Revista The Rocket Magazine #2

THE

rocket

Grabando con Kenny Aronoff Héroes de leyenda

Más alto, más fuerte

La banda que pudo reinar

MARIUSZ DUDA

El nuevo y polémico éxito de Mediaset

NÚMERO 2 DISTRIBUCIÓN GRATUITA

La trilogía del encierro

THE

rocket MAGAZINE

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MARIUSZ DUDA Texto: Dani Sanchez Fotos: promo

EL COMPOSITOR, CANTANTE Y MULTI INSTRUMENTISTA POLACO, CONOCIDO POR SU TRABAJO EN RIVERSIDE Y LUNATIC SOUL, EXPLORA NUEVAS FORMAS DE EXPRESIÓN EN SU NUEVO TRABAJO DE ESTUDIO

De alguna forma, la pandemia dio rienda suelta a las habilidades de muchos artistas que, en una situación tan complicada como fue un confinamiento durante meses, supieron aprovechar el tiempo para crear. ¿Hubieras grabado estos discos si el Covid 19 no hubiera existido? No creo. Probablemente habría continuado con el patrón de trabajo de Riverside y Lunatic Soul, ya sabes, ir al estudio grabar, salir de gira, volver a casa, componer y vuelta a empezar. Gracias al Covid 19 pude empezar mi tercer Mundial musical.

Este trabajo sale en formato CD cuádruple reuniendo todos los álbumes de esta trilogía más un disco extra. Pero cada vinilo saldrá de forma independiente y poco a poco. Para el amante del vinilo, ¿tendrá el mismo sentido escuchar toda la obra de forma independiente y escalonada? Si, lamentablemente los amantes del vinilo tendrán que esperar entre vinilo y vinilo. Por ahora solo está disponible "Interior Drawings", pero creo cada álbum se defiende bien de manera independiente.

La música de esta trilogía es vibrante, luminosa y transmite tranquilidad, aunque hay canciones oscuras e incluso un poco abrumadoras. ¿Reflejan tus propias emociones durante el confinamiento? Mi idea era llevar una línea progresiva en la que cada álbum posterior fuera gradualmente más brillante que el anterior, yendo desde el bloqueo digital y analógico, hasta el hecho de poder volver a salir progresiva y orgánicamente de casa. Quería que la primera parte "Lockdown Spaces", sonara como si estuviera compuesta por un androide, porque así me sentí en junio de 2020, luego más analógica y la última con la mayor cantidad de factor humano, porque estaba realmente cansado de todo aquello, así que, "Oscuridad bloqueada" ya :)

Precisamente y a diferencia de tus otros proyectos, esta trilogía es completamente electrónica. ¿No tienes miedo a que este disco no encuentre al público al que se supone que va dirigido debido a que la gente no te identifique con este estilo musical? Francamente no me importa. Lo hice principalmente para mí. Mi objetivo no era convertirme en un artista de música electrónica. Ni siquiera ampliar mi audiencia con otras personas, porque mi algoritmo de base de fans ya me metió en la bolsa del progresivo. Hace algún tiempo me di cuenta y sé que no voy a cambiar eso. No importa cuánto lo intentara (risas), simplemente quería hacer estos álbumes para mí y subrayar el hecho de que la música electrónica siempre fue, y sigue siendo, algo muy importante para mí.

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"ENCUENTRO INSPIRADORAS TANTO LAS LIMITACIONES, COMO LAS RESTRICCIONES"

Ya que has hablado de la disponibilidad de "Interior Drawings", vayamos con él. Este es un trabajo compuesto por 8 canciones minimalistas e inmersivas. Personalmente es un disco que me ha relajado mucho. ¿Crees que tu música puede tener cierto componente terapéutico? Eso espero :) Especialmente los dibujos de interiores. Creo que este álbum es más como una luz al final del túnel. Lockdown Spaces y Claustrophobic Universe no estaban llenos de luz. Pero el Interior con toda su actitud amarilla / naranja definitivamente lo tiene.

Este disco contiene muchos samples que seguramente has grabado tú mismo. ¿Qué tipo de emociones querías crear y transmitir con cada canción? Quería subrayar el hecho de hubo un momento en mi vida en la que dibujar fue algo muy importante para mí. Esa era mi ocupación favorita para matar el tiempo, y todo el álbum trata sobre un proceso de creación. Es una historia sobre alienarse voluntariamente. Sobre las situaciones en las que quieres aislarte durante el trabajo más intenso, pase lo que pase fuera. Así es como cree la idea conceptual de este nuevo lanzamiento.

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Hay quien dice que este tipo de trabajos, tan introspectivos y minimalistas, rompe barreras estilísticas en favor de dejar fluir una lluvia de ideas creativas. ¿Te gusta componer y grabar sin limitaciones de ningún tipo? En realidad totalmente lo contrario. Encuentro inspiradoras tanto las limitaciones, como las restricciones. Si planifico de antemano tocar solo cierto tipo de instrumentos, usar solo ciertos tipos de técnicas y manipular el estado de ánimo solo de cierta manera, hay muchas más posibilidades de que el álbum sea estilísticamente coherente. Por ejemplo, en Lunatic Soul me deshice por completo de la guitarra eléctrica. Gracias a esto he logrado un estilo único.

En canciones como Interior Drawings o Shapes In Notebooks puedes imaginarte a alguien claramente escribiendo o dibujando. Obviamente ese alguien eres tú. Gráficamente, ¿qué representación visual inspira este trabajo desde tu punto de vista? Cuadrados, círculos y triángulos (risas). Estos están muy a menudo en mis cuadernos de letras/ideas. Tienes que saber una cosa; los cuadernos analógicos, con páginas en blanco, siempre son importantes para mis notas de investigación. Simplemente no puedo hacer esto solo digitalmente.

En Prisoner by Request noto cierta influencia del Krautrock y proyectos como Tangerine Dream, capaces de crear atmósferas muy inmersivas. La canción termina sombríamente, como quien deshace sus bocetos. ¿Cómo eres capaz de combinar esos conceptos de luz y oscuridad de una manera tan equilibrada? Soy un Libra zodiacal. Tal vez por eso siempre trato de encontrar un equilibrio en mi arte. Además, encontrar el equilibrio interior es el objetivo de vida más importante para mí. La extrema izquierda y la extrema derecha definitivamente no son para mí :)

Hay algunas canciones que en ciertos momentos recuerdan a Riverside o Lunatic Soul, quizás por la incorporación del piano y de tu propia voz. ¿En qué situación se encuentran ambos proyectos y qué podemos esperar de ellos en un futuro próximo? Riverside volverá al estado de ánimo de los primeros cuatro álbumes y Lunatic Soul está lista para la precuela de Walking on a Flashlight Beam :) Tengo estos planes desde 2019 escritos en uno de mis cuadernos :)

"ENCONTRAR EL EQUILIBRIO INTERIOR ES EL OBJETIVO MÁS IMPORTANTE PARA MÍ"

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Texto: Ismael M. Fotos: promo

Robin Trower es una auténtica eminencia cuando hablamos de blues rock. Este guitarrista de 76 años del Reino Unido fue la fuerza impulsora del grupo Procol Harum en los años 60, antes de que comenzara una impresionante carrera en solitario con muchos álbumes estelares publicados a lo largo del tiempo. Aunque cueste creerlo, Trower regresa con honores al circo discográfico de la mano de 'No More Worlds to Conquer' un trabajo compuesto por once canciones de rock y blues excelentemente elaboradas. Trower, que inspiró a su siguiente generación de guitarristas como Steve Lukather o Mikael Åkerfeldt, todavía es capaz de deleitar y sorprender a sus fans con grandes canciones. El álbum comienza con la genialidad 'Ball of Fire', así como el lento e intenso 'Deadly Kiss', este último con una vibración casi hipnótica y que en cierto modo da la impresión de que el artista de Mineápolis, Prince, hubiera tomado parte en la composición de estas canciones. Precisamente entre estas dos excelsas composiciones se encuentra la impresionante canción que da título al álbum, una pieza con mucho sentimiento y con un mensaje más allá de lo meramente musical. Este gran arranque de álbum reflejan en buena forma lo que ofrece 'No More Worlds to Conquer' y el propio Trower. Lo mejor de los artistas pioneros como él es que, a estas alturas, ya no tienen que demostrar que pueden escribir grandes canciones. Simplemente lo hacen. Imagino que por esta razón en esta grabación se percibe a un artista desenvuelto, decidido y en cierta forma osado, que se mueve por sus propias composiciones con gran facilidad y confianza. Estoy convencido de que la amplia dotación de talento y experiencia adquirida son los aspectos cruciales que ayudan a que el álbum suene tan redondo.

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También cabe mencionar otras canciones como 'Waiting for the Rain to Fall', inspirada en Tamla Motown (o Motown Records como también se conoce) y que es una discográfica estadounidense especialmente dedicada a la música afroamericana y que siempre ha jugado un papel fundamental en la difusión de la música popular estadounidense, teniendo repercusión en la mayoría de los estilos actuales. Es curioso el "homenaje" que el artista concede a este estilo, en una fusión realmente acertada que también se convierte en una clase magistral tanto en melodía como en el uso de la moderación. Trower se ha ocupado de registrar tanto la guitarra como el bajo en este álbum. Al mismo tiempo, siempre es la canción la que está más enfocada en detrimento del ego. Esta es la base para que se luzcan tanto el veterano y excelente batería Chris Taggart, como el magnífico cantante Richard Watts que deslumbra con su voz áspera y sensual. Precisamente es la conmovedora voz de Watts la que se suma con fuerza al impacto emocional de las canciones y del álbum en general. No importa en qué parte del cosmos te encuentres, este es un clásico de Trower. Las curvas, como su venerado vibrato, se ejecutan perfectamente en tono y ritmo. Como todo gran músico de las seis cuerdas, su sonido es inequívocamente propio: refrescantemente inventivo y creador de emociones musicales en abundancia. La resplandeciente “Birdsong” podría ser la cima del álbum con su sensación atmosférica y armonías inquietantes que evoca la magia del agua que desciende del cielo. Incluso hay tiempo para algo de influencia política en la funky y bailable "Clouds Across The Sun", así como en "The Razor's Edge", con Trower, Watts y el Taggart intensificando el calor del blues-rock con evidente irritación. Estos dos números proféticos reflejan el estado actual del mundo en el que nos encontramos. 'No More Worlds to Conquer' es un álbum estelar en el que Trower vuelve a demostrar por qué pertenece a la liga de campeones de la música blues y rock. Para finalizar esta reseña, citaré una famosa frase del hombre con el que Trower inevitablemente hace comparaciones: “Si no te veo más en este mundo, entonces te veré en el próximo. Y no llegues tarde”. Creo que a todo aquel al que le apasiona la música conmovedora, dinámica y suave con mucha carga de pasión, estará encantado de disfrutar de este irrepetible 'No More Worlds to Conquer'.

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EN EL AÑO 1981 SE PUBLICÓ EL ÁLBUM "FRIDAY NIGHT IN SAN FRANCISCO" QUE REUNIÓ EN EL WARFIELD THEATRE A TRES DE LOS MEJORES GUITARRISTAS DE TODOS LOS TIEMPOS: AL DI MEOLA, PACO DE LUCIA Y JOHN MCLAUGHLIN. AHORA EARMUSIC ANUNCIA LA PUBLICACIÓN DE UNA NUEVA GRABACIÓN DE AQUELLA GIRA. AL DI MEOLA NOS PONE AL DÍA SOBRE ESTE LANZAMIENTO Texto: earMUSIC Fotos: Promo

Ha pasado mucho tiempo desde aquella noche del 6 de diciembre de 1980 hasta la llegada de este "Saturday Night In San Francisco". ¿Con qué sentimiento recuerdas el día de aquella grabación? "Friday Night In San Francisco", fue un álbum de gran impacto. Siempre te encuentras con alguien hablando sobre él. Su popularidad y enormidad está ahí, con sus casi siete millones de discos vendidos. De alguna manera a través de Internet o alguien hablando de ello. Es un poco como en mi vida constantemente. La enormidad y la popularidad de ese disco que vendió siete millones de discos. Siempre he sido consciente de que tenía las grabaciones originales del conciertos del sábado, pero cuando trataba de revisarlo con mi equipo, todos estábamos muy ocupados. Luego llegó el Covid... y entonces comencé a pensar seriamente en el deterioro de esas cintas y la urgencia de intentar hacer algo con ellas. Pensé que algunas incluso no se podrían restaurar, pero afortunadamente si se pudo. Lo llevamos a los estudios Skywalker de George Lucas. Es el mejor lugar para restaurar cintas de vídeo y de audio antiguas. Volver a escucharlas me trajo maravillosos recuerdos. ¡La audiencia estaba en llamas!. Los tres llevábamos tocando juntos alrededor de dos meses y la velocidad y capacidad para interactuar entre nosotros estaba a un nivel extremadamente alto por entonces.

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Al igual que la histórica grabación "Friday Night In San Francisco", "Saturday Night in Francisco" refleja vuestra habilidad musical, la libertad, el espíritu y la magia de la música de una manera impresionante. ¿Cómo te sentiste cuando subiste al escenario, sabiendo que era tu última noche juntos? No tengo ningún recuerdo, solo era consciente de que era el último. La verdad es que grabamos casi todos los shows desde el comienzo de la gira en Escandinavia, sobre todo los shows de la gira por Alemania. Después de tocar en Europa, fuimos a los Estados Unidos. Escuchamos algunas de las grabaciones, pero estos dos últimos shows ¡fueron realmente buenos y llenos de magia!. Paco y yo, años antes, tuvimos un single de gran éxito con mi canción “Mediterranean Sundance” y todo el mundo la conocía porque se convirtió en un hit-single en España, en Alemania y en Francia. Acabó siendo disco de platino.

¿Por qué no salieron los dos álbumes juntos? Paco y John estuvieron solo algún tiempo en el estudio de mezclas White Plans de Nueva York. Elegimos esas canciones porque sentimos que eran las más fuertes.

