ART IMAGE
Présenté par M A A M
Musée d'Art et d'Affaires Métropolitain
Là où la Culture entrepreneuriale devient une œuvre d'art
MARKET POWER
Merci de célébrer l’Art dans toute sa diversité culturelle
Art Les ARTISTES vous parlent
d’ EUX
Pour les connaître et les reconnaître
Avant de parler de Leur ŒUVRE D’ART
Concept
DÉCOUVREZ
Ce qui les représente
Leur Image photographique
Leur Art Concept
Leur Signature
Leur Œuvre d’Art
B
Beaudoin Myriame - MyriBo
Bellavance Renée - ReBel
Bernard Marie-Josée - Mango
Bucaro Angela
D
Dastous Diane
Des Greniers Lise
Doré Yves
F
Fournier Diane
L
Lapierre Alain
Laroche Pierro
Lessard Hélène
O
Ouellet Denise
Ouellet Sophie
P
Paquette Johanne
Poirier Majella
R
Robin Agnès V
Voyer Gaëtane
MYRIAME BEAUDOIN
Raconter la vie et ses couleurs
Je travaille selon une technique assez classique. Mon travail priorise les principes d’esthétisme et de rigueur technique au niveau de la perception et du design.
Je peins principalement à l’huile une multitude de sujets dans un style surtout réaliste mais parfois de manière plus abstraite. Dans toutes mes toiles, je cherche à comprendre les lois de la nature et comment la lumière affecte ce que nous voyons ou ce que nous croyons voir.
Mon but est de construire à partir de la réalité une structure narrative contemporaine qui peut émouvoir ou interpeller l’observateur. Je suis constamment à la recherche de la beauté dans tous les sujets.
Je crois sincèrement que la beauté existe dans toute chose et que c’est un outil qui peut émouvoir, changer les valeurs et inspirer. Je cherche à célébrer l’humain et la nature. Je crois au pouvoir des émotions et du langage universel de la représentation par l’art visuel.
Art abstrait et art figuratif : le même but Mon but dans chaque toile est de construire un tableau explorant la réalité même lorsque le sujet est surréaliste. Je peins pour amener l’observateur devant une scène à trois dimensions.
Dans une toile même abstraite, j’explore un espace tranquille avec une beauté cachée, une riche texture, un rayon de lumière, une couleur vibrante et des contrastes.
Couleur, joie, beauté et sérénité sont les mots qui me guident dans la réalisation de mes œuvres.
MYRIAME BEAUDOIN
MyriBo
RÉNÉE BELLAVANCE
ReBel s’inspire de la théorie des 4 éléments:
Le feu, l’eau, la terre et l’air. Elle nous plonge donc au Ve siècle avant notre ère.
Sa pensée s’allie à celle de l’interprétation de Démocrite soit
‘’ l’Univers était composé d’atomes ( en grec ‘’a-tomos’’ qui ne peut être coupé).
« À partir de mon ressenti je crée des univers qui existent seulement dans mon imaginaire.
J’y vois un monde qui est bien réel ».
Avec pinceaux et spatules elle imite mère nature dans son abstraction.
Sans technologie, elle met des effets 3D en travaillant ombres et lumières dans ses univers.
Ceci lui permet de créer une impression de réalisme. Des univers se dessinent autant dans les miniatures que dans les grands formats.
Elle chatouille l’imaginaire des spectateurs en faisant appel à leurs émotions et en leur donnant un sentiment de déjà-vu.
Les effets obtenus grâce au déséquilibre entre les pigments suscitent l’émerveillement chez le spectateur.
Aux couleurs vibrantes et à grande luminosité, ses toiles se veulent des intrigues visuelles et un contact direct avec le ressenti de chacun, les laissant ébahis par cette intense expérience que les œuvres proposent.
RÉNÉE BELLAVANCE
ReBel
MARIE-JOSÉE BERNARD
Créatricemultidisciplinaire, leparcours deMangol’a porté à explorer différentes formesd’expressions artistiques telles que le design de mode, la photographie, l’écriture et l’illustration.
