AS OBRAS MAIS FAMOSAS DE PABLO PICASSO

O velho guitarrista é uma pintura de pablo picasso , pintado em 1903 , logo após a morte suicida de Picasso’s amigo próximo , Casagemas . Picasso’s “ Azul Period” abrangeu os anos de 1901–1904 , e foi seguido por seu “ Rosa Period” . esses períodos foram precursores do cubismo , que definiu grande parte Picasso’s carreira . este trabalho foi criado em madri , e o estilo distorcido ( note que a parte superior do tronco do guitarrista parece estar reclinada , enquanto a metade inferior parece estar sentada cross-legged ) lembra as obras de el greco .

Esta é uma das famosa obras da Fase Azul do pintor. Não só nas cores, mas os temas melancólicos nos trazem a sensação de solidão, reflexão, como se o velho estivesse sozinho em uma noite, tocando o seu violão e apenas apreciando o som como uma forma de relaxar/descansar. A deformação das mãos é uma das principais características que mostram a influência de El Grego.

“O Old Guitarist” (O velho guitarrista cego), foi tragicamente desencadeada pelo suicídio de um amigo próximo de Picasso com apenas 20 anos de idade na época. As obras de arte período azul de Picasso são um retrato impressionante de emoções complexas, utilizando uma paleta limitada de azuis e verdes escuros.

Dizem que o guitarrista cego é uma visão que Picasso faz de si mesmo e que a posição do mendigo inclinada para frente é como se ele, Picasso, estivesse à procura de inspiração para sua arte.

O tom azulado da imagem, pelo fato de a obra pertencer a fase azul, deixa-a mais melancólica, nos trazendo a sensação de solidão, reflexão, como se o velho estivesse sozinho em uma noite tocando o seu violão e apenas apreciando o som como uma forma de relaxar/descansar.

Mulher Sentada – (1949)

Esta obra foi feita em 1937, no período mais prolífico do artista e é considerado um dos seus trabalhos mais importantes. Os tons de vermelho se defrontam com os de verde, o que dão ao quadro um senso de animação, típico de seus traços. Nesta época, Picasso já estava incrivelmente famoso, e o seu amor pela mulher foi representado com muita inspiração e vigor.

A tela é uma homenagem de Picasso a Françoise Gilot, que à época estava grávida de sua filha, Paloma. Em 2012 foi vendida, num leilão, por cerca de R$28 milhões (8,5 milhões de libras).

Nesta obra, Picasso converte o corpo humano em um arabesco, quase um ornamento. Toda a pintura é um inventar de formas.

“Moça diante do espelho” foi feita no período cubista de Picasso e evoca uma imagem da vaidade. Ela mostra a jovem amante de Picasso, Marie-Thérèse Walter, no início de 1930. Picasso ainda era casado quando a conheceu. Durante a década de 1930, ela se tornou seu tema favorito e nesta pintura ele usou cores e símbolos para mostrar as diferentes formas em que ele a via e as formas que ela via a si mesma.

A pintura é da mulher que se olha em um espelho e a imagem que vê é diferente de si mesma. Seu perfil aureolado, em suave lilás, parece sereno, mas se funde com uma visão frontal do rosto, intensamente amarelo, como o sol, e com uma forte maquiagem. Talvez a pintura sugere tanto a personalidade diurna de Marie-Thérèse quanto sua personalidade noturna, tanto a sua tranquilidade quanto sua vitalidade, mas também a transição de uma menina inocente a uma mulher mundana consciente de sua própria sexualidade.

Também pode ser interpretado como a imagem de uma mulher confrontando sua mortalidade em um espelho. À direita, o reflexo do espelho parece mostrar a alma da menina, seu futuro, seu destino. Ela parece mais velha e mais ansiosa. A garota estende a mão para o reflexo, como se estivesse tentando unir seus diferentes “eus”.

O papel de parede com estampa de diamante lembra o traje de Arlequim, o personagem da Commedia dell’arte, com quem Picasso, muitas vezes se identificou. E aqui seria uma testemunha silenciosa das transformações psíquicas e físicas da menina.

Outra interpretação possível da pintura é como Picasso vê sua amada. O lado amarelo do rosto representa momentos felizes do casal. Este lado de seu rosto mostra sua juventude. Esta mulher é pintada com cores que aumentam sua beleza. Já o seu reflexo no espelho seria a interpretação de como ela se vê. Em vez de felicidade, o significado aqui é mais de tristeza e medo, indicando seu medo de perder sua juventude. Ela é autoconsciente, e vê todas as falhas em si mesma que o mundo não vê.

A moldura tem três músicos , dois que são vestidos como personagens populares Italianas teatro Commedia dell’arte em um baterseasocos quarto , semelhante o palco deles .

