Frankenstein, de Guillermo del Toro
El monstruo que nos mira de regreso
Una
Madisa Joyería
Elegancia
Realidades
DIRECTORIO
AÑO 17 | NÚMERO 93
Dirección General Jalisco • Carmen Soto @carmensotoborbon
Dirección Comercial Jalisco • Noé Peña noe@maxwellgroup.mx
Dirección de Mercadotecnia Jalisco • Edén Buffet eden@maxwellgroup.mx @edenbuffet
Información y ventas: 33 1767 1732
@maxwelljalisco Revista Maxwell Jalisco - Riviera Nayarit
Coordinadora Editorial • Laura Durán direccioneditorialmaxwell@gmail.com
Arte y Diseño
Grupo Editorial Maxwell
Fotografía • Diego Torres, Emmanuelle Elías López, Gerardo Fabre “El Biut” y Maricela Maceira.
Finanzas • Luis Gerardo Díaz López
Presidente del Consejo • Mario Alberto Martínez Muñoz direccion@grupomaxwell.com.mx
Colaboradores
José Emmanuelle Elías López, Fernanda Rodríguez, Laura Durán, José Fernando Acosta Lozano, Giiovanni García, Arq. Juan José de Jesús González Torres y Ana Magro.
Fotografía
Monserrat Tejeda, Karla Olea, Scarlett Gutiérrez, Jacob Vélez G. , Pablo Pasos, Abraham Mojica, Warner Bros, Agencia de marketing CUO, Edén Buffet y Alejandro Valdovinos director del canal de arte y cultura: Estela Cultural.
MAXWELL publicación bimestral editada por Grupo Editorial Maxwell, S.A de C.V. Con domicilio en Milán 285, Col. Versalles, C.P.48310. Puerto Vallarta, Jalisco. Tel. 3222251500. Contacto: ana@maxwellgroup.mx. Impresión, Coloristas y Asociados, S.A. de C.V., con domicilio en Calzada de los Héroes 315, Col. Centro, León, Guanajuato. Teléfono: (477) 7166961. Grupo Editorial Maxwell, S.A. de C.V., no asume responsabilidad alguna por información y las fotografías proporcionadas por los anunciantes. Dicha información se asume como confiable de acuerdo a las fuentes de donde se obtiene. Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta revista sin el permiso expreso de Grupo Editorial Maxwell, S.A. de C.V.
CARTA EDITORIAL
Hay ediciones que se leen y otras que se sienten. Esta, sin duda, pertenece a las segundas. Desde la portada con Leonardo DiCaprio, un artista que ha convertido su carrera en un puente entre cine, activismo y estilo, hasta las historias que recorren cada sección; esta edición 93 está hecha para inspirar.
En ENTORNO, celebramos trayectorias que transforman. El universo espiritual y simbólico de Israel Zzepda, la mirada valiente de Ana María Arizti hacia la adolescencia y la familia, y el fuego creativo del chef Antonio de Livier, quien lleva el sabor norteño hasta las alturas de San Miguel de Allende. También destacamos la labor excepcional del Dr. Ariel Miranda, cuyo trabajo con niños con quemaduras ha cambiado vidas y marcado un precedente mundial.
Nuestro ESPECIAL ARTISTAS PLÁSTICOS es una invitación a detenerse y mirar con profundidad: la luz emocional de Danco Duportai, las ventanas mágicas de Estefania Mongrell, los claroscuros introspectivos de Pablo Pasos, la crítica contemporánea de Patricia Figueroa, la sensibilidad gestual de Rebeca Camarena y el arte textil sanador de Yun Yun. Seis voces que confirman la fuerza creativa de México.
Del arte y la cultura pasamos al mundo del estilo y la velocidad. Tras adentrarnos en el cine de Guillermo del Toro y su reinterpretación gótica y profundamente humana de Frankenstein, el camino nos lleva al Ferrari SF90 XX Stradale, una pieza que redefine lo extremo sobre ruedas. Finalmente, la moda otoño–invierno nos invita a explorar capas, cafés intensos y texturas audaces, recordándonos que el estilo también evoluciona con nuestro clima y nuestro carácter.
En ARQUITECTURA & HOME, exploramos la transformación de las ciudades mexicanas: gentrificación, migración y nuevas estéticas que reconfiguran barrios enteros. Además, recordamos la importancia de contar con asesoría profesional al invertir en bienes raíces, donde experiencia y visión hacen toda la diferencia.
Cerramos con LOUNGE, un recorrido por celebraciones, aperturas y momentos que se vivieron entre amigos, arte, gastronomía y brindis que cierran un año vibrante.
Gracias por acompañarnos en este 2025 lleno de historias extraordinarias. Nos vemos en el 2026… ¡Felices fiestas!
Laura Durán Coordinadora Editorial
Fotografía: Cortesía
INCÓGNIT A ARTE&CULTURA
EL ORIGEN DEL RIO
De la serie Hormigas
Agua fuente y Agua tinta Medida 87 x 118 cm
Autor: Sergio Garval
Obra ganadora de la Bienal Nacional de pintura y grabado Alfredo Zalce Premio de adquisición
Por: Laura Durán (@launiceduran) Fotografías: Cortesía
FRANKENSTEIN, DE GUILLERMO DEL TORO
El monstruo que nos mira de regreso.
Hay historias que no mueren, que esperan siglos para renacer en otro cuerpo. Frankenstein, la novela inmortal de Mary Shelley, encuentra en 2025 la mirada que parecía destinada a traerla de vuelta: la de Guillermo del Toro. Para el director mexicano, esta obra no es sólo un clásico, es una obsesión íntima. En su diario de bocetos, en sus entrevistas y hasta en sus fábulas premiadas, el monstruo de Shelley ha latido como una promesa. Hoy, finalmente, esa criatura de tinta y papel cobra vida en un filme que mezcla el horror gótico con la ternura más inesperada.
El rodaje, que se extendió por más de nueve meses entre Toronto y Edimburgo, dio forma a escenarios monumentales y atmósferas húmedas que parecen respirarse desde la pantalla. Con un presupuesto que supera los 120 millones de dólares, Netflix y Del Toro apostaron por una producción donde lo artesanal se impone sobre lo digital: maquillaje, prótesis y una criatura interpretada con dolorosa humanidad por Jacob Elordi. A su lado, Oscar Isaac encarna a un Victor Frankenstein obsesionado y frágil; Mia Goth aporta sensibilidad febril como Elizabeth; y completan el reparto Christoph Waltz, Charles Dance y Lars Mikkelsen, entre otros.
La cinta debutó en el Festival de Venecia, donde arrancó ovaciones y debate: unos celebraron su belleza trágica, otros se inquietaron por sus 149 minutos de metraje. Pero todos coincidieron en algo: Del Toro había entregado una obra profundamente personal. Aquí, el monstruo no aterra; conmueve. No se esconde en sombras, sino en los pliegues de la soledad, en la súplica universal de ser amado.
Frankenstein ya está disponible en Netflix, así que no te pierdas la oportunidad de verla desde ahora. Y, además, no dejes pasar el documental donde revelan cómo se llevó a cabo toda la realización de este film… un material imperdible si quieres conocer la obra por completo, desde sus entrañas creativas hasta los detalles que la hicieron posible.
ENTORNO
CREADORES
• EMPRESARIOS • LA ENTREVISTA • PERSONALIDAD • HISTORIA DE ÉXITO
ISRAEL ZZEPDA
El arte como espejo del alma
Por: Laura Durán (@launiceduran) / Fotografía: Montserrat Tejeda
Entre sueños, símbolos y materia, su obra revela la profundidad del ser humano. Con más de tres décadas de trayectoria, el artista tapatío transforma la experiencia espiritual en imágenes que dialogan con la conciencia colectiva.
Israel Zzepda ha convertido su vida en una búsqueda artística y de transformación del ser que trasciende el aparente acto de pintar. Desde sus inicios autodidactas en Guadalajara, cuando siendo adolescente ingresó a un taller que trabajaba para Sergio Bustamante, descubrió que su destino estaba trazado con pigmentos y texturas en los universos que sólo el arte puede contener. Su trayectoria incluye estudios en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara, una prolífica labor docente en diseño y figura humana, y una sólida obra plástica que ha viajado desde México hasta la isla italiana de Cerdeña, donde incluso recibió la ciudadanía honoraria por mérito artístico.
