MPS n°2 - Le doute ( version française)

MPS MEN PORTRAITS SERIES

n°2 version française

LE DOUTE menportraits.blogspot.com © Francis Rousseau 2011-2020

MEN PORTRAITS _____________________ Le Doute

Raffaelo Sorbi (1844-1931) Portrait d' Emilio Zocchi, 1868 Collection particulière

Le doute premier, c'est le doute sur soi-même. En général, les êtres humains ne l’aiment pas beaucoup car il fait entrer l'être dans un cycle qu’il a tendance à considérer comme dangereux. Pourtant, il n’y a rien de dangereux à douter de soi. Le doute est le compagnon obligatoire de l’évolution : si on ne questionne pas ses certitudes, on n’acceptera jamais aucune critique. Le doute est le lieu même de cette épreuve que constitue pour chacun une évolution personnelle.

Le sculpteur florentin Emilio Zocchi (1835- 1913) représenté ici, n’a jamais été en accord avec les mouvements de son époque. Surtout connu pour ses bustes, bas-reliefs et statuettes d'individus dans le goût de Renaissance, il fuyait les modes et se refugiait dans un classicisme apprécié de sa clientèle florentine bourgeoise et/ou patricienne, mais méprisée par les cercles artistiques. De tempérament taciturne, il aimait rendre hommage à Michel Ange qu’il sculpta dans différentes situations, la plus célèbre étant Michel-Ange enfant qui est conservée au Smithsonian American Art. Zocchi douta-t-il qu’en choisissant l’académique plutôt que l’impressionnisme, il avait fait le bon choix artistique ? Jamais. Pourtant son regard dans ce portrait questionne le spectateur. Il semble lui dire : « Toi là qui me regarde, où que tu sois dans le temps ou

dans l’espace - peut être même avec un siècle de distance – qu’en penses tu ? « Le peintre Raffaelo Sorbi auteur de ce portrait de Zocchi était dans les mêmes dispositions artistiques : florentin comme Zocchi, il produisit des petites toiles, vendues par la Galerie Goupil de Paris dont beaucoup dans le style néo Pompeien inspiré de l'antique romain ou du passé historique toscan.

MEN PORTRAITS _____________________ Le doute

Sont-ils toujours vivants ?

C’est la question que posent ces visages surgis avec intensité d’un passé très lointain, ces « portraits du Fayoum », un ensemble de peintures remontant à l'Égypte romaine, exécuté entre le 1er et le 4e siècle de l’ère chrétienne. Ils sont ainsi appelés à cause du lieu de leur première découverte, en 1888, dans la région de Fayoum en Egypte.

Ce sont en effet des portraits funéraires peints sur une écorce de figuier-sycomore et insérés dans les bandelettes de la momie au niveau du visage. (cf. ci-dessous).

Ces défunts, plus vivants que morts, sont toujours représentés en buste, le visage de face. Les « portraits du Fayoum » qui nous regardent ainsi droit dans les yeux du fond de l’antiquité égypto-romaine, poursuivent la tradition funéraire de l'Égypte antique de la momie et du sarcophage décoré. Ils l’enrichissent toutefois des influences concernant la représentation du corps, liées aux invasions et immigrations, notamment grecque puis romaine. Le parement de la momie ne fut pas l’unique fonction des « portraits du Fayoum ». Ils avaient surtout la capacité d’aider les vivants à se souvenir du défunt comme il était de son vivant et auquel le portrait devait ressembler le plus possible, selon la tradition romaine. Cela s’accordait parfaitement avec la culture égyptienne et son propre culte de l’imagerie liée au corps du défunt développé tout au long de l’époque pharaonique. Dans la culture égyptienne, le défunt devait survivre physiquement et spirituellement, et son corps servait d’attache physique aux parties immatérielles qui le composaient (ka et ba).

La tradition égyptienne allait plus loin que la tradition romaine dans le doute vis-à-vis de la condition du mort. Les égyptiens allaient jusqu’à conserert la momie du défunt à l’intérieur de la maison et la faisaient participer à chaque repas. Avec un Fayoum à sa table, certains pouvaient presque douter qu’il était mort. C’est d’ailleurs bien le même doute vis-à-vis de la mort qui persiste encore aujourd’hui dans ces portraits et les rend encore si troublants et fascinants, 20 siècles après leur création…

Trois » portraits du Fayoum 1er- 4e siècle

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A la fin des années 1940, Yukio Mishima (pseudonyme de Kimitake Hiraoka),24 ans, écrit Confession d’un masque. C’est une œuvre autobiographique mettant en scène un homme devant cacher ses désirs homosexuels.

Il devient immédiatement célèbre dans son pays et, en à peine quelques années, partout dans le monde. A cette époque, Mishima doutant de lui, veut absolument donner le change en troquant son apparence de jeune homme fragile contre celle d’un athlète. Il s’astreint à des exercices physiques extrêmement contraignants. En 1955, il a un corps d’athlète. Il l’entretient jusqu'à la fin de sa vie, en pratiquant le Kendo, l'escrime au sabre du Japon des Samouraïs.

