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Ibiza l l e d a l s la i rock
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A TI U T A R G N ÓI C U BI R T SI D 1 O R E M Ú N
EVA BENITO - IN FRONT OF ME - VOLA - SIMON MCBRIDE - WEEZER - COPELAND KING COSMA & BELEW - EXILIO A PLUTÓN - RIESGO DE CONTAGIO
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rocket MAGAZINE
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COLABORADORES Tony Gonzalez Jose R. Rojo Costner Dani Sanchez Javier Riera Ismael M. L.M. Zorrilla
FOTÓGRAFOS Joan F. Ribas Javier Riera Xescu Prats Alejandro Iborra Jimmy El Santo Andris Jansons Fotos de archivo
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EVA BENITO
Texto Costner
Eres una mujer que lleva más de tres décadas implicada en la defensa activa del papel de la mujer en el rock. ¿Cuándo y cómo nace esa vocación? Probablemente con mis primeros grupos. Yo descubrí la música muy joven, con 11 años ya era una entendida en rock porque descubrí muchos grupos de la mano de los chicos de mi barrio (que no eran chicas, sino chicos), yo me sentaba con ellos a escuchar todo lo que llegaba de importación a España y con 15 años ya tenía mi propio programa de radio donde entrevistaba a bandas como Gun´s N´ Roses, Metallica o Anthrax. Después llegaron los primeros grupos donde toqué y eso me llevó a descubrir que no había demasiadas mujeres en los carteles de los conciertos y quise montar grupos íntegramente femeninos como Morgana, que se mantuvo durante dos décadas con diferentes formaciones.
Además de músico profesional, eres la cabeza visible de la agencia de representación artística Morgana Events, todo un acto de convicción y de supervivencia teniendo en cuenta todos los acontecimientos recientes ¿Cómo nace esta agencia y como logras hacerla rentable con las dificultades del tiempo actual?
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La falta de profesionalización es un mal endémico del sector. Eso hace que la mayoría de los grupos se lo tomen de modo amateur. Nosotros hemos roto con todo eso. Somos un equipo de profesionales que venimos de la empresa, de la alta dirección, de las producciones de conciertos…eso hace que lo veamos de modo diferente. Un grupo, un espectáculo, es como una empresa, hay que hacerla rentable y hay que hacerla crecer.
Eres miembro de La Dulce Harleey Rock band, una banda de versiones conformada exclusivamente por mujeres. ¿Qué significa para ti formar parte de un proyecto que revaloriza el papel de la mujer en un sector tan mayoritariamente masculino? La taberna la Dulce Harleey es un proyecto de mi amiga María, se trata de un local motero donde la mujer es el centro de atención, de hecho tienen hasta una estatua a la mujer motera que el Ayuntamiento puso en la puerta del local. Rock Band la Dulce Harleey era su sueño que consistía en tener su banda de chicas del local. María confió en mí para hacerlo posible. Yo me rodeé de las mejores artistas posibles para este proyecto que, gestionado a través de nuestra agencia, llega a muchos Festivales moteros y es la banda residente del local.
"NO HABÍA DEMASIADAS MUJERES EN LOS CARTELES DE LOS CONCIERTOS Y QUISE MONTAR GRUPOS ÍNTEGRAMENTE FEMENINOS"
Hace tiempo presentaste “Hijos del Rock”, un programa de radio dentro de la plataforma Click Radio, en el que diste visibilidad a un montón de bandas noveles ¿Por qué dejaste de hacerlo? Es un programa co-dirigido con Pepe Mari Sansegundo, bajista del grupo Bella Bestia. Quisimos sacar adelante un programa para descubrir todo el rock nacional y sus bandas noveles. Cuando llegó la pandemia el proyecto no pudo continuar. Seguro que tendremos ocasión de volver a retomarlo en algún momento.
Has ayudado activamente al proyecto “Ellas son eléctricas” en las que una vez más, realza la aportación de las mujeres a la música rock. ¿En qué consiste este proyecto?. Creo que además de un documental, se llegó a sacar un vinilo… ¿Me equivoco? Es un proyecto que se gestó hace dos años. Un documental donde Leo Cebrián y Paco Manjón entrevistan a las mujeres pioneras del rock en España. Es un trabajo de investigación, de saber qué pasó con esos grupos, esas mujeres que iniciaron un camino y nunca más se supo. Los dos confiaron en mi para poner la voz en ese documental y por supuesto accedí, así como a presentar los eventos de presentación que se están realizando en diferentes ciudades.
¿Qué criterio se siguió para encontrar a las bandas protagonistas de ese proyecto? Una investigación de años. Mucho trabajo de viajar, preguntar, investigar y seleccionar el material que a veces no estaba en las mejores condiciones pero que en más de dos horas de documental se puede descubrir y es muy interesante.
La pregunta del millón; ¿Hay competitividad entre las mujeres del rock? Te diría que menos que en los hombres. A las mujeres nos gusta que otras mujeres toquen un instrumento, hay tan pocas aún, que sigue siendo difícil encontrar instrumentistas femeninas.
También te involucraste en el proyecto Rockin' Ladies. ¿Qué idea había detrás de este movimiento de artistas femeninas? Es un proyecto de la fotógrafa Raquel García. Su objetivo era descubrir a todas las mujeres que hacían rock y metal en las diferentes ciudades españolas. Raquel convocó a esas mujeres en cada una de las ciudades e hizo una sesión fotográfica con todas ellas. Eso se convirtió en una exposición que ha dado lugar a alguna jam con todas esas artistas, así como diferentes proyectos paralelos.
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Desde hace varios años eres la representante de Rosie's in Hell, posiblemente la mejor banda de versiones de AC/DC femenina del momento ¿qué crees que dirían los propios AC/DC si tuvieran la oportunidad de escucharlas? Seguro que les encantaría. Yo soy de Pinto, amiga desde la infancia del Rana, posiblemente el mayor fan de AC/DC en España y uno de los mayores coleccionistas. Su local La Charca del Rana es uno de los mayores templos de AC/DC en el mundo. Si le gustan a él…y le encantan…puedo imaginarme que a Angus y compañía también. El grupo ha podido tocar con Tony Currenti, primer batería de AC/DC y aún tenemos muchos hitos por cumplir.
Es indudable que en un futuro cercano, el papel de la mujer cobrará cada vez más importancia en el mundo del rock ¿qué logros o aspiraciones futuras crees que se irán consiguiendo y de las cuales todavía no se disfruta? Creo que se va consiguiendo poco a poco, ya te puedes encontrar técnicas de sonido, instrumentistas de gran nivel, managers y muchas mujeres en la industria pero aún somos minoría. Necesitamos más infraestructura, más apoyo de las instituciones…con eso se conseguiría mucho más.
"EN UN FUTURO CERCANO, EL PAPEL DE LA MUJER COBRARÁ CADA VEZ MÁS IMPORTANCIA EN EL MUNDO DEL ROCK"
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El conocimiento es poder y ayuda a crear una infraestructura cada vez más sólida. ¿Debemos prepararnos para ver más masterclasses, ponencias, aportación de ideas creativas o soluciones por parte de mujeres orientadas al mercado musical global? Absolutamente. Eso es imprescindible. Los equipos de trabajo con mujeres son creativos, son profesionales y eso en un industria como esta cada vez se necesita más y lo dota de un talento necesario.
IN FRONT OF ME ES UN DUO DE MÚSICA INDIE Y POP ELECTRÓNICO CREADO POR EL ARGENTINO MARIANO FUGILLO A LAS VOCES, TECLADOS Y PROGRAMACIONES Y EL ALEMÁN MANU GEIMER A LA BATERÍA Y PERCUSIÓN. EN ESTOS DÍAS PRESENTAN SU ÁLBUM DEBUT "RETROMODERN"
Texto Costner
Me ha gustado eso de “Retro Modern”, ya que es una especie de contradicción en sí misma ¿qué significa para vosotros este título? Significa un punto de encuentro entre dos generaciones, si bien el término es ambiguo porque no se puede decir con exactitud qué es retro y que es moderno, sentimos que ese título se amolda perfectamente al estilo que hemos conseguido con éste álbum, fusionando lo clásico con lo moderno, de unificar algo atemporal con un sonido que ya hace un tiempo se ha acomodado en los oídos de una nueva generación y es una ventana abierta para que ambos mundos se miren un poco entre sí.
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Me ha sorprendido el concepto de dúo con batería orgánica, teclado y voz. Bien visto, es la mejor configuración de proyecto posible ¿Cuando decidisteis que debía ser así? Tras una larga trayectoria con bandas, casi veinte años de mi vida, llegué a la conclusión de que simplificar era un alternativa, de que al margen de las ventajas en la logística un dúo de batería, piano y voz, acompañado con un cuidado trabajo de backing tracks con la sincronización de video, dá una experiencia sólida en el escenario, y aunque no descartamos la presencia futura de guitarras o incluso otros componentes, ésta fórmula es una excelente manera de hacer música sin perder el encanto del grupo, pero haciéndolo todo más minimal. Después de todo se trata de un trabajo hecho con cuidado, donde si bien todas las capas no son interpretadas en vivo, la parte esencial sí lo es, y en la era de los DJS ésto no debería sorprender a nadie.
"DE LOS MOVIMIENTOS SOCIALES MÁS CRÍTICOS HAN SALIDO LAS OBRAS MÁS GENUÍNAS"
Después de las limitaciones extremas del Covid 19, los artistas tienen más hambre de escenario que de éxito ¿Os pasa lo mismo? Absolutamente; si bien hemos aprovechado al máximo éstos tiempos de receso para la producción, y de alguna manera nos ha venido genial, el objetivo es siempre llegar al escenario, y hacerlo la cantidad de veces que sea posible, y si tenemos en cuenta las ganas contenidas, las expectativas son muchas, quizás demasiadas para la demanda de grupo desesperados por tocar éste año, aún con el covid todavía no terminado y con los conflictos sociales que está viviendo Europa.
