SUPLEMENTO CULTURAL
NO. 529 /// 30 DE MAYO DE 2022 /// AÑO 11
DIR. JÁNEA ESTRADA LAZARÍN
Ruben Östlund. Foto cortesía del Festival de Cannes 2022.
La película Triangle of sadness, del director sueco Ruben Östlund, fue la ganadora de la Palma de Oro en esta edición del Festival de Cannes 2022. Östlund lleva su sátira hasta cimas dantescas, explotando todos los recursos humorísticos, hasta los más bajos impulsos, infligiendo a sus personajes la misma violencia con la que el capitalismo tritura a la sociedad, reduciéndola a desechos. En su película, la profundidad no es sinónimo de sutileza, sino de intensidad de la explosión.
[Especial del Festival de Cannes 2022. Corresponsales: Carlos Belmonte y Sergi Ramos]
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LA GUALDRA NO. 529 /// 30 DE MAYO DE 2022 /// AÑO 11
Contenido
La Gualdra No. 529
Editorial
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e nueva cuenta, este año La Gualdra estuvo presente en el Festival de Cannes, ahora en su edición 75. Nuestros corresponsales, Carlos Belmonte Grey y Sergi Ramos, se dieron a la tarea de ver la mayor cantidad posible de películas durante los días que duró este que es uno de los festivales más importantes del mundo cinematrográfico, y tuvieron la fortuna de estar en la proyección de varias de las películas premiadas el pasado 28 de mayo. En esta edición especial gualdreña, compartimos con ustedes los comentarios sobre una conferencia en la que participó nuestro querido cineasta mexicano Guillermo del Toro y a la que Carlos llegó por una de esas extrañas coincidencias que suelen ocurrir de vez en cuando. Asimismo, podrá usted ver en este número 529, las reseñas de las películas siguientes: Goya, el ojo que escucha, un documental de José Luis López Linares; Triangle of sadness, de Ruben Östlund, ganadora de la Palma de Oro; Tori y Lokita, de los hermanos Dardenne, ganadora del Premio Especial 75 aniversario de Cannes; Stars at noon, de Claire Denis, ganadora del Gran Premio (ex æquo); Les pires, de Lise Akoka y Romane Gueret, ganadora del Premio Una Cierta Mirada; Fogo Fátuo / Fuego Fatuo, de João Pedro Rodrigues, participante en La Quincena de Realizadores; Polaris, el documental de Ainara Vera, participante en la sección ACID; Singin’ in the rain, la versión restaurada en la sección Cannes Clásicos, que fue presentada por la viuda de Gene Kelly, Patricia Ward Kelly; Pacifiction, de Albert Serra, participante en la Competición Oficial; RMN, de Cristian Mungiu, película de la Sección Oficial; y finalmente, una entrevista con Andrés Ramírez Pulido, director de La jauría, película ganadora del Gran Premio en La Semaine de la Critique. Carlos Belmonte y Sergi Ramos, nos comparten el palmarés completo y sus comentarios finales: “Terminó la 75 edición del Festival de Cannes con una Palma de Oro que llamó la atención por su osadía y sátira política. Un jurado caracterizado por una repartición política y democrática de los premios, con un par de ‘empates’ y sin películas con doble premio. Esta edición de Cannes se distinguió, en lo que pudimos apreciar, por dos cosas: una precaución por el choque visual casi temeroso de mostrar visualmente sexo y violencia; y segundo, una tendencia al uso de artilugios del cine serie B y excesos narrativos en duración y retóricas. La vuelta a lo presencial en el Festival más grande del mundo fue agradable. Del IMCINE no hubo presencia, películas tampoco. Filma en Jalisco puso su stand en el mercado del cine y se asumió bajo el slogan Jalisco es México.
Guillermo del Toro y fue el centro de un conversatorio sobre el tema ‘Qué será del cine y qué es el cine ahora’. En los premios, Latinoamérica estuvo presente gracias a La jauría, de Andrés Ramírez Pulido, que ganó el Premio de la Semana de la Crítica. Aquí la lista de premiados:
Guillermo del Toro en conferencia sorpresa en Cannes: El futuro del cine Por Carlos Belmonte Grey Goya, el ojo que escucha [Un documental de José Luis López Linares en el Festival de Cannes] Por Carlos Belmonte Grey
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Competencia Oficial Palma de Oro: Triangle of sadness, de Ruben Östlund. Gran Premio, ex æquo: Close, de Lukas Dhont; Stars at noon, de Claire Denis. Premio a la Mejor Dirección: Park Chan-wook, por Decision to leave. Premio al Mejor Guion: Tarik Saleh, por Boy from heaven. Premio del Jurado ex æquo: Le otto montagne, de Felix van Groeningen y Charlotte Vandermeersch; y Eo, de Jerzy Skolimowski. Premio Especial 75 aniversario: Jean-Pierre y Luc Dardenne, por Tori and Lokita. Premio de Interpretación Femenina: Zar Amir Ebrahimi, por Holy spider, dirigida por Ali Abbasi. Premio de Interpretación Masculina: Song Hang Ko, por Broker, dirigida por Kore-Eda Hirokazu.
