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Juan A. Cruz

NONE OF THAT Nada de eso March 05 2015 LA CASITA

“

We are what we repeatedly do. Excellence then, is not an act but a habit. –– Aristotle

March 05 2015 LA CASITA

ARTIST BIOGRAPHY

Juan Alberto Cruz

was born in Cataño, Puerto Rico in 1941. Immigrating to the States with his family at age 5, Cruz studied at New York City’s Art Student League in 1975 and later was offered a scholarship to study at School of Visual and Performing Arts, Syracuse University. A series of grants from the INERI Foundation in the 1980s enabled Cruz to travel to Spain, Mexico, Central America and Cuba. Juan Alberto Cruz’s works represent a contemporary style, showing his pursuit of spiritual liberty.

A VISIT TO THE ARTIST’S STUDIO In January of 2015, during the process of production for this exhibit at La Casita, an interesting encounter took place between the artist, Juan A. Cruz and Pedro Cuperman, Argentine novelist and poet, artistic director and curator of the Point of Contact Gallery in Syracuse. What follows in an extract of that conversation at Juan’s studio, in the Westside of Syracuse, N.Y.

P/Pedro Cuperman J/Juan Alberto Cruz P: Your work is very verbal. It has something of a mix with a postsurrealist tradition. J: Well, I used to paint in a rather realist style. I used to make a living doing portraits, landscapes, seascapes, still life… It went well for me. But I felt that there had to be something more. I was interested in the detail of technique, but I wasn’t satisfied with what I was doing and I began to experiment. I began to look for something more satisfying. I have experimented with different styles, and well, I even had a phase in which I tried to imitate Picasso and I went to Spain to study Goya’s work, Goya’s dark paintings in El Prado. This experience began to open my mind to new dimensions, yes? Here was an artist painting his emotions, what he felt. I saw none of that. P: The difference… I don’t know how to say this. You break the continuity. Picasso’s work is like film, the continuity, the image that doesn’t end. From what I see, you frame everything, you break the continuity, and maybe you are closer to cubism in a certain way. That’s what I think, I don’t know. It’s the first time I see your work and what I see is frames. They are framed visions. It is interesting because it has something of the immigrant, very much of our culture, the need to know the border.

It is an art of many borders, from what I can see. That white, for example, is next to that other white, but parted. It’s to say that there is a pictorial tradition of relationship, but it’s shown in another way. J: Honestly, I learned how to paint on my own. As a kid I liked to draw. I drew because I had nothing else to do. Stuck in an apartment in New York City as a kid, I would look out the window and all I saw was gray, gray, gray… I had just arrived from Puerto Rico. I

wasn’t allowed to leave the house so I would spend my time looking out the window and drawing. Everything that I saw I could draw, but I didn’t have a formal education in the arts. I was killing time… I wasn’t even allowed to go to school. I was already about eight years old when I started school. A few years later we had to leave for Puerto Rico, and that is where I learned how to read and write in Spanish a little bit, we were only there for a few years and then I returned to the United States. A few years later I found myself caught in a police raid, which is my story. I was already thirty-something years old when I visited the Metropolitan Museum for the first time. I had never visited a museum with so many works by different artists.

I was offered a scholarship to study at Syracuse University and I came to Syracuse. By that time, I was already breaking with my pattern, and I was getting into a very different mentality.

P: What did like most about that visit? Did you find something you could identify with?

P: There is nothing wrong with that, because one’s language comes from that. It’s to say, one thing is to study art and what have you, another thing is to work for a long time, use what is inside of you and combine traditions… which is what you do.

J: I discovered things, you know, messages and emotions that other artists were able to reflect. I had thought about none of that. I began to feel unsatisfied with what I was doing, because it was only copying nature, what was right in front of me. I felt that there had to be more to my work than just copying what I saw. That’s when I began to experiment, I can seriously tell you, I studied colors in my own way before going to the Art Students League in New York City. I was there for less than a year because in 1975

P: In your way of speaking in Spanish, there is something known as “code switching”, when you go from one language to the other. J: Spanish and English… P: Technically it’s “code switching”. Do you feel that there is something like that in your work that you move from one code to another? J: Perhaps I was tied to two worlds and I didn’t have something more solid.