En un mundo en el que hay tanta tristeza ¿qué papel juega In Front Of Me para intentar tener un papel protagonista? La visión del álbum es bastante positiva, hay como una especie de responsabilidad ética como artistas de intentar ofrecer una luz al final del camino, de dar herramientas a la gente para que todo esto no sea tan duro. Supongo que ese ha sido siempre el rol de la cultura responsable, y de hecho de los
movimientos sociales más críticos han salido las obras más genuinas y que con el paso del tiempo, son las que permanecen.
Las relaciones sanas existen, pero hay que trabajarlas ¿Os pasa a vosotros dos? Con Manu hemos encontrado una sinergia casi intuitiva, una manera de trabajar sin obstáculos y atesorando cada pequeña cosa que sucede, es más fácil esta experiencia entre dos seres que buscan lo mismo y trabajan para conseguirlo. supongo que de todas maneras seguirá siendo un aprendizaje constante, pero los dos tenemos claro que lo más importante es vivir las experiencias, dar lo mejor de nosotros para que el resultado sea cada vez mejor, y en el viaje tener el premio de hacer sentir bien a la gente.
Con un trabajo tan inspirado como es este último álbum, ¿que os cuesta más, pedir dinero o pedir trabajo?
Trabajo sin duda, no estamos obsesionados con ganar dinero tanto como en vivir experiencias, y esas experiencias vienen ligadas al trabajo, al poder conseguir conciertos y que todo salga mínimamente como uno lo espera, esa parte es la más compleja y menos agradecida de todo el proceso.
Este álbum tiene muchas diferencias con vuestro debut del 2019. Honestamente me gusta mucho más este. ¿A qué crees que se debe? El primer EP tenía una tendencia más ambient y minimal, y en un principio la idea fue seguir con esa tendencia, peroa medida que fuimos metiéndonos en la producción nos dimos cuenta de que íbamos a estar más cómodos con una mezcla de estilos con sabor clásico que seguir indefinidamente con el estilo de EP.
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Texto J. Rojo Texto José R. Rojo Fotos Archivo
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Hace décadas que Joe Satriani puede mirar al resto del mundo desde más allá de la estratosfera, porque es literalmente de otra galaxia cuando coge una guitarra, a pesar de que muchos se empeñen en poner en entredicho la transmisión de sentimientos que puedan generar sus composiciones, algo que se podría rebatir enseguida sin rebuscar un argumento. Tan solo reto a cualquiera que se atreva a cuestionar la calidad del americano, a tocar cualquiera de sus cientos de composiciones con la mitad de sensibilidad, maestría, feeling y técnica que lo hace él, pues existen miles de videos de covers de sus canciones, sin que todavía haya encontrado tan solo uno que llegue al nivel del "rey de reyes" en todas las áreas (que son muchas las que domina, por cierto).
sensaciones que el guitarrista quiere transmitir, es motivo más que suficiente para, viniendo de quien viene, vuelques todos tus sentidos en escuchar los catorce cortes que componen la nueva aventura del virtuoso, que se ha acompañado de sus escuderos habituales de gira para volver a sorprender al mundo, y seguir enseñando el cómo hacer las cosas a generaciones actuales y venideras. En el mayor número de casos, Joe trabaja para la canción, la melodía y alcanzar un transcurso agradable en sus canciones, sin dejar que su interminable abanico de recursos eclipse el resultado final de lo que nos quiere decir en cada momento, y es precisamente esa premisa tan aparentemente sencilla de llevar a cabo (que en absoluto lo es), unida a la experiencia y una espiritualidad impregnada de mensaje, la que ha hecho, en mi opinión, que los elefantes marcianos hayan logrado aterrizar en tierra firme con éxito. Porque si hay algo que Satriani siempre ha tenido en el suelo, son los pies, algo que le ha permitido lograr un conjunto de canciones que están entre lo mejor de la historia de la guitarra. Al mismo Satch comentaba hace poco, que parece increíble que, a día de hoy, haya un inicio para un álbum instrumental tan sólido e incontestable como el que ha logrado con los primeros cuatro tracks, y que aglutina todo lo que puedas esperar de un Satriani desbocado, con ideas desmesuradamente frescas.
Maestro de maestros, influencia de influencias, Satch ha aprovechado la pandemia (como tantos otros) y ha querido llevar su actual propuesta musical a otro nivel componiendo una obra conceptual como "The Elephants of Mars", lo cual parecía imposible viniendo de un músico del que se han publicado álbumes como "Surfing With the Alien", "Flying in a Blue Dream" o "Strange Beatiful Music" por nombrar solo algunas de las pocas muestras de magnificencia de su discografía. Y no digo que el nuevo disco sea el mejor de su carrera, pero ¿quién podría decidir eso?. Un concepto de mensaje humanitario en un álbum instrumental en el que hay que dejar volar la imaginación para que la melodía de los instrumentos te evoquen las
Todo es oro. Desde la embriagadora melodía principal de "Sahara", cuyos punteos casi chill se funden entre líneas calmadas del más puro estilo Satriani, en un inicio colosal, a la locura que supone la propia "The Elephants of Mars", más cercana a lo que veníamos conociendo en álbumes como el propio "Crystal Planet" del 98, pero aderezado con esos efectos de guitarra más modernos provenientes, probablemente, del más experimental "Engines of Creation", dejando que el puente conceptualice y ligue ipso facto con el primer tema del álbum, y el tercero, "Faceless", que desde ya es uno de los cortes más sentidos, delicados y bonitos de la historia del capo de las seis cuerdas.
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Aparentemente sencillo, pero emocionalmente perfecto, se alza como un soplo de aire fresco para el mundo de la guitarra, para nada desentona con la más desenfadada "Blue Foot Groovy", deudora directa del sonido de la etapa que comprende su carrera entre "Not of This Heart" y su disco homónimo, libre de experimentación con bases electrónicas, y plenamente centrada en instrumentos base. Tras ese inicio sencillamente espectacular, sigue sin haber ningún tipo de fisura, y el álbum, no solo se escucha con facilidad, sino que pide a gritos ser reproducido una y otra vez, aunque quizás sea de factura hacerlo en orden para encontrarle ese carácter conceptual e hilo argumental que quiere transmitirnos Joe. Sonoridades como la de "Doors of Perception", aún siendo de duración media, sirven casi de interludio, como "E 104th St NYC 1973", que supone un respiro (en el buen sentido) en la escucha, que dinamiza mezclando canciones 100% asimilables y cargadas de personalidad como "Tension and Release", en la que siempre hay una guitarra que podría sustituirse por una voz si se desease, con locuras para que dejes volar tu imaginación, más cercanas al
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shred guitar como "Sailing the Seas of Ganymede", con el uso de todo tipo de filigranas, o su caricia a la electrónica en "Night Scene", que nos devuelve a los recursos que usaba en el año 2000. En este álbum, Joe sigue siendo curioso y experimental y se nota que ha ido picoteando de todos sus conocimientos y experiencia hasta lograr una cohesión absoluta, consiguiendo no solo dar un concepto exclusivo a la música sin voz, sino logrando un punto de conexión en el sonido de cada uno de los minutos que componen la escucha. ¿Cómo se consigue sorprender al colectivo de la guitarra después de 19 discos?. Fácil y complejo a la vez; siendo Joe Satriani sin edulcorantes ni aditivos y grabando un disco de la talla de este The Elephants of Mars. Imprescindible desde ya.
Vai estaba dando forma a su "Real Illusions Vol.2" cuando...¡boom!. Estalló una pandemia que nadie esperaba, y que dejó todo su modus operandi patas arriba, no por falta de condiciones o medios, sino porque un ser de luz, plenamente espiritual y creador nato como él, tenía que aprovechar los cambios en el mundo para adaptarse a ellos, y crear un monstruo como "Inviolate", su nuevo disco de estudio, que viene cargado de novedades, porque, aunque os parezca increíble, el guitar hero por excelencia, es capaz de innovar, sorprender al universo musical, y en este caso, creo que a él mismo, a juzgar por sus palabras, ya que el disco ha venido repleto de "pequeños" detalles, que hacen que sea uno de sus más interesantes logros desde su época dorada, lo que supone su obra más asimilable e impresionante desde el lejano "Fire Garden", con permiso de sensacionales muestras de talento como lo son "Real Illusions: Reflections", "The Sound Theories", o su más reciente "Modern Primitive". La primera novedad la encontramos en "The Teeth of the Hydra", una pieza de algo más de cinco minutos que desde el momento que sonó en el equipo, se ha convertido en una de mis favoritas de su discografía, y no solo por el componente musical, que es inconmensurable, combinando un sólido riff, con exquisitos pasajes punteados, excepcionales líneas de bajo y un componente étnico embriagador, sino porque para semejante pieza ha hecho uso de una preciosidad de instrumento de nombre Hydra, creado por Hoshino, cuya peculiaridad radica en combinar 3 mástiles en el mismo cuerpo, del cual Steve es capaz de extraer cientos de pasajes, sonoridades exquisitas y crear mil filigranas, que, observando el videoclip y el gozo con el que toca este "monstruo", hace pensar que será una de las canciones más espectaculares para contemplar en su próxima gira. Un éxtasis que se ve interrumpido por geniales composiciones, que, en el caso que nos ocupa, podrían catalogarse como de las más "duras" de los últimos años a nivel sonoro, y si no, prestad mucha atención a piezas como
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Emocionante cuanto menos, y técnicamente, una lección de superación, dejando que "Sandman Cloud Mist" vuelva a hiptnotizarnos con una gran cantidad de capas sonoras, sensibilidad extrema y un enorme acompañamiento.