Après avoir envisagé une alliance avec Michiko Shōda qui devint par la suite Impératrice du Japon après avoir épousé l'empereur Akihito - il se marie en 1958 avec Yoko Sugiyama dont il a 2 enfants. Cette vie rangée n’est pas un choix mais un sacrifice pour satisfaire le « désir de sa mère ». Tout le monde sait que l’écrivain mène une double vie : on le voit dans les bars homosexuels de Tokyo qu’il dit fréquenter « en observateur » ; on lui prête des liaisons avec des étrangers de passage où avec des Français quand il séjourne à Paris, etc...

L'homosexualité de Mishima apparaît clairement dans ses œuvres mais au Japon, ce thème reste toujours tabou, même plusieurs décennies après sa mort. Ainsi en 1995, sa famille intente un procès au romancier Jiro Fukushima qui publie un livre, assorti de lettres, sur sa liaison avec Mishima. Avant d'être totalement interdit, le livre se vend à plus de 90.000 exemplaires. Quant aux photos où Mishima exhibe son corps (comme celle-ci), elles sont devenues, depuis lors, les portes drapeaux iconiques de l’esthétique homosexuelle.

Yukio Mishima (1925-1970) photographié en 1967 avec son sabre de Kendo 3 ans avant son suicide

En 1968, Mishima va même jusqu’à jouer son propre rôle, dans un film - devenu mythique - Le Lézard noir aux côtés de l’onnagata (la transexuelle) Akihiro Miwa, dont on dit qu’elle/il fut son amant ! Le propre biographe occidental de Mishima, Henry Scott-Stokes balaie le doute sur l’homosexualité de Mishima de façon formelle, rappelant que la mort même de Mishima, son shinjū (suicide à deux) est une manière d'authentifier l'amour que Mishima et Morita se seraient portés. En effet au cours de l'année 1970, Mishima achève sa somptueuse tétralogie La Mer de la fertilité avec son quatrième tome : L'Ange en décomposition. Le 25 novembre, il poste à son éditeur la fin du manuscrit puis se rend au Ministère de la Défense où il prend en otage un général et fait convoquer les troupes à qui il tient un discours en faveur de la restauration de l’autorité impériale. C’est une tentative de coup d’Etat ! La réaction des 800 soldats présents, est hostile. Devant les huées, Mishima se retire de façon théâtrale et rentre chez lui pour se donner immédiatement la mort par seppuku avant que son amant, Masakatsu Morita, selon la tradition ne l’achève en le décapitant. Morita suivit immédiatement Mishima dans la mort. Ce coup d'éclat minutieusement préparé pendant plus d’une année, avait même été décrit à l’identique dans son roman Chevaux échappés (1969).

Avant de se suicider, Mishima fuma une Onshino Tabako, les cigarettes spéciales de la Maison impériale du Japon. A l'occasion de la publication de son essai, Mishima ou la Vision du vide (1980). l’académicienne Marguerite Yourcenar déclara dans l’émission Apostrophes : « La mort de Mishima était une de ses œuvres et la plus soigneusement préparée ».

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Andrea Solario (1461524) Homme à l’œillet rose, 1495 National Gallery London

Cet homme qui était un sénateur de Venise, tient ostensiblement un œillet rose dans sa main droite, ce qui n’est pas, on en conviendra facilement, la vocation première d’une sénateur, même vénitien.

Si par contre l’on souvient que l’œillet rose était un symbole d’engagement et qu’on rapproche ce signe du très bel anneau bleu et or que le sénateur porte à son pouce, on pourra vite déduire que cet homme à la fière allure se prépare à se marier ! La tradition vénitienne voulait en effet que le jour du mariage, l’époux offre à sa promise un œillet rose qu’elle s’empressait de cacher dans ses vêtements.

Plus de doute : ce portrait est donc celui du sénateur le jour même de son mariage.

Bien que son identité nous soit inconnue, sa tenue nous dit qu'il était un vénitien de haut rang.

Le bonnet et l'étole (ce morceau de tissu plié sur sa poitrine) atteste de la maturité du personnage. Sa tunique quant à elle, donne à penser qu’il était peut-être magistrat, car seuls les membres de l’un des conseils municipaux étaient autorisés à porter du rouge.

Venise, dans les années 1490, fut au centre des innovations dans le portrait grâce à l'adoption de nouvelles techniques et de nouvelles conceptions de la peinture venues des Pays-Bas. Solario a peint l'homme selon tous les canons de la dernière mode, en utilisant une pose de trois quarts, plutôt que de profil, sur fond d'une vallée verdoyante.

Solario était originaire de Milan bien qu'il ait surtout travaillé à Venise.

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Benoît le More (1526 - 1589) ou Benoît le Noir ou Benoit de Palerme est un franciscain réformé italien, reconnu saint par l'Église catholique. Il est le saint patron de la communauté Noire d’Amérique du Nord.

Benoît l'Africain est le fils de Christophe, esclave d'origine yoruba ou éthiopienne et de la sicilienne Diane Manasseri, devenus chrétiens. Ses parents n'auraient accepté de le concevoir qu'à la condition qu'il soit affranchi… mais, malgré les promesses, étant un garçon, il naîtra esclave et le restera jusqu’à l’âge de 18 ans. Les dix années suivantes, il gagna sa vie comme ouvrier de jour, partageant son maigre salaire avec les pauvres et consacrant son temps libre au soin des malades et à la méditation.

