Manish Pushkale

MANISH PUSHKALE

THE PAINTER OF LIGHT PEINTRE DE LA LUMIÈRE

MANISH PUSHKALE

With no formal training in art but a powerful and sensitive initiation into it in the evocative environs of Bharat Bhavan in Bhopal, Manish Pushkale has fast acquired a skill and insight into artistic creativity. He has evolved a language of abstraction which carries his own personal imprint.

Both his vision and artistic idiom have been growing fast, attaining amazing levels of maturity and significance.

Manish Pushkale is among the most promising talents and highly regarded young painters of India. He has significantly contributed to contemporary art through his fresh approach, even while rooted in their history and consciousness. This book reflects quiet but wonderful journey of Manish Pushkale. Short essays by different authors provide us different point of views on his works.

Dépourvu de formation académique mais ayant reçu comme initiation artistique, aussi puissante que sensible, l’influence suggestive du Bharat Bhavan de Bhopal, Manish Pushkale a su rapidement développer une créativité et une perception approfondie des arts.

Il a ainsi engendré son propre langage de l’abstraction, et en peu de temps, son style et sa vision ont tous deux atteint des horizons d’une portée et d’une maturité remarquables. Manish Pushkale compte aujourd’hui parmi les artistes indiens les plus prometteurs et les plus en vue de sa génération. Son approche inédite, bien qu’enracinée dans l’histoire et la conscience de son temps, constitue une brillante contribution à l’univers de l’art contemporain. Cet ouvrage illustre le prodigieux quoique paisible parcours artistique de Manish Pushkale. À travers de courts essais, différents auteurs nous présentent autant d’analyses différentes de son œuvre.

128 pages, 92 illustrations and 1 b&w photograph

Manish Pushkale

the Painter of Light Peintre de La Lumière

First Published in India 2016 by akar Prakar and mapin Publishing Pvt. Ltd. The Publication is in conjunction with musée de guéthary and in collaboration with the indian embassy in france and indian Council of Cultural relations Produced on occasion of the exhibition “Manish Pushkale, the Painter of Light” at musée de guéthary (from 10th Sept. to 29th Oct., 2016) and the two-man show of S.H. Raza and Manish Pushkale, at baudoin lebon (from 15th to 30th Oct., 2016) Simultaneously published in the United States of America in 2016 by grantha Corporation E: mapin@mapinpub.com Distributed in North America by Antique Collectors’ Club T: + 1 800 252 5231 E: sales@antiquecc.com www.accdistribution.com/us Distributed in United Kingdom and Europe by Gazelle Book Services Ltd. T: +44 1524 68765 E: sales@gazellebooks.co.uk www.gazellebookservices.co.uk Distributed in Thailand, Laos, Cambodia, Myanmar by Paragon Asia Co. Ltd. T: +66 2 877 7755 E: info@paragonasia.com Distributed in Malaysia by Areca Books T: +60 4-2610307 E: arecabooks@gmail.com www.arecabooks.com Distributed in the Rest of the World by Mapin Publishing Pvt. Ltd 706, Kaivanna, Panchvati, Ellisbridge Ahmedabad-380006 T: +91 79 4022 8228 F: +91 79 4022 8201 E: mapin@mapinpub.com www.mapinpub.com

All rights reserved under international copyright conventions. No part of this book may be reproduced or transmitted in any form or by any means, electronic or mechanical, including photocopy, recording or any other information storage and retrieval system, without prior permission in writing from the publisher.

Text © Authors Images © Artist ISBN: 978-93-85360-30-5 (Mapin) ISBN: 978-1-935677-89-5 (Grantha) Library of Congress Cataloging-in-Publication Data available upon request.

Copyediting: Ankona Das / Mapin editorial Proofreading: Emmanuel Simon, Madhu B. Joshi, Ankona Das Editorial support: Neha Manke Translations: Emmanuel Simon, Monami Basu, David Gruner Archival research: Akar Prakar Design and Production: Team Akar Prakar Photography: Monika Dawar, Ravi, Bharat Tiwari Printed in India at Archana, www.archanapress.com Captions: Front and Back Cover Detail from Vowel of Colour & Island of Noun-IX Mixed media on canvas, 60” x 36”, 2016 Musée de Guéthary Parc André Narbaits - 64210, Guéthary, France T: 05 59 54 86 37 www.musee-de-guethary.fr baudoin lebon 8 rue Charles-François Dupuis, 75003 Paris, France T: +33 1 42 02 09 10 www.baudoin-lebon.com Akar Prakar P 238 Hindustan Park, Kolkata-700029 Gallery timing: 2–7 pm (Sunday closed) T: +91 33 2464 2617 E: info@akarprakar.com | akarprakarart@gmail.com www.akarprakar.com Akar Prakar Art Advisory 29 Hauz Khas Village, New Delhi-110 016 Gallery timing: 2–7 pm (Sunday closed) T: +91-11-26868558 E: akarprakarartadvisory@gmail.com

Manish Pushkale the Painter of Light Peintre de La Lumière

Embassy of India PARIS

Contents Foreword The Painter of Light Jacques Dupin

The Art of Discovery Ashok Vajpeyi

The Alchemist of Delhi Jérôme Neutres

Language of Vision S.H. Raza

Between Two Waters Manish Pushkale

About the Artist

6 9 17-18 27-28 39-46 75-76 123-124

About ICCR

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Acknowledgement

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Sommaire Avant-propos Peintre de la lumière Jacques Dupin

