Curadurías 5

Año 6./ No.1/ Marzo - Agosto, 2020 / ISSN 2422 – 1856 MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ

CURADURÍAS V

CORPORACIÓN UNIVERSITARIA MINUTO DE DIOS Presidente

P. Diego Jaramillo Cuartas, cjm

Rector General

P. Harold Castilla Devoz, cjm

Vicerrectoría General Académica Dra. Stéphanie Lavaux

Rector Sede Principal Dr. Jefferson Arias Gómez

Vicerrectoría Académica Sede Principal Nelson Bedoya

Director General de Investigaciones Julio Mario Rodríguez

Director General de Investigaciones Sede Principal (E) Benjamín Barón Velandia

Directora General de Publicaciones Rocío del Pilar Montoya

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ Dirección Gustavo A. Ortiz Serrano

Curaduría y Colecciones Sebastián Jiménez Cortés

Museografía Equipo MAC

Producción y Montaje Equipo MAC

Educación Tatiana Quevedo Equipo de educación

Gesión Administrativa Andrea Guarín

Comunicación Alexander Acosta

Comunicación Gráfica Liliana Pinzón

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ

Autor corporativo Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC Corporación Universitaria Minuto de Dios - UNIMINUTO

Códigos QR Liliana Pinzón

Editor y Director Gustavo A. Ortiz Serrano

Tiraje Cien ejemplares

Autores colaboradores Gustavo A. Ortiz Serrano Sebastián Jiménez Cortés Tatiana Quevedo Artistas participantes

Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC www.mac.org.co Carrera 74 # 82 A - 81 Bogotá D.C - Colombia 2020

Asistente de dirección Andrea Guarín

Impresión Panamericana formas e impresos S.A.

Corrección de estilo y ortotipografía Alexander Acosta

ISSN 2422 - 1856

Diseño gráfico y diagramación Liliana Pinzón

© Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá

Portada Liliana Pinzón

© Corporación Universitaria Minuto de Dios - UNIMINUTO

Foto portada Gusdigital

Impreso en Colombia - Printed in Colombia

Fotografía Gustavo Ortiz Sebastián Jiménez Cortés Liz Callejas Artistas participantes

El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, manifiesta su agradecimiento a todas las personas, los artistas donantes, las entidades aliadas, y las organizaciones que, con su generosidad, su consejo, su aporte, su aliento, su experiencia, su apoyo, y su trabajo; creen en que la cultura con significado social es posible.

Edición fotográfica Liliana Pinzón Gusdigital

90 101. Entrevista María Acaso

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102 12. Presentation

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105. Artículo Centenario Obregón

114 26. Hybrid identities

32. Podcast y obras

Identidades híbridas

115. Artículo Proyecto Tesis 2020 116. Obras Proyecto Tesis

119 120. Resonancia y resistencia 122. Ponencia UMAC

132 133. Artículo Experiencias Educativas 134. Procesos educativos

123. Latino Network 123. Conferencia AAM 124. Ponencia México UACM 124. Ponencia UNESCO Resiliart 125. Ponencia Kuarimpoto 125. Ponencia Cortina de hierro 126. Colección MAC 127. Seminario arte en Colombia 128. Laberinto Liz Callejas

130 130. Andrea Echeverry 131. Alcaldesa de Bogotá Claudia López

142 143. Acreditación Internacional de alta calidad

144. MAC entre los 10 mejores del mundo 146. Reconocimiento de Facebook

148 149. Lo que vivimos, lo que sufrimos, lo que logramos

150. Imagen del MAC

APRENDER DE LA ADVERSIDAD

Al iniciar la segunda década del siglo XXI estábamos llenos de proyectos, de propuestas para intercambios internacionales, de iniciativas en educación, manejo de la colección e investigación.

Nos llegaban noticias que percibíamos lejanas desde la ciudad de Wuhan, en China donde apresuradamente habían construido hospitales de emergencia y habían confinado a toda la población en sus casas; las calles de la populosa capital de la provincia de Hubei, con mas de once millones de habitantes, lucían desiertas y los pocos transeúntes llevaban mascarillas, caretas y guantes para poder hacer las compras de los víveres.

Todo este escenario solo lo habíamos visto en algunas películas o en fotografías de la terrible gripe española que azotó a la humanidad un siglo atrás con un saldo de mas de cincuenta millones de muertos.

La velocidad de transmisión, unida a la enorme movilidad del mundo contemporáneo hizo que en pocas semanas los casos positivos brotaran en las mas diversas latitudes con consecuencias catastróficas por el número de fallecimientos; los gobiernos empezaron a cerrar sus fronteras aéreas, terrestres y marítimas, implementaron cierres parciales o totales, las libertades individuales fueron severamente restringidas a unas horas al día so pena de multas y sanciones.

En los meses de marzo a julio, prácticamente en todos los países, hubo cuarentena, cierre de comercios, colegios, universidades, museos, centros culturales, teatros, salas de conciertos, lugares de culto, con las consecuentes implicaciones económicas y laborales.

El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, se vió precisado a cerrar sus puertas físicamente e incrementar la estrategia digital que venía ejecutando desde el 2012; en paralelo los museos de Colombia empezaron a reaccionar para comunicar a los públicos y al Gobierno Nacional la importancia de su misión dentro

de la sociedad; de allí surgieron importantes iniciativas dentro de la que cabe destacar la conformación de la Alianza Colombiana de Museos, una unión de voluntades entre los trabajadores de museos que ha logrado congregar instituciones y sitios de memoria de las mas diversas regiones de Colombia.

Aún es incierto el panorama global y con mayor énfasis del campo cultural, pero como en toda crisis surgen oportunidades creativas que permiten dar soluciones a los retos emergentes.

Precisamente estos retos nos abrieron posibilidades como la participación en el IX Encuentro de museos de Europa e Iberoamérica: Musealidades alternativas, experiencias y diálogos convocado por el Museo Nacional Centro Arte Reina Sofía; la realización de la retrospectiva en homenaje al centenario del natalicio de Alejandro Obregón, la serie de entrevistas con artistas de la colección Arte en Cuarentena; el proyecto TESIS 2020 que se realiza por primera vez en una plataforma virtual; la obtención del sello internacional de calidad para museos otorgado por la Alianza Americana de Museos (AAM); las diversas iniciativas desde la coordinación de educación que permitieron la continuidad del contacto con nuestros públicos a través de videoconferencias, actividades en línea, podcast, filtros de Instagram, encuentros de mediación y formación de intérpretes; las estrategias de comunicación en redes sociales y plataformas virtuales que nos hicieron merecedores al reconocimiento por parte de Google para estar en el listado de los 10 mejores museos para visitar en línea a nivel mundial y el cuarto lugar entre los museos iberoamericanos con mas interacción con sus públicos en la red social Facebook.

Al examinar el 2020 viene a mi memoria la palabra japonesa “Kiki” o crisis, que se compone de dos ideogramas diferentes, el primero significa peligro y el segundo oportunidad. Podemos afirmar que este es un tiempo para aprender de la adversidad.

Gustavo A. Ortiz Serrano Director MAC 11

At the beginning of the second decade of the 21st century, we were full of projects, proposals for international exchanges, initiatives in education, collection management, and research.

We received news that we perceived far away from the city of Wuhan in China where they had hastily built emergency hospitals and confined the entire population to their homes; the streets of the populous capital of the province of Hubei, with more than eleven million inhabitants, looked deserted and the few passersby wore masks, masks, and gloves to be able to do the grocery shopping.

We had only seen this whole scenario in some movies or in photographs of the terrible Spanish flu that hit humanity a century ago with a toll of more than fifty million deaths.

The speed of transmission, together with the enormous mobility of the contemporary world, meant that in a few weeks the positive cases sprang up in the most diverse latitudes with catastrophic consequences due to the number of deaths; Governments began to close their air, land, and sea borders, implemented partial or total closures, individual freedoms were severely restricted to a few hours a day under penalty of fines and sanctions.

March to July, practically in all the countries, there was quarantine, the closing of shops, schools, universities, museums, cultural centers, theaters, concert halls, places of worship, with the consequent economic and labor implications.

The Museum of Contemporary Art in Bogotá was forced to physically close its doors and increase the digital strategy that it had been executing since 2012; In parallel, the museums of Colombia began to react to communicate to the public and the National Government the importance of their mission within

society; From there, important initiatives arose, including the formation of the Colombian Alliance of Museums, a union of wills among museum workers that have managed to bring together institutions and sites of memory from the most diverse regions of Colombia.

The global panorama is still uncertain and with greater emphasis on the cultural field, but as in any crisis, creative opportunities arise that allow solutions to emerging challenges.

Precisely these challenges opened up possibilities for us such as participation in the IX Meeting of Museums of Europe and Latin America: Alternative museums, experiences and dialogues convened by the Museo Nacional Centro Arte Reina Sofía; the holding of the retrospective in homage to the centenary of Alejandro Obregón’s birth, the series of interviews with artists from the Arte en Cuarentena collection; the TESIS 2020 project that is carried out for the first time on a virtual platform; obtaining the international seal of quality for museums granted by the American Alliance of Museums AAM; the various initiatives from the education coordination that allowed the continuity of contact with our audiences through videoconferences, online activities, podcast, Instagram filters, mediation meetings and interpreter training; the communication strategies in social networks and virtual platforms that made us worthy of recognition by Google to be in the list of the 10 best museums to visit online worldwide and the fourth place among the Ibero-American museums with the most interaction with their public on the social network Facebook.

When examining 2020, the Japanese word “Kiki” or crisis comes to mind, which is made up of two different ideograms, the first means danger, and the second opportunity. We can affirm that this is a time to learn from adversity.

Gustavo A. Ortiz Serrano MAC Director

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i¿Qué es arte contemporáneo?

El siglo XXI es un tiempo de hibridación donde se ponen en valor y a nivel paralelo temas tan capitales como la identidad, el género, el legado ancestral, la ecología, la tecnología, la organización social y el pensamiento crítico.

Cuando hablamos de hibridación estamos trasladando el concepto de las ciencias naturales al campo de la sociología y la antropología en el sentido del proceso de adaptación que se surge en un sujeto o sujetos al cruzarse con otras formas culturales, sociales, creencias y costumbres para generar un nuevo fenotipo, es decir un conjunto de caracteres visibles que un individuo presenta como resultado de la interacción entre su genotipo y el medio.

La identidad es un proceso de permanente construcción y transformación, mediante el cual enriquecemos nuestra vida y nuestro conocimiento a través de la interacción con el mundo y con otros seres vivos. No para nunca y no podemos evitarlo. Cada cosa que vemos comemos, compartimos o cada lugar que visitamos, nos impregna con nueva información y sensaciones que despiertan en cada uno de nosotros un nuevo rasgo identitario. A través de ello crecemos a nivel personal, profesional, intelectual y espiritual.

“La contemporaneidad disminuye el papel de lo culto y lo popular tradicionales en el conjunto del mercado simbólico, pero no los suprime.

