SUPLEMENTO CULTURAL
No. 740 / 9 de noviembre de 2026 / AÑO 16
DIR. JÁNEA ESTRADA LAZARÍN
Arnaldo Coen. Desequilibrio de potencias o El hombre ante el espejo de la violencia. 1969. Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez.
Arnaldo Coen falleció el pasado 8 de noviembre. En su mural ubicado en la Sala de Osaka del Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Desequilibrio de potencias o El hombre ante el espejo de la violencia no hay víctimas ni victimarios como tal; no se refiere sólo a los conflictos bélicos, pues también incorpora el cuerpo, la sexualidad y las relaciones de poder; pero sí nos presenta cómo el ser humano puede contemplar su propia capacidad destructiva al confrontarlo con las consecuencias de sus acciones; algo más que vigente en esta época en la que la Inteligencia Artificial y el desarrollo sin control de la tecnología pueden constituirse también en un peligro para la humanidad entera.
[Más de Arnaldo Coen (1940-2026) en esta edición]
La Gualdra No. 740
2 LA GUALDRA NO. 740 /// 9 de noviembre de 2026 /// AÑO 16
Editorial El artista Arnaldo Coen nació el 10 de junio de 1940 y falleció la madrugada del pasado 8 de noviembre en la CDMX; él fue el más joven de los 11 autores de los murales de Osaka que se encuentran en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez de la ciudad de Zacatecas. A su muerte le habían precedido las de Lilia Carrillo (1974), Francisco Corzas (1983), Fernando García Ponce (1987), Vlady (2005), Francisco Icaza (2014), Antonio Peyrí (2017), Gilberto Aceves Navarro (2019), Manuel Felguérez (2020) y Roger von Gunten (2026); a todos ellos, vinculados en su mayoría con la Generación de la Ruptura que buscaba apartarse de los modelos dominantes de la Escuela Mexicana de Pintura, les sobrevive Brian Nissen, como integrante de ese distinguido grupo que realizara estas obras monumentales para la Feria de Osaka de 1970 cuyo tema central fue “Progreso y armonía para la humanidad” y que se exhiben actualmente en la capital zacatecana. El mural de Arnaldo Coen se titula Desequilibrio de potencias o El hombre ante el espejo de la violencia y fue terminado en las instalaciones de una fábrica de Carlos García Ponce el año de 1969, cuando Coen tenía apenas 29 años de edad. El mural mide 5.08 x 6.88 m. La investigadora Janette Ruiz en su tesis Los Murales de Osaka: Mexican Modernism at the 1970 World's Fair, presentada en la Universidad de Arizona en 2016, realiza un análisis muy interesante en el que nos habla de su composición y de la que les comparto una síntesis: “En la parte inferior de la pintura, de izquierda a derecha, se encuentran cuatro cuadrados separados […] Al analizar estos cuatro cuadrados de forma independiente, el primero y más grande (el que está más a la izquierda al mirar la pintura): un hongo nuclear negro se eleva hacia la parte superior del marco gris del cuadrado, expandiéndose hacia los bordes […] es una referencia a la bomba atómica. El segundo cuadrado está delineado con pintura roja y contiene un torso femenino abstracto […] y un triángulo gris delineado en blanco que representa sus partes íntimas. El tercer cuadrado […] lo que está pintado en su interior no representa una forma […] Salpicaduras de pintura roja, que se asemejan a sangre y heridas de arma blanca […] El cuarto cuadrado (ubicado en el extremo derecho de la composición) […]Una forma de obelisco rosa apunta hacia las entrañas de una forma más pequeña pero similar. El otro objeto está pintado de azul, con un contorno circular blanco que engloba un círculo rosa; tal vez representando la contraparte masculina”.1