L’art de la découverte Ashok Vajpeyi

L’alchimiste de Delhi Jérôme Neutres

Le langage de la vision S.H. Raza

Entre deux eaux Manish Pushkale

Biographie de l’artiste

7 11 19-20 29-30 47-53 77-78 123-124

À propos de l’ICCR

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Remerciements

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FoREWoRD reena and abhijit Lath Directors, Akar Prakar This book captures Manish Pushkale’s evolving journey as an artist through short essays by several authors, with each one expressing their unique perspective of his works. We dedicate this book on Manish Pushkale to his guru, the renowned modern painter S.H. Raza.

Pushkale’s works, being autodidactic, have grown and developed over the years through several shifts in experimentation and experience. He recalls the time when he exhibited his work as an artist in 1999, and Himmat Shah, the well-known Indian sculptor, pointed out that the works were so symmetrical that a single line through the middle of the canvas would split the canvas exactly into two! This had a huge impact on the artist’s mind and led him to an introspection of his work. It was a turning point for Pushkale, and it brought about a deep change in his abstraction to as we see it today.

What started out as a spiritual quest for Manish Pushkale has deepened and today he has moved into a higher realm of expression with his latest body of work. Not only is his work appreciated in India but we also find an international audience responding to his sensitive renderings. We hope that you will get a deeper insight into the art of Manish Pushkale with this publication.

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AVANT-PRoPoS reena et abhijit Lath Directeurs, Akar Prakar Cet ouvrage illustre l’évolution du parcours artistique de Manish à travers divers courts essais, chacun de leurs auteurs ayant fait part de sa vision personnelle de l'œuvre de l’artiste. Cet ouvrage est dédié à S.H. Raza, peintre contemporain de grande renommée, et guru ou maître de Manish Pushkale.

L'œuvre de Manish, artiste autodidacte, s’est épanouie au fil des années, évoluant au gré de ses expérimentations et de son expérience. Manish se souvient qu’à l’occasion d’une exposition de ses œuvres en 1999, le célèbre sculpteur indien Himmat Shah avait attiré son attention sur la grande symétrie de ses peintures, une simple ligne tracée au milieu de ses œuvres pouvant alors diviser la toile en deux parts égales!

Cette remarque eut sur l’artiste une influence décisive et pour conséquence, une profonde remise en question de son travail. Ce fut alors un tournant majeur dans l'œuvre de l’artiste, suscitant une évolution considérable dans son art de l’abstraction, tel qu’on l’observe aujourd’hui.

Manish a su transcender ce qui débuta comme une quête spirituelle pour incarner, dans ses œuvres récentes, un mode d’expression supérieur. Il jouit aujourd’hui d’une renommée internationale, et possède un public sans frontière, sensible à la finesse de son art. Nous espérons que cet ouvrage offrira au lecteur une vision approfondie du travail de Manish Pushkale.

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Vowel of Colour & Island of Noun-II • Mixed media on canvas • 60” x 36” • 2016 8

THE PAINTER OF LIGHT Jacques dupin

Curator of the exhibition

The so called abstract art, the real one, is more difficult than the art which refers to the appearance of the real, because it needs to recreate every piece of a whole new world.

— Sonia Delaunay, We shall go up to the sun

In 1949 Musée de Guéthary was founded when Georges Clément de Swiecinski, the Hungarian sculptor, made a donation of a large part of his works to the city of Guéthary.

Since its inception the museum has had a cosmopolitan outlook. In these difficult times, now more than ever, we require more artistic exchanges, which initiate a dialogue between people from different backgrounds. The language of art is universal and this exchange helps create an atmosphere of sharing.

We are very proud and happy to welcome Manish Pushkale as part of the “Namasté France” festival hosted

by India in France.

Our village, the smallest of the Basque coast, is looking forward to meet a country as large as India, which has also a flourishing culture. Research shows, that despite the differences, there are many similarities between us. The ‘Euskara’, the Basque language is one of the older languages of west Europe. Common roots have been found between the ‘Euskara’ and the ‘Dravidian’ family of languages from south India and the ‘Munda’ languages from east India. This fact tends to prove that exchanges between us are not new!

Beyond the genetic relations between our languages, we are sure to share with Manish Pushkale the sensitivity to light. It is known that the daylight is extraordinarily beautiful in the Basque country in this season. It creates a magical atmosphere thus offering a dream setting to the works of Manish Pushkale. These works are in perfect resonance with the works of Georges Clément de Swiecinski, which are exhibited permanently in the museum.

The title of this exhibition, “Manish Pushkale, the Painter of Light”, brings me back to the quote by Martial Raysse: “painting is about creating light out of matter”. This is really what Manish Pushkale accomplishes through his art; the painter takes us from darkness to light. He makes us discover his universe of colours, the subtlety of his superpositions, and in the very heart of this matter light is born. Whether they are large or small, all of his works generate an aesthetic emotion! This superficial beauty that fascinates us is nothing but a few colours spread out on a canvas. However, the delusion of beauty is necessary to confront our truth.