"Zeus in Chains". Puro Vai desatado, soleando con una sobriedad, limpieza y clase devastadoras, a un nivel que pocos humanos podrían alcanzar. ¿Y qué me decís de "Little Pretty"?...esas notas casi limpias, combinando efectos, y acompañada por el videoclip, resulta una experiencia extransensorial, especialmente disfrutada con unos buenos auriculares que te sumerjan en el mundo que Steve quiere compartir con nosotros. Combina esa sensación casi mágica con momentos "pure Vai" como el de "Candle Power", en la que los dedos son los protagonistas, sin distorsión, y verás que el propio músico todavía es capaz de plantearse nuevos retos. En esa búsqueda de la perfección sensorial y auditiva que recorren composiciones como "Apollo in Color" o la dura "Avalancha", también nos topamos con piezas como "Greenish Blues", que seguro sonará en el próximo G3, mientras que, hablando de nuevas metas y retos en el párrafo anterior, Vai ha llegado a la cúspide con "Knappsack". Una impresionante composición interpretada con una sola mano y un cabestrillo resultado de una lesión que ha tenido en su brazo derecho durante un buen tiempo, y razón por la cual ha tenido que aplazar la gira. Pero, ni con un solo brazo se puede hacer sombra a nuestro héroe...pues la elegancia, delicadeza y técnica que puede derrochar con un dedo, podría ser digno de estudio durante años por el resto de la comunidad guitarrística.
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Sin caer en la redundancia, insto a cualquiera que pensase en Steve Vai como un compositor más, a reconsiderar sus conclusiones. Tras una intervención quirúrgica, una pandemia y todo lo que ello ha conllevado para el mundo de la música, este elegante músico no solo se ha sacado un gran álbum de la manga que servirá de santoral para todo futuro guitarrista, sino que lo ha creado aplicando emociones elevadas al máximo tales como el cariño, el entusiasmo y la energía, algo que como oyente, pueden sentirse casi tanto como él mientras pones atención a sus notas.
A V I T A R A P M O C
Hace ya unas cuantas décadas que se cerró el círculo de héroes musicales y se llegó a lo humanamente imposible con la guitarra, especialmente en su formato eléctrico al combinarlo con métodos de expresión facilitados por el desarrollo tecnológico. Claro que actualmente siguen existiendo grandes talentos emergentes, tales como Max Ostro o Laura Cox, pero no definamos ni confundamos calidad con "velocidad", y seamos sinceros...a nivel técnico, creativo e influencia, quedó todo dicho en la figura de personajes de la talla de Van Halen, Randy Rhoads, Gary Moore, Yngwie Malmsteen, Marty Friedman, Jason Becker o Paul Gilbert, es decir, nombres que están a la altura de sus propios logros. Pero si hay dos guitarristas que aparecen en la mente colectiva de la mano, esos son Joe Satriani y Steve Vai. Maestro y alumno. Dos músicos muy diferentes estilísticamente, pero tan cercanos en términos humanos, que han sabido complementarse, crear tendencia y mostrar sus personalísimas habilidades al mundo, casi conjuntamente. Y es que incluso cuando han decidido probar con bandas clásicas, ambos lo han hecho dentro de dos formaciones que también han ido siempre ligadas de un modo u otro como Deep Purple o Whitesnake, faltándoles solo el nombre de Rainbow para haber tocado el triángulo en su totalidad. No obstante, tanto Joe en Chickenfoot o The Squares, como Vai junto a gente como David Lee Roth (o Zappa en sus inicios), aunque disfrutando la aventura cada uno en su momento, han decidido, con el paso de los años, seguir explotando una vertiente seguramente menos beneficiosa en términos económicos, que es la instrumental, resultándoles mucho más enriquecedora en términos personales y útil para poder mostrar auténticas librerías, tutoriales y nuevas formas de afrontar el instrumento, que serán de muchísimo valor cuando una generación plagada de música artificial y "autotune" decida explorar lo que es la música de verdad.
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Por ello creo que es tan importante que los dos nombres más importantes de la escena de las seis cuerdas se hayan puesto de acuerdo, y hayan editado dos de sus mejores trabajos respectivamente, como son "The Elephants of Mars" e "Inviolate". Y cada vez me resulta más difícil pensar en ellos por separado, y no como un todo, porque son ambos para escuchar una y otra vez, en bucle, sin descanso...analizando, escuchando, extrayendo matices y preguntándote "¿cómo es posible que aún sean capaces de esto?". Como Tarantino y Robert Rodríguez con sus títulos cinematográficos lanzados a la gran pantalla simultáneamente, lo más intenso de todo lo que envuelve el lanzamiento de ambos, es que todo ello acabe dando forma a un nuevo G3, que todos esperamos con ansia, pero no sin antes pararnos a pensar "¿y si Joe y Steve no tuviesen una conexión espiritual y profesional tan profunda, con quién me quedaría?". Sin duda es una pregunta con muy dificil respuesta, aunque lo bueno de esto, es que cada cual cohabita en su propio universo sin estorbarse.
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N Ó I X E CON La amistad de Joe y Steve, trasciende más allá de lo musical, arropada por la conexión, complicidad y cercanía, la cual va mucho más lejos de lo que podamos imaginar como simples melómanos que apreciamos sus virtudes y música. Al fin y al cabo, aunque ambos son guitarristas excepcionales, es lo que hace a las personas grandes...esa capacidad de dejar sus egos a un lado, aprender el uno del otro y saber donde están sus límites, sus virtudes y sus defectos. Ambos son conocedores de todo ello, por este motivo y lejos de competir, unen sus fuerzas siempre que pueden para mostrar al mundo como se deben comportar los mejores. ¿Cuantos genios y famosos pueden presumir de todas estas cualidades?.
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VOLA ESTA BANDA DANESA DE METAL PROGRESIVO FORMADA EN COPENHAGUE, VUELVE A SORPRENDER A SUS FANS CON UN "MÁS DIFÍCIL TODAVÍA". SU NUEVO DISCO "LIVE FROM THE POOL" SE GRABÓ EN DIRECTO DESDE LA PISCINA DE UN ANTIGUO CAMPAMENTO MILITAR ABANDONADO. UN LUGAR DIFERENTE Y EXCLUSIVO EN ELQUE SE CONSIGUIÓ RECREAR TODA UNA ATMÓSFERA REPLETA DE ORIGINALIDAD. DE TODO ESTO, NOS HABLA SU BAJISTA NICOLAI MOGENSEN
Texto Dani Sanchez
"COSTÓ UNA PEQUEÑA FORTUNA ALQUILAR ESA PISCINA, PERO AL FINAL, VALIÓ LA PENA"
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La industria musical utiliza nuevos criterios y propuestas para seguir haciendo cosas interesantes más allá de la propia música. ¡Es por eso que muchos artistas y músicos que no se han puesto las pilas, ya han dejado de serlo! ¿Fue este uno de los motivos de la grabación de este show “Live From The Pool” tan lleno de originalidad? Debido a la situación de Covid en 2021, era básicamente imposible para nosotros hacer una gira y encontrarnos con los fans. Pensamos que hacer un show en línea era una excelente manera de llegar a nuestra audiencia de una manera diferente y tocar algunas canciones nuevas para ellos. Había muchas bandas haciendo lo mismo en ese momento, así que hicimos todo lo posible para que nuestra producción destacase del resto. Contratamos al colectivo de Vértigo que trajo un montón de luces y láseres que realmente elevaron el espectáculo a otro nivel.
¿Quién de vosotros hizo la exploración para encontrar un lugar tan increíble y pedir los permisos adecuados? ¿Os tomó mucho tiempo conseguirlos? Esa tarea la llevó a cabo nuestro técnico de sonido, Dennis, quien se enteró de la existencia de esa piscina abandonada ubicada a una hora de Copenhague. La locación había sido utilizada en una serie de televisión danesa, y definitivamente ese lugar estaba a otro nivel. Nos gustó mucho el ambiente único y pensamos que sería mucho más divertido hacer un show allí que en un estudio o en una sala de conciertos. Sin embargo, costó una pequeña fortuna alquilar esa piscina, pero al final valió la pena. ¿Cómo fue el proceso de adaptación del set? Supongo que tendrías que traer un generador potente para todo el apartado eléctrico y otro tipo de accesorios poco habituales…
Lo pagamos nosotros mismos. Hicimos todo lo que era necesario y gastamos más dinero que nunca en esta producción. Nos sentimos muy aliviados al descubrir que lo recuperamos gracias a todas las personas que pagaron su ticket de acceso a la transmisión en vivo
Grabasteis este directo en septiembre, un mes en el que todavía no hace demasiado frío en Dinamarca, ¿lo hiciste estratégicamente para no morir de frío, o fue cuando pudísteis? El momento fue bueno para nosotros porque estaba relativamente cerca del lanzamiento de nuestro nuevo álbum, 'Witness', y realmente queríamos mostrar las nuevas canciones en un entorno en vivo. Haberlo hecho en invierno definitivamente hubiera sido una locura! :)
Creo que el Blu-ray es un formato muy adecuado para este lanzamiento, ya que el aspecto visual es muy importante. Pero hay mucha gente en estos días que no tiene un reproductor de DVD y para ellos el CD, el vinilo o el pago por visión en línea son la mejor opción. En mi caso, solo tengo el vinilo :)
¿Vais a aprovechar toda esa infraestructura de iluminación para llevarla en vuestra próxima gira europea y de esta forma recrear cada noche lo que pasó en esa piscina? Sí, traeremos una versión ligeramente alterada de esta configuración de iluminación para nuestra próxima gira europea. No puedo esperar para mostraros a todos lo que tenemos preparado.
Vola es una banda que siempre ha mostrado un plus de creatividad a todos los niveles. Recuerdo videoclips como "Alien Shivers" o "Emily" donde hacéis un trabajo con una técnica muy artesanal. ¿Crees que esto se ha perdido con el tiempo?
A finales de año volvéis de gira como cabezas de cartel a varias de las principales ciudades de Europa. Será la primera tras el parón por el Covid. ¿Qué tendrá de especial en comparación con las demás?