Contenido A finales de la década de los años 60, cuando el mundo celebraba los avances de la ciencia, la tecnología y la modernización, Arnaldo Coen pintó esta obra que invita a mirar el reverso de ese optimismo. En el mural Desequilibrio de potencias o El hombre ante el espejo de la violencia no hay víctimas ni victimarios como tal, ni se refiere sólo a los conflictos bélicos, pues también incorpora el cuerpo, la sexualidad y las relaciones de poder; pero sí nos presenta cómo el ser humano puede contemplar su propia capacidad destructiva al confrontarlo con las consecuencias de sus acciones; algo más que vigente en esta época en la que la Inteligencia Artificial y el desarrollo sin control de la tecnología pueden constituirse también en un peligro para la humanidad entera. Esta obra puede apreciarse junto con la de los otros autores mencionados en el Museo Felguérez en la Sala de Osaka y es uno de los máximos tesoros que tenemos en la ciudad. Ojalá pueda visitarla y contemplarla en silencio, al que Coen consideraba tan indispensable para su visualización, de la misma forma como se hace al escuchar una obra musical. El 5 de julio de 2012 Arnaldo Coen presentó en el mismo museo su exposición Espacio, cuerpo, signo del pensamiento,2 una muestra retrospectiva que nos permitió acercarnos a sus constantes búsquedas y tránsitos entre la pintura, la escultura, el arte objeto y la experimentación geométrica, “Esta muestra constó de 14 óleos sobre telas, 10 torsos, ocho obras montadas en cajas de madera, 22 marcos que contenían 83 tarjetas postales, así como nueve cajas con tarjetas postales enmarcadas”.3 Esa fue la última vez que lo vimos en Zacatecas. Su formación inicial como diseñador gráfico y la pasión que profesaba por las artes en su totalidad, lo llevaron también a participar en proyectos de danza y teatro como vestuarista y escenógrafo, y a incorporar en sus procesos creativos música y poesía. Fue integrante titular del Seminario de Cultura Mexicana, tal y como lo fuera su abuela la contralto Fany Anitúa; fundador del Salón Independiente en 1968; en 2014 obtuvo el Premio Nacional de Ciencias y Artes que otorga el Gobierno de México; y desde 2010 ocupó una silla en la Academia de las Artes. Que descanse en paz el maestro Arnaldo Coen. Desde aquí mandamos nuestras condolencias a su familia.
3 Quiso celebrar Por Carlos Gutiérrez Alfonzo
4 Sonidos y silencios en Visión Quest, de Verónica G. Arredondo Por Elsa Leticia García Argüelles
5 Diásporas y migraciones León Felipe y Baudelio Camarillo, poetas siempre en tránsito Por Juan Manuel Bonilla Soto
6 El itinerario de la intemperie: cien años de Blanca Varela [Parte 2 de 3] Por J. J. Ventura
7 El Café de Nadie, una ensoñación poética Por Juan Carlos Macías Berumen
8 Jánea Estrada Lazarín lagualdra@hotmail.com
Wildwood: El Bosque Salvaje, de Travis Knight Por Adolfo Nuñez J.
Tesis de Janette Ruiz, “Los murales de Osaka: Mexican modernism at the 1970 World´s fair”, en: https://repository.arizona.edu/server/api/core/bitstreams e9c84c65-f0fb-4d21-a784-cb44d48618f5/content, pp. 27-28. Ver La Gualdra No. 58: https://issuu.com/lajornadazacatecas.com.mx/docs/la_gualdra_58op 3 La exposición fue presentada previamente en el Festival de la Ciudad de Mérida 2011 y el maestro habla de ella así. Más información en: https://arnaldocoen.blogspot.com/2012/ 1
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Directorio
Carmen Lira Saade Dir. General Raymundo Cárdenas Vargas Dir. La Jornada de Zacatecas direccion.zac@infodem.com.mx
Jánea Estrada Lazarín Dir. La Gualdra lagualdra@hotmail.com Sandra Andrade Diseño Editorial
La Gualdra es una coproducción de Jánea Estrada Lazarín y La Jornada Zacatecas. Publicación semanal, distribuída e impresa por Información para la Democracia S.A. de C.V. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta publicación, por cualquier medio sin permiso de los editores.
