Revista Maxwell Arq Edi. 01

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Índice

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Acotación

PASADO Y FUTURO

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Astrid Pimienta

Hotelería

SOLAZ LOS CABOS

Sordo Madaleno Arquitectos

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En Primer Plano

HYATT CENTRIC

42

Residencial

CASA LA ROCA RRZ Arquitectos

Legorreta+Legorreta

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RESIDENCIAS PUERTA BAJÍO Legorreta+Legorreta

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46

IN123

50

Bienestar

Autograph Collection Hotels | Marriot.

CENTRO CULTURAL MÉXICO PLAZA

Contempóranea

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SAYA PARK

Álvaro Siza + Carlos Castanheira

Grupo México Plaza

28

80

ANDRUM Johan Sundberg Arkitektur

CLEVIÁ

54 24

Jean Verville

60

Retail

Materiales

EL FACTOR ACÚSTICO Quorum Acoustics

78

GRUPO ARCA

Acotación

ARTE FACTO Marcela Barreto

Esrawe Studio

Artífices

80

FRIDA ESCOBEDO

66

32 PEDRO PÉREZ

Sui Géneris

BELLA | YACHTBAU Norm Architects

72

38

Maxwell Arquitectura · Interiorismo

KIS THE TWIST BIG | Bjarke Ingels Group

84

Autores

88

Exposición

CHRISTINE ERHARD

Acotación

EL PRESENTE Y FUTURO DEL DISEÑO MEXICANO

Colección

PALEO MESAS Estudio Adán Cárabes

@arquitecturamaxwell

FESTIVAL

DE ARQUITECTURAS

VIVAS

Alexandra González

74

Escenarios

92

Dirección de Arte

JACOB JONAS



Directorio

ARQUITECTURA · INTERIORISMO

Director Editorial MAXWELL Arquitectura · Interiorismo José Miguel Méndez miguelp@grupomaxwell.com.mx Director Editorial MAXWELL Lo Más Selecto Mario Preciado mariopreciado@grupomaxwell.com.mx Directora Ejecutiva Zulema Judith Araujo González zulemaaraujo@grupomaxwell.com.mx Director de Arte y Diseño Adrián Darío Vera Calderón dariovera@grupomaxwell.com.mx Coordinadora de Arte y Diseño Sofía Malacara Muciño diseno@grupomaxwell.com.mx Diseño Gráfico Luz Mariana Torres Moreno

Portada Edición 01 Hyatt CENTRIC Fotografía diego torres

Analista Digital Fernanda Rodríguez Calderón fernandar@grupomaxwell.com.mx Asistente Editorial Liliana Núñez lilianan@grupomaxwell.com.mx Ejecutivos De Cuenta Claudia Rode, Ma. Esperanza González Romero Circulación Óscar Alcaraz Paz Administración Erika del Rocío Reyes Morales Finanzas Luis Gerardo Díaz López Presidente del Consejo Mario Alberto Martínez Muñoz direccion@grupomaxwell.com.mx Redacción Astrid Pimienta, Alexandra González, Marcela Barreto, Leticia Alvarado, Julieta de León, Emilio Zamora, Ricardo Dairen, Carlos Castanheira, Brenda Pérez, Daniel Ruvalcaba, Mateo Pazzi. Fotografía Diego Torres, Uve Sánchez, Rafael Gamo, Carlos Torres, Marcos García, Maxime Broulliet, Peo Olsson, Fernando Guerra, JongOh Kim, Genevieve Lutkin, Jaime Navarro, César Béjar, Jonas Bjerre-Poulsen, John Jennings, Igor Miske, Max Carvallo, Rodrigo Álvarez, Laurian Ghinitoiu, Minh Tran, Ashley McKinney, Daniel Dent, Fransisco Cruz, Zack Alexopulos, Jacob Jonas.

www.maxwell.com.mx Teléfono: (477) 214 3913

MAXWELL ARQUITECTURA E INTERIORISMO, Diciembre 2019, publicación trimestral editada por Grupo Editorial Maxwell, S.A de C.V. Con domicilio en Blvd. Campestre 2150, 2do. Piso, espacios 12 y 13. Col. Lomas del Campestre, C.P. 37150. Tel.: (477) 2143913. León, Guanajuato. Contacto: contacto@grupomaxwell.com.mx. Impresión, Coloristas y Asociados, S.A. de C.V., con domicilio en Calzada de los Héroes 315, Col. Centro, León, Guanajuato. Teléfono: (477) 7166961. Grupo Editorial Maxwell, S.A. de C.V. no asume responsabilidad alguna por información y las fotografías proporcionadas por los anunciantes. Dicha información se asume como confiable de acuerdo a las fuentes de donde se obtiene. Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta revista sin el permiso expreso de Grupo Editorial Maxwell, S.A. de C.V.



Carta Editorial

A QU Í , A H OR A . Todo me es arquitectura... la memoria, la gratitud, los anhelos, el nuevo desafío, e incluso, la nada. Lo limitado y lo tradicional en las definiciones de la materia no entran en tema [aquí]. No hablo de arquitectura solamente como el set donde termina desarrollándose una escena ni como manifiesto urbano, tampoco como hábitat erigido bajo juramento de los principios fundamentales de belleza, firmeza y utilidad; no [ahora]. Hablo de ella como colección de interpretaciones, gustos y beneplácitos que van más allá de una declaración construida. La refiero como una traza sutilmente delineada que lo único que demanda es saber ser detectada, signos vueltos materia que se brindan para a través suyo leer la extraordinaria complejidad de la vida. Como individuos y como sociedad solemos crear nuestras propias condiciones, ya sean físicas, psíquicas o artificiales; solemos repetirnos, transformarnos y expandirnos en nuestra configuración más amplia. Eso también es arquitectura. Es así como ella me significa identidad propia y denominadora, un atisbo de marca, de símbolo, una expresión; con ella controlamos la temperatura del cuerpo, condicionamos el estado psicológico, determinamos el espacio y nos apropiamos del ambiente. Por ello atrevo a pronunciar que tanto la arquitectura como el arte deben pertenecer a quien más lo necesite, deben potenciar la idea de colectividad como promesa tectónica, como un eje estructural. Bajo esta filia y con total gratitud de hablar a nombre de tantas personas que guiaron esta primera edición de Maxwell | Arquitectura & Interiorismo, tengo el privilegio de presentar las siguientes páginas con el mismo entusiasmo de quien abre por vez primera la mirada hacia el asombro. Por este primer episodio desfilan proyectos de arquitectura, diseño y arte de jerarquía clave, obras cuyo eco resuena en diversas aulas y en distintas voces. Cada página que conforma este número se encuentra en consonancia con la trayectoria editorial de Grupo Maxwell, la cual cuenta con más de 15 años de experiencia en el mercado nacional. Italo Calvino decía en sus Ciudades Invisibles que “lo que comanda el relato no es la voz, es el oído”. Yo concuerdo. Aquí somos anónimos labradores, ustedes los habitantes y es ahí donde reside el mayor mérito de esta labor narrativa. Gracias al pasado que nos tiene aquí construyendo el futuro. Es tiempo de avanzar, a paso firme y consciente, pues como escuché decir cientos de veces a un arquitecto de otro planeta… precisamente todo está pasando aquí y ahora.

JOSÉ MIGUEL MÉNDEZ Director Editorial



Acotación

¿Es el presente una concepción virtualmente integral de todas las partes que conforman nuestro mundo… es la arquitectura el insondable eje sobre el que rotan los preceptos de lo hecho y lo que está por venir ?

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Arquitectura e Interiorismo


PASADO

y FUTURO Astrid Pimienta Maestría en Diseño Arquitectónico, Investigadora y Docente Fotografía: Uve Sánchez · Concrete Museum

Mucho se habla acerca de la forma en que la arquitectura es una manifestación de los modos de vida de una sociedad, un reflejo directo no solo de las condiciones contextuales que han moldeado a cada una de ellas, sino también de sus más profundos deseos y aspiraciones. Es por esto que para analizar el pasado, la arquitectura es una herramienta tan útil que llega a ser imprescindible: las muy diversas formas en que sociedades anteriores a nosotros concibieron el espacio nos permite acercarnos a entender las situaciones geográficas, políticas e ideológicas que configuraron su perspectiva… como si la arquitectura fuera un inmenso e intrincado diagrama que exhibe de formas complejas la cosmovisión y el actuar en el mundo de cada sociedad, contándonos el relato de “lo que ha sido”. Se ha hablado también, quizás de una forma menos extensa pero igualmente interesante, de la forma en que la arquitectura funciona como una extensión de dicho fenómeno con una visión a futuro. Cada proyecto es, en sí mismo, una utopía que a partir de ciertas condicionantes busca la materialización de muchos anhelos con un sentido de esperanza en que el resultado alcanzado será el mejor para

los habitantes, para los diseñadores, para la ciudad… cada elemento se planea con intencionalidad prospectiva, que a partir de su materialidad este funcione, dure, y haga sentir todo aquello para lo que fue previsto. Una vez más, hablamos de una ideología puesta en práctica mediante y desde el espacio arquitectónico, que se planea con la visión de “lo que ha de ser”. Podemos pensar en la arquitectura, entonces, como una especie de pivote que nos permite enlazar con el pasado y esbozar hacia el futuro. Esta definición se presta por sí misma a una multitud de valiosos análisis e interpretaciones acerca de la arquitectura como fenómeno dinámico, sin embargo parece que es posible explorarla más a profundidad para cuestionar “lo que es” en este momento, aquí y ahora. La aproximación parece tan insostenible como definir el momento presente en la imparable sucesión que es el tiempo, sin embargo resulta sustancial detenernos en medio de esta vorágine hacia atrás y hacia adelante. Frenar para preguntar dónde estamos parados y qué estamos haciendo con la arquitectura es quizás tan importante como estar seguros de dónde venimos y hacia dónde vamos.

