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CONCORSO MEET THE JURY

Jessica Hausner | President

©Evelyn Rois

DIRECTOR | Austria

EN Born in Vienna in 1972, Jessica Hausner is a celebrated director. While studying at the Film Academy of Vienna she made the award-winning short films Flora (1996) and Inter-View (1999). Her first two feature films, Lovely Rita (2001) and Hotel (2004), premiered to considerable acclaim in the Un Certain Regard section at Cannes. Her subsequent feature films have variously premiered at Cannes or Venice, including in 2009 (Lourdes), 2014 (Amour Fou), 2019 (Little Joe), and 2023 (Club Zero). Hausner’s six features were each sold to 20 or more countries worldwide.

IT Jessica Hausner è una regista rinomata nata a Vienna nel 1972. Durante gli studi alla Film Academy di Vienna ha realizzato i pluripremiati cortometraggi Flora (1996) e Inter-View (1999). I suoi primi due lungometraggi, Lovely Rita (2001) e Hotel (2004), sono stati presentati con notevole successo a Un Certain Regard di Cannes. I successivi Lourdes (2009), Amour Fou (2014), Little Joe (2019) e Club Zero (2023) sono stati presentati a Cannes o Venezia. I suoi sei lungometraggi sono stati venduti in 20 o più paesi in tutto il mondo.

DE Die renommierte, 1972 in Wien geborene Regisseurin Jessica Hausner drehte während ihres Studiums an der Filmakademie Wien die preisgekrönten Kurzfilme Flora (1996) und Inter-View (1999). Ihre ersten beiden Langfilme Lovely Rita (2001) und Hotel (2004) feierten ihre erfolgreiche Premiere bei Un Certain Regard in Cannes; die darauffolgenden wurden in Cannes oder Venedig uraufgeführt: Lourdes (2009), Amour Fou (2014), Little Joe – Glück ist ein Geschäft (2019) und Club Zero (2023). Hausners sechs Spielfilme wurden in über 20 Ländern auf der ganzen Welt gezeigt.

FR Cinéaste de renom née à Vienne en 1972, Jessica Hausner a réalisé les courts métrages Flora (1996) et Inter-view (1999), lauréats de prix, pendant ses études à la Film Akademie de Vienne. Ses deux premiers longs métrages, Lovely Rita (2001) et Hôtel (2004), ont été très remarqués lors de leur première à Un certain regard à Cannes. Ses longs métrages suivants ont fait leur première à Cannes ou à Venise en 2009 (Lourdes), 2014 (Amour Fou), 2019 (Little Joe) et 2023 (Club Zero). Ses six longs métrages ont été vendus dans une vingtaine de pays dans le monde.

©Géraldine Aresteanu

Diana Elbaum PRODUCER | Belgium EN After moving from advertising to cinema, Diana Elbaum produced many acclaimed films, most of which were showcased and awarded at major festivals. She produced and co-produced over 100 features and documentaries with the likes of Chantal Akerman, Mahamat-Saleh Haroun, Paul Verhoeven, Raoul Peck, Ari Folman, and Julie Bertucelli.

IT Passata dalla pubblicità al cinema, Diana Elbaum ha prodotto diversi film di successo, molti dei quali sono stati presentati e premiati nei maggiori festival. È stata produttrice o coproduttrice di più di 100 film e documentari di cineasti del calibro di Chantal Akerman, Mahamat-Saleh Haroun, Paul Verhoeven, Raoul Peck, Ari Folman e Julie Bertucelli.

DE Nach ihrem Wechsel von der Werbung zum Film produzierte Diana Elbaum viele hochgelobte Filme, von denen die meisten an grossen Festivals gezeigt und ausgezeichnet wurden. Sie (ko-)produzierte über 100 Spiel- und Dokumentarfilme mit Grössen wie Chantal Akerman, Mahamat-Saleh Haroun, Paul Verhoeven, Raoul Peck, Ari Folman und Julie Bertucelli.

FR Passée de la publicité au cinéma, Diana Elbaum a produit nombre de films très remarqués, pour la plupart présentés et primés dans les grands festivals. Elle a produit et coproduit plus de 100 longs métrages et documentaires avec des cinéastes comme Chantal Akerman, Mahamat-Saleh Haroun, Paul Verhoeven, Raoul Peck, Ari Folman et Julie Bertuccelli.

©Ranabir Das

Payal Kapadia FILMMAKER | India EN Payal Kapadia is a Mumbai-based filmmaker. She studied at the Film & Television Institute of India. Her first feature, A Night of Knowing Nothing, premiered at the Cannes Directors’ Fortnight in 2021 and was awarded the prize for Best Documentary. Her second film, All We Imagine as Light, premiered in competition at Cannes in 2024 and won the Grand Prix.

IT Payal Kapadia è una regista residente a Mumbai. Ha studiato al Film & Television Institute of India. Il suo primo lungometraggio, A Night of Knowing Nothing, è stato presentato alla Quinzaine des réalisateurs di Cannes nel 2021 e ha ricevuto il premio per il miglior documentario. Il suo secondo film, All We Imagine as Light, ha vinto il Grand Prix a Cannes nel 2024.

DE Die in Mumbai ansässige Regisseurin Payal Kapadia studierte am Film & Television Institute of India. Ihr Debüt A Night of Knowing Nothing wurde 2021 bei der Directors’ Fortnight in Cannes uraufgeführt und als bester Dokumentarfilm ausgezeichnet. Ihr zweiter Film, All We Imagine as Light, lief 2024 im Wettbewerb von Cannes und gewann den Grand Prix.

FR Réalisatrice basée à Mumbai, Payal Kapadia s’est formée au Film and Television Institute of India. Son premier long métrage, Toute une nuit sans savoir, présenté à la Quinzaine des réalisateurs à Cannes en 2021, a reçu l’Œil d’or. Son second film, All We Imagine as Light, a fait sa première en compétition à Cannes en 2024 et a remporté le Grand Prix.

©Riccardo Ghilardi

Luca Marinelli ACTOR | Italy EN Born in Rome in 1984, Luca Marinelli is a celebrated actor known for both Italian and international film and television productions. His collaborations with filmmakers like Joe Wright, Claudio Caligari, Felix Van Groeningen and Charlotte Vandermeersch, Danny Boyle, and Pietro Marcello have made Marinelli one of the most recognizable faces of contemporary cinema.

IT Luca Marinelli, nato a Roma nel 1984, è un celebre attore conosciuto per i suoi ruoli in produzioni cinematografiche e televisive sia italiane sia internazionali. Le collaborazioni con registi quali Joe Wright, Claudio Caligari, Felix Van Groeningen e Charlotte Vandermeersch, Danny Boyle e Pietro Marcello lo hanno reso uno dei volti più noti del cinema contemporaneo.

