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Museo de arte y diseĂąo contemporĂĄneo /

Proyectos Ultravioleta / madc 2013

Proyectos Ultravioleta presenta un espacio para encontrarse con el arte, pasar un rato entre naturaleza y cultura, ver, escuchar, sentir y pensar.

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ISBN

Esta publicación fue realizada para la exposición de Proyectos Ultravioleta, exhibida en Salas 1 y 1.1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), San José, Costa Rica. Del 17 de julio al 31 de agosto del 2013. Dirección MADC: Fiorella Resenterra. Curaduría: Stefan Benchoam y Emiliano Valdés Coordinadora editorial: María José Chavarría, curadora MADC. Autores de los textos: Stefan Benchoam, Emiliano Valdés y Rodrigo Rey Rosa.


Introducción

Stefan Benchoam, Emiliano Valdés

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Cabaña

ÍNDICE

Rodrigo Rey Rosa

8-9

Artistas participantes 10-44 Traducciones / Translations 45-55 Créditos 56


Vista parcial de Sala I

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Sin título, Jardín Botánico Lankaster, 2013. (Detalle)

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Introducción

Tradicionalmente confinado a espacios perfectos y ambientes propicios para la apreciación artística, el arte cada/una vez más se relaciona con la vida cotidiana de manera inusitada. El cubo blanco pierde su primacía al tiempo que se descubren o se permiten nuevas formas de relacionarse con la producción artística en sentido amplio, y se incluyen la informalidad y el espacio cotidiano como contextos aceptables (incluso propicios) para ver una exposición, presenciar un performance o recorrer una instalación. La idea de que el arte está en todas partes parece cobrar renovada vigencia y esto nos convierte a todos en artistas potenciales, pero también afecta el funcionamiento de las estructuras tradicionales del sistema del arte. Es en ese marco que Proyectos Ultravioleta propone la creación de un espacio en el que el Museo (con M mayúscula) da lugar a un ambiente en el que la relación con el arte se con/funde con nuestro acercamiento a otros aspectos de la vida: lo social, la naturaleza, el placer, el pensamiento. La relación entre espectador, arte y entorno, particularmente el natural, se vuelve líquida y permite la creación de jardines adentro de las salas del museo y de exposiciones fuera de ellas, en el parque, jardín o entorno natural. A su vez, la institución se adapta a múltiples funciones, permitiendo que la relación con las obras de arte y, en general, con la producción de sentido, no se vea desvinculada de otras experiencias vitales: el pensamiento, el bienestar, el diálogo. Esta exposición, serie de eventos y actividades (la residencia del músico Albert Martín, el performance de Simplemente Rosita, la instalación de la exposición Montjuic Cruising Pavilion de Pablo León de la Barra, entre otros) son parte de un esfuerzo por ampliar las posibilidades del museo y del arte en general, y acercar a públicos distintos a una experiencia históricamente reservada sólo para algunos. Así mismo, la exposición, que no tiene título como estrategia para subvertir la primacía de lo racional e intelectual, se propone como un gesto renovador en las prácticas artísticas y culturales actuales. Esperamos que este catálogo de cuenta, al menos en parte, de otras formas de acercarse al arte.

Participan: Bhakti Baxter, Stefan Benchoam, Buró de Intervenciones Públicas, Javier Bosques, Donna Conlon, Lia Chaia, Juni Figueroa, Adrián Flores y José Pablo Ureña, Hulda Guzmán, Federico Herrero, Jessica Kairé, Akira Izoe, Jardín Botánico Lankester, Melvin Laz, Suwon Lee, Pablo León de la Barra, Michael Linares, Lucía Madríz, Albert Martín, Rachelle Mozman, Sofía Novella, Francesco Piranesi, Chemi Rosado-Seijo, Emilio Span, Cinthya Soto, Naufus Ramírez-Figueroa, Diana de Solares, Daniel Steegmann Mangrané y Elizabeth Wild.

Stefan Benchoam y Emiliano Valdés Proyectos Ultravioleta

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CABAÑA Rodrigo Rey Rosa

I escarabajo, más directo, se posa en la parte superior de la vela, y se convierte en una luz azul verdosa y en un rizo de humo pardo. Pequeñas mariposas nocturnas se acercan a intervalos cada vez más largos. Hay explosiones como de cohetillos y destello de colores. Son las últimas luces, antes de que la vela se consuma por completo.

Sentirse como un insecto, como uno se siente aquí, quiere decir ser todo cuerpo; con muy poco seso dentro de la cabeza, pero bastante en la manos, en todo el órgano de la piel. Los grandes árboles que rodean la vivienda y le proporcionan sombra son una amenaza los días de viento, los días de lluvia.

La señora de la vecindad está convencida de que si alguien vive en esta región más de cierto tiempo, se vuelve partidario, no solo de la pena de muerte, sino del linchamiento también. Su esposo, sin embargo, parece buena persona.

Curiosamente, vivir aquí, sin ver otro sol que el que se filtra entre los árboles, no me causa claustrofobia. La energía eléctrica la obtenemos a base de energía animal. En la montaña hay enormes dispositivos acumuladores.

Probablemente el hecho que más me ha parecido premonitorio de la muerte ha sido darme cuenta de que una persona que me gustaba me aburre profunda, infinitamente.

Un muchacho colecta la miel de doncella, que sirve para limpiar los ojos. Una gotita, y uno siente como una luz y un sabor que llega hasta la garganta. También sirve para hacer de boca a los potros. Con la luna tierna, durante dos lunas. Un trapito con la miel se enrolla en el bocado, y el animal se está tasca que tasca el hierro. El “muchacho” que me decía esto, un hombre de cincuenta años, con algo de jockey en el menudo cuerpo, hace movimientos como si tuviera riendas en las manos. Montar un animal así da gusto, mire usted.

Es increíble que después de tantos favores pagados con desfavores, a veces, todavía podamos confiar en que la justicia prevalecerá. La luz en la selva una tarde después de dos días de constantes lloviznas y lluvias. Retazos azules ente las ramas.

La desconfianza puede descubrirse en la propia voz. Uno de los dos ha exagerado y el otro lo resiente.

Y de este bienestar se obtiene un sentimiento de vergüenza y de culpa, por “tener todavía un poco de aire para respirar —como dice Adorno— en el infierno”.

“Lo hice sólo por dinero.” Con este pretexto se le puede vender el alma a Dios, o al diablo.

II El hombre que viene a visitarme de tarde en tarde, me decía:

A veces, de noche, la luz de la veladora es temblorosa a fuera de conflagraciones de insectos. Esta luz es violenta. La llama crece de pronto, alimentada por la grasa de los insectos. Puede oírse la materia que hierve, y la llama chisporrotea. Pasan varios minutos. La llama ha crecido y ahora acuden menos insectos. Los últimos en llegar son los más grandes. Un grillo aparece. Salta peligrosamente sobre la llama, y sus alas crujen al quemarse —queda inmóvil más allá de la vela, en el borde de la mesa. Un

Habíamos salido como a las ocho y a las once y media caímos en la emboscada. Veníamos en fila, por el trocopás, y los riatazos comenzaron a caer de frente, y al rato también por los lados. Vi a un hombre bajo unas lianas, con su galil. “Allí está el enemigo”, le dije al capitán. El hombre a mi izquierda cayó al suelo, retorciéndose, y comenzó a chillar. Yo me tiré al suelo, y rodé hasta la huella del tractor y allí me

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Descripción de una estela. Quizá el escultor hace comentarios acerca del personaje que representa. “Los jeroglíficos son fonemas.” Descripción, luego del momento en que un cincel de pedernal destruye la cara de cierto personaje, y así cambia el sentido de una oración. Enterramiento de la estela y revelación era una estela falsa, y el artista: un falsificador.

quedé, mientras los otros echaban punta. El que había caído a mi lado, me pedía que le quitara la carga. Pero yo, ¿cómo me iba a mover? Si no me habían matado porque me daban por muerto. No duró mucho el pobre. Yo no me moví de la rodada de vez en cuando, como el caimán. Ya al final, cerca de las cuatro, se oían gritos en la selva que hacían pensar en borrachos insultándose. ¡Cuques cabrones, ríndanse! Y los otros: ¡Ríndanse ustedes, hijos de la rechingada! Y así, mientras se daban barniz. Suele tener anécdotas amenas y le gusta la gente que sabe escuchar.

Por qué, cuando sueño, la gente me parece más bella, físicamente, que en la vigilia. Hombres y mujeres. Moralmente, sin embargo, suelen rebajarse en el sueño: las personas “buenas” me parecen solamente sospechosas; y las que en la vigila me han parecido sospechosas, vuelven hostiles al soñar, es decir, malas.

El plan 22 ha resultado ser la solución a una serie de problemas en este distrito fronterizo. Es muy sencillo: se trabaja durante veintidós días y durante ocho se descansa. (La verdad es que cuando se trabaja se descansa, y cuando se descansa se trabaja). Los que se atienen al plan, lo cuentan ya sea con orgullo, ya sea como si contaran una cuita. Seminómadas, están a medio camino entre el liberto y el esclavo. En los sitios más alejados hay pequeños campamentos con gente en el plan 22, gente progresista, gente austera; gente alegre, por otra parte, para quienes los problemas caseros están lejos, para quienes la vida es un constante viaje, una aventura.

Durante largas temporadas —la suma de las cuales asciende a años— me he visto obligado a vivir en hoteles, en casas de huéspedes o en casas de amigos, como invitado. Tal vez en mis cuadernos podrá notarse la presencia, en el cuarto contiguo, de otros huéspedes que me son “con sólo existir” adversos. Una reacción que siento como química, pues ocurre en mis vísceras, causada a través del muro por medio del sonido, y una imprecisa reflexión: mi recuerdo de los sujetos vistos en el comedor o en el pasillo.

El plan 22 —cuenta Wilfredo Arita— ha permitido a la esposa de mi tío realizarse como mujer —en los brazos de “otro”.

De las señales que me ha sido dado recibir acerca de lo que soy, el hecho de poder estar solo durante largos períodos de tiempo, me parece la más halagadora. Y sin embargo, la necesidad de estar solo que experimento cuando me encuentro en compañía me parece un rasgo negativo, pues, como casi todas las necesidades, ésta se manifiesta de manera imperiosa.

III

Guía para el mundo de los muertos. Cuando estés seguro de que el cuerpo te ha dejado, está triste por el bien que no llegaste a hacer, y deja de estarlo y empieza tu viaje hacia el pasado. Alégrate del mal que no llegaste a hacer, y deja de estar alegre y date cuenta de que lo que te empuja es el azar, que cuando ibas en sentido inverso te pareció orden, o necesidad. Etcétera.

Encontraron un hoyo lleno de huesos de venados de cola blanca. Entre los huesos, distinguieron uno que fue fracturado durante el primer año de vida del animal. Algo, que no supieron explicar o que no comprendí, les hizo concluir que los habitantes de este lugar protegían a los venados para sacrificarlos con fines rituales.

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Detalle

Bhakti Baxter

Bhakti Baxter (Miami, Estados Unidos, 1979) recibió un BFA de la New World School of the Arts College. Ha tenido exhibiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo de North Miami en 2002; Galería Emmanuel Perrotin en París, Francia, 2005; Fredric Snitzer Gallery, 2007; Bravin Lee Programs en Nueva York, 2009; Federica Schiavo Gallery, Roma, 2010; y Gallery Diet, Miami, 2011. Baxter trabaja en una variedad de medios que incluyen collage, escultura y dibujo; y uno de sus objetivos es desorientar y desorganizar límites aceptados mientras cuestiona las percepciones comunes de lo mundano.

Untitled 2013 Ambientación con pintura, esculturas, muebles y otros objetos Dimensiones variables Untitled 2013 Setting with painting, sculpture, furniture and other objects Variable dimensions

Investigando el territorio entre ciencia y espiritualidad, su práctica también busca generar una relación medial entre lo aparentemente normal y la libertad de interpretación de la abstracción. El trabajo de Baxter está en constante diálogo con los sistemas naturales, la exploración de cómo la mente interactúa con la materia al tiempo que reconoce la importancia de ejercer la intuición para encontrar explicaciones.