A cañonazos contra el capitalismo: Triangle of sadness, de Ruben Östlund [Ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2022] Por Sergi Ramos Tori y Lokita, de los hermanos Dardenne [Película ganadora del Premio Especial 75 aniversario de Cannes] Por Carlos Belmonte Grey
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Cuerpos amorosos: Stars at noon, de Claire Denis [Gran Premio (ex æquo) en el Festival de Cannes] Por Sergi Ramos Una mirada lúcida: Les pires / Los peores, de Lise Akoka y Romane Gueret [Premio Una Cierta Mirada, en Cannes 2022] Por Sergi Ramos
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Fogo Fátuo / Fuego Fatuo, de João Pedro Rodrigues [en La Quincena de Realizadores de Cannes 2022] Por Carlos Belmonte Grey Polaris: un documental de Ainara Vera [en la sección ACID, del Festival de Cannes 2022] Por Carlos Belmonte Grey
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Singin’ in the rain: versión restaurada en Cannes Clásicos [La película fue presentada por la viuda de Gene Kelly, Patricia Ward Kelly] Por Carlos Belmonte Grey Infierno en el Pacífico: Pacifiction, de Albert Serra [en la Competición Oficial por la Palma de Oro] Por Sergi Ramos Tensiones hacia el este: RMN, de Cristian Mungiu [Sección Oficial del Festival de Canes 2022] Por Sergi Ramos
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Hacia la redención: Entrevista con Andrés Ramírez Pulido, director de La jauría [Película ganadora del Gran Premio en La Semaine de la Critique, en Cannes 2022] Por Sergi Ramos
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Una cierta mirada Premio Una Cierta Mirada: para Les pires, de Lise Akoka y Romane Gueret. Premio del Jurado: Joyland, de Saim Saqid. Premio Mejor Dirección: Metronom, de Alexandru Belc. Premio Mejor Guion: para Mediterranean fever, de Maha Haj. Premio a la Mejor Actuación: Vicky Krieps, en Corsage; y Adam Bessa, en Harka. Premio Especial del Jurado: Rodéo, de Lola Quivoron. Semana de la Crítica Gran Premio: La Jauría, de Andrés Ramírez Pulido. Premio del Toque Francés del Jurado: para Aftersun, de Charlotte Wells. Premio Revelación de la Fundación Louis Roederer: para Dalva, de Emmanuelle Nicot”.
Directorio
Gracias, Carlos, gracias, Sergi. Que disfrute su lectura. Jánea Estrada Lazarín lagualdra@hotmail.com
Carmen Lira Saade Dir. General Raymundo Cárdenas Vargas Dir. La Jornada de Zacatecas direccion.zac@infodem.com.mx
Jánea Estrada Lazarín Dir. La Gualdra lagualdra@hotmail.com Roberto Castruita y Enrique Martínez Diseño Editorial
La Gualdra es una coproducción de Ediciones Culturales y La Jornada Zacatecas. Publicación semanal, distribuída e impresa por Información para la Democracia S.A. de C.V. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta publicación, por cualquier medio sin permiso de los editores.
Juan Carlos Villegas Ilustraciones jvampiro71@hotmail.com
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t Por Carlos Belmonte Grey
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veces tener algunas horas libres dentro del palacio del Festival de Cannes puede dar increíbles sorpresas. El 24 de mayo, cuando pasaba frente a la sala de conferencia de prensa, una edecán me propuso entrar a la conferencia, me dijo: “¿No quiere pasar? Entre, si no le gusta puede salir, verá cineastas”. Pensé que sería un encuentro de jóvenes cineastas en taller de creación. Uno entra siempre por detrás del estrado y ve a los participantes de espalda; escuché una voz ronca de un personaje gordito, y a su lado, al delegado general del Festival de Cannes, Thierry Frémaux (cuando él está es que hay algo), y ya entonces sí que entré: era Guillermo del Toro en conferencia para algunos periodistas. “El futuro del cine está ahí, aquí en las salas de cine. Yo había visto varias veces Vértigo en video, y fue hasta que lo vi en una pantalla de cine que pude entender la película y las escenas. El cine es una experiencia en las salas de cine”, afirmaba cuando me senté. Terminó su comentario y Frémaux cerró
t Por
Carlos Belmonte Grey
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n Cannes hay un documental que incluye tres artistas, dos españoles y un francés, que han marcado la historia de las representaciones visuales de América, México y España: Goya, Luis Buñuel y Jean-Claude Carrière. El título que le quiso dar el director, las ventas internacionales lo han cambiado: Goya, Carriere and the ghost of Buñuel; estrategias de venta. Goya, el ojo que escucha es un documental de José Luis López Linares que aparece en la Selección Oficial del Festival de Cannes, en la sección Cannes Clásicos/Documentales, y que tenía la intención original de ser un documental sobre la pintura de Goya escrito por Carrière pero no sucedió como lo pensó López Linares. El título del documental se debe a que el pintor estaba completamente sordo y aprendió el
/// Guillermo del Toro en el Festival de Cannes 2022. invitando a Claude Lelouche. El cineasta francés se levantó de la primera fila; yo estaba ahí, pero en una orilla. Y al voltear vi una línea de cineastas leyendas: Michel Hazanavicius, Costa-Gravas, Gasper Noe, Robin Campillo y Paolo Sorrentino (espero no olvidar a otros, porque tuve que salir de la sala a los 30 minutos, iba a una película).
Lelouche subió, acompañó a Del Toro, y respondió a la misma pregunta: ¿qué es el cine ahora y cuál es su futuro?: “El cine no deja de crecer. Dicen que yo formo parte de la generación de la Nouvelle Vague (La nueva ola), pero cada generación tiene una nueva ola porque construye algo. Ahora de lo que se trata es de hacer que la cámara siga
siendo la estrella de las películas. Las salas de cine tienen futuro porque la gente terminará por cansarse de ver series en su teléfono y computadora. Un filme de Tati, por ejemplo, no se puede ver más que en el cine, porque su cine nos hace ver los detalles a lo largo de toda la pantalla. Ahora estamos sufriendo la dictadura de las series que se apoyan en primerísimos planos de los personajes. Mientras que los grandes planos de conjunto y las panorámicas son la democracia de la imagen porque el espectador puede elegir a dónde ver”. Frémaux agradeció y llamó ahora a Costa Gravas, quien añadió: “El cine continuará porque la gente siempre necesita historias. Y las historias que cuenta el cine son en la pantalla grande. A pesar de que mi hijo [Romain Gravas] esté haciendo series en las plataformas”. El encuentro de cineastas fue un evento sorpresa a manera de coloquio que se supone tiene el objetivo de reflexionar qué es el cine ahora y cuál puede ser su futuro frente a las plataformas. Recordemos que Cannes es un festival que se opone a programar películas que no tendrán salida en salas de cine.
