Argy - Mixmag Spain #4

ARGY FOTOGRAFÍA POR TAREK MAWAD

d a n c e

m u s i c

+

c l u b

c u l t u r e

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NÚMERO #4

Lo primero de todo os tenemos que dar las gracias por los muchos mensajes que hemos recibido en nuestro email y en redes sociales felicitándonos por nuestro último número con Carl Cox en portada. Estamos muy contentos de recibir tan buen feedback por parte de los artistas, profesionales y del público que tenía ganas de volver a ver nuestra revista en las calles.

Para esta edición de septiembre/octubre no hemos bajado el nivel y hemos intentando volver a mostrar un poco de la actual escena en nuestro país. Los artistas que están dando que hablar, la temporada en la isla de Ibiza, donde todo el mundo observa durante los meses de verano y sobre todo volvemos a hacer especial hincapié en los lanzamientos que nos están llegando en los diferentes estilos que cada mes analizamos para nuestras recomendaciones sonoras.

En portada tenemos a ARGY, un artista que conocemos bien desde hace muchos años y cada vez que su nombre es noticia por un lanzamiento, nos vuelve a sorprender a todos gratamente. Hemos mantenido una charla muy sincera con el artista que nos ha llevado a hacer un recorrido por todos los años de trabajos del griego.

Con tanta pantalla y tanta información digital, para nosotros es una satisfacción cuando vemos alguien guardar su Mixmag en la librería de su casa o salir de una tienda de vinilos con su revista bajo en brazo.

Mixmag Spain vuelve a estar en las calles y vuelve a ser punto clave de la información de la música y la escena en nuestro país. Ahora tras un verano en el que nuestro sector ha vuelto a trabajar con normalidad, el primero desde que llegamos nosotros a España, encaminamos con muchas ganas nuestro primer invierno a full. Esperamos volver a ver la escena de las grandes ciudades de nuestro país efervescente y nosotros poder contarlo cada día en nuestra web y redes sociales y en nuestros próximos números de esta revista física que tanto os está gustando.

Teo Molina - Mixmag Spain

¡Por muchas más Mixmag Spain en las calles!

STAFF MIXMAG SPAIN REDACCIÓN:

MÚSICA:

DEPARTAMENTO

DISEÑO Y

Jonatan Gutiérrez Victor Fernandez Jose Maria Moreno info@mixmag.es

C-System Dave Sinner Khat Daniel Rifaterra Eduardo Carbonell music@mixmag.es

COMERCIAL:

MAQUETACIÓN:

Bela Correo bela@allinpress.com

Josefa Calero

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02

S E P T I E M B R E

-

O C T U B R E

c o n t e n i d o s

2 0 2 2

04

Audiophiles del mundo

08

EDX

042

Reviews Drum & Bass por Daniel Rifaterra

044

Reviews Electro por CSystem

012

Frazi.er

024

Argy

046

Reviews Breacks por Eduardo Carbonell

030

La música que sale desde Ibiza.

048

Víctor Fernández

054

Eivissa 2022

060

Sergei Rez

032

TECH - Behringer La guerra de los clones

034

SNTS

038

Reviews Techno por Khat

040

Reviews Electrónica por Dave Sinner

03

AUDIOPHILES DEL MUNDO EN LOS ÚLTIMOS AÑOS, LOS

BARES DE ALTA FIDELIDAD Y ESCUCHA SE HAN PUESTO DE MODA FUERA DE SUS ORÍGENES EN TOKIO. LOS BARES PARA AUDIÓFILOS O BARES PARA ESCUCHAR, TIENEN SU ORIGEN EN JAPÓN TRAS LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL. EN AQUEL ENTONCES, LA NOVEDAD DE COMBINAR SISTEMAS DE SONIDO DE ALTA CALIDAD E ILUMINACIÓN DE BAJO NIVEL CON LA CULTURA DE LOS CAFÉS COMENZÓ COMO UN EJERCICIO DE MINDFULNESS, CUYO MANTRA ERA “HABLAR MENOS, ESCUCHAR MÁS”. PERO EN LOS ÚLTIMOS AÑOS, EL CONCEPTO HA SIDO ADOPTADO POR MELÓMANOS DE TODO EL MUNDO, ATRAYENDO TANTO A LOS FANÁTICOS COMO A LOS OYENTES OCASIONALES, Y HOY SE PUEDEN ENCONTRAR BARES PARA AUDIÓFILOS EN TODAS PARTES, DESDE LONDRES HASTA LA INDIA. ALGUNOS HAN ADOPTADO UN ENFOQUE MÁS INSPIRADO EN KISSA, CREANDO LOCALES ÍNTIMOS DE TAMAÑO DE BOLSILLO PARA MOSTRAR UN HUMILDE SISTEMA UTILIZADO ÚNICAMENTE PARA REPRODUCIR LAS CARAS DE LOS ÁLBUMES. OTROS HAN CREADO PISTAS DE BAILE DE ÉLITE AL ESTILO MANCUSO PARA ELEVAR LA EXPERIENCIA DEL CLUB. SEA CUAL SEA EL TAMAÑO DEL LOCAL, SIEMPRE NOS ENTUSIASMA EXPLORAR NUEVOS LUGARES PARA DESCUBRIR LA MÚSICA. A CONTINUACIÓN, OS DEJAMOS UNA LISTA DE ESTOS AUDIOPHILES BARS QUE HAN SURGIDO EN TODO EL MUNDO. 04

Audioteca, Nápoles.

Ubicación: Via P. Togliatti 70c - S. Giorgio a Cremano, Nápoles (Italia).

Audioteca es un bar audiófilo bellamente amueblado con paredes de ladrillo, lámparas de araña ornamentadas y mesas íntimas, lo que lo convierte en el lugar perfecto para disfrutar de una bebida, un bocado y empaparse del ambiente eléctrico de una de las ciudades más bellas de toda Italia. Aquí encontrará a los residentes y a los DJs invitados pinchando una selección de discos de vinilo en los modernos platos de Audioteca.

Para el cofundador de Audioteca, Luca Esposito, una experiencia auditiva brillante era absolutamente esencial. “El sistema de sonido se ha diseñado teniendo en cuenta la claridad y la profundidad”, comenzó diciendo Esposito al describir el sistema Hi-Fi del bar. “Un par de columnas de tres vías de abedul finlandés se conectan a un amplificador de válvulas diseñado específicamente para el proyecto.

El elemento único es la presencia de dos cajas de altavoces y un altavoz de bocina con carga trasera dedicado exclusivamente a las bajas frecuencias”.

Rhinoçéros, Berlín.

Ubicación: Rhinower Str. 3, 10437 - Berlín (Alemania).

Rhinoçéros es el bar más minimalista que se puede encontrar, con un tocadiscos, dos altavoces y una selección de discos de jazz que te dejará boquiabierto. El establecimiento berlinés vuelve a lo básico, ofreciendo el mismo tipo de encanto relajado que hizo que el jazz Kissa original de Japón fuera tan especial.

Enfatizando la intimidad de los bares clandestinos de antaño, Rhinoçéros contiene una sala de música secreta equipada con un hermoso par de altavoces Bowers & Wilkins de madera de 1976 y un tocadiscos Micro-Seiki del 81.

Todo el ambiente de este lugar parece diseñado para estimular la intimidad, así que si busca buen vino, buen jazz y buena conversación, no busque más.

For The Record, Goa.

Ubicación: Jukebox, H no 49, nr. Maruti Temple, Fontainhas (barrio), Mala, Panaji, Goa 403001, (India).

For The Record, el primer bar para audiófilos de la India, es una idea del ingeniero de sonido y arquitecto Buland Shukla, que también dirige Audiophile Goa, una tienda de audio. Supongo que eso explica por qué FTR alberga un sistema Hi-Fi tan fenomenal.

Además de acoger conciertos íntimos y presentaciones de libros, FTR también ofrece una selección de licores y cócteles indios. Ah, y tiene una colección de discos increíblemente extensa. Por no mencionar el hecho de que está situado en Goa, uno de los lugares más bellos del sur de la India.

05

Brilliant Corners, Londres.

Ubicación: 470 Kingsland Rd, Londres E8 4AE (Inglaterra).

Al igual que In Sheep’s Clothing, el Brilliant Corners londinense, situado en Dalston, se inspira en la cultura japonesa de los bares de copas. Sirve una selección de platos inspirados en los Izakayas del país -pequeños pubs que sirven aperitivos cocinados, como el Bacari de Venecia-.

Brilliant Corners, fundado por Aneesh Patel y su hermano Amit, sólo tiene como rival a Spiritland, en Kings Cross. Sin embargo, para mí, Brilliant Corners se lleva la palma por el hecho de que alberga Classic Album Sundays, un club de discos regular dirigido por Colleen Murphy. Además, fue el primer bar de escucha que se abrió en Londres, lo que ha desencadenado una tendencia que ha hecho que aparezcan establecimientos similares por todo el país.

Public Records, Ciudad de Nueva York.

Ubicación: 233 Butler St, Brooklyn, NY 11217 - (Estados Unidos).

Creación de los músicos de Brooklyn Francis Harris, Shane Davis y VanderWal, Public Records abrió sus puertas a finales de 2019. Este magnífico espacio ofrece tres salas únicas: un acogedor espacio de actuación conocido como The Sound Room, un bar de discos de alta fidelidad y una cafetería vegana convertida en tienda de discos.

Además de crear uno de los sistemas de sonido a medida más venerados de la escena, Public Records trabajó con Arup, una empresa de ingeniería acústica que trabaja en teatros de ópera de todo el mundo, para hacer de su Sound Room uno de los lugares más envolventes para ver música en directo en Nueva York.

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Tempo Audiophile Club.

Ubicación: Calle Duque de Osuna, 828015, Madrid (España).

Situado a medio camino entre la Plaza de España y el Palacio de Liria, por la zona de Conde Duque, se encuentra este local que, tras ser reformado durante 2020, se convierte en el primer club audiófilo de Madrid, en el que además de poder disfrutar de una calidad de sonido de primera, se pueden degustar una gran variedad de cócteles y picoteo de alta cocina, de la mano de David García (jefe de cocina de El Corral de la Morería) y de Iñaki Sanz de Larrechea, y, por supuesto, de una interesante propuesta de música en vivo.

Tempo Audiophile Club cuenta con dos plantas y cuatro ambientes. En la primera planta, a la entrada, se encuentra una zona de mesas en la que también hay un equipo de sonido excelente (idéntico al utilizado en el mítico festival de Woodstock).

También hay una zona de barra y una “Listening Room”, pensada para disfrutar al máximo del sonido, donde las conversaciones serán a bajo volumen para priorizar la escucha. En la planta sótano se accede a la sala de conciertos y discoteca, igualmente equipada con un equipo de sonido de los mejores del mundo.

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08

EDX F o t o g r a f i a s :

S u z y

¿CÓMO ESTÁ SIENDO TU VUELTA A LA NORMALIDAD? ¿QUÉ CAMBIOS HAS PERCIBIDO DESPUÉS DE ESTOS AÑOS DE PANDEMIA? Sucedió bastante rápido. Tuve la suerte de que el año anterior ya estuve viajando a lo largo de Estados Unidos, por lo que en realidad fue como un año normal. Las primeras dos giras –después del parón en medio de un touring intensivo– fueron un poco raras. Me costó un poco acostumbrarme a volver a estar en clubs llenos de gente.

Ahora llevo casi 18 meses de gira y estoy disfrutando mucho de poder actuar en sitios en los que no había estado en mucho tiempo como lo son Sudamérica y Europa. Lo cierto es que ocupan un lugar muy importante en mi corazón. Es en esos sitios en los que empecé mi carrera, mucho antes de tan siquiera estar en Estados Unidos. La oportunidad de compartir música con el público y vivir su reacción es simplemente increíble. Una experiencia que derretiría el corazón de cualquier productor o DJ. Yo diría que el itinerario que elegimos para los tours, ya que últimamente nos apetece estar en casa por mayor tiempo. Los livestreams son una herramienta que nos ha ayudado a conectar con nuestro fanbase durante las restricciones. De todas formas, pretendemos seguir haciéndolos de vez en cuando. Por ejemplo, presentando música inédita desde algún lugar con encanto en cualquier país del mundo de forma que nuestros oyentes puedan experimentar y disfrutarla desde lugares a los que ni siquiera podemos acceder. O para personas que no tienen la posibilidad de ir de clubbing aunque les encantaría. Estoy contento de poder dar algo a cambio a todo el mundo. Una de las cosas buenas que sucedieron a raíz de la pandemia.

P a y l a n

¿CUÁL ES TU PRIMER RECUERDO DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA? Mi primer recuerdo de música electrónica me remite al mismísimo lugar en el que me hallo ahora mismo. Me encuentro en Italia, en la costa adriática, que es donde solía ir de viaje con mi familia cuando era un chaval. Durante los años 90 el Italo Disco y la música electrónica se tuvieron un enorme estallido de popularidad aquí. Yo tuve la suerte de poder experimentar esa revolución sonora en las pistas de baile.

Gracias a mi hermano –que me colaba en todos los sitios– me podía poner al lado del DJ y observarle toda la noche aun con los ojos rojos muriéndome de sueño. Ese fue el inicio de mi viaje en la música electrónica.

Cuando tenía unos 15 años, el sonido que en ese momento provenía de Bélgica y Alemania me robó el corazón. De repente, las raves underground tomaron el control de la escena electrónica. Mis amigos y yo íbamos a naves abandonadas donde actuaban DJ de todo el mundo. En aquel entonces Frank De Wulf era uno de los DJ más tochos de Bélgica. En Reino Unido estaba Carl Cox y también DJ Hype, cuya habilidad a los platos me parece impresionante. Otro DJ que ha ejercido una gran influencia en mí es el francés Laurent Garnier. Siempre con un sonrisa en su rostro, selló en mí un amor incondicional por la cultura musical y el mundo de los DJ.

PROBABLEMENTE TE INICIASTE EN LA MÚSICA ELECTRÓNICA COMO UN HOBBY, COMO TODOS ¿CUÁNDO SE CONVIRTIÓ EN UNA PROFESIÓN? Sucedió de forma gradual. Empecé promocionando eventos durante las vacaciones de verano alrededor del año 94.

También me dedicaba a diseñar flyers. A fuerza trabajarlo, desarrollé buenas capacidades haciendo rendering y paisajes 3D . En aquella época, ese estilo era parte

de la cultura rave en Suiza y eso permitió que se me abrieran muchas puertas y pude conocer a muchos promotores. Alrededor del año 98, por suerte, se convirtió en algo con lo que poder pagar las facturas y poner un plato de comida en la mesa. Fue mi gran hobby desde el primer día, simplemente tuve suerte de que mi música llegara a un montón de gente. Gracias a la revolución digital pude enfocar y trabajar mi sonido de una forma mucho más profesional así que super agradecido de haber podido hacer de ello una carrera. ¿QUIÉNES ERAN TUS REFERENTES? Como te digo: Carl Cox, Frank De Wulf y Laurent Garnier. Antes de eso, Kraftwerk.

Tuve la oportunidad de verlos en vivo en Zurich a principios de los noventa. Y, por supuesto, DJ Hype. Mi héroe en la cultura DJ, sin duda alguna. ¿CÓMO HA SIDO EL CAMINO HASTA ESTAR NOMINADO A UN GRAMMY? Ha sido un trabajo muy duro. Creando y publicando mucha música durante casi dos décadas. Creo que, desde el principio, he ido abriendo camino para muchos DJ. He podido tender una mano a muchos de ellos y darles un empujoncito de suerte con muy buenos remites. Entre ellos están ‘Show Me Loe’ de Sam Feld o ‘Angel On My Shoulder’ de Kaskade que fue lo que catapultó su carrera en solitario. Naturalmente, ellos ya habían lanzado música buenísima antes. Y siguieron haciéndolo después.

Cuando el equipo de Charlie Puth contactó conmigo lo vi como una apuesta tan segura como orgánica. Las vocales se ajustaban perfectamente a lo que es nuestro sonido. La nominación al Grammy fue increíble. Algo con lo que uno siempre sueña. Aun así aún tengo un montón de cosas que quiero conseguir, ¡así que habrá que seguir en ello!

09

edx

¿POR QUÉ CREES QUE TANTOS ARTISTAS CONFÍAN EN TI PARA HACER SUS REMIXES? Supongo que es porque desde el primer día hemos tratado de tener nuestro sonido particular y adherirnos a él. Hemos trabajado mucho en crear esa identidad y ojalá poder mantener nuestra idiosincrasia y que se note en todos nuestros remixes. Creo que cuando alguien te pide que hagas un remix es porque es algo que saben que funcionará tanto en el dancefloor como en las plataformas de streaming. Los sellos y artistas dan por hecho que les daremos de vuelta un remix con nuestra firma patente en él.