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Stefan Benchoam

Stefan Benchoam (Ciudad de Guatemala, 1983) es artista y curador. Su trabajo como artista es multifacético con al menos dos líneas de investigación: una que se desarrolla en el espacio público entre la acción y la intervención; y otra que asume la informalidad para cuestionar el mito de la autenticidad, del artista y del arte mismo, y que intenta, entre otras cosas, diluir las líneas de trabajo del artista y del curador. En el 2011, Benchoam realizó muestras individuales en el White Cubicle Toilet Gallery (Londres) y La Loseta (San Juan), ha participado en numerosas muestras colectivas a nivel internacional. Benchoam es co-fundador de Proyectos Ultravioleta, un espacio autogestionado que se enfoca en la experimentación y los procesos formativos del arte contemporáneo, situado en el Centro Histórico de la Ciudad de Guatemala. También es cofundador del Buró de Intervenciones Públicas, junto con Christian Ochaita, con quien realizan intervenciones públicas de bajo costo y alto impacto en distintas ciudades del mundo desde el 2007. Recientemente, junto con Jessica Kairé, fundó el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo -NuMu-, que se establece como el primer museo de arte contemporáneo en Guatemala. A su vez, es el editor de arte de Suelta, una publicación quincenal en línea que lanzó en el 2011 junto con Rodrigo Fuentes, y que busca acortar las distancias entre arte y literatura contemporánea en Latinoamérica.

Arco iris 2013 Madera y pintura Dimensiones variables Rainbow 2013 Wood and Paint Variable dimensions

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Javier Bosques

Javier Bosques (San Juan, Puerto Rico 1985) creció entre la capital de Puerto Rico y el área rural de Río Grande. Tiene un BFA de Cooper Union en NY y es candidato a un MFA en dirección de cine en UCLA. Javier mantiene una práctica interdisciplinaria, ha participado en la Bienal del Museo del Barrio Nueva York (2011); está incluido en el directorio “Younger than Jesus” de artistas jóvenes (2009) del New Museum y pertenece a la colección permanente del Museo de Arte de PR. Ha presentado su trabajo fílmico en la Antología de Filmes en Nueva York, Centro Cultural de España en Guatemala y en distintas sedes alternativas en Nueva York.

Iris 2012 Video mono canal color con sonido 3’ 25” Iris 2012 Single-channel colour video with sound 3’ 25”

Bosques considera la escultura como una “plataforma abierta” desde la que siente la libertad de perseguir procesos creativos que se documentan en video. Este le permite lidiar con situaciones que no están en su pensamiento en ese momento, pero que intenta retratar objetivamente y a través de los cuales los espectadores puedan llegar a sus propias conclusiones.

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* Buró de Intervenciones Públicas

El Buró de Intervenciones Públicas –BIP– es un proyecto de Christian Ochaita y Stefan Benchoam, que surge a raíz de la falta de espacios públicos y estructuras de ocio y socialización en la Ciudad de Guatemala. Las propuestas que desarrollan incorporan distintos aspectos de arquitectura, arte, diseño y urbanismo para intervenir las expectativas cotidianas del ciudadano, alterando así la manera en que éste se relaciona con los espacios abiertos. Sus intervenciones reivindican el uso del espacio colectivo a través de elementos lúdicos y acciones inusuales y se basan en la colaboración con otros artistas, colectivos y personas. Los proyectos que desarrollan pueden ser vistos como gestos situacionistas que intentan crear debate y reflexión sobre la ciudad. Por otro lado, pretenden generar soluciones reales a la ausencia de iniciativas de gobiernos municipales y centrales.

Jungla de hamacas 2013 Instalación con hamacas y mecate 950 m3 Pila de la Melaza y Parque Nacional Hammock Jungle 2013 Installation with hammocks and rope 950 m3 The Treacle Font and National Park

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“Parte del programa público de la exposición”

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Donna Conlon & Jonathan Harker

Donna Conlon (Atlanta, Estados Unidos, 1966) y Jonathan Harker (Quito, Ecuador, 1975) viven y trabajan en la ciudad de Panamá. El trabajo individual de Conlon es una búsqueda socio-arqueológica en sus entornos inmediatos: recoge y acumula objetos e imágenes de la vida diaria y los utiliza para revelar las idiosincrasias del ser humano y las contradicciones de nuestro estilo de vida contemporáneo. Por su lado, Harker usa ironía e hipérbole para subvertir el lenguaje y las convenciones usadas para narrar historias. Su trabajo resalta las brechas y costuras que revelan el carácter fabricado de identidades y realidades, tanto personales como colectivas.

Tapitapultas 2012 Video mono canal color con sonido ambiente 3’ 40” Tapitapultas 2012 Single-channel colour video with surround sound 3’ 40”

Harker y Conlon comenzaron a colaborar en el 2006. En sus videos e instalaciones utilizan las propiedades inherentes de objetos descartados para comentar sobre la formación de identidades, el consumismo, la acumulación de deshechos y el clima. Juntos han exhibido en el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Gran Canaria (2007); en TEOR/éTica en Costa Rica (2009); el Palais du Tokyo en París (2009); en la X Bienal de la Habana, Cuba (2009); en Los del Patio, Panamá (2010); en la XXXI Bienal de Pontevedra en Galicia, España (2010) y en la 8ª Bienal de Mercosur en Porto Alegre, Brasil (2011).

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Isaac Contreras Dispositivo para la sospecha 2012 Sublimado sobre tela 216 x 145 cm

Tierra en los ojos 2010 Múltiples impresiones cromogéneas sobre apiladas 25.5 x 17.5 x 2.5 cm

Device for Suspicion 2012 Sublimated on canvas 216 x 145 cm

Earth in the Eyes 2010 Cromogenous print 25.5 x 17.5 x 2.5 cm

Isaac Contreras (México, 1984) es un artista cuyo trabajo investiga nociones de precariedad y vacío como circunstancias de negociación con límites materiales o sensibles. A través de medios múltiples, como fotografía, instalación y escultura, busca generar estructuras abiertas para dimensionar lo incierto, lo desapercibido y lo frágil.

Ha sido parte del programa de Jóvenes creadores del FONCA 2010 – 2011, del PECDA Baja California 2010 – 2011 y del programa de artistas de SOMA México entre 2012 y 2013. Ha expuesto en diferentes lugares principalmente en México y Estados Unidos. Exhibiciones recientes incluyen “Apuntes para un desierto” (Culiacán, 2011), 13va. Bienal de Artes Visuales del Noroeste (Culiacán, 2011), III Trienal Poli/gráfica de San Juan (San Juan, 2012) y “Sarai Reader 09: The exhibition” (Nueva Delhi, 2013).

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Lia Chaia


Lia Chaia (Sao Paulo, Brasil, 1978) trabaja en diferentes soportes que transitan por la fotografía, video, performance, instalación e intervenciones urbanas. Ha participado en numerosas muestras colectivas que incluyen “Circuitos Cruzados: Centre Pompidou encontra o MAM” en el Museo de Arte Moderno de São Paulo, la 11 Bienal de La Habana, “Film and Video from Brazil” en el New Museum de Nueva York y la 10 Bienal Internacional de Istambul en Turquía. Entre sus muestras individuales están “Esqueleto Aéreo” y “Anónimo” en Galeria Vermelho, “RODOPIO” en el Centro Cultural Mariantonia y “Experiencias con el cuerpo” en el Instituto Tomie Othake.

Comendo Paisagens 2005
 Video monocanal color c/audio 30’ Cortesía Galería Vermelho, Brasil Comendo Paisagens 2005 Mono-channel Colour Video/audio 30’ Courtesy of Galeria Vermelho, Brazil

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Manuel de la Cruz González

la recién creada Universidad de Costa Rica. Trabajó como profesor de dibujo, pintura y estética en este centro de estudios. Vivió en Cuba hasta 1952, donde expuso en importantes centros, como el Círculo de Bellas Artes de la Habana desde donde se traslada a Venezuela, y se instala como profesor del Centro de Bellas Artes de Maracaibo. González tuvo la oportunidad de participar y llegar a formar parte del movimiento abstracto -especialmente constructivista- que se estaba generando en Venezuela.

Abstracción 1964 Laca sobre madera 110 x 80 cm Colección Museo de Arte Costarricense Abstraction 1964 Lacquer on wood 110 x 80 cm Costa Rican Art Museum Collection Manuel de la Cruz González (Costa Rica, 1934 – 1986) es un reconocido pintor autodidacta costarricense; participó en las “Exposiciones de Artes Plásticas” organizadas por el Diario de Costa Rica en el Teatro Nacional, de 1928 a 1937. Juntó con la generación de la “Nueva Sensibilidad” entre 1946-47 fundó el grupo “Teatro Experimental”. Ellos eran estudiantes y profesores de

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La nostalgia lo hizo volver a Costa Rica en enero de 1958. Trabajó en 1961 con el Grupo Ocho, que buscaba salir del arte figurativo junto con Felo García, Nestor Zeledón Guzmán, Luis Daell, Harold Fonseca, Hernán González, Guillermo Jiménez y César Valverde. En 1964 se une al grupo Taller, con Carlos Moya, Rafa Fernández y Claudio Carazo, con el propósito de compartir experiencias plásticas, respetando el estilo de cada uno. En 1971, en la Bienal Centroamericana, el público costarricense vio por última vez sus abstracciones geométricas. De ahí en adelante el artista recurre a otras expresiones: arte pop, realismo estilizado y simbolismo expresionista.


Radamés “Juni” Figueroa

Radamés “Juni” Figueroa (San Juan, Puerto Rico, 1982) está afincado en el Caribe, desde donde construye sistemas que evocan y celebran la vida, clima, flora, fauna, música y cantinas en el trópico. Utiliza diversos medios, incluyendo la pintura y el dibujo, el ready made y las instalaciones in situ. Ha participado en distintas exposiciones y residencias en América Latina y Estados Unidos. Recientemente, realizó una exposición individual en el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Guatemala -NuMu- en el que transformó el Museo en el Motel “El Nido Salvaje”. A lo largo del 2011, fundó y dirigió un espacio en Puerto Rico llamado LA LOSETA, que consistió en un programa de 12 exhibiciones, varios eventos de música y que concluyó con la 1era Gran Bienal Tropical en la playa La Comai, que co-curó con Pablo León de la Barra.

Tropical Readymade (mochilas) 2012 Mochilas con textiles guatemaltecos, plantas Medidas variables Tropical Readymade (backpacks) 2012 Backpacks with Guatemalan textiles, plants Dimensions variable

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Hulda Guzmán

Hulda Guzmán (República Dominicana, 1984) es pintora de nacimiento. Estudió Bellas Artes en la Escuela de Diseño Altos de Chavón, República Dominicana, afiliada a Parsons The New School for Design, New York. Ganó una beca para continuar sus estudios en esta última, pero la declinó prefiriendo completar la licenciatura en la UNAM (Universidad Nacional Autónoma de México) donde se especializó en Muralismo. En 2008 regresó a Santo Domingo y desde entonces ha estado exponiendo su obra en Lyle O. Reitzel Gallery.

Arcada para festival Bacanalia (fragmento) 2013 Acrílico sobre lienzo 224 x 224 cm cada módulo Arcade for Bacchanalia Festival (fragment) 2013 Acrylic on canvas 224 x 224 cm each module

En el 2013, Guzmán ha participado en “Under Construction”, William Road Gallery, London; “On Common Ground”, Museo de la OEA, Washington, DC.; “Mes de abril dedicado a la República Dominicana”, Casa de América Latina de Mónaco; y “Avant Garde” en La Castilla, Santo Domingo, República Dominicana.

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Detalles

Federico Herrero Sin título 2013 Acrílico sobre lienzo 275 x 240 cm

Servicio sanitario 2000 Remodelación, pintura en el techo CENAC, San José, Costa Rica.

Untitled 2013 Acrylic on canvas 275 x 240 cm

WC 2000 Remodelling, painting on ceiling CENAC, San Jose, Costa Rica.