DE Luca Marinelli, geboren 1984 in Rom, ist ein berühmter Schauspieler. Rollen in italienischen und internationalen Film- und Fernsehproduktionen und die Zusammenarbeit mit Regisseur/innen wie Joe Wright, Claudio Caligari, Felix Van Groeningen und Charlotte Vandermeersch, Danny Boyle und Pietro Marcello machten ihn zu einem der bekanntesten Gesichter des zeitgenössischen Kinos.

FR Né à Rome en 1984, Luca Marinelli est un acteur célèbre pour ses rôles dans des productions cinématographiques et télévisuelles italiennes et internationales. Ses collaborations avec des réalisateur-trice-s comme Joe Wright, Claudio Caligari, Felix Van Groeningen et Charlotte Vandermeersch, Danny Boyle et Pietro Marcello ont fait de lui l’un des visages les plus connus du cinéma contemporain.

©Stephanie Diani

Tim Blake Nelson ACTOR, WRITER, DIRECTOR, AND PRODUCER | USA

OFFICIAL JURIES & AWARDS

EN Tim Blake Nelson is an actor, writer, director, and producer who has appeared in many films, including O Brother, Where Art Thou? (2000), Lincoln (2012), Minority Report (2002), and The Ballad of Buster Scruggs (2018). He directed and in some cases also wrote the films Eye of God (1997), O (2001), The Grey Zone (2001), Leaves of Grass (2009), and Anesthesia (2015).

IT Attore, sceneggiatore, regista e produttore, Tim Blake Nelson è apparso in numerosi film tra cui Fratello, dove sei? (2000), Lincoln (2012), Minority Report (2002) e La ballata di Buster Scruggs (2018). Tra i lungometraggi firmati come regista e sceneggiatore figurano Eye of God (1997), O come Otello (2001), La zona grigia (2001) Fratelli in erba (2009) e Anesthesia (2015).

DE Der Schauspieler, Drehbuchautor, Regisseur und Produzent Tim Blake Nelson spielte in Filmen wie O Brother, Where Art Thou? – Eine Mississippi-Odyssee (2000), Lincoln (2012), Minority Report (2002) und The Ballad of Buster Scruggs (2018) mit. Bei Das Auge Gottes (1997), O – Vertrauen, Verführung, Verrat (2001), Die Grauzone (2001), Gefährliches Gras (2009) und Anesthesia (2015) führte er Regie oder schrieb auch das Drehbuch.

FR Acteur, scénariste, réalisateur et producteur, Tim Blake Nelson a joué dans de nombreux films, notamment O’ Brother (2000), Lincoln (2012), Minority Report (2002) ou La Ballade de Buster Scruggs (2018). Il a réalisé, et souvent écrit, les films Eye of God (1997), Othello 2003 (2001), The Grey Zone (2001), Escrocs en herbe (2009) et Anesthesia (2015).

O INTERNAZIONALE AWARDS PARDO D’ORO GRAND PRIZE OF THE FESTIVAL AND CITY OF LOCARNO CHF 75,000 to be shared equally between the director and the producer SPECIAL JURY PRIZE CITIES OF ASCONA AND LOSONE CHF 30,000 to be shared equally between the director and the producer PARDO FOR BEST DIRECTION CITY AND REGION OF LOCARNO CHF 20,000 to the director PARDO FOR BEST PERFORMANCE Two prizes to be awarded SPECIAL MENTIONS The Jury may also award a maximum of two special mentions

PARDO VER MEET THE JURY

©Alice Kayibanda

Kantarama Gahigiri ARTIST, WRITER, AND DIRECTOR | Switzerland, Rwanda EN Kantarama Gahigiri is a Rwandan-Swiss artist and filmmaker and an alumna of the Locarno Filmmakers Academy. Her short Terra Mater – Mother Land (2023) was produced as part of Locarno’s Postcards from the Future, went on to show at Berlinale and Sundance, and was recently nominated for the Swiss Film Award in 2024.

IT Kantarama Gahigiri è un’artista e cineasta svizzero-ruandese che ha frequentato la Locarno Filmmakers Academy. Il suo cortometraggio Terra Mater – Mother Land (2023), prodotto nell’ambito del progetto Postcards from the Future di Locarno, è stato presentato alla Berlinale e al Sundance ed è stato recentemente candidato al Prix du cinéma suisse 2024.

DE Die Absolventin der Locarno Filmmakers Academy Kantarama Gahigiri ist eine ruandisch-schweizerische Künstlerin und Filmemacherin. Ihr Kurzfilm Terra Mater – Mother Land (2023) wurde im Rahmen von Locarnos Postcards from the Future produziert, lief auf der Berlinale und Sundance und wurde für den Schweizer Filmpreis 2024 nominiert.

FR Artiste et cinéaste rwando-suisse, Kantarama Gahigiri est une ancienne participante à la Filmmakers Academy de Locarno. Son court métrage Terra Mater – Mother Land (2023), produit dans le cadre des Postcards from the Future de Locarno, a été présenté à la Berlinale et à Sundance, puis récemment nommé au Prix du cinéma suisse 2024.

©Pedro Usabiaga

Cédric Succivalli PROGRAMMER AND FILM CRITIC | France EN Cédric Succivalli is a programmer and film critic. He selects films for the Giornate degli Autori in Venice and for the Red Sea International Film Festival in Jeddah, and has served for 20 years as President of the International Cinephile Society. He is a member of the French Union of Film Critics, L’Académie des Lumières, FIPRESCI, and the Golden Globes.

IT Cédric Succivalli è un programmatore e critico cinematografico. Seleziona film per le Giornate degli Autori di Venezia e per il Red Sea International Film Festival di Gedda, ed è stato per 20 anni Presidente dell’International Cinephile Society. È membro di SFCC (Syndicat Français de la Critique de Cinéma), L’Académie des Lumières, FIPRESCI e Golden Globes.

DE Cédric Succivalli ist Programmgestalter und Filmkritiker, wählt Filme für die Giornate degli Autori in Venedig und für das Red Sea International Film Festival in Dschidda aus und ist seit 20 Jahren Präsident der International Cinephile Society. Er ist Mitglied des Syndicat Français de la Critique de Cinéma, der Académie des Lumières, der FIPRESCI und der Golden Globes.

FR Programmateur et critique de cinéma, Cédric Succivalli sélectionne des films pour les Giornate degli Autori et pour le Red Sea International Film Festival de Djeddah. Il a été président de l’International Cinephile Society pendant 20 ans. Il est membre du Syndicat Français de la Critique de Cinéma, de l’Académie des Lumières, de la FIPRESCI et des Golden Globes.

