LaCarne Magazine N99

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europa y latinoamérica

Nº99 - SEP 2020 - AÑO 9

thelonius monk el bopper del piano

investigación

Thelonius Monk - Folklore en tiempos de confinamiento

ESPECIAL

estivalia: Cerandeo, Solima y el pelujáncanu

EXPERIENCIAS

Legati - Priest - Natural Ending - Metal vs COVID-19

ENTREVISTAS

KDNS - Manny 912

SUMARIO

N99 aÑo 9 SEP 2020

experiencias 06 legati, lanza su segundo disco H.A.D.E.S.

08 PRIESt y su nuevo material DEAD RINGER

10 Natural Ending, Special Edition 14 METAL VS COVID-19 investigación 18 Monk, el Bopper del piano 22 FOLKLORE EN TIEMPOS DE

CONFINAMIENTO, jOTA DESDE CASA

entrevistas 28 KDNS, amor por el Graffiti y el Hip Hop

32 especial estivalia, Cerandeo 38 especial estivalia, Solima 42 Manny 912, rap boliviano en USA 46 El Pelujáncanu, tradición ancestral

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

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Colaboradores

jorge ares, la chica boom, Eva maría aroca, alfonseka, sebastián díaz, j.g. entonado, cristobal torres

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

LACARNE

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EXPERIENCIAS

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Legati

lanza su segundo disco H.A.D.E.S. LEER MÁS

L

piezas como «Closer», «The Reminder», y la homónima del álbum, dejando ver que estaban cocinando un trabajo de enorme calidad, tanto a nivel de composición y ejecución.

egati es una banda oriunda de Chihuahua que se autodenomina como “Rock Barroco”. Sin embargo, para los oídos más elementales de este redactor, su música destila Power Metal de excelso nivel.

Su producción es perfecta. Confirma que la escena mexicana finalmente ha conseguido un estándar por demás interesante, en el que sus discos ofrecen un sonido que permite hacer brillar a las canciones.

A mediados de mayo, la agrupación finalmente presentó su segundo larga duración titulado: H.A.D.E.S. (2020). Después de haber presentado Path to Synchrony en 2016, su nueva obra es un excelente segundo paso que mantiene el nivel de la banda.

Utilizan muchísimas orquestaciones, cuya atinada mezcla ayuda a que las piezas aumenten su dimensión, y alcancen niveles de epicidad que diez años atrás habría sido inimaginable escuchar en una banda mexicana. Esto cada vez está siendo más común.

Legati lanza su segundo disco H.A.D.E.S.

Después de una introducción llamada «Battle of the Seas», donde plantean el contexto de la obra, el disco inicia con altas dosis de energía desde su primera pieza.

H.A.D.E.S es un álbum en el que venían trabajando por lo menos desde hace dos años. Sus primeros anuncios fueron lanzados en 2018, dejando escuchar canciones tan pronto las componían y grababan.

Fue así como se pudieron conocer algunas

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«Ocean» es una canción donde la agrupación deja ver su enorme poder en todos los sentidos, y esta intensidad no la bajan durante sus ocho piezas, y poco más de media hora de

“H.A.D.E.S. es una obra que paga con creces todo el trabajo invertido, y que el fanático fácilmente podrá comprobar.”

duración.

H.A.D.E.S. se alimenta a través de dos ejes principales: la guitarra de Edgar Hira y la voz de Lluvia Domínguez, todo aderezado con orquestaciones que alimentan perfectamente la emoción de las piezas.

No es por demeritar el trabajo de Jonathan Contreras (batería), ni el de León (bajo), por el contrario, las canciones exigen en cuanto a velocidad y ejecución, pero su rol claramente se coloca en un segundo plano al no tener ninguna introducción, ni solos, ni algo que vaya más allá de ser los soportes vitales de los dos ejes previamente mencionados.

La voz de Lluvia Domínguez se mantiene proverbial. En ocasiones recuerda a la de Sabine Edelsbacher, de Edenbridge, sólo que Domínguez ofrece tesituras más avezadas que evidencian un enorme rango que sabe aprovechar favorablemente, dependiendo si se trata de estrofas o de estribillos. Edgar Hira ha cristalizado todavía más su trabajo de guitarra. Aprovechando las bondades de estudio. Éste músico se multiplicó en las graba-

ciones dejando sonar riffs y líneas melódicas armonizadas (y a veces muy devastadoras), como en las estrofas de «Gods of Sorrow».

H.A.D.E.S. cierra con dos piezas más relajadas: «Reminiscence» y «Gone», dos canciones muy curiosas porque, a pesar de ser las menos aguerridas del álbum, mantienen una enorme dosis de distorsión y de arreglos orquestales que impiden bajar la potencia de todo el disco en su conjunto.

Legati optó nuevamente por el camino de la independencia, lo que explica en gran medida el enorme lapso de tiempo que les tomó poder culminar esta obra.

Sin embargo, su lento pero seguro paso es una gran muestra del inquebrantable espíritu que esta banda posee. H.A.D.E.S. es una obra que paga con creces todo el trabajo invertido, y que el fanático fácilmente podrá comprobar.

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PRIEST

y su nuevo material, DEAD RINGER LEER MÁS

Foto por Marisol Correa

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uy buenas, y bienvenid@s a este nuevo artículo! Lo primero de todo es que espero que todos estéis bien y pasando un buen verano/invierno. Yo espero poder contribuir a hacerlo más ameno con esta banda procedente de Estocolmo que me tiene enganchadísima desde que vio la luz por primera vez a finales del año 2016, si mal no recuerdo, aunque no fue hasta marzo de 2017 cuando lanzaron su primer single, «The Pit«.

