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GALERÍA NACIONAL VIRTUAL DE LA CASA DE LA CULTURA ECUATORIANA

C A M I LO

R E S T R E P O

G U Z M Á N

PAT R I C I A

N O R I E G A

R I V E R A

GALERÍA NACIONAL VIRTUAL DE LA CASA DE LA CULTURA ECUATORIANA

— 2020 —

Casa de la Cultura Ecuatoriana Camilo Restrepo Guzmán Presidente Nacional

Patricio Herrera Crespo Director de Publicaciones

Patricia Noriega Rivera Directora de Museos

Dibujando la geografía de la Patria ©Camilo Restrepo Guzmán / Patricia Noriega Rivera Primera Edición–CCE–2020 ISBN: 978-9942Curador de la Galería Nacional Virtual: Juan Sigüenza Edición: Katya Artieda Diseño gráfico e ilustración de portada: Santiago Ávila S. Casa de la Cultura Ecuatoriana Benjamín Carrión Dirección de Publicaciones Avs. Seis de Diciembre N16-224 y Patria Telfs.: 2 527440 Ext.:138/213 gestion.publicaciones@casadelacultura.gob.ec www.casadelacultura.gob.ec Quito-Ecuador

GALERÍA NACIONAL VIRTUAL DE LA CASA DE LA CULTURA ECUATORIANA

Camilo Restrepo Guzmán / Patricia Noriega Rivera

Contenido PRESENTACIÓN .

Paisajes y naturaleza, una impronta del arte .

Cristian Guillén La geografía maravillosa y milenaria de las nacionalidades amazónicas .

Naturaleza y paisaje

Galo Chávez La visión armoniosa de la naturaleza .

. 26

Fausto Andrade Tras las huellas de identidad .

Gandy Guerrero Un mundo de luz, de color, de magia en equilibrio con la naturaleza .

Manolo Alvarado El lenguaje conciliador con la madre naturaleza y el ser social .

Alex Sevilla Líneas, formas y colores para traducir la historia, la vida, la espiritualidad latente… .

Pintura ecológica La denuncia ecológica desde el arte .

Renán Quilumba Un grito desesperado en defensa de la identidad .

. 40

Danny Narváez Trazos con un precepto ambientalista y cultural .

Estela Lima El canto del asombro de la naturaleza envuelto en un vestigio de dolor . Jorge Betancourt La Amazonía, fuente de vida .

Milton Morales Entre el hábitat y las raíces de un país pluricultural .

. .

. 44 . 46

. 48

Hernán Illescas La complicidad humana en la destrucción de la naturaleza .

Robert Santos Un mensaje de rescate a la naturaleza .

. 52

Mujer La figura de la mujer en el arte y en el tiempo . Bayardo Cuenca La mujer a través del tiempo .

Jorge Betancourt La mujer como fuente de vida .

. 57

. 60

Marco Terán La mujer travesea en un mundo surreal, diáfana, sensorial y enérgica .

Rober Santos La mujer como impronta de expresividad .

. 64

Problemática social y existencialismo El artista, un sujeto social .

Lisa Torske Un canto de ternura a la vida .

. 70

Jorge Velarde El mundo desde una visión aguda .

Israel Vinces Un viaje a la pleura más íntima .

Manolo Alvarado La desaparición y el genocidio en el ojo del artista .

Hernán Illescas Representación simbólica: eternidad, memoria, denuncia o sinfonía . Ricardo Naranjo La dimensión de la espiritualidad .

. 78

. 80

Estela Lima La perfección de las formas fragmentando lo geométrico .

. 82

Marvin Parrales Cronista del tiempo y de la luz .

Paula Viteri Introspección a los laberintos del espíritu .

. 86

Ecuador, esencia megadiversa y pluricultural .

. 91

Diversidad cultural

Rafael Gutiérrez Crisol de sabidurías ancestrales .

Milton Morales El espiral infinito de nuestros pueblos .

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92 . 94

Israel Vinces Rostros y caminos atávicos .

. 96

Alex Sevilla Pensamiento holístico atado a lo ancestral .

. 98

Danny Narváez El despertad de la conciencia .

100

La pintura costumbrista más allá de los hechos cotidianos .

105

Costumbrismo e identidad

Fausto Andrade Formas para ilustrar la identidad .

Ricardo Naranjo Los espacios físicos como parte de la construcción cultural y social de una comunidad .

. 106

. 108

Bayardo Cuenca La mujer en los procesos costumbristas .

110

Jorge Velarde Identidad y escenario urbano .

112

. 114

Lisa Torske Entre la problemática social y el imaginario urbano . Galo Chávez Esos lugares instaurados en la memoria .

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Paula Viteri Bucear en las profundidades de la existencia humana .

. .

116

. 118

El ancestralismo, simbología para descolonizar el pensamiento .

. 123

Ancestralismo y saberes

Milton Alajo Perfilar el mundo surrealista y mágico de las culturas primigenias . Édison Terán Arte insuflado desde lo más profundo del ser . Gandy Guerrero El imaginario insular de Galápagos .

124

. 126

. 128

Marco Terán Escenas atrapadas en un mundo surreal .

. 130

Renán Quilumba El secreto del conocimiento de los pueblos ancestrales .

132

Fiesta y música La fiesta y sus símbolos portadores de la identidad .

Cristian Guillén Las celebraciones amazónicas y su vínculo con lo sagrado .

. 137

. 138

Milton Alajo La puesta en escena de los mitos .

Rafael Gutiérrez Ciudad, identidad y tradiciones .

. 142

Édison Terán El rastro de la música y la fiesta .

. 144

140

Marvin Parrales La vida del pueblo en una mirada impresionista .

. 146

Bayardo Cuenca Encuentro con la cultura y la identidad .

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Los ríos culturales de la patria nos conducirán a la libertad de los hombres y de los pueblos. CRG

PRESENTACIÓN

scribimos esto de un modo inédito, en medio del confinamiento social y con un sentimiento generalizado de miedo al contagio. Ambas situaciones atentan contra uno de los pilares de la cultura: la creación artística, que es la comunicación, el contacto directo de sus actores con el público, el intercambio humano, cálido; todo aquello que le da sentido a la obra artística y cultural. A pesar de aquello, hay que continuar la labor, guardando la distancia social y haciendo nuestro trabajo de modo virtual para evitar una contaminación mayor y sus graves efectos en la salud. En estos momentos nuestra reflexión tiene un tópico específico: responder a la cuestión del papel de las culturas y las artes en días de pandemia. Hemos de intentar hacerlo recurriendo a las lecciones de la historia, situándonos en dos escenarios ligados entre sí: el planeta Tierra y nuestro país. La historia no se repite, pues refleja un permanente suceder de hechos, fenómenos y circunstancias, un inacabado proceso de cambios de condiciones. Sin embargo, hemos de comparar la pandemia de 1918 y la pandemia del 2020. Hace un siglo, en 1918, el planeta, la humanidad y el Ecuador padecieron la pandemia denominada ‘gripe española’, que empezó azotando a Estados Unidos, pasó a Europa y llegó al Ecuador en diciembre de 1918, principalmente a Guayaquil y Quito. En el mundo de entonces, tan diferente al actual, la ‘gripe española’ duró dos años causando graves estragos. Luego desapareció dejando unos 50 millones de muertos en todo el mundo. Por el contrario, actualmente los científicos pronostican que la Covid-19 tendrá una larga vida, cuyos impactos no pueden aún ser ponderados. En una visión retrospectiva afirmamos que el azote de 1918 fue como el preámbulo de la Gran Depresión de 1929, que duró cuatro años, hasta 1933. Terminada esa pandemia y superada la Gran Depresión en 1933, el mundo se abocó a la Segunda Guerra Mundial (1936–1944), precedida por la Guerra Civil Española, en 1936. A los tres procesos anotados se sumó un cuarto. En el periodo entre 1918 y 1944 se multiplicaron en el mundo los regímenes autoritarios, cuya expresión más trágica fue el nazi-fascismo en Europa Occidental. Además, entre guerras, el mundo se dividió en dos sistemas antagónicos: capitalista y socialista, y se agrandó la brecha entre los lla-

mados países ‘desarrollados’ y ‘subdesarrollados’, o ‘avanzados’ y ‘atrasados’. Por último, sucedieron numerosas revoluciones y luchas contra el colonialismo. En el Ecuador, la pandemia de la ‘gripe española’ llegó en diciembre de 1918 y se mantuvo ocasionando graves estragos hasta febrero de 1919. Probablemente causó unos 500 muertos a escala nacional. El sistema público de salud respondió con eficiencia liderado por el doctor Isidro Ayora, ciudadano destacado en la cátedra universitaria, la salud pública, la vida política, quien, poco más tarde, como Presidente de la República, trajo al Ecuador la Misión Kemmerer para organizar las cuentas nacionales, fundar el Banco Central y la Contraloría. La cultura jamás es ajena a las transformaciones que gravitan en una sociedad. A escala planetaria, en medio de los procesos de crisis reseñados, se experimentaron grandes cambios y aparecieron novedosas tendencias. En las artes plásticas, la poesía y el cine surgieron movimientos vanguardistas como el cubismo, impresionismo, futurismo, abstraccionismo, expresionismo, surrealismo. Hubo renovación estética y técnica en la arquitectura y la ingeniería. Surgió el realismo socialista que dejó sentada su huella en la plástica, el cine, la literatura, la danza y la música. En América Latina, el modernismo rompió la tradición en el arte y la creación, expresándose ante todo en la literatura con Rubén Darío. Nació el cine en blanco y negro, se ampliaron las comunicaciones radiales y el disco grabado en acetato popularizó las creaciones musicales. Entre nosotros, el modernismo tomó cuerpo con la generación de ‘Los Decapitados’, uno de cuyos destacados precursores fue Medardo Ángel Silva, y continuó con la irrupción del postmodernismo de ese inmenso poeta, Jorge Carrera Andrade. El realismo social innovó el relato literario. La pintura avanzó desde el cubismo hasta el indigenismo, sea romántico o vanguardista. Hubo abundante creación musical, de carácter académico y popular, destacándose los poetas y músicos del pasillo ecuatoriano. Se desarrolló el teatro en escena y el radio-teatro. Hubo un fenómeno con rasgos vanguardistas en la literatura, con Pablo Palacio y Humberto Salvador Guerra, sus dos exponentes más conocidos. Las crisis económica, productiva, financiera y de representación política en el Ecuador crearon las condiciones para la Revolución Juliana (1925-1931), que gestó la institucionalidad moderna del Estado. Proceso que culminó con la Revolución Gloriosa del 28 de mayo de 1944. Ambos sucesos contaron con la activa participación de artistas y creadores culturales vinculados a los sectores más progresistas de la sociedad. Este fue el gran contexto histórico para la creación de la Casa de la Cultura Ecuatoria-