La verdad es que durante los últimos 40 años, todos nos olvidamos por completo de que había un “Sábado por la noche”. Quiero decir, yo fui el que les recordó que tocamos dos noches. Y la mayoría de nuestros fans piensan que solo hubo una a excepción de la gente que estuvo allí. Por culpa del Covid John (Mclaughlin) no pudo estar en el proceso, pero me hubiera encantado hacerlo juntos, aunque debido a que la compañía discográfica estaba ansiosa por hacer un trato con nosotros y publicar esto, asumí el papel, con todo ese tiempo libre que tenía. Mezclar no fue un problema, pero si editar, porque las canciones eran muy largas y llenas de improvisaciones. El reto era encajarlo todo para que pudiera editarse en vinilo. Tuve que editar mucha música.

En las notas de portada de "Saturday Night In San Francisco" cuentas cómo os juntasteis y la suerte de cada uno después de separaros. Cuando piensas en esos días, ¿qué es lo primero que viene a tu mente? Sabíamos que Europa era un gran continente preparado para nuestra propuesta por su capacidad intelectual para apreciar este tipo de colaboraciones. En América no conocían tan bien a Paco, pero sabían de John. la idea fue introducir algo único allí. Cuando fui para allá con Chick Corea, John solía decirme que acabaría viviendo en Munich, porque allí se podía tener una carrera artística tocando en acústico y tener una buena vida. Él ya no se veía tocando música eléctrica muy fuerte (risas) y este álbum ayudó y mucho a que se diera ese sentimiento, ya que "Friday Night In San Francisco" acabó siendo mucho más exitoso en Europa que en cualquier otra parte del mundo.

¿Cómo fue ensayar los tres en el departamento de John McLaughlin en París en aquel momento? Poco relajado. Éramos veinteañeros. John fue el padre de la música fusión y yo un fan suyo desde que estaba en la escuela secundaria. Paco era una especie de renegado que estaba de moda por su forma de concebir el flamenco. Yo me sentía un poco intimidado por los dos. Con el paso del tiempo entendí mi papel y aporté mi toque especial.

"Al Di Meola, John McLaughlin, Paco De Lucia": ¿Cómo definirías aquella unión irrepetible? ¡El trío era una mezcla realmente hermosa de tres estilos únicos!. El más singular fue Paco, porque venía de una tradición flamenca y su tradición era tan diferente, que tenía su propio sello, tenía su propia forma de ritmo, su propia forma de fraseo. Y luego John por suerte estaba influenciado por la música india y tenía una cierta forma de fraseo en la técnica. Y yo era una especie de pegamento entre ambos, porque me veo como una especie de rítmico de inspiración latina. Realmente crecí en Latinclubs y tengo esta capacidad de entender la sensibilidad latina que funciona perfectamente con Paco. no como un guitarrista de flamenco, sino en el sentido latino de entender cómo tocar con el compás, con la clave. John viene de otro lugar. Existía la singularidad de tres estilos diferentes. Al final nos convertimos en tres muchachos que tenían algo único que aportar.

"EN ESTADOS UNIDOS YA NO HAY TIENDAS DE DISCOS ¡CERO!"

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En ese momento: ¿Ya tenías una idea de qué esperar en los próximos meses como consecuencia de vuestros innovadores e insólitos conciertos? Mmmh, a medida que avanzábamos, se hizo cada vez más evidente que era algo así como una competencia saludable, que subíamos al escenario para impresionarnos los unos a otros, sin pensar tanto en la audiencia. El público obtuvo el beneficio de vernos tratando de impresionarnos entre nosotros. Entonces, Paco hizo un solo y tanto John como yo dijimos: “¡Oh, Dios mío! ¿Cómo vamos a superar eso?. Fue algo muy competitivo pero también muy musical y dentro de un diálogo sano.

"Friday Night In San Francisco" es considerado uno de los álbumes de guitarra acústica más influyentes de todos los tiempos. Un álbum verdaderamente icónico que fue mucho más allá de una audiencia de nicho con su mezcla única de jazz, fusión, flamenco y música mediterránea. Esto prueba una vez más la tesis: ¡La música no conoce fronteras!, ¿Cómo lo ves? Bueno siempre hay personas que encuentran nuevas maneras de hacer las cosas, pero en aquel momento nosotros fuimos los que estábamos en el ojo de la crítica y del público. En ningún registro de los 50´s, 60´s o 70´s hay constancia de que se hiciera algo como lo que hicimos nosotros y si se hizo, nadie se enteró. Nosotros fuimos los primeros en dejar constancia de ello a nivel internacional. Con lo cual, ciertamente la música no conoce fronteras y siempre pueden surgir nuevas y excitantes ideas innovadoras.

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Hay quién dice que recrear algo similar en el presente es algo bastante complicado. ¿Qué piensas? Creo que no se equivocan. Hacer algo así con tres tipos que tienen millones de fans es complicado. Cada cual tiene su ego, sus compromisos, sus sellos y sus managers. Coordinar todo eso es complicadísimo tanto en términos financieros, como contractuales. Paco era un hombre que tenía algo que nosotros no teníamos. Eso hizo todo más interesante, pero al mismo tiempo John era toda una referencia en su estilo y un músico abrumador. En cualquier situación con otros guitarristas de ese nivel solo puedes crecer o hundirte y ahogarte, ya sabes.

Una pregunta, especialmente para los “especialistas” en guitarra entre tus fans: ¿puedes contarnos un poco sobre lo que tú, Paco y John tocaron esa noche? ¡Pues Paco tocaba una guitarra flamenca, llamada Hermanos Conde! que, por supuesto, se hizo en España. Yo mismo uso ese tipo de guitarra ahora. John y yo tocamos guitarras hechas por la marca Ovation. John tocó con una Ovation de nailon y yo toqué una Ovation de cuerdas de acero. lo interesante es que todas tenían un sonido distinto, lo cual era algo bueno, especialmente si escuchas estéreo, algo que fue idea mía... porque me encantaba la forma en la que mezclaban los Beatles. Y me encanta cuando ponen la batería en un lado y ponen la voz de John en el otro lado. Así que, mi idea era que, dado que estábamos configurados con un tipo en el medio y dos a los lados, escuchar en estéreo con Paco en el lado derecho, yo en el lado izquierdo y John en el canal central fue genial.

La escena musical actual es completamente diferente a la de 1980. Pero a pesar de todos los riesgos e imponderables, lo que importa es el final. Es cómo si la magia de la música llega tanto a artistas como a oyentes, como lo hizo entonces. Básicamente, ¡todo ha permanecido igual! ¿Cuál es tu opinión? ¡Hay muchos guitarristas geniales que descubro online a diario y que seguramente no tengan la oportunidad que alguna vez tuvimos nosotros en los días de gloria de la industria discográfica Aquí en Estados Unidos ya no hay tiendas de discos, ¡cero!. En Alemania todavía hay algunas, pero casi todo se maneja en formato digital, a través de streamings... muy distinto a como todo solía ser. Este "relevo generacional" no va a tener el apoyo de las compañías discográficas nos apoyaron a nosotros.

DE GUERREROS SIN TRIUNFO Quizás el lugar indicado para convertir en leyenda a tu agrupación de rock a finales de los 70, estaba ubicado en Reino Unido, seguramente durante la eclosión de la New Wave Of British Heavy Metal, movimiento en el que nombres como Def Leppard, Iron Maiden, Saxon u otros menos laureados como Satan o Angel Witch, eran parte de algo realmente importante e influyente para la posteridad, siendo, por qué no decirlo, uno de los momentos álgidos para que se trajese a nuestros días la vorágine dura que nos ha llegado. Black Sabbath ya habían trazado el camino a seguir, Uriah Heep no llegaron a ser tan valorados, pero crearon escuela y Deep Purple eran enormes...pero, amigos...no estaba todo inventado. El elemento clave para colgarte el "galardón" de "triunfador" en el mundo musical de aquellos años, era sin duda el destacar sobre los demás en Estados Unidos...y es que, si los americanos hablaban de ti lo suficiente, tenías el presente labrado, los medios de tu lado y un sinfín de posibilidades, que por ejemplo, una banda que proviniese de Europa, no tendría. Pero si tan influyentes fueron las agrupaciones de las que hablamos, ¿por qué otras de menos nombre no llegaron a cuajar, pero son definitorias de un estilo, e influencia de muchas otras que eclosionaron posteriormente, hasta llegar a nuestros días?. Que se lo pregunten a Pentagram o Manilla Road, por poner dos ejemplos cercanos al motivo del artículo. El término "underground" no siempre ha estado presente en el diccionario próximo al rock, pero apareció muy temprano. Defínase además como "movimiento contracultural que se considera alternativo, paralelo, contrario, o ajeno a la cultura oficial". Quiere decir, que artistas como los californianos Cirith Ungol cumplirían todos esos requisitos, y, seguramente sin tener el sentimiento consciente al respecto, creaban algo totalmente ajeno a lo que se podía imaginar en los años 70, generando una nueva etiqueta dentro del género más pesado. Tomando su nombre prestado de los escritos de Tolkien, y habiéndose formado el primer line-6up en épocas de instituto, nadie por aquel entonces podía imaginar lo que estaría por venir tras los nombres de Robert Garven a la batería, Jerry Fogle a la guitarra, Greg Lindstrom al teclado y también a la guitarra y el bajista Michael "Flint" Vujejia. Titanic se llamaba el invento antes de la hecatombe, tocando covers de los Beatles o Creedence Clearwater Revival, ofreciendo su primer concierto en el año 72 en un acto promovido para demostrar rechazo a la guerra de Vietnam. Poco tardó en rugir un monstruo con canciones propias cuyo único objetivo era el configurar una nueva fórmula, un conjuro que no estaba en los libros...un nuevo conjunto bañado de fantasía literaria y líricas incisivas, para reinar como la banda más dura del momento, en el cual no había rastro de doom, ni thrash, ni nada que se acercase a los "power chords" actuales o bajas afinaciones de las que se hace uso ahora para lograr ese fin. Texto: José Ramón Rojo Fotos: Promo

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Cirith Ungol, nombre que tomarían poco después de usar el del lujoso barco hundido, habían nacido para arrebatar tronos, ganar una batalla que nadie había definido ni promovido, pero existente en cualquier caso (con duros rivales a aniquilar) y dejar huella en la historia. Formados en el 72, dejando su ridículo nombre atrás, ya como Cirith Ungol editaron dos demos bajo el nombre homónimo al de la banda a partir del 79, y otra como "The Orange Album". Habiendo abandonado el barco (que ya no tenía pinta de Titanic) el vocalista Neil Beattie, y entrado a formar parte del equipo el grandioso Tim Baker en 1976 (quien ya conocía el círculo formando parte de la crew como roadie), la banda, cuyo rodaje se basaba en conciertos en su localidad y alrededores, decidió autoeditar (con su sello Liquid Flames Production) de forma bastante precaria su debut "Frost and Fire" en 1981. Un álbum grabado en los Gold Mine Studios de su propia ciudad, Ventura, con no demasiados medios, pero con una portada espectacular, obra de Michael Whelan, conocido artista relacionado con la fantasía y la ciencia ficción, que crearía una de las ilustraciones más espectaculares y épicas utilizadas en un álbum de estas características. Aquí reinaba un sonido crudo, muy marcado por una base rítmica realmente prominente, y una épica rocanrolera que más tarde desarrollarían otros magnos reyes como Manowar en su debut "Battle Hymns", con lo que ya os podéis imaginar los derroteros por los que va el artículo...pues siempre se atribuyó este tipo de composiciones a Joey Demaio, cuando era Greg Lindstrom (si...el bajista en el álbum era él, y no Michael, como rezaban los créditos del disco, al menos en sus primeras ediciones) el creador de todo un género, que más tarde no solo conservaría ese halo hímnico que haría grande (casi monstruoso) a Manowar, sino que añadirían a la fórmula pasajes oscuros, tempos poco usuales y un sinfín de recursos que causaron una influencia impagable durante más de 40 años. Podíamos encontrar desde ese sonido más cercano a los primeros Diamond Head en temas como "I'm Alive" (uno de los clásicos incontestables de Cirith Ungol), a barrabasadas con encanto como "Better of Dead", cuya línea de bajo, aun resultando exasperante por momentos, hacen del tema algo único, cargado de un encanto hipnótico...casi un "placer culposo". Pero si hay algo que ha sido santo y seña, así como talón de Aquiles para la banda de forma simultánea, "eso" es la voz de Tim, cuyo registro teatral, cargado de sentimiento, peculiar...tan "feo" por momentos, como impregnado de feeling y talento, genera tanto fan de su timbre, como detractores casi irracionales, siendo comprensibles ambos sentimientos ante una voz tan única, inimitable e irrepetible. Casos como el de otras como la de King Diamond, Ozzy o Lemmy, han sido más que evidentes ante la duda de algunos, aunque a esa lista de vocalistas "uno entre un millón", gusten o no, añadiría a Tim, sin duda. Influencia de influencias desde su primer álbum. Curioso cuanto menos es que la banda de culto, Celtic Frost, decidiese rendir tributo al debut de Cirith Ungol con su propio nombre, tratando acercamiento para una posible gira con ellos en una de sus múltiples etapas, aunque el asunto no llegase a muy buen puerto por confrontaciones entre el personal que rodeaba a ambas formaciones. Hasta ahí llega la gigantesca pauta que Cirith mostraron a otros monstruos...hasta el punto en que un titán de nuestra música, como es Tom G. Warrior, fuese fan de los de Ventura y lo mostrase sin tapujos.