The language of art is universal and this exchange helps create an atmosphere of sharing.

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Vowel of Colour & Island of Noun-XI • Mixed media on canvas • 60” x 36” • 2016 10

PEINTRE DE LA LUMIèRE Jacques dupin

Commissaire de l’exposition L’art dit abstrait, le vrai, est plus difficile que l’art qui se réfère à l’apparence du réel, car il faut recréer un monde nouveau de toute pièce.

— Sonia Delaunay, Nous irons jusqu’au soleil

C’est grâce au sculpteur hongrois d’origine polonaise Georges Clément de Swiecinski qui a fait don en 1949 à la ville de Guéthary d’une grande partie de ses œuvres que le musée existe.

De cet héritage, le musée a gardé une vocation cosmopolite. Dans ces jours difficiles que nous vivons, plus que jamais, nous avons besoin de ces échanges artistiques qui facilitent le dialogue entre des hommes et des femmes de cultures différentes. Le langage de l’art est universel et il permet le partage.

Nous sommes donc très heureux d’accueillir Manish Pushkale et très honorés de participer avec cette exposition au festival « Namasté France ».

Nous sommes le plus petit village de la côte basque à la rencontre d’un très grand pays. Des travaux scientifiques ont révélé des similitudes entre nous : la langue. La langue basque, l'euskara est la langue la plus ancienne de l’Europe de l’ouest et des racines communes ont été identifiées entre l'euskara, les langues dravidiennes du sud de l’Inde et les langues munda de l’est de l’Inde ce qui tendrait à prouver que les échanges entre nos deux pays ne sont pas nouveaux…

Au-delà de nos langues avec une génétique commune, ce que nous partageons aujourd’hui avec Manish Pushkale, c’est la sensibilité à la lumière. Il n’y a pas d’époque de l’année où les lumières ne soient plus belles au pays basques. Elles donnent de la magie aux lieux et offrent au travail de Manish Pushkale un écrin de rêve. Ces œuvres sont en parfaite résonance avec les œuvres de Georges Clément de Swiecinski exposées en permanence dans le musée. « Manish Pushkale, Peintre de la lumière », le titre de cette exposition me renvoie à cette citation de Martial Raysse : « la peinture, c’est faire de la lumière avec de la matière ». C’est vraiment ce que Manish Pushkale accomplit. Avec sa peinture, il nous mène de l’obscurité vers la lumière. Il nous fait découvrir son univers de couleurs, la subtilité de ses superpositions et au cœur de cette matière jaillit la lumière. Que ce soient les grands ou les petits formats, tous déclenchent une émotion esthétique ! Cette beauté superficielle qui nous fascine, ce n’est qu’un peu de couleurs étalées à la surface d’une toile. Le leurre de la beauté serait alors nécessaire pour nous confronter à notre vérité.

Le langage de l’art est universel et il permet le partage.

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Unveiling-X Oil on canvas 60” x 96” • 2006 13

Strength of Light • Oil on canvas • 60” x 48” • 2009 14

Standing Silence • Oil on canvas • 60” x 48” • 2009 15

Vowel of Colour & Island of Noun-III • Mixed media on canvas • 60” x 36” • 2016 16

THE ART OF DISCOVERy ashok Vajpeyi Somehow I must find a way of making things; not plastic written things but realities that arise from the craft itself. Somehow I too must discover the smallest constituent element, the cell of my art, the tangible immaterial means of expressing everything...

— Rainer Maria Rilke to Lou Andreas-Salomé

Art has a very complex relationship with reality. It discovers and explores reality and at the same time endeavours to create it. Art questions reality and also affirms, celebrates and exalts it. Once in a while, it supersedes the given reality by forging a parallel or an alternative one. Going into layers of experience, emotion, surface and structure it emerges as something that resonates with what we already know but need to recall and retrieve, to have it unveil for us something that amazes with its freshness and unanticipated texture. There has been a classical dichotomy; on one hand, art which describes, narrates, reflects reality to attain its being and, on the other hand, art which discovers, excavates its own depths, invents its own reality.

It is to this second category that Manish Pushkale’s art belongs.

It is an art which is happily, not self-indulgent but self-addressed; it is an art that discovers layers of the self’s being and makes them real on the canvas. Manish’s art does not say anything about something; for as we speak, it is saying, singing and creating itself. Meaning is not the end of the discovery; it is organically constituted in the process of making the discovery. The paintings are imprints of discovery, maps and notes of a discoverer who covers and the visual-emotive resonances that the space emanates – the “realities that arise from the craft itself.”

Ideas are conventionally thought to belong to the realm of cognition, of intellection; however in practice, they emerge from many different and sometimes unexpected areas. They need not be necessarily intellectual concepts, they could be, and indeed are visual ideas born out of the explorations and excavations of visual imagination. If each object in the worlds contains or exemplifies an idea in some sense or the other, then each created object of art also has an ideational content of implication. Art is primarily presence; it is presence which draws human attention; it makes us see more, more attentively, more imaginatively; it also provokes us to imagine; even if rarely but surely it makes us create or participate through activated empathies in the act of creating itself.