J: In art? P: Yes, of course… so there could be a bridge with language. It’s not that your art is historic or narrative. It’s that it contains your language, your history. It is quite common in Hispanics who were raised in the United States, between two cultures, to mix words in Spanish and English. That’s what I see here.

Well, I don’t know, it’s the first time I see this work. Your painting can be enchanting and at times, tumultuous. But that’s what is interesting about it. Let’s say, continuing your thought about your way of approaching painting, correct me if I’m wrong, but your way of approaching the work is rather innocent and at the same time seeking technique. J: I was seriously going after a technique. Because all the artists that I read about, like Wilfredo Lam, had or were searching for the best way of expressing themselves. P: …the language

J: Exactly. But I thought about none of that. P: Do you know what you can title your next exhibit? J: What? P: None of that J: A few years ago I began to notice that I painted, and even though more or less I arrived where I wanted to be, I would always ask myself: What is there beyond the surface, deeper? What is it that I am trying to say? What is the message? And I felt something was missing. I didn’t find anything interesting. I felt good about the technique, the color, but something was missing, the message… I don’t know, this is my crazy mind. I am not completely satisfied. Then it occurred to me to do something, sort of what students of science do with frogs… dissect them, to see what’s inside. P: Why do you think that there has to be a message? Do you work for the postal service? (laughter) J: Because even though technique worked well, I found that it was lifeless. It was a well-made painting but it was lifeless. Nice colors but it didn’t say anything to me. Honestly, so I began to cut up the canvases to take the work into another state, to another dimension; to see what I could find. In doing this I have been able to achieve a little more satisfaction with my work. P: So what you are saying is that, your interest is to communicate, to have a dialogue with your spectator? J: Yes and no. It doesn’t matter now. P: You know, I don’t know if I am exaggerating

but when you say the word “message”, which comes from an ideological tradition, it implies that you have something to say. But, why does something need to be said at all? J: Exactly. What do I want to say? P: So you within you, one can sense a level of commitment with the spectator, which by the way, comes from a very interesting tradition. You want to establish a dialogue. Then, do you think that continues to be your motive, your dominant motive? J: To say something, communicate something; provoke an awakening. I don’t know, but I think that we all have something to say. P: But one can also “un-say” or deconstruct. That is to say, make the spectator see in a different way without you providing any clues. J: A curator in Puerto Rico, Manuel Vázquez, wrote about my work and said that I am not communicating a message in my paintings, that the spectator must interpret what he or she sees. I wish they would share with me what they see. P: Generally, when contemporary artists experiment, they are protesting against the pictorial tradition. Picasso does that. And that is a dialogue, perhaps a negative one, but it is beautiful. It is the

revolutionary tradition of the arts, yes? What does it say? I am deconstructing, and you can find in me traces of here and there, but I am elsewhere. To me, that is what excites about the work of art; that it breaks with tradition or that it is weaved together in a different way, I don’t know, I wouldn’t want to start theorizing. I think it’s just another way of saying that in looking at your work, it has nothing to do with Picasso. Where do I read this from? I could read it from the point of view of cubism, from you, from your previous work or I let go and experience the present, it’s a very interesting style of painting. I think it’s a great conversation with the spectator; it forces him or her to be present and not go to the past, to just be there, I suppose. This work has something of that. The thing is that it has many frames. I think it’s interesting how you present it, you see it. The only problem is tradition. Buñuel used to say something very beautiful: “What doesn’t come from tradition is plagiarism.” If someone says: “I invented this painting…” Well, go to hell, you didn’t invent it you are the offspring of an entire generation. That whole discourse of contemporary art, which ends in silence, in a blank page and things like that. No need to worry too much about that. J: Everything has been invented already. P: Of course, so one can’t do things

Map, 2015

that have already been done, that’s simply the way it is. Then, how is it done? By being what we are and you are inside a tradition. But, you also have your own tradition that is yours, there is a richness that is autobiographical, and one has to be loyal to that. J: I have been looking for a meaning to what I do. I don’t know. The result of this search has made me take a look at these pieces that I painted and recompose them; destroy them and recompose them. Because what I am looking for is self-satisfaction or better yet, I’m looking to fill a void I have inside. I think this experiment of cutting- which I’m not the first one to do- offers me something more, a new meaning.