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CREANDO ESCUELA Cuando Enigma Records afina su búsqueda de talentos y se topa con Cirith Ungol, fueron muy perspicaces al pensar que podrían ser de utilidad para el sello, reeditando su Frost and Fire, pero explotando al límite el potencial de la banda compositivamente hablando, a pesar de que en la próxima aventura se rescatarían ideas de la década anterior. No tardó en llegar un King of the Dead que, con otra portada seminal, de nuevo obra de Whelan (como todas las de su discografía, por cierto) y alejándose mucho de las bases asentadas a través del sonido del incendiario debut, dieron otro apretón a la llave para dejar una auténtica obra maestra, editada en 1984. Temblad Manowar...temblad Venom, porque es empezar a sonar "Atom Smasher" y embriagarte de la autoproducción de un álbum grandioso, único, cargado de épica, oscuridad y sobre todo, una vez más, de atmósfera inimitable, siendo precursores y dueños de tenebrosas melodías que definirían géneros como el doom metal, añadiendo una cantidad abismal de factores a lo que ya nos habían mostrado los padres Black Sabbath. Otros como Candlemass no podrán negar jamás que riffs como el de "Master of the Pit", son padres de su influyente propuesta...¡ja!. No creo que se les ocurra decir lo contrario. Largos pasajes pesados, desarrollos lúgubres, un sonido casi estridente de la guitarra de Fogle, que afila unos solos con su instrumento que te sesgan la yugular, así como unos alaridos de Baker ante los que el propio Eric Adams debería postrarse.

UN PIE TRAS LA LINEA DEL ÉXITO La relación que Enigma tenía en cuanto a distribución con Metal Blade Records, fue, sin duda, otra de las bazas importantes para mantener a Cirith Ungol a flote, a pesar de que, ni sus conciertos eran masivos, ni podían presumir de demasiada popularidad aún poseyendo en su discografía dos discos de la talla de Frost and Fire y la obra de obras, King of the Dead. Seguían siendo los eternos reyes del "under", pero ser colegas en 1985 de Brian Sagel de Metal Blade, era toda una garantía para un mantenimiento firme del nombre de la banda en prensa, promoción, radios nacionales y medios especializados, máxime, cuando se negaron a usar pinturas en plena eclosión de la escena angelina ante una propuesta desmedida, demostrando una integridad que fue apoyada por su legión, pero desaprobada por magnates musicales que trataron de redirigirlos y que después trabajarían con bandas como Guns n' Roses, motivo por el que, además, ya no se moverían del sello Metal Blade por el resto de sus días...o casi.

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Por supuesto, no tardó en llegar su siguiente álbum, más cabalgante, con un sonido mucho más profesional, otra portada antológica y el que es, en mi opinión, uno de los mejores conjuntos de composiciones de metal épico de la historia del heavy metal; One Foot in Hell de 1986 (título que también sería presagio para algún miembro malogrado unos cuantos años después), es la confirmación de que Cirith Ungol solo sabían tomar el camino ascendente, pisando el acelerador y cabalgando en el riff desde el inicial "Blood & Iron". Decidme si "Chaos Descends" no hubiese sido una de las favoritas si el tema se llega a componer para un conocido de otra banda; "Hail to England"...pero fueron nuestros gafados favoritos quienes la grabaron, y, con una producción seguro que superior a la de otros combos endiosados, dejaron un tesoro que solo unos cuantos afortunados sabemos saborear, pues este nuevo trabajo de Cirith Ungol suponía ser una lección de magistralidad, atmósfera y todo un tutorial de cómo hacer canciones para alzar el puño como el guerrero de la portada, y gritar junto a Tim a pleno pulmón. Algunos dicen que el nivel bajó un peldaño, pero ni con supuestos argumentos han logrado convencerme de la grandiosidad de este tercer trabajo. Hablando en el anterior párrafo de malogrados, desencantos y observar la espalda de la industria en primer plano y casi a tiempo completo, no fue algo que a Fogle le viniese precisamente pequeño, y una depresión ahogante y longeva le obligó a abandonar Cirith Ungol, con lo que una de las piezas fundamentales de la historia de la banda se desvanecía, dejando huérfano un hueco que sería, no irremplazable, pero si decisivo para el futuro de la banda, incluso para su relación con el sello Metal Blade, que había sido su balsa durante todos los años anteriores. Los tiempos siguientes no fueron precisamente agradables en cuanto a estabilidad, ya que Vernon Green sustituyó a Vujejia, que también desertó. Ya con el fichaje de Jim Barraza sustituyendo a Fogle, la banda decidió actualizar su sonido y volvieron a editar otro impresionante álbum en 1991 llamado Paradise Lost, a pesar de que los problemas con su nuevo sello fueron una guillotina para la carrera e historia de Cirith Ungol (aunque en la actualidad el álbum siga perteneciendo a Metal Blade)...eso, y que el tiempo para la banda había pasado, y su oportunidad truncada de subir al trono se había desvanecido por varios factores a cual más evidente.

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El cambio de la escena musical y de las necesidades de la industria, las dificultades para mantener un line-up estable y la desgana, no están en la superficie cuando escuchas la nueva placa, representando por cierto la espera más larga entre discos de la historia de la banda, y la etapa más oscura de esta. Un álbum cabalgante, igualmente de estilo reconocible, con una banda especialmente inspirada técnicamente, pero que, posiblemente, se dejó la profundidad de antaño colgada en la puerta del estudio a favor de una accesibilidad y un sonido mucho más asimilable que terminaría por desmembrar del todo a la bestia, siendo el último viaje que Cirith Ungol realizaría hasta veinte años después. Menos esperanzador fue, por supuesto, el fallecimiento de un Fogle abrazado por un fallo hepático que le llevó al otro lado en el verano de 1998. Las posibilidades de disfrutar de los americanos de nuevo, se reducían considerablemente y diluían la ilusión de una nueva actividad.

COMO EL AVE FÉNIX Llega el revival, una nueva era en la que la comunidad heavy ya no es sinónimo de peste (para algunos), y Metal Blade sigue en activo...¡premio!. En 2001 sale a la venta un recopilatorio de antiguas demos y rarezas llamada Servants Of Chaos (una verdadera joya tan imprescindible como cualquiera de sus álbumes). Alguna banda tributo aparece de la nada, y se palpa un interés por lo que escuchaban los padres más pro de las nuevas generaciones, con lo que unos cuantos empujones sobre Robert y el resto de la banda, las negativas de los mismos a volver a la palestra, así como el mucho interés generalizado en la música de Cirith Ungol (quizás más que el que se hubiese mostrado en sus "años gloriosos"...¡c'est la vie!), arrastró su historia hasta el año 2015, en el que se produce un momento clave para que la magia renaciese (porque nunca se fue).

Jarvis Leatherby, líder de sus vecinos Night Demon, figura mimada de Metal Blade y músico de respetado bagaje e influencia incuestionable sobre la explosión revival, comienza a hablar maravillas de Cirith Ungol en algunas entrevista y decide honrar a la banda creando un evento único bajo el nombre de Frost and Fire Festival, en Ventura. Un encuentro de los jinetes con los fans, al que además, asiste gente como Oliver Weinsheimer, cabeza visible del Keep it True Festival, que por otro lado y haciendo gala de casualidades, llevaba tentando la reunión desde hacía años. ¿Os acordáis o conocéis la historia de Hell y su resurrección gracias a la mano de Andy Sneap?...pues la nueva aventura de Cirith Ungol y la figura de Jarvis van en paralelo, viendo nacer uno de los episodios más emocionantes, bonitos e increíbles para los fans de la agrupación. Jarvis ofrece ocuparse del magement de la banda y del puesto de bajista, ya que Flint no estaría presente en el reencuentro, consiguiendo grandes eventos para la banda, como ser headliners en el Frost and Fire Festival y en la siguiente edición del Keep it True, algo realmente impensable tan sólo unos años antes, tanto para ellos, como para sus propios fans. Fue además, el inicio de una puesta a punto con impresionantes conciertos en los mejores escenarios...o al menos los más auténticos de la escena. Todo ello desembocó en un nuevo tema original lanzado como sencillo para la BSO de The Planet of Doom, bajo el nombre de "Witch's Game", provocando ipso facto una esperada y grandiosa respuesta de los medios especializados y los propios fans del heavy metal en su máxima expresión.

EL TIEMPO Y SUS JUSTAS RECOMPENSAS Ya con Jarvis como miembro oficial y un interés absoluto en la banda, Metal Blade pone en circulación en 2019 un espectacular documento en doble CD y doble DVD llamado "I'm Alive", en el que se recogen fragmentos de las actuaciones de la banda durante la exitosa gira. El esperadísimo momento llegó, y en 2020 aparece Forever Black. Un disco que recupera el espíritu intacto del inagotable talento de una banda preparada para afrontar un nuevo reto, una nueva etapa, atacando de nuevo para dejar el listón tan alto como ellos mismos lo habían dejado. Como si el tiempo se hubiese detenido en aquel 1991, el álbum no solo representa la vuelta de una de las mejores bandas de metal épico de la historia de la música, sino el renacer de una forma de hacer música de los que solo ellos tienen la receta. Tanto, que poco después volvimos a disfrutar de un nuevo EP con cuatro canciones rescatadas (pero inéditas) y grabadas en la actualidad bajo el nombre Half Past Human...

¿Será la confirmación de una nueva etapa gloriosa de Cirith Ungol?. El tiempo lo dirá, pero todos coincidimos en que merecían el trono del que bajaron de un modo un tanto forzado. A ver quién es el valiente que se lo trata de arrebatar ahora.

LAS PORTADAS Maldito el que niegue que alguna vez haya comprado algún lp por su portada, pues no me aventuro demasiado si os digo que si Iron Maiden están donde están, no es solo responsabilidad del plano musical, sino que un buen álbum de heavy metal se conforma de un conjunto de canciones poderosas, junto a una cubierta llamativa, magnética, épica o curiosa. No llamar la atención, es perder esa oportunidad de hacer volar la mente, y si de algo sabían Cirith Ungol desde el principio, es a ponerle alas a la imaginación. Michael Whelan es uno de los principales pintores del mundo en el campo del realismo imaginativo. Casi podríamos decir que su nombre es tan importante en el rock (o debería ser) como el de Derek Riggs, H.R. Giger, Rodney Matthews, Joe Petagno, Vince Locke o el más contemporáneo Eliran Kantor. Si alguno de esos nombres no os suena, os invito a echar un vistazo a sus obras, y entenderéis a lo que me refiero. Ilustraciones a la altura de las canciones que contienen los álbumes, y en muchos casos definitorias casi de un sentimiento profundo. Así debe ser, y así lo confirmaron los más visionarios. A algunas portadas les falta oler, e imprimir un sentido 4D al álbum. Algo totalmente notorio en cada uno de los discos de Cirith Ungol, diferenciando su trabajo y obra del de otras bandas. La banda pidió permiso al artista para poder utilizar sus portadas en sus lp's conforme se iban grabando, lo que da mucha más mística al método de empleo y forma de trabajar de los americanos, que incluso para la elección de sus artwork, han sido especiales y únicos. ¿Imagináis escuchar King of the Dead observando otra portada que no sea la que se le atribuyó?. Me temo que no...y lo que realmente apena, es no haber podido disfrutar de más merchandising de Cirith Ungol en conciertos masivos, ferias del disco, tiendas de música o memorabilia coleccionable. Pero nunca es tarde para disfrutar de ellos, de sus álbumes, sus inmensas ilustraciones y la ilusión de que seguirán poniendo música al mundo fantástico que tan bien representa Whelan.

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DISCOS QUE ME HICIERON AMAR EL ROCK Texto: Dani Moreno Fotos: Promo

Sad Wings of Destiny es el segundo álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1976 por Gull Records y su último trabajo con este sello independiente. Su debut Rocka Rolla, salió en 1974 y fue producido por Rodger Bain, que también trabajó en los primeros tres álbumes de Black Sabbath. Tras su lanzamiento, el álbum fue aclamado por público y prensa y posteriormente fue reconocido como el disco que redefinió el heavy metal y como uno de los más influyentes del género desde el álbum debut de Black Sabbath. La mayoría de sus canciones habían sido interpretadas en directo previamente durante 1975, como parte de la gira promocional del álbum Rocka Rolla. Algunas de ellas incluso habían sido compuestas durante la grabación de su disco debut, pero no se incluyeron en él por decisión de Rodger Bain. A fines de 1976 y tras los buenos resultados de ventas, el grupo firmó un contrato con CBS Records, hecho que implicó su renuncia al sello Gull. A partir de ese momento, CBS se adueñó tanto de los derechos de este álbum como de los de Rocka Rolla. Desde entonces los miembros de la banda no son dueños de las regalías y ni siquiera de las ventas de sus dos primeras producciones, sus maquetas u obras relacionadas. La discográfica aportó únicamente 2.000 libras para la producción y el alquiler del estudio para su grabación, por lo cual algunos de sus integrantes debieron conseguir trabajos esporádicos para costearla; K. K. Downing se empleó en una fábrica, Glenn Tipton fue jardinero e Ian Hill trabajó como conductor de un camión de reparto. las canciones se grabaron en los estudios Rockfield de Gales en tan solo dos semanas, entre noviembre y diciembre de 1975. Las sesiones comenzaban a las 15:00 y culminaban a las 3:00 de la madrugada.​Por su parte, la mezcla se realizó en los estudios Morgan de Londres en una única semana.

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judas priest «sad wings of destiny» gull records

"Se lanzó oficialmente el 23 de marzo de 1976 en el Reino Unido a través del sello Gull, mientras que en Estados Unidos fue distribuido en un principio por Ovation Records y más tarde por RCA. Al momento de su publicación, hubo una sonada discusión entre la banda y Gull Records, ya que la banda había decidido que el álbum comenzara con «Prelude», pero la discográfica optó por «Victim of Changes». Cuando Gull se declaró en bancarrota en 1984, los derechos tanto de Rocka Rolla como de este disco fueron vendidos a diversos sellos discográficos, quienes los han remasterizado en distintos formatos. Entre sus relanzamientos, que suman más de una docena, se destacaron los realizados por Line Records y Repertoire Records en 1996 y 2011 respectivamente, porque incluyeron el listado de canciones ordenado de acuerdo a lo previsto por la banda, con «Prelude» como pista inicial. ​ Por su parte, el álbum tuvo inicialmente poco éxito comercial debido al auge del punk rock durante esos años. Para promocionarlo, trece días antes de su lanzamiento se puso a la venta su único sencillo, «The Ripper», que contó con diferentes canciones como cara B según la edición. ​ El 6 de abril de 1976 se inició en la ciudad inglesa de Truro su respectiva gira promocional, que culminó el 27 de mayo del mismo año en Londres. Posteriormente la banda dio dos conciertos fuera del tour inicial: el 20 de junio en Londres y el 25 de junio en Saarijärvi, Finlandia.