Goya, el ojo que escucha [Un documental de José Luis López Linares en el Festival de Cannes] lenguaje de señas, algo que dejó huella en su cuadro “La Duquesa de Alba” (1795) cuya posición en la mano parece referirse a la “G” de Goya. Esta interpretación la hace Jean-Claude Carrière en su recorrido por el Museo del Prado al pararse frente al cuadro. Resulta que el director había pedido el coguionista de Buñuel escribir el guion del documental, pero él propuso aparecer él mismo en el documental y hacer las explicaciones: “Dijo que prefería no hacer el guion sino participar en la película. Rodamos en el otoño del 2019”, comentó López Linares en la terraza de periodistas del Palacio del Festival. Entonces sin preparar nada se fueron a Madrid y entraron al
/// José Luis López Linares museo: “Estaba muy bien de salud, una velocidad, una memoria prodigiosa. No preparamos nada, el rodaje era que él iba al Prado
y no sabíamos en qué cuadro se iba parar. Lo seguíamos con dos cámaras. El momento en cuanto llegaba ahí, y con esa capacidad
de hilar cosas, y decía cosas. En el museo estuvimos dos días”, responde a la pregunta obvia por la impresión que causa de ver la vitalidad del guionista. La figura de Buñuel no estaba prevista en el documental, pero conforme iba trabajando con Jean-Claude se vio inevitable integrarlo en la narración, porque contaba constantemente anécdotas de él, además de que habían ido a filmar a Zaragoza, justo en los sitios que caminaron juntos hace ya 50 años. El proyecto tardó dos años en terminarse. Y se precipitó con la muerte de Carrière el 8 de abril del 2021, sin dar tiempo del cierre. Entonces tuvo que aparecer su viuda para hacer las referencia y el homenaje a Carrière, y todo se volcó hacía él. Un documental clásico pero que seguramente se convertirá en testimonio de la riqueza intelectual de uno de los grandes guionistas hispanoamericanos de adopción.
Festival de Cannes 2022
Guillermo del Toro en conferencia sorpresa en Cannes: El futuro del cine
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LA GUALDRA NO. 529
A cañonazos contra el capitalismo:
Triangle of sadness, de Ruben Östlund Festival de Cannes 2022
[Ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2022]
/// Fotograma de Triangle of sadness, ganadora de la Palma de Oro 2022.
/// Fotograma de Triangle of sadness, ganadora este 2022 de la Palma de Oro en Cannes
t Por Sergi Ramos
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espués de The Square, sátira sobre el mundo del arte contemporáneo, ganadora de la Palma de Oro en 2017, el director sueco Ruben Östlund apuntó su arma hacia el capitalismo en Triangle of sadness, presentada en la competición oficial y ganadora de la Palma de Oro en esta edición del Festival de Cannes 2022. El espejismo de la pasarela El título (Triángulo de la tristeza) remite a la parte de la cara situada entre las cejas y la nariz, pero también a los tres vértices sobre los cuales se estructura la historia. En una de las primeras secuencias, un casting para un desfile de moda con modelos masculinos,
t Por Carlos Belmonte
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ori y Lokita es la nueva película de Jean-Pierre y Luc Dardenne, los hermanos Dardenne, y como ya es habitual en ellos estuvo en competencia por la Palma de Oro del Festival de Cannes. Los hermanos Dardenne siguen leales a sus temas, preocupaciones y dispositivos narrativos: los conflictos sociales ligados a políticas públicas y los sectores sociales más vulnerables: “El mundo de los más débiles. Porque eso nos interesa, y eso es lo que
/// Fotograma de Tori y Lokita, de los hermanos Dardenne.
los responsables le indican a Carl, uno de los protagonistas, que deje de fruncir el ceño cuando desfila, para borrar literalmente la tristeza en el mundo de apariencias construido por la moda, y su cosmética búsqueda de legitimación cultural y ética a golpe de eslóganes huecos. Pero ese triángulo designa también los tres capítulos que componen la película. El primero se centra en el mundo de la moda y en los nuevos modelos aparecidos con las redes sociales. Aquí entra en escena Carl, modelo demasiado viejo ya a pesar de tener apenas veinte años, y Yaya, su novia influencer. Su relación sirve para burlarse de los modelos económicos que permiten su supervivencia, y en particular a través del prisma del género, cuando Carl le reprocha a Yaya que ella nunca pague la cuenta del restaurante,
lo que se convertirá en uno de los hilos cómicos que Östlund estira todo lo que puede durante la película. Tocado y hundido La segunda y tercera parte amplían el campo de batalla, al ubicarse en un crucero para supermillonarios. El realizador sueco desata entonces una tempestad satírica contra la acumulación de riqueza, con un crescendo y clímax altamente escatológicos, orquestados por un oligarca ruso anticomunista y un capitán de barco marxista estadounidense. En el último capítulo, después de que el crucero haya naufragado, los supervivientes se encuentran en una isla desierta donde los estatus de poder se invierten de manera carnavalesca, retomando la cuestión de género
planteada al inicio por Carl, dándole la vuelta. Una sátira explosiva Östlund lleva su sátira hasta cimas dantescas, explotando todos los recursos humorísticos, hasta los más bajos impulsos, infligiendo a sus personajes la misma violencia con la que el capitalismo tritura a la sociedad, reduciéndola a desechos. En su película, la profundidad no es sinónimo de sutileza, sino de intensidad de la explosión. Como un panfleto, busca la eficacia. ¿Son compatibles la sátira y el matiz? Östlund ha elegido su bando, aunque no todo se reduzca a la hipérbole, y vaya elaborando filigranas formales y continuidades temáticas subterráneas. En cualquier caso, si consideramos que la base de la sátira es la risa, aquí la cosa funciona.