Ellos son… (Redoble de tambor) PRIEST! Priest es una banda de Goth Electrónico, Synthpop, Techno, y que quizá tenga algunos matices de Depeche Mode en su sonido. Tienen canciones muy bailables y pegadizas, con una buena base, y, por supuesto, sintetizado-

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res. También cuentan con temas más oscuros y profundos. De cualquier modo, su música es envolvente y querrás escucharlos una y otra vez.

Y DEL CAOS NACIERON LAS ESTRELLAS…

Y más o menos es así la historia de estos chicos que, bajo los nombres de Mercury, Sulphur y Salt, supuestamente surgieron a raíz de la famosa demanda que su productor, Simon Söderberg, y compañía pusieron a Tobías Forge (Ghost) por problemas económicos.

En efecto, Priest está formada por algunos de los Ex –Nameless Ghouls, o al menos en sus orígenes, ya que en el último año han tenido varios cambios en sus componentes.

Sinceramente no quiero darle mucho bombo a esa historia, pues en su momento hubo una división de opiniones, fans e incluso amistades. Fue algo realmente raro, se crearon dos bandos, o estabas con Ghost o con PRIEST, cosa que nunca jamás entenderé, ya que a

temas realmente de matrícula de honor, como el single bajo el mismo nombre “Obey”, cuyo videoclip está dirigido y producido por el grande Claudio Marino.

Podéis ver la versión sin censura en un link al final del videoclip.

O mi favorita, “Ceremony”, para los que nos gusta un sonido más industrial y oscuro.

Y regresando al año presente, 2020, que al menos nos está dejando buena música, PRIEST, tras haber restructurado la banda con nuevos miembros, regresan con nuevo material llamado «Dead Ringer», el cual ya podemos disfrutar.

Este nuevo tema es oscuro, y con un sonido muy sobrecogedor e inquietante, al igual que el videoclip, que tiene un ligero parecido a la serie de tanto éxito Dark. Sinceramente, me flipa, me encanta. También puedes hacer la pre-compra del nuevo álbum titulado Cyberhead, que saldrá a la venta el próximo 2 de octubre. mí, sinceramente, lo que me gusta es la música de ambos, fuera totalmente de polémicas, que ya no vienen al caso.

Estos chicos han ido evolucionando musicalmente, y también han hecho algún cambio en sus vestimentas. Ahora Puppet Master (Mercury) es un sacerdote más futurista.

También se hablaba de una supuesta estrategia de marketing, ya que gracias a dicha demanda ambas bandas han estado en boca de todos. Pero eso sólo son rumores.

Espero que os haya gustado lo nuevo de esta banda, o que os haya gustado descubrirlos en el caso de no haberlos escuchado antes.

De ahí mi titular para estos párrafos…

Pero centrémonos en la música, que es lo realmente interesante, y la razón por la que he decidido escribir sobre ellos.

EVOLUCIÓN

Haciendo un repaso de su discografía, contamos que su primer álbum, New Flesh, vio la luz en 2017. Cuenta con diez temas que son realmente buenos, entre mis favoritos están “Populist” , “Nightmare Hotel” o “The Cross”.

El pasado año 2019 nos volvieron a sorprender con un nuevo EP, titulado Obey, con cinco

Esperemos que esta nueva normalidad (si no volvemos hacia atrás) nos permita poder disfrutarlos en directo de nuevo.

Recordad que podéis seguirles en redes sociales, y escuchar su música en plataformas digitales. Un abrazo enorme, sed responsables, y permaneced a salvo. ¡Hasta la próxima!

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LEER MÁS

i amigo y compañero de andanzas improvisatorias, Javier Entonado a.k.a.

Arín Dodó, me ha pedido que os hable de mi último trabajo con Natural Ending, así que, agradecido por el detalle, voy contaros algo de cómo ha sido esta experiencia “casera” y musical.

El disco Natural Ending Special Edition, que de momento sólo está disponible en edición digital, ha surgido como una manera de so-

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brellevar al confinamiento, y personalmente ha supuesto un gran disfrute, aunque, para hacer honor a la verdad, también han existido momentos (puntuales, afortunadamente) de bloqueo, y de desesperación técnica (sobre todo).

La grabación se presenta en orden cronológico, todos los temas están encadenados. En bandcamp aparecen de manera individual por limitaciones de tamaño de los archivos, pero si os fijáis, hay nexos entre ellos para dar esta idea de continuidad.

Natural Ending Special Edition

Natural Ending Special Edition

Si lo escucháis, veréis que hay piezas bastante largas, y otras muy breves, que estoy pensando en regrabar para futuros trabajos.

También hay, creo, variedad de estilos y paisajes sonoros.

En el disco Natural Ending Special Edition introduzco por primera vez teclados, con los que llevo experimentando dos años. También podéis escuchar ambientes de guitarra, generados por pedales de efecto, y sonidos con un tratamiento más convencional. La guitarra de 12 cuerdas está muy presente, como en el primer disco.

Las percusiones las he hecho básicamente

con un pequeño pad de práctica, escobillas, y alguna baqueta. Si afináis el oído, podréis apreciar el sonido de un cazo en uno de los temas. Menaje del hogar, en fin.

La batería acústica que se escucha en “Jaki Said” proviene de una sesión de estudio en el local de ensayo, en la que intentaba sacar la batería de “Vitamin C” del grupo alemán CAN. El tema está construido alrededor del pulso que grabé finalmente. La línea de bajo está inspirada directamente en el tema de Herbie Hancock “Wiggle Waggle”.

