CURADURÍAS MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ Enero - Junio, 2018

Año 4. / N° 1. / Enero - Junio, 2018 / ISSN 2462 – 7615

Año 4. / N°. 1 / Enero - Junio, 2018 / ISSN 2462 – 7615 MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ

CURADURÍAS

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ, Curadurías Año 4. / N°1. / Enero - Junio / 2018 MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ, curadurías, es una publicación semestral tipo catálogo sobre investigaciones curatoriales en el campo del arte contemporáneo.

Contiene artículos inéditos resultado de proyectos e investigaciones curatoriales, experiencias educativas, gestión y manejo de colecciones. Incluye reflexión temática e investigación histórica sobre el significado social de la cultura en el siglo XXI. Corporación Universitaria Minuto de Dios - UNIMINUTO. Todos los contenidos publicados en MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ, Curadurías Año 4. / N°.1. / Enero - Julio, 2018 / ISSN 2462 – 7615 son seleccionados por el Comité Editorial de acuerdo con criterios establecidos. Están protegidos por el Registro de Propiedad Intelectual.

Los conceptos expresados en los artículos y obras competen a sus autores, son su responsabilidad y no comprometen la opinión de UNIMINUTO. © Reservados todos los derechos a la Corporación Universitaria Minuto de Dios – UNIMINUTO. Está permitida la reproducción parcial de esta publicación en cualquier medio, incluido electrónico, siempre y cuando cite de forma clara la fuente.

ÍN DI CE

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EL TODO Y LA NADA Biografía José Cosme

DINAMISMO Obras de la Colección

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19 PICTOGLIFOS 27 Biografía Ache Juan Pablo Vallejo

EL IMPERIO INVISIBLE & EL LIMBO

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Biografía Juha Arvid

71

Biografía Sandra Rengifo

75 85

87

MEDIDAS DE PROTECCIÓN

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Ache, Smash, Yeye y Pesimo

Biografía William Bahos

TREZ: GRACIA, CAMINO, ANATOMÍA DEL PENSAMIENTO

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Biografía Gleo Nathalia Gallego

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Biografía Pesimo Edwin Higuchi

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Biografía Yeye Jeisson Torres

BARRIO MUSEO

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CURADURÍAS EXTERNAS

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De mujeres Cuerpos, espacios y violencias

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El Poder de la Imagen

143 EXPERIENCIAS EDUCATIVAS

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El 2018 abre para el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá con una serie de propuestas plásticas que desean abrir la discusión sobre los hechos que permanentemente captan la reflexión del acontecer contemporáneo.

auto-reflexivo porque incorpora la pregunta ¿Qué es el arte?. Lo hace bajo un diálogo explícito a ciertas manifestaciones del arte de posguerra comprometidas con la concepción arte y vida.” Así lo manifiesta el curador Gerardo Zavarce.

Es una realidad innegable que el compromiso político y el activismo encuentran en el arte uno de sus mayores y más completos canales de expresión.

Una de las características del siglo XXI es la incertidumbre, que como una peste medieval se expande implacable a todos los niveles de las relaciones sociales; el escepticismo se ha convertido en la base del andamiaje posmoderno, su estructura dialógica entreteje las dudas comunes y genera nuevas dudas que colocan en interrogación cada uno de los principios tradicionales; los inconformes, los indignados son manifestaciones visibles del cansancio y debilitamiento de un modelo económico dominante que poco a poco se ha quedado sin argumentos.

El valenciano José Cosme, reelabora simbólica y semióticamente el concepto de trascendencia para invitarnos a pensar al ser humano desde una perspectiva escatológica posmoderna despojada de los adornos, la retórica y el manierismo.

“A través de este ejercicio el artista elabora una visión crítica de la contemporaneidad y coloca en el horizonte de su reflexión las inquietudes por el sentido de la vida, el significado y devenir del ser humano y sus vínculos con el universo. De esta manera, elabora una cosmovisión que problematiza la naturaleza del ser como territorio para definir la existencia. Al tiempo que elabora una reflexión sobre lo sensible en el contexto de las propias prácticas artísticas contemporáneas. Es decir, Cosme construye un ejercicio no sólo existencial por su interpelación antropológica, sino

Juha Arvid (Finlanda) con El Imperio Invisible y Sandra Rengifo (Colombia) con El Limbo escenifican el malestar global, el abuso de poder y el autoritarismo, es un ejercicio de memoria vibratorio que sube desde el murmullo y llega hasta el grito.

Es el anuncio y la denuncia a través de las imágenes fotográficas, es retar de frente a la autoridad del establecimiento atacando sus puntos más vulnerables.

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Si todo lo que hemos analizado hasta ahora se centra en el ser humano y sus relaciones sociales, analizaremos enseguida aspectos más personales e introspectivos.

William Bahos propone en su proyecto, Medidas de protección, una aproximación a las creencias populares que buscan blindar por medio de riegos, rezos, amuletos y todo tipo de objetos mágico-religiosos, la vulnerabilidad e inseguridad humanas; el humano del siglo XXI es escéptico pero por si acaso se unta, se persigna, se reza, lleva dijes, patas de conejo, chaquiras, semillas, medallas, hilos de colores, escapularios, etc. No deja cabo suelto, pero tampoco desea que le impongan una creencia o una forma de comportamiento.

Como consecuencia lógica de esta incertidumbre entramos en el campo de la resistencia que toma como escenario los muros y espacios de la ciudad para dejar nuevas huellas urbanas que son asimiladas por una nueva generación que las fotografía y las distribuye por las redes sociales.

Es el lenguaje del graffiti, del arte urbano o arte de la calle en el cual se mezclan la crítica, la indignación, el inconformismo,

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la política, la desilución, la poesía, el color, el compromiso, el fanatismo, el dolor y la melancolía.

La curaduría TREZ, reune en un solo espacio lo público y lo privado, es decir la obra gráfica y de caballete junto con la obra mural urbana de Gleo, Pesimo y Yeye.

Gleo, cuyas intervenciones públicas en México, Brasil o Argentina dan cuenta de su enorme poder simbólico lo traslada ahora a los lienzos inspirados en su propio albúm familiar; Pesimo, gran gestor de festivales de muralismo en su natal Lima y en otras ciudades del continente, y Yeye que alterna su exquisita caligrafía con la peculiar aptitud para el corte donde a manera de cirujano devela capa por capa las entrañas de sus dibujos sin dejar de lado la pintura y el muralismo urbano.

Tres maneras de ver el mundo, tres expresiones contundentes, tres artistas que dejan huella con un mural colaborativo dentro del proyecto Barrio Museo y siguen expandiendo la cultura mas allá del museo.

Gustavo A. Ortiz Serrano Director MAC

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2018 opens for the Contemporary Art Museum of Bogotá with a series of plastic proposals that wish to open the discussion about the facts that permanently capture the reflection of contemporary events.

It is an undeniable reality that political commitment and activism find in art one of their greatest and most complete channels of expression.

The Valencian José Cosme, reworked symbolically and semiotically the concept of transcendence to invite us to think about the human being from a postmodern eschatological perspective stripped of adornments, rhetoric and mannerism.

“Through this exercise, the artist develops a critical vision of contemporaneity and places in the horizon of his reflection the concerns for the meaning of life, the meaning and evolution of human beings and their links with the universe. In this way, it elaborates a worldview that problematizes the nature of being as a territory to define existence. At the same time, it elaborates a reflection on the sensitive in the context of contemporary artistic practices. That is to say, Cosme constructs an exercise

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not only existential by its anthropological interpellation, but self-reflective because it incorporates the question ¿What is art?

