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SUPLEMENTO CULTURAL

NO. 528 /// 23 DE MAYO DE 2022 /// AÑO 11

DIR. JÁNEA ESTRADA LAZARÍN

Mantas Kvedaravicius, director de Mariupolis 2, presentada en el Festival de Cannes 2022.

El cineasta lituano Mantas Kvedaravičius fue secuestrado y asesinado por la armada rusa el pasado 2 de abril en Mariúpol, Ucrania; había vuelto para ver cómo iban los habitantes del pueblo con los que él había trabajado durante la filmación de Mariupolis en 2015. Se quedó para filmar la guerra lejos de los políticos y los medios de comunicación; quería ver a la gente que vive en la guerra, cercana a la muerte pero que a la vez trata de seguir viviendo sin pensar que va a morir. Y ahí murió. Su película Mariupolis 2 fue presentada, fuera de competición, en el Festival de Cannes 2022.

[Más del Festival de Cannes 2022 en esta edición. Corresponsales: Carlos Belmonte y Sergi Ramos]

LA GUALDRA NO. 528 /// 23 DE MAYO DE 2022 /// AÑO 11

La Gualdra No. 528

Editorial “El verdadero éxito es el lenguaje, y por eso [La Dichosa Palabra] ha durado 20 años... el lenguaje siempre se renueva”.1 Eduardo Casar No recuerdo con precisión si fue hace 20 años cuando inicié a ver “La Dichosa Palabra”, de lo que sí estoy segura es que desde la primera vez que vi el programa transmitido en Canal 22, a inicios de este siglo, quedé enamorada de su contenido, de su formato tan acertado, y de la grandilocuencia y simpatía de sus conductores. Simplemente se convirtió en uno de mis programas favoritos porque ahí se habla, desde entonces, de las maravillas del lenguaje, tanto del escrito -en libros, muchos libros- como del que se usa de manera cotidiana en nuestras conversaciones; de cómo es que este ha ido evolucionando, modificándose y adaptándose de acuerdo con las circunstancias y de cómo, a partir de una palabra, se pueden construir mundos completos. Ya en el Evangelio según San Juan (1,118), se dice que: “Y el Verbo se hizo carne y habitó entre nosotros, y hemos contemplado su gloria...”; aquí hay que decir que de acuerdo con la traducción de la que se trate, hay quienes han sustituido el vocablo “verbo” por el de “palabra”, y creo que me gusta más como se escucha: “Y la palabra se hizo carne y habitó entre nosotros, y hemos contemplado su gloria...”; la palabra es inherente al género humano, es el ser humano entonces el único capaz de verbalizar, de emitir estas unidades léxicas con significados varios, que dependiendo del contexto -incluso del tono- adquieren colores y sonidos diversos; es decir, cobran sentido para quienes las escuchan o leen. En este programa se habla de cómo es que usan las palabras -estas representaciones gráficas tan bellas cuando están escritas- y de cómo se han ido modificando e incluso creando nuevas por las necesidades comunicativas y expresivas de nuestros tiempos; tratados y volúmenes completos existen y en las universidades siguen generándose tesis relacionadas con el tema. Pero, la ventaja de un proyecto televisivo como este, es que de alguna u otra forma, sus conductores son un puente entre lo mucho que se ha investigado por los académicos y nosotros, los espectadores. Laura García Arroyo, Germán Ortega Chávez, Pablo Boullosa y Eduardo Casar -y en algún tiempo Nicolás Alvarado- han

sido para los espectadores ese puente luminoso, edificante, constructivo, analítico y divertido, muy divertido, entre las palabras y nosotros. Si usted ha visto “La Dichosa Palabra”, coincidirá conmigo en que la mayor parte del tiempo uno sonríe mientras ve el programa; no podría ser de otra manera cuando ellos, estos cuatro genios del lenguaje, sus significados y renovaciones, disfrutan al máximo de lo que hacen, atienden a sus públicos, conversan con ellos a la distancia. Qué afortunados somos de tener en televisión pública un programa como este, en el que los televidentes somos importantes para quienes lo realizan; tanto así que somos nosotros los premiados en cada emisión, porque terminamos cada vez con un conocimiento nuevo y con la motivación para seguir aprendiendo. Muchos han sido los libros que he buscado y leído después de ver este programa, las biografías de personajes nombrados ahí que he investigado por la riqueza de sus aportaciones a nuestra historia, los autores que he descubierto gracias a las recomendaciones que semana con semana nos hacen los conductores; seguramente somos muchos más de los que ahora imagino quienes tengamos que agradecer el profesionalismo, la entrega, la pasión por el conocimiento que nos comparten en cada emisión, con esa frescura tan suya, tan dichosa. Gracias, Laura, Germán, Pablo, Eduardo -y Nicolás-, por las conversaciones en las que nos han dejado participar durante estas primeras dos décadas; por las alas que nos han dado para seguir disfrutando de las palabras, para descubrir un espacio más amable en todos los sentidos, para sorprendernos con la belleza de las construcciones lingüísticas y para comprender-nos un poco más a partir de ellas. El mundo es más bello de lo que alcanzamos a imaginar, hay mucho que nos queda por encontrar en él, y son muchas las vías para encontrar eso que llamamos felicidad. Gracias, nuevamente, a todos quienes hacen La Dichosa Palabra, felicidades por estos primeros 20 años. Con ustedes, los dichosos somos nosotros.