na en agosto de 1944. Generalmente se relaciona la fundación de nuestra institución con la crisis de identidad nacional padecida por el Ecuador a raíz de la derrota militar ante el Perú en 1941 y el cercenamiento del territorio nacional. También se lo vincula con el reclamo político popular frente al régimen de Carlos Arroyo del Río y las prácticas del fraude electoral. Sin restar importancia a estos hechos históricos, creemos que la Casa de la Cultura Ecuatoriana fue el resultado de todo ese acumulado de energías que se inició mucho antes, en 1918, y culminó en 1944. Los personajes que estuvieron presentes en la vida pública nacional en ese agitado cuarto de siglo fueron, en muchos casos, los fundadores de la Casa de la Cultura Ecuatoriana. Los artistas, intelectuales, juristas, científicos y personas vinculadas con la ciencia y la cultura, de esa época de crisis, coincidieron en que la cultura debía tener un espacio institucional autónomo, de expresión y participación en el agitado devenir nacional, lo cual se plasmó en la fundación de la Casa de la Cultura Ecuatoriana, en agosto de 1944. Ahora bien, si en los años primigenios la Casa de la Cultura Ecuatoriana fue el hogar de ilustres intelectuales, artistas, juristas, científicos, entre otros, acogiéndoles con un manto de pluralidad ideológica y política gracias al carisma, respeto y afecto que emanaba de nuestro ilustre fundador, Benjamín Carrión, en las décadas posteriores, a partir de los años sesenta del pasado siglo, la CCE abrió sus puertas a los artistas, creadores y gestores culturales más bien vinculados con los sectores populares, cubriendo un espacio importante de relacionamiento de la cultura con las bases de la sociedad, y en los noventa, comprendió y actuó en el marco de un país diverso, una sociedad multiétnica y un Estado plurinacional. Llegamos así a estos días de pandemia y confinamiento social. Además, en un contexto de reducción drástica de los recursos fiscales para la educación y la cultura. Todo esto agravado por los impactos en la salud pública por la Covid-19 y el sufrimiento acaso traumático de miles de familias ecuatorianas. Por último, en un ambiente de desconcierto por la anomia en la vida política. Dos preguntas quedan planteadas para el debate: ¿qué papel le corresponde asumir a la Casa de la Cultura Ecuatoriana en tales circunstancias? De hogar de ilustres intelectuales y artistas, al inicio, a espacio de artistas, creadores y gestores culturales desde la base social, después, en estos tiempos de pandemia creemos que a la Casa de la Cultura Ecuatoriana le corresponde el papel de suscitador del pensamiento pluralista, crítico, que señale a la sociedad las coordenadas y los caminos de recuperación de la Patria Grande por su Cultura y Ancestros, que debe ser la base de una sociedad reno-

vada que ve en la crisis de la pandemia la oportunidad de buscar nuevos horizontes y un destino de justicia y equidad social. Por último, ¿cómo la Casa de la Cultura Ecuatoriana va a respaldar las creaciones artísticas y culturales que a corto plazo reflejarán los impactos emocionales y estéticos generados por la pandemia de la Covid-19? El debate está abierto. A esta interrogante hemos querido responder parcialmente con el proyecto que lo hemos denominado ‘Dibujando la Geografía de la Patria’, que nace de la Sede Nacional y sus 24 Núcleos Provinciales, y se vislumbra en la creación de artistas que reflejan su entorno, desde un territorio propio. Es por eso que plasman sus laberintos interiores, pero generados desde sus formas de percepción de la realidad. Estos artistas se han convertido en cronistas de su geografía y de su tiempo. Los ejes fundamentales de este proyecto son: · · · ·

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Dar respuesta a la paralización a las que nos condena la pandemia, y hacerlo no solo como Sede Nacional, sino coordinando la acción y presencia de los veinte y cuatro Núcleos Provinciales de la Casa de la Cultura. Movilizar a los artistas plásticos del país para que, seleccionados por cada uno los núcleos provinciales, integren la Galería Nacional Virtual Dibujando la Geografía de la Patria. Acercarnos y aprovechar la tecnología para, mediante la plataforma zoom, presentar semanalmente al artista de la correspondiente provincia de acuerdo al calendario establecido para tal efecto. Llegar a los hogares ecuatorianos con una actividad artística que ayude emocionalmente a aliviar los momentos de angustia y desconcierto, al ver la obra de su coterráneo y la de los otros artistas, ya que estas podrán ser admiradas en cada casa, en cada barrio, ciudad o provincia, en todo el país y el mundo, constituyéndose también en un aporte a la difusión nacional e internacional de nuestros creadores. Evaluar el desarrollo de la plástica en el país y su reacción ante la pandemia, al tener una visión global, nacional, con la participación de artistas de las veinte y cuatro provincias. Conocer a través de la plástica cuáles son las principales motivaciones o líneas argumentales de nuestros creadores, al ser sus lienzos y otros, los soportes donde se expresan sus sentimientos y emociones, así como criterios de su entorno social, político y económico, decir de su pueblo.

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Apoyar para que la ciudadanía se acerque al arte y así, ejercer sus derechos culturales. Con los conversatorios que se efectúan a posteriori de las inauguraciones formales, entre los Directores Provinciales de la CCE y los pintores y escultores que van participando en la Galería Nacional Virtual, se posibilita el conocimiento personal y de la obra, de las temáticas, materiales y técnicas que cada uno de los artistas utiliza, para finalmente establecer que muchas de las veces fueron como charlas teórico-prácticas, en las cuales los artistas jóvenes pudieron acceder al conocimiento y experiencia de los que tienen una mayor trayectoria y reconocimiento a su creación.

El presente análisis concretó algunos objetivos como difundir las creaciones artísticas contemporáneas del Ecuador, por medio de exposiciones virtuales, organizadas desde la Presidencia Nacional y curadas desde el Museo de Arte Moderno de la Casa Matriz, en coordinación con los Núcleos Provinciales de la Casa de la Cultura Ecuatoriana ‘Benjamín Carrión’ y con el Departamento de Comunicación Social de la Sede Nacional, así como brindar un espacio de sosiego y esperanza a los ciudadanos de Ecuador y el mundo, en momentos tan difíciles, por medio del arte; es decir, abrir una ventana para que el punto de encuentro sea el espíritu humano, por medio de sus creaciones. El basamento teórico de este análisis se sustenta en la Geografía Humana, en tanto es la ciencia que se encarga del estudio de las sociedades desde una perspectiva espacial, así como la relación entre estas sociedades con el medio físico en el que se desarrollan, además de los paisajes culturales y las regiones humanas que éstas constituyen, y está íntimamente relacionada con la Geografía Regional y la Ecología Humana que nos permiten despertar una conciencia de respecto y salvaguarda del ecosistema y la relación entre el ser humano con todo lo que existe. Los artistas plasman, a veces, una realidad hiriente que destella la irresponsabilidad de la especie humana con la naturaleza, donde aparece la tala indiscriminada de bosques, la contaminación de los ríos, la explotación irreflexiva de los recursos naturales, pero otras veces, una realidad diáfana, con esa maravilla que abraza los aspectos más sorprendentes de la sociedad: los usos festivos, los saberes ancestrales, el costumbrismo o la cotidianidad del ser humano, el paisaje natural y urbano que asombra y conmueve. A través de un discurso estético, este estudio nos permite conocer una geografía contada desde los autores, y conjuntamente con la geografía, plantear la historia,

no desde otros actores sociales que tienen intereses particulares. En esta Gran Galería de artistas ecuatorianos conoceremos el paisaje, con ríos, cascadas, páramos, sembríos, cosechas, nevados, frailejones, árboles, en pie, frondosos, vivos; pero también árboles talados, ríos corrompidos, naturaleza destruida. Así mismo, se observa la escuelita, la tienda del vecino, el barrio, la iglesia, las calles, las plazas, las fiestas, los diablo-umas, los danzantes, los toros y la banda de pueblo, las procesiones, la siembra, la cosecha, la preparación de los alimentos en la tulpa, el trabajo de las manos campesinas y artesanas como la alfarería y la textilería, las limpias, los ritos y la simbología de las culturas ancestrales, los conocimientos y saberes, los personajes mitológicos y festivos que forman parte de la vida y del imaginario de los pueblos, que están allí, para no morir, porque su naturaleza es la resistencia. Todo esto conforma la cosmovisión de los pueblos de Ecuador. El proyecto de la Galería Nacional Virtual ‘Dibujando la Geografía de la Patria’ nace con el fin de promocionar el trabajo de creadores, pintores, escultores reconocidos y jóvenes que han despuntado con fuerza artística en todas las provincias del país, quienes cuentan su historia y sus conceptos desde sus localidades geográficas. Van plasmando en el soporte la cosmovisión, tradiciones, mitos y representaciones simbólicas, pero también su entorno natural y arquitectónico. Su territorio es el que marca el concepto y la puesta en escena de toda la cultura y, por lo tanto, del arte. La geografía humana determina el comportamiento de las personas y sus acciones en la sociedad. Así como los aspectos de cultura que se delinean de acuerdo con el clima, la flora, la fauna, los elementos matéricos y producidos dentro de esa geografía. Gabriela Mistral lo dijo en el prólogo del libro Los creadores de la nueva América, de Benjamín Carrión, que el clima y la geografía son determinantes en el establecimiento de la historia de los pueblos. Por ejemplo, los frutos que da la tierra, es decir cómo se alimentan las sociedades, dependen del clima que está supeditado a la situación geográfica. Se diferencian las del trópico, con las de la sierra o las de la amazonía. De igual manera, la vestimenta dependerá del clima frío o cálido. Así como la arquitectura de las zonas, de los materiales que se encuentren en el entorno. Incluso ciertas enfermedades que son propias de ciertos climas. Es ahí cuando se establecen las formas de vida de los pueblos y con ello la alimentación, la vivienda, la vestimenta, el arte y la artesanía, pero también sus saberes, sus técnicas de agricultura, su relación con las divinidades y por lo tanto con su historia. Pero esta narrativa no obedece únicamente a las condiciones meteorológicas, sino también del clima social. Ese clima que rodea a las pueblos y ciudades, de acuerdo

con los acontecimientos que viven. Los artistas se convierten en cronistas de su tiempo, para narrar hechos como catástrofes naturales, problemas de pérdida de identidad de los pueblos y nacionalidades, problemas ecológicos en su hábitat natural, pero también denuncian hechos de corrupción, el abuso de los derechos humanos, así como los problemas sociales y del existencialismo humano. El arte político apareció como una forma de protesta y como una tendencia que marcaba la ideología del artista en su discurso estético. Posteriormente, aparece el arte con un contenido social manifiesto, denominado ‘artivismo’, que es un acrónimo formado por las palabras artista y activista. Esta tendencia apareció en los últimos años, en contra de la globalización y los conflictos armados. En muchos casos, tratan de empujar agendas políticas a través del arte, pero sin tanta fuerza como en el arte político. Además, a veces se encuentra involucrado en el arte urbano, que se manifiesta en contra de la publicidad y la sociedad de consumo. En todo caso, el artivismo tiene como propósito impulsar un cambio en la sociedad o protestar contra las decisiones políticas que afectan a la humanidad de forma directa o indirecta. El arte, en infinitas ocasiones, ha servido como plataforma y herramienta de expresión para realizar cambios importantes en la sociedad. En especial en tiempos donde la libertad está limitada, o cuando se busca la democracia, o se demanda el respeto a los derechos humanos. La represión ha provocado la necesidad de expresión; y el arte no solo es un proceso estético que permite la liberación del espíritu tanto en el creador como en los consumidores. El arte, con su discurso, puede mover las masas, para lograr un cambio, creando conciencia en todos los niveles de la sociedad. El arte siempre ha sido un referente de la historia de los pueblos, marcado por la meteorología, el clima y el ambiente social; es decir, responde a una geografía y a un proceso histórico. Este trabajo editorial permitirá que los ecuatorianos y ciudadanos del mundo accedan a esa geografía que va delineando el arte, que nos permite reconocernos como parte de una identidad, de una cultura, de un país y del planeta.

Camilo Restrepo Guzmán

Patricia Noriega Rivera

PRESDENTE NACIONAL DE LA CCE

DIRECTORA DE MUSEOS CCE

Naturaleza y paisaje No somos algo distinto, somos parte, somos la naturaleza misma. CRG

Paisajes y naturaleza, una impronta del arte

a naturaleza mantiene su importancia en la pintura actual, a pesar de haber cobrado un fuerte impulso en Europa del siglo XVIII, en lo que se denominó neoclasicismo y romanticismo, y en Ecuador en la mitad del siglo XIX. Siempre ha sido relacionada o acompañada con el carácter poético y en ella se mecen los conceptos de amor, intimismo afectivo y el disfrute de la vida. La visión de la naturaleza es armoniosa, apacible y no está vinculada con las temáticas mitológicas ni bíblicas. Es representada desde el realismo, el impresionismo y abstraccionismo. Uno de sus objetivos es ser lo más fiel posible a la naturaleza. Los artistas que la representan entienden el profundo respeto por lo natural, además de la confianza en la sabiduría de la naturaleza, la necesidad de imitarla y la estrecha relación que existe entre ella y el arte. En la Galería Nacional ‘Dibujando la Geografía de la Patria’, aparecen grandes exponentes de esta temática.

Portadilla de sección: Paisaje amazónico 2 (detalle), óleo sobre lienzo, Autor: Cristian Guillén.

