Revista digital del diseño duoc uc "Hitos de la gráfica chilena"

HITOS DE LA GRÁFICA

CHILENA

Maite Espinoza Contexto cultural del diseño gráfico

ÍNDICE

1 2 3 4 5

INTRODUCCIÓN PÁGINA 1 y 2

LUIS FERNANDO ROJAS PÁGINA 3 y 4

ALEJANDRO FAURÉ PÁGINA 5 y 6

ISAÍAS CABEZÓN PÁGINA 7 y 8

CAMILO MORI PÁGINA 9 y 10

6 7 8 9 10

FRANSISCO OTTA PÁGINA 11 y 12

WALDO GONZÁLEZ PÁGINA 13 y 14

VICENTE Y ANTONIO LARREA PÁGINA 15 y 16

CARLOS ROJAS PÁGINA 17 y 18

IMAX BRANDING PÁGINA 19 y 20

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DAF AGENCY PÁGINA 21 y 22

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INTRODUCCIÓN

Podemos decir que a inicios del siglo XX se llevaron a cabo una serie de prácticas gráficas, ligadas al mundo de las bellas artes, las artes decorativas y aplicadas, que desencadenaron en la institucionalización del diseño gráfico en Chile hacía la década de 1960, con la formación de las primeras escuelas en la Universidad de Chile y la Pontificia Universidad Católica. De esté modo, la profesionalización e institucionalización del diseño gráfico como disciplina se produjo en Chile a fines de la década de 1960, existieron numerosos antecedentes de producción de imágenes en serie y piezas gráficas orientadas a la publicidad de productos, eventos u organizaciones.

Tras el fuerte desarrollo tecnológico producido luego de la Segunda Guerra Mundial, la práctica del diseño se ha ido convirtiendo, por un lado, en un factor más de la producción de objetos comercializables y, por otro, en una herramienta de comunicación en el contexto de una creciente cultura de masas. En otros términos, el diseño gráfico se fue consolidando como una herramienta comunicativa que mediaba la relación entre productores y consumidores, a partir de un uso especializado de técnicas como la fotografía, la tipografía y la ilustración en la composición de piezas tales como logotipos, isotipos, catálogos, folletos, diagramas infográficos, revistas, libros y stands, entre otros soportes.

A lo largo del tiempo han surgido grafistas autodidactas y otros formados en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile, quienes divulgaron su trabajo en los muros de la ciudad y en vitrinas de casas comerciales, pero también a través de revistas.

Es por esto, que el objetivo de esta revista es dar a conocer sobre los diversos artistas chilenos, representantes de piezas gráficas ilustres y como se caracteriza el estilo de cada uno de ellos.

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La mano prodigiosa de Rojas está presente en la mayoría de las obras que moldearon la imagen histórica y visual chilena entre fines del siglo XIX y la primera mitad del XX. Parte importante de nuestra identidad colectiva, en suma.

Luis Fernando Rojas fue uno de los más importantes cultores de la ilustración y el dibujo para impresos que haya tenido Chile. Nació en Casablanca al interior de un hogar humilde e inició sus estudios primarios en una escuela de la zona. Junto a su madre emigró a Santiago e ingresó al Instituto Nacional, donde tuvo clases de dibujo con los profesores Julio Bianchi y Ernersto Kirchbach. Después de tres años, y por sus excepcionales condiciones, ingresó a la Academia de Pintura a los cursos de Cosme San Martín, en julio de 1874. Sin embargo, una controversia con el maestro Juan Mochi lo llevó a abandonar la escuela y a desarrollar su oficio al margen de las instituciones tradicionales.

LUIS

FERNANDO ROJAS

Empezó a ganarse la vida realizando retratos por encargo, pero pronto se dio cuenta de que necesitaba adquirir nuevas herramientas para aspirar a encargos más importantes. Acudió entonces al impresor Alberto Saling, quien lo instruyó en la técnica litográfica. Allí se inició su carrera artística.

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Comenzó realizando ilustraciones para El Correo de la Exposición y, a partir de entonces, fue uno de los primeros dibujantes que llevó el humor político a la prensa nacional. Dibujando para diarios y así sus trabajos aparecían también en las revistas El taller ilustrado, La lira chilena, La lira ilustrada, El Peneca y La revista cómica. En las revistas Sucesos y Zig-Zag firmó sus dibujos con el seudónimo "Marius".