He does so under an explicit dialogue with certain manifestations of post-war art committed to the conception of art and life. Says the curator Gerardo Zavarce.

One of the characteristics of the 21st century is the uncertainty that, like a medieval plague, relentlessly expands at all levels of social relations; Ecepticism has become the basis of postmodern scaffolding; its dialogical structure interweaves common doubts and generates new doubts that place each of the traditional principles in question; the unhappy, the indignant are visible manifestations of the tiredness and weakening of a dominant economic model that little by little has run out of arguments.

Juha Arvid (Finland) with The Invisible Empire and Sandra Rengifo (Colombia) with El Limbo stage the global malaise, the abuse of power and authoritarianism, it is an exercise of vibratory memory that rises from the murmur and reaches the scream.

It is the announcement and the denunciation through the photographic images, is to challenge the establishment authority attacking its most vulnerable points.

If everything we have analyzed so far focuses on the human being and his social relationships, we will immediately analyze more personal and introspective aspects.

William Bahos proposes in his project, Measures of protection, an approach to popular beliefs that seek to shield by means of risks, prayers, amulets and all kinds of magico-religious objects, human vulnerability and insecurity; the human of the 21st century is skeptical, but just in case it smells, crosses, prays, carries charms, rabbit legs, beads, seeds, medals, colored threads, scapulars, etc. He does not let loose, he does not want to be imposed a belief or a form of behavior.

As a logical consequence of this uncertainty, we enter the field of resistance that takes the walls and spaces of the city as a stage to leave new urban footprints that are assimilated by a new generation that photographs them and distributes them through social networks.

It is the language of graffiti, urban art or street art in which criticism, indignation, nonconformity, politics, disillusionment, poetry, color, commitment, fanaticism, pain and melancholia.

The curatorial project TREZ, brings together in a single space the public and the private, that is, the graphic and easel work together with the urban mural work by Gleo, PĂŠsimo and YeyĂŠ.

Gleo, whose public interventions in Mexico, Brazil or Argentina give an account of its enormous symbolic power, now translates it to canvases inspired by his own family album; PĂŠsimo, great manager of mural festivals in his native Lima and other cities on the continent, and Yeye who alternates his exquisite handwriting with the peculiar aptitude for cutting where as a surgeon unveils layer by layer the entrails of his drawings without stopping side painting and urban muralism.

Three ways to see the world, three strong expressions, three artists who leave their mark with a collaborative mural within the Barrio Museo project and continue to expand the culture beyond the museum.

Gustavo A. Ortiz Serrano Director MAC

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Cuando hablamos de graffiti, caligrafías, glifos y arqueología, nos imaginamos piedras pintadas, diseños de letras no legibles, huesos enterrados en la tierra o una serie de muros rayados sin ningún sentido o coherencia. En este orden de ideas, y para ser más exacto, partimos de los procesos que la contemporaneidad genera y la apropiación que hace el artista ecuatoriano ACHE como proceso de investigación y cuestionamiento de los espacios que son habitados y los que no; la arquitectura, los muros, los parques y las calles, son espacios que hablan constantemente.

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Esta muestra reúne su más reciente producción artística con una serie de grabados, esculturas, instalaciones y la intervención de un mural que pone en visto la problemática y debate que existe sobre la apropiación del espacio.

Juan David Quintero Arbeláez Curador

Los pictoglifos o pichoglifos como los resuelve el artista, consisten en dejar símbolos del pichação en materiales como piedras, mármol y vidrio. Es así, como ACHE realizó durante su estadía en el Barrio Minuto de Dios, en el Museo de Arte Contemporáneo y sus alrededores, isotipos que dan respuesta a este cuestionamiento y parten de una relectura de los lugares y no lugares que habitualmente son olvidados o enjuiciados. Así, podemos entender como una nueva apropiación del espacio entorno y en lucha contra la homogeneidad impuesta por la urbanización moderna da una lectura diferente.

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PIC TO GLY PHS When we speak of graffiti, calligraphy, glyphs and urban archeology, we start from the processes that the contemporaneity generate and the appropriation made by the Ecuadorian artist ACHE as a process of investigation and questioning of the spaces that are inhabited and those that do not; the architecture, the walls, the parks and the streets are spaces that speak to us constantly.

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Ache Juan Pablo Vallejo

“

Podemos entender la practica artística de Ache como un proceso de investigación y cuestionamiento de los espacios que son habitados y los que no; la arquitectura, los muros, el mobiliario urbano y las calles, son espacios que se transforman y cuestionan a través de las intervenciones de Ache, es así como estos ejercicios nos hablan constantemente desde una nueva apropiación del espacio, evidenciando la homogeneidad impuesta desde una lectura diferente del espacio público.

”

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Ache “HTM” Vallejo reside y trabaja en Quito, desde hace 10 años. Trabaja con diferentes medios y soportes de intervención, le gusta la abstracción, la música y la bicicleta. Nació en Zaruma en 1986, donde fue a la escuela y creció. Es hermano de Allen y María. Desde el 2017 es Licenciado en Artes Plásticas, por la Universidad Central del Ecuador.

Ha sido invitado para intervenir murales en el espacio público; estos incluidos en las actividades de festivales como: LATIDOAMERICANO en Perú, PICTOPIA en Colombia , y además DETONARTE y MEETING OF STYLES en Ecuador. Cuenta con tres exposiciones individuales: “DES-FASE” en el 2016 con la curaduría de Eduardo Carrera en la galería Ghibli, en la ciudad de Quito, “HUELLAS” en el 2017, con la curaduría de Ana María Garzón en la galería +Arte de la ciudad de Quito y “PICTOGLIFOS” en el 2018 con la curaduría de Juan David Quintero, en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, en la ciudad de Bogotá.

Actualmente forma parte activa por Ecuador del colectivo internacional de arte urbano APC.

achevallejo.com @achehtm / @acheabstract

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José Cosme (Valencia, 1968) asume para la muestra El todo y la nada (MAC Bogotá, marzo, 2018) la construcción de un alfabeto sensible que permite retomar algunas interrogantes fundamentales para la interpretación de la realidad. Este gesto, concebido como un diálogo de saberes y experiencias, está conformado por seis propuestas de carácter instalativo, donde cada una de las obras interpela al espectador y lo convoca a desplegar preguntas desde lo agónico y contingente: ¿Qué es la naturaleza? ¿Qué es el espíritu? ¿Qué es el hombre? ¿Qué es la trascendencia?.

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A través de este ejercicio el artista elabora una visión crítica de la contemporaneidad y coloca en el horizonte de su reflexión las inquietudes por el sentido de la vida, el significado y devenir del ser humano y sus vínculos con el universo. De esta manera, elabora una cosmovisión que problematiza la naturaleza del ser como territorio para definir la existencia. Al tiempo que elabora una reflexión sobre lo sensible en el contexto de las propias prácticas artísticas contemporáneas. Es decir, Cosme construye un ejercicio no sólo existencial por su interpelación antropológica, sino auto-reflexivo porque incorpora la pregunta ¿Qué es el arte?. Lo hace bajo un diálogo explícito a ciertas manifestaciones del arte de posguerra comprometidas con la concepción arte y vida.

Así, articula una noción del universo desde una perspectiva propiamente humana, que hace del arte un itinerario para la interpretación del estar en el mundo. Se trata de una mirada cuyo vocabulario confronta lo simple y la complejidad; la identidad y la diferencia; lo puro y lo contaminado; el orden y el caos, lo inmanente y lo trascendente; el todo y la nada.