Contenido Dos proyectos mexicanos en la Fabriques du monde: Acapulco magic y Adiós a satán Por Carlos Belmonte Grey

Coupez!, de Michel Hazanavicius Una historia de zombis para inaugurar la 75 edición del Festival de Cannes Por Carlos Belmonte Grey Mariupolis 2, un filme póstumo de Mantas Kvedaravičius (asesinado en Ucrania) Por Carlos Belmonte Grey

Exacerbación e inverosimilitud: Frère et soeur, de Arnaud Desplechin Por Sergi Ramos

Que disfrute su lectura. Jánea Estrada Lazarín lagualdra@hotmail.com

Mostrar al pueblo: El Agua, de Elena López Riera [La Quinzaine des réalisateurs] Por Sergi Ramos

Fantasmas surgiendo del pozo: Enys Men, de Mark Jenkin [La Quinzaine de la Critique] Por Sergi Ramos

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Filma en Jalisco, en el Mercado del Festival de Cannes Por Carlos Belmonte Grey

Tres poemas uruguayos Por León Plascencia Ñol Mi casa Por Pilar Alba

El adiós de Serrat Que la palabra mañana sea un sinónimo de vida Por Mauricio Flores

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1 Ver entrevista completa “Debate 22: 20 años de La Dichosa Palabra”, con Álvaro Cueva, en: https://youtu.be/k-YAt_zLVJ8

Directorio

Carmen Lira Saade Dir. General Raymundo Cárdenas Vargas Dir. La Jornada de Zacatecas direccion.zac@infodem.com.mx

Jánea Estrada Lazarín Dir. La Gualdra lagualdra@hotmail.com Roberto Castruita Diseño Editorial

La Gualdra es una coproducción de Ediciones Culturales y La Jornada Zacatecas. Publicación semanal, distribuída e impresa por Información para la Democracia S.A. de C.V. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta publicación, por cualquier medio sin permiso de los editores.

Juan Carlos Villegas Ilustraciones jvampiro71@hotmail.com

23 DE MAYO DE 2022

Dos proyectos mexicanos en la Fabriques du monde: Acapulco magic y Adiós a satán 6 Por Carlos Belmonte

Grey

Acapulco magic “Es la historia de un chico de 15 años, homosexual, que se prostituye en el puerto. Luego se enamora y querrá cambiar de vida, pero se dará cuenta que él está en ese ambiente por culpa de sus padres”, comentó el nacido en Ciudad Neza, Tavo Ruiz, en entrevista en la terraza de la Fábrica. El proyecto costará unos 15 millones de

6 Por Carlos Belmonte

Grey

ichel Hazanavicius es apreciado por algunos críticos y por otros no. Algunos lo pueden ver como un hacedor de pastiches y colaciones, a otros les gusta por su simpleza y “osadía” -entre comillas porque parece que solo podría impresionar al espectador no especializado-. Coupez! Inauguró el 75 Festival de Cine de Cannes el 17 de mayo. Y aquí volvemos a poner la ambigüedad; a algunos críticos, sobre todo a los franceses les pareció normal que un francés inaugurara su festival, a otros, les pareció que podía haber algo mejor para un momento tan importante como la vuelta al festival en presencial. Hazanavicius juntó a tres de los actores más populares del cine francés: Romain Duris, Bérénice Bejo y el más joven, Finnegan Oldfield. Y los llevó a hacer una película dividida en tres partes que ciertamente podrían desconcertar al espectador: Una película de zombis dirigida por un cineasta que luego al romper un maleficio hace nacer a zombis verdaderos; ese cineasta es a la vez otro cineasta que va al filmar la historia. Así es, son tres capas de película en una sola: la primera, es la película de zombis; la segunda, el cineasta que filma la película de zombis y parece ser la vida real; la tercera, el cineasta que arma ese proyecto. Y entonces tendríamos cuatro capas, la última corresponde a la que hace Hazanavicius y nos puso en la pantalla; sobre todo si pensamos que Hazanavicius y Bejo son pareja en la vida real, y en la cinta esto aparece adaptado.