Juan Carlos Villegas Ilustraciones jvampiro71@hotmail.com
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9 de noviembre de 2026
Quiso celebrar 6 Por Carlos Gutiérrez Alfonzo
Mt 25, 21
q
uiso celebrar su cumpleaños con nosotros
venía herido de muerte con cuántas
heridas se dejó
sonrió abrazar ofició la misa que quería
para sus sesenta de vida así con la familia que había querido reconocer levantó la hostia levantó el noble metal pan y vino en el altar ofrendas para el amor que prodigaba se tomó de la mano de San Miguel Arcángel siervo fiel de
en el gozo su Señor
*Carlos Gutiérrez Alfonzo (Frontera Comalapa, Chiapas, 29 de febrero de 1964), poeta y ensayista, fue becario del Centro Chiapaneco de Escritores y del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes, de Chiapas. Poemas suyos fueron publicados en las revistas Poesía y Poética, Tierra Adentro, alforja, El poeta y su trabajo, el Periódico de poesía, en Netwriters, red mundial de escritores, Prometeo digital, Mula Blanca y Altazor. Fue incluido en el Anuario de poesía mexicana 2006, coordinado por Pura López Colomé y editado por el Fondo de Cultura Económica. Ha publicado los poemarios Cirene (1994), Vitral el alba (2000), Mudanza de las sílabas (2012), Poniente (2012), Que se halla por ventura (2015) y Si quien leyera fuera otro (2018). Sus ensayos han sido publicados en libros colectivos y en revistas especializadas. Coordinó los libros Representaciones en frontera (2010), Tomar la palabra. Algunas expresiones literarias y de cultura popular en el sureste mexicano (2016) y Tales somos en el camino de la palabra. Reflexiones sobre literatura (2018). Ha publicado los siguientes libros: Ascenso y precisión. Tres poemas de autores chiapanecos (2016), Tiempo y espacio. Experiencia estética (2020) y Minucias. Maneras de decir cómo se vive la frontera (2021). Licenciado en antropología social, maestro en literatura mexicana y doctor en Humanidades y Artes, se desempeña como investigador del Centro de Investigaciones Multidisciplinarias sobre Chiapas y la Frontera Sur (CIMSUR), de la UNAM, en la línea de investigación denominada “Estado y diversidad cultural”.
Poesía
Entra, siervo fiel, en el gozo de tu Señor
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LA GUALDRA NO. 740
Sonidos y silencios en Visión Quest, de Verónica G. Arredondo
Poesía
6 Por Elsa Leticia García Argüelles
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a poesía es sitio de pertenencia, el lugar de la voz que resuena desde una conexión con la naturaleza, cuando la voz se reconoce a sí misma, según nos dice Claire Marin: “Estoy en mi lugar cuando mi voz es firme, cuando es mía y no una voz silenciada […] tal vez estar en su lugar empiece por liberar la propia voz, una voz sepultada cuya tesitura debemos redescubrir” (2024, 76). Encontrar la voz no es sólo un acto estético, sino también un hallazgo con lo humano, el universo, y la tierra que habitamos. El breve poemario Visión Quest (2026), de Verónica Arredondo, propaga una poesía minimalista, arquitectura de líneas del interior, publicado por la editorial Espina Dorsal; el breve libro con un tono naranja sutil que comparte y abraza un proyecto en coherencia con el compromiso intuitivo de la experiencia poética. La poesía suscita la contemplación a través de movimientos tectónicos del ser, removiendo capas terrestres para pertenecer a algo más auténtico desde una versificación que respira en cada palabra entre silencios y sonidos, como en “Sin abrir los ojos”: “Escucho el paso del viento/merodear por la noche astral/ Quizás esta noche sea más larga/o quizá sea solo la rotación de esferas/no escuches a tu voz/ tejer enredaderas /sin retorno/caminos para extraviar al sueño (25). Una poeta reconocida a través de varios premios y libros,1 originaria de Guanajuato (1984), Doctora en Artes y poeta, además de habitante en Zacatecas. Vivir en un lugar no implica estar en su lugar, y de este modo, se emprenden caminos alternos como el viaje a la montaña. Este poemario comparte la vivencia después de asistir a un retiro de cuatro días a la montaña en Sierra de Cardos. Al final extiende el significado de la ceremonia de Vision Quest dentro de la cultura Lakota y otros pueblos indígenas desde Alaska hasta la Patagonia:
La presencia de la tierra es fundamental para crear la intimidad con la luz y los árboles, todo acontece en medio del ritual entre los sonidos y los silencios. La conexión en cada poema devela la energía de la vida como en “Redoble”: “El sonido lejano de un tambor/ es humo/ de estrellas. (22); y en el poema “Por la madrugada”, el comienzo es en comunidad, pero el verdadero lugar que anuncia el sonido es el color de la mañana, lo que no habla, pero
guía y conecta con las palabras precisas: “El fuego iluminó a su alrededor rostros/ de mujeres y hombres/ observa la pila de piedras/despierta la memoria del volcán/la hoguera/ anuncia el amanecer/el sonido del caracol. / El sol ha descendido a la tierra.” (23) Si bien, la percepción de los árboles, el sol, el viento, el agua, la naturaleza y sus colores, develan poemas que confluyen hacia un diálogo, como en “Graznido”, donde el sonido “Or-
dena una voz dentro de mí” (38). Nos dice Claire Marín: “La escritura es mi ‘verdadero sitio’ […] Y es probable que el verdadero sitio esté habitado desde hace tiempo, en un plano invisible, conforme a una línea melódica secreta que solo el sujeto puede oír” (94,95). Hay rituales que nos hablan desde la oralidad de los grupos indígenas con su sabiduría y resistencia desde territorios que resuenan con una libertad poética y vivencial de esa secreta línea melódica.
