue desarrollando con el tiempo, por etapas. Después de un duro golpe, hace ya prácticamente diez años, necesité comenzar a pintar sin saber muy bien por qué. Fue una forma de acompañarme, de dar atención a lo que estaba viviendo. Sé que allí empezó todo.

A lo largo del COVID fue cuando hice el “clic” de que esto iba a pasar de verdad, de que era lo que deseaba hacer con mi vida. Fue un momento de parón, de silencio, y podía ver las cosas con mayor claridad.

La música me ayudó bastante a sostenerme en todo ese proceso, me llevaba a ese estado mental en el que puedo crear sin pensarlo, sin control. Y sobre todo la música electrónica y su ecosistema, la gente, los lugares, y las conexiones humanas que hay detrás fueron una parte muy importante de mi desarrollo y de cómo mi arte ha ido evolucionando.

conxi sane

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Y sí, la música está siempre presente, a mi lado. A veces me ayuda a relajarme, otras a conectarme. Algunos días pinto con un álbum o con un DJ set que se reproduce una y otra vez porque me mantiene en esa vibración emocional. Es como si la música y la pintura hablasen entre sí y yo solo fuera un canal tratando de traducir lo que sucede.

Has expuesto en distintos países de Europa. ¿En qué momento sentiste que tu arte podía trascender el estudio y empezar a viajar contigo?

Tus piezas son abstractas pero transmiten un universo muy cargado de emoción y simbolismo. ¿Cómo encontraste tu propio lenguaje en los lienzos?

Siempre me ha fascinado observar a la gente, cómo se sienten, cómo cambian de estado según el momento o la persona que tienen delante,… Me da la impresión de que mi labor proviene de ahí, de esa curiosidad por saber quiénes somos. Algunas veces cuento las cosas que me suceden, pero muchísimas otras brotan de las conversaciones, de las conexiones que creo con otras personas.

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Bajo el papel, lo que intento es poner en el lienzo la realidad del ser humano con todo lo que eso conlleva: la belleza, contradicciones, miedos, partes que no enseñamos,… Me gusta imaginar posibilidades, pensar cómo algo tan pequeño podría cambiarlo todo. Pinto por intuición, sin plan, sin boceto. Dejo que las cosas se mezclen, justamente como ocurre en la vida.

Todo fue pasando de forma muy natural, sin buscarlo. Siempre he estado cerca del mundo de la música, de los clubs y de la gente que crea desde ahí. En ese entorno empecé a hacer cosas visuales, flyers, carteles, pequeños proyectos e intervenciones, más como una manera de expresarme que como un plan. Poco a poco esas colaboraciones comenzaron a cruzarse con mi trabajo artístico, hasta que todo fue cogiendo forma por sí solo, de manera orgánica. Las cosas empezaron a fluir, fueron apareciendo personas con las que conectaba de verdad y los proyectos comenzaron a tener sentido.

Creo que cuando trabajas desde una posición honesta, fluyendo sin forzar, el trabajo comienza a ocurrir por sí solo. Y eso sucedió: mi arte comenzó a viajar conmigo y a desarrollarse en los lugares donde la música también me estaba cambiando.

conxi sane

La música siempre te acompaña a la hora de crear. ¿Qué escuchas para entrar en tu mood creativo?

Escucho de todo, nunca fui de un género musical en concreto. Todo depende del momento, del estado de ánimo e incluso del material con el que estoy trabajando.

A veces necesito algo más rítmico: el techno me pone en un estado de flujo más físico, más energético. En otras ocasiones escucho jazz o hip-hop, que me ponen en contacto con otra clase de emoción, más suelta, más improvisada. También me gusta mucho el punk y el rock, por esa fuerza cruda y directa que tienen. Creo que, en el fondo, lo que siempre busco en la música es honestidad, si tiene verdad, mensaje y si me transmite algo.

Es reflexiva, con sonidos que me permiten entrar en ese estado de pensamiento donde todo se desacelera, donde puedo escucharme.

Le he agregado un poco de todo: experimentación electrónica, post-punk, hip-hop, techno, ambient… pero más allá del estilo, lo importante para mí es el string que los une. Throbbing Gristle, DJ Vadim, Roberto Musci, Martin Dupont… todos cuentan con un papel emotivo muy definido.

Es un tipo de viaje cerebral y emocional que me sigue al trabajar, una forma de encontrar la comprensión de lo que siento en cada paso del proceso.

Has pintado en vivo en festivales como Dimensions. Eso es casi como tocar en directo, sin red. ¿Qué significa para ti ese momento frente al público y cómo te preparas mental y emocionalmente para estar ahí creando en tiempo real?

El live painting es uno de los momentos en los que más disfruto, aunque también el más complicado. Es cuando todo se conecta: la música, el público y el mero hecho de crear.

Me gusta pensar que lo que estoy pintando es una interpretación de lo que estoy escuchando y sintiendo en el momento, como si el cuadro fuera la parte pictórica de un DJ set o un live.

Y si tuviera que nombrar un conjunto de grupos o artistas que nunca me fallan, serían Cabaret Voltaire o Patrick Cowley. Tienen algo que me resitúa, que me ayuda a centrarme emocionalmente en momentos de dificultad. No sé explicar bien por qué, pero siempre funciona.

Nos preparaste una playlist con la música que acompaña tu proceso creativo. ¿Qué podemos encontrar ahí?

Esta playlist la diseñé para ser escuchada de principio a fin. Tiene un flujo, una narrativa interior que refleja cómo me muevo emocionalmente cuando creo.

Cada canción está ahí por una razón: todas marcan una transición o una energía específica dentro del proceso.

“Nadie puede replicar lo que uno crea, ni siquiera uno mismo”

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Lo que se desarrolla alrededor es importante: las conversaciones, la energía de aquellos que están presentes y, por supuesto, la música que se está escuchando.

Me gusta que alguien que se ausenta durante un tiempo regrese y vea cómo ha cambiado la obra y cómo ha seguido su propio camino. Es hermoso compartir ese proceso.

El proyecto que hice en Dimensions Festival fue especial por eso, y también porque el cuadro se donó para recaudar fondos para distintas asociaciones benéficas. Poder aportar algo a nivel social a través del arte me parece una de las partes más valiosas de todo esto.

Siempre he creído que el arte no tiene que ser algo cerrado o exclusivo. Igual que en la música, cada uno tiene su forma de hacerlo y nadie puede copiar lo que llevas dentro. Nadie puede replicar lo que uno crea, ni siquiera uno mismo. Para mí, compartir el proceso y poder ayudar a otros y a uno mismo es la forma más honesta de darle sentido al arte.

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¿Exploras otros lenguajes además de la pintura?

Aparte de la pintura, la cerámica ha ocupado una gran parte en mi proceso creativo. Fue un descubrimiento que llegó hace tres o cuatro años y transformó completamente mi manera de concebir la creación.

Me encanta porque es un material vivo y terrenal: tiene su propio ritmo y te obliga a abandonar el control. Cuando algo se rompe, no me enfado ni me frustro.

Aprendí a dejarlo ir, a verlo como parte del proceso, y esto lo aplico también en mi vida personal.

Algunas veces abro el horno y todos están de maravilla; otras, no sale como quería. Hay que aprender a ver los errores como algo constructivo, porque la realidad es que son parte principal de cualquier aprendizaje.

De esa manera nació Ivvoki Studio, un proyecto en el que investigo la cerámica desde un lugar más práctico, ligado al diseño y la arquitectura, a la cual me siento muy conectada.

Me encanta cómo los objetos coexisten con los lugares, cómo pueden estar presentes en la vida cotidiana sin perder la emoción ni el carácter.

También soy una gran amante de la cocina, el producto y su proceso como algo cultural. Cocinar me inspira, me calma y me conecta con los sentidos de una forma muy parecida a la pintura o la música. Uno de mis sueños es colaborar con chefs y crear piezas pensadas para acompañar la experiencia gastronómica, fusionando mis dos pasiones: la materia y el acto de compartir.

Si tuvieras que condensar en una frase lo más profundo que te han enseñado el arte y la música, ¿cuál sería?

Si algo me ha enseñado el arte es a confiar y dejar ir. A no aferrarme a lo que salió bien, ni a frustrarme con aquello que no. El arte me ha liberado de vivir bajo expectativas. Me enseñó que no existe una única forma de crear, que te puedes equivocar, detener, cambiar de ritmo o empezar de nuevo. Fue mi manera de aprender a confiar, a soltar y a vivir lo más felizmente posible.

conxi sane

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chris gorrie

chris gorrie AUTO R F E D E R I C O C O RT I N A

Let The Music Do The Talking Quinoa nació como una apuesta arriesgada en el panorama madrileño: un colectivo que no se conformaba con las fiestas; su intención era proponer contextos distintos y jugar con nuevas posibilidades musicales. Con el tiempo, aquella semilla creció hasta convertirse en sello discográfico, escaparate para artistas emergentes y plataforma con presencia internacional.

Detrás del proyecto está Chris Gorrie, un DJ y agitador cultural que, tras una crianza multicultural que lo llevó a vivir en Bruselas, Roma, Buenos Aires y Madrid, encontró en Quinoa la forma más sólida de canalizar su visión sobre el underground y la música electrónica. Hablamos con él sobre cómo nació y evolucionó el sello, la comunidad que se formó alrededor, y hacia dónde se dirige esta propuesta que hoy representa una de las voces más originales del underground madrileño.

Has vivido en Bruselas, Roma, Buenos Aires, Brasil y ahora Madrid. ¿Qué huella dejaron esos lugares en tu manera de entender la música?

¿Recuerdas el momento en que sentiste que tu camino estaba ligado a la música electrónica de manera definitiva?

En Bruselas nací pero me quedé solo hasta los 4 años. Tengo muchas ganas de volver, que sé que está la cosa interesante ahí para nuestra música.

Y en Brasil me quedé unos meses pero de gira. Me dio tiempo aprender portugués pero no puedo decir que viví allí exactamente. No sabría resumir cómo estos sitios en cuestión afectaron mi manera de entender la música pero seguramente crecer en un entorno multicultural tuvo su impacto. En concreto quizás me dio por querer buscar el sonido correcto, al igual que las palabras correctas, en cada contexto. Aprendí a jugar con un balance delicado entre intención y capacidad de adaptación. En cierto sentido creo que hay que hacerse valer en cada sitio en que uno va pero teniendo la inteligencia emocional para llevar la conversación, o el set, de manera que quien esté del otro lado lo reciba bien. Saber adaptarse es esencial.

Sinceramente no lol. Mi madre me dijo siempre que aprendí a bailar antes que caminar. Fue con “Ballando Ballando” de Lucio Dalla que se dio cuenta. Supongo que fue desde antes que tenía habilidad de recordar… Por otro lado, nada es definitivo en la vida creo y mi camino está más ligado a la conexión entre personas. La música ofreció quizás la mejor manera para conectar con gente afín.

Lo que sí entendí en mis teens fue que me gustaba lo suficiente la fiesta como para dedicarme profesionalmente a ello. Con el tiempo empecé a entender la música en general como máxima expresión de emociones. Dentro de la electrónica se abrió una sinfonía de posibilidades que permitía una gama muy amplia de dicha expresión. Y de ahí fue un proceso muy orgánico de búsqueda y refinación del sonido que, en principio, no veo acabar nunca.

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chris luca lozano gorrie

En 2014 empiezas a organizar eventos en Madrid y unos años después nace Quinoa. ¿Cómo surgió la idea de crear un sello propio?

Pues, la idea de Quinoa nació con Moulin porque queríamos dar un paso y proponer algo nuevo en el panorama musical madrileño. Vimos un nicho inexplorado que justo encajaba con nuestros gustos y estaba un pelín adelante de la curva de lo que se proponía en la ciudad. Él traía un conocimiento musical de vanguardia que me hizo aprender mucho y yo traía conocimiento esencial operativo y de negocio en cuanto a organización de eventos. Nos complementábamos bien y empezamos a programar fechas.

La idea del sello nace bastante después, en 2022. Proyecto que empiezo con otro socio que sumó después del primer evento, Andrei aka Solar Punk. Ahora lo llevo yo solo pero el reto fue lo de diggear en modalidad “hard” directamente de la fuente y dar una plataforma a artistas emergentes que encajasen con nuestra visión sonora.

El nombre siempre llama la atención. ¿Por qué “Quinoa”? ¿Qué queríais transmitir con él?

Fue el resultado inesperado de mucho brainstorming. Queríamos algo un poco absurdo y juguetón que sonase bien y llamase un poco la curiosidad. “No lo pienses mucho” era un poco el mensaje ahí para generar ese momento WTF. Además soy un nerd de la comida rollo superfoods, integradores, infusiones, nootropics, Ayurveda y esas cosas, así que me encajaba mucho.

Al principio Quinoa estaba muy ligado a la organización de eventos itinerantes en Madrid. ¿Qué buscabais con ese formato?

La intención era siempre proponer algo nuevo. Al principio queríamos realmente traer a los clubes una experiencia más allá de la música con activaciones estilo festival. Una destacable fue nuestra colaboración con Akyute en que pusimos una instalación para que los invitados hicieran música con plantas en una sala del local.

Por otro lado, en Madrid hay un poco una cuestión de escasez con las salas. Cada una tiene sus pros y sus contras, así que tardamos un rato en asentarnos en un sitio donde veíamos continuidad. Pero así teníamos la oportunidad de aportar algo totalmente nuevo cada vez y experimentar con formatos diferentes. Fue un proceso esencial. ¿Cuál era la visión musical inicial de Quinoa y cómo fue cambiando con los años?

Al principio justo salíamos de la vena Sunwaves de 2017 así que estábamos a full con el minimal y sus variantes. Esa fase no duró mucho. Pronto venas de Acid, Prog, Electro, Techno, Italo y por supuesto House entraron a formar parte del palette. No puedo decir que la evolución fue totalmente ajena de las modas. Vivimos la fase “house 90” como la “electro 2000” que nos influenciaron como a la mayoría de DJs pero siempre con la ambición de adaptar el rollo a los requisitos del contexto en que teníamos la oportunidad de proponer nuestro sonido. Al final sí que conseguimos aterrizar un estilo más “timeless” y armonioso.

Algo que llega con el tiempo y la experiencia de pista creo, y que seguirá refinándose.

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La llegada de Solar Punk como socio fue clave. ¿Qué aportó él a la construcción del proyecto?