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La muestra elabora una serie de preguntas que se construyen mediante un lenguaje apoyado en opuestos complementarios.

El orden y el caos, por ejemplo. La gravidez y la levedad, la transparencia y lo corpóreo, la racionalidad y lo irracional.

Desde el punto de vista simbólico el artista despliega un territorio cromático donde el color blanco supone un espacio de pureza y de expresión de un ser esencial, un ser presente en ausencia. No obstante, sobre la base de este juego de tensiones dialécticas la noción de peso, de materia corpuscular, de masa, de tierra o polvo, de suciedad, de expresión contingente, o de imaginación despliegan un contrapunto singular dentro del conjunto de instalaciones.

En la instalación El todo y las partes (20032018) José Cosme construye dos momentos que se entrelazan sobre las imágenes del cerebro y de los zapatos. Ambas representaciones mostradas desde el blanco como bajo continuo del discurso instalativo, de esta manera el artista despliega una melodía cromática que se despliega de forma permanente pretendiendo significar lo sublime, puro y trascendente.

El todo y sus partes sugiere un método para aprehender la realidad, donde las formas de la razón quedan expuestas en su condición orgánica y simbólica a través de la representación del cerebro.

Al mismo tiempo, el emplazamiento de los zapatos, los propios del artista, pero también los de la comunidad, muestran la idea del tránsito, del devenir humano.

Hay aquí un sentido de implicación, una huella de fricción y vida. Desde esta mirada la vida queda esbozada como acto del conocer, también como acto del estar allí.

Podemos destacar aquí la cita a Unamuno: “(...) la razón, la cabeza nos dice: ¡nada! la imaginación y el corazón nos dice todo! y entre nada y todo fundiéndose el todo y la nada en nosotros, vivimos en Dios, que es todo y vive en nosotros, que sin él somos nada (...)” Entonces, se trata de un existencialismo que hace de la reflexión sobre la trascendencia un acto contingente.

Este acto contingente, grávido, corpóreo, telúrico, queda esbozado de manera explícita mediante la instalación kilos tras-

cendencia, botes trascendencia (2018) Se trata aquí de alterar mediante el despliegue textual y objetual la percepción que tenemos sobre la idea de sobrepasar el ámbito de la propia experiencia. Bajo esta proposición el artista convierte en materia aquello que, como el espíritu, trasciende.

Lo introduce dentro de las formas que habitualmente contienen cuerpos grávidos: arena, cemento, pigmentos. Hace de la trascendencia, como texto, materia, la dispone en un volumen y un peso determinado. Por lo tanto, hace de ella una metáfora densa que gira hacia el centro de gravedad de todas las cosas, por tanto, es también potencia telúrica.

De la huella a lo espiritual. Lo efímero, lo eterno (2018) representa una declinación de la serie nihilismo trascendencia (2003) realizada por José Cosme para una exposición en la Universidad Politécnica de Valencia. En esta serie la tela blanca se convierte en un manto que registra la huella del polvo, los signos inscritos por lo sucio, lo manchado, lo impuro, lo alterado. Se trata de una proposición que dialoga con 31

la tradición pictórica, el plano de la tela es el escenario para el registro de lo invisible, de lo marginal. Pero este plano pictórico es desbordado, lo blanco y la tela se despliega e inunda el espacio traspasando el plano del cuadro. El reforzamiento textual se hace presente mediante las palabras: vida, revelación, trascendencia, renovación, que propicia un movimiento sobre la suciedad y el polvo. Nuevamente los opuestos complementarios se cruzan, ahora bajo una narración que incorpora el soporte (la tela) como negativo para la inscripción de signos ya sumergidos en el bautismo del blanco como gesto pictórico que preside el tránsito de lo que es finito hacia su propia condición atemporal, infinita, trascendente.

La referencia al movimiento artístico fluxus es una marca que está presente en toda la exposición: El todo y la nada.

Específicamente, el trabajo de José Cosme propone un diálogo con la obra del artista alemán Joseph Beuys (1921-1986) esencialmente sus puntos de encuentro se construyen a través de la condición antropológica de la experiencia artística y sus implicaciones. Los vínculos estrechos entre el arte y la vida, pero también la necesidad contextualizada en las condiciones de época para que la existencia recupere una dimensión espiritual que permita retomar las alternativas de la transformación de las realidades desde una perspectiva humanista que implique la participación de los sentidos y del propio cuerpo que deviene en existencia. Para Beuys la potencia de la imagen de Cristo se inscribe en su dimensión vital, para Cosme este hecho representa un punto de continuidad para desarrollar un lenguaje personal que implique la configuración de un nuevo alfabeto para impulsar la integración del arte y la teología.

En este sentido, el conjunto de piezas que integran la instalación Percepción sentido (2018) la idea del cuerpo beuyseano como vehículo vital se hace evidente. Al tiempo que las referencias al fluxus se hacen explícitas mediante la inscripción textual de conceptos que actúan como claves sobre 32

las imágenes: revelación, trascendencia, huella, redención, vida, signo y revelación.

En este conjunto de piezas integradas por una serie de autoretratos intervenidos, la proyección de un video con la imagen de un ojo y una serie de impresiones en seda de imágenes de fragmentos corporales, cuya transparencia y levedad ejerce nuevamente un contrapunto propiamente a la idea del cuerpo como espacio liminal entre el todo y la nada.

Naturaleza, vida y muerte. Arte pobreza y dignidad (2018) representa un pequeño relato dentro del discurso general de la

exposición donde la potencia vital y las vías para la trascendencia se convierten en proposiciones para la emergencia de la justicia social. El tema de reflexión, en este sentido, es la posibilidad de suprimir la falta de alimento en el mundo mediante la capacidad de generar un tipo de arroz, arroz dorado, que se produzca de forma extensiva.

De esta forma Cosme une su voz a la necesidad de brindar alimento a más de seis millones de personas y hacerlo de forma segura como lo afirman más de un centenar de investigadores y premios Nobel que encuentran en los alimentos modificados genéticamente esta posibilidad. Esta instalación está conformada por una montaña de 500.000 gr de arroz cuya cúspide ha sido pintada de dorado.

Podemos reflexionar aquí sobre el sentido de emergencia y de justicia social que clama Beuys al materialista mediante la recuperación de la relación espiritual del individuo y la realidad es que lo albergan, retomar la potencia vital y movilizadora de la propia imagen de risto como substancia de las formas de vida.

“

Esta instalación está conformada por una montaña de 500.000 gr de arroz cuya cúspide ha sido pintada de dorado.

”

La última de las obras que componen la exhibición recibe el título de sueños, revelación, almas y perchas (2018). Está compuesta por la instalación de telas cubiertas de mallas de alambre, bombillas, perchas, nubes simuladas; además, un vídeo que nuevamente proyecta la imagen de un ojo. En esta instalación, la representación de lo disímil resulta una vía para el despliegue del universo profundo de la realidad interior.

Una forma de colocar la importancia del arte y de la imaginación como sustancia vital para la creación, cualidad también de los procesos que definen lo humano. Hay en medio de los lineamientos generales de la muestra: el uso del blanco, la intervención textual, la referencia a la figura humana, a la transparencia y levedad, una clara cita al movimiento surrealista y a las configuraciones de una atemporalidad singular mediante la emergencia del azar, la imaginación y lo inesperado, también de la ingravidez y de la esencia dual de la materia que compone la realidad.