TIENES UNA GRAN RELACIÓN CON NUESTRO PAÍS Y CON IBIZA, ¿CÓMO SE HA FORJADO? Estuve en Ibiza a finales de los 90 y tuve algunos bolos que formaban parte de la gira que estaba haciendo con un amigo DJ. Era un tour b2b en el que pinchamos en Europa, Sudamérica y Estados Unidos. La isla, siempre con su trajín y esa energía tan especial. Siendo un chaval durante los noventa oía cosas acerca de lo que se montaba en Pacha, Amnesia…Años después, poder estar de nuevo aquí pinchando en sitios como Space, con mi propia residencia en Privilege y actuando en los mejores clubs es algo que definitivamente han marcado mi desarrollo como artista. Para clubbing y cultura de la noche, Ibiza es el mejor lugar del mundo, sin dudas.

¿EN QUE ESTAS TRABAJANDO EN LA ACTUALIDAD? He estado trabajando duro en un sonido bastante nuevo. Hace poco lancé mi single ‘Holy Wood’ con mi gran amigo Frey. Sampleamos ‘Like An Eagle’ de Dennis Parker (hit de los setenta) y la verdad es que estamos obteniendo mucho amor y buen feedback alrededor del mundo.

También estuvimos en Shazam Ibiza Charts hace unas semanas.

También se viene otro single con Frey, y una colaboración con otro gran amigo holandés, Nicky Romero.

Hemos tratado de variar un poco y nos ha salido algo diferente con un gran potencial de pegar fuerte en las pistas de baile. También tenemos algunos remixes que vamos a publicar pronto, así que estad atentos a todas nuestras redes sociales donde también iremos compartiendo nuestras próximas fechas.

CON TU CONOCIMIENTO DE PRODUCCIÓN, NO PODEMOS TERMINAR ESTA ENTREVISTA SIN PREGUNTARTE POR ¿QUÉ JÓVENES ARTISTAS RECOMIENDAS SEGUIR DE CERCA? Hay una enorme lista de artistas a los que nombrar. Hace unos años siempre nombraba a Croatia Quad y a Nora En Pure. Y ahora, por fin, están en lo alto. Algunos muy recomendables son Davide Hopperman, Eran Hersh, Farves, Frey, Casablanca y Santeli. Todos ellos tienen su propio estilo y tremendas armas sonoras. ¿UN TRACK DE ESTE 2022?

Me encanta el remix de John Summit de ‘Escape’ de Deadmau5 y Kaskade. Supo hacer su propuesta del estilo de EDX mezclándolo con sus propias vibes tan características. Me encanta cada vez que lo pongo, evocando ese sonido Italo Disco, pero con incluyendo una nueva capa totalmente fresca, muy 2022.. ¡GRACIAS POR TU TIEMPO PARA MIXMAG!

010

EDX x FREY

OUT NOW EDX JOINS FORCES WITH INFLUENTIAL PRODUCER FREY FOR AN EPIC COLLABORATION CALLED HOLY WOOD! HOLY WOOD IS A VERITABLE SHOWCASE OF EDX AND FREY’S COMBINED SKILLS, AS THEY TAKE A CLASSIC SAMPLE AND TRANSFORM IT INTO A NEXT LEVEL CLUB WEAPON. IT’S NO QUESTION THAT HOLY WOOD’S GROOVY RHYTHMS WILL BRING EVERY CROWD TO EUPHORIA THIS SUMMER! ARE YOU READY?

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f r a z i . e r ¿Cómo ha sido este 2022 “post-pandemia”?

La verdad es que este último año ha sido una auténtica locura. Por suerte he vuelto a tener un montón de eventos programados.

Empecé el año pinchando en sitios muy grandes como, por ejemplo, The Hydro –uno de mis propios eventos que monto con mi colega Kobosil–, la fiesta de décimo aniversario con Verknipt en Holanda, y el festival Terminal V con uno de los mejores lineups de artistas escoceses que he visto en mucho tiempo. Durante los últimos meses he trabajado en muchos eventos locales (todos sold out) en venues como Liquid Rooms y Sub Club. En breves se viene el Amsterdam Dance Event y, por si fuera poco, en mayo inauguré mi propio concepto de evento, TRANSPARENCY, que fueron 48h non-stop. O sea que, ocupado es poco.

Es un sentimiento muy especial el poder ver a todos mis amigos y compañeros de profesión de nuevo. Los dos últimos años han sido muy difíciles y se nota que todos queremos aprovechar al máximo este nuevo chance. Ya tendremos tiempo para dormir el año que viene.

Hablemos de tus comienzos. ¿Qué pinta tenía la escena en el Glasgow de aquel entonces? ¿A qué eventos acudíais? ¿Alguno fuera de Escocia?

La verdad es que en Glasgow se cocían muchas cosas. Íbamos mucho al Slam Tent.

Gary Beck y Hans Bouffmyhre estaban en su momento álgido. Clouds también estaban a tope debido a su exitazo ‘Chained To A Dead Camel’, aunque para nosotros eso seguía encarnando el underground más puro. La primera fiesta de techno en condiciones a la que asistí fue Electric Frog en el SWG3.

Adam Beyer estaba en la planta de arriba pinchando warehouse techno, concepto que ni siquiera conocía en aquel momento, y Surgeon estaba marcándose un live set en una sala pequeña llamada ‘The Poetry Club’ que rompió todos mis esquemas.

En esa época era raro coincidir con gente que tuviese menos de 25/30 años, mientras que ahora la media de edad es mucho menor. Mi colega y yo justo habíamos cumplido los 18 así que, por decirlo de alguna manera, nos dejábamos llevar por la fiesta.

Imagínate que, incluso, llegamos a pensar que Surgeon era el técnico de iluminación.

No entraba en nuestras cabezas que todos esos sonidos techno orgánicos con racks modulares estaban saliendo directamente, a tiempo real, del hardware con el que jugaba Surgeon. Ni siquiera utilizaba ningún DAW a través de un ordenador. Fue entonces cuando me di cuenta de cuán extraordinario me resultaba ese tipo de música y de la influencia que ha ejercido ese sonido crudo y primario a lo largo de mi carrera.

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Después de varios viajes a Berlín conseguimos –superando anímicamente el mítico “no puedes entrar” a las puertas de Berghain tres veces seguidas durante el mismo fin de semana– acudir a Tresor.

Aun siendo el segundo plato nos alucinó por completo. Recuerdo que estaba pinchando un tal T.A.G., que resultó ser el primer vinyl-only set que he visto en mi vida. Desde esa noche he seguido manteniendo el contacto con él a través de Facebook. Tanto es así que, tras años de correspondencia online, ha llegado a lanzar uno de sus tracks a través de mi primer sello discográfico Elementra.

¿Recuerdas un momento en especial en el que decidiste que el techno era lo que más te iba?

Me suena haberlo oído en una house party cuando tenía unos 16 o 17 años. Por aquel entonces no sabía ni dónde situar ese género. Me encantó un set de Laurent Garnier sobre el cual tampoco podría dar muchos más detalles ya que esa época está un poco borrosa en mi recuerdo. Lo que sí te puedo decir es que ver a Joseph Capriati en Berlín fue un antes y un después. Ese es el sonido que he estado persiguiendo después de todos estos años.

¿Cuáles son los artistas que más te inspiran y por qué?

Ben Klock ha sido siempre un gran inspiración. Desde la primera vez que oí ‘Subzero’ me enganchó.

Esas palmas off-beat han constituído una clara influencia en mi sonido. Años más tarde, recuerdo que estuve escuchando algunos temas de Dax J con un amigo y me quedé prendado de sus enérgicos drums y de cómo utilizaba samples del sonido de las vías del tren para sus shakers.

Siempre me han obsesionado los ruidos descarnados y él representa todo eso. Personalmente, creo que es el mejor DJ de techno de nuestra era, con diferencia. Puedes ir a verle 20 veces y en todas ellas va a tener un nuevo truco bajo la manga. También cabe mencionar a otros grandes como Thomas P. Heckmann, SHDW & Obscure Shape y FRACTIONS con sus potentes melodías y sintes raveros.

¿Qué significa para ti actuar en Terminal V? ¿Cuán importante ha sido para tu desarrollo artístico?

Terminal V es, de lejos, el festival más importante de Escocia. Todos los años viene con un lineup increíble. La primera vez que me dijeron de tocar ahí fue un momento inolvidable. Es un evento que ha ejercido una gran influencia tanto para mí como para mis amigos. Cuentan con un equipo buenísimo, saben perfectamente lo que se hacen, incluso organizando un evento de tamaña escala. Son unos grandes profesionales de la producción cuya ayuda y apoyo es algo que siempre voy a valorar. ¿Cuál es tu rol como residente?

Creo que mi cometido es meter hype. Tener al público pendiente y calentando los motores durante el preshow para después ofrecer una performance que deje a los raveros lo más satisfechos posible e inspirar

incluso a las generaciones más jóvenes. En mis comienzos era un gran admirador de todos los grandes DJ escoceses y, de alguna forma, me gusta devolverle ese favor a la escena.

Participas en un evento especial en el Hydro Arena. Cuéntanos más acerca de este lugar.

El Hydro Arena es el lugar indoor más grande de toda Esocia. Los artistas más famosos siempre tocan ahí. Es un espacio único y llevo muchos años echándole el ojo.

Este último diciembre Nina Kraviz y yo íbamos a hacer, en teoría, el primer show de techno en el Hydro, pero se canceló una semana antes debido a restricciones por el Covid.

Por suerte, lo pudimos reprogramar al 12 de febrero y ahí me planté junto a Kobosil y 6000 raveros en una de las instalaciones más punteras en las que he estado. Mi mayor logro hasta la fecha. Aún siento como si se tratase de un sueño cuando pienso en ello.

Has sido un ferviente promotor de la política anti-cámaras durante los últimos años. ¿De dónde sale esa idea?

Empecé a darme cuenta de que en las raves de Reino Unido todo el mundo estaba continuamente pendiente de sus teléfonos móviles.

Después de haber estado actuando en muchos clubs a lo largo de Europa que disuadían el uso de las cámaras de los smartphones me animé a aplicar el mismo concepto en algunos clubs de Escocia. Es súper importante sentir esa conexión con la música en directo. Si estás mirando el móvil, como mínimo estarás un 60% más distraído que simplemente disfrutando del momento. Después del éxito vivido con el primer show en el que aplicamos la política anticámaras, muchos otros promotores han apoyado e implementado el concepto en sus eventos. Yo mismo tengo que admitir que, en el pasado, he sido también culpable de coger mi teléfono y grabar un tema o un momento en particular que me llamase la atención. Pero de verdad creo que lo mejor es que nos centremos en coleccionar recuerdos. ¿Has podido trabajar en el estudio últimamente?

Por supuesto que sí. No obstante, tuve que tomarme un tiempo de descanso mientras me montaba mi nuevo estudio de grabación ya que surgieron algunas complicaciones.

He estado muy centrado en desarrollar mi propio sonido, asegurándome de que todos mis temas se puedan adaptar a la energía que requiera el momento.

Hay un sello a través del cual me haría especial ilusión lanzar material durante el transcurso de este año o el siguiente. Pero eso es algo que de momento no puedo desvelar, ¡podéis hacer vuestras apuestas! También me interesaría sacar algún que otro single revientapistas.

Nos ha llamado mucho la atención tu proyecto TRANSPARENCY. ¿Puedes contarnos un poco en qué consiste?

TRANSPARENCY es un concepto de show que he estrenado este año. Lo hacemos en almacenes y usamos pantallas transparentes de enorme calidad para ofrecer una experiencia única al público. Soy muy fan de ir más allá de los límites en cuanto a producción y estoy encantado de poder ofrecer una nueva visión de clubbing moderno. Está claro que eso lleva cantidad de meses de duro trabajo y, además, es caro.

Pero prefiero eso a invertir todo el presupuesto en pagar a DJ que cobran sueldos de 5 dígitos. Quiero que la música y la fiesta sean los encargados de vender el show. Uno siempre puede ir a ver a los grandes nombres de la industria en los festivales durante todo el año.

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¿Con qué otros artistas, con los que aún no hayas compartido cartel, te gustaría compartir cabina?

La verdad es que ya no me quedan muchos en la lista con los que no haya actuado aún. Me muero de ganas de compartir los platos con DVS1 en el festival Platform 18 en Glasgow para mi serie de shows Frazi.er Invites.

Tengo curiosidad por ver qué es lo que pincha en un entorno al aire libre, también en Escocia. ¿Cuáles son los siguientes eventos que tienes programados?

Los siguientes tres festivales son Teletech en Manchester, Creamfields en Liverpool y Platform 18 en mi Glasgow natal.

Hay muchas ganas. Además, tengo pensado cambiar un poco el set para cada ocasión. Ojalá haber tenido más festivales en Europa pero creo que la pandemia ha desacelerado mucho los bookings. Justamente me estaba empezando a ir muy bien antes del Covid y, de repente, ¡bang!: casi dos años sin shows europeos. Lo único positivo que he podido sacar de ello es que lo he petado bastante en Escocia.

Pero mi interés ahora está puesto en Europa y bolos a nivel internacional.

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f r a z i . e r

frazi.er

¿Qué relación tienes con España? ¿Dónde has estado pinchando y en qué lugar te gustaría hacerlo?

Hice temporada en Ibiza desde los 18 hasta los 20, lo cual era una locura en aquella época.

Siendo tan jóven, supuso un paso muy importante para mis inicios como DJ en los que tomé mucha inspiración de un cierto tipo de fiestas a las que iba, justo antes de empezar a centrarme en una vertiente de techno mucho más duro. Realmente no he estado en muchas fiestas en España, por lo que es un lugar con el que me gustaría estar más familiarizado.

Me encanta el idioma español, es mi favorito. No dejo de intentar aprenderlo, pero me está costando bastante. Imagínate: ¡ni siquiera en Escocia hablamos 100% inglés!

He pinchado en Room Lab en Barcelona y tuve una residencia

en Sankeys, Ibiza. También he estado en clubs pequeños de la isla y alguna que otra boat party.

Cabe la posibilidad de que este año actúe en DC10 y en Amnesia, pero creo que no va a terminar sucediendo debido a algunos cambios en la programación. Me encantaría poder pinchar ahí, guardo muy buenos recuerdos de mi primera época de clubbing y, obviamente, se trata de dos lugares legendarios en Ibiza. He oído que Fabrik, en Madrid, es tremendo. Ojalá poder pinchar ahí también. ¿Cuál sería tu diagnóstico de la escena electrónica en estos momentos?

Creo que están sucediendo muchas cosas buenas. Durante la pandemia muchos artistas hemos tenido tiempo para impulsar nuestra creatividad y revisar nuestro propio sonido. He

visto un gran impulso del techno más old school a la vez que las nuevas generaciones cada vez están escuchando un estilo más cercano al hardstyle, que es lo que se está poniendo de moda en Soundcloud y en TikTok, y eso está creando una gran división entre los puristas del género.

Es importante que cualquier persona a la que le guste el techno intente estudiar y conocer su background ya que es un sonido realmente complejo que ha evolucionado mucho y ha pasado por diferentes eras. Es un poco peligroso que algunos perfiles con muchos seguidores en las redes sociales compartan y promocionen tracks que no cuadran precisamente con lo que –a mi parecer– el género es en realidad.

Photographer: Cyrill Matter www.cyrillmatter.com

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A.A.A.

a c c e s s

a l l

a r e a s

DOMO

La marca que ha revolucionado los sonidos más salvajes.

Allá por el mes de marzo, hablando con mis amigos granadinos, me comentaron que un nuevo promotor había llegado a su ciudad y que venía pisando fuerte: DOMO. En cuestión de unos pocos meses habían organizado una serie de fiestas espectaculares y con una selección musical de locos. En la primera habían contado con dos enfoques diferentes, uno enfocado al techno en el que habían actuado Umek, Stef Mendesidis, Gary Beck, Pet Duo, Klangkuenstler y D.A.S, y el otro dirigido Drum&Bass con artistas internacionales como Black Sun Empire, Ed Rush & Optical y Multiplex. En la segunda siguieron con un line up encabezado por uno de los grandes headliners del hardcore: Angerfist. Pero lo que más me llamó la atención es que en su último evento DOMO había redoblado su apuesta, programando un fiestón con nombres tan estimulantes como Amelie Lens, Reeko, Horacio Cruz, Nico Moreno y Barbara Lago.

Con estos precedentes la curiosidad me picó intensamente y decidí viajar a Granada para asistir al siguiente evento que tendría lugar el 23 de julio.