One way of reading Manish Pushkale’s magnificent works is to realize that it leaves us free. Indeed the reading locates us in a pulsating space to discover its layers and complex layering and to resonate it with

Manish has a vision where art is a continuum of discovery; that the act of discovering in art is an interminable act.

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our personal memories which then taken together bring into being what could be called rich, intense visual ideas. It is unnecessary to articulate them verbally. Suffice it to note, they are ‘visually’ there.

Each significant artist has a vision of life, art and reality. It need not be a vision which is predetermined; significance demands dynamic change, new transformations and accretions. An artist without a vision could be of no interest. But an artist with fixed vision could hardly be expected to produce significant art. Even at the risk of some simplification, one could say that Manish Pushkale has a vision where art is a continuum of discovery; that the act of discovering in art is an interminable act. For instance, take the area of colour. Manish is hardly ever satisfied with given colours. He is in constant search of them. He hardly ever allows the colours of the tubes to exist in their original hues. He puts a layer of colour and runs it off taking care that it does not disappear altogether.

Dhrupad • Oil on canvas • 48” x 36” • 2013 After layers of doing so, eventually we arrive at an unidentifiable and usual texture of colour, indefinable by any conventional name. In a way he seems to be seeking colour beyond colours; colours which are created by connections with other colours; by intermingling, submerging, inter-penetrating; by overlaying, as it were hiding behind other colours, as if he is trying to discover his own distinctive colours – not one, but many, to embody his pluralistic vision. In his paintings you can clearly see that they basically are constituted out of the remains of the wiped-off layers of colours. The aesthetics of the work is integrated through the remains of the wiped off. Form, shapes, colours, textures are all being discovered, and hopefully the meaning too.

There is perhaps a degree of humility in evidence here: the artist does not so much create as much as he discovers, his creativity resides in discovery. Pushkale’s work desists from definition; it does not make a definitive statement. There is skilful and carefully, indeed painstakingly, structured precision, but no definition. The artist wishes, as an essential part of his poetics of discovery, the viewer also to discover on his or her own. He does not restrict meaning. On the other hand, he allows it to flow freely. It is evident that in these works, Pushkale shows great maturity and ambition, as he is trying to create a new language which seems rather self-referential: it does not refer to an already pre-existing outside reality; it creates its own internal reality. It is, however, a reality full of immensity. It makes you enjoy and think, feel elated and reflect.

In an age where we are assaulted by a million fleeting images and tempting suggestions on a daily basis, art is one of the surviving realms where our humanness in its anxieties and imperfections, its connections and ruptures comes into full play, resisting trivialization of our brief existence on the planet. Art is the realm where we can reflect without contradictions and affirm the significance of our individuality and community.

Manish Pushkale’s art is certainly of this realm and is a powerful embodiment of his vision, which contributes so luminously to this realm. It is an art which makes you feel or touch the sacred. It does not have the conventional trappings of the divine or the usual choreography of the spiritual. But it has light and glows which are soothing and peaceably tense. It speaks to the inner eye.

According to the English art critic John Berger, “liberated from its role as a narrative medium, painting, of all the arts, is the closest to philosophy.” Manish Pushkale’s art makes you realize the truth of this formulation. It is an endeavour to discover “the tangible […] means of expressing everything.”

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L’ART DE LA DéCOUVERTE ashok Vajpeyi Il me faut tant bien que mal trouver une façon de créer ; non pas des écrits futiles mais des réalités qui émergent de l’acte de création en soi. Je dois également découvrir, d’une manière ou d’une autre, le plus petit constituant, la cellule de mon art, les moyens tangibles et immatériels de tout exprimer...

— Rainer Maria Rilke à Lou Andreas-Salomé

L’art entretient une relation complexe avec la réalité. Il l’explore, la dévoile et par là-même, s’efforce de contribuer à son élaboration. L’art interroge la réalité tout en l’affirmant, la célébrant et l’exaltant. Parfois, il remplace une réalité donnée par le façonnement d’une réalité parallèle, alternative à la première. De son investigation des degrés de l’expérience, de l’émotion, de la surface et de la structure surgit quelque chose qui résonne de concert avec notre connaissance du monde, mais qui se doit d’être rappelé à notre mémoire, quelque chose de stupéfiant par sa fraîcheur et sa texture inattendue. La dichotomie classique est la suivante : d’une part, un art qui décrit, relate et reflète la réalité afin de réaliser son existence et d’autre part, un art qui découvre, laboure, met à jour la profondeur de son être et engendre sa propre réalité.

C’est à cette seconde catégorie qu’appartient l’art de Manish Pushkale, un art auto-centré – sans pour autant être narcissique – qui sonde avec enthousiasme les strates de sa nature et leur insuffle vie sur la toile. L’art de Manish ne s’exprime à propos de rien : il est l’acte même de dire, de chanter, de créer. Le sens n’est pas une fin en soi, ou l’objet final de la découverte : il se constitue de manière organique au cours du processus d’exploration. Les peintures deviennent alors les empreintes de ce périple, les cartes, notes et carnets de voyage de cet explorateur déguisant ses découvertes – les résonances visuelles et émotives émanant de l’espace, telles des « réalités qui émergent de l’acte de création en soi ».

Les idées sont généralement considérées comme faisant partie du domaine de la cognition et de l’intellect.