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Se trata de retomar una vieja pregunta por la presencia del ser en el mundo y sus conexiones con las realidades que lo albergan y contienen. Porque no se trata solo de una alienación en términos de la producción material lo que afecta y amenaza al ser humano, sino una alienación mucho más grave y profunda, una condición que no le permita aprehender los propósitos de su existencia en relación al universo y las realidades que lo contienen; es decir, habitar un mundo sin lenguaje creador, sin posibilidades de comunión, ni redención alguna. Un mundo sin la capacidad de creer, tampoco la de crear. Quizás un mundo sin arte, ni dignidad, ni trascendencia.

Gerardo Zavarce

Este conjunto de obras ensamblan un recorrido que, tal como sugerimos, proponen preguntas que podemos considerar esenciales para la comprensión de lo humano en su movimiento temporal y físico, en su devenir histórico y social. La vida, el ser, la presencia y la ausencia, el espacio y el tiempo, la revelación, la salvación, la belleza, la redención, lo visible, lo invisible, lo sublime, la verdad. Son las preguntas que desde el arte han acompañado a José Cosme en la elaboración de un alfabeto de referencias que permita retomar la pregunta por el ser que haga justicia a la vida y su potencialidad de trascendencia.

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THE WH OLE AND NO THI NG Through this exercise José Cosme elaborates a critical vision of contemporaneity and places in the horizon of his reflection the concerns for the meaning of life, the meaning and becoming of the human being and his links with the universe.

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JosĂŠ Cosme Los sentidos, trascendencia FotografĂ­a intervenida Dimensiones variables 2018 45

José Cosme

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José Alfonso Cosme Rodríguez, nace en Valencia 1968.

Artista-investigador, Doctor en Bellas Artes, Teólogo, y Director de la Cátedra de “Arte y Tecnología” UCVIVAM. Se autodefine como artista experimental. Tanto su obra artística como las actividades expositivas y performances, se relacionan con las actividades docentes e investigadoras desarrollando un continuo ejercicio de interactuación conceptual entre distintas disciplinas como son: Teología, Antropología, Ciencia, Tecnología, Bioética, Arte y Sociología. La obra de José Cosme refleja diferentes claves plásticas que se complementan y muestran un discurso conjunto. Su propuesta artística entre los años 1999-2015 muestran especialmente un “rostro metafísico” en interacción con la antropología y la teología. Enfrenta la abstracción de sus cuadros blancos y el simbolismo figurativo de sus fotografías y videoartes. Sus pinturas, esculturas o fotografías se muestran normalmente como instalaciones multidisciplinares donde combina técnicas y materiales diversos como libros, telas, impresiones digitales, fotografía y videoarte. La utilización del espacio como parte de la obra, la suciedad, la luz y el lienzo sin embastar son elementos recurrentes en su obra.

”

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Referente en el panorama artístico actual, continuador de artistas como Beuys o Kounellis, aporta una nueva perspectiva al arte conceptual. Su trabajo se diferencia del arte religioso o litúrgico y define algunas de sus obras como ‘arte teológico conceptual’. Ha sido invitado por el Vaticano en varias ocasiones y ha realizado la exposición individual “el ser del hombre” para la Santa Sede en el jubileo del año 2000. Está presente en las principales ferias internacionales y Bienales de arte y sus exposiciones han sido y son referentes a lo largo de Europa y Latinoamerica del nuevo arte conceptual español. A destacar La exposición en el IVAM, “Ser y Huella” 2013, también su exposición “Environment” en el Canning House de Londres en el 2000 con la que comienza una serie de acciones-exposiciones sobre su visión del hombre que une tiempos y ciudades y donde se incluye el performance realizado en el IVAM “la no exposición Nueva York 2001”. Su obra se encuentra en algunos de los principales museos e instituciones entre los que están: El Instituto Valenciano de Arte Moderno IVAM, en la Academia

de Bellas Artes de Roma, en el Canning House Centre de Londres, en el Centro Kossuth Lajos en Hungría, en la Embajada de España en Londres, en la Embajada de Korea en Roma, en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, en la Fundación Villanueva de Madrid, en el Museo del Palazzo Santi Apostoli de Roma, en la Embajada de México en Roma, en el Museo del Almudín. de Xátiva, en la Universidad C.E.U. San Pablo de Madrid, en la Universidad Católica de Murcia, en la Colección de Arte Contemporáneo de la Universidad Politécnica de Valencia, en el Vicariato de Roma, y numerosas colecciones privadas.

www.josecosme.com @JoseCosme_art @josecosmeartista cosmeFIRENZE 47

Lorenzo el fugitivo Lorenzo Freydell Van Staseghem Mixta sobre lienzo - palimpsestos 2.00 x 1.70 2008 48

Artistas nacionales e internacionales se han vinculado a la colección permanente en los últimos ocho años. La selección de estas trece obras que abarcan diferentes lenguajes como: el video, la pintura, el grabado, la instalación, el performance y la fotografía, tienen como finalidad mostrar un panorama desde la contemporaneidad donde se puedan realizar diferentes lecturas del contexto.

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La muestra Dinamismo, se concibe como un detonante del pensamiento hacia el compromiso que como ciudadanos debemos ejercer o que como cuerpos políticos debemos activar.

Juan David Quintero Arbeláez Curador

Las piezas elegidas abordan temáticas como la percepción del cuerpo y la imagen en la sociedad, como es visto y estigmatizado por tendencias políticas, religiosas e ideológicas que hacen parte del sistema. Ver el cuerpo acompañado de la imagen como herramienta de resistencia y catarsis para confrontar miedos, ansiedades, tristezas, trastornos y deseos, entre otros estados mentales como corporales del ser humano, que invitan en sus actos vivenciales a otros que igualmente, desean enfrentarse a sus demonios. Además, podemos agregar, que las obras tocan temas como el papel que desempeña la mujer en el trabajo y de cómo ella es cuestionada dependiendo a su estrato socio económico.

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Darío Ortiz Arrojaban sus cuerpos por montones Puntaseca Papel 30 x 40 2010 52

DYNA MISM NEW DONA TIONS This curatorship includes national and international artists who have linked to the permanent collection in the last eight years. The selection of these thirteen works is related to different languages such as: video, painting, printmaking, installation, performance and photography; the discourse is configured to show a panorama of contemporaneity where different readings of each context can be made.

Abel Azcona Biological Meeting Fotografía 100 x 70 2013 53

Gloria Herazo Si es necesario repita la operación Acrílico sobre lienzo 60 x 70 2010 54

Andrea Aguía Habitar: un acercamiento a la inutilidad de la performance Fotografía performance 99 x 70 2014 55

Darío Ortiz Desgarraban sus rostros de dolor y pesar Aguafuerte y aguatinta 30 x 40 2010

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Esta muestra conformada por una artista colombiana y un finlandés, aborda y trabaja la fotografía y el video, tocando temas como: el conflicto, la memoria, los espacios geográficos, el poder político, la autoridad, la religión, el secreto y la oscuridad. Este proyecto busca hilar dos lenguajes que están separados geográficamente, pero que los une la estética y la técnica, los pone en diálogo bilateral.

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Juha Arvid Helminen, nos conduce por medio de la fotografía a un mundo oscuro, donde el color negro predomina en los cuerpos y atuendos, el cual siempre se ha destacado por ser el triunfador de la noche y la muerte, de tener un contacto con las brujas, el demonio y los cementerios, sin dejar de pensar en lo extraño y fantástico.

Su serie, El imperio invisible, muestra otro camino, una crítica y un acto de rechazo al sistema, a las fuerzas armadas, al poder político, y a la autoridad.