Otra importante artista de su producción fue la ilustración de episodios históricos, costumbristas, combates navales y batallas. El éxito logrado por sus retratos de héroes patrios motivó a diversos historiadores a buscar su colaboración para las ediciones de sus trabajos. Su masiva y extensa obra como ilustrador, litógrafo y caricaturista, marcó una etapa de esplendor de las artes gráficas en Chile. Su talento fue capaz de combinar las virtudes del dibujo, la descripción anecdótica y el trasfondo histórico, hoy se le recuerda como uno de los más importantes cultores de la ilustración y el dibujo para impresos que haya tenido Chile.

Fue unos de los primeros en utilizar el término director artístico en Chile para impresos de la época, estableciendo dicho cargo que permanece en la actualidad. Sus dibujos se enmarcan dentro de los ámbitos del retrato realista, periodístico, político-satírico, alegórico, literario-cultural, histórico y publicitario. Fue pionero en la labor de reportero gráfico en el medio nacional y posiblemente el principal cronista visual de finales del siglo XIX y comienzos del XX, reconocimiento que aún sigue siendo una deuda pendiente.

El estilo de Rojas, se basaba en afiches de tinta plana con personajes caricaturescos que hacían referencia a la figura humana, de una manera íronica, con un estilo art nouveau.

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ALEJANDRO FAURÉ Alejandro Fauré nació el 5 de mayo de 1865 en Valparaíso. Fue dibujante, diseñador y caricaturista. Comenzó trabajando en la industria gráfica en 1880, como ayudante del diario perteneciente a la Litografía Guillet. Fue autodidacta, muy estudioso de las escuelas europeas, entre las cuales su principal influencia fue el Art Nouveau. En el aspecto técnico, incursionó en la litografía y el grabado sobre metal con pluma.

Dado el origen de su familia, naturalmente que una de las principales influencias en la formación de Fauré fue la cultura europea que vivió en su casa, no solamente en su educación consciente como la lengua materna, las costumbres culinarias y las relaciones familiares, sino que también en la formación de un imaginario que más tarde se verá retratado en su obra, sobre todo lo relativo a la gráfica victoriana asociada a la Revolución Industrial (coronas de laureles, rosetas, medallas con rostros de personajes destacados y fábricas humeantes). Si esto resulta ser una consecuencia de su vida "puertas adentro", su vida "puertas afuera" era nada más que el puerto de carácter cosmopolita el cual aporta a la conformación de otro imaginario, compuesto por los grandes navíos y los anhelos de viaje y aventuras en tierras vírgenes, propios de la era del maquinismo.

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Diseñó carteles, avisos publicitarios, logos de marcas, portadas de libros y revistas, así como una extensa colección de dibujos de prensa

Sobresalió como un obrero gráfico infatigable, y fue el primer gran afichista. Trabajó para la Litografía Cadot, Imprenta Universo e Imprenta Barcelona.

Tuvo a su cargo la dirección artística de publicaciones como La lira chilena y Noticias gráficas, y se desempeñó también como redactor artístico de numerosas publicaciones. Realizó tiras cómicas para El payaso y portadas para las revistas Pluma y lápiz, Instantáneas, Noticias gráficas, Chile ilustrado y La ilustración.

Curiosamente, además, su trabajo tiene una clarísima influencia romántica de Art Nouveau, pese a que Fauré nunca pudo visitar Europa, por lo que su maestría le puso de manera natural en paralelo con los cultores de este movimiento modernista europeo. Esto puede verse claramente en las imágenes escogidas de la exposición que aquí mostramos. Sus influencias modernistas se repetían en portadas, viñetas, letras capitulares, logotipos, caricaturas, ilustraciones humorísticas, dibujos artísticos y títulos. Era un maestro completo.

El personal de la imprenta en la cual trabajaba fue aumentando y ellos mismos describieron su producción de la siguiente manera: "Impresiones en múltiples colores (cromotipia) y con combinaciones elegantes de viñetas; limpias reproducciones de fotograbados y grabados; ediciones correctas y esmeradas de numerosas obras nacionales y preciosas encuadernaciones, he ahí el conjunto de productos, perfectos en su clase, que le han valido a este establecimiento industrial la gran reputación que goza" (Mariano Martínez, 1896)

Fauré, como dibujante litográfico, no solamente tenía la destreza y la habilidad para dibujar con plumilla o lápiz, sino que también sabía hacer ese dibujo "reproducible". Es así como el artista, junto con producir excelentes piezas gráficas, fue diestro en la práctica del "transporte", la etapa en la cadena de la producción gráfica donde se traspasaba el dibujo original a la piedra litográfica para poder imprimir copias en serie. Esto resulta destacable, y para Fauré debió haber sido un motivo de valorización en su medio, pues no era común que el propio dibujante realizara esa tarea, sino que había artesanos expertos para ello. La disciplina en su formación autodidacta llevó a Fauré no solamente a comprender el dibujo, sino que también la pintura y la acuarela.