Cada pintura apresenta um arlequim, um pierrot, e um monge, que geralmente representam Picasso, Guillaume Apollinaire, e Max Jacob, respectivamente. Apollinaire e Jacob, ambos poetas, eram amigos íntimos de Picasso durante os anos de 1910. Entretanto, Apollinaire morreu com a Gripe espanhola em 1918, enquanto Jacob decidiu entrar para um mosteiro em 1921.

The Dream – (1932)

Le Rêve ( francês) por Pablo Picasso , então 50 anos de idade, que retrata a amante Marie-Thérèse Walter (22 anos mais jovem) . Diz-se ter sido pintado em uma tarde, em 24 de Janeiro de 1932. Pertence ao período de representações distorcidas de Picasso, com as suas linhas simplistas e cores contrastantes que se assemelham início fauvismo .

O conteúdo erótico da pintura foi observado várias vezes, com os críticos apontando que Picasso pintou um pênis ereto, presumivelmente simbolizando sua própria, no rosto virado para cima de seu modelo.

A pintura representa uma jovem, Marie-Thérèse Walter , sentada em uma poltrona vermelha com os braços, antebraços levantados e mãos com seis dedos cruzados. Ao fundo, uma parede revestida de papel de parede marrom com suspensórios e flores que lembra as texturas de Matisse , pintor com quem Picasso mantém um diálogo indireto recíproco por meio de suas respectivas pesquisas pictóricas. A jovem, pintada nas cores rosa, lilás, roxo, tem os ombros nus e usa um colar de pérolas amarelas e vermelhas.

O erotismo da tela reside em três aspectos mais ou menos descritivos que são por um lado o seio descoberto pelo vestido que cai, mas sobretudo a dupla perspectiva e leitura do seu rosto. Técnica clássica em Picasso que representa seus modelos de frente e de perfil, o Sonho retrata Marie-Thérèse da mesma forma com uma primeira representação percebida de frente, o rosto curvado, sorrindo com os lábios de vermelho, e uma representação secundária de perfil onde a segunda parte superior do rosto descobre então um pênis ereto e uma cena explícita de felação , executada delicadamente com a ponta de uma língua vermelha pontuda. Essa língua também pode ser analisada como castradora parcial, a ponta penetrando e entalhando o pênis em sua base. O último aspecto erótico vem da posição das mãos da jovem que as cruza na altura do púbis, descrito pelo triângulo formado por seus dedos entrelaçados, seis em número por mão. O “sonho” onânico é então descoberto.

Nude, Folhas Verdes e Busto é um de uma série de retratos que Picasso pintou de sua amante e musa Marie-Thérèse Walter de 1932. A lona azul e lilás vibrante é mais de 5 pés (1,5 m) de altura.

O quadro representa a amante de Picasso, Marie-Thérèse Walter, nua e reclinada, com a cabeça do pintor, representada num busto postado num pedestal, que observa a mulher logo abaixo.

Atualmente a obra está exposta no museu Tate Modern, em Londres.

Guernica – (1937)

Em 1937, Picasso comprometeu-se a pintar um grande mural para o pavilhão da República Espanhola. O objetivo do pavilhão era testemunhar a tragédia situação provocada pela Guerra civil de Espanha, decidindo Picasso retratar os horrores da guerra na própria cidade Guernica que tinha sido bombardeada. No dia 1 de maio começou por fazer os seus primeiros estudos e dia 9 preparou o primeiro esboço geral com várias fases fotografadas por Dora Maar, que é a sua companheira. A 4 de Julho estava concluida a grande tela a óleo com as dimensoes de 350 x 782 cm.

Os seus simbolos e significados são alvo de várias intrepretações, desde a vida à morte do desespero à esperança, mas a obra representa claramente o terror injustificável. Este quadro é uma visão profética da destruição provocada pelas guerras.

É a mais divulgada de Picasso, e representa as atrocidade cometidas na guerra espanhola, a barbárie e a crueldade humana.

A composição, rigorosamente construida, apresenta um quadrado central ou 2 retângulos e um retângulo de cada lado, o triângulo a vermelho tem o vértice no candeeiro e na base esta o corpo do guerreiro.

A mensagem fala da forma como é desconstruida, devido à decomposição cubista e à denuncia da destruição, mas também sobriedade. As figuras são mais ou menos planas, à exceção do cavalo. Renúncia da textura, luz e cor que se limita ao preto, branco e cinzento.

O touro representa o poder, a brutalidade que volta a cabeça indiferente ou o povo espanhol que protege a mulher e continua a luta.

A mãe com a criança ao colo faz lembrar uma pietá moderna, ou a dor psiquica, as vitimas inocentes da guerra. A angútia no rosto da mulher que segura a criança é especialmente penetrante