A diferencia del trabajo anterior, el guitarrista Glenn Tipton fue el principal compositor, ya que participó en todas las canciones del álbum. Algunas de ellas, como «The Ripper», «Epitaph» y «Prelude», las había escrito a las pocas semanas de haber ingresado a la banda, en 1974, mientras que «Island of Domination», «Deceiver» y «Genocide» las compuso junto a Rob Halford y K.K. Downing a mediados de 1975.​Cabe mencionar que dentro de este proceso se grabó una versión de «Diamonds & Rust» —original de Joan Báez — pero se excluyó del listado a las pocas semanas de su lanzamiento.​ Con cerca de ocho minutos de duración, «Victim of Changes» es la canción más dinámica del álbum en cuanto a ritmo, tesitura y riff de guitarras.​Con una introducción de guitarras gemelas que conduce a su riff principal, su letra trata de una mujer que provoca el fin a una relación amorosa debido a su alcoholismo.​ Inspirada en «Black Dog» de Led Zeppelin. Su riff alterna con pasajes a capela en donde Halford tiene intervenciones en falsete, tanto en las pausas lentas como en la parte final del tema.​ «Victim of Changes» se compuso a partir de la fusión de las canciones «Whiskey Woman» y «Red Light Lady». La primera fue compuesta por Downing y por el ex-vocalista del grupo Al Atkins durante sus primeros años, entretanto la segunda fue escrita por Halford mientras era parte de su anterior banda, Hiroshima. Por su parte, «The Ripper» habla sobre el famoso asesino en serie del siglo XIX Jack el destripador desde su perspectiva de asesino.​

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«Dreamer Deceiver» es una power ballad que se caracteriza principalmente por hacer que se luzca el rango vocal de Halford. Sirve como introducción a «Deceiver», una canción con un riff de estilo técnico que anticipó el speed metal y que culmina con toques acústicos repetitivos y que al momento de su lanzamiento le fue acreditada a Atkins por error, hecho que denunció él mismo y que obligó a eliminar dicha acreditación en las posteriores remasterizaciones.​«Prelude» se inspira en la música barroca y está en mi bemol mayor en la escala menor natural con alternaciones de los sistemas tonales tónico y dominante. Es el único tema instrumental del disco; se compone de arreglos de teclados, guitarras y tambores. Cabe señalar que, a pesar de que su nombre significa «preludio», no tiene relación alguna con la siguiente canción. «Tyrant» es el único tema escrito por Tipton y Halford y posee varios cambios en su tempo y, en palabras del mismo vocalista, aseguró que «[...] es una aversión a cualquier forma de control».​ «Genocide» es la segunda pista con mayor duración. Posee un riff pesado inspirado en las canciones «Woman from Tokyo» y «Burn» de Deep Purple. Según Halford, es «un tema controvertido, provocador y estimulante, con letras fuertes y gráficas». De acuerdo con el periodista musical estadounidense Mikal Gilmore, es una de las primeras canciones del thrash metal y una gran inspiración para las bandas del metal extremo de los ochenta.​ Escrita solamente por Tipton, «Epitaph» es una pista tranquila interpretada únicamente con piano y con unas voces similares a las empleadas por Queen, cuyas letras expresan la frustración de los jóvenes en las ciudades modernas. Con un riff de guitarra complejo y con un estilo que recuerda a Black Sabbath según el escritor Andrew Cope,​la pista final, «Island of Domination», trata sobre personajes ficticios —Skyrider, Nightdriver, Spinesnapper y Throatchoker— que torturan personas en una isla. Después de escuchar las primeras maquetas del disco, el agente artístico del sello Gull, Neil French, diseñó la imagen de la portada basándose en las letras dramáticas de «Dreamer Deceiver».

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Dibujó un boceto de un ángel caído rodeado de llamas y lo presentó al dueño de la discográfica David Hewells y al director artístico John Pasche, quienes le encargaron la portada al artista inglés Patrick Woodroffe. La obra, llamada Fallen Angel, se componía de un ángel atormentado y castigado por llamas con una cruz de tres puntas como collar, que con el tiempo se convirtió en el símbolo de la banda.Por su parte, John Pasche —creador de la portada de Rocka Rolla— retomó el primer logotipo de la banda, que estaba escrito con letras góticas y que se había usado en 1972 para promocionar una gira por el Reino Unido. Le añadió un subrayado y un nuevo acabado en las letras pe y jota. Asimismo, en la contraportada, figuran en el centro Rob Halford con los brazos extendidos e imágenes individuales de los miembros del grupo con una fuente de luz difusa, todo ello adornado con las letras góticas en sus respectivos nombres y en los créditos de las canciones.

Con los años, el disco ha influido en algunos artistas de la escena hard rock y sobre todo del metal. Por ejemplo, a mediados de los setenta Van Halen tocaba «Victim of Changes» en ciertas presentaciones antes de que publicaran su álbum debut. También Dave Mustaine de Megadeth relató que su cuñado lo golpeó en la cara por escuchar el disco, que para él era satánico. Según el guitarrista, ese hecho fue un punto de inflexión en su vida. Decidió iniciar una carrera en el heavy metal como una manera de venganza. A su vez, algunos músicos, como el propio Mustaine, Mikael Åkerfeldt de Opeth o el propio Rob Halford, han citado públicamente a Sad Wing of Destiny como uno de sus álbumes favoritos.​ Algunas de sus canciones también han sido versionadas por otras agrupaciones, generalmente para en álbumes tributo. En 1999 Overkill versionó «Tyrant» para su disco Coverkill.​«Deceiver» fue grabada por la banda finlandesa Reverend Bizarre para su EP Dark World/Deceiver, mientras que «Dreamer Deceiver» fue grabado por Skyclad para el disco A Tribute to Judas Priest: Legends of Metal Vol. II de 1997 y por Steel Prophet para A Tribute to the Priest de 2002. «Victim of Changes» fue registrada por Gamma Ray para el disco A Tribute to Judas Priest: Legends of Metal Vol. I (1996) y por Al Atkins para su disco Victim of Changes (1998). Por otra parte, «The Ripper» ha sido grabado por Mercyful Fate, Iced Earth, Agent Steel e Icarus Witch. Por último, en 2014 la banda Portrait realizó un cover de «Mother Sun» para el CD We Were Not Alone. Dicho tema se escribió durante las sesiones del álbum pero nunca se llegó a publicar y solo existe como maqueta.

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THE BANDS T L U C E H T Texto: José Ramón Rojo Fotos: promo

Durante gran parte de su carrera discográfica durante la década de 1980, The Cult se deleitaron con el estruendo del heavy metal de finales de la década de 1960 y principios de la de 1970. Cuando los cortes de pelo asimétricos y las cajas de ritmos estaban de moda, la banda lucía largas melenas hippies y canciones plagadas de solos de guitarra pasados ​de moda. "El gran sonido de rock que crearon para sí mismos hace una década ahora encaja perfectamente dentro del espíritu de la época de Nirvana-Pearl Jam-Soundgarden de los años 90", comentó Steve Appleford, colaborador de Spin, en un artículo de 1995. Pero la aclamación de la crítica por The Cult nunca igualó la adoración de sus fans. Cuando el grunge se convirtió en una moda alternativa a principios de la década de 1990, la banda estaba demasiado atrasada, demasiado sobreproducida, demasiado seria. A medida que sus fortunas disminuían, las tensiones aumentaron dentro del grupo; una situación ya mala fue exacerbada por problemas de abuso de sustancias. The Cult se formaron a partir de las cenizas de dos bandas en el norte de Inglaterra a principios de la década de 1980. Ian Astbury era cantante en Southern Death Cult, mientras que Billy Duffy tocaba la guitarra en un grupo llamado Theatre of Hate. Los dos encontraron puntos en común en el rechazo de las tendencias musicales vigentes en ese momento ejemplificadas por bandas como Depeche Mode y Bauhaus, prefiriendo en cambio el atronador estilo vintage de Led Zeppelin y Free, artistas que a casi nadie decía gustarles en ese momento. Los primeros conciertos juntos como Death Cult, y más tarde solo The Cult, que se formaron cuando Jamie Stewart y Les Warner se unieron al proyecto atrayendo a los fans, pero la prensa musical británica fue despiadada.

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Los críticos de rock no podían entender por qué una banda miraba hacia atrás en el tiempo en busca de inspiración en un momento en que sucedían tantas cosas nuevas en la música, y Astbury intentó, a menudo sin éxito, explicar su motivación en entrevistas incoherentes y casi incomprensibles. A pesar de los ataques periodísticos, The Cult construyó una sólida base de fans en el Reino Unido antes de triunfar con su debut estadounidense, Love, también su primer LP de larga duración. Cuando llegaron a las costas estadounidenses a fines de 1985, después de un período de 19 semanas en las listas británicas con el sencillo "She Sells Sanctuary", el colaborador de Rolling Stone, David Fricke, los menospreció comparándoles con unos Zeppelin de segunda. Pero las ventas del disco en Estados Unidos fueron fenomenales, al igual que los ingresos brutos de los conciertos cuando llegó The Cult para las fechas de la gira. La apariencia divina de dios del rock de Astbury también parecía ser parte de la ecuación para el éxito. "Éxitos del pop, álbumes de platino y multitudes en aumento de repente lanzaron a Astbury al papel de la hermosa y joven deidad del sexo, un nuevo Jim Morrison [extravagante líder de The Doors] en la escena con fotos en Vogue", escribió Appleford en Spin.

La banda entró al estudio en 1986 para grabar un segundo álbum, pero se vieron obligados a desechar casi todo el esfuerzo. "Con tres cuartas partes del camino, estas malas vibraciones comenzaron a crecer", explicó Duffy a Carol Clark, colaboradora de Melody Maker, sobre el proceso creativo. "Era como algo tácito. Simplemente no estaba bien". Para remediar la situación, The Cult reclutaron al prodigio de la producción Rick Rubin, quien ya se había hecho un nombre con su trabajo detrás de la consola de mezclas para Beastie Boys y Run DMC. Pronto, la banda estaba grabando en el estudio de la ciudad de Nueva York fundado por Jimi Hendrix. El resultado fue Electric, lanzado en 1987 con elogios de la crítica y ventas explosivas impulsadas por el éxito de la canción "Love Removal Machine". El crítico de Rolling Stone, Robin J. Schwartz afirmó que el disco "se pavonea, cruje y aúlla bien, pero lo hace con irreverencia". Como en el trabajo anterior de la banda, Astbury y Duffy siguieron siendo la fuerza creativa, co-escribiendo todas las canciones excepto una versión de "Born to Be Wild" de Steppenwolf. Sin embargo, el éxito de Electric, y la posterior gira, comenzaron a pasar factura a la banda. En Vancouver, Columbia Británica, Astbury fue arrestado después de pelear con las fuerzas de seguridad; en Texas, enfrentó cargos de obscenidad en el escenario. El cantante parecía ir por el mismo camino ya recorrido por Jim Morrison. "La presión se manifestó de muchas maneras", dijo sobre la desastrosa gira de 1987 unos años más tarde al reportero de Rolling Stone Michael Goldberg.

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"El alcohol era uno. El comportamiento autodestructivo era otro. Arrestos. Fornicación. Después de que terminamos, no quedó nada". A pesar de los problemas, y de la creciente animosidad que se rumoreaba entre Astbury y Duffy, The Cult regresó al estudio para grabar otro álbum exitoso, Sonic Temple de 1989. Se habían producido algunos cambios de personal, con Matt Sorum reemplazando a Les Warner en la batería. Iggy Pop expresó su admiración por la banda como invitado en los coros de una pista, y cortes como "Fire Woman" y "Edie (Ciao Baby)" fueron éxitos instantáneos; el disco fue platino. Kim Neely de Rolling Stone sintió que Sonic Temple fusionó las encarnaciones estilísticas anteriores de la banda, el aspecto psicodélico de Love con el trueno básico de Electric, y señaló en una reseña que "los mejores momentos abarcan ingeniosamente los dos estilos musicales distintos que han existido". marcó el mejor trabajo de The Cult. Cuando llegó el momento de volver a la gira, Astbury y Duffy daban a entender que habían dejado sus malos hábitos y la banda parecía estar de vuelta en al negocio. Pero las cosas pronto se pusieron cuesta abajo. Como tantos críticos, Appleford consideró a Ceremony, lanzado en 1991, "desastroso, irrelevante e inaudito", y señaló que los problemas perennes de abuso de sustancias de la banda parecían haber sido un factor en el fracaso del álbum. Después de unos años de pausa, se produjeron más cambios de personal: Sorum fue reemplazado por un ex baterista de jazz, Scott Garrett, mientras que el puesto de bajo de Stewart fue ocupado por Craig Adams, un viejo amigo de Astbury y Duffy. Juntos, la nueva formación trabajó en un lanzamiento más enigmático, The Cult de 1994, grabado en Vancouver con el productor Bob Rock. "Se acabaron los viejos disfraces góticos de estrellas de rock, los cascos de cabello largo perfecto, los kilos de joyería", dijo Appleford sobre la nueva encarnación de The Cult. "No queda nada para distraer la atención de la música, que ruge en el nuevo álbum... como un asalto a su propia mala reputación". Astbury reflexionó sobre su difícil vida familiar cuando era adolescente y el trato de superestrella que recibió durante el apogeo de la banda a mediados de la década de 1980, y le dijo a Appleford que gran parte de su comportamiento autodestructivo procedía de esas dos fuentes. El cantante admitió que había llegado a un acuerdo con algunos de sus demonios, esto le ayudó a escribir canciones catárticas como "Gone".

