Revista CO

THE DESTRUCTION IS ALSO CREATION. MAY 2014 4€/SPAIN Nº 001

Colaboradores EDITOR María Domínguez Jorge ASISTENTE DE EDITOR Lorena Sánchez SUBDIRECTOR Ruben del Río DIRECTORA DE ARTE María Domínguez Jorge DIRECTOR DE BELLEZA Leire Cuadrado JEFE DE CONTENIDOS Wikipedía JEFE DE CIERRE Marta Adelantado

ARTE EDITOR GRÁFICO Diana García JEFE DE MAQUETACIÓN Juan Antón MAQUETACIÓN Estela Citores REDACTOR Jorge Cuadrado

portada principal.

MODA ESTILISTA Nuria Rincón

FOTOGRAFÍA Leire C. García

COLABORADORES Daniel Iglesias, Ana San Jose, Laura Martín, David palacín, Saul Arribas, David Miguelez, Kevin Santana , Aroa Cobos, Ruper caballero, Cristina Gonzalez, Anabel Alonso y Nora Geríz.

IMPRENTA Copiadoras Digitales Soria C/Plaza del Rosario Nº 3 Soria

REVISTA ONLINE WWW.CO.com Co@hotmailcom

DIRECCIÓN C/San Roque Nº 14 Seca (La) Valladolid 47491 portada secundaria.

¿Qué es ?

CO

es una revista de arte pero no arte academicista, como puede ser el romanticismo, el neoclásico o el barroco, si no aquello que rompió con lo establecido por lo que se centrará ligeramente en primeras vanguardias (Fovismo, Expresionismo, Cubismo, Dadaísmo y Surrealismo). En las Segundas vanguardias con más profundidad (Informalismo, Expresionismo abstracto, Pop art, minimal art, Hiperrealismo…etc.) de las segundas vanguardias en lo que más hincapié hará será en el arte conceptual y el arte en acción que será la base del arte contemporáneo que hoy nos encontramos en muchas galerías, entre ellas una de las más importantes en España como es ARCO. Esta revista explicará las obras, cual es el concepto de ellas la vida del autor ya que sin esto es imposible entender en muchas ocasiones la obra. Esta revista se centrará sobre todo en pintura, escultura y fotografía.

Por ejemplo encontraríamos obra de Beuys, donde se hablaría de su vida y de que como llego a sus obras conceptuales. Beuys fue piloto de 2º guerra mundial, el 16 de marzo de 1944 se estrelló cerca

de la aldea de Crimea. A punto de morir congelado, unos nativos tártaros lo rescataron y lo envolvieron con grasa y fieltro para evitar su muerte, este es el motivo por lo que aparece en sus obras estos elementos, y si no sabes esto no llegaras a entender la obra a simple vista y esto lo que en muchas ocasiones hace que este arte no se entienda y por consiguiente se rechace debido a la ignorancia y esto es lo que esta revista quiere evitar. Se pretende que el arte contemporáneo/conceptual llego a un amplio público y promoverle.

Esta revista aparte de obras de arte aparte de entrevistas también indicará conferencias, museos donde se expone este tipo de arte.

El nombre de la revista podría ser “Break off” que significa separarse, interrumpir o romper que es en definitiva lo que estos movimientos artísticos han hecho. Otra propuesta para el nombre es “CO” es un nombre sonoro y corto. Próximo a la gente, fácil de pronunciar y se puede adaptar a las diferentes lenguas. A demás nos hace alusión al arte conceptual y contemporáneo. Este nombre tiene mucha fuerza a la ser pronunciado y podría conseguir un gran impacto visual en la portada de la

Comenzamos EULALIA VALLDOSERA Se desnuda de ante nosotros.

BIIL VIOLA Nos habla de su nuevo video.

ANDY GOLDWORTHY Descubre la personalidad que

creó al artista.

JOSEPH BEUY. El autentico artista, su vida tal y como fue.

El ARTE EN LA PALMA DE LA MANO

NEWS CO Nuevos artistas del arte contemporáneo llegan a España.

-JEAN SHIN. -RON MUECK -J. FRANCISCO CASAS. -MATTHEW RITCHIE

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Eulalia Valldosera Desde sus inicios a finales de los años ochenta, su obra se caracteriza por las instalaciones y acciones lumínicas, en las que la intención no es crear un objeto para ser observado, sino la interacción con el espectador.

Dependencias, la nueva obra que da título y articula la exposición, es una pieza monumental en la que el público interactúa con carros de supermercado que contienen proyectores de vídeo. Con ella la artista retoma el tema del dispositivo fílmico y la puesta en escena, potenciando los aspectos táctil, auditivo y lúdico. El título alude por una parte a las dependencias del cuerpo donde se desarrolla la vida y a sus “estancias primigenias”: la maternidad, el sexo, el amor ola enfermedad. Pero a su vez hace referencia a la dependencia emocional de ciertos mecanismos que nos construyen y que definen nuestro modo de mirar y de actuar.

