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2013

salta noviembre 2014





ADQUISICIONES 2013

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Auspiciante del proyecto institucional Adquisiciones 2013 -VI ediciรณn


Auspiciante del proyecto institucional Adquisiciones 2013 -VI ediciรณn


Este año, el Consejo Internacional de Museos (ICOM), declaró como lema para el Día Internacional de los Museos "Los vínculos creados por las colecciones de los museos". En su papel de relatores del patrimonio cultural y la memoria colectiva de una comunidad, los museos contribuyen de manera importante al desarrollo de la sociedad, vinculando a los visitantes a los diferentes tipos de colecciones. Tomando como nuestro, el lema propuesto por el ICOM, y cumpliendo con nuestra obligación de mostrar y difundir el patrimonio artístico provincial, el Museo de Arte Contemporáneo de Salta tiene nuevamente el agrado de presentar la sexta edición de ADQUISICIONES, obras incorporadas a la colección durante el año 2013 y que empiezan a formar parte del patrimonio artístico del museo. Cabe resaltar la importancia de la continuidad de este proyecto que lleva 6 años sostenidos de trabajo, en la selección de obras y formación de la colección, que a lo largo de estos años, ha ido creciendo gracias al Programa de Adquisiciones del mac a través del aporte de empresas privadas y/o particulares, donaciones de artistas, y desde hace tres años, la incorporación de las obras premiadas en el Salón Provincial de Artes Visuales, pertenecientes a las especialidades Fotografía y Nuevos soportes e instalaciones (videoarte y/o arte digital, instalaciones, objeto y otras producciones). Este año incorporamos 15 obras de artistas de distintas provincias de nuestro país: Jujuy, Santa Fe, Misiones, Buenos Aires y Salta, también México se suma a esta muestra con una obra, ampliando nuestras fronteras, vinculando nuestras culturas a través del arte. Es fundamental destacar que no solo exhibimos la colección en las salas del museo, realizando distintos tipos de actividades educativas con las instituciones que nos visitan sino que, año a año hemos dejado el registro de cada edición de Adquisiciones en la publicación de un catálogo de alta calidad, con la descripción de todas las obras que se incorporan y la biografía de los artistas que la integran, que es distribuido no solo entre nuestros visitantes sino también en las distintas bibliotecas de nuestra provincia, para el conocimiento y disfrute de la misma. Como museo cumplimos nuevamente con uno de nuestros objetivos esenciales.

Arq. Claudia Lamas Directora Museo de Arte Contemporáneo de Salta


Marcelo Abud

El fotógrafo de Perico podría ser una manera de nombrarlo, Abud desde hace algunos años aceptó esta responsabilidad en su lugar de residencia donde desarrolla su trabajo registrando su ciudad; sin intervenir la imagen, va documentando, con ojo cada vez más avezado, las particularidades de su espacio cotidiano. Hay dos vertientes en esta obra, una remonta al origen de la fotografía cuando esta era cara y dificultosa, solo había un fotógrafo habilitado para registrar su comunidad: era quien evidenciaba nacimientos, funerales, retratos, fiestas patronales, casamientos, paisajes, eventos sociales, iglesias, construcciones, etc. La función social del fotógrafo era imprescindible, gracias a ellos hoy tenemos documentos históricos de fines del siglo XIX y principios del XX que nos permiten estudiar aquella época y pensar sus estructuras sociales. La segunda nos remite al Pop Latino de Marcos López, sin imitarlo, Abud se incluye en esta línea documental que claramente rescata las particularidades latinoamericanas; revalorizando una estética fácilmente identificable en nuestro entorno. La domesticidad donde habitamos a veces dificulta una mirada crítica o de asombro, Abud lo logra, cada vez mas inmerso en su contexto documenta desde la familiaridad.

S/T de la serie Perico, 2008. Fotografía color, díptico, toma directa; 60 x 160 cm.



Evangelina Aybar pintura

Me interesan mucho las imágenes, súper recargadas de sentimientos extremos: el odio, lo trágico, lo vulgar. Esa estética absolutamente barroca y exótica. Todas estas características me interesan como lenguaje porque creo que en algún momento de nuestra existencia llegamos a rozarlas y el sentimiento que nos provocan es de cierta extrañeza… Creo que en ellas se impregna el vértigo y lo trágico de la existencia y esa sensación de una satisfacción exótica y nefasta de las relaciones. Creo que solo hay que detenerse y relajarse. Cada imágen que selecciono proviene de cosas cotidianas, del andar de todos los días, de recuerdos y sucesos comunes. Cuando pinto, suelto furia, humor y color, es mi forma de contarlo…. (E .A.)(1) Aybar es Cafayateña. El paisaje, que Evangelina había reemplazado por la urbanidad de Tucumán (donde estudió) durante un tiempo en sus pinturas, en su última obra vuelve a ser un elemento estructural dando a la naturaleza de los cielos abiertos, las dunas, las montañas y el agua un lugar crucial. El entorno de estas pinturas entabla una relación mágica con sus personajes integrados, la armonía entre los sujetos y el contexto es la que ha ido forjando un relato desde donde esta realidad existe. Evangelina también es ceramista, lenguaje que los cafayateños parecieran practicar naturalmente y que la artista ha empezado a mostrar en paralelo a sus pinturas, dibujos e instalaciones: con todos estos elementos su obra ha ido construyendo un imaginario propio donde los sujetos y la naturaleza conviven fantásticamente, como ella expresa al principio lo suyo es el color, la exageración, los sentimientos, la ternura y la magia.