A cause de son origine ethnique, il essuya beaucoup de moqueries, mais répondit toujours aux humiliations avec bienveillance et dignité. Au cours d'une de ces railleries, la douceur des réponses de Benoît attira l'attention de Jérôme Lanza. Peu de temps après cet incident, Benoît put disposer de ses rares biens pour rejoindre le petit groupe d'ermites de Jérôme Lanza, qui le prit sous sa protection.

José Montes de Oca (1668-1754) St Benoit de Palerme, 1730, Minnéapolis Institute of Arts

Benoît entra alors chez les frères mineurs réformés de la stricte observance au couvent des franciscains de Sainte-Marie de Jésus près de Palerme où l’on raconte que la nourriture se multipliait miraculeusement entre ses mains. En 1578, il fut nommé, malgré lui et alors qu'il ne savait ni lire ni écrire, supérieur de l'ordre pendant trois ans.

La réputation de sainteté de Benoît se répandit dans le pays et attira de nombreux fidèles. On le disait de nature discrète et prêt à se cacher ou à se déplacer de nuit pour éviter d’attirer attention. Il existe cependant des représentations de ce saint, couvert de bijoux et de plumes qui pourraient faire douter de sa légendaire nature discrète !

Fake news ? !

Toujours est-il que Benoît l'Africain a été béatifié le 15 mai 1743 par Benoît XIV et canonisé par Pie VII le 24 mai 1807.

En 1998, le maire de Palerme a relancé son culte en Sicile afin d'amener ses concitoyens à une vision moins étroite des relations interraciales.

En 2000, son nom fut donné à une chaire créée par cette ville et par l’UNESCO afin de promouvoir le dialogue interculturel et interreligieux.

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Guido Mazzoni (1450 - 1518) Tête de vieillard, 1480-85 Terracotta, 26 x 17 x 20 cm.

Galleria Estensi, Modena .

Le succès du peintre et enlumineur Guido Mazzoni se concrétisa surtout par son excellence dans un genre artistique qui connut une grande popularité en Italie du Nord au XVe siècle : les statues polychromes grandeur nature, isolées ou en groupes sacrés. Déjà largement utilisée dans l’art espagnol sacré dès le XIIe siècle, cette statuaire polychrome à l’impact expressif immédiat devint rapidement très populaire en Italie aussi.

Le succès populaire fut considérable pour Guido Mazzoni, suivi très rapidement par une reconnaissance importante de l'aristocratie. Ainsi En 1491, il fut appelé à Naples auprès de la cour aragonaise, espagnole d’origine, et qui donc s’y connaissait dans cet art implanté depuis plusieurs siècle déjà dans sa péninsule. A Naples, il réalisa le buste en bronze de Ferdinand 1er (aujourd'hui conservé au musée Cappodimonte).

Le roi de France Charles VIII, découvrant Mazzoni lors de son passage à Naples, décida de l'emmener avec lui à Paris. Les documents de l'époque le mentionnent comme peintre et enlumineur. Il travailla avec Giovanni Giocondo au château d'Amboise, gagnant estime et admiration. À la mort de Charles VIII, il fut chargé d'exécuter le tombeau royal destiné à la basilique de Saint-Denis, somptueuse œuvre en bronze émaillé, entouré de statues d'anges et de vertus en pleurs. Le sépulcre fut détruit pendant la Révolution française.

Après un bref séjour en Italie en 1507, il revint en France au service de Louis XII. Il travailla au château de Blois, réalisant deux statues du roi : l'une en costume de chasse et la seconde, en pierre, comme monument équestre placé à l'entrée du château.

Qui est ce vieillard ? A qui appartient ce regard qui exprime tant de doutes ? Visage de prince ? ou d’anonyme ? Etant donné la notoriété du sculpteur, il y aurait, a priori, peu de chances que le personnage soit un inconnu. Pourtant Mazzoni, comme beaucoup d’artistes de son époque, aimait sculpté des visages d’inconnus dont il s’inspirait pour ses grands groupes polychromes sacrés. Il se peut donc que cette personne fasse partie de ces visages familiers que Mazzoni croisait dans les rues de Modène et auxquels il demandait de passer dans son atelier pour poser.

Mais à vrai dire… on n’en sait rien !

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Dick Ket( 1902-1940°, Autoportrait au géranium rouge, 1932, Huile sur toile, 80, 5 x 54 cm Museum Boijmans Van Beuningen

Dick Ket était un peintre connu pour ses natures mortes et surtout ses autoportraits (40 des 140 tableaux qu’il a peints).

Cet Autoportrait au géranium rouge évoque directement les modèles de l'art italien et allemand de la Renaissance, auquel il emprunte de nombreuses citations, comme le regard oblique qui exprime un questionnement ironique ou un doute existentiel (Botticelli, Dürer), la poitrine dénudée(Dürer), la main qui tient une fleur… Ses natures mortes, méticuleusement composées tournent toujours autour des mêmes thèmes et représentent presque toujours les mêmes objets à savoir des bouteilles (comme celle qu’il tient dans la main droite), un bol presque vide (en bas à droite) souvent ébréché ou sale, des œufs, des instruments de musique, des journaux, des jouets d’enfants (comme le cheval articulé pendu au mur)... Ket a juxtaposé ces objets dans des arrangements angulaires, saisis d'un point de vue élevé, dans un cadrage "en plongée", les ombres portées des objets créant toujours d'intéressantes diagonales.