Tras darle la chapa a mi redactor jefe durante días conseguí billete a la ciudad Nazarí y una entrada para el DOMO IV. Antes de asistir a la fiesta disfruté de lo lindo de la ciudad, de su belleza y por supuesto de sus sabrosas tapas, que me llenaron de energía para lo que se me venía a continuación.

Llegué pronto a la Terraza de verano de Complejo Embrujo y desde el primer momento sabía que no iba a ser un evento cualquiera, ya que la afluencia de público se dejó notar desde el principio. Y si hablamos del público granadino no se trata de un público cualquiera, ya que son expertos y entendidos en sonido techno.

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Los altavoces comenzaron a retumbar con las dos primeras actuaciones, Afferent y Enon demostraron su talento, su capacidad innata para crear atmósferas contundentes y en vinilo que lograron cargar las baterías del público. A continuación, subió a la cabina C-System y tan solo desde el primer beat se notó que jugaba en casa, porque el público adora a este DJ Granadino. Hacía tiempo que no disfrutaba de él, por eso me sorprendió su técnica depurada y sobre todo su selección musical que se ajaba de lo predecible. Sin relativo esfuerzo logó embriagarnos con esa línea acompañada por una contundencia y dinamismo fuera de lo común.

Si el evento hubiera terminado ahí me habría dado por satisfecho, pero aún quedaba más, mucho más.

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Los dos platos fuertes de la noche estaban por llegar y la gente continuaba entusiasmada y con ganas de más música de calidad. Cuando el enmascarado SNTS saltó a escena se escuchó un gran estruendo en el Complejo Embrujo, y no es de extrañar ya que es un artista fetiche en Granada. Escuchándole me reafirmo en mi definición un DJ con un estilo profundo, denso, que fusiona como nadie lo visceral y lo mental.

Agotado tras esta tormenta sónica, tuve que sacar fuerzas de flaqueza para enfrentarme a la última explosión electrónica de la noche, 999999999 se pusieron manos a la obra desde el principio. Los italianos son una presencia imponente e ineludible en la vanguardia de la escena más hard. Tanto en el estudio como

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en el escenario, la inmediatez de su música sin concesiones choca con la imprevisibilidad de la improvisación para crear una fuerza energética siempre cambiante y que empuja hacia adelante. Y en DOMO vaya si empujaron, empujaron tanto que lograron que todos los allí presentes acabáramos literalmente agotados pero satisfechos por haber presenciado un set memorable.

No sé que nos ofrecerá DOMO en el futuro, pero viendo todo lo que han conseguido en tan poco tiempo, estoy seguro que terminarán convirtiéndose en una de las marcas más importantes de la escena nacional. La música electrónica en Granada está en buenas manos.

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LOVE PARADE

Manifestándome en Rave the Planet.

Una de mis mayores frustraciones en mi carrera como periodista electrónico, ha sido no haber asistido nunca al Love Parade. Por motivos personales, laborales, económicos o de pereza nunca pude vivir en primera persona aquel mega evento de masas. Siempre tuve la esperanza de que algún día podría sumergirme en aquella locura, pero tras la tragedia de 2010 supe que aquel evento no se volvería a celebrar o al menos nunca sería lo mismo. Por eso desde entonces siempre que tengo una mínima oportunidad de asistir a un acontecimiento electrónico no lo dudo ni un segundo. Este fue uno de los motivos que me llevó a desplazarme hasta Berlín el pasado 9 de julio al Rave the Planet, el otro fue poder disfrutar, después de dos años de pandemia, de una macro fiesta que además de celebrar la cultura electrónica servía como plataforma reivindicativa.

Afortunadamente Berlín me recibió con una temperatura perfecta, tardé poco en llegar a las inmediaciones del desfile y me dispuse a absorber la energía que se generaba en la calle. Porque a diferencia de otros eventos clubbing a los que me desplazo, en este no se trataba de disfrutar de las sesiones techno de algunos de los mejores DJs, en esta ocasión el espectáculo y el interés se encontraba en la gente que abarrotaba los 7 kilómetros de recorrido del festival. Todos unidos bajo el lema “Juntos de nuevo”, la ola gigantesca de Rave The Planet comenzó a avanzar desde las 2 del mediodía desde Kurfürstendamm hasta la famosa Columna de la Victoria en el parque Tiergarten. Cada metro de aquel camino era una fiesta, una manifa cuyos maravillosos piquetes no paraban de bailar y de reivindicar sus demandas. ¿Y qué era lo que allí se pedía? Muy sencillo:

1 - Reconocimiento de la cultura de la música electrónica como un logro cultural que debe protegerse pidiendo que el techno y el clubbing de Berlín fueran considerados patrimonio cultural inmaterial por parte de la UNESCO. 2 - Igualdad de estatus para la cultura de la música electrónica con todas las demás formas e instituciones culturales, y la igualdad de derechos y oportunidades para su financiación pública.

3 - Protección de clubes y otros espacios, calificándolos como emplazamientos culturales.

4 - Renta básica incondicional para artistas y trabajadores culturales.

5 - Implementación del ‘Día de la Cultura de la Música Electrónica’ como día festivo el segundo sábado de julio.

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Estas demandas eran las que se debatían con pasión entre cerveza y cerveza, mientras escuchabas a alguno de los 150 DJs que participaron, o cuando seguías bailando a una de las 18 carrozas que participaron en el desfile.

Porque esta es la fórmula que siempre ha querido implementar el mítico organizador Dr. Motte, protestar y reivindicar sin violencia ni odio, utilizar el amor y la alegría para alcanzar objetivos políticos concretos.

En mi memoria quedará para siempre el recuerdo de este Rave the Planet, el buen rollo vivido, la camaradería que experimente junto a unas 200.000 personas que revivieron durante unas horas el espíritu de la Love Parade. Un evento que para aquellos que no sepáis de qué os hablamos, os dejamos un resumen de su historia a continuación.

BREVE HISTORIA DE LA LOVE PARADE: A finales de los 90 la música electrónica y en especial el techno era una realidad palpable en toda Europea. El epicentro de este sonido estaba en Alemania y extendía sus tentáculos por todo el viejo continente. Por eso no es de extrañar que la primera manifestación masiva sobre este movimiento naciera en el país teutón. Allí fue donde varios promotores decidieron crear la Love Parade en 1989, un homenaje a la música electrónica bajo un concepto diversificado que unía la fórmula del desfile, del festival y de la manifestación. La primera Love Parade se celebró el 1 julio de 1989, organizada por Danielle de Picciotto y Matthias Roeingh, aka Dr. Motte. La protesta discurrió por la avenida Kurfürstendamm, congregando a unas 150 personas escoltadas por un coche con música techno a todo volumen en el lado occidental de Berlín. En ese momento, todavía faltaban cuatro meses para que cayera el muro. El lema original de aquel encuentro era Friede, Freude, Eierkuchen (paz, alegría y tortitas). Con estas tres palabras, lo que pedían era el desarme (paz), la música (alegría) y la distribución justa de los alimentos y riqueza (tortitas).

La Love Parade se siguió celebrando durante los primeros años de los noventa, convocando a la gente como una manifestación año tras año hasta que en 1995 se transformó en uno de los eventos de música más grandes Europa. Conforme iba aumentando la cantidad de público en la Love Parade, cada vez más artistas y discográficas anhelaban formar parte de ella. Por eso comenzaron a montar sus propias carrozas desde las que pinchar su música. Un año más tarde, en 1996, la Ku’damm se inundó con más de medio millón de personas, lo que marcó un antes y después en la fiesta. Por todo esto y preocupado por la seguridad, el gobierno municipal de Berlín, trasladó la Love Parade a la Avenida del 17 de Junio, recorriendo parte del parque de Tiergarten, para finalizar en la histórica Puerta de Brandeburgo.

Cientos de miles de personas acudían atraídas por el techno más duro, por la libertad que se respiraba

y por la permisividad de la policía que miraba hacia otro lado en cuanto a los excesos químicos. Este descontrol marcó el comienzo del fin de la Love Parade berlinesa. El ayuntamiento debía asumir el coste de la recogida de basura, arreglar los destrozos en Tiergarten, en el mobiliario urbano y desplegar un importante dispositivo para garantizar la seguridad. En 2001 se cambió sin previo aviso la fecha del desfile, y la asistencia fue menor que otras veces. En 2002 y 2003, su popularidad fue cayendo en picado, hasta cancelarse por completo en 2004 y 2005, ya que la organización no logró recaudar el dinero necesario para cubrir los costes.

Otro de los motivos para el declive de la fiesta fue que muchos de los verdaderos amantes del sonido techno no les gustaba en lo que se había convertido, en un producto de marketing más preocupado en conseguir dinero que en desarrollar la esencia del sonido electrónico. Fue tal el cisma que uno de los creadores de la Love Parade, Dr. Motte, lanzó un contrafestival llamado Fuck Parade.

Tras la marcha de Dr Motte, un empresario llamado Rainet Schaller relanzó la Love Parade bajo el lema “Love is back!” y en 2006 el event volvió a reunir medio millón de personas. Aunque aquella edición fue la última celebrada en Berlín. Su siguiente destino fue Essen y al año siguiente en Dortmund, donde registró un gran éxito con cientos de miles de personas en cada edición. En 2009 no hubo Love Parade porque las autoridades de Bochum en 2009 no pudieron garantizar la seguridad.

Todo parecía indicar que 2010 sería el año más impresionante de Love Parade. La ciudad elegida Duisburg en aquel año Capital Europea de la Cultura.

Uno de los cambios más importantes es que el evento tendría lugar en un espacio acotado. Un espacio en el que entrarían 1 millón de personas y que causó una tragedia que acabaría con el festival.

La gran multitud quiso entrar sin control por el único acceso que conducía al recinto del festival por un viejo túnel de los años 60 sin salidas de emergencia

y apenas 10 metros de ancho. El pánico estalló cuando la multitud empezó a agolparse y colapsar el acceso, y una estampida de gente acabó en avalancha. Veintiuna personas murieron, entre las que se hallaban las españolas Marta Acosta y Clara Zapater, y otras 650 resultaron heridas. Aún tenemos en nuestras retinas las imágenes de aquella desgracia. La falta de previsión fue incomprensible, tan solo 1.200 policías y escasos equipos de emergencia estaban desplazados hasta un evento donde, de media, se atendía a más de 20.000 personas cada año.

Este fue el triste final de la Love Parade, un evento que se ha convertido en historia de la música electrónica y de la cultura europea, un acontecimiento sin precedentes y que difícilmente se podrá recuperar en su plena magnitud.

Más allá de la tragedia que supuso su clausura, preferimos quedarnos con el espíritu de paz y amor con el que nos inundó durante muchos años. Esperemos que Rave the Planet nunca pierda esa esencia y se mantenga con nosotros muchos muchos años.

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I NTE RV I E W P H OTO G R A P H E R : @ CY RI L L M AT TE R W W W.CY RI L L M AT TE R .C O M - ST Y L I ST & S ET D ES I G N E R : B E N A DA M + EV E

P H OTO G R A P H E R & C G I : TA R E K M AWA D - S T Y L I N G : N E S L I H A N D E G E R L I - P R O D U CT I O N : AV E C N O U S B E R L I N COVER

Argy, el DJ y productor detrás de “Tataki”, uno de los éxitos mundiales más sonados en 2022, es el protagonista de nuestra portada y, sin duda, de esta temporada. Hemos seguido su carrera desde hace muchos años y, si algo la ha caracterizado, es la forma en que ha sabido adaptarse a los cambios de la industria musical, siempre con su sello singular y esa personalidad tan propia. Su sólida trayectoria y sus memorables DJ sets, le han valido el apoyo leal, inquebrantable y tan merecido de sus seguidores.

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Hola Argy, estamos encantados de que nos hayas concedido esta entrevista. Vamos a comenzar con lo más reciente. Vas a lanzar un nuevo EP en el sello upperground de Artbat, ¿qué nos puedes contar sobre este trabajo?

Empezamos a hablar de este EP con Artbat a principios del año, pero comenzó la guerra en Ucrania y la música pasó a ser secundario por razones obvias. Empezamos de nuevo el proceso creativo en la primavera y de alguna manera el EP tomó una forma diferente por este tiempo. Nuestro objetivo era encontrar el equilibrio perfecto entre mi estilo y la línea de Upperground. El resultado es que estoy bastante contento con este matrimonio sónico.

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Salir de Grecia a los 18 años fue muy importante, aunque yo ya había salido con mi mente desde los 15 años.

También hemos leído que preparas una colaboración con Matthew Dear en Octubre.

Sí, estamos planeando un lanzamiento sorpresa con Matthew Dear de Renaissance records. He sido fanático de su proyecto Audion y sus producciones lanzadas en solitario durante muchos años, así que siempre quise que mi sello lo presentara de alguna manera en algún punto y encontramos una pista muy buena para hacerlo.

Estuve tocándolo en mis sets durante muchos meses y estoy deseando presentarlo y lanzarlo.

Una prueba clara de tu versatilidad y de que no te asusta ningún género musical es tu colaboración Astrix. ¿Cómo se ha fraguado esta relación?

Cuando trato de inspirarme no lo hago escuchando deep house porque es un género que conozco muy bien . Lo hago explorando territorios más desconocidos para mí como el psy trance ; la creatividad y las habilidades de ingeniería de estos productores es otro

nivel. Durante la fase de producción de mi último álbum, ‘The Interior Journey’, estaba escuchando mucho del trabajo de Astrix para entenderlo e inspirarme, así que lo llamé un día y le dije ‘tenemos que hacer algo juntos. Me sorprendió escuchar que él ya había comenzado un AKA techno llamad o ‘Moonclipse’ con nuestro amigo Omri Sasi.

Vamos a hablar un poco de tu pasado. ¿Salir de Rhodes fue la mejor decisión en tu vida?

Sí, salir de Grecia a los 18 años fue muy importante, aunque yo ya había salido con mi mente desde los 15 años. Musicalmente, no había nadie con quién pudiera hablar. Durante la secundaria ya me dedicaba a investigar e imaginar mi vida futura en Londres, todas las tiendas de discos, los clubes... Cuando llegué al Reino Unido de adolescente, ¡ya me sentía como un local! ¿Qué persona o personas fueron claves durante tus primeros años en la industria?

Te podría decir que Steve Bug, que me descubrió a través de un CD demo enviado a Pokerflat Records por correo, mientras estaba estudiando en Londres. Le debo mucho y nunca me olvido mencionarlo. El lanzamiento de Dose fue muy importante para mí, especialmente por el remix realizado por Luciano.

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Poker Flat, Cocoon, Objektivity, Bedrock, Desolat, Cuttin’ Headz, Play It Say It, Crosstown Rebels, Moscow Records y la lista sigue y sigue... ¿Qué tiene tu sonido de especial para ser parte de los sellos más importantes del mundo?

Creo en mi capacidad para sonar como soy yo. De alguna manera siempre creo música relevante y actualizada. Crear música actual, y ser relevante cada temporada pero con el ‘toque Argy’ que me define.

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¿Te gusta revisitar tus trabajos pasados?

No demasiado, no reviso mis lanzamientos del pasado. Nunca lo he hecho . Lo que sí me gusta es profundizar en antiguos catálogos de otros y mezclarlos de manera extraña para inspirarme. A menudo pido a otros productores sus archivos y pistas que tienen 30 años y ni siquiera ellos los tienen.

Has declarado que la diversidad de tu discografía proviene de una

guerra interna, ¿se trata de una guerra eterna o llegará un día en el que encuentres la “paz”?

La paz en un artista puede llegar a ser un punto débil. No trabajamos en “horario de oficina”, la “guerra interna” es el precio que tenemos que pagar. Nuestra vida es una montaña rusa emocional, mucho más complicada de lo que se ve desde el afuera. Y no puedes jugar este juego de música si no estas totalmente dentro.

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La paz en un artista puede llegar a ser un punto débil.

Vivimos una época en la que el techno es más rápido, más potente y más “ruidoso”. ¿Es una moda pasajera?

Es solo la reacción del mercado a lo que antes era más lento, silencioso y menos potente.

El arte y la música funcionan exactamente como el mercado de valores, es pura psicología.

Otro factor es que las mujeres DJs se pusieron detrás del sonido techno rápido y abrió el mercado para un público femenino también, para

una escena que antes era más como una subcultura y dominado por hombres. Esa es una buena noticia para la comunidad y me encanta el hecho de que los jóvenes estén copiando los atuendos retro gabber techno de años 90... Tal vez pueda encontrar una forma de mezclar ese sonido con el mío de alguna manera.

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Todos los DJs tienen su anécdota favorita de Ibiza, ¿cuál es la tuya?

