Febrero ya está aquí y para celebrarlo, este mes en Mixmag Spain tenemos el placer de recibir en portada al artista que ha convertido 240 en un movimiento global, que ha hecho del Face to Face digital un fenómeno internacional y que es capaz hacer bailar a la pista sin descanso durante horas. Sin ninguna duda, hablamos de Adrián Mills.
Tras un 2025 arrollador, Mills encara 2026 desde un momento clave: creando nueva música, preparando su álbum Probando Probando y afinando una visión artística que se nutre tanto de la rave como de la emoción, de la pista y de la memoria.
En clave nacional, este mes tenemos el placer de hablar, por una parte, con Claudia Tejeda. En esta entrevista repasamos sus primeros años, el papel real de la técnica, el aprendizaje que dejan los sets difíciles y su visión sobre una industria que ha cambiado profundamente en la última década. Por otra parte, charlamos con BizZa sobre su reciente proceso de cambio de ciudad, sobre la importancia de rodearse de un buen equipo y de cómo ha sido empezar a formar parte de una agencia y poder dedicarle mucho más tiempo a lo esencial: la música. También profundizamos en la transformación de su sonido en el debut de su álbum en BotaniQ y en colaboraciones clave con grandes artistas de la escena.
Cambiamos de tercio para hablaros sobre Valhalla en una profunda entrevista con sus fundadores: Rivellino y Andrea Castells. Os adentramos en la historia de un proyecto que empezó construyendo comunidad desde clubs pequeños y contextos claramente underground, apostando por una curaduría paciente, que con el paso del tiempo amplió el alcance, lenguaje visual y dimensión de la marca sin desplazar el foco central: la música y la experiencia de pista.
Seguidamente os traemos todas las incógnitas, certezas y claves de esta temporada en nuestra querida isla ibicenca, y es que a medida que los clubes empiezan a revelar sus cartas para 2026, la isla confirma que sigue siendo un tablero donde cada decisión importa: qué día se ocupa, con qué marca, con qué artista y para qué tipo de público.
Este mes, por otra parte, reflexionamos sobre el poder de contar una historia a través de la música en una era marcada por la eclecticidad, una palabra que representa algo simple pero poderoso: no estar atado a un estilo. No vivir bajo una etiqueta, sino tener la capacidad de conectar géneros distintos bajo un mismo hilo conductor.
Os traemos, además, un nuevo capítulo de nuestra sección ‘La Voz de la Industria’ y, para la ocasión, me hace muy feliz presentaros una charla con Jimena Canépa, PR & Talent Manager de la reconocida marca francesa Cercle. Hablamos con ella para entender cómo es trabajar desde dentro de una de las plataformas más influyentes de la música electrónica contemporánea, qué implica gestionar talento a escala global y cómo se construye una narrativa coherente en un proyecto que une música, lugares y tecnología.
Y como siempre, en este número encontraréis las últimas novedades en tecnología y las mejores reseñas musicales. Seguimos trabajando para traeros muchas más secciones de interés relacionadas con nuestra industria en nuestras próximas ediciones.
Patricia Pareja,
Directora
STAFF MIXMAG SPAIN
DIRECCIÓN: Patricia Pareja
REDACCIÓN:
Patricia Pareja
Borja Comino
Federico Cortina
Juanma Molina
Alessandra Sola
Mixmag Spain no se responsabiliza de las imágenes y opiniones
DISEÑO: Adrià Clotet
DIRECCIÓN CREATIVA: Carlos Pego
MÚSICA: editor@mixmag.es
DEP. COMERCIAL: campaigns@mixmag.es
Reviews Álbumes por Bruno Garca
Jimena Cánepa
Claudia Tejeda
Adrián Mills
Ibiza 2026
Valhalla Cómo produzco: John Cala
Herramienta
La era de la eclecticidad
Reviews Breaks por Eduardo Carbonell
Reviews Drum & Bass por Olga Casas
Reviews Electro por Federico Cortina
Reviews Hard Techno por Alejandro Serrano
Reviews Melodic House & Techno por Marian Ariss
Reviews House por Francisco Pérez
Reviews UK Garage por Borja Comino
bits beats
AlphaTheta presenta RMX-IGNITE, su nuevo effector de próxima generación AlphaTheta ha lanzado el RMX-IGNITE, un efector y sampler para DJs diseñado para llevar las actuaciones al siguiente nivel con una interacción física más expresiva y efectos de bandas independientes. Con palancas y potenciómetros de gran tamaño, control de 3 bandas y una sección de sampler mejorada, este equipo llega como la evolución del clásico RMX-1000, pensado tanto para cabinas de club como para streams y performances audiovisuales.
+info: https://alphatheta.com/
Tresor.West fija un tope a los cachés de DJs para hacer frente a la crisis de clubes
El club alemán Tresor.West (sede hermana del legendario Tresor de Berlín) ha implementado un límite máximo en los cachés de DJs que actúan en su sala de Dortmund, sin importar fama o estilo. La medida, en vigor desde el 1 de enero, responde a la delicada situación financiera que enfrentan muchas salas de música en Alemania y busca fomentar un modelo más sostenible para el clubbing local.
+info: https://tresorwest.com/
Sunny Side Festival vuelve a Malta este año con una edición ampliada
El Sunny Side Festival regresa a Malta del 14 al 18 de mayo de 2026, ampliando su experiencia a cinco días. El evento, reconocido por apostar por sesiones de día que celebran la música sin jerarquías y con un enfoque comunitario, presenta un lineup potente con artistas clave del underground que prometen hacer de esta edición una de las más memorables.
+info: https://ssfestivalmalta.com/
Se estrena un nuevo mini documental que explora la filosofía sonora de DVS1
Un cortometraje documental de 12 minutos se adentra en la filosofía y arquitectura sonora de DVS1, tomando como punto de partida su actuación en Los Ángeles junto a Traxx. La pieza pone el foco en cómo el sonido y la disposición del espacio determinan la experiencia colectiva, desplazando la espectacularización visual y resaltando la escucha como eje central del clubbing.
+info: youtube.com/watch?v=uy1Mx-x-Vng
bizza
Resiliencia
En apenas unos años, Bizza ha pasado de trabajar en silencio desde una ciudad alejada del circuito a convertirse en uno de los nombres a seguir dentro del house nacional. Su mudanza de Badajoz a Barcelona ha sido un punto de inflexión tanto a nivel personal como artístico: nuevas conexiones, más horas de estudio compartidas y una evolución en su sonido que refleja claramente el momento en el que se encuentra.
En esta conversación, Bizza nos habla sobre ese proceso de cambio, sobre la importancia de rodearse de un buen equipo y de cómo ha sido empezar a formar parte de una agencia y poder dedicarle mucho más tiempo a lo esencial: la música. También profundiza en la transformación de su sonido —del minimal al house más orgánico y emocional—, en el debut de su álbum en el nuevo sello de Dennis Cruz, BotaniQ, y en colaboraciones clave con artistas como De La Swing, Caal o Londonground.
Entre reflexiones sobre la pista, el estudio y la presión de compartir cabina con grandes nombres, Bizza se muestra ambicioso y consciente del camino recorrido. Una charla que retrata a un productor en plena madurez creativa y la mirada puesta en todo lo que está por venir.
Recientemente te has mudado de Badajoz, el lugar donde te criaste, a Barcelona. ¿Qué fue lo que te hizo dar el paso y cómo ha sido este primer año en la ciudad?
Principalmente la conexión que tiene Barcelona con la escena, ya que siento que no la tiene ninguna otra ciudad de España. En Barcelona están la gran mayoría de artistas de mi género, con quienes tengo la oportunidad de colaborar de una forma más directa desde que estoy aquí; también las principales marcas y fiestas, junto con sus clubes. Valoro también la tranquilidad que me da estar rodeado del equipo de mi agencia, ConceptOne, ya que todos viven y trabajan en la ciudad, y también estar cerca del aeropuerto de Barcelona, ya que desde aquí puedo volar a todas las partes del mundo para trabajar.
A nivel artístico, este cambio ha sido muy importante para mí, ya que he ido cumpliendo metas y objetivos desde que decidí mudarme a la ciudad.
Estoy muy contento por ello, aunque no ha sido tarea fácil adaptarme. Estar alejado de toda mi familia y mis amigos de toda la vida sigue siendo un poco complicado, ya que me considero una persona bastante sentimental, pero sigo trabajando y aprendiendo, que es lo más importante en mi carrera ahora mismo.
¿Qué opinas de la escena electrónica de la ciudad condal y qué crees que puede aportarte en tu carrera?
Barcelona tiene la escena más vanguardista, de hecho es una de las principales ciudades europeas por donde más artistas pasan al cabo del año. Poder conocer a muchos de ellos y que te pongan cara los artistas que apoyan tu música es algo muy importante, y este tipo de conexiones acaba dando sus frutos. Desde que vivo aquí he aprendido a relacionarme muchísimo más, también a valorar dónde estoy y por qué, y por supuesto he podido debutar en sitios que no imaginaba. Todo ha sido positivo hasta ahora
¿Has tenido más oportunidades de colaborar o trabajar con otros artistas desde que te mudaste?
Sí, ¡claro!. Desde que estoy aquí todo el tiempo estoy juntándome con compañeros en el estudio. Hoy mismamente estuve trabajando con mi buen amigo Caal —a quien admiro, quiero y respeto—, en una colaboración que llevábamos tiempo intentando, pero los dos éramos bastante malos con la distancia (risas). Hoy pusimos ese punto y seguido gracias a que ahora nos vemos bastante más.
Recientemente también colaboré en otro EP con Domi (De La Swing), con quien tengo una bonita relación. Nunca habíamos tenido la oportunidad de sentarnos en el estudio a compartir y explorar, y justo así nació Baracoa EP, nuestro último lanzamiento en elrow Music el pasado mes de diciembre.
Incluso, sin ir más lejos, desde que vivo aquí he podido conocer más profundamente a Gabi (Londonground), un DJ/productor argentino a quien llevo siguiendo desde que era un niño. Podemos decir que Barcelona nos ha regalado el poder encontrarnos, conocernos bien, ser compañeros, compartir manager, agencia y, sobre todo, disfrutar estos meses de muchas horas en el estudio juntos preparando un EP muy especial para nosotros que acabamos de firmar en Cécille Records de Nick Curly. Diciéndote esto se me viene a la cabeza la cara de Gabi después de tantas horas trabajando juntos, ¡es un gran tio!
En los dos últimos años han habido varios cambios y novedades en tu carrera artística, entre ellas empezar a formar parte de una agencia de booking y otra de management. ¿En qué aspectos has notado este cambio de pasar de hacerlo todo por tu cuenta a trabajar con agencias?
Realmente sigo aprendiendo de este cambio; pasar de tener el absoluto control de todo —logísticas, fees, negociaciones, billings y un largo etcétera— a tener una persona controlando cada cosa y facilitándote ese trabajo, que es muy pesado y costoso, es genial. Desde entonces puedo dedicarme 100x100 al estudio, a mis lanzamientos, a mi vida personal, y saber que cuando llegue el momento de ir a tocar todo va a estar correcto el día del show porque tu equipo ya se ha encargado de gestionar todo con el club o los promotores (vuelos, rider, etc.). Es algo que yo no había vivido nunca y te da mucha tranquilidad y seguridad, te hace sentir de manera privilegiada, cosa por la que siempre voy a estar agradecido.
¿Cómo ha sido la evolución de tu sonido a lo largo de los años y en qué punto te encuentras ahora mismo?
Siempre me he considerado muy versátil dentro de todo lo que me gusta, o puedo decir que es BizZa como tal. Antiguamente, entre 2020 y 2024, era bastante más minimal; ahora, sin embargo, soy bastante más house. Sigo siendo versátil, pero mis producciones, por ejemplo, han salido de ese sonido “glitch” que se llevaba, a tener percusiones mucho más sexys unidas a los stabs house, que me encantan. Creo que estoy en un punto, a nivel productor, que estoy disfrutando mucho en el estudio. También mis sets están cambiando un poco, ¡depende del momento! Pero siempre, como yo digo, con buen groove.
Cuando vas al estudio, ¿normalmente vas con una idea clara de lo que quieres crear o empiezas de cero?
Siempre, siempre, siempre empiezo de cero. Hay excepciones muy, muy concretas en el caso de que la noche o el día de antes haya escuchado algún sample que me haya gustado, o alguna vocal, pero eso ocurre muy de vez en cuando, porque me gusta llegar al estudio con mi café y ponerme a buscar cosas.
El 6 de febrero lanzas un álbum en el nuevo sello de Dennis Cruz, BotaniQ. ¿Por qué crees que el sonido de este álbum encaja en este sello?
Siendo completamente sincero no pensé que podría encajar porque, como bien dices, al ser un sello nuevo no sabía cuál sería el enfoque de Dennis para su nuevo proyecto; aunque yo ya había firmado en su otro sello, Müse, en varias ocasiones. Hice este álbum sin pensar en nada, solo quería hacer ese cambio de salir del glitch y poder hacer algo más house y sentimental, incluso especial para mí.
Creo que cumplí el objetivo, porque se me ocurrió mandárselo a Dennis solo por saber su opinión y él no dudó ni un momento en quedárselo y ofrecerme debutar en BotaniQ. Justo en ese mismo momento me contó que estaba preparando el nuevo sello y si quería formar parte de él con este álbum. Supo valorar perfectamente que este disco temía una parte especial en cada corte, no era como todo lo anterior que ya habíamos lanzado. Me hizo sentir muy feliz y agradecido por dejarme formar parte de su nueva aventura.
Personalmente, sé que dedicas muchas horas en el estudio y tienes varios tracks unreleased. ¿En qué te has basado para escoger los cuatro tracks que conforman este álbum: Sight, Feeling, Isabella y Order of Time?
Realmente los ha escogido Dennis. Sí es verdad que había más cortes aparte de estos cuatro, pero él, tras haberlos tocado durante todo el año, me dijo que estos eran los mejores y los que más le gustaban. Yo también pensé completamente lo mismo, porque también llevo tocándolos todo el año. Son los más especiales para mí y los que más se parecen en cuanto a la combinación completa: mezcla + vibe + energía.
¿Qué dirías que los une?
Las guitarras y los basslines que lleva cada track, junto con los drums. Reutilicé algunos sonidos para que todos tuvieran el mismo toque funky house.
¿Es un álbum pensado más para la pista o para mostrar una faceta más personal de Bizza como productor?
Esta pregunta me encanta, porque sin duda son para mostrar una faceta más personal como productor, pero a su vez son completamente pista. Son totalmente… ¡¡BizZa!! (Risas).
¿Qué track, de todos los que has hecho desde que empezaste a producir, dirías que mejor te representa hoy y por qué?
Te diría que aún lo estoy buscando, pero si realmente tengo que quedarme con uno ese sería ‘Sight’ sin ninguna duda. Tiene absolutamente todo lo que es BizZa como productor e incluso, quizás, hasta como persona o artista: contundencia, alegría, una vocal muy significativa y a la vez underground e incluso personal, unos hats y shaker muy sensibles —podría decir que eso lo hace elegante—, un piano muy intrigante con unos pads y violines atrevidos, y una guitarra sexy. Y por supuesto, con un nombre bastante especial para nosotros, ‘Sight, que está vinculado con una persona importante en mi vida como es Jassi Alex González, mi manager.
Para quien todavía no te conoce o no ha escuchado tu sonido a día de hoy, ¿qué te gustaría que sintieran después de escuchar un set de Bizza?
Felicidad, diversión, euforia y amor por la música, sin ninguna duda. Si después de escuchar mi sonido han sentido alguna de estas cuatro cosas, creo que hice un buen trabajo.