Federico Herrero (Costa Rica, 1978) es considerado una de las figuras más importantes del arte contemporáneo latinoamericano. Su trabajo está influenciado por la política, la tradición cultural y la fecundidad natural de Costa Rica. En el 2001 Herrero recibió un León de Oro como mejor artista joven de la Bienal de Venecia. Ha tenido numerosas muestras individuales en lugares como Alemania, Italia, Japón y España, entre otros. Su trabajo forma parte de distintas colecciones a nivel mundial, incluyendo el Mudam Luxembourg, el Museo Santander en España, el 21st Century Museum of Contemporary Art en Kanazawa y el Hara Museum of Contemporary Art de Tokyo, Japón.

Herrero transfiere los colores y formas del denso paisaje que rodea su ciudad natal, San José, a distintas superficies como muros y lienzos; se interesa particularmente por la interfaz entre cultura y naturaleza, monitoreando cuidadosamente el ambiente urbano de Costa Rica que muchas veces parece estar a punto de ser reclamado por la incansable flora local.

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Akira Ikezoe

Akira Ikezoe (Japón, 1977) es un artista cuyo trabajo contrapone su deseo de volverse un gran técnico de la pintura, con su urgencia personal de desaprender todo conocimiento sobre arte para ver el mundo a través de los ojos de un “animal”. En sus pinturas, intenta encontrar este punto de equilibrio entre hombre, cultura, arte y otros instintos animales.

Sonota Ozei 2013 Acrílico sobre lienzo 40 x 182.5 cm Sonota Ozei 2013 Acrylic on canvas 40 x 182.5 cm

Tiene un BA de Tama Art University en Japón y ha realizado numerosas muestras individuales que incluyen “Drawing”, Ise Cultural Foundation, Nueva York, 2012; “Repeater”, SANAGI FINE ARTS, Tokyo, 2010; “Ephemeral Garden”, ESSO Gallery, Nueva York, 2009; y “Space as Protagonist”, Project room, ESSO Gallery, Nueva York, 2008. Actualmente vive y trabaja en Nueva York.

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Akira Ikezoe

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Akira Ikezoe (Japón, 1977) es un artista cuyo trabajo contrapone su deseo de volverse un gran técnico de la pintura, con su urgencia personal de desaprender todo conocimiento sobre arte para ver el mundo a través de los ojos de un “animal”. En sus pinturas, intenta encontrar este punto de equilibrio entre hombre, cultura, arte y otros instintos animales.

a. Sin título 80. 43 x 35 cm b. Sin título 77. 35 x 43 cm c. Sin título 81. 40 x 25 cm 2013 Óleo sobre tela

Tiene un BA de Tama Art University en Japón y ha realizado numerosas muestras individuales que incluyen “Drawing”, Ise Cultural Foundation, Nueva York, 2012; “Repeater”, SANAGI FINE ARTS, Tokyo, 2010; “Ephemeral Garden”, ESSO Gallery, Nueva York, 2009; y “Space as Protagonist”, Project room, ESSO Gallery, Nueva York, 2008. Actualmente vive y trabaja en Nueva York.

a. Untitled 80 b. Untitled 77 c. Untitled 81 2013 Oil on canvas

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Fernando Iturbide “Nacho” Sin título Año desconocido (circa 1970) Acrílico sobre lienzo 1.26 x 2.26m Cortesía de la Fundación Fernando Iturbide Untitled Date unknown (circa 1970) Acrylic on canvas 1.26 x 2.26m Courtesy of Fernando Iturbide Foundation

Nacho (Fernando Iturbide – Guatemala) fue un artista, diseñador, escritor y dramaturgo guatemalteco. Viajó y vivió en distintas partes del mundo antes de regresar a Guatemala en 1992 en donde murió por complicaciones del VIH/Sida. Su obra pictórica, de sorprendentes colores y composiciones entre esencialistas y coloridas, responden a uno de los lemas que acompañaron su producción en múltiples medios: “Viva feliz”. Su pintura es en gran parte desconocida tanto dentro como fuera de su país natal, en donde Proyectos Ultravioleta organizó una exposición semi-retrospectiva en el Centro Cultural de España en Guatemala en septiembre de 2013 que se llamó: “¡Viva Feliz! La pintura de Fernando Iturbide”.

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Detalle

Jardín Botánico Lankester Jorge Warner

El Jardín Botánico Lankester es un jardín botánico y centro de investigación de la Universidad de Costa Rica, cuya misión es el estudio de las orquídeas y otras familias de plantas epífitas para conservar la diversidad biológica del planeta e inspirar y mejorar la calidad de vida de las personas. Cuenta una de las colecciones de orquídeas más grandes de Centroamérica, con más de 18,000 ejemplares en exposición.

Sin título 2013 Estructura metálica y plantas epífitas 133 x 300 cm

Además de la colección de orquídeas, cuenta con colecciones de bromelias, cactos y suculentas, helechos, heliconias y palmas; 5 hectáreas de bosque secundario, más de 1 kilómetro de senderos de fácil acceso, un hermoso jardín japonés y una tienda de souvenires y libros.

Untitled 2013 Metal frame and epiphytic plants 133 x 300 cm

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* Jessica Kairé

Ha desarrollado una serie de talleres en los que frutas tropicales se transforman en armas de defensa personal sólo para ser comidas más tarde, así como una serie de juguetes de peluche en forma de armas de guerra. Ambos proyectos son una ridiculización y la inoculación simbólica de la generalizada cultura de las armas en Guatemala y los Estados Unidos.

Such Is Life in the Tropics 2012-2013 Taller vía Skype Such Is Life in the Tropics 2012-2013 Workshop via Skype

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“Parte del programa público de la exposición” Jessica Kairé (Guatemala, 1980) es una artista multidisciplinar que vive, trabaja y enseña en Brooklyn, Nueva York. Es cofundadora y codirectora del Nuevo Museo de Arte Contemporáneo -Numuen la ciudad de Guatemala. Su obra se centra en la idiosincrasia guatemalteca y la identidad latina, además de cuestiones relacionadas con su país de origen como la violencia, el subdesarrollo y la tropicalidad, cuestiones de género y su origen judío.

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Proyectos y exposiciones recientes incluyen: “Proyectos Ultravioleta presenta Proyectos Ultravioleta ...”, Christinger de Mayo Gallery, Zurich, 2012; “En la Curvatura del Tiempo / Arte y Mujer “, Museo Nacional de Arqueología y Etnología, Guatemala, 2012; “Cómo hacer armas caseras para la defensa personal”, Lawn School / NurtureArt, Nueva York, 2012, XVIII Bienal de Arte Paiz, Guatemala, 2012; “Así Que se Vaya”, Kamin & Proyectos Ultravioleta, Quetzaltenango, Guatemala; “Toys & Games With A Twist”, Longwood Art Gallery @ Hostos, 2012; “Expediente S”, El Museo del Barrio, Nueva York, 2011; “Me asusta pero me gusta / Arte Actual de Guatemala”, Diablo Rosso, Panamá, 2011. Kairé es artista del Artist Pension Trust, México, desde 2010.


Melvin Laz

Melvin Laz (Guatemala) tiene un estudio de elementos decorativos y arquitectónicos en concreto, pero su trabajo se ha ido alejando paulatinamente de las clásicas fuentes y motivos coloniales para explorar elementos de la cultura popular y la fantasía personal.

Tres honguitos 2012 Concreto y pintura acrílica Medias variables

Entre sus temas favoritos se encuentran los personajes de Los Simpson y criaturas fantásticas de la televisión y el imaginario colectivo. Ha expuesto en México, Ciudad de Guatemala y sus esculturas forman parte de importantes colecciones en América Latina.

Tres honguitos (Three Little Mushrooms) 2012 Concrete and acrylic paint Variable dimensions

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Suwon Lee

Suwon Lee (Venezuela, 1977) se forma como fotógrafa en París y estudia bajo la tutela de Nelson Garrido en Venezuela y en España con Axel Hutte, con quien ha realizado varios foto-viajes por Venezuela, España y Perú. Su exposición individual más importante hasta la fecha se realizó en Periférico Caracas / Arte Contemporáneo en 2008. Fue la única artista venezolana seleccionada por un jurado internacional para incluir su trabajo en la publicación “The Younger than Jesus Artist Directory” editado por Phaidon Press en 2009, un directorio de los mejores artistas jóvenes del planeta.

Oasis 2010 Video mono canal 1’03” Oasis 2010 Single-channel video 1’03”

Lee ha expuesto en el Reino Unido, Estados Unidos, Colombia, España, Chile, Argentina, Brasil, Panamá, Perú, Francia y México, además de sus participaciones en Venezuela. Su obra pertenece a colecciones privadas como Artist Pension Trust México, Banco Mercantil y Colección Patricia Phelps de Cisneros, entre otros. Es co-fundadora y co-directora desde el 2005 del espacio de arte contemporáneo Oficina #1.

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* Pablo León de la Barra

Viaje en Centroamérica, Chiapas, Yucatán y otros lugares”, CCE en Guatemala (2010); “Conocerlo es amarlo”, Cerith Wyn Evans en Casa Barragán, Ciudad de México (2010); “Incidentes de viaje espejo en Yucatán y otros lugares” Museo Tamayo, Ciudad de México (2011); “Bananas Is My Business: el camino sudamericano” Museu Carmen Miranda, Río de Janeiro (co-comisariada con Julieta González, 2011); “Microclimas” en la Kunsthalle Zurich (2012); “Esquemas para una oda tropical”, Río de Janeiro, 2012; “Marta ‘Che’ Traba” en el Museo La Ene, Buenos Aires (2012); “Novo Museo Tropical” en Teor/ética, Costa Rica (2012); “Museu Labirinto / Museo del crecimiento ilimitado”, ArtRio, Río de Janeiro (2012); y “The Camino Real Arcades”, Perú (2012), entre otras.

‘Mies Cruising Pavilion Montjuic’: An Unauthorised Exhibition by Pablo León De La Barra and Friends 2010 Fotocopias Dimensiones variables ‘Mies Cruising Pavilion Montjuic’: An Unauthorised Exhibition by Pablo Leon De La Barra and Friends 2010 Photocopies Variable dimensions

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“Parte del programa público de la exposición” Pablo León de la Barra (México, 1972) es curador independiente e investigador. Posee un PHD en Historia y Teoría de la Architectural Association de Londres. Ha comisariado muestras como “This Is Not America” Beta Local, Puerto Rico (2009); “Incidentes de

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En Londres fue co-director de “24-7” un colectivo de artistas y curadores de 2002 a 2005 y director artístico de “Blow de la Barra” desde 2005 hasta 2008. De 2005 a 2012 fue curador de la Galería White Cubicle. También es fundador del Novo Museo Tropical, un museo que aún no existe físicamente y en algún lugar del trópico comisarió la Primera Bienal Tropical Puerto Rico (2011). También es el editor de Pablo Internacional Ediciones y de su propio blog Centre for the Aesthetic Revolution.


Michael Linares

Michael D. Linares (Bayamón, Puerto Rico, 1979) vive y trabaja en San Juan, Puerto Rico. Su trabajo ha sido incluído en muestras como “Found & Lost” en el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, el Instituto de Arte Contemporáneo de Pennsylvania (ICA), The Wayward Cannon en Londres, “The Peace Tower” – un proyecto de Mark di Suvero & Rirkrit Tarivanija para la Whitney Biennial del 2006– en el Whitney Museum en Nueva York; “S-Files” en el Museo del Barrio en Nueva York y Centro d’Art Santa Mónica en Barcelona, entre otros.

Wait Till It Grows 2011 – 2013 Hamaca, macetas, tierra, palmas de coco Dimensiones variables Wait Till It Grows 2011 - 2013 Hammock, pots, soil, coconut palms Variable dimensions

En el 2009, se le incluyó en la publicación “The Generational: Younger Than Jesus / Artists Directory” de Phaidon & The New Museum de Nueva York, en el Village Voice de Nueva York, y en The New York Times. También es el fundador y director de La Sonora.