Zzepda ha desarrollado una estética figurativa de raíces renacentistas, donde el cuerpo humano se convierte en símbolo de lo intangible. Con dominio técnico del acrílico y el óleo, su pintura se nutre de lo existente más allá del consciente, entre el sueño y la vigilia, gravita en esa dimensión invisible donde convergen las memorias ancestrales de la psique y la energía vital. Su obra —profunda, mística y a la vez humana— plantea preguntas sobre la dualidad existencial y el alma. “Para mí, pintar es una forma de entenderme —afirma—. Lo que surge en mis sueños se convierte en imagen; si esa imagen provoca que otro se mire a sí mismo, entonces el arte cumplió su propósito.”
Su proceso creativo es introspectivo y disciplinado, sin horarios ni rutinas fijas: pinta cuando la conciencia lo llama, en la madrugada o al amanecer. Cada trazo, asegura, es un acto de coherencia entre el ser y el hacer. De ahí que sus murales —presentes tanto en México como en Europa— dialoguen con la arquitectura y el entorno, integrando la espiritualidad humana al espacio público. Para él, la diferencia entre el lienzo y el muro es esencial: “El lienzo es íntimo, una conversación silenciosa entre el alma y la materia; el mural, en cambio, pertenece al mundo. Tiene que dialogar con la arquitectura, con la gente, con la historia del lugar. En él, el arte deja de ser mío para convertirse en un espejo colectivo”.
Inspirado por figuras como Caravaggio, Salvador Dalí, Remedios Varo y El Bosco, comparte con ellos la obsesión por explorar los misterios del alma y la condición humana. “El Bosco me enseñó que la imaginación puede ser una vía hacia lo sagrado; Dalí, que el delirio también es disciplina; y
Remedios Varo, que el sueño puede ser una forma de verdad.” Su universo pictórico, lleno de símbolos, seres híbridos y atmósferas oníricas, conecta con ese linaje de artistas que usaron el arte como herramienta para descifrar el espíritu.
Amante de México, el pintor reconoce en su país una fuente inagotable de contrastes, belleza y contradicciones. “México es un espacio del universo maravilloso, pero también un territorio que duele. Cuando viajas y miras desde fuera, entiendes cuánto tenemos que cuidar: nuestra gente, nuestra cultura, nuestra capacidad de amar y crear”.
Su más reciente proyecto, la exposición `Ombelico de la terra, ombligo de la luna´, exhibida en Galería Vértice de Guadalajara, celebra el vínculo cultural entre México y Cerdeña: dos territorios unidos por el símbolo del ombligo, el origen y la vida. Junto al maestro Homero Regla, presentaron más de 70 piezas que reflejan esta hermandad estética y emocional entre continentes.
Hoy, mientras prepara un nuevo catálogo y futuras exposiciones internacionales, reafirma su propósito: ser mejor ser humano a través del arte. “El arte me ha salvado muchas veces. Cuando creas, el tiempo desaparece, y con él, el miedo tiene certezas. En ese instante no envejeces, no sufres… simplemente eres”.
Por: Laura Durán
ANA MARÍA ARIZTI
Renacer para transformar a las familias.
La trayectoria de Ana María demuestra que detrás de cada crisis puede nacer una misión: ayudar a padres y adolescentes a reencontrarse desde la presencia, la verdad emocional y la valentía de mirarse primero.
Ana María se describe a sí misma como una apasionada de las relaciones humanas. Le interesa, sobre todo, ese puente frágil y luminoso que se crea entre padres e hijos cuando llega la adolescencia. “Siempre pensé que los adolescentes eran especímenes complicadísimos”, confiesa. Y, sin embargo, fue justo ahí donde encontró su vocación.
Su historia no comenzó en una consulta psicológica, sino en una vida doméstica que parecía destinada a ser “la familia de la foto”. Estudió Administración de empresas turísticas, se casó al terminar la carrera y apostó todo a ser ama de casa. Pero 15 años después, el divorcio la obligó a reescribirse: “Ponte las pilas para salir adelante”, se dijo, enfrentando el miedo de no tener un proyecto personal más allá de sus hijos. En una conferencia escolar conoció a Norma Alonso, encuentro que la encaminó hacia el desarrollo humano. Estudió familia y codependencia en Monte Fénix y, posteriormente, Psicoterapia Gestalt, donde se especializó en Frontera de contacto y en trabajo con grupos, pareja y adolescencia. Ahí entendió que el problema no era la adolescencia, sino cómo los adultos la enfrentan.
Paradójicamente, Ana María jamás quiso trabajar con adolescentes. Pero para graduarse tuvo que atenderlos y, al escucharlos, quedó impactada. Historias de abandono emocional, límites rotos, padres ausentes o relaciones fracturadas. “No es culpa de los adolescentes —entendí—. Somos los papás los que estamos fallando”. Ese descubrimiento fue el germen de su proyecto más importante: un curso para enseñar a los padres a acompañar a sus hijos y no morir en el intento. Probó primero con sus dos hijos —“mis ratas de laboratorio”, dice entre risas— y la relación se transformó.
Su mensaje tomó fuerza gracias al impulso de Martha Debayle y Pamela Jan, que la acercaron a miles de familias. Hoy es parte de la gira Salida de Emergencia, donde participa en el show “¿Y vivieron felices para siempre?”, una experiencia que combina humor, reflexión y aprendizaje emocional. En escena, el público descubre cómo se elige pareja, cómo nacen los
amantes dentro del matrimonio y por qué la comunicación se quiebra. Es, como ella dice, “una terapia de pareja encubierta”: un show para reír, aprender y salir con una nueva mirada sobre la relación.
Actualmente, Ana María estudia dos temas que la atraviesan profundamente: la crisis de la mitad de la vida y la ansiedad. Junto con otro terapeuta desarrolla un modelo para explicar cómo funciona la mente frente a la ansiedad y cómo la rumiación constante desgasta la vida emocional. Su deseo es claro: seguir transmitiendo un mensaje que alivie la ansiedad en los hogares y permita que la crianza se viva con menos miedo y más consciencia.
Para ella, la crianza se sostiene en tres pilares: presencia emocional, límites coherentes y trabajo personal. Afirma que “la relación siempre es más importante que la norma” y también habla del valor de la energía masculina y femenina dentro del hogar, del desgaste de la autoridad parental y de los riesgos de una sociedad consumista que confunde amor con cosas materiales.
La adolescencia, insiste, no es una tormenta a sobrevivir, sino un puente que necesita guía, contención y firmeza. Por eso, a inicios de 2026 presentará su libro ¿Dónde están los papás? Una guía clara y profunda para acompañar a los hijos desde la conciencia y la responsabilidad emocional.
@anaarizti
ANTONIO DE LIVIER
Del fogón norteño al corazón de San Miguel.
El cocinero cachanilla que llevó la Baja hasta el cielo de San Miguel.
Hay historias que se cocinan a fuego lento, como los guisos que Antonio de Livier ama preparar. Nacido y malcriado en Mexicali, el chef encontró su vocación en Estados Unidos, donde trabajó una década en cocinas sin haber pisado jamás una escuela gastronómica. Ahí descubrió lo que él llama “la pureza del oficio”: terminar la jornada cansado, orgulloso y consciente del poder que tiene cocinarle a otro ser humano. “Es la forma más noble de decir te amo”, dice.
Tras forjarse entre fogones en Boston, regresó a México para integrarse a proyectos de alto nivel como La Frida en Cabo San Lucas, donde ganó el Five Star Diamond Award. Más tarde trabajó en conceptos que marcaron la escena culinaria nacional —La Panga del Impostor, La ½ Corriente— y creó un plato que ya es parte de la cultura pop mexicana: el birriamen, mezcla irreverente de birria y ramen que hoy se replica por todo el país. Su espontaneidad y carácter directo también lo han convertido en uno de los jueces más memorables de Top Chef VIP, donde ha desarrollado un vínculo único con la adrenalina televisiva.
Pero más allá de las cámaras, Antonio es un cocinero de fuego lento. Lo apasionan las recetas que se transforman con paciencia, las cocciones largas que “se miman”, como él mismo dice, y que le recuerdan esas cocinas de abuela que ya casi no existen.