Eran las 5 de la mañana y me estaba preparando para pescar en el sur de Ibiza. Olvidé algo en la casa, así que volví, pero dejé la camioneta de mi amigo sin el freno puesto.

Cuando regresé el coche estaba abajo del acantilado.

Afortunadamente mi amigo no estaba dentro. Aun así fui a pescar esa mañana, ya que no había nada que hacer, conseguimos pescar y después cocinar 3kg de besugos frescos.

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En esta industria, el trabajo duro no siempre está pagado, porque también necesitas suerte y ser el tipo de personalidad que la industria quiere.

¿Qué has encontrado en Londres para que lo consideres tu hogar?

El idioma, el humor la diversidad, el contraste, la política, Westbourne Grove, aeropuerto de Heathrow, el metro, los periódicos, la televisión británica, no ir a los pubs pero feliz de que existan y un sistema fiscal sencillo en comparación con España, Alemania u otros países de la UE. Bandas sonoras, música para anuncios, remixes, EP’s, Albums... ¿Qué será lo siguiente? ¡Olvidas mencionar las giras que toman dos tercios de todo mi año!

Necesitas tiempo para viajar, pinchar y luego recuperarte. No creo que pueda agregar nada más a lo que mencionaste, ¡aparte de vivir!

En esta industria, el trabajo duro no siempre esta pagado, porque también necesitas suerte y ser el tipo de personalidad que la industria quiere. Hay demasiados factores que están fuera de las manos del artista.

Un consejo para un principiante sería no quedar atrapado en su microcosmos musical, tratar de tener una amplia perspectiva.

Un buen amigo siempre me dice, “¡todo el mundo cocina con agua!”

Lo que significa que en cualquier nivel las herramientas son más o menos iguales para todos, ¡lo cual es alentador! ¡Muchisimas gracias Argy por tu tiempo!

Gracias a vosotros.

Un consejo para un joven DJ que esté comenzando a dar sus primeros pasos en la industria electrónica.

Soy el peor para animar a la gente desde una perspectiva romántica. Soy muy pragmático.

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sellos discográficos

Ibiza es sin lugar a duda la meca de la música electrónica. Las estrellas más fulgurantes aterrizan cada verano en la isla blanca para participar en las mejores fiestas del mundo. Pero Ibiza no solo es un receptor de talento exterior, también es un generador de calidad musical y el hogar de apasionados del sonido electrónico. Este es el caso de MATE LTD, un sello discográfico local apasionado por el vinilo, que nace del sentimiento de querer mostrar al mundo la cultura musical de los artistas residentes en la isla de Ibiza, fusionando los sonidos más vanguardistas de calidad con el más puro arte visual minimalista, dándole un punto añadido de coleccionismo y detalle que hace del producto algo muy exigente dentro de su género.

LA MÚSICA QUE SALE DESDE IBIZA… 030

Además de sello, MATE IBIZA es un promotor que trabaja codo a codo con DJs, artistas y productores de la isla, y también colabora con artistas internacionales. Desde 2015 han estado presentes en clubs tan importantes como Space Ibiza, Privilege, Pacha Ibiza, Sankeys, Bora Bora y Zoo Project, y además han sido parte de la programación de grandes festivales y fiestas en México, Miami, Londres y diferentes puntos de la geografía española. La segunda referencia de MATE LTD se titula Es Culleram EP, un claro homenaje a sus raíces ibicencas y a la atmósfera especial que se respira en la isla. Todos los títulos de sus tracks son calas bellísimas y especiales de Ibiza. Los temas originales están producidos por el talentoso Øne+1 , que consigue crear un sonido especial, plagado de pequeños detalles de calidad

y con un ritmo contagioso.

El remix principal viene de la mano del ucraniano Silat Beksi, y el segundo remix es colaborativo entre Jacobo Saavedra y Dave Hang.

Es Culleram EP es una pequeña joya que demuestra el talento que hay en la escena local de Ibiza, que refuerza el convencimiento general de que el underground isleño vive un gran momento y que nada tiene que envidiar a otros movimientos electrónicos.

Por eso os recomendamos que escuchéis detenidamente este trabajo y os sumerjáis en su sonido envolvente.

TR AC KL I ST :

A1:

A2:

Es Canaret

Es Canaret (Silat Beksi Remix).

B1:

Pla De Corona

B2: Pla De Corona (Jacobo Saavedra & Dave Hang Remix)

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TE CH A U T O R :

V I C T O R

F E R N Á N D E Z

BEHRINGER: LA GUERRA DE LOS CLONES Este mes os traigo otro artículo de tecnología.

En esta ocasión me gustaría plantearos una cuestión que en mi círculo siempre ha generado mucho debate: ¿Véis lícita la estrategia que sigue Behringer en cuanto a clonar productos de otras marcas?

Para los que no estéis al día o no entendáis el porqué de esta pregunta, os voy a poner en situación: Behringer es una empresa alemana, fundada en 1989 por Uli Behringe, fabricante de equipos electrónicos económicos; cuya misión, ya desde sus inicios, es conseguir que el audio profesional sea accesible para las masas. Para ello, basa sus diseños en los equivalentes de gama alta de la competencia, lo que siempre ha generado controversia entre usuarios, marcas y periodistas del sector; ya que una gran parte de la industria percibe la marca como pirata o de baja calidad, cuando ésta cumple perfectamente con lo esperado y es homologable a la de las marcas en las que se inspira. Hoy en día el foco de Behringer está en clonar sintetizadores clásicos.

Existe una gran diferencia entre copiar

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los productos de la competencia cuando éstos se encuentran en el mercado en producción activa y trabajar, como hace Behringer, a partir de diseños con patentes vencidas hace mucho tiempo.

El clon del Minimoog, rebautizado como Model D, puede partir de la misma tecnología en su interior, pero su exterior es muy diferente, ya que el teclado es eliminado; quedando así un módulo en formato Eurorack.

Los colores utilizados sugieren, además, un homenaje al original.

El marco legal en el que nos movemos estipula que todo es de uso gratuito a menos que esté protegido por derechos de propiedad intelectual.

Así, en 1997 Mackie (ahora LOUD Technologies) demandó a Behringer por copiar sus mezcladoras de audio, pero perdió el caso porque la patente de los diseños de las placas de circuito no estaba cubierta por la oficina de derechos de autor de Estados Unidos. Lo mismo sucedió en relación al mezclador MX 8000, en que también se dictaminó que los esquemas de circuitos no estaban cubiertos por las leyes de derechos de autor.

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Este es el listado actual de los clones de Behringer: ODYSSEY Clon del ARP Odyssey de ARP, un sintetizador analógico duofónico.

MS-101 Clon del SH101 de Roland, sintetizador monofónico analógico.

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VOCODER VC 340 Clon del VP-330 de Roland, sintetizador vocoder análogo.

RD-8 Clon de la TR-808 de Roland; caja de ritmos análoga.

PRO-1 Clon del Sequential Circuits Pro-One, sintetizador clásico analógico.

MODEL-D

En 2005 Roland Corporation se opuso a los pedales de guitarra de Behringer por considerar que estaban basados ​​ en su modelo BOSS. La demanda no prosperó y se tuvo que llegar a un acuerdo extrajudicial. En 2019 aparecen los clones de la TR 808 de Roland y Behringer es demandada al considerarse como un plagio. Esto obligó a Behringer a rediseñar aquellos modelos que tenían mayor semejanza, invirtiendo el orden de los colores de los botones, además de incluir ligeras modificaciones y su nombre final.

Al margen de los marcos legales, de los que no entiendo ni me generan gran interés, tengo que decir que considero que la estrategia de Behringer supone una gran aportación para todos los músicos: para mi es de gran valor que una marca replique esos sintetizadores clásicos que a todos nos gustaría poder tener en casa o, que simplemente nos conformábamos con poder trastear en algún momento de nuestra vida. Además, nos lo ofrecen a un precio superreducido en comparación a sus clones. Por ejemplo, la 909 original de Roland puedes encontrarla por unos 5.000€

de segunda mano y el clon de behringer está por unos 350€, con un sonido y funcionamiento muy fiel a su predecesor y con el valor añadido de incorporar novedades. Tienes lo que ya tenías, pero con nuevas funciones.

Es curioso que os esté contando esto y poniendo en valor la estrategia de Behringer en cuanto a la clonación de sintetizadores clásicos mientras que yo, de momento, el único producto que tengo de Behringer es su sintetizador Neutron, diseñado por ellos mismos. Es un sintetizador semi-modular y 100% analógico y tiene un papel crucial en mi estudio y en mis producciones.

Y ya para terminar y para que veais que esta gente de Behringer son unos cachondos, capaces de reírse de sí mismos y de cómo son percibidos en el mercado. Os cuento la siguiente anécdota: El día que anunciaron Proton, la evolución de Neutron, lo comunicaron diciendo “ha llegado el momento de clonarnos a nosotros mismos”. Me parece realmente maravilloso. ¡Larga vida a Behringer!

TD-3 Clon del TB-303 de Roland, sintetizador analógico monofónico con secuenciador.

K-2 Clon del MS-20 de KORG, sintetizador análogo semi-modular.

CRAVE Clon basado en el Mother-32 de Moog, es un sintetizador analógico semimodular.

POLY D Clon del Minimoog Model D de Moog en su versión con teclado, sintetizador analógico y polifónico.

RD-9 Clon de la Roland TR909; caja de ritmos análoga.

Esta lista se seguirá ampliando, ya que Behringer tiene previsto lanzar próximamente más clones, entre los que destacan el DS-80 (CS-80 Yamaha) y el UB-Xa (OB-Xa Oberheim).

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SNTS Estás en mitad de un verano frenético de actuaciones por toda Europa, además de los festivales más conocidos, ¿qué evento, club o festivales te han sorprendido gratamente? Esos que te gustaría repetir y que recomiendas visitar.

Coincido bastante con 999999999 y I Hate Models, y siempre me siento muy cómodo tocando con ellos, porque ya son como de la familia. También me gusta compartir eventos con artistas que apoyamos en nuestros sellos Sacred Court & SNTS Records, sobre todo porque se comparte una misma línea musical.

Si hablamos de artistas con los que trabajas, tenemos que hablar de Paula Temple, con la que has realizado diferentes B2B. ¿Cómo nace la conexión entre ambos y cómo os organizáis en un set juntos?

Todo empezó cuando Paula tenía programado su Intercell Invites x ADE Festival, y me propuso tocar con ella un B2B para ese evento. Quien me conoce sabe que siempre he sido muy fan de ella y la he tenido como uno de mis referentes y fuente de inspiración; evidentemente no dudé en aceptar tocar junto a ella. A raíz de la repercusión que tuvo nuestro B2B, muchos festivales y grandes eventos se interesaron por nuestro directo. He de admitir que cada vez que nos juntamos siento que estamos creando cosas nuevas y disfrutamos mutuamente tanto a nivel profesional como a nivel personal, finalmente convirtiéndonos en grandes amigos.

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Nunca haría un B2B con ningún artista que tuviera nada en común con mi sonido o mi forma de ver el techno, esto no tendría mucho sentido. ¿Cómo ha sido tu evolución musical de 5 años hasta aquí? ¿Cómo crees que será para los próximos años?

Para ser sincero, el sonido techno ha cambiado/ evolucionado bastante en estos últimos años. Las nuevas tendencias y al nuevo ciclo de las nuevas generaciones, si miras hacia atrás ves que sí que hay un gran cambio en la tendencia musical, lo más notable ha sido el incremento de Bmps, pero como he dicho, todo es un ciclo y dentro de un tiempo volverán a bajar esas pulsaciones y vuelta a empezar... Esto ya ocurrió como con el boom del mínimal, que hizo desplazar notablemente al techno rápido y mira ahora donde está.

A.R.D.E.

Se te ha podido ver a lo largo del verano en multitud de ocasiones con otros artistas como: 999999999, I Hate Models, Kobosil y un largo etc. ¿Con qué artistas te sientes más cómodo en una noche para que actúen delante de ti, y quién para después?

Hablando de B2B, se me ocurre una pregunta, ¿el artista que menos tiene que ver con tu estilo musical, pero con el que te gustaría hacer un B2B? Y lo más importante, ¿por qué?

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Ha sido un verano muy loco pero a la vez muy gratificante touring por toda Europa tan intensamente, ha sido una inyección de inspiración y creatividad.

Como evento tengo que resaltar UNREAL, una promotora con base en Colonia (Alemania) con una organización, localización, visuales, soundsystem y sobretodo un público increíble, la atmósfera que se vive allí es indescriptible, sientes que estás tocando cara a cara con cada uno de los ravers. También los eventos de Blackworks son dignos de mención, es una promotora española emergente que promete aportar mucho a la escena.

Como festivales, Awakenings, Rotterdam Rave Festival, y Aquasella han sido una experiencia brutal, he tenido sentimientos similares a cuando empecé a girar hace años, fueron unas sensaciones maravillosas.

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“The Unfinished Fight Against Humanity” ha sido un antes y un después en mi carrera.

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Hablemos de SNTS Records, ¿En qué proyectos estás?

Actualmente estoy trabajando en un proyecto que saldrá a finales de año, es un trabajo en el que he dejado toda la identidad SNTS, sonido crudo, áspero, contundente y el más maduro hasta el momento. Este proyecto es el cierre de un ciclo en el que coincide con el décimo aniversario de SNTS Records y en el que las trilogías de “Chapters” & “Scenes” toman el máximo sentido con este release. Va a ser algo emocionante y no puedo esperar a que salga a la luz.

El trabajo de “The Unfinished Fight Against Humanity” fue todo un éxito de ventas y de alcance en redes por el trabajo de imagen/fotografía. ¿Cómo valoras su repercusión?

“The Unfinished Fight Against Humanity” ha sido un antes y un después en mi carrera. La fotografía de Remy Soubanere reunía todo lo que sentía y quería transmitir con el diseño del álbum. Tanto la portada como el interior son la definición gráfica perfecta de la lucha contra el ser humano en el que estamos involucrados todos.

Compuse este álbum durante la pandemia, me encerraba en el estudio unas 12 horas al día, tal vez fue una manera de evitar estar hiperinformado de lo que estaba ocurriendo con la situación del Covid. Me pasaba los días encerrado trabajando en este álbum. Como anécdota, para el track “EGO DEATH” tenía todo escrito como quería que fuese ese track, pero necesitaba grabar la guitarra con Katsuo Kuro, y esperamos a que nos diesen la posibilidad de salir a la calle para que acudiese al estudio y poder grabar ese rif.

Pensaba que era arriesgado lanzar un álbum en Diciembre, en un año en el que nadie tocaba ya que no existían eventos y recordar que la distribución y logística por entonces funcionaba bastante mal por la pandemia. Se han llegado a vender más de 3000 copias junto a las 500 primeras copias que fueron las de la edición limitada. Ha sido algo tan increíble que estoy enormemente agradecido a todas esas personas que me han apoyado en este proyecto.

Después de este éxito, propuse a algunos de mis artistas favoritos como fueron 999999999, Klangkuenstler, Paula Temple y Tommy Four Seven a que participaran en el álbum remix . Esto fue un bonito cierre del álbum. ¿Cuál es el lanzamiento musical con el que más orgulloso te sientes?

Es muy complicado elegir uno, porque cada trabajo tiene una historia detrás. Soy muy exigente con todos mis proyectos y me lleva mucho tiempo poder dar como concluido un trabajo, ya que realizo millones de cambios a los tracks antes de publicarlos. Todos ellos los pruebo infinidad de veces en cada club o festival en el que toco. Pero si he de decantarme por alguno, sería el siguiente que saldrá a final de año, estoy deseando que podáis escucharlo.

Si hablamos de Sacred Court, ¿Qué termina llegando, lanzándose desde aquí?

Sacred Court es un sello que amo y al que le pongo toda mi energía, tiempo y cariño. Nos llegan muchas demos, pero lo que realmente me gusta es contactar con los artistas de los cuales toco muchos de sus tracks en mis directos. Si toco su música, siento que ese sonido está identificado con el sonido Sacred Court.

Nuestro fin es dar visibilidad y apoyar a jóvenes talentos, tal y como hicieron conmigo en su momento.

Tenemos muchos EPs a la espera de ser lanzados tanto en digital como en vinilo y a principios de 2023 lanzaremos en Sacred Court el segundo álbum. Este álbum será un antes y un después en el sello. ¿Con cuantos BPM,S estás trabajando actualmente en tus actuación? ¿Notas diferencia del público de hace 5 años, al de ahora en tus sets?

Actualmente estoy tocando a unos 143 bpms. He de decir que alguna que otra vez me he encontrado al warm up tocando a 160 bpms jajaja, eso es demasiado para mi, pero sobre gustos ya sabemos...