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En primer plano www.legorretalegorreta.com www.hyatt.com

H Y ATT C E N T RIC

El punto de partida ideal para descubrir la ciudad se encuentra en Puerta Bajío y nos brinda atractivas posibilidades para un hospedaje que evoluciona con las necesidades de los visitantes de la ciudad. Arquitectura, Interiorismo y Mobiliario: Legorreta + Legorreta · Dirección de Proyecto: Grupo México Plaza Texto: Emilio Zamora · Fotografía: Cortesía Puerta Bajío Ubicación: León, Guanajuato, México

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Arquitectura e Interiorismo


Los hoteles Hyatt Centric se definen a sí mismos como un campamento base a partir del cual explorar el mundo. Cada una de sus 36 ubicaciones a nivel global tiene la particularidad de encontrarse en el centro de la acción del lugar de destino, permitiendo la conectividad con la ciudad tanto para el disfrute turístico como para la actividad ejecutiva y la socialización. Con una visión que busca imprimir a los espacios una relación estrecha con el carácter local desde la decoración interior hasta las vistas de la ciudad, en el menú y las listas de reproducción, Hyatt Centric se caracteriza por brindar un servicio apasionado y por ayudar a sus huéspedes a sentirse como en casa en cualquier parte del mundo. Bajo este sentido, León no es la excepción. La ubicación del Hyatt Centric Campestre León en el desarrollo de usos mixtos Puerta Bajío, diseñado por Legorreta+Legorreta, lo sitúa en un importante foco de la ciudad y permite el contacto directo tanto con las dinámicas urbanas en que se encuentra inserto como con el resto de espacios y servicios que complementan el desarrollo. Aunado a esto, la posibilidad del hotel de consolidarse como destino perfecto para eventos y reuniones, gracias a sus salas versátiles y de diseño ecléctico que permiten cambiar de ambientes colaborativos a espacios de esparcimiento y reunión social, aporta y enriquece el ambiente sofisticado del complejo.

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En primer plano

Las 140 habitaciones que conforman el Hyatt Centric Campestre León, en sus distintivos Estandar, Deluxe, Premium y Suite Presidencial, son un portento de elegancia, confortabilidad y vanguardia. En ellas, además de un exquisito diseño de interiores, encontramos tecnología de punta gracias a la domótica empleada, así como servicios de caja de seguridad, servibar, cafetera Nespresso, kit de planchado, secadora y bata de baño. En cuanto a las Amenidades Premium los visitantes podrán disfrutar de un centro de negocios y gimnasio las 24 horas, piscina con canal de nado, Pool Bar, Snack Bar, Kids Club, Spa y Concierge. Con el objetivo de que sus huéspedes puedan beber y comer como parte de la experiencia única del destino, Hyatt Centric Campestre León pone a su disposición una serie de bares y restaurantes que ofrecen en sus cartas platillos y cócteles de inspiración local. Desde una dinámica de cocina abierta Xilote, especializado en comida mexicana, mezcla ingredientes para ofrecer una experiencia de desayunos emocionante. Por su parte, Bar Cien Tíos se conforma como un lugar íntimo y sofisticado para una conversación relajada, acompañada de una colección selecta de licores tradicionales y platos regionales.

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En primer plano

Por su parte, si lo que se busca es un ambiente igualmente relajado sumado a la posibilidad de un espacio abierto e impresionantes vistas, el Bar de la piscina es el lugar ideal para disfrutar de una variedad de cócteles creativos y frescos. Todas estas experiencias culinarias se encuentran al alcance de los huéspedes desde la privacidad de las habitaciones, por medio de un servicio en que el comedor de la habitación colabora estrechamente con los chefs para brindar los mismos niveles de experiencia que en los restaurantes y bares del hotel. El entendimiento de las funciones del hospedaje contemporáneo implica la configuración de espacios dinámicos e interconectados con la ciudad, que cuenten con el soporte tecnológico y humano necesario y, sobre todo, que enlacen con las experiencias particulares que se viven en cada destino. Estos son los objetivos principales de Hyatt Centric en León, donde cada atmósfera particular ha sido diseñada para provocar el encuentro y el disfrute en un ambiente general de innovación y exclusividad.

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En primer plano

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R E S I DE N C I A S

P U E RT A B A J Í O De amplia visión cosmopolita, el complejo residencial ofrece arquitectura y diseño de clase mundial, además de una ubicación y amenidades únicas en la ciudad, alzándose como un gran Elite Mix Life Style en el Bajío. Arquitectura, Interiorismo y Mobiliario: Legorreta + Legorreta · Dirección de Proyecto: Grupo México Plaza Texto: José Miguel Méndez · Renders: Cortesía Puerta Bajío Ubicación: León, Guanajuato, México

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Diseñado por la reconocida firma de arquitectos Legorreta + Legorreta, Puerta Bajío destaca como un novedoso desarrollo de usos mixtos donde convergen una serie de espacios que exaltan la confortabilidad, el sentido de hogar, el intercambio cultural, la identidad corporativa, el buen gusto por el arte, la gastronomía de primera línea y el esparcimiento en general; en pocas palabras, un estilo de vida Premium.

Puerta Bajío se ubica al norte de la ciudad de León, Guanajuato, justo en la Zona Dorada. Integrado por 41 residencias distribuidas en nueve niveles y siete variables espaciales, el complejo se concibió para satisfacer las necesidades y los gustos más exigentes. Su extraordinaria arquitectura e interiorismo brindan la más calurosa bienvenida a sus moradores y visitantes, una filosofía traducida en áreas abiertas y acabados memorables.

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En primer plano

Las residencias cuentan con pisos de madera e ingeniería de vanguardia, control de iluminación que se configura desde dispositivos móviles, cocinas italianas con cubiertas de mármol, equipadas con refrigerador, horno, microondas y estufa con extractor de aire; los baños portan cancelería de vidrio templado y acabados en mármol. Los vestidores son amplios y los guardarropas presentan acabados en madera fina, mientras que todas las puertas son de madera de parota. Siete elevadores, aire acondicionado y calefacción, conmutador, circuito cerrado de seguridad y Room Service las 24 horas del día complementan las virtudes del desarrollo. Las residencias de Puerta Bajío enmarcan el lujo de vivir sin prisa, sin la necesidad de apegarse a la fusta del tiempo ni de prestar tanta mirada a relojes, dando paso al disfrute de compartirse en familia, con las amistades más cercanas, con uno mismo. Se trata de tener tiempo para contemplar la vida, de disfrutar lo conseguido, apreciar el momento y soñar a futuro inmediato. Aquí se alimentan los aspectos externos e internos de nuestra cotidianeidad, de nuestros anhelos, un bienestar equilibrado que se inspira del discurso asertivo del espacio que habitamos.

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Puerta Bajío toma su nombre de la magnífica ubicación que ostenta, justo en la entrada a Guanajuato, empatándose junto a un símbolo que irradia presencia y personalidad. Los artífices del proyecto manifestaron la necesidad de crear espacios que inviten a la creatividad, al trabajo en equipo, a la modernidad y elegancia sin pretensiones; a nosotros nos corresponde constituirlo como un hábitat de la felicidad.

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En primer plano

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San Miguel de Allende, ciudad mágica ubicada en el corazón de México, mantiene una perfecta armonía entre pasado, presente y el porvenir. Para un arquitecto, construir aquí es a la vez privilegio y gran responsabilidad. Arquitectura, Interiorismo y Mobiliario: Legorreta + Legorreta · Dirección de Proyecto: Grupo México Plaza Texto + Renders: Cortesía Cleviá · Ubicación: San Miguel de Allende, Guanajuato, México

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La ciudad de San Miguel de Allende logra como ninguna otra mezclar lo tradicional con lo moderno, el pasado con el futuro, convirtiéndose en epicentro del arte, la cultura, la gastronomía y toda actividad de primer nivel. Es en esta hermosa localidad, Patrimonio de la Humanidad, donde muy pronto abrirá sus puertas Cleviá Hotel & Residences, un lugar privilegiado concebido bajo la notable visión arquitectónica de Víctor Legorreta. El proyecto se desarrolla sobre un terreno sensiblemente plano de 6,445 m2, el cual presenta una ligera pendiente al fondo y está rodeado de vialidades en tres de sus colindancias. Cleviá Hotel & Residences será integrado por 75 habitaciones de categoría Gran Turismo, así como por 42 residencias que van de uno a tres dormitorios. Destaca un gran patio central donde se sitúan la alberca, un Spa & Wellness Center de lujo, dos restaurantes de autor y una terraza-bar, así como servicios de transportación de lujo con chofer, entre otros. Tras el atrio del hotel se encuentra la conexión hacia el cuerpo de departamentos, mismos que tienen acceso independiente desde el estacionamiento. Estos se desarrollan en dos cuerpos de tres niveles cada uno, escalonados por medio de

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En primer plano

terrazas, los cuales forman una escuadra hacia el patio central y hacia las vialidades secundarias. Para garantizar el espacio entre residencias se dejaron franjas verdes que amortiguan el impacto al entorno, los ruidos y los ambientes externos. En la azotea del hotel habrá un Roof Garden con bar, mismo que será compartido con los propietarios de los departamentos. Además de las 75 habitaciones que comprenden el hotel, y las 42 residencias de lujo, los servicios y amenidades que complementan el programa son un centro de negocios, concierge, mayordomo y servicio de niñera, internet inalámbrico, dos restaurantes de especialidades, Room Service, comedor del chef, bar, servicio de banquetes y catering, un par de salones para eventos con capacidades de 10 hasta 450 personas, gimnasio, Spa & Wellness Center, alberca, Kids Club, servicio de lavandería y tintorería, estacionamiento con valet parking, transportación de lujo con chofer, seguridad integral y circuito cerrado de TV.