Has pinchado en clubs y festivales muy potentes tanto en Europa como en Latinoamérica. ¿Hay algún evento que sintieras que marcó un antes y un después en tu carrera?
Tengo dos momentos muy especiales guardados en mi memoria a día de hoy. Uno fue mi debut en Sight junto a Joseph Capriati en Pacha Barcelona, y otro fue mi debut en Río, en el Estadio de la Plata (Argentina), junto a Jay de Lys. Estos dos momentos creo que han sido muy importantes y pasé muchísimos nervios, principalmente porque las dos pistas estaban completamente llenas y son dos marcas en las que siempre soñé debutar.
¿Preparas tus sets o te dejas llevar por cómo ves la pista en el momento?
Nunca preparo ningún set. Creo que es muy importante saber en qué momento de la noche te encuentras: no es lo mismo abrir, no es lo mismo cerrar, no es lo mismo tocar en medio de la noche, todo influye… De hecho, lo más importante es saber llevar al público a tu historia e incluso saber qué necesitan, porque cada país o cada club es completamente diferente. Siempre fui de improvisar; de hecho, las pocas veces que preparé un set siempre salió mal, o al menos desde mi perspectiva como DJ.
Cuando compartes cabina con artistas consolidados, ¿sientes presión o consigues fluir y disfrutar el momento?
Siempre tienes esa presión, es incontrolable, porque sabes lo importante que es el headliner y tienes que hacerlo bien tanto para el público, como para él y como para el promotor que confía en ponerte en un line up con ese artista. Los primeros 30 minutos siempre estoy tenso, luego ya, una vez conecto con el público, me tomo un par de chupitos (risas), y es cuando disfruto el momento y empiezo a fluir.
El próximo mes debutas en Input pinchando en el evento de Magnetic People de De La Swing y recientemente lanzaste junto a él en el sello de elrow. Aprovecho para darte la enhorabuena.
¿Cómo surgió esta colaboración y qué me puedes contar sobre tu conexión con su crew?
¡Sí! Tengo muchas ganas de esta fecha… Me hablaron muchas veces de Input y también fui otras tantas como público, por eso estoy deseando que llegue el día. Además, va a ser un fiestón y estoy muy bien rodeado de buenos compañeros: De La Swing, Rooleh, Caal y un servidor. ¡Muchas gracias por la enhorabuena, Patricia! Esta colaboración realmente surgió porque ya habíamos trabajado antes, pero no como colaboración en conjunto…
De La Swing (Domi) me pidió una vez que le hiciera un remix para un EP suyo en Río Music y él terminó haciéndome otro para Deeperfect. Los dos fueron súper bien el año pasado. Entonces, una tarde de tantas que echamos en los estudios, fuimos juntos a tomar café y ahí, con el buen resultado que tuvimos con los remixes juntando nuestros nombres en los EPs, dijimos: “¿por qué no hacemos una colaboración ya en conjunto?” Y ahí, nada más terminar el café, nos fuimos a mi estudio a encerrarnos y nació Baracoa EP, como bien comenté antes.
Magnetic People es un proyecto muy bonito y con mucho sentido para nosotros, porque es un colectivo en el que todos apoyamos la música de cada integrante. Todos tenemos un sonido muy house y parecido; también es una forma de mostrar nuestra visión al resto de la escena tanto nacional como internacional, sin ninguna lucha de egos ni rivalidades. Domi es una persona digna de admirar, tiene una trayectoria, experiencia y currículum muy extensos, y es muy generoso: siempre está apoyando a los nuevos talentos, como ha hecho conmigo desde el principio.
Por eso mismo, en cuanto me habló de su proyecto y me ofreció formar parte, mis palabras fueron “2000x1000”. Aprovecho para decir que os esperamos el 20 de febrero con Magnetic People en Input Barcelona.
Eres un gran productor y muchos artistas reconocidos pinchan tu música. Hoy en día has firmado música en algunos de los mejores sellos. ¿Cómo te hace sentir esto?
Completamente afortunado y a la vez muy realizado, feliz y satisfecho. Trabajo muchas horas al día en el estudio y cada año voy marcando nuevas metas a conseguir… Hasta la fecha, he ido cumpliendo cada una de ellas como productor. ¡No puedo pedir más!
Algo que me gustaría destacar de ti es que empezaste en la producción en 2020 y al poco tiempo ya recibiste el apoyo de artistas muy grandes. ¿Cuál crees que ha sido la clave para que eso ocurra tan rápido?
Principalmente, ser fiel a mi estilo, pero sobre todo seguir una disciplina y enviar música de manera organizada a artistas y sellos absolutamente todas las semanas. Con paciencia y mucha constancia… Aunque no me respondan, cada semana sigo enviando música. Créeme, llega un momento mágico en el que la escuchan, y ahí empieza a cambiar todo.
¿Cómo aprendiste a producir y por qué tardaste “tanto” (teniendo en cuenta que eres DJ desde 2011) en atreverte en el estudio?
Es el talón de Aquiles de todos los que empezamos como DJs. Una vez pruebas la diversión en cabina e interactuar con el público, es tan divertido que cuesta mucho sentarte delante de un ordenador en una habitación tú solo, donde todo es a prueba y error, donde no sabes si lo estás haciendo bien, si lo que suena tiene sentido en la pista,… Porque ahí no hay ninguna reacción del público. Solo estás tú y tu ordenador. Por aquel entonces todavía era muy joven y tenía otras inquietudes: salir, entrar y hacer planes con amigos… A día de hoy no me arrepiento, ya que he aprendido mucho como persona saliendo y relacionándome con la gente, pero sí es verdad que me hubiera gustado haber empezado antes con la producción, porque sabiendo lo que sé ahora sabría el doble y podría estar mucho más lejos. O no. ¿Quién sabe?
Realmente aprendí de forma autodidacta y, cuando fui investigando un poco más, compartí momentos de estudio con mi amigo Arturo AKG y mi buen amigo Raúl Pacheco. Ellos me dieron mis primeras nociones de sonido y frecuencias. Después, seguí aprendiendo a través de tutoriales de internet y vídeos de producción online (los cuales recomiendo a todo el que quiera aprender trucos sencillos, eficaces y rápidos).
Además de DJ y productor, llevas tu propio sello y promotora, Ohana. ¿Qué te hizo dar el paso y cómo es gestionar una promotora desde dentro? (Dificultades, retos, etc.) Con los tours y todo lo que esto conlleva (pocas horas de sueño, vuelos, días y semanas fuera de casa), las infinitas horas de estudio, los lanzamientos, etc.
Esta es complicada (risas). Soy sincero, no lo llevo yo solo todo esto. Un sello y una fiesta requieren de mucho tiempo, del cual no dispongo tanto ahora mismo… El label lo llevo con mi A&R Red Effects (Javi), que es puro talento este chico, y la promotora la llevo con mis socios y buenos amigos Pastel (Jesús) y Manuel Hernández. Ellos son mi motor y quienes me siguen en todas las locuras, y cada uno nos encargamos de una cosa.
Todo esto empezó porque en mi comunidad autónoma no existía ninguna promotora de eventos que hiciera house o tech house, y mucho menos clubs. Por este motivo decidimos crear una marca a través de la cual pudiéramos ofrecer a la gente el sonido que nos gustaba, nos identifica y apasiona, y a la vez pasar el rato entre amigos con buena música.
La gran dificultad a día de hoy es la competencia en cada ciudad y el exceso de cachés que hay, por lo cual estamos un poco más limitados a la hora de bookear a un gran artista. Este año, si el tiempo me lo permite, tengo varios proyectos nuevos con la marca que ya os contaré. Aún no los puedo desvelar.
¿Cómo gestionas el equilibrio mental y creativo? En otras palabras, ¿cómo consigues encontrar un equilibrio entre tu vida personal y artística?
Intento refugiarme mucho en los míos, en la gente que quiero, y poder expresarme y desahogarme cuando lo necesito. Al final, soy una persona y también cometo errores, pero aprendo de
ellos. Ahí es donde encuentro el equilibrio y la paz mental, porque sin paz mental no existe la creatividad, o al menos yo no la encuentro.
¿Qué haces cuando necesitas desconectar totalmente de la música?
Una cosa que me gusta mucho hacer es ir a casa de mi amiga Patricia a jugar a la play con ella y su marido (risas), y por supuesto también me gusta mucho salir a caminar, y si es por la montaña, mucho mejor. Es mi momento de desconexión total.
¿Qué crees que diría el Bizza de hace 5 años si viera todo lo que has conseguido a día de hoy?
Intenté armarme de valor en querer trabajar por mi sueño en una casa donde nunca reinó la economía, donde casi todo estaba en contra, pero a base de paciencia, constancia y humildad creo que puedo estar muy satisfecho de lo que ha cambiado mi vida desde hace 5 años. Ese BizZa creo que me diría: sigue y no te rindas.
¿Qué consejo le darías a productores que vienen de ciudades pequeñas y sueñan con dar el salto?
Les diría que crean en ellos mismos, que no tengan miedo y, por supuesto, que luchen por sus sueños todos los días, desde que se levanten hasta que se acuesten.
Todo trabajo da sus frutos y es lo más real que tenemos en nuestro día a día.
Cuéntame qué podemos esperar de ti este 2026, tanto a nivel personal como artístico.
Que viene mucha música nueva firmada en sellos top mundiales a día de hoy, de la cual estoy muy contento y me emociona que salga a la luz y a llegue a las cabinas acompañada de nuevas colaboraciones.
Por otra parte, también tengo alguna confirmación de que compartiré cabina con artistas que me han inspirado siempre en futuros line ups, nuevos países confirmados, una marca de ropa bastante interesante, y hasta aquí puedo contar. ¡Dejemos alguna incógnita también! (Risas).
AUTORA MARIAN ARISS
jimena cánepa
Cercle es mucho más que una plataforma de livestreaming: es un movimiento artístico global que produce eventos, experiencias inmersivas, festivales, un sello discográfico y contenidos únicos en lugares extraordinarios. Desde paisajes naturales hasta patrimonios culturales, su propuesta reimagina cómo se vive y se comparte la música hoy en día.
Cercle ha redefinido la manera en que se documenta, se comunica y se vive la música electrónica. Detrás de cada show icónico, cada artista cuidadosamente seleccionado y cada historia que llega a millones de personas alrededor del mundo, hay un trabajo estratégico que va mucho más allá de lo visible.
Hablamos con Jimena Cánepa la PR & Talent Manager de Cercle para entender cómo es trabajar desde dentro de una de las plataformas más influyentes de la música electrónica contemporánea, qué implica gestionar talento a escala global y cómo se construye una narrativa coherente en un proyecto que une música, lugares y tecnología.
Más allá del cargo que ocupas hoy, ¿quién eras antes de Cercle? ¿Qué formación y experiencias te llevaron hasta aquí y qué aprendizajes de ese camino sigues aplicando en tu trabajo diario?
La verdad es que fue un camino súper largo e imprevisto. Me mudé a España desde Uruguay con 24 años con el objetivo de hacer un máster que nunca hice porque se me canceló por la pandemia. Siempre había tenido ganas de vivir afuera, así que a pesar de lo difícil que estaba todo en 2020, me quedé. Fue difícil y estresante encontrar un trabajo, pero finalmente conseguí empezar a llevar las RRSS de un par de marcas.
A partir de ahí me contrataron en mi primer festival, también para llevar las redes, pero no estaba del todo contenta teniendo en cuenta la cantidad de horas que trabajaba y el salario que recibía a cambio. Después de eso trabajé en Offsónar como content manager, en Ibiza como Head de Comms Y PR para algunos eventos de Pacha, luego en Centris Events como Project Manager y PR, en The Media Nanny como PR y ahora en Cercle como PR y Talent Manager.
No estaba en mis planes dedicarme a esto, es un sector que en Uruguay no tiene todavía una estructura tan desarrollada, pero la verdad es que —sin ser consciente— encontré una pasión, la música siempre fue importante en mi vida y me siento muy afortunada de dedicarme a esto.
Cuando recién había empezado en Cercle, cerramos un show con Tame Impala para presentar su nuevo disco. Yo escuchaba sus tracks nuevos y no podia creer que estaba trabajando con él. Cuando ya había terminado todo, Derek, founder y Creative Director de Cercle mandó un mensaje agradeciéndonos a todos el super trabajo y se me cayeron unas cuantas lágrimas.
¿Cómo definirías tu rol como PR & Talent Manager en Cercle?
Mi rol se divide en dos; por un lado, gestiono todo lo que tenga que ver con prensa, influencers, podcasts, televisión y radio. Por otro lado, soy el nexo entre el departamento de comunicación y los equipos de los artistas.
Aporto a la estrategia general, asegurándome que la historia de Cercle se comparte de la mejor manera en los medios, y a través de los medios que más encajen con la imagen de la marca, creando colaboraciones que tengan sentido y asegurándome de que todo fluya bien para los artistas y sus equipos.
¿Puedes describir un día típico (o no tan típico) en tu trabajo?
Los días típicos diría que son en la ofi… y tampoco hay mucho misterio. Me paso gran parte del día respondiendo mails, haciendo llamadas y tomando cafés.
Un día no tan típico diría que es en un evento. Ahí sí pasa de todo y tengo mil anécdotas, retos, momentos inesperados… Lo mejor es compartir esos momentos con el equipo. Se generan unas conexiones muy fuertes cuando estás muchos días trabajando mil horas para lograr que un evento sea un éxito. La satisfacción del final es una cosa increíble.
Cercle tiene una identidad muy visual y original. ¿Cuál es vuestra visión de marca y cómo la transmites al mundo?
Cercle es una marca que mezcla música, patrimonio cultural, naturaleza y una sensibilidad estética muy fuerte. La idea es crear momentos únicos, casi cinematográficos, donde el entorno es tan protagonista como el artista.
Desde PR intento que eso se traduzca en narrativas claras: no es solo un show, es una experiencia cultural, un diálogo entre música y lugar. Seleccionamos medios que sepan contar esa historia, trabajamos mucho los ángulos editoriales y buscamos colaboraciones que respeten esa identidad. Todo tiene que sentirse coherente con el universo Cercle: elegante, emocional, inmersivo y muy cuidadoso visualmente.
¿Cómo se prepara una campaña de relaciones públicas para, por ejemplo, un evento importante como Cercle Festival o Cercle Odyssey?
Todos los proyectos se trabajan con mucha anticipación y de forma muy transversal. Todo parte de la idea creativa, que se evalúa junto a producción en términos de viabilidad y recursos. Una vez validada la comunicación, el marketing, la imagen y PR, definimos objetivos, narrativa y mensajes clave, pasando por varias revisiones internas hasta llegar a la versión final.
Después entramos en la fase operativa: calendario de anuncios, selección de medios e influencers, entrevistas, press trips y activaciones durante el evento, con KPIs claros como impacto mediático, alcance internacional y calidad de la cobertura.
¿Cómo describirías la cultura y los valores de trabajo en Cercle?
Cercle es una empresa con mucha autonomía y responsabilidad individual. Los objetivos son claros y tienes los recursos para alcanzarlos, pero también se espera que cada persona gestione su tiempo y prioridades con mucha proactividad. La comunicación es clave: si algo no llega a tiempo, es tu responsabilidad avisar y buscar soluciones con el equipo.
Al mismo tiempo, es un entorno muy colaborativo y creativo, con el reto constante de crecer como compañía global sin perder agilidad ni identidad
Cercle produce shows en sitios espectaculares alrededor del mundo. ¿Cómo influyen esos entornos únicos en la estrategia de comunicación y relaciones públicas?