Hoy su nueva casa culinaria es Amatte, un hotel que parece suspendido sobre San Miguel de Allende. Inspirado en la palabra náhuatl amate “nido”, y diseñado bajo la filosofía japonesa Wabi-Sabi, es un refugio contemporáneo donde lo imperfecto y lo natural conviven con una vista que corta la respiración. Para Antonio, la conexión fue inmediata. “Tiene una energía divina. Algo pasó al construirlo”, afirma. Incluso presume su detalle favorito: una regadera gigantesca que, según él, “te masajea el alma”.
En Amatte creó tres conceptos que llevan su sello inconfundible. El primero `Cantón Birriamen´ revive su icónico birriamen, servido con taquitos mini listos para mojar. El segundo, `Mariscos Doña Livier´, una barra fresca y directa al estilo de las carretas del norte: tostadas, ceviches y cócteles sin pretensiones. El tercero, `La Baha´, un homenaje a su tierra cachanilla: cocina a la leña, ingredientes frescos y sabores contundentes que llenan el espacio de aroma y calor.
Para Antonio, la única recomendación obligatoria es sencilla: “Tómate toda la tarde”. Llegar al mediodía, come, sobremesea, cena y ve el atardecer desde lo alto. Porque más que un hotel, Amatte es un respiro. Y la cocina de Antonio, un abrazo norteño que se queda contigo, incluso cuando termina el día.
Amatte Hotel – Salida Real a Querétaro 168, Zona Centro, 37700 San Miguel de Allende, Gto.
DR. ARIEL MIRANDA
El poder de una locura que cambió vidas.
El cirujano tapatío transformó el dolor de cientos de niños con quemaduras en esperanza, creando una unidad médica ejemplar y un movimiento que hoy inspira al mundo.
“ Alguna vez me mentalicé a ser uno entre mil”, dice con serenidad el doctor Ariel Miranda, cirujano plástico, padre de dos hijos y, sobre todo, un hombre que ha dedicado su vida a devolver sonrisas a niños que han sufrido quemaduras. Su historia no sólo habla de éxito profesional, sino de una pasión que transformó la tragedia en esperanza.
Desde pequeño supo que quería ser médico. A los ocho años presenció su primera cirugía y ahí nació el deseo de sanar. Lo que nunca imaginó es que su destino lo llevaría a cuidar a los más vulnerables: los niños con quemaduras. En su residencia en cirugía plástica, se enfrentó al dolor infantil en su forma más cruda, y entendió que debía cambiar esa realidad.
Así nació la idea de crear una Unidad de Atención para Niños con Quemaduras en el Hospital Civil Juan I. Menchaca, en Guadalajara. Una propuesta que muchos consideraron una locura por su costo y complejidad, pero que él convirtió en una hermosa realidad. Comenzó con tres camas; hoy la unidad cuenta con 16 espacios —ocho de terapia intensiva y ocho de intermedia— y un equipo de más de 100 profesionales que brindan atención integral.
Los resultados son contundentes: la mortalidad infantil por quemaduras, que antes alcanzaba el 11.9%, se redujo al 1%. Pero más allá de las cifras, el doctor Miranda ha logrado formar una comunidad médica sensible, comprometida y humana. “El mayor reto es no perder la sensibilidad; cada
niño es una historia diferente, y no puedes dejar de sentir.”
De su labor surgió también el movimiento Recuperando Estrellas, un proyecto que canaliza recursos para cubrir necesidades que el hospital no puede financiar. “Desde rifas, carreras y cenas hasta subastas de arte, todo lo hacemos para que los niños tengan lo que necesitan”, explica. Con los fondos recaudados se adquieren insumos, prendas de presoterapia y material especializado que mejora la recuperación y calidad de vida de los pacientes.
Gracias a esta iniciativa, el proyecto creció y llamó la atención de autoridades y organizaciones nacionales e internacionales. Hoy, el Dr. Ariel Miranda no sólo lidera la unidad de Guadalajara, sino que también es presidente electo de la Asociación Internacional de Quemaduras (ISBI), convirtiéndose en el primer ibero-latinoamericano en ocupar este cargo. Desde ahí, impulsa campañas de prevención y estrategias globales para atender emergencias por quemaduras en África, Asia y América Latina.
A punto de cumplir una nueva etapa, el doctor Miranda ve hacia el futuro con el mismo entusiasmo que lo llevó a crear su unidad. Planea, junto a sus hijos, fundar oficialmente la asociación Recuperando Estrellas para continuar el legado. “Si mañana me voy, me voy feliz”, dice con una sonrisa. “Porque sé que mi locura sirvió para devolverle la vida y la esperanza a muchos niños que hoy son estrellas recuperadas”.
ESPECIAL ARTISTAS PLÁSTICOS
1. DANCO DUPORTAI
2. ESTEFANIA MONGRELL
3. PABLO PASOS
4. PATRICIA FIGUEROA
5. REBECA CAMARENA
6. YUN YUN
DANCO DUPORTAI
La luz que habita la memoria
Con una sensibilidad que trasciende la técnica, convierte la pintura en un acto de introspección y gratitud, donde cada trazo es una conversación silenciosa entre la memoria, el tiempo y la luz.
Desde Holguín, Cuba, hasta Guadalajara, México, el recorrido de Danco Duportai ha sido una travesía guiada por la memoria. Su arte nace del recuerdo como brújula, de ese territorio íntimo donde lo vivido se transforma en imagen y la nostalgia adquiere cuerpo y color. Formado en la Academia de Bellas Artes San Alejandro, en La Habana, su carrera tomó rumbo propio tras una residencia artística en Surinam y Aruba, una experiencia que — como él mismo cuenta— amplió su mirada y reafirmó su vocación de creador.
Para Duportai, pintar es una manera de preservar el tiempo. Cada obra surge del deseo de explorar las emociones y transformar las memorias en una experiencia visual. “El recuerdo como diamante de la memoria humana ha
sido siempre la brújula para llegar a construir mis obras”, comparte. En sus lienzos habitan atmósferas melancólicas, personajes que parecen flotar entre lo tangible y lo invisible, fragmentos suspendidos que buscan descanso en la pintura.
Su obra se distingue por la síntesis compositiva, el formato miniatura y una técnica que combina veladuras y grisallas, capas que van revelando la imagen como lo hace la memoria: lentamente, entre luz y sombra. La lámpara de noche es uno de sus símbolos más poderosos, representación de ese foco de claridad que ilumina ciertos recuerdos mientras el resto permanece en penumbra. También aparecen los relicarios y camafeos rotos, testigos del paso del tiempo y de la fragilidad de lo que recordamos.
Su proceso creativo transita entre lo onírico y lo real. Alterna grandes lienzos con piezas diminutas, creando un diálogo entre fragmentos que se responden entre sí. “Pinto todos los días, y si no, estoy pensando qué pintar”, dice con serenidad. La pintura, para él, es más que oficio: es una forma de habitar el mundo. “La creación me ha enseñado a observar, a escuchar, a agradecer. Pintar también es regar una planta o guardar silencio mientras escuchas la banda sonora de la vida”.
A lo largo de su trayectoria, ha expuesto en espacios de Cuba, Surinam, Estados Unidos y México. Entre sus muestras más destacadas se encuentran Flash Back en la XII Bienal de La Habana (2015), Under New Clouds en Surinam (2017), Untrensealeja en Guadalajara (2019) y su participación en ART Santa Fe (2022). En 2023 fue finalista en la tercera competencia anual The Future Generation organizada por la PortraitSocietyofAmerica.
Hoy, después de más de seis años de residir en Guadalajara, se prepara para inaugurar su próxima exposición personal el 11 de febrero de 2026 en la galería Ikeri. “Mi mayor logro ha sido vivir en un país lo suficientemente libre para crear”, confiesa.
En su obra, el tiempo se fragmenta, la memoria respira y la luz se vuelve testigo. Cada cuadro de Danco Duportai es un relicario emocional: un refugio para la melancolía, una invitación a mirar hacia adentro y a recordar.
@dancoduportai
Danco Duportai
ESTEFANIA MONGRELL
Ventanas al arte y la naturaleza
Transforma la naturaleza en ventanas hacia mundos mágicos donde lo real y lo onírico se encuentran.