Miles de estrellas viven en mí, 2013. Acrílico sobre tela, díptico; 60 x 90 cm., 60 x 80 cm.



Juan Esteban Cañizares

Mínimo gesto en el paisaje, intervención sutil que se va esparciendo sobre el suelo casi como un señuelo que nos invita entrar y a indagar la clave del mensaje. Cañizares ha trabajado desde sus inicios con una tendencia minimalista y conceptual donde, sobre todo en sus primeros trabajos, el entorno natural se vuelve un escenario obligado para sus intervenciones. Aquí también, el contexto original de formación se impone como elemento fundamental de la obra, ya que Juan utiliza su propia historia personal como plataforma de trabajo, recuperando sus imágenes del pasado nos permite integrarlas a su paisaje nativo: Metán, una pequeña ciudad del sur de Salta, con dejos de yunga, brillantes verdes tupidos y ríos caudalosos que contrastan con su paisaje actual. Juan reside en Bruselas desde hace algunos años y, desde allí, ha ido fortaleciendo este lenguaje que al restar suma, y con el mínimo de elementos posibles construye una narrativa personal que nos incluye en su recorrido. El arte conceptual exige al espectador una actitud activa, de crítica, acción o resistencia que completa la obra, sin ella el mensaje se trunca y queda inconclusa. La obra está abierta y nos invita a ser parte de ella.

Mensajes al vacío, 2008. Fotografía C Print, copia única; 100 x 120 cm.



Ana Coll

Las fotografías de Coll replantean el cánon actual de la belleza femenina; nos permiten descubrir la perfección de la piel marcada por el placer, el dolor y la historia personal, comprendiendo que al cuerpo desnudo como reflejo de nuestras experiencias, irreductibles a una estética estandarizada socialmente. Las mujeres retratadas por Ana juegan ante la cámara, y en su relación con la imagen van construyendo una nueva mirada sobre su propia desnudez, recuperando el significado y revalorizando las particularidades de su propia historia, que demarca su constitución física y su actitud hacia el entorno. Esta mirada crítica de un modelo esteticista del cuerpo que flagela a la mujer, exigiéndole cierta adaptación a patrones sociales que implican altísimos costos, poniendo en jaque la integridad femenina.

S/T, 200. Fotografía blanco y negro; 60 x 50 cm.



Raúl Cottone

Las fotografías de Cottone son parte de un trabajo en co-autoria con el escritor Santiago De Luca, quienes en conjunto han publicado un libro denominado "Los monstruos de París", editado en el 2010 por el Museo de Arte Contemporáneo de Santa Fe en versión bilingüe español / francés. La colección de fotografías capturan sobrerrelieves y formas escultóricas plenas, pertenecientes a la cultura tardo-romántica y medieval, las que integradas a modo de relatos a las catedrales y otros espacios de la época particularizan el estilo arquitectónico de la zona histórica del centro de París. Los trabajos, tallas y esculturas de piedra personifican imágenes infernales como vigías que advierten a la sociedad, observan sigilosos y juzgan. Son monstruos al acecho puestos en sus atalayas para vigilar y castigar a aquellos que se desvían de los caminos que la fé pautaba en la época. Cottone las fotografía y las recorta de su entorno de pertenencia, las registra desde distintos puntos de enfoque. La mano de los artesanos autores de estas obras que manifiestan al medioevo, revelan la solidez y el conocimiento del oficio de tallar y esculpir la piedra que Cottone rescata y resalta con su fotografía.

de la serie Los Monstruos de París, 2008. Fotografía digital intervenida; 50 x 50 cm.



Alfredo De Stéfano

Fotografío el desierto porque es mi entorno natural pero también porque el desierto está en todas partes, para mí es una especie de paraíso, donde vivo la extensión, el vacío, la luz, la soledad, el cielo, y yo, inmerso en ese todo. (A. De S.) (2) El contexto donde crecemos y nos formamos inevitablemente marca nuestra orientación, a favor o en contra de sus particularidades, los artistas actuales comprenden sus circunstancias como elementos de su obra. De Stéfano nació en Monclova Coah, ciudad ubicada en medio del desierto de México, paisaje que se convirtió en la materia prima de su obra, y que ha ido descifrando como un lenguaje universal. Es este el escenario que eligió hace 20 años para realizar sus experimentaciones en el espacio que registra fotográficamente. "Todos los desiertos son mi desierto", serie a la que pertenece la obra donada al mac Salta, es un proyecto fotográfico, documental y editorial en proceso que De Stéfano ha venido trabajando desde 2008, con el objetivo de intervenir desiertos del mundo. El desierto nos permite entender y reflexionar sobre la evolución del planeta, desde su inmensidad y su vacio nos cuestiona respecto a nuestra posición como especie en relación al entorno.

Anillo de fuego - Islandia, 200. Fotografía; 130 x 180 cm.



Victoria Dobaño

Tatuaje, impresión, cicatriz o camuflaje son las posibilidades que Dobaño proyecta sobre la piel desnuda. El cuerpo es un lienzo en blanco donde ella experimenta con sutiles reflejos que lo transforman en cuero animal o en diseños que transfiguran las formas naturales. Animal print o diseño de tapicería, la segunda piel con la que Victoria cubre a sus modelos permite al cuerpo una flexibilidad que lo diluye en la forma, perdiendo consistencia se transforma en superficie donde la proyección se adhiere y repliega apropiándose de las curvas.

Flor III, 200. Fotografía digital; 52 x 67,5 cm. Sofía, 200. Fotografía digital; 52 x 67,5 cm.