Il est considéré aujourd’hui comme l'un des représentants les plus attachants du réalisme magique néerlandais.

Ses expérimentations techniques de différents additifs dans la composition de ses pigments, medium et vernis, ont eut pour effet de provoquer un résultat étonnant et difficilement gérable par les conservateurs, puisque certaines de ses peintures ne sont toujours pas complètement sèches après 80 ans !!!

Le Rijksmuseum d'Amsterdam, le musée Arnhem et le musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam figurent parmi les musées conservant – à leurs risques et périls - des œuvres de Dick Ket.

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Ce portait a été peint à Saint Petersbourg, à peine deux mois avant que la Révolution ne livre la Russie impériale au coup d’Etat que l’on sait.

En cette année 1917, Remissoff est encore étudiant, depuis presque 10 ans, à la prestigieuse Académie impériale des beaux-arts de Saint-Petersbourg.

Lorsque la Révolution de 1917 éclate, Ilya Répine, célébrissime peintre au sommet de sa gloire, fort de ses nombreuses commandes impériales, se rend dans la capitale pour échanger avec les autres peintres. Il préside une réunion qui propose la création de l'« Union des acteurs des arts plastiques » réorganisant l’Académie des beauxarts, sur le modèle d’une « commune de production et de savoir ». C’est à ce moment précis qu’il rencontre Remissoff et qu’il peint son portrait en illustration de l’utopique « commune de production » .

Mais, alors que Remissoff est employé comme dessinateur dans les revues Strekoza, Satyricon puis Novy Satyricon où il publie des dessins satiriques sur

Ilya Repin (1844-1930) Portrait de Nikolaï Remissoff (1887-1975) peint en 1917 à Saint Petersbourg

des sujets politiques, un doute sérieux le saisit quant à l’interprétation de l’idéal révolutionnaire, surtout au moment de la prise du pouvoir par la force d’un groupuscule de bolcheviques enragés.

En 1920, déçu dans ses attentes révolutionnaires, il décide d’émigrer et de s’installer, comme de nombreux russes, à Paris. Il y trouve tout de suite un travail dans un atelier de peinture où il réalise des affiches publicitaires et de propagandes politique. Il collabore également comme peintre de décor de théâtre sur des scènes parisiennes plus ou moins obscures…

En 1922, nouveau doute et nouveau départ… vers les États-Unis cette fois-ci où il devient en 1939 - après plusieurs années de vaches maigres - décorateur puis directeur artistique à Hollywood.

Cette fois, la réussite était au rendez vous et entre 1939 et 1960, il travailla sur une quarantaine de film dont Mice

and Men (Des Souris et des Hommes ou Turnabout (Changeons de Sexe) ce que – le doute ayant ses limites - il n’osa tout de même pas faire !

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Albrecht Dürer (1471–1528) Ecce homo Huile sur panneau de bois , 30x19cm, circa 1493 Staatliche Kunsthalle Karlsruhe ,

Cette célèbre œuvre de Dürer, représente Jésus-Christ après qu'il ait été flagellé et raillé par les soldats, juste avant qu'il soit crucifié. Jésus saigne abondamment de ses humaines blessures et il tient dans ses mains les instruments utilisés pour le battre : un fouet à trois nœuds et un faisceau de verges en bouleau.

Il porte la couronne d'épines. Il appuie sa tête sur sa main droite dans un geste de chagrin.

Son autre main repose sur un rebord dont elle dépasse légèrement, un artifice de perspective que Dürer utilisait souvent pour ajouter de la profondeur.

Le visage est peint avec beaucoup de réalisme. Sur un fond doré, le Christ regarde en direction de l'observateur du tableau, exprimant sa résignation face à son sort. Ce panneau de dévotion, bien que non signé, a été attribué à Dürer en 1941 et il est depuis lors largement accepté comme une de ses plus belles œuvres de jeunesse. Cette œuvre bouleversante et si pleine d'humanité date de l'époque où Dürer était un compagnon et elle aurait très bien pu être réalisée à Strasbourg, probablement en 1493 ou au début de 1494. Elle porte le titre de Ecce Homo, ce que l’on peut traduire par Voici l’homme dans le sens de Voici l’être humain, une allusion directe au dogme chrétien selon lequel Dieu a voulu envoyer son fils, incarné dans un simple homme pour sauver le genre humain… lequel douta de sa nature divine et le crucifia. « Eloï, Eloï, lamma sabachtani » (Mon Dieu ! Mon Dieu ! Pourquoi m'as-tu abandonné ? ) aurait dit le Christ sur la croix. Propos rapportés dans les Evangiles de Matthieu (27,46) et de Marc 1(5,34), donnant ainsi au doute une dimension divine.

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Henry Scott Tuke (1858-1929) Watching the sea Private collection

La chair est triste, hélas ! et j’ai lu tous les livres.

