Curadurías 2/18 Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá

Año 4. / N° 2. / Julio - Diciembre, 2018 / ISSN 2462 – 7615

1

2

Año 4. / N°. 2 / Julio - Diciembre, 2018 / ISSN 2462 – 7615 MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ

CURADURÍAS II

3

CORPORACIÓN UNIVERSITARIA MINUTO DE DIOS Presidente P. Diego Jaramillo Cuartas, cjm Rector General P. Harold Castilla Devoz, cjm Vicerrectora General Académica Dra. Marelen Castillo Rector Sede Principal Dr. Jefferson Arias Gómez Vicerrectora Académica Sede Principal Luz Alba Beltrán Agudelo Directora General de Investigaciones Amparo Vélez Ramírez Director de Investigaciones Sede Principal P. Carlos Germán Juliao Vargas Directora General de Publicaciones Rocío del Pilar Montoya Coordinadora de Publicaciones Sede Principal Paula Liliana Santos Vargas

4

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ Dirección Gustavo Ortiz Serrano Curaduría Juan David Quintero Registro y Colecciones Wilmar Tovar Museografía Equipo MAC Producción y Montaje Iván Cano Michael Owen Educación Tatiana Quevedo Equipo de educación Comunicación Xiomara Castillo Comunicación Gráfica Daniel Padilla Villada Gestión Administrativa Karen Jaramillo Alexandra Ferrucho

5

6

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ Curadurías II Año 4. / N°2. / Julio - Diciembre / 2018 MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ, curadurías, es una publicación semestral tipo catálogo con investigaciones curatoriales en el campo del arte contemporáneo.

Contiene artículos inéditos resultado de proyectos e investigaciones curatoriales, experiencias educativas, gestión y manejo de colecciones.

Incluye reflexión temática e investigación histórica sobre el significado social de la cultura en el siglo XXI. Corporación Universitaria Minuto de Dios - UNIMINUTO. Todos los contenidos publicados en MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ, Curadurías Año 4. / N°.2. / Julio Diciembre, 2018 / ISSN 2462 – 7615 son seleccionados por el Comité Editorial de acuerdo con criterios establecidos.

Están protegidos por el Registro de Propiedad Intelectual. Los conceptos expresados en los artículos y obras competen a sus autores, son su responsabilidad y no comprometen la opinión de UNIMINUTO. © Reservados todos los derechos a la Corporación Universitaria Minuto de Dios – UNIMINUTO. Está permitida la reproducción parcial de esta publicación en cualquier medio, incluido electrónico, siempre y cuando cite de forma clara la fuente.

7

Autor corporativo Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC Corporación Universitaria Minuto de Dios - UNIMINUTO Editor y director Gustavo A. Ortiz Serrano Editor ejecutivo Wilmar Tovar Leyva Autores colaboradores Juan David Quintero Tatiana Quevedo Gustavo Ortiz Wilmar Tovar Leyva José Antonio Pérez Eduardo Planchart Daniel Martínez Santiago Pulido Asistentes de dirección Karen Jaramillo Alexandra Ferrucho Corrección de estilo y ortotipográfica Karen Jaramillo Alexandra Ferrucho Diseño gráfico y Diagramación Daniel Padilla Portada Daniel Padilla Foto portada Gusdigital Fotografía Xiomara Castillo Daniel Padilla Gustavo Ortiz Patricia Lengua Daniel Trujillo Carlos Velásquez Artistas expositores

8

QR Videos MUCA Museum of Urban and Contemporary Art El medio Equipo de comunicaciones UNIMINUTO Éter Edición fotográfica Daniel Padilla Gusdigital Impresión Panamericana formas e impresos S.A. Tiraje Cien ejemplares

Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC www.mac.org.co Carrera 74 # 82 A - 81 Bogotá D.C - Colombia 2018 ISSN 2462 - 7615 © Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá © Corporación Universitaria Minuto de Dios - MINUTO Impreso en Colombia - Printed in Colombia El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, manifiesta su agradecimiento a todas las personas, los artistas donantes, las entidades aliadas, y las organizaciones que, con su generosidad, su consejo, su aporte, su aliento, su experiencia, su apoyo, y su trabajo; creen en que la cultura con significado social es posible.

9

43

19

MIRANDO HACIA EL SUR... ES NATURAL 28

31 38 40

10

55

Biografía Gris One Mario Álvarez

FRAGMENTADO 64 66

Biografía Heriberto Nieves

ÉTER

PROYECTO TESIS 15 AÑOS

69

Biografías Camilo Ara Robert Pennington

NIGREDO 76

Colectivo México - Colombia

79

BEING ANIMAL 88

Biografía Yoon Don Hwi

113

ACTIVIDADES 115 119 122 124 126

91

BARRIO MUSEO 100 102

105

Biografía Nardy Getiva Mapa del recorrido

PROGRAMA DE RESIDENCIAS

129 131

139

Calca a la lata Conversatorio Artbo Conversatorio Annatina Aerne Asi somos 3 Visita pares

CURADURÍAS EXTERNAS Memorias de un abandono

EXPERIENCIAS EDUCATIVAS

11

FRONTERAS ABIERTAS

12

El segundo semestre del 2018 inicia para el Museo Arte Contemporáneo de Bogotá con importantes muestras que dan cuenta de las diferentes aspiraciones del hombre contemporáneo y que abarcan desde el cambio climático y las relaciones sociales, hasta los retos y reflexiones personales.

Mirando hacia el sur, es natural, es la propuesta del artista portorriqueño Heriberto Nieves, a partir de un hecho que marcó su vida: el huracán María.

El huracán afectó prácticamente toda la isla de Puerto Rico durante el año 2017. Esto lo llevó a reflexionar acerca del impacto que tiene el cambio climático, logrando plasmar en sus obras los elementos que ha venido trabajando desde hace muchos años como son el metal, el fuego, el carbón y la transformación de la materia; no se quedan atrás sus reflexiones acerca de las plantas y la capa vegetal, su función reguladora natural de nuestro planeta se ve constantemente amenazada por los agresivos desarrollos que realiza el ser humano.

En paralelo en el tercer piso se realiza la exposición Éter, donde el artista Gris One realiza un mural In situ y acompañado de la exhibición de pinturas que dan cuenta de su extraordinario manejo de la gama de los grises y una particular visión que tiene visos surrealistas; a la vez su hermano Mario Álvarez propone

una serie de dibujos de pequeño formato con una gran factura y que a primera vista parecen grabados en punta seca.

Estos dos hermanos que se retroalimentan mutuamente y que se han formado en el campo del arte son uno de los referentes del arte joven colombiano para el 2018.

Queremos destacar los 15 años del proyecto TESIS, un proyecto que inició de manera modesta pero qué ha ido creciendo con la participación de las diferentes propuestas académicas de todas las universidades de Colombia; para el Museo de Arte Contemporáneo ha sido uno de sus proyectos insignia ya que en él se congregan elementos como son la divulgación académica, el apoyo a las nuevas generaciones de artistas y la creación de un banco de tesis único en el país.

A través de estos 15 años hemos visto como las nuevas generaciones de artistas han consolidando lo que se ha llamado el boom del arte colombiano, y aunque realmente este nombre no se corresponde con los desarrollos reales y los procesos que genera la cultura y las manifestaciones visuales, son un indicador interesante de cómo nos ven desde afuera y cómo se puede construir desde el museo un proyecto de gran pertinencia e impacto social.

13

Para terminar el año tres exposiciones reflejan la influencia y la pertinencia de los intercambios culturales que ha logrado el Museo de Arte Contemporáneo; en el primer piso tenemos Fragmentado, un diálogo entre dos fotógrafos un norteamericano y un colombiano, con un profundo significado social y en especial focalizado en zonas más abandonadas del país donde la violencia se registra cotidianamente y donde la pobreza acosa sin cesar a los más vulnerables.

En el segundo piso, Nigredo, un colectivo conformado por artistas Colombianos y Mexicanos que hace una lectura desde la alquimia y los procesos de purificación interior para lograr un desarrollo superior; la caligrafía, el dibujo, la instalación y la mezcla de técnicas, son empleadas para evidenciar este universo que explora diferentes etapas de purificación derivados de la alquimia en edad media.

El tercer piso recibe la visita del coreano Yoon Don Hwi con el proceso de su residencia artística en Colombia, gestado dentro del intercambio que se realizó con la fundación Jeju de Corea, Yoon Don Hwi explora la identidad animal y humana en las culturas coreana y colombiana, su análisis de

14

los petroglifos, de animales mitológicos y figuras antropozoomorfas con los mitos propios de las culturas orientales establece nuevos diálogos y enlaces que se evidencian en su trabajo.

No podría terminar esta presentación sin nombrar la importancia que tenido la visita de los pares de acreditación internacional de la Alianza Americana de Museos. Durante el mes de septiembre recibimos con mucha satisfacción esta visita que inicia una nueva etapa para los museos en nuestro país y en específico para el MAC; el cual durante los últimos años ha trabajado en la construcción y armonización de un sistema de calidad encaminado a la excelencia junto con la Corporación Universitaria Minuto de Dios.

Es entender el museo desde una perspectiva totalmente diferente y resaltar la pertinencia social que ha tenido la labor del MAC durante más de 52 años como uno los referentes importantes para la museología en Colombia.

GUSTAVO A. ORTIZ SERRANO Director MAC

OPEN BORDERS

15

The second semester of 2018 starts for the Contemporary Art Museum with important exhibits that give an account of the different aspirations of contemporary man from climate change and social relations to personal challenges and reflections.

Looking to the south, it is natural, is the proposal of the Puerto Rican artist Heriberto Nieves, from a fact that marked his life: Hurricane Maria. The hurricane affected practically the whole island of Puerto Rico during the year 2017. This led him to reflect on the impact that climate change has on the works that he has been working on for many years such as metal, fire, coal and the transformation of matter; Their reflections on plants and the vegetal layer are not left behind, their natural regulating function of our planet is constantly threatened by the aggressive developments that the human being makes.

In parallel on the third floor is the Éter exhibition, where the artist Gris One makes a mural In situ and also exhibits a series of paintings that show his extraordinary handling of the range of grays and a particular vision that has surrealistic overtones; at the same time his brother Mario à lvarez proposes a

16

series of drawings of small format with a large bill and that at first sight appear engraved in dry point.

These two brothers who feed each other and who have trained in the field of art are one of the references of young Colombian art for 2018.

We want to highlight the 15 years of the TESIS project, a project that started in a modest way, but has been growing with the participation of the different academic proposals of all the universities of Colombia; for the Museum of Contemporary Art it has been one of its flagship projects since it brings together elements such as academic dissemination, support for new generations of artists and the creation of a unique thesis bank in the country.

Through these 15 years we have seen how the new generations of artists have been consolidating what has been called the Colombian art boom, and although this name does not really correspond to the real developments and processes that culture and visual manifestations, generate, they are an interesting indicator of how they see us from the outside and how a project of great relevance and social impact can be built from the museum.

To finish the year, three exhibitions give an account of the influence and relevance of the cultural exchanges that the Museum of Contemporary Art has achieved; on the first floor we have Fragmentado, a dialogue between two photographers an American and a Colombian, with a deep social meaning and especially focused on more abandoned areas of the country where violence is recorded daily and where poverty constantly harasses the most vulnerable.

On the second floor, Nigredo, a collective made up of Colombian and Mexican artists where a reading is made from alchemy and internal purification processes to achieve a higher development; calligraphy, drawing, installation and the mixture of techniques, are used to highlight this universe that explores different stages of purification derived from alchemy in middle age.