Como he comentado anteriormente, al haber un cambio generacional y al ser el público actual bastante joven, quieren altos bpms.

Dentro de unos años querrán bpms más bajos y así sucesivamente. Pienso que dentro de otros 5 años el techno no será lo mismo que es ahora. Afortunadamente el Techno es un estilo que está en constante cambio.

Para terminar. ¿Qué NO es SNTS? Humano.

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Autor: @Khatmusique Te c h n o @ m i x m a g . e s

MARCO LENZI – TABOO REMIXES VOL. 1 [MOLECULAR RECORDINGS] En conmemoración del 20 aniversario del sello, Molecular Recordings nos trae la primera de tres entregas en las que diferentes artistas proponen sus remixes del track Taboo, compuesto por Marco Lenzi en 2003. En el release original, el remix fue a cargo del londinense Oliver Ho. En esta ocasión, los encargados de versionar son Claude Young, Jeroen Search, Maxx Rossi y D’Arcangelo.

La propuesta del detroitiano Claude Young contempla la “deslatinización” de la rítmica sustituyendo los chords del original por un sonido sintético monofónico de influencia ácida. Jeroen Search, como es habitual en él, apoya su rítmica en la 909 dándole otro timbre al chord principal. Maxx Rossi, que carga con parte de la responsabilidad del proyecto, se desmarca de las propuestas de sus dos compañeros y nos trae una versión con un sonido un poco más “early 2000s” mientras que el EP cierra con la redefinición por completo de D’Arcangelo en una clave de influencia breakbeat.

EDGAR DE RAMON – MODUL ALERT [TUTU] Modul Alert es un EP compuesto por dos cortes en los que el artista ebrense Edgar De Ramón le da continuidad a su propio sello TUTU, que llega ya a su referencia número 21. Además, el artista sigue consolidando su sonido hacia la línea Techno a la que gratamente nos está acostumbrando en estos últimos meses.

“Modul Alert”, track que le da el título al disco, se apoya en un bassline repetitivo encargado de darle camino a la canción mientras que backgrounds y percusiones FM preparan el contexto narcótico en el que te envuelve la escucha. “Trains” se basa en una secuencia a semicorcheas estilo noventero acompañada de rítmicas sintéticas y hihats de la Roland 909.

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ADAM X, MAEDON, MAEDON X – HUMAN REPLACEMENTS [TRESOR RECORDS] Adam X es un artista de Brooklyn residente en Berlín fundador del sello Sonic Grooves. En esta ocasión, firma junto a la artista Maedon un single para Tresor en el que no vamos a echar de menos el sonido Techno rudo y compacto con destellos industriales marca de la casa. Material perfecto para que Tresor de continuidad a su proyecto discográfico incidido en 1991.

STERAC – LIGHT ON THE DARKNESS [TOKEN RECORDS] Ya os contamos en nuestro número anterior que estaríamos atentos a este release. “Light On The Darkness” es un EP formado por cuatro cortes en los que el artista holandés firma con nota su regreso a Token. Profundidad, dinámica y mucha artesanía en un disco que abre con el track “Mangled”, en el que la Roland 909 y percusiones de influencia latina sirven de base para que una secuencia de chords creando polirritmo cargue con la energía y el desarrollo de la composición. En “Light In The darkness”, canción que le da título al disco, nos vamos a sumergir en un viaje que da inicio mediante una secuencia de 303 a la que nuevamente se le añaden percusiones con carácter latino y un pad muy profundo encargado de transmitir el sentimiento del track. Destacable es la habilidad con la que el artista transforma percusiones latinas inicialmente creadas para la alegría o la euforia en algo completamente profundo y reflexivo. Ya en la cara B, “S.O.” se apoya de instrumentos de cuerda e influencia cinemática para crear en el oyente una experiencia rica y profunda a la vez que pistera. El disco cierra con “Solidify”, un corte más complejo, experimental y minimalista.

REVIEW CLÁSICO

SURGEON [SURGEON EP] Anthony Child es, sin lugar a dudas, una de las mentes más brillantes, innovadoras e inquietas que nos ha dado la historia del Techno desde sus inicios. Además, el productor de Birmingham es responsable directo y parte indispensable (junto a compañeros como Karl O’Connor, Petter Sutton o Paul Damage) de la influencia sobre una parte de la escena Techno de nuestro país.

En 1994, Child se estrena como autor y pública Surgeon EP para Downwards, sello estandarte del sonido techno de Birmingham. Un EP formado por 4 cortes en los que el inglés debuta con una clara declaración de intenciones y que adquiere popularidad rápidamente gracias a la inclusión de sus temas en tracklists como la del mítico Liquid Room de Jeff Mills o el “About Discipline And Education” de Oscar Mulero.

De entre su tracklist destacamos “Magneze” y “Atol” (ambos remasterizados en 2014). El primero, formado por una secuencia de timbre agudo muy agresivo a semicorcheas y de medio compás de duración y rítmicas distorsionadas, ha contribuido a la euforia en pistas de baile de todo el planeta, mientras que “Atol” tiene un desarrollo más elegante con un chord modulado a lo largo de toda la composición.

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Autor: @Dave__Sinner Electronica@mixmag.es

HARALD BJÖRK / THROWING SNOW SPEKTRUM (THROWING SNOW REMIX) [KRANGLAN BROADCAST] Nos quedamos definitivamente en Inglaterra, pues Throwing Snow, establecido en Londres, nos trae un Remix de uno de los temas de ‘Shifting’, el álbum de Harald Björk publicado en Cocoon hace ya dos años.

Esta versión de Spektrum saca a relucir desde el primer minuto la magia de Ross Tones con los ritmos rotos, con un loop de percusión que se va modulando y alterando sutilmente a lo largo del tema.

Sobre él, distintos sintetizadores se funden en una orgía de arpegios en la que no sabes por donde te vienen ni cuál es cada uno.

Un bajo reese con modulaciones de pitch es la guinda del pastel, confirmando una vez más que los auténticos genios no necesitan más de 3 instrumentos para atraparte durante 4 minutos en un loop.

GEORGE FITZGERALD, SOAK - RAINBOWS AND DREAMS [DOMINO] Nos quedamos en las islas británicas, aunque bajando un poco el ritmo, para escuchar el adelanto del próximo álbum de George Fitzgerald, un single en colaboración con la artista de indie-folk SOAK. George es otro maestro en esto de retorcer sintetizadores y construir ritmos hipnóticos, y es especialmente llamativo el bajo acid sobre el que cabalga el tema. Una buena dosis de pads etéreos y arpegios cristalinos construyen un paisaje sonoro perfecto para que los medidos golpes de voz de la cantante brillen, sin robar demasiado protagonismo al resto de elementos, pero dándole un punto de optimismo y buenas vibras.

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ALEX BANKS - PROJECTIONS [MESH] Este artistazo británico vuelve al sello de Max Cooper con un nuevo álbum que consta de 9 cortes. Producido durante los primeros compases de 2021, sin estímulos externos al estar en pleno confinamiento, el disco toma inspiración de los recuerdos, la nostalgia de tiempos mejores y los deseos de libertad del productor.

Alex vuelve a demostrar su excelente habilidad para crear y combinar baterías electrónicas con mucho carácter, retorcer esos reconocibles sintetizadores Moog forjando melodías, arpegios y bajos distorsionados, y adornarlo todo con samples clásicos de breaks, secuencias de modulares y en algunos casos vocales, dando como resultado todo un viaje mental y emocional lleno de contrastes que se disfruta de principio a fin.

TSHA, MAFRO - GIVING UP [NINJA TUNE] Seguimos con sintes clásicos y ritmos de breaks de toda la vida, aunque esta vez con un enfoque más eufórico y menos introspectivo que en la reseña anterior. Este tema, en su versión extendida, se va desarrollando poco a poco de forma bastante convencional, incluso poco llamativa. Pasado el minuto, la vocal aguda que sonaba tan típica, de repente baja de tono, poco después entran los pads y unos potentes 808 roban el protagonismo del tímido bajo sintetizado que veníamos escuchando hasta entonces.

Es en ese momento cuando el tema se presenta de verdad y se abre por completo, revelando su magia. Un giro que le da mucha fuerza, generando un clímax perfectamente logrado, lo que demuestra la maestría de TSHA y Mafro para realizar un arreglo tremendamente efectivo.

REVIEW CLÁSICO

MASSIVE ATTACK - BLUE LINES [WILD BUNCH / VIRGIN RECORDS] El 9 de Abril de 1991 llegaba a las tiendas inglesas Blue Lines, el disco debut de una banda desconocida hasta entonces, que no solo la llevaría a ser considerada como una de las más influyentes de finales del siglo XX, sino que también sentaría las bases de lo que años más tarde se conocería como Trip-Hop: Elementos de hip-hop mezclados con música electrónica, vocales Soul o Rap e influencias del dub y el reggae.

Esta revolucionaria mezcla sería el inicio de una colección de grandes discos llenos de clásicos, pero no nos adelantemos, hay mucho que disfrutar en Blue Lines, desde la mítica línea de bajo de “Safe from harm”, pasando por el buen rollo de “Hymn Of The Big Wheel” hasta el himno atemporal en el que se ha convertido “Unfinished Sympathy”.

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Autor: @DanielRifaterra Drumandbass@mixmag.es

DEGS - STILL MESSED UP [HOSPITAL RECORDS] Ya quedó advertido en el número anterior. Hospital Records vuelve a aparecer por aquí y no solo por este precioso lanzamiento sino por la disrupción que supone. Mientras en el mundo del hip-hop y el trap los productores luchan por que su nombre se haga un hueco entre el de los cantantes en los títulos de las canciones, en el drum and bass acaba de ocurrir a la inversa. Y es que desde el sello de Tony Colman han apostado por el cantante Degs para ser el primer artista no productor en lanzar un trabajo únicamente bajo su nombre. El inglés combina sus dotes como MC con su talento melódico para traernos un tema realmente íntimo y reconfortante en el que nos habla de reflexiones y situaciones mentales cotidianas sobre una base rítmica rota que le da una cadencia realmente especial.

TURNO & BEN SNOW - JUDGE RINDER/ ORCA [SOUPED UP] Dos de las mayores revelaciones de los últimos años en el mundo del jump up se unen para lanzar en el (valga la redundancia) sello revelación de los tiempos recientes en este mismo subgénero. Cuando hace algunos años parecía que el jump up estaba atascado, Serum tomó la iniciativa para darle la vuelta a la situación. Por un lado a través de la formación Kings of the Rollers junto a Bladerunner y Voltage, y por otro con su sello Souped Up, apostando por un nuevo sonido más orgánico a la par que agresivo a la hora de destripar las clásicas percusiones. Un perfecto ejemplo en cuanto a estilo y ejecución es el que tenemos entre manos, creado por Turno y Ben Snow, en el que destacamos especialmente ‘Orca’ por sus incansables variaciones a la hora de expresar un mismo sonido principal durante todo el track.

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TENKEI - EXPANSION EP [FOKUZ RECORDINGS] Fokuz Recordings sigue estando en la élite. Cuando no te lanzan los temas más pulidos y estéticos del mundillo ‘liquid’, te lanzan los más frescos. Este último ha sido el caso en el momento en que nos hemos puesto a escuchar el nuevo EP de Tenkei. Simplemente uno de los trabajos más disruptivos de los últimos meses y que si nos tuviéramos que atrever podríamos catalogarlo de liquid funk. Además tiene cierto punto de eclecticismo ya que si nos centramos en nuestros dos temas favoritos vemos como ‘Expansion’ nos hace flotar sobre un panorama distópico y futurista, mientras que ‘Adrift’ cae sobre un ritmo más trabado (como cosa buena ya que está ejecutado de una forma super-elegante) acompañado de sonidos más ‘funk’ pero pervertidos de tal forma que resultan completamente nuevos para nuestros oídos. Sinceramente, hay que estar atentos a este artista porque aquí puede crecer algo muy especial.

CONMAN & EVASION - STARS [SOUL TRADER] Llegó el momento ‘amen’ de la sección. Hablemos del ‘Stars’ de Conman & Evasion porque hay algo de especial en estos tracks que te preparan con una intro tan ortodoxa pero a la vez efectiva para dejarte caer sobre un drop tan abrumador. Me atrevería a decir que es la decisión de bajar los bpm a 160 lo que deja más espacio para que las percusiones y el bajo penetren en nuestro interior. La velocidad no siempre ha sido una aliada del jungle, ni las percusiones duras enemigas de lo profundo y elegante.

Este tema no ha inventado nada a nivel de sonidos, ritmos o detalles. Pero sabes que la ejecución es exquisita cuando te obliga inconscientemente a cerrar los ojos para disfrutarlo aún más. Bravo por los sellos como Soul Trader que no dejan que la corriente original de este nuestro género muera con lanzamientos como este.

REVIEW CLÁSICO

WOTS MY CODE - DUBPLATE (TOTAL SCIENCE REMIX) [COMPUTER INTEGRATED AUDIO] Si de algo ha pecado en incontables ocasiones la música electrónica en general es de ser predecible e incluso repetitiva en cuanto a estructura. No me refiero a lo que todos nuestros amigos ignorantes que no entienden de esto nos han dicho alguna vez, sino una capa más allá. Si no estáis entendiendo a lo que me refiero, poneros este clásico, probablemente uno de los temas más juguetones que he oido nunca. Seis minutazos dura este remix de Total Science al ‘Dubplate’ de Wots My Code, pero cortos se te acaban quedando ya que no paran las variaciones de percusiones, filtros, sonidos, vocales... ¡Nunca sabes lo que te viene!

Me gustaría decir que este tema del 2000 fue un adelantado a su época pero desgraciadamente casi nadie le ha seguido el rollo este de ‘arrangement’ loco, por lo que podemos categorizar como una ‘rara avis’ del drum & bass.

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Autor: @CSystem Electro@mixmag.es

ZETA RETICULA - C.L.O.N.E [MECHATRONICA MUSIC MTRON025] Umek, que cuando juega en la liga del electro utiliza su AKA Zeta Reticula, nos tiene acostumbrados a que pulsemos comprar sin necesidad de escuchar.

Esta vez es otra más, que además continuando su línea de calidad, ahora también hay que sumarle que cuando se trata del sello Mechatronica, está casi asegurado el discazo, sin más. Cuatro tracks que destilan sutileza, calidad sonora, y potencia a raudales. La destreza del esloveno a la hora de componer es sinónimo de esplendor. Más enfocado a una percusión con elementos electrónicos que se muestra repleta de arreglos visiblemente inteligentes, los tracks transcurren entre atmósferas siniestras y sintetizadores de línea futurista. ¡A la colección!

LARIONOV - MURDESHWAR (VARIOUS SCENA ACID) [SCENAC1D] Desde San Petersburgo, nace el nuevo sello SCENA ACID con un notorio aire a Detroit, rebosante de un toque dulce y aroma de club. De esta selección de varios artistas, traemos a la parrilla el track de Larionov, que conjuga a la perfección la sensibilidad con el dinamismo. La canción transcurre oscilando en una secuencia de acordes esperanzadores, adornados entre pads y tabs “ochenteros”, que añaden la energía exacta para que el viaje sea un auténtico disfrute, dejando que la percusión te lleve de la mano de principio a fin.

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FEAR-E FT MIKE JAMES - PANDEMONIUM (ALL IN THE GAME YO EP) [HILLTOWN DISCO HIL010] Fear-E hace honor a su nombre en el primer corte del EP “all in the game yo” e inyecta miedo desde el minuto uno, en un track tenebroso, potente y futurista. Como si de una hipnosis se tratara, una voz oscura nos va guiando por la atmósfera que avanza entre los arpegiadores, y la ruda percusión nos golpea sin descanso, culminando esta pieza de electro de la mejor forma posible.

DYNAREC - FORCE IN THE SUM EP (CENTRAL PROCESSING UNIT) [CPU01101110] El que no conoce a Dynarec, a cualquier santo le reza. Hablar de este productor es hablar de un genio. En esta ocasión, debutando en el icónico sello CPU, el productor francés, aterriza con cuatro tracks puros y duros, sutiles, arrolladores, y dejando claro quién manda aquí. Siempre fiel a su línea, meticuloso y cuidador de los detalles como nadie, la calidad de este asombroso EP te estalla en la cara con sonidos directos, finos, impredecibles y tan asombrosos que no te dejarán indiferente.