Carolina Grillo

Hay temas que recorren la historia de la fotografía desde sus inicios, uno de ellos es la mujer: su cuerpo y su representación. La fotografía fue originalmente y por mucho tiempo un medio exclusivamente practicado por hombres, desde hace algunas décadas las mujeres han ganado territorio pensándose desde ellas a sí mismas y, fijando hasta donde la femineidad debe estar pautada socialmente, o cuáles son los patrones que demarcan "lo femenino". Claramente el feminismo, las anarcos feministas, la religión, el estado, nuestras abuelas y bisabuelas, nuestras madres y nuestras tías son estructurales en la construcción de lo que cada una va comprendiendo como "ser mujer". Grillo plantea todo esto repitiendo gestos, formas de vestirse y desvestirse, hábitos femeninos; señalando objetos y recuerdos de su ascendencia femenina. El autorretrato es necesario para poder rastrear en nuestro propio cuerpo lo heredado. Diferenciando desde la puesta lo que hemos adquirido y lo que cuestionamos; entrañables y dolorosas las memorias. El tejido de la manta que la cubre es perfecto para comprender este espiral invisible que sobre la piel trama los hilos del recuerdo.

S/T, de la serie Acerca de la niña, 2012. Fotografía directa, impresión lambda; 120 x 120 cm. Segundo Premio Adquisición XXXIII Salón Provincial de Artes Visuales 2013. Especialidad Fotografía. Provincia de Salta



Celina Jure pintura - cerámica

Jure nació en Jujuy, pero vivió y se formó entre Francia y Alemania donde residió muchos años hasta hace poco tiempo que decidió volver a Argentina, donde vive y trabaja entre La Boca, Boedo y Yala; sin perder contacto con Düserddorf donde aún mantiene su taller. Los colores de la obra de Celina Jure no son el resultado de un capricho estético ni mucho menos del azar. El vendaval de sensaciones que cada uno de ellos desata en el espectador es el resultado de una formación artística inspirada por la mano de Grauber en la archi-selecta academia de Bellas Artes de Dusseldorf, la influencia del museo Inse Hombroich, y el aprendizaje de la danza y la cerámica. Son colores vivientes que nos transportan a la emoción inmediata de la pintura, colores que parecen existir por sí mismos, en su dimensión total, y sumergir a quien los contempla en un mar voluptuoso e implacable. En papeles y telas de enorme formato el gesto de pintar desde arriba se afirma con un protagonismo visible, contundente. Celina pinta de pié, desplazándose sobre sus cuadros desmesurados armada de pinceles hechos de trapos, escobas y pelucas atadas a la punta de un palo. Los gestos de cada día se suman sin vacilación ni contradicción alguna a aquellos que la danza de Celina imprimió sobre la tela el día anterior. Así, al cabo de un derrotero en el que la pintora mantiene las riendas de su creación desde el filo mismo de una perspectiva de equilibrista, emerge una obra vigorosa, provocativa, casi escultórica. (3)

S/T, 2013. Acrílico sobre tela; Ø 200 x 180 cm. de la serie de los Efímeros, 2013. Cerámica; medidas variables.



Santiago Lofeudo video

Feriados es un registro audiovisual donde se van desarrollando en paralelo dos fiestas, una en Sucre Bolivia donde se homenajea cada 15 de setiembre a la Virgen de Guadalupe, y la otra en Buenos Aires, el 31 de diciembre durante el festejo de Año Nuevo. La edición pone en escena las similitudes y diferencias entre ambas situaciones, nos detiene en los detalles y en los gestos, los diálogos íntimos y familiares, los silencios y las caricias, los bailes, las multitudes, la intimidad de una visita al cementerio, los fuegos artificiales, el estruendo y las luces, el encuentro y la despedida: no hubieses venido, así no te tenía que despedir, es la cita que une ambos relatos, sintetizando con melancolía los restos de la euforia.

Feriados, 2012/ 2013. Instalación - video digital. Fotografía directa, impresión lambda; 120 x 120 cm. Primer Premio Adquisición XXXIII Salón Provincial de Artes Visuales 2013. Especialidad Nuevos Soportes. Provincia de Salta



Jorge Meijide dibujo

Dibujo y tinta sobre el papel son las herramientas con las que Meijide realiza su inventario de la humanidad que habita la cultura occidental del planeta; entre apocalíptica y grotesca, este escena que deja como testimonio hacia al futuro, toma como perspectiva una mirada que quizás (como humanos) nos parezca por lo menos extraña. Esta rareza deviene de nuestra representación del entorno, que es una construcción simbólica aprendida a través de los años de sociabilización. Meijide deconstruye esta mirada para enfrentarnos con su claroscuro obsesivo a capturas que nos enfrentan a la violencia y la materialización de nuestra especie, asimilada al concreto de las construcciones apiladas unas sobre otras, colapsando la superficie. Hay cierta violencia en este exceso que se deviene una práctica espontanea de quienes la habitan. Explosiones, miradas desconfiadas y entreabiertas, humanoides, letras, edificios disparados hacia el espacio exterior; situación extrema y asfixiante con cielo encapotado. Destilando mensajes ralentizados por la descripción detallada del dibujo construye un mundo surreal lleno de ecos del presente, a través del juego se disparan estos conflictos de reflejos e identidad que nos descubren en lo irreconocible.

Sr. Linterna, 2007. Dibujo - tinta sobre papel; 70 x 100 cm. Donación de la Academia Nacional de Bellas Artes.