/// Acapulco magic, dirigido por Tavo Ruiz, en Fabriques du monde del Festival de Cannes.

pesos y esperan conseguir al menos el 38% de fondos privados, un presupuesto que podría irse llenando durante su estancia en Cannes. Con esto, más los fondos públicos podrían comenzar a filmar en el segundo semestre del 2023, afirmó el productor tijuanense Álvarez. La colaboración de ambos lleva ya algunos años y se ha fortalecido porque se dan cuenta de lo importante que es el género cinematográfico LGBT en México, y hacer frente a un cine cómico tan de moda actualmente. Adiós a Satán

Trata sobre un joven que descubre que su padre tiene otra familia en México; él busca a un chico rebelde que resulta ser su medio hermano. Esta historia le surgió a Escamilla a partir de una experiencia real, cuando un amigo de él se suicidó a los 18 años. El Colectivo Colmena, del que forman parte José Pablo Escamilla y Diandra Arriaga, es de cierta manera el productor del proyecto; se ha creado con la finalidad de apoyar a los realizadores independientes cuyos temas de interés son los problemas sociales del México contemporáneo. Igual que Acapulco magic esperan tener

/// Adiós a satán, dirigida por José Pablo Escamilla, en Fabriques du monde del Festival de Cannes.

la oportunidad de atraer inversionistas que les ayuden a echar adelante el proyecto. Ambos proyectos de realización tienen en común la sociedad mexicana actual, un eje narrativo muy atractivo para los programadores de la Fábrica del Mundo. Quizás herencia de esa vista sobre los países del tercer mundo. Sin embargo, más allá de esa visión, es importante aceptar que el organismo ofrece alternativas de financiamiento internacional y un poco de descentralización sobre el IMCINE.

Coupez!, de Michel Hazanavicius Una historia de zombis para inaugurar la 75 edición del Festival de Cannes

/// Cartel de Coupez!, de Michel Hazanavicius.

/// Fotograma de Coupez!, de Michel Hazanavicius.

Entender una historia de zombis en una puesta en abismo con la filmación de su historia se vuelve algo complicado. En la primera parte, Hazanavicius parece burlarse del cine B, del cine japonés tan ingenuo, del cine popular “barato, rápido y mediano” para recuperar una de las réplicas de la cinta; dura poco más de 30 minutos, ahí vemos ese proyecto de doble filmación. Aquí nosotros, espectadores reales, nos sentimos desconcertados por la ruptura de ciertas convenciones fílmicas que ya tene-

mos bien integradas y nos parecen extrañas: largos trávelins sobre el personaje, que luego está fuera de campo por largo tiempo; réplicas redundantes y encuadres a ras de suelo sin aporte narrativo. Luego entenderemos el porqué. Y la tercera capa, a los personajes sufriendo por filmar este proyecto para una nueva plataforma de cine japonesa llamada Z y cuya primera producción debe ser una película de 30 minutos filmada en un solo plano secuen-

cia, pero en streaming en directo -para hacerlo aun más complicado-. Ya en esta etapa el espectador real –nosotros- nos sentimos más tranquilos porque le vamos dando lógicas a las escenas. Se acabo el desconcierto. Cannes inició con una película alegre, cómica, cosa rara en un festival que ama sobre todo entrar en dramas. Ahora, ¿cómo tomar este guion y este filme? Parece pues una exageración del gusto kitsch del gran público, de ese público comercial.

Festival de Cannes 2022

or primera vez hay dos proyectos mexicanos en el fondo Fabriques du monde del Festival de Cannes: Acapulco magic, dirigido por Tavo Ruiz y producido por Rodrigo Álvarez (Luz azul); y Adiós a satán, dirigida por José Pablo Escamilla y producida por Diandra Arriaga. Fabriques du monde es un espacio de promoción y apoyo a proyectos cinematográficos provenientes de países en desarrollo. El organismo forma parte del Fondo Sur del Instituto Francés. El objetivo es que los proyectos apoyados aquí reciban asesoría de un profesional y difusión para que artistas y productores puedan venir a su encuentro y, eventualmente interesarse en co-producir.

LA GUALDRA NO. 528

Mariupolis 2, un filme póstumo de Mantas Kvedaravičius Festival de Cannes 2022

(asesinado en Ucrania)

6 Por Carlos Belmonte

ruinas. Un perro que primero ladra al estallido y luego termina por ignorarlo. Encontrar un generador de electricidad dentro de un cuarto donde hay dos muertos. Pero bombas, siempre se oyen las bombas.

Grey

l cineasta lituano Mantas Kvedaravičius fue secuestrado y asesinado por la armada rusa el pasado 2 de abril en Mariúpol, Ucrania. Mantas había vuelto para ver cómo iban los habitantes del pueblo con los que él había trabajado durante la filmación de Mariupolis en 2015. Se quedó para filmar la guerra lejos de los políticos y los medios de comunicación; quería ver a la gente que vive en la guerra, cercana a la muerte pero que a la vez trata de seguir viviendo sin pensar que va a morir. Y ahí murió. Su pareja, Hanna Bilobrova, quien lo acompañaba en el viaje, pudo recuperar las imágenes filmadas y salir de Ucrania para juntarlas y con la ayuda de Dounia Sichov, colaboradora de Mantas, hacer este filme presentado en el Festival de Cannes fuera de competición: Mariupolis 2. ¿Pero qué se puede esperar de una película así: un filme de guerra, muertes, bombas, fuegos y balazos, gente corriendo y llorando, gritos, televisión y política in-