The third floor receive the visit of the Korean Yoon Don Hwi with the process of his artistic residency in Colombia, an exchange that was made with the Jeju Foundation of Korea. Yoon Don Hwi explores the animal and human identity in both Korean and Colombian cultures. His analysis of the

petroglyphs, mythological animals and anthropozoomorphic figures with the myths of oriental cultures establishes new dialogues and links that are evident in his work.

I could not finish making this presentation without naming the relevance of the visit of the international accreditation pairs of the American Alliance of Museums.

During the month of September, we received with great satisfaction this visit that begins a new stage for the museums in our country and specifically for the MAC, which during the last years has worked in the construction and harmonization of a quality system aimed at excellence together with the UNIMINUTO University.

We understand the museum from a totally different perspective and to highlight the social relevance that the work of the MAC has had for more than 52 years as one of the important references for museology in Colombia.

GUSTAVO A. ORTIZ SERRANO MAC Director

17

18

Estamos, si se quiere interpretar así, sometidos a las fuerzas del universo, a la gravedad que marca nuestra rutina diaria determinada por la luz solar y a un sinnúmero de vectores que aún nos faltan por descubrir. ¿Cuántas veces nos hemos interrogado sobre el destino, sobre nuestra función dentro de lo inconmensurable de los espacios infinitos?

Los descubrimientos que hace la ciencia nos ayudan a entender mejor lo finitos o infinitos que somos, ¿cómo puede caber el universo en nuestro cerebro? Una escala de proporciones con múltiples variables que se modifica cada segundo; por solo hablar de los viajes, en el siglo XX trasladarse de continente a continente podía llevar meses, hoy lo realizamos en horas y no sabemos cómo el tiempo se irá encogiendo en los años venideros.

19

El conocimiento colectivo hace poco tiempo tardaba 170 años en transmitirse por los medios tradicionales, se estima que para el 2025 tardará apenas 47 horas.

Todo este conjunto de fuerzas nos determina pero también nos libera cuando encontramos su correcto balance, y es precisamente este equilibrio que se configura con la experiencia el que nos transmite Heriberto Nieves con su propuesta para el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.

Nuestro planeta tierra es en un gran porcentaje hierro compactado y hierro líquido en constante fusión, lo que llamamos magma; en una clara alusión en el centro del museo ha instalado una esfera de este metal y en los muros alrededor de ella ha colocado un conjunto de paneles oxidados que se conectan a través de una gran grieta que ha sido curada con hojilla de oro.

La vida en la Tierra teóricamente surgió en las profundidades del océano, en una fractura del magma donde la temperatura de la lava se mezcló con el caldo de cultivo de los mares para producir las primeras moléculas de carbono que evolucionaron hasta los organismos complejos que somos hoy.

Según la mitología Náhuatl estamos en el quinto sol, la tierra ha tenido varias extinciones y ha vuelto a renacer, los organismos se han adaptado, modificado y evolucionado para aprovechar mejor los diferentes ambientes; es esta adaptabilidad la que garantiza la supervivencia. ¿Seremos capaces de sobrevivir? ¿Está nuestra especie destinada a la extinción? ¿Tenemos la capacidad para realizar los cambios necesarios para evitar una hecatombe? Son algunas de las preguntas ineludibles que nos planteamos al ver la obra de Heriberto Nieves.

GUSTAVO A. ORTIZ SERRANO Director MAC

20

Sutura dorada Acero oxidado, lámina de oro 7 piezas 240 x 60 cm 2018

Yacimiento de fรณsil Acero oxidado, madera, lรกmina de oro y tornillo 60 cm 2018

21

Heriberto Nieves vuelve a Bogotá, con una exposición cargada de mensajes perspicaces en la que extrae a los metales y a las gamas cromáticas sustancias primigenias. Quien observe sus piezas con intereses investigativos, experimentará en los trabajos la persistencia de sentimientos que comunican metódicamente con variantes estéticas que rebasan el razonamiento ordinario. Así acoge ideo - especulaciones que pueden inyectarse al lenguaje prodigioso de las ciencia – ficción. Si algo toma posesión de la escena, en este momento, es la capacidad de Heriberto para apresar e incorporar la mística geográfica y cultura del Hemisferio Sur y cómo el ambiente colombiano le ha conmovido a mostrar esta propuesta seria, dirigida al futuro inmediato contigüo a nuestras vidas.

Tan pronto la conciencia humana toma posesión de su rol en el cosmos, el ambiente austral del sur, invita a leer

Solunático dorado Pintura, acero oxidado, aerosol, lámina de oro 150 x 210 cm 2018

sus cielos desde tierras prometedoras.

La ubicación de Suramérica en el globo es única y su proyección meridional es la que conforma una frontera geográfica a nivel planetario.

Una de las creaciones responde al esquema circular que constituye la promesa simbólica, porque ese diseño matérico que se alterna con vegetales, que aunque muy verídico, arroja la imaginación hacia lo realmaravilloso tan invocado por Gabriel García Márquez. Se trata de una esfera que luce como andamiaje listo para experimentar un exclusivo tipo de combustión fisicoquímica. Tan pronto entramos en contacto con ella, orienta las miradas a lo que el autor desea destacar y que da título a la muestra: Mirar hacia el sur…es natural.

Dr. José Antonio Pérez Ruiz AICA Catedrático Universidad de Puerto Rico Crítico de Arte

22

Tu nido Acero oxidado, vegetaciรณn, luz led sobre carbรณn 180 diรกmetro 2018

23

Heriberto Nieves, artista cosmopolita en el sentido que le dio en Grecia a este término Diógenes el cínico (s. IV a. C); ciudadano del mundo, boricua con una visión global del arte, que desea acercar al otro, a lo que sería una civilización ecológica, sensible a la trama de la vida en toda su complejidad y opuesta a la civilización contra natura. Desde su axis mundi: Puerto Rico ha recorrido norte, centro y Suramérica, incluyendo a Europa, investigando y vivenciando el arte desde su peculiar perspectiva. De este recorrido, brota la instalación Mirando al Sur, donde asume variadas técnicas, que van desde la pintura, la escultura, el ensamblaje, el collage… hasta técnicas medievales como es el recubrimiento de hojilla de oro.

Entre sus puntos de referencia se encuentra el constructivismo ruso, como serían los Relieves en acero de Vladimir Tatlin, poetizándolos con elementos de la contemporaneidad, inspirado en creadores vanguardistas como Richard Serra, Ligia Clark, Jesús Soto y Asdrúbal Colmenárez. Busca a través de ellos generar la ruptura del paradigma de la obra como contemplación, para convertirla en acción participativa e imaginativa. De ahí nace el disfrute del artista por crear proyectos escultóricos en espacios públicos, como plazas e incluso autopistas, para transformar la cotidianidad del otro. Así, la dimensión estética amplía la visión del mundo vinculándose a la ética.

Una de las sincronías que encontró Nieves en el Viejo Continente, fue su empatía por los materiales naturales como metáforas y huellas de las fuerzas del cosmos, como acostumbra hacerlo Anselm Kiefer, transmitiéndoles a su vez una dimensión histórica a gran parte de sus obras. Sin por ello alejarse de la estética de civilizaciones tradicionales, como la maya y la azteca; no en vano realizó su formación académica y práctica en México, en la Academia de San Carlos de la UNAM.

24

Hojarascas Acrílico sobre lienzo e impronta vegetal 120 x 120 cm 2018

Se está ante un creador auténtico y arriesgado, que transmite a esta instalación contenidos conceptuales de manera desprejuiciada, para crear el contexto estético a una de las figuras más complejas del arte: la esfera, eje de esta ambientación. Esta obsesión por el círculo, quizás se deba a que nace y existe el artista en una paradisíaca isla caribeña, cuya metáfora visual podría ser esta figura, presente en casi toda su obra pictórica, escultórica, ensamblajes y diseños de muebles.

dinámica económica, en una sociedad mercantil, donde todo se puede comprar tal como afirma Michael Sendel, el filósofo político de Harvard. Hay fuerzas telúricas y casi volcánicas que están transformando al Nuevo Mundo, como diría Mario Vargas Llosa en su novela Lituma en los Andes. Esta instalación es una oración estética, para exorcizar estas fuerzas desbocadas. De ahí que la esfera sea en este contexto, una metáfora del constante renacer, no sólo de Puerto Rico sino de nuestro mundo global.

Cabría preguntarse ¿por qué dirige el artista su Mirada al Sur?, ¿será porque es un continente que está transitando por una encrucijada histórica, y este presente es uno de sus períodos históricos más definitorios de su paradójico destino? Y la civilización occidental, puede tener en este espacio y tiempo respuestas e inspiración, como sería la filosofía moral de los Kogis, de Sierra de Santa Marta centrada en un profundo anti materialismo y respeto a la vida, y a la Tierra que es percibida y vivenciada como la Diosa madre, Gaulchovang.

Estos principios éticos podrían orientar a la civilización contra natura a huir del trágico destino de convertir el libre mercado como herramienta de la

En el Museo Contemporáneo de Bogotá, este Nidar Cósmico, encontró un espacio-tiempo para expresar su fuerza simbólica y estética, pues está en una arquitectura dominada por lo circular, y lo tríadico, estratos que potencian sus valencias simbólicas. Es así que, el artista al conocerlo de cerca pensara: He soñado mucho con este espacio sin conocerlo, era una premonición, de algo que debía materializar, y para lo cual he venido preparándome. (Heriberto Nieves, 2018.)

Dr. Eduardo Planchart Licea Crítico de Arte, Académico, Ex Curador Museo de Arte Contemporáneo Sophia Imber, Caracas.

25

Pequeñas imágenes del cielo Acero oxidado y acero inoxidable Díptico 60 x 240 cm 2018

26

TE LLU RIC FOR CES According to the Nahuatl mythology we are in the fifth sun, the earth has had several extinctions and has been reborn, the organisms have adapted, modified, evolved to take better advantage of the different environments; it is this adaptability that guarantees survival.

Will We be able to survive? Is our specie destined to extinction? Do we have the capacity to make the necessary changes to avoid a catastrophe?

These are some of the unavoidable questions We ask ourselves when We see the work of Heriberto Nieves.

Fรณsil de oro Acero oxidado, lรกmina de oro 120 x 120 cm 2018

27

Heriberto Nieves

Nace en Vega Alta, una ciudad del norte de Puerto Rico, donde crece e inicia su desarrollo educativo en el sistema de educación pública.

Durante esos años, como miembro de la tropa 143 del Capítulo de Puerto Rico de los Niños Escuchas, logra ser admitido —a temprana edad— a la logia de la Orden de la Flecha. Este evento marca su vida para siempre, brindándole herramientas de liderazgo, independencia, pensamiento crítico y estrategia.

28

Heriberto se destaca en los talleres de artes plásticas de la Escuela Apolo San Antonio. Realiza estudios universitarios en la Universidad Interamericana de Puerto Rico, completando el grado de bachiller en Biología. Luego, prosigue su búsqueda y obtiene una concentración en Pintura y Artes Plásticas en el Recinto de Río Piedras de la Universidad de Puerto Rico.

Siguiendo su destino, obtiene una beca para continuar con sus estudios avanzados en el país hermano de México. Estudia la maestría en Pintura en la Academia de San Carlos de la Universidad Autónoma de México, graduándose con honores por su excelencia académica.