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Lucía Madriz

Lucía Madriz (Costa Rica, 1973) estudió pintura en la Universidad de Costa Rica y le fue otorgada una beca para nuevos medios en la Hochschule fur Gestaltung en Karlsruhe, Alemania en 2003. También recibió una Mención en el 1er Concurso Centroamericano de Artistas Emergentes, Costa Rica, 2003; y premios en el 1er y 2do Concurso Centroamericano de Video Creación, MADC, 2002 y 2003. Entre sus exhibiciones individuales están: “Ties”, Galerie Borchardt, Hamburg, 2010; “Veritas”, Des Pacio, Costa Rica, 2009; “Axis”, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Costa Rica, 2008; “Situación Especial”, Des Pacio, Costa Rica, 2008; “Extraversión”, Fundación Teor/ética, Costa Rica, 2007; “Alteridades”, Galería Jacob Karpio, Costa Rica, 2006, “Erscheinen”, Badischer Kunstverein, Karlsruhe, 2004, “4 Artistas, 4 curadores”, MADC, Costa Rica en 2003.

Crecimiento 1 (Rojo) 2013 Acrílico sobre madera 50 x 75 cm Growth 1 (Red) 2013 Acrylic on wood 50 x 75 cm

Además de un interés general por el medio ambiente, el trabajo de Lucía gira alrededor de la relación entre ser humano y naturaleza, haciendo énfasis en la toma de responsabilidad de los humanos en su incidencia sobre el entorno. Sus proyectos se constituyen en sistemas de exploración y comprensión del mundo, además de cuestionamientos de los modelos habituales de operar y percibir. En la serie de maderas, Madriz utiliza números Fibonacci para determinar composiciones y colores que apelan a la memoria para reestablecer el vínculo original con la naturaleza.

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Albert Martín

Albert Martin (España, 1982) es pianista, guitarrista, cantante y compositor. Fundador y co-director de El Beneficiadero, escuela de música y artes, Centro Cultural y de creación. Estudió piano clásico con Yirka Ledón y piano jazz y armonía moderna en el Taller de Músics (Barcelona, España) y l’Aula de Música Moderna i Jazz del Conservatori del Liceu (Barcelona, España).

Sin título 2013 Ensayos y conciertos espontáneos en la exhibición

Como compositor y líder ha editado los discos Kiwis: Un poco de porno asiático (2011), Improvitzacions amb guitarra (2010) y Albert Martín Trio al Moll-Oest (2009). Ha compuesto la música para los espectáculos teatrales “El primer milagro del niño Jesús” (2009) y “Noticias de última hora” (2008), para los cortometrajes “Chico desconoce a chica” (2009), “Las momias” (2008) y para el libro de poesías “Mirada Nua” (2005).

Untitled 2013 Essays and spontaneous concerts at the exhibition

Como instrumentista y arreglista ha grabado en los discos Primeras marcas (Hans Laguna, 2012), The Magic Indian Scene (The Destroyed Room, 2012), B.S.O del cortometraje Bruno (2011), Creatures (Applebox, 2011), Pregúntale a tu novia (Don Johnsons, 2011), Harrisongs 2. A Tribute to George Harrison (Penélope & Jan y otros, 2003), Last Night at the Cabaret (Jan and the Electric Poets, 2003) y The Weight of Loneliness (Jan & the Electric Poets, 2002).

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Materia Primera

(Adrián Flores & José Pablo Ureña) Modelo ferial Caso: Feria de Guadalupe 2013 Vaciado en yeso 1.8 x 2 m Farmer’s Market Model Case: Guadalupe Farmer’s Market 2013 Plaster Cast 1.8 x 2 m

Materia Primera (Costa Rica, 2012) está compuesta por José Pablo Ureña Rodríguez y Adrián Flores Sancho. Es un proyecto de investigación sobre las posibilidades de la impresión directa que realiza su primera exposición titulada ‘Materia Primera’ en la Fundación Teor/ética en 2013. José Pablo Ureña Rodríguez (Costa Rica, 1987) es licenciado en Artes Plásticas por la Universidad de Costa Rica. Ha expuesto individualmente en la Galería Alternativa, “Lo simultáneo en el bodegón” (2012); Alianza Francesa, “De lo crudo a lo cocido. Estudios sobre fotografía y pintura” (2011), así como en el Museo de Punta Islita (2012). Ha participado en exposiciones colectivas internacionales en EE.UU, Italia y Brasil. Entre otros reconocimientos, recibe el Premio Áncora en Artes Visuales Bidimensionales del Periódico La Nación (2013). Adrián Flores Sancho (Costa Rica, 1986) estudió Filosofía y Artes Plásticas en la Universidad de Costa Rica. Ha expuesto individualmente en el Centro Cultural Español, “Los Otros Mismos” (2011); Alianza Francesa, “No Coma Cuento” (2012). Ha participado en bienales como: Bienal del Humor y la Sátira, Bulgaria (2013); Bienal Internacional de Gráfica, Egipto (2013); así como en exposiciones en Argentina (2011) y Panamá (2013).

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Rachelle Mozman

Rachelle Mozman divide su tiempo entre Brooklyn y la Ciudad de Panamá. Ha realizado muestras individuales en Equivalente en Arteconsult (Panamá, 2010), en el Festival Biarritz (Francia, 2009), así como en la Galería Sol del Río Arte Contemporánea (Guatemala, 2009). Sus muestras colectivas incluyen “The (S) Files” en El Museo del Barrio (NY, 2011); “Family Value” (Galería Michael Mazzeo, NY, 2011); “Laberinto de Miradas” (Madrid, 2011); “31 Women in Art Photography”; VII Bienal del Istmo Centroamericano; “True Stories. True Success” (Berlín); y “Portrait and Place”.

Primas frente al mar 1, Primas frente al mar 2 2008 Tintas pigmentadas sobre papel Baryta 37 x 31.5 cm (c/u) Cousins facing the ocean 1, Cousins facing the ocean 2 2008 Pigmented inks on Baryta paper 37 x 31.5 cm (each)

Sus fotos han sido publicadas en Número Cero (2008), y el mismo año fue la artista protagonista de la revista Artmedia. Además, ha realizado residencias en Smack Mellon (New York, 2011); en Light Work (2009); en la Fundación La Napoule (Francia, 2008) y en el Bag Factory (Sudáfrica).

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Felipe Mujica

Felipe Mujica (Santiago, Chile, 1974) estudió Arte en la Universidad Católica de Chile entre 1992 y 1996. En 1997 co-funda la Galería Chilena (junto a José Luis Villablanca y Diego Fernández), proyecto que comenzó como una galería nómada y comercial, y el cual se transformó en un proyecto colaborativo, un “experimento” curatorial.

Graffix Pattern (hojas) 2012 Serigrafía sobre papel (edición única) 87 x 58 cm (c/u)

En el año 2000 Felipe Mujica se radica en Nueva York donde actualmente vive y trabaja, exhibiendo constantemente en Europa, Latinoamérica y Estados Unidos. Es representado por Die Ecke Arte Contemporáneo en Santiago de Chile y por Galerie Christinger De Mayo en Zürich.

Graffix Pattern (Leaves) 2012 Silk screen on paper (single edition) 87 x 58 cm (each)

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Detalle

Sofía Novella Estudios tropicales 2012-2013 Acuarela sobre papel 21.6 x 14 cm c/u Tropical Studies 2012-2013 Watercolour on paper 21.6 x 14 cm c/u

Sofía Novella (Guatemala, 1980) estudió Artes Plásticas en París y Nueva York. Su trabajo se desarrolla en distintos medios que incluyen video, pintura, animación, escultura y floristería. Recientemente participó en las exposiciones: “Cinco días (Puertas abiertas)”, Centro Cultural de España, Guatemala, 2013; “Jardín de Esculturas”, El Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Guatemala, 2012; y “Mayami Son Machin”, Gallery Diet, Miami 2011; entre otras. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de Guatemala.

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Giovanni Battista Piranesi

Giovanni Battista Piranesi (Mogliano Veneto, 1720 - Roma, 1778) fue un arquitecto, investigador y grabador italiano. Realizó más de 2.000 grabados de edificios reales e imaginarios, estatuas y relieves de la época romana así como diseños originales para chimeneas y muebles.

Templo de Minerva Medica 1756 Aguafuerte impreso digitalmente en papel bond 88 x 126 cm Cortesía de Wikimedia Commons

Sus entusiastas reproducciones e interpretaciones de antiguos monumentos romanos, supusieron una importante contribución para la formación y desarrollo del neoclasicismo. En estos grabados se incluían imágenes fidedignas y exactas de las ruinas existentes, al igual que reproducciones imaginarias de antiguos edificios en las que la alteración de la escala y la yuxtaposición de elementos, contribuyen a realzar el carácter de grandiosidad de los mismos.

Temple of Minerva Medica 1756 Etching digitally printed on bond paper 88 x 126 cm Courtesy of Wikimedia Commons

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Chemi Rosado-Seijo

Chemi Rosado-Seijo (Vega Alta, Puerto Rico, 1973) es un artista cuya pr谩ctica mezcla el comentario social, el compromiso y la colaboraci贸n.

Tropical Painting #21 2012 Lluvia, tierra y moho sobre lienzo 60 x 60cm

Su trabajo contrapone la arquitectura y el paisaje urbano, el trabajo y la acci贸n social, as铆 como el arte y su historia en medios no tradicionales que incluyen el skate.

Tropical Painting No. 21 2012 Rain, earth and mould on canvas 60 x 60 cm

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Naufus Ramírez-Figueroa

Naufus Ramírez-Figueroa (Guatemala, 1978). Tiene un BFA de la Emily Carr University y un MFA de la Escuela del Art Institute de Chicago.

Three Ghosts 2007-2013 Documentación de performance 31 x 39.5 cm

Ha participado en numerosas exhibiciones individuales y colectivas incluida la 53 Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Oberhausen, Germany), Home Works IV (Ashkal Alwan, Beirut, Líbano), AA Bronson’s School for Young Shamans (John Connelly Presents, NY); y ha presentado proyectos individuales en Proyectos Ultravioleta (Ciudad de Guatemala) y Casa América (Madrid). Es acreedor de una Guggenheim Fellowship, el premio Franklin Furnace, la beca Akademie Schloss Solitude (seleccionado por Dan Graham) y ha sido seleccionado recientemente para la residencia Jan Van Eyck Academie durante 2013/14.

Three Ghosts 2007-2013 Documentation of performance 31 x 39.5 cm

La guerra civil guatemalteca (1960-96) es un tema recurrente en su trabajo, el cual a pesar de aparecer suavizado por un acercamiento absurdo y a menudo humorístico, no esconde la fuerza de la historia que lo precede.

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* Simplemente Rosita

Divino Kitsch es un formato de presentación que Simplemente Rosita ha creado para revivir aquellas canciones melodramáticas, de moda en los años ochenta.

Divino Kitsch Rockola piel “Una canción a cambio de tu piel” Performance Viernes 19 de julio 2013, Sala I MADC

Son encuentros que van sumando años, desde sus inicios en el 2005, Divino Kitsch ha venido a acompañar a todos aquellos y aquellas, los que le cantan al amor con despecho en medio de pasiones tormentosas y gritos de “arrancame la vida”. Un tipo de exaltación sentimental latinoamericana que acompaña a muchos de nuestros modos de vida.

Divine Kitsch Rockola Skin “A Song in Exchange for your Skin” Performance Friday 19th July, 2013, Hall I, MADC

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De aquí que Simplemente Rosita, nos introduzca a este mundo como parte de una estética.

“Parte del programa público de la exposición”

Saborear tu dolor, es una sana diversión.

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Diana de Solares

Diana de Solares (Guatemala, 1954) es una artista cuyo trabajo se ha caracterizado por el uso de objetos encontrados y materiales frágiles y modestos, tales como el mdf, el papel, alambres e hilos y andrajos, ramas secas y palos descartados.

Sin título 2012 Acrílico sobre lienzo Dimensiones variables

Las obras en “Prótesis”, Piegatto Arte, Guatemala, 2013; “En tránsito” Sol del Río Arte Contemporánea, Guatemala, 2013; “ISLAS”, Piegatto Arte, Guatemala, 2010; “Dibujos Calculados con Líneas Encontradas” Carlos Woods Arte Contemporáneo, Guatemala, 2008; “Todas las estructuras son inestables” XVI Bienal de arte Paiz, Guatemala, 2008; “Pintura: el proyecto incompleto” Espacio CE, Antigua Guatemala, 2009 y “Existir en un estado de peligrosa distracción” XVII Bienal de arte Paiz, Guatemala, 2010; muestran construcciones in situ, que activan el espacio mediante el uso de sombras, equilibrios precarios, juegos de tensiones y colaboraciones.