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Cleviá Hotel & Residences logra una nueva experiencia en la combinación de hotel y residencias de lujo, interpretando las virtudes que hacen de la arquitectura de San Miguel de Allende algo tan especial e inolvidable; una idea que se traduce en espacios llenos de luz y color, donde el interior y el exterior se coordinan por medio de balcones, terrazas, jardines y patios. La firma Legorreta proyecta una arquitectura “hecha a mano”, incorporando en ella el talento de magníficos artesanos y artistas locales en un diseño contemporáneo que cumple con el gusto más exigente y el ojo más selecto. La serenidad de los espacios hace de Cleviá Hotel & Residences el resguardo perfecto para momentos de esparcimiento y descanso… donde lo más difícil será irse de aquí.

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C E N T RO C U LT U R A L

MÉ X IC O P L A Z A Erigido como punto neural del complejo Puerta Bajío, este espacio interdisciplinario es continuación del legado de una labor sustancial en favor del encuentro cultural y la captación de artistas en la ciudad de León. Dirección de Proyecto: Grupo México Plaza · Interiorismo y Mobiliario: Mobla Arte: Pantaleón Ruíz · Maquetas Arquitectónicas: Legorreta + Legorreta · Donación de Libros: Gandhi Texto: Mateo Pazzi · Fotografía: Diego Torres · Ubicación: León, Guanajuato, México

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Desde su génesis hace más de una década, el Centro Cultural México Plaza se consolidó como sede y testimonio del paso de notables agentes culturales, en su mayoría leoneses, que reflejan en sus distintos andamiajes y disciplinas artísticas la percepción particular de la estética. Habitando el corazón del complejo Puerta Bajío, y recordado por sus cuantiosas exposiciones en el lobby del Hotel México Plaza de Centro Max, en la ciudad de León, el Centro Cultural México Plaza se alza como espacio alterno para la promoción de artistas locales y nacionales, sumándose al impulso cultural que la región demanda. A la par de fungir como biblioteca y zona propicia para el networking, aquí serán exhibidos periódicamente los óleos del pintor, las letras del escritor y las composiciones matéricas del escultor; serán escuchadas las notas del músico y las palabras del orador, así como los ecos de toda una generación de artistas concentrados en torno a un foro que rompe la característica de lo usual para dar paso a lo espontáneo y memorable. Las cualidades del ingenio, del intercambio de conocimientos, la colección de objetos que fraguan el carácter multisensorial mediante el uso de recursos ya sean pictóricos, plásticos, fotográficos o editoriales para resignificar las identidades de la comunidad artística guanajuatense; el examen minucioso de las perspectivas del mundo inmediato y de lo que existe más allá de nuestro quehacer cotidiano, la adjudicación personal del arte y la determinación de cobrar cultura por nuestras propias manos, todo ello será puesto en práctica en el Centro Cultural México Plaza.

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En primer plano

La vocación del espacio enaltece el quehacer artístico local. Su diseño se presta al tránsito elemental y al intercambio de diálogos, sea desde una mesa de juntas, una estancia o la confrontación directa con el librero o la pieza de arte. Bajo esta dinámica se propone el goce de diversos puntos de vista, de prestar la atención a horizontes y ámbitos que posibiliten nuevos abordajes en la noción de cultura. El uso del espacio es por tanto personal y sinestésico, sea para coincidir con demás partícipes o para sumergirse en la concentración propia.

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Esta iniciativa ofrece continuidad y respeto a la extraordinaria labor que en vida legó el también artista y maestro José Luis Díaz. Artistas vienen, van, pasan, permanecen… pero la colección de virtudes y talentos tornados pieza de arte será siempre el legado de una idea compartida entre amigos para coincidir en este espacio y tiempo preciso, para consolidar la identidad del Centro Cultural México Plaza como un espacio noblemente consagrado a dar culto a las formas bellas.


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Artífices

FRIDA

E S C OBE D O R E F E R E N C I A Y R E I N T E R P E TA C I Ó N

Desde la fundación de su taller en 2006, la talentosa arquitecta mexicana desarrolla un enfoque basado en el diseño como medio para plantear preguntas y debatir sobre fenómenos sociales, económicos y políticos. www.fridaescobedo.com Texto: Astrid Pimienta · Fotografía: Rafael Gamo, Carlos Torres Proyectos: Mar Tirreno | Vivienda Rural

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Mar Tirreno

Frida Escobedo es arquitecta, mexicana, desafiante. A lo largo de su carrera profesional ha sabido desarrollar proyectos que van desde muestras museográficas y pabellones efímeros, hasta viviendas, hoteles y obras públicas como la reconocida remodelación de La Tallera, en Cuernavaca. El trabajo de Escobedo se plantea como un respiro, una serie de soluciones prácticas que retoman las esencias del pasado y proyectan nuevas perspectivas: frescas formas de dialogar con la tradición y el contexto. En este sentido, su arquitectura se convierte en referente del entusiasmo de una generación de jóvenes promesas de este arte que buscan experimentar con la materialidad con el fin de trascender la repetición de tipologías tradicionales hacia una interpretación más profunda, sensorial y significativa de los espacios.

El proyecto de Mar Tirreno 86 (20162019, Ciudad de México) da cuenta de la forma en que un concepto altamente constituido puede ser visto desde nuevos enfoques. Se replantea el uso de los balcones como estrechas extensiones de las viviendas, convirtiéndolos en patios verticales plegados hacia el interior de las mismas. Éstos, además de conceder mejores condiciones de iluminación y ventilación a todos los departamentos, logran una referencia a la casa-patio tradicional, íntima e introspectiva. La fachada de bloques de concreto también es reinterpretada en aras de otorgar una dinámica particular entre lo público y lo privado, por lo que es a la vez un elemento unificador de sólida materialidad envolvente, que se particulariza al convertirse por tramos en una celosía permeable hacia el pasillo común.

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ArtĂ­fices Mar Tirreno

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Vivienda Rural

La propuesta para el proyecto de investigación de Infonavit, “Del territorio al habitante”, profundiza en el estudio de la dignificación de las viviendas de autoconstrucción asistida por dicha institución. La materialidad y espacialidad exploran las prácticas constructivas propias del contexto, aquellas más legibles y de fácil apropiación por los habitantes que además aportan características de flexibilidad y mutabilidad del espacio a futuro, convirtiéndolo en una base sólida para múltiples oportunidades de libre evolución. Por medio de este tipo de ejercicios arquitectónicos, el trabajo de Frida Escobedo permite vislumbrar un eco frecuente hacia los orígenes de los espacios desde su organización y materialidad; al tiempo que configura nuevos paradigmas para una arquitectura que refiere y resignifica los espacios.

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Artífices

PE DRO PÉ RE Z

PRESTEZA Y DETERMINACIÓN

De pasión mayúscula por el automovilismo y el factor de funcionalidad en la toma de decisiones, el arquitecto Pedro Pérez honra la Pole Position de autores esenciales del circuito guanajuatense.

www.pa-arq.com Texto: José Miguel Méndez · Fotografía: Diego Torres Firma: Progresiva Arquitectos

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Más que confesión, Pedro Pérez exalta una gran pasión por el deporte motor a la par de su furor por el diseño y la arquitectura, encontrando gran inspiración en la simbiosis entre piloto y automóvil, como entre la de usuario y espacio. Es justo la manera en que percibe el diálogo en el diseño formal y la ingeniería automotriz, que afirma que “las cosas deben verse bien, pero deben funcionar mejor”. Como fundador de Progresiva Arquitectos, su firma luce renombrados hoteles, residencias, restaurantes, colegios y obras de corte industrial en la ciudad de León y más allá de sus límites. Agradecido permanentemente hacia su familia quien hizo el mayor esfuerzo por brindarle la mejor educación posible, su carrera se forjó con base en talento y trabajo. Desde muy joven se dedicó a reconocer las relaciones espaciales y el lenguaje entre el ser humano y su entorno, afinando la capacidad de alterarlo con fastuosa gracia. Recuerda que cuando niño, un arquitecto amigo de sus padres se postró a las puertas de su casa con tal aplomo y garbo que la primera impresión que tuvo de la arquitectura fue la manera en que este personaje se conducía frente a la vida.