En esta muestra los visitantes pueden interactuar con algunos envases que la artista manipula para ser contenedores de experiencias que algunas personas desearían borrar de su vida, mientras que otros en cambio permiten registrar las nuestras. La exposición exhibe además trabajos iniciales poco representados en muestras anteriores, como dibujos, fotografías o vídeos mono canal que han sido muy importantes en el desarrollo de su trayectoria posterior.

El itinerario artístico de Eulàlia Valldosera se sitúa en ese proceso de búsqueda. Construyendo un equilibrio sutil y poético con la luz.

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Bill Viola El paso de las ideas sobre perfección social a la idea de autoperfección constituyó un momento muy decisivo. Adopté esta idea, integrándola con la performance y el body art y partir de entonces he trabajado con ella.

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Bill Viola es una pieza fundamental en el arte contemporáneo. Sus obras han sido expuestas en la National Gallery londinense, en el Museo Guggenheim de Berlín y el de New York, en el Museo Whitney de Arte Estadounidense o el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, entre otros.

Sus preocupaciones giran alrededor de la conciencia y experiencias humanas, como el nacimiento, la muerte, el amor, las emociones y otros sentimientos espirituales similares. Su carrera está influencia por su profundo interés en tradiciones místicas, especialmente la filosofía Zen, la teología mística cristiana y el sufismo; en paralelo con el arte medieval y renacentista occidentales, que influyeron en la estética de sus obras.

Un tema constante es la exploración de la dualidad: difícilmente podemos saber qué buscamos a menos que sepamos lo opuesto. Gran parte de su obra contiene temas contrarios como la vida y la muerte, la luz y la oscuridad, la acción y la calma, la fuerza y la tranquilidad, etc. Su obra podría dividirse en tres tipos: conceptual, visual y una combinación de ambos.

Su trabajo exhibe a menudo una cualidad pictórica.

El uso del vídeo en slow motion hace que el espectador se sumerja en la imagen y conecte profundamente con los significados que contiene. Esta cualidad hace que su obra sea inusualmente accesible dentro del arte contemporáneo, provocando críticas muy variadas. A pesar de ello, su ambición, el profundo significado de sus obras así como el tratamiento de los grandes temas de la humanidad, hacen que su trabajo sea apreciado por público, críticos y coleccionistas.

Desde sus inicios se interesó por temas que siguen presentes en su obra hoy en día, como la obsesión por captar a través de la grabación las emociones, desde uno de sus primeros trabajos The space between the teeth (1976) donde él mismo se grabó gritando, hasta Silent Mountain (2001) donde filmó en silente a actores en expresiones de angustia.

El trabajo de Bill Viola ha sido elogiado por la crítica. Marjorie Perloff, conocida por sus críticas poéticas y su promoción de escritores de vanguardia, le destaca y alaba describiéndole como un ejemplo de cómo las nuevas tecnologías (en su caso, la cámara de vídeo) pueden crear nuevos criterios estéticos y posibilidades que no existían en las encarnaciones anteriormente propuestas.

En 2009, Viola fue premiado en el Premio Internacional de Cataluña, valorando el trabajo creativo como importante contribución al desarrollo cultura, científico o de valores humanos en cualquier parte del mundo.

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ANDY GOLDSWORTHY A

ndy Goldsworthy, es uno de sus más brillantes exponentes de la generación posterior a la irrupción del Land Art, nacido el 26 de julio 1956 es un escultor británico, fotógrafo y ambientalista la producción específica de sitio la escultura y la tierra de arte situada en los entornos naturales y urbanos. Vive y trabaja en Escocia. Ex profesor de matemáticas aplicadas.

Según Goldsworthy, “Cada obra crece, se mantiene, decae - partes integrales de un ciclo que la fotografía muestra a su altura, que marca el momento en que el trabajo es más vivo Hay una intensidad de una obra en su pico.

Proceso y la decadencia están implícitos”Los materiales utilizados en el arte de Andy Goldsworthy menudo incluyen flores de colores brillantes, carámbanos, hojas, barro, piñas, nieve, piedras, ramas y espinas. Ha sido citado diciendo: “Yo creo que es increíblemente valiente de trabajar con flores y hojas y pétalos, pero tengo que: No puedo editar los materiales con los que trabajo Mi misión es trabajar con la naturaleza en su conjunto “

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Pero además de ser un gran escultor, Andy es también un gran fotógrafo que utiliza este medio como herramienta para inmortalizar y mostrar sus creaciones, obras que de otro modo desaparecerían para siempre.