Los shows son la insignia de Cercle, la idea que hizo que la marca se hiciera global. Se hacen en lugares que pueden ser patrimonio de la humanidad o maravillas naturales en India, Egipto o Bolivia, espacios que ya de por sí tienen algo mágico. Para nosotros siempre son una oportunidad de reforzar la idea creativa que está en el ADN de Cercle: crear un diálogo entre música, patrimonio y cultura, y convertir cada proyecto en una experiencia única que trasciende el show en sí.
¿Cómo equilibráis la narración del livestream original con el componente presencial en eventos como Cercle Festival o las experiencias Odyssey?
Es uno de los grandes retos y también de las grandes oportunidades. Hoy en día ya no realizamos livestreams como tal: nos centramos en la captación de los conciertos, que luego difundimos en nuestro canal de YouTube, que sigue siendo nuestro canal principal y una parte fundamental del ADN de Cercle.
Al mismo tiempo, los eventos presenciales permiten contar la experiencia desde dentro: el viaje del público, los backstage, la producción o los artistas viviendo el lugar. Desde PR buscamos que ambas narrativas se complementen: una más contemplativa y universal, y otra más humana e inmersiva, sin que ninguna compita con la otra.
Trabajar internacionalmente trae retos. ¿Cuál consideras tu mayor desafío en este rol y cómo lo has enfrentado?
Trabajar en un entorno tan internacional tiene muchos retos, y uno muy concreto en mi día a día es moverme constantemente entre diferentes idiomas. Con gran parte del equipo hablo en francés, con muchos medios trabajo en inglés y con otros en español, que es mi lengua materna. Me encantan los idiomas y por suerte me siento muy cómoda con los tres, pero el cambio constante de chip es exigente y requiere mucha concentración.
¿Qué proyectos emocionantes tiene Cercle en el horizonte y cómo encaja tu rol en esos planes?
Este año tenemos el Cercle Festival en mayo, en el Musée de l’Air et de l’Espace de París: tres días, artistas de distintos géneros, un entorno increíble y una opening party en el Salon Gustave Eiffel, en el primer piso de la Torre Eiffel.. La verdad es que no puedo tener más ganas de vivirlo. Además, estamos preparando varias sorpresas por los 10 años de Cercle. No puedo contar mucho todavía, pero va a ser muy emocionante.
¿Qué consejo le darías a alguien que quiere dedicarse a comunicación, PR o management en la industria musical global?
Que se tire a la piscina, como decimos en mi país. Es una industria exigente, pero una vez entras y haces las cosas bien, el camino se va allanando. Hay que ser muy profesional, tomarse el trabajo en serio y cuidar la reputación, ya que en este sector la confianza y la imagen son muy importantes.
AUTOR BORJA COMINO
claudia tejeda
Claudia Tejeda ha construido su trayectoria desde una relación directa con el club, entendiendo la cabina como un espacio de responsabilidad. Lejos de discursos grandilocuentes, su forma de pinchar se apoya en la disciplina y una idea clara de cómo se construye una sesión con sentido. En esta entrevista repasa sus primeros años, el papel real de la técnica, el aprendizaje que dejan los sets difíciles y su visión sobre una industria que ha cambiado profundamente en la última década.
Cuando piensas en tus primeros años en el club, ¿qué queda hoy de esa etapa en la forma en la que pinchas y tomas decisiones en cabina?
De mis primeros años se me quedó lo más importante: el respeto por la pista. Al principio vas a tocar con ganas, a lo mejor quieres demostrar, pero con el tiempo te das cuenta de que estás ahí para crear un momento. A día de hoy sigo tomando decisiones con esa mentalidad, y llevando la disciplina por bandera para entender cada sala y poder crear, no solo un set, sino una historia musical.
Con el tiempo, la relación con la técnica cambia. ¿En qué momento sentiste que dejabas de pensar en el “cómo” para centrarte en el “por qué” de lo que estabas haciendo?
Creo que el cambio llegó cuando dejé de vivir la técnica como una meta y empecé a verla como una herramienta muy poderosa. Cuando ya no estás pendiente de cada transición, sino que aparece porque es su momento.
Ahí me di cuenta de que un set no es perfecto, que cada set es diferente, pero de lo que sí estoy segura es de que lo que siento en cada uno de ellos es lo mismo.
Soy de las que piensa que no importa con qué trabaje el DJ; si en la pista de baile está funcionando, es que lo está haciendo bien.
Hay sets que te hacen crecer más por lo que no sale bien que por los que funcionan solos. ¿Qué te han enseñado esos momentos menos cómodos?
Los sets difíciles, por llamarlos de alguna manera, me enseñaron a hacerme muy fuerte ante cualquier problema o situación. Recuerdo aún esas sensaciones que me causaban haber tenido una mala noche o alguna situación que no haya sido agradable.
A día de hoy me he hecho fuerte comprendiendo, hace algunos años, que los DJs somos humanos y que, a veces, podemos hacer algo que no esté correcto o no encajar en una sala a la que vayamos a trabajar. Eso sí, no debería pasar porque nuestra obligación es hacer nuestro trabajo bien, pero a veces lo humano puede a lo profesional.
Es obvio que, a la larga, estas situaciones cada vez fueron siendo más escasas, por lo que vi que mi parte profesional se estaba desarrollando con el paso de los años.
Leer una pista no es solo cuestión de intuición. ¿Qué se aprende con las horas que no se puede aprender en casa?
Se aprende una de las partes más importantes: la psicología de pista.
En casa aprendes la técnica y entiendes cómo está catalogada la música, pero en el club aprendes lo más importante: la reacción del cuerpo ante la música. Es importante saber cuándo mantener, cuándo cambiar, cuándo dar un respiro, cuándo es el momento y cuándo no, y a su vez saber que el sonido es el que manda. El mismo tema puede ser una locura o puede ser ruido según la sala, el momento o incluso el equipo de sonido donde sea reproducido.
El paso al estudio suele obligar a replantearlo todo. ¿Qué fue lo más difícil de asumir cuando empezaste a producir y qué cambió a partir de ahí en tu manera de pinchar?
Lo más difícil de asumir fue que la industria musical había cambiado.
Llevo tocando muchos años y cuando yo empecé no había esa imagen de productor que hay ahora. De hecho, en aquel entonces, los DJs no teníamos el interés que existe hoy en saber quién es el productor, ponerle cara, saber de dónde es o incluso pensar en hacer música.
Recuerdo perfectamente cuando llegó el momento: todo el mundo hablaba de cosas como Logic, Ableton, compresores, bounces, “he hecho un track”, etc.
Por aquella época también empezaron los videotutoriales y eso ayudó muchísimo a que la música pasase a otro nivel, pero también está el lado negativo: mucha gente se quedó allí, no pudo avanzar y vi cómo compañeros dejaban su carrera por ello.
Ahí entendí que tenía que aprender, saber qué era ese mundo y lograr hacerlo, y así fue.
En conclusión, no es como hoy en día, que está más que inculcado que hay que ser productor. Yo lo hice por una capacidad de adaptación al cambio tan brutal que se venía.
¿Qué decisiones conscientes has tomado para construir esa identidad, y qué caminos has preferido no recorrer?
He protegido mi identidad con decisiones simples y, a veces, complicadas: seleccionar con criterio a qué eventos ir a trabajar, no publicar por publicar y no dejar que la tendencia influya en mi personalidad.
Por otro lado, he evitado aceptar por encajar, “sonar a” en vez de sonar a mí, o perseguir el momento rápido a costa de construir algo real.
¿En qué tipo de contextos sientes que tu forma de pinchar funciona mejor?
Bajo mi punto de vista, creo que en espacios donde se pueda crear una historia: salas con buen sonido, un público dispuesto a bailar y no solo en el momento del drop, sino durante toda la sesión. Me siento muy cómoda cuando puedo crear tensión, cuando tengo una cabina cómoda y cuando estoy arropada por mi gente junto a mí.
Más allá del DJing y la producción, ¿qué has aprendido del funcionamiento real de la industria y qué tipo de relaciones te interesa construir dentro de ella?
He aprendido que la industria se decide por cómo eres: estar pendiente, cumplir, ser profesional, tener disciplina, respeto, ser clara y mantener una línea. El talento abre las puertas, pero la confianza en el artista las mantiene abiertas.
Desde tu experiencia, ¿qué significa hoy profesionalidad en el club, y cómo se gana el respeto de promotores, agencias y compañeros?
El significado de profesionalidad es cuidar todo lo que hace de ti una auténtica marca: bagaje, preparación, nociones, respeto, humildad, ambición, pasión, compañerismo y saber entender el contexto sin convertirlo en una batalla de egos. También es entender en qué momento te toca trabajar; ese es tu rol. Si te toca abrir, hacer un buen warm-up, y si te toca cerrar, reventar la sala como quisieras que sucediese si tú estuvieras en el público.
adrián mills
“La vida sin música no es vida”
El artista que ha convertido 240 en un movimiento global, que ha hecho del Face to Face digital un fenómeno internacional y que es capaz hacer bailar a la pista sin descanso durante horas, protagoniza nuestra portada de Mixmag Spain este mes de febrero.
Tras un 2025 arrollador —con shows en Monegros, en Amnesia durante nuestra residencia Mixmag Ibiza Sessions, y más de cien eventos alrededor del mundo—, Adrián Mills encara 2026 desde un momento clave: creando nueva música, preparando su álbum Probando Probando y afinando una visión artística que se nutre tanto de la rave como de la emoción, de la pista y de la memoria. En esta entrevista habla de comunidad, de riesgo, de familia, de referentes clásicos, de un All Night Long en el horizonte y de lo que no se ve cuando te subes a una cabina frente a miles de personas.
Porque para Adrián Mills la música va mucho más allá: es identidad, es actitud y es la forma en la que entiende la vida. Y en esta interesante charla nos ayuda a entender por qué.
Adrián, es un placer empezar febrero contigo en portada. El año 2025 fue increíble para ti: desde Mixmag Ibiza Sessions con Mixmag junto a Serafina, Cloudy y Kuko hasta tu set en Monegros 2025. Y apenas ha empezado 2026 y eres protagonista de nuestra portada en Mixmag Spain… ¿Cómo te sientes en este momento de tu carrera?
Primero de todo, gracias por darme esta oportunidad. Hemos acabado el intenso pero necesario 2025. En estos momentos me encuentro de vuelta en casa, trabajando en mucha música nueva y asentándome porque vivo en Friday. En este mes de “reposo” me estoy dedicando a poner todo en orden y mirar hacia planes futuros.
240 KM/H ha estado presente en muchos de tus sets y eventos. ¿Qué representa este concepto para ti, tanto laboral como personalmente?
Yo cambiaría la palabra concepto por movimiento. 240 es más que un concepto, empezó siendo un evento y ya, pero ahora es una comunidad bonita de gente por todo el mundo. Además de eso, también es un sonido muy nuestro. 240 para mí es un regalo, un proyecto de vida que comparto con mi familia y que le da un poco más de sentido a mi vida. Cuando mi carrera acababa de empezar, me ofrecieron crear algo mío y con lo que dejar huella, y que hayamos hecho esto entre amigos es muy bonito.
“Mi enfoque como promotor y artista no ha cambiado nunca. Siempre hemos hecho lo que realmente nos ha gustado en nuestras fiestas, pensándolas como si fueran para nosotros mismos”
Tu proyecto Face2Face ha despuntado por completo dentro de la industria. ¿Qué te inspiró a crear este formato y cómo ha evolucionado desde tus primeros eventos?
Pues os voy a contar la historia desde el principio.
Yo estaba en un backstage en Basilea con un colectivo que me había contratado para esa noche. Fue ahí donde me propusieron hacer una colaboración con 240, que en ese momento estaba dando sus primeros pasos. La idea era colaborar en el club alemán donde eran residentes por entonces, Gotec.
La propuesta me pareció interesante porque en ese momento yo estaba buscando expandir la marca. A partir de ahí pensé que, si íbamos a hacer una colaboración, debía tener sentido y aportar algo diferente. Fue entonces cuando surgió la idea de Face to Face. Yo ya conocía el concepto por referentes como Hector Oaks, Slin, Tarkno o incluso DJ Chami, que lo había hecho en Berghain. Sin embargo, todos ellos lo trabajaban en formato vinilo.
Ahí nos hicimos la pregunta clave: ¿por qué nadie lo estaba haciendo en digital?, ¿tal vez no se podía?. Gracias a Gotec tuvimos la oportunidad de testear este proyecto, que en ese momento aún estaba bastante verde. Tras una sesión probándolo todo, nos dimos cuenta de que sí era posible. Eso abrió la puerta al primer evento F2F digital, que tuvo lugar el 6 de mayo de 2023.
Hasta ese momento yo había producido los primeros eventos por mi cuenta, pero con este nuevo formato y la ambición que lo acompañaba, entró mi hermano Javier al proyecto para ayudarme especialmente en la parte administrativa, ya que el proyecto ya exigía una estructura más seria.
El primer Face to Face fue un absoluto negativo a nivel financiero, pero un éxito rotundo en cuanto a feedback. Por eso decidimos seguir adelante con el proyecto y lanzamos la segunda edición de F2F en Berlín, seguida de una tercera en Gotec, donde el proyecto se consolidó con el primer sold out de 1.500 personas. A partir de ahí, el crecimiento fue exponencial. Cerramos 2024 con 25 eventos, y 2025 con más de 110 en —prácticamente— todos los continentes, colaborando con festivales de gran escala.
Por todo ello, me gustaría tomarme un momento para agradecer a todos los promotores y DJs que nos apoyaron desde el principio y creyeron en el proyecto desde el día uno, así como a todos los que se han ido sumando por el camino.
Has tocado en raves underground, clubs legendarios y grandes festivales. ¿Cómo cambias tu enfoque cuando pasas de una rave a escenarios como Monegros o Fabrik?
Mi enfoque como promotor y artista no ha cambiado nunca. Siempre hemos hecho lo que realmente nos ha gustado en nuestras fiestas, pensándolas como si fueran para nosotros mismos. Ejemplos hay muchos: desde abrir en algunos de los clubs más icónicos del techno alemán con música de Julio Jaramillo, hasta llevar mariachis a Monegros. Todo ha estado siempre enfocado en pasarlo bien, sin seguir las reglas establecidas de la industria musical.
De hecho, estoy convencido de que esta manera de hacer las cosas ha sido uno de los factores clave de por qué el proyecto está funcionando. Para mí, la música y el arte son rebelión. Hay que saber innovar y romper esquemas, y mi equipo y yo estamos aquí precisamente para darle la vuelta a la tortilla y no trabajar bajo ninguna pauta impuesta.
Tu ALL NIGHT LONG en Fabrik Madrid el próximo 7 de marzo de 2026 está en boca de todos. ¿Qué nos puedes adelantar sobre esa noche? ¿Qué podemos esperar?
Mi ANL será el evento más importante de mi carrera hasta la fecha, por eso le hemos dedicado mucho amor, hemos organizado una pre-party al puro estilo 240 y durante la noche vendrán invitados. Las demás sorpresas las veréis si venís :)
Al reinterpretar géneros como la mákina o el trance, te has encontrado cara a cara con algunos de sus pioneros. Recientemente hiciste un Face2Face con Pastis & Buenri. ¿Qué semejanzas y diferencias ves en la makina de los 2000 con la que pinchas tú actualmente?
Gracias a la música hemos podido coincidir con muchos de los ídolos que teníamos cuando éramos pequeños, y Pastis & Buenri eran uno de ellos. Para ser sinceros, no veo ninguna diferencia en la ética que tenemos. También fueron unos locos en su día que creyeron en lo suyo y les funcionó.