Es una frase que toco habitualmente cuando LaCarne Magazine

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que recordara al sonido del “Moog Taurus” que aparece en los discos setenteros de Genesis.

“Invenciones en uso” era en un principio una improvisación con el bajo, a la que le añadí una melodía y un pequeño arreglo con teclados, para darle más unidad.

El final lo he dejado tal y como lo grabé en esa primera toma. Consideré añadirle percusión, pero al probarlo no funcionaba. Así que el bajo funciona como percusión.

me cuelgo el bajo, y me parecía que encajaba a la perfección con la base de batería. El clavinet del tema es también un homenaje casero a Max Middleton, en el disco “Wired” de Jeff Beck.

“RLRLLRRLL” está construido alrededor de un ostinato de batería, que es precisamente esta frase. En este tema he intentado mezclar timbres acústicos y orgánicos, con otros más eléctricos y agresivos.

“Pintura rápida” es un homenaje al rock “planeador” de los años 70. Tiene una estructura de tres partes. La primera y la última son más consonantes y amables, y la parte central quise que fuera más oscura y disonante.

El tema está construido capa por capa, y es totalmente improvisado. El original rozaba los veinte minutos, pero los últimos cinco no aportaban nada al conjunto, así que los edité.

“No hay jinetes, ni tormenta” lo hice a partir de dos bocetos que tenía para teclados. Añadí una guitarra con un efecto de chorus muy pronunciado en la primera parte, intentando tocar lo más próximo posible a la línea de piano.

“Argelia” parte de una improvisación sobre dos acordes que tenía guardada. Sobre esta pista he añadido el arreglo que escucháis, con varios sonidos de teclado y guitarra, y un bajo pasado a través del delay, con la intención de

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“29/12/2007” sale de un boceto que tenía guardado para la segunda parte de NATURAL ENDING. Lo he regrabado, y he sustituido la segunda parte por otra más desarrollada que incluye melodía, ambientes de teclados, guitarras, y un pequeño solo.

“African Jam” es un experimento a partir de una fórmula de manos que inventé, y que suelo tocar habitualmente cuando practico con la batería. Las guitarras están improvisadas en el momento. La entrada de la línea de bajo en este tema es uno de mis momentos favoritos del disco Natural Ending Special Edition.

“Insight” es una secuencia de guitarra acústica, con una melodía que tenía escrita hace muchísimo tiempo. Como pasa a veces, estaba improvisando, y la melodía surgió como de la nada, y encajaba perfectamente. Lo dejé así, añadí ambientes, y un solo improvisado con e-bow y guitarra.

“Mi vida como un loop” y “Todo lo que no tuvimos…” son reconstrucciones de maquetas que tenía hechas. En el caso del primero, está regrabado en su totalidad. Del segundo conservé la línea de guitarra con e-bow, y cambié el acompañamiento por completo.

Me gustaría destacar que en la grabación no se han utilizado plug-ins, ni instrumentos virtuales. Podéis escuchar, y descargar el disco AQUÍ.

Texto escrito por Juan Carlos Castillo

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METAL VS COVID-19 una experiencia única y apta para todos los públicos desde sus casas, y además luchando por una buena causa.

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uy buenas a tod@s! Espero que, dentro de la situación actual, estéis disfrutando de vuestro verano todo lo que podáis. En esta ocasión quiero hacer un pequeño repaso de cómo algunos artistas dentro del mundo del metal han vivido esta situación del Covid-19, y la manera que han tenido de llevarlo.

Como sabéis, han sido muchísimos los eventos cancelados por culpa de esta dichosa pandemia. Este año no ha habido conciertos, no ha habido festivales, algunos lanzamientos se han pospuesto… En definitiva, que el mundo del espectáculo en general se ha visto afectado considerablemente.

Pero lo bueno de todo esto es que, dentro de cada gran artista, organización, etc., existe una gran imaginación e ingenio, y han unido sus potenciales disponibles para hacernos llegar su música, o ese concierto cancelado, en

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TOGETHER AT HOME

“Together At Home” fue uno de esos retos entre artistas que daban un pequeño concierto en acústico desde sus casas, algunos incluso en pijama, no solo para hacernos llegar su música y entretenernos, sino también para sentirse más cercanos a su público, y quizá llegar a empatizar con la situación de cada uno.

Dentro de este reto han colaborado cantantes como Simone Simons (EPICA) junto a su marido, y Oliver Palotai (KAMELOT y SONS OF SEASONS), quienes “pasaron el micro” a Alissa White-Gluz (ARCH ENEMY).

No sólo nos deleitaron con su música, sino que también con momentos divertidos, y cuyo motivo principal era una recaudación de fondos para luchar contra el Covid-19.

Otros artistas, como Amaranthe (por cierto, fue Elize Ryd quien pasó el micro a Simone

Simons), han llegado incluso a hacer un videoclip donde nos explican cómo ha sido su manera de llevar esta situación.

Les sorprendió fuera de su país, dónde se encontraban para grabar su nuevo álbum, y además con la triste noticia de que la abuela de Elize falleció a causa del Covid-19 y no tuvo la oportunidad de despedirse de ella. Desde aquí, le mandamos un abrazo muy fuerte y mucho ánimo.

La canción en cuestión se llama “Viral”, y obviamente habla de todo lo que esta situación nos ha llevado a ver, sentir y vivir, que no ha sido poco.

EMOCIONES ENFRENTADAS

Otros chicos que también nos han tenido con el alma en vilo han sido los chicos de Myrath, ya que el estado de alarma les sorprendió en mitad de la gira europea, que evidentemente tuvieron que cancelar.