Página anterior: Monte Cojitambo desde el Toray (detalle), óleo sobre lienzo Autor: Fausto Andrade Bautista.

G u i l l é n

La geografía maravillosa y milenaria de las nacionalidades amazónicas Vemos en Cristian Guillén el desarrollo de diferentes técnicas para usar su pincel y mostrar que no únicamente la pintura está para mostrar lo bello de los ríos, las lagunas, las montañas, la espesura de la selva, sino que, con su madurez artística, propone el despertar de una conciencia de salvaguarda del medio ambiente y la vida.

C r i s t i a n

Efrén Gómez DIRECTOR DEL NÚCLEO DE SUCUMBÍOS

La obra de Cristian Guillén, representante de la provincia de Sucumbíos, describe la geografía maravillosa y milenaria de las nacionalidades amazónicas. Su temática está relacionada con la naturaleza y la cultura; es decir, el entorno; pero también la cosmovisión, la forma de pensar y comportarse de los pueblos. Desde una perspectiva hiperrealista, plasma la naturaleza y el paisaje, donde la flora y la fauna silvestre aparecen como parte íntegra. A través de su arte, propone un despertar de la conciencia social y ecológica.

Paisaje Cuyabeno, óleo sobre lienzo

G a l o

C h á v e z

La visión armoniosa de la naturaleza

Galo Chávez presenta a la naturaleza en una forma mucho más fuerte y vívida que verla de frente. Pero no solo es un acto artístico, también es un acto militante en defensa del mundo, en defensa del agua, en defensa de nuestros páramos. Su obra es una simbiosis de aquello que somos, porque permite comprendernos a nosotros mismos como sociedad, en la diversidad, en la naturaleza, en ese ser abstracto que también somos, como resultado de un realismo mágico, que configura nuestro sentido social, pero también de acercarnos a un futuro diferente. Fernando Cerón DIRECTOR DEL NÚCLEO DE TUNGURAHUA

Galo Chávez Flores, artista ambateño, en su exposición ‘Luminiscencia mágica’, logra plasmar con su arte el sentimiento de la tierra, del agua, de las montañas, de la niebla, de los ríos, que para muchos es invisible o simplemente no existe. Pero Chávez sabe que la Tierra tiene vida, que es un todo, un ente con una esencia pura y que el ser humano no es más que una minúscula parte de ella. Algunas culturas la llaman Gaia, otras Urantia; en los andes, Pachamama, y le dotan de un ánima o espíritu porque es un ser vivo, del que formamos parte, porque la Tierra reacciona a procesos similares a un organismo viviente. En la cosmovisión andina, los sentimientos son de carácter cosmocéntrico y no antropocéntrico de control y dominación de la naturaleza. Para el ser andino, el hombre forma parte de un orden cósmico en la naturaleza y la sociedad. Para Chávez, no solamente el manejo de los pinceles, de los lápices, de las espátulas es lo fundamental, también es comprender que es un acto de amor. Un encuentro del hombre con la naturaleza, con la sensibilidad, la paz, la transparencia y la vida. Todo eso que entregan los ríos, las cascadas, las montañas. Es aprender del mundo exterior, de los volcanes, de su horizonte como un acto de amor.

En algún lugar, óleo sobre lienzo

Parque Nacional Sangay, óleo sobre lienzo

A n d r a d e F a u s t o 28

Tras las huellas de identidad ‘Tras las huellas de identidad’ es la muestra de Fausto Andrade Bautista, maestro destacado no solo en su pincel, creatividad y estilo propio, sino por su calidad humana y su sencillez. Ha dejado testimonio de su tierra amada, en un vínculo profundo con el ancestro cañari. Se ha apropiado con maestría de los monumentos, barrios, casas que quizá ya no están en pie, pero que son rescatados y revalorizados en la obra de Andrade Bautista.

Édgar Palomeque DIRECTOR DEL NÚCLEO DE CAÑAR

Fausto Andrade Bautista, representante del Núcleo de Cañar, explora los escenarios de un territorio antiguo, lleno de paisajes y vivencias. Su obra indaga cada rincón, donde el color, la textura y la forma tejen la vida. Busca los caminos que lo llevan a encontrarse con lo sagrado de la naturaleza, para retratar la historia y con ella, a los personajes que pasaron por esas casas antiguas, que construyen también la identidad, junto a las costumbres y tradiciones que se eternizan en la mirada. Evoluciona en la frescura del color y el dibujo desde el espíritu de la naturaleza para abstraer las formas mediante el contraste. Así dimensiona el expresionismo de pincelada pastosa, busca la vibración del color con aguadas que semejan esfumados y veladuras, creando formas para ilustrar los símbolos de la identidad.

Armonía rural,óleo sobre lienzo

G u e r r e r o G a n d y 30

Un mundo de luz, de color, de magia en equilibrio con la naturaleza He vivido mucho tiempo en Galápagos y he seguido el arte de Gandy. Él es un investigador no solo en las artes, sino en la sinergia visual, en el rescate de las costumbres galapagueñas, que llegan por la afluencia nacional e internacional. Esto le da los primeros pasos para empezar a investigar y a autodescubrirse en el dibujo. Y al final encuentra lo que es él y su entorno. Gandy dibuja a Galápagos, pero con la influencia de la danza, y lo funde con la eclosión del Iguano. Lo convierte en un personaje que danza, que suena, que tiene color y que es un gestor y un maestro.

Magno Bennet DIRECTOR DEL NÚCLEO DE GALÁPAGOS

La exposición ‘Iguanos’, de Gandy Guerrero, representante de la provincia de Galápagos, aparece con una fuerza inusual. Emerge de las profundidades del ser y de un intento de autodefinirse como parte íntegra de la natura. El animal y el humano, que son representados en el hábitat más hermoso y mágico de nuestro país. Un trabajo hondamente analizado y tratado con sutileza. La colorimetría, el manejo de la forma y la composición están perfectamente logradas con imágenes dinámicas, no estáticas, que convocan a escuchar la música y el sonido del mar y a mirar el movimiento de la danza y las olas. Gandy invita a extasiarse en un mundo de luz, de color, de magia que produce ese equilibrio de la naturaleza, que es la armonía de la vida, entre el pasado, el presente y el futuro. Solo su imaginación ha sabido captar estas figuras que son un llamado reverente hacia la naturaleza, donde todos los seres viven en armonía, en las mágicas islas encantadas.

Iguano, acrílico sobre lienzo.

Tortugas marinas, de la serie Galápagos, acrílico sobre lienzo.

A l v a r a d o

El lenguaje conciliador con la madre naturaleza y el ser social Manolo Alvarado deja plantado su sello de la naturaleza, de su técnica con postura crítica y lenguaje conciliador con la madre naturaleza y el ser social. En estos tiempos en que las luchas se han tronado más necesarias, el arte asume su rol protagónico en todas las plataformas de emancipación y aún más tratándose de la defensa de nuestro entorno. Desde este contexto, el pintor nos comparte la sabiduría de la naturaleza, y su realidad frente a los acontecimientos vergonzosos que ocurren en nuestra amazonía. Evidenciando las experiencias y la dinámica de supervivencia de los pueblos y nacionalidades que con frecuencia enfrentan la pérdida de su cultura y tradiciones, el irrespeto a sus derechos y la contaminación ambiental.

M a n o l o

Nicolás Paucar DIRECTOR DEL NÚCLEO DE ORELLANA

Manolo Alvarado, representante de la provincia de Orellana, se sumerge en la espesura de la selva para emerger con sus colores vivos, con la flora y fauna circundante, donde aparecen plantas, árboles, insectos, ríos y cascadas. Esos seres que vibran energéticamente con su propia ánima. La vida bulle en la selva y el hombre de monte lo sabe, comprende que él y la selva son uno solo y entiende que dentro de la tierra está su espíritu. Por eso el hombre amazónico cuida su casa como su tesoro más preciado. Desde el realismo, Manolo Alvarado realiza su propuesta creativa, para desentrañar la maravilla de la selva.

Laguna, óleo sobre lienzo

Profunda, óleo sobre lienzo

S e v i l l a

Líneas, formas y colores para traducir la historia, la vida, la espiritualidad latente… Alex Sevilla, un sucuence, un moronence, es un artista que pugna por colorear la geografía amazónica representada en Morona Santiago, en una naciente obra de líneas, formas y colores, que pretende traducir la historia, la vida, la espiritualidad latente tanto en el alma humana como en la energía vital del corazón de la naturaleza geográfica, la filosofía de vida, reminiscencias culturales y el camino que recorren hombres y mujeres de la amazonía, cumpliendo sus propósitos de vida que, en interdependencia con la naturaleza y en el espacio cósmico, caminan y trajinan para dar más color, más vida y más resplandor a la naturaleza.

A l e x

Juan Merino DIRECTOR DEL NÚCLEO DE MORONA SANTIAGO

Alex Sevilla enfatiza su arte en la plurinacionalidad, pero también en la naturaleza como parte medular de la identidad de los pueblos amazónicos. La caña guadúa, ese material que provee de techo y abrigo a los habitantes locales, metafóricamente se enlaza con la personalidad macabea. Con la fuerza de la selva, con el corazón erigido de una cultura que se resiste a desaparecer.

Guadual, mixta sobre lienzo

Paisaje, mixta sobre lienzo

Pintura ecológica Naturaleza, fuente de vida, sabiduría y espiritualidad, cuidar su equilibrio es un acto de amor y de supervivencia. CRG

La denuncia ecológica desde el arte

on el pasar del tiempo, con el advenimiento de la tecnología y con la intensión de dominio de la naturaleza, el hombre pierde su sentido de respeto y empieza a desarrollar su razón instrumental. Con la idea de progreso, empieza la destrucción de la naturaleza. Y comienza a ser abordada desde lo tempestuoso del mar y su cualidad salvaje o desde la denuncia del maltrato a los animales, por medio de la cacería, la invasión de la industria cauchera, maderera, petrolera, minera y, por consiguiente, la destrucción del ecosistema. La naturaleza deja de ser representada bella y cobra inicio un proceso de denuncia ecológica donde se defienden no sólo la flora y la fauna, sino también la condición humana en su entorno cultural.

Portadilla de sección: Confrontación (detalle), Plásdil (plástico diluido) sobre lona, Autor: Danny Narváez.

Página anterior: Réquiem para un bosque (detalle), óleo sobre lienzo Autor: Estela Lima.

Q u i l u m b a R e n á n 40

Un grito desesperado en defensa de la identidad El compañero Renán Quilumba es un artista lleno de propuestas estéticas, pero también propuestas en territorio, porque desarrolla un trabajo importante con los jóvenes. Gracias a su obra podemos difundir la tierra amazónica, la riqueza, la cosmovisión, los pueblos ancestrales, los paisajes de la Pachamama. Son obras que emocionan, porque permiten descubrir y escuchar ese grito desesperado de la amazonía en su defensa.

Jilma Yumbo DIRECTORA DEL NÚCLEO DE NAPO

En la Galería Nacional Virtual, el ‘Despertar Amazónico’ de Renán Quilumba, artista representante del Núcleo de Napo, presentó una muestra llena de simbología milenaria que, abrazada por el espíritu de la selva, grita y explota pletórica de contenidos míticos. Las técnicas usadas, acrílico, óleo o mixta, son las que envuelven el temperamento del artista al momento de denunciar el maltrato a la madre naturaleza o al momento de narrar la cotidianidad de los seres que la pueblan: hombres waoranis, kichwas o mestizos en sus procesos de pesca, o simplemente demostrando sus sentimientos más sublimes como el amor, la ternura, la alegría. En su representación semiótica, Quilumba usa los códigos de las culturas amazónicas, esos íconos que denotan que siguen vivas, que a pesar de la intromisión punzante de Occidente, gritan desesperados por salvaguardar su identidad, su ecosistema y su vida. Quilumba trae luces y trazos. Refleja la vida de los pueblos ancestrales. Habla de hombres y mujeres originarios, de sus pensamientos, valores y saberes. Se imbrica en la identidad de la Amazonía y siente las amenazas a las que ha sido expuesta, como la explotación del petróleo que sembró sangre y dolor.

