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2014

salta diciembre 2015





ADQUISICIONES 2014

aimar | arias| buainain | carlile | diniz | duart | garcĂ­a | grillo | gutiĂŠrrez | lee | kosice | lyon | magnin | nikolaeva | rodick | sorochinski | sungpil | wai | yannitto | zang


General


El Museo de Arte Contemporáneo de Salta, presenta la sexta edición de ADQUISICIONES, que reúne las obras incorporadas a la colección durante 2014, cumpliendo con la misión de conservar, investigar, estudiar, exhibir y difundir la colección del museo. Dichas adquisiciones provienen en su mayoría de la gran generosidad de los artistas que año a año pasan por esta institución. Luego de un trabajo de selección las mismas son adquiridas para la colección del mac, acrecentando no solo el patrimonio artístico, sino permitiendo de esta manera exhibir un panorama de las artes contemporáneas, que 2014 recibió 26805 visitantes. El crecimiento de estas adquisiciones fue aumentando a lo largo de los años, fue de 16 obras en el año 2011, 18 obras en 2012, 16 obras en 2013 y 76 en 2014. En estos últimos 4 años, el museo ha incorporado a su colección 124 obras de artistas contemporáneos, pertenecientes no solo a la provincia de Salta, sino también a otras provincias como Tucumán, Córdoba, Rosario, Buenos Aires, trascendiendo los limites de nuestro país, México, Brasil, India, China, Corea entre otros. Cabe destacar el aporte que realiza la Secretaría de Cultura a través del Salón Provincial de Artes Visuales, cuyos premios en las disciplinas Fotografía y Nuevos soportes e Instalaciones son incorporadas a esta institución. Asimismo agradecemos la confianza depositada por la Fundación Luz Austral a través de su presidente Elda Harrington, y por el artista, Gyula Kosice, fundador del Arte Madí, vanguardia del arte argentino, que nos eligieron como destinatarios de sus obras para su conservación y difusión. Este incremento en la cantidad de obras que son adquiridas, refleja la solidez del trabajo de nuestra Institución que se ha ido fortaleciendo año tras año, en las distintas áreas del museo. Desde el área de producción, se ha invertido en mejoras tecnológicas para la exhibición de las muestras; el área de colección ha incorporado mobiliario y material para la conservación y restauración de las obras, que son catalogadas y exhibidas anualmente; el educamac, área destinada a trabajar con las instituciones educativas de todos los niveles promoviendo así el disfrute y conocimiento del arte; finalmente el trabajo del área de prensa y diseño dedicada a difundir las obras y los artistas que integran la colección, a través de diversos medios y redes sociales en las que el mac ya cuenta con más de 17 mil seguidores. Nuevamente la dirección del Museo de Arte Contemporáneo agradece a todos aquellos artistas, empresas, instituciones que acompañan nuestro trabajo, destinado a ofrecer un servicio fundamental a la comunidad.

Arq. Claudia A. Lamas Directora Museo de Arte Contemporáneo


Lucas Aimar

Morfología del proceso hace referencia a un período re-significativo personal, donde fui dejando que, un poco a conciencia otro tanto desde el desconocimiento de lo que sucede detrás de las puertas cerradas, el paso del tiempo modifique y defina formas que dejaron de ser funcionales a mi. Lo que se presenta con un fin puede ser cambiado, variar. Muerte o re-significación.

Morfología del proceso, 2013. Fotografía, toma digital directa; díptico 40 x 53 cm. Segundo Premio Adquisición XXXIV Salón Provincial de Artes Visuales 2014 Especialidad Fotografía. Provincia de Salta



Roly Arias dibujo

La Profesora Mariela Alonso reflexiona acerca de la obra de Arias en los siguientes términos: En su trabajo, Arias sueña a sus personajes, los persigue y espía en su intimidad, expone sus aspectos privados, devela sus miedos y deseos, a la vez que pone al descubierto sus propias obsesiones. cada serie explora un aspecto secreto de estos seres cargados de ternura y también de algún horror, que habitan el espacio continuo de la muestra como obra única, y que dan vida al mundo del artista.

De la serie Restos de un incendio, 2013. Tinta, acuarela, acrílico y lápiz sobre papel; 105 x 150 cm. Donación Roly Arias



Marcelo Buainain fotografía

Marcelo Buainain, explora el fenómeno de la fé y las transformaciones experimentadas por los creyentes. Oname también es artista Oname es artista del mundo Oname es el creador de todo lo que existe. El primero se creó a Si mismo, después inventó los bosques, los cielos, las aguas, los colores y con los colores pintó la Naturaleza. Oname es el espíritu grande que vive en toda la Naturaleza . (…) Extraído Del libro: Nem é Erudito nem é Popular - Bené Fonteles. Por Davi Kopenawa Yanomami

Gruta da Lapa - Serie “Bahia- Saga e Misticismo”; 1999. Negativo blanco/negro; 33,5 x 48,5 cm. Serie “Mi Amas Vin”; 1999. Negativo blanco/negro;33,5 x 48,5 cm. Romero da Lapa- Serie “Bahia- Saga e Misticismo” ; 1999. Negativo blanco/negro; 33,5 x 48,5 cm. Pasiones- Serie “Mis Amas Vin”; 1999. Negativo blanco/negro; 33,5 x 48,5 cm. Congá - Serie “Mis Amas Vin”; 1999. Negativo blanco/negro; 33,5 x 48,5 cm. Canudos -Serie “Bahia -Saga e misticismo” ; 1999. Negativo blanco/negro; 33,5 x 48,5 cm. Donación Fundación Luz Austral





Brad Carlile

Tempus Incognitus (Tiempo Desconocido), serie fotográfica sobre la que el artista expresa: … representan las habitaciones de un hotel en el que el espacio y el tiempo se desvanecen uno en el otro, desafía nuestra percepción del tiempo por medio de intervalos de los cambios de luz durante el día. Los pintores cubistas dibujaban una misma escena pero desde distintos puntos de vistas al mismo tiempo. Yo fotografío cuartos individuales durante distintos momentos del día desde una sola perspectiva. Utilizo una técnica de tiempo intensivo que capta la evolución de la luz y enfatiza el cambio en los colores vivos. Disparo múltiples exposiciones durante el curso de dos días o más para producir cada imagen, la cual es creada en la cámara y/o en la película sin tener manipulación digital.