Mónica Millan dibujo

Nacida en San Ignacio, Misiones, Millán desarrolla su obra a partir del misterio de la selva, de la naturaleza y su fértil humedad que ha sabido recrear a través de la pintura, el bordado, la instalación y el dibujo, entre otros lenguajes que le permiten acercar la flora y la fauna donde ella va. Por proximidad cultural y natural trabajó con un grupo de tejedoras paraguayas que le permitieron probar con el telar, el ao poi y el encaje tejido con aguja. Encajes-paisajes, dibujos-retratos, tierra amasada, hogar de las termitas, que le permitieron recuperar, identificar y recrear tejidos tradicionales que tendieron un puente entre la obra y el arte popular; una problemática vital en el norte de Argentina que compartimos con Paraguay y Bolivia. La línea fina, precisa, y orgánica, fluye contorneando las plantas. El lápiz es casi una aguja, la planificación continúa en el permanente afilado del lápiz que dibuja las proyecciones de archivos que Mónica registra en sus viajes y expediciones. Algunos documentos ajenos: ilustraciones naturalistas de siglos pasados también se proyectan en el espacio sagrado donde la única luz es el proyector, y el silencio conlleva una concentración muy profunda, una lectura muy atenta del paisaje elegido: ese pequeño paraíso.

El río bord(e)ado, 2011. Dibujo - lápiz sobre papel; 100 x 130 cm. Donación de la Academia Nacional de Bellas Artes.



Roxana Ramos instalación

Ramos nacida en Cafayate, ha mantenido a lo largo de su trabajo un vínculo cercano al paisaje natal desde sus primeras series, su cuerpo y sus experiencias son parte de las mismas. Incorporándose ella misma al horizonte: Lugareña, Emular, Vestuarios, Horizonte, Sombras son algunos de los registros performáticos realizados en relación a su contexto natal donde la fotografía y el video toman relevancia, ya que finalmente son los lenguajes a través de los cuales nos enfrentamos a su obra. A partir de los registros ha comenzado a intervenir el espacio per se incluyendo los muros como elemento de la obra, materia prima desde donde va generando sutiles diseños que dibuja perforando la pared y simulando que esta pierde materia, se desmiembra, se vuelve polvo a partir de la acción de sus dibujos. Este nuevo lenguaje de la instalación la sitúa en un nuevo horizonte, de ser ella parte de su obra da lugar al espacio como elemento estructural de la misma. Reconozco a mi trabajo en las problemáticas y estéticas contemporáneas del arte. Me reconozco en la tradición del trabajo auto-referencial, acciones con el cuerpo, pero todo ello mediante el recurso o técnica que se adecue a la idea. No tengo un género como disciplina. (R.R.)(4)

Doxa, 2013. Instalación; 150 x 150 x 60 cm. Segundo Premio Adquisición XXXIII Salón Provincial de Artes Visuales 2013. Especialidad Nuevos Soportes. Provincia de Salta



Armando Sapia dibujo

Esta misma mano, no otra, es la que alguna vez sobre una pared de roca en Lascaux o Altamira, trazó el contorno de bisontes y guerreros. (A. S.) (6) Armando Sapia con su dibujo, a pura línea, convoca un mundo que surge de manera natural; sin boceto previo se va desplegando sobre la superficie, tomando cuerpo se descubre ante la mirada sorprendida del artista. Oficio que deviene herramienta para ir creando un modo de mirar y de crear esta realidad invisible y suspendida que se concreta a través del fluir de la tinta sobre el papel. Desde allí surgen mundos y especies, situaciones, formas y vacios, líneas tendidas con certeza hacia lo que debe volverse visible. Hay una postura ideológica en la elección del lenguaje del que se apropia el artista para realizar su trabajo, la resistencia del oficio, la persistencia del dibujo como única herramienta desde donde proponer una nueva realidad es hoy un acto casi heroico ante la multiplicidad de lenguajes que el arte actual permite, con una permeabilidad casi absoluta que incluso propone cierta hibridación de las prácticas artísticas.

Dejándose conducir i, 2005. Dibujo - tinta china sobre papel Schoeller; 33,5 x 25,3 cm. Donación de la Academia Nacional de Bellas Artes.



Javier Soria Vázquez

¿El tiempo es infinito, es lineal, es paralelo? Estas preguntas atraviesan la obra de Soria Vázquez que se empeña en filtrarse en el tiempo para recortarlo, registrarlo, estudiarlo a través de la fotografía. Su producción es un medio para referirse al tiempo desde la metáfora y el cálculo; dos elementos, en apariencia opuestos, que no lo son si se tiene en cuenta que la poesía es la suma de la métrica y la subjetividad. (7) El artista define su obra como un desorden en el que cada elemento corresponde al lugar en el que se encuentra; su intervención tiene como intención desarticular, mediante registros calculados y obsesivos, la relación directa y proporcional entre espacio y tiempo. Accionando sin restricciones, con el fin de evidenciar posturas o pensamientos críticos hacia cualquier sistema (no todo es arte). (8)