“Desde hace dieciséis años, en el rancho Los Morales, en la Sierra de Cardos, municipio de Jerez, Zacatecas, se ubica una Kiva, centro ceremonial de excavación circular que representa a la Madre Tierra. […] En el lugar que señaló la estrella, de 2011 a 2014, se llevaron a cabo consecutivamente el inipí y la Búsqueda de visión o visión Quest, dos ritos fundacionales de la cosmovisión de los pueblos indígenas de América del norte”. (Arredondo, 2026, 57, 58).
1 Premio Nacional de Poesía Ramón López Velarde (2014), el Premio Dolores Castro de Poesía en Narrativa y Ensayo (2014) y el de Pub House Press de Quebec (2020). Algunos libros previos son Spoiler Alert (2022), Damas errantes (2019), Ese cuerpo no soy (2015), Verde fuego de espíritus (2014) y Desparpajados (2012).
*** G. Arredondo, Verónica. Visión Quest. México, Espina Dorsal, 2026. Marin, Claire. Estar en su lugar. Barcelona, Anagrama Argumentos, 2024.
9 de noviembre de 2026
Diásporas y migraciones León Felipe y Baudelio Camarillo, poetas siempre en tránsito 6 Por Juan Manuel Bonilla Soto
II Las migraciones de Baudelio Seguramente es bueno tener una patria, una casa, un sillón de cuero, un abuelo y una espada. Pero debe ser mejor tener un reino y en esa lógica, mucho mejor tener memoria y voluntad para referirlo. Mientras que el viaje de Felipe fue obligado, los de Baudelio, han sido voluntarios y orientados por el gusto. Él es tamaulipeco, sí, pero también es sanmarqueño y guanajuatense: esas tres insignias luce el poeta. Sus gentilicios son un coro que siempre lo hace visible. En San Marcos, Baudelio, que siempre tuvo sed, descubrió otras exigencias de la resaca. Ahí, desde la inauguración de esos reclamos miraba a las mujeres y escribía de noche y en algún momento de tranquilidad, el poeta recuerda que tuvo una hermosa que le trajeron abismos y horizontes. En la lírica de la soledad también hay erotismo: cuatro brazos, Esther, y cuatro piernas: un solo nudo firme para amarrar la tarde a nuestro lecho antes de que la noche nos separe… Hay tiempo también en cada estrofa destinado para estrechar los círculos que tienden vínculos de paz con la familia: Mi Madre es la mujer más sabia de este reino. / Mi amada es la más bella. / Una me ha alimentado para que en la batalla sea el guerrero más fuerte. / La otra me ha embriagado para que en la batalla/ no sienta las heridas. En la anterior cita, el binomio madre-amante es una muestra de la encarnación de la mujer en palabra, no hay ambages ni equívocos para que su potestad establezca el imperio dual y compartido en la vida del poeta. El amor filial
es otra atalaya desde la que Baudelio contempla el flujo de la vida: Hacia las tres de la mañana llegábamos a casa de mi madre/ sin ningún sobresalto;/ si acaso el vuelo de una bruja, / una estrella fugaz, / algún fantasma… La vida es una sucesión de recuerdos y adquiere plenitud cuando los verbalizamos, todo eso porque sabemos que siempre estamos a la mitad de un puente, / y nos duele la forma como nos toca el viento, / (entonces sabemos que) se necesita de un amigo/ con quien hablar del agua/ que se aleja. Aunque Baudelio pronto emprendió el camino y en apariencia optó por otros rumbos, sabemos que el barro que ahora somos/ se amasó con esta agua/ y el aliento de Dios/ no pudo desprendernos