ISAÍAS CABEZÓN

Isaías Cabezón es considerado el precursor del oficio de cartelista en Chile. Fue pintor, acuarelista, escenógrafo, curador de exposiciones, cartelista e ilustrador de viñetas de libros y revistas.

Hijo de los profesores Baldomero Cabezón Leighton y Merced Acevedo Villarroel, nació en Salamanca y fue el sexto de siete hijos. Cursó sus estudios de humanidades en el Seminario de La Serena. Luego se trasladó al Seminario de San Rafael, en Valparaíso, donde comenzó a hacer trabajos de dibujo por encargo a los 16 años de edad.

En 1908 quedó huérfano y se estableció en Santiago junto a su hermano arquitecto Alberto Horacio. Cursó un año en el preparatorio de ingeniería y trabajó como ayudante de cajero en el Banco Alemán Transatlántico antes de ingresar, en 1917, a la Academia de Bellas Artes.

Ese mismo año realizó su primera exposición de acuarelas en conjunto con su hermano Alberto y obtuvo el primer premio del Concurso de Afiches organizado con motivo de la Fiesta de la Primavera de la FECH, distinción que recibió nuevamente los dos años siguientes.

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Gracias al premio que recibió del concurso de la FECH y a sus propios ahorros, emprendió en 1922 un viaje por Europa que duró varios años. Allí tuvo la oportunidad de entrar en contacto con varios de los artistas y escuelas que en ese tiempo se encontraban en pleno desarrollo, entre ellos Juan Gris, Fernand Léger y Robert Delaunay. En Europa realizó pinturas, grabados y trabajos escenográficos.

En sus obras se centro en la tendencia postimpresionista, la cual se basaba en la importancia de lo simbólico y emocional de una manera abstracta. Se inspiró en Alejandro Fauré utilizando así el mismo estilo art nouveau. También por su vigor constructivo, por la alegre vitalidad del color y la simplificación de las formas a la manera del fauvismo. Se encargaba en resaltar en sus primeros carteles el inédito tratamiento de las figuras, producidas como manchas, sin líneas de contornos y con una paleta de colores poco usual, estilo que dio como resultado una estética fluida, orgánica y carnavalesca.

Su estilo es expresionista si le damos a la palabra su sentido más amplio." Sus obras participan de "cierto anhelo vital, de una voluntad que las conduce a reflejar la naturaleza con ese amor, con esa comunión panida que es goce de los sentidos. No queremos insinuar que las telas expuestas en la universidad caigan en el sensualismo.

Declara que lo que más modifica en sus pinturas, son las vecindades de los colores, el pintor no se debe apartar de la naturaleza aun cuando invente cuadros. También decía que la belleza natural supera la artística, porque una montaña siempre va a ser una montaña o una pintura debe girar alrededor de tres cosas: dibujo, forma y color. La línea es el reflejo del pulso, es el traspaso de la energía del cuerpo a la tela. especto de la técnica que ésta es imprescindible para resolver con inteligencia y pasión creadora sus obras; hace alusión al momento en que estaban los informalistas en que se despreciaba la técnica. Es curioso el comentario si pensamos en la relación que ambas tendencias tienen con la mancha, y con las características de ejecución de la obra.

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CAMILO MORI

Una de las figuras más destacadas en la renovación del arte chileno del siglo XX, fue el pintor Camilo Mori (1896-1973). Artista multifacético, se dedicó a varias disciplinas; no sólo a la pintura, sino también al dibujo y al diseño teatral y fue conocido como un prolífico cartelista. Mori nació en Valparaíso e ingresó a estudiar a la Escuela de Bellas Artes en el año 1914; allí fue alumno de Alberto Valenzuela Llanos, del español Fernando Álvarez de Sotomayor y de Juan Francisco González. Este último se caracterizó por una obra de pincelada suelta, de intensos colores y por un estudio de la luz natural, elementos que se apartaban del canon imperante en la época y que probablemente dieran las primeras pautas de mirada distinta para la pintura en Camilo Mori.