Daniel Wiener SUSTAINABILITY ADVISER, JOURNALIST, AND ARTS MANAGER | Switzerland EN Daniel Wiener is a journalist, economist, film critic, and entrepreneur. He lives in Basel, Switzerland, and is an author of several non-fiction books on social issues as well as environmental sustainability and resilience. He chairs the Global Infrastructure Basel Foundation and is a member of the Board of Directors of a Swiss firm of sustainable logistics.

IT Daniel Wiener, giornalista, economista, critico cinematografico e imprenditore, vive a Basilea, in Svizzera, ed è autore di numerosi saggi su temi sociali, sostenibilità ambientale e resilienza. È presidente della Global Infrastructure Basel Foundation ed è membro del consiglio di amministrazione di un’azienda svizzera di logistica sostenibile.

DE Daniel Wiener ist Journalist, Ökonom, Filmkritiker und Unternehmer. Er lebt in Basel und hat mehrere Sachbücher über soziale und ökologische Nachhaltigkeit und Resilienz veröffentlicht. Er ist Vorsitzender der Global Infrastructure Basel Foundation und Mitglied des Verwaltungsrats eines Schweizer Unternehmens für nachhaltige Logistik.

FR Journaliste, économiste, critique de cinéma et entrepreneur vivant à Bâle (Suisse), Daniel Wiener est l’auteur de plusieurs ouvrages de non-fiction sur la société, l’environnement et la résilience. Il est membre du conseil d’administration d’une entreprise suisse de logistique durable et préside la Global Infrastructure Basel Foundation.

AWARDS PARDO VERDE CHF 20,000 to the director SPECIAL MENTIONS The Jury may also award a maximum of two special mentions

OFFICIAL JURIES & AWARDS

RDE

LAUNCHED IN 2022 TOGETHER WITH WWF, THE PARDO VERDE IS AWARDED TO THE FILM THAT BEST REFLECTS AN ECOLOGICAL ISSUE, OFFERING AUDIENCES NEW AND CHALLENGING INTERPRETATIONS THAT INSPIRE CHANGE. CINEMA HAS A SMALL BUT DECISIVE ROLE TO PLAY IN SHIFTING ATTITUDES ON THE CLIMATE CRISIS. THE PARDO VERDE RECOGNIZES FILMS THAT CONTRIBUTE TO AWARENESS AND DECISIVE ACTION, UPENDING STALE CONSENSUS.

SUPPORTED BY THE ENTE REGIONALE PER LO SVILUPPO DEL LOCARNESE E VALLEMAGGIA

ELIGIBLE FILMS FIORE MIO by Paolo Cognetti – p. 55 SHAMBHALA by Min Bahadur Bham – p. 60 SAUVAGES by Claude Barras – p. 61 GAUCHO GAUCHO by Michael Dweck, Gregory Kershaw – p. 61 AGORA by Ala Eddine Slim – p. 66 BOGANCLOCH by Ben Rivers – p. 67 TRANSAMAZONIA by Pia Marais – p. 73 DER FLECK by Willy Hans – p. 78 FARIO by Lucie Prost – p. 79 MONÓLOGO COLECTIVO by Jessica Sarah Rinland – p. 84 LES BOUCHES* by Valentin Merz – p. 91 REVOLVING ROUNDS* by Johann Lurf, Christina Jauernik – p. 92 LINNUD LÄINUD (ON WEARY WINGS GO BY)* by Anu-Laura Tuttelberg – p.96 SOLEIL GRIS* by Camille Monnier – p. 99 LUX CARNE* by Gabriel Grosclaude – p. 101 ESPÈCE MENACÉE by Bruno Deville –p. 111 AKIKO, DER FLIEGENDE AFFE by Veit Helmer – p. 165 IGRIŠČA NE DAMO (BLOCK 5) by Klemen Dvornik – p. 166 * short films are only eligible for the PARDO VERDE SPECIAL MENTION

OFFICIAL JURIES & AWARDS

Der Spatz im Kamin The Sparrow in the Chimney

DIRECTOR: Ramon Zürcher Switzerland | 2024 | Color | DCP 2K | 117’ | o.v.: German CAST: Maren Eggert, Britta Hammelstein, Luise Heyer, Andreas Döhler, Lea Zoe Voss PRODUCTION: Zürcher Film CO-PRODUCTION: SRF/SRG SSR INTERNATIONAL SALES: Cercamon SWISS DISTRIBUTOR: Filmcoopi Zürich

World Premiere Sat 10.08 | 14:00 | Palexpo (FEVI) (Subt. English, French) © Zürcher Film

Sun 11.08 | 18:00 | L’altra Sala (Subt. English, French) Mon 12.08 | 21:30 | PalaCinema 1 (Subt. English, French)

Karen and Markus live with their children in Karen’s idyllic childhood home. Karen’s sister Jule and her family arrive to celebrate Markus’s birthday. Somber memories of their deceased mother reinforce Jule’s urge to rebel against her sister’s dominance. As the house starts filling with life, Karen tenses up; everything comes to a head. Some past things are destroyed in order to create something new.

IT Karen e Markus vivono con i figli nell’idilliaca casa dei genitori di lei. Per il compleanno di Markus arriva Jule, la sorella di Karen, con la famiglia. I cupi ricordi della madre defunta alimentano lo spirito ribelle di Jule nei confronti dell’ordine imposto dalla sorella. E mentre la casa si riempie di vita, in Karen cresce l’agitazione: per far posto al nuovo va tolto di mezzo il vecchio.

Karen und Markus wohnen mit ihren Kindern in Karens idyllischem Elternhaus. Zu Markus’ Geburtstag reist Karens Schwester Jule samt Familie an. Düstere Erinnerungen an die tote Mutter verstärken Jules Drang nach Rebellion gegen das Regime ihrer Schwester. Während sich das Haus mit Leben füllt, steigt in Karen die Anspannung, bis sich alles zuspitzt und Altes zerstört wird, um Neues zu erschaffen.

FR Karen et Markus vivent avec leurs enfants dans l’idyllique maison familiale de Karen. Jule, sœur de Karen, est venue avec sa famille pour l’anniversaire de Markus. Le sombre souvenir de leur mère décédée pousse Jule à se rebeller contre la dictature de sa sœur. Alors que la maison se remplit de vie, la tension monte à l’intérieur de Karen, jusqu’à l’explosion : l’ancien est détruit, pour créer du neuf.

DIRECTOR’S NOTE: I endeavor to portray, in a fairytale-style and a two-day condensation, the changing relations of a family, suggesting the utopian vision of a sparrow managing to escape from a chimney and flitting freely across the sky ever after.

