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PROFUNDIDAD DE CAMPO

mataderomadrid.org

EXPOSICIÓN

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MATADERO MADRID

ESP

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«Profundidad de campo» es un programa destinado a la producción, la muestra y el estudio de la práctica audiovisual contemporánea. El objetivo de «Profundidad de campo» es ofrecer una visión –en profundidad–, del trabajo de artistas del medio audiovisual (aquellos que desarrollan su obra en formato video, los que dialogan con el cine y con otros medios o de aquellos que proponen instalaciones con imágenes en movimiento de un amplio rango). Mediante la presentación de las obras de estos creadores, tanto de trayectoria reconocida como emergente, este programa pretende contribuir a generar un espacio continuo para el diálogo, en el que las diferentes propuestas de los artistas, se complementen y contribuyan a un mejor entendimiento de este medio. Tras un primer ciclo dedicado al tema de la violencia a través de la obra de Meiro Koizumi y María Ruido, y un segundo ciclo dedicado a la etnografía con la muestra de la obra de Carlos Casas y Ana Vaz, esta tercera temporada del programa «Profundidad de campo» aborda la capacidad de la música para alterar la experiencia visual con el acercamiento a la práctica artística de Laida Lertxundi (25 de octubre–15 de diciembre) y Manon de Boer (18 de diciembre–16 de febrero, 2020). Dos artistas que combinan en sus trabajos el rigor conceptual con el placer sensorial.

Laida Lertxundi (Bilbao, España. 1981) vive y trabaja entre Los Ángeles y el País Vasco. Tiene una licenciatura en Bellas Artes por el Bard College y un Máster en Bellas Artes por el California Institute of the Arts. Ha sido profesora en CalArts, el Art Center y la Universidad de California San Diego y en la actualidad es coordinadora de Estudios Cinematográficos en la Elías Querejeta Zine Eskola. Sus obras se han proyectado en festivales como el de Locarno, Toronto, Rotterdam, Nueva

York o Edimburgo y en museos como el MoMa de Nueva York, la Tate Modern y la Whitechapel Gallery de Londres o el Museo de Arte Moderno de Medellín. Entre sus exposiciones individuales destacan las realizadas en LUX (Londres), Tramway (Glasgow), Tabakalera (San Sebastián), DA2 (Salamanca) y La Alhóndiga (Bilbao). laidalertxundi.com


25 OCT - 15 DIC 2019

Autoficción, 2019

En 1984 la cineasta Agnès Varda respondía en una entrevista a la siguiente pregunta: Fotografía y cine: ¿primos hermanos o hermanos enemistados? Para Varda cine y fotografía eran al mismo tiempo hermanos y enemigos. Su diferencia radicaba, añadía, en el deseo del cine por capturar el movimiento de la vida y su rechazo a la inmovilidad. Afincada en Estados Unidos, las obras de la artista y cineasta Laida Lertxundi (Bilbao, 1981) evidencian la imposibilidad de capturar la inmovilidad de los paisajes de California, un lugar icónico para la industria del cine y escenario principal de sus obras. Desde sus inicios, estos espacios naturales se convirtieron en protagonistas esenciales de las tramas y en receptores de la vida emocionalmente intensa que en ellos recrea. El interés por su modo de filmar radica en el deseo de explorar y deconstruir varios pares aparentemente contradictorios tales como documentación versus ficción, acción versus contemplación y forma versus función. Y es que en cada plano la emoción desborda la forma, cada sucesión de imágenes se ve motivada por la sensualidad que comunica y la relación afectiva de lo

representado, y todo ello siempre bajo la subjetividad de una praxis marcadamente feminista. Se trata de «cartografías emocionales» que envuelven a las obras en un aura de misterio, sofisticación y un profundo sentimiento de nostalgia de un tiempo ya pasado. Es también por eso por lo que en sus películas Lertxundi decide trabajar siempre con actores no profesionales y recurre a amigos o a gente que acaba de conocer que no suele dominar el idioma que interpreta. De ellos le interesa captar la mayor expresividad de sus cuerpos inexpertos y una gestualidad más descontrolada en el momento de actuar. Sus cortometrajes, grabados en 16 milímetros, desobedecen cualquier norma de coherencia narrativa. Son historias que, como viñetas, hacen referencia a un evento al que no se vuelve. Porque para ella lo importante es el propio proceso fílmico y la capacidad del sonido, en concreto de la música, para alterar la experiencia artística y condicionar la interpretación de las imágenes en la narrativa cinematográfica. Entorno a esta capacidad transformadora de la música se articulan las tres obras que se presentan en esta exposición.