En cuanto a música, son sonidos rápidos que te hacen saltar y pasártelo bien, con vocales que se te pegan e incluso te hacen llorar de la emoción. En ese sentido, tampoco hay muchas diferencias. Algo que me llevo de todo este proyecto, uno de los premios, es haber utilizado esta nueva ola del sonido 240 para traer al spotlight a leyendas como ellos. El ejemplo perfecto es haber contado con este tipo de artistas en nuestro lineup de Hör Berlín, y que su set sea el más escuchado de esa plataforma en este 2025. Un saludo para Pastis & Buenri.
Por otra parte, recientemente vimos un vídeo tuyo pinchando en Medellín puro reguetón. ¿Qué nos puedes contar de ese momento?
Jajajaj, bueno, se viene story time, chicos, siéntense:
Pues mira, estábamos en una tienda de ropa en Medellín con Cloudy, Serafina y Fumi, alguien nos vio desde fuera y esperó delante a que saliéramos. Esa persona nos contó que trabajaba para muchas discotecas y bares de Medellín. Nos dijo que estábamos invitadísimos a lo que quisiéramos.
Se nos ocurrió la brillante idea de preguntarle si me podía conseguir un show de reguetón. Esos vídeos que mencionas no eran un set normal ni de sonido 240, fueron tres horas de puro reguetón antiguo para pasarlo bien. Algo organizado espontáneamente, solo para pasar una noche divertida en Colombia.
¿Qué papel ha jugado tu historia personal, desde tus inicios en España hasta llegar a Alemania y abrirte paso en cabinas de toda Europa, en la música que haces hoy? Hay muchos tracks antiguos, de los 80 y 90 en tus sets. Háblame también sobre esto.
En mi casa se ha escuchado de todo: desde Camela hasta Los Chichos, pasando por Los Chunguitos, El Barrio, Bob Marley, Ríos de Gloria, OBK, Los Pecos, David Tavaré, Fito y Fitipaldis, Rocío Dúrcal, Wisin y Yandel, Queen, Vivaldi, Bach —el padre de la música—, y así podría seguir… Mi música hoy es el resultado de mi recorrido. Empecé estudiando violín de pequeño, así que mi relación con la música siempre fue muy emocional. A los 11 años ya hacía de DJ para mis amigos y trasteaba con el FL Studio sin saber que aquello sería el inicio de todo. A los 15 años me fui a Alemania y ahí cambió mi vida: empecé organizando raves unos años después, entendiendo la escena desde dentro, aprendiendo a construir energía en salas muy distintas y con públicos muy diversos. Ese choque entre mi formación clásica, mi adolescencia entre raves y mi vida entre países es lo que define mi sonido actual.
Personalmente, te vi en Aquasella y también en Amnesia Ibiza en nuestro evento Mixmag Ibiza Sessions. Tengo una curiosidad al respecto, ¿cuánto de preparación y cuánto de improvisación hay en cada uno de tus sets dependiendo del lugar donde pinchas?
En mis sets siempre hay una mezcla de preparación e improvisación, pero la proporción cambia mucho según el lugar; una selección base que refleja quién soy como artista. Eso siempre va conmigo, tanto si pincho en Aquasella como en Amnesia Ibiza. Luego está la parte que no se puede planificar: la energía real del público. Ahí es donde improviso. En Ibiza, por ejemplo, la pista suele ser más abierta a diferentes matices y pude desarrollar ese set tal y como lo imaginé. En Aquasella, que es un entorno más orientado al techno, llevé una propuesta similar sabiendo que era más arriesgada. A veces funciona y a veces no, pero para mí es importante mantener mi identidad incluso en contextos más exigentes, así que preparo mucho, pero dejo espacio para leer la pista y adaptarme. Y también acepto que no todos los lugares reaccionan igual a la misma propuesta. Forma parte del camino y del crecimiento como artista.
Hay varios sets tuyos junto a otros artistas como Cloudy, FUMI, Hitmiløw o en colaboraciones B2B. ¿Hay algún evento reciente de este estilo que te haya marcado particularmente por la conexión en B2B?
Con la mayoría de DJs suelo conectar muy bien en los F2F, no hay ninguno con el que pueda decir que no me lo haya pasado bien o que no haya existido conexión. En cuanto a los B2B, este año he tenido muchos, especialmente con Cloudy, y en el último B2B en Manchester hubo una conexión increíble. Lo mismo ocurrió en su último Face to Face All Night Long que hicimos en Colonia el día 1 de enero. Con Fumi, Gio y Dasstudach también he tenido una conexión especial en nuestros sets de techno. Sin olvidarnos de los épicos y legendarios F2F con Pastis & Buenri y con mi primo Andrés Campo.
“La música es lo que me motiva: seguir creando, experimentando y aprendiendo de este bonito arte. La vida sin música no es vida”
Hablemos de tu próximo álbum
Probando Probando. ¿Qué podemos esperar en cuanto a sonido o influencias? ¿Hay alguna colaboración en el álbum?
Llevo bastante tiempo preparando este álbum, hay bastantes diferencias entre unos temas y otros: unos más oscuros, unos más alegres y colaboraciones muy especiales. Probando Probando es un álbum que trae muchas sorpresas y un viaje en el que experimento con sonidos diferentes.
¿Hay algún tema del álbum del que te sientas especialmente orgulloso o que represente mejor quién eres como artista ahora?
Cada canción tiene un trocito de mí. En cada tema he puesto todo lo que sentía en ese momento, desde etapas emocionalmente bajas —como el intro del álbum junto a Schrotthagen—, hasta momentos mucho más felices como El Sonidito.
También he querido apostar por nuevos artistas que la están rompiendo. Este álbum me ha acompañado durante mucho tiempo, atravesando distintas etapas personales y creativas. Hoy puedo decir que estoy muy orgulloso del trabajo que he creado y de todo el proceso que hay detrás. Todo ese esfuerzo merecerá la pena.
¿Cuál ha sido el track más difícil de componer de todo el álbum y… por qué?
Una de las colaboraciones es con un rapero español que la está rompiendo ahora. Me fue difícil producir este tema porque él tiene un estilo muy característico, bastante melódico, y eso hizo que fuera más difícil saber cómo hacerlo guay.
Muchos jóvenes productores te ven como una figura pionera en la escena electrónica actual. ¿Qué consejo les darías para encontrar su estilo o camino?
Ser consciente de que pasarán por diferentes etapas y experimentarán con diferentes estilos. Probando, probando llegarán al sonido con el que más identificados y cómodos se sientan. Esto necesita tiempo, no viene de un día para otro, es algo que hay que cocinar con paciencia. Que siempre se mantengan fieles a lo que les guste de verdad, sin dejarse influenciar por nada ni por nadie.
¿Qué opinas de las redes sociales y cómo las gestionas tú como artista?
Las redes sociales no son lo mío, pero al mismo tiempo son una parte muy importante en la carrera de un artista hoy en día. De vez en cuando intento postear eventos geniales en los que haya estado, o algún “dump” del tour que haya hecho. He de decir que he aprendido bastante de mi amiga Cloudy, ya que ella lleva las redes sociales muy bien.
¿Qué te motiva a seguir empujando límites después de tantos proyectos, giras y experiencias detrás de los platos?
La música es lo que me motiva: seguir creando, experimentando y aprendiendo de este bonito arte. La vida sin música no es vida.
¿Qué es lo más duro psicológicamente de la vida que no se ve desde fuera cuando te subes a una cabina frente a miles de personas?
Lo más duro psicológicamente es esa mezcla tan rara entre estar disfrutando muchísimo y, al mismo tiempo, tener miedo de que a la gente no le guste lo que estás haciendo. Desde fuera parece que todo es seguridad y fiesta, pero por dentro estás pendiente de si
la pista responde, de si bailan y si conectan. Hasta que no les ves disfrutar de verdad no te relajas. Y cuando recibes críticas, aunque sean pequeñas, duele más de lo que la gente imagina.
No es solo “no les gustó una canción”, es que tú piensas en todo el trabajo que hay detrás, en las horas, en el cariño que le pones,… y te da pena, porque no estás poniendo solo música, estás poniendo una parte de ti.
¿Cómo dirías que debería ser la rutina ideal —entre semana— con un ritmo de trabajo tan exigente como el tuyo?
La mejor rutina entre semana para una vida como la mía: estar con tu familia, disfrutar de tus amigos, caminar, hacer un poco de ejercicio, comer muy bien, leer un libro y seguir escuchando música para empaparte de sonidos y seguir creciendo como artista.
Para terminar: ¿qué metas tienes para este 2026, tanto creativas como personales? ¿Qué podemos esperar de Adrián Mills?
Mi meta para el 2026 es seguir creciendo como artista y como persona.
Me quiero tomar también unos segundos para mandarle un saludo a mi madre, que me estuvo apoyando desde el primer momento que empecé en la música, a mi hermana, a mi familia y a todos mis amigos y amigas que me han hecho mejor persona durante todo este trayecto, con altibajos, pero siempre con amor y confianza por delante.
Muchas gracias por tu tiempo, Adrián.
Todo el equipo de Mixmag Spain te deseamos lo mejor en tu próspera carrera
ibiza 2026
INCÓGNITAS, CERTEZAS Y LAS CLAVES DE LA PRÓXIMA TEMPORADA
Ibiza vuelve a mirarse a sí misma antes de arrancar una nueva temporada. Lo hace, como casi siempre, entre anuncios medidos, movimientos estratégicos y una sensación de déjà vu que convive con la expectativa. A medida que los clubes empiezan a revelar sus cartas para 2026, la isla confirma que sigue siendo un tablero donde cada decisión importa: qué día se ocupa, con qué marca, con qué artista y para qué tipo de público.
Lejos de la improvisación, la temporada se construye cada vez con más antelación ymenos margen para el error. Los grandes clubes afinan sus programaciones como quien protege un equilibrio frágil, conscientes de que Ibiza ya no compite solo consigo misma, sino con un calendario global saturado de destinos, festivales y experiencias. En ese contexto, cada residencia es también una declaración de intenciones sobre hacia dónde quiere mirar la isla.
2026 se perfila así como un año de lectura más que de ruptura. Un verano que invita a observar qué se mantiene, qué se reajusta y qué queda fuera del relato. Porque más allá de los nombres propios, Ibiza sigue debatiéndose entre su condición de laboratorio cultural y su papel como maquinaria perfectamente engrasada. Y es en esa tensión donde se juegan, una vez más, sus certezas y sus incógnitas.
Pacha: continuidad como valor seguro
Pacha ha confirmado el regreso de Music On los viernes, con Marco Carola retomando uno de los slots más reconocibles del club. La decisión refuerza una estrategia basada en la fidelidad de público y en una narrativa ampliamente consolidada dentro de la isla.
Aunque todavía faltan anuncios clave, todo indica que algunas de sus citas recientes con mejor respuesta seguirán formando parte del calendario. Baddest Behaviour, el concepto liderado por Mau P, apunta a continuar, mientras que Flower Power volverá a ocupar los sábados, reafirmando su papel como uno de los pilares identitarios del club. A este bloque se suma el regreso de Sonny Fodera los lunes, reforzando la presencia del house de gran alcance en el arranque de la semana.
Pacha arrancará la temporada con un opening party durante el fin de semana del 24 al 26 de abril, con una programación que reúne a Marco Carola, Vintage Culture, Gordo, Blondish, Solomun y Anotr, marcando desde el inicio una apuesta clara por perfiles consolidados y alcance internacional.
Hï Ibiza: reajuste de días y refuerzo del cartel
En Hï Ibiza, uno de los movimientos más claros es el cambio de Dom Dolla, que pasa de los miércoles a los viernes. El reajuste responde a una lógica de refuerzo del fin de semana con un perfil capaz de atraer a un público joven y global, sin alterar el posicionamiento de gran formato que caracteriza al club.
A este movimiento se suma la incorporación de Francis Mercier, ampliando el espectro artístico del venue y reforzando su proyección internacional. El opening de Hï contará además con una programación diversa que incluye nombres como DJ Gigola, Indira Paganotto, Joseph Capriati, Patrick Mason o The Martinez Brothers, anticipando una temporada marcada por la rotación de estilos y públicos.
Chinois: coherencia curatorial y reposicionamiento estratégico
Chinois continúa afianzando una identidad basada en la curaduría y la coherencia. La llegada de Defected los jueves, tras su salida de Pacha, supone uno de los movimientos más significativos del ecosistema ibicenco, situando a la histórica marca de house en un contexto más alineado con su narrativa original.
Los sábados, The Masquerade by Claptone mantiene su residencia, reforzando una propuesta centrada en la experiencia y el imaginario visual. Chinois no compite en escala, sino en definición, consolidándose como un espacio con personalidad clara dentro de la oferta nocturna de la isla.
[UNVRS]: control del calendario y expansión de públicos
[UNVRS] mantiene una de las estructuras más sólidas de la isla: Paradise by Jamie Jones los miércoles, David Guetta los viernes, elrow los sábados y Carl Cox los domingos. A esta base se suma John Summit, que ocupará los lunes con Experts Only, reforzando uno de los días tradicionalmente más complejos de la semana.
El club celebrará su opening el 30 de mayo, con un cartel encabezado por Carl Cox, Jamie Jones, Michael Bibi y The Martinez Brothers, subrayando su ambición desde el inicio de la temporada.
Ushuaïa: espectáculo y proyección internacional
Ushuaïa mantiene su enfoque en grandes nombres y audiencias globales. Tomorrowland se instala los miércoles con Dimitri Vegas & Like Mike, mientras que Martin Garrix conserva los jueves.
La temporada arrancará el 26 de abril, con un opening protagonizado por Francis Mercier, Hugel y Mëstiza, reforzando su papel como escaparate internacional y punto de entrada a la experiencia Ibiza.
Amnesia: movimientos clave y redefinición del relato
Amnesia es uno de los clubes que más titulares genera de cara a 2026. A la obvia repetición de Pyramid como uno de sus ejes centrales se suman dos movimientos estratégicos: la llegada de Glitterbox, que abandona Hï para instalarse en el club, y la primera residencia en Ibiza de Josh Baker con You & Me, reforzando el peso del house contemporáneo dentro de su programación.
El club ya ha anunciado su opening party, con un cartel encabezado por nombres como Joseph Capriati, Seth Troxler, Amelie Lens o Fatima Hajji, dejando entrever una convivencia entre perfiles clubbing, techno y propuestas de amplio alcance. La incógnita no está en el nivel artístico, sino en el relato que Amnesia quiere construir: si reforzar una identidad más enfocada al underground o mantener un equilibrio amplio entre estilos y públicos.
Las claves de Ibiza 2026
Con la información disponible, la temporada 2026 parece articularse en torno a tres ejes principales: refuerzo de residencias consolidadas como núcleo del calendario, optimización de los días clave, especialmente viernes y fines de semana y segmentación clara por club, más que una narrativa común de isla.
Las grandes incógnitas siguen estando en lo que aún no se ha anunciado: nuevos conceptos, posibles cambios de rumbo y la capacidad de Ibiza para introducir novedades reales sin romper su equilibrio económico. Por ahora, la isla avanza con cautela, apoyándose en lo que ya funciona.
Las grandes incógnitas siguen estando en lo que aún no se ha anunciado: nuevos conceptos, posibles cambios de rumbo y la capacidad de Ibiza para introducir novedades reales sin comprometer su equilibrio económico. Por ahora, la isla avanza con cautela, apoyándose en lo que ya funciona.
Sin embargo, los rumores sobre la temporada 2026 ya circulan por las calles y generan expectativas. Entre ellos, se debate el futuro de Solomun, la posibilidad de que Tiësto regrese con su propio evento, la irrupción de nuevos actores como Gordo o la salida de Anyma de la isla en formato semanal para limitarse a fechas puntuales.