REGIEANMERKUNGEN: Verdichtet auf zwei Tage, möchte ich märchenhaft den Wandel der Verhältnisse in einer Familie durchspielen und eine Utopie andeuten, in der ein Spatz dem Kamin entkommen und fortan den Himmel befreit bespielen kann.

NOTE DI REGIA: Concentrandomi su due soli giorni, ho voluto raccontare con toni fiabeschi il cambiamento nei rapporti di forza all’interno di una famiglia, suggerendo un’utopia: un passerotto che esce dal camino e si libra felice nel cielo.

NOTES D’INTENTION : Je voulais décrire, à la manière d’un conte et condensé sur deux jours, le changement dans les rapports familiaux et esquisser une utopie où l’on verrait un moineau s’échapper par la cheminée et voler enfin librement dans le ciel.

Fogo do Vento Fire of Wind

DIRECTOR: Marta Mateus Portugal, Switzerland, France | 2024 | Color | DCP 4K | 72’ | o.v.: Portuguese CAST: Soraia Prudêncio, Maria Catarina Sapata, Safir Eizner, José Moura, Maria Clara Madeira PRODUCTION: Clarão Companhia CO-PRODUCTION: Casa Azul Films, Les Films d’ici, RTS Radio Télévision Suisse INTERNATIONAL SALES: Portugal Film - Portuguese Film Agency

World Premiere, First Feature Tue 13.08 | 14:00 | Palexpo (FEVI) (Subt. English, French) ©Clarão Companhia

Wed 14.08 | 18:00 | L’altra Sala (Subt. English, French) Thu 15.08 | 21:00 | La Sala (Subt. English, French)

The vine bore fruit and it’s harvest time. Soraia, a young girl, cuts herself. Blood mixes with wine. A black bull is on the loose. Up in the oak trees, time swells, and a community takes shelter. They share bread and wine, memories and dreams, the history of a landscape. We enter a long night, where nature also speaks. The fiery wind that brings the heatwaves is burning.

Die Rebstöcke tragen Früchte – Erntezeit. Die junge Soraia schneidet sich. Blut vermischt sich mit Wein. Ein schwarzer Stier läuft frei herum. Oben in den Eichen scheint die Zeit stillzustehen. Eine Gemeinschaft sucht Schutz, teilt Brot und Wein, Erinnerungen und Träume, die Geschichte einer Landschaft. Es ist eine lange Nacht, die Natur spricht. Der feurige Wind, der Hitzewellen bringt, brennt.

DIRECTOR’S NOTE: We shared bread and wine, pain and love, war and peace. We called our dead, memories, and history to help us tame the beasts and liberate us to celebrate life. Sometimes we like to imagine that cinema has the gift of sorcery.

REGIEANMERKUNGEN: Wir teilten Brot und Wein, Schmerz und Liebe, Krieg und Frieden. Dank unserer Toten, Erinnerungen und Geschichte zähmten wir die Bestien und können das Leben feiern. Manchmal stellen wir uns vor, das Kino habe magische Kräfte.

CONCORSO INTERNAZIONALE

NOTE DI REGIA: Mettevamo in comune pane e vino, dolori e amori, guerra e pace. Chiedavamo aiuto ai nostri morti, ai ricordi, alla storia, per domare la bestia e liberarci, cele brando la vita. A volte ci piace immaginare che il cinema abbia il dono della stregoneria.

Le vigne hanno prodotto i loro frutti, ed è tempo di vendemmia. Una ragazza, Soraia, si taglia. Il sangue si mischia al vino. C’è un toro nero in libertà. In alto sulle querce il tempo si dilata. Una comunità vi trova rifugio e condivide pane e vino, ricordi e sogni, il passato di un paesaggio. Comincia una lunga notte durante la quale prende parola anche la natura. Il vento di fuoco, portatore di ondate di calore, brucia.

La vigne a porté ses fruits et c’est le temps des vendanges. La jeune Soraia se coupe. Le sang se mêle au vin. Un taureau noir circule en liberté. Là-haut, dans les chênes, le temps se dilate. Un groupe s’y réfugie et partage le pain et le vin, les souvenirs et les rêves, l’histoire d’un paysage. Une longue nuit commence, où la nature parle aussi. Le vent ardent, porteur de canicules, brûle. NOTES D’INTENTION : Nous partagions le pain et le vin, la douleur et l’amour, la guerre et la paix. Grâce à nos morts, nos souvenirs et l’histoire, nous avons pu dompter les bêtes et nous libérer pour célébrer la vie. Nous imaginons parfois que le cinéma a un don de sorcier.

World Premiere, First Feature Wed 14.08 | 16:45 | Palexpo (FEVI) (Subt. English, French) Thu 15.08 | 11:15 | L’altra Sala (Subt. English, French) Fri 16.08 | 21:30 | PalaCinema 1 (Subt. English, French)

Fida grew up during the war in Beirut in the 1980s, immersed in the "red hell" her grandmother used to tell her about. The trivialization of death made her doubt the value of life and the meaning of this never-ending war that was so similar to so many others. Using miniature figures and models, she meets the militiamen and confronts her childhood vision with theirs.

IT Fida è cresciuta a Beirut negli anni Ottanta, durante la guerra, immersa in quell’“inferno rosso” di cui le parlava sua nonna. La banalizzazione della morte la induceva a dubitare del valore della vita, e del senso di quella guerra infinita simile a tante altre. Grazie a statuine e plastici in miniatura, Fida incontra dei miliziani e mette a confronto la propria visione di bambina con la loro.

Fida wuchs in den Achtzigern in Beirut auf – mitten im Krieg, umgeben von der «roten Hölle», von der ihre Grossmutter immer sprach. Die Banalisierung des Todes liess sie am Wert des Lebens zweifeln und am Sinn dieses endlosen Krieges, der so vielen anderen glich. MitHilfe von Miniaturfiguren und Modellen begegnet sie den Milizionären und konfrontiert deren Kindheitsvision mit ihrer eigenen.

DIRECTOR’S NOTE: By inviting Fida to revisit her past and confront the militiamen, Sylvie Ballyot immerses us, without judgment, in a universal vision of war where, beyond the causes each defends, a bomb remains a bomb.

REGIEANMERKUNGEN: Indem Sylvie Ballyot Fida in die Vergangenheit reisen lässt, um sich den Milizen zu stellen, ermöglicht sie uns einen universellen Blick auf den Krieg, in dem, jenseits aller Beweggründe, eine Bombe stets eine Bombe bleibt.

NOTE DI REGIA: Invitando Fida a rivisitare il proprio passato e ad affrontare dei miliziani, Sylvie Ballyot ci immerge in una visione universale della guerra dove, al di là del giudizio e delle cause che ognuno difende, una bomba resta una bomba.