Untitled 2012 Acrylic on canvas Variable dimensions

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Cinthya Soto

Cinthya Soto (Costa Rica, 1969) es una artista que desde la fotografía, la instalación y el vídeo, aborda tensiones conceptuales y estéticas para pasar a señalar los enclaves que estrechan sus vínculos, llevando así mismo deliberadamente su propuesta a zonas de contaminación con lo cinematográfico, lo instalativo y lo pictórico.

De la serie “Botánico” 2002 Proyección digital de imágenes análogas Dimensiones variables From the “Botanico” series 2002 Digital projection of analogue images Variable dimensions

A partir de 1996 ha expuesto alrededor del mundo, en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Museo de Arte Costarricense y Teor/ética Costa Rica, Casa de América, Madrid; Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey; Kurimanzutto en Mexico DF; Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile; Arte Actual FLACSO, Quito, Ecuador; Taipei Fine Arts Museum, Taiwan. Ha participado igualmente en las bienales de Venecia, Pontevedra, Praga, Cuenca, Santo Domingo y Centroamérica. En 2002 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas de Costa Rica; en el 2010 recibe la Beca de Creación Artística del Musée du Quai Branly para llevar a cabo su más reciente serie “Paysage (re)trouvé”. Su obra se encuentra en colecciones tales como el Musée du Quai Branly, París; Essex Collection Art from Latin American, Inglaterra; Martin Margulies, EEUU; Cifo, EEUU; Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Costa Rica.

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Emilio Span

Emilio Span (Reutlingen, Alemania, 1869-1944) es un artista que llega a Costa Rica en 1906 interesado por los paisajes y la exploración de la naturaleza. Dedicó gran parte de su obra a la riqueza vegetal del país, en especial al estudio de las orquídeas. Se caracterizó por mantener una paleta marcada por las escuelas europeas y por dar valor en la plástica a la flora y el paisaje costarricense. Participó en el ciclo de Exposiciones Nacionales de Artes Plásticas que se realizaron en la década de 1930. Fue escogido en 1925 junto con otros artistas nacionales, como representantes de Costa Rica en la Exposición Panamericana de Pintura, patrocinada por el Museo de Arte de Los Ángeles, California (Estados Unidos). Entre los años 1910-1919 firmó sus obras con su nombre en español: “Emilio Span / Costa Rica”. Más adelante abandonó la identificación geográfica pues había decidido residir permanentemente en el país, hasta su muerte el 20 de enero de 1944.

Marina Sin fecha Óleo sobre cartón 24 x 35 cm Colección Museo de Arte Costarricense Marina Undated Oil on cardboard 24 x 35 cm Costa Rican Art Museum Collection

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Daniel Steegmann Mangrané

Daniel Steegmann Mangrané (Barcelona, España, 1977), vive y trabaja en Río de Janeiro. Recientemente ha tenido exposiciones en Mendes Wood, São Paulo (2011); Halfhouse, Barcelona (2011); Centro Cultural Sergio Porto, Rio de Janeiro (2010); Fundació La Caixa, Barcelona (2008); A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2007). Su trabajado se ha presentado en la 30ª Bienal de São Paulo, “The Imminence of Poetics” (2012); RongWrong, Amsterdam; Espai d’Art Contemporani de Castelló (2011); Galeria de la Estrany de la Mota, Barcelona (2011); Galerie im Riegerungsviertel / Forgotten Bar Project, Berlín (2010); Galerie KoraAlberg, Antwerp (2010); Entes, Barcelona (2009); After-the-Butcher, Berlín (2009); Bienal de Teheran (2008); Museo de Arte Contemporanea de Santiago do Chile (2008) y Centro Cultural São Paulo (2007). Ha recibido premios y becas del Centro de Arte 2 de Mayo, MUSAC, Ciutat d’Olot, CoNCA, Premio ABC, Miquel Casablancas, José García Jiménez Foundation y Akademie der Kunste, entre otros. Proyectos próximos incluyen una exhibición individual en La Central, Bogotá; Galeria Nuno Centeno, Porto y Fundació Sunyol, Barcelona.

Teque – teque 2010 Video monocanal, color con sonido sobre pantalla suspendida (120 x 160 cm) 0’38” Teque - teque 2010 Single-channel colour video with sound on suspended screen (120 x 160cm) 0’ 38”

En su trabajo, Steegmann se sirve de medios diversos y a menudo hace uso de objetos cotidianos para desarrollar narrativas que exploran las relaciones entre naturaleza y cultura. Además de su práctica artística, gestiona la escuela experimental Universidade de Verão en Capacete, Río de Janeiro.

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Elisabeth Wild (Austria, 1922) es una artista autodidacta de una familia de artistas que en 1939 emigra a Buenos Aires. Allí, Wild es miembro del Círculos de Bellas Artes y participa en distintas muestras además de dedicarse al diseño textil. Al volver a Basiela, explora la acuarela, cerámica, metal y desnudo, también abre una tienda de antigüedades. A los 74 años se muda a Panajachael, un pueblo a orillas del lago Atitlán en Guatemala, en donde actualmente vive y trabaja.

Elisabeth Wild Sin título 2011 Collage con papel de revista Dimensiones variables Untitled 2011 Collage with magazine paper Variable dimensions

Originalmente volcada a la pintura, en años recientes Wild ha ampliado sus técnicas de trabajo concentrándose en el dibujo y el collage, medios a través de los cuales retrata el rico paisaje tropical en el que vive inmersa. Recientemente participó en la exposición “Olinka” en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo junto a otros artistas internacionales.

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Introduction

Art, which is traditionally confined to spaces and venues that are ideal and appropriate for artistic appreciation, relates ever/once more to daily life in unusual ways. The white cube is no longer predominant, whilst new ways of relating to artistic production and meaning are being discovered and becoming permissible, in a wider sense, and informal and everyday contexts are being included as acceptable (and even propitious) settings for visiting exhibitions, attending performances or viewing installations. The idea that art is everywhere appears to be gaining new ground, and this makes us all potential artists but it also affects the way traditional structures within the art system operate. It is within this framework that Proyectos Ultravioleta proposes establishing a space in which the Museum (with a capital M) becomes a setting in which the way we relate to art is (con)fused with our approach to other aspects of life such as social factors, nature, pleasure, thoughts, etc. The relationship between the viewer, art and our surroundings, particularly the environment, becomes fluid and allows gardens to be created inside museum halls and exhibitions to take place outside it, in parks, gardens or other natural settings. In turn, the institution adapts itself to multiple functions, allowing the way we relate to works of art and, in general, the production of meaning, to not be disembodied from other life experiences such as reflection, wellbeing and dialogue. This exhibition and series of events and activities (the residence of the musician Albert Martin, the performance of Simplemente Rosita, the installation at Pablo León de la Barra’s “Montjuic Cruising Pavilion” exhibition, among others) are part of an effort to expand the possibilities of the museum and of art in general, attracting different audiences to experiences traditionally reserved for only a few. Moreover, the exhibition, which is untitled as a strategy for subverting the predominance of the rational and the intellectual, is proposed as a gesture of renewal in current artistic and cultural practices. We hope that this catalogue serves as a testimony, in part at least, to alternative ways of approaching art. Stefan Benchoam and Emiliano Valdés Proyectos Ultravioleta

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Participants:

Bhakti Baxter, Stefan Benchoam, Buró de Intervenciones Públicas, Javier Bosques, Donna Conlon, Petra Cortright, Lia Chaia, Juni Figueroa, Adrián Flores y José Pablo Ureña, Hulda Guzmán, Federico Herrero, Jessica Kairé, Akira Izoe, Jardín Botánico Lankester, Melvin Laz, Suwon Lee, Pablo León de la Barra, Michael Linares, Lucía Madríz, Albert Martín, Rachelle Mozman, Sofía Novella, Francesco Piranesi, Chemi Rosado-Seijo, Emilio Span, Cinthya Soto, Naufus Ramírez-Figueroa, Diana de Solares, Daniel Steegmann Mangrané and Elizabeth Wild.


CABIN Rodrigo Rey Rosa

I wings crackle as they burn –it stops dead beyond the flame, at the edge of the table. A beetle –more direct– settles atop the candle, and turns into a greenish blue blaze and a ripple of brown smoke. Small moths approach at increasingly longer intervals. There are explosions, as if from firecrackers, and flashes of colours –the last sparkles of light before the candle burns out completely.

Feeling like an insect, as you do here, means being all body; with little brain inside your head, but rather a lot in your hands and in the entire skin organ. The great trees that surround the property and provide shade are a threat on windy days, on rainy days. Interestingly, living here, without seeing any sun other than that which penetrates through the trees, does not make me claustrophobic.

The neighbouring woman is convinced that if someone lives in this region for more than certain time, they become supporters not only of the death penalty, but also of lynching. Her husband, however, seems like a good man.

We get electricity from animal energy. There are enormous storage devices up in the mountains.

Probably the fact that has felt most premonitory of death to me was realizing that a person who I used to like bores me deeply, infinitely.

A boy collects Doncella honey, which is used to clean the eyes. A little drop, and one experiences a flash of light and a taste that reaches right down the throat. It is also used to introduce the bit to colts. On the new moon, for two moons. A small cloth with the honey is wound around the bit, and the animal will gnaw away at the iron. The “lad” who was telling me this –a man in his fifties with something of a jockey in his piddling body– makes movements as if he were holding reins in his hands. It’s a joy to ride an animal broken in like this, it really is.

It is unbelievable that after so many favours paid with disfavours, sometimes, we can still trust that justice will prevail. The light in the forest one afternoon after two days of constant drizzle and showers. Patches of blue between the branches. And from this wellbeing a sense of shame and guilt arises, from “still having a little air to breathe –as Adorno puts it– in Hell.”

Distrust can be discovered in one’s voice. One of the two has exaggerated and the other resents it.

II

“I only did it for the money.” On this pretext, you can sell your soul to God, or the devil.

The man who comes to visit me from time to time used to tell me:

Sometimes, at night, the light of the candle trembles under swarms of insects. A cloud of small moths falls over the flame and the wax darkens. This is a violent light. The flame grows suddenly, fuelled by the fat of the insects. You can hear the matter that boils, and the sizzling of the flame. Several minutes go by. The flame has grown and now attracts less insects. The last to arrive are the largest. A cricket appears. It skips dangerously over the flame and its

We had left at about eight, and at half past eleven we were ambushed. We were walking in a row, by the trocopás, when the blows came at us head-on and, after a while, from the sides as well. I saw a man under some lianas, with his Galil. “There’s the enemy,” I told the captain. The man to my left fell to the ground, writhing, and began screaming. I threw myself down on the ground and rolled towards the

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tractor furrow and stayed there, while the others were hard at it. The one who had fallen next to me asked me to take off his load. But I, how could I move? If they hadn’t killed me because they thought me dead. The poor guy didn’t last long. I didn’t move from the groove, it was hard to be lying there, and I would turn from time to time, like an alligator, to avoid numbness. In the end, around four, cries like those of drunkards swearing at each other were heard in the forest. “Fucking squaddies, surrender!” And the others retorted “Why don’t you surrender, you sons of bitches!” And so it went on while they went at each other. He tends to have entertaining anecdotes and likes people who know how to listen. Plan 22 has proved to be the solution to a number of problems in this border district. It’s very simple: you work for twenty-two days and have eight days’ rest. (The truth is that when you’re working you’re resting, and when you rest you work). Those who stick to the plan tell it either with pride, or as grief. Seminomadic, they’re halfway between free men and slaves. In the most remote places there are small camps with people in plan 22, progressive, austere people. Happy people, on the other hand, for whom domestic problems are distant, for whom life is a constant journey, an adventure. Plan 22 –says Wilfredo Arrita– has allowed my uncle’s wife to make something of herself as ​​ a woman – in the arms of “another.” III They found a hole filled with bones of white-tailed deer. Among the bones, they noted one that had been fractured during the first year of the animal’s life. Something, which they failed to explain or I to understand, made ​​them conclude that the populaces of the area protected the deer to sacrifice them for rituals.