Prisionero, óleo sobre lienzoa

El pájaro de mi abuelo, acrílico sobre tela

N a r v á e z D a n n y 42

Trazos con un precepto ambientalista y cultural Danny Narváez es un artista de origen humilde, pero con una grandeza intelectual, pues ha desarrollado sus potencialidades, encontrando materiales nuevos para plasmar sus formas, sus líneas, sus diseños y su capacidad de expresión. Nos representa con dignidad y mucha altura a la provincia de El Oro. Luis Serrano DIRECTOR DEL NÚCLEO DE EL ORO

La propuesta de Danny Narváez, artista representante del Núcleo de El Oro, además de utilizar una técnica novedosa e importante, como es el plástico diluido o plásdil, está enmarcada en una única perspectiva que es despertar la conciencia de cambio de actitud, con un precepto ambientalista y cultural. La maestría con la que maneja la técnica, el dibujo, la forma, el color, el claroscuro y su estilo es indiscutible. Su sensibilidad permite comprender su postura frente a la indiferencia ecológica de un sistema capitalista que únicamente vela por sus intereses económicos. La fuerza creadora de Narváez radica en la naturaleza y su defensa, pero también en la salvaguarda de los pueblos que la habitan. Pinta a los waoranis, sus modos de vida, y es su grito desesperado por preservar su cultura y su entorno.

Madre Naturaleza, plásdil (plástico diluido) sobre lona

L i m a

El canto del asombro de la naturaleza envuelto en un vestigio de dolor Estela ha dedicado gran parte de su vida y de su creación a la provincia de Santa Elena. Es una artista emprendedora y soñadora. En su exposición ‘Fragmentos’ nos muestra todo su conocimiento, pero sobre todo su fe. Nos transmite todo su bagaje de pensamiento, pues plasma un mensaje ambiental de rescate a la naturaleza. Pinta árboles talados, destruidos, incendiados, pero siempre se observa el color verde, que representa la esperanza de un mundo mejor.

E s t e l a

Félix Lavayen DIRECTOR DEL NÚCLEO DE SANTA ELENA

A través de su obra neofigurativa, con principios potentes en el neocubismo, Estela Lima, representante del Núcleo de Santa Elena, crea para vivificarnos, para abrumarnos de luz. Porque incluso cuando pinta en gamas ocres o tierras, no lo hace para extenuar, sino para avivar. O, a pesar de que el concepto sea de denuncia y destrucción, encontramos luminosidad y una promesa de predestinación y esperanza en la recuperación de la naturaleza. Toda su creación tiene la evidencia del canto del asombro de la naturaleza, envuelto en un vestigio doloroso de destrucción y fragmentación. Estela crea con pasión y angustia, muestra la destrucción y la barbarie del hombre sobre la naturaleza. En su obra se halla la esencia cultural de Guayaquil y Santa Elena, ya que es una heredera de la cultura Valdivia con sus figurillas conocidas como las Venus. Es esa fuerza, que viene desde la historia, la que hace sensible a Piedad Estela Lima.

Menos verde más verde y ahora qué, óleo sobre lienzo

B e t a n c o u r t J o r g e 46

La Amazonía, fuente de vida Su propuesta dibujística y pictórica es muy sobria. El entorno natural y la figura coexisten y dan énfasis al desnudo femenino, como una forma de reinterpretar al cuerpo de la mujer, en el contexto cultural actual, normalmente visto como un objeto de placer, de consumo o de reproducción. Mediante el empleo dinámico de la línea y la textura, Jorge enfatiza las formas sutiles no con el ánimo de reproducir deleite o crear belleza, sino de reflexionar sobre el sitial que debe ocupar la mujer en los escenarios contemporáneos.

Anabel Rodríguez DIRECTORA DEL NÚCLEO DE ZAMORA

Para Jorge Betancourt, representante de la provincia de Zamora Chinchipe, la Amazonía es fuente de vida. Millones de seres y de especies comparten esta morada. Se relaciona íntimamente con la selva y ella le otorga su sensibilidad. El artista entiende los sueños de sus habitantes, así como de sus tradiciones y sus dioses, en especial de Arútam, el espíritu protector, la deidad máxima de la cultura shuar. Este conocimiento milenario le permite plasmar con libertad todo su arte. La obra de Jorge Betancourt permite que el espectador se sumerja en el sonido de la selva y se meza en su universo dinámico de color y formas, donde se entrecruzan águilas, tucanes, loros, jaguares, tigrillos, caimanes, osos y serpientes que tienen una representación simbólica profunda en la sabiduría de los pueblos amazónicos. Estos seres que también están en peligro de extinción, debido a la depredación de la selva.

Sin título, mixta sobre lienzo Serie: Indómita Amazonía

M o r a l e s M i l t o n 48

Entre el hábitat y las raíces de un país pluricultural Milton Morales hace referencia a la conservación del planeta como único refugio de la vida. En ella refleja escenarios sustraídos de la realidad y las leyendas, pues los paisajes y los personajes abordan la vida ancestral de esta comunidad. Utiliza técnicas como el acrílico, el óleo, la técnica mixta y las acuarelas, para mostrar la dinámica de su pincel y plasmar el surrealismo y el impresionismo.

Magno Marquínez DIRECTOR DEL NÚCLEO DE SANTO DOMINGO

Para un artista de la sabiduría y la naturaleza (milenarismo y biósfera en asociación única) como Milton Morales, representante de la provincia de Santo Domingo de los Tsáchilas, la comunicación entre el hábitat y las varias raíces de un país pluricultural se constituye en su objetivo creativo esencial. Una obra llena de matiz y composición. Parecería que los colores abruman al maestro y él los trastoca, para convertirlos en imágenes impecables, cargadas de fuerza y de una propuesta nuclear de salvaguarda de la naturaleza y de la identidad cultural. En todas sus obras se observa la contradicción entre la belleza de la naturaleza, de los montes, del agua de los ríos y cascadas, pero también la devastación de la tierra, la explotación minera y petrolera, así como la deforestación y contaminación del ambiente.

Preservación, óleo sobre tela

Serie devastación, acrílico sobre lienzo, Serie: Devastación

i l l e s c a s H e r n á n 50

La complicidad humana en la destrucción de la naturaleza Hernán Illescas, artista riguroso y sensitivo, conjuga su esencia figurativa y abstracta con una tendencia expresionista. Evoca diversos mundos atravesados por la belleza, pero también por la denuncia, con un espíritu propio que grita, que nos convence de la complicidad humana en la destrucción de la naturaleza.

Hernán Illescas encuentra equilibrio entre la estática y el movimiento, entre la luz y la sombra, entre el color y la forma. La obra de Illescas evoca diversos mundos atravesados por la belleza, pero también por la denuncia, con un espíritu propio que grita, que nos convence de la complicidad humana en la destrucción de la naturaleza. Sus obras se hacen carne con el observador. Es cuando atravesamos la conciencia ecológica y entendemos que el calentamiento global, la deforestación, el efecto invernadero, la desinformación virtual que caotiza el sentido, la contaminación, la migración son los hilos que se alargan de la irresponsabilidad humana. Temas que son abrazados en una simbología apocalíptica.

Serie del Calentamiento Global Incierto Océano, acrílico sobre lienzo

La soberbia del deseo desata mares, acrílico sobre lienzo

S a n t o s

Un mensaje de rescate a la naturaleza El artista plástico ecuatoriano Robert Santos, artista polifacético quinindeño, tiene 20 años de trayectoria en el arte. Es gestor cultural y actual director de la Casa de la Cultura Benjamín Carrión extensión Quinindé. Presenta su exposición ‘Viviendo la pandemia’, como un proceso de reivindicación de la vida y como defensa del hábitat y de los animales silvestres.

R o b e r t

Yurqui Minota DIRECTOR DEL NÚCLEO DE ESMERALDAS

La obra de Robert Santos irrumpe la atmósfera de su provincia Esmeraldas, para llevar un mensaje de rescate a la naturaleza y con ella a la flora y a la fauna. Utiliza trazos potentes y colores fuertes para representar a los animales que están en peligro de extinción, pero lo hace sobre soportes reciclados, como una herramienta potente de un grito de auxilio. Su tendencia expresionista recoge la belleza de los seres que pueblan el hábitat del litoral y pone de manifiesto la inconformidad del ser, ante la destrucción del medio ambiente.

S/Ts, mixta

Mujer Mujer, belleza, fecundidad, amor, ternura, sobre todo, dueña de derechos. CRG

La figura de la mujer en el arte y en el tiempo

a figura de la mujer ha sido representada a través del tiempo y del espacio, en diferentes roles. En nuestro país, desde épocas precolombinas, con las figurillas de Valdivia, se ha podido mirar en la mujer su importancia y sublimidad por ser considerada como una diosa, por la sutileza de su figura, por su inteligencia, ternura y sabiduría y por la posibilidad maravillosa de la fecundidad. Esto ha permitido que sea relacionada con la madre naturaleza. Ya luego, en la época de la Colonia, aparecen las vírgenes, las santas, en un rol de perfección y ascetismo, tanto en pintura como en escultura. Surgen alegorías de la mujer, como es el caso de la Fe, la Virtud o la Libertad. Después, en la época de la modernidad, con la mitología, el retrato, pero también con una nueva visión, relacionada también con la moralidad, el vicio, el pecado. El desnudo de la mujer aparece bastante más sugerente con cierta carga de erotismo, imagen de la belleza que chocaba bastante con la moralidad religiosa. Pero para que sea una mujer desnuda y nada más, todavía tendrá que pasar algún tiempo. Hasta la llegada de las Vanguardias, aquí el cuerpo desnudo de la mujer destila sexualidad a veces descarnadamente. Sirve como denuncia, y, otras, es una provocación directa; todo relacionado con los cambios que se van produciendo en la sociedad con respecto al papel de la mujer y la relación que empieza a desarrollar con su propio cuerpo.

Portadilla de sección: S.T. (detalle), mixta sobre lienzo, Autor: Jorge Betancourt, Serie: Zamora, desnudos & Naturaleza.

Página anterior: Ceremonia Secreta (detalle), acrílico sobre tela, Autor: Marco Terán.

C u e n c a B a y a r d o 58

La mujer a través del tiempo Bayardo Cuenca destaca la profundidad y la claridad de su talento. Al escuchar su nombre en Loja, nos convoca a pensar en la escultura lojana. En una relación tan estrecha pero brillante por toda aquella contribución de su creación y de su trabajo. La obra de Bayardo es la síntesis de varios aspectos: lo que hemos heredado de los tiempos, a través de la arcilla con la que trabaja, a través del contenido con el que presenta, a través del mensaje que nos expresa en cada una de sus obras, pero también es una contribución para el futuro, porque con cada una de sus creaciones, va dejando huellas para los tiempos venideros y para las generaciones que sabrán respetar y valorar cada una de sus creaciones. Diego Naranjo DIRECTOR DEL NÚCLEO DE LOJA

La obra tridimensional de Bayardo Cuenca, artista lojano, modela la maleable esencia de los cuatro elementos, y con sutil habilidad le da vida a la idea. Construye con magistral expresión para llegar a la creación y la policromía de diversas representaciones de la mujer robusta, como signo de la sutileza y la fuerza de la vida. Las obras de Bayardo Cuenca son creatividad pura. Su destreza se fundamenta en el manejo de los volúmenes y en el conocimiento de la anatomía humana.

S/T, Cerámica policromada

B e t a n c o u r t J o r g e 60

La mujer como fuente de vida A lo largo de la historia, la representación de la mujer en el arte ha ido cambiando, dependiendo de las creencias y valores de cada época y de cada geografía.

En la Galería Nacional Virtual, la presencia de la mujer es mágica y reivindicativa. Podemos observarla desde una perspectiva mística en Híbridos bestiario del artista de Zamora Chinchipe Jorge Betancourt. Su figura serena y diáfana es la que domina a las bestias de la naturaleza. Pero también se mimetiza con los lugares exóticos y poderosos como cascadas, ríos, árboles gigantes. Así mismo, la mujer aparece como un ser antropozoomorfo, que habla de la mitología ancestral de su pueblo y reivindica su presencia en la sociedad. Jorge Betancourt plasma con libertad a la mujer como fuente de vida, como la Amazonía misma, en la que conviven millones de especies en la misma morada.