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Artífices

La casa del arquitecto Pedro Pérez refleja su esencia, elegante y decorosa. El primer plano lo cobra una terna de árboles que simbolizan a sus hijos: dos hermosas jacarandas rescatadas y un sauce llorón, especie que funge como rúbrica en varios de sus proyectos residenciales. El señorío de estos árboles es una postura de humildad del arquitecto, así como un dictamen en cuanto a la materialidad presente en su obra, declarando que la naturaleza será siempre más bella que la intervención humana. Detrás, una fachada acristalada toma la palabra, seguida por un techo a dos aguas cuya inclinación de las losas marca un sentido contestatario y auténtico. Ya en interiores, la disposición de los espacios y la colección de mobiliario, en su mayoría diseñados por él mismo, denotan un talento incuestionable y una geometría en su más pura legibilidad. Lejos de tener un contexto teórico sobre el cual aterrizar su estilo, Pedro Pérez se inspira del apoyo incondicional de su esposa e hijos, del trabajo colaborativo junto a su incansable equipo, del cúmulo de experiencias personales, de los viajes y de múltiples referencias que traduce a su propia interpretación de belleza. Gusta de compartir lo aprendido, no importa si es en el taller, el aula de clases o el escenario de alguna conferencia magistral. Logros alcanzados los tiene varios, retos por venir los hay más. Existe una traducción inseparable en su afición por el deporte de la velocidad y su filia por la arquitectura: el secreto es la precisión, tener confianza en ti mismo y en lo que conduces, logrando precisamente esa simbiosis perfecta entre tú y el camino… entre la presteza y la determinación.

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Hotelería

S OL A Z LO S C A B O S A través de su diseño mexicano contemporáneo, su correcta integración al paisaje y la suma de un proyecto artístico integral, este hotel se proyecta para ser el próximo ícono en la industria hotelera internacional.

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Arquitectura y Diseño de Interiores: Sordo Madaleno Arquitectos · Presidente: Javier Sordo Madaleno Bringas Director de Arquitectura: Javier Sordo Madaleno de Haro · Dirección de Proyecto: Alejandro Coeto, Boris Pena Dirección de Interiores: Nadia Borrás, Enrique Ralph · Gerentes de Diseño: Alejandro Espejel, Cándido Hernández, Luis Pucheta Coordinación de Ingenierías: Marcos Hernández · Equipo de Ingeniería: Héctor Ruiz · Ingeniería Estructural: Jaime Palacios Ingeniería Eléctrica: Cien Acres · Ingeniería de Sistemas: Innovative Design · Consultoría Iluminación: Luz y Forma Consultoría Acústica: Omar Saad · Consultoría Paisaje: Gabayet Paisajistas · Construcción: Quinta del Golfo de Cortés S.A. de C.V. Texto: Julieta De León · Fotografía: Rafael Gamo · Ubicación: San José del Cabo, Baja California Sur, México

www.sordomadaleno.com

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Hotelería

El extraordinario entorno natural de la península de Baja California, que contrasta lo ocre del paisaje semidesértico con el azul intenso del mar de Cortés, fue el contexto ideal para erigir un nuevo referente hotelero en el país. Celebrando esta unión entre paisaje, arquitectura y arte, Solaz Los Cabos se desarrolla frente al mar sobre una extensión de 9.8 hectáreas con formaciones topográficas únicas. El concepto rector fue el énfasis integral de la obra, derivando en una volumetría que se adapta al entorno y que gracias a sus formas orgánicas logra hacer referencia al movimiento de las olas. Tanto la selección de materiales y vegetación, como los métodos de construcción, refuerzan el concepto de simbiosis y brindan una congruencia contextual con el paradisiaco terreno. El programa arquitectónico integra hotel, departamentos, restaurantes, spa, amenidades, museo de sitio y plazas abiertas. A partir de la topografía natural ascendente del terreno, se diseñaron tres grandes terrazas curvas que albergan las habitaciones y cuya circulación se planteó a manera de “cañadas”, sirviendo de pasillos divisorios con densa vegetación lo que permite lograr una mayor privacidad. Cada terraza es subsecuente a la otra, trazando una escalonada con fachadas hacia el sur con el fin que todos los espacios gocen de una espectacular vista al mar.

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Arquitectura e Interiorismo


El nivel de acceso se ubica en el edificio principal, compuesto por tres niveles de bloques sobrepuestos. Distribuidos a lo largo de la colindancia sur, los departamentos operados por el hotel se disponen dentro de tres volúmenes de proporción cuadrada. Las diversas tipologías de habitaciones y suites emergen de la topografía que armónicamente se desliza sobre la arena. Para acceder a ellas, un patio-foyer sirve como entrada y, a su vez, como puente entre las sinuosidades topográficas del exterior y la acogedora geometría del interior. Solaz Los Cabos resalta por su magnífica arquitectura que se entreteje con el arte y el contexto, resultando en un proyecto integral de paisaje. Un ambiente cálido, maderas tropicales, textiles de colores frescos con porte mexicano, además de líneas marcadas por elementos pétreos, dotan una estética contemporánea distintiva en cada habitación; mientras que especies vegetales nativas enmarcan la intención de cada espacio. Otro pilar conceptual es la intervención artística en muchos de los espacios diseñados, donde César López Negrete crea y expone más de 400 piezas de arte que rememoran la vida y cultura de Baja California. Su visión artística complementa cada detalle construido: en lo micro las habitaciones del hotel), en lo macro las plazas abiertas y los espacios comunes, y finalmente, considerando siempre la apropiación del espacio y la integración con el sitio.

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Residencial

C A S A L A RO C A El concepto de este extraordinario proyecto fue alzar una residencia dominante y con gran personalidad, que se sintiera y viera suspendida desde lo más alto de una superficie rocosa, mostrándose a su vez atrevida y ligera.

ricardo@rrzarquitectos.com Arquitectura: RRZ Arquitectos · Diseño: Ricardo Romero Zozaya Arquitectos a cargo: Ricardo Romero Zozaya, Francisco Guillén Villicaña, Edgar Cabrera Sánchez Texto: José Miguel Méndez · Fotografía: Marcos García · Ubicación: Morelia, Michoacán, México

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Respetando al 100% el entorno e incorporando a su composición ósea las formaciones rocosas propias del terreno en que se emplaza, Casa La Roca conquista la cima de un prominente monte, dirigiéndose hacia el horizonte con absoluta gallardía y un estilo por demás admirable. El terreno se ubica en el centro de un campo de golf, diseñado por el famoso exgolfista Jack Nicklaus, donde destaca una gran formación de rocas de 100m de ancho y hasta 30m de altura, dominando la vista de los 24 greens que conforman el campo de golf y del paisaje que combina el valle y el cielo con las montañas de los alrededores.

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Residencial

El 90% del terreno utilizado para el desplante de la casa es roca sólida. La construcción en planta alta presenta claros libres de 26m, con peraltes de trabes no mayores a los 70cm, buscando nunca tener apoyos en esquinas ni en el perímetro para conseguir el efecto de una casa ligera y suspendida. Todo este gran volumen se apoya en la roca desde un extremo, mientras que por el otro parece desaparecer al caer la noche gracias a un muro-columna forrado de cristal negro que se remete desde su osamenta, luciendo incluso poco perceptible durante el día. En este desnivel se proyecta una fascinante área social, independiente, con alberca, terraza y un Fire Pitt volado sobre una roca. Casa La Roca cuenta con una fachada de 90m de largo, obteniendo una vista inmejorable y una orientación adecuada para favorecer el clima interior. La distribución de la casa se proyectó para ser muy cómoda a pesar de su magnitud y lo complejo de su programación, la cual integra cocheras, área de servicios, cocina, comedor, sala familiar, recámaras, terraza, desayunador y jardín. La casa cuenta a su vez con instalaciones que respetan el medio ambiente como sistemas de reciclaje de agua, equipamiento que capta la energía solar para el calentamiento de agua y generación de electricidad, control de iluminación, cortinas, sonido, video, vigilancia, cerraduras y automatizaciones, entre otros.

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En una de las alas de la casa se encuentran las recámaras, cada una con su terraza que se pronuncia hacia la magnífica vista; mientras que las áreas sociales se pensaron para el lugar mas privilegiado del proyecto, con una panorámica de 270 grados. Todos los acabados de Casa La Roca fueron minuciosamente seleccionados para obtener la sensación de incorporación del terreno a la residencia, con una paleta de colores pensada precisamente para mimetizar con el medio ambiente, dejando de esta manera que el lugar hable por si solo.