MATADERO MADRID

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Autoficción, 2019, proyectada en el espacio central, establece un juego entre dos géneros cinematográficos en tensión como son el cine directo y el cine de ficción, bebiendo al mismo tiempo del estilo de Agnès Varda y de novelistas interesadas en el género autobiográfico como Mary McCarthy o Chris Kraus y Rachel Cusk. Paradójicamente esta es su obra más impersonal en la que la principal protagonista es la ciudad de Los Ángeles, agente activo y pasivo, por ella discurren sus habitantes en situaciones en las que la palabra se sitúa como la herramienta política imprescindible para poder vivir en sociedad. Y en cada escena la música es la encargada de pautar la coreografía para traspasar el espacio fílmico y dirigirse con intensidad al espectador. Grabada en La Habana y varias localizaciones de California, Words, Planets, 2018, parte de los seis principios para la composición definidos por el pintor chino del siglo XVIII Shitao, que fueron recogidos en el ensayo For a Shamanic cinema [Por un cine chamánico] del cineasta y teórico chileno Raúl Ruiz, en los que propone una serie de ejercicios que experimentan con el espacio de la ficción en el cine. «Llamar la atención sobre una escena que emerge de un fondo estático» y

«agregar dinamismo dispersado a la inmovilidad» son dos de los ejercicios sugeridos que formalizan esta obra que gira en torno a la idea de desdoblamiento físico y sensorial, motivado por la experiencia de su propia maternidad y la duplicidad de su psique. Este concepto de desdoblamiento queda apoyado por la introducción de los textos del psiquiatra escocés Ronald David Laing y fragmentos de la novela Yo veo/Tú significas de la que es autora la crítica de arte Lucy Lippard. Estas referencias autobiográficas son todavía más directas en una obra anterior, 025 Sunset Red, 2016, cuyo título toma el nombre de un tipo de filtro que usa en sus películas. Una «autobiografía abstracta» que ahonda en el terreno de la investigación personal al analizar el lugar que ocupa la política en la vida de la artista. Para ello revisitó el archivo fotográfico familiar y, en particular, las fotografías de la participación de su padre en los partidos comunistas vasco y español durante la década de 1970. Y mediante el uso de su sangre menstrual simboliza el proceso doloroso que significó ese momento histórico y la incomodidad de hablar autobiográficamente, de desnudarse explícitamente, ante un mundo marcadamente patriarcal.

Words, Planets, 2018

Words, Planets, 2018

025 Sunset Red, 2016

025 Sunset Red, 2016


25 OCT - 15 DIC 2019

EN

‘Depth of Field’ is a programme that focuses on the production, screening and study of contemporary audiovisual practice. The aim of ‘Depth of Field’ is to offer an in-depth consideration of the work of audiovisual artists (those who produce their work in video format, those who engage in a dialogue with film and other media, and those whose work takes the form of installations with moving images of a very varied nature). Through the presentation of works by established and up-and-coming creators, this programme is intended to help to generate an ongoing space for dialogue in which the artists’ pieces complement each other and contribute to a better understanding of this medium. Following the first season of the ‘Depth of Field’ programme given over to violence, as addressed in the work of Meiro Koizumi and María Ruido, and a second season focusing on ethnography, with an exhibition of the work of Carlos Casas and Ana Vaz, this third season considers the ability of music to alter visual experience by examining the artistic practice of Laida Lertxundi (25 October – 15 December) and Manon de Boer (18 December – 16 February 2020), two artists who combine conceptual rigour with sensory pleasure in their works.