de esta tierra. III Baudelio, el anfibio Baudelio es un anfibio. Viene del agua y mucha de su poesía es un rito evocativo de la misma. Algún septiembre de su vida, el río de su infancia se hizo polvo y él aprendió muy pronto a aclimatar las exigencias de su temperamento a una ardentía reseca y quemante. Pero no todo es desolación, esos páramos calcinantes también le ofrecen viáticos renovadores: Como un oasis sobre la arena inmensa de los días/ apareces de pronto… Ahora su cuerpo y su pensamiento son regidos por el semidesierto, y por otra de sus constantes líricas: la evocación de sus Ellas. Las voces que escucha, esas formas de revelación le resultan sorpresivas, hay cierta resistencia para creer en tanta magia: ¿Será verdad el agua que me ofreces?... y el poeta sólo expone esa reserva como un recurso retórico para ser más verosímil. El ritmo de su expresión no pierde la calma, aunque las aguas de este río cruzan de Este a Oeste nuestro sueño y es muy probable que el estado onírico le haga menos complicada la presencia constante de las encrucijadas y marque un ritmo que ya no es desconocido por el poeta y entonces el erotismo fluye, húmedo y festivo como sus evocaciones que ahora adquieren estatus declarativo y sin titubeos asegure que (pudiera bastar) un solo nudo firme para amarrar la tarde a nuestro lecho. Desde su resaca apabullante, Baudelio descubrió su urgencia de agua, pero de ésa que brota de otros manantiales asegura sin sonrojarse siquiera que miraba con sed a las mujeres y esos borbotones no son sólo carne sino formas distintas de amanecer, son luz del alba y son lecho de río y tierras áridas y son la extensión de su voz en las que jamás ha sido intruso sino que son luna y estrellas bebidas a sorbos. Otro caudal en el que el poeta navega es la piel de la mujer. El hombre expresa como sufre, el poeta no miente, no al anhelo de Luz Camila y confiesa que hay una herida/ en mi costado izquierdo/ que parece/ cada vez más un precipicio/ y hacia el cual muchas veces/ he intentado arrojarme. No lo hace, sabe muy bien que el rojo más intenso de mi sangre viene de esos crepúsculos. Toda la poesía de Baudelio, nos consta ahora una vez más, es reconocida este 2026 con el Premio Internacional de Poesía Jaime Sabines.
Poesía
I
. La diáspora de León La naturaleza del poeta verdadero no tiene vocación de claustro. Hay quienes desde la voluntad siempre se están yendo; otros en cambio, emprenden rutas obligados por circunstancias ajenas a su voluntad, pero no dejan de irse. ¡Qué lástima que yo no tenga comarca, patria chica, tierra provinciana! Ah, cuánto dolor encierra las palabras del hombre expulsado de su tierra. La palabra lástima adquiere una connotación superlativa. Un hombre sin patria equivale a un hombre sin madre; es un huérfano desamparado que sólo tiene el llanto como refugio, no como consuelo. pasé los días azules de mi infancia en Salamanca, y mi juventud, una juventud sombría, en la montaña… Ay, cuánta sombra en ese canto. Cuánta noche cubre el corazón del poeta. Igual de lastimoso que no tener una casa solariega o un sillón viejo de cuero ... Y, el colmo de la orfandad, el recuerdo hiriendo el alma del poeta con cada uno de sus filos en el exilio, en una tierra en donde tal vez la sangre de sus venas no florezca.