Fida a grandi à Beyrouth dans les années 1980, pendant la guerre, plongée dans cet « enfer rouge » dont lui parlait sa grand-mère. La banalisation de la mort lui faisait douter de la valeur de la vie, et du sens de cette interminable guerre qui ressemble à tant de guerres. À l’aide de figurines et de maquettes miniatures, elle va à la rencontre de miliciens et confronte sa vision d’enfant à la leur. NOTES D’INTENTION : En invitant Fida à revisiter son passé et à confronter des miliciens, Sylvie Ballyot nous fait plonger, sans jugement, dans une vision universelle de la guerre où, au-delà des causes que chacun défend, une bombe reste une bombe.

La Mort viendra Death Will Come

DIRECTOR: Christoph Hochhäusler Germany, Luxembourg, Belgium | 2024 | Color | DCP 4K | 101’ | o.v.: French CAST: Sophie Verbeeck, Louis-Do de Lencquesaing, Marc Limpach, Mourade Zeguendi, Hilde Van Mieghem PRODUCTION: Heimatfilm CO-PRODUCTION: Amour Fou Luxembourg, Tarantula Belgique INTERNATIONAL SALES: True Colours

World Premiere Thu 08.08 | 16:45 | Palexpo (FEVI) (Subt. English, Italian) ©Heimatfilm

Fri 09.08 | 11:15 | L’altra Sala (Subt. English, Italian) Sat 10.08 | 21:30 | PalaCinema 1 (Subt. English, Italian)

Tez kills for money. Charles Mahr, a legendary gangster, hires her to avenge the murder of one of his couriers. Once in Brussels, she gets caught up in the thicket of an intrigue in which she herself becomes the prey. Tez has to decide whose instrument she wants to be.

Tez tötet für Geld. Der legendäre Gangster Charles Mahr beauftragt sie, den Mord an einem seiner Kuriere zu rächen. In Brüssel gerät sie in eine verwickelte Intrige, in der sie selbst zur Gejagten wird. Tez muss sich entscheiden, wessen Werkzeug sie sein will.

DIRECTOR’S NOTE: What fascinates me about gangster films: how directly you can speak of fate and death, circumventing the realisms of contemporary cinema. As a “modern form of tragedy” (J.-P. Melville) the genre playfully performs last “rites”.

REGIEANMERKUNGEN: Mich fasziniert am Gangsterfilm, wie direkt man – abseits der Realismen des Gegenwartskinos – von Schicksal und Tod sprechen kann. Als «moderne Form der Tragödie» (J.-P. Melville) erteilt das Genre spielerisch die «letzte Weihe».

CONCORSO INTERNAZIONALE

NOTE DI REGIA: Mi affascina come i film di gangster parlino senza filtri di morte e destino al di là del realismo del cinema contemporaneo. Quale «moderna forma della tragedia» (J.-P. Melville), questo genere offre, giocosamente, l’«estrema unzione».

Tez uccide per denaro. Charles Mahr, un leggendario gangster, la ingaggia per vendicare la morte di un suo corriere. Ben presto, Tez si trova invischiata in un intrigo dove lei stessa è la preda e deve decidere una volta per tutte a chi prestare i propri servigi.

Tez tue pour de l’argent. Charles Mahr, un gangster légendaire, lui confie la mission de venger le meurtre de l’un de ses coursiers. Tez se retrouve rapidement prise dans les méandres d’une intrigue dans laquelle elle devient elle-même la proie. Elle devra choisir son camp.

NOTES D’INTENTION : Dans les films de gangsters, on peut parler du destin et de la mort sans le réalisme du cinéma contemporain. En tant que « tragédie moderne » (J.P. Melville), ces films dispensent de manière ludique les « derniers sacrements ».

A lady on a pedestal holding a burning bright torch is now synonymous with images of Rita Hayworth, Jean Arthur, Glenn Ford, and Judy Holliday. Though the lady draped in the American flag became the logo of Columbia Pictures, the films produced by that studio tended to drag this figurehead of liberty down and examine her more unglamorous side. American values were dissected and questioned through tales of fast-talking career women, existentialist cowboys, and prophetic anti-fascist quickies. Yet, the symbol of the still burning torch over The End title was an affirmation of the values being rebuilt through the skilful art of Howard Hawks, Dorothy Arzner, and Richard Quine. This program looks at the golden age of Columbia Pictures, 1929 – 1959, mapping its glorious rise from Poverty Row to major Hollywood force. Almost the entire period under scrutiny coincides with the presidency of Harry Cohn, the frugal and irascible man who co-founded and ran the studio until his dying day. Contrary to his reputation as a penny-pinching vulgarian, he was open to new possibilities and eager to work with new talents. Because Cohn, unlike other Hollywood majors, opted for short-term contracts, it meant that talents could drop in and out, creating more buzz and allowing for aesthetic diversity. It is often suggested that it was Frank Capra who single-handedly shaped the Columbia style with its screwball dazzle, social consciousness, and romantic comedy formulas, yet the bulk of films produced by other heavyweights suggests a more take-andgive situation. Nevertheless, it was Capra’s unprecedented success that made Columbia a studio conscious of directors and their potential star status. Thanks to Cohn’s respect for directors, gods of cinema – Frank Borzage, George Cukor, John Ford, and Fritz Lang among them – could enjoy some of their more unrestrained moments at Columbia. The Lady ran their names above the title. In its heyday, Columbia specialised in churning out snappy mystery films, sophisticated comedies, lean Westerns, and classy exploitation movies while short subjects, such as Three Stooges films, made the cash, such as it was, flow even in the dark days of the Great Depression when other studios were reporting massive losses. Enriched by the talent and vision of figures such as André De Toth, John Sturges, Joseph H. Lewis, and Phil Karlson, Columbia’s B-unit was a real powerhouse, and by the end of the ‘50s, the genres once used for quickies had picked up so much momentum and edge that they were almost unrecognisable in their complexity. A fresh way of telling stories had been initiated and a new American cinema, in which Columbia directors like Budd Boetticher, Nicholas Ray, and Irving Lerner were seen as role models, was about to be born. This unofficial history of Columbia Pictures both teases out the nuances in the story of a leading studio while stressing the significance of canonical titles worthy of continued celebration. It’s a jam session between artists and genres through three exuberant decades of incessant creativity, evolution, and growth, reminding us that once upon a time there was a brilliant exchange between art and commerce, between the system and the artist. EN