S.T., óleo sobre lienzo, Serie: Híbridos Bestiario

T e r á n

La mujer travesea en un mundo surreal, diáfana, sensorial y enérgica Marco Terán conmueve a la inteligencia y a la sensibilidad. Inscrito en una corriente que oscila entre lo real maravilloso, el surrealismo y una impetuosa adhesión a nuestras raíces primigenias, a lo ancestral, todo su potencial creativo cobra fuerza y vigor en esas imágenes multicolores, en esas cabelleras policromadas, en esa naturaleza abrupta y fecunda, en esas máscaras rescatadas de episodios que reposan en el cofre magnificente de sus recuerdos. Esos santuarios ocultos que brotan de su fuerza creadora que se desborda en el lienzo.

M a r c o

Luis Revelo DIRECTOR NÚCLEO DE IMBABURA

El artista imbabureño Marco Terán maneja una simbología que trasciende la simple representación, porque propone, retrotrae, traslada hacia la raigambre de la cultura ancestral. La mujer travesea en un mundo surreal, aparece diáfana, sensorial y enérgica. Habita la morada andina y recuerda su importancia dinamizadora y ferviente en la cercanía con la divinidad. Reminiscencia del ser, sin tregua, que agudiza en la memoria el concepto de que el cuerpo también es un santuario. Con las obras de Terán, llega a bocanadas el olor dulce de la caña que nos convoca a escuchar la música de los hombres y mujeres afros que alegran el espíritu. A través de un manejo extraordinario de la luz, el color, las formas y el volumen, plasma a la mujer en un entorno de flora y fauna, simbolismos que dan vida a esta rica y creativa obra. Sus pinturas componen un gran collage del universo que vive en su imaginación como fuerza vital, que sale para posicionarse en los bastidores para siempre y por siempre, como la presencia universal de Leónidas Proaño.

Querubín, acrílico sobre tela

S a n t o s R o b e r 64

La mujer como impronta de expresividad Una obra fresca, viva, llena de movimiento y expresividad, en base a la línea del dibujo y el color.

El artista Robert Santos, representante de la provincia de Esmeraldas, crea con libertad. Presenta una obra fresca, viva, llena de movimiento y expresividad, en base a la línea del dibujo y el color, creaciones plásticas de contornos definidos que manifiestan la sensación volumétrica, tridimensional, detallista y minuciosa en cada obra. Sus pinceladas y trazos dejan una impronta personalizada que se transparenta en el manejo de una generosa paleta cromática que nos recuerda a los artistas de influencia neoexpresionista. Su representación de la mujer, con su rostro impecable o en sus diversas facetas, es una temática recurrente.

Madre, téctnica mixta

S/T, téctnica mixta

Problemática social y existencialismo Los grandes males e injusticias de la humanidad solo pueden superarse con una nueva y solidaria sociedad, empecemos a construirla. CRG

El artista, un sujeto social

n América Latina, a partir de los años sesenta, el arte deja de describirse en términos fenomenológicos o superficiales. El artista es también un sujeto social marcado por diferencias económicas, étnicas, sexuales, etc. También, por la presión de movimientos sociales diversos como los feministas, la política de la homosexualidad, los derechos civiles y el multiculturalismo, desarrollos que promueven una serie de desplazamientos en la ubicación del arte, hasta el punto que no pocos artistas y críticos tratan estados como el deseo, la enfermedad, el hambre, la pobreza, la corrupción, la injusticia. Es desde entonces que el artista tiene la posibilidad de ejecutar obras que enrumben posibles soluciones a los problemas de género, etnia o clase social; así como realizar críticas a la institución del arte, al mundo capitalista, y reflexionar sobre el activismo, o sobre temas como la familia o el envejecimiento, o aprender y vivir una cultura y lengua distintas. En la Galería Nacional Virtual varios artistas pintan la geografía de esta patria, también en esta temática.

Portadilla de sección: Indigente (detalle), grabado Agua Fuerte, Autor: Paula Viteri.

Página anterior: Circuitos de pandemia (detalle), acrílico sobre lienzo, Autor: Hernán Illescas.

L i s a

T o r s k e

Un canto de ternura a la vida

Hablar del mundo de Lisa Torske es hablar de un mundo maravilloso, donde la magia se expresa a través de los ojos de sus personajes. Es una obra que debe verse, analizarse, descubrirse en todos sus aspectos estéticos y simbólicos. Lisa levanta su arte para expresarnos con fuerza su inconformidad con la situación dolorosa de las niñas y la mujer. A pesar del duro mensaje, propone un canto de ternura a la vida. Luis Chávez DIRECTOR DEL NÚCLEO DE BOLÍVAR

La artista Lisa Torske, representante de la provincia de Bolívar, crea con sensibilidad y maestría su obra. Nos narra un escenario de denuncia, complejo, que sacude, porque acusa la problemática social que se vive en nuestro país y el mundo. Pero lo hace en medio de una simbología genuina, llena de ternura y magia, en escenarios surrealistas. Las representaciones sociales depositan sobre el cuerpo de la mujer y sus roles de feminidad, un discurso concreto relacionado con el simbolismo general de la sociedad. Y plantea su temática desde la realidad social: el 60,6% de las mujeres en Ecuador ha vivido algún tipo de violencia. Una de cada cuatro mujeres ha vivido violencia sexual, y los datos del INEC a 2019 indican que 51.711 nacidos vivos fueron de mujeres adolescentes, entre ellas mujeres niñas de 10 a 14 años. Es por medio de su sensibilidad y conocimiento de la realidad social de nuestro país y su sociedad, que Lisa levanta su arte para expresarnos su inconformidad con la problemática principalmente de las niñas y la mujer.

La Virgen, acrílico y grafito sobre papel de algodón

La Virgen de las Perras y las Zorras, acrílico y collage sobre papel de algodón

J o r g e

V e l a r d e

El mundo desde una visión aguda

Posee una gran originalidad a prueba de espanto y con un solo ingrediente que es su mirada a través de su entrañable fisonomía. Esta opción resulta formidable porque es económica, sin dejar de ser profunda y reveladora. Además, viene acompañada de ese otro ingrediente que permite enfrentar la realidad con la porción adecuada de coraje y resolución, llamado humor. Hay tantas clases de humor y Jorge apela a todas. Sus alocadas perspectivas, sus agudas observaciones del mundo, de sus taras y virtudes, no se apreciarían tan bien, de no ser por su acertada composición formal y cromática. Ahí se observa al maestro en toda la acepción de la palabra. Fernando Naranjo DIRECTOR DEL NÚCLEO DE EL GUAYAS

Jorge Velarde, gran artista guayaquileño, desde su particularidad estética, analiza la ciudad y la vida de los transeúntes, descubre una anomia en el proceder humano, un desencanto que se produce por la explosión tecnológica, en la modernidad abrumadora. El hombre está absorto en la ciudad, no halla sosiego. Se somete a una crisis de su propia existencia. Tiene un lenguaje plástico propio. Desde el inicio, su obra se fundamenta en los conceptos sociales. Sus creaciones se cimentan con códigos elaborados a partir de su vivencia en la urbe y la reinterpretación de las obras creadas en sus etapas anteriores. Su magnífica y sublime obra lo ubica entre los mejores de su tiempo, afianzando y consolidando su arte en el mundo de la plástica universal. Es que Velarde es un creador genuino, pero no es un creador individual. Logró cohesionar a un grupo de artistas en lo que se denomina ‘Arte Factoría’. Siempre atentos a la realidad de la ciudad de Guayaquil, a las huellas que quedan en la urbe, que se van tejiendo con la red de acontecimientos humanos. Dando luz, color y sombra a las transformaciones visibles o imperceptibles. Esa es la metamorfosis de la memoria que plantea el autor.

Autorretrato como betunero (2018), óleo sobre lienzo

S/T (2018), óleo sobre cartulina

I s r a e l

V i n c e s

Un viaje a la pleura más íntima

Es enamorado de la tierra, de la naturaleza, de la cultura, de nuestra gente. Es además cuestionador con las cosas que sufre el mundo. Ha incursionado en varias técnicas tanto tradicionales como inventadas por él mismo. De igual manera con los estilos, ha planteado el suyo en el dibujo, por medio de la mancha, de esa pincelada gruesa, del color, como queriendo capturar el instante de la luz. Es dueño de una extensa paleta con una amplia valoración tonal. Define la cromática o la atmósfera térmica, es decir, elige si utiliza colores cálidos o fríos, según su estado de ánimo. Su medio predilecto es el acrílico, y desde aquí nos lleva a los diferentes estados de la mente, poniendo en el realismo conceptos metafísicos, aspectos escondidos o maquillados. Israel Vinces siempre prefiere la piel, para encontrarnos en sus obras como humanos.

Wagner Tello DIRECTOR DEL NÚCLEO DE PASTAZA

Exploración en el subconsciente, en una especie de viaje a la pleura más íntima, es lo que muestra ‘Travesías conceptuales’, del artista Israel Vinces, de la provincia de Pastaza. En esta obra se mira concepto y propuesta espiritual en una tendencia expresionista y surrealista que asombra y conmueve. ‘Travesías conceptuales’ está abrazada por los temores, soledades, angustias, desapegos; es decir, por todos los demonios posibles que permiten que el artista haga crisis y procree obras con una fuerza única. Es que Israel Vinces se deja atrapar por el espíritu del arte, se deja seducir, pero también encuentra una salida. Se mira a sí mismo, se halla, y plasma ese sentimiento profundo y angustiante sobre el soporte, con rigor y disciplina. Y habla de la locura, de la corrupción, de la desidia, de la pandemia, del encierro, desde una perspectiva intimista y con una posibilidad de encuentro con el ser. Su paleta está acompañada de musicalidad. Desde su juventud, se expresa en sus obras con dureza y fuerza. Narra tiempos de pandemias. No solo de salud por el Covid 19, sino la pandemia de la destrucción del ecosistema y de la corrupción, de la deshumanización y de la falta de ética.

Bolsón Naro, acrílico sobre lienzo

Emergencia no programada, acrílico sobre lienzo

A l v a r a d o M a n o l o 76

La desaparición y el genocidio en el ojo del artista La selva llora la muerte de sus hijos y el artista plasma en el lienzo la desazón de vida.

Manolo Alvarado también aborda magníficamente los problemas culturales de los pueblos amazónicos ante su desaparición y genocidio. La selva llora la muerte de sus hijos y el artista plasma en el lienzo la desazón de vida. Es inminente el exterminio del hombre de la selva por la lucha en mano propia de problemas intratribales por la defensa de su suelo, por la violación de los derechos humanos y de la tierra por parte de las petroleras y mineras, o por la pandemia que azota al mundo entero; sin embargo, ante la problemática social, se encuentra como salida la sabiduría de los mismos pueblos que se resisten a eclipsarse.

Me curo con la Tierra, mixta óleo y acrílico sobre lienzo

Hombre herido, tinta y carbón

I l l e s c a s H e r n á n 78

Representación simbólica: eternidad, memoria, denuncia o sinfonía La disciplina del arte, la perseverancia, la búsqueda de la verdad por el arte, por la expresión del símbolo, es el camino que utilizo para plasmar mi obra. El entorno imaginario que me rodea de los diferentes lugares del mundo, me da la motivación para la creación de mis proyectos artísticos, con los que he recorrido caminos largos, encontrando cruces, enfrentando cantos de sirena, sobreviviendo a la llamada ancestral para, en un momento dado, enfrentarme a la esfinge y reconocer que frente a ella no hay respuestas, solamente nuevas preguntas. Las respuestas están en mis lienzos plasmados, establecidas físicamente en las puertas del laberinto. Hernán Illescas ARTISTA CUENCANO

En la propuesta artística de Hernán Illescas, la representación simbólica está presente. Tanto en temáticas de denuncia, pero también de las que hablan de la libertad, la eternidad y la memoria, o de la sinfonía, el cuerpo y la fiesta, para disfrutar de una memoria llena de sabiduría. El conocimiento y sensibilidad de Hernán nos permite interiorizar y comprender que el ser humano tiene la posibilidad de crear, pero también de destruir. Su arte nos convoca y nos permite fluir en sus mundos simbólicos. Pero también nos lleva a la reflexión sobre los acontecimientos actuales que azotan al mundo, el abuso del poder, la corrupción y el problema de salubridad actual, que nos limita al encierro, al desapego, a esconder nuestro rostro con una máscara que será lo único que nos salve de la muerte. Una simbología potente, manejada con extrema sutileza, nos despierta y nos abraza para pensar lo que somos y lo que seremos, si no somos conscientes con el entorno y con nuestra propia vida.