Ciudad Victoria, Tamaulipas, fue testigo del despertar artístico de Estefania, quien desde pequeña encontró en el dibujo, la pintura y la experimentación con distintos materiales su lenguaje natural de expresión. Su pasión la llevó a explorar galerías, aprender sobre curaduría y gestión artística, y finalmente a crear su propio espacio: EMongrell Art Studio, dentro de la Fábrica
La Aurora en San Miguel de Allende, donde desarrolla su obra y proyectos expositivos.
Su arte nace de la observación de la naturaleza, la flora, la fauna y la arquitectura de México, combinando elementos cotidianos con lo onírico. Cada pieza se convierte en un portal hacia mundos conocidos o imaginarios, donde la luz, el color y la atmósfera invitan al espectador a perderse en la calma, la memoria y la con-
templación. “Cada ventana es una invitación a viajar sin moverse”, asegura Estefania.
La inspiración proviene de la naturaleza y de artistas que exploran lo onírico, como Remedios Varo y Leonora Carrington. Para ella, crear arte es transformar emociones en algo tangible, dialogar con lo invisible y compartir una mirada personal que conecta profundamente con quienes observan su obra.
Su proceso creativo inicia con la investigación de ecosistemas, flora y fauna mexicanas, combinando estos elementos para crear paisajes que mezclan lo real con lo imaginario. Cada obra se construye como un espacio donde lo cotidiano se vuelve mágico y donde la naturaleza se transforma en protagonista y guardiana silenciosa de cada escena.
Entre sus logros destaca la exposición permanente en su estudio, la serie “Portales” presentada en el Museo Bicentenario de Toluca, y un mural colaborativo en Puerto Escondido, Oaxaca, que fortaleció su vínculo con el arte comunitario. Su mayor satisfacción ha sido mantenerse fiel a su búsqueda creativa y la capacidad de seguir sorprendiendo y compartiendo su mundo con otros.
Actualmente trabaja en una serie sobre los ecosistemas de México, que dará origen a un libro ilustrativo de especies endémicas, buscando generar conciencia sobre la riqueza natural de nuestro país.
Por: Laura Durán (@launiceduran) Fotografías: Jacob Vélez G. @jacov.photo
PABLO PASOS
Entre la luz, la sombra y los sueños que pintan el alma
Desde Puerto Vallarta, el artista plasma en sus lienzos el misterio de lo invisible y la melancolía de un mundo interior que se revela entre claroscuros.
En las pinturas de Pablo Pasos hay un eco que habita entre la nostalgia y el asombro. Sus obras son puertas entreabiertas hacia lo inconsciente, paisajes donde la luz y la sombra dialogan con la memoria, los sueños y el misterio de lo que no se puede nombrar. Nacido en Puerto Vallarta, Jalisco, creció rodeado de mar, cerros y una atmósfera de magia natural que marcó su sensibilidad desde niño.
“En la escuela siempre me regañaban por llenar los cuadernos de dibujos”, recuerda. Su primer acercamiento formal al arte fue gracias a sus padres, quienes lo inscribieron a clases de Prismacolor. Desde entonces, entendió que el dibujo no era un pasatiempo, sino una forma de respirar. Aquellos días en el antiguo Vallarta —un pueblo frente al mar, lleno de casas abandonadas y playas secretas— sembraron en él la curiosidad por lo oculto, por lo que apenas se alcanza a entrever.
Creció entre cámaras y negativos, con padres fotógrafos que le enseñaron a observar la luz como una materia
viva. Esa dualidad de luz y sombra, tan presente en su obra, se convirtió en su lenguaje más puro: “Pinto lo que no se ve, lo que se está por descubrir. Dejo lo suficiente a la vista para invitar al espectador, y oculto lo justo para conservar la magia”.
Su proceso creativo es íntimo y casi ritual. Muchas de sus ideas nacen de los sueños, de imágenes que emergen desde el inconsciente y que luego toman forma en bocetos o series pictóricas. “A veces esos bocetos guardan más verdad que la obra final, porque contienen la esencia primera de la emoción”. Así surgen personajes suspendidos en atmósferas melancólicas, animales y paisajes que parecen atrapados en un tiempo que no avanza.
En su universo visual conviven influencias tan diversas como Odd Nerdrum, Hopper, Wyeth, Graciela Iturbide, Luis Barragán, Moebius o Miyazaki, junto a ecos literarios de Juan Rulfo o la poesía visual del cine de Bergman y Lubezki. También están los lugares
abandonados frente al mar y los videojuegos de su infancia: todos fragmentos de un imaginario que alimenta su pintura.
Pasos concibe el arte como una necesidad vital: “Si no lo drenas, te ahoga. El arte es mi manera de mantenerme cuerdo, un remedio para una enfermedad crónica de imaginar”. Cada obra, explica, es una descarga emocional, una ventana hacia una emoción que no siempre sabe nombrar, pero que necesita existir.
Sus piezas revelan un equilibrio entre lo bello y lo brutal, entre lo sereno y lo perturbador. Luz, sombra y silencio son los pilares de su lenguaje pictórico, donde nada es completamente evidente. “Si pudiera fotografiarlo, lo haría —confiesa—, pero pinto porque es el medio más preciso para expresar lo que no tiene palabras”.
Ha participado en exposiciones locales junto a artistas y galeristas como Isela Mariscal y Quetzal, quien lo impulsó a continuar su camino en el arte. Para él, el mayor logro no es un premio ni una exposición internacional, sino poder vivir de lo que ama: “Siento que no me fallé a mí mismo ni a los sueños de la infancia”.
Actualmente trabaja en dos nuevas series: una protagonizada por una niña y sus peces, y otra inspirada en los paisajes de su infancia, ahora transformados por el recuerdo. Ambas exploran el límite entre lo visible y lo invisible, entre el mundo que fue y el que habita dentro de él.
En su pintura, cada trazo parece contener una pregunta sin respuesta, un intento de comprender el misterio de existir. No busca retratar la realidad: la reinventa, la ilumina y la oscurece, hasta convertirla en una emoción tangible. Su obra, como su mirada, es un viaje hacia ese horizonte que nunca se alcanza, pero que nos recuerda que imaginar también es una forma de ver.
Así, Pablo Pasos reafirma su lugar en la nueva generación de artistas plásticos del occidente mexicano, con una propuesta que combina introspección, técnica y una sensibilidad luminosa que invita a mirar más allá de lo evidente.
PATRICIA FIGUEROA
Poética del caos cotidiano
Su obra convierte conversaciones íntimas, materiales rescatados y tensiones digitales en un lenguaje visual que cuestiona cómo habitamos el presente
Entre lo virtual y lo tangible, Patricia Figueroa transforma la contradicción contemporánea en materia pictórica. Su obra convierte el exceso, la presión y el ruido del presente en un refugio visual, un lugar donde el arte opera como resistencia y como bálsamo.
Desde sus primeros encuentros con la pintura, Figueroa entendió el acto de crear como un modo de liberar la tensión acumulada en la vida urbana y digital. Su formación en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM cimentó una práctica crítica y profundamente humana, atravesada por los afectos y por las fisuras emocionales del día a día. La artista describe su relación con el arte como “un escape
de una olla de presión”: una zona donde lo íntimo y lo político se mezclan para dar forma a imágenes que revelan la fricción entre belleza, desgaste y deseo.
Interesada en el pulso acelerado de la vida contemporánea, su trabajo dialoga con temas como la autoexigencia, el hiperconsumo y la constante comparación que define lo digital. Influida por pensadores como Didier Fassin, Gilles Lipovetsky y Carla Escoffié, Figueroa observa los malestares sociales y emocionales que atraviesan lo cotidiano y los convierte en detonadores visuales. Para ella, lo virtual no funciona como una réplica del mundo, sino como una extensión inevitable de la experiencia humana. En sus piezas, ambas dimensiones se contaminan, se desgastan y se espejean.
Su práctica se basa en el contraste y la contradicción: una reflexión persistente que revela la coexistencia de mundos aparentemente opuestos. En sus lienzos conviven basura y lujo, brillo y deterioro, humor y crítica. No busca resolver tensiones, sino habitarlas con honestidad, invitando al espectador a reconocer en ellas la fragilidad compartida.
Una parte crucial de su proceso creativo consiste en registrar conversaciones con amigos y conocidos. De esos diálogos extrae frases, dudas, desahogos y destellos de sinceridad que luego trasladará a la pintura. La bitácora que construye a partir de estas voces se convierte en un archivo afectivo que guía sus imágenes.