Una donna su un piedistallo che regge una torcia accesa è oggi sinonimo di immagini di Rita Hayworth, Jean Arthur, Glenn Ford e Judy Holliday. Anche se la signora avvolta nella bandiera americana divenne il logo della Columbia Pictures, i film prodotti da quegli studios tendevano a sminuire questo emblema della libertà e a mettere sotto la luce il suo lato meno affascinante. I valori americani venivano dissezionati e messi in discussione attraverso storie di donne in carriera dalla parlantina veloce, cowboy esistenzialisti e profetiche allusioni antifasciste. Tuttavia, il simbolo della torcia sempre accesa sopra il titolo The End era l’affermazione di quei valori che venivano riconfermati grazie all’abilità artistica di Howard Hawks, Dorothy Arzner e Richard Quine. Questa retrospettiva rivolge il suo sguardo all’epoca d’oro della Columbia Pictures, quella che va dal 1929 al 1959, ripercorrendone la stupefacente ascesa da “Poverty Row” a grande potenza hollywoodiana. Quasi tutto il periodo preso in considerazione coincide con la presidenza di Harry Cohn, quell’uomo gretto e irascibile che co-fondò e diresse gli studios fino al giorno della sua morte. Contrariamente alla sua reputazione di spilorcio, era aperto a nuove possibilità e molto interessato a lavorare con nuovi talenti. A differenza di altre major hollywoodiane, Cohn preferiva contratti a breve termine. Il via vai di talenti creava grande fermento, generando così una grande varietà dal punto di vista estetico. Più volte si è insinuato che fosse stato Frank Capra a plasmare da solo lo stile della Columbia con le sue scelIT

RETROSPETTIVA

te di brillanti commedie ad effetto, consapevolezza sociale e commedia romantica; ma la mole di film prodotti da altri pesi massimi del cinema suggerisce piuttosto una dinamica del tipo “prendere e dare”. Tuttavia, è stato il successo senza precedenti di Capra a rendere la Columbia una casa cinematografica consapevole del valore dei registi e del loro potenziale successo. Grazie al rispetto che Cohn portava ai registi, alla Columbia Pictures gli dèi del cinema – tra cui Frank Borzage, George Cukor, John Ford e Fritz Lang – hanno potuto godere di alcuni dei momenti più sfrenati della loro attività. La signora con la torcia aveva fatto scorrere i loro nomi sopra il titolo. Nel suo periodo di massimo splendore, la Columbia si specializzò nella produzione in serie di avvincenti gialli, commedie sofisticate, western leggeri ed eleganti film d’exploitation di classe, mentre i soggetti brevi, come i film dei Tre marmittoni, generavano profitti anche nei giorni bui della Grande Depressione quando gli altri studi cinematografici registravano ingenti perdite. Grazie al talento e alla visione di personaggi come André De Toth, John Sturges, Joseph H. Lewis e Phil Karlson, l’unità B della Columbia era una vera e propria potenza ed entro la fine degli anni ‘50 i generi che in passato erano stati utilizzati per produzioni veloci e con pochi mezzi avevano acquisito così tanto slancio e spessore da essere quasi irriconoscibili nella loro complessità. Un rinnovato modo di raccontare storie aveva preso il via e stava per nascere un nuovo cinema americano, in cui registi della Columbia quali Budd Boetticher, Nicholas Ray e Irving Lerner erano considerati modelli di riferimento. Questa storia non ufficiale della Columbia Pictures mette in luce le sfumature delle tappe fondamentali del percorso di uno studio cinematografico di punta, sottolineando al contempo l’importanza dei suoi titoli più classici che meritano di continuare ad essere valorizzati. Si tratta di una jam session tra artisti e generi attraverso tre esuberanti decenni di incessante creatività, evoluzione e crescita; e ci ricorda che, in passato, esisteva una splendida relazione di interscambio tra arte e business, tra il sistema e l’artista. Eine Frau auf einem Sockel, die eine hell lodernde Fackel in der Hand hält, verbindet man heute fast automatisch mit Rita Hayworth, Jean Arthur, Glenn Ford und Judy Holliday. Die in eine amerikanische Flagge gehüllte Lady wurde zur Galionsfigur der Columbia Pictures – und doch brachte gerade dieses Studio mit seinen Filmen das Image der von ihr verkörperten Freiheit ins Wanken und setzte ihre weniger glamourösen Seiten in Szene. Mit Geschichten über wortgewaltige Karrierefrauen, existenzialistische Cowboys und prophetischen antifaschistischen Schnellproduktionen stellte es die amerikanischen Werte auf den Prüfstand und infrage. Nichtsdestotrotz blieb die Frau mit der Fackel im Abspann der Columbia-Produktionen ein Bekenntnis zu ebenjenen Werten, die durch die meisterhafte Filmkunst von Howard Hawks, Dorothy Arzner und Richard Quine neu belebt wurden. Dieses Programm beleuchtet die goldene Epoche der Columbia Pictures zwischen 1929 und 1959 und verfolgt ihren glanzvollen Aufstieg von der Poverty Row zu einem der führenden Studios von Hollywood. An der Spitze dieser Traumfabrik stand während dieser gesamten Zeit fast nur Harry Cohn, ein sparsamer und aufbrausender Mann, der die Columbia Pictures mitbegründet hatte und ihr bis zu seinem letzten Atemzug vorstand. Entgegen seinem Ruf, geizig und geschmacklos zu sein, hatte er ein gutes Auge für sich bietende Gelegenheiten und war stets darauf bedacht, neue Talente an Bord zu holen. Im Gegensatz zu anderen Studioleitern vergab Cohn kurzfristige Verträge, sodass Schauspieler/innen leicht zum Studio wechseln und es wieder verlassen konnten, was für mehr Abwechslung und ästhetische Vielfalt sorgte. Oft wird der Columbia-Stil mit seinen Screwball-Komödien, Romcoms und dem sozialen Gespür Frank Capra allein zugeschrieben, aber die Vielzahl der Werke anderer Regiegrössen der damaligen Zeit deutet auf eine Situation des Nehmens und Gebens hin. Gleichwohl war es Capra mit seinem beispiellosen Erfolg, der bei Columbia den Regisseur/innen grosse Aufmerksamkeit verschaffte und das Bewusstsein für ihren potenziellen Status als Stars weckte. Dank Cohns hohem Respekt vor den Filmschaffenden genossen Kultfiguren des Kinos – wie Frank Borzage, George Cukor, John Ford und Fritz Lang – bei Columbia seltene Momente uneingeschränkter Schaffensfreiheit. Stets mit von der Partie: die Dame mit der Fackel. In ihrer Blütezeit spezialisierte sich Columbia Pictures auf stilvolle Exploitationfilme, spannende Krimis, raffinierte Komödien und geradlinige Western. Kurzfilme wie die der Komikertruppe The Three DE