Ray 3. de la serie Tempus incognitus; 110 x 147,8 cm. Jodo. de la serie Tempus incognitus; 110 x 147,8 cm. One-O. de la serie Tempus incognitus; 110 x 147,8 cm. Donación Fundación Luz Austral





José Diniz

Este nuevo aporte del artista brasilero a la colección del mac se compone de 8 obras. Sobre su producción el curador Antonio Navarrete expresa: La producción fotográfica de José Diniz ha llamado poderosamente la atención de la crítica durante los últimos años. Aunque el punto de partida del trabajo del artista son imágenes a color que toma con cámara digital, los procesos de post-producción a que son sometidas les confieren a éstas unas cualidades visuales particulares. De entrada, dos rasgos de la fotografía de Diniz llaman de inmediato la atención del espectador: uno, su anclaje en el blanco y negro de fuertes contrastes, con una expresiva distribución de luces y sombras, y, dos, su poderosa condición constructiva, que permite acceder a la identificación de las estructuras geométricas que sirven al desarrollo de las composiciones, siempre resueltas con economía de signos. Lo último, una reminiscencia del gusto del artista por la abstracción constructivista. Hay en estas imágenes, además, una cualidad casi diría fílmica, pues aunque fijas están en su mayoría animadas de una poderosa sensación de movimiento. Podría afirmarse, avalando las propias palabras del artista, que a Diniz le interesa explorar el mar como un espacio de específicas experiencias físicas, emocionales y visuales. De todos modos, los enunciados que atraviesan su trabajo llegan más lejos de lo que él mismo dice. Es cierto que su obra se presenta alejada de todo trato con la fuerte vocación conceptual de buena parte de la producción artística contemporánea y que, más bien, funciona como un repertorio de dispositivos para la generación de sensaciones y emociones, pero no hace ninguna concesión al sentimentalismo. Tampoco nos retrotrae a modelos ya consumidos de la investigación artística en fotografía, sino que desarrolla su propia comprensión de una nueva visualidad. Aquí, los movimientos del ánimo del espectador se producen en la lidia con la potente pregnancia de la forma y la ambigüedad y abstracción de los contenidos.

de la serie À Deriva I, III, IV, V, II, VI, 2014; 42 x 42 cm. Garotos da Bahia, 2014; 38,6 x 38,6 cm. Piratininga, 2014; 38,6 x 38,6 cm. Donación José Diniz







Daniel Duart

Cities from a taxi es la serie a la que pertenecen las diez obras donadas por Duart al Museo de Arte Contemporáneo de Salta. El artista reflexiona acerca de esta serie: …Este trabajo surge de la reflexión sobre la visión, cada vez más idealizada, canónica e impersonal de un mundo globalizado; Nos hemos autoimpuesto la obligación de aprehenderlo en su totalidad, y en nuestro intento desesperado por abarcarlo (humanamente finitos como somos) acabamos por reducirlo a una lista razonable de lugares comunes, haciendo posible visitarlos en una vida. Una especie de nuevas siete maravillas del mundo moderno. Por otra parte, es bien conocida la discusión arquitectónica sobre la proliferación contemporánea de No Lugares, -Aeropuertos, estaciones de tren o metro, grandes edificios públicos- espacios arquitectónicos de paso donde la vida, en cuanto a experiencia, queda suspendida en el tiempo que dura el trayecto de un punto a otro. Cada vez más, parece que estamos prolongando el tiempo que pasamos en esos No lugares espaciotemporales. Y que hemos pasado a ser nosotros mismos ese no lugar, esa no persona, en tránsito constante, en persecución de un destino inalcanzable. Embarcándome en un safari fotográfico y urbano, desde la seguridad que me proporciona un automóvil, burbuja de atemporalidad rauda y veloz, con la que visitar ciudades sin la arcaica exposición al contacto físico, sin la necesidad de mezclarme con la población, sin la necesidad de interactuar, pensar o sentir… Virtualizando la experiencia.

De la Serie Cities from a taxi París Tour Eiffel, 2012; 27,5 x 40 cm. París Boheme, 2012; 27,5 x 40 cm. París Mercado, 2012; 27,5 x 40 cm. París Sacre Coeur, 2012; 27,5 x 40 cm. NYC Gente, 2010; 27,5 x 40 cm. Donación Fundación Luz Austral

NYC Torres Gemelas, 2010; 27,5 x 40 cm. NYC Brooklyn, 2010; 27,5 x 40 cm. Marrakesh Niña, 2012; 27,5 x 40 cm. Marrakesh Abuelo, 2012; 27,5 x 40 cm. Marrakesh Koutubia, 2012; 27,5 x 40 cm.









Florencia García

Acerca de la obra donada por la artista, Marcela López Sastre dice: La fotografía como lenguaje ha ido adaptándose a lo que su propia historia le fue exigiendo; desde sus inicios como un medio técnico complejo y exclusivo de reproducción hasta la actualidad donde ocupa un lugar de preponderancia en la vida urbana y ha ido ganado terreno en nuestras prácticas cotidianas. En la historia del arte comenzó siendo la hija bastarda de la pintura, inaceptable por su intrínseca dependencia de la maquina para ser hoy un campo fértil que nos permite producir desde nuestras capacidades actuales, atravesadas inevitablemente por la tecnología. Los lenguajes efímeros de la acción y la performance, tan característicos de la producción contemporánea, llegan a nosotros a través de registros audiovisuales o fotográficos. La obra existe como tal en el momento que se realiza, sus huellas nos permiten una aproximación de lo que sucedió a los que no estuvimos allí presentes. García claramente es una artista de la acción, su relación con el cuerpo como espacio nuclear de su obra es evidente. Usando su propio cuerpo como espacio de experimentación aborda una investigación que nos permite pensar los estados del ser y sus emociones donde la experiencia de la acción alivia y transforma ese estado.

de la serie “Caos Sensible”, 2014. Toma directa, impresión glicee sobre canvas; 66,5 x 100 cm. Donación Florencia García



Carolina Grillo videoperformance

Estoy sentada sobre los talones, en "postura de roca". El plano es general. El lugar es amplio y despojado. La luz es uniforme. Desgarro una prenda de lana como si fuera una armadura, la desintegro en un avanzar y retroceder de la imagen. El acto es profundamente liberador. El fondo es blanco, neutro. El sonido es envolvente y suave. Justo en el centro, una silla de madera. La mujer que está sentada ahí, en el borde, se pone la cartera al hombro y se levanta bruscamente. Los planos se van repitiendo: ahora la cartera está colgando y la mano la alcanza, ahora está entre las piernas de la mujer, que se la cuelga al hombro. El plano detalle se acompaña con la respiración crispada de la mujer. Los cortes en los planos son bruscos. Es la imagen de una mujer yéndose, todo el tiempo. En “Des afección” ejecuto acciones compulsivamente, experimentando con objetos que me ayudan a reelaborar arquetipos femeninos, a la manera de un ritual sanador, oscilando entre lo dulce y lo cortante, lo cómico y lo exorcizante. Parto de la escritura para luego desandar el camino hacia la imagen de origen, materializada en acciones que la cámara registra oficiando de Otro, desde donde me miro. “Algo” me mira para ser sanado.