Reubica el arte y el folclor, el saber académico y la cultura industrializada, bajo condiciones relativamente semejantes. El trabajo del artista y el del artesano se aproximan cuando cada uno experimenta que el orden simbólico especifico en que se nutría es redefinido por la lógica del mercado.

Cada vez podemos sustraernos menos a la información y la iconografía contemporáneas, al desencantamiento de sus mundos autocentrados y al reencantarniento que propicia la espectacularización de los medios. Lo que se desvanece no son tanto los bienes antes conocidos como cultos o populares, sino la pretensión de unos y otros de conformar universos autosuficientes y de que las obras producidas en cada campo sean únicamente expresión de sus creadores”. Canclini, Culturas híbridas.

A través de este proyecto curatorial hemos querido realizar una relectura de importantes obras de la nuestra colección permanente como una contribución a la construcción de una identidad colectiva en Colombia; la firma de los acuerdos de paz en el 2016 entre el gobierno y las guerrillas de las FARC abrieron un panorama que nos permitió ver y entender la complejidad de nuestra identidad cuyo primer eje es la diversidad.

Este territorio llamado Colombia lo habitamos personas de los más diversos fenotipos antropológicos, sociales, religiosos y culturales.

“La vida de Colombia empezó siglos antes de la Independencia, y precisamente esa vida, que había dado sus primeros pasos de manera relativamente discreta y exitosa – y que era una forma de reconstrucción de una vida perdida en España–, esa marca reflejada en la lengua, en la religión, en las costumbres, en las prácticas de la vida cotidiana, en la idiosincrasia de la familia extensa, en la manera de entender los caminos, de alimentarse, de vestirse y prácticamente de todos los demás aspectos de la vida, fueron violentados por las ideas de la independencia.

Así, acusar al pueblo colombiano de ser arcaico y de mantener un espíritu conservador, es ignorar cuál ha sido la verdadera forja de la nación. Somos liberales a pesar de una tradición conservadora muy honda, que todavía hoy palpita en buena parte del país.” Serrano, E. (2016). ¿Por qué fracasa Colombia? Bogotá; Planeta Pág. 170.

Doscientos años después de la Independencia, debemos entendernos como un territorio donde por la misma complejidad geográfica, la estrategia poblacional y las fronteras difusas, estamos buscando nuestra identidad o mejor dicho nuestras identidades.

Le hacemos una apuesta consiente y política a la hibridación; la hibridación es un proceso necesario en la cultura ya que es imperativo negociar las diferencias para convivir.

El mundo globalizado de la contemporaneidad nos obliga a pervivir con otros modos, costumbres y conceptos culturales en paralelo.

La curiosidad es la primera motivación para acercarnos a algo que nos es extraño, todo aquello que nos es desconocido o nos diferencia abre el camino para el intercambio, para analizarnos y encontrar en qué coincidimos, en qué nos diferenciamos y cómo nos podemos entender.

Pensar es pensar sobre la diferencia, el ejercicio reflexivo siempre se hace sobre lo dispar, sobre las alteridades, sobre las falencias o carencias; precisamente allí se afianza la identidad cultural.

En el mundo contemporáneo la flexibilidad intercultural es una clave para existir, en la medida que conozcamos al otro de forma integral y desapasionada tenemos más chance de ampliar nuestra frontera cultural al establecer diversos puntos de contacto e intercambio.

Ampliar el horizonte cultural es casi una obligación ética en el siglo XXI ya que la multitud de canales a los que tenemos acceso (redes, imágenes, contenidos, etc.) nos exigen una disposición de apertura para poder digerir o traducir sus conceptos a nuestro contexto.

La estimulación de la fuerza innovadora de muchas tendencias interculturales provenientes de infinidad de contextos ha hecho del mundo contemporáneo un escenario de multitud de universos o multiversos que se concretan en lo personal, los nacional y lo global.

A diferencia del mestizaje que se concentra en los fenotipos genéticos y en sus múltiples cruces; o el sincretismo, que influye o fusiona diferentes prácticas religiosas para producir la adhesión simultánea a diferentes sistemas de creencia.

La hibridación es propicia para agrupar procesos complejos, multidimensionales de articulaciones y fusiones nacionales e internacionales que no se limitan a las fronteras, las razas, las creencias o las ideologías.

En la hibridación se subvierten los modos de pertenencia y los modos de reubicarse en la sociedad con el fin de sacar provecho en las relaciones sociales y sus funciones, es así que las hibridaciones lingüísticas, comportamentales, laborales y en fin todas las que se producen del intercambio de las diferencias contribuyen profundamente en la complejidad cultural.

Al reflexionar sobre la hibridación cultural, Peter Burke detecta una serie de estrategias a manera de armadura metafórica para explicar el encuentro de las culturas como son: imitación, lograr el parecido externo; apropiación, tomar elementos destacados e integrarlos; reutilización, uso de fragmentos que pueden ser acoplados; reubicación, traslados de elementos; préstamo, uso temporal de elementos; aculturación, recepción y adaptación de elementos; transculturación, adopción y sustitución de elementos; acomodación, adaptación y acostumbramiento; negociación, intercambio y ganancia.

Todos estos elementos pueden darse de manera simultánea, sincrónica o asincrónica, parcial o totalmente según la intensidad, continuidad y frecuencia del intercambio; hoy se manifiesta de forma más palpable por la facilidad y permeabilidad que propicia la interconexión digital donde puede tenerse primero una experiencia a distancia a través de un video, una realidad aumentada o una simulación virtual y luego lo presencial, o también lo contrario al querer revivir una experiencia personal a través de una mediación digital.

Todo esto nos lleva a entender que la creatividad es más interactiva cuando necesita elaborar la traducción para reproducir conceptos en otras identidades o lenguajes que carecen de ellos.

Debido al policentrismo del mundo contemporáneo cada conexión es una piedra de roseta donde se hibridan nuevas y diversas formas de apropiación y producción cultural y sobre todo porque las estructuras de subordinación se han diluido o han desaparecido dejando abiertas las posibilidades para que quien desee hacerlo pueda generar su propio enclave o si así lo queremos, su propio portal.

Por tanto en la contemporaneidad es vital la estimulación de zonas de intercambio en todos los niveles que se concretan en acciones como: viajes, visitas, expediciones o en lugares como: museos, universidades, puertos, fronteras, ciudades cosmopolitas; en fin cualquier sitio se yergue como una frontera que puede ser traspasada, explorada, anexada, integrada o negociada.

Gustavo A. Ortiz Serrano Director MAC

The 21st century is a time of hybridization where key issues such as identity, gender, ancestral legacy, ecology, technology, social organization, and critical thinking are valued at a parallel level.

When we speak of hybridization, we are transferring the concept of natural sciences to the field of sociology and anthropology in the sense of the adaptation process that arises in a subject or subjects when crossing with other cultural, social forms, beliefs, and customs to generate a new phenotype, that is, a set of visible characters that an individual presents as a result of the interaction between its genotype and the environment.

Identity is a process of permanent construction and transformation, through which we enrich our life and our knowledge through interaction with the world and with other living beings.

It never stops and we can’t help it. Everything we see, eat, share, or every place we visit, permeates us with new information and sensations that awaken in each of us a new identity trait. Through this, we grow on a personal, professional, intellectual, and spiritual level.

“Contemporaneity diminishes the role of the traditional cult and popular in the symbolic market as a whole, but it does not suppress them. It relocates art and folklore, academic knowledge, and industrialized culture, under relatively similar conditions. The work of the artist and that of the artisan come together when each experiences that the specific symbolic order in which it was nurtured is redefined by the logic of the market.

Every time we can withdraw less from contemporary information and iconography, from the disenchantment of their self-centered worlds and the re-enchantment that the scenic of the media fosters. What vanishes are not so much the goods are formerly known as cultured or popular, but rather the pretense of both of them to form self-sufficient universes and that the works produced in each field are solely the expression of their creators”. Canclini, Hybrid cultures.

Through this curatorial project, we have wanted to carry out a rereading of important works from our permanent collection as a contribution to the construction of a collective identity in Colombia; The signing of the peace accords in 2016 between the government and the FARC guerrillas opened a panorama that allowed us to see and understand the complexity of our identity, the first axis of which is diversity.

This territory called Colombia is inhabited by people of the most diverse anthropological, social, religious, and cultural phenotypes.

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“The life of Colombia began centuries before Independence, and precisely that life, which had taken its first steps in a relatively discreet and successful way - and which was a form of reconstruction of a life lost in Spain -, that mark reflected in the language, in religion, in customs, in the practices of daily life, in the idiosyncrasy of the extended family, in the way of understanding the roads, eating, dressing and practically all other aspects of life, they were violated by the ideas of independence. Thus, to accuse the Colombian people of being archaic and of maintaining a conservative spirit is to ignore what has been the true forging of the nation. We are liberals despite a very deep conservative tradition, which still beats today in much of the country. “ Serrano, E. (2016). Why does Colombia fail? Bogota; Planet Page 170.

Two hundred years after Independence, we must understand ourselves as a territory where, due to the same geographical complexity, population strategy, and diffuse borders, we are looking for our identity or rather our identities.

We make a conscious and political bet on hybridization; Hybridization is a necessary process in culture since it is imperative to negotiate differences in order to live together.

The globalized world of contemporaneity forces us to survive with other modes, customs, and cultural concepts in parallel.

Curiosity is the first motivation to get close to something that is strange to us, everything that is unknown to us or differentiates us opens the way for exchange, to analyze ourselves and find where we agree, how we differ, and how we can understand each other.

Thinking is thinking about the difference, the reflective exercise is always done on the uneven, on the otherness, on the shortcomings or deficiencies; precisely there the cultural identity is strengthened.

In the contemporary world, intercultural flexibility is a key to exist, to the extent that we get to know the other is an integral and dispassionate way, we have a greater chance of expanding our cultural border by establishing various points of contact and exchange.

Expanding the cultural horizon is almost an ethical obligation in the 21st century since the multitude of channels to which.

Unlike miscegenation that focuses on genetic phenotypes and their multiple crosses; or syncretism, which influences or fuses different religious practices to produce simultaneous adherence to different belief systems.

Hybridization is conducive to grouping complex, multidimensional processes of national and international articulations and mergers that are not limited to borders, races, beliefs, or ideologies.

In hybridization, the modes of belonging and the ways of relocating in society are subverted in order to take advantage of social relationships and their functions, it is thus that linguistic, behavioral, labor hybridizations and in short, all those that occur from the Exchange differences contribute deeply to cultural complexity.

When reflecting on cultural hybridization, Peter Burke detects a series of strategies as a

metaphorical armor to explain the encounter of cultures, such as imitation, achieving external resemblance; appropriation, take outstanding elements and integrate them; reuse, use of fragments that can be coupled; relocation, item transfers; loan, temporary use of items; acculturation, reception, and adaptation of elements; transculturation, adoption and substitution of elements; accommodation, adaptation and accustoming; negotiation, exchange, and profit.