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Stooges spülten derweil das Geld in die Kassen – und das selbst in den dunklen Tagen der Weltwirtschaftskrise, als andere Studios massive Verluste verzeichneten. Die B-Unit der Columbia Pictures wurde dank des Talents und der Weitsicht von Persönlichkeiten wie André De Toth, John Sturges, Joseph H. Lewis und Phil Karlson zu einem echten Zugpferd. Ende der Fünfziger hatten die einst für LowBudget-Schnellschüsse gedachten Genres so viel an Schwung und Profil gewonnen, dass sie in ihrer Komplexität kaum wiederzuerkennen waren: der Beginn einer noch nie dagewesenen Art, Geschichten zu erzählen, und die Geburtsstunde eines neuen amerikanischen Kinos, dessen Vorbilder Columbia-Regisseure wie Budd Boetticher, Nicholas Ray und Irving Lerner waren. Diese inoffizielle Geschichte der Columbia Pictures beleuchtet die facettenreiche Entwicklung eines der führenden Filmstudios und unterstreicht gleichzeitig die Bedeutung der Klassiker, die es verdienen, weiter gefeiert zu werden. Wie eine Jamsession von Künstler/ innen und Genres über drei ausgelassene Jahrzehnte hinweg – voll ungebrochener Kreativität, Entfaltung und unaufhörlichem Wachstum – erinnert sie an die Zeiten, in denen es einen äusserst fruchtbaren Austausch zwischen Kunst und Kommerz, System und Kunstschaffenden gab. Une femme sur un piédestal tenant une torche allumée est aujourd’hui un symbole associé aux images de Rita Hayworth, Jean Arthur, Glenn Ford et Judy Holliday. Bien que cette femme parée dans le drapeau américain soit devenue le logo de Columbia Pictures, les films produits par ce studio eurent tendance à dévaloriser cette figure de proue de la liberté et à observer sa face la moins séduisante. Les valeurs américaines furent disséquées et remises en question à travers les histoires de femmes carriéristes au franc-parler, de cowboys existentialistes et de prophétiques allusions antifascistes. Le symbole de la torche brûlant encore au-dessus du mot « Fin » affirmait pourtant la reconstruction des valeurs grâce à l’ingéniosité artistique de Howard Hawks, de Dorothy Arzner et de Richard Quine. Ce programme se penche sur l’âge d’or de Columbia Pictures, de 1929 à 1959, et retrace sa glorieuse ascension, des « Poverty Row » à la grande puissance hollywoodienne. La quasi-totalité de la période étudiée coïncide avec la présidence de Harry Cohn, l’homme austère et irascible qui cofonda et dirigea le studio jusqu’à sa mort. Contrairement à sa réputation de vulgaire grippe-sou, il était ouvert aux innovations et aimait travailler avec de nouveaux talents. Parce que Cohn avait opté pour des contrats courts, contrairement aux autres majors hollywoodiennes, les artistes pouvaient aller et venir, ce qui créait plus d’effervescence et permettait une diversité esthétique. Il a souvent été dit que Frank Capra avait, à lui seul, façonné le style de la Columbia, avec ses brillantes comédies loufoques, sa conscience sociale et ses recettes de comédie romantique, mais la plupart des films produits par d’autres poids lourds suggèrent davantage une logique du donnant-donnant. C’est néanmoins le succès sans précédent de Capra qui fit de la Columbia un studio attentif aux réalisateur-trice-s et conscient du potentiel de vedettes de ces derniers. Grâce au respect que Cohn portait aux réalisateur-trice-s, les dieux du cinéma – notamment Frank Borzage, George Cukor, John Ford et Fritz Lang – connurent leurs plus grands moments de liberté à la Columbia. La Dame faisait figurer leurs noms au-dessus du titre. À son apogée, la Columbia se spécialisa dans la production de films policiers, de comédies sophistiquées, de westerns et d’élégants films d’exploitation, tandis que les courts métrages, comme les films des Trois Stooges, faisaient rentrer l’argent, même durant les jours les plus sombres de la Grande Dépression, alors que les autres studios enregistraient de lourdes pertes. Grâce au talent et à la vision de figures telles qu’André De Toth, John Sturges, Joseph H. Lewis et Phil Karlson, le département B de la Columbia devint une véritable locomotive et, à la fin des années 1950, les genres autrefois utilisés pour des films vite faits avaient pris un tel élan et un tel panache qu’ils en étaient presque méconnaissables de complexité. Une nouvelle façon de raconter des histoires avait vu le jour et un nouveau cinéma américain – dans lequel les réalisateurs de la Columbia comme Budd Boetticher, Nicholas Ray et Irving Lerner faisaient école – était sur le point de naître. Cette histoire non officielle de Columbia Pictures met en lumière les nuances de l’histoire d’un studio de premier plan, tout en soulignant l’importance de titres emblématiques qui méritent d’être toujours célébrés. Il s’agit d’une « jam session » où se croisent artistes et genres, au cours de trois décennies foisonnantes de créativité, d’évolution et de croissance permanentes, pour nous rappeler qu’il fut un temps où existait un brillant échange entre l’art et le commerce, entre le système et l’artiste.

Washington Merry-Go-Round ©Columbia Pictures Industries, Inc.

Ehsan Khoshbakht Retrospective Curator

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Sat 10.08 | 09:00 | GranRex

Somewhere between utterly silly and consummately brilliant with its fully rhyming dialogue, Umpa is the catchword for that enduring urge that makes people do ludicrous things with absolute determination.

IT A metà tra il totalmente sciocco e il geniale, con i suoi dialoghi tutti in rima, Umpa è la parola-ritornello che spinge le persone, in modo irresistibile, a fare cose ridicole con grande determinazione.

Umpa ist mit seinem durchgehend gereimten Dialog irgendwo zwischen total albern und absolut genial anzusiedeln. Der Titel ist ein Synonym für den unbändigen Drang, der Menschen dazu bringt, mit absoluter Entschlossenheit verrückte Dinge zu tun.

FR Entre le totalement ridicule et définitivement génial, avec ses dialogues tout en rimes, Umpa est la devise de l’irrépressible envie qui pousse les gens à faire des choses insensées avec une absolue détermination.

Twentieth Century DIRECTOR: Howard Hawks USA | 1934 | Black and White | DCP 4K | 91’ | o.v.: English CAST: John Barrymore, Carole Lombard, Walter Connolly PRODUCTION: Columbia Pictures INTERNATIONAL SALES: Park Circus PRINT: Sony Pictures Entertainment Based on the eponymous play by Hecht and MacArthur, adapted from the play Napoleon of Broadway by Charles Bruce Millholland.

Sun 11.08 | 09:00 | GranRex Introduced by Rita Belda

Thu 15.08 | 22:00 | GranRex Introduced by Christina Newland

John Barrymore’s impresario moulds an untrained actress (Carole Lombard) into a star. When she heads for Hollywood, he uses any means in his power to win her back. The pair enter into a frenetic game of emotional double-bluff that pushes screwball comedy to its peak.