Creo que hay muchas bandas haciendo cosas muy creativas. ¡Actualmente estoy impresionado por el nuevo video musical de Zeit de Rammstein! ¡Es realmente inspirador cuando una banda eleva su música con un lado visual tan fuerte!
Es nuestra primera gran gira en 3 años. Llevaremos nuestra producción en vivo más grande hasta la fecha, donde trabajaremos con el colectivo de iluminación Vértigo una vez más. Parece que habrá muchos shows con entradas agotadas en la gira, y realmente echamos de menos estar en la carretera tocando frente a la gente, así que creo que la atmósfera será muy especial.
Este lanzamiento sale en tres formatos; CD, Blu-ray y Vinilo, ¿cuál de los tres transmite mejor todo lo que allí pasó? ¿Blu-ray por una mera cuestión visual?
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Texto Costner
SIMON MCBRIDE SIEMPRE HA SIDO UN MÚSICO LLAMADO A HACER ALGO GRANDE. DESDE HACE AÑOS, HA IDO CUBRIENDO HUECOS QUE FUERON DEJANDO OTROS PARA ACABAR REIVINDICÁNDOSE COMO UN SERIO ASPIRANTE AL CLUB SELECTO DE LOS GRANDES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA. AHORA VUELVE A TENER UNA OPORTUNIDAD, ESTA VEZ CON LOS TODOPODEROSOS DEEP PURPLE Y SU NUEVO TRABAJO DISCOGRÁFICO "THE FIGHTER" COMO MEJOR AVAL
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Y de repente, te conviertes en el guitarrista de gira de Deep Purple... ¿Cómo se acercaron a ti y cómo reaccionaste? La gerencia me contactó oficialmente sobre esto. Sabía que posiblemente pasaría algo antes de esto, ya que sabía de la situación muy desafortunada de Steve y mi corazón está con Janine y Steve, ya que es un momento muy triste para ellos. Así que para mí es una emoción agridulce; estoy triste pero muy feliz de ser parte del legado de Deep Purple, son una de las bandas de rock icónicas que estarán en los libros de historia para siempre y ahora puedo ser parte de eso. . Creo que todavía estoy en estado de shock por todo el asunto, pero estoy seguro de que será increíble, ya que he tocado con todos los miembros de Deep Purple antes, pero no al mismo tiempo, y ahora eso sucederá.
Es muy triste que Steve Morse deje temporalmente el grupo para cuidar a su esposa en su batalla contra el cáncer. ¿Has hablado personalmente con él? Sí, es un momento muy triste, para cualquiera que esté lidiando con el cáncer son momentos muy difíciles. He hablado con Steve sobre ciertas cosas, ha sido increíble, muy complaciente y muy servicial.
Eres el mejor ejemplo de un músico humilde que hace de su pasión su profesión. ¿Cuántas personas te desanimaron para que dejaras la música y cuántas veces tuviste que reafirmar que lo que haces es lo que realmente quieres hacer? Para ser honesto, nadie me ha desanimado, en general, la industria de la música es una actividad muy dura y cruel a veces y en ocasiones es difícil mantener la motivación, pero al mismo tiempo puede ser muy gratificante. suave. Hubo un período justo antes de conocer a Don Airey, que estaba en un punto bajo de mi carrera, me habían decepcionado varias veces sobre ciertas cosas y comenzaba a preguntarme si todo esto realmente valía la pena, pero entonces él me pidió que comenzáramos a hacer algunas grabaciones juntos y esto encendió el fuego en mí nuevamente, ya que vi a un hombre que ha pasado por todo y sigue adelante y da el 110% todas las noches, fue muy inspirador y todos necesitamos un poco de inspiración a veces.
"NO SE CUANTO TIEMPO TOCARÉ PARA DEEP PURPLE, YA QUE STEVE SIGUE SIENDO SU GUITARRISTA"
La música que vas a tocar en Deep Purple es muy diferente a la que podemos encontrar en tu nuevo trabajo "The Fighter". ¿Te cuesta cambiar el chip para ponerte en la piel del guitarrista de una de las bandas de rock más importantes del planeta? He tocado la mayoría de las canciones antes con Ian Gillan y Don Airey, así que estoy muy acostumbrado a la música, también he hecho muchas otras cosas de rock más duro en el pasado con bandas como Sweet Savage y creo que algunas de mis propias cosas son parecidas a las de Deep Purple, pero con un toque un poco más comercial, al final del día, toda la música rock realmente proviene de las primeras generaciones de música blues, que creo que tengo un buen conocimiento, así que... ¡tengo muchas fichas para hacerlo bien! (risas)
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¿Cómo vas a compaginar tu trabajo con Purple y tu proyecto en solitario? Sé que eres uno de esos artistas que meten un montón de CD en la camioneta y tocan en cualquier lugar donde haya un escenario. Quizás ahora tengas que cambiar un poco el enfoque, ¿me equivoco? Todo esto es un territorio nuevo para mí, así que lo estoy tomando paso a paso, ¡sé que estaré mucho más ocupado de lo que ya lo estoy! (risas). Diría que tendré que abordarlo de manera un poco diferente ahora y tal vez ser más exigente con lo que hago, pero mi problema es que me resulta difícil decir que no. Así que me estoy divirtiendo y dejando que mi viaje musical se desarrolle solo, ya que no sé cuánto tiempo tocaré para Deep Purple, ya que Steve sigue siendo su guitarrista.
Creo que "The Fighter" podría ser uno de los discos del año. Personalmente me encanta. "High Stakes" es una de mis canciones favoritas, ¿estás de acuerdo conmigo? Gracias, estoy muy orgulloso de este álbum, me he tomado mi tiempo para grabarlo y estoy muy contento de tenerlo disponible. Espero que sea uno de los álbumes del año, es muy difícil para mí elegir una canción en particular que me guste más porque estoy tan cerca de todas.
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Ya has tocado en Snakecharmer reemplazando a Micky Moody y junto a grandes artistas británicos como Harry James o Neil Murray y lo mismo hiciste años antes en Sweet Savage con Vivian Campbell. ¿Son todos estos grupos clásicos los que de alguna manera han definido vuestro sonido y vuestros gustos actuales? Creo que todos somos solo productos de nuestras influencias y experiencias, así que sí, todo lo que he hecho, ya sea Sweet Savage, Andrew Strong, Snakecharmer y Don Airey, todos han contribuido al sonido que soy hoy.
Deep Purple te va a dar mucha visibilidad y muchas nuevas oportunidades profesionales, pero en la música nunca hay que bajar la guardia y estar siempre al 200%, ¿estás de acuerdo? Sí, estoy seguro de que surgirán muchas oportunidades de esto y estoy muy emocionado por ello. Diría que tal vez no el 200%, iría por el 190% y siempre mantendría el 10% en reserva jaja. En la música, siempre debes estar en la cima de tu juego, ya que en la industria actual hay tantos grandes guitarristas por ahí.
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Texto: Javier Riera Foto: Alejandro Iborra
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Foto: Joan F. Ribas
Como ibicenco me resulta frustrante darme cuenta de que soy incapaz de comenzar este artículo sin hacer alusión al tópico musical más generalizado; aunque, paradójicamente, estemos hartos de escucharlo desde nuestra pequeña isla: “¿Pero en Ibiza hay algo más que la música electrónica?”. Siendo consciente de que no será la última vez que me enfrente a esta pregunta, me veo obligado, como digo, a comenzar a hablar de la escena rockera ibicenca respondiendo a ella. Cierto es que Ibiza, desde finales de los años 80, con Carl Cox a la cabeza, es un referente en los estilos musicales electrónicos, gracias al auge de las macro-discotecas que convirtieron nuestro nombre en una marca mundial. Y pese a los muchos y siempre debatibles contratiempos que esto pueda haber ocasionado a nuestra idiosincrasia pitiusa, es incuestionable que la Ibiza moderna no puede entenderse en términos turísticos sin estar unido a este concepto. Ahora bien, si la electrónica nos ha puesto en el mapa más que la moda Adlib o la sobrassada (que no es solo mallorquina, como otros tópicos rezan), no es menos cierto que el interés masivo por este género en detrimento de otros -como el que hablaremos en las líneas posteriores- se circunscribe en su inmensa mayoría a una parte concreta de los numerosos
visitantes que cada temporada aterrizan en nuestra pequeña pero variada geografía. El ibicenco, tanto el de nacimiento como el de adopción, el que vive y trabaja todo el año -o solo trabaja durante la temporada pero reside aquí los 365 días-, es tan rockero o más que cualquier otro hijo de vecino peninsular o canario. Y es que la realidad, que en este caso no puede ser más alejada del tópico, demuestra tozudamente que Ibiza es uno de los mejores lugares de todo el territorio español para disfrutar de la música en directo -y especialmente del rock-, e incluso de los mejores sitios para dedicarse a la música. Para empezar, Ibiza es de los pocos sitios en los que, afortunadamente, las bandas tocan siempre a caché. No hay que alquilar las salas ni hay que pagar por tocar. Lo que en otros sitios ya se acepta como costumbre, aquí poco menos que se toma como una aberración, tanto por los músicos como por los propios promotores o propietarios de salas o cafés concierto. Simplemente es impensable, inconcebible. Y en la humilde opinión del que escribe estas líneas, así debería ser en el resto de ciudades de España y del mundo.