Fuir ! là-bas fuir! Je sens que des oiseaux sont ivres D’être parmi l’écume inconnue et les cieux !

Rien, ni les vieux jardins reflétés par les yeux Ne retiendra ce cœur qui dans la mer se trempe Ô nuits ! ni la clarté déserte de ma lampe Sur le vide papier que la blancheur défend Et ni la jeune femme allaitant son enfant.

Je partirai ! Steamer balançant ta mâture, Lève l’ancre pour une exotique nature !

Un Ennui, désolé par les cruels espoirs, Croit encore à l’adieu suprême des mouchoirs !

Et, peut-être, les mâts, invitant les orages, Sont-ils de ceux qu’un vent penche sur les naufrages Perdus, sans mâts, sans mâts, ni fertiles îlots …

Mais, ô mon cœur, entends le chant des matelots !

Stéphane Mallarmé (1842-1898) - Brise marine

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Frederick Inman Monsen (1865-1929) Portrait de Poo-wish-ke-ja-le-kiss, Navajo.

Painted Desert, Arizona. ca 1900 ,

Le photographe Frederick Monsen est arrivé dans le Colorado pour occuper un poste de rédacteur en chef d’un journal dans lequel il a commencé à photographier les peuples autochtones américains.

Il ne se doutait pas alors que cela deviendrait le travail de toute sa vie, au point qu’il finirait par vivre avec ces peuples indigènes du Sud Ouest des Etats-Unis.

Le jeune Poo-wish-ke-ja-le-kiss, dont Monsen fit le portrait (ci-contre) autour de 1900, appartenait au très noble et très ancien peuple des Navajo, descendant direct du peuple Dineh qui arriva d’Asie centrale en Alaska, à pieds par le détroit de Behring aux environs de 1200 avant l’ère chrétienne.

Les Navajo attendirent cependant le XVIe siècle avant de descendre du nord du continent américain et de s’installer au sud-ouest.

Au XVIIe siècle, ils étaient devenus un peuple pastoral, avec une économie fondée en grande partie sur l'élevage et la chasse. Au cours des XVIIIe et XIXe siècles, ils entrèrent en conflit avec les colons espagnols et Mexicains. Leurs contacts avec les Espagnols furent limités mais importants ; ces derniers introduisirent les chevaux, les moutons et les chèvres, qui devinrent des éléments vitaux de l'économie

navajo.

En 1846, les Navajos conclurent un premier traité avec le gouvernement des États-Unis, mais des accrochages avec les troupes américaines entraînèrent des hostilités en 1849 et des combats répétés jusqu'en 1863.

Cette année-là, les Navajos furent capturés et envoyés à pied dans la réserve de Fort Sumner, au Nouveau-Mexique. Cette déportation est connue dans l'histoire navajo comme la « longue marche ». En 1868, plus de 2 000 des quelques 10 000 captifs étaient déjà morts.

C’est de ce peuple téméraire que le regard du jeune jeune navajo photographié par Monsen semble raconter l’histoire plusieurs fois millénaire. Du haut de ce regard, comme l’aurait dit Napoléon du haut des pyramides d’Egypte, plus de 3000 ans d’histoire contemplent les nouveaux peuples espagnols, anglais et hollandais des Etats-Unis !

La spiritualité navajo fondée sur le culte de la nature et de l'harmonie (hozho) est lié à la santé, la beauté, l'ordre et l'harmonie. Elle a retrouvé à la fin du XXe siècle un regain d’intérêt notoire… et pas sur le continent américain.

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Polidoro da Caravaggio 1527, Etude de tête d’homme inconnu Royal Collection UK

Le peintre italien Polidoro di Caravaggio (1499-1543) - à ne pas confondre avec Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), dit Le Caravage - n’était pas du tout destiné à faire une carrière artistique mais une carrière de maçon. Longtemps il fut chargé de porter la navette (un récipient plein de chaux vive) lors des travaux de construction des loges du palais pontifical à Rome. Mais son sens inné du dessin, qu’il pratiquait au sol entre deux navettes, finit par le faire remarquer par les brillants artistes qui travaillaient pour le pape et surtout par le grand Raphael luimême qui le prit immédiatement sous sa protection, comme élève.

Polidoro de Caravaggio entama son œuvre de dessinateur en réalisant surtout des portraits, d'enfants notamment et d'inconnus qu'il croisait dans la rue, dans les auberges ou dans les bordels. Assez bizarrement, comme le fera dans ses tableaux sacrés, un siècle plus tard, son homonyme Le Caravage, les personnages de Polidoro de Caravaggio sont tous des voyous… voire même de sacrés crapules, généralement voleurs, assassins, escrocs ou violeurs… ou les quatre à la fois ! Les deux Caravage - cette coïncidence étant d’autant plus troublante qu’ils n’ont pas pu se connaitre - utilisent ces petites frappes comme modèles pour leur Christ, leur St Jean Baptiste, leur St Sébastien et autres saints légendaires de l’église catholique romaine ! Dans ses dessins, Polidoro excella dans le clair-obscur et montra son attachement au modèle l'antique. En 1527, le Sac de Rome par les troupes de Charles Quint poussa Polidoro à s'enfuir. Il se réfugia d'abord à Naples où il peignit notamment, dans la chapelle de Sainte-Marie-des-Grâce, un saint Pierre inspiré par un pêcheur croisé sur le port. Très rapidement Polidoro estima qu'il n’était pas assez reconnu à Naples et il s'embarqua pour Messine où davantage considéré, il se remit au travail. Devenu célèbre à Messine, il s’y installa …mais pas pour longtemps car Tonio Calabrese, qui était à la fois son domestique, son modèle et son élève (mais surtout un fieffé voyou!) l'assassina à coup de couteau pour lui voler une importante somme d'argent qu'il venait de recevoir. De Tonio Calabrese peintre, on ne connait pas un seul tableau ni un seul dessin ! Par contre concernant Tonio Calabrese modèle, il se pourrait fort – que ce soit lui qui soit représenté dans la tête d’homme inconnu ci-contre, conservée dans les collections de la Reine d’Angleterre. Le doute subsiste encore aujourd’hui.