Des afección, 2013. Videoperformance; 7'. Segundo Premio Adquisición XXXIV Salón Provincial de Artes Visuales 2014 Especialidad Video arte y/o arte digital. Provincia de Salta



Gonzalo Gutiérrez

En Construcciones intento explorar y cuestionar los fundamentos y bases sobre las cuales se construyen una serie de relaciones humanas, incluyendo la propia identidad individual. Estas relaciones adquieren el status de "realidades naturales" cuando esas bases se mantienen en el tiempo. Utilizo la apropiación como estrategia principal y la manipulación digital de las imágenes para amplificar los píxeles que la componen como metáfora de construcción ficcional. Estos píxeles amplificados intentan imponer una distancia crítica sobre el referente. En esta obra intento mostrar cuán importante es el rol que juegan la ilusión, la fantasía y el autoengaño en la conformación de aspectos vitales de la realidad humana. ¿Cuáles son los fundamentos últimos sobre los cuales se construyen las relaciones de poder en la política, deportes, arte, negocios, religión, terrorismo, en el mundo del entretenimiento? ¿Cuáles son los aspectos emocionales que se ponen en juego en la construcciones de líderes en mundos aparentemente tan disimiles?. En el trabajo hay dos series de fotos del álbum familiar que exploran cuál es el rol de la fotografía: se utiliza para registrar momentos únicos de la vida o es un instrumento de autoconstrucción y afirmación de la identidad. Estas series muestran cómo lugares, poses, gestos y la manipulación de la experiencia privada son utilizadas para construir una máscara, una pantalla opaca que nos ayuda a batallar en el infierno: la mirada del otro. Paradójicamente el individuo desaparece en la fotografía de la experiencia privada. Así, vestigios de la memoria, amor, amistad, roles familiares y valores son estandarizados y empaquetados en un álbum familiar.

IDARG <<<<<, 2010. Fotografía. Manipulación digital sobre imagen apropiada; 120 x 90 cm. Transferencia, 2010. Fotografía. Manipulación digital sobre imagen apropiada; 120 x 90 cm. Donación Fundación Luz Austral



Myoung Ho Lee fotografía

Estas cinco obras pertenecientes a la serie Tree se incorporan a la colección del mac. La atención crítica que han logrado estas fotografías no responde únicamente a su notable belleza, ya que en ellas su autor ha puesto en juego elementos que implican no solo un cierto género de fotografía conceptual, sino también al Land-Art y a la pintura. El autor define su obra como un "Photography-Act", pero según algunos la serie extiende sus encantos hacia campos como la Botánica y la Ecología. Myoung Ho Lee fotografía árboles solitarios enmarcados contra un fondo de lona blanca en medio de paisajes naturales. Para instalar los grandes lienzos, que abarcan aproximadamente 18 por 13,5 m, el artista convoca a un equipo de producción y grúas. Los elementos que sostienen la tela, tales como cables o barras, se borran después a través de un mínimo retoque digital, creando la ilusión de que el telón de fondo está flotando detrás del árbol. La serie incluye diversas especies de árboles fotografiados con una cámara de 4×5 en distintas estaciones y en diferentes momentos del día. El Sr. Lee permite que el entorno natural de los árboles llene el cuadro alrededor de la lona, transformando el escenario en parte del tema. Centrado en las composiciones gráficas, el lienzo define la forma del árbol y lo separa del ambiente. Mediante la creación de un estudio temporal al aire libre para cada árbol, los "retratos" de árboles del Sr. Lee juegan con las ideas de escala y percepción a la vez que hacen referencia la pintura tradicional y a la historia de la fotografía.

Tree... # 2. From the series Tree abroad, 2013. Archival inkjet print; 40 x 50 cm. Tree... # 1. From the series Tree abroad, 2013. Archival inkjet print; 40 x 50 cm. Tree... # 3. From the series Tree abroad, 2013. Archival inkjet print; 40 x 50 cm. Tree... # 5. From the series Tree abroad, 2013. Archival inkjet print; 40 x 50 cm. Tree... # 14. From the series Tree abroad, 2013. Archival inkjet print; 40 x 50 cm. Donación Fundación Luz Austral





Gyula Kosice escultura

Los integrantes del grupo Madi, del cual Kosice fue su cofundador, propiciaban el dinamismo, en sus esculturas adoptaron tanto la superficie plana como la curva o cóncava, y jugaron con articulaciones que permitían el movimiento lineal, rotativo y de traslación. En 1944 Kosice creó su escultura Röyi, que su autor definió como: estructura, síntesis y aleación del tiempo en un primer volumen articulable cuyas partes articuladas pueden moverse, buscando despertar la fantasía y el juego mientras apela a la participación activa del público. De este modo se presentaba como una obra abierta que se completa con la inervación del espectador, quien podía crear diferentes configuraciones.

Röyi, 1944. Escultura de bronce articulada 2/10; 21 x 25 x 4 cm. Donación Gyula Kosice



Marcus Lyon fotografía El artista dice de su obra: Mi primer trabajo me llevó a los barrios bajos y a los guetos de los países en desarrollo para explorar temas relacionados con niños de la calle y el trabajo infantil. Yo era entonces, y sigo siendo, inspirado por la resistencia y la capacidad de adaptación de la humanidad al borde de la existencia. La capacidad en masa (aunque parezca increíble) para negociar el caos de los entornos cambiantes, dejó una huella profunda y duradera en mi mente. Y así mi práctica desde hace veinticinco años, se ha centrado en la búsqueda del significado de nuestras conductas masivas globales. Emocionalmente y ambientalmente estas ideas de masa, las acciones, los movimientos de personas, procesos de producción, y los titanes del poder político y de los consumidores que los albergan, son tan enormes que ninguna imagen puede precisar su influencia. Así que me he esforzado para crear nuevos lenguajes visuales en el que puedo comunicar una verdad más profunda. El resultado: BRICS (serie a la que pertenece la obra donada al mac), EXODUS, Stadia y TIMEOUT, representan paisajes sin horizontes, construidos a partir de una gran variedad de perspectivas, cada una de ellas familiar para los habitantes de estos ambientes y, sin embargo curiosamente nueva: reflejan los múltiples patrones de migración que se alimentan de estos homenajes a la voluntad humana para conquistar y adaptar en el nombre del futuro. Se hizo evidente para mí que las mega-ciudades de las economías emergentes son los actores que definen nuestro tiempo. De hecho, estas ciudades representarán el noventa y cinco por ciento del crecimiento urbano en las próximas décadas. Estas megaciudades, y los procesos necesarios para alimentarlas, son a la vez un salvador para millones de personas desesperadamente pobres, los motores del crecimiento de la economía global y potenciales dueños de nuestra destrucción: son el factor de cambio más importante en la reducción global de la pobreza e innovación, pero también centros insaciables de consumo y desperdicio.