Teintée par la liberté de l’approche artistique et les codes de création du graphisme, elle finit par trouver son dada qui émerge d’une méthodologie numérique et d’une exploration intuitive et qui prend forme dans une apparence marginale et fignolé.
Inspirée par les arts décoratifs, elle réinvente le mandala selon sa vision créative.
Elle schématise, interprète, stylise, amalgame le monde du vivant et des éléments graphiques dans une structure symétrique fluide.
La naissance de l'objet prend vie sur l'aluminium brossé laissant parfois entrevoir son anatomie à travers de lumineuses transparences aux coloris scrupuleusement octroyés.
En mode binaire exploratoire, Mango extirpe des portions de l’objet final pour faire place à de nouveaux angles de champ, des fragments, et pénétrer dans des univers à l’effet gigantesque que l’on découvre à travers ses collections.
Son intention dans sa création est de créer des objets décoratifs, lumineux et design aux atmosphères variées dont l’effet escompté est de magnétiser l’état de l’observateur.
MARIE-JOSÉE BERNARD
Mango
ANGELA BUCARO
Angela Bucaro est une artiste primée qui produit un art abstrait non figuratif qui touche l'ensemble de la psyché humaine. Elle est fière d'avoir exposé au Canada ainsi qu'à l'étranger, en France et en Espagne.
Je crée des œuvres qui sont éternelles et poignantes. J'ai toujours été une personne exceptionnellement créative et j'ai d'abord choisi de l'exprimer en devenant styliste. Ma carrière était un moyen de mélanger la créativité et les techniques dans les limites du vêtement.
J'ai toujours eu le désir de peindre et j'ai finalement pu exprimer et développer ce talent lorsque j'ai commencé à vivre à l'étranger avec ma famille. Mes expériences internationales donnent à mes peintures une perspective qui est unique en son genre tout en étant incroyablement pertinente pour les personnes de toutes les expériences. Mon style actuel d'art non figuratif a débuté il y a de nombreuses années avec les touches délicates et habiles de l'aquarelle.
Mon inspiration et ma liberté d'expression proviennent du monde qui m'entoure. Mes peintures font preuve d'une grande créativité et d'un processus réfléchi pour réaliser des œuvres vivantes et émotionnelles. En plus de l'aquarelle, j'ai étudié à l'étranger avec deux artistes pour affiner mes techniques et mes coups de pinceau avec l'acrylique sur toile, produisant des pièces réalistes et finies. Après mon retour au Canada, j'ai décidé de poursuivre une carrière officielle en tant qu'artiste. Une fois la poussière retombée de l'excitation de la vie à l'étranger, je n'ai pas voulu être confinée par des lignes et des détails finis, mais j'ai plutôt décidé d'emprunter la voie non figurative. En mettant une histoire et d'immenses sentiments derrière chacune des lignes, j'ai créé une peinture plus percutante que toutes mes œuvres précédentes.
Je m'efforce de susciter des émotions fortes chez tous les spectateurs. Si mes peintures représentent ma vision, beaucoup de gens y trouvent d'autres histoires, ce qui ajoute à l'intemporalité et à la fluidité de mon travail. J'ai commencé à peindre des couleurs avant d'évoluer vers des peinturesmonochromes et en noir et blanc. J'aime expérimenterdes techniquesnon conventionnelleset je souhaite toujours améliorer mes compétences. Je peins de telle sorte que même si vous retournez la peinture dans différentes directions, vous découvrez de nouvelles images et histoires. Le noir et blanc contribue spécifiquement à la qualité éternelle de mon travail, car c'est la base de tout dans la vie. Le contraste frappant permet de traduire les complexités du monde sur la toile, ce qui permet à ma vision et à mes histoires d'être rendues pour que les spectateurs les savourent.
À travers les changements sans précédent de notre monde, j'ai pu capturer l'essence de la vie et de l'art, en créant non seulement une peinture, mais aussi une expérience que chacun peut contempler.
ANGELA BUCARO
DYANE DASTOUS
Native de Baie-Comeau sur la Côte-Nord, je découvre la peinture au tout début des années 80. Mon processus créatif s’enclenche à partir d’un gestuel intuitif.
L’on reconnaît mes œuvres par ma palette lumineuse et chaude qui côtoient ses effets de transparence et d’opacité.