En 1997, se le otorga la Medalla de Plata Alfonso Caso, convirtiéndose en el único puertorriqueño en conseguir este premio de la Universidad Autónoma de México. Gracias a sus esfuerzos y buen trabajo, Nieves logra presentar su obra en numerosas exposiciones, ganándose la atención de la prensa mexicana y de conocidos críticos de arte.

Según continúa el desarrollo de su obra, surgen más oportunidades. El Dr. Eduardo Planchart, curador del Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber de Caracas, en Venezuela, lo invita a exponer su trabajo en esa capital latinoamericana.

Además, el Dr.Planchart se traslada a Puerto Rico para trabajar en la curaduría y museografía de la obra de Nieves en el Arsenal de la Puntilla, en San Juan, Puerto Rico.

http://heribertonieves.com Dr.HeribertoNievesa @ heribertonievesart 29

Gris One Éter Acrílico sobre lienzo 200 x 150 cm 2018

30

Éter es una sustancia con la capacidad de generar ficciones recreadas a través de la pintura y el dibujo como una lectura idílica de la realidad y otras formas de existencia. GRIS ONE y Mario Álvarez se unen en un ejercicio pictórico entre escritos, pintura, dibujo, sonido y muralismo, en donde cada creación intenta encapsular su admiración por lo infinito y lo desconocido creando imágenes en donde el espacio y el tiempo hacen parte de una narrativa poética que nos transporta realidades alternas.

31

El trabajo de GRIS ONE tiene su nacimiento en las calles, utilizando el aerosol, en grandes formatos donde los colores y las figuras futuristas y surrealistas se mezclan con animalarios que representan lugares, sus obras van más allá de la rutina o la monotonía de sus producciones. Además, podemos encontrar procesos de abstracción, paletas de colores de grises, negros y blancos, que han hecho parte de su evolución en su trabajo desde el caballete pasando a la calle.

Mario Álvarez Sin título Tinta sobre papel 26 x 18 cm 2018

Por otro lado, Mario Álvarez, un artista joven con un gran talento y dedicación por la investigación del dibujo en tinta negra, crea una serie de escenarios y personajes que van más allá de lo real, de encontrarse con seres que perfectamente se crean en la mente de cada uno, donde los miedos y temores son recreados por mundos individuales y míticos.

Mario Álvarez Sin título Tinta sobre papel 26 x 18 cm 2018

Por lo tanto, este proyecto se retoma como un ejercicio de investigación desde la pintura, la filosofía y el dibujo para ser recreado en exteriores o interiores, en muros y lienzos, su concepto expositivo sin duda alguna genera un planteamiento de diálogos bilaterales entre sus procesos. Los artistas profundizan sobre el espacio, las deidades, los entes, el vacío, lo intangible, el horizonte, la refracción de la luz sobre las montañas y el espacio entre las piedras y las sombras, buscando integrar e inmergir al público en un mundo diferente al cual no estamos acostumbrados a ver o a sentir, es soñar y entrar a otros espacios donde la mente no tiene límite alguno.

Juan David Quintero Arbeláez Curador

32

Gris One Él Acrílico sobre lienzo 60 x 40 cm 2018

33

34

Gris One Aurora AcrĂ­lico sobre lienzo 180 x 100 cm 2018

35

ET HER Ether is an exercise in research from painting, philosophy and drawing to be placed on exteriors or interiors, on walls and canvases; its exhibition concept undoubtedly generates an approach to bilateral dialogues with its processes.

The artists deepen into the space, the deities, the entities, the emptiness, the intangible, the horizon, the refraction of light on the mountains and the space between the stones and their shadows.

Gris One Mural in situ Sala de proyectos MAC 2018

36

Gris One Tiempo AcrĂ­lico sobre lienzo 150 x 150 cm 2018

37

Gris One

Yeison Leonardo Álvarez Martín

Universidad El Bosque, (Maestro en artes plásticas) . 2015 Institución Sena (Adobe Dreamweaver CS6) Bogotá, Colombia. 2014 Institución Sena (Adobe Illustrator CS6) Bogotá, Colombia. 2014 Corporación Universitaria Minuto de Dios (Tecnología en comunicación gráfica) Bogotá, Colombia. 2009.

38

Escritor de graffiti y artista visual, reside y trabaja en Bogotá. Su obra plástica germina a raíz de su experiencia en el universo del graffiti, tras una larga reflexión de ensayos, errores y una constante exploración que lo lleva a poseer un exquisito dominio de la técnica del aerosol y las teorías del color; se ha dedicado a trasladar su obra tipográfica urbana al espacio de taller, sin dejar de lado los muros callejeros mediante la creación de imponentes abstracciones que trazan una línea creativa que esgrime dentro de sus pilares fundamentales la ilustración, el dibujo y el estudio de lo cromático.

Su interés fundamental la ilustración, el dibujo y el estudio de lo cromático.

Su deseo de renovarse e innovar constantemente le lleva a crear imaginarios orgánicos cargados de la influencia del día a día, con la intención de evocar lo indómito de la naturaleza y lo caótico de la ciudad, erigiendo una obra en continua construcción, destrucción y renacimiento.

grisone1@gmail.com grisone @grisoneart 39

39

Mario Andres Álvarez

Joven ilustrador bogotano de la Universidad El Bosque con un recorrido entre libretas, academia y su contexto en las calles de Bogotá y los ríos de Garagoa; oscila entre el aprender de la forma preguntándose ¿Qué es? Sin una respuesta en concreto sigue el recorrido de lo real y lo aparente de la imagen.

40

Los contrastes de blanco y negro son elementos de ayuda en la composiciĂłn por medio de la lĂ­nea, creando lugares con seres y espacios inefables en su confusiĂłn entre algo real o amorfo.

Sus formatos de tinta sobre papel no superan los 30 cm, donde juega con la forma aprendiendo de ella y desaprendiendo, creando y destruyendo la forma en su entendimiento.

41

41

42

No es normal que un proyecto académico tenga una continuidad como la ha tenido el Proyecto TESIS a largo de estos 15 años, y creo que son varios los factores que podemos destacar dentro este proyecto que se han afianzado en estos tres últimos lustros.

43

Es un proyecto que está centrado en la producción académica, donde se pondera la investigación, la creación en el ámbito universitario y se focaliza en uno de los procesos más importantes de la carrera profesional con todo lo que esté implica en cuanto a sus referentes: pregunta de investigación, objetivo general, justificación, antecedentes, al igual que su marco teórico, recomendaciones y anexos; es un proyecto incluyente, ya que invita cada año a las universidades que ofrecen programas de artes plásticas y visuales de todo el país; se ha constituido en un referente investigativo ya que a lo largo de este tiempo se ha construido un banco de tesis de grado que incluye un poco más de 1300 tesis.

Consideramos que la documentación es un factor fundamental en este proceso, por tal razón no solamente

Juan Pablo Garcia Garcinica: La divina comedia conceptual Acción - instalacion Universidad de Nariño 2010

está el banco de TESIS, sino que también se han publicado 15 catálogos y dos monográficos de lo que fue su primera década, todos ellos pueden ser consultados en nuestro repositorio digital sin costo alguno. La continuidad del proyecto TESIS le ha permitido posicionarse como uno los espacios idóneos para la promoción de nuevos valores del arte en Colombia, al igual que el seguimiento que se les hace a los egresados en su carrera y la participación que los vincula a curadurías, bienales e intercambios internacionales.

Tesis 2014

44

No podemos dejar de resaltar la importancia de estos artistas al vincularse a nuestra colección permanente, lo cual tiene un impacto en su su hoja de vida. Igualmente son un testimonio de cómo se han consolidado las prácticas artísticas en las primeras dos décadas del siglo XXI.

Vanessa Gutierrez Presencia entre la ausencia Carboncillo Academia Fรกbula 2015

45

Maria Fernanda Legarda Mi piel mi voz Performance Universidad del Cauca 2013

46

Hablar del proyecto TESIS, es hablar de enlaces entre la Academia, la universidad, los artistas, los curadores, los galeristas, los profesores, los maestros y el público; es establecer una nueva forma de actuar y propender por la calidad y la excelencia que ha ido creciendo como lo demuestra el profesionalismo del campo artistico, en el cual hoy Colombia ocupa un lugar destacado.

Entendemos que, para los jóvenes artistas, formar parte del proyecto TESIS es un peldaño más en su carrera y es una aspiración natural de los recién egresados; abrir estas opciones es parte del objetivo del museo y de esta iniciativa, por esta razón hemos establecido vínculos con instituciones culturales internacionales y un programa de residencias e intercambio donde los egresados pueden ampliar sus horizontes.

Somos los protagonistas de nuestra propia historia y a través del Proyecto TESIS cada uno los artistas participantes, cada una de las universidades, está escribiendo parte de la historia del arte contemporáneo en nuestro país.

El legado del proyecto TESIS es configurar la nueva generación de artistas en Colombia, personas con visión social, líderes que amplían los significados de las problemáticas contemporánea, actores comprometidos con la transformación, luchadores incansables por la dignidad y con una voz firme de resistencia contra el olvido.

Gustavo A. Ortiz Serrano Director MAC

47

Ana Maria Helo Cuerpo 1/2 cocina Performance Universidad del Bosque 2008

48

49

Un nuevo capítulo para el arte contemporáneo colombiano Desde hace más de dos décadas en las academias y facultades de arte se ha exigido como requisito de grado un documento escrito o tesis que sustente el proceso de investigación-creación, sin embargo, su circulación se restringe al mundo universitario, salvo unos casos donde termina en una galería o sala de proyectos por tiempo limitado. Por dichas razones se configuró desde el año 2004 el proyecto TESIS, que convoca a universidades, escuelas y academias de arte con el objetivo de ampliar su circulación a otros públicos y espacios para divulgar lo qué está pasando con el arte contemporáneo a nivel nacional.

Cuando se deslocaliza el arte como forma de culturizar por medio de llevar las obras a otros espacios, es un acto germinal que permite a los artistas del Proyecto TESIS comenzar su vida profesional en un ámbito museístico.

Año tras año observamos la calidad y diversidad de las TESIS con su propio discurso y la apropiación de las diferentes técnicas que cumplen una función dentro del arte de actual; los conceptos que manejan los artistas varian según la región y departamento, un ejemplo claro es el contexto urbano

María Alejandra Martín Video - Proyección Universidad de los Andes 2008

50

capitalino, donde se narran temáticas personales e introspectivas, frente a otras ciudades o departamentos como Norte de Santander o Cauca donde los conflictos sociales, el orden público o el desplazamiento son el eje central.

A lo largo de quince años se ha constituido un banco de TESIS que congrega más de 1300 trabajos de grado y se convierte en una fuente primaria de consulta para los investigadores, historiadores, docentes y estudiantes. Allí encuentran un panorama bastante amplio de las artes en Colombia durante las primeras décadas del siglo XXI. Como conclusión quiero resaltar el seguimiento que hace el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá a los artistas seleccionados, como es el caso de la primera década del proyecto donde se invitaron de nuevo a los artístas participantes para conocer la evolución de su trabajo y cómo se ha consolidado su vida profesional en el contexto nacional e internacional. En otros casos los artistas son invitados a participar en curadurías, proyectos y residencias artísticas que amplían sus opciones creativas y los fortalece profesionalmente.

Santiago Pulido Abril

Pasante del MAC e historiador del arte.