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Residencial

I N 123 Ganador de incontables premios, Jean Verville presenta una obra habitable y diversificada entre arquitectura, instalación y escenografía; una seductiva fragmentación de disciplinas artísticas.

www.jeanverville .com

Arquitectura: Jean Verville · Colaboradores: François Bodlet, Stéphane Gimbert, Steve Tousignant Texto: Ricardo Dairen · Fotografía: Maxime Brouillet · Fuente: v2com Newswire · Ubicación: Montreal, Canadá

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El arquitecto Jean Verville ha configurado una sólida hibridación en materia de intervención arquitectónica que conduce la experiencia del usuario hacia una senda espacial y pictórica. Su visión incita a que la percepción sensorial transgreda los límites físicos del espacio para favorecer la abstracción ilusoria de las formas dimensionales y, a su vez, producir una arquitectura que despliega libertad en cuanto a su función y materialidad. Tras una serie de estancias de investigación en Japón, enfocadas en proyectos de Art House, Jean Verville comenzó a indagar en la experiencia artística dentro de la arquitectura, como parte de su doctorado en Estudios y Prácticas de las Artes, en la Universidad de Quebec, en Montreal. A partir de ahí su interés mayor radica en las posibilidades de hibridación entre las artes y la arquitectura. En 2017 Verville realizó IN123: tres instalaciones que combinan arte, arquitectura y domesticidad; retratos íntimos que presentan universos los cuales transponen la personalidad de sus ocupantes e ilustran la conmovedora interacción con el diseñador. El mismo artífice se infiltra en sus instalaciones con una interesante propuesta fotográfica donde la presencia de una figura alegórica propone una nueva modalidad para la apreciación de la arquitectura.

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Residencial

El diseño de IN123 equilibra con total destreza los excesos y la exuberancia, al tiempo que conserva una rúbrica de supuesto minimalismo. Las tonalidades grises de las materias primas se conjuntan en una fascinante entidad volumétrica consumada por una inmensa estructura dorada que se despliega para abolir la jerarquía de espacios, ofreciendo una identidad que evoluciona rumbo a la abstracción y la perfecta funcionalidad. Esta propuesta de diseño demanda mecanismos de percepción que rompan con patrones habituales de domesticidad, dando paso a la audacia de un espacio que exalta la sucesión de volúmenes escultóricos al paso del usuario. La difusión de una luz precisa y envolvente dota al lugar de un aura misteriosa que contribuye a su teatralidad. El contraste del concreto, el suntuoso latón dorado y el brillo de la piedra, fomentan una sensación de opulencia intensificada por la presencia de un elegante piano. Transitar este espacio de expresividad inusual propone sensaciones que difuminan la percepción espacial para revelar una propuesta escultórica de sofisticación extrema.

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Bienestar

A NDRUM Con fundamento en impresiones sensoriales, el refinado diseño de este spa se inspira de la luz, los aromas y sabores, la acústica y la diversidad de texturas para configurar un recinto ideal para el descanso. www.johansundberg.com Arquitectura: Johan Sundberg Arkitektur · Líderes de Proyecto: Johan Sundberg, Mattias Andreasson Arquitecto Asociado: Henrik Ålund · Ingeniería Estructural: Ronny Gerdt, Folke Höst, Lena Löfberg; (Prefab): Ruben Gianolio, Nela Kapic, Lotta Lundin Contratista: Pär Stigborg · Construcción: Peter Nilsson · Texto: Julieta De León · Fotografía: Peo Olsson · Ubicación: Höör, Suecia

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La historia de la finca Åkersbergs Stiftsgård, ubicada en la localidad sueca de Höör, se remonta hacia finales del siglo XVII. Con el tiempo la propiedad original fue renovada y restaurada, esencialmente en los albores del 1900, mientras que en los últimos 25 años es administrada por la Iglesia de Suecia, albergando un centro de conferencias, una capilla, un hotel y un restaurante. De aquí se desprende Andrum, un spa de atributos simultáneamente firmes y poéticos cuyo significado se interpreta como un “espacio para respirar”. La firma de diseño de Johan Sundberg Arkitektur buscó referencias por todo el mundo, considerando antiguas y modernas influencias de bienestar en las que cada visitante se convierta en el epicentro de una experiencia única. Andrum se asienta sobre el borde occidental del jardín interior de Åkersberg. El diseño del edificio respetó las estructuras existentes, valiéndose incluso de una arcada que flanquea el lado oeste del jardín para crear el vestíbulo. Desde allí, uno baja a un plano inferior donde una serie de habitaciones se interconectan para presentar la mejor faceta de lo que supone un spa: piscinas cubiertas y al aire libre, un sauna, baños, una sala de vapor, una experiencia en cascada, salas de tratamiento y área de yoga.

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Bioarquitectura Bienestar

Materiales primarios de concreto, piedra, madera y vidrio, conservados en gran medida en su gesto natural, conforman una entidad a su vez suave y elegante. La configuración del diseño luce paredes de concreto expuestas, pisos en losa de piedra, muros y techos dibujados con listones de madera, además de grandes ventanales que facilitan una constante interacción con la naturaleza propia para la contemplación meditativa. En cuanto a las tonalidades, se utilizó una paleta restringida para generar interiores sobrios y sencillos, dando paso a la mayor relajación posible. Cada detalle en Andrum amplifica los sentidos, potenciando los momentos de meditación y autodescubrimiento: desde las cálidas imágenes decorativas que son bañadas por luz natural, hasta el aroma a madera y esencias que inunda la atmósfera, los sonidos y la delicada tactilidad que emanan los materiales. Todo ello, la suma de sensaciones junto a las formas geométricas y monolíticas de la estructura, enmarcan el spa en un espacio etéreo y atemporal.

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Contemporรกnea

www.sayapark.com

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SAYA P A RK

Existen proyectos que nacen destinados a un sitio en particular, pero los hay otros que reconfiguran el sitio en el que se han ubicado… esto es Saya Park, una tríada arquitectónica excepcional. Arquitectura: Álvaro Siza + Carlos Castanheira Oficina en Portugal: CC&CB Arquitectos Mobiliario de Madera: SPSS, Serafim Pereira Simões Sucessores Esculturas de Acero: SteelProf, Soluções de Metalomecânica Colaboradores: Rita Ferreira, Diana Vasconcelos, Luíza Felizardo, Nuno Rodrigues, Filipa Guedes Modelado 3D: Germano Vieira Consultor Estructural: HDP, Paulo Fidalgo Mobiliario de Piedra: Sousa Mármores Texto: Carlos Castanheira Fotografía: Fernando Guerra (FG+SG), JongOh Kim Ubicación: Gyeongsangbuk-do, Corea del Sur

En arquitectura el espacio es tiempo, la luz es la forma definida; en arquitectura la ruta sorprende y los materiales ásperos transmiten elegancia. La función está ahí, presente; la sombra revela la belleza. Es así como dentro del espacio buscamos nuestro propio infinito, interno y personal.

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Contemporánea

El Observatorio. Cruzamos Saya Park a través de un bosque de pinos. Surcando el paisaje somos absorbidos de inmediato por la naturaleza. Las vistas se filtran a través de anudadas ramas y vegetación baja. Una torre de concreto expuesto se asienta sobre una pequeña colina, ubicándose sobre el valle, tratando de hacerlo más estrecho. La curiosidad nos lleva a la torre, donde subimos y alcanzamos la cima. Por nuestro camino pasamos ventanas que vislumbran el fugaz horizonte. En la parte superior se abre un balcón hacia el sur. El profundo valle se rinde a la escala de las montañas y a su historia. El descenso invita a la introspección a medida que regresamos a tierra. El acabado casi crudo del concreto expuesto contrasta con la pureza de las formas. A pesar de su apariencia simple, la esencia de la torre es compleja. Su función es la naturaleza propia de la arquitectura.

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El Pabellón de Arte. Un espacio contemporáneo acoplado a la colina y el sitio adaptado también a él. Justo así, todos nos adaptamos a la belleza de este proyecto. La fuerte voluntad de construir esta idea particularmente en este territorio permitió superar todos los desafíos. El camino del bosque se abre paso entre altos muros de hormigón, de textura áspera y grafía elegante. Pasamos a la biblioteca, un volumen aislado investido al estudio y a la información. Ingresamos al Pabellón de Arte como a una escultura que nos absorbe y nos permite sentir el espacio, la luz, la sombra, el tiempo; lo que está antes y lo que está más allá. Al llegar al final de la ruta, nos será presentada una visión externa del infinito.

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Contemporánea

La Capilla. Saya Park carecía de una capilla. Se necesitaba un espacio de belleza interna. Había muchos símbolos para la meditación y la introspección, permitiendo a los visitantes experimentar momentos de encuentro personal al aire libre. El edificio de la Capilla se esconde en la ladera, abriéndose hacia el Este para captar la luz del nuevo día y compartir la ubicación con otros espacios de gran simbolismo y significado emocional. Su geometría es pura, pues su función también lo es. Al entrar nos bañamos en luz desde arriba, la cual penetra a través de una pequeña abertura. Su efecto de grandeza es sorprendente. Destinado a la adoración cristiana nos abre a la espiritualidad. El espacio, el tiempo y la meditación son grandes maravillas que encajan en la totalidad de esta tríada arquitectónica… como lo hacen en el alma.