J’emploie l’acrylique et travaille en technique mixte afin d’apporter relief et texture à mes toiles.
Tous les sujets m’intéressent et mes thèmes varient selon l’inspiration du moment, mais en récurrence je privilégie les arbres en contreplongées, tandis que mes personnages, fleurs et natures mortes sont pris en plan très rapproché.
« Peindre est un travail d’exploration, de réflexion qui ne se termine jamais. Je ne veux pas m’enfermer dans une conformité artistique ; Je vise l’éclatement, la spontanéité, la liberté du geste et de la couleur. »
DYANE DASTOUS
LISE DES GRENIERS
《 L'Art positionne l'individu dans une expérience esthétique, où l'effet du sublime crée un élan de liberté, dont l'ascension permet d'atteindre un savoir jusque-là dissimulé 》
Suite aux huiles sur toiles, dans ma recherche d’un nouveau médium, j’ai été inspirée par le papier. Je l’utilise non pas comme une citation ou une appropriation, mais comme la peinture c'est-à-dire comme pigment. Chaque papier possède sa couleur, son relief, sa texture, son motif ou son unicité. De surcroit, ils deviennent les éléments de l'image.
Un à la fois ils sont choisis, déchirés et immédiatement collés afin de former un ensemble. Mon unique objectif est de créer des mouvements colorés avec les déchirures de papiers juxtaposés jusqu'à la saturation complète du support. De cette abstraction, en exerçant différentes perspectives, je recherche une forme, une image, un signifiant transmissible au spectateur par l'allégorie.
De l’œuvre en aplat, j'extirpe de l'abstrait un sujet, qu'un œil averti peut cerner uniquement en suivant le trajet des amalgames stratégiquement placé en repères. Là où les lignes définissent les limites, le sujet prend forme et pour un court instant, ce sujet émerge de sa relative difformité imposée par l’abstrait pour habiter l’imaginaire du spectateur et y prendre vie, se mouvoir. Ce jeu de perspectives relie le spectateur à sa propre créativité; la source de son récit.
Mes œuvres ont deux images.
Au premier degré, il y a l'œuvre abstraite.
Au deuxième degré, un sujet sous la forme d'une allégorie, qui malgré sa position secondaire, surpasse l'abstraction.
Chaque œuvre s’inscrit dans un continuum de recherche, autant au niveau du développement de la technique que de l’expression créatrice.
Afin d'assurer la pérennité de l'œuvre, elle est protégée par plusieurs couches de gel.
LISE DES GRENIERS
Ès Arts
Mes toiles sont le reflet fantaisiste de mes souvenirs d’hier et d’aujourd’hui.
Mon inspiration vient d’éléments de la vie quotidiennecomme des vélos, des escaliers, des patinoires, des bancs de parc et tout ce qui peut éveiller ma créativité.
L’hiver, également très important dans mon processus de création, me permet de rajouter fantaisie au même titre que les couleurs franches, les perspectives distorsionnées et les angles recherchés.
Les personnages sont utilisés de façon stylisée, intrigante, réservée ou tout simplement en sousentendu.
À partir de croquis et d’un format approprié, le canevas peint préalablement en noir et l’acrylique comme médium avec ses couleurs vives sont les éléments qui composent ces toiles aux fantaisies recherchées.
YVES DORÉ
DIANE FOURNIER
Peintre autodidacte, le dessin et le peinture font partis de sa vie depuis toujours mais l’invitation d’une collègue de travail de peindre en plein air fait naître la passion.
Ses formations auprès d’artistes professionnels et les différents ateliers suivis au fil des ans lui ont permis de perfectionner son art et donnent à ses tableaux leurs factures actuelles.
Son travail évoque les mouvements migratoires, que ce soit d’une ville à l’autre ou d’un pays à l’autre, mouvements parfois volontaires ou provoqués suite à des conflits ou des catastrophes naturelles.
Son geste spontané est appliqué sur une toile vierge ou sur une toile avec un fond de couleur, souvent vive, appliqué en à-plat.
Elle privilégie l’acrylique qu’elle applique de manière instinctive au pinceau ou à la spatule.