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"IBIZA ES DE LOS POCOS SITIOS EN LOS QUE LAS BANDAS TOCAN SIEMPRE A CACHÉ"
Pero como no vamos a cambiar el mundo, sigamos describiendo nuestra escena, que es el propósito de este artículo. No solo es ese uno de los detalles que me hacen afirmar que Ibiza es un gran sitio para el rock y la música en directo. El hecho es que, desde hace unos años, y gracias a la labor de la Associació de Músics d’Eivissa -con el batería Danilo Martínez (Groovy Brothers, Idò Mata’ls Band, Tales of Gloom y Moonshine Band) a la cabeza-, que cuenta con más de 100 socios, todos ellos músicos profesionales, semiprofesionales y amateurs, se ha conseguido acordar un convenio que fije un caché mínimo por músico, y que generalmente se respeta. Otro motivo por el cual Ibiza no solo es un paraíso por sus paisajes y playas es la gran cantidad de oferta musical en directo de la que dispone. En primer lugar, Ibiza no tiene apenas salas de concierto al uso, en el sentido en el que las entendemos en el resto del país. Lo más parecido que hemos tenido podrían ser alguna sala extinta como Can Rock, que tuvo que
Foto: Alejandro Iborra
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cerrar como tantas otras debido a la devastadora pandemia que aún colea. Lo que tiene principalmente son lugares de ocio que destinan uno o dos días a la semana a ofrecer música en directo, bien a modo de concierto al uso o bien como oferta complementaria. En este sentido también se podrían incluir un enorme número de restaurantes que complementan su oferta gastronómica con una banda, muy a menudo de rock, en diferentes horarios y con formatos de lo más variopinto. Entendiendo este primer punto, no es raro comprender por qué el centro neurálgico del rock y la música en directo es una pequeña tienda tradicional a medio camino entre Ibiza y el pueblo de Sant Josep (uno de los más activos en cuanto a rock se refiere). Estamos hablando de Can Jordi, o como reza su sobrenombre: la Blues Station. En sus acogedoras paredes centenarias, dos veces por semana se congregan cientos de amantes de la buena música sin que necesiten ni saber “quien toca hoy”. La conversación para ello es siempre la misma, y tan escueta como explícita: “¿vamos hoy a Can Jordi?”. Buena culpa de ello la tiene la visión romántica de su
máximo responsable Vicent Marí, un viejo rockero con más alma de blues que nadie, pese a no tocar una sola nota. Y creo que es justo también hacerle responsable subsidiario del auge de gerentes que intentan ofrecer una oferta musical parecida en sus respectivos negocios. Can Jordi marcó un camino, que ahora muchos han seguido. Otra parte fundamental de la oferta en vivo de Ibiza son las numerosas fiestas patronales que se dan durante todo el año en los diferentes pueblos y barrios que componen nuestros escasos 575km2, en los que nunca falta el rock, con principal presencia de música local. Tanto es así que hay menos semanas al año en las que no se celebre una fiesta que en las que sí. Estas fiestas pueden estar organizadas directamente por las corporaciones municipales, por las comisiones de fiestas o las asociaciones de vecinos; o bien por promotoras independientes que aprovechan el marco festivo y la disponibilidad administrativa de invertir en este tipo de festejos para organizar sus festivales o eventos musicales. En este apartado hemos tenido este mismo mes de abril el Rock Island Festival, que va ya por su tercera edición y que ha contado durante dos días con más de 14 horas de música en directo al aire libre, además de otras actividades complementarias relacionadas con el rock; el Back to School, que se celebra en octubre en la localidad de Sant Jordi, a los alrededores de la capital, u otros de carácter más privado como el también reciente Can Rock festival, rescatado tras la pandemia por los antiguos impulsores de la sala Can Rock, con dos días de rock y especialmente metal local y foráneo. También en el marco de fiestas es ya tradicional un evento conocido como Correbars -aunque según la localidad su nombre oficial es otro-, que no es otra cosa que un circuito localizado en un solo día de la semana en el que en cada bar de una determinada localidad se ofrece una banda en directo, combinada con detalles gastronómicos diseñados por cada establecimiento de manera específica para ese día, además de sumarse un pequeño camión con la banda itinerante que para unos 25 minutos en cada bar para complementar la fiesta. El resultado es un gran evento con música, bebida y comida por todos los rincones del pueblo que funciona muy bien en lo económico y crea un ambiente festivomusical con pocos precedentes. Dentro de este formato se pueden incluir otros similares como
Foto: Javier Riera
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el Tour Jordier en Sant Jordi, el Rock Express en el barrio de Cala de Bou, que sustituye la banda itinerante por un trenecito de lo más entrañable al que se suben los visitantes para desplazarse de un punto musical al siguiente; o incluso este último año la localidad de Santa Eularia se ha sumado a esta experiencia aunque sin vehículo itinerante, y reservando la música para la parte interior de los locales. Y por último, otro pilar fundamental para que muchos músicos puedan hacer de su actividad su sustento principal es la gran oferta hotelera que incluye espectáculos en directo en sus recintos como complemento para sus clientes. En este sentido, las bandas de rock que contratan principalmente son de versiones. En la misma línea, numerosos mercadillos de corte más o menos hippy, que tanta fama han dado a Ibiza, también programan bandas de estas características durante sus jornadas. Teniendo claro esto, y no sin el fruto de muchos años y de mucha gente implicada en todos los aspectos comenzando por los propios músicos-, se ha conseguido crear un espacio en la que todos los días de verano y casi la mitad de los días de invierno se ofrece música en directo en algún punto de la isla, y que no haya fin de semana que no se concentren un mínimo de 3 o 4 eventos en los que el rock en vivo esté presente. Esto ha hecho que ya desde las instituciones se considere claramente un activo turístico y económico a preservar y potenciar, y en este sentido, el municipio más extenso de la isla y el que aglutina la mayor cantidad de playas, Sant Josep de Sa Talaia con cerca de de 25.000 habitantes-, ha sido el que ha hecho la apuesta más fuerte por ello. No solo es el municipio que alberga más locales que ofrecen regular o esporádicamente oferta musical en vivo o el que más recintos públicos tiene a su disposición, sino que a finales de 2021 lanzó la iniciativa Sant Josep es Música, una revista online que nace de la idea del periodista y melómano Xescu Prats para albergar todas las posibilidades musicales que ofrece su territorio, y que fue presentada por todo lo alto en Fitur este mismo 2022. Marquesinas en el metro de Madrid rezaban el slogan de Sant Josep: destino turístico de música en vivo. Sin duda, una gran y necesaria apuesta por romper el injusto tópico con el que comenzábamos este artículo, y que pone por primera vez en el mapa el rock y la música en vivo en Ibiza fuera de nuestras fronteras.
Foto: Alejandro Iborra
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Foto: Javier Riera
Pero antes que estas iniciativas públicas (y privadas), muchas bandas también han puesto en mayor o menor medida en el mapa a Ibiza fuera de nuestras fronteras. Los que abrieron el camino en los 90 fueron los ya históricos Statuas de Sal, sonando en los 40 principales y tocando en festivales de todo el país. En cuanto a las bandas actuales, los que suman más conciertos y repercusión fuera de la isla son Joven Dolores (que cuenta con 2 ex-miembros de Statuas d Sal) y Morning Drivers, los dos incluidos en el género indie. Si vamos hacia el rock clásico es inevitable mencionar a Uncle Sal, y en un estilo más alternativo a Tales of Gloom. En el metal tendríamos a referentes como MRC con Marc Riera, el vocalista de los históricos Azrael, como líder de la banda-, Apotropaico, o en un terreno más extremo a Vitrol. A nivel más local, usando como lengua el catalán en su variante dialectal ibicenca tenemos exponentes como Rels o Quin Delibat, que también han realizado diversas giras en lugares de habla catalana, siguiendo el camino que exploraron anteriormente los exitosos y recientemente desaparecidos Projecte Mut, que llegaron a ser la canción del verano de TV3; o también un reciente y curioso proyecto que combina rock con humor local, con gags teatralizados durante los conciertos: la Idò Mata’ls Band. Merece la pena comentar que desde 2018,
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y de nuevo gracias al trabajo de la Associació de Músics d’Eivissa, las bandas locales han conseguido romper con mucha más facilidad la barrera de la insularidad al conseguir un convenio con una importante naviera mediterránea para poder realizar los viajes con vehículo incluido a coste cero para sus socios. Teniendo en cuenta las características antes comentadas, lo que más abunda en la oferta local, especialmente en restaurantes o salas de ocio que ofrecen música, son los grupos de covers. Entre los más activos podemos encontrar a Groovy Brothers, Discover o Simple Rock si hablamos de covers internacionales y Canallas del Guateque y Pasados de Vuelta, si lo hacemos de éxitos del rock y el pop español. También hay hueco para el metal en las covers, como demuestran Methead, liderados por el prolífico Marc Riera. Y que me disculpen todos a los que no llego mencionar por falta de espacio o de acierto, pues la realidad es que la cantidad y calidad de bandas y músicos para una isla de 150.000 habitantes no tiene parangón en la escena del resto del país, lo cual también explica la capacidad de movilización del público que les sigue, y el interés que éste demuestra y que permite esta frenética actividad musical que se sucede en Ibiza más allá incluso de la temporada turística. Y dicho sea de paso: que hace de Ibiza -como comentaba al inicio- uno de los mejores sitios para el rock y la música en vivo en todos sus formatos. Así que ya lo sabéis: si queréis disfrutar de rock casi cualquier día del año, estaremos encantados de que nos hagáis una visita... siempre que no nos preguntéis de nuevo si en Ibiza no hay solo música electrónica.
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o l i Vin s e m del Texto Costner
En mi opinión, resulta muy acertada la definición que hace el sello discográfico earMUSIC de este proyecto, al cual denomina como "Un súper-grupo de rock progresivo pero con clara actitud punk”. Y es que referirse a estos cuatro monstruos de la música de una forma tan gráfica, da todo el sentido a lo que esconde en su esencia. Stewart Copeland (The Police), Adrian Belew (King Crimson, Talking Heads, Frank Zappa, David Bowie), Mark King (Level 42) y el talentoso teclista italiano Vittorio Cosma forman el line-up de esta apisonadora sónica repleta de técnica y buenas canciones. Debutaron en 2017 con el atractivo álbum “Gizmodrome” y al año siguiente se enzarzaron en una amplia gira que ha dado como resultado este interesante lanzamiento que acaba de aparecer diversos formatos que incluyen un doble compacto (con un cuidado triple digipack), triple vinilo y descarga digital. El álbum comienza con el tema ‘Amaka Pipa’ autoría de Copeland y Belew y en el que se puede apreciar la influencia sobre todo de este último y de su trabajo junto a la banda progresiva King Crimson. Una composición muy bien desarrollada instrumentalmente repleta de actitud y controversia creativa que recurre a una buena combinación de guitarras y teclados y a un uso exagerado de la "R" en el contexto de una voz distorsionada a través del sonido de un megáfono.