Todo ello refleja que, más allá de los line-ups confirmados, la verdadera narrativa de Ibiza se construye tanto en los anuncios oficiales como en la especulación que alimenta la conversación entre clubes, artistas y aficionados. Habrá que esperar para ver qué de todo esto se convierte en realidad y cómo influirá en el perfil de la isla durante la próxima temporada.
valhalla
“Cuanto más crece Valhalla, más conscientes somos de la responsabilidad de proteger la esencia underground de la que venimos”
Valhalla nace en el 2018 y hoy en día está liderada por Andrea Castells, Rivellino & 86Hz, como respuesta a un vacío específico dentro del clubbing local. Su base es el melodic house, techno y el progressive house. El proyecto empezó construyendo comunidad desde clubs pequeños y contextos claramente underground, apostando por una curaduría paciente que con el paso del tiempo amplió el alcance, lenguaje visual y dimensión de la marca sin desplazar el foco central: la música y la experiencia de pista.
Bajo el concepto de ‘modern underground paradise’, la marca trabaja hoy en una lectura contemporánea del club como espacio inmersivo, donde sonido, visuales y narrativa conviven sin eclipsarse.
Valhalla nace en Barcelona, pero no parece pensada solo para el circuito local. ¿Qué hueco concreto queríais cubrir cuando empezasteis el proyecto?
Valhalla nace en el 2018 con una idea bastante clara: había un vacío en Barcelona para el melodic house & techno y el progressive house, que en ese momento no era un sonido especialmente representado en la ciudad, y sentimos que había público para ello. Empezamos como un colectivo pequeño, muy local, pero desde el principio existía la intención de que creciera y mirara hacia fuera.
Durante todos estos años hemos tenido el placer de poder acoger a artistas como Joris Voorn, Jimi Jules, Undercatt, Kevin De Vries, Adam Ten, Mita Gami, Ivory, Nandu y OMRI. En el inicio pusimos bastante enfoque en el progressive house, trayendo a artistas que hoy son referentes del género, como Mariano Mellino, Cid Inc, Kamilo Sanclemente o Dmitry Molosh, entre muchos otros. Empezamos en clubs pequeños y muy underground y así fuimos creando comunidad y experiencia.
Con el tiempo, Valhalla ha evolucionado hacia una marca más consolidada, pero sin perder nunca el foco principal: la música. Hemos ampliado algo el espectro sonoro, siempre manteniéndonos fieles a unas raíces melódicas, profundas y grooveras. Después de showcases en Colombia, Argentina o Ibiza, este año el objetivo es seguir expandiendo Valhalla a nivel internacional.
Definís Valhalla como “modern underground paradise”. ¿Qué significa eso en la práctica, más allá del claim?
En la práctica, se traduce en crear un espacio donde la gente pueda olvidarse del mundo durante unas horas y simplemente disfrutar. Mezclamos referencias mitológicas con tecnología avanzada, visuales inmersivos y una selección musical moderna, fresca y cuidada. Entrar en Valhalla debería sentirse como apagar el ruido exterior y dejarse llevar.
En la mitología nórdica, Valhalla es el paraíso al que llegan los guerreros tras morir en combate: un lugar de celebración constante, libertad absoluta y desconexión total. Esa idea nos sirve como punto de partida, pero reinterpretada desde un prisma contemporáneo y underground, lejos de clichés vikingos.
Hoy muchas marcas de fiesta hablan de experiencia. ¿Qué os hizo sentir que Valhalla tenía que ir un paso más allá del formato club night tradicional?
Precisamente el cansancio de que muchas fiestas se queden solo en el cartel. Siempre hemos querido que Valhalla sea algo que la gente recuerde más allá de los headliners. Es un trabajo que vamos puliendo poco a poco y adaptando a cada club y contexto en el que aterrizamos.
En los últimos años hemos incorporado elementos tecnológicos, como nuestro holograma con visuales en 3D, para reforzar esa dimensión más inmersiva. Y esto es solo el principio: estamos desarrollando ideas muy potentes de cara a 2026, aunque de momento preferimos no hacer spoilers. La clave es que cada edición deje una huella, no que sea “una noche más”.
Decís que Valhalla es un destino para quienes buscan una energía underground más refinada. ¿Cómo se construye esa comunidad sin caer en elitismos?
Es una pregunta muy actual, sobre todo en un contexto donde muchos clubs están cada vez más centrados en la venta de mesas VIP y donde el marketing está teniendo cada vez más importancia. Cuanto más crece Valhalla, más conscientes somos de la responsabilidad de proteger la esencia underground de la que venimos.
Para nosotros no debería importar cómo vistes para entrar a un club, aunque sabemos que la realidad hoy en día no siempre lo pone fácil. Lo único verdaderamente importante es la actitud. Buscamos gente con buen raver etiquette: inclusiva, respetuosa, que cuide de los demás y que venga a entregarse de verdad en la pista. La comunidad se construye desde la energía compartida, no desde el estatus. Por mucho que la fiesta sea un club con mesas VIP, nuestra intención es que sea la mesa más underground de tu vida, haha.
Si alguien entra por primera vez a Valhalla dentro de un año, ¿qué debería sentir diferente respecto a hoy?
Debería sentirse más inmerso desde el primer minuto. Más detalles tecnológicos, más capas, más momentos inesperados. Queremos trabajar más en la identidad de la marca para que, independientemente de en qué club o ciudad estés, sientas de inmediato que estás en Valhalla. Nuestra intención es que la gente salga del club al amanecer con esa sensación de “buah ¿qué locura fue esa?” que se te queda grabada.
Sentimos que ahora mismo Valhalla ya tiene una base sólida: una identidad clara, una línea musical que funciona y una comunidad increíble. El siguiente paso es llevar todo eso un nivel más allá y potenciar el wow factor para realmente consolidarnos, tanto dentro como fuera de Barcelona, como una marca referente de la innovación pero siempre respetando las raíces y los valores ravers de donde venimos.
Dentro de todo lo que rodea a Valhalla (sonido, visuales, espacios), ¿qué es lo que más cuidáis para que una noche funcione de verdad?
Hablamos mucho de inmersión, visuales, luces y sorpresas, pero siempre volvemos a lo esencial: la música. Es, sin duda, lo más importante y lo que más cuidamos. Todo lo demás existe para acompañarla y potenciar aún más la experiencia global.
Ponemos muchísimo foco en la curaduría de los lineups, buscando coherencia, narrativa e innovación en cada noche. Nos gusta adelantarnos y apostar por artistas en el momento justo antes de explotar, y también jugar con géneros diferentes, como podrían ser el indie dance o el afro house, para no encasillarnos en uno sólo. Nos encanta sorprender y nos movemos cómodamente en esa línea fina entre las estrellas del mañana y los nombres que ya han dejado huella, siempre intentando evitar caer en lo obvio o demasiado establecido.
CÓMO PRODUZCO JOHN CALA
¿No os pasa que, cuando pensáis en una canción, también recordáis un momento del pasado? Para mí, la música es una especie de diario: un espacio donde registro aquello que no siempre puedo nombrar, donde lo intangible adquiere forma. Cada sonido que creo es casi siempre un resumen de una experiencia vivida: puede venir de una conversación, de un libro, de la infancia o de un trauma. Por eso, aunque tenga que complacer a cierto público, en mi estudio me permito ser libre. Tengo muchas ideas y proyectos que quizá nunca verán la luz, pero los hago porque los necesito. Son parte de mi proceso.
Mis creaciones casi siempre incluyen una vocal, aunque no necesariamente sea el punto de partida. A veces parto de un sample, otras de un audio guardado en mi móvil durante meses. Lo importante es que la canción encuentre su voz desde el principio. Últimamente uso Suno para desarrollar vocales, un recurso que me permite experimentar y dar forma rápida a las primeras ideas. Cuando la canción empieza a cobrar identidad, suelo trabajar con un vocalista real.
Trabajo principalmente en Ableton, conectado con Splice como asistente creativo. Con los años, lo más difícil ha sido aprender que uno tiende a pensar que necesita más y más, cuando la clave, en la música como en la vida, es necesitar menos. Por eso, mis producciones se han vuelto cada vez más minimalistas. Cada sonido tiene su propio espacio, y el reto es que, con pocos elementos, cada uno respire y cumpla un propósito. Por eso invierto mucho tiempo en seleccionar sonidos. Una frase que me recuerda mucho y que guía mi método es K-I-S-S, Keep It Simple, Stupid.
Mi enfoque técnico es sencillo pero metódico: cada sonido debe tener equilibrio, carácter y profundidad. Normalmente empiezo con ecualización y compresión, usando herramientas nativas de Ableton y algunos saturadores como Saturation Knob. Para un color más intenso recurro a Decapitator de Soundtoys. En vocales, además de RVOX Vocals de Waves, a veces traslado ese mismo carácter a los sintetizadores principales.
Antes del último paso, suelo aplicar un truco con Soothe 2: creo dos buses separados, uno para instrumentos y otro para vocales, aplicando Soothe 2 en el bus de instrumentos y generando una curva que luego uso como sidechain para la vocal. Esto evita que las frecuencias altas compitan, reduce sibilancias y permite que la voz respire sin perder presencia, incluso en mezclas densas. En la fase final de mastering aplico Tape Machine 24 de T-Racks, compresión multibanda de FabFilter, limitadores y Ozone para trabajar el espacio estéreo.
Un ejemplo reciente de este proceso es ‘Rave All Night’, mi próxima colaboración con Henri Bergmann que está por salir. La canción partió de una vocal de sample y se fue construyendo con capas, samples y detalles mínimos. Busca capturar la energía nocturna desde un lugar emocional, no solo físico. La vocal del sample funciona como puente entre lo íntimo y lo colectivo, y su procesamiento con Soothe 2 permitió que destacara dentro de la mezcla sin saturar el resto de los elementos.
Cada canción que creo se siente como un hijo. A veces me obsesiono tanto con un proyecto que puede llevarme años terminarlo, y es como si no quisiera soltarlo, por miedo, por cariño, por no dejarlo ir. Cuando finalmente una canción está lista, siento una mezcla de nostalgia y liberación porque, al igual que un hijo que crece, tiene que salir al mundo por su cuenta. Trabajar así también es una forma de vivir en el presente. Pasar horas hipnotizado produciendo me conecta con un estado casi meditativo. En un mundo donde la atención es el producto más preciado, donde cada plataforma y compañía compite por captarla en segundos, poder concentrarme para crear es, para mí, la inversión más valiosa que puedo hacer en mí mismo.
el 13 de Febrero
Escanea el QR y haz el pre order de RAVE ALL NIGHT, disponible
herramienta
AUTOR SERGIO BIFEIS
La reciente decisión de Bandcamp de no vender música creada con inteligencia artificial ha hecho que la música electrónica, un género nacido precisamente del cruce entre arte y tecnología, se encuentre ahora frente a su propio espejo. La IA no llega desde fuera; emerge desde el mismo corazón del impulso que, décadas atrás, normalizó los sintetizadores, las cajas de ritmos y el software musical.
Cada avance técnico en la música ha generado resistencias. Cuando los primeros secuenciadores aparecieron, se acusó a los productores de “hacer trampas”. Cuando el sampling se popularizó, se cuestionó la autoría. En el djing se debería haber superado el debate del sync. En nuestros días, la inteligencia artificial ocupa ese lugar incómodo: una tecnología capaz de generar patrones, timbres, estructuras y hasta composiciones completas o replicar voces en cuestión de segundos. Bandcamp, históricamente alineada con la defensa del trabajo independiente y humano, ha optado por marcar una frontera clara. Es una declaración ética y cultural más que una decisión comercial.
Pero el progreso rara vez se detiene por decreto. La IA es, objetivamente, el siguiente paso lógico en una evolución tecnológica que siempre ha buscado facilitar procesos, reducir barreras técnicas y ampliar posibilidades expresivas. Negar su utilidad sería ingenuo. Herramientas basadas en IA ya ayudan a productores a limpiar mezclas, sugerir armonías, generar ideas rítmicas o acelerar flujos de trabajo que pueden requerir horas. Que tire la primera piedra quien rechace de plano una tecnología que nos hace la vida más fácil.
El problema surge cuando la facilidad sustituye al criterio. La creatividad no es solo el resultado final, sino el proceso que conduce a él. La limitación técnica ha sido motor fundamental para agudizar el ingenio en la creación artística. Si la IA se utiliza como un atajo absoluto —un botón que “genera un track”— existe el riesgo real de drenar la creatividad, no porque la máquina cree “mal”, sino porque el humano deja de tomar decisiones significativas. La música se vuelve eficiente, pero también genérica. Correcta pero carente de intención.
Sin embargo, esta no es la única narrativa posible. La IA también puede funcionar como catalizador creativo. Al igual que un sintetizador modular no compone por sí solo, pero abre universos sonoros impensables, la inteligencia artificial puede proponer caminos que el productor no habría explorado. Puede romper bloqueos creativos, sugerir estructuras inesperadas o servir como un espejo que devuelve ideas transformadas. En este escenario, la creatividad no se pierde: se desplaza, se redefine, se amplifica.
La clave del debate sobre la IA en la música electrónica está en el papel que asume el creador. Cuando la inteligencia artificial actúa como autora, la presencia humana se diluye; cuando funciona como herramienta, refuerza la intención artística. La electrónica siempre ha oscilado entre control y azar, técnica y emoción, y la IA puede habitar ese espacio intermedio sin reemplazar aquello que realmente conecta una obra con quien la escucha. En este caso, nosotros como personas.
Desde esta perspectiva, la decisión de Bandcamp no busca rechazar la tecnología, sino proteger un ecosistema donde sigan siendo visibles la autoría, el esfuerzo y la identidad. En un contexto de sobreproducción, la música corre el riesgo de convertirse en ruido si se genera sin experiencia ni relato. La IA puede producir sonidos, pero no puede vivir procesos ni dotar de sentido al fracaso, elementos fundamentales del arte.
El factor humano es insustituible, precisamente, por su imperfección. Dudar, errar y volver a intentar es lo que permite que una pieza musical tenga carga emocional. El desafío no es decidir si la IA debe existir, sino cómo convivir con ella de forma consciente, entendiendo la tecnología como un medio y no como un fin, y asegurando que el futuro de la música electrónica siga amplificando —y no sustituyendo— nuestra huella personal y diferenciadora.
SEAWOLF RECORDS BARCELONA
la era de la eclecticidad
El poder de contar una historia con la música
Para entender este concepto, tan repetido en biografías de DJs como si fuese una medalla, hay que arrancar por lo básico: ¿qué es la eclecticidad? Esta palabra, instalada hace años en el inconsciente colectivo de la comunidad electrónica, representa algo simple pero poderoso: no estar atado a un estilo. No vivir bajo una etiqueta, sino tener la capacidad de conectar géneros distintos bajo un mismo hilo conductor.
Ser ecléctico no es pinchar “un poco de todo” como si fuese Spotify en modo aleatorio. Es lo contrario: es tener un criterio tan claro que permita moverse entre mundos diferentes sin perder la identidad. No se trata del género, se trata del lenguaje.
Durante años (finales de los 80, los 90 y principios de los 2000 ) el DJ era fácilmente catalogable: techno, house, trance, drum & bass, electro,… No había margen para la ambigüedad, y tampoco hacía falta. La identidad musical estaba profundamente ligada al contexto: la escena local, la tienda de discos de la ciudad, los distribuidores, el club de referencia,… La música llegaba como llegaba. Y eso definía.
Pero internet dinamitó esa lógica. De repente, el archivo se volvió infinito. El DJ dejó de depender de lo que entraba en su ciudad y pasó a depender de su capacidad para filtrar.