Pero no todos pudieron volver a sus casas.

Zaher (cantante), Anis (bajista), Malek (guitarrista), y algunos acompañantes se tuvieron que quedar en Francia en casa de unos conocidos, dónde nos han deleitado con sus otras habilidades, como cocinar.

También ofrecieron un mini concierto en acústico, y nos animaban a los fans a apoyarles comprando sus camisetas del merch oficial de la gira europea desde su web.

Pero, sinceramente, he llegado a sufrir con Anis, el sentimiento de no poder estar cerca de su hija. Y es que, sin duda, ha tenido que pasar por un montón de batallas hasta poder reencontrarse con ella y su mujer. Personalmente, me alegro muchísimo de que ya estén disfrutando juntos.

¡NOS VAMOS DE FESTIVAL!

También hemos podido disfrutar de bandas como In Flames, Gojira, Sepultura, y un largo etcétera gracias a la iniciativa de festivales como el “Resurrection Fest” o “Download Festival”, que nos han dejado ver desde su canal de YouTube conciertos completos que hemos

podido vivir como una experiencia única, aunque, admitámoslo, un poco light, ya que estaréis de acuerdo conmigo en que no es lo mismo desde casa, que un concierto de tu banda favorita en vivo y en directo, donde puedes saltar, cantar y gritar sin que suba asustada la vecina de abajo, cosa que, por cierto, a mí nunca me ha pasado.

LA NUEVA NORMALIDAD

Parece que poco a poco estamos volviendo a una normalidad, y ya se ha celebrado algún que otro evento al aire libre, con menos gente, por supuesto, y llevando a cabo las medidas de seguridad correspondientes.

Así ha sido el caso del gran Leo Jiménez, quien ha dado un concierto gratuito, para un máximo de 200 personas, en su tierra natal, Fuenlabrada (Madrid), el pasado 4 de Julio.

Sabemos que él tenía muchas ganas de volver a los escenarios, y lo ha hecho como él sabe, haciendo una noche inolvidable para sus fans, y cantando sus temas más populares, como “Condenado”, “Soy Libertad”, o “Con razón y sin razón”, con la que empezó el concierto.

Es una alegría y una esperanza que ya podamos ir disfrutando de la música en vivo, pero, eso sí, con mucha cautela y precaución, por favor. Pensemos bien con la cabeza y seamos responsables.

Espero que os haya gustado leer este pequeño repaso de los artistas, y su forma de hacernos llegar su música y sus experiencias en estos tiempos de pandemia.

Y no podía cerrar de otra manera este artículo que con la canción “Rats” de la banda sueca Ghost, ya que precisamente habla de tiempos como los que estamos viviendo, y que ¡ojo! La canción es de hace dos años.

Algunos ya se han atrevido a calificar esta canción como una premonición por parte de su líder, Tobías Forge. Ahí queda abierto el debate. (Risas) Seguid disfrutando de la música en todas sus formas, y permaneced seguros, por favor.

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Monk

el Bopper del piano

a Manhattan. Con 7 años empezó a tocar el piano de manera autodidacta, pero entre 1937 y 1939 estudió en el Juilliard School.

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n esta entrega vamos a hablar de Thelonius Monk, un personaje misterioso, no muy conocido por el colectivo popular, pero con una importancia superior en el desarrollo del Jazz moderno.

Se trata de un personaje lleno de sombras, con una idea muy personal de la música, y quizá el pianista más original y complejo de la historia del Jazz. Hablamos de Thelonius Monk.

Monk, el Bopper del piano

Thelonius Sphere Monk nació un 10 de octubre de 1917 en Rocky Mount, en Carolina del Norte. En 1922, toda la familia se mudó

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Aquí tiene su primer encuentro con el Jazz al escuchar al trío de Keg Purnell. Después se unió en sociedad musical con Kenny Clarke, y a los meses estaba girando con una predicadora evangelista tocando el órgano.

A los pocos años ya estaba investigando sonidos nuevos. Pasó a ser el pianista oficial del Minton´s Playhouse, un conocido club de Jazz de Manhattan.

Su trabajo en este garito fue primordial para el desarrollo del Bebop, pues él fue uno de los primeros en atreverse con la improvisación y con la ruptura de los sonidos de las Bigbands.

Por el Minton´s pasarían todos los mitos del Bebop: Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Charlie Christian, o Kenny Clarke.

dos estaban empeñados en que la música de Monk era especial, sabían que era un genio, y por eso no pararon de hacerle publicidad, hasta que finalmente consiguieron que un periodista musical le hiciera una entrevista para el medio PM. Adquirió fama, pero no lo que esperaban. Eso sí, le valió para ser contratado durante unas semanas en el Club de Jazz Village Vanguard…, y no fue nadie a verle. De esta época nos quedan obras tan geniales como «Off Minor», «I mean you», «Evidence», o el disco Thelonius Monk, the complete genius.

Las mejores obras de Monk

En 1951, el destino le dio una hostia a Monk.

La policía les pilló a él y a Bud Powell en un coche consumiendo marihuana. Bud se autoculpó, sin embargo, como Monk se negó a declarar en contra suyo, se le retiró la tarjeta de cabaret de la ciudad de Nueva York, sin la cual no se podía tocar en ningún garito. No consiguió recuperarla hasta 1957.

Durante ese tiempo se dedicó a componer y a dar forma a las ideas musicales que tenía en su cabeza, y a grabar y actuar en teatros y en garitos fuera de la ciudad.