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A principios de 1995, Astbury y Duffy habían resuelto algunos de sus problemas. Sin embargo, a The Cult no le estaba yendo bien en las tiendas y recibió poca atención crítica por un acto de su prestigio. Se anunciaron las nuevas fechas de la gira por América del Norte y el grupo tocó en dos shows durante el mes de abril antes de que Beggars Banquet, su sello en el Reino Unido, anunciara que se habían disuelto. "Realmente fue más una cosa de Ian", dijo a Melody Maker una fuente anónima de la compañía. "Se derrumbó y no pudo reunir las fuerzas para continuar". La compañía afirmó que las entradas para los conciertos programados se habían agotado, pero la revista insinuó que la venta de entradas había sido pésima. Según los informes, Astbury y Duffy planearon seguir trabajando en sus propios proyectos musicales por separado. En el disco aparece “Sacred Life”, un tema homenaje a varios conocidos fallecidos, como Kurt Cobain o el actor River Phoenix . Astbury creó The Holy Barbarians, que debutaron con “Cream” (1996). En 1999 lanzó su carrera en solitario con “Spirit/Light/Speed” (1999). Por su parte, Duffy se incorporó a Vent 414.

Entre 1999 y 2002, le banda se reunió temporalmente para grabar el álbum "Beyond Good and Evil" y relanzaron todos sus álbumes en Asia y Europa oriental en el 2003 y en Japón en el 2004. En el 2006, la banda se reagrupó para llevar a cabo una serie de tours mundiales y publicar el álbum "Born into this". Parece que la chispa volvió a surgir entre Ian Astbury y Billy Duffy, ya que siguieron publicando material y girando, además de publicar en 2012 el álbum "Choice of Weapon". El 5 de noviembre de 2015, se anunció que The Cult lanzaría su nuevo álbum, titulado "Hidden City", que salió el 5 de febrero de 2016. Se dice que el álbum es la parte final de una trilogía que comenzó con "Born into This", y marca la quinta vez que Bob Rock produce un álbum de la banda. El grupo anunció que habían contratado al bajista australiano Grant Fitzpatrick (ex-Mink) como reemplazo de Chris Wyse. Chris Chaney (Jane's Addiction, Camp Freddy) y el productor Bob Rock interpretaron el bajo de sesión en el álbum. La gira de "Hidden City", sirvió para que The Cult abriera para Guns N' Roses en la gira Not in This Lifetime... Tour.

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ES SIN DUDA UNA DE LAS SERIES DE MODA Y UN NECESITADO ÉXITO PARA TELECINCO, AUNQUE NO ESTÁ EXENTA DE POLÉMICA POR LA IMAGEN NEGATIVA QUE SE DA DEL HUMILDE BARRIO DE MADRID EN EL QUE ESTÁ AMBIENTADA LA ACCIÓN

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'Entrevías' es el último éxito de Telecinco en formato serie, que desde el día de su estreno ha ido acompañada por una polémica inmediata, ya que da una imagen del barrio madrileño de Entrevías que ha sentado bastante mal entre sus vecinos, los cuales han conseguido que Alea Media, la productora de la serie, se pronunciara y justificase públicamente la visión que se ofrece de él. Debido a todas estas quejas, en el segundo episodio de 'Entrevías' se incluyó en sus rótulos de crédito una leyenda alclaratoria que rezaba: "Los personajes, lugares, y hechos retratados en esta serie son completamente ficticios y no tienen nada que ver con la realidad del barrio madrileño de Entrevías". Esta declaración obligada fue consecuencia de las múltiples quejas de las asociaciones vecinales del barrio de Entrevías, La Viña y La Paz, aunque también por la presión que muchos espectadores ejercieron en redes sociales, en las cuales denunciaban el enfoque que se hacía del barrio en el que, aparentemente, todo se rige por la ley de los traficantes y los policías corruptos que se lucran gracias a las prostitutas y los drogadictos que pueblan la zona. En esta serie se hace referencia explícita al barrio como "un lugar de mierda" o "un lugar lleno de gentuza que vende drogas, okupa los pisos y destroza los negocios locales". El barrio de Entrevías parece estigmatizado debido, según sus vecinos, a la mala fama que adquirió gracias a algunos sucesos desafortunados que tuvieron lugar durante los años 80. Las Asociaciones Vecinales celebraron esta decisión, aunque lamentan que el tiempo del aviso en pantalla fuese "escaso para su lectura". Sea como fuere, la polémica no ha sido capaz de afectar la popularidad de 'Entrevías' en términos de audiencia, liderando su franja horaria.

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La serie ha sido rodada en varios de los barrios obreros del sur de Madrid, de Villaverde Alto a Entrevías (Puente de Vallecas), que también es responsable del nombre de esta obra de ficción. Además, la iglesia de San Andrés (La Latina) también puede verse en algunas de las secuencias. El título de esta producción hace referencia al conflictivo barrio del sur de Madrid en el que transcurre la trama de la serie, el cual e se encuentra dominado por una banda de narcotraficantes. Allí, en un ambiente de pobreza y marginalidad, vive Tirso (José Coronado) un abuelo exmilitar con muy mal carácter. Es entonces cuando aparece su nieta adoptiva, Irene (Nona Sobo), a la que acoge con la idea de enderezar su vida de adolescente alocada, totalmente a la deriva. La rebeldía de la joven, que se mete en toda clase de líos, no hace otra cosa que complicarle continuamente la vida a su abuelo, el cual deberá ir tomando decisiones drásticas y contundentes. Los narcos del barrio dirigidos por Sandro (Franky Martín) están protegidos por Ezequiel (Luis Zahera), un policía corrupto al que todo se le complica cuando su nueva jefa Amanda (Itziar Atienza), llega a la comisaría con ideas renovadas. José Coronado y Luis Zahera son los principales activos de la serie, dos actores veteranos a los que la marcada personalidad de sus respectivos personajes les encajan a la perfección. Sin embargo la joven Nona Sobo queda bastante lejos del sumun interpretativo de sus dos compañeros de reparto, culminando una actuación muy lineal, impostada y nada natural. Si su apariencia física aporta algo novedoso o exótico a la escena, su interpretación es, definitivamente, mejorable. La historia de ´Entrevías´ atrapa al espectador desde los primeros minutos gracias a la tensión que se respira en todo momento en un desarrollo de la trama cuyo interés nunca decae.

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La inspiración en la película Cry Macho de Clint Eastwood se percibe en el ambiente, aun así, la serie consigue brillar y entretener y refleja con brillantez las sociedades que chocan en los barrios marginales con la aquiescencia policial. Una parte del éxito de esta serie se apoya en una realidad que una parte de la sociedad se niega a aceptar, en la que surgen sociedades paralelas cuyos intereses individuales acaban activando el conflicto. Tirso es un ex-militar que regenta una ferretería de barrio en decadencia, por culpa de la competencia de los comercios orientales low cost. De carácter solitario y poco dado a mostrar afecto a los demás, se verá obligado a hacerse cargo de su nieta Irene tras un incidente familiar. Irene es una joven de origen vietnamita, ingenua, contestataria y rebelde, a la que su madre Jimena (María Molins), la hija de José Coronado en la ficción, es incapaz de controlar tras haber traspasado ciertos límites. Tanto Tirso como Irene chocarán continuamente desde el primer momento, tanto por razones obvias implícitas en la diferencia generacional, como por el fuerte carácter de ambos. Nelson (Felipe Londoño) es el joven novio colombiano de Irene. Su vida en España no es mucho mejor que la que dejó atrás en Colombia donde estuvo al cuidado de una vecina mientras su madre consiguió el dinero para traerlo junto a ella. Ezequiel es un policía corrupto, peculiar y socarrón que tratará de aprovecharse de la ira de Tirso para sacar tajada y así convertirse en el verdadero rey de Entrevías, si bien una serie de acontecimientos, le pondrán directa y paradójicamente, en el disparedero de sus benefactores narcotraficantes.

LA BANDA MADRILEÑA CAPITANEADA POR RAMÓN DELGADO, VIAJA A LOS ANGELES PARA GRABAR CON EL MÍTICO BATERÍA KENNY ARONOFF Y EL BAJISTA FABRIZIO GROSSI Texto: Luis J. Torres Fotos: Lorenzo Sanz

Muchos hemos seguido por vuestras redes sociales vuestros últimos casos de éxito, comparable al de muy pocos grupos emergentes actuales ¿cómo habéis conseguido que pasen tantas cosas en tan poco tiempo? Pienso que la constancia, el no tirar la toalla cuando te encuentras luchando contra la industria de la música en la que cuesta mucho que te abran una puerta, la ilusión y sobre todo trabajar duro en lo que crees, esperando que llegue una oportunidad y sobre todo rodearte con músicos y un grupo de trabajo que te suma y cree fielmente en lo que haces, es lo que hace que mi proyecto este empezando a abrirse camino y darse a conocer. Da la impresión de que sois una banda que trabajó plenamente en la pandemia, incluso disteis algunos conciertos... Si así es, mientras que por culpa de la pandemia muchos proyectos, incluso bandas han desparecido o se han quedado en la sombra esperando a que pasara todo para volver a ponerse en el camino, nosotros hemos aprovechado a tope el trabajo para componer y grabar nuevos temas con la salida de nuestro primer trabajo discográfico “Siempre en el Ring” preparar el directo e incluso, y quizás lo más importante hacer una película llamada Ramdel Memorias de un Musico Invisible, una autobiografía sobre el personaje Ramon Delgado, artista desde los años 70 hasta nuestros días, mezclada con todos los acontecimientos socio culturales ocurridos en nuestro país.

La película ha conseguido la calificación ICAA para presentarse a los premios Goya del año que viene. ¿Cuál fue tu reacción cuando te enteraste de esto? Bueno personalmente ha sido un chute de alegría e ilusión, sinceramente cuando me lo comunico nuestra distribuidora, fue una auténtica sorpresa. He escuchado que en el prestreno que se hizo en Madrid, hubo gente que lloró. Al parecer es una película muy emocional. ¿Buscasteis esto adrede? Pues no, y el ejemplo es que las cuatro o cinco veces que la he visto, siempre cuando hablo sobre la depresión que tuve y sobre todo la parte de la película en la que se habla de Alberto Casas (Toti) mi padre y maestro musical que me enseñó a tocar la guitarra y a desarrollarme como cantante y que una maldita enfermedad se lo llevo y de su desaparición en mi vida nunca me he repuesto. ¿Cómo se os ocurrió la idea de la película? Durante una gira por México con mi otra banda de tributo a la Creadance Clearwater Revival hace ya casi cuatro años, tuve la ocasión de coincidir y conocer a Lorenzo Sanz, actual promotor de Ramdel. Hubo una cierta química y quedamos en vernos cuando volviéramos a España para intentar desarrollar un nuevo proyecto que traspasara fronteras. A medida que Lorenzo me iba conociendo y sabiendo todo lo que ha habido detrás de mi personaje como musico y artista

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desde que era niño, tocando delante de la radio con un palo de la escoba en vez de hacer las tareas del colegio, Lorenzo me planteo contar todo esto a través de una película. Lo que al principio parecía una locura, finalmente se acabó haciendo realidad gracias a que Lorenzo la escribió y la dirigió. También has colaborado recientemente con Carlos Macías, artista conocido por haber ganado un Grammy y haber escrito varias canciones para el cantante melódico Luis Miguel. ¿Cómo conseguisteis llevároslo hasta vuestro terreno y cómo surgió la colaboración? Fue durante una charla en una de tantas comidas informales que suelo tener con Lorenzo. Carlos venía a España a recoger el premio Agustín Lara en reconocimiento a sus 20 años de carrera. Aprovechó para dar un concierto y contrató a Lorenzo para que le hiciera una campaña de medios en Madrid. Fue él quién propuso la colaboración como una acción de promo más. Nuestro productor Ángel Maga hizo una adaptación que a Carlos le pareció muy acertada y en seguida se mostró abierto a colaborar. Este single ha sido un éxito absoluto en plataformas digitales, ¿esperabais este resultado? Era imposible saberlo. Mezclar estilos tan opuestos para hacer “Divina Tu” y llevarlo a nuestro terreno ha sido una magnifica experiencia en la que nos hemos implicado toda la banda. Colaborar con este artista referente en su país, hace que te vengas arriba. A pesar de las dificultades actuales de la industria, la banda no se rinde y va a por todas. Hay gente que habla de vosotros con mucho respeto. ¿Es el reconocimiento vuestra mayor motivación? No exactamente. Lo más importante es no perder la ilusión, la constancia, el trabajo duro y sobre todo saber qué es lo que quieres y a donde quieres ir.