Pues, todo. Fue quien hacía los flyers hasta hace poco, quien me motivó a lanzar el label, quien me aguantaba en momentos más difíciles y con quien celebraba los éxitos. Luego se especializó en arquitectura y producción de estructuras efímeras (como el escenario en la jungla en Bahía en que lanzamos ambos LATAM tours de 2023 y 2025). Ahora lanzó su propio sello Barbatus D. Wreckords y se ha desligado un poco de Quinoa, pero no hay duda de que fuimos fundamentales en el desarrollo artístico-musical el uno del otro y siempre se lo voy a agradecer.

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En plena pandemia, cuando todo se tambaleaba, lograsteis seguir activos con el radio show en Radio Relativa. ¿Qué significó esa etapa para el sello?

Poco después empezasteis a conectar con colectivos de otras ciudades europeas. ¿Cómo influyó esa apertura en la identidad de Quinoa?

Fue una etapa muy bonita porque nos dio la primera oportunidad de salir un poco del contexto “música de baile”.

Era ese compromiso en que sí o sí teníamos que armar un set y daba esa obligación creativa para generar una propuesta consistente y atractiva. Fue sobre todo un ejercicio de disciplina al tener un compromiso musical recurrente y serio. Y sobre todo nos permitió explorar otras facetas sin las expectativas de una pista de baile en frente.

Así hicimos capítulos de downtempo, d&b/jungle, ambient y curando narrativas diferentes que ampliaron el rango de las posibilidades.

Al final es de eso que se trata, ¿no? Conectar con gente con la que nos entendemos para crear experiencias juntos. Han sido también oportunidades bonitas para poner a Madrid en el mapa de la electrónica underground internacional. Invitar a gente de fuera siempre es un placer para enseñarles un poco de la buena vida madrileña y para contribuir al panorama cultural local. Por supuesto tener luego la oportunidad de salir de Madrid de la mano de gente en la que confiamos hace también una buena historia. Hemos tenido la suerte de conocer a gente realmente original y genuina en este camino y haber podido expandir nuestras conexiones por el mundo.

chris gorrie

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El primer disco del sello fue un hito importante. ¿Qué recuerdas de ese lanzamiento y cómo entiendes hoy el catálogo que habéis construido?

El primero fue el más duro.

Ya no solo porque era más difícil conseguir la música para algo que no tuviese todavía ningún recorrido, sino también porque encontramos algún retraso logístico con los primeros colaboradores con que trabajamos. La lógica fue siempre que cada referencia del sello fuese una obra completa de por sí. Discos versátiles que pudiesen servir para diferentes ocasiones y que no fueran limitados por géneros en que encajar. El primero fue un split EP entre Pan-J (Túnez) y Roma Khropko (Ucrania) y marcó también el principio de una trilogía titulada “The Nutritionist’s Guide To The Galaxy”, que pronto se cerrará con el tercer capítulo.

Viendo la evolución del proyecto, puedo decir que sin duda la visión inicial se supo mantener.

Tener variedad tanto en cada disco como en la totalidad de la discografía era casi inevitable para poder abarcar la diversidad de gustos y sonidos que representan la identidad de Quinoa. Estoy muy orgulloso de lo que se ha logrado hasta ahora y agradecido a los artistas y colaboradores que han confiado en nosotros para dejarnos su música. También obviamente agradezco a la gente que ha apoyado la música comprando y tocando los discos.

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Ahora Quinoa tiene residencias en Madrid, Barcelona y Roma, y ha estado presente en ciudades como Ámsterdam, Londres, París y Río de Janeiro. ¿Qué aporta esa expansión internacional al proyecto?

Que podamos bailar en más sitios chulos! Y que sigamos desarrollando la marca en todas las escenas de nuestro nicho que haya por el mundo.

Además, como las pistas están compuestas de puros DJs hoy en día, que algun@s lleguen a comprar también nuestros discos quieras o no también ayuda.

Además, expandimos nuestra red de contactos y seguimos creciendo en todos los sentidos.

Más fiestas, más artistas para el label, y poco a poco, más support.

Una bola de nieve a la que todo suma!

Con seis referencias ya publicadas, más lanzamientos en camino y un segundo tour en Latinoamérica, ¿hacia dónde quieres llevar Quinoa en esta nueva etapa?

La verdad es que estoy bastante contento con el punto en que está el proyecto. A pesar de la narrativa capitalista de nuestra sociedad en la que tenemos la obligación de crecer o morir, estoy en un punto en que el ritmo actual encaja muy bien con mi vida. Más foco en el sello y en showcases, menos eventos y más mirados. El trabajo del promotor es muy arriesgado y duro, por eso el foco de los próximos eventos que hagamos serán en los artistas que han contribuido a nuestro crecimiento. Algo que nunca podremos dejar de hacer será obsesionarnos por la búsqueda de nuevos sonidos y esto va de la mano con las ganas de compartirlos. Simplemente quiero seguir en esta trayectoria y que surja lo que surja. Como decíamos a menudo en la radio: let the music do the talking.

chris luca lozano gorrie

Side A

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alexia glensy Hay artistas que transmiten calma incluso antes de tocar un solo tema. Su presencia, su forma de hablar y la pasión con la que describe la música revelan que lo suyo va mucho más allá de las cabinas. Nacida en Londres y criada en Brasil, Alexia Glensy ha recorrido un camino marcado por la curiosidad, la intuición y una conexión profunda con el arte de mezclar emociones (y discos).

Desde sus primeros pasos en la escena brasileña hasta su consolidación en Europa, ha sabido construir un sonido propio: hipnótico, melancólico y lleno de energía.

Hoy, afincada en Ámsterdam y con un nuevo proyecto llamado MÆTERIA junto a Alex Dima, nos invita a conocer su historia, su visión y lo que significa mantener los pies en la tierra en un mundo que nunca deja de girar.

Naciste en Londres pero creciste en Brasil. ¿Cómo te introdujiste por primera vez en la cultura del vinilo y qué puedes contarnos sobre la escena underground en tu país?

Descubrí la cultura del vinilo bastante tarde; era algo que veía hacer sobre todo a DJs internacionales.

En Brasil el vinilo nunca fue accesible: los impuestos de importación son altísimos, casi no hay sellos que editen en ese formato y comprar discos del extranjero resulta caro. Por eso la comunidad es pequeña y la mayoría empezamos con música digital, como fue mi caso.

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Todo cambió cuando me mudé a Londres a los 18. Allí conocí gente con colecciones, tiendas por todas partes y una cultura muy viva. Mi gran despertar fue en una fiesta de Cartulis: ver a los DJs tocar solo con vinilos y sentir su pasión me inspiró a sumergirme de lleno en ese mundo.

En cuanto a la escena underground brasileña, me siento afortunada de haberla vivido. Pese a la falta de recursos, hay muchísimo talento, creatividad y una energía única. La mayoría de fiestas las organizan colectivos independientes, lo que mantiene a la comunidad muy unida. Y cuando un artista internacional toca allí, la emoción que se genera es incomparable.

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Mirando atrás, ¿cómo te percibes hoy? ¿Se parece a lo que imaginabas al empezar o la vida te llevó por caminos inesperados?

A veces aún me sorprende todo lo que he vivido. En Brasil es muy difícil vivir de ser DJ, así que no imaginaba tocar en tantos lugares ni avanzar tan rápido.

Tuve la suerte de cruzarme con personas que creyeron en mí antes de que yo misma lo hiciera, y eso me dio fuerzas para crecer y descubrir quién soy como artista.

Tras viajar, conocer crews y explorar distintos sonidos, encontré el que me representa y con el que más conecto. Hoy me siento más segura y en sintonía con lo que toco.

Para quienes aún no te conocen: ¿cómo describirías tu estilo favorito cuando estás detrás de los platos?

Los DJs que viajan mucho deben cuidar su salud mental y emocional. ¿Tienes hábitos o prácticas que te ayuden a sobrellevar la soledad o la intensidad del viaje constante?

Tengo la suerte de compartir esta vida con mi pareja, Alex Dima, que también es DJ, y eso lo hace más llevadero. Tener a alguien que entiende cada parte del proceso ayuda mucho.

Aun así, he aprendido a valorar los momentos de soledad: conecto conmigo misma, hablo con mi familia, veo una serie o simplemente descanso.

Lo importante es encontrar equilibrio: si el calendario está tranquilo, disfruto y salgo; si viene una época intensa, priorizo el descanso y el enfoque. También intento llenar mis días con cosas productivas y tiempo con la gente que me importa.

Hablemos de tu nuevo proyecto: MÆTERIA. Lo creaste junto a Alex Dima y ahora empieza a ver la luz. ¿De qué se trata y qué podemos esperar?

Creamos Mæteria para mostrar la música que nos inspira y también otros proyectos artísticos.

Queremos que sea más que un sello: incluir sesiones de escucha, música experimental o downtempo, talleres y nuevas formas de compartir arte.

Nos tomamos el tiempo necesario para que todo fluya naturalmente, como ocurrió con el primer lanzamiento de Alex Barbu – Sleep Paralysis EP (MTR01), cuatro temas preciosos que marcan el inicio de este camino.

Busco siempre transmitir emoción. Me gusta la música que hace moverse, pero también la que tiene un punto melancólico, misterioso o hipnótico.

Depende mucho del momento y la energía del lugar, pero suelo moverme entre progressive house, house, electro y trance.

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Hoy estás basada en Ámsterdam, una de las capitales europeas de la música electrónica. ¿Qué ventajas y desafíos has encontrado viviendo allí? Ámsterdam respira música electrónica; los clubs, festivales y la profesionalidad de la industria son impresionantes. Hay oportunidades constantes y una comunidad muy viva.

Los desafíos son los mismos que en cualquier sitio: necesitas persistencia, autenticidad y pasión para construir algo real. Pero si lo haces con compromiso, siempre te lleva lejos.

Si tuvieras que elegir tres clubes en España a los que siempre te gustaría volver, ¿cuáles serían?

Mi casa en España es Les Enfants. Toco allí desde la segunda semana que abrió y siempre es especial: el sonido, el equipo y la energía.

También Spook, un lugar con historia y una vibra increíble donde me sentí muy bienvenida.

Y este Año Nuevo debutaré en Input, un club con un sonido brutal y una atmósfera única al que espero volver muchas veces más.

Para terminar, una pregunta más profunda: ¿cómo ves la escena electrónica actual? ¿Cuáles crees que son los mayores retos y qué cambios propondrías para mejorar el ecosistema?

Crecí en una era donde las redes sociales ya lo dominaban todo, también en la música.

Ese impacto ha cambiado nuestra escena, y aunque es parte de la evolución, a veces resulta frustrante ver cómo se priorizan las apariencias o los números.

Al final, lo que debe importar es la música. Las plataformas son útiles, pero no deberían definir quién eres.

A los artistas les diría: seguid a lo vuestro, no os moldeéis por lo que se ve bien online.

Y al público: explorad más allá de lo que os muestra el algoritmo.

Aun con todo, creo que vivimos un momento muy bonito: salen discos increíbles, artistas jóvenes y veteranos comparten cabinas, y hay colectivos creando cosas inspiradoras.

La magia de la música sigue ahí; solo hay que seguir centrados en ella.

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LVCA ¿Qué lleva a un artista a hacer música? ¿Placer o complacerse a sí mismo? Una pregunta casi utópica, sobre todo en una sociedad que mastica y escupe artistas cada día, obligándolos a gustar antes incluso de gustarse.

Pero hay artistas que, al igual que LVCA, construyen su carrera desmenuzando esa cuestión y permaneciendo fieles a sí mismos, llevando su visión de la música a los clubes más importantes del mundo desde hace más de quince años, tanto en formato DJ set como a través de su live.

Conocí a Luca por casualidad en una boda, sin saber que era el corazón palpitante de la música que escuchaba en mi adolescencia. Los de mi generación, enamorados de la electrónica pero intimidados por la oscuridad minimal berlinesa de entonces, recordarán aquella wave de los 2010 que, en Ibiza, vivía un auténtico hedonistic revival.

Uno de sus portavoces fue precisamente LVCA, entonces Luca Cazal, con proyectos como Infinity Ink y Hot Natured.

Europa redescubría el groove de los ‘80 y ‘90, esa sensualidad rítmica que miraba hacia basslines redondos, sintetizadores analógicos cálidos y una vena vocal casi pop-psicodélica. Para quienes buscábamos un poco de aire fresco, aquel sonido fue una bendición...

Hoy, según nos cuenta, ese espíritu ha sido absorbido por la necesidad de mostrarse, de agradar.

La música, sin embargo, sigue dentro de él como entonces, con una única exigencia: sorprenderse a sí mismo, dentro y fuera del estudio, permaneciendo fiel a su pasión.

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Con LVCA diste forma a una metamorfosis natural hace unos cuatro años. ¿Qué te impulsó a cambiar de piel y dejar atrás tus alias y proyectos anteriores?

Exacto, fue algo que ocurrió de manera muy natural. Con el tiempo, mi camino siempre ha estado en constante evolución, impulsado también por mis gustos musicales tan amplios y por una mezcla de influencias que va en muchas direcciones. Diría que es la búsqueda que hago y la música que propongo en mis DJ sets lo que acaba influyendo en lo que luego tengo ganas de producir. A medida que profundizo en nuevos estilos, suelo obsesionarme con entender su construcción y con crear mi propia interpretación personal. Es algo que he hecho durante toda mi carrera.

Al mismo tiempo, todas las influencias anteriores permanecen en mi música y se entrelazan con las nuevas.

Cada una de mis “nuevas encarnaciones” es la suma de todo lo que vino antes, enriquecida por los sonidos más recientes que estoy explorando.

Antes de llegar a la electrónica ya tenías un recorrido activo dentro de otros géneros como el post punk y la new wave. ¿Siguen influyendo esas raíces en tu música o la inspiración proviene más de lo que te rodea hoy?

Mi primera producción de música electrónica fue en 2011, con el proyecto Luca C & Brigante y el mini álbum Luca C & Brigante presents Invisible Cities, publicado en Southern Fried Records, el sello de Norman Cook, alias Fatboy Slim.

Era un disco de seis temas que exploraba sonoridades baleáricas mezcladas con influencias psicodélicas de los 60 y una electrónica de raíz ochentera, quizá porque en aquella época escuchábamos muchas cintas del Cosmic de Daniele Baldelli.

Ese mismo año también salió mi primer disco realmente house, Different Morals, aún firmado como Luca C & Brigante.

Antes de ese periodo, sin embargo, mi camino musical ya estaba muy activo. Empecé a publicar discos al final de la adolescencia, a principios de los 2000, y mi última banda antes de dedicarme por completo a la electrónica, Cazals (2004–2008), estaba fichada por Kitsuné, el sello francés de Gildas Loaëc, uno de los managers y miembros del equipo de Daft Punk y Roulé Records.