Elles émergent cependant de sources variées et parfois même insoupçonnées. Aussi ne sont-elles pas nécessairement des concepts intellectuels : il existe également des idées graphiques résultant de l’exploration et des excavations de l’imagination visuelle. Le fait que chaque objet puisse contenir ou exemplifier une idée de quelque façon implique que chaque objet résultant de la création artistique possède également un contenu idéel. L’art est avant tout une entité dont la présence attire l’attention de l’homme, attisant sa perception, ses sens de manière créative et stimulant son imagination. Plus rarement mais sûrement, l’art nous pousse par empathie active à créer ou à prendre part au processus de création en soi.

Une façon de percevoir les œuvres formidables de Manish Pushkale serait de reconnaître le fait qu’elles nous plongent dans un espace vibrant, nous laissant libres de pénétrer l’univers complexe de ses surfaces

La vision artistique de Manish est celle d’un continuum de la découverte, l’artiste envisageant l’acte d’exploration de l’art comme infini.

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qui nous parlent sans pourtant faire écho à nos propres souvenirs. Une fois assemblées, ces différentes couches donnent vie à ce que l’on pourrait appeler de riches et intenses idées graphiques, qui se passent de toute articulation verbale : il suffit simplement de constater qu’elles sont « visuellement » présentes.

Chaque artiste d'envergure possède sa vision du monde et de l'art. Mais cette vision se doit d'être dynamique : elle acquiert sa valeur à travers les transformations et l'accumulation des changements dont elle est l'objet. Un artiste dépourvu de vision nous apparaît sans intérêt. De manière similaire, un artiste aux idées préconçues et immuables semble fort peu à même d'accomplir une œuvre d'importance. Au risque de simplifier, disons que la vision artistique de Manish est celle d'un continuum de la découverte, l'artiste envisageant l'acte d'exploration de l'art comme infini. Prenons par exemple le domaine de la couleur. Manish, perpétuellement en quête de nouveaux tons, ne se contente que rarement de couleurs prédéterminées.

Jamais on ne verra dans son œuvre de teintes telles que sorties du tube. Il superpose la couleur à répétition, prenant garde de ne jamais la dissoudre elle-même pour finalement arriver à une texture chromatique aussi indéfinissable qu'inhabituelle, échappant à toute étiquette. Par le brassage, la submersion, l'interpénétration ou encore le recouvrement des teintes, Manish semble en quelque sorte rechercher la couleur au-delà même de la couleur, celle résultant de la connexion avec toutes les autres, comme si celle-ci se dissimulait derrière ses semblables, comme si l'artiste tentait de composer sa propre palette, faite d'une infinité de couleurs, afin d'embrasser la pluralité de sa vision. On distingue aisément dans ses peintures que les couleurs en présence sont principalement constituées des résidus de couches essuyées l'une après l'autre.

L'esthétique de son travail s'insère dans le reliquat de l'effacement. Les formes, figures, couleurs et textures se dévoilent continuellement, de même que leur signification, espérons-le. Ainsi l'artiste découvre plus qu'il ne crée, et sa créativité réside dans la découverte : en cela peut-on sûrement déduire un certain degré d'humilité de l'artiste.

Le travail de Manish refuse l’idée de définition ou toute prise de position. On y retrouve certes une précision habile, attentive, méticuleusement structurée mais point de définition. Fidèle à son esthétique de la découverte, l’artiste souhaite cependant que le spectateur également découvre par lui-même la signification, intentionnellement laissée ouverte, de son œuvre. De ces œuvres découle l’évidence de la grande maturité et de l’ambition de Manish, de par sa tentative de développer un nouveau langage apparemment autoréférentiel : il crée sa propre réalité interne, entière et immense, induisant la jouissance, la jubilation et la réflexion, ne faisant référence à aucune autre, extérieure et pré-existante. Dans une époque où notre quotidien est envahi d’images fugitives, affriolantes et suggestives par milliers, l’art est l’un des derniers domaines dans lequel s’épanouit encore notre humanité, avec toutes ses angoisses et ses imperfections, ses ruptures et ses connexions, dépassant la trivialité de notre brève existence terrestre. L’art est ce royaume dans lequel nous pouvons affirmer et refléter sans contradiction l’importance de notre individualité et de notre sens de la communauté. L’art de Manish Pushkale appartient très certainement à cet univers, et la puissante incarnation de sa vision y contribue brillamment. Son art est de ceux qui placent le sacré à portée de main, tout en évitant soigneusement les représentations conventionnelles du divin ou la chorégraphie habituelle du spirituel. Son œuvre scintille d’une tension aussi lumineuse qu’apaisante que l’on perçoit paisiblement en notre for intérieur.

Selon John Berger, critique d’art anglais, « libéré de son rôle narratif, la peinture, plus que tout autre art, s’apparente à la philosophie » : une assertion que justifie l’art de Manish, s’employant à découvrir « les moyens tangibles […] de tout exprimer ».