REVIEW CLÁSICO

SCAN-X - CLASSIC (HOW TO MAKE THE UNPREDICTABLE NECESSARY?) [FCOM F176] Stephane Dri no es solo uno de los artistas más influyentes en la historia de la electrónica, sino que además goza de un carisma especial, un estilo propio, y ante todo una personalidad sonora que marcó el camino del techno europeo en la última mitad de la década de los noventa, y si no que se lo pregunten al gran Laurent Garnier. Uno de sus álbumes, (How To Make The Unpredictable Necessary?) contenía una joya del electro que perfectamente se puede definir con su propio nombre: “Classic”. ¡Todo un clásico! Un track, tan meticulosamente minimalista debido a sus pocos componentes, como visiblemente enérgico por la fuerza de los mismos. El viaje comienza con un sintetizador que suena a Scan-X a kilómetros y que es tan bueno que podría tener cualquier base o ninguna, y seguiría siendo perfecto. Pero para poner la guinda, el productor francés, usó una base percusiva 100% electro, armonizada con su clásico shuffle para darle una dinámica que deja claro quién es su creador. El nombre del álbum (cómo hacer lo impredecible necesario) ya te avisaba de sus intenciones. No esperabas que ibas a necesitar escuchar este track sin parar hasta el fin de los días. ¡No lo dejéis escapar!

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Autor: @EvilSound Breaks@mixmag.es

SEKRET CHADOW & CASE 82 - REWIND [13 MONKEYS RECORDS] El sello nacional 13 Monkeys Records ha crecido mucho desde su nacimiento en 2019, tanto que ya es considerado como un referente mundial en cuanto a funky breaks y también se está abriendo un importante hueco en la escena breakbeat hardcore. En esta ocasión el onubense Juanmy Rociana, más conocido como Sekret Chadow, se une al neerlandés Mitchell, más conocido como Case 82, habitual ya en esta casa, para marcarse un épico single de breakbeat hardcore con mucho sabor old school. Clásicas vocales y un piano que sube el estado de ánimo a cualquiera, un disfrute para todo amante del sonido rave inglés de los 90. Case 82 también pública en solitario el single ‘Heaven’, otro genial corte con sabor retro y Chadow hace lo propio con su single ‘Bam Billy Bam’, una producción funky breaks disponible en versión vocal y dub.

BASSCHAOS & YAKOV - REBEL/DESERT DUST [AUDIOGORE] El croata Yakov repite en el sello nacional Audiogore, esta vez junto al productor ruso BASSCHAOS, firmando un track cada uno. Dos grandes producciones donde las bajas frecuencias juegan un papel importante. BASSCHAOS se estrenaba recientemente en esta casa con sus singles ‘Mecury Rain’ y ‘Humanity’, dos pistas de breaks con atmósferas y toques industriales. Este sello independiente, fundado en 2006, es uno de los que tienes que poner en tu radar si lo que buscas son ritmos rotos oscuros y talento underground. Sin duda recomendaríamos un repaso por todo su catálogo, pero si quieres empezar por algunos de sus platos fuertes no dudes en buscar lanzamientos como ‘Grit’ del productor inglés Remenz, ‘Tunnel Vision’ del finlandés Trisector, ‘Hanoi’ de Katagon y Unreal, el remix de Firestorm al track ‘M-Theory’ de Gnev o el remix de Pluvio al track ‘We Want It’ de Afghan Headspin.

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ANUSCHKA - NEW DREAM [STARSIGN RECORDS] La incombustible DJ malagueña Anuschka vuelve a la carga con su sello Starsign Records. El mismo sello que tuve el honor de inaugurar con mi primer single en formato vinilo hace ahora 20 años y que publicara aquel mítico CD recopilatorio titulado ‘Breaking News’ con producciones de Anuschka, Jan-B, Mr. Fli, Lampy, Fran Egea, Kultür, Saturn DJ, Colombo, DJ Fen, Ignosis o Beat Brokers entre otros. El lanzamiento elegido para su regreso y salto al formato digital es una revisión de su single ‘Dream’ publicado por el sello madrileño Weekend Records en 2001. Para la ocasión cuenta con 5 remixers de lujo, como son el sevillano Diego Cortés, aka SevenG, el gaditano Raúl Bautista, aka Guau, el también gaditano Miguel Blanco, aka Destroyers, el onubense Claudio Fernández, aka Perfect Kombo y el sevillano José Luis Q., aka Lampy.

LAMPY - BOULDERS BEACH [SOUTH MUSIC RECORDS] Lampy es uno de los productores más queridos de la escena breaks andaluza, siempre caracterizado por su manejo del hardware, tanto en directo como en estudio. Comenzó tras los platos en el año 1993 residiendo en numerosas salas de la provincia de Sevilla, además de participar constantemente en grandes y numerosos eventos por toda España. A finales de 2001, entra a formar parte del prestigioso Booking Evassion, colaborando con el programa “Mundo Evassion” junto a Daniel Moreno, Kultür, Anuschka, Jan-B, Franxis’90, Mr. Fli, Nitro, Mike Reitmayer, Saturn DJ y Sunrise. Mundo Evassion fue un programa líder de audiencia en Andalucía con más de 180.000 oyentes. Tras un hiatus en su carrera, Lampy vuelve anunciando nuevo álbum con este single de progressive breaks como adelanto y abriendo cuenta en Bandcamp, donde podemos encontrar entre otros ‘Stopper’, publicado en 2007 por Evil Records.

REVIEW CLÁSICO

THE PRODIGY - THE FAT OF THE LAND [XL RECORDINGS] No podría inaugurar esta sección de discos clásicos sin mencionar a la banda The Prodigy. Toda una leyenda de la música electrónica, compuesta por el productor Liam Howlett, los vocalistas Maxim y Keith Flint y, en sus inicios, también por Leeroy Thornhill.

Posiblemente, los artistas que más han promulgado los ritmos rotos por todo el mundo. Pasando por el breakbeat hardcore de su primer álbum, hasta el big beat con influencias y actitud punk que les ha perdurado hasta hoy. Tristemente, Keith Flint nos dejó en 2019 y desde entonces la banda había estado de luto. Recientemente, comenzaron una gira por UK en tributo a la figura de Flint, de la cual ya se pueden ver las primeras imágenes en la red. Coincidiendo con el 25º aniversario del álbum, se ha reeditado junto a una remezcla del pionero del drum and bass Andy C.

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Víctor

Fernández

PARA ESTE NÚMERO DE SEPTIEMBRE, HEMOS QUERIDO TRAEROS UNO DE LOS GRANDES TALENTOS EMERGENTES DE NUESTRA ESCENA. HABLAMOS DEL JOVEN VICTOR FERNANDEZ. A SUS 26 AÑOS, Y DESPUÉS DE HABER PASADO POR CLUBES COMO FLORIDA 135, FABRIK, FAMILY CLUB, INPUT Y MOOG EN ESPAÑA Y NUMEROSOS VIAJES AL EXTRANJERO COMO ALEMANIA, ITALIA Y PORTUGAL, VICTOR ATRAVIESA POR SU MEJOR MOMENTO PONIÉNDOSE EN LA MIRA DE LA ESCENA INTERNACIONAL CON SUS EXITOSOS LANZAMIENTOS EN ETIQUETAS COMO SUARA U OFF RECORDINGS. CHARLAMOS TENDIDAMENTE CON EL DE BARCELONA SOBRE CÓMO HA VIVIDO TODO SU CRECIMIENTO EN LOS ÚLTIMOS AÑOS, SUS FUTUROS PROYECTOS Y SU VISIÓN DE LA ESCENA.

Durante la pandemia, te vimos en algún streaming, pero en comparación a otros artistas, se podría decir que mantuviste un perfil bajo. Sin embargo, tras estos últimos meses, es obvio que no estuviste de brazos cruzados. ¿A qué dedicaste el tiempo durante esos casi dos años?

El inicio de la pandemia, obviamente, nos pilló a todos por sorpresa. Parecía que iba a ser corto y al principio intentamos mantener un poco la actividad aunque fuera en streamings, daba la sensación de que era lo único que podíamos hacer. Poco tardé en darme cuenta de que eso no iba conmigo y, lo que es más importante, no sentía que fuera algo en lo que tenía que invertir mi tiempo. Estuve casi dos años inactivo en redes sociales y pasé la mayor parte del tiempo encerrado en el estudio, haciendo música, formándome, estudiando... Para mí, al margen de todo lo malo que tuvo esa época, podría decir que fue una oportunidad para un gran cambio, no solo a nivel artístico sino también personal.

Se nota que has estado trabajando duro, porque tras el parón te hemos visto volver muy fuerte, con actuaciones destacadas en los clubs más importantes de España, pero sobre todo con el lanzamiento de tus primeras producciones al mercado. ¿Cómo has vivido todo el proceso?

La verdad, tenía un poco de miedo a cómo iban a volver a ser las cosas y más teniendo en cuenta que desaparecí de las redes durante tanto tiempo. Hubo muchos artistas que “pegaron el pelotazo” durante la pandemia a base de crear mucho contenido, y yo hice exactamente lo contrario (risas). Pero, a pesar de todo, la

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vuelta fue increíble, llevando a cabo numerosos sets en Florida 135, mi querido Moog, Fabrik, INPUT, Family Club entre muchos otros y algún que otro viaje fuera de España.

Lo mejor que me ha traído la vuelta, aparte de volver a ver a muchos compañeros de la industria y volver a conectar con el calor del público en un club, ha sido poder hacerlo pinchando mucha de mi música. Eso lo ha hecho mucho más especial. Pero no todo ha sido tan fáci... La pandemia también me dejó claro que antes no estaba viviendo la música como debería… Ansiedad, pánico escénico y muchas cosas sin resolver me hacían vivirla de una manera poco sana, tanto física como mentalemente. Así que una de las mejores decisiones que he tomado en mi vida sucedió en ese periodo: ponerme en manos de profesionales. Este es un tema que ha sido tabú durante muchísimos años y que ahora se empieza a normalizar y se empieza ya a hablar de ello: la salud mental. No nos avergoncemos, ¡coño! A día de hoy llevo año y medio en terapia con Rosana Corbacho (Mi Therapy) con quien he realizado un camino difícil, pero que, de no haberlo hecho, estoy seguro de que hoy no estaría pudiendo disfrutar de mis bolos, de mis sesiones de estudio y de la vida en general como lo estoy haciendo. Creo que este tema daría para una entrevista completa, pero tampoco siento que sea el momento de explayarme mucho en ello. De momento, me conformo con tener la posibilidad de animar a todas y cada una de las personas, no solamente artistas, que estén leyendo esto y sientan que necesitan ayuda, que la pidan, porque lo agradecerán toda la vida.

FOTO: @JOSUGONZÁLEZ

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Hablas de que has podido pinchar tu música por primera vez en tus sesiones, y es que en estos meses te hemos visto publicar tu primer lanzamiento en un sello como Suara, reconocido a nivel mundial, no debe ser algo fácil. ¿Cómo sucedió? ¿Qué nos puedes contar sobre ello?

La verdad, nada fue planeado, me pilló todo por sorpresa. Todo empezó cuando mi amigo Daniel Rifaterra vino a mi estudio (después de estar produciendo juntos a través de Zoom durante toda la cuarentena) y le enseñé todos mis proyectos producidos en los últimos meses. Uno de ellos era “The Beginning Of The End”, tema que posteriormente firmaría en Suara. Por aquel entonces, el track estaba inacabado, se quedó en el olvido hasta aquel día en que Dani me dijo: “tío, debes acabar este track”. Me puse manos a la obra y en cuanto lo tuve creí que podría ser algo que encajara en Suara.

Así pues, se lo envié a Coyu y en muy poco tiempo obtuve respuesta: “El tema mola, está guapo, pero no entra dentro de lo que pincho o la línea actual del sello”. Acto seguido, me propuso algunos cambios con los que sí que encajaría… En aquel momento, sinceramente, creí que lo que pretendía era darme largas (risas) y le dije que si algún día 050

tuviera algo que encajara en su línea se lo enviaría. Pero el siguiente lunes, en cuanto entré en el estudio para ponerme a hacer otras cosas, algo en mi cabeza me decía que tenía que probar a hacer aquellos cambios, así que me puse a ello y en un par de días le mandé una segunda versión. Le gustó, al final, di en el clavo y tras unas cuantas semanas de múltiples ajustes en aspectos como distorsiones, mezcla, etc. finalmente lo firmé. El track fue incluido en el VVAA del sello, Metalroots.2 y para más sorpresa, recibió el apoyo de grandes artistas como Pan Pot o Sama Abdulhadi entre muchos otros y llegando a sonar en Awakenings, Coachella, Primavera Sound... La verdad, todavía me cuesta asimilarlo. La moraleja de todo esto es que, al final, uno debe confiar más en uno mismo y nunca quedarse con las ganas de probar. Si no hubiera hecho esos cambios, no lo hubiera firmado, no hubiera sacado posteriormente mi primer EP en OFF Recordings y no hubieran pasado muchas cosas que salieron a raíz de lanzar “The Beginning Of The End” en Suara.

Hablemos un poco de ese primer EP en el sello berlinés OFF Recordings, Wind & Dust, y tambièn de tu último lanzamiento en un VVAA de Odd Recordings.

¿Qué nos puedes contar sobre ello?

Lanzar mi primer EP ha sido un gran paso, Wind & Dust, sin duda, ha significado mucho para mí.

Eso fue posible gracias a que me contactó el AR de OFF Recordings para pedirme música después de escuchar “The Beginning Of The End”. En poco más de dos semanas le pasé un pack de demos y el mismo día cerramos el EP. Lo más gracioso de todo, es que yo ya tenía en mi punto de mira ese sello, era uno de los que, después de mucho tiempo trabajando y haciendo música, tenía apuntado en mi lista para enviarles mis proyectos.

Llevo siguiéndoles casi desde que empecé en esto.

El EP obtuvo un feedback increíble siendo apoyado por, entre muchos otros, Laurent Garnier y Richie Hawtin y colocándose en lo más alto (#2) de las listas de ventas en Beatport.

En cuanto a mi lanzamiento en Odd, justo acaba de ser publicado ahora mismo y ya está teniendo muy buen feedback. ¡Crucemos los dedos para que vaya igual de bien que todos los anteriores!. Es curioso, pero Drown, que como os comentaba, es el último que he publicado, fue el primero de todos en ser firmado, lo que me dio una gran dosis de motivación para seguir haciendo

las cosas tal y como las estaba haciendo. Recuerdo que de camino a mi primer bolo, después del largo parón que sufrimos todos, le comenté a mi amigo York Aner que, si pinchaba mis temas y los disfrutaba, los enviaría para publicar. Y así fue, en el tren de vuelta de Family Club se lo envié a Ramiro Lopez y Arjun Vegale y a los pocos días lo firmé. Desde aquí les doy las gracias, tanto a ellos como a Antonio (Label Manager), por el trabajo y la confianza depositada en mí y en mi música.

Los que no te conozcan, quizás flipen con ver como alguien aparentemente nuevo en la escena empiece a publicar en sellos de tanto renombre. ¿Cuánto tiempo llevas aprendiendo y trabajando en producción?

Realmente hay mucho tiempo invertido y mucho trabajo para llegar al punto en el que me encuentro ahora. Empecé a interesarme por la producción hará unos 6 o 7 años, pero nunca llegué a conectar con ello hasta el inicio de la pandemia que fue cuando, al perder la posibilidad de expresarme y canalizar mis emociones a través de los dj sets, empecé a sentir la necesidad de hacerlo en el estudio.

Todo ha sido un proceso muy bonito y natural, donde aparte de hacer

víctor fernández

música, he estado formándome, realizando cursos: producción, mezcla... Como os comentaba, los dos años de parón han cambiado muchas cosas en mí, y esa es una de las más importantes: hacer de mi estudio mi rincón favorito en el mundo, donde poder sacar todo lo que llevo dentro.

También creo que es importante ser poco conformista y tener en cuenta que, aunque empieces a hacer cosas de las que estás orgulloso, siempre hay un camino infinito de aprendizaje y mejora. Así pues, una vez firmado mi tema en Odd y “The Beginning Of The End” en Suara, tuve la suerte de coincidir en un bolo en Tarragona con Khat, artista al que admiro y un genio de la producción y de la mezcla. Hicimos muy buenas migas y me interesé por hacer clases “one to one” con él. A día de hoy, 5 meses después, aparte de formarme en muchos aspectos, no solo de teoría musical, producción, etc. sino también historia de la música electrónica; sintetizadores, cajas de ritmo… Se ha convertido en un gran amigo y en mi ingeniero de mezclas. No puedo estar más contento y orgulloso de ello. Sin duda, mi música, sin él no sería la misma.

Toda esta etapa de estudio y formación ha debido influir también en tu forma de entender la música.