Un impresario (John Barrymore) trasforma un’attrice dilettante IT (Carole Lombard) in una star. Quando lei se ne va a Hollywood, lui usa ogni mezzo per riconquistarla. I due entrano in un frenetico doppio gioco emotivo, spingendo questa commedia brillante al massimo.

Ein Impresario (John Barrymore) macht aus einer Laienschauspielerin (Carole Lombard) einen Star. Als sie nach Hollywood geht, versucht er, sie mit allen Mitteln zurückzugewinnen. Ein Wechselbad der Gefühle, das die Screwball-Komödie auf die Spitze treibt.

Un impresario (John Barrymore) fait d’une actrice (Carole LomFR bard) une star. Lorsqu’elle part pour Hollywood, il tente de la reconquérir par tous les moyens. Tous deux s’engagent dans un frénétique double-jeu émotionnel, portant la comédie loufoque à son apogée.

If You Could Only Cook DIRECTOR: William A. Seiter USA | 1935 | Black and White | 35 mm | 71’ | o.v.: English CAST: Herbert Marshall, Jean Arthur, Leo Carrillo PRODUCTION: Columbia Pictures INTERNATIONAL SALES: Park Circus PRINT: Sony Pictures Entertainment

Tue 13.08 | 14:00 | GranRex

Introduced by Farran Nehme Smith Fri 16.08 | 22:00 | GranRex

Utterly charming screwball comedy directed with great zeal by William Seiter. A wealthy industrial designer leaves his life of comfort behind to work anonymously as a butler for a gangster, only to find himself teamed up alongside a radiant Jean Arthur as a hired maid.

IT Un’affascinante commedia diretta con entusiasmo da William Seiter. Un ricco designer industriale abbandona la sua vita di agi per lavorare anonimamente come maggiordomo d'un gangster, per poi trovarsi a fianco di una splendida Jean Arthur, la nuova cameriera.

Mit viel Herz inszenierte Screwball-Komödie von William Seiter. Ein reicher Industriedesigner gibt sein bequemes Leben auf, um unerkannt als Butler eines Gangsters zu arbeiten. Dort landet er an der Seite der brillanten Jean Arthur, die als Dienstmädchen angestellt ist.

Une charmante comédie loufoque, signée par un William Seiter FR enthousiaste. Un riche dessinateur industriel quitte sa vie confortable pour travailler incognito comme majordome d’un gangster et se retrouve aux côtés de Jean Arthur, radieuse en femme de chambre.

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The Whole Town’s Talking DIRECTOR: John Ford USA | 1935 | Black and White | DCP 4K | 93’ | o.v.: English CAST: Edward G. Robinson, Jean Arthur, Arthur Hohl PRODUCTION: Columbia Pictures INTERNATIONAL SALES: Park Circus PRINT: Sony Pictures Entertainment Based on the short story Jail Breaker by W. R. Burnett.

Fri 09.08 | 11:30 | GranRex

Familiar territory for a dazzling Edward G. Robinson as a timid clerk mistaken for a criminal but an unusual doppelgänger story for director John Ford. His use of comedy to bypass censorship met with such success that the gangster genre witnessed a revival.

IT Edward G. Robinson nei panni, a lui già familiari, di un timido impiegato scambiato per un criminale, ma un’insolita storia di sosia per John Ford. L’uso del regista della commedia per aggirare la censura ebbe un tale successo da ridare slancio al genere gangster.

Die Geschichte eines schüchternen Angestellten, der mit einem Verbrecher verwechselt wird, ist für Edward G. Robinson gewohntes Terrain – nicht aber für Regisseur John Ford. Um der Zensur zu entgehen, nutzte er Humor – so erfolgreich, dass er das Gangstergenre neu belebte.

Un terrain familier pour Edward G. Robinson, en timide employé de bureau pris pour un criminel, mais une histoire de sosie insolite pour le cinéaste John Ford. Pour contourner la censure, ce dernier a utilisé la comédie avec un tel succès qu’il a relancé le film de gangsters.

Craig’s Wife DIRECTOR: Dorothy Arzner USA | 1936 | Black and White | 35 mm | 74’ | o.v.: English CAST: Rosalind Russell, John Boles, Billie Burke, Jane Darwell, Dorothy Wilson PRODUCTION: Columbia Pictures INTERNATIONAL SALES: Park Circus PRINT: Sony Pictures Entertainment Based on the eponymous play by George Kelly.

Wed 07.08 | 19:30 | GranRex Introduced by Pamela Hutchinson Thu 15.08 | 09:00 | GranRex

Dorothy Arzner’s chilling character study marks 24 hours in the life of a dying marriage. Rosalind Russell stuns as the icy wife who married for a house and not a husband, while a wistful John Boles plays the man realising his castle is not a home.

Beklemmende Charakterstudie einer scheiternden Ehe von Dorothy Arzner. Rosalind Russell beeindruckt als eiskalte Ehefrau, die aus materialistischen Gründen geheiratet hat, John Boles als wehmütiger Ehemann, der merkt, dass sein Anwesen kein wahres Zuhause ist.

Glaçante étude de caractère retraçant 24 heures d’un mariage FR aux abois. Rosalind Russell surprend en épouse froide, mariée pour une maison et non pour un mari, tandis qu’un mélancolique John Boles incarne un homme réalisant que son château n’est pas un foyer.

24 ore nella vita di un matrimonio agli sgoccioli, con Rosalind Russell nelle vesti della gelida moglie che si è sposata per avere una casa e non tanto un marito e un disincantato John Boles che si rende conto che la sua reggia non è un focolare.

Disorder in the Court DIRECTOR: Preston Black USA | 1936 | Black and White | 35 mm | 17’ | o.v.: English CAST: Moe Howard, Larry Fine, Curly Howard PRODUCTION: Columbia Pictures INTERNATIONAL SALES: Park Circus PRINT: Sony Pictures Entertainment

Fri 09.08 | 09:30 | GranRex

The Three Stooges testify in a court of law and summon a peculiar witness to give testimony – a dancer who lays the truth bare by stripping in front of the judge.

The Three Stooges müssen vor Gericht aussagen und rufen eine ungewöhnliche Zeugin auf – eine Tänzerin, welche die Wahrheit enthüllt, indem sie vor dem Richter strippt.

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I Three Stooges compaiono in tribunale e chiamano a deporre un testimone particolare: una ballerina che racconta la pura verità spogliandosi davanti al giudice. Les Three Stooges témoignent au tribunal et font comparaître un témoin singulier : une danseuse qui met la vérité à nu en se dévêtant devant le juge.

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