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COPELAND KING COSMA & BELEW «Gizmodrome Live» earMUSIC
"Zombies In The Mall" tiene una estructura que da pie a una fuerte improvisación, ya que reitera su estructura y secuencia de acordes justo hasta su final, donde mezcla ritmos tropicales con otros más puramente progresivos con el único afán de cerrar la canción con un broche memorable. Algo similar sucede con el tema ‘Stay Ready’ con una guitarra que evoca las maravillosas excentricidades de Robert Fripp. ‘Miss Gradenko’ combina funk y golpes de slap herencia de Level 42, con toques prog-rock y aromas a The Police. Me encantan especialmente dos de las joyas rítmicas y progresivas ‘Elephant Talk’ y ‘Thela Hun Ginjeet’ donde King Crimson y su influencia en el sonido de la banda vuelve a quedar patente.
un despliegue de técnica imperial, o ese final con ‘Bombs Away’ que suena a The Police y que contiene partes solistas de guitarra realmente brillantes. Mark King pone la música para la preciosa melodía vocal de ‘Ride Your Life’ y vuelve a llevar su interpretación instrumental a un nivel estratosférico en "Spin This". Belew desmenuza concienzudamente su catálogo de recursos en ‘Young Lions’ y en general la máquina suena engrasada y pretenciosa, pero con fundamento. Se nota que este es un proyecto donde pasarlo bien es esencial para los artistas implicados. El excelente bonus-track para la edición en cuidado doble compacto es ‘Don’t Box Me In’, donde cuentan como invitado a la estrella italiana Manuel Agnelli. ¡Desde luego que no debieran perdérselo los seguidores de King Crimson, Level 42 o The Police!
También hay espacio para dos joyas de la época final de The Police como son ‘Does Everyone Stare’ en la que Mark King hace
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THE BANDS
r e z e we Texto Ismael M.
El mundo del rock de principios de los noventa enamorado del cabello largo y sucio, los chillidos llenos de angustia y los riffs de acordes poderosos, el cuarteto de Los Ángeles, Weezer, ofreció un buen antídoto contra lo que se conocía como Grunge. Weezer, a menudo etiquetado de manera molesta como "Nerd-rock", con el cantautor principal Rivers Cuomo, apareció aparentemente de la nada en 1993, con canciones pop pegadizas que ensalzan las virtudes de Kiss, surfear en lugar de conducir al trabajo y una novia que se parece a Mary Tyler Moore. Si uno pudiera llamarlo pionero, Weezer fue uno de los primeros en hacer música para esos estudiantes de secundaria obsesionados con la ironía que colgaban la funda del LP Saturday Night Fever en sus casilleros y estaban entusiasmados con “Schoolhouse Rock”. La banda sonora perfecta para aquellos cuyas oraciones generalmente comienzan con la frase “¿Te acuerdas cuando...?” Con grandes sueños de ser una estrella de rock, Cuomo hizo las maletas y se mudó a los 20 años a Los Ángeles desde su Connecticut natal. Siendo un fracaso al principio, Cuomo se unió a otros expatriados del Este; Matt Sharp, Patrick Wilson y Jason Cropper en 1992 y tuvieron su primer ensayo el 14 de febrero de ese año. Tocando en Los Ángeles incesantemente, la banda comenzó a atraer seguidores de personas tal vez frustradas con la grandilocuencia del Grunge y listas para un
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poco de música pop. Los sonidos Power pop de Weezer en realidad fueron un gran cambio del presunto gusto personal de la banda, que presentaba tipos de metal de los ochenta al estilo Quiet Riot en el interior de su primer álbum y tenía un logotipo claramente inspirado en Van Halen, así como una obsesión saludable con el miembro original de Kiss, Ace Frehley. El bajista Sharp le dijo a la revista Rolling Stone; “ Tuvo el mejor de los cuatro discos en solitario de los miembros de Kiss". La banda firmó con DGC, el entonces nuevo sello de David Geffen que también lanzó Nevermind de Nirvana en 1993 y fueron a Nueva York para grabar su primer álbum con el ex líder de Cars, Ric Ocasek. Durante la grabación del primer álbum, el guitarrista Cropper fue reemplazado por Brian Bell. Cropper regresó a Los Ángeles, se casó, tuvo una hija y continuó trabajando en proyectos musicales. Admitiendo que " apestaba " cuando empezaron a tocar juntos, Weezer, al firmar con DGC, realizó una gira por los Estados Unidos y Europa durante más de un año para promocionar el primer álbum. El exhaustivo calendario de giras, junto con los innumerables conciertos que los chicos tocaron antes de firmar, ayudaron a posicionar a la banda. Con una maestría musical mejorada y la composición de canciones extremadamente pegadizas de Cuomo, la banda comenzó a encenderse rápidamente. El baterista Pat Wilson comentó en Rolling Stone; “ Nada de esto fue imaginable jamás. … Lo vimos como algo fatalista desde el principio. … Fue como 'Voy a fallar porque el 99 por ciento de todos los discos lo hacen, ¿y qué nos hace tan especiales?". Dejando a un lado las largas giras y la composición de canciones, la banda también contó con la ayuda de Spike Jonze para la creación de los videoclips de los dos primeros sencillos del LP, (Undone y The Sweater Song) y su mayor éxito, "Buddy Holly", que intercalan a la banda en escenas reales de la comedia de situación de televisión de la década de 1970. Un tercer éxito, "Say It Ain ' t So", fue clave del éxito de un álbum que terminó vendiendo alrededor de dos millones de copias en todo el mundo.
Tras el sorprendente éxito de su primer álbum, la banda se tomó un largo descanso. Cuomo, fácilmente el miembro más introspectivo de la banda, comenzó un programa de pregrado en Harvard. El resto de la banda persiguió otros proyectos musicales, siendo el más notable la banda del bajista Matt Sharpe, The Rentals. Lanzando su primer álbum, Return of the Rentals, con el sello Maverick de Madonna a fines de 1995, lograron un éxito menor con el extraño “Friends of P”. Brian Bell y Pat Wilson también tenían otros proyectos en marcha; Space Twins de Bell, quienes lanzaron un sencillo de 7 ” a través de World Domination Records. Brian Bell también estuvo involucrado en la banda Carnival Art antes de unirse a Weezer. Finalmente reagrupados en 1996, Weezer lanzó su segundo álbum; Pinkerton, que producido por ellos mismos, no fue tan pegadizo como el primero. Pinkerton puede verse como una dirección un poco más madura de la banda, aunque la madurez, sin embargo, no necesariamente vende discos y algunos de los jóvenes fans de la banda probablemente se sintieron alienados por canciones como "Tired of Sex" y "Pink Triangle", que habla del enamoramiento de Cuomo por una mujer que finalmente se hace lesbiana.
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Sin embargo, el álbum se vendió moderadamente bien, y el primer sencillo, “El Scorcho”, obtuvo cierta rotación en MTV y otras emisoras de rock moderno. La banda también realizó una extensa gira para promocionar el álbum cuyos tickets se agotaron rapidamente. La mayor publicidad para el álbum en realidad provino del caso judicial que lo rodeó. La agencia de detectives Pinkerton, con más de 100 años en el negocio, se opuso al uso que la banda hizo del nombre “Pinkerton", viéndolo como una violación de su nombre y su reputación. Al obtener una orden de restricción contra la banda y la DGC, la orden fue anulada cuando el juez del Tribunal de Distrito de los EE. UU. John G. Davies decidió a favor de la banda, quien explicó que lejos de ser una referencia a la agencia de detectives, el título en realidad se refería a Cuo- la ópera Madame Butterfly de Puccini, cuyo villano, personaje principal, también comparte el nombre. Sin embargo, la Agencia de Detectives Pinkerton siguió adelante con el caso, volvió a presentar la orden judicial y reclamó dos millones de dólares en daños. La tragedia golpeó a la banda después del lanzamiento del segundo álbum. Dos simpatizantes de la banda, Mykel y Carli Allan, con su hermana menor Trysta, murieron en un accidente automovilístico después de un show de Weezer el 8 de julio de 1997. Las dos hermanas habían seguido a la banda desde sus inicios y dirigían el club de fans y la página web oficial. Conmocionados y entristecidos por el suceso, Weezer realizó un concierto benéfico para la familia que también incluyó a la banda That Dog, quienes eran amigos desde hacía mucho tiempo y que también tenían un club de fans dirigido por Mykel y Carli. Se planeó un fondo conmemorativo y un CD tributo con contribuciones de Weezer, That Dog y Black Market Flowers, entre muchos otros.
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Los miembros de la banda incluyen a Brian Bell (nacido el 9 de diciembre de 1968 en Knoxville , Tenneesee) guitarra, voz; Rivers Cuomo (nacido el 13 de junio de 1970 en Connecticut) guitarra, voz; Matt Sharpe (nacido el 22 de septiembre de 1969 en Arlington, Virginia) bajo, voz; y Patrick Wilson (nacido el 1 de febrero de 1969 en Buffalo, Nueva York ) batería.