La componente electrónica siempre estuvo presente en mi música, incluso entonces. Con Cazals usábamos muchos sintetizadores y nos inspirábamos en la escena post-punk y new wave británica de los años 80. Incluso llegamos a abrir algunos conciertos del tour Alive de Daft Punk en 2007.

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Pensándolo ahora, mis raíces post-punk y new wave siguen influyendo profundamente en mis producciones electrónicas actuales. Siempre intento mantener ese toque humano con el que crecí tocando en bandas, y probablemente por eso mis temas suenan tan orgánicos, incluso cuando son totalmente electrónicos.

La ciudad en la que vivo también es, por supuesto, una gran fuente de inspiración y condiciona mucho mi manera de hacer música.

La inspiración siempre nace de una mezcla de todo lo que me rodea: lo que sucede en mi vida, la música que pincho en ese momento como DJ y las máquinas que estoy usando en el estudio.

He vivido en cuatro ciudades muy diferentes: Milán, Londres, Ibiza y Barcelona, cada una con una personalidad única que ha marcado e inspirado distintas etapas de mi recorrido creativo.

Pasar de las bolsas de vinilos a los cases llenos de máquinas para tus lives ha supuesto una evolución sorprendente en tu carrera. ¿Cómo llegaste a ese punto?

En realidad, el proyecto de live nació un poco por casualidad.

Acababa de terminar un EP para Cymatix, el sello de mis amigas Anah y Lumiere, y se me ocurrió la idea de presentar los nuevos temas con un live show.

En el pasado ya había hecho algunos lives electrónicos con mi proyecto Infinity Ink, pero esta vez lo estructuré de otra manera: utilicé diferentes máquinas, como la Roland 303, y añadí un sintetizador con vocoder con el que ejecuto e improviso algunas partes en tiempo real, sin programación previa.

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El resultado fue muy positivo, tanto que a partir de ahí se transformó en algo más estable.

Desde el punto de vista técnico, mi set combina Ableton Live, máquinas y una serie de efectos.

Nunca fue una decisión consciente pasar del DJ set al live. En realidad, sigo haciendo ambas cosas: simplemente el live, al ser algo más único y personal, en los últimos dos años ha empezado a tener cada vez más demanda.

Las pistas están divididas en stems que reviso con un controller, mientras que con otro manejo los efectos y volúmenes dentro de Ableton.

¿Sientes la diferencia entre un DJ set y un live también en la interacción con el público?

Es una pregunta que me hacen a menudo, y sí, creo que son experiencias bastante distintas.

El live set es mucho más corto que un DJ set; dura alrededor de una hora y está compuesto íntegramente por mi propia música, por lo que tiene una energía diferente. Es más concentrado, más intenso, y también a nivel visual el público percibe que estoy tocando e improvisando: hay una interacción directa, casi física, que genera otro tipo de conexión.

En el DJ set, en cambio, hay más espacio para dialogar con la pista, dejarse llevar y responder a la energía del público.

Con el live, por el contrario, es como transmitir en una hora toda mi visión musical de forma compacta y potente, y creo que el público lo percibe, respondiendo con una atención y una intensidad distintas.

Cuéntanos cómo preparas y trabajas un live set.

Siempre intento preparar el live en función del tipo de evento en el que voy a tocar.

Hay algunos temas que casi siempre incluyo, que representan la columna vertebral del show, pero en cada ocasión me gusta añadir algo nuevo o rescatar piezas antiguas que produje en el pasado, y crear versiones inéditas para ese live en concreto.

Además, utilizo un multi-efecto conectado a los sends del mezclador para intervenir en tiempo real sobre las distintas máquinas y dar más profundidad y movimiento al sonido.

Tengo una drum machine para algunas secciones rítmicas, una Roland 303 para las partes acid, y un Korg R3 con vocoder que uso tanto para improvisar melodías como para las partes vocales.

Normalmente empiezo a ensayar unos días antes del live, añado nuevos elementos y hago jams para dejar que el set tome forma de manera natural.

Pero la mayoría de las veces acabo improvisando en el momento, creando nuevas líneas melódicas en el sintetizador y mezclando los stems de forma distinta a como lo había planeado.

El año pasado nació Orior, tu nuevo sello. Cuéntanos la narrativa detrás del proyecto y de dónde surge su inspiración.

Orior es una palabra que proviene del latín y significar “surgir”, “elevarse”, en otras palabras, seguir creando y creyendo en la propia visión incluso frente a las dificultades. Es un proyecto al que le tengo muchísimo cariño. Nació como una extensión natural de mi camino artístico, una manera de expresarme con total libertad, sin límites de género y sin la presión de tener que complacer a nadie. Es el espacio donde puedo compartir mi visión de la música de club, tanto a través de mi música como de la de artistas que admiro.

Acabamos de lanzar la segunda referencia y estoy realmente feliz con la respuesta que estamos recibiendo. Creo que la gente percibe la sinceridad del proyecto. ¿Hay máquinas o instrumentos a los que tengas un cariño especial? ¿Por qué?

Sí, a algunas no solo les tengo apego por su sonido, sino también por el recorrido que representan. El Juno-60, por ejemplo, es una de las que uso desde siempre: tiene una musicalidad y un calor que para mí sigue siendo insuperable.

Luego hay instrumentos como el SH-101 o la TB-303, con un carácter muy marcado y que forman parte esencial de mi lenguaje musical. Con ellos he construido gran parte de mi identidad sonora, así que más que instrumentos, los considero verdaderos compañeros de viaje.

Otra que tengo que mencionar, sin la que no podría trabajar, es mi MPC-2000, que uso principalmente para secuenciar las baterías y las drum machines como la TR-909 o la TR-707.

A lo largo de los años, siendo siempre un productor muy ligado al hardware, he comprado y vendido muchas máquinas, pero algunas nunca se han ido, y estas cuatro siempre se han quedado conmigo.

Con más de quince años dentro de la cultura del clubbing, ¿cómo ves la escena electrónica actual, especialmente en España, donde parece haber un regreso hacia espacios y artistas más underground?

Es cierto. En los últimos años he notado un regreso muy fuerte a la esencia del clubbing, a una dimensión más íntima y auténtica que durante un tiempo se había perdido un poco.

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En España, por ejemplo en Barcelona, pero también en ciudades como Valencia o en el País Vasco, hay una nueva generación que está redescubriendo el valor de los espacios pequeños, de los sound systems y de la experiencia compartida de una forma más profunda.

Yo mismo me siento más cercano a ese mundo: clubs pequeños, gente que va a escuchar. Es ahí donde, para mí, el clubbing vuelve a tener un verdadero sentido cultural.

Al mismo tiempo, en Ibiza veo justo lo contrario: una homogeneización de la música, la casi desaparición de cualquier realidad underground y de todo tipo de búsqueda musical.

Ahora todo gira en torno a los grandes eventos y, sin un verdadero cuidado en los line-ups, la música se consume como parte de un espectáculo.

En los últimos años también he conocido a otros artistas en mi misma sintonía, como los chicos de Veintidós Recordings, con quienes he colaborado en varios remixes y temas y tengo un EP a punto de salir.

En cuanto a producción, ¿qué es lo que más te mueve cuando estás en el estudio?

Lo que me mueve en el estudio — podría sonar algo egoísta— es la necesidad de gustarme a mí mismo, de crear algo que realmente ame. Si luego ese tema hace bailar a una pista o llama la atención de algún digger apasionado, bienvenido sea, pero no es lo que me preocupa.

Al final, simplemente quiero hacer algo que me guste.

Me gustaría ver un regreso a los orígenes de la isla, no solo en cuanto a la música, sino también en la actitud y en la manera de presentarla a la gente: con autenticidad, visión y respeto por lo que Ibiza siempre fue. Un melting pot de culturas, estilos, artistas y espíritus libres; un lugar donde convivían todas las clases sociales, unidas por la música y por la libertad de expresarse, antes de que la cultura VIP se impusiera.

¿Hay algo en lo que todavía no te hayas adentrado y que te gustaría explorar más a fondo?

España ha sido tu casa durante muchos años. ¿Crees que sigue influyendo en tu manera de producir?

Me divertí mucho haciendo algo completamente distinto a lo que suelo hacer, y sin duda es un terreno que me gustaría explorar más. Me encanta salir de mi zona de confort y ponerme a prueba, porque es justo ahí donde suelen nacer las ideas más frescas.

Sí. Al principio viví en Ibiza, y en esa época me influenció mucho el tipo de fiestas en las que pinchaba. Fui residente en DC10 durante varios años, y mi sonido entonces era claramente más house. Cuando me mudé a Barcelona, redescubrí mis influen-

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cias new wave, post-punk e Italo, y la ciudad, con toda su historia ligada a ese tipo de música, sin duda contribuyó a ese cambio.

Recientemente participé en unas sesiones en Italia organizadas por Sony Italia, junto a producers y beatmakers del mundo del rap, trap y electrónica pop.

Era un contexto que no conocía y que estoy descubriendo ahora, y debo decir que hay propuestas realmente estimulantes.

El mercado de la electrónica parece hoy un poco saturado y, en algunos aspectos, también plano. ¿Qué cambios has visto a lo largo de los años y qué le dirías a alguien que intenta hacerse un nombre en la escena actual?

Creo que hoy hay demasiada estrategia detrás de la música; muchos producen con un plan muy claro en mente: quieren publicar en un sello concreto para luego dar el siguiente paso en su carrera. Todo se ha vuelto demasiado calculado y se ha perdido un poco esa inocencia que antes caracterizaba la escena.

Las redes sociales también han contribuido a esto: ahora todo está planificado, lleno de estrategias e intercambios de favores…

DJs y promotores que se invitan mutuamente a sus fiestas, de modo que uno toca en el evento del otro y viceversa. Algunos han construido carreras enteras sobre estos mecanismos, más que sobre la música.

Parece importar más a quién conoces y cómo te mueves en redes que lo que realmente propones artísticamente.Y eso, en mi opinión, es una de las cosas que está aplanando la escena. Dicho esto, todavía hay artistas que consiguen proponer algo realmente único y, por suerte, llegar a ser reconocidos a cierto nivel.

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A quienes hoy quieren hacerse un hueco en la escena underground les diría simplemente que trabajen con dedicación, que cultiven su identidad y se conviertan en artesanos de su arte: cuidar cada detalle y poner parte de sí mismos en lo que hacen. Para mí, el underground es una actitud, no un género. Es la coherencia con la que llevas adelante tu visión, el modo en que eliges hacer las cosas. No sigas las reglas del mercado: sigue tu propio rumbo.

Si hay talento, sinceridad y constancia, tarde o temprano todo encuentra su espacio. ¿Qué ve LVCA hoy en su bola de cristal?

Desde el punto de vista discográfico, el proyecto principal en el que estoy trabajando ahora es un álbum que saldrá como LVCA and The Naked Moon, que es mi “banda”, entre comillas, porque sí, es un álbum mío, pero involucra a muchísimos colaboradores.

El 90% de los temas incluye vocalistas, coproductores y distintos músicos, muchos de los cuales han formado parte de mi recorrido durante los últimos veinte años. Es un proyecto muy ambicioso en el que llevo tiempo trabajando; ya estoy más allá de la mitad del proceso y estoy realmente entusiasmado con él.

En paralelo, estoy preparando nueva música para mi sello Orior, continuando con mi visión de la música de club a través de colaboraciones, y dando visibilidad a artistas que admiro y que merecen más atención. La próxima referencia será una colaboración con el artista estadounidense Seven Davis Jr., a quien escucho y admiro desde sus primeros lanzamientos en Ninja Tune. Para mí, es un verdadero visionario de la música house.

En cuanto a los live, tengo planeados algunos shows especiales, pero también habrá un regreso al DJ set, algo que he echado mucho de menos después de estos dos años tocando casi exclusivamente en formato live.

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El cuerpo como instrumento en el filo entre la intuición y el método, entre lo íntimo y lo colectivo

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Meritxell de Soto es una de las voces más singulares de la actual escena electrónica barcelonesa. Procedente de la performance, ha convertido la mezcla en un acto físico, una extensión del cuerpo y de su manera de entender la creación.

Entre la intuición y el método; lo íntimo y lo colectivo, su trabajo se mueve en un territorio donde el riesgo, el humor y la búsqueda de lo honesto marcan el ritmo.

Su manera de abordar el sonido nace tanto de la curiosidad como de la necesidad de poner en duda las estructuras del propio club buscando provocar una experiencia que dialogue con la escucha, el cuerpo y el contexto. En sus sesiones, los géneros se desdibujan, la narrativa se quiebra y aparece algo que tiene más que ver con el presente que con la forma.

Viniendo de la performance, ¿puedes hablarme de cómo entiendes el proceso en el que mezclar pasa a ser algo más físico, relacionado con el cuerpo?

En tu práctica se percibe una tensión entre disciplina y libertad, entre cuerpo y método. ¿Te interesa reconciliarlas o prefieres que sigan en conflicto?

Al fin y al cabo, la música club tiene muchísimo que ver con el cuerpo. Impacta de forma directa y es una invitación abierta al baile. Para mí era casi inevitable explorarlo así. Cuando pincho siento algo muy cercano a cuando toco el piano: la interacción con el instrumento nace del cuerpo y se materializa en el sonido, en el ritmo, en un elemento absolutamente corporal.

Como bien dices, esta ambivalencia entre disciplina y libertad está muy presente en mi práctica, pero también en cómo percibo el mundo. En la narrativa clásica, del conflicto nace el motor de la acción, y sin tensión y release cualquier obra está muerta. Es el estado más puro de vida, a mi parecer. No es cómodo, pero tampoco sé hacerlo cómodo; solo sé ir a buscar aquello que arde dentro de mí y que veo arder en los otros.

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¿Sientes que la tecnología a veces distancia al cuerpo de la música, o te ayuda a acercarte más a ella?

Gran pregunta. Aunque sea un mediador que pueda parecer que nos distancia, creo que muchas personas de mi generación la vivimos como cercanía, como intimidad. Inevitablemente —y creo que esto es algo casi generacional— percibo la tecnología como algo orgánico, una extensión de nuestra percepción de la realidad. Eso sí, desgraciadamente mucha de ella está mediada por el capital y por objetivos no humanistas... pero ese es otro debate.

Repasando un poco tu trayectoria veo que has tenido un crecimiento exponencial en muy poco tiempo, ¿quienes son las personas que te han abierto el camino y te han ofrecido más posibilidades?

Ha sido un camino muy bello del que creo que no cambiaría nada.