Goldsworthy se pierde en la naturaleza profunda de Escocia y su riqueza paisajística, y dedica todo el tiempo que necesita hasta completar y hacer realidad su idea.

Lo que fascina de este gran artista es su modo de entender el mundo y de relacionarse con él.

Viendo sus documentales y entrevistas, a menudo me transmite la sensación de que es una de esas personas que aceptan las cosas tal como son, en lugar de luchar contra ellas, y simplemente se centra en satisfacer su espíritu creativo.

Eso sí, siempre respetando el entorno.

Ya puede estar en el lugar más frío de Gran Bretaña, trabajando con hielo durante horas y con los dedos morados, que como mucho hará una apreciación al respecto y seguirá trabajando el resto de la jornada.

Yo creo que es increĂ­blemente valiente de trabajar con flores y hojas y pĂŠtalos, pero tengo que: No puedo editar los materiales con los que trabajo Mi misiĂłn es trabajar con la naturaleza en su conjunto.

Espiral 1952

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JOSEHP BEUYS (1921-1986)

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oseph Beuys nac 12 de mayo de 1921 en Düsseldorf y muere 23 de enero de 1986, fue un artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como la escultura, performance,happening, vídeo e instaciones.euys combatió como piloto de la Luftwaffe en la Segunda Guerra Mundial. El 16 de marzo de 1944 su avión fue derribado en la zona de Crimea De manera extraordinaria fue rescatado y curado por un grupo de tártaros, que le untaron grasa para que no se congelara y lo envolvieron en un fieltro. Esta experiencia resultaría clave en la trayectoria del artista, que no dejaría de el arte y la vida cotidiana. Beuys nunca creyó en la transformación de la materia por medios artificiales, de modo que sentía que la forma existe en la naturaleza.

Sentía que los museos estaban debilitados, aislados, como resultado de que la idea de arte se había quedado en el ambiente académico, en los libros especializados, en los curadores, en los museógrafos. Esto tenía que cambiar, el arte podía y debía unirse a otras disciplinas, su rango de acción estaba en cualquier acción que necesitara creatividad. El poder al final de la cadena del arte no está en las instituciones, sino en las personas, no sólo en su sensibilidad innata para apreciarlo, sino en la capacidad de cambiar sus vidas y su entorno, es por esto que hablaba de esculturas sociales, de elementos que pretendían acercar la espiritualidad a los espectadores.

Beuys repite muchos objetos utilizados en otras obras.

Objetos que difieren de los ready-made de Marcel Duchamp no por su naturaleza pobre y efímera, sino por ser parte de la vida del propio Beuys que los “ha puesto ahí” tras convivir con ellos y haberles dejado su huella.

Muchos tienen relación autobiográfica como la miel o la grasa utilizada por los tártaros que le salvaron durante la segunda guerra mundial. En muchos casos, fue a partir de sus dibujos que Beuys planteaba las ideas que luego

traduciría en escultura, instalación, o acciones, en ellos solía mezclar medios tradicionales como el grafito o la acuarela con medios orgánicos como sangre o grasa. En algunos carteles se puede observar la cruz café, de vital importancia para el artista, que podía ser trazada en medios como óleo o pintura industrial.

Por desgracia, no es posible ver los dibujos del artista, de una riqueza y originalidad remarcables, pero sí se tiene acceso, en el vestíbulo del museo, al trabajo filmado Me gusta América y yo le gusto a América en 1974.

En la pantalla se puede ver al artista llegando a Nueva York, actuando como si no pudiera ver, hasta salir del aeropuerto, luego es envuelto y llevado en ambulancia hasta la galería. En este lugar se caracteriza colocándose fieltro y tomando un bastón, para luego convivir por una semana con un coyote. En el transcurso, el coyote va desgarrando el fieltro y Beuys, cubierto hasta la cara, baja y sube el torso con el bastón.

Al final, se puede ver la salida de la galería, una vez más es envuelto y conducido por la ambulancia. mitología, al lugar que ocupamos en el universo junto con los demás seres vivos.

Me gusta América y a América le gusto yo.

1974.

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Queen bee 3.

1952.

1952.

En 1952 creó tres obras de cera sobre madera, materias orgánicas cálidas orgánicas y fluidas. La abeja para él es unas metáfora de que el aprender, es el símbolo del pensamiento humano.

Los productos de la abeja, y la organización social del conjunto de la colmena, se convierten en metáforas de la vida humana y de la creatividad. Además. Beuys eligió la cera y la miel como materias de una transformación espiritual: una alquimia natural.