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Vowel of Colour & Island of Noun-IV • Mixed media on canvas • 60” x 36” • 2016 21

Vowel of Colour & Island of Noun-I • Mixed media on canvas • 60” x 36” • 2016 22

Vowel of Colour & Island of Noun-V • Mixed media on canvas • 60” x 36” • 2016 23

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Krishna’s Flute • Oil on canvas • 30” x 70” • 2005

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Vowel of Colour & Island of Noun-VI • Mixed media on canvas • 60” x 36” • 2016 26

THE ALCHEMIST OF DELHI Jérôme neutres

I came to know Manish Pushkale in the year 2003 at New Delhi where I was working as a Cultural Attaché at the Embassy of France in India. I remember this first meeting in my white office at Aurangzeb Road, where I was delighted to discover a young artist still using brushes and canvas in a country like India which was undergoing cultural globalization, and where mixed media included all possible materials with the exception of the outmoded cotton canvas... I remember the pleasure it gave me to find out that painting was not totally dead yet! Pushkale was accepted to an artists-in-residence program, that I had put in place, between 2003 and 2006, which allowed several creative Indians to go and work in France and as many French artists to travel and work in India for a duration of one to six months. Pushkale came back from Paris with a very beautiful series of works which was exhibited at the gallery of Alliance Française in Delhi.

Manish Pushkale is a spiritual son to the master artist S.H. Raza, who spent a major part of his life in France, after being granted a scholarship of residence by the French authorities in the year 1950. Raza thereafter stayed and worked in France, which appeared to be the second source, after India, of inspiration for him.

There is no doubt that Pushkale had intensely deepened his own artistic and personal relationship with his mentor Raza during his stay in Paris. In a period when contemporary Indian art was dominated by a movement which adapted the global heritage of Western pop art and conceptual art, the famous painter was very likely moved to discover in Manish Pushkale the last painter belonging to the school of abstract art in Delhi – which ruled throughout the second half of the 20th century in India. Pushkale, also the winner of the prestigious Raza Foundation Award when asked about the influence of Raza’s painting during his training, clearly states: “life is made up of influences. We all are inspired by one thing or another in our life. I am influenced by many of his (S.H. Raza) qualities like his discipline and determination.”

To be able to understand Manish Pushkale’s works more profoundly, one should equally mention the influences of other great Indian artists such as M.F. Hussain for his insatiable energy, Gaitonde for his culture of silence, Bhupen Khakhar for his sense of humour, J. Swaminathan for his clear-sightedness, Souza for his taste toward labyrinths, and Barwe for his cult of simplicity. Over the years, the exchanges between Raza and Pushkale continued, only to be richer. The master, thereafter, expressed his wish to exhibit in duo with his young fellow student. This is how in the year 2009, I had the honour of being the curator of the exhibition “Shanti, a Scream for Peace”, in Venice, held as a collateral event with the Art Biennale. It gathered on two floors a collection of works of Raza, around the masterpiece titled “Shanti”, and a series of paintings by Manish. In this town, the very symbol of art, the two painters were reunited in an unprecedented dialogue, alongside a very beautiful

Life is made up of influences.

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text by poet Ashok Vajpeyi, who was at that time the chairman of Lalit Kala Akademi in India. Numerous viewers of art who came from all over the world already knew Raza, however most of them discovered the works of Manish for the very first time: his abstract compositions in bright light, with forms constantly shifting between presence and absence, and variations of colours which suggest more than what is conveyed.

Manish Pushkale nowadays pursues the international career that he deserves and I am especially delighted to see him again at the Museum of Guéthary, as part of the festival “Namasté France”, initiated by both Indian and French governments. I am convinced that such a poetic and inspiring landscape as Guéthary will be a new source of inspiration for Pushkale, the ‘geologist painter’, and that this exhibition will give birth to many more works with newer strength.

If Raza had gone through an upbringing of Fine Arts, in Mumbai and in Paris, Manish Pushkale has had a more unique course as he first studied geology, says he: “geology is for me the detailed inspection of hidden nature, something which doesn’t exist in our defined retinal periphery. But nature exists behind that too. Palaeontology has a lot to do with my works; the forms in my paintings are buried in hidden dark spaces like fossils in earth.” In his paintings, Manish Pushkale explores invisible landscapes out of which he delivers the possible images, evoked by his inspired and knowledgeable treatment of pigments. When one talks about the spirituality of his art, he, as a true heir of Kandinsky, corrects: “I do not believe in any form of spirituality. I am more interested in spirituality of form, and this form could be in any form – from figuration to abstraction.”

Someone named his work “Abstract Alchemy”, which later became the title of an exhibition dedicated to his works in 2011 in Delhi1. Let us subvert the formula: alchemical abstraction. “Through my paintings I am simply trying to express that depth and darkness of space in my own way,” says Manish Pushkale. The space here is to be comprehended in every dimension, Samayik-I • Oil on canvas • 2003 physical and even… acoustic. The artist is fascinated by the sound and by the possibility of rendering the spatial sound visible through painting.

This is best understood when he says, “I have been greatly influenced by the philosophy of vocalist Kumar Gandharva who once said that eyes were supposed to listen and ears to see in order to understand his music. This dislocation does not only fascinate me, but also makes me free at the same time.”

I do invite the visitor of Manish Pushkale’s exhibition at Guéthary to follow this precept in order to appreciate the complete subtle art of his painting which definitively comes out from an abstraction of an alchemical order. Let us therefore ‘open our ears’ and ‘prick up our eyes’.