El imperio invisible y el limbo, son dos muestras que cuentan una historia y a la vez denuncian sucesos que han afectado dos contextos que se enlazan entre sí.

Juan David Quintero Arbeláez Curador

Sandra Rengifo, se ha caracterizado por tocar temas melancólicos que han estado relacionados con el conflicto; ese conflicto que ha azotado de forma devastadora nuestra historia, nación y población campesina, nos cruza hechos por medio de lugares que a simple vista no identificamos, pero que tienen una carga histórica de violencia bastante fuerte, los deja en secreto, no se develan directamente, lo cual hace que su narrativa sea diferente.

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THE LIMB AND THE INVI SIBLE EMPI RE This exhibition, made up of works by the Colombian artist Sandra Rengifo and the Finnish Juha Arvid, uses photography and video to deal with issues such as conflict, memory, geographical spaces, political power, authority, religion, secrecy and Darkness. This project seeks to combine two experiences that are geographically separated, but that come together through aesthetics and technique to establish bilateral dialogues.

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Juha Arvid Helminen The Cabinet FotografĂ­a 2018 67

Juha Arvid Helminen

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Here is artist portrait of me by Santeri Sarkola.

Born 1977 in Helsinki Finland. Graduated with a bachelor of arts degree in photography. Lahti University of Applied Sciences Institute of design.

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ABOUT -SERIES:

THE

INVISIBLE

EMPIRE

In 2006 I witnessed the so called Smash ASEM “riot”. There I personally saw the dark side of the Finnish police. How young men hid behind their uniforms and hoods and anonymously committed misconduct.

Later I witnessed the reluctance of the justice system to punish those in uniforms.

Uniforms create unity and through them we can separate a soldier from a civilian. But sometimes we hide in them when we do something that is really bad. We wear clothes described by religion, profession, political thoughts and tradition to communicate and represent authority, where we belong and how we see the world. Often this hides our true persona and creates walls between ourselves and between the people that we meet.

The characters in my works are the prisoners of these traditions and walls that we’ve created for ourselves. How close can we, the viewers, get to the characters that have so much of their personality taken away from?

juha.arvid.helminen@ gmail.com @juha_arvid_helminen/

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Sandra Rengifo

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Ganadora del Premio Nuevos Nombres Jóvenes Talentos de la Alianza Francesa, Premio Arte Cámara 2015 y Premio de Creación Artista de Trayectoria Intermedia del Ministerio de Cultura de Colombia 2017.

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Bogotá – 1979 Artista plástica de la Academia Superior de Artes de Bogotá y Magister en Artes Visuales de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente se desempeña como docente de la Pontificia Universidad Javeriana de Colombia y la Universidad Jorge Tadeo Lozano, así como Directora de Arte para danza, videos y largometrajes. Del mismo modo, ha realizado diseños museográficos y proyectos curatoriales para diversos artistas y entidades nacionales e internacionales. Su trabajo como artista audiovisual y fotógrafa ha sido expuesto en varios espacios y eventos como el Museo de Arte Moderno MAMBO, Museo de Arte Moderno de Medellín MAMM, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC, Festival de Cine L’ alternativa, de Barcelona, Danish Film Institute, entre otros. Ganadora del Premio Nuevos Nombres Jóvenes Talentos de la Alianza Francesa, Premio Arte Cámara 2015 y Premio de Creación Artista de Trayectoria Intermedia del Ministerio de Cultura de Colombia 2017.

www.behance.net/ SANDRARENGIFO

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CAMBIO 72

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Las creencias populares las podemos entender y apreciar como ideas o concepciones que están enmarcadas en la población común y que no están ligadas a un rango oficial como lo es la religión de un país. Estas creencias tienen su origen en las calles, hogares, de forma ancestral, o se transmiten por tradición oral de diferentes culturas que de alguna forma se convierten en sincretismos.

Las personas se han apropiado de ellas dependiendo de sus necesidades amorosas, sexuales, económicas, mágicas entre otras, con el fin, de conseguir por otros medios un logro que sus creencias oficiales no lo han logrado.

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Plantas, objetos, partes del cuerpo de algunos animales han sido utilizados desde la antigüedad por poseer, diversas propiedades mágicas y su uso como amuletos, le brindan a la persona que pone toda su fe en estos objetos y rituales esa confianza y protección para su casa, trabajo, en el amor, así como la promesa de alcanzar el éxito en el juego y las apuestas.

Colombia se caracteriza por tener una lista de agüeros en lo que se cree, como el mal de ojo, que se trasmite con una mirada llena de envidia a una persona o niño ocasionándole un orzuelo o dolores de cabeza, lo enferma. Su contra, es colgarle piedras de azabache al bebé o niño para evitarlo, o un hilo rojo como manilla.

Otro ejemplo son los riegos que encontramos en las plazas de mercado con diferentes tonos, olores y hasta

sabores que son utilizados para encontrar un mejor trabajo, el amor de la vida, atar a su pareja para evitar una infidelidad, encontrar fortuna, o una mejor salud o luchar contra la magia negra realizada por los enemigos. Colgar una mata de sábila detrás de las paredes para la buena suerte del hogar; En Colombia también se acostumbra a elaborar cruces de mediano tamaño con hojas secas o flores, y en departamentos como Risaralda, Quindío y Antioquia existe la tradición de conmemorar el “Día de los mil Jesuses”, que consiste en repetir mil veces el nombre de Jesús, esto con la creencia que Dios los protegerá durante todo el año. Así, existen miles de creencias que no conocemos o practicamos, pero que de alguna forma están enriqueciendo la cultura popular de un país.

Juan David Quintero Arbeláez Curador

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PRO TEC TION MEASURES W

illiam Bahos addresses popular beliefs, in them we can understand and appreciate ideas or conceptions that are framed in the common population and that are not linked to an official rank such as religion. These beliefs have their origin in the streets and homes of ancestral form, or are transmitted by oral tradition of different cultures that somehow become syncretisms.

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William Bahos

“

06 de Enero de 1980 Bolívar- Cauca. Estudie artes plásticas en la universidad del Cauca, donde me gradué en el 2008, obtuve una tesis meritoria por el proyecto “ Corrompiendo la visión del cuerpo”. En el 2009 tuve la oportunidad de ser docente en la Universidad en la que me gradué, donde impartí la cátedra de pintura. En el 2009 me traslado a vivir a Bogotá donde comencé a trabajar con la galería Doce cero-cero hasta el 2016.

”

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H

a realizado algunas exposiciones individuales como:”Medidas de protección” 2018 en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá MAC “Pérdidas, distorsiones y reflejos” en 2013 y “Sercenado” en 2010, en la galería: doce cero-cero; así como: “Cuerpos pictóricos y Cuerpos Celestes” en 2009 en casa Proartes de Cali.

Ha participado en exposiciones colectivas como: 2018 EXPLORACIONES Galería AURORA, Bogotá. TROPIPOP TROPICO POPULAR Melaká galería, Bogotá 2017 DESCARTES, Fundación Santa Fe de Bogotá, Bogotá. OKUPAS, Calle 75 con Cra. 22 esquina, Bogotá. Lanzamiento Maleza proyectos. Bogotá D.C. “borrador # 1 o la perpetuidad del voto nacional” Museo de Pereira. 2016 “borrador # 1 o la perpetuidad del voto nacional” Espacio el Dorado. LA BARBARIE ORIGINARIA Museo de Pereira. 2015 Imagen Regional 8. Museo del Banco de la Republica.