1323 segundos, 2013. Fotometraje de 41 tomas directas; 150 x 17 cm. Primer Premio Adquisición XXXIII Salón Provincial de Artes Visuales 2013. Especialidad Fotografía. Provincia de Salta




bios Marcelo Abud. Jujuy, Perico, 1975. En 2001 concluye el Profesorado de Artes Plásticas Raúl Scalabrini Ortiz, Jujuy. 2005 al 2009, asiste al Taller de Fotografía de Guadalupe Miles, en Salta. 2005 concurre al encuentro del Taller Noarte con Eduardo Gil, Tilcara, Jujuy. 2006 seleccionado para la muestra Pertenencia Jujuy, Fondo Nacional de las Artes, Jujuy-Bs. As. 2006 es elegido para el programa Argentina Pinta Bien, Arte de Jujuy, C.C. Recoleta, Jujuy-Bs. As. 2008 es invitado a exponer en el espacio Fotografía emergente en Buenos Aires Photo, Palais de Glace, Bs. As. 2009 realiza su primera muestra individual en la Fotogalería del Teatro San Martín, Bs. As. 2012 es becado por el Fondo Nacional de las Artes para el taller de Esteban Álvarez, Salta-Jujuy. 2013 Seleccionado como finalista por la UNTREF para el Premio Braque a las Artes Visuales, Bs. As. 2013 / 2014 fue convocado por el Fondo Nacional de las Artes y la Secretaria de Cultura de la Nación a participar en la muestra Territorio y Subjetividades, Nueva YorkWashington DC. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas. Vive y trabaja en Perico.

Evangelina Aybar. Salta, 1984. Creció en Cafayate. En Tucumán se gradúa de Licenciada en Artes Plásticas con especialización en Pintura (UNT). Estudió en el taller Linares, con artistas locales como Carlos Alcalde, Guillermo Rodríguez. Participó en muestras colectivas e individuales, realizó Clínica y Análisis de Obra junto a Kevin Power, quien la invitó a su muestra internacional Discursos Narrativos. Participó en Entre - Campos 2009 dirigido por Patricia Hakim. En ese año obtuvo el 1° Premio en el Salón Nacional del Museo de la Universidad de Tucumán . En 2010 tras obtener la Beca del Centro de Investigaciones Artísticas se trasladó a Buenos Aires donde realizó clínicas, workshop, entrevistas, seminarios y charlas con artistas ,teóricos y críticos como: Jorge Macchi, Dean Daderko, Juan de Nieves, Nicolás Guagnini, Victoria Noorthoorn, Yoshua Okón, Osvaldo Sánchez, Mike Smith entre otros. Desde el 2011 realiza clínica junto a Diana Aisenberg. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Juan Esteba Cañizares. Salta, 1982. Profesor en Ciencias Políticas y artista visual. Efectúa exposiciones en espacios de arte contemporáneo, museos y galerías de Argentina . Participa de seminarios, clínicas de arte y talleres de artstias en instituciones públicas y privadas. Especializado en Gestión en Arte por la Universidad Católica de Córdoba, entre 2010 y 2013 efectúa la producción del Museo Provincial de Bellas Artes de Salta y colabora como asistente en el departamento audiovisual y responsable de prensa. Su obra forma parte del patrimonio artístico del Museo de Arte Contemporáneo de dicha ciudad y de bon - Inburgering Brussel, Belgie. Vive y trabaja en Bélgica.

Ana Coll. Santa Fe. Egresada de la Universidad de Buenos Aires. Estudió fotografía en la EA F. Realizó talleres con María Kusmuk, Adrian Lagioia, Miguel Caprara, Oscar Vazquez, Julio Pantoja, José Antonio Navarrete, Silvia Mangialardi y Maria Zorzón. Su obra se expuso en la muestra Cariátides, Concurso Metrovías. Recibió el 1º Premio en los concursos Miranova y Acipesu y Mención en Médicos Artistas, Lactancia Materna Microlut y Sibald Point (Toronto, Canadá) y Hotel Dut Bariloche Imágenes Patagónicas. Expuso en 2004 La otra mirada en el Espacio de Arte del Laboratorio Schering, en las Muestras Colectivas de Alumnos de la EAF en 2005 y 2006 en la Sala Alicia D'Amico y en el Centro Cultural Recoleta. Entrelíneas y…curvas en 2007 con la curaduría de Elda Harrington, en El Baldío Movil Desnudos y Dípticos en 2008 con curaduría de Miguel Zurraco y Maria Kusmuk, Grupo Alumbrar: Una


mirada de mujeres sobre la mujer en 2011 en el Centro Cultural Recoleta, con la curaduría de Elda Harrington y Ellas colectiva con Victoria Dobaño y Carolina Grillo en 2013 en el mac Salta, Curadora Elda Harrington. Actualmente trabaja con David Beniluz.

Raúl Cottone. Santa Fé. Estudió fotografía en la escuela Leandro N. Alem, de Santa Fé. Realizó talleres junto a los fotógrafos Daniel Martelotti, Raúl Beceiro, Daniel Barraco, Marcos López, Juan Travnik entre otros. Realizó cursos de Historia del Arte en el Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodriguez: El Arte del Siglo XX con Osvaldo Svanazzini y Panorama del Arte en Latinoamérica con Ana María Rico. Ejerce como docente desde el año 1978 y desde 2007 es Profesor de Fotografía de la Escuela Leandro N. Alem. Desde 1978 dicta seminarios, charlas y cursos de fotografía en Argentina y el extranjero. Ha participado y coordinado diversos proyectos, realizando diversas publicaciones y exposiciones tanto en Argentina como el exterior. En 1989 recibió el 1º premio de la FIAP- Bienal Mundial de Fotografia y en 1995 fue nombrado fotógrafo del año por COFRADES- Cámara Fotográfica Argentina. Vive y trabaja en Santa Fe.