Bric I - Santa teresa, Rio de Janeiro. Serie: Brics , 2008; 116,5 x 77,5 cm. Bric VII - Chon going - China. Serie: Brics , 2010; 116,5 x 77,5 cm. Bric VI - Chumballa Hill - Mumbai -India. Serie: Brics , 2010; 116,5 x 77,5 cm. Bric II - Centro, Sao Paulo. Serie: Brics , 2008; 116,5 x 77,5 cm. Donación Fundación Luz Austral





Carolina Magnin fotografía

Bajo el título La lúcida opacidad de la memoria, Valeria González escribe sobre la obra de Magnin: ¿Qué llevó a Walter Benjamin a interesarse por los ruinosos pasajes parisinos del siglo XIX mientras el nazismo avanzaba sobre Europa? Las cosas recién desaparecidas exhalan un brillo particular, y en ese último esplendor pueden decir más sobre el presente que la obviedad de lo que nos rodea. En el mundo dominado por la imagen digital, Carolina Magnin encontró en las diapositivas, ya caídas en desuso, un tesoro singular. Muchas personas podemos aún recordar aquellas reuniones en familia, la mágica oscuridad, el esperado ritual de ese cine casero donde alternaban fotos familiares y vistas de ciudades europeas traídas como suvenir de algún viaje. La obra de la artista comienza en el gesto de rescate y conservación de esas viejas cajas que a menudo la modernización destina al desecho. Comenzó hace años con los álbumes de su familia, y hoy reúne un acervo múltiple, porque su pasión coleccionista no redunda en el recuerdo personal sino en la intuición de un sustrato valioso de memoria colectiva. ¿Cómo devela la artista esa memoria acumulada y silenciosa? Escanea su pura materialidad. Si toda fotografía es una huella lumínica de aquello que estuvo frente a la cámara, el ojo táctil del escáner vuelve visibles las marcas mínimas que el tiempo ha depositado en la superficie de la diapositiva: rastros dactilares, polvo, leves rayaduras, decoloraciones… Las imágenes de Carolina Magnin emergen así como un vasto y misterioso depósito del inconsciente de una época. A menudo su obra lo abstracto: la evocación no pasa tanto por los motivos como por las texturas que trasuntan un clima y una subjetividad. La memoria es valiosa porque acecha el olvido. Transparencia y opacidad dialogan en las fotografías de la artista revelando los fantasmas que dan espesor a nuestra identidad.

Nº 93 de la serie Ánima, 2013. Impresión fotográfica sobre vidrio; 180 x 125 cm. Donación Carolina Magnin



Vesselina Nikolaeva fotografía

Las obras de la serie Simply a line se basa en los históricos y complejos conflictos sucedidos en la frontera búlgaro - turca sobre la cual la artista reflexiona: … Como resultando de la caída del imperio Ottomano en 1878 la primera frontera física entre los dos países desaparece, y con ella se produce el fin de los 482 años de la presencia de este imperio en Bulgaria. En los 120 años siguientes, la frontera cambió cinco veces, con el último cambio en 1997, se hizo más dinámica la frontera política desde la existencia de los Balcanes. A nivel psicológico, la memoria colectiva de la presencia turca se ha pasado de generación en generación, junto con la desconfianza y el odio contra nuestros vecinos del sur. La frustración general fue socialmente aceptada antes de la caída del comunismo. Ahora es políticamente incorrecto, aunque sigue latente en la mente de la mayoría de los Búlgaros. El partido comunista utilizaba este conflicto en su propaganda, donde la frontera de sur incluía dentro del campo de batalla al cristianismo contra el islam, el bien y el mal, nosotros y el enemigo. Después de 60 años de prohibición de los medios de comunicación, fui la primera en obtener permiso para fotografiar la frontera y comencé a trabajar en el proyecto. No tenía ninguna idea preconcebida… …Nunca entendí completamente que estaba comenzando a hacer cuando planee este proyecto. Con el tiempo, note que estaba buscando una respuesta personal de la verdad sobre el sistema que apenas conocía. Y así sucedió que estaba reconstruyendo un tiempo que nadie, ni siquiera nuestros parientes más cercanos, hablaban de … ni siquiera hoy. Tal vez estaba descubriendo verdades antiguas para algunos, pero para mí eran revelaciones repentinas. Ahora puedo imaginar cómo es vivir en las condiciones ineludibles del Estado totalitario…En esa vida, todas las fronteras internas se rompen y la única frontera izquierda es la frontera nacional.

de la serie Simply a line (2004 - 2008) Donación Fundación Luz Austral





Frank Rodick fotografía

Las obras donadas al Museo de Arte Contemporáneo de Salta pertenecen a la serie Everything will be forgotten. En palabras del propio artista: Comencé por el final. Es decir, la primer imagen de mi madre fue creada utilizando una fotografía que tomé cuando ella ya estaba muerta, acostada en una habitación de hospital con paredes verdes y luces fluorescentes. La vida de Frances Rodick había sido larga, demasiado larga. Durante los últimos quince años el Alzheimer la había desintegrado. Para ese momento, su cuerpo y su mente estaban igual y completamente corrompidos, mayormente por la enfermedad, pero por la historia también. Frances Rodick comenzó su vida apenas un momento antes de una gran catástrofe: el exterminio de los judíos europeos. Ella albergó ese horror en una parte muy oscura de su interior y, con una determinación más implacable que deliberada, se aseguró que esa pesadilla respirase y murmurara dentro mío también. Siete de las imágenes en esta exposición son de mi madre utilizando fotos de ella cuando era joven y las estrellas más oscuras de su vida todavía no existían o estaban apenas comenzando a encenderse. Tres son imágenes de cuando yo era pequeño, basadas en fotografías tomadas por mi padre cuando estaba saliendo del baño. Cuando las encontré lo primero que me vino a la cabeza fueron dos cosas que los niños parecerían tener: fragilidad y un futuro. Pero era yo el de las fotos, por lo que trajeron aparejadas muchas emociones y recuerdos. Supongo que estas imágenes son una especie de biografía, de mi madre, mías, de ambos entrelazados en esa forma tan desgarradora que nunca acabó.

Portrait (Homo homini i lupus est), 2012. Archival pigment print; 60,5 x 51 cm. Everything will be forgotten (Self- portrait as child, nº 1.1), 2014. Archival pigment print; 60,5 x 51 cm. Everything will be forgotten (Self- portrait as child, nº 2.1), 2014. Archival pigment print; 60,5 x 51 cm. Everything will be forgotten (Self- portrait as child, nº 2.2), 2014. Archival pigment print; 60,5 x 51 cm. FR (Persona 1), 2014. Archival pigment print; 60,5 x 51 cm. FR (Persona 2), 2014. Archival pigment print; 60,5 x 51 cm. Donación Fundación Luz Austral Donada por el artista en honor a Elda Harrington por sus contribuciones al arte internacional de la fotografía.





Viktoria Sorochinski

La obra donada pertenece a la serie "Anna & Eve", la curadora Laura Serani se refiere a su obra del siguiente modo: Después de emigrar de la URSS a los 11 años, vivió en Israel y luego en Canadá. Fue en 2005, en Montreal, que ella comenzó a fotografiar a una joven madre de 23 años y su pequeña hija de 3, ellas también rusas, y sigue hoy con ese sutil trabajo de observación e interpretación capturando las diferentes etapas del crecimiento de Eve y la relación con su madre Anna. Son centrales en este trabajo la temática de la infancia y su corolario de fantasías, temores y el "aprendizaje" de la maternidad. Trabajando sobre mitos, leyendas y creencias populares intercaladas con las percepciones tempranas de qué es lo correcto y lo que está mal. Viktoria retrata el mundo de fantasía de Eve y su compleja e intensa relación con su madre en escenas impecablemente montadas y llenas de una inquietante magia. La personalidad y la presencia de la pequeña Eve hechiza cada imagen. Frente a la cámara se despliega un extraño juego de roles entre las dos protagonistas y entre ellas y la fotógrafa. Detrás de la ficción se percibe una tensión real entre la fragilidad de Anna y la determinación de Eve. Al igual que en Alicia en el País de las Maravillas es la pequeña Eve la que parece llevar las cuerdas que sostienen a la relación con Anna, y su propia historia, en equilibrio. La fotógrafa, esa cómplice observadora, ve y simboliza creando un universo secreto de señales y visiones manifiestas, cautivando con esas imágenes en las que ningún detalle quedó librado al azar.