Wilman Fonseca Paradoja visual, ilustracion digital Universidad del Atlรกntico 2017

51

Carlos Calderon Torres Emma Óleo sobre lienzo Universidad del Cauca 2017

Alba Rocio Ruíz Vanegas Sufriendo desde el útero Escultura Universidad del Tolima 2018 Santiago Lemus Sánchez A medio horizonte Instalación – Video Universidad Nacional 2018

52

THESIS XV YEARS AMPLIFY THE MEANING To talk about the THESIS project is to talk about links between the Academy, the university, the artists, the curators, the gallery owners, the professors, the teachers and the public; is to establish a new way of acting and striving for quality, for the excellence that has been growing as shown by the professionalism in the field of art, in which today Colombia has a prominent place.

Mala Juanita La certeza vulnerable InstalaciĂłn Universidad Francisco JosĂŠ de Caldas 2017

53

Camilo Ara Sin título Fotografía digital 70 x 100 cm 2016

54

Fragmentado reúne a dos fotógrafos de Colombia y Estados Unidos que se han encargado de recorrer y visitar lugares del territorio colombiano, captando imágenes en diferentes contextos; en otras palabras, visualizando sus entornos naturales, culturas ancestrales, la violencia que ha azotado territorios como el Valle del Cauca, Chocó la comuna 4 de Soacha y Ciudad Bolívar (Localidad de Bogotá), dejando un rezago de violencia bastate fuerte en sus comunidades; el papel que desempeña y en el que se encuentra anclada la primera infancia y la lucha por el territorio.

55

Para este caso, la fotografía está jugando a ser testigo histórico de una serie de hechos ocurridos en lugares donde se ha llegado poco, pero que tiene muchas historias por contar, y que lamentablemente se cubre por esa alfombra teñida de rojo que tanto conocemos como lo es el conflicto.

Lugares donde los habitantes por medio de su historia oral guardan tradiciones, ritos, leyendas, recetas y tradiciones que han sido fragmentadas por grupos al margen de la ley, por gobiernos de turno y multinacionales que han llegado a arrasar con los ecosistemas endémicos, hacen parte de unos intereses que pasan por encima de las comunidades.

Camilo Ara Sin título Fotografía digital 70 x 100 cm 2017

Camilo Ara, un fotógrafo colombiano con mucha experiencia en caminar la calle, nos muestra una historia que va hilando con su cámara, una realidad contemporánea de hechos que han afectado una Colombia que históricamente ha estado marcada por la violencia. Las microhistorias

Robert Pennington Ojos del Barrio Fotografía digital 50 x 75 cm 2016

hacen parte de sus narraciones visuales a las cuales nos encontramos en sus registros.

Por otro lado, Robert Pennington, fotógrafo norteamericano, que ha tenido su ojo puesto en los conflictos de Europa y Latinoamérica, ha documentado la migración de refugiados en el año 2015 con la crisis europea, la cultura afrocolombiana y la problemática de la pobreza a raíz del desplazamiento por el conflicto armado, comunidades que han sido despojadas de sus tierras y que por obligación ha tenido que migrar, es el tema que visualizamos en sus piezas.

Es así, como se busca por medio de estos dos fotógrafos tener una mirada directa, crítica y de reflexión sobre acontecimientos a los cuales no podemos ser ajenos y que la fotografía nos devela en pro de todos.

Juan David Quintero Arbeláez Curador

56

Camilo Ara Sin título Fotografía digital 70 x 100 cm 2015

57

58

Robert Pennington Trabajo FotografĂ­a digital 50 x 75 cm 2016

59

Robert Pennington Te veo FotografĂ­a digital 75 x 100 cm 2016

60

Camilo Ara Sin título Fotografía digital 70 x 100 cm 2016

61

62

63

Camilo Ara

Licenciado en Ciencias Sociales – Fotógrafo documentalista y realizador audiovisual con experiencia en la implementación de proyectos culturales con enfoque social, arte y memoria. Desarrolló múltiples proyectos de base con población indígena campesina y afro en el territorio colombiano.

64

Amplia experiencia en la formulación e implementación de proyectos culturales, pedagógicos y comunitarios en diferentes territorios del país a través de estrategias articuladas con expresiones artísticas.

Cofundador de la Fundación Bajo Control Agencia Cultural, actualmente trabaja para el equipo de iniciativas de memoria del Centro Nacional de Memoria histórica.

kamiloara@gmail.com camiloara1 @kamiloara 65

Robert Pennington

Fotógrafo social documental, cineasta y educador. Con treinta años de carrera en el campo del arte y los medios, Pennington ha tenido un largo recorrido por Estados Unidos, el Pacífico Sur, Europa y América Latina. Al principio de su carrera, Pennington trabajó como editor y también ha sido productor y director. Su trabajo editorial ha sido exhibido en los festivales de cine de Cannes, Sundance, Berlín y Tribeca. Su debut como director en Polynesian Power, un documental que narra el ascenso de dos atletas de Samoa a la NFL, se estrenó en ESPN y luego se emitió en PBS. También ha producido y editado proyectos para HBO, Disney, Telemundo y numerosas agencias de publicidad. Pennington ha trabajado en varios sistemas educativos durante más de una década enseñando en Nueva Zelanda, América Latina y Estados Unidos. Actualmente es docente en la ciudad de Nueva York. El 2014 marcó un cambio en el enfoque artístico de Pennington cuando comenzó a trabajar exclusivamente en fotografía.

66

OUTLIERS, un ensayo fotográfico en cinco partes, es un trabajo en curso que explora las muchas caras de lo global. La marginación y su impacto en las personas y sus comunidades.

Las obras de OUTLIERS completadas se han exhibido en Estados Unidos y América del Sur: REFUGEE CRISIS (2015) documenta la inimaginable ola de migración masiva en el apogeo de la crisis en toda Europa; ZERO (2016) examina la vida después del desplazamiento de las víctimas de la guerra civil de 60 años en Colombia, actualmente la mayor población de desplazados internos en el mundo con 7.7 millones de personas; y el proyecto de orificio en curso WE \ ‘wē \: yo y el resto de un grupo que nos incluye (2017) presenta Inmigrantes en América en el siglo XXI en retrato y voz.

Pennington continúa recaudando fondos y desarrollando las últimas tres entregas de OUTLIERS: GIRO; EN BUSCA DE SOLOMON; y DOS NACIONES. Recibió su BFA en Cine de la Universidad de Nueva York. Tisch Escuela de las Artes. Pennington divide su tiempo entre Allagash, Maine, Nueva York y América Latina.

www.robertpennington.net @robert.pennington.90 67

68

Nigredo es el resultado de un ejercicio en conjunto entre agentes del arte y la cultura originarios de distintas partes de Latinoamérica. Este ejercicio parte del ánimo de conocer nuevos horizontes y de reconocer, en las inquietudes compartidas, una identidad en el terreno artístico que propicie mayor intercambio de ideas y más colaboración.

69

Presentamos una propuesta integradora distintos valores estéticos que se ven reflejados en el trabajo de cada artista.

Sin embargo partimos de la premisa de un arte que no se realiza con base en principios objetivos, sino sobre aquello que produce sentimientos y emociones que cobran sentido en relación con el contexto de quien lo experimenta.

Nuestro objetivo es generar un espacio de trabajo y exhibición para la producción de arte joven, el cual se nutre de la cultura, subculturas y contraculturas populares en las grandes ciudades de Latinoamérica.

De esta manera, reunimos el trabajo de artistas de Chile, Colombia y México para manifestar la voluntad de generar identidades libres y conscientes de lo que el presente nos exige.

Erre $ (Colombia) Aerosol y stencil 70 cm x 100 cm 2018

Blast 0, 3, 7 (México) Aerosol y vinilo sobre tela 180 cm x 300 cm (3) 2018

El carácter general de la muestra parte de las alegorías que se encuentran en el compendio de textos e imágenes de la antigua tradición alquímica.

Dicha tradición es conocida como una disciplina antigua que encierra un saber filosófico, teológico y científico con el fin de perfeccionar los estados de la materia hasta llevarlos a su expresión más noble.

En el proceso alquímico, se requerían tres pasos para purificar la materia hasta convertirla en oro. Dichos pasos fueron nombrados “nigredo”, “albedo” y “rubedo”.

Esta exposición retoma la idea del nigredo, que es el primero de estos pasos. Se asocia con el color negro y con el propósito de preparar su camino hacia la purificación.

Las piezas representarán aquello que como sociedad nos transforma en una figura cruda y oscura con la fuerza y el coraje de sustentar un cambio hacia nuevas formas de ser.

70

Said Dokins “Soy alegría ante la muerte.

Nociones Batailleanas” (México) Caligrafía - Instalación 2018

71

Diego Andrade Inner (México) Tinta sobre papel fabriano 40 cm x 60 cm 2018

William Blake utilizó varias alegorías que hacen referencia a este proceso, entre ellas está la figura del Leviathan como símbolo de un poder asfixiante que no permite la conciliación de paz, así como Francisco de Goya utilizó “los fusilamientos del tres de mayo” y las “pinturas negras” para dar voz a una narrativa oscura de su realidad en su tiempo.

Convocamos a los artistas a representar aquello que como sociedad nos transforma en una figura cruda y oscura, un ser violento que no solo devora su entorno, sino que también practica el canibalismo. Esta representación prepara la fuerza y el coraje para sustentar un cambio de camino hacia nuevas formas de ser conscientes ante las exigencias de nuestro presente.

Aprovechando los recursos icónicos y simbólicos de la alquimia, se convocó a los artistas a poner en juego, dentro del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, elementos representativos de la identidad latinoamericana. Estos elementos, material ordinario y común, están dispuestos para su análisis y transformación. Buscamos la creación y la restitución de formas de ser que compartan los conocimientos y los sentimientos más nobles por igual.

A partir de las representaciones de dicha identidad, el recinto se convierte en un instrumento parecido al crisol donde en ebullición se transforman las miradas para una nueva identidad latinoamericana.

Daniel Martínez Curador de México

72

73

74

Fusca Paisaje de carbón (México) Técnica mixta: Acrílico, carbón, pastel, aerosol, glitter 100 cm x 170 cm (3) 2018

75

Nigredo

En el continuo esfuerzo de TRANSITO por abrir caminos y áreas de trabajo común que ayuden a estudiar las exigencias del presente y del futuro, presentamos NIGREDO. Esta muestra es el resultado del trabajo entre artistas y promotores de la cultura de distintas latitudes. Buscamos la creación y la restitución de nuevas formas de ser con una narrativa propia y auténtica.

Un ser que comparta los conocimientos y los sentimientos más nobles por igual. A partir de las representaciones de dicha identidad, el recinto se convierte en un instrumento parecido al crisol donde en ebullición se transforman las miradas para una nueva identidad latinoamericana.

76

Integrantes del colectivo Nigredo México

Colombia

Diego Andrade

diegoandradeart

Teck24

teck24horas

Said Dokins

saidokins

Cynthia López

cynthialopez_art

Fusca

fusca667

Toxicómano

toxicomanocallejero

Blast

blasto__

Erre

erre.erre

www.gamacrea.com gama_crea @gamacrea 77

78

Hace unos años nos visitaron representantes de la Fundación Jeju, una isla situada entre la península de Corea y Japón; dentro de los temas de conversación incluimos el programa de residencia artística que llevamos a cabo en el Museo de Arte Contemporáneo y el que ellos tienen en Jeju; soñamos con hacer un intercambio para que coreanos tuvieran la experiencia de El Minuto de Dios y colombianos llegaran hasta el otro lado del pacífico para conocer esta cultura milenaria.