Fuimos barricada, acrílico sobre lienzo

N a r a n j o R i c a r d o 80

La dimensión de la espiritualidad Una muestra costumbrista, donde nos permite adentrarnos a las sensaciones, al paisaje de Babahoyo, de la provincia de los Ríos y de otros lugares de la patria. Ricardo tiene una gran sensibilidad por la cultura, pero especialmente por la ecología, por las plantas, por las ramas, por los árboles, por los ríos, por las balsas, por nuestros cerros y montañas, por todo aquello que signifique naturaleza, que es el sentimiento montubio. Es uno de los artistas que expresan a través del impresionismo y cubismo los valores ancestrales y espirituales de su cultura montubia. Julio León DIRECTOR DEL NÚCLEO DE LOS RÍOS

La espiritualidad es una dimensión constante que encontramos en el arte de todas las épocas. Se plasma en el ámbito de la pintura abstracta y el expresionismo. A través del análisis del contexto y los referentes, podemos concluir algunas ideas sobre el lenguaje específico de la abstracción pictórica, ‘la metalingüística de la pintura’ y su relación con lo espiritual. ‘Expresiones en rama’, del artista Ricardo Naranjo, representante del Núcleo de los Ríos, de una manera cubista delinea geométricamente los troncos, las hojas, con una composición fitoantropomorfa, que llena de impresionismo y expresionismo el entorno de su obra. Y plasma los sentimientos más bellos de la humanidad: el amor, el cariño, la unión familiar, el abrazo de la madre, la ternura, pero también la pasión y el éxtasis, el encuentro, el arte amatorio, la felicidad, el deleite. La muestra de Naranjo es una expresión simbólica que transforma raíces y ramas para proferir los sentimientos más puros. Las hojas se transforman en arte. Su obra nace, crece de unas raíces que dan forma y vida. Son precisamente las raíces históricas de nuestros antepasados y de los pueblos que moldean la conducta de los seres humanos.

Declaración, óleo sobre lienzo

Sexualidad, acrílico sobre lienzo

L i m a E s t e l a 82

La perfección de las formas fragmentando lo geométrico La artista trabaja armoniosamente de modo individual en cada espacio, en cada elemento simétrico para abstraer la forma que la lleva al neocubismo escénico, analítico y estético.

Estela Lima, representante del Núcleo de Santa Elena, valora la perfección de las formas. Su expresión pictórica representa las figuras de la naturaleza, las interpreta fragmentando y descomponiendo el elemento geométrico para romper los planos de perspectiva; su obra nos lleva a ese renacer del cubismo. En su mente analiza cada parte, con pinceladas que nacen con la línea del color originado en el borde de cada figura y que se difuminan en el plano descompuesto. La artista trabaja armoniosamente de modo individual en cada espacio, en cada elemento simétrico para abstraer la forma que la lleva al neocubismo escénico, analítico y estético. Así, enmascarando la representación con la línea y el color, expresa el realismo social del momento.

El sagrado poder de la constancia, óleo sobre tela

Los Jueces, mixta- óleo sobre cartón

V i t e r i

Introspección a los laberintos del espíritu

P a u l a

Paula Viteri, representante del Núcleo de Pichincha, se interna en los laberintos del espíritu y habla, a través de sus obras, con esas voces que se desprenden de un alma libre, diáfana, que no tiene miedo de mostrar sus desgarramientos y temblores. Sus creaciones estudian al ser humano, con su carácter psicológico y emocional, la soledad, la frustración, la ruptura. A veces sus rasgos son crueles porque denotan la problemática social, porque provocan que el espectador caiga en ese abismo y se conmueva con sus rasgos violentos que hieren, pero también enternecen. Los personajes trabajados en aguafuerte son tinieblas y resplandor. Su obra conmueve y permite que el espectador trastoque su ser y se autodescubra en el enmarañado mundo interior.

La formación integral y la riqueza en el sentido de la arquitectura, la filiación con el arte, el dibujo, la pintura, el grabado, el teatro, la fotografía, incluso con el diseño, son herramientas que Paula utiliza en su trabajo artístico, para mostrar una estética profunda, llena de simbolismo, que expresa su interior, pero que también propone un cambio en la sociedad.

Luis García DIRECTOR DEL NÚCLEO DE PICHINCHA

El loco, grabado litografía

P a r r a l e s M a r v i n 86

Cronista del tiempo y de la luz Marvin Parrales es un artista joven que representa sus obras a partir de imágenes o acontecimientos en varios cantones de la provincia, en todos los espacios y formatos posibles. Ha sabido expresarse en el contexto de las situaciones que han acontecido en Manabí. Y a partir de estos sucesos ha logrado plasmar su sentimiento y emociones; dibuja los desastres del terremoto, las pandemias, la corrupción. Marvin Parrales plasma su obra en espacios grises, destruidos, y ésta emerge como una luz de esperanza en la oscuridad. Fidel Intriago DIRECTOR DEL NÚCLEO DE MANABÍ

Marvin Parrales es un artista de la provincia de Manabí que presenta un arte de línea fuerte y color expresionista. Desde su interior, muestra las emociones y sentimientos del ser humano y las expresiones rítmicas de la naturaleza. Se maneja en el realismo y surrealismo y se convierte en un cronista de su tiempo. Representa la paranoia resiliente, producto de la destrucción, el desastre, la soledad, el lamento, la aflicción y la muerte, una temática que muestra las secuelas del terremoto de 2016 y la crisis que actualmente afecta al mundo, la pandemia del Covid-19. Trabaja con acrílico, óleo, grafito, carboncillo, acuarela, mixta, entre otras, y en diversos soportes: papel, tela, muro, etc.; no hay técnica ni sustento que lo detenga para plasmar las expresiones plásticas que le inspira su tiempo. Su obra es destrucción, pero también esperanza. Es muerte, pero también es luz. No es un concepto panfletario, porque propone solución a los dolorosos acontecimientos a los que la humanidad se ve abocada.

S/T, agua tinta sobre papel

Renacer, acuarela sobre papel

Diversidad cultural La pluriculturalidad es la mayor riqueza nacional para construir un país diverso y de integración, bajo el conocimiento, la interacción y el respeto mutuos. CRG

Ecuador, esencia megadiversa y pluricultural

a Constitución reconoce a catorce pueblos como nacionalidades indígenas regidas por su propia cosmovisión, su propio modo de ver el mundo; pero también la forma en cómo actúan dentro de él. Y esa vida se desarrolla en un territorio definido, con su flora y fauna y con los aspectos propios de cada cultura, aquellos que hacen de Ecuador un país pluricultural y megadiverso. Sin embargo, esta pluriculturalidad no se despliega aún en el proceso de interculturalidad, que es el hecho de conocer, respetar y entender que todos somos diferentes y diversos, pero con las mismas condiciones de deberes y derechos. La Galería Nacional Virtual propone, por medio del arte, que aprovechemos esa multiculturalidad para integrarnos, para impregnarnos de la brisa intercultural, diversa y diferente, a la vez que afín, próxima y vinculante con una misma ancestralidad.

Portadilla de sección: Jefe Shuar (detalle), acrílico sobre lienzo, Autor: Alex Sevilla.

Página anterior: Sabiduría ancestral (detalle), acrílico sobre lienzo, Autor: Israel Vinces.

G u t i é r r e z R a f a e l 92

Crisol de sabidurías ancestrales ‘Travesías de un creador’ es la exposición que nos entrega el maestro Gutiérrez, una seleccionada colección de sus diversas épocas espirituales, diferentes épocas creativas, registradas en sus obras que no son solamente resonancias de sus instancias existenciales, sino proyecciones vivificadoras de energía que alientan a la comunidad. Guillermo Montoya DIRECTOR DEL NÚCLEO DE CHIMBORAZO

Rafael Gutiérrez, además de retratar la arquitectura urbana y la identidad de su pueblo, plasma los hombres y mujeres de las diferentes culturas del Ecuador. Representa su belleza, sus rasgos físicos, su vestimenta y su cultura. Pinta a las afros y a las cholas cuencanas como regentes de la sabiduría de sus ancestros, con una maestría en el manejo de la forma, el color y la composición.

Piel morena, óleo sobre lienzo

Chola Cuencana, óleo sobre lienzo

M o r a l e s M i l t o n 94

El espiral infinito de nuestros pueblos En la obra de Milton Morales, también su médula se erige en los hechos de la naturaleza y de la vida, en ese espiral infinito del que hablan nuestros pueblos. Y asume su oportuno lenguaje, con los colores, matices y sus infinitas refracciones, así como las simbologías que llenan el universo de las culturas.

La obra de Milton Morales no se centra en una sola temática, porque es un abanico de posibilidades que representan a la figura de la mujer en la sutileza del desnudo; a los animales mitológicos, a rostros que matizan la diversidad sorprendente de nuestra geografía; también se observa la escenificación del ser humano en su cotidianidad, así como el homenaje a la tierra, al sol, al agua, al viento. Celebración y resurrección de los ancestros, tiempo redimido y renacido. Su tinte expresionista está rodeado de esperanza, se vislumbra la conquista del albor sobre la penumbra, porque se mira la grandiosidad de la vida natural con una prodigiosa flora y fauna, la fecundidad, la luminosidad del amanecer y del ocaso, los sembríos, la cacería y la pesca, la molienda, la alimentación, la veneración a la naturaleza y a sus dioses, a sus sabios y shamanes, así como la amplitud de su espíritu.

Comuna Tsáchila, acrílico sobre lienzo

Joven pescador, óleo sobre lienzo

V i n c e s I s r a e l 96

Rostros y caminos atávicos Los rostros de los pueblos de la selva son cantos de vida, como los anent de los shuar, que invocan la fertilidad y la luz.

Israel Vinces no solo representa los mundos interiores que abruman. También está entre sus temáticas la interculturalidad, con la expresión profunda de la mujer amazónica. Con sus rostros hondos, con su pintura facial llena de simbolismo y sabiduría, pero también de lenguajes ancestrales que tienen su propia connotación llena de historia. Los rostros de los pueblos de la selva son cantos de vida, como los anent de los shuar, que invocan la fertilidad y la luz.

Ambigüedad espiritual, acrílico sobre lienzo

S e v i l l a A l e x 98

Pensamiento holístico atado a lo ancestral En sus obras, con colores fuertes, recorre cada rincón de su territorio para conseguir la belleza cultural revestida de luz y lograr una composición de equilibrio que se sumerge en el color.

Para Alex Sevilla también es importante el tema de la interculturalidad. Los pueblos luchan por defender su cultura, gritan y buscan salvarse de la modernidad globalizante, que pretende destruir las culturas pequeñas y plantarse como la cultura hegemónica de Occidente. También pretende encontrar una salida al problema de la pérdida de identidad cultural. En sus obras, con colores fuertes, que representan la fauna de la selva, se observa la profundidad de su entorno, pero, sobre todo, la sabiduría y la memoria de sus ancestros. A cada cuadro le da esa interpretación mística cargada de símbolos que afloran de su pensamiento holístico, mientras recorre cada rincón de su territorio para conseguir la belleza cultural revestida de luz y lograr una composición de equilibrio que se sumerge en el color.

Memorias en la selva, mixta sobre lienzo

N a r v á e z D a n n y 100

El despertad de la conciencia …Y aparece la selva amazónica y costera como punto medular con su voz de desesperanza, pero a la vez con una estela infinita de bondad, que sigue generando vida.