“Learning a Lesson” de la serie Anna & Eve (2005- 2012), 2009. C- print; 100 x 100 cm. Donación Fundación Luz Austral



Han Sungpil

Han Sungpil se ha enfocado consistentemente en temas centrales como la naturaleza, el medio ambiente y la energía. Este trabajo fotográfico tomado cerca de una planta de energía nuclear en Nogent-sur-Seine, ubicada a una hora de distancia en tren desde París en Francia, expresa el peculiar límite que hay entre el entendimiento racional del ser humano y la emotiva respuesta hacia la energía nuclear. La presencia de un reactor nuclear en la distancia es difícilmente perceptible, pero surge dentro del contexto de una enorme nube brumosa que genera la sensación de una fuerza que está fuera de control.

Ground cloud 034, 2005. Archival - pigment - print; 75,5 x 100 cm. Ground cloud 036, 2005. Archival - pigment - print; 75,5 x 100 cm. Ground cloud 026, 2005. Archival - pigment - print; 75,5 x 100 cm. Ground cloud 037, 2005. Archival - pigment - print; 75,5 x 100 cm. Ground cloud 028, 2005. Archival - pigment - print; 75,5 x 100 cm. Ground cloud 040, 2005. Archival - pigment - print; 75,5 x 100 cm. Donación Fundación Luz Austral







Chun Wai

Las diez obras donadas al mac pertenecen a la serie Cubicle life, que el propio Chun Wai define: Este trabajo retrata la vida de las clases bajas de Hong Kong, miles de personas que no tienen más alternativa que pasar sus días en cubículos de tres a cuatro metros cuadrados de superficie y sin ventanas, lo que impide la circulación del aire volviendo al ambiente sofocante. En verano estos cuartos son insoportablemente calurosos y se infectan de chinches y otros insectos haciendo que las condiciones de vida sean inhumanas. La gente que vive en estos cubículos no tienen posibilidad alguna de cambiar sus destinos, apenas sobreviven bajo la línea de pobreza con una pésima calidad de vida y sin mayor inserción en la sociedad, por lo que su existencia es apenas percibida y transcurren sus días en un estado de alienación y melancolía, un estado mental precario. "Vida en el Cubículo" busca arrojar luz acerca de aquellas vidas sepultadas bajo los preceptos del elitismo venerado por nuestra sociedad y mostrar las dificultades en las que están atrapados los más desfavorecidos, privados de cualquier posibilidad de ascenso social, al mismo tiempo que nos permite reflexionar sobre el sentido de la vida y el valor de la existencia humana."

de la serie Cubicle life; 54 x 54 cm. Donación Fundación Luz Austral









Guido Yannitto fotografía | video arte

Hace varios años que el artista tiene como tema recurrente al agua dulce y sus usos. En 2012 a partir de la beca otorgada por la Dirección Nacional Antártida, participa de la residencia Sur Polar y pasa un tiempo en las bases antárticas, el mayor reservorio de agua dulce del planeta. Allí realiza el video arte Hacer agua, frase utilizada por el personal allí destacado, para describir el proceso de extracción y conversión del hielo en agua para el consumo diario. Valle es otro video arte perteneciente a Yannitto que ingresa a la colección del mac como donación del artista y consiste en el registro de una acción realizada por él mismo en el rio Corralito en las afueras de la ciudad de Salta.

Mochila, 2012. Fotografía c-print; 100 x 70 cm. Donación Guido Yannitto Hacer agua, 2013. Video monocanal. Primer Premio Adquisición XXXIII Salón Provincial de Artes Visuales 2013. Especialidad Video arte y/o arte digital. Provincia de Salta Valle, 2003. 4´58´´ Donación Guido Yannitto





Isidoro Zang fotografía

La obra pertenece a la Serie "Un santo para cada pecado" que ademas forma parte de una serie mayor que di en llamar "Una cuestión de fe” y que en sus distintas etapas ya fue expuesta en distintos espacios públicos y privados.

Serie un santo para cada pecado, 2008. Fotografía; 30 x 45 cm. Primer Premio Adquisición XXXIII Salón Provincial de Artes Visuales 2013. Especialidad Fotografía. Provincia de Salta




bios Lucas Aimar. Buenos Aires, 1980. Reside en Salta desde 1992. La fotografía fue el método de registro preferido por sus padres, por lo que sus búsquedas personales hicieron base en los álbumes familiares. Entre 2006 a 2011 curso talleres con Guadalupe Miles, enfocado en la producción y desarrollo de ideas. Entre 2011 y 2012 asiste a un taller dictado por Soledad Dahbar, dirigido a la producción de obra. Realizó muestras colectivas e individuales siendo seleccionado por el Premio Itaú Cultural 2012/2013. Fué distinguido con el 2º premio del XXXIV Salón de Artes Visuales de la Provincia de Salta en 2014.

Roly Arias. Salta, 1968. Incursiona en el campo de la plástica de modo autodidacta, interesándose en una primera instancia en el dibujo y la pintura. Su producción plástica ha sido expuesta en Italia, Brasil y Paraguay. En Argentina en las provincias de provincias Jujuy, Santa Fé, Tucumán, Córdoba, Mendoza, Santiago del Estero, Buenos Aires y Salta. Entre las distinciones obtenidas, cabe destacar: Gran Premio de Honor XXXIII Salón Provincial de Artes Plásticas especialidad dibujo, Salta, 2013. Medaglia del Presidente della Repubblica, 51° Premio Internazionale Bice Bugatti - Giovanni Segantini, Nova Milanese, Italia, 2010. Primer Premio II Salón Regional Plaza de Almas, Tucumán, 2009; Primer Premio, Salón Provincial Homenaje a Jorge Luis Borges, Salta, 1999. Asimismo, ha sido acreedor de diversas becas artísticas, entre ellas: Beca Nacional para Proyectos Grupales, Fondo Nacional de las Artes, 2009; Entrecampos. Encuentro de artistas con los curadores Kevin Power, Rachel Weiss, Patricia Hakim, Córdoba, 2009; Beca Trama, El Encuentro. Jornadas regionales de intercambio en gestión artística y redes de cooperación cultural en Latinoamérica, Buenos Aires, 2005; y Beca Fundación Antorchas, Encuentros de producción y análisis de obra para jóvenes artistas de Salta y la región, Salta, 2003. Su obra forma parte de colecciones públicas: Museo de Arte Contemporáneo de Salta (MAC), Museo Castagnino+macro de Rosario, , Museo de Bellas Artes de Salta (MBAS) y Museo de Arte Contemporáneo de Jataí, Brasil. Desde el año 1997 viene desarrollando diferentes talleres de arte. Vive y trabaja en Salta.