All these elements can occur simultaneously, synchronously or asynchronously, partially or totally depending on the intensity, continuity, and frequency of the exchange; Today it is manifested in a more palpable way by the ease and permeability that the digital interconnection fosters, where you can first have a remote experience through a video, augmented reality or a virtual simulation and then the face-to-face, or also the opposite by wanting to relive a personal experience through digital mediation.

All this leads us to understand that creativity is more interactive when it needs to elaborate the translation to reproduce concepts in other identities or languages that lack them.

Due to the polycentricity of the contemporary world, each connection is a rosette stone where new and diverse forms of appropriation and cultural production are hybridized and above all because subordination structures have been diluted or disappeared, leaving open the possibilities for whoever wishes to do so to generate its own enclave or if we want it, its own portal.

Therefore, in contemporaneity, it is vital to stimulate exchange areas at all levels that are materialized in actions such as trips, visits, expeditions or in places such as museums, universities, ports, borders, cosmopolitan cities; in short, any site stands as a border that can be crossed, explored, annexed, integrated or negotiated.

Gustavo A. Ortiz Serrano MAC Director

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Familia negra

Oscar Arcila Óleo sobre Lienzo 151,5cm x 171,5cm 1973

Hablar de pueblos originarios y del mestizaje es encuadrar a una población determinada en ciertas características que supuestamente hablan de su propia identidad, desconociendo el trasegar de su origen y cómo ha llegado su genotipo hasta el contexto actual; sus adaptaciones a la vida cotidiana y las costumbres que siguen estereotipos establecidos por razas que aparentemente son superiores en un claro modelo colonizador. Arcila narra en esta obra el esfuerzo de los afrodescendientes para adaptarse a una tendencia supremacista que persiste.

La “familia negra”, muestra personajes de clase media con costumbres conservadoras, una típica parafernalia con su vestimenta formal y tradicional urbana de una familia de raza blanca, pero compuesta por afros donde el artista pretendió con su estilo hacer esta hibridación antroposociocultural.

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Buscando identidad Pilar Copete Óleo sobre lienzo 35.5cm x 60cm 1995

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En su exploración con el dibujo y la pintura, Copete profundiza en la expresión figurativa del ser humano, extrae lo profundo de cada ser, que expresa con gestos y emociones los rasgos que identifican a cada uno y que se establecen como una búsqueda de identidad, al inter-relacionarse con el exterior o con los otros.

Ocurren inherentemente cambios que alteran la percepción del mundo interno y cada ser lo manifiesta de diversas formas, posturas, acciones y reacciones no exentas de prejuicios, pero que moldean interacciones propias. En esa investigación de identidad se frustran, se toman o no decisiones que tendrán repercusión. Para la artista todo en este mundo está en constante movimiento y genera cambios.

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500

Carlos Nariño Óleo sobre Lienzo 102cm x 82cm 1977

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La abstracción de la figura en las formas que propone Nariño en esta obra es también una hibridación ya que su composición juega con el cuerpo femenino, ofreciendo una reinterpretación de los cuerpos como una identidad marcada por el color vivo, el esfumado en medio del rojo y la síntesis que hace al construir estas figuras subyacentes entre lo abstracto y lo figurativo. El color toma un papel importante dentro del concepto y sus tensiones emocionales creadas a partir de las diferentes formas expresivas, para el artista son reflejo de una búsqueda de estética y psicológica que ofrece diversas interpretaciones en su simbología sobre cómo apropiamos la identidad.

Su lenguaje es claro, es vivo, su pintura es como poesía; los viajes le inspiraron llevándole a conocer distintos movimientos y lenguajes plásticos, así como el arte óptico, el arte pop, la composición geométrica, el color plano y vibrante. Esta obra es una serigrafía que marcada por el romance de un paseo marítimo, lo apasionado del encuentro entre dos enamorados, el símbolo de la hibridación de dos identidades que fusionan lo mágico y lo real a través de formas y colores.

Idilio Marino

Hernando del Villar Serigrafía 103cm x 73cm 1987

¡Viva México!

Beatriz González Serigrafía 79,1cm x 101,3cm 1979

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La obra de González trata temas públicos o mediáticos de manera irónica permitiendo que sus composiciones sean un referente contemporáneo; nutrida por el Pop Art ella construye una hibridación de iconos costumbristas. En “Viva México” la artista hace una reinterpretación a modo de sincretismo de las costumbres religiosas de los pueblos colonizados ya que toma la estética mexicana con elementos de la fe católica, para transformar un hecho anecdótico en un ícono de la cultura de masas a través de colores contrastantes, planos y sugestivos.

El burgués

Carlos Colombino Mixta sobre madera 160cm x 59cm 1966

Las clases sociales se identifican por estereotipos que definen las diferencias económicas y culturales en la sociedad. El burgués está catalogado como un individuo que ocupa una posición de alto rango en la población, sin embargo, el Burgués de Colombino es una ironía ya que lo representa de manera desfigurada y un tanto dramático por los gestos en su rostro, la expresividad de sus ojos habla de la soledad con una actitud defensiva.

Sin apartarse de la figuración, el artista explora el expresionismo para lograr una identidad propia.

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Segundo llanto de Francisca Quintero Augusto Rivera Óleo sobre lienzo 170cm x 238cm 1970

La obra de Rivera tiene varias etapas, esta pintura se ubica en la transición entre la abstracción y el expresionismo; evoca el dolor, la soledad, la ausencia y desasosiego, pero a la vez hace una hibridación con la inclusión de la ventana que simboliza esperanza, luz, el afuera donde posiblemente está la libertad, aunque hay rejas que no dejan ser libre a este espíritu, a este ser lánguido que transita en estados descompuestos y con signos de deterioro emocional y psíquico.

Su identidad plástica se configura con los permanentes cambios de las tendencias artísticas en la época; venía con una resistencia abstracta para dejarse influenciar por la neo figuración, donde encuentra la psicología de los gestos que le ayudan a construir una nueva identidad expresiva.

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Blanco y rojo

El arte durante los acontecimientos de violencia ha movido a los creadores a experimentar con el dramatismo en la creación de sus obras, los cuerpos desfigurados, formas desgarradoras contrastadas cromáticamente, gestos de dolor en composiciones épicas. Blanco y rojo encarna además de la violencia, un estado de resistencia y resiliencia, de revolución y patriotismo; el estallido de los hechos bélicos en toda la historia está sintetizado en grandes obras de arte, dependiendo del origen de los sucesos, registra, documenta y representa con una identidad propia que él artista establece en su línea y que le permite expresarse de una manera auténtica a pesar que las circunstancias y el contexto en que vivió.

Sin título

La figura humana y los gestos son parte esencial de la obra de Mesa, que se ve influenciada por el Art Deco. Su pintura cobra una identidad que hace hibridación con el Pop Art con colores muy sugestivos y contrastados.

Sus composiciones narran las relaciones personales de personajes construidos con volúmenes definidos y un toque de realismo. Las historias que acontecen en la pintura manifiestan el dualismo de la existencia como el amor y del odio, la luz y la oscuridad, el frío y el calor, estos temas son metáforas que conversan de manera icónica con los cuerpos.

Ver para creer

Ediciones Hogar Fotografía 40cm x 27cm c/u 3 cajas 2004

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Ver para creer tiene muchas connotaciones dentro de la carga sincrética del ocultismo. Hablar de dogmas esotéricos y los símbolos que esta obra toma prestado de la calle, propone cuestionar las creencias de muchos de los misterios de la vida. Estas manifestaciones son también una hibridación de diversas supersticiones, paradigmas y temores que los seres místicos se embarcan a explorar hacia lo desconocido para justificar la existencia y los enigmas que siempre han existido sobre la vida y la muerte; parte de nuevos lenguajes asociados a esos secretos que muchos teólogos, académicos, científicos tratan de encontrar racionalmente para dilucidar una verdad que sustente sus teorías.

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Pieza por pieza

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Pieza por pieza es una cerámica que busca de manera simbólica resignificar la resiliencia de mujeres que han sido sometidas y vulneradas, o que por discriminación han perdido parte de su identidad. Armarse así mismo es un modo de re significar a las víctimas y manifestar de manera sutil, pero directa, ese reclamo social por la igualdad de género y el reconocimiento a las diferencias; la figura representa la hibridación entre la materia y el espíritu en el ser. La posición del cuerpo, relativamente relajada, evoca la voluntad de autosuperación.

Una mujer rebelde y feminista en el buen sentido de la palabra, Meira lucha a través de las artes plásticas para romper con los paradigmas de su contexto; ella, en condición de inmigrante, plantea en su obra interrogantes con asuntos tan contemporáneos como lo son el desplazamiento y el consumo. Experimenta vivir los cambios de cultura en otra nación y adaptarse a esas nuevas formas de vida, esto hace de su obra una hibridación entre la figuración y lo conceptual en el que ha usado elementos populares “pop” como objetos de consumo representados con mucho realismo sobre fondos neutros y planos en los que refuerza la idea que quiere representar, un bolso sinónimo de identidad femenina.

El bolso

Guerrero blanco

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Su expresión plástica aborda temas comunes como la figura humana y el gesto de los personajes que crea en un estilo influenciado por el cubismo, se enfoca en el legado de las culturas precolombinas para darle una identidad propia a su producción artística. Parte de su obra está caracterizada por la materialidad y el empaste, con una paleta sobria de colores neutros como es el caso de “El guerrero blanco”, juega con la abstracción de la figura en diferentes planos en yuxtaposición tonal o cromática. La búsqueda de hitos de la cultura de los antepasados son la fuente de inspiración temática en su obra tardía, y explora la abstracción de estos símbolos o iconos haciendo en sus creaciones un sincretismo entre lo pagano y lo dogmático de las religiones.

En la búsqueda de los orígenes y basado en sus creencias, Abularach expresa por medio de la representación de la esfera, los globos oculares y los planetas, un planteamiento filosófico ancestral relativo al “Popol Vuh; relata la inexistencia del mundo hasta que el creador y formador decidió generar la vida. La intención era que sus propias creaciones le pudieran hablar y agradecer por la vida. Primero se creó la Tierra, después los animales y finalmente, los hombres, mito de origen Maya del antiguo pueblo Quichá de Guatemala. La representación de los ojos es la persistencia del hecho físico de ver y no ver, esa dualidad es el tema principal que aborda en su extensa producción artística. La hibridación entre los mitos ancestrales y el contexto contemporáneo, permite leer su obra como si se enmarcará en un mundo onírico y surrealista sin hacer parte específicamente de uno de estos movimientos artísticos.

Tritón

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Que la dicha y la felicidad le sonrían en el amanecer de cada día, año nuevo de 1930

Una mezcla de formas expresivas dentro de la gráfica, la ilustración, el collage y otras técnicas sintetizan la obra de Barrios; la hibridación de varias influencias como, el pop art, el surrealismo, el nadaísmo entre otras corrientes artísticas y filosóficas, captura en sus imágenes esa mezcla de expresión gráfica para que sus composiciones generen en sí mismas su propia identidad, resalta en obras conceptuales la referencia a Marcel Duchamp.