Aunque antes de la pandemia ya tenías un estilo propio a los platos, se podría decir que jugueteabas más con distintos estilos dentro del techno. Sin embargo, recientemente te hemos visto centrarte en la vertiente musical más ‘underground’, más cruda, espontánea y cimentada siempre sobre un buen groove. De hecho, tanto tus producciones como tus dj sets parecen haber tomado una dirección muy clara. ¿Ha sido un cambio buscado o se ha dado de forma natural? ¿Por qué crees que has tomado esta nueva dirección?

La verdad, nada ha sido buscado, todo ha fluido de forma natural. En el momento que pones tanto el foco en la producción y en buscar tu propio sonido, poco a poco tus gustos se van haciendo más fuertes y sólidos, así pues, también te vuelves más exigente y cuidadoso, de forma instintiva, con tu selección musical.

Hablemos un poco de la escena musical ¿Qué artistas y sellos te inspiran actualmente? ¿Hacia dónde crees que va el techno?

Realmente, me siento muy inspirado por los artistas que me rodean, ¡mis amigos! Dave Sinner, Khat, York Aner, Daniel Rifaterra y Victor Del Moral (Que justo ha estrenado su nuevo proyecto DASH3D). Estoy

muy orgulloso de tener un grupo de amigos con los que a diario compartimos toda nuestra música y nos empujamos mutuamente a seguir creciendo. Eso es de lo más bonito que te puede pasar trabajando en esto.

Otro gran artista al que respeto muchísimo y ha sido una gran fuente de inspiración para mí, sobre todo en los últimos tiempos, ha sido Gaetano Parisio. Desde que empecé a pinchar, coincidí con él dos veces en cabina, pero no fue hasta hace poco más de un año que lo conocí personalmente y, además, de una forma muy peculiar: Recuerdo que desde el inicio de la pandemia

empecé a comprarme todos los vinilos de Conform que estaba publicando con edits de su “back catalogue”. Un día, cuando fui a la tienda de vinilos para comprarme el último disco, y vi que no lo tenían en tienda, le escribí por instagram para saber dónde lo podía conseguir.

Gaetano me invitó a su casa para regalármelo, y desde aquel día surgió una bonita amistad basada en largas charlas hablando de música y de la vida en general. Esto ha ocurrido en el momento idóneo y me ha inspirado enormemente para saber cuál es mi camino y cómo quiero hacer las cosas. Como diría Gaetano: Keep It Real!

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Tras esta primera serie de lanzamientos, con el potente estreno en Suara, seguido de un magnífico EP en OFF Recordings y de otro lanzamiento en Odd, ¿qué podemos esperar a continuación?

A día de hoy tengo el foco puesto al 100% en la producción. En octubre lanzaré mi primer remix que saldrá publicado en Made Of Concrete, un gran sello berlinés, y en el que he remezclado a Kelvin Belton, un productor de Stuttgart del que me encantan sus trabajos.

Paralelamente, estoy trabajando en mi primer álbum. Ahora mismo, se encuentra en fase de mezcla, donde mi ingeniero de mezcla y buen amigo Khat, está haciendo maravillas… Espero poder contaros más muy pronto.

Tu crecimiento en el estudio es evidente, viendo como un gran número de artistas internacionales han apoyado tu trabajo sin dudarlo desde el primer momento. ¿Cómo 052

es tu proceso a la hora de sentarte a crear música? ¿Es espontáneo y te dejas llevar, o hay algún tipo de intencionalidad cuando arrancas un nuevo proyecto?

En primer lugar, gracias por valorar mi trabajo. Significa mucho para mí. A la hora de ponerme a crear, no tengo ningún método concreto, pero sí que el más recurrente es encender todas las máquinas del estudio, poner el Ableton a grabar todas las pistas y empezar a experimentar. Intento dejarme llevar mucho por el mood que tenga ese día y/o poder expresar las vivencias de mi vida cotidiana.

Pero no siempre es igual: otras veces me siento con una idea clara sobre lo que quiero hacer. Las dos maneras me gustan. Lo más importante es pasarlo bien en el estudio y dejar que las ideas fluyan sin intoxicarse por factores externos, dejar de lado el pensar si lo que estás haciendo es bueno o no y si va a gustar a la gente. ¡Haz la música que a ti te guste y lo demás viene solo!

Para algunas personas, el techno es, sobre todo, música de baile. ¿Crees en su poder de ir más allá y contar historias? ¿Para ti es una conexión puramente física, o hay algo más?

Creo que lo más importante del techno es que te haga bailar, si no cumple con ese requisito, definitivamente, es un fracaso.

Ahora bien, sí que creo que el techno da, quizás no tanto para contar una historia en sí, pero si para expresar emociones y sentimientos. En el momento en que hablamos de un género que cumple un objetivo funcional, como lo es bailar, hay muchas limitaciones a nivel de estructura. No obstante, para mí, es imprescindible contar algo con cada uno de los tracks, sino, se convierte en aquella música sin alma que tanto nos rodea en los tiempos que corren. ¿Dónde te ves musicalmente dentro de 5 años?

A día de hoy, para serte honesto, no sé muy bien dónde voy a llegar ni tengo una meta concreta, así que no sé que voy a estar haciendo en 5 años, Lo único que tengo claro es cómo quiero hacer las cosas, siendo fiel a mis principios y siguiendo mi propio camino al margen de factores externos. Nunca me hubiera imaginado llegar donde estoy ahora mismo, así que voy a seguir trabajando y haciendo lo que más me gusta. Después el tiempo dirá...

Vamos a hablar un poco del tema DJ, la que era tu faceta más conocida hasta hace poco. ¿En qué ha cambiado el Victor que con 18 años cerraba una noche en Moog con respecto al de hoy cuando se pone delante de unos platos?

Han cambiado muchísimas cosas.

Al final, la música, para quien la vive como yo, es algo muy personal. Con los años cambiamos en todos los aspectos, así pues, cambia también

tu forma de entender la música y la vida. Actualmente, me siento en un proceso de madurez artística y todo el crecimiento hasta el día de hoy lo veo reflejado en mis sesiones, tanto a la hora de confeccionar mi selección musical como en la manera de ejecutarla. Creo que la esencia de aquel crío de 18 años que estuvo toda la noche en Moog no ha cambiado. La pasión es la misma, solo que han pasado 8 años, y después de muchas vivencias y trabajo, surgen inquietudes y nuevos retos, así que podría decir que lo que ha cambiado es la experiencia y el conocimiento. A día de hoy trato de ir un poquito más allá con mis sesiones, no quedarme en mezclar unos cuantos temas.

Este crecimiento personal y musical se nota no solo en la evolución de tus sets, si no también en la repercusión de los mismos. Hace poco te vimos cerrar la emblemática ‘Catedral del Techno’ española (Florida 135, para los despistados) en un Back2Back con Andres Campo. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Cómo es compartir cabina con alguien con tanta trayectoria y reconocimiento en una ocasión así?

Llevo pinchando en Florida 135 ya 7 años. Andrés fue la persona que me dio mis primeras oportunidades en la Boite (sala 2). Siempre recibí una gran acogida por parte del público del club hasta que llegó el día, hace ahora ya unos 3 años, en que Andrés no podía asistir a una de las fechas y me llamó para cubrirle, esta vez ya, en la sala principal. Recuerdo que aquel día abrí para Vitalic, Reinier Zonneveld y Regal pinchando algo más de 3 horas. ¡Fue una auténtica locura! Al día siguiente, el director artístico, Víctor de la Serna, me llamó para reunirnos y me ofreció seguir pinchando en el club con mucha más continuidad. Después de recibir a grandes artistas en, como bien decís, La Catedral del Techno, el pasado mes de mayo Andrés y yo coincidimos por primera vez en su cabina y me invitó a cerrar el club con él mano a mano. Fue algo muy especial y emotivo. Ya no solo por cerrar uno de los clubes más históricos del mundo, sino por hacerlo acompañado de él. Llevo desde que empecé en la música viéndole cerrar Florida y, cuando me vi ahí, junto a él, no pude evitar sentirme fuera de lugar, pero fueron solo los primeros minutos… Lo demás ya es historia. El set fue muy divertido y tanto nosotros dos como el público nos lo pasamos genial.

Hablando de Florida135 y de Andrés Campo, dos referentes nacionales, no podemos evitar preguntarte por la escena de nuestro país. ¿Cuál es tu opinión al respecto? ¿Crees que hay artistas y proyectos interesantes?

Responder a esta pregunta me genera muchas dudas. Veo dos opciones: ser políticamente correcto y decir que tenemos una escena envidiable o decir las cosas tal como son y decir que nuestra escena deja mucho que desear en todos sus aspectos.

Creo que atravesamos un momento donde hay mucha falta de originalidad entre los artistas, pero no solo en la escena nacional, y tiene muy fácil explicación: las apuestas artísticas de las grandes empresas se basan en requisitos muy lejanos de lo artístico; pinchar la música que está de moda, tener muchos likes en redes sociales o ser un producto con posibilidad de generar mucho dinero son las cosas más importantes que parecen valorar.

Está claro que al final, la música no solo es pasión, también tiene que dar de comer; pero cuando eso se convierte en lo más importante, los artistas pasan a estar más pendientes de tener seguidores en redes sociales que de hacer buena música. Todo esto acaba generando una escena más parecida a la del EDM que a la del Undergound…

Recuerdo una frase que dijo un artista al que admiro muchísimo, Ed Is Dead, en la que decía que hoy en día existen dos cosas muy

diferenciadas entre sí: Industria y Arte. Hubo un día en que aquellas estaban unidas, pero ahora es muy distinto. No puedes tener un discurso artístico en la industria y esperar triunfar sin más. Que las cosas sean así, es algo que entristece, pero sabiendo como funciona, solamente tienes dos opciones: Poner el foco en todo lo malo y ser un hater amargado o seguir haciendo lo tuyo y agarrarte a todos aquellos artistas que curran a diario para aportar valor a la escena. ¡Yo me quedo con la segunda! Así que os digo, ¡sí! Hay proyectos muy interesantes, pero os aseguro que no abundan en grandes escenarios. Esperemos que el día de mañana sí que lo hagan, lo que querrá decir que las cosas están mejorando.

rosco y teniendo buenas redes y sin hacer música puedes estar haciendo bolos por todo el mundo.

Dicho esto, la respuesta queda clara (risas).

Encantados de haber tenido esta interesante charla contigo. Muchas gracias por tu tiempo.

El placer ha sido mío.

Muchas gracias por todo.

Si nos fijamos en la escena global, podemos ver que al igual que en el resto de mercados e industrias, el papel de las redes sociales se ha vuelto indispensable. ¿Crees que la música ha pasado a un plano secundario? ¿O qué las redes solo sirven para amplificar lo que uno haga, pero sin un trabajo detrás no sirven de nada?

Esto va un poco alineado a lo que contaba antes… Sí, el problema no está solo en la escena nacional, donde claramente se magnifican los aspectos negativos de la internacional. Con el paso de los años, sin lugar a dudas, las redes han cogido tal peso que la música parece pasar a un segundo o tercer plano, teniendo en cuenta enchufes, etc. El claro ejemplo está en que haciendo música, sin tener unas buenas redes sociales te comes un

Desde aquí quiero agradecer a Andrés, Joaquín Cabós, Victor De La Serna y Juan Arnau por darme la oportunidad de formar parte de la historia del club. ¡Estaré encantado de recibiros en Florida 135 esta próxima temporada!!

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A U T O R :

T E O

M O L I N A

EIVISSA 2022 XX

La isla de Ibiza ha vuelto a ser epicentro de la música electrónica en este 2022.

Tras los dos años de pandemia y algunos años anteriores confusos, dentro de la propia música y con factores externos que no ayudaban, nos referimos a los políticos, este año se ha vuelto a encontrar la isla con la música, eso a pesar de que las administraciones han vuelto a intentar incomodar un poquito con algunas sanciones y cierres que no fueron más allá de algunos días.

Decimos que la isla se ha vuelto a encontrar con la música por el estado de las fiestas y sobre todo lo más importante por el riesgo que estas corren a la hora de confeccionar los line ups, ya que esto termina marcando una escena donde siempre son necesarios los artistas más conocidos, pero también donde existe apoyo a los artistas emergentes que se lo están currando.

Tenemos que destacar eventos y lugares como Cova Santa con “People from Ibiza” apostando por los héroes locales, Storytellers que cada uno de los invitados que ha tenido superaba el nivel.

WooMooN que sigue su carrera en la isla o marcas más conocidas como “All Day I Dream” de Lee Burridge. Siguiendo por los clubs de verdad de la isla llegamos hasta Underground, el preferido de la mayoría de los artistas de la isla, ya lo veras más adelante en las respuestas de 10 artistas de Ibiza. Nosotros no podemos dejar de destacar a una de sus fiestas estrellas: tINI and the gang o los jueves con Rhadoo.

Otro de los clubs que lo ha intentado en su primer año de vida, anteriormente conocido como Heart, ha sido Chinois,

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que ha apostado por artistas como: Themba, Pablo Fierro o Ida Engberg sin olvidar de la noche de los sábados con Luciano.

Los principales clubs de la isla, Dc10, Amnesia, Pacha, Hï Ibiza, Ushuaïa, Eden tienen la necesidad de tener que llenar grandes discotecas, tarea no fácil, y encima 7 días a la semana, por lo que, aunque muchos no lo vean, es compresible que se tenga que apostar por sonidos más comerciales para muchas de sus noches, aun así, hemos tenido perlas en este 2022 muy muy buenas.

Haciendo un repaso por la programación de los principales clubs, hemos decidido analizar y destacar tres de las fiestas que más éxito tienen y que en este 2022 sorprendieron por su apuesta de line up.

Circoloco, Afterlife y Solomun +1, hemos podido ver que las tres marcas han decido dar paso a nuevos nombres.

Empezando por el último, Solomun en la noche de los domingos, su invitado semanal ha ido desde nombres habituales como, Dixon o Adriatique a otros grandes menos habituales en Ibiza como Tiga, Erol Alkan o Boys Noize que estará en el closing del 10 de octubre.

Sofia Kourtesis, Haai, Sally C o Trance Wax han aportado un aire fresco en la cabina de Pacha cada domingo.

Siguiendo el recorrido llegamos hasta Hï Ibiza donde Afterlife y Tale of Us volvieron a ser los reyes de la noche de los jueves con su particular sonido techno-melodico y apostando por el techno más duro en la sala club de Hï Ibiza con nombres como: Kobosil, Dax J, Daria Kolosova, Farrago, Patrick Mason o

Vaal. Por último Circoloco ha continuado siendo referencia en lo que respecta a incorporar nombres nuevos. Quizás es la marca que con más facilidad lo puede hacer, ya que las entradas para Circoloco se venden dando igual quien esté en el line up, siempre es de agradecer poder ver y escuchar artistas como: Call Super, Chloe Caillet, Cici, fka.m4a, Innellea, Kettama o el español Pional.

Hemos seleccionado 10 artistas de la isla para que nos den su opinión sobre la temporada 2022 y lo mejor que han podido disfrutar hasta el momento. Al fin y al cabo, no hay mejor jurado que ellos, que están cada día en clubs y con la gente que sabe de verdad que es lo que esta gustando y que no.

HUGO MARTÍNEZ 4PLEASURE IULS CAMILO MIRANDA JORDI VILLALTA DAVE HANG LUCA AVERNA HOSSE ION PANANIDES LUISDO

HUGO MARTÍNEZ ¿EL MEJOR SET/LIVE QUE ESCUCHASTE EN IBIZA 2022?

PITICU (RO) ALL NIGHT LONG EN IBIZA UNDERGROUND.

¿EL ARTISTA QUE HAS DESCUBIERTO? ANDY KOLWES.

¿LA FIESTA/RESIDENCIA QUE MÁS TE HA GUSTADO? CIRCOLOCO.

¿EL TRACK DEL VERANO 2022?

CHKLTE - PURPLE MUSIC.

¿TU MEJOR SET ESTE VERANO FUE EN? AFTER PARTY B2B CON CHKLTE Y PASCAL BENJAMIN.

4PLEASURE ¿EL MEJOR SET/LIVE QUE ESCUCHASTE EN IBIZA 2022?

SONJA MOONEAR (PYRAMID), RICARDO VILLALOBOS (OPENING PYRAMID) . ¿LA FIESTA/RESIDENCIA QUE MÁS TE HA GUSTADO? LA GUARIDA (BARCELONA) SALA CITY HALL.

¿EL ARTISTA QUE HAS DESCUBIERTO? JOSH BAKER, MAN/IPULATE ENTRE OTROS… ¿EL TRACK DEL VERANO 2022?

WHITNEY HOUSTON (CLUB MIX) 1993.

¿TU MEJOR SET ESTE VERANO FUE EN? EN AFTER CASEROS SEGURAMENTE, PERO SI HE DE ESCOGER UNO OFICIAL ME QUEDARÍA CON MI PRIMER SET EN LA GUARIDA, DONDE ESTOY COMO RESIDENTE.