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Retail

G RU P O A RC A Esta magna obra se revela como paisaje manufacturado, como una arquitectura orgánica gestada desde la huella de la búsqueda de materias primas que nos devuelvan al origen.

www.esrawe.com

Arquitectura, Interiorismo y Mobiliario: Esrawe Studio · Dirección Creativa: Héctor Esrawe Equipo de Diseño: Laura Vela, Antonio Chávez, María Santibáñez, Jacobo Mendoza, Andrea Guillén, Brenda Vázquez, Fernando Carnalla, Tatiana Godoy, Fabián Dávila, Daniela Pulido, Javier García-Rivera, Roberto González Iluminación: Luz en Arquitectura · Paisajismo: PAAR Paisaje Arquitectura · Construcción: CDM, Jaime de Obeso, Olmo Ernesto Godínez Texto: Esrawe Studio · Fotografía: Genevieve Lutkin, Jaime Navarro, César Béjar · Ubicación: Guadalajara, Jalisco, México

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La cantera es un registro de la acción del ser humano sobre la naturaleza. Es un universo en el que esculpimos, de manera no intencionada, pliegues y volúmenes que impactan de inmediato nuestra más sagaz mirada gracias a su atractiva e insondable geología. El concepto arquitectónico del proyecto Grupo Arca, a cargo de la firma Esrawe, se nutre precisamente de las virtudes cautivadoras y auténticas que son propias de este paisaje. El acceso al recinto se da a través de una pequeña boca en la fachada neutra, la cual vincula al visitante con el espacio central que presume de carácter monumental; esto es la “llegada a la cantera”, al Foro. Aquí es el punto de partida para iniciar un recorrido de identidad museográfica, donde múltiples salas de exhibición de materiales diversos se articulan alrededor del Foro, proponiendo una experiencia memorable, dinámica y versátil. El edificio se secciona operativa y físicamente en dos universos, dos volúmenes separados que se tejen entre sí: el Universo de la Cantera, que alberga el Design Center, la cafetería y la sala polivalente; y La Nave, donde concluye la experiencia. Esta segunda sección actúa como contenedor y centro de distribución, un espacio tanto diáfano como neutral, un lienzo que otorga el protagonismo de la escena a las piedras y que se enmarca al fondo por un bosque que nos vincula de nuevo con el origen de la materia.

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Retail

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La tecnología juega un rol relevante al permitir la interacción de dispositivos móviles con los materiales a través de códigos QR. Así, de manera inmediata provee al usuario de toda la información, descripción y costos de los materiales seleccionados, generando una base de datos de las materias primas de interés y del historial del cliente, además de analizar las tendencias y el comportamiento de compra.

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Retail

La propuesta de Grupo Arca se aleja por completo del retail convencional, promoviendo por su parte el aprendizaje y la difusión, el entendimiento de cómo y por qué confluyen la arquitectura, el diseño, el arte y la cultura bajo una noción de trascendencia. Es una plataforma que estimula el diálogo y el conocimiento, que establece una relación de beneficio mutuo con la comunidad, con sus clientes y aliados, exaltando como objetivo el promover la participación en la construcción de la expresión cultural y creativa de México.

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Sui Géneris

BELLA | Y A CHTB AU El estudio de arquitectura danés, Norm Architects, diseñó el interior del nuevo velero de la firma de barcos de lujo Yachtbau, considerada como la embarcación más moderna y con mejor diseño del año. Interiorismo: Norm Architects · Equipo de Diseño: Peter Eland, Linnea Ek Blæhr Contratista: Michael Schmidt Yachtbau · Colaboración: Bill Tripp Texto: Ricardo Dairen · Fotografía: Jonas Bjerre-Poulsen · Ubicación: Greifswald, Alemania

www.normcph.com

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El distinguido enfoque de Norm Architects respecto a la arquitectura de interiores, estética y mínima materialidad se conjuga a la perfección en el diseño de “Bella”, el primer yate modelo Y7 de la línea Y/Yachts, fabricado por el regatista Michael Schmidt Yachtbau en colaboración con el prestigioso arquitecto naval Bill Tripp. Diseño y funcionalidad son atributos indispensables por quienes gustan de surcar los mares. Con 22 metros de longitud y luciendo una fina silueta aerodinámica, Bella combina la usanza de navegación cómoda con un rendimiento competitivo, aunando tecnología y un gusto sofisticado en sus pequeños detalles. La reducción del peso del yate y prescindir de un contrafuerte permitió volverle más estable y significativamente más rápido.

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Sui Géneris

Exaltando una sensación cálida gracias al protagonismo de la chapa de madera, al contraste en los tejidos lisos y gruesos, el uso de materiales naturales y al acabado mate, la configuración interior de la embarcación se alineó para corregir lo innecesario y lograr un marco más simple, respetando las curvas naturales de la nave y amplificando el carácter de los materiales elegidos. La artesanía en paredes y la selección de mobiliario armonizan maravillosamente, resaltando la personalidad de estilo escandinavo del diseño. La iluminación enfatiza la tonalidad acogedora del navío, con lámparas incorporadas en estantes y gabinetes, mientras que pequeñas pinceladas de color negro aportan un toque igualmente moderno que atemporal. El conjunto de puertas y los armarios fueron diseñados con marcos sin costuras, brindando nitidez al detalle mínimo. El factor de seguridad se resuelve con estilo a través de elegantes muebles empotrados, los cuales confieren una sensación hogareña y un lujo discreto. Dada la marea que enfrentan, los yates de competición deben apegarse a las más rigurosas normas. El equipo diseño de Norm Architects no descuidaron nada de ello y encima presentan un exquisito modelo de interiorismo guiado por una sensibilidad minimalista donde la artesanía gobierna a sus anchas. Bella es el yate que todo regatista sueña, el perfecto equilibrio entre el buen gusto y la competitividad; un modelo a la mar que sin lugar a dudas marca la nueva era de la navegación.

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Acotaciรณn

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Colección

P A L EO M E S A S Diseño: Estudio Adán Cárabes + Gloria y Maudie, artesanas de Los Reyes Metzontla Iniciativa: DWM, Taller Lu’um · Distribución: Sylvain Marcoux Texto: Brenda Isabel Pérez · Fotografía: Max Carvallo, Rodrigo Álvarez

www.adancarabes.com

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Adán García Cárabes

Este conjunto de seis mesas, creadas en colaboración con artesanas de Los Reyes Metzontla en la Mixteca Poblana, marca una iniciativa que privilegia la estética y la complicidad entre artesanos alfareros de esta comunidad, fundada por provenientes de la región Popoloca de la pre hispanidad. En aquel tiempo se gestó la tradición de elaborar piezas utilitarias y decorativas a partir del barro gris y blanco, mezclado con arenilla de mármol y pizarra, ambos obtenidos en las minas propias de la comunidad. Al mezclar estos materiales y dejarlos reposar por dos meses, es momento de amasarlos a mano tal como dicta la tradición Popolca, para después dejarlos reposar por una semana más. Ahí, en la Mixteca Poblana, al final de un recorrido por el campo, los diseñadores cobraron inspiración de una pequeña montaña: el cerro de La Mujer Dormida. Sus rocas unidas como rompecabezas, pulidas por siglos de lluvia, dan la impresión de estar vivas. Así nacen las Paleo Mesas, conjunto elaborado con polvo de piedra negra, el cual se compone de dos mesas del color gris del barro local, una mesa en color rojo natural y dos piezas más con función de macetas, cuyo acabado se obtiene de la cera de abeja aplicada a las piezas mientras están al rojo vivo. La sensibilidad y compromiso de las artesanas es permanente, propiciando el diálogo, evaluando sus procesos de colaboración y escuchando las voces de sus colegas. El tamaño de las piezas de este conjunto fue un gran reto para Gloria y Maudie, pues la comunidad no cuenta con hornos propicios para la dimensión que requería el proyecto, por lo que decidieron construir a mano un horno de gran formato con recursos locales. Las Paleo Mesas son resultado del compromiso y entusiasmo

de las artesanas Popolcas, quienes se dejaron guiar amablemente por la mano de Adán García Cárabes como diseñador, formando una espléndida mancuerna y sentando las bases de innovación para ofrecer una nueva visión a la tradición de su trabajo ancestral.

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Materiales

www.quorum-acoustics.com

E L F A C TO R A C ÚS T IC O El sonido es un ente complejo: comparado con la manera cuasi predecible en que se comporta al aire libre, al interior de un recinto cerrado el desafío de dominarlo es mucho más complicado. Firma Arquitectónica: Quorum Acoustics Texto: Daniel Ruvalcaba Esquivel · Fotografía: Diego Torres

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Ya sea una habitación, un salón de clase, un restaurante, un cine o un auditorio, la percepción aural de un individuo depende del tamaño y forma del espacio en cuestión (volumen cúbico y su correcta distribución), además de los materiales utilizados en su construcción. El sonido, al generarse dentro de un espacio, impacta los muros, techos, pisos, ventanas y puertas. Si estos elementos son pesados, un mínimo porcentaje de la energía acústica se transmite al exterior, atravesándolos, mientras que la mayor parte de la energía se queda dentro pasando por un proceso que depende del tipo de material utilizado como acabado. Todos los acabados arquitectónicos tienen propiedades acústicas. Lo que hacen con el sonido es lo que marca la diferencia entre ellos, de tal manera que son capaces de producir reflexión, absorción o dispersión del sonido. Materiales fabricados con fibras sintéticas o textiles, e incluso las personas, tienen propiedades de absorción por arriba del 80%, lo que significa que el otro 20% de la energía es reflejada de regreso al recinto donde se instala. Por su parte, materiales como concreto, ladrillos, tablaroca, pisos cerámicos, cristales y maderas lisas son reflejantes del sonido por arriba del 95%, absorbiendo tan solo el 5% del sonido que les impacta.