Su interés por los materiales reciclados —telas rescatadas, objetos desechados, restos de otras vidas— refuerza su postura ética frente al consumo y la memoria. Cada obra no sólo representa una idea: encarna un gesto de resistencia ante la velocidad y el olvido que marcan el presente.
La trayectoria de Figueroa incluye más de veinte exposiciones colectivas en espacios como Aguafuerte Galería, Casa Frissac, el Museo Soumaya y el Senado de la República, así como ferias como CLAVO (5ª edición) y L.A.C.HIDA en Hidalgo. Entre sus proyectos más significativos destaca el mural memorial creado con SORECE, A.C., dedicado a las víctimas de feminicidio.
Actualmente prepara su primera exposición individual, programada para 2026, donde continuará indagando en las contradicciones de nuestro tiempo y en la posibilidad de la empatía como forma persistente de resistencia.
Por: Giovanni García / Redacción Maxwell / Fotografías: Abraham Mojica (@abrahammojica)
REBECA CAMARENA
Entre la forma y lo invisible
La artista tapatía transforma la emoción y la memoria en imágenes que respiran, creando un puente entre la técnica del realismo y la libertad del gesto.
Originaria de Guadalajara, Jalisco, Rebeca Camarena ha construido una voz artística profundamente introspectiva y sensible. Su carrera comenzó en el Grand Central Atelier de Nueva York, donde se formó en el realismo académico, una disciplina que, más que técnica, se convirtió en la base de su lenguaje visual. “Comprender la estructura, la luz y la anatomía desde la raíz es esencial para cualquier artista que desee expresarse con libertad más adelante”, comparte.
Esa libertad es precisamente el hilo conductor de su obra: una búsqueda constante entre lo real y lo intangible, entre la forma y su desintegración. Su pintura no sólo representa, sino que
traduce el mundo interior. “Crear arte es mi forma de hacer visible lo invisible, de compartir emociones y experiencias que, de otra manera, no podrían expresarse con palabras”.
Cada pieza surge de un momento específico, de una emoción en tránsito. En ellas, el cambio y la impermanencia se vuelven protagonistas. A través de gestos realistas y simbólicos, Rebeca reflexiona sobre la memoria, el movimiento y la naturaleza efímera de la existencia. Su propuesta fluye entre la precisión académica y la libertad gestual, generando un equilibrio entre lo tangible y lo espiritual.
“Busco propiciar conexión y comunidad a través de la experiencia compartida entre la obra y el espectador”,
explica. Y es precisamente esa capacidad de resonar lo que caracteriza su trabajo: la manera en que su pintura toca lo esencial, sin artificios, con una honestidad que trasciende fronteras.
Entre sus influencias, menciona nombres como Rembrandt, Hilma af Klint, Käthe Kollwitz, Remedios Varo y artistas contemporáneos como Colleen Barry y Will St. John. Sin embargo, su inspiración va más allá de las artes visuales. La música, el cine y la literatura son parte integral de su proceso creativo, un espacio donde lo intuitivo y lo emocional guían cada trazo.
Su proceso, describe, es casi impulsivo: “Las ideas llegan como relámpagos. Suelo acompañarme de música; hago bocetos rápidos para capturar la emoción antes de que se disuelva”. En su taller, la inspiración se convierte en una especie de ritual, donde cada obra nace del diálogo entre el cuerpo, la emoción y la memoria.
Actualmente, presenta `Inasible´, su exposición individual en la Galería Inmaterial, en Guadalajara. La muestra explora la fugacidad del movimiento y la memoria, invitando al espectador a sumergirse en una atmósfera donde el tiempo parece detenerse.
Para ella, el mayor logro no ha sido una exposición ni un reconocimiento, sino encontrar su voz: “Sentirme libre y cómoda expresando lo que me interesa con autenticidad, y ver que esa honestidad conecta con las personas, tanto en México como en Estados Unidos”.
El arte, para Rebeca Camarena, es refugio, espejo y puente. Es su manera de entender el mundo y compartirlo. En cada obra deja una huella sutil pero poderosa: la de una artista que pinta no sólo con la mano, sino con el alma.
@rebeca_camarena_pintura
Por: Laura Durán (@launiceduran) Fotografías: cortesía
YUN YUN
La belleza de lo remendado
La artista textil reinventa los materiales olvidados a través del sashiko boró, creando piezas que celebran la resiliencia, la memoria y la capacidad humana de transformarse.
Desde su infancia en Guadalajara, descubrió en los textiles un territorio de juego, curiosidad y sensibilidad. Mientras los enormes rollos de tela que su padre comerciaba ocupaban su casa, ella los escalaba como montañas y aprendía a distinguir texturas con las manos: los terciopelos profundos, la suavidad de la seda, la calidez del algodón. Con los muestrarios que él le regalaba —pequeños libros de retazos— comenzó a crear figuras y collages que anunciaban su futuro artístico.
Más tarde, la máquina de coser se convirtió en su puente hacia el mundo del hilo y la aguja. Ya en la adultez, su formación se consolidó a través de distintos talleres de bordado, pero fue el encuentro con el sashiko boró lo que marcó un antes y un después. Esta técnica japo -
nesa de enmendar de manera visible, resonó profundamente con su visión de vida: un recordatorio de que las cicatrices, propias y ajenas, pueden asumirse con autenticidad y orgullo.
En sus obras encuentra un significado íntimo y profundo. Cada puntada es un acto de introspección, y cada retazo sobrepuesto refleja la capacidad humana de reinventarse. Sus piezas celebran la transformación: cómo algo que parecía roto puede, en manos sensibles, convertirse en una mejor versión de sí mismo. Le interesa transmitir la importancia de la reutilización en un mundo que incita al consumo constante, pero también invitar al espectador a reconsiderar la manera en que interpretamos nuestras experiencias vividas. En sus textiles remendados, las marcas no se ocultan: se exhiben con dignidad, revelando una belleza auténtica, moldeada por la memoria.
Su proceso creativo abraza la limitación como motor de imaginación. Trabajar con materiales recuperados implica adaptarse a lo disponible, pero esa aparente restricción se vuelve una fuente inagotable de creatividad. “Cada elección —un retazo, una costura, una superposición— funciona como metáfora del proceso humano de reconstrucción”, nos comparte.
Entre sus exposiciones destacan su muestra individual en la Cámara de Comercio de Guadalajara y su participación en *Inflorescencia | Arte para conservar* en el Museo Raúl Anguiano, donde compartió espacio con artistas como José Fors y Rita Basulto. Este año será artista invitada en una subasta dentro del marco de *Un Día para Dar Jalisco*, a beneficio del Centro de Autismo DIF Zapopan, y planea llevar su obra al extranjero el próximo año.
Para Yun Yun, el arte es un viaje íntimo tejido con hilos de memoria, reflexión y esperanza. En cada pieza late una frase que define su visión: “Alguna vez fuimos otra cosa”.
Durán
PORTADA • AUTOS
Actor, ícono y defensor del planeta
Texto: Laura Durán (@launiceduran)
Fotografía : Warner Bros.
Un recorrido por la vida y obra de un actor que ha sabido combinar el arte cinematográfico con el activismo y el estilo.
LEONARDO DICAPRIO L
eonardo Wilhelm DiCaprio, nacido el 11 de noviembre de 1974 en Los Ángeles, California, ha consolidado una carrera que trasciende el cine para convertirse en un referente cultural y un símbolo de compromiso social. Desde sus primeros pasos en la televisión con series como The New Lassie y Santa Barbara, DiCaprio demostró un talento innato que rápidamente lo llevó al cine, destacándose por su capacidad de interpretar personajes complejos y profundos. Su primera nominación al Óscar llegó con What’s Eating Gilbert Grape (1993), donde interpretó a un joven con discapacidad intelectual, un papel que le valió reconocimiento inmediato y mostró al mundo la intensidad de su entrega actoral.
Film Name: One Battle After Another
Copyright: Shutterstock
Photo Credit: Jay Clendenin
Caption: los angeles world premiere Monday September 8th.