La propuesta de Danny Narváez tiene la perspectiva de despertar la conciencia, con un precepto ambientalista y cultural. Nos narra escenas de varios pueblos de este país plurinacional como la cultura Waorani (tagaeri y taromenane, quienes decidieron aislarse voluntariamente de la cultura de Occidente), su hábitat y su modo de vida; los campesinos montubios; los mestizos en sus procesos costumbristas de vida. Y aparece la selva amazónica y costera como punto medular con su voz de desesperanza, pero a la vez con una estela infinita de bondad, que sigue generando vida.

Invisibilizados, plásdil (plástico diluido) sobre lona

Simbiosis, plásdil (plástico diluido) sobre lona

101

Costumbrismo e identidad Costumbres y mitos que son patrimonio inmaterial de nuestro país, y huella de nuestro caminar. CRG

La pintura costumbrista más allá de los hechos cotidianos

a pintura costumbrista, también llamada pintura de género, es la que representa hechos cotidianos, la cultura y los acontecimientos de una sociedad, contemporáneos al artista. El costumbrismo puede convertirse en un fiel cronista de los más diversos aspectos de la historia que proporcionan información sobre hechos cotidianos. Varios autores aseguran que este tipo de pintura se halló desde las antiguas representaciones cavernarias, como evidencias culturales, en las culturas egipcias, etruscas, griegas o romanas. En Ecuador, el costumbrismo aparece en el siglo XIX, con grandes maestros como Joaquín Pinto y Ramón Salas, ellos exploran este género del arte folclórico y muestran, por medio de la pintura, las formas de vida, costumbres y tradiciones cargadas de símbolos como reflejo de la sociedad que se desenvuelve en un medio geográfico determinado.

Portadilla de sección: Plaza de la Concepción y sus manifestaciones culturales (detalle), óleo sobre lienzo, Autor: Rafael Gutiérrez.

Página anterior: Pasposa 3, Niña del páramo(detalle), acrílico sobre papel de fibra de algodón, Autor: Lisa Torske.

105

A n d r a d e F a u s t o 106

Formas para ilustrar la identidad Sus colores y formas cuentan y recrean las costumbres y tradiciones que se vuelven eternas en la identidad de su pueblo.

Fausto Andrade Bautista también aborda los escenarios de una región antigua, rodeada de paisajes y leyendas. Su creación indaga en cada rincón de su provincia, y en todas las manifestaciones de la gente dentro de ella. Sus colores y formas cuentan y recrean las costumbres y tradiciones que se vuelven eternas en la identidad de su pueblo. Así dimensiona el expresionismo de pincelada pastosa, busca la vibración del color con el óleo y las aguadas que semejan esfumados y veladuras, creando formas para ilustrar los símbolos de la identidad.

Picapedrero de Rumihurco, óleo sobre lienzo Tejedora de paja toquilla, óleo sobre lienzo

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N a r a n j o R i c a r d o 108

Los espacios físicos como parte de la construcción cultural y social de una comunidad Naranjo explora con la luz y el color un imaginario que permanecerá en la mente y en la identidad de su provincia.

Dentro de la identidad de los pueblos también se encuentran los espacios físicos, aquellos lugares que formaron parte de la construcción cultural y social de una comunidad. Es por ello que en este acápite aparece Ricardo Naranjo con uno de sus paisajes que retrata la sencillez, la construcción propia de su pueblo, a orillas del estero, con materia prima de la zona. Naranjo explora con la luz y el color un imaginario que permanecerá en la mente y en la identidad de su provincia.

Las Balsas, acrílico sobre lienzo Paisaje de campo, acrílico sobre lienzo

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C u e n c a B a y a r d o 110

La mujer en los procesos costumbristas Las visitas y los diálogos, la mujer como centro de la tradición para perpetuar la vida.

Bayardo Cuenca representa en sus obras a la mujer en varios aspectos, donde incluye los procesos costumbristas. Por ejemplo las visitas y los diálogos que se producen entre amigas. Siempre voluptuosas, con su curvas definidas, pero en diferentes actitudes y espacios. Siempre apegadas a sus ideales y costumbres, forjando una nueva sociedad cimentada en sus raíces.

S/T, cerámica policromada

111

V e l a r d e J o r g e 112

Identidad y escenario urbano Un arte contemporáneo alejado de los recursos pictóricos de la aristocracia, combinando el arte popular o la artesanía, para representar a la cultura urbana en una distorsión de la imagen referencial del pasado.

En el debate artístico, Jorge Velarde lleva su destreza a la creación de un diálogo profundo. Es un artista que interpreta, investiga y explora la identidad y el escenario urbano en que se cruzan transeúntes que forman parte de la gran metrópoli y conviven y expresan sus sentires. Crea un arte contemporáneo alejado de los recursos pictóricos de la aristocracia, combinando el arte popular o la artesanía, para representar a la cultura urbana en una distorsión de la imagen referencial del pasado. Y aparecen escenas en el barrio Cuba, que nos enseñan quiénes somos y de dónde venimos, o escenas envueltas en la tecnología que sobrepasa la vida cotidiana.

Chateando (2017), lápiz y acuarela sobre papel

De Nacido y Criado Tentativas para entrar al Barrio Cuba (2017), acuarela sobre papel

113

T o r s k e L i s a 114

Entre la problemática social y el imaginario urbano Con colores ocres que destellan la vida de un pueblo atrapado entre siete colinas, Lisa Torske pinta casas que parecería quieren escapar, correr; o que se anclan con sus fuertes raíces, con la finalidad de no desaparecer del imaginario colectivo.

Lisa Torske se enrumba entre la problemática social y el imaginario urbano. Sus casas con patas remarcan la historia de su pueblo, la identidad de la antigua Guaranda que rememora escenas de toda índole: amor, amistad, la familia, los vecinos y los transeúntes desconocidos para unos, pero que conocen a otros. Lo hace con colores ocres que destellan la vida de un pueblo atrapado entre siete colinas. Son casas que parecería quieren escapar, correr; o que se anclan con sus fuertes raíces, con la finalidad de no desaparecer del imaginario colectivo. Así mismo plasma la ternura de las niñas, con elementos identitarios de la cultura andina.

115

La Guaranda de mi Tío, acrílico sobre papel de fibra de algodón

C h á v e z G a l o 116

Esos lugares instaurados en la memoria La flora y la arquitectura de casitas que quizá ya no existen, pero que se quedan para siempre en la retina del artista y de los observadores de su obra.

Dentro de la soltura y maestría artística de Galo Chávez, se observa que su representación no solo se realiza en la temática de naturaleza. También enlaza esos lugares instaurados en la memoria e identidad de su provincia de Tungurahua. Aparecen los nevados y montes y, como siempre, la transparencia del agua, que se vierte con esperanza para la vida de los pueblos. Junto a ellos la flora y la arquitectura de casitas que quizá ya no existen, pero que se quedan para siempre en la retina del artista y de los observadores de su obra.

Junto a la Cocha, acuarela

Rincón Serrano, óleo sobre lienzo

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V i t e r i P a u l a 118

Bucear en las profundidades de la existencia humana Delinea esos espacios cargados de identidad e historia, sin la presencia humana, porque entrega toda la importancia a los espacios cargados de simbolismos.

Paula Viteri, además de indagar en las profundidades de la existencia humana, también aborda los lugares emblemáticos de su ciudad. Los trabaja con plumilla y pastel o acuarela, con nitidez y gran maestría. Delinea esos espacios cargados de identidad e historia, sin la presencia humana, porque entrega toda la importancia a los espacios cargados de simbolismos, bajo un límpido cielo, característico de Quito.

El Panecillo, plumilla y acuarela

San Francisco, pastel y plumilla

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Ancestralismo y saberes Los conocimientos ancestrales flotan en los ríos, páramos, montañas, en la memoria y en el fogón de la abuela y en la tradición de los pueblos milenarios. CRG

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El ancestralismo, simbología para descolonizar el pensamiento

l ancestralismo o precolombinismo es un estilo artístico cargado de una simbología primordial, que implicó un planteamiento estético impregnado de valoración de las culturas precolombinas. Luego de viajar a Italia y España, en los años cincuenta, surgen en Ecuador, Estuardo Maldonado, Enrique Tábara y Aníbal Villacís. Artistas que lograron descifrar el Informalismo desde una perspectiva particular influenciada por el pasado precolombino y el arte latinoamericano y europeo de ese tiempo. Incorporaron materiales y texturas con una fuerza abstracta. Uno de los objetivos de este arte es descolonizar el pensamiento, analizar críticamente cómo se produjo la conquista para reconstruir la memoria de los ancestros y la identidad de los ecuatorianos. Por la Galería Nacional Virtual han pasado varios artistas que tienen como objetivo central este estilo.

Portadilla de sección: S/T (detalle), acrílico sobre lienzo, Autor: Marco Terán, Serie: Santuarios.

Página anterior: Chakana (detalle), óleo sobre tela, Autor: Milton Alajo.

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M i l t o n

A l a j o

Perfilar el mundo surrealista y mágico de las culturas primigenias

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Milton Alajo ha logrado plasmar en su obra la memoria ancestral de nuestra cultura, aquella de la que recogimos las raíces. Con su sensibilidad y creatividad ha logrado plasmar lo que es Cotopaxi y sus ancestros. Es un juglar con el pincel. Relata lo que sucede en el campo, lo que sucede con nuestra gente, lo que sucede en nuestro entorno. Germánico Alvear DIRECTOR DEL NÚCLEO DE COTOPAXI

Milton Alajo, desde la provincia de Cotopaxi, llega a esta Galería cargado de un entorno imaginario que potencia su arte simbólico. Su manejo compositivo tiende al equilibrio y la espontaneidad, con un eje iconográfico muy significativo. En su obra se puede vislumbrar su esencia precolombinista, con toques surrealistas y neoexpresionistas, pero siempre en la búsqueda de la cosmovisión andina. Milton Alajo ha profundizado en los saberes de los pueblos que se reflejan más que nada en los mitos y en los símbolos. Es por ello que los plasma con tanta soltura, pues su temática central se basa en perfilar el mundo surrealista y mágico de las culturas primigenias de Ecuador, pero principalmente de su provincia de Cotopaxi. Y encontramos la chakana como síntesis de esa sabiduría que está impregnada en nuestra médula y, sin embargo, no la hallamos fácilmente, pues la identidad de la América andina es constantemente suplantada por aquella que nos impone la hegemonía de un mundo tecnificado y globalizado. Hablo de esa chakana que nos cuenta de la complementariedad de los opuestos, o de los cuatro elementos que permiten la vida, de esa chakana que se origina de la íntima relación del ser ancestral con el cosmos, con esa constelación con la que tenían más relación espiritual y energética: la Cruz del Sur.

En el ojo de la discordia , mixta

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É d i s o n

T e r á n

Arte insuflado desde lo más profundo del ser

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Édison Terán reconstruye esa historia que llega como sensaciones, como enigmas. Ha hecho uso del cúmulo que tenemos los carchenses de todo ese legado que nos viene como herencia de nuestros abuelos pastos. Los ceramistas, alfareras y alfareros que en la construcción de la estética del barro nos han regalado un universo de símbolos, donde encontramos sensaciones y enigmas que van reconstruyendo la cultura y la propuesta artística de los pueblos.

Ramiro Almeida DIRECTOR DEL NÚCLEO DE CARCHI

El universo creativo de Édison Terán, de la provincia de Carchi, está amalgamado por símbolos de la cultura Pasto, así como de líneas que se desdibujan para encontrar el neofigurativismo, o paisajes perdidos o seres que se entrecruzan en la multitud y no alcanzan a percibirse, rostros deformados pero inmersos todos en una estética abstracta que se genera como una luminosa polución insuflada desde lo más profundo de su ser. Édison Terán presenta una colección de significaciones pletóricas de color y simbolismo. Construye lenguajes que reportan un alfabeto propio, que proponen diálogos detenidos en una época y un espacio delimitado. En este caso se remonta a la ancestralidad de su cultura, con personajes formidables como guerreros, mindalaes, cazadores o danzantes o simplemente símbolos como el sol pasto y la espiral del tiempo andino. Utiliza técnicas diversas como el acrílico, la acuarela, la tinta, asfalto y mixta. En sus representaciones acentúa el dibujo delineado cargado de tónicas neofigurativas y abstractas. El volumen, la firmeza y su mensaje se componen gracias a la figura y a los colores que maneja. El concepto de identidad y naturalismo abstracto lo estampa en su trabajo estético y gracias a ello plasma lo ancestral, lo mágico y simbólico del mestizaje étnico.