Ahí entran algunas piezas clave de esta era: Discogs, Bandcamp y los servicios de venta de musica como Beatport. Discogs es el museo global donde rastrear el pasado y presente, encontrar rarezas, reconstruir escenas y entender genealogías. Bandcamp es presente vivo: el lugar donde los artistas independientes todavía pueden respirar, donde las ideas se publican sin pedir permiso y donde se puede experimentar libremente.
En el contexto actual musical, los estilos empiezan a conectarse cada vez más: techno con house, techno con trance, techno con electro, etc. Y después, el acid entrando como un bonito virus: acid con techno, acid con trance, electro con acid… un solo 303 puede unir décadas enteras de historia electrónica.
Lo genial es que hoy un DJ puede abarcar todas las épocas en un set. Desde los 80/90s, cuando los géneros aún no estaban completamente definidos, hasta lo más actual. Ya no es raro escuchar un set que cruza décadas con naturalidad, sino que los artistas pueden navegar en la linea del tiempo de la música electronica teniendo una infinidad de herramientas.
Pero también hay otra cara. Cuando la electrónica se volvió enorme, empezó a aparecer más música pensada para gustar, para funcionar, para vender. Y en esa búsqueda se fue perdiendo parte de la mística: el riesgo, el misterio, el arte de incomodar o hipnotizar sin necesidad de drops diseñados para clips.
Y ahí llega el punto donde, a veces, las mezclas dejan de tener diálogo y pasan a ser fast food. Cuando aparece electrónica mezclada con reggaetón, no como experimento real, sino como golpe de efecto. No es cuestión de purismo: es cuestión de intención.
La Era de la Eclecticidad no significa que los géneros hayan muerto, significa que dejaron de tener fronteras. Hoy la identidad ya no es una etiqueta: es criterio. Y en esta era donde todo está disponible al mismo tiempo, la pregunta ya no es “¿qué estilo pinchas?”, sino algo más serio: ¿qué historia eres capaz de contar con todo esto?
VARIA INSTRUMENTS RDM40
Desde siempre este mixer estuvo rondando mi inconsciente. Tiene ese diseño retro-futurista difícil de olvidar, aunque lo hayas visto solo una vez: VU meters analógicos, knobs grandes y una presencia que impone respeto en cualquier cabina. La construcción es realmente robusta —chasis metálico fabricado en Suiza, potenciómetros con recorrido largo— y es difícil olvidar la sensación que te deja después de usarlo: no es solo una mesa, es una herramienta musical. Desde el primer momento que lo conecté en mi estudio, después de desmontar mi mixer habitual y dejar el RDM40 en los mismos parámetros a los que estoy acostumbrado, la experiencia fue una absoluta pasada. Me sorprendió el “color” y la calidez que aporta, algo que se nota enseguida gracias a su circuito completamente analógico y a la fuente de alimentación lineal interna, sin adaptadores externos.
Parte de esa magia está en su arquitectura: cuatro canales rotativos, cada uno con entrada phono y line (el canal D también admite micrófono), ganancia independiente, envío a efectos y un isolator de tres bandas por canal. Los isolators son suaves y musicales, perfectos para trabajar capas sin destruir el groove, mientras que el isolator master —más agresivo— permite esculpir el conjunto del mix en tiempo real. En la práctica, esto se traduce en un control muy fino de graves, medios y agudos, ideal para DJs que disfrutan construyendo transiciones invisibles y mezclas largas.
La sutileza y el poder de ecualización es algo casi mágico. Puedes aislar una vocal o quitar un bass sin perder medio tema. Además, cada canal cuenta con un LED dinámico que avisa cuando la señal empieza a calentarse, y los dos VU meters analógicos pueden conmutarse entre master y PFL, algo muy útil para afinar niveles antes de soltar el siguiente tema.
La mesa ofrece salidas balanceadas por XLR para el master, booth balanceado, record out independiente y send/return para integrar efectos externos. Todo está pensado para setups complejos, tanto en casa como en cabina, sin perder ese enfoque artesanal que se siente en cada giro de knob. El mixer fue probado también en un club, donde habitualmente usan un Xone:92 y un sistema L-Acoustics de alta fidelidad. La reacción fue sin dudas positiva a nivel auditivo: más profundidad, más cuerpo y una sensación clara de headroom cuando el volumen empieza a subir. Eso sí, quizá no sea la mejor opción para dejar fijo sin supervisión: al ser un mixer rotativo con carácter, requiere un mínimo de conocimiento para no pasarse de rosca y hacer que todo pique en rojo.
En resumen, el RDM40 no busca ser una mesa complaciente. Está pensado para DJs experimentados que quieran lucir su espacio y su técnica, y para quienes entienden la mezcla como parte del lenguaje musical. Si te gusta trabajar los detalles y sentir que estás tocando el sonido, este mixer juega directamente en otra liga.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca album@mixmagaegroup.com
FELSMANN + TILEY
PROTOMENSCH
MUTE RECORDS
La dupla alemana Felsmann + Tiley (esto es Dominik Felsmann y Patrick Tiley) reúnen sintetizadores e ideas en el estudio para sacar adelante el álbum ‘Protomensch’. Un trabajo tenso e inmersivo que fusiona influencias IDM e industriales y que de algún modo se muestra como una reflexión sonora sobre el estado del mundo actual. De otro modo, a través de canciones plagadas de notas sintéticas -no exentas de melodías muy logradas, como ocurre en ‘Kind’- e incluso vocales que pellizcan (‘Open Fields’, ‘God is Lonelier’), estaríamos ante una banda sonora que no incita a la acción, sino a la conciencia. No hay que asustarse. Ni es tan experimental, ni es tan inaccesible. Si te gustan proyectos como Moderat, HVOB o Jon Hopkins, te van a interesar. Canciones como ‘Seeker’ o ‘Always You’ harán el resto.
EAMON HARKIN
THE PLACE WHERE WE LIVE
MISTER SATURDAY NIGHT RECORDS
Durante más de dos décadas, Eamon Harkin ha contribuido a moldear el pulso de la comunidad electrónica en la ciudad de Nueva York. Fundó Mister Saturday Night, Planetarium y Nowadays, luego ha creado y pinchado en espacios donde se suda mucho bailando, lugares donde la gente se reúne para comprender el mundo a través del sonido. Este disco en solitario es una combinación de estructuras House y Techno, con más de un guiño hacia otras movidas como el Disco y el Acid. Esto queda patente en uno de los mejores cortes del disco: ‘Promises Are Sweet’. El pulso que resulta cuando se escucha al completo ‘The Place Where We Live’ es bastante atemporal. No hay pistas que se pisen, incluso puede considerarse como acierto cuando -pocas veces- decide dejarnos respirar un poco (‘Wild Atlantic’).
SUBLIFE KALI
SUBLIFE RECORDS
Curiosos derroteros -que no extraños del todo- por los que el famoso rapero parisino Booba ha decidido tirar con SubLife Records. Decide mirar atrás hacia sus antepasados africanos y lo sitúa en una encrucijada donde la electrónica y el afro-house se hermanan con el espíritu de aquel continente. A su vez, una lucha contra el eurocentrismo. Este primer álbum del colectivo es una lección de ritmos y vocales tribales ataviados de presente. Una selección altamente bailable que cuenta con colaboraciones de DJs y artistas como Mondingo, Rama, Juju Boy, Ghenda y Sayka. Explora las nuevas cartografías de la Diáspora, algo que debemos conocer está asentado desde hace décadas. Un ejemplo, el sonido amapiano que suma miles de millones de reproducciones por doquier. SubLife, un lugar donde las formas futuristas de club puedan evolucionar libremente sin olvidar su germen.
DINA ÖGON
MÄNNISKOBARN
PLAYGROUND MUSIC
Muchos proyectos musicales me vienen a la cabeza al tiempo que degusto el nuevo trabajo - cuarto álbum de estudio en su haber- de la sueca Dina Ögon. Pero muy especialmente Yin Yin, Benny Sings y como no, Zero 7, quienes siempre han destilado esa especie de soul imperecedero repleto de calidez y nostalgia. Habita incluso el groove.. ‘Människobarn’ es una excursión llena de curiosidad, perfeccionista -la psicodelia y armonías son magníficas- y alentadora. Contradice completamente el ritmo vertiginoso e imposible de nuestras vidas. Canciones donde se combinan valentía y melodía. Una fusión que podíamos encajar, igual es un atrevimiento pero ahí voy, con Fleetwood Mac y Motown pero con un toque moderno. Con suma facilidad nos podemos quedar enganchados a títulos como ‘Du tappa dä”, ‘Verdandi’ o ‘Du ska va kvar’.
ÁLBUM DESTACADO
NATHAN FAKE EVAPORATOR INFINÉ
Imposible de otro modo. Esta nueva oda a la electrónica visceral, melancólica, a la vez que pletórica de aciertos y formas, debía colgarse el cartelito de ‘álbum destacado’ de este mes. Nathan Fake regresa con ‘Evaporator’, un LP de once cortes -donde además se asoman Clark y Dextro- que directamente estrenará mi listado de mejores discos de este nuevo año. Delirando, quién sabe. Muy fan de su manera de producir -composiciones en una sola toma, uso indiscriminado de cacharros- y este nuevo trabajo lo reafirma. Tras un largo periodo de pausa, sale de la sombra para volver a enamorar con un sonido distintivo. Una especie de psicodelia mecánica donde no esconde una huella bucólica. Está en la cima de su arte y títulos -todos de este largo- como ‘Slow Yamaha’, ‘Bialystok’ o ‘Bialystok’ lo evidencian.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca album@mixmagaegroup.com
FRANKIE & KELMAN DURAN
MCARTHUR KUBORAUM EDITIONS
Estamos ante un álbum debut. Uno donde, con la electrónica de fondo y un buen trancazo de experimentación, van a jugar sin miramientos con nuestros nervios. O bien los calman y hacen que estos se estiren sobre un lecho de paz, incluso placer -’BWV 639’, con la participación de Iris Moldiz, y como bien dice cantando “el cielo en la Tierra”- o por lo contrario nos van a poner histéricos (‘SLINKY’). Personalmente me voy a decantar por el plano intermedio. Esto es el que proponen temas como ‘Medicine’ o ‘GRAYT’. Dentro de un horizonte electrónico, casi desnudo, canciones donde se conjuga el silencio, lo críptico y lo íntimo. Un logro para un disco creado desde la distancia y donde han tirado mucho de improvisación, que también de una colaboración entusiasta del caos.
SHĪDO INTERIMS
WOODLAND CREATURES
Bienvenida la paz cuando esta no aburre. Este LP de Shīdo recalca el valor del Ambient y de la electrónica volátil que además se confabula con soniquetes más orgánicos. En ‘Interims’ importan las capas y las texturas. Templamos la oreja y el vientre a base de temas que, aunque hayan surgido en largas sesiones de estudio, no suelen alcanzar los tres minutos de duración. Con excepciones, como ‘Nubu’ o ‘Form In Ice’. El disco, a poco que conectes con él, está lleno de secretos y significados. Un refugio, un punto de inflexión, un modo de conectar con el medioambiente. Se creó durante un par de fines de semana en otoño de 2010 mientras el artista trabajaba como activista y dedicaba semanas a acampar y a recorrer varios pueblos y zonas de su Wisconsin natal.
VVAA ‘THE ROUND UP PT 12 HEIST RECORDINGS
El sonido House coge carrerilla, y de ahí no se mueve ni despista, a lo largo y ancho de los diferentes temas que conforman este recopilatorio de remezclas que cuenta con un cabecilla harto conocido por estos fueros: Dam Swindle. El amo y señor de Heist es escoltado por su guardia de confianza: Cinthie, Demuir, Tesfa Williams, D Stone, Ossie, o GOME. Por lo que, nunca mejor dicho, todo quedará en casa. En este compadreo bien entendido -en voz del sello “alegre intercambio a ciegas”- la naturaleza que gana la batalla es la de un Tracklist repleto de calidez y baile sin aspavientos. De terracita y para todos los públicos. Acordes atemporales, sampleos reconocibles y vocales soulful de toda la vida. La pista ganadora, ‘Move Over feat. ELY’ de D Stone, revisada por Demuir.
VVAA
KAPOTE PRES. TOY TONICS WILDSTYLE HOUSE VOL. 1 TOY TONICS
¡Ups! Segundo ‘recopilata’ que cae. A vueltas de nuevo con el sonido House, esta vez funky y salsero. Precisamente el equipo de Toy Tronics ha querido acuñar en el término Wildstyle House un sonido distintivo donde campan percusión étnica y orgánica junto a un groove multiforme. Arrogante y urbanita (Apry Brown & Kapote ‘Drop It Low’), latino y soulful (Gee Lane and Dante ’Rhythm Roots’ con la guitarra pizca Santana de Jose Barranquero) o con esa especie de pegamento al buen rollismo que es el Afro-Disco (Elado ‘I Wanna Dance’). Puede no tratarse de un disco que deje mucha huella, pero que sin duda nos marca con antelación lo que puede suceder el próximo verano. Un alegato a la libertad en la pista de baile, la curiosidad musical y la construcción de una comunidad a largo plazo.
REVIEW CLÁSICO
TRENTEMØLLER
THE LAST RESORT
POKER FLAT RECORDINGS
Me ha acompañado desde 2006, ¡ni os imagináis cómo! 20 años que coinciden exactamente con mi llegada a Barcelona, una relación de pareja sin igual… Incluso se ha dado el caso que desde entonces he trabajado y conocido a fondo la personalidad del artista. En ‘The Last Resort’ el danés deslumbró a propios y extraños con un LP debut repleto de beats minimalistas, atmósferas oscuras y melancólicas, todo ello bien impregnado con elementos que iban desde ambient o techno hasta dub y micro-house suspendido. Electrónica e instrumentación orgánica hermanadas a un nivel superior. Todo ello para demostrarnos la importancia de un buen relato en formato largo. Trece canciones que enlazan una “historia sonora” donde sobran las palabras. Hermosa y cinematográfica. ‘Take Me Into Your Skin’, ‘Moan’ o ‘Miss You’ van conmigo a la tumba.
BREAKS
Autor: Eduardo Carbonell breaks@mixmagaegroup.es
BAIUCA
BARULLO REMIXES RASO
El productor Alejandro Guillán, más conocido como Baiuca, se ha ido labrando una sólida carrera de la mano del sello Raso desde 2017. Ya nos iba sorprendiendo con varios singles desde sus inicios, con el EP ‘Misturas’ de 2019, o con álbumes como ‘Solpor’ de 2018 y ‘Embruxo’ de 2021. En 2024 despegó totalmente con su tercer álbum titulado ‘Barullo’, con el que aún sigue de gira, demostrando que su apuesta por la folktrónica ha llegado para quedarse. Un disco redondo donde el pontevedrés mezclaba la música tradicional gallega con la electrónica de una manera exquisita. En este disco nos dejaba joyas breaks como ‘Antalejo’, ‘Navajitas’, ‘Sísamo’, ‘MonteViso’, ‘Xoia’ o ‘Rachafaldra’. Ahora en 2026 nos llega la versión remezclada de este, con nombres como Alvva, Ale Acosta, DJ Raff o Fernanda Arrau entre otros, destacando en cuanto a ritmos rotos el genial remix nu skool del onubense afincado en Granada GLOW.
LA GORE MAJARA AUTOPRODUCCIÓN
Si en abril del pasado año hablábamos del sorprendente single ‘Ya no quiero tu amor’ de La Gore, nombre artístico de la utrerana Lidia Navarro, en este número no podíamos dejar de recomendar el trabajo con el que cerraba 2025. Con su último single ‘Majara’, Lidia volvía a descontextualizar las raíces del flamenco y el folclore con su arriesgada, pero efectiva, fusión a ritmo de big beat. Para esta ocasión, además le acompañan las cuerdas del violinista Raúl Escudero, grabadas en Creativa Sonora a cargo de otro grande como es JM Mantecón. Una artista multifacética a tener en muy cuenta en las escenas indie y electrónica, que se encarga de la producción, composición, grabación y arreglos de sus obras y que además lo defiende en los escenarios, abriéndose camino por festivales como Arrecife en Vivo (Lanzarote), MyPlaylistFest (Sevilla), Oleosonica (Jaén), Asituna (Córdoba), Alameda Fest (Málaga) o Peligrossound (Granada) entre otros.