6 Por Sergi Ramos

rnaud Desplechin, uno de los habituales del Festival de Cannes y considerado como uno de los principales estandartes del cine de autor à la française, heredero de la tradición de la Nouvelle vague, vuelve a Cannes tres la estimable Les fantômes d’Ismael y la decepcionante Roubaix, une lumière (2019). Pasiones encontradas Frère et soeur, como su título lo indica (Hermano y hermana), relata la historia de Alice y Louis, dos hermanos profundamente enfrentados, hasta un rechazo que se ha convertido en literalmente enfermizo. Le película se abre con la virulenta puesta en escena de este conflicto, durante la velada funeral del hijo de Louis, muerto a los seis años de edad. Cuando Alice se presenta, después de diez años sin dirigirle la palabra, Louis la echa sin miramientos, dejando libre curso a su ira. Cinco años después, será un grave accidente sufrido por los padres de ambos, el que plantee otra situación trágica que los pueda reunir. Este inicio, marcado por el recurso a la exacerbación de las pasiones, al pathos, contrasta con el origen del odio que sienten los dos hermanos. Paulatinamente, el filme deja entrever que Louis, durante su infancia, estuvo sometido al éxito y mal carácter de su hermana. Cuando por fin logró triunfar como escritor, ella no se lo perdonó y empezó a odiarlo, mientras que él basaba su creación

/// Fotograma de Mariupolis 2, de Mantas Kvedaravicčius, en el Festival de Cannes.

ternacional, imágenes “filosóficas”? ¿Qué puede dar un filme montado por otra persona que no es la creadora? Mantas Kvedaravičius, doctor en antropología social, tomó imágenes potentes de una guerra. Imágenes y sonidos de la guerra. Solo escuchamos las bombas y tiros; en ocasiones en la noche se ven ráfagas de tiros y fuego, pero vemos sobre todo a la gente viviendo en los bajos de una iglesia,

y bombas, siempre bombas se escuchan caer: Imágenes que parecen no contar nada, solo lo cotidiano de gente tratando de sobrevivir: hacer una fogata con restos de palos y poner una gran olla para la sopa de la escena, se escucha una bomba por llegar, los hombres se esconden en un techo y la mujer destapa la olla para menear la sopa. Un amanecer, el sol saliendo detrás de

“¿Sabe usted que es lo más extraordinario de Mariúpol? Ninguno de sus habitantes teme a la muerte, incluso si esta es omnipresente. La muerta ya estaba ahí, y nadie quería morir por nada. La gente se ayudaba mutuamente, a pesar del peligro de sus vidas. Fumaban al exterior y charlaban, a pesar de las bombas que caían. No había más dinero y la vida era muy corta para que uno se acuerde, y cada uno se contentaba con lo que había, dando toda su energía. No había más pasado, ni futuro, ni juicio, ni malos entendidos. Era el paraíso en el infierno, las alas delicadas de una mariposa que se acercaban, el olor a la muerte en su dimensión bruta. Era la vida que palpitaba”. Notas de la filmación. Para nosotros, en México, estos sonidos ya son familiares.

Exacerbación e inverosimilitud: Frère et soeur, de Arnaud Desplechin

/// Arnaud Desplechin, director de Frère et Soeur, en el Festival de Cannes. Foto de Jean-Louis Hupé _ FDC.

/// Cartel de Frère et Soeur, de Arnaud Desplechin, en el Festival de Cannes.

literaria en su resentimiento personal, en una autobiografía apenas velada.

como una forma de distanciamiento reflexivo brechtiano, para que el espectador cuestione permanentemente la validez de lo que le están contando, para que no se tome demasiado a pecho la relación infernal sobre la que por otro lado está echando gasolina permanentemente, o incluso para que el espectador relativice los siempre tortuosos traumas emocionales de las familias burguesas francesas. Desgraciadamente, estas dos opciones nos parecen poco probables.

Inverosimilitud La trama, sin embargo, se ve afectada por una forma de inverosimilitud que perjudicaba ya al equilibrio de Roubaix, une lumière. En aquel caso, con el difícil encaje en la trama de unos personajes que uno no se terminaba nunca de creer. En Frère et soeur, la inverosimilitud toma otros caminos. El dramatismo

inicial así como el pretendido odio visceral entre los dos hermanos está permanentemente desvirtuado por opciones de guion o de puesta en escena que no funcionan como rupturas de tono (pongamos, la secuencia del vuelo nocturno, o el encuentro en el supermercado). Además, la resolución de algunos acontecimientos (el accidente inicial o el viaje final de Alice) le dejaron perplejo a uno. Uno se pregunta incluso si la inverisimilitud no funciona aquí, deliberadamente,