Marcelo Buainain. Campo Grande, estado de Mato Grosso do Sul, Brasil, 1962. Abandonó medicina en quinto año de la carrera para dedicarse exclusivamente al mundo visual. Hoy es fotógrafo y documentalista. En los noventa se estableció en Europa, donde trabajó como fotógrafo para publicaciones brasileñas y europeas. En 1998 recibió el Prêmio Máximo otorgado por la II Bienal Internacional de Fotografía da Cidade de Curitiba. Realizó numerosas exposiciones individuales y colectivas. En los 80 con el apoyo de Funarte coordinó la I y II Semana Campograndense de Fotografía. En 2009, fue uno de los siete fotógrafos invitados a la muestra colectiva Bressonianas, realizada en São Paulo, en paralelo con una gran retrospectiva en honor del fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson. En 2002 regresó a Brasil instalándose en el noreste del país y se le otorga el subsidio Vitae de Arte para desarrollar el proyecto "Brasil: a Religião e o III Milénio". En 2011, la revista brasilera Photo Magazine incluyó a Buainain entre los diez fotógrafos brasileros de la década y es en este año que retoma la fotografía publicando su cuarto libro Mi Amas Vin , obra distinguida en 2013 en el concurso internacional POY (Picture of the Year) Latam con la Menção Honrosa do Juri en la categoría Mejor Libro del Año. Con la serie Retratos de familia recibe, en 2012 en la ciudad de París el Premio Martín Chambi de Fotografía. Ese mismo año, en la Argentina, se le otorgó el Primer Premio Latinoamericano de Fotografía otorgado por el Centro Latinoamericano. En 2013 la serie A Cultura dos Mutilados es premiada en Colombia en el XIX Concurso Latinoamericano de Fotografía Documental - Los Trabajos y los Días.


Brad Carlile. Fotógrafo, Vive entre las ciudades de Portland y Manhattan. Ha expuesto en Río de Janeiro, Guatemala, Alemania, Austria, Qatar, China, y realizado más de 58 exposiciones en los EE.UU. Su obra en 2011 fue elegida como mejor fotografía artística del año en Portland. Ha ganado 14 premios de fotografía y realizado diversos trabajos editoriales. Su labor también puede ser vista en el George Billis Gallery en Los Ángeles. Recientemente tuvo una exposición individual en la 25a Bienal de Encuentros Abiertos - Festival de la Luz en la Argentina. Tres obras de esta serie han sido adquiridas por el Museo de Arte Contemporáneo de Salta (MAC) . En 2009 fue elegido como ganador en la prestigiosa Hearst 8x10 Photography Biennal.

José Diniz. Nació en Niterói y vive en Río de Janeiro. Realizó el posgrado en Fotografía de la Universidad Cándido Méndez (UCAM). Cursó estudios en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y en la Escuela de Artes Visuales del Parque Lage. Hizo exposiciones individuales en Río de Janeiro, San Pablo, Niterói, Krasnodar (Rusia), Buenos Aires, Montevideo y en Paraty. En 2009 editó el libro Literariamente. Participó de exposiciones colectivas en Brasil, Argentina y Estados Unidos. Hay fotografías suyas en colecciones privadas y en el Museum of Fine Arts de Houston, el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro/Colección Joaquim Paiva, y en el Museo de Arte Contemporáneo de Salta, entre otros. En enero de 2013, el British Journal of Photography señaló a este artista entre los Ones to Watch in 2013. En 2012 recibió el premio Marc Ferrez Funarte de Fotografía otorgado por el Ministerio de Cultura, y en 2011 participó de la III Bienal International Discoveries en Houston, donde los curadores del Fotofest escogieron doce nuevos fotógrafos de nueve países durante 2010/2011. Daniel Duart. Valencia, 1975. Licenciado en Inglés y Máster en Traducción. En 1996 empezó su carrera como fotógrafo documental en Moscú. Después de algunos años de labor independiente, comenzó a trabajar como reportero gráfico para los periódicos locales y las agencias europeas en el este de España. En el año 2013 ganó el Segundo de los Premios Mundiales de Fotografía de Sony en la categoría Viajes.

Florencia García. Se formó como bailarina contemporánea, estudió música, cursó el profesorado de Artes Plásticas, en la escuela Tomás Cabrera. Fue becada por la Fundación Antorchas para participar de las Clínicas de Análisis y Producción de obras con Eduardo Medici, Res y Valeria González y de las Clínicas de Diana Aisenberg. Participó de la revisión de portfolios organizada por la EAF-Escuela Argentina de Fotografía a cargo de Elda Harrington. Becaria del Fondo Nacional de las Artes para el Taller de análisis y seguimiento de obra, coordinado por el artista Esteban Álvarez, de los talleres y acciones organizados por La Guarda en el ciclo teórico práctico I y II de Pensamientos Emplazados. Participó del Encuentro Nacional de danza y performance en el mac Salta, presentando Una Mancha en el ascensor". Realizó la acción Puente, el taller como vinculo en Villa San Lorenzo. Presentó la performance Soplo, La Línea, en el Encuentro de Performance organizado por galería de arte FEDRO. Realizó Caída intervención urbana, en el marco de la Clínica de Análisis y Producción de obra, modulado por Jorge Macchi. Participó en numerosas muestras individuales y colectivas: 2010 Vínculos, pinturas y objetos, Galería de arte MAMORÉ. Fue invitada al Proyecto V.A.C.A, Vidriera del Museo de Arte Contemporáneo Argentino mac Salta. En 2014 obtiene Mención en fotografía en el XXXIV Salón Provincial de Artes Visuales. En 2015 forma parte del


colectivo La Breve performance Ella lava Raíces, La Ventolera espacio de arte. En julio de 2015 participa de la muestra colectiva Entre el Espíritu y la Materia, en la Fundación Migliorisi Asunción del Paraguay. Integra el colectivo Sujetos en Fuga performance Intersticios Vidrieras mac, Salta como parte del proyecto VACA en Acción.

Carolina Grillo. Santa Fé 1974, se estableció en Salta en 1977. Allí cursó la carrera de psicología y letras. Entre 2002 y 2010 asistió a los talleres de estética fotográfica de Guadalupe Miles, y a jornadas con Tulio de Sagastizábal y Juan Travnik. Integró el taller N.O.Arte sobre artes visuales coordinados por Eduardo Gil, en Salta (2004) y Tilcara, Jujuy (2005). Ganó el Concurso Nosotros (Plan de Fomento de la Televisión Digital Abierta) en 2010 con el guión documental Ver el aire, tres poetas salteños. En 2011 ganó el Segundo Premio del XXXI Salón Provincial de Artes Visuales (especialidad Fotografía). En 2012, asistió a la beca de Análisis y seguimiento de obra del FNA (Salta y Jujuy), a cargo del artista Esteban Álvarez. En 2013 participó de la muestra Ellas sobre la mirada femenina en fotografía, curada por Elda Harrington, en el Museo de Arte Contemporáneo de Salta. En 2013 ganó el Segundo Premio especialidad Fotografía del XXXIII Salón Provincial de Artes Visuales, y fue becaria del FNA en la Clínica de análisis y seguimiento de obra a cargo de la artista y docente Carina Cagnolo. En 2014 participó en la muestra grupal coordinada por Espacio Piso 3 (Bariloche) en el Design Suites Hotel Salta. En 2014 ganó el Segundo Premio en la especialidad Videoarte del XXXIV Salón Provincial de Artes Visuales, y asistió al Taller de Sonido y narrativa con Lucrecia Martell. Formó parte del elenco de la miniserie ganadora de los concursos federales de la TDA La casa de los opas y de la obra de teatro La muerte de mamá. Vive y trabaja en Salta.