El artista realizó dos viajes a París, que fueron decisivos en su trabajo artístico; el primero de ellos fue en el año 1920, donde conoció la obra de varios artistas modernos, pero sin duda la influencia de Paul Cézanne (1839-1906), será una de las más evidentes en su propia producción.

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Durante la estadía, Camilo Mori se relaciona con otros artistas e intelectuales chilenos, entre los que destacan Henriette Petit, Julio Ortiz de Zárate, Luis Vargas Rosas y Juan Emar. Con ellos forma posteriormente el Grupo Montparnasse.

Luego de ese viaje, y junto al grupo recién conformado, participa de actividades que buscaron renovar la enseñanza del arte en Chile, por medio de nuevos referentes visuales, con el fin de romper con el realismo de la Academia. .

En su carrera artística Camilo Mori incursionó en diferentes géneros: el retrato, la naturaleza muerta y el paisaje. Aplicó la influencia de varios referentes que provenían del arte europeo posimpresionista y de vanguardia, que hicieron alejar su obra de la representación mimética de la realidad y reflexionar sobre la pintura como un medio en sí mismo.

El artista tomó de manera libre elementos de diferentes vanguardias como el Cubismo, Expresionismo y Fauvismo. En su producción de los años 20, sus obras fueron realizadas de manera sintética y bidimensional, con un vibrante contraste cromático.

Ejemplo de ello, es su reconocida obra “La viajera” (1928), pintura para la cual posa su esposa Maruja Vargas Rosas, y que ha sido considerada por los expertos como una renovación del retrato en la escena local. Mori utiliza amplias zonas monocromáticas que favorecen la expresividad en la representación. Una de las lecturas que se han hecho sobre esta obra es verla como un cuestionamiento hacia el rol de la mujer en la sociedad de la época, entendiendo que en ese tiempo el lugar otorgado era dentro del espacio doméstico, a diferencia de la representación en el cuadro, donde la mujer habita lugares públicos como, por ejemplo, un tren.

Mori quiso de alguna forma transmitir al espectador la atmósfera de un viaje y no necesariamente la versión mimética de Maruja.

La obra pictórica de Mori se caracteriza por su eclecticismo: en sus sesenta años de actividad no sólo incursionó en diversos géneros como el retrato, la naturaleza muerta y el paisaje, sino que además se apropió de variados referentes, provenientes principalmente del arte europeo postimpresionista y vanguardista, que lo llevaron a reflexionar sobre la pintura como medio y a alejarse de una concepción mimética del arte.

Estás piezas gráficas están inspiradas en el Pop Design , utilizando tipografías tipo palo seco, con un diseño italiano basado al realismo y naturalismo.

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FRANSISCO OTTA Francisco Otta fue un pintor nacido en la ciudad de Pilsen en el año 1908, territorio perteneciente a la actual República Checa. Radicado en Chile desde la década de 1940, participó de la historia cultural nacional ocupando un singular espacio en la escena artística local. Ejerció la crítica de arte y se constituyó como uno de los antecedentes del diseño gráfico chileno.

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Durante su juventud, estudió en distintas ciudades de Europa como Viena, París, Londres, Praga y Madrid.

Asistió, indistintamente, a academias de arte y a universidades donde se impregnó de diversos conocimientos que abarcaron desde la jurisprudencia hasta la fonética y la economía. Sin embargo, se tituló de especialista en Arte y Ciencia del Lenguaje Visual.

Esta formación ecléctica se consolidaría en su posterior desarrollo artístico.

En algunos de sus trabajos se puede visualizar un acercamiento al stramline american, con figuras que despliegan líneas de aceleración, al igual que el tener el foco en la máquina o los medios de transporte. Se puede observar la presencia de ilustración, que comienza a geometrizarce y simplificarce. La tipografía de palo seco, encabeza el afiche y a la vez acompaña a los elementos.

Buscando alejarse de los conflictos bélicos en Europa, Otta se estableció en Chile donde, junto a otros artistas chilenos como Camilo Mori o Isaías Cabezón, impulsaron el desarrollo del afichismo en Chile. En forma paralela, continuó con su actividad plástica y su trabajo en la ilustración editorial.

Al contornear a los elementos refuerza esa sensación de movimiento. El hecho de utilizar materiales análogos permitía la natural aparición de efectos al momento de querer generar sombras o luces sobre los elementos.

A continuación podrán observar un breve análisis de sus diversas obras.