A lo largo de su trayectoria, DiCaprio ha trabajado con directores legendarios, como Martin Scorsese en Gangs of New York, The Aviator, Shutter Island y The Wolf of Wall Street, consolidando una alianza creativa que le ha permitido explorar roles que van desde el ambicioso empresario hasta el antihéroe trágico. Su participación en Inception de Christopher Nolan y en Once Upon a Time in Hollywood de Quentin Tarantino, demuestra su capacidad de moverse entre distintos géneros, siempre aportando matices y profundidad a sus personajes. El Óscar a Mejor Actor que recibió por The Revenant (2015) fue un reconocimiento tardío, pero indiscutible, a su constancia y a la pasión que imprime en cada interpretación.
Más allá de su vida en la pantalla, DiCaprio ha cultivado una imagen pública que combina elegancia, compromiso y conciencia global. Es un defensor activo del medio ambiente: fundó Leonardo DiCaprio Foundation en 1998, la cual organiza campañas internacionales sobre cambio climático y ha producido documentales que denuncian la degradación ambiental. Su activismo le ha valido ser nombrado Mensajero de la Paz de la ONU y aparecer en múltiples listas de las personalidades más influyentes del mundo.
En el mundo del lujo, DiCaprio ha sabido elegir alianzas estratégicas. En 2025 se convirtió en embajador de Rolex, participando en la campaña Reach for the Crown, reforzando así su perfil de sofisticación y estilo sin perder de vista su identidad de activista y artista comprometido.
Su más reciente proyecto, One Battle After Another, dirigido por Paul Thomas Anderson y basado en la novela Vineland de Thomas Pynchon, confirma su interés por roles desa-
fiantes y narrativas que combinan acción, drama y reflexión social. En la película interpreta a Bob Ferguson, un ex revolucionario que vive en el exilio con su hija Willa (Chase Infiniti) y que debe enfrentarse a su pasado para rescatarla de un oficial militar corrupto. El reparto incluye a Sean Penn como el Coronel Lockjaw, Benicio del Toro como Sensei Sergio, Regina Hall como Deandra, Teyana Taylor como Perfidia Beverly Hills y Alana Haim como Mae West; consolidando un elenco de lujo que potencia la intensidad de la historia. Filmada en El Paso, Texas, la película combina un estilo visual impecable con una narrativa que explora la moralidad, la justicia y la redención. Su estreno el 26 de septiembre de 2025 ha sido recibido con entusiasmo por la crítica, destacando la actuación de DiCaprio y la dirección de Anderson, y se espera que llegue a plataformas de streaming como HBO Max, en diciembre.
Leonardo DiCaprio sigue siendo un artista que no sólo interpreta la realidad, sino que la cuestiona y la transforma. Su capacidad para elegir proyectos con significado, su estilo inconfundible y su compromiso con el planeta lo consolidan como un ícono contemporáneo que trasciende la actuación para convertirse en un referente cultural, social y cinematográfico. One Battle AfterAnotheres la prueba de que, décadas después de su debut, DiCaprio sigue reinventándose, explorando nuevas dimensiones de su arte y dejando una huella imborrable en el cine y más allá.
Film Name: One Battle After Another
Photo Credit: David Jon
Caption: Los Angeles World Premiere Monday September 8th.
Por: Fernanda Rodríguez (@ferrodriguezcal) Fotografías: Cortesía de las Marcas
otoño- invierno Manual de moda para
Lo que pasa en Milán, París o Nueva York no tiene por qué quedarse allá. Esta temporada, las marcas nos invitan a jugar con texturas y formas: pieles llamativas, cafés profundos, capas dramáticas y un inesperado juego de cinturones. Descubre cómo tropicalizarlas a México para hacerlas tuyas.
¿Pelo sintético en el sol de México?
Sin duda sinónimo de lujo, el pelo sintético fue protagonista de colecciones como las de Prada y Chloé en abrigos dramáticos, cuellos acolchonados y detalles ultra glam. No le tengas miedo al calor: puedes incorporarlo en versiones cortas, chalecos o incluso en aplicaciones discretas en cuello y puños.
Un toque de capas
Abrigos tipo capa estructurada dominaron en Louis Vuitton. La silueta es sofisticada y poderosa, y en México, un look teatral también puede llegar muy lejos. Elige piezas de lana ligera o materiales transpirables que puedas usar sobre blusas o vestidos. Llévalas abiertas para crear movimiento y ciérralas sólo en las noches frescas.
El café es el nuevo negro
El color estrella de la temporada, lo vimos en Ferragamo y Stella McCartney, tanto en total looks como en accesorios. Empieza con botas, bolsos o cinturones en este tono. Para la ropa, los vestidos son la mejor opción. Combínalos con accesorios dorados y tendrás sofisticación asegurada.
Cinturones,
cinturones, cinturones
No, no lo escribimos tres veces por error. Jil Sander y Schiaparelli los propusieron uno sobre otro. Los cinturones enmarcan, decoran y cuentan una historia. En este caso, una muy maximalista. Experiméntalo sobre un blazer o con tops cortos y pantalones o faldas a la cadera. Ideal para este “más es más” que tanto nos encanta a los mexicanos.
GOLDINCISION® EN L’CUTE
Piel más lisa. Resultados reales.
GoldIncision® llega a L’Cute Medicina Estética & Spa, y con él, una nueva forma de tratar la celulitis avanzada desde su origen. Este protocolo, creado por el cirujano brasileño Roberto Chacur, va más allá de disimular irregularidades: actúa directamente sobre los septos fibrosos que generan los hoyuelos, y estimula la producción natural de colágeno para renovar la textura de la piel. El resultado es una superficie más firme, uniforme y visiblemente más suave.
En L’Cute, el tratamiento es realizado por el doctor Luis Cortés, cuya precisión y enfoque estético convierten cada procedimiento en una experiencia personalizada y segura. Bajo anestesia local para máximo confort, se liberan cuidadosamente los septos responsables de las depresiones y se aplican bioestimuladores dérmicos que fortalecen la piel desde adentro. En ciertos casos, se complementa con drenaje linfático o calor terapéutico para optimizar la recuperación.
GOLD INCISION CERTIFIED CENTER
Agenda tu valoración en:
L’Cute Medicina Estética & Spa, ubicado en Av. San Ignacio 1099.
331 066 2910
@drluiscortes @l_cutespa
L’Cute Medicina Estética & Spa Belleza con ciencia. Elegancia con resultados.
Este protocolo es ideal para quienes presentan celulitis moderada a severa, hoyuelos profundos que no han respondido a métodos convencionales o flacidez en glúteos y muslos. Está pensado para quienes buscan transformaciones reales y duraderas, no efectos temporales.
Los beneficios se hacen visibles progresivamente: una estructura dérmica más firme, reducción notable de hoyuelos y un acabado más uniforme. Aunque puede existir cierta sensibilidad o moretones temporales, la valoración previa garantiza que cada paciente reciba la indicación adecuada y un plan seguro.
GoldIncision® combina técnica avanzada, bioestimulación profunda y un enfoque estético inteligente, posicionándose como una de las opciones más eficaces para transformar la piel. Si buscas un cambio que se note y se sienta, este es el momento.
Redacción Maxwell / Fotografías: Antonieta
FERRARI SF90 XX STRADALE
Poder Desatado
El límite entre la pista y la calle nunca había sido tan extremo.
Cuando los modelos en serie de Ferrari reciben el ADN de las versiones Speciale, el resultado es un auto de pista con permiso para rodar por la calle. Pero cuando entra en escena la serie XX, hablamos de otra liga: máquinas creadas para conductores expertos, autos extremos que normalmente no están homologados para carreteras. Así que imagina lo que significa que uno de ellos reciba luz verde para salir a jugar al mundo real.
Sí, hablamos del Ferrari SF90 XX Stradale, una bestia de cuatro ruedas que, si la suerte te sonríe, algún día podrías toparte en plena carretera.
Su motor V8 de combustión interna trabaja en armonía con tres motores eléctricos: dos independientes en el eje delantero y uno más entre el motor térmico y la caja de cambios trasera. Juntos generan 1,030 caballos de fuerza, convirtiendo este bólido en una flecha que te pega al asiento apenas tocas el acelerador.