Bogotá D.C. III Bienal Nacional e Internacional de arte de Bucaramanga “Desde aquí” Museo de Arte Moderno de Bucaramanga. Salón regional zona pacífico, reuniendo luciérnagas. Museo la Tertulia. 2014 Imagen Regional 8 (zona pacifico). Territorio pacífico. Cali- Valle.

Cauca pacifico indómito. Diagonal 75 bis # 20-76 Barrio San Felipe, Bogotá.

Década 11 “Proyecto” TESIS Años 2008 a 2014, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá. III premio Bienal de artes plásticas y visuales de Bogotá. Fundación Gilberto Alzate Avendaño. 2013 Cuerpo en disolvencia: flujos, secreciones, residuos/ Arte Colombiano Contemporáneo.

Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Galería Municipal Pancho Fierro, LimaPerú. 2012. Desde El Malestar/ 14 salones regionales de artistas (zona pacifico), Museo la Tertulia.

williambahos.wordpress.com 85

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GRACIA, GRACIA,

El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá – MAC, tiene la oportunidad de reunir a tres grandes artistas de Colombia y Perú, que se han encargado por medio del arte urbano a divulgar sus raíces, cosmogonía, historia, raza, costumbres, idiosincrasia e identidad Latinoamericana.

Su objetivo principal es la circulación de su trabajo que realizan en las calles de cada ciudad latina y europea que vistan, dejando marca. Su trayectoria de más de diez años en las calles, pintadas en callejones, plazas, festivales, bares, galerías y museos, son un claro ejemplo de cómo el espacio público y privado se convierte en reacción, en resistencia desde diferentes lenguajes. Esta muestra une tres temas que se perciben desde la mente, las raíces, la familia, el ser, el yo y el camino, este es el eje principal para conectarse con sus procesos de investigación.

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Gleo, presenta por primera vez una muestra individual en Colombia, titulada Gracia, la cual recoge el trabajo de diez años y lo encamina desde su ser personal, su “máscara en esta etapa es la construcción de un lenguaje individual, un camino propio, una estética en movimiento buscando la propia identidad, pero detrás de esa gran máscara artística (detrás de Gleo) está Nathalia y todas las personas que nutren su vida con su propia vida, con su amor, miedo, preocupación, ternura, orgullo, crítica, comprensión.”

(Gleo, 2018) Así, busca por medio de sus vivencias y relaciones humanas (familia) encontrar y entender su historia y raíces, entrar en esa compleja reflexión de una herencia que a veces se pierde en el camino, pero que lo rescata con su trabajo minucioso desde la pintura, despejando un camino.

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Gleo María Acrílico sobre tela 100 x 70 cm 2018 92

Pesimo Sin Título Acrílico sobre tela 120 x 70 cm 2018 93

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Por otro lado, Pesimo, un artista de origen peruano y japonés que lleva pintando desde el año 1998 los muros de su ciudad, Lima y, que ha conseguido un reconocimiento nacional como internacional, se relaciona e interactúa “con la calle, y todo lo que en ella existe, han influenciado fuertemente en su obra: sus murales e intervenciones de carácter figurativo, nos muestran personajes de un mundo donde lo cotidiano se concilia con lo onírico.” (Pesimo, 2018).

Además de plasmar sus propios seres, mitologías, deidades y naturaleza armoniosa que cohabita con esa jungla de cemento la cual recorremos a diario.

Sus piezas claramente nos muestran un estallido de colores y personajes soñados que detrás de sus miradas fijas y agudas están contando una historia, o abriendo un nuevo camino, su trabajo es sin lugar a duda una construcción de piezas honestas que están articuladas con una historia y un contexto latinoamericano. Esta muestra la ha titulado Camino.

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Por último, encontramos el trabajo de Yeye y su propuesta titulada Anatomía del pensamiento. Un ejercicio de investigación artística, que se enfoca en el proceso de las ideas, una “mirada particular y personal del proceso de disección del pensamiento, del evocar gráficamente cómo se comporta la estructura humana al generar una idea, una emoción, transformando al órgano pensante en un universo ilimitado de metáforas visuales que nos llevan a la reflexión de que el cuerpo es más que una máquina que acciona.” (Yeye, 2018) En efecto, su trabajo es revisar con pinzas un proceso mental llevado al dibujo, a la interacción con la razón, a ser minucioso y conocer mucho más esos micro mundos que nuestro cerebro está en capacidad de poner a flote. Esta muestra reúne una serie de cortes y estudios imaginarios gráficos alrededor de las formas anatómicas o internas de un cuerpo, exponiendo el proceso de origen de un pensamiento, sensación o emoción partiendo de recursos visuales llegando a un obsesivo nivel de detalle diseccionado, describiendo máquinas orgánicas que traen una reflexión acerca de esta anatomía oculta y explosiva.

Juan David Quintero Arbeláez Curador

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TH REE Gleo, PĂŠsimo and Yeye are three great artists from Colombia and PerĂş, who have been commissioned through urban art to disseminate the roots, cosmogony, history, race, customs, idiosyncrasies of Latin American identity. Their main objective is the circulation of their work, they perform in the streets of each Latin and European city that they dress, leaving a mark. Their career of more than ten years has left their fingerprint on streets, alleys, facades, squares, festivals, bars, galleries and museums; They are a clear example of how the public and private space become reaction, resistance from different languages. This sample unites three themes that are perceived from the mind, the roots, the family, the being, the self and the way, this is the main axis to connect with their research processes.

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Gleo

Nathalia Gallego

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Su trabajo y experiencia de más de 10 años en la escena europea, americana y local, despliega un sin fin de colores y figuras que muestran diferentes mundos cada vez que interviene un espacio.

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Cali – Colombia. La artista urbana Gleo es una de las figuras más emocionantes de la nueva escena del arte urbano latinoamericano. Contemplar una de sus enormes paredes pintadas es una experiencia comparable a la lectura de un libro fantástico. Su trabajo y experiencia de más de 10 años en la escena europea, americana y local, despliega un sin fin de colores y figuras que muestran diferentes mundos cada vez que interviene un espacio.

Ha participado en importantes festivales en Bélgica, Perú, Suecia, México, Costa Rica, España, entre otros y ha realizado muestras individuales en La Galería Gurú en México y en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.

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Pesimo

Edwin Fernández

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Es uno de los artistas fundamentales del arte urbano peruano. Trabaja en los muros de su ciudad desde 1998 actualmente su obra es reconocida a nivel nacional e internacional. En el año 2001 curso estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes y logra ser además uno de los primeros artistas del graffiti en ingresar al circuito galerístico peruano.

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Esta incursión en la galería y su constante trabajo le valió participar en diversos festivales y eventos en el extranjero, posicionándose como un referente importante del arte urbano latinoamericano. Sus orígenes, peruanos y japoneses, y su constante relación e interacción con la calle, y todo lo que en ella existe han influenciado fuertemente su obra: sus murales e intervenciones de, carácter figurativo, nos muestran personajes de un mundo donde lo cotidiano se concilia con lo onírico.

PESIMO parece desarrollar su propia mitología, transformando a seres inadvertidos en deidades que cohabitan armoniosamente con la naturaleza.

pesimo93 limamuralproject 107

Yeye Jeisson Torres

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El universo de la gráfica es para mí de gran interés, me deleito en el dibujo desbordándolo hasta la pintura, el collage, la instalación y el mural. Tiendo a construir imaginarios paradójicos donde se halla presente cierto tipo de sorpresa poética.