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“Abstract Alchemy”, 2011, Art Indus, Santushti, New Delhi

L’ALCHIMISTE DE DELHI Jérôme neutres

J’ai fait la connaissance de Manish Pushkale en 2003 à New Delhi, où j’occupais le poste d’attaché culturel de l’ambassade de France en Inde. Je me souviens du plaisir de cette première rencontre dans mon bureau blanc d’Aurangzeb Road, heureux que j’étais de découvrir un jeune artiste qui utilisait encore le pinceau et la toile dans une Inde en plein mouvement de mondialisation culturelle, où je voyais surtout des œuvres de ces « techniques mixtes » qui englobent tous matériaux possibles à l’exception de la toile de coton surannée...

La peinture n’était donc pas totalement morte ! Manish candidata avec succès au programme « artistes en résidence » que j’avais mis en place et qui permit entre 2002 et 2006 à plusieurs dizaines de créateurs indiens de partir travailler en France pour des séjours qui allaient d’un à six mois – et réciproquement à autant d’artistes français de voyager en Inde. Manish revint de Paris avec une très belle série d'œuvres qui furent exposées à la galerie de l’alliance française de Delhi.

Fils spirituel du maître S.H. Raza, qui vécut la majeure partie de sa vie en France suite, déjà, à une bourse de résidence de la France dans les années 1950, Manish Pushkale se devait de travailler un temps en France, deuxième terre nourricière de l’imaginaire de son mentor. Nul doute que Manish renforça profondément durant ce séjour parisien ses liens artistiques et personnels avec Raza. Dans une période où l’art contemporain indien était dominé par un mouvement qui adaptait à la culture indienne l’héritage global du pop art et de l’art conceptuel occidentaux, le grand peintre fut sans doute touché de découvrir en Manish Pushkale le dernier des peintres de cette école abstraite de Delhi qui régna en Inde toute la deuxième moitié du XXème siècle. Manish fut lauréat du prestigieux Prix de la Fondation Raza. Quand on l’interroge sur l’influence qu’eut la peinture de Raza dans sa formation, Manish répond clairement : « la vie est faite d’influences. Nous sommes tous inspirés par quelque chose. Je suis influencé par beaucoup des qualités de Raza, notamment sa discipline et sa détermination ».

Pour comprendre plus profondément le travail de Manish Pushkale, il faut également citer les influences d’autres grands peintres indiens tels M.F. Hussain pour son insatiable énergie, Gaitonde pour sa culture du silence, Bhupen Khakhar pour son sens de l’humour, J. Swaminathan pour sa clairvoyance, Souza pour son goût des labyrinthes, et Barwe pour son culte de la simplicité. Au fil des années, les échanges entre Raza et Pushkale continuèrent cependant d’être les plus riches. Le maître émit alors le souhait d’exposer en duo avec son jeune condisciple. C’est ainsi qu’en 2009, j’eus l’honneur d’être le commissaire de l’exposition « Shanti, a Scream for Peace » présentée à Venise, en marge de la Biennale d’art, qui rassemblait, sur deux étages, un ensemble d’œuvres de Raza, autour du chef d’œuvre « Shanti », et une série de tableaux de Manish. Les deux peintres étaient réunis dans un dialogue inédit, dans la ville phare de l’art, avec un très beau texte du poète Ashok Vajpeyi, alors président de l'académie des beaux-arts en Inde. De nombreux amateurs d’art venus des quatre coins du monde, s’ils connaissaient pour la plupart Raza, découvrirent souvent pour la

La vie est faite d’influences.

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première fois, le travail de Manish Pushkale, ces compositions abstraites tout en lumière, ces formes toujours entre présence et absence, ces variations de couleurs qui suggèrent plutôt qu’elles ne disent.

Manish poursuit une carrière internationale méritée, et je suis particulièrement heureux de le retrouver aujourd’hui au musée de Guéthary, dans le cadre du festival « Namasté France » initié par les gouvernements indien et français. Je suis convaincu que les paysages si poétiques et inspirants de Guéthary seront une nouvelle source d’inspiration pour le « peintre géologue » Pushkale et que cette exposition donnera naissance à autant de prochaines œuvres d’une nouvelle puissance.

Si Raza a été élève aux beaux-arts, à Delhi et à Paris, Manish Pushkale a un parcours plus singulier et suivit en effet d’abord une formation de géologue. « La géologie, explique-t-il, est l’observation détaillée de la nature cachée, quelque chose qui n’existe pas dans notre aire rétinienne. La nature existe cependant au-delà. Mes œuvres ont beaucoup à voir avec la paléontologie aussi ; les formes de mes peintures sont enterrées dans des espaces sombres cachés comme les fossiles ». Dans ses tableaux, Manish Pushkale explore des paysages invisibles dont il nous livre des images possibles, révélées par son traitement savant et inspiré des pigments.

Quand on parle de spiritualité à propos de son art, Manish Pushkale, en bon arrière-petit-fils culturel de Kandinsky, corrige : « Je ne crois pas en une forme de spiritualité. Je suis d'avantage intéressé par la spiritualité de la forme, et cette forme peut se trouver dans toute forme – figurative ou abstraite ».