Su diseño es tan espectacular como su desempeño. Con una estética más radical y de clara inspiración en circuito, presume un carácter pura sangre que conserva las líneas del SF90 Stradale original… pero como si lo hubieran mandado al gimnasio, al spa y a terapia intensiva. La “masa muscular” extra se nota en su nuevo alerón trasero, más estilizado y con ese aire de cola larga típica de los autos de competición. También crecen las tomas de aire para los intercoolers y, al frente, una tolva en forma de flecha subraya su postura agresiva, baja y feroz.
Por: Emmanuelle Elías. / Fotografías: Cortesía
En el interior no encontrarás lujos excesivos, pero tampoco renuncias a la comodidad. Bajo la filosofía de que “menos es más”, la cabina se mantiene ligera, con un asiento de competición específico, estructura tubular y espuma de fibra de carbono visible. El resultado: una experiencia de conducción más pura, deportiva y sorprendentemente cómoda. Una cabina sencilla, sí… pero espectacular.
¿Y lo mejor? Cómo corre.
Atención: 320 km/h de velocidad máxima, un 0–100 km/h en 2.3 segundos y 0–200 km/h en apenas 6.5 segundos. Me tardé más en escribir esta línea que lo que tarda el SF90 en alcanzar esas cifras.
Todo gracias a su V8 Twin Turbo de 3,990 cm F1 de doble embrague de 8 velocidades y neumáticos que lo mantienen pegado al suelo: 255/35ZR F20 al frente y 315/30ZR F20 atrás.
¿Espectacular? Totalmente.
¿Y qué crees? También existe en versión Spider… y eso ya es otro nivel de locura.
TERAPIA ANTISTRESS & ANTIAGING
Fórmula avanzada con ingredientes naturales que potencia la regeneración celular y combate el envejecimiento.
CON XTEMCELL
Le das a tu cuerpo la defensa antioxidante que necesita para mantener un funcionamiento celular óptimo.
Ingredientes orgánicos, coenzimas, vitaminas y antioxidantes de alta calidad.
Apoyo a la salud celular, cardiovascular, digestiva e inmunológica.
Combate el envejecimiento prematuro. Promueve piel radiante y vitalidad.
BENEFICIOS
Ralentiza el envejecimiento celular.
Protección antioxidante contra el estrés oxidativo.
Apoya la salud ocular, ósea, intestinal y muscular.
Apoya la función cerebral y cardiovascular.
Fortalece órganos y tejidos vitales.
INGREDIENTES CLAVE
Brócoli, Espinaca, Apio, Alfalfa, Ácido cítrico, Germen tostado, Betacaroteno.
Vitamina E, Semilla de uva, Licopeno, Vitamina D3, Coenzima Q10, Arándano, Té verde, Excipiente CBP.
INGREDIENTES CLAVE
Brócoli, Rodhiola, Astrálago, Ashwagandha, Vitamina D3, Excipiente CBP.
A medida que envejecemos o enfrentamos estrés, los telómeros se acortan, afectando la regeneración celular.
¿QUÉ ES TELOMEROPLUS?
Un suplemento alimenticio natural en el que combinamos adaptógenos, plantas y hongos naturales con propiedades antiinflamatorias para ayudarte a:
Combatir el estrés, la ansiedad y la fatiga.
Apoyar la salud emocional y hormonal.
Mejorar el rendimiento físico y cognitivo.
Promover la salud digestiva de forma natural.
Fortalecer tu sistema inmunológico.
BENEFICIOS
Favorece la regeneración celular y la salud de las células madre.
Promueve un envejecimiento vigoroso y saludable.
Estimula la enzima telomerasa para reconstruir los telómeros.
Aporta energía, claridad mental y bienestar general.
Dr. Faustino Radillo.
COFEPRIS 193300201A1230 Ced. Prof. 5899874
33 1772 7988
@drfaustinocelulasmadre @hemostem_celulas_madre @hemovida.oficial @cellvira.suplements
Vestuario: La Sartoria by Pablo Garibi
ARQUITECTURA E INTERIORISMO HOME
CIUDADES EN TRANSFORMACIÓN
Gentrificación, migración y el surgimiento de una nueva arquitectura en las ciudades de México.
Por: Arq. Juan José de Jesús González Torres / Fotografías: Cortesía. / Instagram: @blendershopvallarta Facebook: Blender Vallarta / Email: jgonzalez@blendershop.com
LUn análisis del nuevo paisaje urbano mexicano, donde la llegada de nuevos habitantes, la renovación arquitectónica y la presión económica reconfiguran la identidad y el futuro de los barrios tradicionales.
as ciudades de México se encuentran en un proceso de transformación que ya no ocurre en silencio, sino a plena luz del día. Cambian con una cadencia que, aunque sutil, redefine sus paisajes más íntimos. Lo que antes era una papelería de barrio se convierte en un café de diseño; la casona con rejas negras y bugambilias se vuelve un edificio de departamentos con líneas limpias, ventanales de piso a techo y acabados que parecen recién salidos de una revista internacional. Un barrio tradicional, de pronto, recibe nuevos habitantes con acentos distintos, expectativas distintas y formas distintas de habitar la ciudad. Este fenómeno tiene nombre: Gentrificación, una fuerza compleja que entrelaza economía, movilidad y aspiración, y que encuentra en la arquitectura su lenguaje más visible.
La gentrificación funciona como un desplazamiento silencioso. La llegada de residentes con mayor poder adquisitivo eleva rentas, introduce nuevas tipologías comerciales, redefine el paisaje urbano e impulsa una estética que, poco a poco, deja sin espacio a quienes han construido la identidad del lugar durante generaciones. Lo hemos visto en la Roma y la Condesa, pero también en Santa María la Ribera, en los barrios regenerados de Monterrey, en las calles de Guanajuato y en las zonas en auge de Guadalajara, Vallarta y Mérida. Lo que antes era rutina —la fonda, la tiendita, la miscelánea que conocía el nombre de todos— se transforma en conceptos cuidadosamente diseñados, menús curados, coworkings minimalistas y boutiques donde cada objeto tiene una narrativa.
Paralelamente, la migración —nacional y extranjera— actúa como catalizador. México convoca a comunidades internacionales interesadas en su clima, su cultura y su ritmo menos vertiginoso, mientras miles de jóvenes mexicanos se desplazan buscando mejores oportunidades o mayor calidad de vida. En esta mezcla, las ciudades se vuelven laboratorios sociales: se diversifican, se enriquecen, pero también exhiben con claridad las tensiones de la desigualdad.
En este escenario, la arquitectura emerge como el espejo de la transformación. La estética contemporánea se expande con claridad: muros lisos en tonos neutros, maderas claras, celosías que filtran la luz con delicadeza, terrazas que se integran al interior mediante grandes ventanales, iluminación cálida que convierte lo cotidiano en aspiracional. Edificios que apuestan por la verticalidad sin perder la sutileza; viviendas que incorporan patios interiores, jardines secos, vegetación colgante y materiales como concreto pulido, mármol sobrio, acero expuesto o ladrillo recuperado. La ciudad empieza a hablar en un nuevo lenguaje visual, uno que combina herencia local con influencias globales.
Este lenguaje no sólo está en los nuevos desarrollos: también se manifiesta en renovaciones de espacios antiguos. Casonas restauradas donde se conserva la cantera original, pero se introduce mobiliario contemporáneo; locales comerciales donde los muros desconchados conviven con diseño industrial; fachadas históricas que vuelven a respirar gracias a intervenciones que respetan su carácter. Es un diálogo constante entre memoria y modernidad.
Sin embargo, este proceso no debe entenderse únicamente como tensión o pérdida. También ha permitido que múltiples ciudades recuperen zonas olvidadas: mercados revitalizados sin renunciar a
su esencia, corredores peatonales que devuelven la escala humana, plazas y parques restaurados como puntos de convivencia, ciclovías que ordenan la movilidad y proyectos culturales que abren nuevos accesos al arte y la identidad local. Lo fundamental es encontrar un equilibrio donde la modernización no arrase con la memoria, donde la estética no sustituya a la comunidad.
Hoy, las ciudades de México están en un punto crucial de su narrativa. Son territorios de contrastes, de capas superpuestas, de historias que se cruzan. La gentrificación y la migración seguirán reconfigurando sus fronteras, pero dependerá de nosotros —habitantes, arquitectos, autoridades y visitantes— decidir si ese movimiento construye una ciudad más inclusiva o sólo una más elegante.