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LA GUALDRA NO. 740
El itinerario de la intemperie: cien años de Blanca Varela [Parte 2 de 3]
Poesía
6 Por J. J. Ventura
P
ara comprender el calibre de la autonomía de la voz de Blanca Varela es necesario contrastar las dos grandes estaciones que enmarcan el viaje de su escritura: el fulgor auroral de Ese puerto existe (1959) y la madurez descarnada de Canto villano (1978). En ese arco temporal se despliega un proceso de depuración único en nuestra lírica, un tránsito que va desde la asimilación libre del surrealismo hasta su superación definitiva a favor de una lucidez sin concesiones. En su primer libro, la huella de la vanguardia es palpable, pero nunca asumida de forma dogmática. Varela utiliza la libertad de la imagen no como un juego de pirotecnia verbal, sino como un mecanismo de exploración interior. Su surrealismo es el de la vigilia: una marea de imágenes densas donde el paisaje marino de su infancia sufre una metamorfosis extraña y los objetos cotidianos se cargan de un magnetismo inquietante. Hay en estos primeros poemas un aliento que permite sentir el canto, una fascinación por lo sagrado y una exploración del lenguaje que busca nombrar a través del exceso. El puerto existe, sí, pero como un territorio suspendido entre el mito y el sueño. Sin embargo, el rigor de su escritura no podía encallarse en la comodidad de una sola escuela; su evolución es la historia de una palabra que se despoja de etiquetas y que afirma su individualidad en entregas posteriores como Ejercicios materiales. Al llegar a Canto villano, el panorama cambia: el surrealismo ha sido digerido y trascendido; la mirada ya no busca el cielo del mito, sino la corteza de la realidad. Si en sus inicios la palabra era un velo que envolvía el misterio, en su madurez la palabra respira la existencia hasta dejar sentir la vida misma. El aliento lírico se vuelve breve, cortante, de una sobriedad iluminadora. Nuestra poeta renuncia a la complacencia para instalarse en la intemperie de lo cotidiano. Desaparece la distancia mítica y aparece el cuerpo, el hambre, el desencanto y la persistencia del dolor frente a un mundo que se experimenta sin anestesia. El poema, además de cantar, testifica con la honestidad de su voz. La carga de una palabra como villano radica precisamente en su renuncia a la
universo que no ofrece consuelos ni misticismos— y la transforma en una postura ética de dignidad inquebrantable. Existir, para Blanca Varela, es persistir en la búsqueda. Su poesía, en última instancia, no busca evadir el dolor, sino enseñarnos a mirarlo de frente, sin parpadear, demostrando que en el reconocimiento de nuestra fragilidad radica nuestra mayor libertad lírica. Esta cartografía se enriquece hoy con las lecturas de Carmen Ollé y Gabriela Wiener, los análisis de Gonzalo Portocarrero y Ethel Barja en la edición conmemorativa, y la síntesis entrañable de Piedad Bonnett, quien lo resume con precisión ejemplar: «Mi poeta más entrañable es Blanca Varela, una poeta peruana que da la sensación de dificultad al leerla, pero cuando te metes en sus palabras, te revela un mundo extraordinario».
Foto del FB de Archivo Blanca Varela.
nobleza de las ilusiones poéticas; es una poesía que se sabe terrestre, expuesta, y en esa desnudez formal y conceptual alcanza su fisonomía y su libertad absoluta. Esa soberanía conquistada a fuerza de despojo se convierte en el instrumento capaz de explorar los pliegues más ásperos del lenguaje. Al liberarse de los compromisos con las modas de su tiempo, logra fundar una mirada propia sobre los grandes misterios de la existencia: el cuerpo, la piel y la noche, como se aprecia más tarde en El libro de barro. Estos temas no son abstracciones metafísicas, sino realidades carnales que se experimentan siempre desde la intemperie. Lejos de las idealizaciones románticas o de los cánones de la lírica confesional tradicional, Varela aborda la corporalidad desde su dimensión más terrenal. En esa crudeza habita también su fuerza ava-
salladora: al desmitificar la carne, la dota de una verdad incontestable. El cuerpo se vuelve un espacio de resistencia; dudar de él es dudar de la vida misma, y Varela lo registra con la precisión de quien sabe que la piel es nuestra primera y última frontera con lo real. La noche en su obra no funciona como el refugio del sueño o el decorado de la melancolía, sino como el espacio de la vigilia absoluta. La noche de Varela es lúcida, fría, una intemperie del alma donde se suspenden las certezas del día. Es en la oscuridad donde el lenguaje se tensa y se limpia, donde la poeta dialoga con el silencio y descubre que el vacío no es una ausencia, sino una presencia con la que hay que aprender a habitar. La noche es el revés del espejo: el lugar donde caen las máscaras para dejar al descubierto la desnudez del individuo. Su voz asume una orfandad radical —la certeza de que estamos solos en un
II Como tema inagotable, siempre he creído que un solo poema puede ser el mejor vehículo para adentrarse en la órbita de una poética, y el caso de Blanca Varela no es la excepción. Su obra posee piezas fundamentales que reflejan el movimiento de su pensamiento; entre ellas, he elegido, por su complejidad, su fulgor y la fidelidad con que retrata esta etapa de su trayectoria, «Camino a Babel». Compuesto por siete apartados, leído de manera integral es un texto excepcional y el ejemplo idóneo para comprender la arquitectura de su madurez. Es a través de este poema que Varela nos permite adentrarnos en el corazón de la paradoja vareliana. Existe la tentación inicial de recurrir a composiciones canónicas como «Canto villano» o «Casa de cuervos»; sin embargo, «Camino a Babel» termina por imponerse. Si bien el mito bíblico de Babel representa la soberbia humana castigada con la confusión de las lenguas, en manos de la poeta el trayecto se invierte: el poema no es el lamento por la pérdida de un lenguaje único, sino la crónica lúcida de quien camina conscientemente hacia la fragmentación y el silencio.