Todo ha estado cuando tenía que estar y, aunque es verdad que ha sido intenso, también he podido mantener mis espacios de búsqueda y de referentes. He tenido la suerte de estar en un momento clave en Barcelona, y muches hemos crecido de la mano.

Estás ligada tanto a espacios autogestionados como Canino o Me Siento Extraña, y también a instituciones como el CCCB. ¿Qué cambia cuando llevas lo disidente a una institución?

Cambian muchas cosas, aunque el core se mantiene. Creo que para las grandes instituciones poder aprender de las prácticas de todos estos colectivos es un gran regalo, y a su vez los tiempos, los medios y el cuidado que te da la institución son una virtud.

Me parece el proceso natural de cualquier corriente social o de pensamiento: nace en la calle, en la vida real, y luego la institución la entiende y le da un espacio. ¿Hasta qué punto se puede hablar de “espacios seguros” cuando la pista también es un sitio de riesgo?

La ironía aparece a menudo en lo que haces. ¿De dónde nace: del humor, del juego o del cansancio de tomarse todo tan en serio?

Me obsesiona la ironía. Cualquier artista que se tome demasiado en serio no me interesa. Supongo que, en el fondo, nace de cierta mirada nihilista sobre la vida. Y, a su vez, a través de la ironía se puede llegar muy profundo, a veces más que desde la seriedad. ¿Qué te enseña un espacio de arte que una pista de baile no puede darte?

Poco, creo... solo te da más espacio para la reflexión, usualmente.

Con la música encarnas, pero ¿cuándo se hace el proceso de integración? Queremos ya que nos den estos espacios, jaja.

Cuando hablo de esto siempre cito a Aïda Camprubí, quien en un artículo que escribió sobre esto menciona lo importante que es poder formar parte del riesgo pese a pertenecer a un colectivo que puede sentirse más vulnerable. No queremos estar entre algodones; sería aún más castrante. Mi conclusión: no debemos dejar de vivir, solo —y tan crudo como— tener cada vez más herramientas de prevención y reacción.

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Durante tus actuaciones, ¿cuánto te condiciona la mirada del público? ¿Te preocupa que la gente no entienda cuándo estás actuando y cuándo estás pinchando, o te parece parte del juego?

Tengo muchísimo más presente al público en mis pinchadas que en mis performances. También porque las performances acostumbran a ser piezas cerradas, como una pieza de danza. En mis pinchadas estoy escuchando lo que necesita el público. Me interesa mucho la pregunta: siempre he percibido mi proyecto desde lo performativo, pero una performatividad terriblemente honesta. Separarlo ligeramente de mi persona me ayuda a estar con los pies en el suelo.

Dentro del proceso creativo, ¿qué te divierte más: buscar música o mezclarla?

Difícil respuesta. Me apasiona mezclar: me parece sensual, estimulante... Pero el diggeo... mi deporte favorito. Siempre me han obsesionado los mapas del tesoro. ¿Quiénes dirías que te inspiraron a dedicarte a esto?

Desde Arca, Sophie, Malibu, Tayhana, Crystallmess, Hiroshi Yoshimura; hasta Santa Teresa de Jesús, Antonin Artaud o Virginia Woolf; sin olvidar a toda la gente detrás de Club Marabú, LASADCUM, Me Siento Extraña, Sin Sync y a mis amigas, por querer compartir la música conmigo. ¿Cómo se traduce el trabajo en equipo dentro de una escena que a veces parece tan individualista?

Pues me parece la base de todo.

Yo, sin mi equipo, tengo muy claro que no sería quien soy ahora, ni sin todas las personas que me han inspirado. Eres fruto de un contexto, no un ser individual alejado de él. Perder esa dirección me parece peligroso.

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DJ Babatr y el relato definitivo del Raptor House

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El documental ‘This Is Raptor House’, producido por Morning Coffee y estrenado en el festival In-Edit Barcelona, ofrece una mirada directa a la figura de Pedro Elías Corro y a cómo tomaron forma el género y la cultura que le siguieron Pedro Elías Corro creció al oeste de Caracas, en una Venezuela que todavía ponía en duda los milagros de barrio. Las minitecas eran catedrales móviles, los DJs los nuevos predicadores y las fiestas, rituales de supervivencia. Allí, en un entorno donde la salsa y el merengue eran norma, un adolescente flaco, de ojos grandes –de ahí que sus colegas le llamasen Baba– escuchaba en la radio un techno primigenio que curtió su oído y, sobre todo, su curiosidad. “En el 89 o 90 era un niño en mi casa, escuchando la radio. Había un programa en La Mega Estación, la primera FM de Venezuela, que ponía música belga, holandesa, europea. No sabía lo que era, pero me enganché rápidamente a la música electrónica”.

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Ese descubrimiento fue el punto de partida de todo. En una ciudad dividida por líneas invisibles entre el Este y el Oeste, la música se convirtió en su modo de escapar.

“Ya más adelante, cuando empecé a madurar y entendí qué era lo que me identificaba, me di cuenta de que lo mío era el tribal tech, el tribal techno o el tech trance.”

A finales de los noventa, Caracas era un ecosistema sonoro en plena mutación. Los barrios competían con sus sound systems, los DJs grababan cassettes y los matinés reunían a miles de personas en parkings improvisados.

En ese caldo de cultura nació la idea de un sonido propio.

“A principios del 2000 trabajaba en una compañía de cable (telefonía). Un día fui a instalar una línea en Los Naranjos, una zona pudiente de Caracas, y vi a un tipo produciendo trance con Fruity Loops. Me dio una copia pirata por muy poco dinero, llegué a casa y empecé a probar sin saber ni lo que hacía. No sabía lo que era un reverb, ni un delay, ni la diferencia entre MP3 y WAV”.

Sus primeras maquetas eran rudimentarias, pero transmitían una energía distinta. «Tenía un programa llamado eJay, y con eso grababa sonidos de aquí a allá y empecé a regalarlas a mis amigos. Iba a fiestas y se las mostraba. Una de esas canciones se hizo súper popular aun no sabiendo la gente ni quién era el autor. Poco a poco fue conociéndose que lo firmaba Pedro Elías.

Es decir: DJ Babatr –pronunciado Baba, o Bábatar– otramente conocido como DJ Baba The Raptor.

A comienzos de los 2000, su nombre ya circulaba por los barrios del oeste. “Yo era DJ desde el 93, tenía reputación por buscar los mejores temas, y si no los encontraba, los descargaba en Emule o Napster. Cuando empecé a meter mis propios tracks en los sets, nadie sabía que, por ejemplo, el tema ‘Marihuana’ era mío. Pero era mi voz, mi producción, todo”.

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El fenómeno se propagó gracias a la piratería, pero lo que lo sostenía era una comunidad. En Las Lomas, un sector dentro de Propatria, organizaba fiestas en la azotea de un edificio. En una de esas, calculando que ahí se habían subido unas 1500 o 2000 personas, soltó un tema con un sample vocal de Baba en el que simplemente decía “Las Lomas”.

La reacción fue inmediata: el público enloqueció al escuchar, por primera vez, un track que hablaba directamente a su propia comunidad. Ese orgullo ultralocal impulsó a Baba a una popularidad insólita. Todos lo conocían. “¡Ahí va el alcalde!”, le gritaban al pasar. Babatr había creado un movimiento. El Raptor House, mezcla de percusiones tribales, bajos sintéticos y pulsión rave, empezó a definir una identidad colectiva. Lo que en Europa se bailaba bajo luces estroboscópicas, en Caracas se traducía en euforia y redención. “Ahí fue cuando entendí que con una máquina se podía hacer todo”, recuerda. “Aunque era un caos: los ordenadores se bloqueaban tres o cuatro veces al día y perdías los proyectos si no guardabas bien”.

Pero el éxito trajo consigo el estigma. Cuando el movimiento se masificó, los medios comenzaron a vincularlo con la violencia y la marginalidad. “El problema fue que el término tuki nació con estigma. Tuki significaba marginal, feo, de mal gusto”. Por lo tanto, relacionar el Raptor House con la changa tuki (una forma de refe-

rirse al tipo de música electrónica de la que estamos hablando), fue poco menos que una maldición. La incomprensión fue total.

Mientras los bailarines llenaban los programas de televisión y las competencias de barrio se convertían en fenómenos mediáticos, el mensaje se distorsionaba.

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Entre 2008 y 2010, Babatr se quebró. “Fue mi peor época. Tenía la autoestima por los suelos, con dudas enormes sobre si debía seguir produciendo. Dejé de hacerlo.

Mi mujer siempre lo dice: fue muy duro verme escuchar música sin poder crear”.

La herida no solo era profesional.

Era también existencial. Había pasado de llenar eventos a desaparecer. Hasta que, una década después, el destino volvió a llamar.

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Poco antes de la pandemia empezó a subir temas a Bandcamp, y los mails y mensajes empezaron a llegar por decenas. “No entendía nada. Luego me escribió Nick León. Hicimos una colaboración y, de repente, todos estaban tocando mi música. No porque yo los buscara, sino porque el sonido conectó”. Ese hallazgo marcó su segunda vida.

“Un día abrí el correo y tenía un mail de Primavera Sound. No sabía qué hacer. Mientras tanto, un promotor me contactó y me dijo que quería llevarme a México. Cumplió. Cuando estaba allí, él les escribió de vuelta y me dijo: “Te están buscando, quieren que vayas de todas todas”.

Así que acepté. Llegué nervioso, me tomé un ron blanco para calmarme”. Al segundo track, la gente ya había enloquecido por completo. Al terminar su set, un booker de Primavera Sound dijo unas palabras premonitorias: “a partir de hoy tu vida va a cambiar”.

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El set de Boiler Room en Primavera Sound fue un punto de inflexión. Su historia se viralizó y el mundo puso nombre a lo que ya era leyenda. Después llegaron las fechas en Alemania, México, Países Bajos, Reino Unido, Polonia, Francia, Brasil, Colombia… “Mi camino ha sido largo, pero estos tres años han sido una bendición.

He hecho cosas que a otros DJs les han tomado veinte años”.

Babatr habla sin nostalgia. Su historia no es el mito del héroe redimido, sino la conciencia de haber sobrevivido. “Mi sueño más grande se ha cumplido: vivir de la música. Hoy puedo darle una vida digna a mis hijos y a mi familia gracias a ella”. Lo dice sin épica, pero con la serenidad de quien ha atravesado el ruido.

“Cometí mil errores, o un millón, pero entendí que la música está primero. Antes que el ego, antes que el show”. Su relación con Barcelona se ha convertido en un refugio. “Para mí, Barcelona es libertad. Profesionalmente, Barcelona me libera. Creo que es la capital electrónica de España”.

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El estreno de ‘This Is Raptor House’ en el festival In-Edit fue la culminación de ese viaje. Dirigido por Roberto López, producido por Augusto Alvarado (cofundadores de la productora independiente Morning Coffee), y con la dirección creativa de Gabriela Gardini, el documental recupera la historia del movimiento desde dentro.

“Queríamos hacerlo sin filtros, sin ponerle límites. Rodamos durante más de dos años. Nos dejamos llevar por la historia”, explica López. En pantalla, la Caracas de Babatr aparece partida en dos: la de los prejuicios y la de los sueños.

Pero también la de una cultura que sigue viva. “Para mí, el Raptor House no solo fue un género, fue un fenómeno social. Y ahora se está contando sin adornos ni filtros. Quiero aprovechar lo que me quede en este movimiento para rescatar la dignidad de los bailarines. Son atletas. En Venezuela, ser diferente te convierte en sospechoso, y eso hay que romperlo”.

Cuando las luces se apagan y suena el primer beat del documental, Babatr sonríe. Ha pasado de producir con un Fruity Loops en su habitación, a ver su historia proyectada en un cine de Barcelona. “Por fin siento que se está contando la historia completa.

Por muchos años lo que hicimos fue visto como algo del barrio, algo menor. Pero el Raptor House fue una revolución musical. Y me alegra que ahora se entienda así”. El público del In-Edit se levantó a aplaudir. No solo por la historia del DJ que sobrevivió al olvido, sino por lo que representa.

Una memoria compartida, una reivindicación de un sonido que ha vuelto para quedarse.

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CHARLIE SPARKS AUTO R A PATR I C I A PA R E JA CASA L Í

Arquitecto de su propio sonido De estudiante de arquitectura a figura clave del techno más explosivo, Charlie Sparks ha construido su carrera con la misma precisión con la que un arquitecto diseña sus estructuras: equilibrando emoción, ritmo y forma. Con raíces británicas y japonesas, y una energía que se alimenta tanto de la disciplina como de la rave, Sparks ha sabido transformar la pista de baile en su verdadero hogar. Tras conquistar escenas de todo el mundo con su estilo inconfundible —una mezcla de potencia, crudeza y sensibilidad sonora— el artista se prepara para lanzar su esperado álbum debut, una obra que promete condensar todas las emociones vividas en sus años de intensa evolución.

Charlie, tu sonido se ha vuelto sinónimo de explosividad. ¿Cómo describirías la evolución de tu estilo desde “Welcome to London” hasta tus últimos lanzamientos como “Back From the Baker” o “Old School Love”?

Siempre me ha gustado mezclar e intercambiar géneros, de la misma manera que la arquitectura usa diferentes materiales para crear una pieza final. También intento generar esa emoción explosiva que te enciende desde dentro. “Welcome to London” fue la culminación de todas las emociones, experiencias y culturas que había vivido hasta ese momento. Cuatro años después, tras giras interminables, conocer distintos países, momentos y sentimientos, he evolucionado como persona.

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Quería reflejar esta nueva versión de mí mismo sin dejar de ser fiel a mis raíces, porque el núcleo de una persona nunca cambia realmente. Se trataba de fusionar la crudeza y agresividad de mi yo anterior en una pista más pulida, directa y con un bajo más potente, “Back From the Baker”.

Con “Old School Love”, quise mezclar todas mis emociones positivas y felices en un himno lleno de adrenalina que resonara en cualquier pista de baile. Los últimos cuatro años han sido de adaptación, y así es como cualquier ser evoluciona. Las diferencias entre mis temas demuestran mi capacidad para adaptarme a cualquier emoción, lugar o experiencia, manteniendo mi esencia intacta, algo que puede perderse fácilmente con el tiempo en esta vida tan loca.

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“Back From the Baker” marcó tu regreso al estudio tras años de giras constantes, y lo celebraste con una pop-up rave sorpresa en una panadería del este de Londres. ¿Cómo surgió esa idea y qué querías transmitir con una experiencia tan inmersiva?