23 DE MAYO DE 2022

Mostrar al pueblo: El Agua, de Elena López Riera 6 Por Sergi Ramos

a valenciana Elena López Riera presentó su primer largometraje en La Quinzaine des réalisateurs del Festival de Cannes 2022. La directora apuesta por una inscripción en una zona geográfica que le es cercana, Orihuela -ciudad hermana de Zacatecas, por cierto-, el pueblo donde nació, recordando el principio de que lo local es lo global, y que para emocionar al público internacional, nada mejor que volver a las raíces. La esencia de la tragedia La trama se limita de manera parecida a una historia esencial, despojada de subterfugios y recovecos, contada mil veces, no por repetitiva sino por fundamental: el primer amor entre Ana y José, con los obstáculos planteados por las estructuras sociales, ya sean las familiares o las de la sociedad que les rodea, en este caso los vecinos del pueblo. Cabe añadir que estos jóvenes están movidos por dos fuerzas divergentes: Ana desea escapar del pueblo, donde le falta el aire, mientras que José quiere quedarse tras pasar una misteriosa temporada fuera. A esta historia se le añaden los personajes que rodean al grupo, y en particular la relación que une a Ana con su madre y su abuela, mujeres fuertes e independientes que han tomado las riendas de su vida. Como las amigas de Ana, dispuestas a no dejar que su vida amorosa y sexual se les escape de las manos. Los personajes masculinos tienen sus propios agravios, padres y amigos marcados por el rencor y la rivalidad. Todos, situados en una encrucijada que los tensiona entre la voluntad de emanciparse y el peso de la comunidad y la tradición. Leyenda y modernidad Desde este punto de vista, el filme remite a una estructura intemporal y dramática hasta cierto punto lorquiana. En particular, la película, como su título lo indica, utiliza el motivo del agua para introducir una dimensión fantástica, sino mítica. La leyenda de una mujer elegida por el río para convertirse en su esposa, apartándola del mundo de los hombres y poseyendo su cuerpo. Leyenda perfectamente asumida por las mujeres del lugar, Ana se preguntará si su singularidad e inquietud no son la señal de que el río la llama para sí. Sin embargo, Elena López Riera combina esta referencia al mito con una modernidad plenamente asumida, que expresa con los recursos de un realismo documental. En primer lugar con los ac-

tores, que en su mayoría son no profesionales, pero cuya interpretación se integra plenamente en la trama argumental. Pero también por la voluntad de retratar la realidad del pueblo, ya sea el trabajo en la fábrica local, o una carrera de palomas cuyos rituales (pintar previamente a los animales de vivos colores, los preparativos de la competición y la propia carrera) ya fueron el objeto de uno de los cortometrajes anteriores de la directora. El propio motivo del agua va más allá del carácter legendario para integrarse en la realidad, al ser contado en forma de entrevistas por las mujeres del lugar. Pero también al relacionarse con la actividad

agrícola de la región, basada en el cultivo de las naranjas, siempre dificultado por la sequía endémica. La película muestra sin embargo la otra cara del agua, recuperando imágenes de una inundación ocurrida unas décadas antes, pero también filmando otras inundaciones ocurridas durante el rodaje. En este tiempo cíclico del mito, marcado por la vuelta de las catástrofes naturales, Ana conseguirá encontrar su propia voz y abrir el camino hacia su emancipación como joven mujer. Hacia un cine auténticamente popular Hay que destacar también que, en un fes-

/// Fotograma de la película El Agua, de Elena López Riera, en La Quinzaine des réalisateurs.

tival que multiplica las proyecciones de películas francesas incapaces de contar otra cosa que no sea la crónica de una clase intelectual, artística y burguesa, El Agua aparece como una verdadera propuesta de un cine popular. Esto es, no el que se dirige desde las grandes multinacionales a la masa para ofrecerle productos de ínfima calidad, llenos de valores que no la representan, sino el que es capaz de ofrecer nuevas formas, llenas de dignidad, para representar al pueblo en el cine. Solo este esfuerzo merecía ya la pena, pero Elena López Riera lo ha conseguido además con una magnífica película.

Festival de Cannes 2022

[La Quinzaine des réalisateurs]

LA GUALDRA NO. 528

Festival de Cannes 2022

Fantasmas surgiendo del pozo: Enys Men, de Mark Jenkin [La Quinzaine de la Critique] 6 Por Sergi Ramos

a Quinzaine de la Critique, en el Festival de Cannes, presentaba Enys Men, de Mark Jenkin, como “una película de terror que tiene lugar en una isla del mar céltico”. Sin embargo, conociendo al director, el espectador advertido no podía sino sospechar que la película no se iba a quedar en eso. El anterior y primer largometraje del director, Bait (2019) presentado en La Berlinale, era en gran parte un ejercicio de estilo que por un lado apuntaba al cine de corte social, por la temática argumental, y por otro al cine experimental, por el tratamiento formal. En un aislado puerto pesquero de la costa británica, la película describía el choque entre la crisis económica vivida por los tradicionales pescadores locales y el florecimiento de la industria turística. Jenkin lo había filmado en celuloide en blanco y negro, con formato cuadrado, y había tratado sus imágenes para darles un aspecto envejecido. Esto, junto al empleo de un