[Continuará]
Ver parte 1 en La Gualdra 739 https://issuu.com/lajornadazacatecas.com.mx/docs/la_gualdra_739, p. 8.
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9 de noviembre de 2026
El Café de Nadie, una ensoñación poética 6 Por Juan Carlos Macías Berumen
Libros
Arqueles Vela, El Café de Nadie, 1926.
E
l café ha sido uno de los espacios más poéticos y subversivos de la modernidad. Más allá de su dimensión histórica y material, es experiencia vivida, soñada e imaginada. Arqueles Vela explora estos atributos y los despliega en El Café de Nadie (1926), texto breve, de género incierto, una especie de prosa poética surgida en un contexto de vanguardia artística, en el México posrevolucionario. Hay en El Café de Nadie una singular estética y rareza, desbordante de metáforas que constituyen un espacio poético, extraño y cautivador. En contraposición con el acelere del exterior, que bien podría representar la vida moderna, el interior del café es un lugar silencioso, ilógico y solitario, en donde el tiempo apenas y transcurre, un espacio otro que le da
cabida a la contemplación. Es un texto desconcertante que tiene como referencia el Café Europa, un establecimiento ubicado en la colonia Roma, de la Ciudad de México. Era un sitio pequeño, vetusto, solitario y desconocido que, durante los años veinte, trascendió como Café de Nadie, a partir del imaginario que los estridentistas configuraron y que se consolidó en el texto de Arqueles Vela, publicado en 1926. De espacio material devino espacio ficticio, mediante la fascinante alquimia de la literatura. Entre sus páginas, alberga un posicionamiento estético y político de la imaginación. En medio de una realidad convulsa, que exalta y estetiza la velocidad, los anuncios publicitarios, la fugacidad y toda clase de artefactos eléctricos, Arqueles Vela invierte la fórmula y le apuesta al si-
Ramón Alva de la Canal. El Café de Nadie. 1930.
lencio, la soledad, la contemplación y la reflexión. Ir al café es una forma de interrumpirse y abandonarse momentánea e íntimamente de la realidad. Para aproximarse al texto es preciso distenderlo todo. Leer al margen y entre líneas, entregarse a la vorágine de imágenes y metáforas que pueblan las páginas de El Café de Nadie. Desde el inicio, se establece una oposición entre dos mundos, por un lado, se encuentra la avenida, descrita como la “más tumultuosa”; por el otro, “trasponiendo sus umbrales […], parece que se entra al "subway" de los ensueños, de las ideaciones”. La metáfora del subway resulta interesante, pues cabe recordar que en los años veinte el metro era uno de los símbolos modernos más significativos de la gran ciudad; sin embargo, en este mundo no conduce a
las estaciones habituales, sino a los ensueños y las ideaciones, acaso una representación del quehacer artístico y de la actividad imaginante. Con una singular sensibilidad poética y estética, Arqueles Vela hace de sus tardes de café una ensoñación poética. La ensoñación del café deviene del esfuerzo por encontrar las palabras e imágenes precisas, que le den al espacio ese valor onírico, que trastoca las percepciones inmediatas. Leer El Café de Nadie es una invitación a formar parte de la acción imaginante del autor, abrirse a la palabra y encontrar, más que significados, nuevas sensaciones e imágenes que se suscitan del lenguaje literario. El imaginario tradicional del café se ve transgredido y resignificado en un texto cuya rareza evidencia las contradicciones de la vida moderna.