Alfredo De Stéfano. Monclova, Coahuila, México. Es considerado uno de los fotógrafos conceptuales contemporáneos más importantes de México. Su pasión es el paisaje y específicamente el del desierto, panorama que ha recorrido infinidad de veces fotografiándolo e interviniéndolo. Entre sus series fotográficas destacan De parajes sin futuro (1992), Vestigios del paraíso (1996), Habitar el vacío (2002) y Breve crónica de luz (2006). Desde el 2008 trabaja en su nueva serie: Tormenta de luz. Todos los desiertos son mi desierto que se desarrolla en diferentes desiertos del mundo. En su haber se encuentran mas de noventa exposiciones, entre individuales y colectivas, y su trabajo se ha expuesto en ciudades como: Paris, Sao Paulo, New York, Washington, Madrid, Bogotá, México, Buenos Aires, Rabat, Lima, Perth, entre otras. Sus fotografías han aparecido en numerosos libros y revistas y su obra se encuentra en colecciones publicas y privadas de México y el extranjero. Desde el 2008 es miembro del Sistema Nacional de Creadores.

Victoria Dobaño. Diseñadora Textil (FADU-UBA). Fotógrafa Profesional y Técnica en Imagen (EAF). En 2012 presenta la muestra individual Segunda piel en la Sociedad Unión Italiana, Ranchos; participa en ArteBA 2012, en la galería Jorge Mara-La Ruche. En 2011 participa de la muestra colectiva CUATRO+UNA, galería Jorge Mara-La Ruche. Participa del libro Segunda piel en la Feria de libros de fotos de autor de Buenos Aires/ Bienal de Fotografía de Córdoba/ Bienal de Fotografía de Perú. Con la muestra Segunda piel se presenta en galería Alicia D´amico y en el Centro Cultural Recoleta. En 2010 es ganadora del concurso internacional Sony World Photography Awards Cannes 2010, fue elegida alumna del mes, por World Photography Organisation, realiza muestras en la Escuela de Fotografía, Universidad del Pacífico, Santiago de Chile. Es seleccionada en el concurso Arte y Cáncer de Mama 2010 y participa en el proyecto Satori Lab, La Iluminación (Malba). Durante 2009 presenta su muestra individual de fotografía La verdad de esta vieja pared en la EAF. En 2007 recibe la distinción en el concurso de Fotografía de la Fundación Huésped y Secretaría de Cultura del Gobierno de la Nación, sobre la prevención del HIV. Participa en el proyecto de diseño Satori Lab. La niñez en juego (Malba). En 2006 recibe el 3er Premio a la innovación -concurso de Fecol 2006- Esperanza, Santa Fe. Distinción en el concurso de diseño Easy me inspira. Vive y trabaja en Buenos Aires.


Carolina Grillo. Santa Fe, 1974. Reside en Salta desde 1977. Cursa la carrera de Psicología en la Universidad Católica de Salta y estudia Psicoanálisis y Letras. Entre 2002 y 2010 asiste a los talleres de estética fotográfica de Guadalupe Miles, y participa en jornadas con Tulio de Sagastizábal y Juan Travnik, entre otros. Forma parte del taller NOArte, de producción y reflexión sobre artes visuales, coordinados por Eduardo Gil, en Salta (2004) y Tilcara, Jujuy (2005). En 2007 expone, junto a otros artistas, en la muestra de apertura del XXXI Abril Cultural Salteño, y resulta finalista en el Salón Premio Itaú Cultural en 2009. Forma parte del Salón Hotel Colonial de Artes Visuales, en el Museo de Arte Contemporáneo de Salta en los años 2010 y 2011. Es una de los ganadores del Concurso Nosotros como parte del Plan de Fomento y Promoción de Contenidos Audiovisuales del SATVD-T primera edición en 2010, con el documental Ver el aire, tres poetas salteños. En 2011 gana el Segundo Premio del XXXI Salón Provincial de Artes Visuales, especialidad fotografía y participa de la 2º Edición del Concurso Imágenes del Bicentenario. En 2012, es seleccionada para asistir a la Clínica de Análisis y seguimiento de obra a través de una beca del Fondo Nacional de las Artes a cargo de Esteban Álvarez, en las provincias de Salta y Jujuy. En marzo de 2013 expone en la muestra grupal denominada Ellas, con curaduría de Elda Harrington, en el Museo de Arte Contemporáneo de Salta. En 2013 es nuevamente becaria en la Clínica de análisis y seguimiento de obra del Fondo Nacional de las Artes, coordinado Carina Cagnolo y asiste al Taller de sonido y narrativa dictado por Lucrecia Martel en el marco de Plataforma Audiovisual Salta. Vive y trabaja en Salta.

Celina Jure. Jujuy, 1963. Estudia en la Esc. Nac. de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires, finalizando en 1989. En 1986 viaja por Europa. Estudia en la Ecole des Beaux Arts en Nîmes, Francia. Entre 1990-93 vive en Holanda. Entre 1992-97 estudia en la Kunstakademie Düsseldorf con Gotthard Graubner, Alemania. Hasta 2011 vive y trabaja en Düsseldorf. Desde 2011 vive en Buenos Aires, Düsseldorf y Jujuy. Exposiciones individuales y colectivas (selección) 2013 ...en-torno a los colores de Capricornio, mac Salta; Retornando, Galeria Carmen Sandiego, Buenos Aires; Territorios, FNA, Buenos Aires. 2012 Territorio de cruce, con Mele y Bellotto, Biblioteca Nacional; Camalotes en los lagos, Mecenazgo, CABA; Territorio de cruce, con Mele y Bellotto, Corea, Yeosu y Tokio, Japón. 2011 Lokal-int, Biel, Suiza; Premio Fundación ANDREANI; Bienal OpenArt 011, Örebro, Suecia; 1st international Bienne City Zine Weeks, Biel, Suiza. 2010 Kunstpunkte, Düsseldorf, Alemania. 2008 Malkasten Düsseldorf, Alemania. 2006 hin und zurück, Kunstverein Dorsten; Galeria Alberto Sendrós, Buenos Aires. 2005 La revuelta de la pintura, Sala Rivadavia, Cadiz; See Container, Kulturraum Hombroich, Field Institute, Museo de Insel Hombroich. 2004 Project-room, Fundacion Proa, Buenos Aires; 8 posiciones sobre el dibujo, Museo de Baden, Solingen. 2002 Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, con Martín Mele.