Texto Luis Jorge Torres
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Después de muchos años en la música, decides formar Exilio a Plutón, un trabajo en el que renuncias a las decisiones democráticas grupales en favor de un mayor control del proyecto ¿Qué te llevó a tomar esta decisión? Bueno, la idea original era grabar una serie de canciones que tenía medio compuestas sin tener claro si luego las iba a usar para algo. En el proceso me fui emocionando y descubriendo facetas que nunca había experimentado, como el hecho de ser cantante. Una vez que tuve un puñado de canciones con las que me sentí cómodo, quise montar la banda y para ello conté con Kike Urquiza (guitarra), Jesús Fernández (bajo) y Jose Antonio Rojano (batería). Músicos muy experimentados y comprometidos. Con respecto a las decisiones democráticas, para mí es mucho mas complejo. Lo ideal es que todos los componentes remen en la misma dirección, si no, el proyecto tiene fecha de caducidad. Lo importante es tener un líder que tenga clara la dirección y sepa transmitirla de forma eficaz.
Mayor liderazgo, mayor responsabilidad, que en términos de un proyecto musical es decir mucho ¿Cómo te has preparado mentalmente para afrontar un reto tan interesante? Llevo ya algunos años dedicados a diferentes proyectos musicales y esa ha sido mi mejor preparación. Realmente este proyecto ha salido casi sin intención, la cosa ha ido rodando sola y me he encontrado con él sin planearlo. Esto me ha causado una agradable sorpresa y la ilusión que me esta generando me esta aupando a afrontar retos que de otra forma es posible que no me hubiera atrevido.
¿Hay algún significado detrás del nombre de la banda? a mí me suena como un punto de evasión, un lugar de esparcimiento lejos de todo y a la vez al alcance de la mano… No vas mal encaminado. La idea era transmitir lo que representa para mi este proyecto. Y para mí es un viaje interior, profundo y sincero buscando esa esencia musical que tenemos todos los que nos dedicamos a hacer canciones.
Eres un artista que viene de otras formaciones y proyectos. ¿Qué te ha enseñado tu pasado para mejorar tu presente? Cada proyecto en el que he participado ha formado el musico que soy hoy. Sin duda el proyecto con el que mas aprendí, fue Oberón, sobre todo porque estaba todo por aprender. Del 2008 a 2012 fue una época muy fructífera para nosotros en la que experimenté que es grabar un disco y como aprender de la primera grabación para que la segunda salga mucho mejor. Ganamos concursos, fuimos a muchas radios, hicimos cantidad de conciertos y esa ha sido mi escuela en esto. Nunca fue la cosa fácil y todo lo que conseguimos fue a base de constancia y de mucho esfuerzo. Si crees en tu proyecto tienes que aguantar los golpes y no rendirte.
Las influencias de este proyecto van desde U2 a Héroes del Silencio, The Police o King of Leon y pareces dejar atrás las influencias Indie y de carácter netamente pop de tus anteriores proyectos ¿En tu caso, es cierto que el músico acaba volviendo a los clásicos antes o después? Bueno, en todas las formaciones en las que he participado normalmente siempre he sido participe en la creación de las canciones. En todas hay un trocito de mí, pero el resto pertenece al resto de componentes. La verdad es que hay etapas en la vida, pero en mi caso considero que nunca he perdido de vista a los clásicos.
La banda se formó en Granada, tierra de grandes artistas como Los Planetas, La Guardia, Lagartija Nick, Niños Mutantes o Lory Meyers. ¿Hasta qué punto ha influido esta cultura vernácula en el sonido de Exilio a Plutón?
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" LO IMPORTANTE ES TENER UN LÍDER QUE TENGA CLARA LA DIRECCIÓN Y SEPA TRANSMITIRLA DE FORMA EFICAZ"
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Sin duda todas estas bandas han tenido un impacto sobre nosotros y de alguna forma se tiene que reflejar en nuestro sonido. Granada es una tierra muy rockera. De todas formas yo jamás pienso en ello a la hora de componer, pero de alguna manera estas influencias están ahí.
Eres un artista multi-instrumental y en este proyecto te encargas de la guitarra y la voz, tareas inéditas para tí. ¿cuándo descubriste tus capacidades vocales y en qué momento decidiste que eran aptas para este proyecto? La verdad es que mi objetivo inicial era grabar las canciones con una voz provisional y buscar un cantante permanente. Durante el proceso de grabación comencé a dar clases de canto con una magnifica profesora de Granada (Marina Garzón)y al final resulto que la cosa no sonaba nada mal. Yo realmente todavía no me considero un cantante, pero soy un guitarrista que puede cantar.
Vuestro disco debut se llamará “Comienza el Viaje”. En mi opinión, suena como el principio de una gran aventura, ¿estoy en lo cierto? Sin duda, ese es mi sentir y el de mis compañeros. Llega una edad en la que ya te mueves por ideas diferentes a las que lo hacías con 20 años. Ahora siento que puedo hacer lo que me gusta sin tanta presión al que dirán o a quien le gustará. Lo único que busco es mi propia aprobación. Con los años me he vuelto cada vez más exigente conmigo mismo. Con este proyecto estamos creando una plataforma en la que siempre podamos dar salida a las inquietudes musicales y en mi caso espero que me acompañe el resto de mi vida.
En el tiempo actual y debido al consumo masivo de videoclips y de streaming a través de playlists, cada vez tiene menos sentido lanzar un álbum en favor del posicionamiento de singles. ¿Vais a hacer vosotros lo mismo? "LLEGA UNA EDAD EN LA QUE YA TE MUEVES POR IDEAS DIFERENTES A LAS QUE LO HACÍAS CON 20 AÑOS"
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La verdad es que el consumo de música desde nuestra juventud y desde que estamos en este mundillo ha cambiado tanto que sinceramente no me siento preparado para dar una respuesta a tu pregunta. Nosotros esas decisiones nos gusta dejarlas en manos de los que entienden de promoción musical y en nuestro caso contamos con una agencia en la que confiamos plenamente y sabemos que tomaran el camino más adecuando, atendiendo a todos estos factores que comentas.
"NOSOTROS NO BUSCAMOS FORMULAS NI TAMPOCO INTENTAMOS ROMPERLO TODO PARA HACERNOS NOTAR"
¿Eres un músico al que le gusta hacer cosas diferentes para conseguir resultados distintos (ya sean buenos o malos) o prefieres trabajar los cauces habituales y confiar en que tu música superará a todos los que buscan lo mismo que tú? Nosotros no buscamos formulas ni tampoco intentamos romperlo todo para hacernos notar. No es un proyecto que busque el éxito por buscar. Como te he comentado en el resto de la entrevista solo buscamos nuestra esencia musical más sincera y conectar con todos aquellos a los que eso les llega. No sabemos cuántos conectaran con nosotros a través de nuestra música, pero estamos deseando averiguarlo.
Y dicho lo anterior ¿Has pensado alguna vez que el negocio de la música es igual que un campeonato de boxeo en el que el que más fuerte pega, gana? Si te soy sincero el negocio musical, me parece como todos los negocios. Detrás de la música se mueven muchos tíos con trajes que son los que se llevan casi todo el dinero. Nosotros no estamos en eso. Para nosotros el negocio musical es hacer canciones y que la gente las disfrute. Si eso lo conseguimos, es todo el éxito que queremos.
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Texto Luis Jorge Torres
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Riesgo de Contagio hoy es un nombre muy controvertido. Imagino que nunca imaginaste esto cuando decidisteis bautizar a la banda... Recuerdo que hace algo más de 30 años, mi madre nos dijo a mi hermano y a mi: “Ya verán Mijos serán famosos y los seguirá mucha gente”. Hasta hace dos años éramos tendencia y todo el mundo hablaba de Riesgo de Contagio, por lo que nosotros dijimos, “mi mamá tenía razón”… pero así como todo lucía a nuestro favor,con el tema del Covid fuimos objetivo de hackeos en nuestras redes sociales y las perdimos tres días antes del lanzamiento del primer sencillo de nuestro álbum 30 aniversario. Asimismo, por el famoso algoritmo, ahora no aparecemos en los resultados de las búsquedas de los navegadores de internet, lo que ha supuesto no poder realizar campañas publicitarias. Incluso acciones como mandar un email en el que venga escrito nuestro nombre, la inteligencia artificial lo manda directamente a la bandeja de spam. Pareciera que fuimos favorecidos en algún momento y ahora la maldición del Tío Gamboín nos acompaña. Así que es momento de ocuparnos en realizar campañas diferentes y variadas, ser creativos y publicar de manera creativa.
México. En 1997, nuestro disco "Demasiado Peluche" fue elegido como mejor disco de Rock independiente del año. Distribuimos nuestro material promocional en las radios universitarias de Norte América y comenzamos a destacar en sus listas de éxitos, y de ahí se nos abrió la puerta para realizar nuestra primera gira internacional en el año 1998 en el Festival Republika, celebrado en Montreal (Canadá) y representando a México. Otra gran sorpresa fue cuando a la semana siguiente nos invitaron a participar en el Vans Warped Tour, convirtiéndonos en el primer grupo de Rock en español de América Latina en haber tocado ahí. Al día de hoy hemos realizado más de 250 shows en Estados Unidos, tenido la oportunidad de haber conocido a gente como David Byrne de Talking Heads, Nirvana, Mudhoney, Kid Rock, Save Ferris, Celia Cruz, Tito Puente, entre otros. En el año 2000 fue nuestra primer vez en viajar a América del Sur para participar en el festival Rock al Parque 2K, ante 75,000. A todas estas satisfacciones y reconocimientos le sumo nuestra gira por España en 2019, y las puertas que ahora comienzan a abrirse en otros países.
Cumplís 30 años y acumuláis un montón de experiencias a vuestras espaldas. ¿Cuáles recordáis con más cariño y cuales han sido las más complicadas? Han sido varias; la idea de hacer las cosas por nosotros mismos nos ha dado muchas satisfacciones, como cuando en 1995 decidimos grabar nuestro primer disco de manera independiente, y al segundo día ya sonaba en la estación de radio más importante en la Ciudad de
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A pesar del tiempo que lleváis, sois una formación estable. ¿Cómo se consigue mantener la ilusión, la visión y el respeto después de treinta años? Siendo necios en lo que creemos, ser autocríticos en la composición de temas y en la ejecución de nuestros instrumentos. También lo más importante; la emoción de pisar los escenarios y rejuvenecer con toda esa energía que emanan nuestros fans.