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Maestro en Artes Plásticas y Visuales de la Academia superior de Artes de Bogotá ASAB, 2011. El campo de acción del arte es cada vez más dinámico, por eso además de ser dibujante, también detonó ideas en los muros, reconfiguró los espacios donde se intercambian pasos y miradas creando imágenes a gran formato que inquietan al que camina la ciudad.

El camino visual que ha recorrido se compone de diversos campos de acción de la imagen, detonando dibujos a gran formato, murales que han forjado este camino visual y comunicativo, con esto ha logrado recorrer diversos países pintando desde la identidad latinoamericana, visitando contextos como Haití, Jamaica, Costa Rica en el 2014.

El hacer creativo en la calle ha sido otra vía de desarrollo gráfico conectando con otros artistas urbanos nacionales e internacionales, compartiendo pintadas en festivales como el encuentro de muralistas de Mosquera 2017, o tomas culturales en diferentes barrios de Bogotá.

El campo investigativo que ha desarrollado ha nutrido el hacer en diferentes espacios creativos, destacando el premio de ilustración en Casa Tinta en 2016, en el marco del congreso de ilustración fig 06 y posteriormente exponiendo en el mismo espacio dentro de un intercambio de lenguajes (dibujofotografía) PICTORICA 2017; en este paso también destaco el proceso colectivo que abrió paso a exponer en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogota, en primer momento con el colectivo monstruación 2014 y actualmente en el marco de la exposición TREZ con Anatomía del Pensamiento 2018

Facebook.com/yedos.draws Instagram.com/ye2draws Behance.net/ye2draws

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Durante el primer semestre del 2018 se incrementó el número de murales del Proyecto Barrio Museo gracias a la colaboración de Ache, Yeye, Pesimo y Smash.

Ache con su particular estilo caligráfico que ahonda en las manifestaciones pictoglíficas de nuestros ancestros pero que las trae de vuelta al siglo XXI con un gran dinamismo y significado.

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Smash, uno de los padres del graffiti writting que interviene uno de los lados de la fachada del Museo de Arte Contemporรกneo de Bogotรก en una fugaz visita nos deja estampada su marca.

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Yeye y Pesimo dialogan plĂĄsticamente en una de fachadas esquineras del barrio Minuto de Dios, las vegetaciones se entrelazan, los colores se funden, las lĂ­neas se cruzan, pero ninguno pierde su lenguaje individual, antes bien se enriquecen y profundizan mutuamente en esta superficie que los acoge como nuevos integrantes del Barrio Museo.

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CU RA DU RÍAS EXTERNAS

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DE

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CUERPOS CUERPOS ESPACIOS ESPACIOS

YY VIOLENCIAS VIOLENCIAS

Recopila el trabajo de 16 mujeres artistas colombianas, que en diferentes momentos históricos han reflexionado sobre temas trascendentales de la existencia humana y se puede observar la dialéctica de las imágenes entre tres temas: los cuerpos, los espacios y las violencias. Estas obras pertenecen a la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, MAC - UNIMINUTO y fueron exhibidas en la Galería Cafam de Bellas Artes.

Adaptación del texto publicado en Galería CAFAM de Bellas Artes. “De mujeres. Cuerpos, espacios y violencias”. Bogotá, comunicado de prensa 3 de mayo de 2018.

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OF WOMEN BODIES

SPA CES

AND VIOLENCES

It collects the work of 16 Colombian women artists, who in different historical moments have reflected on transcendental issues of human existence and can observe the dialectic of images between three themes: bodies, spaces and violence. These works belong to the permanent collection of the Museum of Contemporary Art of Bogotรก, MAC - UNIMINUTO and were exhibited in the Cafam Gallery of Fine Arts

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La curaduría resaltó la obra de Beatriz González en diálogo con la de Camila Rodríguez, poniendo de manifiesto la presencia de la violencia en Colombia como parte de la narrativa artística, presentando el problema del conflicto social. Por otro lado, se encuentran las obras de las artistas Omaira Abadía y Shirlys Maité Guerra que muestran los cuerpos que han sido víctimas de la violencia social, sexual y machista, llegando a ser estereotipados, olvidados y dominados

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Esta muestra es el resultado del convenio entre el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, MAC y la Galería CAFAM de Bellas Artes; un importante esfuerzo para dar a conocer la colección permanente del MAC que resguarda un significativo acervo patrimonial de arte contemporáneo, y se conjuga con el interés de la Galería CAFAM por divulgar el trabajo de artistas emergentes y consolidados, a partir de unas claras líneas curatoriales.

Wilmar Tovar Registrador MAC 128

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Ana Mercedes Hoyos Procesiรณn en la fiesta de San Basilio Serigrafia 70 x 50 cm 2005 130

EL EL

DER IMA IMA GEN GEN DE DE LA LA

Ciclo de exposiciones itinerantes con obras de la colección del MAC al interior de unidades, oficinas y facultades de UNIMINUTO; que conforman un circuito artístico. La muestra incluye obras en xilografía, litografía, aguafuerte, serigrafía y linograbado, de la década de los 70´s al año 2018.

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Ana Mercedes Hoyos Bodegon azul Litografía 57 x 75 2005 132

THE POWER OF

IMA GE

Cycle of itinerant exhibitions with works from the MAC collection within UNIMINUTO units, offices and faculties; that make up an artistic circuit. The exhibition includes works in xylography, lithography, etching, serigraphy and linocut, from the 70’s to the year 2018

Ana Mercedes Hoyos Moño San Basilo del palenque Litografía 100 x 50 cm 2005

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Fanny Sanín Composición N°2 Acrílico sobre papel 74 x 56 2006 134

Andrés Moreno Hoffman Espacio Serigrafía 66 x 56 2018 135

La estrategia se articula con visitas taller al Museo, con el fin de resaltar diferentes conceptos, técnicas y puntos de vista del arte contemporáneo, con el objetivo de crear diálogos que permitan mostrar y resaltar la importancia del patrimonio artístico que salvaguardan las unidades de UNIMINUTO, así mismo de sus procesos artísticos, educativos y comunicacionales a lo largo de medio siglo de actividad cultural.

Esta exhibición es un estímulo para que nuestros administrativos, estudiantes, docentes y visitantes se aventuren en la generación de sus propios lenguajes visuales y utilicen el poder de la imagen para generar cambios en su entorno social, político y cultural.

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En este primer ciclo expositivo en la unidad Centro Progresa EPE, la comunidad afrodescendiente de palenque es la protagonista; trabajo realizado por la artista Ana Mercedes Hoyos, donde el colorido y lo figurativo predominan. El movimiento de los palenqueros y palenqueras proviene de un pueblo fundado por esclavos con características únicas en su historia, formación, cultura y lengua, el Palenque ha sido declarado por la Unesco como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, y es considerado el primer pueblo libre de América. Las obras de esta muestra hacen referencia a: oficios, vestimenta, tradiciones y la sensualidad del trópico del pueblo palanquero y donde el papel de la mujer cobra fuerza en su organización familiar.

Wilmar Tovar Registrador MAC

Ana Mercedes Hoyos Moño San Basilo del Cruz palenque Diez Litografía Sin título 100 x 50 cm Serigrafía 2005 70 x 67 1970 137

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EXPE RIEN CIAS EDUCATIVAS

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Enero fue el periodo que recibió el taller Experimentación con Cemento realizado por Juan Pablo Vallejo (más conocido como ACHE), artista de la exposición temporal Pictogliflos, este laboratorio taller buscó que los participantes descubrieran nuevas maneras de comprender el uso del espacio público a partir de conceptos no tradicionales que se exploraron al interactuar con el artista , aquí las palabras de Vallejo recapitulan esta experiencia.