Quel destin !

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Herbert Ponting (1870-1935) Patrick Keohane on return from the Barriers, 29 January 1912 The Royal Trust Collection Collection of Her Majesty the Queen Elizabeth II ,

Le maître de pont Patrick Keohane (18791950) était un membre irlandais de la mythique expédiJon antarcJque de Robert Falcon ScoL de 1910-1913, l'expédiJon Terra Nova. À 30 ans, il est sélecJonné par Teddy Evans pour rejoindre l'expédiJon Terra Nova en AntarcJque à bord du HMS Repulse. C'est lui qui pendant le voyage vers le pôle sud conduisit un des poneys embarqués par ScoL au pied du glacier Beardmore. Il a ensuite fait parJe du groupe de 12 hommes designés pour parJr à la recherche du pôle. Il fut avec Edward L. Atkinson Charles S. Wright et Apsley Cherry-Garrard , ceux qui arrivèrent à 85 ° 15 'Sud le 22 décembre 1911.

Pendant le voyage de retour au Cap Evans, Keohane tomba dans une crevasse huit fois en 25 minutes avec son poney. Ils parvinrent néanmoins à aLeindre Hut Point le 26 janvier 1912.

Le 27 mars 1912, Keohane, avec Atkinson, tenta de retrouver ScoL et son groupe et de les ramener à Cape Evans. Ils ne purent que progresser jusqu'à un point situé à 8 miles au sud de Corner Camp. Là, ils laissèrent une semaine de provisions et retournèrent à Cape Evans.

Le 29 octobre 1912, après avoir passé l'hiver austral sur le conJnent, Keohane et son groupe partent à la recherche du groupe de Robert Falcon ScoL. Le 12 novembre, ils retrouvent les corps gelés de ScoL, Edward Adrian Wilson et Henry Robertson Bowers à 11 miles au sud du dépôt de nourriture de One Ton. Ils décident de ramener avec lui tous les documents, relevés et aquarelles que l'équipe de ScoL avait produit....

C’est au moment précis de ce retour éprouvant pour le physique comme pour le moral, qu’Herbert PonJng, grand photographe et aussi grand témoin des premières expédiJons polaires décida de réaliser e cliché ci-contre.

Le 22 janvier 1913, rare survivant de ceLe expédiJon tragique et héroïque, le maître de pont Patrick Keohane revint vers l’Europe depuis Cape Evans, à bord du HMS Terra Nova Le navire arriva au Pays de Galles le 14 juin 1913.

Après son retour, Keohane rejoignit le service de la Garde côJère et devint officier de district des garde-côtes de l' île de Man. Il a ensuite rejoint la Royal Navy et a servi pendant la Seconde Guerre mondiale. ll est décédé à Plymouth, en Angleterre, en 1950, à l'âge de 71 ans.

MEN PORTRAITS _____________________ Le doute Le peintre britannique Glyn Warren Philpot réalisa plusieurs portraits 5trés Tom Whiskey qui, en réalité, représentaient Julien Zaïre, musicien de jazz se produisant dans des cabarets parisiens.

Ces portraits présentaient le musicien comme un homme élégant, au physique raffiné, entouré de tous les signes de la modernité (gramophone, décor d’avant-garde…), signes qui étaient aussi liés au jazz débarqué en Europe dès la fin de la Première guerre mondiale. Ces portraits furent présentés pour la première fois en 1932 au Royaume Uni. Autant dire qu’ils firent l’effet d’une bombe d’exo5sme et d’avant-gardisme dans l’univers compassé des peintres de la Royal Academy.

Ces images d’un Paris dansant, tout en élégance et raffinement, semèrent le doute dans les esprits étriqués de ce temps. Ils portaient un message fort que Philpot renouvela souvent dans la suite de son œuvre, celui d’une négritude synonyme de beauté, d’élégance et d’intelligence.

Glyn Warren Philpot, (1884-1937) Tom Whiskey (M. Julien Zaire), 1931 Private collection (Sotheby's London)

Un message qui peut paraitre banal de nos jours mais qui était tout à fait révolu5onnaire à ceVe époque là.

Quand à Julien Zaïre, héros de ceVe aventure bien qu’il n’ait pas laissé d’empreinte dans le monde musical, on pense qu’il était arrivé de Mar5nique (exactement comme Joséphine Baker) dans le sillage de la Revue Nègre présentée au Théâtre des Champs Elysées, en 1925.