DAVID GUETTA, TEDDY SWIMS, TONES AND I GONE GONE GONE WARNER MUSIC
‘Gone Gone Gone’ supone una grata e inesperada vuelta del big beat al mainstream, ese sonido explosivo nacido en los noventa, como una mutación del breakbeat, que marcó a toda una generación con nombres como Fatboy Slim, The Wiseguys o The Chemical Brothers. En este contexto, resulta especialmente llamativo que una figura tan comercial como David Guetta decida mirar atrás y recuperar esa energía cruda, directa y cargada de groove. El tema combina breaks contundentes, bajos musculosos y una estructura pensada para impactar, pero actualizada con una producción contemporánea. Las voces de Teddy Swims y Tones and I aportan un componente emocional que conecta con el espíritu vocal y soul que ya asomaba en algunos clásicos del género. Lejos de sonar a ejercicio nostálgico, funciona como un puente entre épocas: una reivindicación del big beat desde el presente, demostrando que aquel sonido noventero aún tiene mucho que decir en la electrónica actual.
SUB FUNDATION
THE WAYS OF THE UNDERGROUND KNITEFORCE WHITE
El productor gaditano Jesús Gómez, anteriormente conocido en la escena breakbeat como J-Psycobeat, reapareció en 2019 bajo el alias Sub Fundation enfocado al breakbeat hardcore, publicando desde entonces diversos singles y EPs en vinilo y digital por sellos como Dubvinyls, Fair Trade Records, Rabbit Robot Records y la mitiquísima casa Kniteforce Records. Es por esta última por la que presenta su álbum ‘The Ways Of The Underground’, un doble 12” que se edita en dos formatos diferentes, siendo el más interesante el que incluye, además de sus 8 cortes físicos, gran contenido extra en digital como 4 pistas más bajo el alias Sub Fundation, otra bajo su antiguo alias J Psycobeat que rescata de 1993, un paquete de samples e incluso presets para los sintes analógicos Matrix Brute de Arturia y Virus de Access. Por si fuera poco, Jesús anunciaba recientemente que vuelve a retomar su alias electro Mauro Nakimi.
REVIEW CLÁSICO
THE CHEMICAL BROTHERS
DIG YOUR OWN HOLE
ASTRALWERKS / VIRGIN
Publicado en 1997, ‘Dig Your Own Hole’ es el álbum que consolidó a The Chemical Brothers como referentes absolutos de la electrónica global. Más oscuro y contundente que su debut, el disco llevó el big beat a nuevas cotas de intensidad, combinando breakbeats demoledores, líneas de bajo abrasivas y energía rockera. Temas icónicos como ‘Block Rockin’ Beats’, ‘Setting Sun’ junto a Noel Gallagher de Oasis o ‘Elektrobank’ se convirtieron en himnos inmediatos, capaces de funcionar tanto en la pista de baile como en el imaginario colectivo de los noventa. A su vez, piezas más hipnóticas como ‘The Sunshine Underground’ aportaron profundidad y tensión progresiva. El álbum no solo definió una era, sino que amplió los límites entre electrónica y cultura popular, marcando un antes y un después en la historia del género. Fue certificado platino por la British Phonographic Industry y nominado en los Grammy como Mejor Álbum de Música Alternativa.
DRUM AND BASS
Autor: Olga Casas
drumandbass@mixmagaegroup.com
WRECKLESS DELIBERATION
DISPATCH RECORDINGS
Tras publicar varios EPs en Dispatch Recordings, Wreckless vuelve al sello para presentar su primer LP en él, ‘Unforced Rhythms’, una obra madura y profundamente personal, fruto de años de experiencia del artista como productor, educador e ingeniero de audio.
El título del álbum refleja la confianza en el impulso en lugar de forzarlo, y ‘Deliberation’ lo encarna de manera ejemplar. La pista explora la paciencia en la creación, priorizando la sutileza sobre el exceso y dejando que la emoción guíe cada decisión sonora. Combina la energía con atmósferas meditativas y momentos de escucha reflexiva, siempre respaldados por la precisión técnica y la sensibilidad que caracterizan al artista.
Este track, junto a algunos otros, estará disponible exclusivamente en la versión del LP de Bandcamp y Beatport, ofreciendo una experiencia que recompensa la atención del oyente.
DOUBLE SCREEN
SWEET RUSH
FOKUZ RECORDINGS
‘Sweet Rush’ de Double Screen llega a Fokuz Recordings como parte del EP ‘Run To The Moon’, mostrando otra faceta del talento de Sharpson bajo este alias. La pista combina la energía y la precisión con texturas melódicas cuidadosamente tejidas, creando un equilibrio entre intensidad y fluidez.
Desde el primer golpe, ‘Sweet Rush’ nos atrapa con su groove y percusiones definidas, sumando sutiles detalles sonoros, cambios de dinámica y una breve vocal sampleada que se repite a lo largo del tema.
Con este track, Double Screen nos muestra su habilidad para crear temas que funcionan tanto en la pista como en una escucha más profunda, aportando su propio enfoque del Liquid al sonido característico de Fokuz Recordings.
SERPNT
BAD VIP MUSTARD MUSIC
‘Bad VIP’ aterriza en Mustard Music como una de las piezas claves del EP ‘Spruced Up’ Sampler, un proyecto que da nueva vida a lanzamientos ya consolidados, a través de remixes y VIPs. La idea del sello es ofrecer a los artistas un espacio para que reimaginen sus ideas y las lleven a territorios cercanos, pero distintos. En este VIP, Serpnt toma el original y lo transforma con un enfoque más directo hacia la pista de baile, sin perder la identidad del material de partida. La energía del tema se siente intensa, intensificando el groove y el movimiento, mostrando cómo un tema puede reinterpretarse sin perder su fuerza inherente. La filosofía detrás del proyecto ‘Spruced Up’ cobra sentido aquí: permitir a los productores mirar las obras desde otro ángulo, explorar variaciones y aportar una versión alternativa que conserve la esencia, pero que se mueva con una energía distinta. ‘Bad VIP’ es una convincente demostración de ello y actúa como carta de presentación de lo que este EP y el proyecto completo tienen por ofrecer.
JINBU
YOU SAID
GRAND THEFT AUDIO
‘You Said’ de Jinbu forma parte del EP ‘Grand Theft Audio 100: Part 1’, un lanzamiento especial con el que este sello celebra su referencia número cien. Este primer volumen funciona como una mirada al recorrido del sello, al mismo tiempo que señala el rumbo sonoro que pretende seguir, con una segunda parte prevista para publicarse dentro de unas semanas. Tras el impacto del anterior trabajo de Jinbu, el artista aporta aquí una pieza que encaja perfectamente con el carácter conmemorativo del proyecto. El tema se apoya en un diseño de sonido oscuro y sostenido, donde la tensión se mantiene de forma constante a través de bajos profundos, baterías de carácter hipnótico y una cuidada capa de detalles. ‘You Said’ se desarrolla con paciencia, construyendo una atmósfera que resulta tan introspectiva como funcional en la pista. Es una aportación que refuerza el discurso del EP: celebrar el camino recorrido por el sello sin dejar de mirar hacia adelante, apostando por un Drum & Bass denso, emocional y con identidad propia.
REVIEW CLÁSICO
CHASE & STATUS
TAKE ME AWAY
RAM RECORDS
Incluido en su álbum debut ‘More Than Alot’, ‘Take Me Away’ es uno de los temas más icónicos de Chase & Status, e incluso uno de los más representativos dentro del universo del Drum & Bass. Aunque el LP explora múltiples facetas del dúo británico, esta pista destaca con claridad y se convirtió rápidamente en una de las más queridas y recordadas con el paso del tiempo. El uso respetuoso y elegante del legendario sample vocal de ‘Sweet Sensation’ de Loleatta Holloway le aporta gran parte de su magia, con una carga emocional inmediata que conecta con el oyente en todo tipo de contextos. ‘Take Me Away’ transmite evasión pura y es un tema que no entiende del paso del tiempo, ya que no depende de modas sonoras concretas, sino de una combinación atemporal de groove, voz y energía. Además, fue uno de los tracks que ayudaron a llevar el Drum & Bass a un público más amplio, alcanzando posiciones destacadas en charts especializados y listas de referencia, algo poco habitual para el género en aquel momento, y que en años recientes volvería a repetirse con otros éxitos actuales del dúo. En definitiva, ‘Take Me Away’ podría definirse como un clásico moderno, un eterno recordatorio de que, a veces, el mayor impacto reside en lo esencial: tocar el alma.
ELECTRO
Autor: Federico Cortina electro@mixmagaegroup.com
INNERSHADES SUBMERGED HORIZON CLONE RECORDS
Directo desde Bruselas, Innershades es uno de esos nombres que no pueden faltar en una colección de vinilos seria, y este release lo confirma. Su sonido característico aquí sube un escalón más: groove marcado, melodías melancólicas y una atmósfera que evoca perfectamente la música que se producía en los clubs belgas entre finales de los 80 y los 90. Se sienten claras referencias a sellos como R&S Records o Music Man Records, pero con un enfoque actual y muy personal. Electro elegante, con alma y con pista.
TORRENT AZIMUTH CÚPULA RECORDS
Desde su base en el Eixample Barcelonés, Cúpula Records lanza su referencia 7 con Torrent, que viene firmando releases muy sólidos últimamente. El A1 mezcla electro-techno rudo con una carga emocional bien medida. Funciona especialmente bien para mantener la energía en la pista sin perder profundidad: oscuro y directo, pero con sensibilidad. Personalmente, lo usaría en ese momento del afterparty en el que quieres que todo el mundo deje de hablar y empiece a bailar (milagro incluido). Distribuido por Subwax Distribution, así que puedes esperar un pressing a la altura.
OSKAR OFFERMANN PLANET INTERFACE THE COMFORT
El residente del mítico club Robert Johnson entrega aquí un track que es puro fuego. ‘Planet Interface’ tiene todo lo que busco en un tema: bassline gordo, líneas ácidas y psicodélicas, una melodía pegajosa pero seria y vocales perfectamente colocadas. De esos discos que ya sabes que van a caer en cuanto lleguen a la tienda. Con este release, Vass —al frente del sello— sigue consolidando una estética sonora con mucha personalidad y criterio.
OTIS MORPHINEUS ART OF DARK
El artista italiano afincado en Berlín regresa con un nuevo EP en Art Of Dark que confirma su afinidad natural por los terrenos híbridos entre techno y electro. Este es el track que mejor me ha funcionado: quizá no sea el más inmediato del release, pero sus bajos firmes, grooves mecánicos y sintes afilados avanzan entre lo hipnótico y lo funcional con mucha elegancia. Otis vuelve a demostrar su habilidad para construir herramientas de baile con personalidad, equilibrando precisión técnica y carácter underground.
REVIEW CLÁSICO
DJ TRANCE & DARWIN CHAMBER GREAT SPIRIT
Este track propone un viaje sonoro que esquiva etiquetas con total naturalidad. Ritmos tribales, pulsos psytrance y capas de ambient-electro cósmico se cruzan en una narrativa que se siente a partes iguales ancestral y futurista. Desde el arranque, bajos profundos sostienen grooves hipnóticos mientras sintes brillantes y percusiones detalladas construyen paisajes que remiten tanto a rituales antiguos como a escenarios de ciencia ficción.
Great Spirit destaca por su capacidad de generar atmósferas densas y cinematográficas, donde lo psicodélico se mezcla con lo etéreo y cada elemento está colocado con intención, manteniendo al oyente dentro del viaje de principio a fin.
HARD TECHNO
Autor: Alejandro Serrano
hardtechno@mixmagaegroup.com
DEVIN WILD
SILENT (LEFT THE SYSTEM) SCANTRAXX
Con Among The Noise, Devin Wild entrega su proyecto más audaz hasta la fecha, un EP que desafía las fronteras entre el Hardstyle y el Hard Techno con una claridad quirúrgica. Tras el impacto de ‘Chaos (Always Comes)’ junto a Nathalie Blue, el frenesí de ‘Dance With Madness’ y la contundencia de ‘Hit Back’, la obra completa revela por fin el mapa sonoro que el productor llevaba meses insinuando.
Cada pista funciona como un capítulo dentro de un viaje cohesivo, sostenido por intros y outros cinematográficos que refuerzan la narrativa del EP. Sin embargo, es ‘Silent (Left The System)’ la pieza que termina de sellar la identidad del proyecto: un corte industrial, agresivo y tenso, que demuestra cómo Devin Wild puede deformar la estructura clásica del hard dance sin perder su firma melódica.
El track avanza como una corriente subterránea, acumulando presión hasta liberar un golpe preciso y devastador, perfecto para cerrar la experiencia con una sensación de desafío y renovación. Con este EP, Devin Wild confirma que sigue a la vanguardia del sonido experimental, siempre empujando los límites y manteniéndose un paso adelante entre el ruido.
ETRONE METANOIA DSR
Con ACID WARRIOR, ETRONE presenta un viaje de cinco capítulos que exploran distintos estados de energía y transformación personal. El EP oscila entre momentos melódicos e introspectivos y descargas de techno ácido devastador, trazando un recorrido que va del control interior a la explosión absoluta de poder.
Cada pista funciona como una fase distinta dentro del proceso, siempre guiada por la combinación característica del artista: melodía y empuje, precisión y crudeza. Desde los pulsos afilados del corte titular hasta la ferocidad de ‘Acid Fury’, el EP despliega un lenguaje propio dentro del Hard Techno contemporáneo.
Entre todas, ‘Metanoia’ emerge como el punto de inflexión emocional del proyecto. Su línea ácida serpentea entre tensión espiritual y liberación, construyendo un ambiente hipnótico que captura la esencia transformadora del EP. El juego entre drive, oscuridad y melodía convierte a este track en una pieza central, capaz de resumir el viaje completo en unos minutos intensos y memorables.
Con este lanzamiento en DSR Digital, ETRONE reafirma su evolución sonora y su capacidad para convertir la energía ácida en una experiencia profunda, física y mental.
AWII
AWAY HAMSA RECORDS
Con Away Into The Sky, Awii entrega un EP directo y sin concesiones, donde el techno se expresa en su forma más cruda y funcional, pero sin renunciar a una identidad propia. El lanzamiento se construye sobre dos piezas bien diferenciadas que comparten una misma pulsión: ritmo firme, atmósferas tensas y una clara orientación al club.
El EP respira una estética nocturna y decidida, con bases sólidas y una producción que apuesta por la claridad del impacto antes que por la ornamentación. Awii demuestra un control preciso de la energía, dosificando los elementos para mantener la tensión constante y dejar espacio a que cada sonido cumpla su función.
El track escogido, ‘Away’, resume a la perfección el espíritu del lanzamiento. Un techno frontal, impulsado por un groove persistente y texturas ásperas que avanzan sin mirar atrás. La repetición se convierte en herramienta de inmersión, llevando al oyente a un estado casi mecánico, ideal para las horas más intensas de la pista. Away no busca complacer: arrastra, empuja y mantiene la presión hasta el último compás, confirmando este EP como una declaración clara de intenciones por parte de Awii.