Ses couleurs contrastantes forment un alliage chromatique fort qui se superposent, se juxtaposent faisant écho à la dualité de la vie.
Ce sont les inégalités de la vie qui nourrissent son œuvre, on y sent les bouleversements tant physiques qu’émotifs et la capacité de résilience des êtres devant s’intégrer à leur nouvelle réalité.
Le spectateur est libre de créer sa propre histoire sur la création de ce milieu de vie.
Malgré le sérieux du sujet, elle crée des œuvres lumineuses, vibrantes qui se veulent porteuses d’espoir.
DIANE FOURNIER
ALAIN LAPIERRE
Je m’inspire l’être humain, principalement la tête, que je déforme par la gestuelle ou l’illustration surréaliste.
Le mot tête vient du latin pot en terre cuite. Un contenant de chair et d’os pour le cerveau. Pour moi, le visage est une mince frontière de peau entre l’intérieur et l’extérieur pouvant indiquer ou masquer à l’expression près les courants qui animent le corps et la conscience.
Je fusionne le dessin avec l’application aléatoire de la peinture acrylique. Le sujet est construit par des traits au pinceauvaporisateur et déconstruit par la couleur qui lui donne corps tout envoilant son identité et vice versa. Portraits ou non, c’est l’acte de peindre qui nous fait face, donnant à voir une empreinte humaine. Une présence. Oscillant entre conscience et matière, hasard et volonté, la tête est réceptacle pour la pensée, le rêve, un espace interne infiniment vaste, lieu où tout est possible. La peinture permet d’explorer en même temps la surface visible autant que la substance imaginaire cachée.
Mes personnages évoluent sur des fonds souvent assez neutres pour mettre en valeur le potentiel compressé à l’intérieur. Comme des étoiles sur le point d’exploser, les visages flottent parfois dans la matière noire. Ceux-ci apparaissent aussi sur des fonds blancs, un vide symbolique qui les isole et les éclaire dans leur quête de sens et d’identité. Je m’intéresse autant à l’illustration qu’à la disparition totale ou partielle du sujet dans la gestuelle pour que surgisse avant lui laviabilitédes couleurs et des textures.
ALAIN LAPIERRE
PIERRO LAROCHE
Pourquoi je fais du portrait ?
Tout simplement car les regards m’ont toujours fasciné et que derrière chaque regard se cache des sentiments.
Nous avons tous des histoires à raconter sur notre vie.
Le défi pour moi est d’arriver à dépasser la technique afin d’exprimer l'émotion et donner une âme, une personnalité, à mes personnages.
Orchestré comme une mise en scène, l’expression des visages ou du regard et le détail de chaque geste, contribuent à créer divers univers.
D’un point de vue formel, les éléments picturaux (ligne, mouvement, lumière) traduisent les émotions et les états d’âme.
Pour créer, j’utilise les techniques mixtes.
Mon langage pictural est intuitif et devient un jeu entre l’imaginaire et le réel.
Pour réaliser mes portraits je travaille en collaboration avec des photographes et modèles et à partir de « shooting photo ».
De plus, la musique, la danse et le cinéma demeurent pour moi « sources d’inspirations ».
PIERRO LAROCHE
HÉLÈNE LESSARD
Hélène Lessard s’est souvent questionnée surle sensqu’on devait accorder à l’expression “démarche artistique” et, à chaque fois, l’image qui s’imposait à elle était celle d’un randonneur, équipé de sa carte, de sa boussole et de son guide, et qui savait parfaitement quels sentiers balisés emprunter pour arriver à destination.
À quoisert d’atteindre l’objectif qu’ons’est fixési on en évacuece quiconstitue l’essentielde lavéritablepratiqueartistique, c’est-à-dire l’audace, le risque, la découverte et surtout le doute?
Le courage de cette artiste exceptionnelle lui ouvrira la porte d’un univers particulièrement dense et riche.
Dans ce nouveau monde la matière brute, les couleurs débridées et l’instinct pur s’associent pour former un tout qui transcende la réalité.
Pour Hélène Lessard, l’élan artistique part avant tout d’une émotion qui se traduit comme elle peut sur la toile. Ensuite, elle la façonne et en réinvente le sens dans un discours qui fait parler les couleurs.