Tori y Lokita, de los hermanos Dardenne [Película ganadora del Premio Especial 75 aniversario de Cannes] queremos comprender”, comentaron en la conferencia de prensa. Alguien podría decir, bueno, ver una película de ellos ya sabemos lo que es, y también diríamos que son unos de tantos que tratan estos mismos tópicos. Nosotros responderíamos sí a las dos afirmaciones, pero ellos tienen la sensibilidad para filmar la inocencia de las miradas; retomo un párrafo escrito por el colega Ángel Quintana de los Caiman cuadernos de cine:
“Las instituciones sociales con sus protocolos no ofrecen salidas a los recién llegados, las mafias operan convirtiendo a los emigrantes en carne humana y la insolidaridad se pone de manifiesto en el ambiente, en aquellos que no quieren pararse en la carretera para ayudar a los otros… Es en la reivindicación de esa inocencia dentro de un mundo sin inocencia donde se halla la clave de la película”.
Tan es predecible saber de qué va su cinta que estando sentados ya en el Gran Teatro Lumière del Palacio del Festival, esperando que entraran los actores para la premier, vimos caminar a los dos actores principales, el niño Pablo Schils y la joven Joely Mbundu, ambos de color y actores no profesionales. Entonces pudimos entender que sería una cinta de migración. Los personajes se suponen hermanos
/// Los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, directores de Tori y Lokita.
inmigrantes en Bélgica, ella tratando de tener papeles para trabajar y él tratando de continuar la escuela pero ya con papeles porque es un menor refugiado. La violencia sobre ellos no viene solo del mundo de la mafia que los obliga a trabajar en el tráfico de drogas o de jardineros en los invernaderos de mariguana; o de los coyotes que los pasaron por el Mediterráneo y los llevaron hasta donde están y les siguen cobrando; viene también de políticas europeas que entraban más sus vidas. Tori y Lokita es una película de 98 minutos de narración clásica y lineal, sin osadías de trucos visuales o tomas complejas, es la simpleza de planos secuencia como recurso de suspenso y puestas en escena en tomas medias sobre los personajes para acentuar la sencillez e ingenuidad de las miradas. Como siempre ellos fueron serios candidatos para repetir lo del 2019 con Le jeune Ahmed (Mejor dirección), lo del 2011 con Le gamin au vélo (Gran Premio del Jurado), lo del 2008 con Le silence de Lorna (Mejor Guion), lo del 2005 con L’enfant (Palma de Oro), o lo de 199 con Rosetta (Palma de Oro); este año, su película fue ganadora del Premio Especial de la Edición 75 de Cannes.
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Cuerpos amorosos:
Stars at noon, de Claire Denis [Gran Premio (ex æquo) en el Festival de Cannes]
/// Fotograma de Stars at noon, de Claire Denis, una de las premiadas con el Gran Premio del Jurado en Cannes 2022. t Por Sergi Ramos
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a directora francesa Claire Denis ha demostrado a lo largo de su carrera una capacidad muy saludable para apostar por una renovación constante, ya sea a nivel formal, temático o genérico, sobre todo si se toma en cuenta que este es su decimosexto largometraje desde Chocolat, estrenado en 1988. Un marco histórico irreal En Stars at noon, Denis viaja hasta Nicara-
t Por
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gua para adaptar la novela homónima de Denis Johnson publicada en 1988 y ubicada durante la revolución sandinista. Aunque Denis conserva a grandes rasgos la trama de la novela, el inicio del filme con sus mascarillas y carteles sanitarios omnipresentes nos proyecta a nuestros días sanitariamente poco aciagos, sumiendo la película en un tiempo fuera de la historia, en el que la revolución no pasa de ser un trasfondo fijado en fotografías y carteles, un decorado irreal. La penuria, acrecentada por el Covid, sirve incluso de recurso humorístico recurrente en
Una mirada lúcida:
Sergi Ramos
oupez!, la película de Michel Hazanavicius que abrió esta edición del Festival, que es a su vez un remake de la japonesa One cut of the dead de Shin’ichiro Ueda, propone desde la comedia una reflexión sobre las distintas etapas del proceso creativo cinematográfico, sugiriendo que la película que los espectadores vemos en la pantalla, es el resultado final de una serie de reacciones en cadena sobre la cual nadie puede tener un control absoluto, ni mucho menos el realizador. La película parece burlarse de la “política de los autores” que hace recaer todo el peso creativo en el realizador, y que constituye la ideología estética que mueve a los festivales como Cannes. Les pires (Los peores), opera prima realizada conjuntamente por Lise Akoka y Romane Gueret, presentada en la sección Una Cierta Mirada, propone una mirada más compleja sobre la multiplicidad de
el paisaje urbano en el que se desenvuelve la protagonista, cuando todo escasea, tanto el champú como el Wi-Fi. Trish -magníficamente interpretada por Margaret Qualley- pretende ser una periodista estadounidense, aunque para todos los hombres con los que se encuentra no sea más que una prostituta, que utiliza su cuerpo a cambio de dólares para lograr salir del país. Rebosante de vitalidad e ingenio, pero también presa de las emociones, sus planes se ven permanentemente frustrados por la indolencia de los hombres en cuyas manos
La materia de los cuerpos Tras construir un inicio marcado por la ligereza de la picaresca, la llegada de Daniel, un hombre de negocios inglés, a pocos días de elecciones, provoca una serie de reacciones geopolíticas en cadena que entre las juguetonas manos de Denis se vuelven incomprensibles ; “Para mí, todas las siglas son iguales”, afirma Trish. Lo que le interesa a la directora a partir de entonces es filmar el deseo que nace entre Trish y Daniel, acercándose lo más posible a ellos, encadenando encuentros y primerísimos planos, en particular del rostro de su actriz, trabajando plásticamente el material de sus cuerpos. Los obstáculos y desventuras de su posterior huida son solo pretextos para filmar los cuerpos del deseo, entre interminables borracheras de ron y cigarrillos. Con un peligro, que el juego de identidades cambiantes provocado por la confusa situación política acabe la traición de uno de los dos amantes. La apuesta de Denis, que privilegia la representación de lo emocional y lo físico, merece la pena si se aceptan las reglas del juego. La película fue merecedora del Gran Premio (ex æquo) en el Festival de Cannes 2022.