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El taller que brindé en el MAC, me permitió compartir experiencias plásticas, para así proponer nuevas perspectivas del uso del material en los asistentes, rompiendo paradigmas y derribando muros de formalidad en los presentes, pues dentro de mi práctica artística es muy importante no conservar la idea del artista como dueño de la verdad o inventor de cosas

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Con rapidez marzo nos trajo las exposiciones, El Todo y la Nada del artista José Cosme, y Dinamismo una muestra que pone en circulación las donaciones más recientes que ha recibido el MAC.

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Esta visita nos permitió reunirnos junto con los docentes y estudiantes y vincular saberes y experiencias con el contenido de las exposiciones temporales y así construir colectivamente nuevas ideas y recuerdos.

”

Estas dos vertientes curatoriales fueron el andamio para diseñar la visita interpretada ¿Preguntémonos? Ahora le daremos paso al equipo de intérpretes del MAC, quienes realizan procesos de mediación cultural, para que sean ellos con sus reflexiones los que nos amplíen esta experiencia. ¿Preguntémonos? fue una visita en la que buscamos conectar a los estudiantes de UNIMINUTO Sede Principal que cursan Proyecto de Vida con el museo, el objetivo principal busco que los estudiantes reconocieran el MAC como parte de su territorio universitario; y entre risas, ansiedades y preguntas, llegar a experimentar el acto pedagógico de construir sentido vital desde el arte.

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Antes de dar paso a la siguiente exposición, consideramos relevante enunciar el proyecto de accesibilidad que venimos desarrollando en el MAC, de la mano con estudiantes de UNIMINUTO Sede Principal, y contar con frenesí que para la exposición temporal El todo y la Nada, su creador y artista José Cosme, ante la pregunta educativa ¿cómo podríamos convertir tu exposición en un escenario accesible para los ciudadanos con discapacidad visual? respondió con gran entusiasmo, a tal punto que nos brindó una serie de elementos táctiles para que las personas con y sin discapacidad visual detonaran otros sentidos durante más allá de la vista. A partir de este ejemplo podemos afirmar que cuando los artistas entran en diálogo con los museos en terminos de inclusión, se encuentran de manera colectiva soluciones prácticas en las que ganan los sentidos de todos.

¿

Cómo podríamos convertir la exposición El Todo y la Nada en un escenario accesible para los ciudadanos con discapacidad visual

?

Inicia el mes de mayo y el museo recibe al artista finlandés Juha Arvid con su exposición temporal El Imperio Invisible, ante esta visita no podíamos dejar pasar la oportunidad para diseñar un taller dirigido a la comunidad académica de UNIMINUTO. Con el fin de ofrecer un espacio para que los estudiantes de Comunicación Visual (COVI) dialogaran con el artista en su clase Industrias Culturales y Creativas, se ofreció un taller en el que por medio de representaciones gráficas construidas en grupo, se abrió la discusión sobre la caracterización y arquetipos que la sociedad genera a través de los uniformes y cómo es posible a partir del reconocimiento de símbolos y lugares comunes trasmitir una idea , donde la comunicación visual es sustancial para enunciar una postura política o social.

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Sin descanso llegamos a julio con TREZ una exposición que reunió a los artistas: Gleo, Pesimo y Yeye, los cuales nos entregaron una muestra llena de color, texturas y vibratos ideales para recibir las risas de los niños y niñas del Hogar Infantil García Herreros, para esta ocasion diseñamos la visita taller Hacemos parte de la naturaleza, hacemos parte del MAC, orientada a los grados Párvulos y Transición.

La visita fue toda una experiencia que inició en la puerta del Jardín donde recogimos a los estudiantes para iniciar la ruta al museo, mediante un juego que propuso encontrar a Signo obra y elefante del MAC, se relacionó la tematica de la naturaleza que estaban aprendiendo en el aula, con un recorrido exploratorio por el museo, entre bailes, gateos y pinturas.

Nuestro propósito es acercarnos a nuestra comunidad más cercana y que los niños y niñas reconozcan al MAC como un espacio que hace parte de su entorno inmediato, en donde nos permitimos jugar, explorar, crear y reírnos mutuamente, por ello, para finalizar la actividad luego de la visita al MAC, volvimos al jardín y entregamos una alcancía en forma de estrella a cada salón para que en grupo ahorren pequeños dibujos a cambio de monedas.

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Al seguir con la muestra TREZ, es relevante señalar que una de las ventajas de trabajar con artistas vivos es que podemos soñar con ideas imposibles y traerlas a la realidad, como nos sucedió con el deseo que desde hace varios meses teníamos en mente , y era el poder realizar un taller donde las familias compartieran juntas un rato en el museo con todos sus integrantes incluyendo a sus mascotas (en este caso los perritos), gracias a las conversaciones con los artistas logramos realizar el primer taller Dog friendly, en el que disfrutaron por medio de una acción de pegatinas dirigida por Yeye, grandes, chicos y peludos.

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No queremos cerrar este semestre sin antes enunciar que el presente año en colaboración con el programa de Voluntarios de UNIMINUTO liderado por la docente Luz Ángela Beltrán, diseñamos una estrategia donde buscamos involucrar las lógicas expositivas y las artes con el fin de ampliar la mirada frente a lo que entendemos por alfabetización.

Como resultado de este trabajo en equipo nació el proyecto Nosotras También dirigido a mujeres que realizan su proceso de aprendizaje lectoescritor en el hogar Fundación del Buen Pastor.

Esta experiencia contempló dos sesiones en el MAC y una sesión en la Galería Cafam (donde se hallaba la exposición De Mujeres. Cuerpos, espacios y violencias, compuesta por obras de la colección del museo), la cuales tuvieron como objetivo propiciar un lugar de encuentro para que las participantes pudieran expresarse plásticamente, reconocieran el arte, los museos y las exposiciones como lugares que les pertenecen, los cuales abordan problemáticas y experiencias de vida de las que ellas pueden escribir, leer y también hacer parte.

Durante este proceso los voluntarios, docentes y el equipo educativo del museo tejimos un diálogo que trascendió las sesiones, ya que logramos conocernos, interpretar las obras, simular un museo donde se vieron representadas sus historias, intercambiamos escritos, emociones y postales para juntos reconocernos como parte de la comunidad del MAC y poder decir en voz alta ¡Nosotras también somos arte!

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Damos paso al segundo semestre del 2018 no sin antes agradecer, repasar, autoevaluarnos y seguir buscando estrategias de diálogo. Hoy invitamos a todos nuestros vecinos, amigos, comunidad educativa, y ciudadanía en general, a seguir intercambiando procesos con nosotros, para en conjunto construir herramientas de interpretación y ahondar en las discusiones en torno a las problemáticas sociales contemporáneas que abordan las exposiciones y ampliar los procesos de apropiación de nuestro patrimonio artístico. Enunciamos con orgullo que el MAC es un laboratorio educativo que estamos construyendo, gracias a los más de 3.000 ciudadanos que dialogaron este semestre con nosotros, y afirmamos que juntos ¡seguiremos generando poderosas experiencias significativas!

Tatiana Quevedo Coordinadora de Educación MAC

educacion.macbogota@gmail.com

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Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá Carrera 74 N° 82 A – 81 / Tel.: (57) 1 2916520 – Ext.: 6160

www.mac.org.co

Bogotá - Colombia

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