« La peinture est le canal de communication et de communion où tout est possible ». Je suis une exploratrice qui trouve son plaisir dans la découverte d’un itinéraire inconnu.
Je ne peins pas pour prouver ce que je sais faire, je peins pour être bousculée, questionnée, transformée par les formes, les images, les couleurs, transformée par la peinture elle-même. »
HÉLÈNE LESSARD
Artiste-peintre autodidacte contemporaine, l’acrylique me permet de réaliser mes œuvres comme je les désire.
Quand je me promène, j’apporte toujours mon appareil vidéo et je capture des scènes qui m’inspirent. Une image en particulier, un geste, une couleur me frappent et me donnent le goût d’en faire un tableau.
Et dans mon œuvre, j’essaie de faire ressortir toute la beauté de ce que je vois, tout en tentant d’y introduire tous les sentiments qui m’animent à ce moment-là, mon but étant de représenter le sujet ou la scène dans sa forme la plus pure, la plus authentique, la plus réelle.
Mon plus grand désir est de faire ressentir par ceux qui regardent mes tableaux toute l’émotion qui m’a envahie lorsque j’ai vu une scène pour la première fois et qui ne m’a pas lâchée tant et aussi longtemps que je ne l’ai pas eue reproduite sur une toile.
Peu importe le sujet du tableau, j’essaie d’en faire ressortir la beauté de la lumière ainsi que le mouvement qui influencent mes couleurs. Et le plus important pour moi est de peindre en suivant mon intuition, ne pas livrer tout ce que je vois mais interpréter les sujets à ma façon.
Lorsque le tableau est terminé, j’essaie toujours de prendre l’identité du visiteur, j’observe, regarde, scrute, critique et essaie de faire une avec la scène.
Je dois ressentir, vivre et aimer ce qui est représenté, et c’est à ce moment et uniquement à ce moment que j’ai le goût de partager ma création.
Je peins beaucoup d’oiseaux, de canards, d’oies, car tous ces volatiles me fascinent depuis ma plus tendre enfance.
Et les représenter sur terre, sur l’eau ou dans les airs est un défi constant pour moi.
Bien sûr, j’utilise mes photos d’oiseaux comme guide afin qu’ils soient le plus ressemblants possible mais j’interprète le décor à ma façon et j’essaie, en ajoutant des éléments, de mettre du mouvement dans le tableau.
DENISE OUELLET
Sensible au parcours de l’art abstrait du XXe siècle au Québec en histoire de l’art, Sophie Ouellet travaille continuellement sur une recherche de l’expression abstraite lyrique.
Elle en fait sa trame de fond dans la liberté du geste et dans le traitement de la matière comme dispensateurs de sens.
Son processus naît de sa faculté cognitive à contextualiser l’ensemble du propos, dans le but d’en retirer toutes les subtilités émotionnelles – témoignage de la conception de l’abstraction fondée sur une subjectivité libérée.
La peintre entrecroise élan créatif et technicité, liberté et retenue, spontanéité et réflexions, pour qu’au final l’œuvre existe par elle-même.
À travers sa pratique, elle se questionne ausujet des relations humaines, mais également ausujet des épreuves de la vie, de la transformation, de la guérison et de la résilience.
Certaines études menées sur les processus de changements relatifs aux différentes étapes d’une existence, tels que les écrits de Boris Cyrulnic, Elisabeth Kubler Ross, Stephen Jenkinson et Jean Monbourquette, inspirent l’artiste dans sa recherche à communiquer la fragilité de la vie et de l’humain en soi, par le biais d’une expressivité artistique teintée de son ressenti intérieur.
Ellesouhaite ainsi entamer une réflexionchez lespectateur et l’inciter àse questionner surses propres perceptions.
SOPHIE OUELLET
JOHANNE PAQUETTE
Johanne Paquette Artiste Peintre Visionnaire, Médium et Clairvoyante.
Dès son enfance, ses dons de Médium et de Clairvoyance se développent. Inspirée et Visionnaire, cela lui sert aujourd’hui à la réalisation de ses œuvres.