Gonzalo Gutiérrez. Córdoba, 1967. Vive y trabaja en Buenos Aires . Se formó en los talleres de Eduardo Gil y de Juan Travnik. Realizó muestras individuales en la Alianza Francesa de Buenos Aires, (como muestra inaugural del InterFestival de la Luz 2015), en el Museo Nacional de Bellas Artes, sede Neuquén (En el marco de los Encuentros Abiertos del Festival de la Luz 2014), en Lianzhou Foto 2013, el Festival Internacional de Fotografía de Lianzhou, Provincia de Guangdong, China (2013), en la Plaza de la Fotografía, Xiamen, Provincia de Fujian, China (2014), en la Galería Arte x Arte de la ciudad de Buenos Aires (2013), en el MUNT - Museo de la Universidad Nacional de Tucumán, San Miguel de Tucumán (2013), y en el Museo Municipal de Bellas Artes Genaro Pérez, ciudad de Córdoba (2012). Su obra forma parte del patrimonio del Museo Nacional de Bellas Artes, sede Neuquén; del MUNT de Tucumán; del MACA de Junín; del mac Salta y de colecciones privadas. Su trabajo personal en fotografía lo desarrolla junto con su profesión en el área de finanzas. Es Licenciado en Economía de la Universidad Nacional de Córdoba y Master en Economía de la Universidad de California, Santa Bárbara, Estados Unidos.

Myoung Ho Lee. Daejeon - Corea del Sur 1975. Fotógrafo afincado en Seúl que saltó a la escena internacional en 2007 tras la publicación en Lens Culture de una serie fotográfica titulada Tree. Myoung Ho Lee ha recibido premios, entre ellos el primero al Joven Fotógrafo de la Sociedad de Artistas Fotógrafos de Corea en 2005, Premio de la Crítica Fotográfica de Corea en 2006 y una beca del Fondo de Cultura y Arte del Consejo de las Artes de Corea en 2007.


Gyula Kosice. Kosice, 1924. Naturalizado argentino. Escultor, plástico, teórico y poeta, es uno de los precursores del arte de vanguardia cinético lumínico. Estudió dibujo y modelado en academias libres. Co-fundador de la revista Arturo, 1944. Röyi, primera escultura articulada y móvil, 1944. Co-fundador de arte concreto-invención, 1945. Fundador del Movimiento de Arte Madí, 1946. Autor del Manifiesto Madí, 1946. Aparición de ocho números de la revista "Arte Madí Universal". Creación de estructuras lumínicas, 1946, con gas neón utilizado por primera vez en el plano mundial. Exposición de Arte Madí, representando a la Argentina en el Salón des Réalités Nouvelles, París, 1948. Creador de la escultura hidráulica, introduce el agua como elemento esencial de sus obras, 1949. Por primera vez, utilización del agua, en el plano internacional. Padre de la Ciudad Hidro-espacial, ya preconizada en la revista Arturo (El hombre no ha terminar en la Tierra). Ha sido distinguido con el grado de Caballero de las Artes y las Letras por el gobierno de Francia en 1989, y en 1991 realizó su exposición retrospectiva en el Museo Nacional de Bellas Artes. Ha recibido el Premio a la Trayectoria en Artes Plásticas, otorgado por el Fondo Nacional de las Artes, 1994. Premio Di Tella - Premio Konex, 1997. Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, muestra Anticipaciones Centro Cultural Recoleta. Participa en la Exposición Big Bang, Centro Pompidou, París, 2005. Sus obras figuran en museos y colecciones privadas de la Argentina, América Latina, Estados Unidos, Europa y Asia.

Marcus Lyon. Gran Bretaña, 1965. Sus trabajos y publicaciones se encuentran en colecciones privadas e internacionales, como el Instituto de Arte de Chicago y el Consejo de las Artes de Gran Bretaña. Estudió Ciencias Políticas y Liderazgo en la Escuela de Negocios de Harvard. Inició su vida laboral con Amnesty International en América Latina, donde comenzó su exploración de los temas relacionados con el desarrollo y la urbanización que fue la inspiración para sus estudios sobre cuestiones de la globalización, durante los últimos veinticinco años. A principios de los 90 fundó la Glasswork, un prestigioso estudio multidisciplinario de arte que fue muy premiado. Como retratista ha fotografiado una amplia gama de figuras públicas desde la reina Elizabeth II, Bill Nighy y los últimos cuatro ministros británicos. Sus imágenes han ganado numerosos premios y nominaciones. Fuera del mundo del arte Lyon es un emprendedor social y un orador público tanto en el área de la fotografía como en el del progreso y la urbanización. Para la comunidad fotográfica es un embajador de Photographer's Gallery y Photovoice y Presidente de Syngenta Open Photography Award. En el sector no lucrativo se desempeña como Director no ejecutivo de la Somerset House Trust, Fundador y representante tanto para Home-Start Reino Unido y el global think- tank El consorcio para Niños de la Calle.

Carolina Magnin. Buenos Aires, 1975. Participó de exposiciones en el Centro Cultural Recoleta y en la Alianza Francesa (2006), en el Museo Palacio Ferreyra de Córdoba (2011-2013), en Mall Galleries de Londres (2012), en el Museo Emilio Caraffa y en las galerías Gachi Prieto y Rolf (2013). Expone en la galería Bárbara Frigerio de Milán, Italia y en el Museo de Arte Contemporáneo de Salta - mac (2014), en la galería Exposure12 en Berlin, en el Espacio de Arte Contemporáneo - EAC en Montevideo y en el Fondo Nacional de las Artes (2015). Recibe el segundo premio en el concurso Paradigma digital de Mac Station (2007), fue seleccionada en el premio Platt a las Artes Visuales, en la Bienal de Fotografía Arte x Arte, en el Premio Catena de Fotografía Contemporánea (2008). Recibe premio Mención en el Salón Nacional de Artes Visuales (2010, 2014), es finalista en el Premio Itaú a las Artes Visuales, en el III Premio AAMC de Fotografía (2012), es seleccionada en el Salón Nacional de la ciudad de Rosario (2013) y en el Premio Lucio Fontana del Consulado General de Italia en Buenos Aires (2015). Desde el 2010 es codirectora del espacio La Ira de Dios. Su obra forma parte de diferentes colecciones nacionales e internacionales.