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Identidad

María Fernanda García Fotografía 60cm x 60cm 2010

Unos tenis azules de marca empacados al vacío, como si fueran una prueba forense o un producto sacado del congelador nos lleva a pensar si la identidad puede convertirse en un producto comercial con todas las lógicas de mercadeo y distribución en masa. ¿Compramos algo de marca para sentirnos identificados? Nos bombardean constantemente con publicidad para vender productos, esto indirectamente busca encasillar la identidad de los consumidores y moldearla en un estándar que permita su fácil asimilación. Los componentes identitarios son complejos, generan enlaces semióticos, asincrónicos, aleatorios que son situados en el contexto contemporáneo.

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El rey y su guaricha Umberto Giangrandi Aguafuerte 78cm x 55cm 1981

La creación artística puede provenir de cualquier rincón del mundo, país, ciudad, barrio, calle o hueco coloquialmente dicho y suelen ser la inspiración para Giangrandi, él se introduce en el mundo marginado de la condición humana para extraer lo esencial de la vida como el amor y la complicidad; basado en las cosas más simples de la existencia como la subsistencia de un reciclador. El título hace alusión a dos denominaciones muy distantes como es el “rey” de origen hispánico perteneciente a una sociedad de alto rango, con el poder económico de invadir las tierras aborígenes de las Américas y colonizarlo, este hecho hace una mezcla lingüística con el chibcha que era la lengua indígena del altiplano cundiboyacense y donde “guaricha” en ese contexto, significa mujer hermosa, guerrera; luego con la conquista española la tergiversaron como mujer callejera. En esta hibridación etimológica que propone este título, se puede interpretar como ironía a esas diferencias sociales, pero aquí las pone en el mismo nivel. El rey que lleva a su guaricha en su carruaje o “zorra” llamada así comúnmente en las calles de la ciudad de Bogotá.

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Homenaje a George

La población marginada de muchos sectores en los territorios deprimidos, donde no se valora la fuerza de las personas que luchan día a día por subsistir, por conservar sus raíces y orígenes, ven amenazados y desplazados sus valores culturales. En este homenaje Alcántara extrae de las entrañas de un personaje afrodescendiente que luchó por un ideal de igualdad en las cárceles Estadounidenses para tener los mismos derechos de todos y ser tratado como persona. Toda la fuerza de una raza que ha resistido a todos los sometimientos, que hace parte del progreso del hombre sobre la faz de la tierra, que ha sido mancillada y aislada a un estado de vulnerabilidad simplemente por su color de piel o su origen.

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Jesús

Flores del Valle Óleo sobre Lienzo 148,5cm x 113cm 1973

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La existencia de religiones y dogmas creados por hombres, han definido parte de la identidad en la sociedad, al ser impuesto en un lugar que conserva tradiciones distintas ha causado hibridaciones que modifican o en otras ocasiones nutren la cultura del territorio.

Al estar cercanas empiezan a forjarse sincretismos que configuran nuevas formas de expresión y sistemas de creencias; este hecho cuenta con elementos integradores de la cultura, este es el caso de Jesús que trasciende en la historia y toma diversas apariencias para amoldarse a las particularidades propias de un colectivo social.

Niña y silla

Francisco Cárdenas Acrílico sobre Lienzo 140,5cm x 140cm 1970

Dos planos componen esta obra, el plano superior que hace referencia al entorno urbano y doméstico y el plano inferior que denota al espacio íntimo. La parte superior es sombría, hay árboles negros, fachadas de casas provincianas que por su aspecto parecen abandonadas; a la derecha una silla rosada vacía de la cual se desprende un lazo azul que conecta con la cabeza de la figura femenina ataviada con un vestido blanco, pero con un curioso tocado compuesto con fragmentos de mosaico. El rostro de esta mujer es inexpresivo y meditativo, aparece una inquietante mano verde que se aproxima desde la derecha y apenas la toca. Su mensaje nos llevará a reflexionar sobre la identidad, la construcción emocional de los espacios y el territorio que, a pesar del desplazamiento forzoso o voluntario, crea vínculos indisolubles con el lugar de origen.

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Cóndores en la selva

Los símbolos de cada nación representados por animales endémicos son un motivo en las temáticas de algunos artistas, el cóndor representa a los andes, en varios países como Colombia está en el escudo nacional, pero en la obra “cóndores de la selva”, Suratá hace una hibridación entre este animal enigmático con una zona que es casi imposible encontrarlo como lo es la selva, quizás esa selva a la que hace alusión son las ciudades que invaden el paisaje natural donde habita estas magnificas aves, creando así una nueva identidad para estas naciones andinas con una pintura que juega entre la abstracción y el expresionismo.

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El paisaje es un tema que muchos creadores de imágenes incluyen en su obra, en esta el surrealismo juega un papel importante para crear nuevos mundos imaginados que permiten al espectador entrar en contacto con la percepción del artista para percibir otros lugares oníricos que Lleras busca en su expresión plástica. Él hace esa hibridación entre paisaje costumbrista y surrealismo como lo hizo en su tiempo Magritte para explorar la identidad dentro de la fantasía.

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Paisaje II

Alfredo Lleras Óleo sobre Lienzo 68cm x 90cm 1996

La espontaneidad de la pintura de Jacanamijoy lleva al espectador a un mundo mágico en el que se encuentra imbuido en la cosmogonía ancestral de los pueblos indígenas de la selva, allí explora un sinfín de figuras zoomorfas y fitoformas con sutiles y enérgicas pinceladas que escapan del academicismo occidental. Jacanamijoy crea una identidad particular que hace hibridación entre la abstracción y el expresionismo pero sin tener que enmarcarlo en ningún movimiento artístico. En su producción resalta los valores de las tradiciones de sus antepasados por medio del color y las formas, su lenguaje expresivo construye estos mundos oníricos que surgen de la “pinta” nombre que recibe del uso del yagé, bebida medicinal de los pueblos de la Amazonía, y el conocimiento milenario que da identidad a estas comunidades que la habitan en total armonía con la naturaleza.

Caminos del viento

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Sin título

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Con una paleta reducida de negro, gris y blanco se configura una superposición de formas donde se destaca una silueta de lo puede parecer una figura masculina, sobre ella con los trazos propios de una lata de spray se dibujan en color crema algunos detalles como botones, charreteras y el cuello de una chaqueta que denota un rango militar, sobre el rostro se inscribe un tag con trazo continuo. Las hibridaciones urbanas se hacen patentes en esta obra donde se pone en cuestión el poder militar y todo el concepto de autoridad; cuando se raya un muro se abre una rendija simbólica de la cual emerge la inconformidad, el descontento o la crítica contra el status quo.

Paisaje lunar

Giovanny Sánchez Pintura y aerosol 120cm x 120cm 2010

Las expresiones urbanas van evolucionando a medida que las ciudades crecen y los símbolos son extraídos por los artistas que se manifiestan en la calles con trazos, mensajes, tags, rayas y colores contrastados; esta expresión plástica han salido de estos espacios marginados para crear nuevas convenciones de identidad que permiten al público consumidor de arte disfrutar de estas formas de producción creativa en espacios convencionales como los museos que pretenden re-significar el arte urbano en algunos casos, esto permite una hibridación entre el arte de “élite” y el arte considerado por algunos como “vandalismo o rebelión”. Aquí suceden nuevos diálogos entre el artista urbano y el espectador. Giovanni facilita esa interacción con el público, des-estigmatizando el graffiti y dándole un estatus diferente.

Matrimonio por conveniencia

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La artista propone un diálogo entre la identidad actual y el arte precolombiano. La obra representa las deidades indígenas puestas en el contexto poscolonial, en el cual se produce el mestizaje, esta hibridación entre culturas es interpretada a partir del título de la obra, que nos revela el sincretismo del acto simbólico donde por conveniencia se han unido en el nombre quizás de Dios o de los dioses que veneraban nuestros antepasados.

La guerra

Antonio González Óleo sobre Lienzo 122,5cm x 92,5cm 1972

Las luchas en la historia de la humanidad han girado alrededor de la posesión de la tierra, los recursos y la esclavización de la población que la habita. La guerra que se retrata en esta obra no es la representación de los hechos bélicos en sí, sino las consecuencias que genera el enfrentamiento entre personas, líderes y bárbaros, que poseen identidades diferentes pero donde se igualan por la codicia, el resultado: Muerte, miseria y deterioro del territorio.

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Natividad

Nadín Ospina Óleo sobre Lienzo 60cm x 70cm 1990

La Natividad, es una tradición que tiene sus orígenes en el cristianismo y hace parte de la iconografía de muchos de los momentos de la historia del arte; esta tradición se transforma de acuerdo al contexto en el que el artista trata este tema, se creería que ha evolucionado en en la contemporaneidad, sumándole momentos, situaciones o tendencias identitarias para permitir al espectador reflexionar sobre la mezcla de símbolos cristianos, personajes mediáticos y corrientes conceptuales. Ospina incorpora personajes animados que se han posicionado en la cultura popular de fácil lectura para quienes vivieron su infancia en los noventa e inicios del siglo XXI, propone al mismo tiempo la hibridación entre dos iconografías con representaciones pictóricas yuxtapuestas.

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República de Colombia

Los símbolos patrios nacen en cada país como un sello que sintetiza la identidad de ese territorio; la obra del grupo Suma pone en tela de juicio la perpetuidad de estos emblemas y su degradación con el abuso. En la obra “República de Colombia”, por medio del escudo nacional, busca resaltar la cultura patriótica que ha sido hurtada por la globalización o por el consumo de las sociedades consideradas como “desarrolladas”, que muchas veces desconoce las marcas que han dejado estas transiciones en el desarrollo de países que son pobres en su economía e infraestructura.

Verano

Las identidades son también el territorio en el que habita cada ser vivo, de acuerdo a su entorno cada individuo se altera, evoluciona y se adapta a las circunstancias; pero poco a poco se modifica en cada paso que avanza, esto permite la construcción de una personalidad propia y a la vez diversa.

El entorno siempre es determinante por su naturaleza, el clima es uno de estos factores que alteran los comportamientos de los seres; Jaramillo representa el estado del clima para hablar de territorio e identidad, el medio ambiente y los estados emocionales que al final se convierten en instrumentos de supervivencia.

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Pintura

Antonio Samudio Óleo sobre Lienzo 42,5cm x 208,5cm 1975

El estilo particular en las composiciones de sus personajes en la obra de Samudio hace referencia a una sociedad de banalidades que con ironía muestra al hombre en un espacio onírico, simple y austero, sin perder el estatus en la presencia de sus protagonistas. Por otro lado, la desconexión con los otros, cada individuo particularizado tal vez por egos, patrones de comportamiento o identidades separadas, convergen en un mismo contexto.

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Migración

Las migraciones humanas causan cambios culturales que afectan el territorio y su idiosincrasia. Estas dinámicas de movilidad depositan costumbres y modos de vida, que dan lugar a conflictos, resistencias, adaptaciones y acuerdos por parte de las poblaciones locales.