79

80

Being Animal Aguadas de tinta china Pintura reflectiva sobre papel de arroz 2018

81

Hoy asistimos al resultado de este sueño, Yoon Don Hwi llegó a Colombia en el mes de junio, tenía muchas reservas y algunas prevenciones a causa del estereotipo que los medios han construido sobre nuestro país y sus habitantes, pero a los pocos días su visión había cambiado, se integró al barrio, probó diferentes comidas, aprendió palabras en español e inició su experiencia creativa dejándose permear por nuestra cultura, en especial por los petroglifos, las imágenes antropozoomorfas que encontró en el Museo del Oro y los conflictos sociales que vió en nuestro país, en especial el asesinato de líderes sociales; participó en vigilias y asistió muy comprometido con cartel en mano a la marcha de la plaza de Bolívar, por el respeto a la vida.

Estos conflictos no le fueron ajenos, en su país, su familia también los ha vivido, de hecho, lo han separado como a tantos coreanos.

Su trabajo, es una simbiosis de seres humanos y animales, no establece en ellos una categoría moral, más bien anticipa y evidencia lo que todos conocemos, pero no nos atrevemos a decir: Que somos animales.

Gustavo A. Ortiz Serrano Director MAC

82

Yoon Don Hwi Artista en residencia Intercambio MAC con la fundaciรณn Jeju 2018

83

84

85

86

PRO POSAL For my first solo exhibition, I have combined the novel by Gabriel Garcia Marquez, One Hundred Years of Solitude, with the history of Jeju Island, so as to present the similarities in the histories of Jeju and central and south America. It was also inspired by my personal interest in magical realism.

I find a common collective subconscious in both the Jeju and Colombian society.

Anthropology explains how the gods of the western world encounter the gods of the indigenous world of Colombia and how they are fused and implemented in the culture, which is quite similar to how the Korean mainlanders and the Jeju locals have encountered each other.

I dare to propose that Jeju was just exactly how Macondo was depicted in the Marquez novel.

I’m planning to locate and experience the magical scenes from Boom Latino Americano and relate this experience to the Jeju shamanism in the form of sonic sculpture and sea-weed talisman-painting.

Being animal Ă“leo y tinta sobre algas marinas 2018

87

Yoon Don Hwi

Nace en Corea en 1973, estudiรณ arte en la Universidad de Suwon. Dentro de sus principales exposiciones y premios estรกn la bienal de arte mediรกtico de Seul 2003, Dong-a grand prize 2007, Art Space Yang Residency 2013, Tamrapyoryugi, Art Residency 2016. JFAC Artspace Exchange program 2018, Being Animal, Museo de Arte Contemporรกneo de Bogotรก 2018.

88

madam.yun 89

Kiptoe Burro de rosas 2017

90

Al recorrer las calles del barrio Minuto de Dios nos encontramos con diferentes manifestaciones artísticas que llaman nuestra atención, por un lado no son manifestaciones tradicionales, son manifestaciones que involucran de diferentes miradas y en especial la mirada urbana; que un barrio popular sea hoy considerado como una de las galerías de arte público más reconocidas en el contexto de la ciudad, merece especial mención por el trabajo y el diálogo que se ha logrado con los vecinos, los artistas, el museo, y los gestores culturales.

91

Gustavo Bejarano Mรกndalas 2015

92

Queremos compartir con ustedes a través de estas imágenes como ha sido este proceso de construcción a lo largo de casi ocho años, desde que iniciamos los primeros murales en los espacios alrededor del museo, sin olvidar la importancia que tuvo en el año 2005, Primer asalto, la primera muestra en un museo de manifestaciones del arte urbano.

Esta iniciativa se complementa con otras actividades como los graffiti Tour, los encuentros e intercambios de calcas, los talleres de fanzines e impresión, que han dado nuevos significados y apropiaciones en los públicos.

Gustavo A. Ortiz Serrano Director MAC

Entendemos el espacio público como museo expandido, como un lugar donde todos caben y donde se puede expresar la diversidad, la multiculturalidad y los diferentes valores de la convivencia que construyen el entramado social. Es allí, en la calle, donde nos reconocemos como ciudadanos, donde nos sentimos parte de todo un conglomerado y por esto el proyecto está enfocado en fortalecer un diálogo permanente del espacio público, el espacio habitable y el espacio museal.

Este proceso se destaca por su construcción colectiva, por la participación de habitantes, curadores, artistas e instituciones que se configuran en el barrio Minuto de Dios, sin estos elementos hubiera sido muy difícil concretar lo que hoy se reconoce como el BARRIO MUSEO.

93

Guache 2013

94

Las calles de Latinoamérica se han convertido para Guache en un gran espacio sin fronteras donde su trabajo pictórico deja una marca de libertad y de reflexión en los transeúntes.

Lugares llamados “no-lugares”, término que presentó el filósofo francés Marc Augé y lo definió como esos sitios de transitoriedad que no tienen suficiente importancia para ser considerados “lugares”, son los espacios a los cuales Guache les da vida e interviene con el fin de plasmar una causa, una denuncia, o simplemente dejar una huella de nuestra cultura popular, de las historias de las comunidades, de los pueblos afrocaribeños que nos representan históricamente y lógicamente la cultura ancestral latinoamericana. ”Liberar la imagen, para que viva sin dueños, sin clientes, sin horarios ni plazos de entrega, sin censura, sin pretensiones estéticas”, (Guache 2012) es la esencia de su trabajo el cual se ve reflejado de la manera más honesta.

Claramente se puede visualizar un proceso histórico-ancestral en su trabajo, sus murales son un ejemplo de respeto por los abuelos que nos trasmitieron sus saberes y que el tiempo, la globalización y el sistema han tratado de enterrar. La comida, los animales, el bosque, la medicina, los rituales, hacen parte de todo un discurso y una iconografía que se ha ido caracterizando como propia (sin serlo).

El arte tiene que conmover, llegar a las personas y no volverse un discurso prediseñado para ser explicado. Tiene que ejercer una finalidad. Por ende, Guache con sus serigrafías, pinturas y graffitis se encarga de transmitir de forma contundente un mensaje figurativo de igualdad, conciencia, razón y lo más importantes, respeto por lo que somos, Qux Uleu: espíritus de la tierra.

Juan David Quintero Arbeláez Curador

95

Este muro se realizo con la técnica del stencil y una paleta de colores grises, su representación hace referencia a los primeros habitantes del barrio. El artista investigó en el archivo histórico del Museo y seleccionó al azar gran parte de estos personajes que organizó a manera de collage en el muro del predio.

96

DJLU Un minuto para siempre Proceso 2017

NEIGH BORHOOD MUSEUM

From the museum in a neighborhood, to the Museum neighborhood. We understand public space as an expanded museum, as a place where everyone can fit and where diversity, multiculturalism and the different values of coexistence that build the social ties can be expressed. It is there, in the street, where we recognize ourselves as citizens, where we feel part of a whole conglomerate and for this reason the project is focused on strengthening a permanent dialogue of the public space, the living space and the museum space.

This process stands out for its collective construction, for the participation of inhabitants, curators, artists and institutions that are configured in the Minuto de Dios neighborhood, without these elements it would have been very difficult to specify what is now recognized as the MUSEUM DISTRICT.

97

Nardy Getiva Lagartijas 2018

98

La instalación Lagartijas de la artista colombiana Nardy Getiva llega nuevamente al MAC con más fuerza simbiótica, luego de 12 años con una nueva propuesta plástica; en esta oportunidad la obra cuenta con ciento treinta piezas en yeso piedra y una en bronce pulido.

Lagartijas es una instalación que permite el diálogo del hábitat del reptil en un espacio modificado por la coexistencia con los humanos y la urbe.

Getiva fomenta el estímulo visual de la Plaza de Banderas del barrio Minuto de Dios y reconfigura la arquitectura del Museo con el poder de la imagen de cientos de lagartijas defendiendo su territorio vigorosamente con despliegue de movimientos invitando a nuestros administrativos, estudiantes, docentes, visitantes y público general a que se aventuren en la generación de múltiples lenguajes visuales desde lo escultórico.

El poder regenerador de las lagartijas también nos permite hilar puentes entre los recuerdos de la infancia y la construcción colectiva inconsciente y de las diferencias físicas y biológicas que de una u otra forma están marcadas por los sistemas sociales y culturales de todas las sociedades.

Finalmente se propone una restauración de la obra original que en el año 2006 entró a hacer parte de la colección del MAC. Wilmar Tovar Coordinador de Investigaciones, Registro y Colecciones.

99

Nardy Getiva

2012 Master en Historia y Antropología de América. Universidad Complutense de Madrid.

2009 Tecnóloga en producción de joyería. SENA Servicio Nacional de Aprendizaje.

2006 Maestra en Artes Plásticas. Universidad Francisco José de Caldas. Academia superior de Artes de Bogotá.

100

Exposiciones 2018 Exploraciones – Proyecto Faenza Aurora, espacio para el arte y el diseño Circuito Talleres abiertos Vol. II Distrito Artistas Centro Bogotá.

Mobilis in Mobili. Galeria Lecorbusier, Teatro Cadiz, Centro Nariño 2017 En Busca de lo Clásico. Museo de Arte Contemporáneo (MAC).

Descartes. Fundacion Santa Fe de Bogotá 2016 14° Salón Nacional de Arte “Art DVS / 2016”. Galería Casa Cuadrada.

2015 Art Medellín. Plaza Mayor Medellín, Galería ZQD. Exposición Nardy Getiva y Luis Villa.

Galería Creando espacios, Círculo Colombiano de Artistas CICA. Emergente 2015.

Galería Casa Cuadrada.

2014 13° Salón Nacional de Arte “Art DVS / 2014”. Galería Casa Cuadrada.

2013 Década Tesis. Museo de Arte Contemporáneo.

www.nardygetiva.com @nardy.getiva Nardy Getiva 101

B

1 2 9 10

11

5 7

12

3

4

8

A

6 H

F

13

I 102

G

Rutas sugeridas de graffiti tour

Rutas sugeridas de graffiti tour

C

G

F E D

Ruta 1: Ruta 1:

1. Gleo 1. Gleo 2. Smash 137 Smash 137 3. Guache2.

3. Guache 4. Likmi - Fernando 4. Likmi - Fernando 5. Chanoir5. Chanoir 6. Cyriri - Lili Cuca - Mugre 6. Cyriri - Lili Cuca 7. Pésimo - Yeye Mugre 8. Chirrete Golden Lamkat 7. Pesimo -9. Yeye 10. Cosmo 8. Chirrete11.Golden mesa local de Engativá 9. Lamkat 12. Ospen 13. Joems 10. Cosmo 11. mesa local de Engativá 12. Ospen Ruta 2: 13. Joems A. Lagartijas Nardy Getiva B. DjLu Ruta C. 2: Orgullo de calle D. Orfanato E. Leela A. Lagartijas F. Comunitario Nardy Getiva G. Almiron - Kiptoe B. DjLu H. Gris One I. Ache

C. Orgullo de calle D. Orfanato E. Leela F. Comunitario G. Almiron - Kiptoe H. Gris One

103

104

En el año 2016 se llevó acabo en Bogotá la cumbre mundial de Alcaldes; entre los invitados estaban los representantes de la fundación cultural Jeju, una isla situada entre la península de Corea y el archipiélago de Japón, esta isla que durante la Guerra Fría fue escenario de una de las masacres mas atroces en la que murieron mas de 30.000 personas y ha sido punto de refugio de muchos coreanos del Norte, hoy es un símbolo de cómo se puede generar un proyecto cultural de alto impacto a partir de una situación tan compleja.