En una primera etapa su obra al óleo, se caracterizó por los fondos planos construidos con figuras geométricas, por lo general rectángulos, que mantenian su autonomía de forma y color de gran armonía de matices y bordes fusionados.

Posteriormente su composición corresponde a un mundo figurativo, reconocible, pero siempre asociado a la abstracción, en el cual el dibujo juega un rol de gran importancia. Creó paisajes, figuras, animales y frutas inspirados en sus observaciones del diario vivir, sus recuerdos y los muchos viajes que realizó dentro y fuera del país, convirtiendo la realidad exterior en interpretaciones personales.

Las últimas pinturas de Francisco Otta se caracterizan por un cambio brusco en la paleta cromática. Operado de cataratas, Otta señaló que su percepción del color se vio profundamente alterada y que solo después de la operación había comprendido el color azul. Su última exposición, Reminiscencias Azules, fue exhibida de manera póstuma en el Museo Nacional de Bellas Artes en 1999.

Como pintor, su estilo no perteneció a tendencia o movimiento artístico de su época, aunque fue contemporáneo de la Generación del Cuarenta y se le ha incluido entre sus integrantes.

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WALDO GONZÁLEZ

Su etapa más productiva como cartelista transcurrió entre 1971 y 1973, época en la que trabajó junto con el diseñador Mario Quiroz. De ese período destacan más de sesenta carteles quincenales que realizó para la Polla Chilena de Beneficencia, de los cuales llegaron a imprimirse 5.000 ejemplares por tiraje, con distribución nacional. Las campañas de la Polla estaban dirigidas a los sectores pobres de la población, por lo que tuvieron un marcado acento social.

Durante la dictadura militar en Chile, Waldo dejó su actividad como diseñador y centró su actividad en la docencia. A partir de 1963 su carrera académica lo llevo a formar parte de várias universidades y instituciones de su país. Actualmente viviendo en Santiago, Waldo ha realizado seis exposiciones de afiches individuales, entre 1957 y 1970.

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Waldo González es una figura crucial en el desarrollo del diseño en Chile, tanto por su trayectoria docente como por su trabajo gráfico. Nacido en 1933, el primeramente estudió medicina en la Universidad Mayor de San Simón en Cochabamba (Bolivia). En 1954 ingresó a la Escuela de Artes Aplicadas, donde se desempeñó como ayudante de la cátedra de Afiche y Propaganda, entre los años 1958 y 1959. Al egresar en 1960, se convirtió en el primer licenciado en artes plásticas con mención en Cartel y Propaganda de la Universidad de Chile.

Como diseñador Waldo trabajó fundamentalmente en el rescate de las tradiciones locales y la vinculación del cartel con la educación popular. Sus carteles fusionaban lenguajes provenientes de la alfarería precolombina con influencias psicodélicas, del diseño pop, del cartel cubano, en el uso de tipografías el estilo tipográfico internacional y de la estética del mural político de izquierda.

Waldo, decía que el afiche tiene su propio lenguaje, y no podemos decir que tenga una dimensión débil frente a otros medios de comunicación. Sencillamente es distinto. No es la artesanía por la artesanía, o la técnica por la técnica, sino que existe una dimensión particular que tiene atracción y llama a la gente. Y para poder llamar a la gente debe poseer los factores inteligentes y sensitivos que el diseñador pueda darle, por medio de su creatividad.

El cambio de escenario que empezaba a significar la gráfica digital lo sintió en el año 1984, cuando trajeron grandes computadores y comencé a ver ahí lo abismante del poder de la máquina sobre la mente. Entendí que del diseño de mesa quedaba poco, y que venía el diseño en pantalla, de tecla y ratón. Con eso el diseñador tiene una poderosa herramienta en sus manos, que es la computación.

A diferencia nuestra que en un proceso de diseño eran días, hoy día el proceso de diseño son horas. El diseñador actúa con mayor rapidez y tiene un instrumento que los maneja rápidamente, que busca variables visuales rápidamente. Los proyecta y los desarrollan en dos o tres estilos en minutos, y mandan sus diseños desde el mismo computador. Pero las variables visuales que utiliza, las que imágenes que utiliza, han perdido la identidad. Me gustaría si a ese poder le agregaría, aunque sea un poquito, de “alma”.

En sus obras utilizo tinta plana, con un estilo pop design. En sus carteles fundamentalmente interpretó el rescate de las tradiciones locales vinculadas a la educación, sectores pobres, tuvieron un marcado acento social.