Las primeras grabaciones de Monk son de 1944, acompañando al genio de Coleman Hawkins (este combo se repetiría en 1957, también junto a Coltrane). También tocó con la banda de Dizzy Gillespie, proporcionándole un poco más de fama. Es verdad que el estilo de Monk se separaba un poco del Bebop (su verdadera revolución llegaría ya en los 50).

También fue contratado en esta época por Prestige Records hasta 1954, donde grabó varios álbumes, no muy reconocidos a pesar de ser auténticas joyas. Contaba con Sonny Rollins (saxo), Art Blakey, y Max Roach (ambos baterías). También durante esta época tuvo alguna colaboración con Miles Davis, sin embargo, la conexión entre ambos fue nula.

En 1947 le presentaron a los fundadores de la histórica compañía Blue Note Records. Monk se convertiría muy pronto en el artista principal y líder de las grabaciones de la compañía, mostrando mucho talento como compositor de melodías originales para la improvisación con un sello muy personal.

En 1954 realizó su primer viaje a París, donde actuó en varios conciertos y grabó alguna sesión de piano en solitario. En este momento le presentaron a Pannonica de Koenigswater, una baronesa muy aficionada a la música, que pasó a convertirse en amiga de la familia y mecenas de Monk.

Sin embargo, estas primeras grabaciones no tuvieron nada de éxito, incluso los críticos hablaban de que Thelonius tenía dos manos izquierdas…, ni puta idea, vamos. Pero to-

Por esta época, Monk empezaba a estar reconocido, además de ser muy apreciado por sus compañeros, sin embargo, sus registros eran muy poco aceptados. En más de una ocasión LaCarne Magazine

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se vio obligado a grabar varios discos de estándares para ganarse la vida, igualmente eran geniales, pero no contaban con su personalidad propia.

En 1956 salió a la luz Brilliant Corners, un álbum complicadísimo, pero con toda la esencia de Monk. Está lleno de matices increíbles, y abruma especialmente. Será su primer éxito.

Además, por esta época recuperaría su tarjeta de cabaret, relanzando su carrera en Nueva York. Se mudó a la zona más bohemia de la ciudad, el East Village, y se puso a liderar un cuarteto junto a Coltrane (saxo), Wilbur Wave (bajo), y Shadow Wilson (batería), sin embargo, poco fue documentado (el escaso material fue reeditado en 1961, aunque es verdad que con los años han ido apareciendo en bibliotecas, archivos, y colecciones privadas algunas grabaciones).

De esta época destaca «Crepuscule with Nellie», una de sus composiciones más personales. Con este grupo estuvo un tiempo, pero después se disolvió y cada uno tomó su camino.

Las últimas grabaciones de estudio

En 1962 ya tenía una nueva formación (y un nuevo contrato con Columbia Records) junto a John Ore (bajo), Rouse el tenor (saxo), y Frankie Dunlop (batería). Su primer álbum juntos, Monk’s Dream, será el Lp más vendido de su vida, al que seguirían Criss Cross y Underground, y un montón de discos en directo (entre ellos Miles and Monk in Newport).

Sin embargo, a mediados de los 70, Monk decide desaparecer de escena para siempre, y tan sólo se dejó ver en pequeñas actuaciones al final de su vida.

Sus últimas grabaciones de estudio son de 1971, con un combo que incluía a Dizzy Gillespie, Kai Winding, Sonny Slitt, Al Mckibbon, y Art Blakey. Según cuenta Mckibbon, durante estas grabaciones Monk dijo únicamente dos frases: «buenos días» y «buenas noches».

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Siempre se habló de que Monk tenía problemas mentales. En más de una ocasión tuvo que ser hospitalizado por brotes psicóticos, sin embargo, fue mal diagnosticado y tratado durante toda la vida.

A medida que su salud se iba desmejorando, él perdía fuerza… Tenía una escrupulosa rutina en la que cada mañana se vestía elegantemente con un traje con corbata, al que adornaba con uno de sus inconfundibles sombreros, para después tumbarse en la cama y pasar todo el día mirando el techo o la televisión.

Abandonó completamente el piano, y sólo tenía contacto con él cuando escuchaba tocar a su amigo Barry Harris, que convivía con él y con su mujer Nellie en la casa de Nueva Jersey que les había cedido la baronesa Pannonica.

Moría el 17 de febrero de 1982 a causa de un derrame cerebral.

Monk y su aportación a la evolución del Jazz

Monk fue un personaje enigmático. Su aportación a la evolución del Jazz moderno es innegable. Tenía un estilo musical muy personal, que se acercaba a la dureza percusiva, incluso en sus baladas.

Parecía que estaba atacando al piano en cada nota, tocando con los dedos planos sobre las teclas. A menudo utilizaba escalas de tonos complejos, donde jugaba con melodías ascendentes y descendentes.

Su estilo no fue muy aceptado. A menudo se le pagaba con el ostracismo de quien no era capaz de ver la revolución musical que estaba llevando a cabo. Era siniestro y enigmático, muy oscuro, hasta el punto de que en más de una ocasión el público se quedó tan atónito con su actuación que ni le aplaudieron ni le negaron la genialidad. Él vivía ajeno a todas estas cosas, era una persona sumamente hermética, y su fama creció no gracias a la crítica especializada, sino gracias a los propios artistas de Jazz, que le

veían como lo que era, un genio.

Sus colaboraciones con Coltrane, a mí personalmente me parecen algo de otro mundo. La amistad entre ambos fue de las más representativas del Jazz, pues ambos supieron asumir la genialidad del otro, y crear algo a partir de ahí.