Por ejemplificar varios escenarios: cuando se cuenta con mobiliario el sonido se dispersa haciendo más fácil su absorción gracias al uso de paneles colocados en la pared o el diseño adecuado de un plafón absorbente, como es el caso de lo realizado en el Restaurante Orangerie. En ocasiones, la combinación de ambos tipos de materiales se requiere para fortalecer la comunicación verbal sin el uso de sistemas de audio, concentrando la energía de un orador para dirigirla hacia los asistentes; de igual forma, esta mixtura de elementos acústicos es necesaria en espacios donde se graba música o voz, ya que un exceso de material absorbente puede modificar los timbres de los instrumentos musicales. Finalmente, las salas de concierto utilizan como única superficie de absorción a la audiencia, dejando todo el peso del diseño a un manejo preciso de geometrías y el volumen cúbico usando exclusivamente materiales conocidos por sus cualidades reflejantes y de dispersión, tal es el diseño acústico del Auditorio Renacimiento, ubicado en la ciudad de León.

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Acotación

ARTE FACTO Desde el punto de vista práctico, entendemos la palabra “artefacto” como aquel dispositivo diseñado para realizar funciones concretas, ya sea desde el aspecto tecnológico o desde un enfoque científico. Para efectos de esta presentación es necesario proponerlo desde una perspectiva cultural. En el marco artístico son varios entes los que funcionan como engranes de este artefacto: artistas plásticos, gestores culturales, escritores, músicos, cineastas, educadores, académicos, artesanos, y decenas de agentes más, que impulsados por las circunstancias y acontecimientos de su época, marcan las pautas para las generaciones futuras. Están por transcurrirse las primeras dos décadas del siglo XXI, y en este año 2019 hemos sido testigos de la partida de varios de los personajes de mayor relevancia del artefacto cultural en México: el zacatecano Rafael Coronel, la artista multidisciplinaria Yvonne Domenge, el expresionista Gilberto Aceves Navarro y Francisco Toledo, este último considerado uno de los artistas más trascendentes por la inmensa labor de promover gran parte de los mecanismos del aparato cultural, personaje que sin duda dejó una gran estructura que requerirá de mantenimiento y actualizaciones necesarias de tiempos cambiantes.

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Marcela Mena Barreto Gestora Cultural | Especialista de Fotografía del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo en Morton Fotografía: Igor Miske

Se trata de posibilitar el acto sublime y de leer los signos presentes en derredor, de saber hacer, saber construir, saber dialogar; de gestar en la persona la voluntad de descifrar el espacio que habita… eso me es el Arte Facto.

Es importante puntualizar que Toledo fue uno de los artistas de “La Generación de la Ruptura”, uno de los movimientos artísticos más sólidos que se iniciaron en la década de los cincuenta, congregando a personajes como José Luis Cuevas, Manuel Felguérez, Beatriz Zamora, Manuel M. Ponce, Vicente Rojo o Pedro Coronel, por mencionar solamente algunos, quienes no se limitaron únicamente a la producción artística. Esta generación buscaba renovar los gastados estilos revolucionarios particularmente los de la Escuela Mexicana de Pintura, identificándose por el uso de valores abstractos y sin limitaciones formales. La intención, a partir de ellos, sigue siendo el conformar una pequeña fracción del artefacto cultural, desde una plataforma editorial que permita mostrar y registrar los acontecimientos de este siglo en la trinchera local y estatal, que dialogue y navegue entre las numerosas vertientes nuevas y las bien fijadas, pensando en el tiempo como otra herramienta anacrónica que facilite comprender –en consonancia con esta primera edición que abraza la arquitectura, el diseño integral y el arte– hacia dónde partimos y dónde hemos estado.

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Escenarios www.big.dk

KIS

THE T WIST

Arquitectura: BIG | Bjarke Ingels Group · Socios a cargo: Bjarke Ingels, David Zahle · Cliente: Kistefos Museum Líder de Proyecto: Eva Seo-Andersen · Arquitecto: Mikkel Marcker Stubgaard · Colaboradores: AKT II, ÅF Belysning, AS Byggeanalyse, Baumetall Design, BIG Ideas, Bladt Industries, Brekke & Strand, Davis Langdon, DIFK, ECT, Element Arkitekter, Erichsen & Horgen, Fokus Rådgivning, GCAM, Grindaker, Lüchinger & Meyer, Max Fordham, MIR, Rambøll Texto: Mateo Pazzi · Fotografía: Laurian Ghinitoiu · Ubicación: Jevnaker, Noruega

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Construido bajo vocación de puente, The Twist se concibe como una escultórica viga que se deforma sobre su centro con tal teatralidad que su figura enaltece la constelación de obras de arte del Museo Kistefos .

El primer proyecto arquitectónico en Noruega a cargo de la reconocida firma BIG, The Twist, se abre como un puente habitable que atraviesa el sinuoso río Randselva; una pasarela imperdible dentro del Parque de Esculturas Kistefos, en la localidad nórdica de Jevnaker. Esta nueva galería de arte contemporáneo sirve de infraestructura para conectar dos riberas boscosas, completando la ruta cultural a través del parque de esculturas más grande del norte de Europa. La característica principal de The Twist es justamente ese simple y tan complejo giro en el volumen del edificio, el cual permite que el puente se levante desde la orilla inferior del río hasta la ladera norte. Como si se tratara de un camino continuo en el paisaje, los visitantes cruzan por su lado sur un puente de acero revestido de aluminio para llegar a una galería de doble altura con una vista despejada hacia el extremo norte. La geometría de doble curva de esta obra se compone de paneles de aluminio rectos dispuestos como una pila de libros, movidos muy ligeramente a manera de abanico.

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Escenarios

Este mismo principio se percibe en el interior, al utilizar listones de abeto pintados de blanco que cubren el piso, la pared y el techo como un telón de fondo uniforme para exhibiciones de arte temporales de Kistefos. En el extremo norte, un paredón de vidrio ofrece una inigualable vista al parque mientras se arquea hacia arriba para formar una franja de tragaluz. Debido a su curvatura, la variedad de luz natural que ingresa al museo genera tres galerías distintivas: una amplia, con luz natural y vistas panorámicas en el lado norte; una alta y oscura con iluminación artificial en el lado sur; y, en el centro, un espacio escultórico con una fracción retorcida de luz cenital. La capacidad de dividir o fusionar los espacios de la galería crea flexibilidad para la programación artística de Kistefos. Desde cualquier dirección los visitantes experimentan una curvada galería sin igual, como si caminaran a través del obturador de una cámara. Por el Parque de Esculturas uno convive con obras de artistas internacionales como Anish Kapoor, Olafur Eliasson, Lynda Benglis, Jeppe Hein y Fernando Botero, pero es hasta que cruzan The Twist que el recorrido del arte puede denominarse completo.

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Autores

DOBRA I, 130 x 150 cm, 2013

www.christineerhard.de

CHRISTINE

ERH A RD Texto: Mateo Pazzi · Fotografía: Cortesía Christine Erhard

La obra fotográfica de Erhard despliega un proceso artístico de estratificación e imágenes distorsionadas, concebidas con tempestiva elocuencia para producir piezas que desafían el discernimiento espacial.

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La faena artística de Christine Erhard surge a partir de su interés en la fracción constructiva de nuestro entorno. La fotógrafa alemana crea retratos arquitectónicos de composición tan compleja, que no resulta del todo evidente cómo pudo lograr una ilusión óptica tan genuina con solo un modelo y el disparo de una cámara. En su obra los sujetos emergen de una especie de realidad superior, contexto en que el espectador tiende a aceptar los elementos representados independientemente de su naturaleza objetiva, no obstante, deberán resistir cualquier divergencia al orden lógico y a la percepción espacial natural. El movimiento “Neues Bauen”, además del constructivismo y el brutalismo, son el punto de partida de su inventiva pictórica, aunado a su formación de escultora por la Kunstakademie Düsseldorf. Christine trabaja bajo creencia que la fotografía se libera de su supuesta función de crear solamente analogías de la realidad, enfocándose en dar puesta en escena a sus construcciones que no son sino una estrategia para vincular las interrelaciones espaciales con el territorio real circundante.

Untitled, 130 x 92,8 cm, 2019 DOBRA IV, 80 x 130 cm, 2014

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Autores

Su método artesanal contradice la convención de que la cámara produce la imagen de un objeto en una fracción de segundo; aquí la cámara captura -en una fracción de segundo- la imagen de un objeto que únicamente fue construido para ser fotografiado. Valiéndose de modelos de cartón y una diversidad de elementos cotidianos, ella misma gesta su concepto visual, por lo general inspirado en alguna pintura del Suprematismo, donde es muy clara su afinidad hacia obras de László Moholy-Nagy o El Lissitzky. Las fotografías de Christine Erhard no deben verse como objetos aislados, sino experimentarse como un elemento dentro de una dialéctica de imagen y de espacio; apreciarse tanto como postura intelectual como forma de expresión estética. Los materiales dispares, las líneas de visión y los múltiples niveles en la noción de lo existente constituyen el carácter de sus modelos anamórficos. Ella reproduce nuevas realidades, alejándose de las convenciones de la perspectiva lineal, y si bien no disolverá el límite de las dos dimensiones, sí conseguirá desorientar profundamente al presente… animándole a ver el mundo como algo diferente.