Les pires / Los peores, de Lise Akoka y Romane Gueret
[Premio Una Cierta Mirada, en Cannes 2022] los procesos de interacción entre la realidad y la ficción. La película cuenta el rodaje de una película en la cité Picasso, un conjunto de vivienda social en Boulogne-SurMer, una pequeña ciudad portuaria del norte de Francia, especialmente afectada por la crisis económica. Gabriel, un realizador de cine belga, decide rodar una película de corte autobiográfico en esa cité, utilizando a actores no profesionales que viven en ella. El filme se inicia con las imágenes de los castings de los adolescentes y los niños que posteriormente se van a convertir en los protagonistas de la película. Poco sabemos de la historia que va a contar la película final. Les pires prefiere observar las consecuencias que el rodaje
/// Fotograma de Les pires, de Lise Akoka y Romane Gueret, ganadora del Premio Una Cierta Mirada, del Festival de Cannes 2022. provoca en el entorno del rodaje, multiplicando los puntos de contacto. Para los actores, la interpretación se convierte en una manera de contrastar su identidad con la del personaje y con la imagen que los demás tienen de uno. Es el
caso de Lily, una chica con falsa reputación de “calenturienta” en el ámbito marcadamente machista del barrio popular. Su personaje la ayuda a enfrentarse con seguridad a las malas lenguas y a encontrar y afirmar su propia manera de amar.
Pero la película muestra también la manipulación implícita en cualquier rodaje, como cuando el realizador utiliza un secreto confiado por uno de los niños durante el casting para conseguir que se monte una verdadera pelea, que resultará más dramática en la película final. Les pires plantea también entonces las contradicciones de un cierto cine social que se esconden tras un altruismo declarado. O como cuando una habitante del barrio critica al equipo por escoger a “los peores” para interpretar a los personajes, retomando los estereotipos sobre las cités en vez de mostrar los esfuerzos de mucha gente por dejar atrás esos prejuicios. Filmada con un estilo documental que se aferra a los personajes, pero también con mucho humor, la mirada crítica de Les pires ayuda a que veamos con otros ojos los planteamientos bienpensantes de muchas de las películas presentadas en el Festival. Esta película obtuvo el Premio Una Cierta Mirada, en el Festival de Cannes 2022.
Festival de Cannes 2022
se encuentra su destino. La actriz consigue componer un personaje femenino libre y dueño de sí mismo.
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Fogo Fátuo / Fuego Fatuo, de João Pedro Rodrigues Festival de Cannes 2022
[en La Quincena de Realizadores de Cannes 2022] Por Carlos Belmonte Grey t
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na película de gays, una película política, una película radical, una película extravagante, fueron las opciones que dimos al director João Pedro Rodrigues para definir su película presentada en la selección de la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, Fogo Fátuo /Fuego Fatuo: “Yo prefiero que los otros lo definan. Quiero decir que la película la querían en la Selección Oficial, pero no me ofrecieron la competencia principal, entonces pensé que la Quincena [de realizadores]. Con ellos la primera vez que vine a Cannes me encantó. Me encanta la programación de Paolo Moretti... y es que el origen de la Quincena fue en contra de la selección oficial para mostrar un cine más arriesgado, más contundente, más radical de alguna forma”. Respondió en entrevista cómodamente sentado en los sillones de la playa de la Quincena. Fuego Fatuo es una metáfora de un rey sin corona, sin dinero y sin reino, solo le quedó la herencia del trono. Él querrá abdicar para irse a formar parte del cuerpo de bomberos. Su instructor, un bello mulato, le enseñará además otras habilidades, pero tendrá que regresar a su trono. Un musical pédé (como lo definió en su crítica el periódico Liberation) y de picante ironía política es la película de Rodrigues. Una continua parodia al catolicismo. Un
t Por
Carlos Belmonte Grey
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n paralelo a la Selección Oficial del Festival de Cannes existe la Asociación de Cine Independiente para su Difusión (ACID), esta promueve películas independientes que no tienen un gran productor detrás pero que son propuestas artísticas o temáticas de gran valor. Aquí participó Polaris, realizada por la cineasta española Ainara Vera; una realizadora interesada en las historias de mujeres y comprometida con algunas reivindicaciones. Polaris es la historia de dos hermanas, Hayat y Leila: la primera es capitana de barco en el Polo Norte (Groelandia); y la segunda vive en Francia y acaba de tener un bebé, es madre soltera. Ambas fueron abandonadas por su madre y crecieron casi solas. “Estaba trabajando en la película Acuarela, e hicimos un viaje de Por-
/// Cartel de Fuego Fatuo, de Joáo Pedro Rodrigues. lugar común del erotismo homosexual, los bomberos de cuerpos perfectos. Todo en una narración eficaz de 66 minutos: “Es una película corta. Hay tantas películas que son largas, estoy un poco harto de películas de 3 o 4 horas. Hay una necesidad de precisión. Cuando la escribimos, pensamos en contar la vida de un personajes pero un tiempo corto. Elegir lo que se tiene que mostrar y lo que se queda fuera. La precisión no es solo la escritura sino también en los encuadres. Es una película alegre”.