/// Fotograma de Enys Men, de Mark Jenkin, en la Quinzaine de la Critique del Festival de Cannes.

montaje con cortes brutos, pretendía ser tanto un homenaje al espíritu del free cinema y del cine político de los 60 como un laboratorio lúdico de experimentación formal. En Enys men, Mark Jenkin radicaliza su propuesta estética, abandonando la narración presente en su anterior película y decantándose hacia el cine

más marcadamente experimental. La película cuenta la historia de una botanista encargada de observar el crecimiento de la flora en una isla abandonada, en un paisaje costero marcado por la sola presencia mineral y vegetal. Jenkins se encarga de magnificarla con una fotografía en color, tratada

Filma en Jalisco, en el Mercado del Festival de Cannes 6 Por Carlos Belmonte

Grey

l mercado de la industria del cine del Festival de Cannes es quizás el más importante del mundo. Esto es, aquí es el principal escaparate para las productores no solo para encontrar productores asociados sino lugares, países, ciudades, regiones e instituciones para realizar sus proyectos fílmicos. Jalisco es el único Estado e institución de México que ha mandado su representante oficial, una inversión dirigida a promover lo conocido como el turismo cinematográfico. El Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) ya no viene desde hace un año (la austeridad) Así que “Filma en Jalisco” ha pedido prestado el slogan-marca de la secretaría de turismo de Jalisco para darse el lugar de representante: “Jalisco es México”. El turismo fílmico es “porque

/// Jorge Riggen, director de Filma en Jalisco, en el Festival de Cannes.

el cine es la primera línea de imagen de un lugar para el mundo. Estamos vendiendo Jalisco como un destino fílmico amigable. Películas que sucedan en Jalisco. Y luego la gente las vea en el

cine y se le antoje venir a conocer”, nos comentó Jorge Riggen, el recién nombrado director del organismo, que es en realidad empresa del Estado, forma parte de la Agencia Estatal de Entrete-

para recordar a la de los filmes de los años 1970, en los que se sitúa la trama de la película, y que recuerdan a películas como The wicker man, de Robin Hardy (1973). Los días pasan y la botanista repite las mismas acciones, los mismos gestos, una y otra vez, en su estudio de las flores. Progresivamente, en estos días en los que no transcurre el tiempo, van a aparecer otros tiempos, pero también imágenes, despojos de los muertos y los desaparecidos, de los recuerdos íntimos, hasta que la presencia de la muerte se vuelve inseparable de la de la vida. Jenkin trabaja la capacidad del cine para manifestar de nuevo la presencia del pasado, de lo que estaba vivo y ya se ha extinguido. Lo hace sin una progresión de la trama, sin diálogos, solo con el sentimiento de extrañeza provocado por los desajustes entre cada etapa del ciclo, por las apariciones de lo que había dejado de existir. Aunque su película está poblada por fantasmas, nada queda más lejos de los códigos del cine de terror. Confía en la fascinación de la imagen.

nimiento, y depende de la Secretaría de Turismo. La función de “Filma en Jalisco” es doble: por una parte apoya en la logística para las producciones interesadas en ir a Jalisco (encontrar lugares, permisos, equipo); y por otra, con fondos para financiar proyectos, sobre todo de cine animado. La única obligación para tener este recurso es, obviamente, que por lo menos una parte de la historia o del rodaje se haga en la tierra del tequila y los charros. Riggen comentó que los tres lugares más atractivos han sido Puerto Vallarta; Tequila, con su paisaje agavero; y Guadalajara, además de los pueblos mágicos que se prestan tanto a lo audiovisual. A pesar de la inseguridad de la región, ellos no tienen la misión de ocultar una realidad tan visible sino orientar a los clientes y guiarles dónde no y dónde sí: “No hay argumento para esa pregunta de la inseguridad. Ahí está y hay que asumirla”, comentó Riggen en un colorido stand del mercado. Los clientes siguen siendo principalmente estadounidenses aunque también empiezan ya los europeos a ver a las ciudades de provincia e ir superando el histórico centralismo.

23 DE MAYO DE 2022

Tres poemas uruguayos 6 Por León Plascencia Ñol* El cielo que vuelve

Poesía

Cuatro gotas que caen y atraviesan la luz. Un momento: los frutos en la mesa, el olor que viene desde afuera. La playa solitaria. Un cuerpo ante el rastro intermitente del verano. Otro humo, blanco, lejano. Migajas de dos que son paisaje, bocanada y borradura. El gesto de no estar más, inclinados los muros, el agua que choca, el cielo que vuelve a la salida. Sobre qué amarillo secreto nos volvimos. El viento del Atlántico sopla. Pasa intermitente el cielo.