En palabras del propio Coltrane: “Trabajar con Monk me acercó a un arquitecto musical del más elevado orden. Si le hablaba de problemas musicales, él se sentaba al piano y me mostraba respuestas, simplemente tocándolas. Podía verlo y descubrir aquellas cosas que quería aprender”.

Monk, un genio improvisador

La música de Monk no se acercaba a nada académico, sus improvisaciones sonaban como chispazos eléctricos oscuros. Hacía Blues distorsionado conscientemente, convirtiendo las disonancias en su particular sello de identidad.

Parte de esto se debe a que, en su época de pianista con la predicadora evangelista, a menudo tenía que tocar en pianos y órganos a los que les faltaban teclas o estaban muy desafinados, pero Monk les sacaba su propio sonido.

Tenía la capacidad de hacer música tortuosa y chocante, y por eso casi nunca era entendido, pero nunca se pareció a nadie (y nadie ha conseguido parecerse a él), pues innovaba en cada tecla que tocaba. Frente al resto de los boppers que se empeñaban en acelerar los ritmos, él se mantenía en un ritmo sencillo, lento y complejo a la vez. Sus discos parecen sesiones de espiritismo.

Los ensayos con él eran curiosos. Llegaba con sus partituras de composiciones intrincadas y las repartía entre los músicos, que al verlas se desanimaban: “Monk, esto es imposible de tocar”. Él explicaba lo que creía que debía explicar, y al finalizar la sesión todos estaban tocando justo lo que Monk tenía en su cabeza. Era muy paciente y didáctico. Os dejo para finalizar un vídeo suyo que a mí me dice mucho de cómo era este genio.

Si os fijáis, empieza a tocar con la mirada perdida pero concentrada, como si estuviese pensando justo la nota que va a tocar a continuación…, eso era Monk, un genio improvisador que disfrutaba de la música a su manera. Disfrutad con él, no perdáis esa oportunidad.

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FOLKLORE

EN TIEMPOS DE CONFINAMIENTO

S

i algo ha puesto de relieve este tiempo de confinamiento, en el que hemos vivido recluidos la mayor parte de los ciudadanos españoles y de otros países del mundo, ha sido el valor de la Música.

La Música ha contribuido al entretenimiento, a levantarnos el ánimo, a hacernos pensar y creer que podíamos con el mal que nos estaba amenazando y destruyendo vidas. Ya lo puso Cervantes en boca de don Quijote: “La música compone los ánimos descompuestos”. ¡Cuánta razón tenía el hidalgo caballero!

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No hay género musical que no haya estado representado en redes sociales por intérpretes que han dedicado su tiempo, su creatividad, y su música a ponérselo más fácil a los demás, de manera altruista, sin esperar recibir nada a cambio.

Ahora mismo se me vienen a la cabeza la multitud de orquestas y coros cuyos miembros han tocado y cantado desde sus casas obras increíbles, que nos han hecho sentir que no estábamos acabados, que aún nos quedaba la Música, una de las más poderosas armas de las que goza la humanidad.

Como decía Nietzsche: “La vida sin Música sería un error”.

De la misma manera han actuado músicos de otros géneros y estilos. A mí me gustó espe-

to, también ha tenido su espacio el folklore musical. La primera pieza que me llegó, y que hizo mis delicias, fue la «Rondeñavirus,» interpretada desde sus casas por los miembros del grupo El Madroñal, de Villanueva de la Vera.

Una joya de rondeña, puesta en las voces y los instrumentos de los que, para mí, mejor interpretan rondeñas en toda Extremadura. Un lujo escucharlos.

Luego me llegaron varios vídeos de otros tantos grupos de folklore. En nombre de todos ellos menciono» Las Lavanderas» de Mansaborá, «Jota de La Siberia de Valdamedel, «La uva» de Mis Raíces, «Jota Piornalega» de La Serrana, «Los Telares» del grupo de Torrejoncillo, «Jota de Guadalupe» del grupo de Acordeones de Valencia de Alcántara, «Padrenuestro» de Ronda online de Madrigal de la Vera, etc.

Especialmente interesante me ha resultado el homenaje a la ciudad de Cáceres y a sus gentes que hace el grupo El Redoble de esta ciudad. Destaco en esta grabación el papel de los niños y niñas hablando y bailando, aunque todo él es recomendable.

cialmente el «Yo me quedo contigo aquí», de Robe Iniesta, o «A la sombra de una mentira» de Rosendo, o el «Tic-Tac» de un buen puñado de roqueros.

También los temas poperos de Alejandro Sanz, Vetusta Morla, Manuel Carrasco, Pablo López, Vanesa Martín han hecho su función, como las mil versiones del «Resistiré» del Dúo Dinámico, desde la punk de Porretas a la que ha propiciado el productor Pablo Cebrián para más de treinta intérpretes, pasando por el «Vi Håller Ut,» donde participan más de cincuenta músicos suecos.

FOLKLORE EN TIEMPOS DE CONFINAMIENTO – JOTA DESDE CASA

En este echarse a la calle de la Música para ayudar a la gente a sobrellevar el confinamien-

Especialmente emotiva me resulta la interpretación de solista que en la canción «Redoble, redoble» hace el folklorista extremeño Julio Saavedra, fallecido en este tiempo de pandemia. Gracias, Julio, por todo lo que me enseñaste de folklore.

La Jota desde casa

En toda esta amalgama de músicas de folklore para amenizar el confinamiento, quiero incluir la aportación que mi familia y yo hemos hecho con nuestra «Jota desde casa». Antes de escucharla, permitidme una serie de consideraciones de cómo se gestó.