Los representantes de esta fundación querían conocer varios sitios de Bogotá y en especial el Museo de Arte Contemporáneo, sin previo aviso llegaron a nuestro museo y allí en medio de una conversación muy amena y directa compartimos algunos de los puntos de vista acerca del desarrollo del intercambio cultural que podíamos llegar a realizar.

105

Uno de ellos era la realización de residencias artísticas, le contamos la experiencia con la casa de huéspedes de UNIMINUTO , la variedad de artistas que habían pasado por allí dejando una huella muy importante en sus vidas, en el barrio y también en el museo; cuando ellos regresaron a Corea iniciaron la gestión para que nuestra embajada en su país fuera perfeccionando el proceso de intercambio, fruto de su esfuerzo después de tres años se ha concretado el primer intercambio entre el Museo de Arte Contemporáneo y la isla Jeju.

Durante los meses de junio y julio recibimos la visita del artista coreano Yoon Don Hwi, todo un reto para nosotros poder entendernos en una nueva lengua y una nueva cultura, consideramos que igual fue para él entender diferentes modalidades, acercamientos y comportamientos de los colombianos y específicamente de un barrio como el Minuto de Dios; pero como cualquier proceso, poco a poco, las asperezas se van limando, se abren caminos de entendimiento y es así que Yoon se integró de una manera muy positiva y proactiva tanto con el museo como con el barrio, su producción artística estuvo cada vez más profunda en sus investigaciones, en sus realizaciones acerca de los petroglifos y las culturas ancestrales que se unían perfectamente con sus conceptos chamánicos y las tradiciones de la cultura coreana.

106

Daniel Guana Estudio de la fundación IAa Jeju Korea 2018

Por parte de Colombia, Daniel Guana, artista participante en el proyecto TESIS del año 2017, fue seleccionado después de un proceso de convocatoria; partió hacia Corea al inicio del mes de septiembre; como es natural quedó altamente impactado por el desarrollo tecnológico que encontró tanto en la isla misma como en los extraordinarios talleres que ofrecía la fundación de arte Jeju. Sus reportes nos animaban, nos hacían sentir cómplices de su proyecto y partícipes de esta experiencia; Daniel ha desarrollado un proyecto muy interesante donde integra el cuerpo, el dibujo y los procesos propios de la creación contemporánea; ha tenido una gran acogida en Corea y lo esperamos para que nos muestre el año 2019 el fruto de su trabajo allí.

Cada vez son más relevantes las relaciones en el Pacífico y cómo se están transformando las relaciones comerciales, culturales y sociales en esta cuenca; Colombia forma parte de la Alianza del Pacífico y recientemente en la ciudad de Puebla se llevó acabo el foro de museos sin fronteras del área circunpacífica para ahondar en la enorme importancia y la riqueza generada por intercambio comercial y cultural que vincula las civilizaciones del pacífico oriental y toda América.

107

En este contexto, la cooperación cultural internacional insta a que toda la humanidad tenga acceso al saber, disfrute de las artes de todos los pueblos y se beneficie de los progresos logrados por la ciencia en todas las regiones del mundo y de los frutos que de ello se derivan, y pueda contribuir por su parte al crecimiento de la vida cultural.

Los objetivos que tuvo esta reunión fueron conformar la primera plataforma circunpacífica de Museos para una cultura de paz y derechos humanos, así como un programa de trabajo permanente para el intercambio de colecciones, el fortalecimiento de capacidades y la investigación conjunta sobre la función social de los museos en el siglo XXI. Establecer un programa intercambio educativo en los museos y la educación intercultural de los derechos humanos, incidir en la adopción de una línea temática sobre museos y cultura de paz entre el grupo temático de cultura de la Alianza del Pacífico, igualmente impulsar la implementación regional de la recomendación relativa a la protección y promoción de los museos y colecciones, su diversidad y su función en la sociedad.

El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá ha asumido el reto de ser parte de esta alianza de museos del área circunpacífica y construir desde nuestro entorno y a través de las redes que hemos ido generando, los beneficios que puede tener este productivo y enriquecedor intercambio cultural entre las dos orillas del pacífico, océano que nos une y que a la vez nos reta para transitarlo y generar en él rutas explícitas y constantes para la construcción de la cultura en un mundo cambiante.

Gustavo A. Ortiz Serrano Director MAC

108

Fachada del centro Internacional de arte Isla Jeju Korea 2018

109

Yoon Don Hwi Estudio Museo de Arte Contemporรกneo de Bogotรก 2018

110

THE CHALLENGE OF THE PACIFIC Relations in the Pacific are becoming more relevant, commercial, cultural and social relations are being transformed in this basin; Colombia is part of the Alliance of the Pacific and recently in the city of Puebla was held the forum of borderless museums of the circumpacific area to delve into the enormous importance and wealth generated by commercial and cultural exchange that links the civilizations of the eastern Pacific and all of America.

The Museum of Contemporary Art of Bogotรก has assumed the challenge of being part of this alliance of museums of the circumpacific area and building from our environment and through the networks that we have been generating, the benefits that this productive and enriching cultural exchange between two shores of the Pacific, an ocean that unites us and that once challenges us to transit it and generate in it explicit and constant routes for the construction of culture in a changing world.

111

112

113

114

Calca a la lata, evento creado por El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - Entidad Cultural de UNIMINUTO en alianza con “Bogotá, Distrito Grafiti” con el fin de celebrar el día del Arte Urbano el pasado 31 de agosto de 2018.

Los públicos asistentes al evento fueron coleccionistas de stickers, fanzines, carteles, y demás objetos que están relacionados con la escena del Street art y el Graffiti; Calca a la lata generó un espacio que fomentó la autogestión y el diálogo de los colectivos de forma gratuita en una jornada de estampado e intercambió de calcas y talleres de stickers y fanzines.

115

Taller de Fanzine

El evento se caracterizó por tener activaciones propias de la contracultura, donde los públicos asistentes se aventuraron en la generación de sus propios lenguajes visuales y utilizaron el poder de la imagen para generar cambios en su entorno social, político y cultural trasformando así sus comunidades.

Los colectivos participantes en Calca a la lata fueron: Rojinegro, Distribuidora libertaria: Es un espacio donde se busca promover la autogestión y la difusión del pensamiento, la contracultura y la acción libertaria por medio de las piezas de la gráfica.

Goske: Artista independiente enfocado a la contracultura con actividades espaciales en jornadas de estampado.

Puro Veneno: Artista independiente enfocado a las activaciones políticas

116

en el espacio público trasformando así las comunidades locales por medio del poder de la imagen.

Gráfica Mestiza: ¡Un viaje por la gráfica latinoamericana! Colectivo de distintas profesiones, con la convicción de que el arte latinoamericano es uno solo y no hay porqué marcar fronteras. Desde 2010 realiza investigación y difusión de arte urbano, grafiti, diseño e ilustración.

Desarrollan contenidos y productos innovadores para plataformas virtuales e impresas en la industria cultural.

Orfanato Estudio Graffiti: Laboratorio de experimentación visual, estudio de diseño y comunicación alternativa que reúne la diversa experiencia de sus miembros en el medio del Grafiti, intervención de espacios exteriores e interiores, ilustración, diseño editorial y desarrollo de piezas de Fine Art. Orfanato Estudio Graffiti es un espacio conceptual para la creación de

imagen, abierto a proyectos y clientes interesados en la innovación y las culturas urbanas.

Centro Cultural TagTabú: Espacio experimental y libre; donde todos pueden realizar prácticas culturales y artísticas, transformándose en agentes de cambios sociales.

Colectivo Caníbal: ¡Reconoce y cambia la realidad! busca implementar un juego libre, sin reglas ni normas.

Salen a las calles para protestar con su pequeña revolución sin armas. Su lienzo es el muro y el pincel el engrudo por brochazos. Realizan ilustraciones generadoras de trastornos mentales.

YEYE Torres, participó con el taller Piénselo – dibújelo - recórtelo camínelo - péguelo.

RAPIÑA participó con el taller Corta, pega, taller de fanzine collage y invito a los públicos asistentes a conocer la maleta fazinera (Proyecto viajero que documenta publicaciones alternativas, independientes) Wilmar Tovar Coordinador de Investigaciones, Registro y Colecciones.

117

118

Visiones contemporáneas de Colombia El conversatorio Visiones Contemporáneas, giró en torno al producto de investigación realizado por cinco curadores que interpretaron los procesos y las tendencias que dieron transición desde la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad en el circuito de la plástica colombiana y latinoamericana desde la colección del MAC. Estas son algunas de las preguntas desarrolladas durante el evento:

119

¿El despertar de lo femenino y las nuevas visiones de género en la colección del MAC? El Proyecto TESIS constituye una plataforma que visibiliza la presencia de las mujeres en los espacios artísticos, las exposiciones del MAC incluyen a los artistas en general, sin límites geográficos, de raza o género.

Se muestra como una propuesta necesaria en un campo artístico que, como ya se ha mencionado, mantiene mecanismos de segregación. Proyecto TESIS permite conocer las tendencias contemporáneas de los últimos años en el país. De esta forma, se está haciendo un aporte frente a la historia del arte en Colombia con visiones más democráticas e incluyentes, (Luz Adriana Hoyos, curaduría Mujer-mito / Mujer-sombra 2016).

¿Cuál ha sido la evolución del significado del objeto arte dentro de la colección del MAC? De ahí que la producción artística y sus intenciones comienza a adquirir otro tipo de características formales y conceptuales, gracias a la reflexión y el gesto de apropiación del artista; en algunos casos se han centrado en suprimir la distinción entre el arte culto o elevado y el arte popular, demoler los lugares comunes sobre la genialidad del arte, transformar poéticamente los objetos cotidianos en tesoros y revelar el carácter mercantil, así como los circuitos de producción del arte, (Santiago Rodriguez, curaduría Reinstalaciones 2016).

120

120

¿Cómo ha abordado el MAC el coleccionismo de la práctica del Performance?

El performance, disciplina que valida el cuerpo como elemento expresivo y autónomo, independiente de lo que tradicionalmente se ha llamado obra, es analizada por la curadora de Caridad Botella en El archivo del cuerpo, donde también se interroga el coleccionismo de esta práctica inmaterial en los museos y destaca el esfuerzo realizado por el MAC en la documentación de las prácticas performáticas. ¿Principales hitos de la transición de la modernidad a la contemporaneidad en la colección del MAC? En este período histórico se destacan hitos que contribuyen a consolidar tendencias como el pop, la figuración política, la neofiguración, la abstracción, pero lo más valioso es cómo el arte hace parte esencial del cambio en la sociedad y las relaciones de los individuos. Los museos poco a poco dejan ser lugares de contemplación para ser lugares de acción, (Ortiz Gustavo, Transiciones de la modernidad la contemporaneidad 2016). ¿Cuáles son las tendencias que están generado nuevos públicos en el arte contemporáneo?

Finalmente, se analizaron las propuestas que generan nuevos públicos y marcan tendencias en el arte como el graffiti, el tatuaje, la decolonización, la resitencia y otras formas de expresión propias del siglo XXI, que fueron abordadas por las diferentes muestras coordinadas por Juan David Quintero como curador del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.