Queremos ser un ejemplo para las bandas de chicos jóvenes que empiezan y se meten en un local de ensayo. Es una forma de decirles que a través del esfuerzo y la constancia, todo se puede conseguir. La película se estrenará en Amazon Video y en Filmin a partir de Septiembre ¿A quién se la recomendáis? A todo el mundo. Creo que es una película enriquecedora hecha para cualquier tipo de público y sobre todo en memoria y reconocimiento a tantos y tantos músicos con talento que apenas se conocen ni se habla de ellos y de los que tanto dependen los artistas más reconocidos. ¿Cómo crees que esta película ayudará a la banda a lograr un posicionamiento en un país tan complicado como España? De momento estamos esperando el feedback. Ahora no te se decir, aunque siempre digo que lo mejor está por llegar. Todavía no está estrenada en plataformas y directamente decidís hacer la segunda parte, esta vez centrándoos en la ciudad de Los Ángeles y su legado rockero ¿Por qué pensasteis hacerlo allí? Para mí el mundo del rock está representado por dos ciudades, Londres y Los Ángeles. Es tanta la leyenda rockera en L.A. de bandas como The Birds, Led Zeppelin o los Doors, salas de conciertos como Roxy, Whisky a Go Go o Rainbow, o estudios de grabación considerados como los mejores del mundo, que si quieres contar en un documental como se ha escrito la historia del rock desde los años 60, indudablemente hay que “perderse” en LA. De entre las personas que participan en esta nueva película, están artistas tan conocidos como Kenny Aronoff (batería de John Fogherty, Smashing Pumpkins,

"LO MÁS IMPORTANTE ES NO PERDER LA ILUSION, LA CONSTANCIA, EL TRABAJO Y SOBRE TODO, SABER QUE ES LO QUE QUIERES Y A DONDE QUIERES IR"

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Paul MCartney, Joe Satriani, Ringo Star...), Fabrizio Grossi (Laura Pausini, Nina Hagen, Steve Vai) y otros artistas que se desvelarán cuando se estrene. ¿Cómo conseguisteis que estos músicos de renombre se implicaran en el proyecto? Pues todo fue muy parecido al caso de Carlos Macias, pusimos la idea sobre la mesa y aprovechando una vez más la relación que Lorenzo tiene con este tipo de artistas. Hicimos posible que tanto Kenny Aronoff, como otros músicos de nivel, quisieran colaborar en la grabación de los dos temas que compuse en inglés para este propósito; “On a Wet Floor” y “I Don’t See The Light” y también que vertieran su conocimiento y experiencia en la película contándonos en primera persona como fue y como sigue siendo la escena rockera de Los Angeles. . De una idea ramdom, pasáis a tener una oficina de producción en Hollywood Boulevard y un equipo de trabajo con mejores recursos que en vuestra primera película, ¿Qué esperáis conseguir con esta nueva producción? Primero que el proyecto Ramdel se siga conociendo y desarrollando y después contar al público sobre todo a la gente que ama el rock y desde nuestra perspectiva y la de otros grandes artistas que intervienen en la grabación, como ha sido y es el rock desde esos años hasta la actualidad. Como artista fanático de la Creedence Clearwater Revival, conocer a Kenny Aronoff, actual batería de John Fogerthy debe haber sido un sueño cumplido. ¿Es un hombre a la altura de su leyenda? Kenny ha sido importante en mi carrera, no porque sea batería de John Fogerty o haya tocado con Paul McCartney, mis dos referentes musicales, sino porque aparte de poder trabajar con un magnífico batería, he descubierto a una bellísima persona, fanática de su trabajo y que ha dado en mis temas el 200%.

Las canciones que habéis grabado con él son más potentes y con influencias más actuales que de costumbre, ¿Te hizo Aronoff algún comentario sobre ellas? Tanto Aronoff como Dave Jenkins, el ingeniero que nos grabó en el estudio, coincidieron justo en la misma apreciación que yo traté de transmitir a nuestro productor cuando le entregue los dos temas. Mi idea fundamental era conseguir crear dos composiciones que tanto en el sonido de las guitarras, como en los arreglos de voz y coros fuera una mezcla de mis dos grandes influencias actuales; por un lado Foo Fighters y por el otro, The Beatles. Es bastante común ver a bandas que mezclen y mastericen en Los Ángeles, pero no tanto ver como grandes leyendas de la música se comprometen con proyectos emergentes. Cuando decidimos hacerlo y aprovechando que Lorenzo ya estaba trabajando con ellos en otros proyectos, les mandamos los temas para que los escucharan y nos dieran algo de feedback. Nuestra sorpresa fue mayúscula cuando Kenny no solo nos dijo que le encantaban, sino que nos mostró un entusiasmo casi inmediato hasta el punto de hacernos hueco en su apretadísima agenda entre algunos conciertos que tenía cerrados con Fogherty y una grabación en Boston para trabajar con nosotros. Cuando entramos a su estudio, Lorenzo, Jordi Pinyol (Guitarra de Ramdel) y yo, lo primero que hizo cuando nos presentamos fue invitarnos a un café y enseñarnos las dos canciones transcritas en partitura para batería. Nos quedamos con la boca abierta. Estas canciones saldrán en Octubre. Por todo lo vivido, no vemos el momento de que salgan a la luz. Teniendo en cuenta de que vuestra primera película se estrena en plataformas después del verano, ¿para cuando se podrá ver esta segunda? Si todo va bien, pensamos que para el próximo otoño.

"SI NO HAY SUEÑOS, LA VIDA SE APAGA" -RAMÓN DELGADO

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"Fue increíble visitar muchos de los lugares emblemáticos de L.A. y tener el placer de conocer algunos de sus mas grandes músicos y poder colaborar con ellos. Me impresionó mucho el nivel de profesionalidad pero también la calidad en el trato humano de musicazos de la talla de Kenny Aronoff y Fabricio Grossi. Fue impresionante ver a Kenny grabar los dos temas de Ramdel, la energía que tiene tocando es imposible de explicar en palabras. También fueron dos grandes experiencias, por un lado poder tocar con los músicos de la banda Mass Terror y por otro, conocer el estudio de grabación de Dave Jenkins y grabar guitarras en dos canciones para el cantante Derek Dupree. Sin duda un viaje inolvidable en el que la gente que he conocido me ha hecho sentir como en casa". -Jordi Pinyol (Guitarrista de Ramdel)

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Texto: Luis J. Torres Fotos: promo

JES FALCON ES UN TORBELLINO DE PURO ROCKANDROLL HECHO PARA BRILLAR, Y ADEMÁS, UN FUTURO CLÁSICO QUE CON SU NUEVO ÁLBUM "UNEXPECTED BUT INEVITABLE" REIVINDICA UN MERECIDO ESTATUS DENTRO DE LA ESCENA NACIONAL

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La primera vez que os escuché pensé: “¡menudo pedazo de grupo!”, estaba convencido de que veníais de fuera… aunque creo que algo de eso hay… Cuéntanos… Realmente podríamos decir que de fuera venimos. Yo he vivido en Holanda desde el 99 así que ya ves, desde muy jovencito. Mi familia también ha estado repartida por varios países y hemos tenido una educación muy anglófila por parte de mi madre que creo que es lo que realmente se nota en el aspecto musical. Ultimamente reparto el tiempo entre Amsterdam y Madrid. Reconozco que me encanta el concepto de artista plural que sabe hacer buenas canciones, pero que también sabe dar espectáculo, y tú lo das. Creo que en el negocio del entretenimiento es lo mínimo que se debe exigir… ¿Qué opinas al respecto? Como diría mi abuela tiene que haber de todo para hacer un mundo y supongo que cada persona tiene su estilo y sus gustos. Yo concuerdo contigo, creo que hay que entretener en el sentido de “entertainment”, de dar un espectáculo, de llenar el escenario por decirlo así. Creo que las canciones, por letra y por música, tienen que reunir unos mínimos; pero a partir de ahí comienza el espectáculo, el show, en el buen sentido de la palabra. Hay gente que usa pirotecnia a lo Rammstein y otra despliega una energía que se contagia como Springsteen sin usar ni un Zippo. El estilo es distinto pero el dar espectáculo y entretenimiento me parece clave. Como lo hagas es otra cosa pero un concierto tiene que ser algo distinto a escuchar el disco.

Tu música me recuerda a los mejores momentos de TRex, Bowie e incluso Rolling Stones, ¿voy bien encaminado? Jaja quién va a decir que no si lo comparas con gente así? Sí, realmente yo he escuchado mucha música de la época 60s, 70s desde pequeño. Quiero decir que aunque de pequeño mis discos fueran de los pitufos, lo que oía a mi alrededor era principalmente música de esa época así que, cuando empecé a hacer mis canciones, tenía esa influencia. Y la sigo teniendo, aunque algo más variada. Dicho lo anterior, ¿cuáles son los álbumes que más han influenciado a la música de Jes Falcon? Unos cuantos…si tuviera que citar creo que incluso tendría que nombrar alguno del padre Abraham y los pitufos (el padre Abraham es un personaje conocido en Holanda aunque no es religioso, lo de padre no sé por donde viene) que me ponía cuando tenía 5 años para no tener miedo si me quedaba solo o estaba jugando en un cuarto de juegos de la casa donde mis padres habían puesto unos cuadros o posters que no me hacían mucha gracia; mientras había música yo estaba tranquilo. En cuanto a influencia musical propiamente dicha creo que el White Album de los Beatles me parece un buen ejemplo. It’s only rock and roll o Exile on Main Street de Rolling Stones también están ahí. The River de Springsteen, Nevermind de Nirvana, Toys in the Attic de Aerosmith, Eletric Warrior de T. Rex, Face to Face de Kinks, Parallel Lines de Blondie, Bastards de Motorhead, I Got Dem Ol Kozmic Blues Again Mama de Janis Joplin, Quatro de Suzi Quatro, Slippery When Wet de Bon Jovi, Cosmo’s Factory de Creedence Clearwater Revival…

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La producción de vuestra música es sensacional desde el primer álbum y en “Unexpected but Inevitable” no ha sido una excepción. Para ti, ¿qué porcentaje de importancia tiene a día de hoy, que un grupo cuide sus producciones con independencia de las canciones? La verdad es que suelo hacer la producción con lo que podríamos llamar “tormenta de ideas” en las que los productores y yo vamos diciendo “y si hacemos esto?” O “vamos a probar esto”. Y muchas veces nos ponemos caras raras al oírlas. Algunas se descartan, otras se aceptan y otras que no eran tan aceptadas acaban teniendo su lugar. También es cierto que si me dejas, estaría cambiando cosas de mis canciones siempre. Es raro que no le encuentre siempre algo a mejorar. De todos modos, creo que una canción, si engancha, no necesita mucha producción. Una canción es una melodía interesante, sobre todo en el estribillo, y una letra que no sea una sandez. Si no tienes eso ya puedes ponerle a la Filarmonica de Viena entera que no vas a conseguirlo. A no ser que la sandez caiga en gracia, claro.

El nuevo disco lo componen once canciones con títulos dispares, imagino que todas con su propia historia. ¿Nos cuentas alguna? Sí, cada una cuenta alguna historia o habla de sentimientos y reflexiones (vamos, lo que debería haberle contado a un psiquiatra), y salvo una, todas personales. Alkaloid Girl, el primer single, es una canción sobre la imposibilidad de librarte del recuerdo que duele de una persona aunque intentes seguir tu vida y aunque no ocupe la mayor parte de tu tiempo pero, de repente, te asalta y te trae tristeza. Don´t Give Me That Look es un canto a la libertad individual (responsable) y al daño que nos causan las supersticiones, las creencias…Jump on the Train es una rebelión contra mí mismo, una especie de autocrítica y cómo mis miedos o timidez o muchos otros defectos que tengo me han fastidiado pero ya no más (bueno, eso es lo que digo en la canción). The Fewer the Pieces es otra rebelión pero más en el sentido de se acabó ser el tonto. Confession es una canción para una persona para la que en última instancia he hecho todo en la vida y sin la cual quizás habría pulsado el botón de autodestrucción. Nunca se lo había dicho y elegí hacerlo en una canción. Una de mis preferidas es la última, Will You Elope With Me? Es la canción de un perdedor enamorado de una perdedora en una ciudad donde no hay futuro pero él no quiere dejar que sea así. Quiere irse y sabe que pueden tener una oportunidad pero la necesita a ella, necesita que sean un equipo y de esa manera, se irán y podrán dejar de ser unos perdedores y vivir felices para siempre. Es mi eterno canto al amor verdadero y a las ganas de huir. Jes Falcon hace referencia directa a tu nombre y apellido, algo que es un ejercicio de jerarquía y de responsabilidad. Cuando te quisiste rodear de un grupo de músicos comprometidos que creyeran en el proyecto ¿cuáles fueron tus argumentos para formar un equipo ganador? Sí, realmente he tenido muchas alineaciones de banda según épocas y lugares pero la locura principal siempre ha sido la mía. Mi planteamiento ha sido siempre muy humilde de todas formas.

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Simplemente he dicho “esto es lo que hago; estas son mis canciones, este es mi estilo” y ha habido gente que no le ha parecido tan mal unirse. Siempre me sorprende que haya gente dispuesta a tocar mis canciones y a subirse a un escenario conmigo. Siempre tengo una mezcla de sorpresa y agradecimiento. Reconozco que después de escuchar el adelanto del álbum que me ha enviado tu compañía, me he enganchado a los discos anteriores. Creo que tu música tiene algo de adictiva ¿te lo habían dicho antes? No, realmente no... jajaja. Me alegro y muchas gracias por decírmelo. Y no por ego, que conste, sino que me alegra haber hecho canciones que te entretengan y te hagan pasar un buen rato. ¿Qué le pides a la música a estas alturas de tu vida? A la música en si, que me siga acompañando como ha hecho hasta ahora. Como mencionaba antes, mis canciones son lo que debería contar en alguna psicoterapia o lo que debería decir a alguna gente y no sé. Es una forma de canalizar emociones que no sé por dónde habrían salido de no haber sido por la música. Me gustaría

que más gente las escuchara porque realmente son cosas que me gustaría compartir con el mundo y quizás también ayudarían a otra gente, quien sabe?. Parece que para estar en boca de la gente, hay que pasar por el peaje de las redes sociales. ¿Cómo lo llevas y cómo te organizas en este sentido? Fatal. ¿Para qué te voy a contar lo contrario?. Estoy aprendiendo todo este tema realmente ahora. La verdad es que tampoco creo que tenga una vida tan interesante. A este respecto, creo que el músico moderno tiene un doble reto; hacer un gran producto musical y saber venderlo. ¿Te ves presionado de alguna manera por este asunto? Realmente creo que el oficio ha cambiado algunas herramientas pero sigue siendo el mismo. En el mundo hay muchísima gente haciendo música y estoy seguro de que si todo el mundo tuviera el acceso y tiempo para poder escucharla, descubriríamos que alguien en a saber qué lugar, tiene una canción que nos encantaría a millones de personas. Quizás no a la mayoría de la gente, quizás solo esa canción. Pero está ahí, en el mundo, está compuesta y grabada pero perdida en un océano de otras canciones. Cómo hacer que destaque, desde mi punto de vista, sigue dependiendo de terceros.