Rápidamente me di cuenta de que mi nuevo hogar en esta vida caótica es cuando estoy con mi comunidad y en la pista de baile. Sin embargo, el hogar siempre será el hogar, y quería celebrar mi regreso al estudio y darle a “Back From the Baker” la atención que merecía, celebrándolo en el lugar donde pasé toda mi vida antes.

El objetivo principal era que todos experimentaran la panadería de Charlie, donde todo es dulce, la gente es feliz y la música es tan sabrosa que quieres volver.

La experiencia trataba de unión y espontaneidad, porque ahí es donde ocurre la magia. ¿Qué hay más espontáneo que una comunidad de personas felices y agradables reuniéndose en una panadería del este de Londres un martes cualquiera para lo que creo que fue una de las mejores y más energétis raves que he vivido?

Además, es muy divertido, y mi objetivo principal en la vida es divertirme y vivir momentos mágicos y aleatorios con los demás.

En aquel entonces, el rango de BPM estaba entre 128 y 133, y a mí siempre me ha gustado romper límites, así que lo hice a 145.

En 2020, “Welcome to London” dejó huella durante la pandemia. ¿Eras consciente del impacto que tendría en la evolución del techno más rápido y energético? ¿Cómo viviste ese momento?

El momento en que me di cuenta de su impacto fue cuando empecé a ir de gira y pude sentir y ver la diferencia entre lo que yo tocaba y producía frente a otros artistas. Siempre me ha gustado ser diferente; ser igual que los demás siempre me ha asustado, y eso confirmó mis principios, así que fue una sensación increíble.

No era consciente hasta ese punto (risas). Solo era un chico joven, ingenuo y lleno de pasión, sentado en la casa de mis padres, haciendo lo que sentía, sin darme cuenta de lo diferente que era de lo que existía en ese momento.

Has convertido los pop-up raves y los lanzamientos de merchandising en una verdadera firma de tu marca. En el ADE lo hiciste de nuevo con gran éxito. ¿Qué papel juega esto en tu conexión con los ravers?

Como arquitecto, la conexión proviene del espacio y su creación; para lograr algo íntimo necesitas un espacio cerrado. Para un músico, la conexión nace de la música y de cómo resuena con su comunidad. Para una marca o para la moda, la conexión viene de la ropa y de formar parte de algo más grande. Así como mezclo mucha música y culturas en mi trabajo, quise combinar todos los aspectos que me permiten estar lo más cerca posible de mi comunidad, porque los amo: sus sentimientos y su mentalidad.

Esta fue la mejor forma de mostrar mi agradecimiento por lo que hemos creado, y esto es solo el comienzo.

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Tus producciones recientes muestran una fusión de drum & bass, trance y hardstyle temprano, pero también una madurez sonora. ¿Qué ha cambiado en tu enfoque de producción en los últimos tres años?

Para mí, todo se trata de perfeccionarse, de ser el mejor en cualquier tarea y encontrar la mejor solución. Esto solo se logra con prueba y error. Como en cualquier diseño, creas y luego evalúas lo hecho para ver cómo mejorarlo y refinarlo hasta crear el arte perfecto que te defina como persona y exprese tus emociones.

Ahora también comprendo la vida detrás de la pista de baile, no solo la vista desde ella. Esto me ha abierto mucho la mente y ha cambiado mi manera de entender por qué y para qué hago música.

Estudiaste arquitectura antes de dedicarte por completo a la música. Has dicho que ambas disciplinas comparten la capacidad de “controlar emociones y diseñar atmósferas”. ¿Cómo aplicas esa mentalidad arquitectónica al construir tus sets o tus temas?

Así como el espacio y los materiales se usan en la arquitectura, yo uso el sonido para crear emociones en el oyente.

El equilibrio, la proporción, el ritmo, el movimiento, la armonía y el contraste son los fundamentos de la arquitectura. La forma en que abordas cada aspecto refleja las emociones que sentirá el usuario, y aplico esa mentalidad a mis producciones. Un edificio siempre necesita una base fuerte y bien diseñada que sostenga el resto, lo que para mí sería el kick.

Las paredes serían el bajo; luego añades el interior, que sería la percusión y el ritmo. Después puedes diseñar la fachada añadiendo una gama de sintetizadores y melodías para generar la emoción que quieras transmitir.

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Has confirmado que tu álbum debut saldrá el próximo año. ¿Qué puedes contarnos sobre este proyecto? ¿Qué emociones quieres transmitir con él?

Todas (risas). Honestamente, no puedo expresar cuántas emociones he vivido durante estos cuatro años de giras e inmersión en este nuevo mundo. Algunas ni siquiera sabía que existían. Es una sensación indescriptible descubrir una emoción nueva después de 27 años.

El álbum está lleno de distintos estilos, porque nunca vives la vida con una sola emoción. Quiero mostrarle a la gente que puedes ser expresivo y artista sin seguir lo que está de moda ni lo que otros consideran bueno. Puedes pensar de manera diferente, porque si no te sales de lo convencional, nunca experimentarás la vida ni te entenderás a ti mismo.

Tienes raíces británicas y japonesas, dos culturas con enfoques muy distintos hacia la estética y el sonido. ¿Cómo influye esa mezcla en tu identidad artística?

Una cultura se trata de diversión, desenfreno, rudeza y energía cruda; la otra es suave, delicada y precisa. Esa mezcla básicamente me define: un perfeccionista lleno de energía, rápido y apasionado.

Vivir entre dos culturas tan opuestas me ha permitido comprender un amplio espectro de emociones y experiencias. Cuantas más puedas sentir y vivir, más herramientas tendrás para expresar tu arte.

Has anunciado tu regreso a Colombia para Año Nuevo, con shows en Bogotá y Medellín.

Considerando que tu primera gira fue allí, ¿qué significa para ti volver al país donde todo comenzó?

Significa todo para mí, y siento que todo encaja perfectamente.

Colombia siempre está en mi corazón; es una parte de mí. Me hizo quien soy hoy. La gente, la energía y el amor que recibí allí como DJ principiante fueron increíbles.

No había pretensiones ni negatividad, solo apoyo puro hacia un chico joven que viajó a otro continente para compartir su pasión.

Estoy muy emocionado por volver a sentir ese amor y devolver el mío, de vivir ese momento mágico de nuevo y comenzar 2026 con la energía más intensa imaginable. No hay mejor forma de entrar en 2026.

La escena rave ha cambiado mucho en los últimos años, con una generación que busca experiencias más crudas, rápidas y emocionales. ¿Cómo ves la evolución del público y la nueva ola de artistas?

El público cambia constantemente, mucho más rápido que antes, y creo que eso se debe a que la música ya no tiene límites. Todo está entrelazado, ofreciendo más variedad y llegando a más personas. Los artistas también emergen a edades más tempranas, lo cual me parece genial, porque les da más tiempo para descubrir quiénes son mientras tocan y exploran cada fin de semana. Cuando eres joven, eres más ingenuo y valiente, y eso es algo muy bueno. Esto se refleja en los nuevos artistas que vemos hoy: no tienen miedo de romper barreras ni de tocar la música que quieren, sin quedarse en un solo estilo solo porque alguien les dijo que así debía ser, tal como yo cuando empecé y quise inspirar a otros a pensar igual.

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Has publicado en EXHALE y NINETIMESNINE, donde tus temas “Tatakai” y “Kaizoku” siguen siendo los más escuchados de cada recopilatorio. ¿Cómo creas algo único en un VA y cuál es el secreto del éxito cuando compartes espacio con tantos buenos artistas?

España parece tener una conexión especial contigo. Sorprendiste a todos con tu remix de “Mari Carmen” de La Pegatina, algo que encantó a los ravers españoles. ¿Qué puedes contarnos sobre esa conexión con tu público español?

La conexión es pura. Siempre he amado España: su cultura, idioma y gente. Tiene una mentalidad bonita y alegre, y les encanta la fiesta. Creo que somos bastante parecidos. Festivales como Monegros siempre han llevado la rave al límite, creando un mundo loco donde simplemente puedes disfrutar de la vida.

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Estás horas en un desierto, dentro de un avión, todos saltando juntos y compartiendo energía.

La conexión con “Mari Carmen” también vino de una experiencia personal, cuando estuve en el festival Magdalena, en un pequeño pueblo cerca de Valencia llamado Castellón. Es su fiesta anual y escuché el tema tocado por una banda; supe al instante que quería hacer mi versión y compartirla con la comunidad española para mostrar cuánto los aprecio. Y, por supuesto, amor para La Pegatina por la colaboración oficial: sois los mejores.

Todo se trata de ser único, tener tu propio estilo y pensar con originalidad. Si escuchas ambos temas, son completamente diferentes de lo que se hacía en la escena en ese momento.

“TATAKAI” es un tema de bajo invertido, tipo reverse bass, que no sonaba como el techno normal de entonces, y “Kaizoku” es una pista energética, tipo psy, con influencias de hardstyle que nunca se habían escuchado dentro del techno de ese tiempo, aunque ahora están presentes en casi todos los temas de hard techno actuales.

Sé fiel a ti mismo, crea sin límites y experimenta, porque el proceso no tiene que ser perfecto. Simplemente crea algo y luego mejóralo. Todo lo que haces entre el inicio y el resultado es lo que forma al artista, no la obra en sí.

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Tu carrera avanza a un ritmo imparable — giras, lanzamientos, pop-ups, proyectos visuales… ¿Cómo logras mantener el equilibrio y cuidar tu salud entre la vida personal y la artística?

Todo fue gracias a mi mánager, Beatrice (risas). Antes, no podía decir que fuera precisamente saludable. Vivía la vida, sí, sin duda, pero no de forma sana. Me alegra haber vuelto al deporte y a cuidarme, porque así era yo antes de todo esto: me encantaba jugar al fútbol, practicaba atletismo a nivel competitivo y hacía BMX cada fin de semana.

El equilibrio es clave, y creo que la mejor forma de lograrlo es saber cuándo elegir tus batallas.

Siempre hay tiempo para divertirse, así que mientras equilibres el trabajo y la diversión, tu salud mental y física estará bien.

También valoro mucho mis estudios de arquitectura. Me enseñaron la importancia de la disciplina, y a menudo me sorprendo aplicando los mismos procesos de pensamiento y enfoques que aprendí entonces para desenvolverme en mi carrera musical y afrontar nuevas situaciones.

Por último, si pudieras definir lo que viene para Charlie Sparks en 2026 en una frase, ¿cuál sería?

Una versión nueva, renovada y superándome a mí mismo. Se viene una mejora. Sigo intentando refinarme cada día, mejorar como persona y artista. El próximo año será aún más explosivo y espontáneo.

Viene mucha música nueva porque quiero que mi comunidad sienta más y conecte más conmigo, con quien soy realmente y con lo que quiero expresar.

La música es la mejor forma de transmitir esas emociones.

Esto es solo el comienzo; tengo mucho más para vosotros. El viaje apenas empieza; confiad en mí, será increíble.

Así que acompáñenme en este viaje y disfrutemos juntos de esta vida.

Pasar de una vida estudiantil y una rutina regular a girar por el mundo y vivir de la música es un cambio enorme. ¿Cómo afrontaste esto y cómo logras mantener los pies en la tierra?

La transición de una vida normal y rutinaria al núcleo de la industria fue una de las batallas más difíciles que he tenido que enfrentar en mi carrera musical, y aún hoy sigo gestionándola. Las semanas se invierten, los patrones de sueño desaparecen y el entorno en el que te ves inmerso es completamente diferente a cualquier cosa que hayas vivido antes.

He descubierto que la diferencia clave entre un artista que se quema y uno que sabe manejar la presión está en las personas que le rodean. Por eso, tengo un enorme amor y aprecio por mi círculo más cercano de confianza, que incluye a mi familia y a mis verdaderos amigos.

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brunetto

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cómo produzco

HABÍA QUE LANZARSE (DE NUEVO)

ECLÉCTICO POR NATURALEZA

Al igual que cuando dibujaba o pintaba, procuro que el proceso creativo no sea forzado. Más bien un juego donde, en un tiempo ilimitado, trastee con ideas, bases, líneas de sinte, etc. En mi sótano de Sevilla era ideal, las horas volaban y a veces ni llegaba a ver la luz del día. Se me olvidaba comer. Desde que estoy en Barcelona, y también desarrollo otras funciones en mi vida laboral dentro de la industria musical, componer a la vez que arrancar a ‘trastear e improvisar sin restricciones de tiempo’ se ha vuelto en un (casi) imposible. Este nuevo mini-lp ‘Ooparts’ reúne temas que he compuesto durante los últimos cinco años, todos conectados por una atmósfera cinematográfica, ritmos variados y una sensación constante de rastrear y remover ideas. Los bocetos, los esqueletos que yo llamo, por fin tuvieron su momento para coger músculo, entrañas, pulmones y un corazoncito… en definitiva, ¡a cobrar vida!

Eso es, el titular no miente. Desde que tengo uso de razón soy un bicho apasionado con la fusión de géneros. Antes para mucha gente era un craso error, pero gracias a artistas como DJ Shadow, Modeselektor o Four Tet, eso se ha quedado solo en un discurso de gente avinagrada. Como gran pirrado de la MÚSICA, del BEAT, de la diversidad de estilos… sobre todo aquellos que profundizan en los ritmos como el Hip Hop, electro, drum’n’bass, IDM-Techno o Trip Hop. Me obsesiona excavar en cubetas de vinilos, al igual que construir mis propios trabajos usando ideas propias y cualquier método o instrumento que se preste.

Me vale hasta el sonido de clavar un palo en madera. Explorar es muy sanote. En LPs como ‘B+’ o ‘Sheroine’ se me vió muy bien el plumero. En lo nuevo, temas como ‘Blade Rana’, ‘Ooparts’ o ‘Nyarlathotep’ lo demuestran.

EN EL ESTUDIO: HERRAMIENTAS ESENCIALES

Me encanta proponer. Especialmente para incorporar vocales. No ha sido menos en esta nueva ocasión. Si en el pasado pude contar con grandes colaboraciones como las de I Am Dive, Valentina Glez., Diargi, Suko, Uno, Fede Weiss, New5ense o ACCD, esta vez tengo a mi lado al rapero Young Quincy -para ‘War Games 2025’- y una que me ha hecho una grandísima ilusión: la talentosa artista franco-colombiana Ëda Díaz, justo para ‘Nyarlathotep’.

Amo la calidad y las cualidades de ella desde que tuve la oportunidad de trabajarle la prensa para ‘Suave Bruta’, incluso conocerla en persona. A estas alturas ya debéis tener muy claro mis debilidades en cuanto a influencias.