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Description of a stela. Perhaps the sculptor makes comments on the character it represents. “Hieroglyphics are phonemes.” Description, then, of the moment when a flint chisel destroys the face of a certain figure thus changing the meaning of a sentence. Burial of the stela and revelation: it was a fake, and the artist: a forger. Why, when I dream, do people appear more beautiful to me, physically, than in the wake. Men and women. Morally, however, they tend to cringe in my dreams: the “good” people just seem suspicious, and those that seemed suspicious to me when I was awake, become hostile when I dream, meaning, evil. Over long seasons –the sum of which amounts to years –I have been forced to live in hotels, guesthouses, or at friends’ homes, as a guest. Perhaps my notebooks reveal the presence, in the room next door, of other guests who are, “by their mere existence” adverse to me. A reaction I feel as chemical, as it happens in my guts, resulting from the sounds that can be heard through the wall, and an imprecise thought: my recollection of the fellows seen in the dining room or the hallway. Of the signals I have been given about who I am, the fact that I can be alone for long periods of time is the one I find the most flattering. And yet, the need I feel to be alone when in the company of others seems to me a negative trait since, as it happens with almost all needs, it reveals itself in an overbearing way. Guide to the world of the dead. When you are certain that the body has left you, feel sad for the good you did not get to do; and stop being so and begin your journey into the past. Feel happy for the evil you didn’t get to do, then stop feeling happy and realize that what propels you is chance, which when you were going in the opposite direction seemed to you like order, or necessity. Etcetera.


Biographies

Bhakti Baxter Bhakti Baxter (Miami, USA, 1979) BFA from the New World School of the Arts College. He has had solo exhibitions at the North Miami Museum of Contemporary Art in 2002; Emmanuel Perrotin Gallery in Paris, France, 2005; Fredric Snitzer Gallery, 2007; Bravin Lee Programs, New York, 2009; Federica Schiavo Gallery, Rome, 2010; and Gallery Diet, Miami, 2011. Baxter works in a variety of media including collage, sculpture and drawing, and one of his aims is to disorient and disorganize accepted limits whilst questioning common perceptions of the mundane. Whilst researching the territory between science and spirituality, his practice also seeks to generate a medial relationship between the seemingly normal and the freedom of interpretation of abstraction. Baxter’s work is in constant dialogue with natural systems, exploring how the mind interacts with matter, whilst recognizing the importance of exercising intuition in order to find explanations. Stefan Benchoam Stefan Benchoam (Guatemala City, 1983) is an artist and curator. His work as an artist is multifaceted, with at least two areas of research: one that takes place in the public sphere between action and intervention, and another that uses informality to question the myth of authenticity of the artist and of art itself, and that seeks, among other things, to blur the boundaries between the work of the artist and the curator. In 2011, Benchoam did some solo shows at the White Cubicle Toilet Gallery (London) and La Loseta (The Tile) (San Juan), and has participated in numerous international group exhibitions. Benchoam is co-founder of Proyectos Ultravioleta; a self-managed space focusing on experimentation and the learning processes of contemporary art, which is located in the Historic Centre of Guatemala City. He is also co-founder of the Bureau of Public Interventions, along with Christian Ochaita, with whom he has been performing low cost and high impact public interventions in cities throughout the world since 2007. He recently, along with Jessica Kairé, founded the New Museum of Contemporary Art -Numu- which established itself as the first museum of contemporary art in Guatemala. In turn, he is the art editor of Suelta, a fortnightly online publication

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launched in 2011 together with Rodrigo Fuentes that aims to bridge the gap between art and contemporary literature in Latin America. Bureau of Public Interventions The Bureau of Public Interventions -BIP - is a project by Christian Ochaita and Stefan Benchoam, which emerged as a result of the lack of public spaces and leisure and socialization structures in Guatemala City. The proposals they develop incorporate different aspects of architecture, design and urban planning in order to intervene citizens’ daily expectations, thus altering the way in which they relate to open spaces. Their interventions reclaim the use of collective space through playful elements and unusual actions, and are based on collaboration with other artists, groups and individuals. The projects they develop can be viewed as situationist gestures that attempt to generate debate and reflection regarding the city. On the other hand, they aim to produce real solutions to the lack of initiatives of local and central governments. Javier Bosques Javier Bosques (San Juan, Puerto Rico 1985) grew up between the capital Puerto Rico and the rural area of ​​Rio Grande. He has a BFA from Cooper Union in NY and is a candidate for an MFA in film directing at UCLA. Javier maintains an interdisciplinary practice and has participated in the Biennial of the Museo del Barrio NY (2011); he is included in the New Museum’s ‘Younger than Jesus’ directory of young artists (2009) and his work is part of the permanent collection of the Museum of Art of Puerto Rico. He has presented his film work at Anthology Films in New York, the Spanish Cultural Centre in Guatemala and at different alternative centres based in New York. Bosques views sculpture as an “open platform” from which he feels the freedom to pursue creative processes documented on video. This allows him to deal with situations that he is not thinking about at this time, but that he tries to portray objectively and through which viewers can draw their own conclusions.


Donna Conlon & Jonathan Harker

Lia Chaia

Donna Conlon (Atlanta, USA, 1966) and Jonathan Harker (Quito, Ecuador, 1975) live and work in Panama City. Conlon’s individual work involves socio- archaeological research into her immediate surroundings: she collects and accumulates objects and images from everyday life and uses them to reveal the idiosyncrasies of human beings and the contradictions of our contemporary lifestyle. For his part, Harker uses irony and hyperbole to subvert the language and conventions employed in storytelling. His work highlights the gaps and seams that reveal the fabricated nature of both personal and collective identities and realities.

Lia Chaia (Sao Paulo, Brazil, 1978) works in different media transiting through photography, video, performance, installation and urban interventions. She has participated in numerous group shows including “Circuitos Cruzados (Crossed Circuits): Centre Pompidou encontra o MAM” at the Museum of Modern Art in Sao Paulo, the 11th Havana Biennial, “Film and Video from Brazil” at the New Museum in New York and the 10th International Istanbul Biennial in Turkey. Her solo shows include “Esqueleto Aéreo” and “Anónimo” at Galeria Vermelho, “RODOPIO” at the Mariantonia Cultural Centre and “Body Experiences” at the Instituto Tomie Othake.

Harker and Conlon began collaborating in 2006. In their videos and installations they use the inherent properties of discarded objects to comment on the formation of identities, consumerism, the accumulation of waste and the climate. Together they have exhibited at the Atlantic Centre of Modern Art (CAAM), Gran Canaria (2007); TEOR/eTica in San José, Costa Rica (2009); the Palais du Tokyo, Paris (2009); the 10th Havana Biennial, Cuba (2009); in Los del Patio, Panama (2010); the 31st Pontevedra Biennial in Galicia, Spain (2010); and the 8th Mercosur Biennial in Porto Alegre, Brazil (2011). Isaac Contreras Isaac Contreras (México, 1984) is an artist whose work explores notions of precariousness and emptiness as negotiating circumstances with material or sensitive boundaries. Through multiple media such as photography, installation and sculpture he seeks to create open structures in order to gauge the uncertain, the unseen and fragility. He has formed part of the FONCA 2010 - 2011 Young Creators programme, the PECDA Baja California 2010 – 2011, and the SOMA Mexico artist’s programme between 2012 and 2013. He has exhibited at different venues, mainly in Mexico and the United States. Recent exhibitions include “Apuntes para un desierto” (Notes for a Desert) (Culiacán, 2011), 13th Northwest Visual Arts Biennial (Culiacán, 2011), 3rd Poly/graphic Triennial of San Juan (San Juan, 2012) and Sarai Reader 09: The Exhibition (New Delhi, 2013).

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Manuel de la Cruz González Manuel de la Cruz González (Costa Rica, 1934-1986) is a renowned Costa Rican self-taught painter. He participated in the “Fine Art Exhibitions” organized by the Journal of Costa Rica at the National Theatre from 1928 to 1937. Together with the “New Sensibility” generation, between 1946 and 1947 he founded the “Experimental Theatre” group made up of students and professors of the newly established University of Costa Rica. He taught drawing, painting and aesthetics there. He lived in Cuba until 1952, where he exhibited at major centres such as the Fine Arts Circle in Havana, and later moved to Venezuela, setting himself up as professor at the Centre for Fine Arts in Maracaibo. Gonzalez had the opportunity to participate and become part of the abstract movement –in particular the constructivist movement –which was taking shape in Venezuela. Nostalgia led him back to Costa Rica in January 1958. In 1961 he worked with the Grupo Ocho, seeking a way out of figurative art along with Felo Garcia, Nestor Zeledon Guzman, Luis Daell, Harold Fonseca, Hernán González, Guillermo Jiménez and César Valverde. In 1964 he joined the Workshop group with Carlos Moya, Rafa Fernandez and Claudio Carazo in order to share visual experiences, respecting the style of each. In 1971, at the Central American Biennial, the Costa Rican public saw his geometric abstractions for the last time. Thereafter, the artist used other means of expression such as pop art, stylized realism and expressionist symbolism. He died on 22 September 1986.


Radamés “Juni” Figueroa Radamés “Juni” Figueroa (San Juan, Puerto Rico, 1982) is based in the Caribbean, where he builds systems that evoke and celebrate life, the climate, flora, fauna, music and bars in the Tropics. He makes use of different media including painting and drawing, ready-mades and in situ installations. He has participated in various exhibitions and residencies in Latin America and the United States. Recently he had a solo exhibition at the New Museum of Contemporary Art in Guatemala –Numu- in which he transformed the Museum into “El Nido Salvaje (The Wild Nest)” Motel. Over the course of 2011 he founded and ran a space in Puerto Rico called LA LOSETA (THE TILE), which consisted of a programme of 12 exhibitions and various musical events, culminating with the 1st Grand Tropical Biennial at La Comai beach, which was co-curated with Pablo Leon de la Barra. Hulda Guzman Hulda Guzman (Dominican Republic, 1984) is a painter by birth. She studied Fine Arts at the Altos de Chavon School of Design, Dominican Republic, and is a member of Parsons The New School for Design, New York. She won a scholarship to continue her studies at the latter but declined, preferring to complete her degree at UNAM (National Autonomous University of Mexico) where she specialized in Murals. In 2008 she returned to Santo Domingo and since then she has been exhibiting his work at the Lyle O. Reitzel Gallery. Thus far in 2013, Guzman has participated in “Under Construction” William Road Gallery, London; “On Common Ground”, OAS Museum, Washington, DC; “Month of April dedicated to the Dominican Republic”, Latin American House of Monaco; and “Avant Garde” at La Castilla, Santo Domingo, Dominican Republic. Federico Herrero Federico Herrero (Costa Rica, 1978) is considered one of the most important figures in Latin American contemporary art. His work is influenced by politics, cultural tradition and the abundant nature of Costa Rica. In 2001 Herrero received a Golden Lion for best young artist at the Venice Biennale. He has had numerous solo exhibitions in Germany, Italy, Japan and Spain, among others. His work is part of several collections worldwide, including the Mudam Luxembourg, the Museo Santander in Spain, the 21st Century Museum of Contemporary Art in Kanazawa and the Hara Museum of Contemporary Art in Tokyo, Japan.