Cuando hacía afiches, buscaba los contenidos que más me convenían; llegaban muchos trabajos publicitarios y no los hacía, salvo algunos que les daba a los muchachos que trabajaban en mi taller y sólo los corregía. Buscaba los trabajos que me generaban un problema de comunicación y, al mismo tiempo, de concreción formal donde tenía que buscar argumentos, lenguajes, técnicas, conceptos, símbolos, signos. Eso es muy complicado, no es llegar y sentarse a una mesa y “vamos haciendo líneas y van saliendo cosas”.

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VICENTE Y ANTONIO

LARREA

Tanto Vicente Larrea Mangiola (Santiago, 14 de mayo de 1942) como Antonio Larrea Mangiola (25 de julio de 1948) estudiaron en la Escuela de Artes Aplicadas de Santiago, Chile. Vicente comenzó su trabajo gráfico a partir de 1963, en el Departamento de Extensión Cultural de la Universidad de Chile, e instaló su primera oficina en 1967. En 1968 se incorporó Antonio a la oficina, quien trabajó allí hasta 1977, para luego independizarse y dedicarse al diseño, fotografía y exploraciones submarinas.

El trabajo de Los Hermanos Larrea se asocia estrechamente con el movimiento de la Nueva Canción Chilena. La oficina de los hermanos Larrea realizó múltiples logotipos, cerca 120 portadas de discos y más de 300 carteles. Su trabajo ha sido un referente para la gráfica chilena de la transición entre las décadas del sesenta y setenta. Este fue un periodo de búsqueda de las raíces latinoamericanas.

Vicente era el especialista en logotipos y tipografías, mientras que Antonio se enfocaba en la fotografía y el manejo del contratipo, enfocado al alto contraste y al detalle.

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El trabajo de Los Hermanos Larrea se caracteriza por el uso de formas cerradas, alto contraste, tintas planas, contornos irregulares y el trazo manual de los caracteres. Estos elementos gráficos, propios del grabado y el mural, fueron trasladados a otros sistemas de producción como la serigrafía y la impresión offset.

Este procedimiento es lo que caracteriza su sello plástico.

Vicente Larrea ha reconocido como influencias en su trabajo a la gráfica hippie, el cartel cubano, el cartel polaco y particularmente, los trabajos del ilustrador lituano Ben Shahn y del diseñador norteamericano Saul Bass.

Dicen los hermanos en una entrevista que ya son 55 años en ese empeño de diseñar gráfica atractiva que sea comprendida por toda la audiencia. Se dieron cuenta en 1985 que nuestro trabajo de los años 70 se había convertido en parte de la memoria colectiva de Chile y que había traspasado las fronteras como componente de su identidad. Esos afiches se distribuían y regalaban en los espacios públicos de todo el país. Eran tiradas de 30.000 a 50.000 ejemplares. Los discos alcanzaron muchas veces cifras de 10.000 copias y más.

Decidieron conscientemente no hacer gráfica odiosa, dogmática ni violenta. Elegimos no copiarle los puños cerrados al socialismo de la Unión Soviética. Lo más fuerte que diseñamos en términos políticos fue el disco, “X Vietnam” y el “Basta” con el gorrión muerto, ambos para Quilapayún. Asumíamos libremente las decisiones de cual diseño imprimir.

El propósito de hacer diseño atractivo y positivo funcionó bien, había gente opuesta al gobierno de Allende quienes tenían el afiche de la “La felicidad de Chile comienza por los niños” en el dormitorio de sus hijos. Así logramos llegar a todo Chile. El sistema de diseño era simple: cada uno hacía un boceto con el tema encargado, los poníamos sobre la mesa y elegíamos cuál era el concepto que mejor funcionaba. Esos trabajos cumplieron una función social / cultural y como tales fueron bien aceptados y reconocidos, tanto por las ciudades a los que fueron dirigidos como por los directivos universitarios de esa época.

Esta aceptación generó otros encargos desde diversas facultades y organizaciones estudiantiles de la misma universidad.

Esto me ayudó mucho a desarrollar un intenso y eficiente ritmo de trabajo, a la vez que crecía mi conocimiento y vinculación con las técnicas de impresión.

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CARLOS ROJAS Carlos Rojas Maffioletti, Licenciado en Arte de la Universidad de Chile, dedicado al ejercicio del Diseño Gráfico y profesor de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de esa Casa de Estudios, es ilustrador de publicaciones en editoriales y diarios, desde 1971, cuando se inició en este género para la portada de la revista Onda, con una ilustración de Frank Zappa. Carlos Rojas Maffioletti da cuenta de una larga trayectoria en este género, siempre en una cuidadosa técnica realista que narra con el dibujo, cuentos infantiles, pasajes históricos, afiches de época y destacadas personalidades de Chile, entre otros.