El 11 noviembre de 1965 Joseph Beuys (1921-1986) paseaba por el interior de una Galería de Arte en Düsseldorf vestido con un traje de fieltro y la cara untada con miel y polvo de oro y llevando en sus brazos una liebre muerta. Con un pie envuelto también en fieltro y una chapa de cobre atada a su tobillo, acariciaba las patas de la liebre mientras le susurraba al oído la explicación a los cuadros.

El arte de Beuys no representa (es una palabra fea, que supone algo de falsedad y contaminación). El arte de Beuys es, sin embargo y sobre todo, verdad y pureza.

Es un arte que presenta.

Esto es una interpretación personal y seguramente equivocada sobre una de las obras más apasionantes de toda la historia del arte. Arte que piensa sobre sí mismo, meta-arte, arte que se pregunta y que no responde, que no se cierra, que no enseña un producto acabado y perfecto (una tautología, una perogrullada ante la que sólo podemos asentir boquiabiertos y babeantes), sino que pregunta, nos pregunta, nos agrede y nos hace reflexionar sobre lo humano El arte de Beuys no representa (es una palabra fea, que supone algo de falsedad y contaminación). El arte de Beuys es, sin embargo y sobre todo, verdad y pureza.

Es un arte que presenta.

Esto es una interpretación personal y seguramente equivocada sobre una de las obras más apasionantes de toda la historia del arte. Arte que piensa sobre sí mismo, meta-arte, arte que se pregunta y que no responde, que no se cierra, que no enseña un producto acabado y perfecto (una tautología, una perogrullada ante la que sólo podemos asentir boquiabiertos y babeantes), sino que pregunta, nos pregunta.

El arte no está en las instituciones, sino en las personas

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Queen bee 2.

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EL ARTE EN LA PALMA DE LA MANO “Llega un nuevo sistema de iconización a nuestros museos que revolucionaran el panorama tal y como lo conocemos hoy en día” afirma el director del Prado.

13 EL trabajo consiste en una clasificación y representación de la forma menos icónica posible, se trata de los periodos artísticos que van desde la prehistoria hasta el arte contemporáneo y se titula “ El Arte en la palma de la mano” Dentro de este amplió campo se ha hecho seis clasificaciones: clasificación entre pintura y escultura, periodos artísticos, estilos, soportes, técnicas pictóricas, técnicas escultóricas y el lugar de procedencia de la obra, a continuación iré explicando cada uno de estos puntos con ejemplos.

La clasificación entre pintura y escultura se distingue mediante el contorno del cuadrado.

Desgraciadamente no todas las obras han llegado a nuestros días y solo quedan fotografías de estas, esto lo he señalado con un pequeño cuadrado en la parte superior del cuadrado.

Los periodos artísticos son un total de 41 cada una forma diferente inscritos en el cuadrado grande, la forma de todos ellos recuerdan al periodo artístico del cual están hablando pero de una forma no demasiado obvia, pondremos como ejemplo el pop art que es una forma de bocadillo de comic que está relacionado con Liechtenstein, en la pintura abstracta tenemos un circulo que representa a Kandinsky, padre de la abstracción, ya que en muchas de sus composiciones encontramos circunferencias ,el fauvismo, que procede del francés,fove, que significa fiera, y como podemos ver en el símbolo realizado en un cuadrado con unas líneas verticales que recuerda a una jaula, que es donde se encuentran las fieras.

Aseo Caballero Aseo Señora Sala 1, INFORMALISMO Sala 2, IMPRESIONISMO Sala 3, PINTURA ABSTRACTA Sala 4, MINIMALISMO

Sala 5, SURREALISMO Sala 6, PUNTILLISMO Sala 7, REALISMO

Los estilos se han condensado en cinco: geométrico, paisaje, retrato o personajes, bodegón.

Los soportes, es el material sobre el cual sea trabajado la obra, hablando de escultura un material muy común será la piedra, el metal o la madera y lo mismo ocurre con la pintura el soporte que más se repite es el lienzo. Todos estos soportes están creados con formas geométricas o a partir de formas geométricas. las esquinas del cuadrado grande. Y por último y no menos importante el lugar de procedencia de la obra, lo he separado por continentes, América del norte, América del sur, América central, Europa, Asia, África y Oceanía. He señalizado estos lugares a partir de colores, estos colores irán dentro del cubo.

Este producto esta nombrado como “El arte en la palma de la mano” ya que su funcionalidad es la de estar en los museos y servir de ayuda al público para conocer más en profundidad la obra, no quedarse en la apariencia externa, es decir que conozcan el soporte, la época de creación, su lugar de origen, la técnica…etc. Pero claro el espectador de la obra necesita una ayuda para saber lo que simboliza por lo que se le entregara un folleto.

España: 4€ Canarias: 5:€ Portugal : 3,50€