between that red and that other red. It is of someone that really possesses the language of painting. It is very possible that you don’t think about it when you do it, because you already carry it inside. J: I have a lot of pieces in my work, I have given away many. People tell me: “That’s great!” I say: “Take it” If they don’t I’ll just cut it up and put it together again to see what else is there that I still haven’t touched. Who knows? Seriously, Don Pedro, let me tell you… P: Oh, Don and everything…no one has ever called me Don Pedro! (laughter) J: To me, this piece… (Meaning)

P: What poetry do you like? What do you feel is closest to your work or what contains that same dissatisfaction or unease? Do you have any you like? You don’t have to answer that, but have you thought about it?

P: Do you want me to tell you how I read it?

J: Well, there is a poem titled “If” by Rudyard Kipling. It takes me back to think about things of the past and also of what has brought me to this point.

J: Like a map?

P: Your work has a lot of wisdom, of someone that knows what he’s doing. J: Well, I don’t know. P: There, for example, the relationship

J: Yes. P: In a cartographic way, like a map.

P: (Like a map) of the universe to come. You don’t have to go along with it, it was just my first impression. There is a whole tradition of painting in it, of someone who knows what he’s doing. Space and color are not intuitive here. The thing is that you already have it within you, like language.

J: This is another language.

P: I hope that this conversation helps.

P: It is yours, the language of years of work. I don’t know, if you spend your life talking, in the end you will know how to speak. (laughter)

J: Oh yes! The title of the exhibit is coming out of this conversation.

J: I feel that this piece has become like my guide. Like you say, a map. P: Is that recent? J: Yes. P: Of course, it is to say that it initiates a new phase. J: Exactly, I think that before I die I will discover… P: Oh no! J: … you know, I may discover the meaning of life. P: No, nothing has to be discovered. No one in Christopher Columbus. Nothing has to be discovered, it is enough to simply leaving a trace, a footprint... Discovery is a myth of the Renaissance. What does discovery mean? That there is something hidden. Well, no, there is what you make, what you construct. J: Inventing… That’s where I’m going. That door is open.

P: None of That! Beautiful. If you are asked, what is that? ... The past or whatever… None of that. It’s genius!

If you can keep your head when all about you Are losing theirs and blaming it on you, If you can trust yourself when all men doubt you, But make allowance for their doubting too; If you can wait and not be tired by waiting, Or being lied about, don’t deal in lies, Or being hated, don’t give way to hating, And yet don’t look too good, nor talk too wise:

Si logras conservar intacta tu firmeza Cuando todos vacilan y tachan tu entereza; Si a pesar de esas dudas mantienes tus creencias Sin que te debiliten extrañas sugerencias; Si puedes esperar, e inmune a la fatiga Y fiel a la verdad, reacio a la mentira, El odio de los otros te deja indiferente, Sin creerte por ello muy sabio o muy valiente...

If you can dream—and not make dreams your master; If you can think—and not make thoughts your aim; If you can meet with Triumph and Disaster And treat those two impostors just the same; If you can bear to hear the truth you’ve spoken Twisted by knaves to make a trap for fools, Or watch the things you gave your life to, broken, And stoop and build ’em up with worn-out tools:

Si sueñas, sin por ello rendirte ante el ensueño, Si piensas, mas de tu pensamiento sigues dueño; Si triunfos o desastres no manguan tus ardores Y por igual los tratas como dos impostores, Si soportas oír la verdad deformada, Y cual trampa de necios por malvados usada, O mirar hecho trizas de tu vida el ideal Y con gastados útiles recomenzar igual...

If you can make one heap of all your winnings And risk it on one turn of pitch-and-toss, And lose, and start again at your beginnings And never breathe a word about your loss; If you can force your heart and nerve and sinew To serve your turn long after they are gone, And so hold on when there is nothing in you Except the Will which says to them: ‘Hold on!’

Si toda la victoria conquistada Te atreves a arriesgar en una audaz jugada, Y aun perdiendo, sin quejas ni tristezas, Con nuevos bríos reiniciar puedes tu empresa; Si entregado a la lucha con nervio y corazón, Aun desfallecido persistes en la acción Y extraes energías, cansado y vacilante, De heroica voluntad que te ordena, ¡adelante!...