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Maffioletti ha estado a cargo de ilustrar numerosos textos de estudio escolar, participando en el aprendizaje de generaciones de niños chilenos. También ha llevado al dibujo los libros de Ben-Hur, Las manchas de Vinca, La casita de los invisibles, Moby Dick, entre otros.

Sus trabajos de ilustración han sido requeridos también por la prensa, donde ha ilustrado a Presidentes Constitucionales de Chile, nuestros Premios Nobel de poesía y personajes que han cambiado la historia del país.

Ha realizado importantes proyectos de diseño e ilustración para editoriales de renombre como Quimantú, Gabriela Mistral, Andrés Bello, Arrayán, Santillana, Universitaria y Salo entre otras.

En su calidad de licenciado en Arte de la Universidad de Chile, ha dedicado gran parte de su vida a la docencia en las Facultades de Arte y en la de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Chile, en la cual imparte el curso de Figura Humana con gran éxito entre los participantes.

Sus obras son de estilo pop design, con imágenes realistas utilizando distintas tipografías de diferentes tamaños, en su mayoría aplicando colores pasteles y palo seco. La mayoría de sus imágenes representan relieves y movimiento.

Desarrolló gran parte de su carrera en una época negra de la historia chilena, en que la cultura en general, y la edición y la ilustración en particular, sufrieron los embates de una dictadura que le temía a los libros y al conocimiento. Sin embargo, sus imágenes lograron abrir un camino. A pesar de los recursos limitados, el espacio reducido y los medios precarios de impresión, su obra se expandió a través de decenas de libros, siempre personal y expresiva, variada en sus temáticas y exquisita en su ejecución.

En sus piezas gráficaa se puede ver su especial dominio en la ilustración, utilizando técnicas cómo la acuarela y el aerógrafo, da a sus piezas graficas un aire que nos recuerda al trabajo de Drew Struzan, popular ilustrador de posters de cine en los 80.

En una época dónde la fotografía es absoluta protagonista de los trabajos gráficos, su destacada obra como ilustrador hace destacar sus piezas a tal nivel que lo han llevado a hacer exposiciones en varios países.

A excepción del trabajo hecho para la revista “ONDA”, dónde sus obras son trabajadas para encajar con las portadas, saturando los colores, añadiendo texturas y partes de la ilustración recortadas, transformando sus piezas en un collage, sus demás trabajos se acercan más al naturalismo, el intentar representar la realidad de una manera bastante certera, pese a notarse la textura generada por un lápiz o la mancha generada por el secado del agua de la acuarela o la misma textura del soporte en la que está hecha la pieza, la luz y la sombra de los elementos está tratada de tal forma, qué pareciese ser una fotografía.

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IMAX BRANDING

Esta empresa se encarga de ser una consultora estratégica compuesta por un grupo multidisciplinario de especialistas en creación, desarrollo, gestión de marcas y comunicaciones.

Nuestras metodologías y procesos creativos se basan en la filosofía de llevar las marcas a la vida.

Trabajamos de forma colaborativa con nuestros clientes para lograr, desde el negocio, soluciones innovadoras capaces de expresar el espíritu y los valores de la marca a través del branding, el marketing y las comunicaciones con una propuesta de valor única.

Se especialízanos por utilizar la metodología del Design Thinking como proceso de innovación, siempre orientado a la solución de problemas usando estrategias flexibles y personalizadas.

Estas herramientas requieren un pensamiento abductivo, para generar hipótesis a partir del análisis de premisas previas, para luego utilizar pensamientos convergentes y divergentes para prototipar las mejores soluciones para cada desafío, utilizando herramientas de investigación, entrevistas en profundidad, workshops de co-creación de marca, costumer journeys, FODAs, Mapas de empatía, prototipado y testeo de marcas, entre otras.

Todas estas metodologías están enmarcadas en un proceso de trabajo que realizamos en 4 pasos: Bran audit, Brand Positioning, Brand Identity y Brand Expresion.

El propósito es el centro de la marca

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Las marcas que tienen una estrategía sólida, son las que tienen un propóstio claro, su motivación principal, el “por qué” de la marca. Esta definición nos permite tener un relato de marca para comunicar el “Cómo” hacemos las cosas y “Qué” es lo que ofrecemos.