La elección de la jota no fue baladí. Sin duda, la jota es la forma musical por excelencia del folklore extremeño. Todos los pueblos tienen su jota, unas se mantienen, otras no, pero en tiempo de fiesta siempre se cantaron, tocaron, y bailaron jotas.

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Hay jotas con nombres de localidades: «Jota de Logrosán», «Jota de Alburquerque», «Jota de La Zarza», «Jota de Esparragosa de Lares»… Las hay que trascienden lo local para situarse en contextos geográficos más amplios: «Jota de La Siberia», «Jota del Valle del Tiétar», «Jota Cuadrá» (de los Cuatro Lugares: Monroy, Talaván, Hinojal y Santiago del Campo)…

Las hay con nombre de entidades sagradas: «Jota de la Virgen de las Cruces», «Jota del Cristo de la Capilla», «Jota de San Isidro», «Jota de la Virgen de Guadalupe»… Las hay con nombres particulares, como «Jota del uno», «La enredá», «Redoble redoble», «La Uva», etc.

Estructura musical de las Jotas

La armonía de una jota es simple. Toda jota puede tocarse con dos acordes, el de tónica y el de dominante de la tonalidad elegida. Que estamos en La mayor -una tonalidad muy jotera-, los acordes utilizados son La y Mi. En nuestro caso, para adaptar la jota a mi voz, la bajamos un tono, a Sol Mayor, por lo que la armonía se ajusta a los acordes de Sol y Re. Rítmicamente la jota se escribe en un compás de 3/8, lo cual nos habla de tres corcheas por compás. En la guitarra, básicamente, es un ritmo de un-dos-tres, en base a rasgueos hacia abajo, con el pulgar para el 1, o parte fuerte de compás; y el índice o resto de dedos para 2 y 3, o parte débil de compás.

A partir de esta fórmula básica, el intérprete puede adornar más o menos la ejecución rítmica a su gusto. En la parte de la estrofa cantada, en la interpretación de jotas no es raro utilizar la fórmula de cuatro compases, tres de ellos ajustando el rasgueo a la negra con puntillo (un rasgueo por compás), y el cuarto a la corchea (tres rasgueos por compás).

La forma de las jotas suele adaptarse a la estructura de copla-estribillo. Aunque hay muchas jotas con el estribillo cantado, nosotros interpretamos una con estribillo instrumental.

Se trata de una jota muy especial para mí, con

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la que acompañé durante muchos años a cinco vecinos de Piornal, que salían de ronda por las calles del pueblo una vez al año, siempre con esta tonada.

La ronda se prolongaba durante varias horas, y mi función musical era improvisar un estribillo musical con el laúd para permitir un pequeño descanso a las voces entre copla y copla.

Además, se trata de una canción que no está incluida en ninguna grabación discográfica.

Instrumentos musicales utilizados en las Jotas

Cuatro han sido los instrumentos que hemos utilizado. Un instrumento armónico, la guitarra; dos instrumentos melódicos, el clarinete y el violín; y un instrumento de percusión, la botella de anís.

La idea inicial era incluir en la grabación el piano en lugar de la botella, pero la afinación de éste –muy alta- era incompatible con la afinación del clarinete, por lo que tuvimos que prescindir de él.

En la copla o parte cantada, el clarinete y el violín improvisan sobre la base armónica de los dos acordes antes mencionados. En la parte instrumental, aunque también hay un margen para incluir adornos, las melodías son típicas de jota.

Para conseguir mayor expresividad, en ningún caso los dos instrumentos tocan al unísono.

A veces, se mueven con melodías paralelas, generalmente por terceras, y otras en contrapunto.

Los cantares, o letrillas elegidas, son textos de recambio del repertorio tradicional que sirven para ésta o para cualquier otra jota, ya que tienen la estructura característica de nuestro folklore, de cuatro versos octosílabos con rima asonante en los pares, y sin rima los impares.

Aunque en cada copla se interpretan siete versos, siempre se parte de cuatro, repitiendo tres de ellos para ajustarse a la ampliación melódica que tiene la canción.

Y ya os dejo con ella. Espero que os guste tanto escucharla como a nosotros interpretarla. Ese día, y en ese momento en la cocina, donde cantamos esta «Jota desde casa», no hubo conoravirus, porque como decía Don Quijote: “Donde música hubiere, cosa mala no existiere”.

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KDNS

amor por el Graffiti y el Hip Hop

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J

osé Manuel es un joven pacense criado en la escena Hip Hop de la ciudad extremeña de Badajoz. «KDNS» o «KRAKEN» es su apodo artístico, y, aunque afincado en Sevilla, alterna su amor por las diferentes disciplinas del Hip Hop, como el Graffiti y el Rap, con su profesión como diseñador gráfico, realizando trabajos para diferentes artistas, tanto andaluces como extremeños, donde han surgido la mayoría de sus proyectos.

Perteneciente a Estilo Propio Crew, y responsable de la plataforma artística Full Love Graffiti Gallery, hablamos con él sobre sus inquietudes y su futuro.

KDNS, amor por el Graffiti y el Hip Hop 28 LaCarne Magazine

En primer lugar, bienvenido. ¿Qué es para ti el Graffiti?

Hola, muy buenas, y muchas gracias. El Graffiti en sí para mí es libertad. A parte de que sea un elemento de la cultura Hip Hop, en él puedo reflejar lo que siempre he sido, mis ganas de crear, y reflejarlo a los demás.