Punta del Este por la mañana Esa anomalía es una presencia. Se respira una fe. Los días llegan en medio del verano, como una corriente de clausura. Este viento uruguayo estalla, afuera de mí. Si digo un poco tarde la caminata por la playa, los cuerpos semidesnudos de las brasileñas en Playa Mansa, la sorpresa de mostrarnos al mundo, la fecha próxima. Un poco de paciencia en los pasos que avanzan. El sudor por el pecho, la ardiente mañana, lo artificial de una tormenta: rodajas de limón para el ceviche. Allá, en el puerto, un grupo de barcos atracados, los leones marinos, los puestos de mariscos (langostinos, rabas, cazones, pulpos, almejas) como naturalezas muertas

mínima. Abajo dos cuerpos agazapados en el amor blanco del verano. Una cacerola para preparar un tacu tacu. Un tramo recorrido

6 Por Pilar Alba

sta es mi casa, desde el primer día que abrí los ojos. Desde que tengo uso de razón he seguido el camino hasta aquí para dormir, para alimentarme, para ser. Son sus muros lo que respiro durante la noche y expiro durante el día. Son sus pequeños desgastes de tierra los que me acompañan pegados a mis zapatos cuando camino, cuando llego a otros edificios, a otras casas. Son partículas de polvo que me recuerdan que debo regresar a ella,

desde Playa Mansa a Playa Brava. Dunas,

Naturaleza muerta con madre e hijo

montículos de arena que son laberintos. Recuerdan la mañana naranja, el ciclo verdadero del amor, la urgencia de los brazos. Pasaste

La madre juega con su hijo en la arena. Lo cubre con capas y capas de protector solar. En medio, el verano, los cuerpos, el mediodía, el cielo salvaje, la respiración que queda para siempre. Día a día sobre este destino / perdido entre tanta cosa, tanta tontería. No alcanzaría / suficiente no parece / desear para ese nene / apenas cortando dientes: que una buena / vida

así de un día a otro. Los cuerpos semidesnudos de las brasileñas, el olor del mar. Dijimos, todo está bien. Hay un oleaje lento. No fui yo el que caminaba contigo.

tenga. Algo así podría pasar. La gaviota un poco más en su vuelo que la sombra del niño que cae. La consistencia del aire es suficiente. La tarde entera, su artificio.

* León Plascencia Ñol (Jalisco, 1968). Escritor, editor, artista visual. Sus libros más recientes son Animales extranjeros (Era, 2021) y La música del fin del mundo (Salto de página, 2020). Está traducido parcialmente al inglés, francés, portugués, coreano y sueco. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Mi casa

como todos regresamos alguna vez al origen. En este lugar di mis primeros pasos, aquí sufrí los primeros descalabros, heridas de esas que sanan como un raspón o una cortada, y de las otras, las que se quedan para siempre en la memoria como el

mal de amor o las derrotas. Aquí puedo, de vez en cuando, sentir el olor de mis abuelos, la risa de mi hermano pequeño o escuchar por las mañanas a mi padre preparando su café en la cocina; aunque ellos ya no estén aquí la casa los guarda

como un tesoro de recuerdos. Por eso sigo en la casa, viviendo, viviéndola, mirando a través de ella otras casas, viendo otros horizontes. Otras construcciones que me hablan, que me invitan a construir una nueva vida, una nueva casa.

Río de Palabras

de un pintor del siglo XVIII. Hay una integridad necesaria, una fecha de caducidad para el amor. Todo acaba, dirías, mirando al oeste. De nuevo los perros. Antes una condición atmosférica, una orden

/// León Plascencia Ñol. Foto tomada de su FB.

LA GUALDRA NO. 528 // 23 DE MAYO DE 2022

El adiós de Serrat

Op. Cit

Que la palabra mañana sea un sinónimo de vida 6 Por Mauricio Flores*

i de subrayar vocablos, fraseos y versos escuchados en el “último concierto” del catalán Joan Manuel Serrat (Poble Sec, 1943) se tratara, cualquiera de los diez mil asistentes al Auditorio Nacional de la gran ciudad podrían deslizar la rayita nerviosa por recuerdo, amistad, deuda, tributo, esperanza, mañana, vida. Todos, insertos en los cientos de canciones compuestas y entonadas a lo largo de cincuenta y tres años por estos territorios, prolongación de lo iniciado en los lejanos y primeros 60 con la llamada nova canço catalana, y que el nacido en “familia humilde” refrendó entre canción y canción, a lo largo de dos horas y media de una noche de mayo de este post pandémico dos mil veintidós. No podía faltar la referencia a “lo mal” que todos en este mundo la hemos pasado “estos dos años…”. Pero de “eso no hablar…, que la palabra mañana sea un sinónimo de vida”, dijo Serrat. De vida para unos y otros, personas y personajes, los miles y miles que lo han seguido en este y muchos otros países. Vida pulsante que recordó con una de las piezas más emblemáticas de su vasta discografía, en este caso la musicalización del poema “Para la libertad”, de Miguel Hernández, “aún tengo la vida”. Poeta al que, comentó en otro momento, España y el mundo le deben justicia precisamente este año en que se cumplen ochenta de su muerte en una cárcel de Alicante. También de Hernández se incorporó al repertorio “Nanas de la cebolla”; incluso el arranque fue con otro poema del “cabrero que decidió ser poeta”, “Dale que dale”, aquel donde se pide: “dale al cabrero, monte, hasta dejarle inmóvil…, dale al monte, lucero, hasta que se haga cielo…, dale, Dios, a mi alma, hasta perfeccionarla…”. La musicalización corresponde al disco Hijo de la luz y de la sombra que en 2010 editara el cantante, complemento de aquel Miguel Hernández, de 1972, que entre los dos suman veintitrés poemas “recuperados” del poeta de Orihuela, sinónimo de humildad y compromiso. (Alguna vez contó Serrat que cuando tuvo en sus manos la primera muestra del disco de los 70, se apuró a entregárselo a Josefina Manresa, viuda del poeta, quien se lo recibió con sencillez. Solo al final del encuentro, y tras agradecerle el obsequio, Manresa le diría que lamentablemente no podría escucharlo por carecer de un aparato reproductor. Entonces Serrat acudió pronto a conseguirle uno). Extendido concierto (El vicio de cantar) con