Es difícil encasillaros dentro de un único estilo musical porque dependiendo de la canción de la que estemos hablando podemos saltar desde el pop más comercial, hasta el punk más reivindicativo. Si tuviérais que hacerlo vosotros, ¿cómo os definiríais? Somos una banda que toca Rock cochinón… jajaja Nuestra base musical parte del Garage Rock, con sus guitarras distorsionadas llenas de feedback, y la neopsicodelia de las agrupaciones de finales de los 1980’s de Manchester, Inglaterra, con el uso de órganos, sintetizadores y sampleadores. Y nuestra actitud ante la vida es, y será por siempre, punk.
Una de vuestras mejores armas es la originalidad y el valor que le dais al aspecto visual. ¡Os encantan las marcianadas!, ¿de dónde vienen esas influencias? Siempre hemos sido muy curiosos e inquietos, nos gusta experimentar y no quedarnos solamente con lo que te dicta el sistema. Ahí comienza la búsqueda por lo desconocido, por curiosear y por todos esos intereses fantasiosos que rodean nuestra idiosincrasia artística. Tengo que decir que nos han tocado vivir experiencias cercanas y nos gusta relacionarlas con las canciones desde los visuales de cada show, hasta el merchandising oficial del grupo. Para nosotros los marcianos, robots y naves espaciales son sinónimo de futuro y el futuro es vanguardia. Entonces esto es algo inseparable en nuestro proceso creativo y en nuestra búsqueda en sonidos, efectos y utilización de instrumentos variados para la innovación.
Si la gente tuviera que ubicaros asociándoos a un director o productor de cine, ¿a cual elegirías de todos estos; Tarantino, Matt Groening, Tim Burton, Ridley Scott o Spielberg? Una dupla con Tarantino y Rodríguez, por supuesto que nos gustaría formar parte del soundtrack en una escena de acción a gran velocidad en coche, o cuando una chica guapa y voluptuosa (tipo película de Russ Meyer) reparte catorrazos y hay derramamiento de sangre en un homenaje a otras películas del estilo western y cine japonés. También somos muy fans de Alex de La Iglesia. Cabe mencionar que nuestra música ha aparecido en los films Super Size Me de Morgan Spurlock, Manos Libres de José Buil y Maryse Sistach y un par de documentales americanos.
¿Y si lo tuviera que hacer por un lugar, cual de estos elegirías: El Enterprise, la nave Nostromo, Disneyland, Springfield, El Distrito 9 o el Área 51? Área 51. Queremos ver la verdad de lo que hay oculto allá. Es más, yo me agregue a la famosa iniciativa publicada en 2019 de Facebook “Asaltar el Área 51, no pueden determos a todos”.
Imagino que definir e innovar en el aspecto visual es algo que os llevará tanto tiempo como componer vuestras canciones. Háblame un poco del proceso. Es toda una ceremonia, pues cambia el punto de vista y la perspectiva, ya que desde donde la cantas aprovechas para darle mayor significado y buscas que se convierta en una experiencia audiovisual… más adelante la llevaremos a lo interactivo e inmersivo. Precisamente estamos preparando el show de XXX Aniversario con el uso de mucha tecnología. Lo primero es conceptualizar la idea de la canción, el estilo artístico, (que queremos decir) hacemos una pequeña escaleta que pasa a ser un guión y de ahí va directamente al equipo de ilustradores, para que estos, junto a los
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animadores, hagan su magia. Todo esto lo hacemos en colaboración con nuestra empresa hermana, Experiencias Inspirarte.
Me queda claro es que Riesgo de Contagio es una banda que por todo lo extra musical y el concepto visual único, es (o debería ser) carne de festivales. ¿Cómo es de difícil llevar vuestra propuesta artística con todas las garantías sobre un escenario? La planificación es lo más importante en cualquier proyecto. La ventaja es que la tecnología que se utiliza está a nuestro alcance, por lo que no debe de haber dificultad en montar la infraestructura necesaria en cualquier lugar. La diferencia es cómo utilizas esa tecnología y que tipo de contenido despliegas, es decir, como haces uso de la creatividad para ser diferencial.
Cuando tocáis en lugares pequeños ¿cómo conseguís equilibrar la falta de espacio? El tamaño de las pantallas cambia y es obvio que no podemos montar todo el espectáculo, así que se tropicaliza y se adecua prescindiendo de algunas interacciones tecnológicas. En esos casos, la música habla por si sola y la energía que se desborda en el escenario, la intensidad y la fuerza del grupo, es la misma siempre. Lo importante es anunciarlo correctamente para que la gente no se sienta engañada con el tipo de show que va a presenciar.
En la canción “La Vecina” conseguís que el mítico rockero Alex Lora (El Tri) cante una canción pop ¿cómo le convencisteis? Nuestro primer acercamiento a este artista fue en el año 1998, cuando colaboramos en el álbum "TRI...buto". Convertimos la canción FZ-10 a nuestro estilo cochinón y de manera irreverente usamos sampleos que le llamaron mucho la atención. En 1999, nos invitó a ser parte de sus shows de California en el LA Sports Arena, siendo nuestro primer concierto masivo con USA y propiciando un mayor acercamiento después de los shows. Después de alejarnos de los escenarios por el fallecimiento de nuestro DJ, en 2016 nos invitó a tocar juntos en el Hollywood Palladium y la relación siguió creciendo. Así que con esa confianza, le escribimos para invitarlo a ser parte de nuestro disco de aniversario y accedió encantado. Cuando escuchó la maqueta, le gustó mucho, pero a nosotros nos pareció demasiado rockera. El grabó sobre esa base, pero después, se nos empezaron a ocurrir sonidos y a experimentar con la corriente trap por lo que en la post edición quedó una
versión muy diferente a la que él maestro Lora conoció. Teníamos duda que le fuera a gustar y temor de que no quisiera publicarla, pero un día previo al lanzamiento nos dijo; "me encanta, démosle". Hay una anécdota de una chica que aparece en el video, se lo encontró en un restaurante de la Ciudad de México, se saludaron y él se puso a cantar el coro del tema.
Hay músicos de gran reconocimiento con los que tenéis muy buena química, como es el caso de los componentes de Panteón Rococó, que aparecen en varios de vuestros vídeos. ¿Alguna vez habéis planeado hacer una gira juntos? Ya la hicimos en 2018. Fueron 9 fechas juntos en USA. Después hicimos varios shows en Ferias Estatales y Municipales de la República Mexicana. Ahora tenemos con ellos un equipo de baseball llamado BRocks con otros grandes compañeros musicales de otras bandas. Sin duda, vamos a , seguir haciendo shows juntos en un futuro cercano.
Estáis estableciendo una estrategia muy común en estos tiempos a la hora de promocionar un trabajo discográfico; y esto es single a single. ¿Qué tal resultado os está dando? Cada 7 semanas lanzamos un nuevo tema del disco de XXX Aniversario donde colaboran más de 90 invitados en 33 canciones y fíjate que lo que te conté anteriormente del famoso algoritmo, con esta estrategia nos está ayudando a re-activar de manera orgánica nuestras plataformas digitales y redes sociales.
"SOMOS UNA BANDA QUE TOCA ROCK COCHINÓN"
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"CON EL TEMA DEL COVID FUIMOS OBJETIVO DE HACKEOS EN NUESTRAS REDES SOCIALES Y LAS PERDIMOS TRES DÍAS ANTES DEL LANZAMIENTO DEL PRIMER SENCILLO DE NUESTRO ÁLBUM 30 ANIVERSARIO." La industria se congeló durante dos años por culpa de la pandemia, pero ahora parece que todo vuelve a normalizarse ¿cómo estáis viviendo este renacimiento de la música en directo? Con emoción por regresar a los escenarios, queremos seguir con lo que habíamos dejado pendiente. Los festivales están retomando su actividad desde donde se quedaron así que la alineación de todos ellos esta comprometida de años atrás pero hay que entenderlo y ya habrá espacio para todos. Sigamos haciendo música y echando rock. No imaginas como lo hemos extrañado.
Trabajáis en vuestro propio estudio, en el que además de ensayar, grabáis. ¿Qué significa para vosotros poder disponer de un espacio como este y de qué manera se reflejará en este futuro lanzamiento 30 aniversario? En varias ocasiones tuvimos la oportunidad de grabar en otros estudios, pero que te limiten el tiempo con horarios y duración de las sesiones es terrible. La creatividad no tiene hora. Decidimos armar el UGA UGA STUDIOS para que en el momento que no hubiera límites ante nuestra necesidad de componer o tocar. Es una ventaja disponer de tu propio estudio. Y ahora para la la grabación de de estos nuevos 33 temas y con la cantidad de colaboradores que ha habido, ha sido totalmente indispensable. .
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Algo que difícilmente se pueda pagar en algún otro lado por tiempo, disponibilidad y precios. Además, cabe mencionar que, según el Foro realizado en 2019 por la Fonoteca Nacional, nuestro estudio está considerado entre los 3 mejores de la Ciudad de México por su acústica, su tamaño y su equipamiento para la producción musical.
Pregunta obligada; ¿cuáles son las fases de la celebración de este álbum y hasta dónde pretendéis llegar con él?. Lanzaremos los primeros 11 singles en redes. En septiembre de este año lanzaremos el primer vinilo de la trilogía y haremos gira por USA, República Dominicana, España, Dinamarca y Colombia. En Septiembre del 2023 lanzaremos el segundo vinilo después de haber estrenado los siguientes 11 singles en redes. Haremos extensa gira por Sudamérica. Después lanzaremos los últimos 11 temas y en Julio del 2024 sacaremos el último vinilo de la trilogía, que irá acompañado por una nueva gira que nos llevará a USA, Canadá, Centroamérica, Asia y Sudamérica. Finalmente lanzaremos el disco inédito "Necesito Mi Espacio".