If you can talk with crowds and keep your virtue, Or walk with Kings—nor lose the common touch, If neither foes nor loving friends can hurt you, If all men count with you, but none too much; If you can fill the unforgiving minute With sixty seconds’ worth of distance run, Yours is the Earth and everything that’s in it, And—which is more—you’ll be a Man, my son!

Si hasta el pueblo te acercas sin perder tu virtud Y con reyes alternas sin cambiar de actitud; Si no logran turbarte ni amigo ni enemigos; Pero en justa medida pueden contar contigo; Si alcanzas a llenar el minuto sereno Con sesenta segundos de un esfuerzo supremo, Lo que existe en el mundo en tus manos tendrás ¡y además, hijo mío, un hombre tu serás!

BY RUDYARD KIPLING

VISITA AL TALLER DEL ARTISTA En enero de 2015, durante el proceso de producción de la obra para esta exhibición en La Casita, se dio un interesante encuentro entre el artista Juan Cruz y Pedro Cuperman, novelista y poeta argentino, fundador, director artístico y curador de la galería Punto de Contacto en Syracuse. Lo que sigue es un extracto de esa conversación entre ambos en el taller de artista de Juan, en el Westside de Syracuse, NY.

P: Tu obra es muy verbal. Tiene algo de mezcla con una tradición post-surrealista. J: Pues yo antes pintaba en un estilo bien realista. Me buscaba el billete haciendo portraits, haciendo landscapes, seascapes, still life…. Me iba bien. Pero me sentía que tenía que haber algo más. Yo era un técnico, me interesaba el detalle de la técnica. Pero, no estaba satisfecho con lo que estaba haciendo y empecé a experimentar, a buscar lo que me iba a hacer a mí sentir mejor. Me he metido en todas las modalidades, y bueno, tuve una época en que trataba de imitar a Picasso y fui a España a estudiar los cuadros de Goya, los cuadros negros de Goya en El Prado. Esa experiencia empezó a abrirme la mente a otras dimensiones, ¿no? Ahí estaba una persona pintando sus emociones, las cosas como él las veía. Yo no veía nada de eso. P: Creo que la diferencia… no sé si me animo a decir, es que tú rompes la continuidad. Y la obra de Picasso es como el cine, la continuidad, la imagen que no termina. Por ejemplo, de lo que yo veo, tú lo enmarcas todo, rompes la continuidad, y quizás estás más cerca del cubismo en cierto sentido. Pienso yo, no sé, es la primera vez que veo tu obra y lo que veo son marcos. Son visiones enmarcadas. Es interesante, porque tiene algo del inmigrante, lo de nuestra cultura, que necesita conocer la frontera. Es un arte de muchas fronteras, por lo que veo. Ese blanco, por ejemplo, está ligado con ese otro blanco pero partido. Es decir, hay toda una tradición pictórica

de la relación, pero está de otra manera. J: Honestamente, yo aprendí a pintar, cómo se dice, “on my own.” De niño me gustaba dibujar. Y dibujaba por que no tenía más nada que hacer. Encerrado en un apartamento en Nueva York, de chiquito, miraba por la ventana y eso era gray, gray, gray… Y yo acabando de llegar de Puerto Rico. No me dejaban salir de casa y yo me pasaba mirando por la ventana y dibujando. Todo lo que veía lo podía dibujar, pero no tuve una educación en el arte. Me la pasaba dibujando y matando el tiempo… Ni a la escuela me dejaban ir. Ya tenía como ocho años cuando empecé en la escuela. Y un par de años después tuvimos que ir para Puerto Rico, y en Puerto Rico fue que aprendí a leer y a escribir en español, un poco, porque estuve un par de años nada más, y luego regresé a Estados Unidos y después fue que caí en una redada policial que fue my history. Cuando visité por primera vez el Metropolitan Museum, ya tenía treinta y pico de años. Fue la primera vez que visité un museo con tanta obra de diferentes artistas. P: ¿Qué fue lo que más te gustó de esa visita? ¿Te encontraste con algo que era a fin a ti? J: Descubrí cosas, you know, el mensaje o las emociones que otros artistas lograban proyectar. Yo no pensaba en na’ de eso. Yo empecé a sentirme insatisfecho con lo que estaba haciendo, porque no hacía otra cosa que copiar la naturaleza, copiar lo que estaba frente a