La especialidad de la empresa se encuentra en la imagen de marca, de esta manera podemos ver en uno de sus trabajos más importantes realizados para la empresa chilena polpaico. Se encargaron de realizar la actualización de su imagen corporativa al igual que el logo.

En cuanto a los estilos que trabaja imax branding, podemos encontrar tendencias muy contemporáneas tales como el flat Design y material Design, así como también el adaptative design, esto producto de que se debe trabajar las piezas gráficas no sólo con los medios impresos clásicos en mente, sino que también su aplicación debe funcionar para medios digitales tales como interfaces de aplicación, videos, Motion graphics, páginas web, post de redes sociales y también arquigrafía. Este es un trabajo que en definitiva no sería posible sin un vasto equipo de profesionales tanto del área del diseño como también de la publicida, marketing y audiovisual.

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DAF AGENCY Fue creada en 2004 y ha logrado tener sede en Chile y en España, y de esta manera ha podido ir trabajando en proyectos de empresas de varios países, siendo una de las más destacadas del país.

La empresa de DAF AGENCY dice ser una solución única para múltiples desafíos. Son una agencia creativa que integra branding, digital y producción bajo un mismo techo, capaz de desarrollar cada fase del ciclo de vida de la marca. Buscan entregar soluciones creativas que agreguen valor y engrandezca la escénica de la marca, para así poder darle emocionalidad al producto gráfico. En sus ideas creativas, deciden dar un enfoque patrimonial, conceptual o actitudinal, revelamos lo que está oculto para crear historias que vivan cada punto de contacto y permanezcan en la mente de los consumidores.

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Unen la estrategia y la comunicación de marca con un profundo conocimiento de los mercados internacionales, para lanzar campañas globales que hablan poderosamente a los consumidores locales.

Está búsqueda los ha llevado a dirigir su producción a los estándares del cine, haciendo producciones cinematográficas, para compañías como “Casillero del diablo” o “Manchester united”.

Un susurro que se convirtió en leyenda Cuenta la leyenda que hace más de cien años, el fundador de nuestra Viña, Don Melchor Concha y Toro, escondió una preciada colección de vinos en su bodega privada, que estaba protegida detrás de una reja de hierro forjado. Sin embargo, con el tiempo comenzó a notar que las botellas desaparecían extrañamente.

Parecía que este lugar secreto ya no era tan secreto, y que la gente del pueblo, al haber oído hablar de sus exquisitos vinos, no pudo resistir la tentación de probarlos por sí mismos. Al necesitar una nueva forma de proteger su tesoro, Don Melchor Concha y Toro recurrió al folklore chileno. Sabiendo lo supersticiosa que era la gente del pueblo y cuánto temían a los fenómenos de otro mundo, difundió el rumor de que existían extraños eventos nocturnos que solo podían explicarse de una forma: el diablo habitaba en sus bodegas.

Impulsado por la imaginación de los lugareños, cada sonido en la bodega, cada eco, sombra y forma, dio más valor a la historia.

Rápidamente, el rumor se convirtió en una leyenda... y no desaparecieron más botellas. Está es la historia de la leyenda cuyo protagonista le dio a nuestros vinos un nombre único: Casillero del Diablo, un portafolio destinado a cruzar fronteras y convertirse en unos de los vinos chilenos más famosos del mundo.

La agencia Daf generó un trailer de una película, el cuál relata sobre la leyenda del vino producido por la empresa. En el corto, podemos ver elementos realizados con efectos especiales, uso de drones y una grabación al estilo anamórfico, que da una sensación de estar viendo un trailer extraído de una película de alto estándar.

Se basaron en utilizar algo cliché cómo es el cine de acción, estilo “misión imposible” debido al uso de tecnologías avanzadas como hologramas y computadoras. Con monitores transparentes generados con modelado 3D o elementos fantásticos tales cómo figuras de demonios, fuego o sonidos inexistentes realizados en post producción, hacen de esta publicidad no sólo un trabajo que nos permita vender un determinado producto, sino que el principal objetivo es darle emoción al espectador.

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“La cultura necesita más presencia en los medios, se necesita divulgar lo que ocurre en una generación concreta de artistas, entre los 40 y 60 años, entender cómo piensa a partir del análisis crítico de sus obras. Las obras dicen y dicen mucho, pero necesitan voces que las comenten y analicen. Ese es el trabajo que estamos realizando en este programa”.

- César Gabler