Yo, que sobre todo me considero un beatmaker, defiendo la electrónica y no tener ataduras. Por eso, a los nombres que ya dije, sumaré otros como Dabrye, Flying Lotus, Yppah, Leftfield… o las barbaridades que sacan desde hace tiempo en sellos como Anticon, Warp, Mo Wax o Ninja Tune. Nacionales, admiro mucho a Skygaze, Lost Twin, Rec_Overflow o Ylia.

Solía trabajar siempre a medio camino entre una, o dos groove box, siempre de Roland (tipo la SP-808, que fue desde luego el cacharro que me indicó el camino), algún sintetizador que me produjese cosquillas (para pistas orgánicas tiraba mucho del Korg Karma, ahora mismo me las genera el Korg Modwave) y el Cubase SX como DAW. Actualmente, la cosa ha cambiado. Gracias a los avances de los últimos años de Propellerheads / Reason Studios, la versión 12 se ha convertido en mi animal de compañía favorito. Sumemos el sinte que ya mencioné, pequeñito pero matón, y un sampler Roland SP-555 además del AKAI Force para trastear y hacer algunas barbaridades. Procuro tenerlas todas conectadas a la vez, y sobre la marcha, ir ideando cosas. Cuando algo me funciona, me saca una sonrisa, la grabo del tirón. Luego es cuestión siempre de ir ordenando esas ideas, para finalmente limar y limpiar todo lo que se pueda. Es como domar mi propia locura. Es lo más difícil, pero lo tuve siempre presente desde el primer disco en 2005 “Déjalo Así, Bru” ¡De ahí el título!

INFLUENCIAS Y COLABORACIONES MUY ESPECIALES

LA TRANQUILIDAD Los que producen música saben en primera persona lo tranquilo que se queda uno al terminar un trabajo. Masterizado -en este caso por Pobla, estudios de AFFKT, lo cual es un plus- y con el visto bueno de Fernando Lagreca -jefazo de Beautiful Accident- para enviar a la distribuidora y concretar fechas para el lanzamiento. Ah, y por supuesto, sentir la satisfacción de que valió mucho la pena el tiempo y las neuronas empleadas. Luego, gustará más a la gente, o gustará menos. Nunca fuí de obnubilarme con las cifras. Ni antes, ni ahora.

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tony guerra

tony guerra AUTO R J UA N M A M O L I N A

La revolución musical de Tony Guerra: educar, conectar y elevar a la próximas generaciones a través de Overtones Latinoamérica consolida su presencia en la electrónica mundial, y el recorrido de Tony Guerra ayuda a entender este ascenso. Su historia musical comienza en Caracas, en un ambiente donde la curiosidad y la experimentación definían la cultura juvenil. Aquella energía inicial evolucionó hasta convertirse en Overtones, una plataforma que apuesta por la educación, el trabajo colectivo y la visibilidad internacional del talento emergente.

¿Recuerdas el momento en el que descubriste que la música electrónica sería tu camino?

Sí. Lo recuerdo con claridad porque fue una etapa que marcó profundamente mi vida. Crecí rodeado de música, pero hubo un momento específico en mi juventud que cambió mi rumbo para siempre. En Caracas vivíamos una época dura, donde muchos jóvenes sentíamos el peso del clasismo y la falta de oportunidades. Para muchos de nosotros, los matinés no eran simplemente fiestas para adolescentes: eran un refugio, un escape, un lugar donde todos éramos iguales.

Fue allí donde escuché por primera vez esos beats que venían del movimiento que lideraba DJ Babatr, el creador del sonido Raptor House, un género que nació en los barrios y que hoy por hoy terminó conquistando al mundo. Esa energía cruda, urbana, rebelde y auténtica me hizo entender que la música electrónica podía cambiar realidades, podía liberar, podía unir.

En medio de ese caos hermoso, entre bailes, adrenalina y la sensación de pertenecer a algo más grande, sentí que mi vida podía tomar otro camino si me entregaba a la música. Entendí que no era solo entretenimiento: era una identidad, una forma de transformar lo que éramos y lo que queríamos ser. Ese día dije: “Yo quiero dedicar mi vida a esto”. Y desde entonces no he parado.

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¿Cómo nació Overtones y qué te inspiró a crear una plataforma que combina música, educación y tecnología?

Desde tus inicios como DJ y productor, ¿cómo ha evolucionado tu visión del papel que la música puede tener en la comunidad?

Overtones nace de una necesidad real: construir comunidad.

Viajando por Latinoamérica me di cuenta de que había talento pero faltaban herramientas, espacios de formación y plataformas que integraran música, conocimiento y tecnología en un solo ecosistema.

Antes veía la música como una forma de expresarme. Hoy la veo como una herramienta para transformar. La música une, educa, inspira. Te conecta con personas que quizás nunca hubieras conocido. Ese impacto social es lo que me impulsa a seguir creando proyectos que abran puertas para otros.

Creé Overtones para unir todo eso: una plataforma donde un artista puede aprender, producir, tocar, conectar con otros y presentarse en eventos reales. Es un movimiento, no solo una marca. ¿Qué representa para ti la cultura electrónica en Latinoamérica y cómo se refleja en el ADN de Overtones?

La cultura electrónica en Latinoamérica es resistencia, fiesta, identidad y comunidad. Somos un continente que convierte dificultades en creatividad, y eso se siente en la pista. El ADN de Overtones está hecho de eso: energía latina, disciplina, mezcla de raíces, calle, calor humano y una vibra muy nuestra que ahora estamos llevando a otras partes del mundo.

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Overtones comenzó en Latinoamérica, pero hoy tiene presencia en todo el mundo. ¿Cuál ha sido el mayor reto en esa expansión global?

El mayor reto ha sido mantener la esencia latina mientras crecemos en países con culturas muy distintas. Pero también ha sido nuestra fortaleza. Lo latino tiene un alma única, y cuando lo mostramos con respeto y autenticidad, conecta en cualquier parte del mundo.

Parte del proyecto incluye una plataforma educativa desarrollada internamente. ¿Cómo nació esa idea y qué impacto esperas que tenga?

Nació del mismo problema que yo viví cuando empecé: falta de guías claras, de estructura y de acceso a lo que quería aprender.

Aunque pude estar en una escuela de DJs, “Pitch Control”, la falta de información global siempre faltó.

Queremos que un joven que vive en cualquier ciudad —grande o pequeña— pueda aprender lo que necesita para convertirse en DJ y/o productor, usando herramientas modernas, intuitivas y adaptadas a la realidad actual.

El impacto que buscamos es democratizar la industria: que el talento no dependa del lugar donde naciste. ¿Qué diferencia a Overtones de otras plataformas o academias existentes?

Que Overtones no es solo una escuela, sino un ecosistema completo que cuenta con educación, sello discográfico, showcases, eventos internacionales y festivales, comunidad y networking real dentro de la industria.

Los alumnos no solo aprenden, sino que se integran en una familia global que vive de la música. ¿Cómo ves el futuro de la educación musical en la era digital y qué papel tendrá la inteligencia artificial?

La educación musical será híbrida: humana y tecnológica. La IA ayudará a acelerar procesos, a guiar mejor a los estudiantes y a personalizar el aprendizaje. Pero la sensibilidad, la creatividad y la identidad seguirán siendo humanas. Para mí, debe mantenerse el arte; hay que tener claro que la IA no reemplazará nunca al artista, pero sí lo potenciará.

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¿Qué significa para ti ver los eventos de Overtones alcanzar el sold out en ciudades tan distintas?

Es una confirmación de que la visión funciona. Cuando llegas a ciudades tan diferentes —desde Caracas hasta Medellín pasando por Barcelona, Ámsterdam o Nueva York— y la gente conecta con el mismo mensaje, entiendes que la música realmente trasciende fronteras.

Estás en plena expansión europea con España como base estratégica. ¿Qué significa este paso para el movimiento?

España es un puente natural entre Latinoamérica y Europa. Establecerme aquí no es solo una decisión artística, sino que también es estratégica ya que sirve para abrir caminos a nuestra comunidad latina dentro del circuito europeo. Queremos llevar nuestro sonido y nuestra identidad a otro nivel y, al mismo tiempo, crear espacios para que nuevos talentos de Latinoamérica puedan proyectarse fuera. ¿Cómo logras equilibrar tu faceta de DJ, productor y fundador de Overtones?

Con mucha disciplina y un equipo que confía en la visión. Trato —e intento, porque somos humanos y hay días, y días— dividir mis días entre creación, gestión y estudio, pero siempre mantengo clara mi prioridad: la música. Sin la música, el resto no existiría. ¿Qué significa para ti la palabra “éxito” hoy?

Para mí, el éxito es la libertad. La libertad de crear, de vivir de lo que amas, de cuidar a tu familia, de viajar por el mundo compartiendo tu energía y de ayudar a otros a lograr sus sueños también.

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C DJ -3000X : E L N U EVO ESTÁ N DA R D E L DJ I N G PRO F ES I O N A L

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AlphaTheta redefine su buque insignia con conectividad total, pantalla mejorada y sonido de alta resolución AlphaTheta presenta el CDJ-3000X, una evolución directa del legendario CDJ-3000 que vuelve a elevar el listón en la cabina profesional. El nuevo modelo mantiene la esencia del reproductor más utilizado del mundo, pero introduce una capa tecnológica orientada a la era del streaming y la nube.

La “X” de su nombre sintetiza el concepto: expansión, experiencia y excelencia.

Expansión en conectividad —gracias al acceso directo a almacenamiento en la nube y servicios de streaming—, experiencia de uso optimizada y excelencia en ingeniería y sonido.

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Por primera vez, el CDJ incorpora WiFi integrado, eliminando la necesidad de cables LAN y facilitando la configuración en cualquier entorno. Además, su punto NFC permite acceder a medios online con solo acercar un smartphone, una función pensada para el flujo rápido de los DJs contemporáneos.

El rediseño también se siente en lo táctil.

La pantalla capacitiva de 10,1”, ahora con mayor resolución y respuesta, permite una navegación más fluida e intuitiva. El jog wheel, con un rango más amplio de ajuste de tensión, ofrece una sensación de precisión inédita, mientras que los nuevos botones de play y cue prometen años de resistencia en uso intensivo.

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En el apartado sonoro, AlphaTheta ha incorporado un DAC de alto rendimiento y una fuente de alimentación rediseñada para ofrecer un audio más potente, con más claridad y punch, incluso en grandes sistemas.

Procedente del equipo responsable de Pioneer DJ, AlphaTheta consolida su propio camino como marca matriz. Con el CDJ3000X, el mensaje es claro: la tecnología cambia, pero el objetivo sigue siendo el mismo —inspirar creatividad y conectar a las personas a través de la música.

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E L REG RESO D E L F UTU RO Roland TR-1000: el nuevo buque insignia que une pasado, presente y lo que viene

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La historia del ritmo moderno se escribió con tres letras: TR. Desde la 808 hasta la 909, Roland ha marcado cada etapa del pulso electrónico. Cuatro décadas después, la marca japonesa presenta la TR-1000 Rhythm Creator, una máquina que recupera el alma analógica del pasado y la fusiona con el diseño digital del presente.

La TR-1000 combina lo mejor de ambos mundos: circuitos analógicos fieles a las legendarias 808 y 909, modelado digital avanzado, sampleo estéreo y un secuenciador que reinventa el flujo de trabajo clásico. Es, literalmente, un puente entre épocas.

Por primera vez en más de 40 años, Roland integra un auténtico generador analógico con 16 de los circuitos más codiciados de sus modelos originales, reconstruidos con precisión quirúrgica. A su lado, los motores digitales ACB ofrecen emulaciones detalladas de los clásicos TR y nuevos modos de síntesis —desde FM hasta percusión PCM— que expanden la paleta sonora más allá del terreno analógico.

El trabajo con muestras también alcanza otro nivel: sampleo y resampleo estéreo, edición por trozos, sincronización BPM y 64 GB de memoria interna, de los cuales 46 quedan libres para tus propios sonidos. Todo ello acompañado de una biblioteca inicial de 2.000 muestras curadas por Roland.

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El apartado de efectos convierte la TR1000 en un verdadero laboratorio: filtros SVF inspirados en diseños OTA, saturación analógica, delay, flanger, pitch y reverbs por pista. Cuatro pistas ofrecen doble motor de sonido, LFO triple y sidechain interno, lo que da pie a grooves complejos y dinámicos.

El nuevo secuenciador amplía el mítico flujo TR-REC con un modo de entrada flexible, cuantización variable y probabilidad por paso, permitiendo desde patrones mecánicos hasta grooves orgánicos y llenos de swing. La función de instantáneas permite guardar y lanzar al vuelo cualquier posición de dial, ideal para el directo.

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Construida en aluminio y acero, con diales sólidos y teclas RGB de alta respuesta, la TR1000 está pensada para durar. Se integra sin fricciones con estudios híbridos y setups modulares, actuando también como interfaz de audio/MIDI multicanal vía USB-C. Roland ha diseñado la TR-1000 junto a productores y artistas de todo el mundo, no como un homenaje nostálgico, sino como una herramienta viva. Una máquina que entiende el ritmo no como una fórmula, sino como un lenguaje en evolución.

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ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca pr@freelastica.com

VITALIC OK COWBOY 20Y Lo recordamos bien aunque hayan pasado ya la friolera de 20 años. Y es que no solo los estilos y las formas vuelven de manera cíclica, en ocasiones también toca recuperarlas aportando nuevas mezclas y quien sabe si sensaciones frescas. La música del francés Vitalic marcó un camino. Uno donde lo sintético hacía migas, muchas migas con lo épico. Euforia que igual provenía de melodías salvajes como de ritmos contundentes. Una electrónica pistera que tampoco hizo ascos a la electricidad del punk rock, a los momentos decadentes del French Touch y que algunos tildaron de nueva ‘rave age’. A lo que estamos, este primer larga duración de Pascal Arbez-Nicolas vuelve a plancharse, esta vez en un formato crema (box set) y donde además de sencillos como ‘La Rock 01’ o ‘My Friend Dario’, se suma material inédito. Un bonbon épicé!