Bajo estas circunstancias de migración acontecen hibridaciones socioculturales que permiten una reconfiguración hacia nuevas formas de concebir las distintas maneras de vivir. Como consecuencia de estas mezclas de tejidos culturales aparecen diversos conceptos clave para comprender la obra: transculturación, aculturación, negociación, préstamo y reubicación entre otros. Drews sintetiza cómo se perciben estas movilizaciones en la naturaleza, a partir de la representación de insectos en un espacio aparentemente caótico.

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Las simetrías y las asimetrías, el volumen y el vacío, el espacio externo e interno, lo minimalista, al mismo tiempo lo barroco; son elementos estéticos que se integran en la obra de uno de los artistas más prolíficos que la escultura colombiana ha tenido en las últimas décadas. Edgar Negret realizó una hibridación de conceptos en su obra para conformar una armonía entre lo ancestral y lo moderno, ya que usa el tema indígena para componer y dialogar con las culturas Incas y aborda temáticas como la geometría, la antropología y la física aeroespacial desde una perspectiva contemporánea para integrar estas dos miradas de la humanidad que busca constantemente su identidad.

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Navegante

Edgar Negret Ensamblaje en metal 39x51cm x 40,5cm 1972

Enamorada del niño Dios

En muchos momentos históricos se usaron imágenes religiosas para diferentes fines, ya que motivan la creación artística. En este caso Echeverri retoma iconos cristianos como el sagrado corazón y el niño Dios como elementos de devoción para descontextualizarlos y desacralizarlos integrándolos con un objeto decorativo. Realiza por tanto un proceso de hibridación entre una imagen y un florero, para unir dos perspectivas del arte dispares, una representación iconografía religiosa y una pieza que tradicionalmente se ancló a unas artes populares, para crear un objeto votivo.

Lonas de carpa de camión, periódicos manchados, señales de tránsito abolladas, correas y costuras contrahechas encapsulan el lenguaje de la calle, todo aquello que puede ser reciclado, resignificado, reconceptualizado para generar un producto visual híbrido. En la dinámica de la ciudad, esta obra se compone de sustratos que se acumulan y a los cuales podemos aproximarnos a través de una capa semi-transparente de vinilo; dentro de este ensamblaje descubrimos los titulares de prensa, la mugre, el aceite, los fragmentos de pintura, las puntillas, las cuerdas y un amasijo de elementos de diversa procedencia que confluyen en la urbe. La artista conceptual sabe encapsular estos elementos para darnos una instantánea de un entorno siempre cambiante y orgánico.

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De la serie formas y señales

Susana se bañaba y los viejos hermosa jarra que portaba

El collage funciona para Parra como un ejercicio de expresión para manifestar sus ideas, pensamientos y emociones, que se ven reflejados por el sincretismo entre temas religiosos y costumbristas. El artista se interesa por el dinamismo que genera el montaje e innova retomando temáticas y composiciones clásicas, pero con técnicas modernas.

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El florero

La diversidad, la exuberancia, la riqueza, la variedad de formas y de colores que se perciben en esta composición reúne metafóricamente la biodiversidad de Colombia y sus regiones con toda su pintoresca identidad territorial.

Cada pétalo en este florero podría representar simbólicamente un municipio, con sus creencias, modos de vida, tradiciones, sincretismos culturales y sus hibridaciones, asemejándose entre sí, sin ser iguales.

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Sin título

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La neo-figuración de Ivanka radica en la gestualidad de los cuerpos y las múltiples yuxtaposiciones de capas de color que se podrían relacionar con la diversidad de formas y colores en las razas, los genotipos, los fenotipos, los contextos, los modos de vida, las manifestaciones y las tradiciones. Estos cuerpos dinámicos hablan de situaciones, vivencias y emociones divergentes como concretas. La diversidad presentada en la obra es también una integración que surge de esa búsqueda o apropiación de identidad cultural que se redefine con el tiempo y crea a su vez nuevas asociaciones e interpretaciones.

Sin título

El circo de un gobierno in-gobernado, de una nación donde los que tienen el poder económico y político dominan para su propio beneficio, son constantes en la obra de Salazar, donde resalta los países condenados por la corrupción y la codicia. De manera irónica el artista lanza sátiras en contra de esta nación Colombiana, donde los funcionarios del estado se burlan del pueblo que lucha por salir de la ignorancia y se debate entre la pobreza y la miseria. Estos coloridos juegos circenses son una muestra del poder malicioso al que se somete al pueblo y que dan pie para que el artista mezcle la ironía con la protesta social.

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Jesús Obrero

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Villalobos rescata los ex-votos religiosos para narrar la historia de la obra del Minuto de Dios; sin pretensiones académicas en el uso de la perspectiva sitúa en el espacio de la tela las diferentes escenas, por un lado Jesús entre las nubes con las huestes de ángeles y por otro lado el P. García Herreros que emerge sobre las casas del pueblito blanco, y en la parte superior una gran mesa rodeada de comensales que hace alusión al Banquete del Millón. Con elementos sencillos, una paleta de color reducida y un lenguaje directo, Villalobos enlace el fervor popular, el compromiso social y el servicio a la comunidad.

Sin título

La obra de Lalinde expresa una hibridación entre pintura y arquitectura que da forma a los famosos trampantojos del renacimiento. En este caso en particular el artista mezcla una ilusión visual pictórica con la arquitectura provincial que representa con realismo las fachadas de orden republicano, pintorescas y típicas de la colonización paisa en la zona cafetera de Colombia. Una alusión a la memoria que perdura en el tiempo gracias a sus pobladores que continúan la tradición, sus usos y modos de vida, pese al paso del tiempo conservan su legado arquitectónico. Las puertas y el deterioro de la fachada muestran el legado de los habitantes de estas casas y del tránsito por distintos momentos económicos y culturales.

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Paisaje playa blanca Braulio Salazar Óleo sobre Lienzo 127cm x 172cm 1966

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Salazar es un pintor incansable, que basa su producción artística en la configuración de la figura humana y el paisaje. Estos temas fueron sus referentes principales, ya que hablar del paisaje es ahondar en la identidad del contexto, mientras que se crean momentos de serenidad. Su arte figurativo recibe un gran reconocimiento en Venezuela, sus lienzos llenos de emocionalidad y viveza, con colores pastel son fruto de la observación y cercanía con la naturaleza.

Los bañistas

Este cuadro se enmarca en una temática recurrente en la historia del arte, la representación de los bañistas por parte de pintores como Cézanne, Renoir, Sorolla o Kirchner entre otros. En este caso Luis Ocre se encuadra en una pintura con rasgos expresionistas con una gran carga matérica que casi sobrepasa el soporte de la tela. Cada vez son más escasos los paseos de rio, los escenarios naturales e impolutos, en obras como esta hay un anhelo pero a la vez una crítica a la forma como hemos sobre-explotado el planeta.

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Negras confluencias

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Hacer visible lo invisible, hacer extraño lo común, volver ajeno lo cotidiano es el gran reto de esta obra de Valdenebro; percibir algo que pasa desapercibido para los transeúntes de las grandes urbes: las tapas de las alcantarillas o las placas escondidas en el cemento de las callejuelas. Son elementos que se resaltan en esta obra, representa una amalgama de sutiles matices de tonos bajos y apagados que contrastan con negros profundos y sombríos.

La artista nos propone un punto de vista distinto, percibir la ciudad desde sus aguas negras, desde sus desechos, desde la contaminación que existe pero que nos negamos a aceptar.

Homenaje a Feliza

Los materiales que se encuentran en desuso son fuente de inspiración para muchos creadores y el reciclaje, además de ser un propósito de cambio para cuidar el medioambiente, es también un medio de expresión de los artistas contemporáneos que buscan construir sus obras para manifestar conceptos, ideologías, pensamientos, sentimientos y emociones que se entrelazan con el tema de la hibridación de la identidad en la cultura, en la que se están inmersos. Crepé emplea una viruta metálica de uso doméstico para hacer un homenaje a una de las grandes artistas del reciclaje en nuestro país, Feliza Bursztyn.

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Plaza

Gustavo Zalamea Óleo sobre Lienzo 89,5cm x 89,5cm 1991

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La plaza es por excelencia un espacio público, un lugar de encuentro de la ciudadanía, así lo entiende Zalamea al incorporar en la plaza de Bolívar un buque, unas bañistas y una ballena en una clara alusión a lo que le faltaba a Bogotá para ser un balneario, pero igualmente es una crítica a la idiosincrasia capitalina siempre encerrada, fría y gris.

Esta hibridación da cuenta de lo complejas que son las relaciones sociales y culturales en una nación tan diversa y extensa como la nuestra, igualmente los retos de configurarnos como un país donde tengamos cabida todos.

El Divino Niño flor

Esta obra realizada en cerámica muestra una hibridación entre lo ornamental y lo religioso, entre lo inspirado en la naturaleza y la devoción mística. Se observa un niño Dios exaltado, con los brazos abiertos, mostrando las palmas de las manos en señal de alabanza y gratitud. El sincretismo entre lo biológico y lo teológico, o la integración natural del espíritu en todas las cosas, no lleva a entender de forma más amplia esta hibridación.

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Xica: La iguana de mi suerte Ángel Loochkart Óleo sobre Lienzo 100cm x 100cm 1965

Loohckart plantea un acertijo, ¿dónde está la iguana? ¿será que sólo está en nuestra imaginación y tratamos de encontrarla camuflada en las expresivas pinceladas?

La alusión a la iguana, uno de los saurios sobrevivientes a la extinción provocada por la caída del cometa a la Tierra hace millones de años, es un testimonio de hibridación, adaptabilidad y resistencia. ¿Tendremos la suerte de superar la próxima extinción? ¿podemos cambiar el rumbo frenético del consumismo? ¿Será el fin de la era antropozoica?

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Con el fin de afianzar los lazos con los artistas de la colección permanente al rededor del mundo decidimos contactarlos para realizar una serie titulada Arte en cuarentena; a través de entrevistas pudimos conocer su situación, estado de ánimo y los proyectos que venían realizando o quedaron postergados durante el período de confinamiento.

Fuimos gratamente sorprendidos por su favorable respuesta en puntos tan distantes como Tokio, Mumbai, Sao Paulo, San Siego, Amsterdam, Milán, Valencia, París, Quito, Madrid y Bogotá.

Destacamos el coraje, el compromiso y la perseverancia de cada uno de ellos y ellas a pesar de las situaciones tan adversas para continuar con su trabajo, reflexionar sobre las circunstancias actuales y ofrecer alternativas desde su práctica artística.

En paralelo realizamos una pequeña serie titulada testigos del arte donde nos compartieron sobre el aporte del MAC a sus carreras profesionales.

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Desde Quito el artista urbano Ache nos cuenta su experiencia durante este tiempo especial y nos muestra sus últimos trabajos incluida la tipografía Amelia.

Emilio Aparicio nos comparte desde Nueva Delhi sus experiencias como fotógrafo durante esta cuarentena y en su recorrido por la India.

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Abel Azcona nos comparte sus experiencias desde su cuarentena en Madrid.