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<un artículo de Tony Gonzalez>

Hace casi un año, verano 2021, las cifras de enfermos de COVID comenzaban a descender y quien escribe esperaba entusiasmado que finalmente algunos festivales abrieran sus puertas. Finalmente los grandes eventos, en su mayoría, decidieron no arriesgar y esperar un año más. Con toda esa necesidad de ver música en directo, imaginé que una vez eliminadas las restricciones, yo sería de los primeros en estar todos los fines de semana en algún garito de Madrid disfrutando de música en directo: bandas nuevas, bandas jóvenes y también grandes bandas clásicas. La vida me está demostrando que no es así, y no soy el único. El público se está tomando su espacio, o en el peor de los casos, sus alas han sido cortadas y tomará tiempo que vuelvan a crecer. Bajo las circunstancias actuales, ¿se reanimará la escena musical en España, cuando se habla de rock? Conversamos con algunos compañeros dentro de la escena para saber sus opiniones desde un punto de vista más cercano y ampliar la perspectiva. Las noches del Botánico, con talento nacional e internacional, arrancaron con 90 000 entradas vendidas según su director artístico Julio Martí. Si miramos a los conciertos que han ofrecido las grandes bandas internacionales por España, pensaríamos que todo va viento en popa.

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The Red Hot Chilli Peppers comenzaron su World Tour 2022 en España. El 4 de junio actuaron en el Estadio La Cartuja de Sevilla y el 7 en el Estadi Olimpic de Barcelona a un precio que comenzaba con un mínimo de cincuenta euros. “Cerca de sesenta mil personas abarrotan el estadio de La Cartuja en el concierto inaugural de la nueva gira europea de la banda californiana” según el diario El País. También iniciará en España la gira mundial de Bruce Springsteen. El 8 de junio 2022 se comenzaron a vender los tickets para la misma en un concierto que será el 28 de abril 2023. Ese mismo día ya El País informaba que habrá un segundo concierto en Barcelona ante la gran demanda. Al día siguiente, Viagogo avisó que este era el evento más vendido en Barcelona. Los precios: entre sesenta y cinco y ciento veinticinco euros. Sobre esto, Quim Brugada publicó en su perfil de Facebook: “Para Bruce Springteen sí, ¿verdad? Corramos todos a agotar las entradas en 2 horas pero para los cientos de bandas que cada fin de semana tocan en nuestras salas a 10 euros con consumición incluida no tenemos dinero.” La más mediática ha sido “Sixty”, la gira de aniversario de The Rolling Stones con precios que llegaron a superar los doscientos euros, y la oferta del Wanda Metropolitano de incluso asegurarte una plaza de aparcamiento por “solo” catorce euros más.

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“La gente siempre irá a los más conocidos y priman las giras de dinosaurios internacionales. Se pierden lo más interesante que es lo nuevo”. Comenta Ángeles Salmerón de la web Redhardandheavy. Con estas noticias en cientos de medios de España, todo nos haría pensar que estamos viviendo una época de bonanza. A una escala algo menor, pero aun grande, ocurren hechos similares: “El Drogas lo ha petado, Su Ta Gar ha petado, Baron Rojo ha metido muchísima gente. Grupos ya muy consagrados y muy fuertes, todavía lo petan de igual manera que antes de la pandemia” asegura Unai Endemaño de Endemonium Booking. “Hay bandas como Lèpoka que están con el toque de gracia, como Angelus Apatrida, que toquen las veces que toquen y sea donde sea que toquen, llenan. Lèpoka tienen un aforo brutal” asegura Tomás Quilez de On Fire. “Bandas de fuera, grandes, de primera, como por ejemplo Ghost, empezaron hasta arriba en Madrid, el Drogas petó La Riviera haciendo el 40 aniversario de Barricada. Desde ese punto de vista tenemos la opción de ver un montón de conciertos de todo tipo, todo pelaje y cuando queremos, tenemos la opción de elegir entre cuatro o cinco diarios.

Los fines de semana están petados: s¡no, lo siguiente!”. Agotadas las localidades, para esos nombres y esas bandas sigue estando bien y sigue todo funcionando” sentencia Charly Rock and Roll del Programa Generación Suicida. “Batushka canceló su concierto por falta de entradas. En cambio, hicimos Artillery, y un día entre semana que no contábamos que hubiese gente, hubo casi 200 personas. Rebellion, y Serious Black también llenaron aunque hay demasiados conciertos y la gente va por taquilla” revela Oscar Rilo de Hueso Producciones. Asistimos al concierto de Edge of Forever en la Sala Hysteria de Madrid para encontrarnos que contando público, prensa y grupo telonero que bajó a apoyar a la banda de Alessandro del Vecchio. No llegábamos a las veinte personas. La fotógrafa Ángeles Salmerón, allí presente, nos comentaba que un día antes había tocado Dream Theater y que ese día también tocaba Dark Tranquillity /Ensiferum, además de ser domingo. Me resultó inexplicable que fuéramos tan pocos tratándose de un músico que ha grabado unos trescientos discos y es punta de lanza de un sello tan importante como Frontiers Records. Los chicos de Wild Freedom, los teloneros, me comentaban que ese concierto había sido el más flojo de la gira.

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Todos los nacidos desde 2020 hacia atrás, sabemos lo que nos ha ocurrido de manera general. Especialmente los trabajadores de la cultura y el entretenimiento, que han sido triturados sin piedad. La situación no mejora como todos quisieran, y aunque la cara más visible son los músicos y artistas, detrás del telón están los promotores y representantes a los que sumamos a técnicos de todo tipo, sonido, luces, efectos. La vida nocturna murió por completo y aunque parte de la misma aparenta haber renacido, hay aun una zona del sector que se boquea por falta de aire. ¿Qué les pasó a los que no quisieron rendirse a la evidencia? Hubo quien se atrevió a lanzarse cuando aun las condiciones no eran las mejores y con resultados dispares. “Hubo de todo un poco. Lo que mejor funcionó fueron los tributos, pero la mayoría de las bandas cumplieron las expectativas y cubrieron las sillas que se vendían. Hubo conciertos flojos y otros muy buenos, donde tuvimos que parar la venta porque no podíamos meter más gente”. Cuenta Javier Rojo de Metaltrip. “Tuve que suspender infinidad de bolos importantes, fue un desastre, unas pérdidas de la hostia y muchos quebraderos de cabeza. Fue bastante terrible y traumático en general. Pero a todo el mundo le ha pasado lo mismo y no nos podemos quejar. Algunos incluso he podido recuperar después de la pandemia, pero la mayoría no”, Lamenta Unai Endemaño de Endemonium Booking.

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“De repente parecía que la oleada del COVID iba reduciendo su intensidad, y esto hacía que tuviéramos esperanza. Podías empezar a cerrar fechas de los conciertos pero en marzo había otra ola y tenían que pasarse esos conciertos a junio. En junio ocurría lo mismo y los conciertos se trasladaban a septiembre y así sucesivamente. Fue trabajar mucho con poca rentabilidad, muchas veces la paciencia de los propios músicos y salas llegó a tener que acabar suspendiendo”, cuenta Chema Gallego de La Central de Comunicación. “Los dos últimos dos conciertos que tuve fueron el mismo día: Daeria en Barcelona y Lèpoka tocando en el escenario rock del IFEMA para unas cuatro o cinco mil personas. En 2021 tuve la suerte de no quedarme atrás, y fue bastante bien dentro de la mala situación. No había casi nadie tocando, y bandas como Morphium, Lèpoka, Daeria, Jolly Joker e Incursed, tocaron muchísimo para la situación que teníamos. Fuimos de las pocas agencias dentro del metal y rock duro de este país que tuvo actividad profunda. De hecho, este año pinta peor que 2021 en cuanto a afluencia de gente”, indica Tomás Quilez de On Fire. Esta última afirmación de Tomás nos deja pensando, ¿será así en realidad? ¿Qué está pasando una vez eliminadas las restricciones? ¿Estamos en el mismo lugar que antes de marzo 2020? Cualquiera que ame la historia sabe que la misma se repite, pero con matices, y son estos los que hacen la diferencia.

“LA GENTE SE HA ACOMODADO MUCHO, SE HA ACOSTUMBRADO A QUEDARSE EN CASA VIENDO NETFLIX EN EL SOFÁ Y LOS CONCIERTOS SE HAN QUEDADO EN UN SEGUNDO PLANO"

“Acuden menos medios y menos gente, hay quien aún le asusta estar en sitios pequeños, cerrados y con gente alrededor, y los medios están saturados porque hay mucha oferta y tampoco pueden ir a todo. Cada vez está todo más caro y salir a un concierto es un desembolso, aunque te regalen las entradas. El clima tampoco ayuda, hace calor de agosto y no apetece meterse bajo techo, es más tentador estar en una terraza”. confiesa Silvia Cantero de Cuestión de Medios. “La gente se ha acomodado mucho, se ha acostumbrado a quedarse en casa viendo Netflix en el sofá y los conciertos se han quedado en un segundo plano. Y luego está el tema económico, hay mucha gente a la que le ha afectado el bolsillo. Eligen mucho a quien van a ver. Si hay un bolo grande muy importante, van a ese, esos no fallan", dice Unai Endemaño de Endemonium Booking. “Vamos a ver lo mismo una y otra vez, el público no se aburre de ver siempre lo que conoce, por lo tanto para arriesgar con bandas menos conocidas hay que pensarlo y mucho. Nosotros apoyamos a las bandas noveles. Hay que seguir insistiendo, buscando cosas con calidad, originales y tratando de ofrecer una coherencia tanto organizativa, como de programación”, espeta Javier Rojo.

“Tienes un abanico de bandas a elegir de la hostia, desde thrash, metal, punk, garage, hardcore; un montón de estilos a tu disposición e incluso de sonidos más de pop y pop rock, pero creo que esta saturación al final va a llevar a caer a diferentes salas, algunos grupos no van a aguantar el tirón. No hay suficiente público para toda la oferta de conciertos en salas de mediano aforo o aforo pequeño", asegura Charly Rock and Roll. “Algunas giras se llegarán a anular por falta de venta de entradas, ya que el público ha cambiado el concepto de la compra anticipada, espera hasta el último momento por miedo a las cancelaciones y sobre todo por el engorro de las devoluciones de dinero”, confirma Txema de la Cruz periodista de Made in Metal / Rock in Bilbo / Metal Rock Santana). Son todas estas, situaciones que serán difíciles de controlar. Se aprecia claramente una saturación de conciertos, y hay demasiado para escoger. Ante ello, ¿Qué pueden hacer las bandas españolas? Sara Moreno, de Background Noise y Chema Gallego, de La Central de Comunicación, exponen una idea que apoyo y comparto, de la que he hablado con muchos grupos, y que pasa por comprender que en la Unión Europea hay pocas fronteras que cruzar. “La Feria Hispano Lusa de la Industria Musical (FHLIM), que se celebra en Zamora, aparte ya de la unión con Portugal, ha recibido gente de Francia, Inglaterra y otros países, al igual que el Primavera Sound o el BIME.

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"Llevo muchos años trabajando con Portugal, hay grupos internacionales que me piden promoción allí. Cada vez hay más bandas que van a tocar y van metiéndose en festivales y eventos poquito a poco", asegura Sara Moreno de Background Noise. “La feria está enfocada a la música, pero los que más asisten son los que hay alrededor de los músicos, que es lo que realmente acaba moviendo las empresas. Los músicos también deben asistir porque ahí van a lograr contactos directos, pero muchas veces lo que hacen es que van sus propios managers para intentar conseguir mayor proyección. Este año han venido representantes y promotores de países como Puerto Rico, Estados Unidos, México, Argentina, España y de Portugal. Me ilusionaba muchísimo cuando el último día me encontraba con algún manager y me decía: “tío, que al final he conseguido que mi banda, que aquí en España funciona, pueda hacer algo en Argentina, vamos a intentar hacer algo en México, seguramente vamos a llegar a Estados Unidos.” Afirma Chema Gallego de La Central de Comunicación. ¿Por qué las bandas españolas, descontando a las más grandes, no ven el potencial del mercado fuera de sus fronteras? “Andorra está aquí al lado, a dos horas de Barcelona. Los andorranos también quieren hacer muchas cosas, y bandas que quisieran hacer conciertos en Barcelona, Tarragona y Girona, podrían hacer Andorra, que son dos horas más.” Asegura Sara Moreno. Tomás Quilez, es uno de los managers que sí ha trabajado estos vínculos: “Morphium viene de tocar en Bogotá, aunque el COVID nos fastidió la logística de cara a la gira latinoamericana que teníamos cerrada. Íbamos a estar en México, Colombia, Venezuela, Chile, Argentina y Uruguay. Daeria los tengo de gira en septiembre en México, y bandas como por ejemplo Jolly Joker, estarán en todas partes también este año. La gira ahora mismo tiene unas diecinueve fechas anunciadas y tenemos muchas más, no nos podemos quejar en absoluto de cómo nos va.” Son todas estas razones las que nos hacen preguntarnos, ¿habrá una luz al final del túnel? Las opiniones son muy dispares y están marcadas por los estados de ánimo de cada persona al momento de responder: “La estamos viendo en parte, porque ha vuelto todo a funcionar, pero ahora cada vez tienes que coger los conciertos con más antelación. Salas como La Riviera, o Razzmatazz en Barcelona, que metían a dos mil o más personas, están cancelando. En otras salas más pequeñas, grupos que metían trescientos, ahora está costando que vengan cien. Está siendo pérdida de dinero, frustración, y algunos han decidido parar. Luego todo el mundo dice, ¡dinero!, pero sale una entrada de ciento y pico de euros y ¡sí que tienes dinero para eso!, ¿no? Vas a una sala que tocan tres grupos por dos euros y la gente no va, Es complicado”, lamenta Sara Moreno.