IZAN CRAMER 00:00 IZAN CRAMER Las singularidades del productor y DJ Izan Cramer se traducen en pura pasión por el techno escapista, la estética minimalista y atentos, por la poesía. En esta estacada intrusiva existen cortes que, lo digo en serio, se van a vengar de nuestros nervios. Se los comerán con papas mientras nos quedamos flotando. Así sucede con el que presta su título al disco, ‘00:00’, que también con ‘Espacio vital’. Clamando notoriedad y resistencia encontraremos pistas con una resonancia más cruda, a la vez que aturdidora, como ‘Nocturnidad y alevosía’, ‘Escenas paralelas’ o ‘Subversión del sueño’ el cual tira de 90s a ritmo de intriga y un martillo neumático sónico liderando los cinco minutos y pico que dura. Un proyecto dirigido a un público que valora el respeto por la cultura de club y busca una conexión más emocional.

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HARRISON FIRST WAAR JNRY FIRST Por lo que sabemos, el último año para este artista multidisciplinar ha sido de todo, menos tranquilo. Incluso turbulento. El norteamericano -aunque reside en Estocolmo- se lanza al vacío con un disco de hasta once canciones donde nos va a poner finos con multitud de historias personales. Un trabajo donde deja en evidencia su actual querencia por el afro house, así como otros sonidos rítmicos de la diáspora africana y el pop electrónico usado a modo de carantoña y que abusa de los efectitos vocales (‘Move On’ empieza mejor que sigue). En ‘WAAR’ hay arranques de angustia y cambios, de reacciones naturales contadas de una manera íntima. Lo frágil se cruza a veces con la felicidad, y ni tan mal. Cuando fluye en el buen sentido, ‘Calls I Can’t Return’ o ‘Healthy Pain’, una maravilla.

SYD DEPALMA PARIS RASO ESTUDIO Syd dePalma, además de ser un alma errante, se ha convertido con los años y el sudor de sus notas, en un cíclope de la música. Me explico. Estos seres mitológicos eran unos extraordinarios herreros y artesanos. Milton, a quien conocí con su desdoble más electrónico llamado Galera -cursando a lo Tycho o Four Tet- es ahora todo carisma transformando psicodelia, sonidos indie e incluso arranques flamencos, en algo nuevo. El LP ‘paris’ nos conecta con esa maleabilidad sonora. Camina por espacios oscuros y oníricos. Música volátil cargada de tonalidades y melodías palpables. A excepción de la maravillosa ‘plataformas y Sexo’ donde la voz es cosa de Heather Cameron, se decanta por las letras en español, abordando temas sociales o existenciales. Destacan ‘cola del Vicio’ y ‘Confianza, la noche me dejaste ser triste’ junto a Florent de Los Planetas.

ÁLBUM DESTACADO

CHARLOTTE DE WITTE CHARLOTTE DE WITTE KNTXT Extraño que no hubiese lanzado aún álbum ¿verdad? O tampoco tanto, ya que este tipo de artistas que se mantienen mucho tiempo en la cresta de la ola, del super-estrellato, priman seguir actuando frente a miles de personas, que el sacrificio de encerrarse en la ‘soledad’ del estudio para crear una historia en formato largo. EP o revisiones como la del ‘Age Of Love’ (junto a Enrico Sangiuliano, van a otro ritmo). Charlotte de Witte ha demostrado ser una batalladora y encima triunfa. Este LP debut es un reflejo de su personalidad. A lo largo de once temas, todos cargados de intención, bailable aunque sensorial, nos narra con crudeza quién es realmente. Desde el arrebato inicial -ácido y techno- de ‘The Realm’, hasta desdobles sorpresa con beats rotos y vocales emotivos (‘Higher’) no para de sucederse su buen tacto. Suena honesta consigo misma.

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ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca pr@freelastica.com

KRAAK & SMAAK VELVET SEAS BOOGIE ANGST Estos no paran, y por mi, que sigan así. El gancho que siempre tiene la música de Kraak & Smaak -trío holandés que no dúo- es mayor del que usaron los supermalos de ‘La matanza de Texas’ en una infame secuencia. Y eso que esta vez han virado un poco la habitual propuesta bailable y funkera, hacia derroteros bastante más soul-pop, escondiendo incluso gemas como ‘Heat’ (con Butter Bath) o ‘Ear to the Ground’. Sin necesidad de tirarnos de los pelos, el brillo y la buena reputación que los acompaña sigue muy viva. Especialmente si nos dejamos transportar por canciones como ‘Travel Light’ (con IVAR) o ‘Nothing Is Forever’ (con Kosta G). En definitiva, un delicioso largo de hasta trece cortes donde a pesar de la cercanía de ‘Twenty’ (Jalapeño, 2023), podemos notar un buen macerado.

L OWN DAYBREAK SURVIVORS WESTERN LORE El enigma y el éxito se apoderan de esta historia. Nadie sabe a ciencia cierta de quién es la sombra que asoma tras la neblina de L own. En todo caso, se trataría de un productor con sede en Moscú, que desde luego podría haber nacido en tierras británicas y ser de lo más destacado del nuevo sonido hardcore-rave. Tan impactante como críptico, este nuevo capítulo de nombre ‘Daybreak Survivors’ apunta continuar la estela de los aclamados ‘Flourishing In Lockdown’ (2023) y ‘Forgotten Paradise Bootlegs’ (2024) cuyas copias volaron antes incluso de ponerse a la venta. Tal cual. Su saber profundizar en los ambientes, las texturas y una calidad brutal para reavivar, actualizar sonidos rave junto a jungle tekno, es bastante sorprendente. Un faro bendecido en un océano de ruido.

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BRUNETTO OOPARTS BEAUTIFUL ACCIDENT Y porque no. Siempre he sido de meterme en líos. Y reconozco que antes de ponerme a escribir y escudriñar con textos la música de otros, lo que me motivó siempre fue crear sonidos, canciones… Pero muy especialmente beats.

Ni jugué al Quimicefa, ni sacaba grandes notas en Matemáticas, pero aquello de pillar una groovebox y zambullirme a organizar samples y a experimentar rítmicas en el sótano, ¡eso sí! En este nuevo mini-álbum ‘Ooparts’ se percibe la inclinación por la electrónica nada encorsetada, una que trastea con hip hop abstracto, downbeats y ragga-dub. Casi siempre enigmático, cinematográfico y sin miedo a salir del camino que marcan los libros de estilo. Colaborar con talentos como la franco-colombiana Ëda Díaz es, además, un placer ilimitado.

Los tiempos cambian, Brunetto en todo caso, se divierte, aprende y evoluciona.

SUNESIS DESTINATIONS AUTOEDITADO Comencé a catar la propuesta de Melisa Blomberg allá por 2023 cuando cayó en mis oídos ‘Orbital’, un lanzamiento que desde luego se puede intercalar y disfrutar junto a este nuevo viaje cósmico: ‘Destinations’. Es como si hiciéramos escalas de un modo placentero y con cero turbulencias. Sunesis, y en particular su sonido en un vinilo que suena espectacular, es además una especie de carta de amor abierta hacia el retrofuturismo, los sonidos analógicos y los entornos melódico-espaciales. Aunque hay impulsos que invitan a la tensión -’Galaxy Empress’- su propuesta es un puro puente de claroscuros. Los sintes y tempos pronto se ven engullidos por melodías y atmósferas de gran carga magnética.

Y si encima nos adentramos en ‘Teardrop’, un cover del clásico de Massive Attack, apaga la luz y vámonos al universo que sea. Estaremos bien.

REVIEW CLÁSICO

KOSHEEN RESIST MOKSHA RECORDINGS Un día me propuse dar con un o una artista que, aún sonando en terrazas de verano con el gusto desorientado, me causarán cosquillas. Y que sonaran al menos con dos o tres temas, así que, con permiso de Everything But the Girl o Billy Ray Martin, me salió Kosheen como gran ganadora. En concreto este LP titulado ‘Resist’, y gracias a cortes como ‘Catch’, ‘Hungry’ (donde besaron al Exorcista) o ‘Hide U’ y ‘(Slip & Slide) Suicide’, para los más adictos a la velocidad. El enfoque les salió bordado. Un discarral donde prácticamente no sobraba nada. Se hizo el silencio. Drum’n’bass y break beat suavizados con los vocales de una Sian Evans iluminada. Soberbia. Composiciones redondas, accesibles para el gran público, donde para más inri se sumó eso tan potito llamado Trip Hop (‘I Want it All’, ‘Cruelty’).

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DRUMANDBASS

Autor: Olga Casas drumandbass@mixmag.es

SUBDUE FEVER TRANSPARENT AUDIO En plena celebración de su quinto aniversario, Transparent Audio ha reunido a varios de sus artistas predilectos en un LP que refleja a la perfección la identidad del sello, dejando entrever el rumbo sonoro por el que van a seguir apostando.

Entre ellos encontramos a Subdue, colaborador habitual de la casa, que vuelve a hacer gala de su talento en la producción con ‘Fever’, una muestra impecable de precisión y elegancia: bajo contundente, batería limpia y una atmósfera que nos atrapa más y más durante toda su progresión.

Tanto ‘Fever’ como el resto de pistas reafirman por qué Transparent Audio se ha ganado su lugar dentro del drum and bass underground durante estos 5 años.

Estaremos atentos a la segunda parte de este LP.

LONDON ELEKTRICITY, DUNK, CACHING CAIRO LOVEBOMBS FAST SOUL MUSIC ‘Lunatics & Legends’. Así ha titulado London Elektricity a su nuevo álbum, siendo el primer LP que lanza a través de su propio sello Fast Soul Music. Rodeado de diversos colaboradores, el artista despliega todo su abanico musical y los elementos que lo han definido a lo largo de su carrera.

La apertura de este viaje de “lunáticos y leyendas” recae sobre ‘Lovebombs’, una preciosa pieza en la que su instrumental y la vocal de Catching Cairo se entrelazan de manera idílica para llenarnos de emoción en cada compás.

Mención especial al flautista Rowland Sutherland, cuyo maravilloso sonido eleva aún más la belleza de este tema.

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DANNY BYRD, EXILE HIGHER THE BYRDHOUSE ‘Higher’ es una colaboración entre Danny Byrd y Exile, publicada en el sello propio de Byrd, The Byrdhouse. Una pista alegre y enérgica, pensada para hacer vibrar las pistas de baile y contagiar euforia desde el principio.

Este tema combina los sonidos distintivos de ambos artistas: ritmos rápidos y melodías que elevan el ánimo, creando un corte que invita a dejarse llevar por su flow optimista.

La producción muestra la habilidad de Byrd y Exile para combinar técnica y diversión, con cada elemento cuidadosamente colocado para mantener al oyente enganchado durante toda la pista.

DIAL, EMERIX QUIT YOU HIGH TEA MUSIC High Tea Music ha editado un nuevo LP en el que nos presenta los temas de varios talentos del drum & bass contemporáneo y que representan fielmente el sonido de este sello. Entre ellos, encontramos la colaboración de Dial y Emeryx que brilla con luz propia gracias a su equilibrio entre energía y melodía.

‘Quit You’ se sitúa entre el drum and bass más dancefloor y un dulce liquid, combinando ritmos vibrantes con texturas melódicas envolventes y demostrando la capacidad de Dial y Emeryx para fusionar dinamismo y sensibilidad en un mismo corte.

Perfecto tanto para animar la pista de baile como para disfrutar en un momento más relajado.

REVIEW CLÁSICO

DBRIDGE, VEGAS TRUE ROMANCE METALHEADZ Hay temas que se sienten eternos y un buen ejemplo es ‘True Romance’, de dBridge y Vegas. Desde su lanzamiento, ha sido aclamado por la comunidad del drum & bass, convirtiéndose en un clásico indiscutible del género que aún seguimos oyendo en las sesiones.

Día y noche, luz y oscuridad… Los artistas lograron unir estos contrastes en perfecta armonía, creando un “verdadero romance” entre ellos.

La producción destaca por ser elegante en su minimalismo, pero con una estructura rica y compleja. La maravillosa combinación de sus elementos: el bajo profundo, las percusiones precisas y los brillantes acordes melódicos, crea una atmósfera intensa que evoluciona constantemente y que ha cautivado a la audiencia durante años.

A lo largo de su trayectoria, ‘True Romance’ ha sido un referente del género, apareciendo en diversos recopilatorios y manteniendo su impacto intacto.

Tanto en su versión original como en la VIP, sigue siendo una obra atemporal que ha dejado una huella imborrable en el drum and bass.

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ELECTRO

Autor: Federico Cortina electro@mixmag.es

SHKEDUL SECOND TIME BETTER SOUND Este track del artista italiano Shkedul no he podido parar de pincharlo en mis últimas fechas. Es un tool 100% efectivo: siempre encaja y puede generar en la pista una atmósfera completamente lisérgica, atemporal y magnética, construida a partir de sintetizadores ácidos no convencionales. Espera a que llegue el primer drop para ver lo que provoca en el público. El bassline es una auténtica delicia y puedes comprobarlo en la web de Subwax, aunque a estas alturas casi no deben quedar copias.

RUFO DOWN COQUETO RECORDS Buscando música para Halloween me topé con esta pieza de arte contemporáneo: el nuevo track de Rufo, líder de los sellos Coqueto Records y Siku. Cuando quieras que tu público tiemble entre la intensidad y la sutileza, este es el tema. Todo comienza con una atmósfera ácida y serpenteante que se mueve de izquierda a derecha, hasta desembocar en un ride y un bassline que harán vibrar el club entero.

Corre a Outside In, donde está disponible junto a otros tres cortes que no se quedan atrás.

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FRANCESCO CARVETTA LARCH (ACID MIX) LIRICA ARCHIVES Si hablamos de underground real, hay que mencionar a Francesco Carvetta, italiano afincado en nuestra querida Barcelona. Este productor (y digger excepcional) acaba de lanzar un bombazo de disco del cual cualquier pista podría destacarse. “Larch” desafía los límites del género y la atemporalidad: un ácido hipnótico atraviesa una base rítmica de techno perfectamente equilibrada. Con una batería poderosa, un bassline preciso y detalles vocales que estallan en el momento justo, este track está hecho para rituales de baile intensos [no apto para todo el público].

Edición limitada, lanzada y distribuida por los amigos de Lirica Archives, ahora desde su base secreta en Barcelona.

LVCA OKAY OKAT FEAT. SEVEN DAVIS JR ORIOR RECORDS En el último lanzamiento de su propio sello, LVCA vuelve a demostrar el poder de la versatilidad. Este vinilo de 10 pulgadas incluye en la cara A1 una pista de groove seductor, de esos discos que esperan toda la noche en la maleta hasta que amanece y entran los primeros rayos de sol al afterparty. El tema mantiene un groove natural, con un bassline que resalta sutilmente, y las vocales de Seven Davis Jr. que cierran el conjunto con elegancia y armonía.

Distribuido por Outside In.