mí. Sentía que en mi trabajo tenía que haber algo más que copiar lo que veía. Ahí fue que empecé a experimentar y le digo seriamente que yo estudié colores a mi manera antes de ir al Art Students League en New York City, que estuve menos de un año porque en el ’75 me dieron una beca para estudiar en Syracuse University, y me vine a Syracuse. Ahí yo estaba ya rompiendo con my pattern, and I was getting into… mentalidad muy diferente. P: En tu manera de hablar, aparece algo conocido como “code-switching” que pasás de un idioma al otro. J: Spanish and English… P: Técnicamente es “code switching.” ¿Sentís que hay en tu pintura algo así, que pasa de un código al otro? J: Eso es porque todavía estaba amarrado a dos mundos y no tenía algo más sólido. P: No hace falta tener eso, porque el idioma de uno nace con eso. Es decir, una cosa es ir a estudiar arte y… qué se yo, otra cosa es trabajar mucho tiempo, usar lo de adentro y mezclar tradiciones… es lo que tú haces. J: ¿En el arte? P: Si, claro… O sea que ahí puede haber un puente en la palabra. No es que tu arte sea histórico o narrativo. Si no que tiene de tu palabra personal, de tu historia. Esta manera que tienen

los hispanos acá en Estados Unidos, que vivieron dos culturas, y mezclan las palabras en español y en inglés. Y es lo que veo ahí. Bueno, no sé, pero es la primera vez que miro esto, que a veces es encantador y a veces es tumultuoso, cuando se mezclan. Pero creo que eso es lo interesante. Digamos que comenzar a pensar, o continuar tu pensamiento sobre tu manera de acercarte a la pintura, no sé si me equivoco pero la manera de acercarte es inocente y al mismo tiempo buscando la técnica. J: Seriamente, yo buscaba una técnica. Porque todos los artistas que yo leía como Wilfredo Lam, tenían o estaban buscando su mejor manera de expresarse. P: …el lenguaje J: Exacto. Pero yo no estaba pensando en na’ de eso. P: ¿Sabés cómo se puede llamar tu próxima muestra? J: ¿Cómo? P: Nada de eso J: Na’ de eso J: Hace un par de años empecé a notar que yo pintaba y aunque me sentía que más o menos llegaba a donde yo quería, siempre me preguntaba, ¿qué es lo que hay más profundo, más allá? ¿Qué es lo que yo estoy tratando de decir? ¿Cuál es el mensaje que hay ahí? Y sentía

que faltaba algo. No encontraba nada interesante. Estaba bien de técnica, de color, pero había algo que faltaba, y el mensaje que llevaba… no sé, ésta es la mente mía corriendo loca. No estoy totalmente satisfecho. Entonces me vino la idea, bueno de hacer como hacen los que estudian ciencia con los sapos, disect it. Para ver lo que hay adentro. P: ¿Por qué crees que hay que tener un mensaje? ¿Trabajabas para el correo? (risas) J: Porque aunque quedaba bien de técnica, encontraba como que no tenía vida. Para mí era un cuadro bien hecho pero sin vida, colores lindos pero a mí no me decía nada. Y honestamente, empecé a cortar las telas para llevar la obra a otro estado, a otro “dimention” a ver lo que encontraba. Así he podido conseguir un poquito más de satisfacción con mi obra. P: O sea que, ¿tu interés es comunicarte; tener un diálogo con los que te miran? J: Si y no. Ahora no importa P: Sabes que, no sé si exagero, pero cuando tú dices la palabra mensaje que viene de una tradición ideológica, eso implica que tú tienes algo que decir. ¿Pero por qué hay que decir algo? J: Exacto. ¿Qué quiero yo decir? P: Quiere decir que en ti hay todo ese compromiso que por cierto, viene de una tradición interesante, que es ese compromiso con el espectador. Quieres

establecer un diálogo. ¿Entonces tú crees que eso sigue siendo tu motivo, tu motivo dominante? J: Decir algo. Comunicar algo. Provocar un awakening. No sé, yo creo que toditos tenemos algo que decir. P: Pero también uno puede des-decir. En vez de decir, desconstruir. Es decir, obligar al espectador a mirar de otra manera sin decirle nada. J: Tengo un artículo que lo escribió en Puerto Rico el curador Manuel Vázquez, y dice que en los cuadros míos yo no estoy comunicando un mensaje, que el espectador debe interpretar lo que ve. Yo quisiera que compartieran conmigo lo que ven.