Omar Castañeda nos comparte su experiencia durante esta cuarentena y el trabajo del colectivo Food of war.

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Carlos Castro desde San Diego, California nos cuenta sus experiencias como docente, su exposición en Texas y los aportes a su carrera que ha hecho el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá desde que participó en la primera versión del proyecto TESIS.

José Cosme nos comparte sus experiencias durante esta cuarentena desde Valencia.

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Teresa Currea nos cuenta su experiencia en esta cuarentena durante su residencia artística en Japón.

Klaus nos comparte su investigación doctoral, sus retos como docente en tiempos de cuarentena, sus proyectos y el aporte a su carrera del Museo de Arte Contemporáneo después de participar en la curaduría PLAYGROUND. 96

Cristo Hoyos nos comparte su trabajo y sus reflexiones sobre nuestra sociedad en momentos donde salen a flote las tremendas desigualdades.

Jairo Linares nos comparte sus aprendizajes durante la cuarentena, la publicación de libros, los cómics y los murales dibujados.

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Raúl Marroquín, artista mulltimedial trabaja con video desde 1968, considerado uno de los pioneros de video arte en Europa, su obra hace parte de un gran número de colecciones publicas y privada entre otras: Stedelijk Museum Amsterdam, Centre Pompidou Paris, Museo Reina Sofia Madrid, Moderna Museet Estocolmo, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.

Vanessa Nieto nos comparte sus experiencias desde la gráfica contemporánea, la docencia, la participación en el Proyecto Tesis, su exposición en la sala de proyectos y el significado social al compartir el taller de encuadernación con habitantes de calle en reinserción, además anécdotas de su matrimonio con el MAC de fondo.

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César Padilla nos comparte sus experiencias y aprendizajes durante esta cuarentena.

Luiza Prado desde São Paulo nos cuenta sus experiencias durante esta cuarentena y cómo influyó en su carrera artística la residencia artística que realizó en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.

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Fabio Rodríguez Amaya, colombiano naturalizado en Italia, pintor y escritor.

Profesor titular de Literaturas Iberoamericanas en la Universidad de Bergamo.

Master en Bellas Artes, Universidad Nacional de Colombia, Bogotá. Doctor en Filosofía y Letras, Universidad de Bologna. Ganador de Salón internacional de Agosto (1969) organizado por el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, nos cuenta desde Milán su experiencia y su trabajo en esta cuarentena mundial.

Mariana Varela nos comparte sus experiencias durante esta cuarentena.

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Jefa de área de educación del Museo Reina Sofía, nos comparte su estrategia en una de las instituciones museísticas más importantes de Iberoamérica y los vínculos sociales, de afecto y transformación que se generan desde la educación artística.

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escaneando el código QR

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Acceda a los testimonios en homenaje al Maestro Obregón primera parte.

Abordar a un artista tan singular como Alejandro Obregón en el centenario de su nacimiento fue una oportunidad; todo comenzó con la idea de rendirle un homenaje en video por medio de las anécdotas personales de artistas, curadores, directores de museo y amigos que tuvieron una relación directa con él en algún período de su vida; de esta forma realizamos dos videos, el primero de 42 minutos y una segunda parte de 33 minutos que incluyeron mas de 50 aportes no solo de Colombia sino también del extranjero.

Motivados por esta acogida decidimos realizar una retrospectiva en la plataforma de Arts & Culture que incluye fotografías familiares, su obra temprana, el grupo de la Cueva en Barranquilla, el arte comprometido, su obra pública, la naturaleza indomable, su legado y sus autorretratos. Obras pertenecientes a colecciones públicas y privadas, museos y archivos fotográficos.

Alejandro Obregón es un artista fundamental para entender la transición de lo moderno a lo contemporáneo, a partir de las temáticas tradicionales del arte como el paisaje, el bodegón o el retrato logró dar un enorme salto conceptual para apropiar las fuerzas contenidas en la naturaleza y los objetos que desbordan la mera representación.

Un artista comprometido con su tiempo que no fue indiferente ante las injusticias, los cambios sociales y la vorágine de la violencia que se ha enquistado en nuestro país; por eso su legado pervive en las nuevas generaciones como una oleada de aire fresco para quienes no se conforman.

Acceda a los testimonios en homenaje al Maestro Obregón segunda parte.

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Barracudas

Óleo sobre tela 1960

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Flor de Mangle

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Colibrí

Óleo sobre tela 1969

García Herreros

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Cóndor de los Andes Óleo sobre tela 1958

Acceda para ver el catálogo Proyecto Tesis 2020.

Acceda para ver los mejores trabajos de grado primera parte.

Como parte de integral de la estrategia digital implementada por el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá y en alianza con el Instituto Cultural de Google realizamos la versión 2020 del Proyecto TESIS con la participación de 58 artistas de las universidades colombianas que ofrecen programas de artes plásticas y visuales, además contamos con la presencia de cinco graduados del Paris College of Art como invitados especiales.

Aprovechamos las herramientas tecnológicas para realizar tres foros relacionados con las temáticas en que se organizó la curaduría del proyecto: Territorios; Cuerpo y resistencia; Vibraciones, Memorias y lenguajes.

Se llevaron a cabo durante los meses de octubre y noviembre con una participación promedio de 35 personas por sesión.

La continuidad durante 17 años del proyecto TESIS lo consolida como una de las plataformas mas idóneas en la promoción de los nuevos profesionales del arte en Colombia.

Acceda para ver los mejores trabajos de grado segunda parte.

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Navegar la vida con paciencia

El viaje de la noche a la noche

Muebles sexuales Humberto Navarro Video y Performance Contemporáneo Barranquilla 2019

Gilets Jaunes

Carole El Dana Narrativa visual fotográfica Contemporáneo Paris RESISTENCIA 2019

Territorios Ocupados

Wait to wait some more

Técnicas artísticas contemporáneas del carnaval de Pasto

LENGUAJES

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Fuimos invitados al IX Encuentro de museos de Europa e Iberoamérica: Musealidades alternativas, experiencias y diálogos, con distintos profesionales de instituciones museísticas tanto europeas como latinoamericanas, con el objetivo de generar sinergias, promover la colaboración institucional y propiciar una reflexión crítica sobre el papel que han de desempeñar los museos con respecto a la sociedad que los promueve.

“En la actualidad, estamos asistiendo a un proceso de grandes redefiniciones históricas que afectan a los museos, sus funciones públicas, sus responsabilidades y potencias. Repensar el propio concepto de museo, aunque se ha abordado en varios momentos de su propio recorrido, se ha vuelto urgente. Lejos de llegar a una nueva definición consensuada, la Conferencia de ICOM en Kioto, celebrada hace apenas unos meses, ha demostrado que aún queda mucho por debatir”, comenta la descripción de este IX encuentro en la web del Museo Nacional Centro Arte Reina Sofía.

A partir de distintas experiencias puestas en común, este foro alentó al diálogo en torno a la institución museística en la actualidad. Dichas experiencias procedentes de contextos muy disímiles y con abordajes que proponen alternativas al modelo de museo construido desde el paradigma de la modernidad occidental.

Cómo activarlo y habitarlo desde la versatilidad brindada desde otras posibles funcionalidades.

El programa se articuló a partir de cuatro ideas clave que configuraron los bloques temáticos: el museo entendido como lugar de encuentro, como sujeto a interpelar, como agente articulador del entorno y como punto de partida para la creación y el desarrollo.

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Las curadoras del IX Encuentro Museos de Europa e Iberoamérica, Ana Longini y Lia Colombino.

El primer bloque planteó el museo como caja de resonancia, como foro público, como refugio. Interpelaciones desde adentro y desde afuera de la propia institución, que abren brechas y la vuelven porosa, permeable, a demandas y usos muy distintos y más amplios que los de conservar, exhibir colecciones o retomar discursos distantes, continuando con la línea de lo preconizado por la museología crítica.

Ponencia “Resonancia y Resistencia” en compañia de Pablo Martínez y Magda Lipska, coordina: Gloria Cortés.

Un segundo eje se basó en la idea de descentralidad, que apela a la posibilidad de afectar e interpelar a los museos desde planteamientos decoloniales y feministas.

Así, problematiza el binomio geopolítico centro/periferia, alterando su orden unidireccional y señalando ciertas posiciones que hoy son susceptibles de ser transformadas ¿Qué significa concebir museos des-colonizados, des-patriarcalizados?

En tercer lugar, el encuentro reunió distintos proyectos artísticos en que se ha abordado la noción de museo a partir de una apropiación de la forma, la historia y el espacio museal. El fin es ayudar a fraguar resignificaciones e investigar sobre potencialidades aún desconocidas.

La idea de un museo que actúe fuera de sí mismo. Es decir, que investiga el desbordamiento de la idea moderna de museo desde prácticas que han obligado a repensar los usos y las fronteras del mismo, no solo actuando sobre su entorno más inmediato sino, además, ejercer una función social fuera de su área de influencia habitual como es el caso del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá con la ponencia Resonancia y resistencia, donde da cuenta de las interacciones frente al proceso de paz, el asesinato de los líderes sociales, la inclusión, la descolonización, el compromiso y la participación comunitaria.

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El Comité Internacional para los Museos y las Colecciones Universitarias (UMAC) nos invitó a participar en el foro internacional sobre los retos de los museos durante la emergencia sanitaria.

Compartimos con la comunidad internacional de los museos universitarios la estrategia digital que habíamos implementado en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá y que nos permitió mantener de forma efectiva las actividades, curadurías y programas educativos con nuestros públicos.

En el contexto de los museos universitarios recibimos con satisfacción el respaldo, la admiración y la divulgación de lo que hasta el momento hemos logrado para atender los retos que nos ha impuesto el 2020.

Dentro de la Alianza Americana de Museos (AAM) hay varios grupos de trabajo, nos encontramos vinculados al Latino Network y tuvimos una sesión especial con trabajadores de museos de origen latino donde pudimos conversar sobre los retos laborales, el nuevo escenario de los museos con las restricciones presupuestales y las alternativas para afrontar el 2021 en diferentes contextos.

Debido a la contingencia mundial, la conferencia 2020 de la Alianza Americana de Museos se realizó de forma virtual y gracias al apoyo de la fundación Getty estuvimos presentes en varias de las ponencias en especial las relacionadas con la inclusión, la educación en museos y las estrategias de los museos medianos y pequeños para afrontar los nuevos escenarios derivados de la emergencia sanitaria.

La Universidad Autónoma de la Ciudad de México (UACM) realizó el foro Museos: Perspectivas y retos desde la incertidumbre; junto con expertos de Canadá, España y México compartimos las experiencias y las estrategias que implementamos desde el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá para afrontar las dificultares relacionadas con el cierre de los museos, los nuevos escenarios virtuales, el fortalecimiento de las comunidades y las innovaciones que implementamos con nuestros aliados.