Cultura Pasto, acuarela

Cazador, ilustración vectorial

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G u e r r e r o G a n d y 128

El imaginario insular de Galápagos …seres con características humanoides y reptilianas, …seres que conviven en perfecta armonía, el animal y el humano, y que son representados en el hábitat más hermoso y mágico de nuestro entorno.

En la exposición ‘Iguanos’, Gandy Guerrero propone y contribuye a la creación de un imaginario insular de Galápagos. Un ser antropozoomorfo con características humanoides y reptilianas, así como la mujer pájaro, seres en los que conviven, en perfecta armonía, el animal y el humano, y que son representados en el hábitat más hermoso y mágico de nuestro entorno. Esto en un intento de recrear para Galápagos un ser mitológico, que pronto se convertirá en un ícono identitario de esta sociedad. Un personaje hondamente analizado y tratado con sutileza, por parte del artista Guerrero.

Cantor, acrílico sobre lienzo, serie: Iguanos

Pastor, acrílico sobre lienzo, serie: Iguanos

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T e r á n M a r c o 130

Escenas atrapadas en un mundo surreal Un universo poblado de seres que se transfiguran a veces y otras se mimetizan en un paisaje sagrado. ‘Santuarios’ evoca un universo paralelo, quizá imperceptible para el hombre de Occidente.

El tiempo, frente a creadores como Marco Terán, parecería detenerse en una escena atrapada en un mundo surreal y metafísico que vivifica y sobrecoge. Un universo poblado de seres que se transfiguran a veces y otras se mimetizan en un paisaje sagrado. ‘Santuarios’ evoca un universo paralelo, quizá imperceptible para el hombre de Occidente, quizá solo divisado por los runas, esos seres que tienen como hierofanías, a esos lugares poderosos, pletóricos de energía y magia, que pueblan la Pachamama. Es como si Terán fuera un hermeneuta en el arte, entre el mundo real y uno no ordinario, alcanzado solo por los sabios andinos o yachaks, a través de una ritualidad profunda o por medio del consumo de las plantas maestras, esas también representadas por Marco, como la abuela ‘aguacolla’, encanto y puente que abre la percepción, que decodifica y mueve al ser, para que se encuentre consigo mismo y con la esencia del cosmos. Ese es el mundo representado por Marco Terán, lleno de los otros santuarios, lejanos de la religiosidad judeo-cristiana que heredamos de la conquista. Un mundo atravesado por colores exuberantes e intensos, que parecerían haber sido puestos por el artista de manera arbitraria, con la finalidad de atrapar al interlocutor y transportarlo a ese espacio atemporal, cubierto de armadillos y conejos, peces, aves y reptiles, jaguares y otros felinos, pero siempre en un ambiente naif, lleno de movimiento y dinamia.

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S/T, acrílico sobre lienzo, serie: Santuarios

Q u i l u m b a R e n á n 132

El secreto del conocimiento de los pueblos ancestrales Los seres humanos, los animales y el bosque están en grave peligro, se sienten prisioneros, encerrados o coartados. La libertad entonces se convierte en un ideal inalcanzable. Empero, también representa la simbología ancestral de la amazonía.

Para Renán Quilumba, los seres humanos, los animales y el bosque están en grave peligro, se sienten prisioneros, encerrados o coartados. La libertad entonces se convierte en un ideal inalcanzable. Empero, también representa la simbología ancestral de la amazonía, que encierra un misterio sorprendente y la majestuosidad de los seres mitológicos, las deidades de sus antecesores; y aparece Amarun, la serpiente que para otras culturas representa el pecado, la debilidad humana. En las culturas amazónicas la serpiente es un ser que representa, contrariamente, sabiduría, sigilosidad y silencio. Ese silencio que se convierte en una posibilidad de guardar, cuidar y salvaguardar el secreto del conocimiento de los pueblos ancestrales.

Amazonía, acrílico sobre lienzo

Amarun, acrílico sobre lienzo

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Fiesta y música Suenen tambores suenen para que el alma se eleve, los pinceles florezcan y el pueblo festeje. CRG

La fiesta y sus símbolos portadores de la identidad

a fiesta es un espacio cargado de hechos y personajes simbólicos, mediante los cuales cada pueblo reactualiza la visión que tiene de sí mismo y del mundo que lo rodea. En ella se reordenan y orientan cíclicamente las relaciones al interior del grupo. La fiesta redistribuye instancias de poder y prestigio y, sobre todo, se reproduce a sí misma comunicándoles a sus miembros los símbolos portadores de su identidad y la voluntad de ser distintos. Toda acción teológica, política, social o cultural no se piensa hoy como verdaderamente lograda si no termina en una fiesta. La fiesta, como un fenómeno social y cultural, muestra una gran diversidad de expresiones e interpretaciones. Éstas dependen fundamentalmente de la diversidad y heterogeneidad social, lingüística, étnica y cultural de los pueblos y sociedades que la celebran, desde los personajes y actores sociales (e institucionales) que participan en ellas; así como de sus motivaciones y posibilidades económicas. A lo largo del territorio ecuatoriano se evidencian infinidad de fiestas populares, cívicas, religiosas, sociales, que conllevan la mezcla de símbolos, música, regocijo, algarabía y solidaridad humana.

Portadilla de sección: S/T (detalle), acrílico sobre lienzo, Autor: Marvin Parrales.

Página anterior: Mama Negra (detalle), óleo sobre lienzo, Autor: Milton Alajo.

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G u i l l é n C r i s t i a n 138

Las celebraciones amazónicas y su vínculo con lo sagrado Las fiestas son procesos de cohesión social que permiten la unidad, solidaridad y reciprocidad. Las celebraciones amazónicas están vinculadas con las deidades, frutos, plantas sagradas y animales de la naturaleza.

Cristian Guillén irrumpe con su figurativismo para narrar escenas de las culturas amazónicas. Las fiestas son procesos de cohesión social que permiten la unidad, solidaridad y reciprocidad. Las celebraciones amazónicas están vinculadas con las deidades, frutos, plantas sagradas y animales de la naturaleza como la chonta, la ayawaska, la culebra. En esta oportunidad nos presenta la ‘Fiesta de la Chonta’, ese fruto muy apetecido por su sabor y propiedades nutritivas, con el que elaboran la de chicha de chonta. El objetivo de la fiesta es velar el proceso de fermentación de la chicha, bebida ritual de alto valor simbólico. Uwí es un espíritu a quien se le agradece el comienzo de la época florida. La fiesta Shuar de la chonta está dirigida por un anciano sabio y comienza por la cosecha de uwí (chontaduro), en la que intervienen los ancianos y los niños. Las mujeres preparan la chicha de chonta mediante un meticuloso proceso en el que escogen, pelean, cocinan y mastican una gran cantidad de frutos. Para los cofanes, los grandes recipientes de chicha son el elemento central de esta gran fiesta. El baile es marcado por el ritmo del tambor. Usan sus mejores galas y collares adornados con semillas sonoras. Durante el día, el matachi está pendiente de los bailarines. Si alguien se suelta, esa persona estará premiada para tomar 20 tazas grandes de chicha de chontaduro. El líder, mientras tanto, prueba la chicha cada media hora hasta cuando esté lista y da la orden para terminar con la ceremonia. La chicha de la chonta es netamente festiva, mientras que la chicha de yuca es la que se consume como bebida diaria.

Mujer Shuar y la Fiesta del Chontaduro, óleo sobre lienzo

El ritual del chontaduro, óleo sobre lienzo

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A l a j o M i l t o n 140

La puesta en escena de los mitos Milton Alajo crea una obra polisémica, transmite una variedad de mensajes y significados, que asigna un valor simbólico a cada componente de la obra.

Milton Alajo crea una obra polisémica, ya que transmite una variedad de mensajes y significados y asigna un valor simbólico a cada componente de la obra, es decir, tiene su propio significado social, cultural, político, económico. Retrata lo que ocurre en la dinámica social. Y pone de manifiesto la cultura de su pueblo, desde la perspectiva cosmovisional, pero también desde las prácticas rituales; esto es, la puesta en escena de los mitos. La fiesta más importante de su ciudad, La Mama Negra, es representada por Alajo con su máscara negra. De igual manera el movimiento cadencioso de la danza, como un elemento de seducción.

Danza, óleo sobre lienzo

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G u t i é r r e z R a f a e l 142

Ciudad, identidad y tradiciones Gutiérrez rescata la tradición y la cultura de su pueblo, abraza la identidad para volverla eterna, con un manejo magistral del color y la forma.

Rafael Gutiérrez plasma la identidad de la ciudad y sus tradiciones. Retrata las iglesias y las mimetiza con el paisaje natural circundante, con montes y nevados, pero sobre todo con las fiestas tradicionales de la urbe, con los cucuruchos, danzantes, curiquingues y perros, los pingulleros y tamborileros, en medio de la vida cotidiana del mercado y el parque. El maestro Gutiérrez rescata la tradición y la cultura de su pueblo, abraza la identidad para volverla eterna, con un manejo magistral del color y la forma, además de la arquitectura y la figura humana, con un toque impresionista.

Basílica danzantes, óleo sobre lienzo

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T e r á n É d i s o n 144

El rastro de la música y la fiesta Aparecen personajes festivos y músicos que llenan de color y dinámica al ambiente. Representa simbólicamente a las culturas desde una perspectiva ancestral, pero también desde la óptica popular y urbana.

Édison Terán encuentra la armonía en todas las temáticas tratadas en su creación. Aparecen personajes festivos y músicos que llenan de color y dinámica al ambiente. Representa simbólicamente a las culturas desde una perspectiva ancestral, pero también desde la óptica popular y urbana, donde el sonido del jazz se pinta en el ambiente de un bar y los intérpretes de la banda se desdibujan en el rastro de la música. La mano del autor no para hasta concluir la escena; el dibujo y la acuarela o el óleo son la simbiosis perfecta.

Jazz Trío, acuarela y dibujo Danzante, óleo

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P a r r a l e s M a r v i n 146

La vida del pueblo en una mirada impresionista Las festividades locales aparecen como un proceso de cohesión social, como un punto de encuentro que genera las manifestaciones culturas locales.

En la pintura de Marvin Parrales, con un estilo impresionista se mira la vida del pueblo alrededor de una rotonda. Es la algarabía de la vida costeña durante la noche. La gente de la ciudad se ha reunido para festejar, para bailar y para escuchar música en vivo. Las festividades locales aparecen como un proceso de cohesión social, como un punto de encuentro que genera las manifestaciones culturas locales.

Pachanga, acrílico sobre lienzo

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C u e n c a B a y a r d o 148

Encuentro con la cultura y la identidad Los músicos en el universo de Bayardo Cuenca son seres llenos de ternura y delicadeza, que seducen a su público y los envuelven en la estela de su música.

Bayardo Cuenca siempre acoge a figuras corpulentas en su acto creativo. Esta vez representa a la banda de pueblo con una expresividad dinámica, como parte fundamental de los procesos festivos de un pueblo. Como un argumento de encuentro con la cultura y la identidad, la musicalidad y la letra de las canciones interpretadas por la banda componen una pieza propia de cada sociedad. En el universo de Bayardo Cuenca, los músicos son seres llenos de ternura y delicadeza, que seducen a su público y los envuelven en la estela de su música.

S/T, cerámica policromada

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Nuestros agradecimientos a los directores provinciales de los núcleos de la Casa de la Cultura Ecuatoriana y a los artistas, con quienes construimos este bello sueño.

Todos los pinceles del mundo y de todos los tiempos pintaron el arcoíris, nosotros continuaremos. CRG

Dibujando la geografía de la Patria de Camilo Restrepo Guzmán y Patricia Noriega Rivera se terminó de imprimir en el mes de diciembre de 2020 en la Editorial Pedro Jorge Vera de la Casa de la Cultura Ecuatoriana.