Porque cada edificio, cada calle, cada restauración y cada desplazamiento escribe una línea más en la historia urbana.
Y la pregunta que permanece es: ¿Quién será el autor del próximo capítulo?
DECISIONES INTELIGENTES EN EL MERCADO INMOBILIARIO
Lo que separa una transacción exitosa de una decisión costosa.
Tomar decisiones inmobiliarias informadas no sólo acelera una venta o asegura una compra exitosa: también protege el patrimonio y reduce riesgos en un mercado cada vez más competitivo.
Comprar o vender una propiedad suele ser, para muchas personas, una de las decisiones financieras más relevantes de su vida. Aunque a simple vista pueda parecer una operación sencilla, el proceso está lleno de factores legales, fiscales y comerciales que pueden convertir una transacción exitosa en una experiencia complicada si no se cuenta con la guía adecuada. En este escenario, el acompañamiento profesional marca la diferencia.
Uno de los principales motivos para trabajar con una inmobiliaria es la protección del patrimonio. Vender de manera independiente puede resultar atractivo para evitar pagar una comisión, pero con frecuencia deriva en errores de valuación, estrategias fiscales ineficientes o una exposición limitada en el mercado. Una propiedad mal promocionada o con un precio incorrecto puede tardar meses en venderse o, incluso venderse por debajo de su valor real. Las inmobiliarias profesionales realizan análisis comparativos, invierten en publicidad especializada y conocen los movimientos del mercado, asegurando que la operación sea rentable desde el inicio.
Otra ventaja determinante es la seguridad jurídica. La revisión de escrituras —tanto del inmueble como del régimen de condominio—, la verificación del predial, la confirmación de que la propiedad esté libre de gravamen y el cálculo correcto del impuesto sobre la renta por enajenación, son procesos que requieren precisión y experiencia. Una inmobiliaria confiable trabaja de la mano con notarios y abogados, evitando fraudes, retrasos y cualquier detalle legal que pueda frenar una venta.
Un concepto que suele generar confusión es la exclusividad. Lejos de limitar la exposición, un contrato exclusivo permite que la inmobiliaria represente con claridad los intereses del propietario y comparta la propiedad con colegas del gremio bajo reglas precisas. De esta forma se multiplica la promoción, pero sólo un profesional coordina, filtra y protege la negociación. El resultado es un proceso ágil, seguro y orientado a resultados oportunos.
Por: Laura Duran (@launiceduran)
Fotografías: Cortesía Revista MAXWELL
Locación: JW Marriot Hotel Guadalajara
Hoy existe un número creciente de inversionistas que buscan generar ingresos pasivos. Además de la compra tradicional de casas o departamentos, opciones como locales comerciales, oficinas, rentas vacacionales o FIBRAS inmobiliarias pueden ofrecer retornos atractivos. La clave está en analizar riesgos, zonas, proyecciones y rendimiento esperado, un ejercicio que exige datos y experiencia especializada.
En este panorama, Grupo EGA se ha consolidado como un aliado estratégico que acompaña al cliente en cada etapa del proceso: valuación, estrategia comercial, procesos legales, planeación fiscal, administración de propiedades y búsqueda de oportunidades de inversión. Su enfoque integral permite que compradores y vendedores tomen decisiones informadas, seguras y alineadas con sus objetivos patrimoniales.
En un mercado dinámico y competitivo, no se trata sólo de comprar o vender una propiedad; se trata de hacerlo con inteligencia, respaldo y visión. Y es ahí donde contar con un equipo profesional marca toda la diferencia.
TORRE OLIVA RESIDENCE
El nuevo ícono residencial en la Colonia Americana
En el corazón cultural y gastronómico de Guadalajara emerge Oliva Residence, un desarrollo que redefine el lujo contemporáneo en una de las zonas con mayor plusvalía y proyección urbana del país. Concebida como una pieza arquitectónica de carácter atemporal, la torre combina líneas modernas, materiales premium y una visión residencial que privilegia la amplitud, la privacidad y la experiencia de vivir.
Torre Oliva abre sus puertas con una propuesta exclusiva: 21 departamentos diseñados para maximizar la iluminación natural, la ventilación cruzada y la integración armoniosa de espacios, con interiores que destacan por sus acabados de lujo, alturas confortables y distribuciones inteligentes. Cada unidad incluye dos cajones de estacionamiento.
El proyecto integra múltiples amenidades, diseñadas para complementar una vida equilibrada:
• Gimnasio boutique.
• Área de spa y wellness.
• Recepción con concierge.
• Sky Roof con vistas panorámicas de la ciudad.
Torre Oliva ofrece planes de pago flexibles, financiamiento directo, descuentos preferenciales por pago de contado y escrituración inmediata, permitiendo que la inversión sea tan conveniente como estratégica. Las unidades pueden apartarse desde $100,000 pesos, con un enganche del 10% a la firma del contrato privado.
Los prototipos disponibles van desde 155 m2 hasta 240 m2, con precios que inician en $8,569,000 pesos (precio especial en pago de contado con 3% de descuento).
Torre Oliva Residence no es sólo un desarrollo; es una invitación a vivir el futuro inmobiliario de Guadalajara desde uno de sus enclaves más emblemáticos.
Datos de contacto: info@egarealtygroup.com 322 199 7403
https://egarealtygroup.com
EVENTOS • APERTURAS • CELEBRACIONES
Melancolía
Sensibilidad onírica femenina
El Museo Casa Fenelón, en Tepic, Nayarit, fue sede de Melancolía, exposición individual del artista jalisciense Salvador Santana, presentada por la Universidad Autónoma de Nayarit dentro del homenaje póstumo al Dr. Julián Gascón Mercado.
La muestra reúne una colección de óleos sobre tela de gran formato basados en el sentimiento de la melancolía. El artista se enfocó en buscar un preciosismo de color y de formas, creando composiciones donde predominan personajes femeninos envueltos en atmósferas acuáticas y oníricas. Cada pieza surge de una exploración emocional que el autor fue construyendo y acumulando a lo largo de un año.
Texto: Laura Durán (@launiceduran) Fotografías: Agencia de marketing CUO
Texto: Laura Durán / Fotografías: Edén Buffet
LegendTower
Una experiencia que eleva la visión de lo exclusivo
El 14 de septiembre, Legend Tower ofreció a sus invitados una experiencia exclusiva durante la final del GDL Open Akron 2025.
Tras un coffee break en su showroom, clientes VIP y colaboradores disfrutaron del torneo desde lugares privilegiados, reflejando el espíritu de la marca: sofisticación y detalle.
Con 190 metros y 52 niveles, Legend se alza en el Distrito Andares como ícono de innovación, con cuatro espacios que transforman la vida urbana: residencias, oficinas, hotel y zona comercial.
Un desarrollo que, como el tenis, celebra la excelencia en cada movimiento.
Texto: Laura Durán (@launiceduran) / Fotografías: Edén Buffet
MadisaJoyería
Elegancia que se vive dentro y fuera de la cancha
Parte del staff y de la familia de Madisa Joyería asistió a la semifinal femenina del GDL Open Akron 2025, donde disfrutaron la emoción de los encuentros entre Elsa Jacqmont, Emiliana Arango, N. Bartunkova e Iva Jovic.
Una experiencia que, al igual que la marca, celebra la precisión, la pasión y la excelencia. Con más de 50 años de historia, Madisa se ha consolidado como referente en joyería de oro de 10 y 14 quilates, combinando tradición e innovación para crear piezas que perduren.
Dos mundos distintos unidos por un mismo valor: la perfección en cada detalle.
LOUNGE · REALIDADES ALTERNAS
Realidades Alternas
Una noche para habitar otros mundos
En una velada íntima y vibrante, el Lounge del CISZ fue el punto de encuentro para celebrar “Realidades Alternas”, la nueva exposición de Paulina Carretero. Entre música, mixología y luces cálidas, los invitados exploraron un recorrido sensorial donde óleo, gráfica y esculturas suspendidas invitaban al tacto y a la imaginación. Carretero, artista cuya obra ha viajado de Guadalajara a Londres y Milán, presentó piezas que fusionan memoria, intuición y realismo mágico. Una noche que reveló universos paralelos y confirmó la fuerza poética de su mirada.
Por: Laura Durán (@launiceduran)
Alejandro Valdovinos director del canal de arte y cultura: Estela Cultural.