A XI, 115,6 cm x 131,1 cm, 2011

Blok 22, 130 x 88 cm, 2017

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Suma, 140 x 99 cm, 2018



Exposición

TRANSFORMÉ | Grimonet Léo, Cardona Marion

PAPILLON D’OR | Chabot Juliette, Schambel Gaelle

F E S T I V A L DE A R QU I T EC T U R A S VIV AS Realizado cada mes de junio desde el año 2016, el FAV exalta el trabajo de una nueva generación de arquitectos, paisajistas y urbanistas, mientras se descubren junto a ellos territorios urbanos inesperados. www.festivaldesarchitecturesvives.com

Presidenta del Festival de Arquitecturas Vivas: Elodie Nourrigat · Vicealcalde de Montpellier y Delegada de Planificación Urbana: Marion Chantal · Director Regional de Asuntos Culturales Occitania: Laurent Roturier Presidente de la CCI Hérault: André Deljarry · Fuente: v2com Newswire Texto: Mateo Pazzi Fotografías: ©photoarchitecture ©FestivaldesArchitecturesVives

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NOTRE NID Corsig Hugo, Billon Thilia

SHOWCASE Damiens Juliette, Kerrels Ornella

Organizado por profesionales del ámbito arquitectónico y urbano, el Festival de Arquitecturas Vivas busca crear conciencia en torno a estas materias, dirigido a un público que va desde los no iniciados hasta los más informados. Erigido en el corazón del centro histórico de Montpellier, en Francia, el FAV se vale de la magnificencia de diversas mansiones privadas como sede. Generalmente cerradas al público, los fastuosos recintos abren sus puertas para develar su arquitectura y las instalaciones aquí expuestas creadas por jóvenes y prodigiosos talentos. Los artífices de las obras participantes están presentes frente a cada instalación, desnudando claves para que los visitantes puedan descifrar el curso de sus ideas. Tres objetivos son establecidos en esta exposición temporal: el primero es dar acceso a sitios patrimoniales diversos e icónicos; el segundo refiere a la intervención específica del espacio que revela la relación íntima entre la arquitectura contemporánea y el sitio patrimonial, y en tercer lugar se consigue promover a una nueva generación de autores en la disciplina del espacio. Es así que el FAV ofrece una senda arquitectónica que oscila entre descubrir la ciudad y disfrutar de creaciones contemporáneas efímeras.

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Exposición

SEL SUR COURS | Brunel Mathieu, Laura Morlet

PAVILLON THE BIG WAVE Lucile Moulin, Alram Laurie, Jeanselme Chloé

La temática central de la edición 2019 del FAV fue “La Belleza”, vasto tema del que se apodera también la Filosofía, la Estética, la Sociología y las Bellas Artes, entre otras. Sin dejar rastros físicos, el FAV marca la memoria y compromete a una reflexión global sobre la arquitectura y su desarrollo dentro de un contexto urbano existente. NOFish | Serretta Alyson, Barre Margaux, Foltran Elisa

BEAUTÉ LOCALE Carmes Louise, Antoine Debesombes

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Dirección de Arte

www.jacobjonas.dk

Foto: Ashley McKinney | @jacobjonasthecompany RRM Design Group | Venice Beach Skate Park.

J A C OB J O N A S Director de Arte: Jacob Jonas · Texto: Mateo Pazzi Fotografías: Minh Tran, Ashley McKinney, Daniel Dent, Fransisco Cruz, Zack Alexopulos, Jacob Jonas Compañías de Danza: Jacob Jonas The Company, Gallim Dance Company, Alonzo King Lines Ballet, The 7 Fingers, Bill T Jones & Arnie Zane Co, New York City Ballet

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Foto: Zack Alexopulos @jacobjonasthecompany SPF:architects | Centro Wallis Annenberg para las Artes Escénicas.

#CamerasandDancers es una fantástica iniciativa para redes sociales donde se integra el espíritu de la danza, la fotografía y la arquitectura, heredando un portafolio visual inolvidable para Instagrammers.

¿Qué sucede cuando reúnes a magníficos bailarines, talentosos fotógrafos, figuras influyentes de las redes sociales y algunos de los escenarios arquitectónicos de mayor carga dramática en los Estados Unidos? La respuesta es #CamerasandDancers. Desde hace cuatro años el director Jacob Jonas, junto a su compañía de danza, es anfitrión de estos interesantes “Instameets”, sesiones dirigidas a usuarios de Instagram donde bailarines y fotógrafos colaboran de forma espontánea para generar contenidos de gran valor artístico tanto en tiempo real como en línea. Con las redes sociales desempeñando un papel tan importante en la comunicación de la nueva era, #CamerasandDancers demuestra ser una gran plataforma para inspirar nuevas colaboraciones artísticas, construir una sólida comunidad y aumentar la visibilidad en el arte de la danza.

Foto: Jacob Jonas @jacobjonasthecompany Dekleva Gregoric Architects | Residencia Maui

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Direcciรณn de Arte

#CamerasandDancers es sin duda un escenario donde todos los involucrados ganan, pues invita a nuevas audiencias a reconocer espacios memorables a la cadencia de la mรกs bella conjunciรณn de cuerpos que todo lo imaginan.

Foto: Daniel Dent | @linesballet Herzog & de Meuron | Museo deYoung SF

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Arquitectura e Interiorismo


Foto: Minh Tran | @jacobjonasthecompany Richard Meier Partners | Museo Getty LA

Foto: Fransisco Cruz | @the7fingers | Saucier+Perrotte Architectes Complejo Deportivo de Saint-Laurent

En cada sesión Jacob Jonas vincula a importantes instituciones culturales con personas influyentes en las redes sociales, compartiendo el contenido con cientos de miles de personas. A la fecha se han producido más de una treintena de eventos, realizados en locaciones que van desde el Museo Getty en Los Ángeles, hasta la Biblioteca Pública, el Museo Metropolitano y el Museo Whitney en Nueva York. Las compañías de danza que se han sumado a esta iniciativa son The New York City Ballet, Paul Taylor Dance Company, The Royal Ballet, Miami City Ballet, Lucinda Childs y Pilobolus; mientras que entre las firmas arquitectónicas figuran Renzo Piano Building Workshop, Saucier + Perrotte Architects y Lorcan O’Herlihy Architects, entre otras. Como coreógrafo y activista de la danza, Jacob Jonas no solamente posibilita que este arte pueda ser más visible y relevante a través del alcance de los influyentes sociales, sino que la exhibe con absoluta maestría e integridad.

Foto: Jacob Jonas | @billtjonesarniezaneco Frank Lloyd Wright | ASU Gammage

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#PasemosPágina

C O M P R E N DE R

L A A R QU I T EC T U R A Autor: Montañola, T.J. Editorial Teide. Barcelona, España. (1985) Recomienda: Leticia Alvarado Fuentes. Doctora en Ciencias Sociales; Investigadora Social y Urbana

Para mí, este libro es un clásico... lo adivinaste por su año, ¿cierto? Las razones son muchas, iniciando por la “advertencia” del autor de que es en la coordinación de los argumentos escritos y de las representaciones gráficas en donde existe la auténtica visión crítica y activa del hecho arquitectónico, ofreciendo una visión integral de lo que tendría que incluir nuestro hacer: leer, pensar, analizar, escribir, describir, proponer, proyectar... Hoy, comprender las arquitecturas así lo demanda. A la combinación clásica de Vitrubio de Firmitas, Utilitas y Vetustas, Montañola adiciona la moderna de Heidegger “pensar, construir y habitar” en el objetivo del libro: explicar que la única forma de conseguir una arquitectura con belleza es con la influencia entre la utilidad del habitar, la firmeza de la construcción y la conveniencia del diseño. Hoy, 34 años después ¿qué otras visiones, conceptos y reflexiones tendríamos que incluir? ¿Pondríamos a la belleza como el primer elemento, tal como él lo hizo? Es disfrutable poder seguir aprendiendo de ese libro que refiere por escrito, y por dibujo, desde arquitecturas de 2800 a.C., hasta ejemplos de la arquitectura moderna a través de Venturi, Meier, Gaudí, Eissman y otros más. Es una guía de escritura y dibujo para incluir ejemplos actuales, para imaginar proyectos futuros. ¿Mi parte favorita? El futuro basado en los efectos del pasado: la última parte en la que se proponen ejercicios “de arquitectura y de urbanismo” para niños y jóvenes de diferentes edades. Los argumentos del autor son la degradación del medio ambiente físico, la conciencia de las habilidades de orientación, de construcción o escala, los cuales resultan de gran utilidad para la supervivencia; por último, tratar evitar el abandono que la pedagogía acusa sobre el construir, habitar y diseñar como actividades básicas del ser humano. En fin, este libro te hace formular preguntas, luego entonces ¡es recomendable para que #PasemosPágina!

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