/// Joáo Pedro Rodrigues, director de Fuego Fatuo. La película se firmó en apenas 16 días en noviembre del 2019. Y ahí en el rodaje tuvo la idea de hacer una fantasía musical alegre y sí, sexual. Pero una sexualidad representada desde el año en que se sitúa, el 2069, el año erótico. Pero también la escenas de sexo con penes que en principio, sobre todo el del negro, parecieran reales, pero luego en el del blanco uno se diera cuenta que son falsos, de plástico: “Nunca quise que parecieran verdad. La película es la representación, cada uno se representa
a sí mismo delante de los otros. La familia real mira directamente a la cámara, tienen conciencia que son personajes. El cuadro se abre y se cierra. Igual que la reconstrucción de las pinturas famosas, es parte de la ironía. Los bailes que muestran los cuerpos desnudos no son solo de cuerpos perfectos hay también los otros, los más gordos”. Una película que aporta alegría y desparpajo, y nada de corrección política en una edición del Festival de Cannes que se ha visto moralina.
Polaris: un documental de Ainara Vera [en la sección ACID, del Festival de Cannes 2022]
/// Cartel de Polaris, un documental de Ainara Vera, en ACID, del Festival de Cannes 2022.
/// Ainara Vera, directora del documental Polaris, en el Festival de Cannes 2022.
tugal a Groenlandia, fue un viaje de tres semanas… Hayat era la capitana del barco. En este tipo de viajes o te haces amigo para toda la vida o no te quieres volver a ver. Dos años
después me llamó y me dijo que le gustaría hiciera una película sobre mujeres e hice una de ella. Me llamó en noviembre del 2018 y en enero del 2019 nació su sobrina. Fue muy
rápido todo. Terminé de filmar hace un año”, comentó Ainara en entrevista en las oficinas de la ACID. El documental vaga entre las estancias sobre el barco con Hayat y las
visitas a la casa de la hermana. La primera siempre sola y en posición de jefa que debe mantener su jerarquía; y la segunda tratando de ser buena madre, aunque no tenga trabajo. Polaris costó 480 mil euros y aparentemente con una manufactura sencilla: un sonidista con Ainara, y un ayudante de cámara sobre el barco. Máximo tres personas más para conservar la intimidad con las mujeres. Todo ello simple pero con una idea narrativa clara: no esperar ningún momento de quiebre, “Yo iba a hacer una película. Independientemente de lo que pasara en su vida. No quería caer en eso, me liberé de esa idea -de la ruptura-, no buscaba que les pasara algo. Me daba igual. Yo quería hacer una reflexión sobre la herida primigenia de cuando tus padres no te han criado. No esperaba una ruptura… no necesitaba esa imagen utilitaria…”. Polaris: un documental intimista filmado por una cineasta con una historia de mujeres.
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Singin’ in the rain: versión restaurada en Cannes Clásicos [La película fue presentada por la viuda de Gene Kelly, Patricia Ward Kelly]
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ra el último día de Competencia en Cannes, y no quisimos perder la oportunidad de ver en pantalla grande y recién restaurado el genial clásico Singin’ in the rain, dirigido por Stanley Donen y Gene Kelly en 1952. Cantando bajo la lluvia es un clásico. Esta nota es solo un gusto por la emoción de haberla visto, además en compañía de la viuda de Gene Kelly, Patricia Ward Kelly. La película que fue estelarizada por, además de Kelly, Donald O’Connor, Debbie Reynolds y Jean Hagen, estuvo presentada en la Selección Cannes Clásicos Restaurados en la Sala Agnès Varda del Palacio del Festival.
/// Cartel de Singin' in the Rain, en el Festival de Cannes 2022
Ward Kelly, acompañada por el delegado general del Festival, Thierry Frémaux, se dio tiempo para comentar anécdotas de la filmación, de los problemas de censura de la época para que las bailarinas pudieran usar vestidos tan cortos y levantado las piernas, la creación de coreografías y otros detalles, dijo también que siempre está abierta a recibir cartas y comentarios de los fans de Kelly. Frémaux también comentó que el actor estadounidense ha sido uno de los más fotografiados del Festival y en los archivos hay numerosas fotografías de sus venidas a la costa Azur francesa, a pesar, curiosamente, de nunca haber estado en la Selección. En fin, una película por el puro placer.
Infierno en el Pacífico:
Pacifiction, de Albert Serra [en la Competición Oficial por la Palma de Oro] t Por
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a Polinesia Francesa es conocida entre otras cosas por haber inspirado a algunos de los más importantes pintores, como Paul Gauguin. El pintor francés sacó partido de la luz de las islas para revolucionar el uso del color, retratando a la población nativa, sus costumbres y la exuberante naturaleza. De la práctica de la política En Pacifiction (participante en la Competición Oficial de Cannes 2022) Albert Serra filma en Polinesia, pero le dedica poco espacio a la luz y los espacios naturales. Como cuando el alto comisionado De Roller, interpretado por Benoît Magimel, asiste a una competición de surf, entre olas gigantescas que parecen querer destrozar una y otra vez las embarcaciones del público. O como cuando De Roller hace un viaje en su avión privado con su asistenta y Shannah, su nueva aliada transexual, y antes de aterrizar para participar en una de las numerosas tranzas políticas que puntúan el filme, sobrevuelan los arrecifes de la isla -“nuestra isla”- como si organizara una visita de sus propiedades.