REVIEW CLÁSICO

MAJESTIC REAL DARK CHOCOLATE PALACE RECORDS Lanzado en 2006 por el sello catalán Palace Records, este vinilo es una joya escondida del tech-house de mediados de los 2000. Editado como white label, “Real Dark Chocolate” captura ese espíritu underground que caracterizó a la escena local antes de la era digital: crudo, elegante y con una mezcla de estilos que desdibuja las fronteras entre techno, house y electro.

Durante años lo tuve en mi colección hasta que lo perdí y, como en un pequeño acto de magia, reapareció hace poco entre mis recomendaciones de Spotify. Es de esos tracks que siguen sonando actuales sin importar el tiempo: auténtico, atemporal y con una identidad tan propia que ni el más erudito podría decir en qué año fue creado.

Para mi sorpresa, el sello Palace estaba ubicado a apenas 400 metros de mi piso en Barcelona, detalle que lo hizo aún más especial. Un disco de culto, con alma mediterránea y energía de club puro, hecho para esos momentos de la noche donde el groove se vuelve hipnótico y el tiempo se suspende.

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HARD TECHNO

Autor: Alejandro Serrano hardtechno@mixmag.es

ROSE RINGED GOTTA LET YOU GO CLOSED EYES RECORDINGS El productor y multiinstrumentista de Ámsterdam Rose Ringed presenta “Mylène”, su álbum debut, una obra profundamente íntima que verá la luz el 17 de octubre bajo su sello Closed Eyes Recordings. El disco, de 17 temas, recorre un viaje que va de la herida al alivio, inspirado en la pérdida de su madre y en años de transformación emocional. Su sonido, fiel a su estilo eufórico y melódico, se siente más honesto que nunca gracias a su nueva faceta como vocalista.

Entre los sencillos destacados están ‘So Much Love To Give’ y ‘Gotta Let You Go’, acompañados de cinco temas exclusivos del LP. Su música ya cuenta con el respaldo de medios y figuras clave como Joris Voorn, Solomun, Adriatique, Tiësto o Blond:ish

MXGPU INTO FLAMES DISCOTEXAS El dúo lisboeta MXGPU, formado por Moullinex y GPU Panic, irrumpe con su esperado álbum debut ‘Sudden Light’, editado por Discotexas. La obra funciona como carta de identidad y manifiesto sonoro, donde la electrónica se expande hacia territorios emocionales y cinematográficos. Desde los primeros compases se percibe un interés por fusionar sensibilidad pop, texturas analógicas y estructuras que rehúyen cualquier etiqueta rígida.

El disco viaja entre baladas íntimas, paisajes sintetizados y estallidos diseñados para la pista. El punto de anclaje emocional llega con ‘into flames’, sencillo principal y última pieza en completarse. Su construcción minuciosa se percibe en la calidez de las voces y la densidad melódica, donde el amor se desborda sin filtros.

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FLOUR THE WORLD BEYOND EXHALE El productor y DJ napolitano Flour reafirma su ascenso meteórico en la escena techno con Visitors EP, publicado el 26 de septiembre a través de EXHALE. Su estilo, que fusiona el trance psicodélico con la contundencia del hard techno, encuentra aquí una de sus expresiones más sólidas y definidas.

Este nuevo trabajo de cuatro cortes confirma por qué se le considera una promesa ineludible del circuito europeo. Pero es ‘The World Beyond’ el corte que mejor encapsula su identidad sonora. La combinación de líneas ácidas, destellos psytrance y percusión demoledora conforma un track pensado para espacios oscuros y amaneceres febriles.

NATASCHA POLKÉ LET MYSELF GO UNIVERSAL MUSIC La productora Natascha Polké presenta su EP completo Dawn, un trabajo de cinco temas que vio la luz el 7 de noviembre a través de Universal Music Switzerland. El EP muestra su versatilidad sonora, alternando entre lo íntimo, lo emocional y lo bailable. El tema central del EP, ‘Let Myself Go’, encapsula su momento creativo actual con un vaivén irresistible de beats complejos y bajo difuso, capaz de elevarnos hasta el infinito en la pista de baile. La frase “let me in… I’ll let myself go” funciona como un anhelo y una declaración, sostenida por un ritmo optimista que transmite tensión y posibilidad. Es una pieza que se clava y perdura, vibrante y emocional, preparada para quedarse en la memoria del oyente.

REVIEW CLÁSICO

PYRAME & SEMODI MAIS QUI ES-TU? THISBE RECORDINGS El nuevo EP Hypnotic condensa un año de sinergia creativa entre Pyrame y Semodi, dos productores asentados en Berlín que han encontrado un punto común entre el tech house más cerebral y la sutileza del minimal house. La propuesta apuesta por la elegancia rítmica y la construcción atmosférica, evitando los excesos y poniendo el foco en los detalles que se descubren con escucha atenta. La voz de Mailys añade una dimensión casi onírica: interpreta los textos de Pyrame, que hablan sobre la potencia de la mente humana, la imaginación y lo que roza lo fantasmagórico.

Entre los cortes originales destaca ‘Mais Qui Es-Tu?’, una composición donde el minimalismo rítmico abre espacio a una narrativa vocal hipnótica que va creciendo hasta envolver por completo.

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MELODIC HOUSE & TECHNO Autor: Marian Ariss melodictechno@mixmag.es

TOWNSHIP REBELLION RAINBOW SERPENT RITTER BUTZKE RECORDS Originarios de Alemania, Township Rebellion regresa a Ritter Butzke Records con ‘Rainbow Serpent’ un viaje hipnótico que fusiona texturas melódicas profundas con la energía inconfundible del dúo. Desde su formación en 2012, han creado música y experiencias que conectan momentos y emociones únicas.

Con ‘Rainbow Serpent’, vuelven a entrelazar atmósferas hipnóticas, grooves palpitantes y melodías brillantes que se entrelazan con potentes líneas de bajo, desplegándose poco a poco hasta alcanzar una liberación extática. El resultado es un tema tan meditativo como explosivo, pensado tanto para los momentos de máxima intensidad en la pista como para viajes sonoros inmersivos. Township Rebellion, siguen siendo un habitual en mis playlist.

MUSIC P, MARQUE AUREL, LIAH BARRET THE WAVE MELLOW DAZE Music P y Marque Aurel llevan más de 15 años creando juntos, una conexión nacida en camerinos, afilada en pistas oscuras y consolidada tras incontables sesiones. ‘The Wave’ es el nuevo fruto de esa complicidad: un arma hipnótica y psicodélica de Melodic House.

El tema gira en torno a un arpegio repetitivo y persistente que sostiene todo el groove, mientras capas de sintetizadores y texturas envolventes crean una atmósfera densa y misteriosa. En el centro aparece Liah Barrett, cantante brasileña formada en jazz. Su voz no solo acompaña: atraviesa el track con precisión y melancolía. Aunque Music P y Marque Aurel siguen su propio camino, sus lanzamientos en Mellow Daze hablan un mismo idioma: uno que sigue evolucionando, más profundo, más oscuro y más fino.

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ADANA TWINS TRY TAU Adana Twins están firmemente establecidos en la escena electrónica y son universalmente respetados como propietarios de sellos, A&Rs, productores y DJs. Desde su primera gran oportunidad en 2012, Adana Twins se han labrado una excelente reputación, perfeccionando su sonido constantemente, superando los límites de su ambición musical y evolucionando orgánicamente con el paso del tiempo. Esta vez el duo Alemán firma en su propio sello uno de esos tracks que no necesitan gritar para hacerse notar. ‘Try’ es una producción elegante y emocional, donde el groove se despliega con calma y cada capa sonora encuentra su lugar.

El bajo profundo marca el pulso mientras los sintes se van abriendo paso como destellos. Hay algo hipnótico en su progresión: la tensión crece sin prisas, sostenida por una atmósfera melancólica que invita más a dejarse llevar que a buscar el clímax. Fieles a su sello distintivo, Adana Twins combinan precisión técnica y sensibilidad melódica, creando un tema que funciona igual de bien en la pista a las cinco de la mañana que en una escucha solitaria con los auriculares puestos.

PAUL KALKBRENNER DREAMING ON COLUMBIA/B1 RECORDINGS De mis productores favoritos, Paul Kalkbrenner, nos vuelve a demostrar por qué sigue siendo uno de los nombres más sólidos del techno melódico. Esta vez toma prestado un sample icónico de Depeche Mode, el famoso riff de guitarra de Dream On (2001) y lo transforma en una pieza cargada de nostalgia y energía contenida.

El track se mueve con ese groove firme tan característico de Kalkbrenner: preciso, elegante y emocional sin caer en el dramatismo. Los sintes flotan sobre un ritmo constante que te arrastra sin esfuerzo, construyendo una atmósfera que es tan de club como de viaje interior. ‘Dreaming On’ suena a carretera nocturna, a amanecer en un festival, a ese momento en el que la pista se queda suspendida entre la euforia y la calma. Es techno con alma, melancólico, hipnótico y hecho para quedarse rondando en la cabeza mucho después del último beat.

REVIEW CLÁSICO

MANO LE TOUGH, TALE OF US PRIMATIVE PEOPLE (REMIX) PERMANENT VACATION ‘Primative People’ de Mano Le Tough, especialmente en su remix de Tale Of Us, es uno de esos tracks que ayudaron a definir la estética del melodic techno y del house emocional de principios de la década de 2010, justo cuando ese sonido empezaba a consolidarse como una corriente global. Publicado en el sello Permanent Vacation, Tale Of Us se encargó de convertir ‘Primative People’ en un viaje interior. Donde el original de Mano Le Tough tenía un pulso cálido y directo, el dúo italiano lo llevó hacia un terreno más oscuro y emocional, lleno de atmósferas etéreas. A pesar de haber pasado más de una década, sigue sonando fresco. No depende de drops ni fórmulas; se sostiene por su profundidad emocional y su progresión elegante, cualidades que envejecen bien. ‘Primative People’ es pura introspección de club: melancolía, sutileza y belleza suspendida en el tiempo.

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UK GARAGE

Autor: Borja Comino drumandbass@mixmag.es

CARRIER RYTHM IMMORTAL S-R Guy Brewer (Carrier) deja atrás cualquier rastro de su pasado techno y se sumerge en un espacio mucho más difuso y sensorial. ‘Rhythm Immortal’ se mueve entre el pulso del dub, la asimetría del broken beat y la calma tensa del ambient, con una producción que roza lo microscópico. Cada sonido parece respirar dentro de un vacío, como si el ritmo existiera solo en los márgenes.

Las voces de Voice Actor y Memotone añaden textura y cierta melancolía, pero el protagonismo sigue siendo el de Brewer: un productor que trabaja el silencio con la misma precisión que el golpe. Hay algo casi espiritual en esa insistencia por evitar el clímax, en sostener la tensión hasta el final sin ceder al impulso de liberar.

KWENGFACE, INTERPLANETARY CRIMINAL, FLOWDAN – DOT DOT WARNER, ZONED OUT RECORDS Kwengface sigue rompiendo los límites entre el drill y el club con ‘Dot Dot’, junto a Interplanetary Criminal y Flowdan. El tema condensa la oscuridad del sur de Londres en un beat líquido y resbaladizo, más cerca del UKG mutante que del rap callejero que lo vio nacer.

Flowdan aporta esa gravedad inconfundible mientras Kwengface dispara barras con precisión quirúrgica sobre una base que Interplanetary Criminal estira entre la tensión y el subgrave. Es un híbrido pensado tanto para la pista como para el túnel: grime, garage y bassline fundidos con un instinto clubber cada vez más afilado.

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MPH SUBSTANCE NIGHT BASS MPH vuelve con ‘Substance’, un álbum que mantiene su sello UKG y bassline pero se atreve a explorar zonas más oscuras y narrativas. El disco funciona como un viaje nocturno entre el desenfreno y la introspección, con un sonido más pulido y accesible que en ‘Refraction’, aunque también menos imprevisible.

El productor sigue dominando los bajos elásticos y los vocal chops marca de la casa, pero esta vez introduce un hilo conceptual —una noche de excesos y reflejos— que da coherencia al conjunto. Hay momentos brillantes, aunque algunos cortes pierden fuerza entre tanto diálogo y estructura conocida. Aun así, ‘Substance’ reafirma a MPH como uno de los pocos del circuito garage que sigue pensando en formato álbum: directo, efectivo y con una energía que pide pista.

MATRODA, KLP BULLSH#T INSOMNIAC RECORDS Matroda y KLP se cruzan por primera vez en ‘Bullshit’, una colaboración que respira descaro y tensión desde el primer bombo. Lo que empieza como un ejercicio de tech house musculoso termina mutando en una especie de híbrido con alma UKG: bajos sucios, hats que chasquean y un swing minimalista que se mueve entre la pista y la acera.

KLP lleva la voz al frente con una interpretación afilada, casi teatral. “Bullshit” no es solo un himno de club: es un ataque frontal al postureo y la falsedad, un desahogo construido a base de groove y actitud. Su delivery recuerda por momentos al grime o al spoken word, con una cadencia que Matroda refuerza desde un beat rugoso y seco, casi industrial, que mantiene la presión sin perder el pulso.

El croata, fiel a su línea, sigue afinando ese sonido entre el bassline y el tech, empujando el 4x4 hacia terrenos más elásticos. KLP, por su parte, confirma su salto internacional tras hits con Dombresky y KETTAMA: aquí su voz no adorna, muerde.

REVIEW CLÁSICO

DJ LUCK, MC NEAT A LITTLE BIT OF LUCK RED ROSE RECORDINGS Pocos tracks resumen mejor el espíritu original del UK Garage que ‘A Little Bit of Luck’. Nacido en la frontera entre el jungle domesticado y el house eufórico, el debut de DJ Luck & MC Neat fue una anomalía que se convirtió en himno: una base mínima, un bajo saltón y un hook vocal que aún resuena en cualquier pista británica dos décadas después.

Lo que parecía un simple crossover terminó marcando el ADN del género.

Frente a la oscuridad del 2-step más introspectivo, aquí había luz, energía y descaro. El patrón rítmico —entre el swing del garage y la rigidez del drum & bass— es puro 1999, pero su frescura sigue intacta. En una época en la que el UKG se fragmentaba entre underground y pop, ‘A Little Bit of Luck’ encontró el equilibrio perfecto: accesible, pero con alma de rave.

Es imposible entender la evolución posterior —de Artful Dodger a Conducta, de TQD a Interplanetary Criminal— sin pasar por este track. Porque cada vez que suena ese “a little bit of luck, we can make it through the night”, lo que escuchas no es nostalgia: es la fundación misma del groove británico moderno.

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