P: En general los artistas contemporáneos cuando experimentan, protestan contra la tradición pictórica. Es decir, todo lo que hace Picasso es protestar contra las obras anteriores. Y eso es un diálogo, digamos, negativo, pero que es precioso. Es la tradición revolucionaria del arte ¿no? ¿Qué está queriendo decir? Yo estoy deshaciendo, y ustedes pueden encontrar en mí trazos de acá y de allá, pero al mismo tiempo estoy en otra. O sea, que ese es el mensaje interesante de la obra, pienso yo, de la obra de arte que rompe con la tradición o se trama de otra manera, yo no sé, no quiero empezar a teorizar. Creo que esta es otra manera de decir que cuando uno mira esto, no tiene nada de Picasso. ¿Y desde dónde la leo? La puedo leer desde el cubismo, desde ti, desde tus obras anteriores o me dejo llevar y vivo la experiencia presente, que es un tipo de pintura muy interesante. Creo que es una conversación muy buena con el espectador, obligarlo a estar presente y no a irse al pasado. A estar ahí, supongo. Y esta obra tiene algo de eso. Lo que pasa es que tiene muchos marcos. Yo creo que es interesante como lo planteas y me gusta. A mí me parece bien como lo pensás, el único problema es la tradición. Buñuel decía una cosa muy linda: “Lo que no viene de la tradición es plagio.” Alguien que dice, “Yo inventé esta pintura…” vete al carajo, no la inventaste, tú eres hijo de toda una generación. Están todos esos problemas del arte contemporáneo que terminan en el silencio, con la página en blanco, y cosas así. No hay que preocuparse mucho por eso.

J: Todo lo han inventado ya. P: Claro, o sea que uno no puede hacer cosas que ya se han hecho, es simplemente así. Entonces, ¿cómo se hace? Se hace siendo lo que uno es y tú estás dentro de una tradición. Pero, también tú tienes una tradición y en esa tuya hay una riqueza que es autobiográfica y uno tiene que ser leal a eso. J: Yo le he estado buscando un sentido a esto que yo hago. No sé. Pero el resultado de esa búsqueda me ha llevado a mirar esos cuadros que yo pintaba y recomponerlos; destruirlos y recomponerlos. Porque lo que yo estoy buscando es “self satisfaction” o mejor dicho, llenar el vacío que llevo dentro. Yo creo que este experimento de cortar— que yo no soy el único que lo ha hecho— me ofrece algo más, un sentido nuevo para mí. P: ¿Qué poesía te atrae? ¿Qué sentís que se parece más a tu obra o que tiene la misma insatisfacción o la misma inquietud? ¿Tienes alguno? No tienes por qué contestarme eso pero, ¿lo has pensado? J: Bueno, hay un poema que se titula “If” por Rudyard Kipling. Me lleva pa’tras a pensar en las cosas que pasaban y en lo que me está llevando a este punto. P: Tu obra tiene mucho de sabiduría, de alguien que sabe lo que está haciendo. J: Pues yo no sé.

P: Pues ahí, por ejemplo, la relación entre el rojo y el otro rojo. Es de alguien que realmente tiene el lenguaje de la pintura. Es muy probable que tú no lo pienses cuando lo haces, porque ya lo llevas a dentro.

Qué se yo, si uno se pasa la vida hablando, al final sabe hablar. (risas)

J: Tengo mucha obra, y he regalado mucha obra que no me ha gustado, y la gente me dice: “¡Es buenísima!” Yo le digo, “Llévatela”, porque si no la corto y la hago de nuevo para ver que hay ahí que todavía no he tocado. ¿Y quién sabe? Seriamente, Don Pedro, le diré…

P: ¿Esto es reciente, no?

P: Ah, nunca me dijeron Don Pedro, que lindo. Es con Don el asunto… (risas)

J: Siento que esa pieza se ha vuelto como mi guía. Como tú dices, un mapa.