/// Fotograma de Pacifiction, de Albert Serra, participante en la Competición Oficial por la Palma de Oro en Cannes 2022.
El resto de la película transcurre en espacios cerrados o nocturnos, en particular un club llamado El Paraíso, donde acude una fauna variopinta, desde policía marítima hasta los notables y altos cargos de las instituciones locales. También es el lugar privilegiado para las transacciones y conjuras políticas en la sombra. O como afirma De Roller en el monólogo final de la película: “La política es como una discoteca… esta se llama Paraíso pero debería llamarse infierno”. De la irrealidad de la política Serra filma el club, y por extensión la práctica de la política que ahí tiene lugar, como el lugar de la decadencia, llevando su cine a la máxima ruptura con la ilusión de realidad, y transformando el lugar en un puro espacio cinematográfico, casi fantasmal, de luces y sonidos, por donde deambulan las autoridades como apariciones provenientes de otra dimensión, cortada de la realidad, como en una pesadilla lyncheana o en el Querelle de Fassbinder. Este trayecto por las cloacas del poder se convierte en un descenso a los infiernos para De Roller, al que Benoît Magimel dota de una poderosa presencia. En ese viaje, pasa de estar en el centro de la baja política, la que multiplica espaldarazos en nombre de los valores de la República, a sentirse apartado de la alta política, la que se decide en los pasillos de las altas esferas, cuando empieza a asomar la posibilidad de que el estado francés vuelva a hacer pruebas nucleares en la zona. Hasta que De Roller pueda emprender -quizá- una última etapa hacia una posible redención. Sin embargo, su monólogo incendiario final sobre la política resulta tibio frente a la decadente y extenuante representación de la política imaginada por el director.
/// Fotograma de RMN, de Cristian Mungiu, en el Festival de Cannes 2022.
Tensiones hacia el este:
RMN, de Cristian Mungiu [Sección Oficial del Festival de Canes 2022] t
Por Sergi Ramos
R
egresaba a Cannes el multipremiado realizador Cristian Mungiu, uno de los principales representantes del nuevo cine rumano, que él mismo contribuyó a asentar. Palma de Oro en 2007 con 4 meses, 3 semanas y 2 días, y premio a la Mejor Dirección en 2016, el realizador ha radiografiado los problemas históricos que su país lleva atravesando desde la caída del comunismo. Un crisol en crisis En RMN, Mungiu sitúa su relato en Transilvania, región de Rumanía que fue desmembrada y pasó de un estado a otro lo largo de las conquistas e invasiones ocurridas en el este de Europa. Como consecuencia de esta historia agitada, la población de la zona está compuesta por personas de distintos orígenes, etnias, lenguas y religiones. Esta circulación se ha visto acentuada por la precaria situación económica del país y su difícil encaje en la globalización. Los dos protagonistas representan las dos caras de estas transformaciones. Matthias, originario de un pueblo de Transilvania, trabaja de matarife en Alemania. La primera secuencia muestra cómo debe huir del matadero tras agredir al encargado alemán, que lo había llamado “gitano vago”, y cómo regresa clandestinamente a su país evitando los controles fronterizos. Csilla, amiga de infancia de Matthias, de origen húngaro, ocupa un puesto importante en la fábrica de pan del pueblo, que tiene dificulta-
des para cumplir los estrictos criterios para obtener financiación de la Unión Europea. Crónica de un enfrentamiento Al inicio, la película parece girar alrededor del drama familiar, mientras se forma un triángulo amoroso entre Matthias, su esposa y Csilla. Sin embargo, la decisión de la fábrica de contratar a trabajadores originarios de Sri Lanka introduce un giro y desata las tensiones que se mantenían latentes entre los habitantes del pueblo, y repercutiendo de rebote en su relación. Mungiu pretende pues ofrecer una radiografía de las tensiones que sacuden Europa, proponiendo una aproximación frontalmente política una de las tendencias que hemos podido observar en la selección de la Competencia Oficial, como en Triangle of sadness del sueco Ruben Östlund. En una de las secuencias finales, se reúnen todos los habitantes del pueblo para exponer sus posiciones: desde las reivindicaciones xenófobas hasta la crítica de la Unión Europea, estas voces expresan todas las facetas del resentimiento que afecta a los excluidos del bienestar económico. Para balancear esta exposición de las tensiones políticas que corre el riesgo de convertir a la película en una disertación de sociología, Mungiu convierte al bosque que rodea el pueblo en un espacio primitivo, sombrío y amenazador, poblado por huidizas figuras humanas, osos salvajes y ahorcados, cuya presencia pretende añadir una capa de complejidad a la película, para escribir un cuento oscuro.