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Herrero transfers the colours and shapes of the dense landscape surrounding his hometown, San Jose, to various surfaces such as walls and canvases. He is particularly interested in the interface between culture and nature, carefully monitoring the urban environment of Costa Rica that often seems about to be claimed by the tireless local flora. Akira Ikezoe (Japan, 1977) This artist’s work counters his desire to become a technically great painter with his personal urge to unlearn all knowledge about art in order to see the world through the eyes of an “animal”. In his paintings he tries to find a balance between man, culture, art and other animal instincts. He has a BA from Tama Art University in Japan and has had numerous solo exhibitions including “Drawing”, Ise Cultural Foundation, New York, 2012; “Repeater” SANAGI FINE ARTS, Tokyo, 2010; “Ephemeral Garden” ESSO Gallery, New York, 2009; and “Space as Protagonist”, Project room, Esso Gallery, New York, 2008. Lives and works in New York. Fernando Iturbide “Nacho” Nacho (Fernando Iturbide - Guatemala) was an artist, designer, writer and playwright. He travelled and lived in different parts of the world before returning to Guatemala in 1992 where he died from HIV/AIDS-related complications. The surprising colours and compositions of his essentialist and colourful paintings respond to one of the slogans that accompanied their production in multiple media: “Live happily”. His painting is largely unknown both in and outside his native country, where Proyectos Ultravioleta will host a semi-retrospective at the Spanish Cultural Centre in Guatemala in September 2013. Lankester Botanical Garden /Jorge Warner Lankester Botanical Garden is a botanical garden and research centre run by the University of Costa Rica. Its mission is to study orchids and other families of epiphytes in order to preserve the biological diversity of the planet and inspire and improve people’s quality of life. It has one of the largest collections of orchids in Central America, with over 18,000 orchids on display. In addition to the orchid collection –one of the largest in Central America –it has collections of bromeliads, cacti


and succulents, ferns, heliconias and palms, 5 hectares of secondary forest, over 1 kilometre of easy-access trails, a beautiful Japanese garden and shop for souvenirs and books. Jessica Kairé Jessica Kairé (Guatemala, 1980) is a multidisciplinary artist who lives, works and teaches in Brooklyn, New York. She is also co-founder and co-director of the New Museum of Contemporary Art - Numu, in Guatemala City, a museum shaped like an egg that aims to fill the gap left by the lack of contemporary art institutions in the city. Her work focuses on Guatemalan idiosyncrasies and Latin American identity, as well as issues related to her country of origin such as violence, underdevelopment and tropicality, in addition to gender and her Jewish origin. Kaire has been developing a series of workshops in which tropical fruits are transformed into weapons of self-defense only to be later eaten; as well as a series of fluffy toys shaped like weapons of war. Both projects are a mockery and symbolic inoculation of the widespread gun culture in Guatemala and the United States. Recent projects and exhibitions include: “Talks: in conversation with Proyectos Ultravioleta”, New York, 2012; “Proyectos Ultravioleta presents Proyectos Ultravioleta...”, Christinger de Mayo Gallery, Zurich, 2012; “In the Curvature of Time / Art and Women”, National Museum of Archaeology and Ethnology, Guatemala, 2012; “How to make homemade weapons for self-defense,” Lawn School / NurtureArt, New York, 2012; “XVIII Paiz Art Biennial”, Guatemala City, Guatemala, 2012; “Así que se vaya” Kamin & Proyectos Ultravioleta, Quetzaltenango, Guatemala, “Por Azar / COincidenes in Art”, Artecentro Graciela Andrade Paiz, Guatemala City; “Toys & Games with A Twist”, Longwood Art Gallery @ Hostos, 2012; “S-File”, El Museo del Barrio, New York, 2011; “City as Stage and Idea”, Galeria Kilometro Cero, Guatemala, 2011; “It scares me but I like it / Contemporary Art in Guatemala” Diablo Rosso, Panama, 2011; “Parents, Distance and Speed”, Proyectos Ultravioleta, Guatemala. Kaire has been an artist of the Artist Pension Trust, Mexico, since 2010. Melvin Laz Melvin Laz (Guatemala) studied decorative and concrete architectural elements, but his work has gradually moved away from classical sources and colonial motifs to explore elements of popular culture and personal fantasy. Among

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his favourite topics are the characters from the Simpsons and fantastic creatures in television and the collective imagination. He has exhibited in Mexico and Guatemala City, and his sculptures are part of important collections in Latin America. Suwon Lee Suwon Lee (Venezuela, 1977) trained as a photographer in Paris and studied under the tutelage of Nelson Garrido in Venezuela, and in Spain with Axel Hutte, with whom she has made several photo-trips around Venezuela, Spain and Peru. Her most important solo exhibition to date was held in Periferico Caracas / Contemporary Art in 2008. Suwon Lee was the only Venezuelan artist selected by an international jury to be included in the publication “The Younger than Jesus Artist Directory” published by Phaidon Press in 2009, which is a directory of the best young artists in the world. Lee has exhibited in the UK, the United States, Colombia, Spain, Chile, Argentina, Brazil, Panama, Peru, France and Mexico, in addition to Venezuela. Her work is included in private collections such as Artist Pension Trust Mexico, Banco Mercantil and the Patricia Phelps de Cisneros Collection, among others. Since 2005 she has been cofounder and co-director of the contemporary art space Office No.1. Pablo León de la Barra Pablo León de la Barra (Mexico, 1972) is an independent curator and researcher. He holds a Ph.D. in History and Theory of the Architectural Association in London. He has curated, among other exhibitions, “Dream of Owning a House” (2007-2008, in collaboration with Maria Ines Rodriguez) at the Centre for Contemporary Art en Ginebra; Casa Encendida, Madrid; Casa del Lago, Mexico City; and Cordoba, Spain, “This Is Not America” at Local Beta, San Juan, Puerto Rico (2009), “Travel Incidents in Central America, Chiapas, Yucatan and elsewhere”, at CCE in Guatemala (2010), “To Know Him is to Love Him”, Cerith Wyn Evans at Casa Barragan, Mexico City (2010); “Incidents of mirror travel in Yucatan and elsewhere” at Museo Tamayo, Mexico City (2011), “Bananas Is My Business: The South American way” at Museu Carmen Miranda, Rio de Janeiro (co-curated with Julieta Gonzalez, 2011); “Microclimates” at the Kunsthalle Zurich (2012); “Schemes for a Tropical Ode”, Rio de Janeiro, 2012, “Marta ‘Che’ Traba” at the Museo La Ene, Buenos Aires (2012); “Novo Museo Tropical” at Teor/etica, San Jose, Costa


Rica (2012); “Labirinto Museum / Museum of unlimited growth”, ArtRio, Rio de Janeiro (2012), and “The Camino Real Arcades” Lima, Peru (2012), among others. PLB was co-director of “24 - 7” a collective of artists and curators in London from 2002-2005 and artistic director of “Blow de la Barra” in London from 2005-2008. From 2005 to 2012 he was curator of the White Cubicle Gallery in London, a space for community art, which he also founded. In addition, he is founder of the Novo Museo Tropical, a museum that does not yet exist physically somewhere in the tropics; he curated the First Tropical Biennial in San Juan, Puerto Rico (2011). He is also the editor of Pablo Internacional Ediciones and editor of his own blog: Centre for the Aesthetic Revolution. Lives and works between London, Mexico City, Los Angeles, Rio de Janeiro, Sao Paulo, San Juan, Bogota, Lima, Athens, Beirut...

Art and Design, San Jose, Costa Rica, 2008; “Situacion Especial”, Des Pacio, Costa Rica, 2008; “Extraversion”, Teor/etica Foundation, Costa Rica, 2007; “Alteridades” Jacob Karpio Gallery, Costa Rica, 2006; “Erscheinen” Badischer Kunstverein, Karlsruhe, 2004; and “4 Artists, 4 curators”, MADC, Costa Rica in 2003. In addition to a general interest in the environment, Lucía’s work centres on the relationship between human beings and nature, emphasizing the responsibility people have regarding their impact on the environment. Her projects are systems in exploring and understanding the world, as well as questioning habitual models of operating in and perceiving the world. In the wood series Madriz uses Fibonacci numbers to define compositions and colours that appeal to memory in order to restore the original link with nature. Albert Martín

Michael Linares Michael D. Linares (Bayamon, Puerto Rico, 1979) lives and works in San Juan, Puerto Rico. His work has been included in exhibitions such as ‘Found & Lost’ at the Museum of Contemporary Art of Puerto Rico, the Institute of Contemporary Art of Pennsylvania (ICA), The Wayward Cannon in London, “The Peace Tower”, a project by Mark di Suvero & Rirkrit Tarivanija for the 2006 Whitney Biennial at the Whitney Museum in New York; S-Files at the Museo del Barrio in New York, and Centro d’ Art Santa Monica in Barcelona, ​​among others. In 2009 he was included in the publication “The Generational: Younger Than Jesus / Artists Directory”, Phaidon & The New Museum of NY, in the Village Voice of NY, and The New York Times. He is also the founder and director of La Sonora. Lucía Madriz Lucía Madriz (Costa Rica, 1973) is an artist whose output includes painting, video and installation. Madriz studied painting at the University of Costa Rica from 1995 to 2000 and was awarded a scholarship for new media at the Hochschule fur Gestaltung in Karlsruhe, Germany in 2003. She also received a mention at the 1st Central American Emerging Artists Competition, Costa Rica, 2003; and awards at the 1st and 2nd Central American Video Creation Contest, MADC, 2002 and 2003. Her solo shows include: “Ties”, Galerie Borchardt, Hamburg, 2010; “Veritas”, Des Pacio, Costa Rica, 2009; ‘“Axis”, Museum of Contemporary

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Albert Martín (Spain, 1982) is a pianist, guitarist, singer and songwriter. Founder and co-director of El Beneficiadero, a music school and arts and creative cultural centre. He studied classical piano under Yirka Ledón and jazz piano and modern harmony at the Taller de Musics (Barcelona, Spain) and l’Aula de Música Moderna i Jazz at the Liceu Conservatory (Barcelona, Spain). As composer and leader he has edited the Kiwis Discs: A Bit of Asian Porn (2011), Improvitzacions amb guitarra (2010) and Albert Martin Trio Moll-Oest (2009). He composed the music for the theatre shows “The First Miracle of Baby Jesus” (2009) and “Breaking News” (2008), for the shorts “Boy disowns Girl” (2009) and “The Mummies” (2008), and for the book of poems Mirada Nua (2005). As an instrumentalist and arranger he has recorded at First brands disc (Hans Laguna, 2012), The Magic Indian Scene (The Destroyed Room, 2012), the soundtrack to the film Bruno (2011), Creatures (Applebox, 2011), Ask your Girlfriend (Don Johnsons, 2011), Harrisongs 2. A Tribute to George Harrison (Penelope & Jan and others, 2003), Last Night at the Cabaret (Jan and the Electric Poets, 2003), and The Weight of Loneliness (Jan & the Electric Poets, 2002). Materia Primera (Adrián Flores & Jose Pablo Ureña) Materia Primera (Costa Rica, 2012) is a research project on the possibilities of direct printing, which had its first


exhibition entitled ‘Materia Primera’ at the Teor/etica Foundation in 2013. It is made up of Jose Pablo Ureña and Adrián Flores Sancho Rodriguez. Jose Pablo Ureña Rodriguez (Costa Rica, 1987) graduated in Fine Arts from the University of Costa Rica (UCR). He has exhibited individually at the Galeria Alternativa, “The Simultaneous in Still Life” (2012); Alliance Française, “From the Raw to the Cooked. Studies in Photography and Painting”(2011); and at the Museo Islita (2012). He has also participated in international group exhibitions in the U.S., Italy and Brazil. Among others, he has received the newspaper La Nacion’s Ancora Two-Dimensional Visual Arts Award (2013). Adrian Flores Sancho (Costa Rica, 1986) studied Philosophy and Fine Arts at UCR. He has exhibited individually at the Spanish Cultural Centre, “The Other Themselves” (2011); and the Alliance Française, “Don’t Be Fooled” (2012). He has participated in biennials such as the Biennial of Humour and Satire, Bulgaria (2013); and the International Graphic Arts Biennial, Egypt (2013); as well as exhibiting his work in Argentina (2011) and Panama (2013). Rachelle Mozman Rachelle Mozman divides her time between Brooklyn and Panama City. She has had solo shows at Equivalente in Arteconsult (Panama, 2010), the Biarritz Festival (France, 2009), and the Sol del Rio Contemporary Art Gallery (Guatemala, 2009). Her group exhibitions include “The (S) Files” at El Museo del Barrio (NY, 2011); “Family Value” (Michael Mazzeo Gallery, NY, 2011); “Laberinto de Miradas (Labyrinth of the Gaze)” (Madrid, 2011); “31 Women in Art Photography”; VII Biennial of Central America; “True Stories. True Success” (Berlin) and “Portrait and Place”. Her photos have been published in Numero Cero (2008), and the same year she was the main artist featured in Artmedia magazine. She has also participated in residencies at Smack Mellon (New York, 2011); Light Work (2009); La Napoule Foundation (France, 2008); and the Bag Factory (South Africa). Felipe Mujica Felipe Mujica (Santiago, Chile, 1974) studied art at the Catholic University of Chile between 1992 and 1996. In 1997 he co-founded Galeria Chilena (with José Luis Villablanca and Diego Fernández), a project that began