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LA GUALDRA NO. 740 / 9 de noviembre de 2026
Wildwood: El Bosque Salvaje, de Travis Knight
Cine
6 Por Adolfo Nuñez J.
E
l cine de animación, a menudo categorizado (de manera errónea) como un género, ha permitido, en sus múltiples técnicas y manifestaciones, reflexionar sobre cuestiones y problemáticas inherentes a la experiencia humana. En años recientes, se han estrenado diversas producciones que han fascinado al público por sus sendas meditaciones sobre el sentido de la existencia, las conexiones emocionales y la forma en la que los humanos nos relacionamos con la muerte, entre muchos otros temas. Lo que estas cintas han evidenciado, en distintas formas y medidas, es que el cine animado no se debe limitar ni encasillar como exclusivo para el mercado infantil, pues cuenta con la posibilidad de abarcar un sinfín de temas e inquietudes que resuenan de manera universal, sin importar la edad de los espectadores. A la galería de películas con dichas características se puede sumar, como propuesta más reciente, Wildwood: El Bosque Salvaje (2026), último largometraje de Travis Knight, producido por el estudio Laika, responsable de filmes como Coraline (2009), Paranorman (2012) y Kubo and the Two Strings (2016), entre otros. El resultado final representa el esfuerzo más ambicioso de dicho estudio hasta el momento, logrando así, uno de los trabajos más deslumbrantes en lo que a la técnica de animación cuadro por cuadro se refiere. Basada en la novela homónima de Colin Meloy, la película sigue la historia de Prue (Peyton Elizabeth Lee), una adolescente que, en un inofensivo paseo por el parque, presencia el misterioso secuestro de su hermano menor Mac, a garras de una bandada de cuervos. Decidida a encontrarlo, la joven se adentra en el bosque que le da título a la cinta, ingresando así en un territorio fantástico ubicado en las afueras de Portland, donde habitan comunidades de animales parlantes y distintas facciones que se disputan el control de la región. Acompañada por su amigo Curtis (Jacob Tremblay), Prue emprenderá una travesía en la que, además de sortear numerosos peligros, también deberá descubrir los secretos que se esconden en el interior de ese lugar. De una manufactura impecable, Knight, en compañía de su equipo de animadores, eleva la animación cuadro por cuadro hacia nuevos estándares, dotando a cada escena de textura, movimiento y expresividad. De tal forma, cada encuadre que confor-
ma a la cinta se encuentra repleto de un sinfín de detalles, que están presentes en los múltiples escenarios donde se desarrolla la historia, así como en el diseño de los personajes,
sus vestuarios, sus movimientos y expresiones faciales. En el ámbito narrativo, la cinta recurre a una estructura arquetípica, propia de los relatos de aventuras y
fantasía. Con todo, esto no impide que Knight logre generar momentos interesantes en la construcción de sus personajes. La película evita caer en lugares comunes, permitiendo que tanto los protagonistas como los antagonistas se desenvuelvan dentro de una escala de grises. De tal manera, incluso quienes representan una amenaza dentro del relato, cuentan con motivaciones sólidas, relacionadas con el dolor, la pérdida y la incapacidad de aceptar la resignación ante eventos que no se pueden cambiar. El realizador también integra, con bastante ingenio y creatividad, cuestiones relacionadas con la colonización y la lucha por el poder, encarnadas en los múltiples conflictos que hay entre las distintas comunidades del bosque. De esa manera, más allá de ser una clásica historia de aventuras y escapismo, la cinta de Knight trasciende hacia otros terrenos, al plantear una urgente y poderosa reflexión sobre la unión, resistencia y libertad frente a la subyugación de figuras represivas. En ese sentido, es de una especial relevancia que una película como ésta, con todas sus peculiaridades, sea realizada mediante el trabajo de artistas reales, en un panorama donde la inteligencia artificial comienza a ocupar y limitar cada vez más los espacios dentro de las industrias creativas. Wildwood: El Bosque Salvaje es un valioso recordatorio de que la animación, como cualquier expresión artística que valga la pena, es un ejercicio de paciencia, imaginación y sensibilidad inherentemente humana.