IDRISS REINA Y GLEEZY ARGANDA
BE YOUR OWN STUDIO
Arganda es un lanzamiento donde Idriss Reina y Gleezy exploran la electrónica emocional desde una perspectiva contenida y profundamente atmosférica. Editado por Be Your Own Studio, el disco se apoya en una producción elegante que prioriza la narrativa sonora por encima del impacto inmediato. Las texturas envolventes y los sintetizadores orgánicos construyen paisajes introspectivos, marcados por un pulso rítmico preciso pero nunca invasivo.
La colaboración fluye de forma natural, con un equilibrio claro entre melodía y estructura, dejando respirar cada composición. Hay una sensación constante de recogimiento y profundidad, alineada con la identidad más introspectiva del sello madrileño, así como una atmósfera íntima y reflexiva a la vez que punzante que invita dejarse llevar en la pista de baile sin medida, hasta el infinito.
El tema homónimo, ‘Arganda’, actúa como núcleo emocional del lanzamiento: una pieza que crece con sutileza, refuerza el carácter contemplativo del EP y resume con acierto la sensibilidad y el enfoque artístico de este trabajo conjunto.
REVIEW CLÁSICO
FERNANDO LAGRECA
KOSMONAUTEN
M4RLOW RECORDS
M4rlow Records, sello propiedad de WTDM Music Group bajo la dirección de Paul Render, inaugura el año con una apuesta directa al club. El elegido es Kosmonauten, un EP de dos cortes firmado por Fernando Lagreca. Un trabajo pensado para las horas más profundas de la noche y los espacios sin concesiones. El EP respira crudeza, tensión y enfoque funcional. La masterización, a cargo del propio Paul Render, refuerza su pegada física y precisión sonora. Lagreca apuesta por estructuras claras y un diseño sonoro que prioriza el movimiento colectivo.
No hay adornos innecesarios: todo está al servicio del trance y la pista. El conjunto se siente compacto, oscuro y deliberadamente hipnótico. Pero es Kosmonauten el que deja una huella más profunda. Un tema que se sumerge en la bruma con texturas envolventes y un groove expansivo. La percusión firme y su atmósfera cósmica lo convierten en un arma para sótanos ahumados. Una pieza tensa, nocturna y absorbente, diseñada para estirar el clímax del set.
Autor: Marian Ariss
MELODIC HOUSE & TECHNO
melodictechno@mixmagaegroup.es
MONOLINK, MAXI MERAKI N MY PLACE (MAXI MERAKI REMIX)
EMBASSY ONE
MAXI MERAKI aporta una nueva profundidad clubbing a ‘In My Place’, uno de los temas clave de The Beauty Of It All, el tercer álbum de estudio de Monolink, del que tuve la dicha y el honor de formar parte abriendo su concierto en su paso por Barcelona. Personalmente es un álbum que me parece una auténtica obra de arte. Esta vez, Meraki, el productor belga, fiel a la esencia cruda y emocional del original, transforma la canción en un viaje atmosférico y orientado a la pista de baile, donde el groove y el espacio cobran un papel central. Percusiones envolventes, bajos dinámicos y sintetizadores expansivos amplían el horizonte sonoro, permitiendo que la voz de Monolink respire con mayor amplitud. El resultado es un remix elegante que respeta el alma introspectiva del tema mientras lo proyecta hacia un contexto más nocturno y contemporáneo, reafirmando la sensibilidad emocional y la solidez artística de MAXI MERAKI. El remix añade una nueva y atractiva dimensión a The Beauty Of It All, un álbum elogiado por su narrativa introspectiva, su calidez sonora y su enfoque en la claridad emocional.
ERLY TEPSHI IN YOUR ARMS
BLACK ROSE RECORDINGS
Nacido en 1988 en Tirana, Albania, Erly comenzó su carrera como DJ a los 15 años. Tras años de influencia de la cultura underground, empezó a adentrarse en la producción musical en 2007. Inspirado por la nueva ola de música electrónica que estaba recorriendo el mundo, Erly comenzó a experimentar con la creación de temas de melodic house y techno. Sus producciones se caracterizan por pads atmosféricos y sintetizadores cálidos y melódicos, combinados con líneas de bajo profundas y envolventes. Para el octogésimo cuarto lanzamiento de Black Rose Recordings, Erly Tepshi regresa con su emocionante EP In Your Arms, que incluye dos temas. ‘In Your Arms’, cuenta con voces bellas y elegantes que, junto a la inconfundible melodía y el groove característicos de Erly, crean la mezcla perfecta para las pistas de baile de todo el mundo. Erly Tepshi combina melodías etéreas, acordes inquietantes y un groove profundo para dar forma a un paisaje sonoro emocional y a la vez poderoso.
URIGEAR INSURRECTION
OUTER SPACE OASIS
Con ‘Insurrection’, URIGEAR presenta un EP sólido y conceptual que se mueve con soltura entre lo etéreo y lo oscuro dentro del espectro del melodic techno. DJ y productor afincado en Barcelona, URIGEAR ha desarrollado una identidad musical distintiva basada en un sonido profundo, melódico y cargado de energía, elementos que se reflejan claramente en este lanzamiento. A lo largo de sus dos cortes, construye paisajes sonoros envolventes donde sintetizadores atmosféricos, melodías futuristas y bajos profundos dialogan con percusiones orgánicas y una narrativa emocional cuidadosamente elaborada. ‘Insurrection’ se despliega de forma progresiva, guiando al oyente a través de una atmósfera misteriosa que evoluciona hacia un clímax potente e hipnótico. A lo largo de su trayectoria, URIGEAR ha actuado en algunos de los clubes más emblemáticos de Barcelona y ha publicado sus primeros trabajos en sellos internacionales de referencia. Actualmente, continúa trabajando en nuevos lanzamientos y proyectos que prometen seguir expandiendo su visión musical y afianzando su crecimiento artístico dentro de la escena electrónica contemporánea.
D-FORMATION, ALEX MEDINA, YES TO ALL.
CADENZA
YES TO ALL
YES TO ALL nace del encuentro entre D-Formation y Alex Medina, dos figuras clave de la electrónica española. Con décadas al frente de Beatfreak Recordings, D-Formation aporta un legado esencial del sonido progresivo y melódico, mientras que Alex Medina suma una visión más experimental y atmosférica, forjada en sellos como Innervisions, Diynamic y Bedrock. YES TO ALL, presenta su siguiente y potente capítulo con Cadenza / Fugue, un lanzamiento que captura la esencia de su visión compartida: energía cruda, profundidad emocional y música electrónica orientada al futuro. El lanzamiento se abre con ‘Cadenza’, un tema concebido directamente para la pista de baile: contundente, hipnótico y cargado de energía. Sus voces enigmáticas y la línea de sintetizador con matices indie se enganchan de inmediato al groove, construyendo una tensión magnética a lo largo de toda la pieza. Un arma de peak time con un carácter inconfundible. En conjunto, este lanzamiento no solo refuerza la química creativa de YES TO ALL, sino que también subraya su compromiso con una electrónica valiente, sofisticada y pensada para dejar huella en la pista de baile.
REVIEW CLÁSICO
PATRICE BÄUMEL
GLUTES
AFTERLIFE
‘Glutes’ es uno de esos tracks que trascienden el momento de su lanzamiento para convertirse en un auténtico clásico de la electrónica. Patrice Bäumel construye aquí una pieza hipnótica y profundamente física, donde la tensión se desarrolla de forma lenta y calculada, apoyada en un groove implacable y una arquitectura sonora minimalista pero extremadamente efectiva. Bäumel introduce capas de sintetizadores oscuros y modulaciones sutiles que generan una sensación de movimiento orgánico y una atmósfera casi ritual. No hay elementos superfluos: cada sonido cumple una función clara dentro de una narrativa pensada para el club. ‘Glutes’ destaca especialmente por su capacidad para mantener la tensión durante toda su duración, convirtiéndose en una herramienta poderosa para momentos de transición o de máxima conexión en la pista. Es un track que no busca el impacto inmediato, sino que seduce poco a poco, atrapando al oyente en un estado hipnótico que refleja a la perfección la elegancia y profundidad del sonido de Patrice Bäumel. A día de hoy, ‘Glutes’ sigue funcionando con la misma fuerza que el primer día, confirmando su estatus como una referencia atemporal dentro del techno melódico y progresivo, y como una muestra clara del talento de Bäumel para crear música de club sofisticada, intensa y duradera.
HOUSE
Autor: Francisco Pérez
house@mixmagaegroup.com
DANNY HOWELLS SPINDLES (ORIGINAL MIX) 8BIT
Danny Howells no encaja en los paradigmas habituales de la música dance. Reconocido como “el DJ de los DJs”, ha mantenido una postura estoica ante las modas y vaivenes del panorama desde que irrumpió en la conciencia global del house a finales de los 90. Su estilo y criterio han marcado generaciones en clubes y festivales, consolidándolo como una referencia indispensable para amantes de la música y DJs a nivel global. Danny nos presenta su lanzamiento en el sello 8Bit Records de Nick Curly su tema ‘Spindles’, que tuve la oportunidad de tocar en diferentes eventos en mi gira por República Dominicana este pasado mes de enero: la energía que proyecta en la pista es simplemente hermosa.
DISTANT STRANGERS MEDICINE (ORIGINAL MIX) CIRCUS RECORDINGS
Circus Recordings, el sello paralelo a los eventos Circus, publica música desde 2009 y se ha consolidado como referencia en house, techno y electrónica de calidad. Fue responsable del himno underground de verano 2013, Green Velvet‘Bigger Than Prince’, y refleja la visión colorida de Yousef sobre house y techno. El tema ‘Medicine’ viene de la mano de, nada más y nada menos que Jansons, excelente DJ y productor de Inglaterra. Se conecta con Dope Earth Alien para presentarnos este sonido que refleja la esencia del house old school clásico con toques y ritmos perfectos para activar la pista de baile.
PANCRATIO
DEEP BEAT (ORIGINAL MIX)
FAITH BEAT
Faith Beat es un sello de house y techno fundado por Ryan Elliott en 2019, especializado en sonidos minimal y tech house de corte elegante. Su identidad se centra en producciones cuidadas, grooves detallados y atmósferas pensadas tanto para club como para sets más sofisticados. En esta ocasión, Faith Beat presenta el tema ‘Deep Beat’ a cargo de Pancratio, nacido Gian Luigi Mendozza, productor y compositor romano. ‘The Beat’ mantiene la estética del sello: minimalismo pulido, pulsos rítmicos precisos y una energía diseñada para conectar con la pista sin perder refinamiento.
NICK CURLY, JOËLLA JACKSON
ATTENTION (ORIGINAL MIX)
CECILLE
Cecille vuelve a sorprender con ‘Attention’, una colaboración entre Nick Curly y Joëlla Jackson que reafirma el sello como sinónimo de groove y buen gusto. El tema funciona tanto en festivales como en clubes íntimos, gracias a una producción que equilibra energía bailable y elegancia sonora. Joëlla Jackson, prometedora DJ de Ámsterdam, trae consigo una sensibilidad forjada entre soul y disco, que se traduce en una paleta musical amplia y refinada. ‘Attention’ cristaliza las raíces sonoras por las que Cecille apuesta: un sonido fresco, sofisticado y contagioso que conecta inmediatamente con la pista y con el oyente.
REVIEW CLÁSICO
MIDLAND
FINAL CREDITS
CLASSIC MUSIC COMPANY
Midland es un DJ, productor y sello británico cuya carrera arrancó en Leeds y hoy se consolida desde Londres. En 2013 creó Graded para canalizar sus propias producciones, y desde entonces se ha ganado un lugar destacado en la escena underground. Su clásico tema ‘Final Credits’ es la definición de cierre épico: atmósferas envolventes, tensión melódica y una cadencia que empuja a la pista hacia un desenlace emocional acompañado de unas vocales que transmiten todo este sentimiento de felicidad. Tuve la fortuna de verlo pinchar hace 14 años en la emblemática discoteca Output en Nueva York; aquella sesión fue reveladora y alimentó mi amor por la música electronica pero sobre todo por el movimiento underground. ‘Final Credits’ cumple exactamente esa promesa: invita a cerrar los ojos, dejarse llevar y sentir el poder del último corte de la noche.
UK GARAGE
Autor: Borja Comino
ukgarage@mixmagaegroup.com
JOSI DEVIL NO MORE EP NERVOUS HORIZON
Tras el impacto de ‘Make It Better / Restless Sleep’ en Hessle Audio, Josi Devil vuelve a Nervous Horizon (el sello de TSVI y Wallwork) con un EP que refuerza su equilibrio entre funcionalidad de club y diseño sonoro cinematográfico. ‘No More’ se apoya en una estructura directa y una tensión sostenida que explica su rápida circulación por cabinas clave del circuito UK. ‘Duinpan’ introduce un enfoque más agresivo, con percusión comprimida y texturas retorcidas que empujan el groove hacia terrenos garage de alta presión. El cierre, ‘M.e.S’, junto a TSVI, sintetiza con precisión el ADN del sello: producción fría, ritmo incisivo y una narrativa pensada para el choque en pista más que para el desarrollo melódico.
BODHI
433MHZ / PULSE
INGRAM
El dúo de Cardiff entrega en Ingram un EP que se aleja deliberadamente de sus registros más cálidos para centrarse en una lectura más cruda y directa del club. ‘433Mhz / Pulse’ se mueve dentro de un marco garage oscuro, con grooves insistentes y una percusión seca que prioriza impacto y repetición. Ambos cortes funcionan como herramientas de peak-time, diseñadas desde la economía de elementos y una producción precisa. Es un giro lógico dentro de la evolución del proyecto: menos introspección, más tensión física, manteniendo el control técnico que les ha valido apoyo continuado de figuras clave del circuito UK.
DAM SWINDLE
BACKYARD GALAXY EP
HEIST
Tras el recorrido expansivo de ‘Open’, Dam Swindle regresan a Heist con un EP centrado en la pista y en los códigos clásicos del house que han definido su trayectoria. ‘Feel It Much?’ abre con pads cálidos, percusión orgánica y una vocal minimal que estructura el groove sin distraerlo.
El tema titular introduce acentos latinos y una energía más acelerada, mientras ‘Rhythm Baby’ se adentra en un garage de swing marcado, jugando con chops vocales y patrones flexibles. El cierre, ‘What You Give’, mira al house neoyorquino con órganos y teclas contenidas. Un EP que no busca reinvención, sino reafirmación.
INVT, K-LONE
LOCA EP
CUTTIN’ HEADZ
La colaboración entre INVT y K-LONE para Cuttin’ Headz cruza influencias UK bass, techno y percusión latina desde un enfoque claramente orientado al club. ‘Muévela’ construye su narrativa sobre ritmos rodantes, bajos elásticos y voces fragmentadas integradas como elemento rítmico.
‘Ascenso Dub’ refuerza el enfoque funcional del EP, con subgraves definidos y una estructura pensada para sostener tensión en contextos de alta energía. El resultado es un lanzamiento conciso, sin adornos, que conecta escenas y lenguajes sin forzar el cruce.
REVIEW CLÁSICO
FUTURE UNDERGROUND NATION
IT’S THE WAY
NICE ’N’ PIPE RECORDS
‘It’s The Way’ ocupa un lugar clave en la transición del UK Garage desde la herencia hardcore y jungle hacia un lenguaje más accesible sin perder energía rave. Producido por Edge —también conocido como DJ Rhythm Master—, el track combina ritmo ágil, bajo elástico y un hook inmediato que lo convirtió en pieza recurrente tanto en pista como en radio pirata. Más de dos décadas después, su vigencia se mantiene a través de reediciones y nuevas remezclas, funcionando como referencia estructural para entender el ADN del garage de finales de los 90 y su influencia posterior en el club británico.