Laida Lertxundi (Bilbao, Spain, 1981) divides her time between Los Angeles and the Basque Country. She graduated in fine art from Bard College and holds an MA awarded by the California Institute of the Arts. She has lectured at CalArts, the Art Center and the University of California in San Diego and is currently the co-ordinator of Film Studies at the Elías Querejeta Film School. Her works have been shown at the festivals of Locarno, Toronto, Rotterdam, New York, Edinburgh

and elsewhere, as well as in major museums such as the MoMA in New York, Tate Modern and the Whitechapel Gallery in London and the Medellín Museum of Modern Art. She has had a number of solo shows, notably in LUX (London), Tramway (Glasgow), Tabakalera (San Sebastián), DA2 (Salamanca) and La Alhóndiga (Bilbao). laidalertxundi.com


MATADERO MADRID

In 1984, the filmmaker Agnès Varda was asked in an interview about film and photography: were they close cousins or brothers at war with each other? According to Varda, they were both. What differentiated them, she added, was film’s desire to capture the movement of life and its rejection of immobility. Laida Lertxundi (Bilbao, 1981), who lives in the United States, is an artist and filmmaker whose works reveal the impossibility of capturing the motionlessness of the landscapes of California, an iconic place for the film industry and one of the main sets for Lertxundi’s own oeuvre. Back in the early days of her career, these natural spaces developed into key protagonists of her plots and started accommodate the emotionally intense life she recreates in them. In her works, she explores and deconstructs seemingly contradictory duos such as documentation versus fiction, action versus contemplation, and form versus function, an approach to filmmaking that is both intriguing and engaging. In every shot, emotion overwhelms the form, every sequence of images stems from the sensuality it communicates and the affective connection between what is shown, all presented from the perspective of the subjectivity of a markedly feminist praxis. In short, ‘emotional mappings’ envelop the works in an aura of mystery, sophistication and a profound sense of nostalgia for an era now in the past. This is also the reason why Lertxundi opts in all her films to work with non-professional actors, using friends or people she has just met who are generally not proficient in the language of performing. What interests this filmmaker is capturing the greater expressiveness of their inexpert bodies and their more uncontrolled gesturality when they come to act. Her shorts, shot on 16-mm film, break every convention there is in relation to narrative consistency. They tell stories which, like vignettes, make reference to an event to which they do not return. This is because what matters for her are the process of film itself and the ability of sound, particularly music, to alter the artistic experience and to shape the interpretation of the images in the cinematographic narrative. This transformative capacity of music underpins the three works featured in this exhibition.

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Autoficción [Self-fiction] (2019), screened in the central space, sets up a game between two genres of film in a tense relationship with each other, direct film and fictional film, drawing on the style of Agnès Varda herself, as well as of novelists interested in autobiography, such as Mary McCarthy, Chris Kraus and Rachel Cusk. Paradoxically, this is her most impersonal work in which the main protagonist is the city of Los Angeles, an active and passive agent, through which its inhabitants make their way, caught up in situations in which the word operates as a political tool that is essential for living in society. In each scene, music is responsible for devising the choreography for crossing the filmic space and intensely addressing the audience. Recorded in Havana and a number of locations in California, Words, Planets (2018) takes as its starting point the 18th-century Chinese painter Shitao’s six principles on composition, described by the Chilean filmmaker and thinker Raúl Ruiz in his essay For a Shamanic cinema, in which Ruiz suggests a series of exercises that experiment with the place of fiction in film. ‘Draw attention to a scene emerging from a static background’ and ‘add scattered dynamism to immobility’ are two of these suggested exercises that underpin this film which revolves around the idea of physical and sensorial splitting, which grew out of Lertxundi’s own experience of motherhood and the division of her psyche. This concept of separation is supported by the incorporation of writings by the Scottish psychiatrist R.D. Laing and extracts from the novel I See/You Mean by the art critic Lucy Lippard. These autobiographical references are even more direct in an earlier work, 025 Sunset Red (2016), the title of which is the name of a type of filter Lertxundi uses in her films. This piece is an ‘abstract autobiography’ that delves into the realm of personal research by analysing the place of politics in her life. To this end, she looks through her family’s photographic archive and in particular at the photographs of her father’s involvement in the Basque and Spanish communist parties in the 1970s. And through the use of her menstrual blood, she symbolises the painful process of that moment in history and the difficulty of talking autobiographically, of explicitly baring herself to a distinctly patriarchal world.