Vesselina Nikolaeva. www.vesselinanikolaeva.com

Frank Rodick. Fotógrafo. Obtuvo numerosos premios, ha exhibido y publicado internacionalmente y su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas. Frank es psicoterapeuta, profesión que ha ejercido durante 20 años, ha trabajado con artistas de diferentes disciplinas ayudando a mejorar su proceso creativo. Para mayor información sobre Frank Rodick o su carrera, visite www.frankrodick.com y www.frankrodickblog.com

Viktoria Sorochinski. Ucrania, 1979. Salió de la URSS con sus padres en 1990. Después de vivir en Israel, continuó sus estudios de Bellas Artes en Montreal, luego en la ciudad de Nueva York, donde adquirió su Maestría en Bellas Artes en 2008. Actualmente vive y trabaja en Berlín - Alemania.

Han Sungpil. www.hansungpil.com

Chun Wai. Nacido en Hong Kong, es coordinador y catedrático del Postgrado en Fotografía de la Escuela para Educación Continua de la Universidad de Hong Kong. Fotógrafo y curador. También es miembro del Comité Académico del Festival Internacional de Fotografía de Dali y Editor Invitado por Hong Kong a MINO PHOTO de China. Chun recibió el Diploma Nacional Superior de Expresión Plástica, (Diplôme national supérieur d'expression plastique, DNSEP) un reconocido diploma en Artes Visuales del Ministerio de Cultura de Francia,


lugar donde abrió su propio estudio y continuó su práctica artística integrando la esencia del arte contemporáneo occidental con la estética tradicional china. A su regreso a Hong Kong trabajó en varios medios de comunicación. En 2012 fue galardonado con el Premio Curatorial ofrecido por la Asociación de Fotógrafos Chinos en los festivales internacionales de Dali y Lianzhou. En 2014 Chun es designado jurado del Festival de HuangZhou y curador de la 12° Exhibición de Fotografía de Shanghai y de la sección Fotografía Internacional del Festival de Hong Kong. Su libro "HongKong/China photographers six" ganó el Premio Redpoll a la mejor publicación otorgado por el comité del 4° Festival de Fotografía de Dali. Su proyecto fotográfico "Under Heaven" obtuvo en 2010 el premio de Prensa por los de Derechos Humanos en Hong Kong. Está interesado en trabajos documentales y contemporáneos.

Guido Yannitto. Mendoza, 1981. Estudia artes en la Universidad Nacional de Córdoba, de la cual se titula en 2005. En 2009 ingresa al programa para artistas de la Universidad Torcuato Di Tella, bajo la tutoría de Jorge Macchi. Desde 2003 forma parte de la NVA (Nuevo Video Argentino) emprendimiento que tiene por objetivo agrupar, promover y difundir las producciones del video en Argentina. Asiduo colaborador del espacio de artes visuales La Guarda (Salta). Su obra forma parte de la colección del Museo de Arte Contemporáneo de Salta, Argentina, Banco Itaú (Argentina) y Museo MACRO de Rosario (Argentina). Premios y becas: 2014 Primer Premio en el Salón Provincial de Artes Visuales Salta (Argentina) Especialidad video. 2013 Premio Lucio Fontana otrogado por el Consulado General de Italia en Buenos Aires para residir dos meses en la ciudad de Torino (Italia). 2012 Residencia Sur Polar otorgada por la D.N.A. (Dirección Nacional Antártida). 2012 Beca de colaboración Fonca (México) - Secretaria de Cultura de Argentina para realizar una residencia de tres meses en la ciudad de México. 2011 Segundo Premio en el Salón Itau Cultural, Argentina. 2011 Premio Igualdad Cultural, Ministerio de Cultura de la Nación (Argentina). 2009 Beca de producción Fondo Nacional de las Artes - Argentina. Participo en numerosas muestras individuales y colectivas.

Isidoro Zang. Buenos Aires, 1945. Se radica en Salta en 1974. De profesión Experto en Óptica no bien llegado a Salta se vincula con gente del ambiente fotográfico e inicia su carrera como fotógrafo. Participó de varios grupos fotográficos y culturales; fue asesor Ad - Honorem de la Dirección de Cultura de la Provincia de Salta; fue por años el fotógrafo de la Dirección de Cultura, luego de la Secretaria de Cultura de la Provincia de Salta: realizó trabajos para la revista cultural Artenautas, y actualmente es columnista fotográfico en la revista digital Deja Vú. Entre sus últimos premios se encuentran: 2014 Premio Victoria, Vida de Artista otorgado por el Salón Auditórium Dr. Rafael Villagran Salta. 2013 Segunda mención en la Categoría Fotografía del XXXIII Provincial de Artes Visuales. Participó en numerosas muestras individuales y colectivas, entre las últimas pueden destacarse: 2014 Agua Biblioteca Provincial Victorino de la Plaza, Salta, Colectiva. Retratos al paso, Café La Tacita, Salta, Colectiva. 2013 XXXIII Salón Provincial de Artes Visuales, mac Salta, Colectiva. Escuela Los Biguaes, Subasta de Arte, Museo de Arte Tigre, Provincia de Bs.As., Colectiva. Heridas, Museo Provincial de Bellas Artes Casa de Arias Rengel, Salta, Colectiva. Meriendas de Arroz con leche, Café La tacita, Salta, Colectiva. La Colgada, Café La Tacita, Salta, Colectiva.



Auspiciante del proyecto institucional Adquisiciones 2014 - VI edición

Desde VVArt Servicios Corporativos entendemos que a través del arte, un pueblo expresa su identidad, sus raíces y valores… conceptos que nos unen con el Museo de Arte Contemporáneo de Salta, por este motivo nuestro apoyo y que este contribuya a enriquecer su trabajo en favor del patrimonio artístico de los salteños y la cultura.

VVArt Servicios Corporativos | Buenos Aires - Argentina | www.vvart.eu ARG: info@vvart.eu | BOL: bol@vvart.eu |COL: col@vvart.eu


Auspiciantes del proyecto institucional Adquisiciones 2014 - VI ediciรณn


Auspiciantes del proyecto institucional Adquisiciones 2014 - VI ediciรณn


Agradecimientos Empresas Ministerio de Ambiente y Producción Fundacion Luz Austral Vvart Servicios Corporativos Ceramica del Norte OSDE Hotel Colonial Hotel Patios de Lerma Bodega Vasija Secreta Corralon America Pintureria Roma Fundación Williams Particulares Baltazar Saravia Facundo Saravia Peretti Elda Harrington Victor M.P. Vicente Juan Jose Soler Ignacio Coll Luis Escoda Belen Tejerina Juan Fernando Saravia Matias Cordova Martin Briones Juan Esteban Mascietti

Un especial agradecimiento a la Fundación luz Austral por su generosa gestión para la adquisición de las 58 obras que ingresaron al patrimonio del museo de Arte Contemporáno de Salta en 2014

INCORPORADA A LA ENSEÑANZA OFICIAL (A-1445) (D-131)


grupo telefe


Editores Daniel Conti - Valeria Cabrera

Diseño Paula Ferrer Asistente de Diseño Sergio Díaz

Impresión Cartoon. S. A.

Edición Catálogo Adquisiciones 2014 Museo de Arte Contemporáneo de Salta



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