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as a nomadic and commercial gallery and which turned into a collaborative project, a curatorial “experiment”. In 2000 Felipe Mujica settled in New York where he currently lives and works, constantly exhibiting in Europe, Latin America and the United States. He is represented by Die Ecke Contemporary Art in Santiago, Chile and by Galerie Christinger De Mayo in Zürich. Sofía Novella Sofía Novella (Guatemala, 1980) studied Fine Arts in Paris and New York. Her work is carried out in a variety of media including video, painting, animation, sculpture and floristry. She recently participated in the following exhibitions: “Cinco Días (Puertas Abiertas) (Five Days (Open House)”, Spanish Cultural Centre, Guatemala, 2013; “Sculpture Garden”, The New Museum of Contemporary Art of Guatemala, 2012; and “Mayami Son Machin”, Gallery Diet, Miami 2011, among others. Currently lives and works in Guatemala City. Giovanni Battista Piranesi Giovanni Battista Piranesi (Mogliano Veneto, 1720 - Rome, 1778) was an architect, researcher and Italian engraver. He produced over 2000 prints of real and imaginary buildings, statues and reliefs of the Roman era as well as original designs for fireplaces and furniture. His enthusiastic reproductions and interpretations of ancient Roman monuments represented a major contribution to the formation and development of neoclassicism. These engravings included reliable and accurate images of the existing ruins, as well as imaginary views of ancient buildings in which the altered scale and juxtaposition of elements contribute to enhancing their grandiose character. Chemi Rosado-Seijo Chemi Rosado-Seijo (Vega Alta, Puerto Rico, 1973) is an artist whose practice fuses social commentary, commitment and collaboration. His work counters architecture and the urban landscape, work and social action, and art and its history in non-traditional media including skateboarding. Naufus Ramirez-Figueroa Naufus Ramirez-Figueroa (Guatemala, 1978) is an artist who works primarily with performance, photography, video,


sculpture and painting. He has a BFA from the Emily Carr University and an MFA from the School of the Art Institute of Chicago. Ramirez -Figueroa has participated in numerous solo and group exhibitions including the 53 Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Oberhausen, Germany), Home Works IV (Ashkal Alwan, Beirut, Lebanon), AA Bronson’s School for Young Shamans (John Connelly Presents, NY); and has submitted individual projects to Proyectos Ultravioleta (Guatemala City), and Casa América (Madrid). Ramirez -Figueroa received a Guggenheim Fellowship, the Franklin Furnace Award, the Akademie Schloss Solitude fellowship (selected by Dan Graham), and has recently been selected for the Jan Van Eyck Academie residence for 2013/14.

Found Lines” (Carlos Woods Contemporary Art, Guatemala, 2008), “All structures are Unstable” (XVI Paiz Art Biennial, Guatemala, 2008), “Painting: Incomplete Project” (Espacio CE, Antigua Guatemala, 2009), and “Existing in a State of Dangerous Distraction” (XVII Paiz Art Biennial, Guatemala,) show in situ constructions, which activate the space by using shadows, precarious balances and games of tension and collaboration. Cinthya Soto

The Guatemalan Civil War (1960-1996) is a recurring theme in his work, which despite appearing tempered by an absurd and often humorous approach, does not hide the force of history that precedes it.

Cinthya Soto (Costa Rica, 1969) is an artist who uses photography, installation and video to address conceptual and aesthetic tensions in order to highlight the areas that link them, and likewise deliberately brings her proposal into spheres in which it becomes contaminated by film, installation and pictorial elements.

Simply Rosita

Since 1996 she has exhibited around the world at the Museum of Contemporary Art and Design, the Museum of Costa Rican Art and Teoretica in San Jose, Costa Rica; Casa de América, Madrid; Museum of Contemporary Art in Monterrey; Kurimanzutto in Mexico City; the Museum of Contemporary Art, Santiago, Chile; Contemporary Art FLACSO, Quito, Ecuador and the Taipei Fine Arts Museum, Taiwan. She has also participated in the Venice Biennale, as well as the biennials held in Pontevedra, Prague, Cuenca, Santo Domingo and Central America. In 2002 she was awarded the National Prize in the Visual Arts of Costa Rica; in 2010 she received the Artistic Creation Scholarship of the Musée du Quai Branly to carry out her latest series Paysage (re)trouvé.

Divine Kitsch is a style of performance that “Simply Rosita” has created in order to revive those melodramatic songs that were fashionable in the 80s. The years add up in these encounters. Since its inception in 2005 Divine Kitsch has accompanied all those who love to sing along to despair amid stormy passions and cries of “Tear Out This Heart of Mine”: an exclamation of sentimentality that is commonplace in the lifestyles of many Latin Americans. Simply Rosita thereby introduces us into this world as part of their aesthetic proposal. Indulging your pain is good clean fun.

Her work is in collections such as the Musée du Quai Branly, Paris; the Essex Collection Art from Latin America, England; Martin Margulies, USA; Cifo, USA, and the Museum of Contemporary Art and Design, Costa Rica.

Diana Solares

Emilio Span

Diana Solares (Guatemala, 1954) is an artist whose work is characterized by the use of found objects and fragile and modest materials such as MDF, paper, wire and threads and rags, dry twigs and discarded sticks. She often paints with acrylic on MDF strips resulting in delicate three-dimensional paintings that form her spatial constructions. The works in “Prostheses” (Piegatto Art, Guatemala, 2013), “In Transit” (Sol del Rio Contemporary Art, Guatemala, 2013), ISLANDS, (Piegatto Art, Guatemala, 2010), “Drawings Calculated with

Emilio Span (Reutlingen, Germany, 1869-1944) is an artist who came to Costa Rica in 1906 because of his interest in landscape and exploring nature. He devoted much of his work to the country’s wealth of plants, in particular the study of orchids. His palette was noted for being heavily influenced by the European Schools and expressing his appreciation of Costa Rican flora and landscape in the visual arts. He participated in the series of National Fine Art Exhibitions that took place in the 1930s, and, in 1925, was

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chosen, along with other local artists, to represent Costa Rica at the Pan American Painting Exhibition sponsored by the Los Angeles Museum of Art, California (USA). From 1910-1919 he signed his works with his Spanish name: “Emilio Span / Costa Rica”, later omitting the geographical identification because he had decided to reside permanently in the country, until his death on January 20, 1944. Daniel Steegmann Mangrané Daniel Steegmann Mangrané (Barcelona, Spain, 1977) lives and works in Rio de Janeiro. He recently had exhibitions at Mendes Wood, São Paulo (2011); Halfhouse, Barcelona (2011); Sergio Porto Cultural Centre, Rio de Janeiro (2010), Fundació La Caixa, Barcelona (2008), and A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2007). His work has been presented at the 30th São Paulo Biennial, “The Imminence of Poetics” (2012); Rongwrong, Amsterdam; Castelló Contemporary Art Space (2011); Galeria de la Estrany de la Mota, Barcelona (2011), Galerie im Riegerungsviertel / Forgotten Bar Project, Berlin (2010); Galerie KoraAlberg, Antwerp (2010); Entes, Barcelona (2009); After-theButcher, Berlin (2009); Teheran Biennale (2008); Museum of Contemporary Art, Santiago, Chile (2008) and the Centro Cultural São Paulo (2007). He has received awards and grants from the Centro Arte 2 de Mayo, MUSAC, Ciutat d’ Olot, CoNCA, ABC Award, Miquel Casablancas, José García Jiménez Foundation, and Akademie der Künste, among others. Upcoming projects include a solo exhibition at La Central, Bogota; Galeria Nuno Centeno, Porto, and the Sunyol Foundation, Barcelona. Steegmann employs various different media in his work and often uses everyday objects to develop narratives that explore the relationship between nature and culture. In addition to his practice, he runs the experimental school Universidade de Verão in Capacete, Rio de Janeiro. Elisabeth Wild Elisabeth Wild (Austria, 1922) is a self-taught artist who comes from a family of artists, and who emigrated to Buenos Aires in 1939. There, Wild became a member of the Fine Arts Circle and participated in different shows, as well as working in textile design. On her return to Basel she explored watercolour, ceramics, metalwork and the nude, and opened an antiques shop. At the age of 74 she moved to Panajachel, a village on the shores of Lake Atitlan in Guatemala, where she currently lives and works.

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Originally focused on painting, Wild has, in recent years, expanded her work techniques to concentrate on drawing and collage, through which she portrays the rich tropical landscape she is immersed in. She recently participated in the “Olinka” exhibition at the Tamayo Contemporary Art Museum alongside other international artists.


Equipo MADC 2013: Dirección: Fiorella Resenterra | Administración: Andrés Arias / Susana Cascante | Curadora Jefe: María José Chavarría | Curador en diseño, coordinador comunicación y diseño web: Marco Guevara | Asistente de dirección y coordinación de actividades: Valeria Rodríguez | Diseño gráfico y fotografía: Adriana Artavia | Área educativa: Antonieta Sibaja | Contabilidad: Lilliana Conejo / Jessica Vindas | Jefe de custodios, montaje y registro de colección: Fabricio Meza | Recepción y secretaría de dirección: Nuria Chavarría | Encargado de taller: Jhonny Paniagua | Custodios y montaje: Sandra Lezcano, Luis Diego Fallas, Wilberth Segura, Arturo González, Alexander Fernández | Servicios Generales: Fernando Calderón. Junta Administrativa MADC 2013: Presidente: Sra. Lorna Chacón | Vicepresidente: Sr. Emilio Ramos | Secretaria: Sra. Karina Salguero | Vocal 1: Sr. Esteban Calvo | Vocal 2: Sr. Jurgen Ureña. Junta Fundación Pro MADC 2013: Presidente: Sra. Cynthia Monge | Secretaria: Sra. Luisana París | Tesorera: Gisela Salazar | Vocal 1: Sra. Karina Salguero | Vocal 2: Sr. Jurgen Ureña. Créditos de esta publicación: Curaduría: Stefan Benchoam y Emiliano Valdés | Coordinación editorial: María José Chavarría | Texto de presentación: Stefan Benchoam y Emiliano Valdés | Textos: Rodrigo Rey Rosa | Diseño gráfico: Adriana Artavia | Fotografía: Archivo de artistas (pág 33, detalle 35, 38), Adriana Artavia y Byron Mármol (10, 40 y 41). Revisión texto “Cabaña” Rodrigo Fuentes y Kate Newman. Agradecimientos. Proyectos Ultravioleta agradece profundamente a: Todo el personal del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica, TEOR/éTica, Vivero Exótica, Jardín Bótanico Lankester y Jorge Warner, El Beneficiadero, Vermelho Galería, Des Pacio, Mendes Wood, Cinthya Soto, Gonzalo Pinto, Jos y Christina de El Jardín Restaurante, Federico Herrero, Juan Madrigal, Reyna Isabel, George Lucas, Lulu, Lina Castañeda, Lola Malavasi, Paula Piedra, Eric Mora y demás amigos de Costa Rica. Agradecimiento especial: Dominique Ratton Pérez. A los estudiantes de artes en su voluntariado en el montaje: Cristina González, Susana Villalobos, Catalina Barrantes, Laura Sánchez, Kenneth Chavarría, Sofía Vindas, Dennis Palacios, Julian Gallese, Elena Solano, Jorge Bonilla, Damiana Meza, Alonso Silva, Esteban Alfaro, Andrés Retana, Christian Salablanca, Fabiola Cordero y Lucía Mescua.

MUSEO DE ARTE Y DISEÑO CONTEMPORÁNEO. Ministerio de Cultura y Juventud. Ubicado en el Centro Nacional de Cultura. Avenida 3, calles 11 y 15, San José, Costa Rica. info@madc.cr | www.madc.cr | Teléfonos (506) 2257-9370, (506) 22223489. Fax (506) 2257-8702, TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS MADC 2013. Colaboran:

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Proyectos Ultravioleta presenta ...  

Catálogo de la exposición realizada por el colectivo guatemalteco "Proyectos Ultravioleta" en la Sala 1 del Museo de Arte y Diseño Contempor...

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