Lors de lacréation deses œuvres qui sont peintes à l’HUILE, dans un premier temps, elle est GUIDÉE pour le titre qui fait partie intégrante de l’œuvre, pour sa façon inédite de créer un relief par la superposition de toiles sur toiles géométriquement agencées, et sur l’utilisation de différents types de Pierres semi-précieuses et de Quartz.
Les yeux qu’elle peint ont la particularité de nous regarder de tous les angles. Lors d’une inspiration, le dessin lui apparait, elle n’a qu’à suivre cette VISION qui la guide, et par la suite, dans un autre temps, certains détails se préciseront, comme l’ajout de personnages supplémentaires, etc.
Et chaque création visionnaire vient généralement avec un message personnel.
Son slogan ‘’ On visionnera une toile Juste pour toi’’
JOHANNE PAQUETTE
VIE-S-ION ÉRÂ
MAJELLA POIRIER
Je suis née aux Iles de la Madeleine, en plein golfe Saint-Laurent, entourée d’eau, de lumière, de grands espaces, un univers marin où calme et tempête s’affrontent.
Passionnée, dotée d’une grande sensibilité, je me laisse conduire par ces courants d’énergie, ces élans qui comme des vagues vont et viennent au rythme de mes états d’âme et de cette beauté qui m’entoure.
Le médium de l’aquarelle a été le canevas sur lequel j’ai amorcé mon travail de création. Par la suite, l’intensité de la peinture à l’huile est venue bousculer ma pratique.
Plus tard, l’acrylique et les techniques mixtes ont ouvert plus grandes les portes de l’imaginaire où l’abstrait se mêle à la frontière du figuratif.
Depuis quelques années, en parallèle à mes personnages très vivants et vibrants, s’ajoute un élément marin qui m’habite de plus en plus comme des racines profondément enfouies qui ne cessent de m’interpeler dans cette quête d’harmonisation.
Cette manipulation de matière brute, ces grands mouvements de spatule me permettent de capter l’émotion qui nait de mes observations.
MAJELLA POIRIER
AGNÈS ROBIN
Le monde extraordinaire des émotions est mon terrain de jeu.
Difficiles à contrôler parfois, elles nous submergent, nous réjouissent, nous attristent…
Elles peuvent être difficilement décelables car imperceptibles.
Je m’applique donc à traduire ce que l’on ne peut pas voir…
Ce sont ces émotions que j’aime à transcriresur les visages de mes personnages afin de toucher celui qui les regardera.
Florent est un jeune homme volontaire qui sait où il veut aller : son regard franc et direct nous va droit au cœur.
Son visage est impassible mais l’on devine un être bon et honnête, en paix avec lui-même.
La paix, concept auquel j’aspire au plus haut point, est un sujet qui se veut récurrent dans mes peintures…
Je peins avec de l’acrylique et aime à y ajouter des collages ou autres médiums (empâtements, feutres, pastels…) que je mets en rapport avec le sujet.
ROBIN
AGNÈS
GAËTANE VOYER
Artiste professionnelle en arts visuels. Voyer a œuvré dans plusieurs régions du Québec.
Elle se retrouve présentement à Trois-Rivières où elle poursuit son projet de doctorat sur la paramnésie. En fait, l’artiste a toujours travaillé sur la mémoire.
Comment définir la mémoire et la conserver « intacte »? L’artiste tente, à travers ses œuvres d’art, de l’exprimer et de réaliser un acte de conservation.
Ces acquis se transposent à travers ses toiles et ses installations. Le regardeur y découvre les empreintes et l’oxydation d’une pièce de métal, le souvenir d’une photographie intégrée au tableau ou encore l’utilisation de vestiges d’objets récupérés qui en émergent.
Elle recourt aux palimpsestes en se servant de toiles récupérées d’elle et de quelques autres artistes qu’elle retravaille en laissent entrevoir des empreintes antérieures sous différentes formes.
De plus, les titres s’inscrivent sur les canevas pour appuyer sa recherche et, peut-être aussi, par peur de les oublier.
Et, côtoyant la mémoire, il existe inévitablement l’oubli.
GAËTANE VOYER
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