interpretaciones de cajón y especiales, como la de “Es caprichoso el azar”, proveniente de uno de los últimos discos del cantante, que se hizo acompañar de Tania Libertad, nuevo momento para exaltar la amistad. Y con ello el recuerdo a las muchas presentaciones de Serrat en México, en su memoria las de los años 75-76, cuando a partir de sus declaraciones en contra del agonizante régimen dictatorial de Francisco Franco en España, tuvo que exiliarse por varios meses en nuestro país. La empresa entonces ideada por el catalán fue hacerse de un pequeño camión donde montó a toda la banda musical, para recorrer ciudades y pueblos de la geografía mexicana. ¿En dónde más realizó presentaciones durante todos estos años Serrat? Solo en la gran ciudad se recuerdan el Palacio de Bellas Artes, los teatros de la Ciudad y Ferrocarrilero, el mismo Auditorio, la Plaza de toros y el Zócalo. Un gran concierto ofrecería ahí tras el triunfo de la izquierda mexicana, en las elecciones de 1997. Un lugar más, lo recordó él mismo, mismo, el auditorio Justo Sierra de la UNAM, todavía no renombrado Che Guevara, en ese año del debut, el 69, uno después del 68 “difícil para ustedes, el de los estudiantes”. Fin del final La noche avanza y con ella el fin del concierto. Pero habrá final-final. Una rara y corta versión de “Las golondrinas”, y otra de las más profundas canciones del gran José Alfredo Jiménez, “Un mundo raro”. “Porque yo a donde voy hablaré de tu amor como un sueño dorado, y olvi-

dando el rencor no diré que tu amor me volvió desgraciado”. Y si en esa tarde del 98 en el zócalo de la gran ciudad el grito final fue un “Sois unos chingones”, ahora, el último, previo a la gira que lo llevará por varias localidades españolas para terminar en diciembre en su Barcelona (“la quiero desnuda y entera resbalando entre los ríos con sus fantasías y sus cicatrices. La quiero con el entusiasmo de un recluta enamorado porque está viva y porque se queja mi ciudad”) muy cerca ya de Navidad, fue un “Viva México, cabrones”. *** Aficiones y lealtades Toda gran canción parece a la vez intemporal y de época, alude a la vez al tiempo en que fue escrita y al que vive quien la escucha. Uno no puede saber cómo será su vida futura, pero sí sospechar cuáles de sus aficiones y lealtades le seguirán acompañando mientras viva. En mi porvenir, igual que en mi pasado, estoy seguro de que seguirá habiendo canciones de Serrat. Antonio Muñoz Molina

Fechas claves en la carrera de Serrat • 1943: nace en un barrio popular de Poble Sec. • 1961: con sus compañeros de la mili, funda un conjunto musical inte-

grado por dos guitarras, un contrabajo y una batería. • 1965: graba su primer disco y debuta en el teatro de Esplugues de Llobregat. • Interviene en el famoso concierto nova canço catalana. • 1969: musicaliza poemas de Antonio Machado; primer viaje a México. • Publica Mediterráneo y consolida su presencia en Latinoamérica. • 1972: musicaliza poemas de Miguel Hernández. • 1975-76: exilio en México. • 1983: publica Cada loco con su tema. • 1985: musicaliza la obra del uruguayo Mario Benedetti. • 1986: graba en portugués. • 1992: con su nuevo disco, Utopía, reúne 200 mil personas en Buenos Aires. • 1996: inicia conciertos al lado de Ana Belén, Víctor Manuel y Miguel Ríos. • 1998: se presenta en el Zócalo de la CDMX. • 2007: inicia conciertos al lado de Joaquín Sabina. • 2011: recibe el Doctorado Honoris causa por la UNAM.

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