Santiago Lofeudo. Desde 2008 realiza exposiciones, muestras individuales y colectivas en Buenos Aires, Salta, Jujuy, Italia y EEUU. Entre las exposciones más destacadas, se encuentra su participación en la muestra colectiva Viva el Pop en el año 2009, en el año 2010 participó de BA PHOTO en el Palaice de Glace, en el mismo año expuso en el marco de La Noche de los Museos en Casa Paternal. En el año 2012 participó de una muestra colectiva en la Galería ARTE x ARTE en el marco del Nano Festival de la Fotografía. En el año 2011 y 2012 participó de la muestra de cortometrajes Video Jujuy Cortos, organizado por Wayruro y en la Semana del Cine Argentino en Salta a fines del 2012. Con el proyecto Movimientos, en el cual está inmersa la obra recientemente premiada y adquirida por el XXXIII Salón Provincial de Artes Visuales: Feriados, participó en muestras fotográficas colectivas en The Vermont Center for Photography - Bratellboro, EEUU y en la VI edición del Premio IILA-FOTOGRAFIA Instituto Italo Latinoamericano en Roma, Italia. En el año 2011 obtuvo una mención en el concurso Mi regalo del Bicentenario con


el clip Orejas organizado por Discovery Channel y Ciudad Cultural Konex, en el 2012 obtuvo el tercer lugar en el concurso Imágenes del Bicentenario organizado por la Secretaría de Cultura de Salta con el cortometraje Un Angel en mi mente, rodado en Santa Victoria Este. En el año 2013 fue beneficiado por el Fondo Ciudadano de Desarrollo Cultural por el proyecto del cortometraje audiovisual Papa Andina, del Cerro a la Cocina Gourmet.

Jorge Meijide. Buenos Aires, San Fernando, 1947. Entre 1972 y 1983 concurre al Taller de Dibujo de la Asociación Estimulo de Bellas Artes, habiendo tenido como profesores a Rubén Locaso, Salvador Benjuya y Carlos Fels. Entre 1994 y 2003 asiste al Taller de Escenografía del Teatro Colón con los profesores Gerardo Pietrapertosa y Jorge Rulio. Actualmente asiste al Taller de Litografía del Centro de Edición y Formación Gráfica de Buenos Aires con la profesora Natalia Giacchetta. Participó en numerosas exposiciones en el país y en el extranjero. En l997,1999 y 2001 es invitado al Premio Trabucco de Dibujo de la Academia Nacional de Bellas Artes. Ingresa a Humor en 1978 y colabora con esta y otras de Ediciones La Urraca hasta su cierre en 1999. En Humor publica como guionista las historietas Protección al Menor, Desvínculos y La Clínica del Dr. Cureta, y también escribe algunos guiones de Vida Interior. La Clínica… fue llevada al cine, y su guión - escrito junto a Jorge Garayoa- es nominado al Premio Cóndor de Plata. Colabora a través del dibujo o la escritura en las revistas Billiken, El Gráfico, Eroticón, Cronopios (España), Uno Mismo y con los diarios Tiempo Argentino, La Voz y La República (Uruguay). Recibe galardones en diversas exposiciones de humor, entre ellas el Accesit en el concurso Terapia Humoral de la Universidad de Lleida, España, en 2005. Como artista plástico participa en numerosas muestras en la Argentina y el extranjero y consigue en el rubro Dibujo el Premio Municipal, el Gran Premio del Salón Nacional y el Tercer Premio en la Bienal de Taiwán.

Mónica Millán. Misiones, 1960. Tras completar sus estudios de dibujo y pintura en el Profesorado Superior Antonio Ruíz de Montoya (Posadas) asistió al taller de Luis Felipe Noé. Recibió las becas de la Fundación Antorchas, del Fondo Nacional de las Artes, Fundación Rockefeller y Fundación Telefónica. En el 2000 obtuvo la beca Trama para participar de talleres de análisis y confrontación de obras. Fue seleccionada para participar de residencias en Canadá e Italia. A partir de 1997 coordinó curadurías, clínicas y seminarios de arte en el Nordeste argentino. Desde 2002 viene trabajando en Paraguay con un pueblo de tejedores, asesorada por el ensayista crítico de arte Ticio Escobar. Sus últimas instalaciones incluyen sistemas electroacústicos que reproducen sonidos capturados en pleno monte misionero más aquellos que experimenta con su propia voz. Entre sus últimas exposiciones individuales se destacan: El rio Bord(e)ado, Spanierman Modern Gallery, New York (2007); Llueve. Es de siesta. Galeria Zavaleta Lab, Buenos Aires. (2006); Situación de Estudio El Vértigo de lo Lento. Yataity, Fundación Rockefeller y Museo del Barro, Paraguay (2002) ; Galería Luisa Pedrouzo, Buenos Aires (2003) ; Bienal de Cuenca, Ecuador (2004); Jardín de resonancias. The Other Gallery, Banff Centre for the Arts, Canadá (2001); Mamba, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2002); Museo de Arte Contemporáneo de la UNAM Posadas, Misiones (2003). También participó de las siguientes muestras colectivas: Pampa, ciudad y suburbio, Espacio Imago, Fundación OSDE, Buenos Aires (2007); Pintura sin pintura (2005) Centro Cultural de España CCEBA, Buenos Aires; Estados de la Tierra (2004-2005) Centro Cultural de la Cooperación, Buenos Aires; Complejo Cultural Santa Cruz (Río Gallegos); Jardines (2004) Intituto Italo-latinoamericano Roma, Italia.