Samayik-II • Oil on canvas • 2003

« Alchimie abstraite » a-t-on écrit à son sujet – c’était le titre d’une exposition dédiée à ses œuvres en 2011 à Delhi1. Renversons la formule : abstraction alchimique. « Dans mes peintures, je cherche simplement, selon mon style, à exprimer cette profondeur et cette obscurité de l’espace »dit Manish Pushkale. L’espace est ici à entendre dans toutes les dimensions, physique et même… sonore. Manish est fasciné par le son et la possibilité de rendre visible par la peinture l’espace sonore. « J’ai été très influencé par la pensée du vocaliste Kumar Gandharva qui m’a dit un jour que pour comprendre sa musique les yeux devaient écouter et les oreilles regarder. Cette dislocation m’a non seulement fasciné mais aussi en même temps libéré ».

Je ne saurais assez inviter à son tour le visiteur de l’exposition de Manish Pushkale à Guéthary à suivre ce précepte pour goûter tout l’art subtil de cette peinture qui relève bien d’une abstraction d’ordre alchimique.

Ouvrons donc les oreilles et tendons les yeux…

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“Abstract Alchemy”, 2011, Art Indus, Santushti, New Delhi

Vowel of Colour & Island of Noun-VII • Mixed media on canvas • 60” x 36” • 2016 31

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Jacques Dupin is an exhibition curator. After completing his studies in architecture, following his vision, he opened the first surf shop in Europe. Since 1990, he has been devoting himself to his passion for art. He has participated to numerous exhibitions and contemporary art biennales. He will become the director of the Museum of Guéthary in 2017.

Après des études d'architecture, visionnaire, il crée le premier surf shop d'Europe. Depuis 1990, il se consacre à sa passion de l’art.

Aujourd’hui commissaire d’exposition, il a participé à de nombreux projets d'expositions et de biennales d'art contemporain. Il prendra la direction du musée de Guéthary en 2017.

Ashok Vajpeyi is a poet, essayist, literary-cultural critic, apart from being a noted cultural and arts administrator and a former civil servant. He is recognised for his contribution to the establishment of Bharat Bhavan in Bhopal. He was the chairman of Lalit Kala Akademi, India’s national academy of arts (2008-2011). He is managing trusty of the Raza Foundation. He has published over 23 books of poetry, criticism and art.

Ancien fonctionnaire, il est aujourd’hui essayiste, critique d’art, critique littéraire et administrateur remarquable de la culture et des arts. On doit à son initiative la création du Bharat Bhavan de Bhopal. Il fut de 2008 à 2011 le président de Lalit Kala Akademi, académie nationale des beaux-arts en Inde. Il est aujourd’hui le gestionnaire principal de la Fondation Raza. Il possède à son crédit plus de 23 publications sur l’art et la poésie.

MODERN & CONTEMPORARY ART

Manish Pushkale

The Painter of Light Jacques Dupin, Ashok Vajpeyi, Jerome Neutres and SH Raza 128 pages, 92 illustrations and 1 photographs 8.5 x 10.5” (216 x 267 mm), pb ISBN: 9789385360305 (Mapin) ISBN: 9781935677895 (Grantha) ₹1950 | $39.50 | £26 2015 • World rights

Jérôme Neutres got his PhD from Paris VII University. Essayist and curator of some twenty art exhibitions since 1996, former Cultural Attaché of the Embassy of France in India (2002-2006), he is presently the Executive President of Luxembourg Museum, Paris, and Director for Strategy and Development of the Réunion des musées nationaux-Grand palais, Paris and Board Member of the National Asian Arts Museum-Guimet, Paris.

Docteur ès lettres et commissaire d’une vingtaine d’expositions depuis 1996, il est l’auteur d’essais sur l’art et la littérature. Ancien attaché culturel de l’ambassade de France en (2002-2006), il est actuellement président du Musée du Luxembourg, directeur de la stratégie et du développement de la Réunion des musées nationauxGrand palais, ainsi que membre du Conseil d’administration du Musée national des arts asiatiques-Guimet.

S.H. Raza (1922-2016) studied painting in India and after receiving a French government scholarship in 1950 he left for the École Nationale des Beaux-Arts, Paris. Raza was awarded the Prix de la Critique in Paris in 1956. Though he worked and lived in France for 60 years, he maintained strong ties with India only to return to India in 2010. He was awarded the Padma Shree, the Padma Bhushan and the Padma Vibhushan beside being conferred with the Légion d'Honneur. His works are mainly abstracts replete with icons from Indian cosmology and its philosophy.

Il étudia la peinture en Inde et, grâce à une bourse du gouvernement français obtenue en 1950, poursuivit sa formation à l’École nationale des beaux-arts de Paris, où il reçut en 1956 le Prix de la critique. Bien qu'ayant vécu et travaillé en France pendant 60 ans, il conserva de tout temps un fort attachement à l'Inde où il retourna en 2010 pour y finir ses jours. Commandeur de la Légion d'honneur, il se vit attribuer en Inde entre autres récompenses le Padma Shree, le Padma Bhushan et le Padma Vibhushan. Son œuvre, en grande partie abstraite, est fortement inspirée de la cosmologie et de la philosophie indiennes.

Embassy of India PARIS