121

La creación de una esfera pública a través de una red de espectadores de arte en Bogotá Entre 2011 y 2015, se establecieron un considerable número de galerías y espacios independientes en Bogotá.

Tal desarrollo marca un contraste con la duda de la gente de participar en la vida pública después de décadas de violencia civil, y se plantea la pregunta de cómo se logra reanimar una esfera pública. El concepto de la esfera pública, desarrollado por Jürgen Habermas, se adapta al contexto local bogotano y al objetivo de este estudio.

La esfera pública se define como la conexión de diferentes públicos pequeños y espacios físicos, en los que uno se siente seguro y que se conectan por experiencias compartidas. La pregunta de investigación de esta tesis reza así: ¿Cómo se genera una esfera pública?

Dicha pregunta se subdivide en tres más. (1) ¿Qué condiciones conducen a la creación de organizaciones de arte y sus públicos? (2) ¿Qué actores convocan públicos? (3) ¿Qué factores promueven la cooperación entre organizaciones de arte y la fusión de sus públicos en una esfera pública más amplia? Contestamos a las dos primeras preguntas mediante el análisis de 36 entrevistas de expertos conducidas en Bogotá, en 2015 y en 2016. Los resultados muestran que dos factores han contribuido al resurgimiento de las organizaciones de arte: el aumento de los recursos disponibles para el arte, y la política cultural provee plataformas como ArtBo.

122

El “boom” de arte se ha manifestado en el incremento de galerías y espacios independientes, pero no ha fomentado los museos de igual manera. Los espacios independientes son actores especialmente decisivos en convocar públicos. Al tener que luchar por mantener sus espacios e intentar atraer un público más amplio, ofrecen servicios adicionales, por ejemplo, muestras de películas.

Para contestar a la tercera sub-pregunta, recolectamos información sobre la cooperación y las características mediante una encuesta realizada de 91 de 128 (72%) de todas las organizaciones de arte en Bogotá.

Así pudimos modelar las dinámicas de cooperación en el circuito de arte. Los resultados de los modelos gráficos aleatorios exponenciales (exponential random graph models) muestran que las organizaciones internacionales están involucradas en cooperaciones más frecuentemente, y que los espacios con ánimo de lucro manifiestan la misma probabilidad de cooperar. El contacto con agencias encargadas de la política cultural aumenta asimismo la colaboración entre las organizaciones.

Los resultados ponen en duda la idea de una esfera pública concebida como un proceso del tercer sector puramente local. Además, la cooperación de las organizaciones de arte refleja consideraciones sobre la reputación y muestran una dinámica bien documentada en la literatura de industrias creativas, en cambio no tenido en cuenta en la literatura sobre la esfera pública.

Annatina Aerne Investidadora Universidad de San Gallen Suiza 2018

123

Actualmente el sector de los museos y espacios culturales trabajan en red de manera contundente, razón por la cual NC- Arte y el MAC se unen a esta sinergia con una propuesta para reconocer a los diversos agentes que realizan procesos de mediación artística y cultural con el fin de generar puentes entre pares que beneficien a los públicos.

Bajo esta premisa nace el encuentro de mediación cultural ¡Así Somos! un lugar de diálogo y de intercambio de ideas entre diferentes instituciones educativas, culturales y museales, interesadas en la mediación cultural y en la educación.

Este punto de encuentro ha sido posible gracias a la voluntad de todos los participantes, que hacen de este espacio un momento lleno de complicidad y empatía entre colegas, el cual llega a su tercera versión.

124

De esta manera “Así Somos 3: Itinerarios, cartas y constelaciones” se desarrolló en el Planetario de Bogotá bajo la pregunta ¿qué es y qué hace un mediador? Donde a partir de cartas y un estimulante recorrido por la sede anfitriona se tejieron varias constelaciones que permitieron discutir, conocernos y buscar puntos comunes y no comunes frente a las dinámicas, ideas, miedos, cualidades, entre otros, que tienen o hacen a un mediador.

Gracias a los participantes y anfitriones por generar espacios que permitan intercambiar ideas, a los públicos por ser la mayor inspiración y al sector que cada vez se fortalece más. Hoy firmamos que seguiremos juntos construyendo la red de intercambio y trabajo entre diferentes actores, de esta inquietante constelación que es la medición cultural.

Tatiana Quevedo Coordinadora de Educación MAC

125

Marelen Castillo Vicerrectora AcadĂŠmica

P. Harold Castilla Rector General

P. Diego Jaramillo recibe a la Dra. Lourdes Ramos

126

Jefferson Arias Rector Sede Principal

Lourdes Ramos Directora MOLAA - L.A.

Gustavo Ortiz Director MAC

Jose Ortiz Chief operating officer PS1 – MOMA, N.Y.

Durante el mes de septiembre recibimos con mucha satisfacción esta visita que inicia una nueva etapa para los museos en nuestro país y en específico para el MAC, durante los últimos años hemos trabajado en la construcción y armonización de un sistema de calidad encaminado a la excelencia junto con la Corporación Universitaria Minuto de Dios.

Entendemos el museo desde una perspectiva totalmente diferente y resaltamos la pertinencia social que ha tenido la labor del MAC durante más de 52 años como uno los referentes importantes para la museología en Colombia.

Gustavo Ortíz Director MAC

Sesión de trabajo visita de pares Alianza Americana de Museos

127

128

EXTERNAS 129

Exposición realizada con la Alianza Francesa Sede Manizales 2018 Agradecimientos: Manuela López Amézquita

130

Una visión retrospectiva de la obra autobiográfica de Abel Azcona Ser hijo de una prostituta drogadicta que sólo pudo ver en él un error desde su concepción, fue una sentencia que la vida le dictó de manera tirana y totalitaria a Abel Azcona, condenándolo, desde su gestación, a una placenta llena de sustancias psicoactivas y de licor, además de la miseria y pesadilla que él significó para su madre, quien no sólo lo obligó a vivir una vida no deseada, sino que también lo abandonó al azar de los caminos. La búsqueda por encontrarse a sí mismo, o mejor, por olvidarse de sí mismo, lo llevó a vivir las pesadillas del abuso sexual, el maltrato físico y mental, la drogadicción, la discriminación y el intento de suicidio.

131

El pensamiento crítico y artístico de Azcona y su insaciable necesidad de comprender por qué no fue deseado, el no amado, el abandonado; lo han llevado a hacer de sus procesos artísticos universos que le permiten encarnar en primera persona y de manera agresiva, desgarradora y abrupta, los posibles escenarios de prostitución, drogadicción, abuso y abandono que él cree enmarcaron a su madre. Un intento por “ponerse en los zapatos” de aquella mujer con la que comparte sus genes, una vida dedicada a olvidarla, recordarla, comprenderla y odiarla. Un fantasma que él mismo ha creado para sobrevivir y darle sentido a su vida, a pesar de sí mismo.

Los procesos de Abel Azcona constituyen una investigación teórica y práctica de naturaleza autobiográfica, en la que siempre ha desarrollado escenarios relacionados con la gestación, el vínculo,

el abuso, el abandono, la prostitución, la maternidad y la discriminación. Busca comprender sus propias experiencias y, en muchas ocasiones, las de quienes participan en sus acciones colectivas, en donde emplea el cuerpo como herramienta de resistencia y catársis que lo confrontan con sus miedos, ansiedades, tristezas, trastornos y deseos, entre otros estados mentales y corporales del ser humano, involucrando en sus actos vivenciales a otros que también desean enfrentarse a sus demonios, encararlos e identificarlos para tratar de vencerlos.

Es imposible hablar de su obra en singular, con cada intervención hay también nuevas personas, contextos y objetivos que crean procesos únicos, pero con la misma intención: generar espacios de confrontación, duelo y catársis mediante actos artísticos y plásticos colectivos que partan de la realidad y las problemáticas de quienes participan en ellos.

132

133

134

135

Este diálogo entre Azcona, su madre y el espectador, evoluciona desde la inauguración en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá. Desde el 2014 hasta 2018, la muestra se ha retitulado Memorias de un abandono: una visión retrospectiva de la obra biográfica de Abel Azcona 1988-2018.

Donde, además de las piezas de inicio del diálogo encontradas en No Deseado se añaden otras dos obras imprescindibles: Los Padres (2016-2018) y Empathy and Prostitution (2012-2013).

No Deseado, es un diálogo simbólico mediante el cual el artista busca conversar con su madre biológica, su mayor fantasma y demonio, y a quien, paradójicamente, le ha dedicado su vida, la que ella debió negarle, pues para Azcona el aborto es la mejor opción y lo único que tiene en contra de él es no haber podido hacer parte de sus infames estadísticas. Considera que la vida es el gesto más cruel de una sociedad moralista, llena de reglas para juzgar y ser violadas.

Esta exposición comprende el registro fotográfico de tres procesos performáticos, el primero, Feed me, insinúa, mediante la leche materna y el gesto del artista al agitarla y derramarla, la no relación y el vínculo roto que Azcona tuvo con su madre desde el nacimiento. El segundo, Biological Meeting, es el registro de siete días de acciones de contacto con personas residentes de Pamplona y San Sebastián (España), quienes tenían en común heridas de abandonos, abusos y maltratos. El último, Vaginas Anónimas, es un proyecto realizado en Nueva York, San Francisco y Bogotá, donde una vez más Azcona, por medio de la recolección de diez mil fotografías de vaginas, plantea su nacimiento desde otras mujeres y no desde su madre biológica, acto que le permite buscar un vínculo de renovación,

136

que de alguna manera constituye la posibilidad de volver a nacer.

Empathy and Prostitution, es un video que recopila acciones realizadas Bogotá en 2012, Madrid en 2013 y Houston en 2013, donde el visitante realizó un pago para poder participar en una experiencia de intercambio sexual. Una performance donde el artista nos plantea en primera persona, la relación de prostitución de su propia madre, creando una obra de denuncia, obligando al visitante a ejercer en primera persona.

Por último, Los Padres, es una evolución que tiene una relación directa con la pieza anterior donde el cuerpo, que lo lleva al extremo, sigue siendo el conector de su trabajo. Para esta ocasión el diálogo se abre con la figura del padre:¿Quién es su padre? ¿Es sólo un cliente de prostitución que pagó a su madre?, son algunas de las preguntas que se generan mientras se dibuja y realiza la acción performatica de estos personajes que han abusado sexualmente de ellas o que se vuelven un posible padre. De ahí que este performance lo plantea el artista con la pregunta de si cualquiera de los hombres dibujados, puede ser su padre o quizá el padre de cualquiera de los visitantes a la exposición.

Este agudo y crítico trabajo espera confrontar a los públicos, visitantes y comunidades para generar reflexiones respecto a temas que constituyen lugares comunes para todos.

Juan David Quintero Arbeláez Curador

137

138

EDUCATIVAS 139

Las acciones educativas del MAC desarrolladas en el segundo semestre del 2018 estuvieron cargadas de exploraciones, emociones y preguntas construidas de la mano con las comunidades, de ahí que el equipo educativo del museo con la intención de poner en diálogo sus vivencias relatará parte de los ejercicios de mediación cultural desarrollados dentro y fuera del Museo.