Roxana Ramos. Salta, Cafayate, 1978. Lic. en Artes Plásticas y Prof. en Artes Visuales de la Universidad Nacional de Tucumán. En 2012 realiza Posgrado en Gestión Cultural en Univ. Nac. de Córdoba. Cursa el Doctorado en Humanidades- Artes en UNT. Desde 2004 reside en Salta donde desarrolla actividades como artista visual, docente de nivel superior y gestora cultural independiente (coordina, el Espacio de Artes Visuales La Guarda, 20042013). Becaria en 2013 y 2012 del Fondo Nacional de las Artes y del Fondo Ciudadano de Cultura de Salta por La Guarda y Telúrica ll. Fue Artista residente en Quillagua, Antofagasta, Chile. En 2011 y 2009 organizó y participó de Pensamientos Emplazados con Justo Pastor Mellado, Rafael Cipollini, Eva Grinstein, Román Vitali, Jorge Macchi, Ana Longoni y otros. En 2010-2009 becada por la Oficina Cultural de España para el Programa de Excelencia en Gestión Cultural. Participa de Entrecampos regional, Fundación Telefónica. En 2003 Becaria del Fondo Nacional de las Artes para Perfeccionamiento para artistas del interior del país, con Fabiana Barreda. En 2002 participa de TRAMA y Riej Academie de Holanda con el artista holandés Sigurdur Gudmunson, Tucumán. 2001 y 2003, Becaria de Fundación Antorchas, Encuentros de análisis y producción de obra (Pablo Siquier, Graciela Sacco, Valeria González, María José Herrera, Res, Ana María Battistozi y Santiago García Navarro). Segundo Premio en Pintura, Museo del Vino, Cafayate. Primer Premio en Grabado en Salón Timoteo Navarro, Tucumán. Finalista del X Salón Federico Klem. Finalista de Currículum Cero, Ruth Benzacar, entre otros. Participó de muestras: Utopías Aplicadas en Antofagasta Chile. Arte Ba 2011, 2009 y 2007, Bs As. El dormidero otro arte, mac Salta, 2011 (indiv). PA(I)SAJES arte contemporáneo del Noa, Centro Cultural España Buenos Aires, Centro Cultural de la República, Paraguay. La Fotografía en Salta, Abril Cultural Salteño, Centro Cultural América. 2006: Participa de Interfases y Pertenencias, FNArtes. Realiza su obra mediante performance, objetos, fotografía, video, instalación. Es parte de colecciones Castagnino + MACRO; mac Salta; Re - Colección (Bs As); UNT y colecciones privadas.

Armando Sapia. Estudió en las Escuelas de Bellas Artes Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón. De esta última es profesor titular de dibujo. Ha realizado dieciséis muestras individuales, las últimas en el Museo de Arte Moderno y en la galería Ática y participado en numerosos salones y muestras colectivas. Recientemente lo hizo en el Premio a la Creatividad, Fondo Nacional de las Artes (1998), en el Premio Trabucco (1997 y 1999) invitado por la Academia Nacional de Bellas Artes y en Siglo XX Argentino: Arte y Cultura, Centro Cultural Recoleta (1999/2000). Ha recibido, entre otros, el Primer Premio del Salón de Rosario (1985), el Primer Premio del Salón Municipal Manuel Belgrano (1988) y el Gran Premio de Honor del Salón Nacional (1985). Fué becario del Fondo Nacional de las Artes en literatura y partícipe de la ahora mítica experiencia Tucumán Arde. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Javier Soria Vázquez. Salta, Cafayate. Realizó numerosas muestras en museos y espacios de Argentina, Chile y México. Participó en talleres y clínicas de obra a cargo de Jorge Macchi, Claudia Fontes, Rafael Cippollini, Ticio Escobar, Patricia Hakim, Eva Grinstein, Adriana Bustos y Kevin Power. Se desempeñó como jurado en salones y convocatorias nacionales. Participó en residencias para artistas nacionales e internacionales. Su obra forma parte de colecciones privadas e institucionales. Vive y trabaja entre Tucumán y Cafayate.


Edición Catálogo Adquisiciones 2013 Museo de Arte Contemporáneo de Salta Editores Daniel Conti - Valeria Cabrera Textos Marcela López Sastre

Diseño Paula Ferrer Asistente de Diseño Sergio Díaz

(1) http://www.boladenieve.org.ar/ (2) http://cecut.gob.mx/pc/alfredo-de-stefano/ (3) Héctor Salud -París Julio 2012 http://www.revistalafuga.com/v2/dato.php?id=262 (4) http://www.boladenieve.org.ar/ (5) http://artebus.com.ar/artistas/criticas.php?artID=84&lang=ES (6) http://www.boladenieve.org.ar/ (7) http://www.boladenieve.org.ar/

Impresión Cartoon. S. A.

Referencias


grupo telefe



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