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“Esta vez puede que sí. De hecho, estamos viendo que la mayoría de los festivales y espacios amplios se están llenando. La gente tiene ganas de salir de su casa, si es al aire libre, mucho mejor. Se vió en el Primavera Sound, y no quiero ya imaginarme lo que va a suponer los Sanfermines. Yo creo que va a ser una absoluta locura.” opina Chema Gallego. “El problema es la luz al final del túnel. En cuanto a la escena, todo lo contrario. No paran de cancelarse eventos porque no se venden entradas. Este año hay que ver cómo acaba. Están cerrando las salas porque no da resultado, es inviable. Yo creo que la luz está más lejos que nunca", precide Tomás Quilez. “Quizás hay demasiada luz estos días, todas las bandas quieren tocar. En un año normal hacíamos doscientos y pico de conciertos, ahora mismo en pocos meses vamos a superar bastante esa cifra. Por un lado está bien, por otro lado no, porque la mitad de esos conciertos están abocados al fracaso", asegura Oscar Rilo. “Yo creo que sí, que el año que viene se empezará a ver la luz al final del túnel, en 2023 empezaremos a ver una situación un poco más normalizada. Los grupos pequeños no van a empezar a ver cómo se normalizan un poco las cosas antes”, confirma Unai Endemaño. “Se ve la luz al final del túnel en cuanto a que la gente vuelve a los grandes festivales pero a las salas depende mucho, demasiados altibajos. Hay bandas y músicos con público muy fiel y otras que les cuesta un mundo darse a conocer. Sin tener en cuentas a los nombres de primera línea, en salas medias y grandes ha habido bastantes “Todo Vendido”, ejemplo Shawn James en la Cool, Larkin Poe en La Paqui (antigua But) o Babboon Show en la misma sala, recuerda Ángeles Salmerón. “La luz del túnel cada vez está más nítida y más presente. Todas las bandas que he visto están como locas de defender su repertorio y su propuesta musical, y lo están haciendo con mucha ilusión y ganas, tal como era de esperar. Las bandas estatales están ansiosas por salir a la carretera aunque en algunas ocasiones no les salga nada rentable por tanta saturación de eventos. Volveremos a tener grupos de primer nivel por nuestras ciudades a las cuales las recibiremos como se merecen. En este aspecto nada ha cambiado ya que la oferta y la demanda sigue estando a la orden del día". Txema de la Cruz

En los últimos años ha habido movimientos clave en la formación de H.E.A.T con la salida de Eric Rivers y luego Erik Grönwall, quien sufrió de leucemia. Fueron tiempos difíciles todos. Por una u otra razón y con tu regreso a la banda, es como que estás de vuelta al punto de partida. ¿Qué crees que ha significado para H.E.A.T volver a sus raíces? Estamos cerca de la formación original, pero para ello tendríamos que incluir a Eric Rivers. Para mí, es absolutamente como estar en el punto de partida, todo es nuevo otra vez, pero con una sensación de familiaridad. Como banda, tomamos los años de experiencia y pasión para dar forma al futuro de H.E.A.T con más convicción que nunca. La formación actual ha encendido una llama dentro del grupo. Erik Grönwall lo hizo muy bien. Es muy cercano, con personalidad, y en vivo es todo un torbellino. Sus habilidades vocales siempre han estado en un nivel alto dentro del género. ¿Ha significado esto algún condicionamiento para ti? Admiro mucho a Erik Grönwall, y me gustó mucho H.E.A.T con él detrás del micrófono. Estoy trabajando al máximo para mantener ese estándar de calidad. En este disco queda muy claro que eres un excelente cantante y que tu voz es muy adecuada para H.E.A.T en este momento. ¿Has participado en el proceso de composición de este nuevo álbum? Gracias, sí, estuve muy involucrado en la composición y producción de Force Majeure. He visto que para la grabación de este disco has tocado algunas guitarras. Cuéntanos cómo decidiste hacerlo?. Toco varios instrumentos, la guitarra es uno de ellos, y es algo que uso con frecuencia a la hora de crear o producir diferentes canciones. De hecho, la mayoría de nosotros somos multi instrumentistas. Es una ventaja grande, sobre todo a la hora de comunicarnos en el estudio durante el proceso de composición.

Texto: Dani Sanchez Fotos: promo

KENNY LECKREMO AGARRA LAS RIENDAS VOCALES EN EL NUEVO TRABAJO DE LOS SUECOS H.E.A.T "FORCE MAJEURE", UN ÁLBUM QUE MARCA UNA NUEVA ETAPA EN LA HISTORIA DE LA BANDA

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Este nuevo disco es definitivamente una fuerza mayor por su contundencia y energía. Es importante para ti que este disco signifique una transición correcta ante vuestro público con respecto a los que Erik Grönwall grabó antes? Es importante que H.E.A.T sea lo mejor posible. Nos lo debemos a nosotros mismos y a los fans. Yo creo que los álbumes que H.E.A.T hizo con Erik se plantearon también de esta manera, así que lo seguiremos haciendo igual. ¿Las canciones "Hollywood" o "Paramount" tienen alguna conexión con la industria del cine o con experiencias de la banda? No puedo decir que estén conectados con la industria del cine, el significado y los nombres de las canciones están separadas unas de otras. "Hollywood" va de como se ven las personas cuando tienen el foco sobre sus cabezas. Otras canciones como "Back To The Rhythm" son poderosas y pegadizas. ¡¡¡Creo que la he cantado por varios días desde la primera vez que lo escuché!!!. ¿Cuáles son tus favoritas de este álbum y por qué? También disfruto mucho de Back To The Rhythm, pero, sinceramente, no tengo ninguna favorita clara. Sin embargo, creo que necesitaré pasar algo de tiempo con ellas sobre un escenario para que realmente cobren vida y poder saber con cual vibro más. La gira de presentación de este disco comenzó hace unas semanas y por lo que se puede ver en vuestras redes sociales, está siendo todo un éxito. ¿Cuáles son los comentarios más comunes que recibís de vuestros fans? Recibimos pura emoción y amor por parte de ellos. No puedo decirte comentarios concretos, porque son muchos y expresados de diferentes formas, pero si puedo decirte que todas son vibraciones positivas viniendo de todas partes.

"ADMIRO MUCHO A ERIK GRÖNWALL Y ME GUSTÓ MUCHO H.E.A.T CON ÉL DETRÁS DEL MICRÓFONO"

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Por cierto, el tour se llama "Sign In The Northern Sky". ¿A que se refiere este nombre? Esta gira son los restos de fechas que la banda tenía planeadas hacer antes de la pandemia. "Sign In The Northern Sky” es parte de la letra de la canción Rise de H.E.A.T II y hace referencia al tour que debería haber sido pero que nunca sucedió en 2020.

JOE LUIS ES UN ARTISTA DE ORIGEN CHILENO, FORMADO EN LAS ARTES DEL HEAVY METAL, EN CUYA MÚSICA CONSIGUE CREAR UN HÍBRIDO ENTRE SUS INFLUENCIAS Y EL ARTE DE LA MEDITACIÓN Y LA CONEXIÓN DIVINA

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Eres un artista formado en las disciplinas del rock y el metal, pero has abierto un campo de expresión musical muy interesante que potencia enormemente una forma de escucha mucho más emocional que de costumbre. ¿Cómo lo has conseguido? Recuerdo que para mi doce cumpleaños mis tíos me regalaron dos cintas que cambiaron el rumbo de mi vida; And Justice For All de Metallica y Dr Feelgod de Motley Crue. Desde entonces todo fue un descubrimiento constante. Siempre me he sentido afortunado por haber crecido escuchando y viendo en vivo a varias leyendas del rock en su mejor momento, mientras que al mismo tiempo comenzaba a buscar a los padres del estilo en la línea del tiempo y encontrarme a bandas y solistas increíbles. Mi estilo es Rock Contemplativo o Post Rock y surge por un cuestionamiento constante del abuso excesivo de tocar versiones, o en otros casos donde los temas propios son tan similares a sus influencias que no se diferencian de la banda original. Esta situación me saturó muy joven. Siempre he tenido la cualidad de pensar bien las cosas y escuchar mis sentimientos, entonces llegó un momento en el que comencé a conectarme de forma espiritual con el Creador a través de meditaciones constantes. Me acerqué a Dios no por la iglesia, porque sabía que los dogmas no eran lo mío, pero si noté que necesitaba de su presencia. Comprendí el poder del uso de mi energía y como utilizarla de forma correcta, entendí que todos somos uno, naturaleza, planeta, cosmos... y cuando me refiero a todos, es a todos en el Universo. Después de ejercer mi profesión durante 15 años consecutivos, sentí el vacío de la música de mis anhelos reales de niñez. En aquel momento, ya con varios años en las artes marciales Bujinkan de Japón, conseguí terminar de conjugar todos los elementos mencionados, ya que logré entender que la técnica es algo secundario. Es difícil de comprender, pero parte de la filosofía marcial está muy presente en mi música. Escuchando mi ser interno y conectándome con el Universo, surgen mis composiciones, que provienen del alma, del uso correcto y no excesivo de una técnica especifica. En ese momento es cuando dejo que mi ser interior se refleje en mi arte. Tu ser interior puede guiarte por muchos caminos, solo debes elegir el que quieres proyectar.

" MI MAYOR INFLUENCIA ES MARTY FRIEDMAN DESDE SIEMPRE"

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Si tu música es una extensión de tu interior, ¿Qué temáticas concretas has reflejado en tus canciones? Mi música está muy conectada con mi ser interno, y eso es todo un universo demasiado largo de explicar. Mi música no tiene una estructura definida. No decido utilizar un tiempo concreto para componer, solo siento la llamada y la atiendo, muchas veces es Dios quien te habla, y para mi, saberlo escuchar es importante. El concepto de vida es tan grande e importante, que es uno de los pilares de mi composición. Mi single From the sky apunta un poco a eso; "Hey atentos, se os acaba el tiempo" y quizá seamos nosotros mismos quienes dictemos nuestra propia sentencia. La vida es un viaje, un regalo del Creador, debemos vivirla de la mejor manera posible, en ella están de forma real tu familia, tu pareja, tus amigos, cada instante con ellos son tesoros que nos llevaremos por siempre. Mi nuevo single, se conecta muy por dentro de mis pensamientos acerca de cuál fue mi propósito aquí en la tierra y de como extraño volver a ese inmenso universo de donde provengo. Tus canciones incluyen partes locutadas o samplers hablados que no acaban de ser estrofas cantadas, sino más bien algo que parecen mensajes puntuales en momentos concretos. ¿Qué puedes contarme sobre esto? Nacen de un momento a otro. En From the Sky fue una conexión única; tenia el papel y el bolígrafo en la mano, solo sabía que debía escribir y eso hice, y de ahí salió la letra del single. Fue un momento creativo muy intenso, pienso que todo en nuestra dimensión tiene un proceso, un tiempo de maduración y nada llega esta mundo de forma instantánea. Cada single ha tenido su período de gestación y eso en especial para el material que he escrito, tengo muchas letras almacenadas, pensamientos, meditaciones... espero poder llevarlas a varios singles que están por publicarse y poco a poco comenzar a cantar definitivamente, sin descuidar lo instrumental, ya que si me preguntas, soy un guitarrista al 100%. Tu música es instrumental y ambiental, y salvo a nivel de estructuras que están muy claramente fijadas, es como si estuvieran pasando cosas diferentes todo el rato. ¿Qué parte de improvisación hay en tus composiciones cuando entras al estudio a grabar?

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Existe y es real, en varias ocasiones agregue o corregí las ideas directamente en el estudio. En Emptiness recuerdo haber creado una parte del solo estando allí, con Rider, que es un single aun no publicado pero si terminado, sucedió lo mismo con las guitarras que agregue al final. Me dejo fluir, no me detengo, si viene y lo siento, ¡vamos a por ello!. En las artes marciales Bujinkan existe un concepto llamado Enka, hay muchas enka en mi música. Recuerdo un día que a un par de horas de salir de mi casa hacia el estudio, sentí la necesidad de tomar la guitarra nuevamente. El resultado lo encuentras en Emptiness, no fue pensado, solo sucedió, lo agregue y ahí esta publicado. La estética asiática aplicada al rock siempre ha tenido un componente de atracción mutua desde hace varias décadas ¿Por qué crees que resulta tan atrayente y tan compatible a la vez con este género musical? La conexión sucede al encontrar un punto de convergencia, en mi caso con las artes marciales Bujinkan, sus líneas gráficas de diseño únicas, caligrafía, arquitectura, moda, el uso de los colores y las formas hacen que todo ello te cautive, te atrape en un viaje de encuentro donde puedas hacerlo tuyo. Esa sensación de conexión sucede con la influencia de Japón en el mundo de la música a quienes queremos sumarlo como un aporte real.

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¿Cuáles son tus mayores influencias musicales y las que puedan parecerse a la música que tú haces?, es complicado encontrar hoy en día en el mercado a alguien que haga algo parecido... Primero quiero agradecer tus palabras, Gracias!, se hace tan propio por el hecho de crearlo desde lo profundo, sin presiones comerciales o de contratos que te alejen de esa conexión. Mi mayor influencia es Marty Friedman desde siempre y lo más increíble es que ya desde hace muchos años ¡vive en Japón!. Su forma de tocar es única, es impresionante... definitivamente lo seguiré siempre. Dave Mustaine aporto mucho a mi vida como músico, James hetflied y Kirk Hammet hasta el Black album fueron una influencia muy fuerte, el solo de unforgiven toda la vida ha volado sobre mi cabeza. Elvis Presley, Jimi Hendrix, Joe Satriani & Steve Vai, David Gilmur, Van Halen, Jerry Cantrell, sus solos son de otra dimensión, Mick Mars, Gustavo Cerati, Kiko Loureiro, Chris Cornell ( Soundgarden ), Zack wylde, Slash, Joe Perry, Dimebag Darrel , P.O.D, John Williams, Howard Shore Eric clapton, BB King... De momento solo hay disponibles tres canciones en plataformas digitales. ¿Hasta cuándo tendremos que esperar para escuchar el álbum completo? Tengo pensado publicarlo a fines de este año 2022 o principios de 2023, su nombre es Strings and Souls y contendrá 8 singles, ¡la espera estará justificada!.