25 OCT - 15 DIC 2019

Autoficción, 2019

Words, Planets, 2018

025 Sunset Red, 2016

CRÉDITOS

UNIDAD DE PROGRAMACIÓN Responsable de programación: Ana Ara Gestión de proyectos: Eva Gonzalo Comunicación: Myriam González, Marisa Pons Diseño gráfico: Mario Cano Relaciones institucionales: Marta García Santo-Tomás Coordinación técnica: Javier del Valle, Carmen Abarca Coordinación producción: Miriam Bosch Apoyo coordinación producción: Santiago Jiménez Producción: Vicente Fernández, Andrés Fernández, David Romero Coordinación gerencia: Adela Fernández Administración: Susana Arranz, Paloma Benito, Nieves Montealegre, Mila Pinel Infraestructuras: Raúl Cano

PROGRAMA PROFUNDIDAD DE CAMPO Responsable del programa: Ana Ara Diseño: AV_Diseño de Espacios Culturales MATADERO MADRID: Directora artística: Rosa Ferré Gerente: Alma Fernández Rius


PROGRAMA EXPOSITIVO EXHIBITION PROGRAMME ↳ ESPACIO CENTRAL CENTRAL SPACE

↳ A LA IZQUIERDA ON THE LEFT

↳ A LA DERECHA ON THE RIGHT

Autoficción, 2019 Vídeo monocanal, 16 mm Single-channel video, 16 mm 15’

025 Sunset Red, 2016 Vídeo monocanal, 16 mm Single-channel video, 16 mm 14’

Words, Planets, 2018 Vídeo monocanal, 16 mm Single-channel video, 16 mm 11’

↳ CARTA BLANCA CARTE BLANCHE Las películas indicadas a continuación son la respuesta de Laida Lertxundi a la carta blanca que desde Cineteca se le ofreció con el deseo de expandir su trabajo mediante la proyección de películas de otros autores que han sido importantes para el desarrollo de su trabajo. These films were selected by Laida Lertxundi in response to the carte blanche offered to her by the Cineteca to add to her work by screening films by other directors who were important to the development of her own oeuvre. Todos los pases en Cineteca Madrid All screenings at Cineteca Madrid SESIÓN 1 Utskor: Either/ Or, Laida Lertxundi, 2013, 7’ 5’’ Contactos, Paulino Viota, 1970, 70’ → 26 octubre/ October. 20:00h SESIÓN 2 Footnotes to a House of Love, Laida Lertxundi, 2007, 13’ My Tears Are Dry, Laida Lertxundi, 2009, 4’ Pourvoir, Patrice Enard, 1981, 90’ → 27 octubre / October. 20:00h

SESIÓN 3 Vivir para Vivir / Live to Live, Laida Lertxundi, 2015, 11’ Easy Rider, James Benning, 2012, 95’ → 12 diciembre / December 20:00h SESIÓN 4 Cry When it Happens / Llora Cuando Te Pase, Laida Lertxundi, 2010, 14’ Border Radio, Allison Anders, Kurt Vos, Dean Lent, 1987, 83’ → 13 diciembre / December. 20:00h SESIÓN 5 We Had the Experience but Missed the Meaning, Laida Lertxundi, 2014, 8’ Underground USA, Eric Mitchell, 1980, 85’ → 14 diciembre / December. 20:00h SESIÓN 6 The Room Called Heaven, Laida Lertxundi, 2012, 11’ A Lax Riddle Unit, Laida Lertxundi, 2011, 6’ In Titan´s Goblet, Peter Hutton, 1991, 10’ Landscape (for Manon), Peter Hutton, 1988, 12’ New York Near Sleep for Saskia, Peter Hutton, 1972, 10’ Skagafjördur, Peter Hutton, 2004, 35’ → 15 diciembre / December. 20:00h

↳ ENCUENTRO CON LA ARTISTA MEET THE ARTIST 12 diciembre / December, 20:00h Cineteca Madrid, Sala Plató

Conversación con Laida Lertxundi Conversation with Laida Lertxundi

Matadero Madrid Paseo de la Chopera 14 28045 Madrid T. 91 318 46 79 info@mataderomadrid.org @mataderomadrid #ProfundidadDeCampo

De martes a domingo y festivos: 11:00h - 20:00h. Lunes cerrado From Tuesday to Sunday and holidays: 11 am - 20 pm. Mondays closed

mataderomadrid.org

Entrada gratuita / Free entrance

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Profundidad de campo. Laida Lertxundi  

El programa Profundidad de campo, destinado a la producción, muestra y estudio de la práctica audiovisual contemporánea, inaugura una nueva...

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