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IULS

¿EL MEJOR SET/LIVE QUE ESCUCHASTE EN IBIZA 2022?

EL ÚLTIMO SET DE RICARDO VILLALOBOS EN PYRAMID FUE LA BOMBA. ¿LA FIESTA/RESIDENCIA QUE MÁS TE HA GUSTADO? “PEOPLE FROM IBIZA” EN COVA SANTA, SIN LUGAR A DUDA. BUENAS ACTUACIONES, GENTE DE LA ISLA Y BUENA MÚSICA. ¡OS ANIMO A QUE VAYÁIS!

¿EL ARTISTA QUE HAS DESCUBIERTO? ENTRE MUCHOS CON EL QUE MÁS ME HE IDENTIFICADO HA SIDO “MAN/IPULATE” PRODUCTOR FRANCÉS CON UN SONIDO HOUSE 90’ Y TOQUES DE ELECTRO Y TECHNO. ¿EL TRACK DEL VERANO 2022?

ANOTR, ABEL BALTER – VÉRTIGO.

¿TU MEJOR SET ESTE VERANO FUE EN? A PRINCIPIOS DE JULIO PARA LA FIESTA DE “LA GUARIDA” EN EL CITY HALL DE BARCELONA. LA VIBE QUE ME TRASMITIÓ LA GENTE ESE DÍA FUE INCREÍBLE, HA SIDO UNO DE LOS MEJORES SETS QUE HE HECHO ESTE AÑO.

CAMILO MIRANDA ¿EL MEJOR SET/LIVE QUE ESCUCHASTE EN IBIZA 2022?

GOLDIE EN PIKES FUE INCREÍBLE. NUNCA TUVE UNA CONEXIÓN MUY FUERTE CON EL DRUM’N’BASS PERO LA VERDAD ES QUE FUE UNA PASADA.

¿LA FIESTA/RESIDENCIA QUE MÁS TE HA GUSTADO? PUES ESTÁ MAL QUE LO DIGA YO PERO HOMIES ESTÁ SIENDO UNA MARAVILLA. PERO ME HA GUSTADO MUCHO LAS APARICIONES DE HANDS ON SAND DE PASCAL MOSCHENI EN LA FUNKY ROOM DE PACHA Y LAS MAGIC SUNSET DE JAIME FIORITO EN EL SILENCIO. 056

¿TU MEJOR SET ESTE VERANO FUE EN? CERRANDO LA FREDDIES EN PIKES EL DIA QUE SMOKIN JO, SE LE CANCELÓ EL VUELO. ¿EL ARTISTA QUE HAS DESCUBIERTO? PAULA TAPE, INCREÍBLE SELECCIÓN DE JOYAS QUE HACE QUE TU CEREBRO DÉ PIRUETAS. TUVE EL PLACER DE ABRIR PARA ELLA EN CABARET EN BARCELONA. ¿EL TRACK DEL VERANO 2022?

FIESTA TOTAL - RESIDENTES BALEARICOS.

eivissa 2022

JORDI VILLALTA

¿EL MEJOR SET/LIVE QUE ESCUCHASTE EN IBIZA 2022?

DISFRUTÉ MUCHO CON RAÚL RODRÍGUEZ, UN SÁBADO DE JULIO EN ANTS. TIENE UN GUSTO MUSICAL QUE ES OTRO NIVEL Y FINO A LA HORA DE MEZCLAR. UN 10.

DAVE HANG

¿LA FIESTA/RESIDENCIA QUE MÁS TE HA GUSTADO? ANTS, LOS SÁBADOS EN USHUAÏA.

¿EL MEJOR SET/LIVE QUE ESCUCHASTE EN IBIZA 2022?

COMO TODOS LOS AÑOS LOS LIVE DE STEPHAN BODZIN PARA MÍ SON DE LOS MEJORES.

¿TU MEJOR SET ESTE VERANO FUE EN? EN USHUAÏA HOTEL IBIZA, 6 HORAS DE SESIÓN Y TERMINÉ DE CABEZA EN LA PISCINA, OBVIO.

¿LA FIESTA/RESIDENCIA QUE MÁS TE HA GUSTADO? PLANET CLAIRE EN OCTAN.

¿EL ARTISTA QUE HAS DESCUBIERTO? NANO VERGEL. CLARAMENTE LO CONOZCO DESDE HACE AÑOS, PERO ME HAN SORPRENDIDO, Y MUCHO, SUS SESIONES DE ESTE VERANO.

¿TU MEJOR SET ESTE VERANO FUE EN? EL PASADO DOMINGO 7 DE AGOSTO EN OCTAN, CON APOLLONIA Y TINI. ¿EL ARTISTA QUE HAS DESCUBIERTO? YO CREO QUE ESTE VERANO MUCHOS HEMOS REDESCUBIERTO A CARL COX EN SU NUEVA FIESTA.

¿EL TRACK DEL VERANO 2022?

CLASSMATIC - TOMA DALE.

¿EL TRACK DEL VERANO 2022?

JYOEL - DREAMS (JNJS REMIX) DE NUESTRO SELLO MATE LTD AUNQUE AÚN NO HA SALIDO, PERO LA PROMO ESTA ESCUCHÁNDOSE POR CABINAS IBICENCAS.

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LUCA AVERNA ¿EL MEJOR SET/LIVE QUE ESCUCHASTE EN IBIZA 2022?

SPILLER @GLITTERBOX, MOODYMAN @GLITTERBOX Y HARVEY @PIKES. ¿LA FIESTA/RESIDENCIA QUE MÁS TE HA GUSTADO? MERCURY RISING EN PIKES.

¿EL ARTISTA QUE HAS DESCUBIERTO? YAWÄ ZE EN AKASHA. ¿EL TRACK DEL VERANO 2022?

RESIDENTES BALEARICOS - PITIUSAS FIRST.

¿TU MEJOR SET ESTE VERANO FUE EN? HOMIES EN PIKES.

HOSSE

¿EL MEJOR SET/LIVE QUE ESCUCHASTE EN IBIZA 2022?

DAVID PENN EN DEFECTED, EDÉN.

¿EL ARTISTA QUE HAS DESCUBIERTO? KODEWERK.

¿LA FIESTA/RESIDENCIA QUE MÁS TE HA GUSTADO? NOW HERE, DE PACO OSUNA.

¿EL TRACK DEL VERANO 2022?

ADAM PORT & ALAN DIXON - FORMS OF LOVE.

¿TU MEJOR SET ESTE VERANO FUE EN? EN RITUALS, COSTA NORTE DE EGIPTO.

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eivissa 2022

ION PANANIDES ¿EL MEJOR SET/LIVE QUE ESCUCHASTE EN IBIZA 2022?

LOS ARTISTAS QUE MÁS ME HAN SORPRENDIERON ESTE VERANO EN IBIZA HAN SIDO O.BEE Y TOMAS STATION UNOS SUPER SELECTORES DE NEW YORK RESIDENTES DE RESOLUTE, HAN TOCADO VARIAS VECES EN CIRCO LOCO. ¿LA FIESTA/RESIDENCIA QUE MÁS TE HA GUSTADO? VOY A DECIR PEOPLE FROM IBIZA EN COVA SANTA YA QUE HAN APOYADO MUCHO EL TALENTO LOCAL. TAMBIÉN MUY CONTENTO DE VER LA GUARIDA EN IBIZA UNA FIESTA QUE NACIÓ ENTRE AMIGOS, EN LA CASA DE EDY SITUADA EN EL CENTRO DE GRACIA (BARCELONA) Y HOY HA LLEGADO HASTA IBIZA. ¿TU MEJOR SET ESTE VERANO FUE EN? LA VERDAD QUE MONEGROS, FUE UNA AUTÉNTICA LOCURA Y UN DISFRUTE. ¿EL ARTISTA QUE HAS DESCUBIERTO? NOMBRARÉ VARIOS, 4PLEASURE, ÁNGEL SANI, MOULIN, LOUISDO, DJ SÁNDWICH... ¿EL TRACK DEL VERANO 2022?

THE SHAMEN - MAKE IT MINE (DEEP MIX).

LUISDO ¿EL MEJOR SET/LIVE QUE ESCUCHASTE EN IBIZA 2022?

ME GUSTÓ MUCHO APOLLONIA EN OCTAN, CADA VEZ ME DEJAN MÁS CLARO QUE LOS TRES POR SEPARADO Y JUNTOS, SON UNOS JEFES. DIFERENTES PERO MUCHA CLASE LOS TRES. ESE DÍA A PESAR DE LAS CONDICIONES DEL CLUB HICIERON UNA SESIÓN B3B A VINILO CON MUCHA CLASE . ¿LA FIESTA/RESIDENCIA QUE MÁS TE HA GUSTADO? ZEROLOGISTIC Y SUS COLABORACIONES EN UNDERGROUND Y TINI & THE GANG. ¿TU MEJOR SET ESTE VERANO FUE EN? DÍAS DE CAMPO FESTIVAL X THEBASEMENT. ¿EL ARTISTA QUE HAS DESCUBIERTO? TENGO VARIOS: ILDEC, POL K, ION PANANIDES, HUGO MARTÍNEZ. ¿EL TRACK DEL VERANO 2022?

LA MÚSICA ES UNA HERMANDAD DE ALEX FONT Y STAY ALIVE DE ALVARO MEDINA.

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Sergei

Rez

SERGEI REZ SE HA CONVERTIDO EN LOS ÚLTIMOS TIEMPOS EN UNAS DE LAS VOCES Y CARAS DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA EN NUESTRO PAÍS, CONCRETAMENTE DESDE SU CANAL DE YOUTUBE, DONDE SERGEI HA CONSEGUIDO SER UN FENÓMENO DE MASAS Y VISUALIZACIONES CON SU NOTICIARIO O DESVELANDO ALGUNOS DE LOS TRUCOS DE LOS DJS MÁS CONOCIDOS. PERO DETRÁS DE SERGEI HAY MUCHO MÁS Y HEMOS DECIDIDO DESCUBRIRLO CON UNA ENTREVISTA CON ÉL.

Gracias por concedernos esta entrevista Sergei, ¿cómo está yendo este verano?

Pues podría asegurar que el mejor de mi vida, porque me he casado, he tenido un julio de viajes con mi chica, así que imagina, espectacular. Y ahora agosto y septiembre viene la locura habitual del verano, pero con el añadido de ser un verano “normal” tras unos cuantos años. La gente está ardiente, deseosa de lío y eso para un DJ es algo increíble.

DJ, productor, formador, promotor y youtuber, ¿cómo gestionas el tiempo para llevar a cabo todas estas actividades?

Pues es cierto que trabajo mucho, no queda otra. Pero cuando curras para ti y en lo que te apasiona, pues es fácil. Y eso que te has dejado alguna faceta más en esa lista (risas). ¿Cuándo comenzó tu pasión por la música electrónica?

Pues me he dado cuenta siendo ya mayor de que la tenía desde muy pequeño porque con apenas 8-9 años ya me gustaba grabar cintas de la radio y buscaba siempre las emisoras de música electrónica (las pocas que había). Recuerdo los veranos en la zona de Levante que era algo más habitual, no me separaba de la radio.

Eres un artista que no se limita a un estilo, tocas varios palos, ¿cuál es el género electrónico en el que te sientes más cómodo?

Como Sergei Rez mi género es el house y tech house, aunque es cierto que en mi carrera he hecho sets de música negra y rnb, de rock e indie, de hiphop... ¡De todo!

Y además tengo una formación llamada SUPERPIG con la que hacemos de todo, producimos y pinchamos esos géneros, vamos a decir menos habituales en España y que tanto a Gonso Rivas (el otro 50% de SUPERPIG) y a mi nos flipan: desde trap y moombahton a drum ‘n bass o hardstyle.

Es nuestro juguete como digo yo. Y nos la gozamos tanto creando (tenemos 2 álbumes y muchísimos remixes) como actuando con este rollo.

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Estamos en un momento en el que la música que más está pegando es más contundente y mucho más rápida. ¿Moda pasajera o tenemos BPM alocado para mucho tiempo?

Todo es cíclico, siempre ha ocurrido. Y todo suele responder a algo. Tras el boom del EDM y sonidos más potentes, vino una época donde se bajó los bpms y se impuso más el house, deep, etc… Ahora creo que tras la pandemia hay ganas de vivir, de salir, de mucha fiesta, y seguramente ésa sea una de las razones por las que se “ha subido” el bpm. Por supuesto no me parece mal, si la moda o la tendencia siempre fuera la misma, sería muy aburrido. ¿Cuáles han sido tus héroes musicales a lo largo de tu vida?

Mi primer canción favorita fue “Aerosmith – Cryin” y siempre me han flipado, pero la música que más consumo es hiphop, tanto americano como español. En cuanto a DJs admiro a muchos, aunque suelo valorar a los más técnicos. Me flipa la técnica en un DJ y por eso veo muchos videos en Youtube de gente como DJ Craze, Jazzy Jeff, Eskei83…

Tu canal de You Tube es el más seguido en lengua hispana, ¿cuándo comenzaste con esta aventura? ¿Qué te motivó a meterte en este mundillo?

Pues era 2014 y pensé que quería ayudar a la gente que quisiera ser DJ y no tuviera acceso a escuelas o a poder ir a clubes a ver otros DJs… Así que decidí que iba a contar toda mi experiencia para tratar de ayudar a todos los que están en este camino. Dejar un legado de ayuda, y sobre todo, respondiendo los comentarios de la gente. Eso sí que es ayudar. Y sigo haciéndolo, leo todos los comentarios y me siento muy querido cuando después te lo agradecen. Hay que apoyar, hay que ayudarse entre todos.

Comenzó como algo tonto y ha ido creciendo de manera increíble, aún no me creo que tenga más de 300.000 subs, y he de decir y presumir que es una comunidad super sana donde unos se ayudan a otros…

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¿Crees que la escena electrónica está dejando pasar una gran oportunidad con este movimiento del stream para conectar con las nuevas generaciones?

No lo está aprovechando al 100%, eso desde luego, pero claro, ha venido muy de golpe por la pandemia y muchas marcas además han de “renovarse” y entender esta nueva forma de negocio. Sin duda es el futuro, y hay muchos datos de que ya es rentable. Es evidente que acabaremos todos en el stream, y no hablemos del metaverso, eso ya lo pelarán nuestros hijos, pero… ya está aquí y es el mayor cambio en el entretenimiento que se habrá visto en la humanidad jamás. En 100 años (casi) nadie irá a clubes, todo será desde casa, estoy convencidísimo.

Rez

¿Cuáles son los países que más siguen tu canal?

España, México, Argentina y Colombia sobre todo. Eso dice Youtube. Pero todo LATAM y luego siempre me sorprende ver visitas de todo el mundo, claro.

Sergei

¿Qué otros canales de streaming de música electrónica puedes recomendarnos?

Yo consumo todos los canales de Youtube que suben sets de DJ, sea del género que sea. No hay nada en esta vida que me guste más que ver a un DJ en acción.

Así que esos canales rollo el vuestro de Mixmag es brutal.

La escena nacional en muchas ocasiones es un poco talibán, ¿crees que te ha perjudicado tu trabajo como youtuber en tu carrera de DJ? No he tenido muchos haters o talibanes en mi canal, en mis videos he predicado siempre el respeto por todos los DJs y géneros, y creo que eso ha motivado que sea una comunidad muy sana como te decía. Aunque siempre alguno cae, ¡claro!

Tampoco me importa, les doy cariño, cuando alguien es muy cerrado y sólo escribe cosas con odio, evidentemente tiene un problema, y podemos ayudarle.

Otra cosa es que haya críticas desde el respeto o tal, esas siempre son bien recibidas, y se agradecen.

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Tienes una escuela de DJs llamada Indigo, ¿cuándo comenzó y qué tipo de cursos ofrecéis?

Estamos cumpliendo 10 años justo ahora. Tenemos cursos de todo tipo para el DJ, desde iniciación hasta más avanzados o cursos personalizados individuales. Cursos de scratch, de marketing del DJ… Viendo a los chavales que pasan por tu escuela, ¿hay cantera? ¡Ya lo creo! Y es un gustazo verlo, cómo van renovándose las generaciones, y ves que

empiezan a despuntar DJs que pasaron por tu Escuela… Es una alegría enorme por ellos.

Para terminar, ¿qué DJ o DJs estás escuchando ahora mismo y te están volviendo loco?

Como escucho todo tipo de estilos, pues desde Fred Again a Toccororo, y de mi rollo me ultraflipa Latmun y por supuesto Camelphat, mis favoritos siempre.

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