Para dar inicio a estas memorias nos permitimos expresar que cada encuentro se convirtió en una experiencia significativa valida de ser divulgada en este diario de campo, que por términos logísticos debe ser resumido. En efecto lo presentado a continuación será un breve acercamiento con el objeto de suscitar reflexiones, provocar ideas críticas y coevaluar los procesos educativos transitados de la mano de los públicos, colegas, pasantes, voluntarios y amigos.

“Puedes tocar las obras de la exposición en su totalidad e integrar este pensamiento a tu vida” Heriberto Nieves

140

Este viaje artístico con las comunidades estuvo cargado de empatía en la exposición “Mirando hacia el sur es natural”, en la que gracias al artista Heriberto Nieves, junto con el apoyo del Centro de Rehabilitación del Adulto Ciego y Patricia Lengua García mediadora de la sección Arte y Cultura de la Universidad Militar Nueva Granada, varias familias llegaron al MAC para vivir el taller “Exploremos el arte contemporáneo”, en donde a través del tacto y el sonido se descubrieron los lenguajes artísticos presentes en las salas mediante un ejercicio de expresión plástica y así entre vibraciones, risas, juegos, texturas y colores se desarrolló una atmósfera para la unión y el trabajo colectivo, en el que los participantes concluyeron ¡ en equipo se interpretan mejor las problemáticas presentes en las obras!

Esta metodología de diseño de experiencias busca que las visitas taller se conviertan un lugar de trabajo colaborativo, refleja la premisa educativa del MAC. La cual enuncia que los procesos de inclusión codiseñadas en alianza de personas con discapacidad, son espacios pedagógicos para que las personas indistintamente de su condición experimenten las visitas taller al mismo tiempo, con el objetivo de convertirlas en un punto de encuentro para el reconocimiento social.

Por consiguiente, el taller “Exploremos el arte contemporáneo” y las acciones derivadas de la línea de inclusión social como: redacción del textos curatoriales y fichas técnicas en sistema braille, codiseño de estrategias educomunicativas de inclusión, análisis y diseño de recorridos, se realizaron con el apoyo de Juan Pablo Coronado estudiante con discapacidad visual del Colegio de República de China, vinculado como practicante al equipo educativo MAC. En esta misma sintonía y frente al cuestionamiento constante sobre ¿cómo el museo de la mano con los artistas pueden contribuir para que las exposiciones sean cada vez más accesibles? Nos complace contar que para la exposición temporal “Éter” se brindó una experiencia sonora y táctil ya que fusionamos el lenguaje plástico de la pintura sobre muro con el sistema braille y el contexto conceptual expositivo, gracias a la disposición de los artistas Gris One y Mario Álvarez, Juan Pablo Coronado (practicante MAC) e Iván Cano (artista y montajista del museo).

En definitiva, acciones como las mencionadas permiten que el museo experimente, corrija, avance y siga encontrando aliados para dar respuestas inclusivas y sostenibles en beneficio de toda la ciudadanía.

140 141

En paralelo al diseño de experiencias colectivas y accesibles, en el mes de octubre gracias a la gestión de Beatriz Garavito, integrante del equipo educativo del MAC, llegamos al salón del ocio y la fantasía SOFA, con el taller “Ritual del poder”, un espacio en donde a partir de la reinterpretación del mural realizado por la artista Gleo en la fachada del MAC, las familias se caracterizaron como clanes y buscaron cualidades de grupo que las hicieran únicas, al tomar las representaciones de la obra como inspiración para reforzar valores de empoderamiento familiar.

Este encuentro se convirtió en un desafío interesante ya que diseñar y ejecutar un taller abierto fuera del Museo, en el que confluyeran tácitamente la representación de personajes propios de la atmosfera del SOFA y las lógicas del MAC, le demandó al equipo educativo recordar otra de sus premisas metodológicas perentorias la cual enuncia que: al momento de diseñar un taller primero se determina el objetivo a lograr con los públicos y luego se piensa en cómo ejecutarlo; esto con el ánimo de lograr conexiones armónicas e integrales y no perderse en la forma y caer en didácticas que confundan a los públicos en términos de comunicación.

En concordancia con la premisa manifestada, los objetivos educativos a menudo se gestan y son liderados en conjunto con actores que establecen relaciones pedagógicas con el MAC. Esta complicidad de saberes permite que ejercicios como “Diálogos en Chocolate”, un espacio de articulación gestado con el CED (Centro de Educación para el Desarrollo – UNIMINUTO) donde alrededor de una taza de chocolate, se dialoga sobre un tema de interés del quehacer universitario; esta iniciativa ya llega a su tercera version.

Su tercera versión giró alrededor del tema “Rupturas de género entre lo

142

“Dialogos en chocolate: Rupturas de género entre lo público y lo privado”, cuyo propósito fue en palabras de la docente Tatiana Gutiérrez “propiciar el debate, pero también (y especialmente) construir redes de diálogo, donde el espacio público se puso en tensión y a partir de ahí evidenciar las experiencias cotidianas que las mujeres y los hombres desde el arte, la academia y el activismo, hemos tenido respecto “al género” que nos ha asignado capacidades, roles, expectativas y pautas esperadas de comportamiento a cada uno de nosotros, de acuerdo a nuestro sexo”.

Durante este diálogo, Lili Cuca artista urbana e ilustradora y Florence Thomas coordinadora del Grupo mujer y Sociedad de la Universidad Nacional de Colombia, abrieron los temas y detonaron un debate que transitó entre las posturas de los participantes, los murales del proyecto Barrio Museo y los espacios internos del MAC.

Pasar de la “casualidad de haber nacido mujer a la conciencia crítica de lo que significaba ser mujer en una cultura patriarcal”.

Florence Thomas

El arte “tan necesario en una sociedad como la colombiana, arrasada por la violencia, una sociedad que necesita imágenes que inviten a la reconciliación, a la paz”.

Lili Cuca

143

Esta red de conocimientos se teje a la par con otras instituciones educativas que extienden sus invitaciones para conversar. Como lo fue el encuentro organizado por la Universidad EAN, que tuvo como fin entablar conexiones entre la academia, los museos de Bogotá y Luz Helena Carvajal del programa educativo del Museo Thyssen Bornemisza, las conversaciones de la tertulia giraron en torno a los distintos procesos, percepciones y estrategias en pro de una sostenibilidad en el tiempo de los programas educativos museales, el fructífero intercambio entre pares (del cual estamos complacidos de haber participado), permitió concluir lo siguiente: se deben crear planes estratégicos a largo plazo para los programas educativos, dialogar más con otros museos, dejar memoria escrita de las experiencias educativas y no olvidar que los museos son entidades al servicio de la sociedad y no unidades meramente mercantiles.

En este sentir al reconocernos como una entidad cultural al servicio de la sociedad, realizamos en conjunto con el Consultorio Social la visita taller “Grafías y taquigrafías voces del barrio” inspirada en las interpretaciones de la obra Soy alegría ante la muerte.

Nociones Batailleanas del artista Said Dokins presente en la exposición temporal “Nigredo”.

144

Este lugar de expresión se gestó con el fin de proporcionar un espacio de acompañamiento a los adultos mayores que habitan la localidad de Engativá, donde a partir de la interpretación y emociones que les suscitó la obra compuesta por multiples caligrafías, se propició un escenario para que a partir de la remembranza de los ejercicios caligráficos tales como la taquigrafía , (que por enseñanza de genero debían saber las mujeres años atrás), las participantes al taller hablaran sobre sus vivencias y alzaran la voz entorno a los deberes aprendidos y cómo estos signos yacían en sus memorias.

145

Gran parte de las acciones de mediación cultural desarrollarlas en el Museo, se producen con los integrantes del equipo educativo MAC conformado por pasantes, colaboradores, e intérpretes. Estos últimos son grupo interdisciplinario de personas que integran el programa de Voluntariado de Intérpretes MAC, en el que se diseñan estrategias para que junto con los públicos, se puedan interpretar las exposiciones temporales, el patrimonio artístico, los fines misionales y las lógicas de la mediación cultural en el MAC, con el fin de generar experiencias significativas y críticas en torno a las problemáticas sociales contemporáneas.

El resultado de este proceso de diseño fue la visita interpretada ¿De qué estamos hechos? dirigida a los estudiantes de UNIMINUTO- Sede Principal que cursan Proyecto de Vida.

En la que, gracias al apoyo de sus profesores se exploraron las obras de la exposición temporal “Proyecto TESIS 2018” con el propósito de reconocer los diferentes lenguajes del arte, los temas y procesos de investigación artística, y relacionarlos con las cualidades que nos hace a las personas consientes de las relaciones ciudadanas, gracias a un detonador y emoticones que durante el recorrido les permitió a los estudiantes, docentes e intérpretes preguntarse ¿De qué están hechas las obras, de qué estas hecho tú?

El Voluntariado de Intérpretes MAC es un escenario de construcción colectiva que en palabras de los participantes “es una oportunidad de conocer las lógicas del museo, entender que cada visitante es diferente, y esto nos ayuda en nuestra vida diaria a pensar no sólo en nosotros, es tener un compromiso con la sociedad y trabajar en el valor de la voluntad y sobre todo en entender la importancia de los museos como los guardianes del patrimonio, construir y compartir aprendizajes con otros museos que nos permiten ampliar nuestras experiencias relacionadas

146

¿De qué estoy hecho?

“De ganas de venir a ayudar al museo”.

Michael Owen Colaborador MAC

“El recuerdo de un pasado imborrable nos hace ver la vida como una utopía inverosímil, donde vivimos el día a día en un presente superficialmente mejor” Natalia Acosta

Estudiante UNIMINUTO luego de interpretar la obra Zona Roja de la artista Sandy Ortiz

“El voluntariado nos hizo ganar una familia, somos una familia con ganas de aprender, compartir y construir conocimientos con los públicos”.

Intérpretes MAC

147

con la mediación cultural”.

Al igual que los intérpretes, los pasantes vinculados al área educativa, han propuesto estrategias educomunicativas que le permiten al museo cohesionarse mejor con los públicos. Con productos como: La Toma 90, un fanzine que busca unir al MAC con la Licenciatura en educación Artística UNIMINUTO y el video Atrévete a conocer más del MAC, realizado con el fin de dar a conocer a los públicos la historia que le dio vida al museo.

En definitiva el 2018 se convirtió en un año de grandes lecciones aprendidas, en el que el área educativa MAC, recibe con ánimo y agradecimiento los reconocimientos y sugerencias a la creatividad y al trabajo en equipo que han expresado los públicos y sus aliados, y los toma como un impulso para diseñar estrategias que le permitan mejorar la atención, gestionar de manera más efectiva y ordenada los servicios educativos que ofrece y plantear soluciones que permitan una comunicación cada vez más asertiva.

Llegaremos al 2019 recargados de fuerzas para seguir avanzando, agradecemos a todas las comunidades y aliados por su confianza, y resaltamos que son nuestro motor para mejorar y avanzar en los procesos de inclusión y mediación cultural.

Tatiana Quevedo

148

Graduación de intérpretes MAC 2018

“Sigan adelante y que tengan gran éxito, increíble el esfuerzo que hacen en educación. Excelente trabajo”.

Lourdes Ramos y José Ortiz Pares museológicos de la Alianza Americana de Museos AAM.

“Seguimos en pie de lucha por una cultura más democrática y una educación accesible para todas y todos”.

Camilo Meneses Intérprete MAC.

149

150

151

Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá Carrera 74 N° 82 A – 81 / Tel.: (57) 1 2916520 – Ext:. 6160

www.mac.org.co

Bogotá - Colombia

152