Ce que l’on appelait alors le Harlem Renaissance se propagea dans Paris de façon foudroyante et fit de la capitale de la France rien de moins que la capitale mondiale du Jazz ! Les Français, tout à leur désir de s'amuser après d’éprouvantes années de guerre, découvraient grâce aux américains, des nouvelles danses comme le charleston. Les quar5ers de Montmartre et des ChampsElysées accueillaient des clubs de jazz comme Le Grand Duc, Le Boeuf sur le toit, Le Théâtre des Champs-Elysées et une mul5tude d’autres pe5ts clubs ouvrant et fermant au gré des modes. C’est sans doute dans

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l’un de ces bars-clubs éphémères que se produisait Julien Zaïre dont le nom sera vite éclipsé par ceux plus pres5gieux des Django Reihnardt, Henri Salvador, ou Sidney Bechet…

Du Paris de ceVe époque là, surnommé le Paris des Années Folles, Jean Cocteau dira : « La première fois que j'ai entendu du jazz, j'ai dressé les oreilles d'un cheval de cirque.

Je reconnaissais la musique tant désirée... "

MEN PORTRAITS _____________________ Le doute

Charles André́ van Loo (1705-1765) Homme debout, 1742.

Collection privée

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Charles André van Loo, dit Carle van Loo, est un peintre français, fils du peintre LouisAbraham van Loo et le frère du peintre Jean-Baptiste van Loo (1684-1745). Il connut une carrière brillante et devint immensément célèbre, sous la protection de la Marquise de Pompadour pour laquelle il travailla énormément.

Il est le plus connu des membres de la dynastie des Van Loo, établie en France dès le 17e siècle.

Sa maîtrise technique fut assurément exceptionnelle, et pourtant nul autre artiste autant que lui ne douta à ce point de son talent, comme semble le dire le modèle même de la splendide gravure ci-contre. Peu sûr de lui et peu instruit, il préférait suivre les conseils de ses amis et se laissant influencer par la critique que de prendre des initiatives. Modifiant sans arrêt ses compositions, il n’hésita pas à détruire certaines de ses œuvres. Ce fut le cas, par exemple, pour la première version d’une de ses œuvres aujourd’hui les plus célèbres : Les Trois Grâces.

On a voulu voir dans ce doute permanent sur son talent et ses capacités une explication à l’indéniable froideur de ses toiles les plus ambitieuses, surtout lorsqu’on les compare avec ses esquisses préparatoires.

Diderot dira dans sa Notice sur Carle Vanloo en 1765 : « Le premier malotru assez confiant pour dire des bêtises était capable de lui barbouiller le plus beau tableau avec une sotte critique ; il en a gâté plus d’un sur des observations qui n'avaient souvent pas le sens commun ; et à force de changer, il se fatiguait sur son sujet, et finissait par une mauvaise composition, après en avoir effacé une excellente. » De nos jours, on ne peut constater que ce doute permanent érigé en principe de création et même s’il ne fut pas toujours utilisé a bon escient a garanti à Carle Van Loo un succès public considérable ! Au XVIIIe siècle, on ne connaît pas d'équivalent à ce phénomène de succès populaire avant l'engouement suscité par la peinture de Jean-Baptiste Greuze ou la peinture héroïque de propagande de Jacques-Louis David.

MEN PORTRAITS _____________________ Le doute

Aaron Shikler (1922–2015) Portrait de John F. Kennedy Portrait présidentiel officiel posthume du President des Etats Unis,1970 The White House. ,

Contrairement aux nombreux portraits du Président assis derrière son bureau, le portrait de Shikler représente le 35e Président des Etats Uni , J. F. Kennedy (1917-1963) debout, les bras croisés, les yeux baissés, le visage obscurci par le doute.

Derrière ce portrait il y a une histoire.

Portrait posthume, peint en 1971, donc presque dix ans après la mort de Kennedy, cette réalisation fut étroitement supervisée par la veuve du président, Jackie Onassis. A ce propos en 1981, le peintre Aaron Shikler déclarait au magazine People : " Le point sur lequel Jackie a particulièrement insisté était qu’elle ne voulait pas qu'il ressemble au portrait habituel que l’on voyait de lui avec les poches sous les yeux et le regard pénétrant. Elle disait qu’elle en avait assez de voir partout cette image là de lui ."

Avant de faire les premiers croquis préparatoires, Shikler a consulté l’important fond photographique consacré au défunt président avant de tomber sur une image représentant Ted Kennedy sur la tombe de son frère. C’est celle-ci qu’il choisit comme source d’inspiration bien que le tableau demandé n'était pasdu tout censé évoquer la mort de Kennedy.

Selon People, dès que Jackie a vu ce croquis, elle l'a choisi en priorité parmi tous les autres. " Vous pourriez vous inspirer de celui-ci " suggéra-telle alors.