Festival de Cannes 2022
Por Carlos Belmonte Grey t
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LA GUALDRA NO. 529 /// 30 DE MAYO DE 2022
Festival de Cannes 2022
Hacia la redención:
Entrevista con Andrés Ramírez Pulido, director de La jauría [Película ganadora del Gran Premio en La Semaine de la Critique, en Cannes 2022]
/// Andrés Ramírez Pulido, obtuvo el Gran Premio de la Semana de la Crítica con su película La jauría. Foto Ap. t
Por Sergi Ramos
L
a cuestión de la violencia ejercida por adolescentes ha sido tratada por diversas películas recientes en Latinoamérica. Recordamos Los salvajes, del argentino Alejandro Fadel (2012); o más recientemente la colombiana Monos, de Alejandro Landes (2019), y su voluntad de romper con las coordenadas del realismo social. Para ello, ambientan sus películas en paisajes naturales magnificados por la puesta en escena (desérticos en el caso argentino, selváticos en el colombiano). La inmersión de los jóvenes en un medio natural hostil permite cuestionar los principios morales y adoptar una perspectiva que flirtea con la parábola, capaz de explicar la exacerbación de la violencia en personajes que apenas han entrado en la adolescencia. El paisaje natural funciona como un mundo pulsional, un escenario en el que los personajes, rompiendo sus ataduras con la civilización, revelan otra parte oculta de lo humano. Una terapia fuera de lo común La película colombiana La jauría, realizada por Andrés Ramírez Pulido, gandora en La Semaine de la Critique, propone unas coordenadas aparentemente parecidas. Las primeras secuencias, situadas en un contexto urbano indeterminado, presentan a Eliú y al Mono, dos jóvenes adolescentes, antes de que cometan un crimen que les llevará a la cárcel. Afectados por el consumo de alcohol y estupefacientes, los dos personajes, que pretendían matar al padre de Eliú, se equivocan de víctima.
Tras llevar un tiempo separados, Eliú y el Mono vuelven a encontrarse en un centro de rehabilitación experimental para jóvenes delincuentes, ubicado en medio de la selva. Los detenidos se encargan de restaurar una antigua mansión invadida por la vegetación, al mismo tiempo que practican una serie de rituales que intentan reconducirlos moralmente. Las ceremonias celebradas por el jefe del campo, al que los reclusos llaman el Líder, se sitúan entre los ritos religiosos y las ceremonias mágicas inducidos por el poder telúrico de la naturaleza exuberante que los rodea. La música, en estos momentos, como la iluminación, basada en un claroscuro de clara vocación simbólica, subraya esta dimensión espiritual. El simbolismo religioso tiende puentes con lugares comunes del sicoanálisis, cristalizados en la figura del padre. Así ocurre con la inexplicable desaparición del cadáver de la víctima, un hombre llamado El Invisible, quien un buen día abandonó la vida disoluta para iniciar un retiro ascético. Pero también considerando al padre como la encarnación del mal, de la cual uno debe deshacerse para poder liberarse. La película consigue sus mejores momentos con el retrato de unos jóvenes, que en este medio natural, invadido por las ruinas, expresan una cierta paz interior, y en la que la naturaleza ofrece un refugio consolador. Sin embargo, la cuestión demasiado reiterativa de la culpa asociada a la figura del padre -a pesar de una lectura política por la cual la violencia de hoy es la herencia inevitable de la que cometió por la generación anterior-
/// Fotograma de La jauría, de Andrés Ramírez Pulido, ganadora del Gran Premio en La Semana de la Crítica, del Festival de Cannes 2022. no alcanza plenamente su objetivo: desprenderse de un cierto realismo en busca de lo simbólico, como en la secuencia en la que el responsable del proyecto revela el verdadero objetivo del programa de rehabilitación. Entrevista con Andrés Ramírez Pulido Sergi Ramos: ¿Por qué es necesario hablar una y otra vez de la violencia y del intento de romper con ella? Andrés Ramírez Pulido: No quería anclar mi película en un suceso o contexto concreto como el colombiano, aunque tenemos una historia grande con la violencia, por eso elegí la ficción. Pero la violencia impregna nuestra sociedad, nuestra cultura y la naturaleza humana, obviamente. Imaginé esta cárcel en la que los jóvenes tendrían un acompañamiento terapéutico. Es un lugar que no existe en Colombia, pero mis encuentros con jóvenes presos, por sus adicciones o crímenes, han servido de base para crear esta pura ficción.
ya en mis cortos anteriores, con mi pareja Joana, quien es asistente de producción y artista plástica. Me lleva a pensar la textura, la humedad y queríamos hacer una película que se oliera, se sintiera, que el espectador se sintiera sumergido, es algo muy trabajado. Queríamos que la hacienda, por ejemplo, que fue de un narco, se convirtiera en un personaje más. Con Joana y el director de fotografía trabajamos a tres bandas. SR: En tu película, un cadáver desaparece en medio de una luz. ¿Te parece adecuado hablar de realismo mágico? ARP: Es la idea más tardía en el guion y representa mi manera de pensar el mundo, mi fe. Soy una persona creyente, creo que hay algo más que lo material, ¿cómo sacar a un chico de esta espiral de violencia? Es imposible no repetir la historia, el odio y la venganza. Creo que no está en nosotros mismos, es algo que no se escoge, un toque de gracia llega a nosotros para encontrar su salvación.
SR: Uno de los méritos es que evitas caer en el estereotipo del delincuente. ARP: Cuando escribí la película tenía el imaginario más común sobre estos jóvenes. Pero con el trabajo preparatorio, conocí a Eliún, un joven que tiene la violencia implícita en él, empecé a buscar, a ir a lo no seguro, tanto en el casting como en la escritura del guion. Quería salir del cine social latinoamericano que se hace actualmente.
SR: ¿Cómo relacionar esta espiritualidad salvadora con las terapias que practica el grupo? ARP: La parte de la terapia es un mix que surgió en mi cabeza, entre varias cosas: religión, energía… y se basa en unas comunidades que ayudan a los adolescentes para salir de la drogadicción. El actor que interpreta a Godoy interviene en una de esas comunidades, y los chicos lo adoran.
SR: Hablamos del tratamiento formal de la película, en particular del modo como habéis filmado la naturaleza. ARP: Este trabajo lo habíamos empezado
La película La jauría, de Andrés Ramírez Pulido, fue ganadora del Gran Premio en La Semana de la Crítica, en el Festival de Cannes 2022.