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Cultura OnLine-nuevas proximidades: Canales y Plataformas, este fue el tema convocado por la plataforma Resiliart Colombia de la UNESCO en cual compartimos con la orquesta filarmónica de Medellín, el teatro por WhatsApp, Innova music y la plataforma Mowies cómo llegar a nuevos públicos a través de las plataformas y canales digitales, que innovaciones y emprendimientos desde la cultura han tenido resultados y cómo podemos generar alianzas.

Por invitación de la licenciatura en educación artística de UNIMINUTO virtual, realizamos la ponencia Kuarimpoto de Payan, un análisis desde el pensamiento decolonial para entender los acontecimientos históricos recientes en diferentes latitudes y en especial en el departamento del Cauca.

Los acontecimientos no son aislados, hay múltiples y variadas conexiones que vinculan las corrientes de cambio sobre el patrimonio cultural, los museos, el género, la política y la sociedad.

El artista Raúl Marroquin, residente en Amsterdam, nos invitó al streaming visitando ciudades que no conozco donde participamos con tres ciudades de la extinta cortina de hierro: Varsovia, Praga y Budapest.

Estas tres ciudades tienen un elemento en común, su levantamiento ante la opresión ejercida por la unión soviética y su deseo de libertad; en conjunto estas tres ciudades colocaron los cimientos que contribuyeron a la caída de la cortina de hierro.

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La reserva del museo ha contado con varios cambios significativos durante los últimos años, gracias a la gestión del director del museo, Gustavo Ortiz y con la financiación de la Corporación Universitaria Minuto de Dios, que reconoce la importancia de albergar este patrimonio, que no solo hace parte del museo y la universidad, sino también del barrio Minuto de Dios y de nuestro país. La necesidad de adecuar las bodegas para mejorar la conservación de las obras de arte contemporáneo fue un gran paso que se logró concretar, aunando esfuerzos al inicio de este año 2020. Tras varios procesos administrativos se implementaron una serie de módulos móviles con mayas en dos espacios, tanto en el museo como en la sede de la calle 90. A pesar de ello, por causa de la emergencia sanitaria mundial no se le pudo dar uso hasta finales del segundo semestre, cuando se hizo la reapertura de algunos espacios de la universidad, entre ellos el museo y sus dos bodegas. Por tanto, nuestro coordinador de colecciones y curador Sebastián Jiménez retomó tan significante y urgente labor de reubicación y diagnóstico del estado de conservación de las obras de la colección del MAC.

Participación en el Seminario “Arte en Colombia” avalado por el Ministerio de Cultura y gestionado por la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en el cual participó el curador del MAC, Sebastián Jiménez Cortés, durante el pasado mes de octubre de 2020 en sesiones de dos horas diarias, en las que cada semana se abordaban temáticas como: La historia de los salones regionales y nacionales de artistas, de ahí surgieron preguntas como: ¿Qué es el arte contemporáneo? Desde diversos puntos de vista contextuales y la situación actual que nos permea, dialogo sobre el arte en época de coronavirus, el acto fotográfico, las residencias artísticas, de esta sesión se generaron preguntas como: ¿Cómo funciona un espacio expositivo? En los conversatorios cada día había un catedrático o maestro a cargo con experticia en el tema, además de compartir preguntas, pareceres y reflexiones con actores culturales en diferentes lugares del territorio nacional, se logró consolidar un grupo interdisciplinario de investigación y tuvimos la oportunidad de mostrar en algunas ocasiones la labor que desarrolla el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.

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“Laberinto” es una trenodia audiovisual. Su poética dialoga con el volumen flexible del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá y así consigue que su morfología se convierta en un lienzo pantalla que refleja una huella temporal a través de la imagen en movimiento, donde evidencia una conceptualización de lo elementos mas representativos d ella cris actual, así como su impacto en reactivar escenarios no convencionales, en le que la proyección de video mapping tendrá un circuito modo loop para la circulación de público flotante en tiempos de Covid -19.

Laberinto es la ganadora de la beca de creación en danza y tecnologías digitales del año 2020, otorgada por el Ministerio de Cultura.

Aunque recibimos multitud de visitas en nuestras plataformas digitales, queremos destacar las vista presencial se realizó la artista Andrea Echeverry a la curaduría Identidades Híbridas. Andrea Echeverry es más conocida en el campo de la música, pero estudió cerámica y ha tenido una práctica constante de su disciplina, en la colección permanente de nuestro museo tenemos dos de sus obras en cerámica.

Andrea siempre ha querido que sus trabajos cumplan una función adicional y en el caso específico de Enamorada del Niño Dios es también un florero.

Gracias Andrea por tu visita, por tu trabajo artístico y por todo lo que aportas al campo.

El programa inaugural de Calle a Calle de la Alcaldía Mayor de Bogotá se trasmitió desde el espacio escultótico frente a el Museo de Arte Contemporáneo con la presencia de la Alcaldesa Claudia López, nos sentimos honrados de ser el escenario cultural seleccionado para dar inicio a esta serie de encuentros locales que contribuyeron a la reactivación de nuestra capital.

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EDUCATIVAS

Iniciamos los procesos educativos del 2020 con varios encuentros ciudadanos, que nos permitieron explorar otras maneras de comprender, interactuar e interpelar las exposiciones temporales del museo. Esa pulsión de cuestionar y brindar espacios cada vez más incluyentes, tuvo que cambiar su formato, ya que ahora estábamos en los hogares.

La pandemia se convirtió en la oportunidad para poner al servicio de la sociedad nuestra creatividad y junto con las comunidades buscar mecanismos para no soltarnos de la mano.

El punto de encuentro, el lugar de reunión ya no era físico, pasamos al plano virtual y con él a un universo que, aunque como museo ya veníamos explorando desde años anteriores, no era el medio principal para dialogar con la ciudadanía.

Como área educativa, nuestro objetivo principal fue no ser ajenos a las realidades sociales y emocionales que estábamos atravesando como colectivo y por ello las palabras cuidado y autocuidado empezaron a resonar al punto de convertirse en nuestros derroteros de los encuentros virtuales.

Fue así como el equipo conformado por: voluntarios, pasantes y una coordinación, dedicamos las primeras semanas al

acompañamiento colectivo y a la búsqueda de nuevas maneras posibles para unirnos a las comunidades con las que de manera habitual veníamos trabajando, con la intención de no soltarnos de la mano y cumplir las promesas de propuestas a principio del año.

Para ello adaptarnos, ser pacientes, aprender y buscar mundos posibles en el campo de la mediación cultural, ahora virtual fueron, las primeras acciones que realizamos. En ese tránsito pudimos evaluar, auto conocer y repensar las metodologías presenciales que ya estaban establecidas en términos educativos en el MAC. Los resultados inmediatos fueron posibles gracias a las libertades creativas que nos permitió la dirección del Museo, el trabajo en red con docentes, artistas, colegas del sector y museos nacionales e internacionales; la capacidad de adaptación de la comunidad a las nuevas propuestas y del equipo en sí mismo, el apoyo de las familias y por supuesto el soporte de la UNIMINUTO cuyo propósito era cuidarnos y cuidar de los demás, para seguir adelante.

En concordancia con lo anterior nos permitiremos comentar algunas de las acciones resultantes de las nuevas iteracciones virtuales.

TatianaTatiana Quevedo Educación

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Aprovechamos la fanpage del MAC en Facebook y la invitación que nos extendió la UNIMINUTO a partir de su campaña la “U me cuida”; diseñamos transmisiones en vivo, cuyo objetivo era poner el diálogo el patrimonio artístico, la historia del MAC y los contextos artísticos y museológicos, en relación a los acontecimientos actuales.

Cabe resaltar que el MAC ha generado múltiples contenidos en YouTube desde tiempo atrás; con estas nuevas realidades se dinamizaron a la vez que se generaron nuevos videos, desde el área educativa cuyo fin fue poner el diálogo a las comunidades con el arte contemporáneo, los contextos locales, los imaginarios individuales y colectivos.

Los contenidos que el MAC desde el 2012 ha generado en la plataforma virtual de Google Arts & Culture, ha sido un insumo que permite conectar comunidades que quieren conocer el MAC con su patrimonio artístico; el reto durante la emergencia sanitaria fue incrementar su uso, con una propuesta educativa segmentada por grupos de interés.

Instagram Al ser una de las redes más utilizadas actualmente el segmento de la población que más visita el museo (24 a 40 años), diseñamos un filtro que nos permitió interactuar con los usuarios de manera inmediata y poner el diálogo parte del patrimonio artístico del MAC. Igualmente colaboramos con contenidos que nutren las historias de Instagram y FB, en espacial los contenidos para martes de inclusión.

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Actualmente el sentido de la audición, es uno de los más explorados para las acciones educativas y académicas. En ese orden de ideas y en clave inclusiva estamos en el desarrollo junto con la comunidad con discapacidad visual, de un POD-CAST interactivo que nos permita dar a conocer a las comunidades la historia del museo y su proyecto de arte urbano: barrio museo.

La respuesta a este reto fue el diseño de una experiencia educativa; dirigida a la comunidad académica de UNIMINUTO, la cual nombramos “Todos somos uno”. En alianza con la unidad de primer año y sus docentes, logramos una interacción de más de 1000 estudiantes que les permitió conectar su patrimonio personal, con una obra, un sentimiento y un lugar de la ciudad..

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Año tras año el consejo internacional de museos ICOM, invita a toda la comunidad museística y a la ciudadanía en general a celebrar el día internacional de los museos, con un lineamiento en específico; para este año el tema seleccionado fue “Museos por la diversidad igualdad e inclusión”, desde el área educativa, trabajamos en red de la mano con el MUAC- México y los Museo del Banco de la República de Colombia.

Con el apoyo del MUAC - México diseñamos un audiovisual cuyo objetivo fue ser un espacio de escucha para responder preguntas que rondan entre los mitos y clichés relacionados con el arte contemporáneo para desmitificar la distancias que existen entre las instituciones del arte y sus públicos.

Este audiovisual incluye lengua de señas colombiana LSC y el apoyo de la comunidad que dialoga habitualmente con los dos museos.

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En alianza con los Museos del Banco de la República, se propuso un semanario como espacio de diálogo crítico sobre los retos para conectar a las comunidades con o sin discapacidad, el acceso cultural, la migración y las necesidades específicas de la comunicación con públicos, en el estado actual de confinamiento. El semanario contó con la participación de profesionales de los siguientes museos: Museo Nacional de Colombia, Casa Museo Pedro Nel Gómez, Maloka y el Museo Nacional Thyssen Bornemisza, de España, e instituciones como el Centro de Rehabilitación para Adultos Ciegos y el Consejo Iberoamericano de Diseño, Ciudad y Construcción Accesible.

Año tras año realizamos el encuentro de mediación Así Somos, con distintos museos y trabajadores del sector, para fortalecernos como red y generar reflexiones. Dada la coyuntura especial se realizó de manera virtual, lo cual permitió ampliar la participación no solo a museos de Bogotá, sino a las diferentes regiones del país.

Como resultado se han fortalecido el intercambio de saberes entre instituciones y colegas en beneficio de la ciudadanía.