En 1971, Shikler déclara au Washington Post : "J’ai d’autant plus suivi sa suggestion que c’était ma première idée ! Et c’est ainsi que j’ai c peint le 35e président la tête baissée, non pas parce que je le considérais comme un martyr, mais parce que je voulais le montrer comme le président penseur qu’il était à mes yeux…. Et un président qui pense est une chose rare. » Et en effet cet président qui permit que le premier homme foule le sol de la Lune et qui s’opposa à la construction du mur de Berlin, était un homme qui pensait donc qui doutait.

Ce portrait dans la position du penseur en proie au doute ne fut pas exempt de critiques et selon le Washington Post : »Beaucoup de politiciens se demandèrent pourquoi Shikler avait choisi de ne pas montrer les yeux du président". Ce à quoi le peintre répondit : "Tous les portraits du président le décrivent ainsi regardant le spectateur droit dans les yeux comme pour le convaincre de voter pour lui !

Ce n’est pas ce que je voulais ! Je voulais quelque chose de plus de signification qu’une banale affiche électorale ! Je voulais essayer de montrer à la fois le courage de cet homme et son humilité devant la tâche qu’il avait accomplie, comme s’il se demandait encore s’il avait eu tort ou raison de prendre telle ou telle décision…"

MEN PORTRAITS _____________________ Le doute

Hans Leonard Schäufelein (1480-1540) Portrait of a Man (1507) National Gallery, Washington

De ce tableau et de son peintre, on ne sait quasiment rien, ce qui permet comme d’habitude en pareil doutes, d‘imaginer tout ce que l’on veut !

Si l’on se fie à la dataJon inscrite en haut à droite et au monogramme AD en haut à gauche, ceLe composiJon serait du grand Albrecht Dürer (1471-1528). Et on le crut longtemps… au moins jusqu’à ce que le milliardaire et grand collecJonneur américain Andrew W. Mellon en fasse l’acquisiJon en 1928. En se penchant sur ceLe œuvre et sur sa facture, des experts parvinrent alors à la conclusion que si le support était bien du début du XVIe siècle, le monogramme et la date avait probablement été ajoutées à la main plus tard. Allant plus loin, il conclurent aussi que l’œuvre n’était probablement pas de la main de Dürer lui-même mais de son plus fidèle élève et collaborateur, Hans Leonard Schäufelein (1480-1540) qui travailla dans l’atelier de Dürer de 1504 à 1505 et s’inspira durablement de son style. En réalité le collecJonneur Andrew Mellon perdait peu au change, puisque les œuvres de Schäuflein jouissaient sur le marché d’une cote presque aussi importante que les œuvres de Dürer !

De Hans Leonhard Schäuffelin lui-même, on ne sait par contre quasiment rien… si ce n’est que la graphie de son nom est très variable et fluctue entre Schauffele, Schäufelein, Schäuffelein, Scheifelin, Schenfelein, Schenflein ou Schoyffelin. On sait aussi qu’il fut de façon certaine l’élève d’Albrecht Dürer, du style duquel il s’inspira largement pendant toute sa vie et sur lequel il bâJt toute sa carrière. La date apposée sur le tableau postérieurement sème elle aussi le doute, car en 1507, on sait que Schaufelein venait de quiLer Nuremberg pour se rendre à Augsbourg où il aurait travaillé avec Hans Holbein l'Ancien. Dès lors Schäufelein signait ses œuvres avec la combinaison de son monogramme en ligature et d'une peJte pelle (Schaufel en allemand) et certainement pas du monogramme de son maître AD. La toute première peinture datée et authenJfiée de Schäufelein avec son monogramme n’apparut qu’en 1508.

Le personnage représenté reste quant à lui un mystère total. On pensa un temps qu’il aurait pu s’agir du peintre lui-même ou d’un portrait de son fils Hans Schäuffelin dit le Jeune (1515-1582), qui était lui aussi peintre mais naquit 8 ans après ce portrait, ou même d’Albrecht Dürer qui adorait se peindre et se faire peindre… mais ni l’une ni l’autre de ces soluJons n’ont jamais été validées par les experts.

Ici ,le doute reste donc enJer !

MEN PORTRAITS _____________________ Le doute

Jean Grandjean (1752-1781).

Etude de tête d’homme, 1780 Huile sur toile, Collection privée

Le doute : attitude positive ou négative ?

Pour Socrate (-470/ -399) le doute est synonyme de critique et de remise en cause de tout ce qui se présente

comme un savoir définitif.

Pour les philosophes sceptiques comme Pyrrhon d’Elis (-360/-270) ou Timon de Philonte, le doute est une attitude d’attente, de suspens : en effet si l’on considère la précarité de la condition humaine, il est préférable de ne rien affirmer avec certitude mais au contraire de douter de tout.

Pour Descartes (1596-1650), le doute radical sert à ne pas être dupe des opinions ou des faux savoirs ; c'est une méthode qui sert à nous purger de nos illusions, et à atteindre sinon la vérité en tout cas quelque chose qui en serait plus proche.

Pour Kant (1724-1804), le doute est nécessaire au progrès de l’humanité. Le doute est LA source des Lumières.

Et pour vous ?

MPS MEN PORTRAITS SERIES

n°2 version française

C’est fini… mais avec MPS rien n’est jamais vraiment fini !

Les autres séries thématiques arrivent en anglais, espagnol et bientôt d’autres langues encore menportraits.blogspot.com © Francis Rousseau 2011-2020