J: Si P: Claro, es decir que empieza una nueva etapa. J: Exacto, yo creo que antes de morirme voy a descubrir… P: ¡Ay no!

J: Pa’ mi esa pieza… (Meaning)

J: … you know, the meaning of life.

P: ¿Quieres que te diga como la leo yo?

P: No, no hay que descubrir nada. Nadie es Colón. No hay que descubrir nada, con haber dejado huellas basta. Esto es un mito del renacimiento, de descubrir. ¿Qué quiere decir descubrir? Que hay algo escondido. No, hay algo que se va haciendo, que se va armando.

J: Sí. P: Como cartográfica, como un mapa. J: ¿Cómo un mapa? P: …del universo por venir. No tienes por qué hacerme caso, pero fue la primera impresión que tuve. Ahí hay toda una tradición de pintura de alguien que sabe. Ahí no es intuitivo. El manejo del espacio y los colores. Lo que pasa es que ya lo debes tener a dentro, como uno tiene adentro el lenguaje.

J: Inventando… ahí es que yo voy, esa puerta está abierta.

J: Eso es otra lengua.

P: ¡Nada de eso! Precioso. Y si te preguntan ¿qué es eso? … El pasado o lo que sea… Nada de eso. Es genial.

P: Es la tuya, la de los años de trabajo.

P: Espero que te ayude esta conversación. J: O sí, de aquí iba a salir el título de la exposición.

Exhibition Credits Tere Paniagua Executive Director Cultural Engagement College of Arts and Sciences Syracuse University Lizet Fuentes Oberacker Administration Shihua Xu Public Relations Graphic Design Sofia Marquez Chels Smith Translation Enrique Figueroa Video & Photography Lynne Pearson Monica Lipinski Installers Ismael Avila Antonio Morales Installation Assistants

Juan Alberto Cruz SOLO EXHIBITIONS (Selected) 2006 2005 2004 2000

Uri Art Gallery, Puerto Nuevo, San Juan, P.R. Galeria San Juan Bautista, Casa Alcaldia. Sponsored by – El Museo De San Juan, P.R. Onondaga Community College, Syracuse, N.Y. Taller Boricua Gallery, Spanish Harlem, NYC

GROUP EXHIBITIONS (Selected)

2012 “Personal Images”, Syracuse Stage, Syracuse, N. Y. 2008 “Mona Lisas”, Traveling Show, Museum of the Americas, Miami, FL. 2008 “The Otto Reyes Collection” / “Rayes Veray”, Museo de Arte Contemporaneo de P.R. Santurce, Puerto Rico. 2008 “La Nueva Colectiva”, Obra Galeria, San Juan, P. R. 1986 “The Jacob Javits Center, Sponsored by El Museo Del Barrio, NYC

AWARDS (Selected) 2010 1998 1994 1990 1984 1989

Artist in Residency, Near Westside Initiative, Syracuse, NY CRC, Individual Artist Award, NYS Council on the Arts, NY Ineri Foundation, Houston, TX/ NYC Ineri Foundation, Houston, TX/ NYC Ineri Foundation, Houston, TX/ NYC NYS Council on the Art Grant

COLLECTORS (Selected)

The Menil Colletion, Houston, Texas The Everson Museum of Art, Syracuse, NY Archival Collection, MONY Corp. Offices, NYC LeMoyne College, Syracuse, NY Onondaga Community College, Syracuse, NY Beauchamp Branch Library, Syracuse, NY Mr. & Mrs. James Harithas. NYC/ Texas Mr. & Mrs. Martin Yenawine, Wellesley Island, NY Familia Roig, Guaynabo, PR Manuel V. Vazquez ,San Juan P .R Reyes Veray , San Juan,P.R.

EDUCATION 1995 1975 1975

Syracuse University, College of Visual and Performing Arts, Syracuse, N.Y. (Sculpture) Syracuse University, College of Visual and Performing Arts, Syracuse, N.Y. (Painting) Art Student League, New York, N.Y.

GAL L ER Y H OUR S Tuesday - Saturday 12 p.m. - 5 p.m. or by appointment

109 Otisco Street, Syracuse, NY 13204 (315) 443-1879 lacasita@syr.edu http://lacasita.syr.edu/