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VISITAS INTERPRETADAS Y TALLERES VIRTUALES Uno de los grandes fuertes de los servicios educativos brindados por el museo son las visitas interpretadas y las visita taller, los cuales fueron adaptados a los contextos virtuales, de esta manera creamos experiencias con docentes de UNIMINUTO universidades a nivel nacional.

El programa de voluntariado que ofrece el área educativa del MAC, busca junto con los participantes, a los que llamamos intérpretes, diseñar herramientas incluyentes que junto con las comunidades contribuyen a interpretar las exposiciones temporales, el patrimonio artístico y los procesos del MAC. Esto con el fin de brindar experiencias significativas conjuntas, en pro de la generación de cultura con significado social y contribuir a una sociedad tolerante y equitativa.

En estas nuevas realidades seguimos con el programa de forma virtual , con un giro pedagógico que nos permitió, pensar, proponer y diseñar herramientas virtuales y presenciales.

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“Me gusta el voluntariado virtual, es algo nuevo que nos permite comunicarnos por videollamada”. Michael Coke.

“La virtualidad nos ha enseñado que el amor que le tienes a los públicos no entiende de distancia; los públicos, así no los estemos viendo como lo hacíamos comúnmente, sacan de nosotros esas ganas de crear contenido, de re-inventarnos y de sentirlos cerca a pesar de la distancia.” Maria Camila Barco Echeverry.

Cuidado, auto cuidado, reflexión, creatividad, inclusión, paciencia, virtualidad, autoevaluación, son las palabras que nos ha dejado esta nueva realidad; gracias a toda la comunidad académica, museal, administrativa, a los ciudadanos, artistas, que nos tomaron de la mano y acompañaron para seguir soñando, creando y tejiendo encuentros virtuales, que en un futuro transformaran las interacciones presenciales. ¿Cómo construimos comunidades virtuales?¿Cómo nos transformamos educativamente post-covid hoy lo estamos explorando. Sigamos juntos indagando este camino, cuenten con nosotros, el área educativa del MAC está para servirles.

¡Queridos amigos! Hoy les tenemos un detalle muy especial creado por el Equipo Educativo del MAC. Les presentamos el cuento ¡Alegría y nuestro sentido de la vista! Descubramos está mágica aventura, mientras conoces más del Museo. #MartesDeInclusión #SomosArteMAC #CCSS

¡MAC INTERACTIVO! Disfrutemos de este audio incluyente en el que podremos elegir entre dos grandes historias sobre la comunidad y el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá. ¡Prepara tus audífonos y oídos para descubrir una forma diferente de conocer al MAC! Producción y edición: Jefferson Ramirez @lorioso.azul.11 Equipo educativo MAC @centroderehabilitacionpara.adultosciegoscrac #Martesdeinclusion #Culturaconsignificadosocial #ArteIncluyente #SomosArteMAC

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Cuando emprendimos el proceso de acreditación internacional de alta calidad en el 2012 sabíamos que era un ejercicio de largo aliento que implicaba un profundo análisis de cada una de las áreas dentro de nuestro actuar como institución museal al servicio del público.

Estos ocho años han constituido un gran impulso a la labor que realizamos cada día desde la planeación estratégica hasta la ejecución; no podemos negar que hemos pasado por decisiones difíciles, cambios institucionales, estructurales y ahora las restricciones propias de la emergencia sanitaria que han limitado nuestro actuar en muchas áreas y nos han forzado a ser mas creativos, audaces y recursivos.

Pocos días antes de decretarse el confinamiento recibimos por parte del comité de acreditación de la Alianza Americana de Museos AAM el reconocimiento al demostrar los altos estándares profesionales en el servicio al público, la educación, la administración de colecciones y el compromiso de mejoramiento continuo que ha tenido nuestro museo.

Obtuvimos el sello de calidad internacional para museos por diez años; por primera vez se otorga a un museo iberoamericano, y abre así la opción para que muchos mas museos en la región se animen a implementar un sistema de calidad en sus instituciones.

La selección fue realizada por el Instituto Cultural de Google, quien escogió los 10 mejores museos del mundo para visitar de manera online, entre ellos, el MAC – UNIMINUTO, convirtiéndose en el único museo elegido en Colombia.

Su amplia y variada plataforma, así como las innumerables fotografías de colecciones de obras, su recorrido virtual, las quince curadurías o reportajes, como se le llama en el contexto del Google Arts & Culture y la exhibición de obras de colección bajo la tecnología gigapíxeles, brindando la posibilidad de hacer zoom de 20x, le permitieron al Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, llevarse este importante reconocimiento por parte del Instituto Cultural de Google que, dentro de su plataforma web, agrupa alrededor de 3.000 museos a nivel mundial.

“Para nosotros es un orgullo estar entre los 10 mejores museos del mundo. Entre nuestras curadurías, tenemos la más actual del MAC titulada ‘Identidades Híbridas’, que se encuentra online desde hace más de 1 año. Nosotros primero hicimos la curaduría virtual que nos dio unas perspectivas muy

distintas y luego hicimos la curaduría real, que fue la que inauguramos en el mes de febrero de este año; después llegó la pandemia, pero ya estábamos preparados al tener todo virtualizado; este es un proceso muy interesante que llama la atención dentro de la comunidad museística”, expresó el Director del MAC, Gustavo Adolfo Ortiz Serrano.

Así mismo, el Director destacó la buena acogida que ha tenido el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá – UNIMINUTO, en el ámbito internacional, al estar a la vanguardia con otros importantes museos del mundo, que al igual que el MAC, fueron seleccionados dentro de este Top 10: el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), el Rijksmuseum o Museo Nacional de Ámsterdam, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Trento y Rovereto de Italia (Mart), el Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Corea del Sur (MMCA), el Museo de Arte Contemporáneo de Bangkok (MOCA), el Museo Guggenheim Bilbao, el Erarta Museo de Arte Contemporáneo de San Petersburgo en Rusia, el Museo de Arte Moderno Grand-Duc Jean de Luxemburgo y el Instituto Inhotim de Brasil.

-Portal de noticias UNIMINUTO-

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La red social Facebook entregó la más reciente estadística en la que resalta los 10 museos de Iberoamérica con la mayor interacción con sus comunidades en el medio digital.

Así lo afirmó el Director del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá MAC, maestro Gustavo Adolfo Ortiz Serrano, quien destacó que, en el reporte del top 10 entregado por Facebook, el MAC se ubica en la cuarta posición, gracias a la amplia estrategia digital en la que se viene trabajando desde hace aproximadamente 12 años, lo que le ha permitido estar preparado en esta actual época de contingencia que vive el país.

“Es representativo que nosotros estemos en un cuarto lugar. El primer museo que figura es el Museo Guggenheim de Bilbao, que lógicamente por su tamaño y por el hecho de estar en Europa, tiene una gran preeminencia; el segundo también es muy destacable, es el Museo de Arte Contemporáneo de Lima, en Perú, que ha hecho una labor muy importante en redes sociales y específicamente en Facebook. El MAC ha tenido una estrategia clara de difusión en medios digitales, con la generación de contenidos de calidad, en este caso en Facebook, la interacción, las transmisiones en vivo, los videos, las trivias, todo lo que hemos hecho para estar cerca de nuestros seguidores”, expresó el Director Ortiz Serrano.

Así mismo, reconoció que esta estrategia digital con la que actualmente cuenta el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, se ha logrado gracias al vínculo que previamente ha establecido el Museo con la comunidad a través de sus diferentes exposiciones, exhibiciones, participaciones nacionales e internacionales, conferencias y videos, con los que ha incrementado el número de sus visitantes y seguidores, pero también a los que ha aportado en su enriquecimiento cultural con significado social.

-Portal de noticias UNIMINUTO-

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Carlos Eduardo Pérez Ibagué 1955 - Bogotá 2020

En el 2001 inicié clases en la Universidad Minuto de Dios y como necesitaban otro profesor llamé a mi compañero Carlos Eduardo Pérez para que se vinculara a la docencia en la naciente carrera de Comunicación Gráfica; para el 2002 me ofrecieron la dirección del Museo de Arte Contemporáneo que ya hacía parte de UNIMINUTO; de inmediato propuse también a Carlos Eduardo para trabajar juntos en este inmenso reto de posicionar al museo en la escena cultural de Bogotá.

Eran jornadas de arduo trabajo, solo éramos tres personas para realizar todas las labores del manejo de la colección, el montaje, la investigación, la administración, la gestion de proyectos, la curaduría.

Teníamos a nuestro favor la autonomía, el conocimiento del campo artístico y sobre todo el deseo de construir un proyecto que afianzara el significado social de la cultura que propuso el P. Rafael García-Herreros en su parábola del museo pronunciada en enero de 1963.

Curiosamente nos tocó una época de aniversarios.

El primero, los diez años del fallecimiento del Padre Rafael para el cual organizamos una gran muestra con fotografías, frases, objetos personales, videos con entrevistas y testimonios de su vida; luego en el 2006 celebramos los 40 años del MAC con una curaduría de la colección y nuevas donaciones que gestionamos con los artistas, también publicamos el primer libro del museo que se convirtió en un referente; para el 2008 celebramos los cincuenta años del barrio Minuto de Dios con la curaduría “Obra, Barrio y Gente” que incluyó fotos originales de las familias que llegaron al barrio, documentos, videos y encuentros con la comunidad; el 2009fue el centenario del natalicio del P. Rafael García - Herreros

y el museo fue el centro de todas las celebraciones junto con una curaduría en la que se unieron los aspectos mas relevantes de su vida y obra, que después dieron origen al museo García-Herreros; en el 2010 se cumplieron los primeros 50 años del Banquete del Millón e invitamos a un amplio grupo de artistas de la colección a intervenir platos del banquete que posteriormente fueron subastados para ayudar a construir la casa de la comunidad Wounaan en Ciudad Bolivar; para el 2011 publicamos el segundo libro del museo en la celebración de sus 45 años de fundación y organizamos con obras de la colección una síntesis de los principales hechos que marcaron la segunda mitad del siglo XX y el inicio del siglo XXI. Por invitación del Museo de Arte del Tolima llevamos la curaduría “Transformaciones” a Ibagué, su ciudad natal; Carlos Eduardo me llevó a conocer la casa de su infancia, a recorrer las calles y me compartió muchas de sus vivencias en la infancia; recodaba especialmente su viaje en tren hasta Girardot, los juegos de banquitas en la calle, las visitas al mercado central con sus primos, los baños en el rio Combeima y el estadio Manuel Murillo Toro sede de su equipo del alma: El Deportes Tolima.

Precisamente cuando estábamos sentados comiendo un tamal, Carlos Eduardo con su humor sarcástico dijo: ¡Mono, la vida es un tamal! viene envuelta en muchas hojas que le dan sabor pero no se pueden comer y hay que escarbar profundo por que allí es donde está lo rico, la sabrosura, el recado!

Buen viaje amigo Cucú, nos dejaste un gran sabor en nuestras vidas y seguramente estás disfrutando de lo que más amabas: la belleza de las cosas!.

Gustavo A. Ortiz Serrano Director MAC

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