Siempre pinto para mí, pero obviamente también pinto para que los demás lo ven, y sepan que esto existe y que no frena, para que la nueva escuela vea lo que hay y les entren ganas de pintar, como a mí me entraron ganas gracias a la vieja escuela. Graffiti will never die!

Dentro de la escena Hip Hop, además del graffiti, también rapeas. ¿Con cuál de las dos disciplinas te sientes más cómodo?

Es graciosa esta pregunta, porque en un tema mío, de hecho, digo: “Si tuviera que elegir entre la pintura y el Rap, me quedaría con la pintura”. Las dos disciplinas me aportan como-

tus habilidades en un muro legal, tranquilo, y hacerte algo muy tocho.

Existen muchos estilos de Graffiti, desde el bombardeo (Tag, Throw ups) a las piezas (Wild style, Block letters, Model pastel, Ignorant style, etc…), a los muñecos, los realismos, y miles de estilos que nacen cada día y nacerán a lo largo de los años.

En cuanto a tu faceta como Mc, has sacado un EP llamado Capitulo 1 junto a Diablo Sik, otro Mc andaluz. ¿Qué nos aporta el disco? ¿Cómo lo lleváis al directo?

El disco es una aglomeración de temas con instrumentales Boom Bap, o sea, como en los 90´s. Básicamente, Diablo Sik y yo somos Mc´s en lo que no nos callamos ni una, y los dos tenemos un estilo parecido y hablamos sobre la realidad y lo que nos gusta.

La persona que escuche el disco escuchará hablar de Graffiti, calle, vacile, critica social, defensa de la cultura, libertad de expresión, y también sobre todo puro Rap.

didad.

En el Graffiti encuentro aventuras, salir a la calle, dejar mi nombre en cualquier lado, hacerlo en silencio, y que parta la pana. En el Rap encuentro otra clase de libertad, en la que puedo decir lo que me venga en gana, y más directo. Ambas siempre con amor y la mayor calidad posible.

No hemos hecho ningún directo aún del disco.

Sí que es verdad que algunas me he rapeado yo y he dejado su parte, pero los directos ahora están algo parados.

Puede sonar a tópico, ¿el graffitero es un artista o un delincuente? ¿Nos explicas las diferentes corrientes, modalidades, estilos del mundo del Graffiti?

Pues, a ver, en resumidas cuentas, el Graffiti siempre ha sido más que delincuencia (nosotros lo llamamos Vandal). Esto empezó siendo ilegal, desde los trenes, paredes, spots publicitarios, carreteras, cierres, callejones, etc…

En Capitulo I habláis de los Graffitis, de los piques entre raperos, de los traperos, de las redes sociales, alternando beats de old school con otros más actuales de la música urbana. ¿La temática actual de las letras es similar a la de décadas pasadas? ¿Tenéis puntos en común con la música que hacían RUN DMC, Public Enemy, Wu Tang, o El Club de los Poetas Violentos?

Bueno, llevamos ese mensaje de la vieja escuela a la actual. Antiguamente (depende de a qué grupo escuchases) se hablaba de la calle, piques entre raperos, drogas, alcohol, mujeres, armas, unión dentro del Hip Hop, crítica social, lucha en contra del racismo, policía, capitalismo, etc…

El Graffiti de siempre ha sido Vandal, lo que viene siendo pintar en la calle rápido y a correr. Lo que pasa que sí que puedes demostrar

Pero nosotros no hablamos de algunas cosas de éstas porque no nos sentimos identificados.

Se puede decir que sí, que es similar. Sí, teLaCarne Magazine

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nos le pusimos Full Love por las risas.

Pues actualmente estamos en el proceso de organización de la próxima, y siempre buscamos apoyo de muchas organizaciones, plataformas, asociaciones, empresas, o quien pueda aportar.

Estamos abiertos a todo, ya que también queremos que esto crezca, y sobre todo sacar a Extremadura hacia delante. A quien le interese, pues puede contactar con nosotros y presentarnos su idea, y poder hacer algo en común, ya sea de la cultura Hip Hop o no.

nemos muchos puntos en común porque básicamente es lo que escuchamos mayormente.

Eres el responsable de la plataforma de desarrollo y promoción artística en Mérida Full Love Graffiti Galery. ¿En qué consiste? ¿Cómo surgió? ¿Cómo se puede participar de dicha plataforma? ¿Es sólo exclusiva de Mérida, o aceptáis artistas de otras poblaciones de Extremadura?

Nuestra plataforma consiste en hacer concentraciones de Graffiti, lo que en el Hip Hop se llama «Jams». Antiguamente se hacían muchas, y venían escritores de Graffiti de todos los lados de la península, e incluso de otros países. Actualmente se hacen, pero ha perdido un poco la esencia.

Nuestra misión es traer de nuevo esas Jams de antes a la actualidad, y sobre todo acogiendo tanto a escritores antiguos como nuevos, porque esto es unión, y de paso que cada escritor que participe nos traiga sus obras, ya sea en lienzos, chapas, o en lo que quiera, y lo exponemos en una galería (bar, pub, carpa, etc.).

Claro, de hecho, yo soy de Badajoz. Se hace mayormente en Mérida por el espacio para hacerlo, pero estamos trabajando en encontrar más espacios. Aceptamos artistas de cualquier parte del mundo, tenemos FULL LOVERS (como los llamamos nosotros) de Andalucía, Extremadura, Madrid, Palma de Mallorca, y algún sitio más que se me olvida.

En tu faceta como diseñador gráfico con tu proyecto Cadenart, tienes muchos trabajos para artistas del mundo del Hip Hop. ¿Tienes algún estilo en particular? ¿Qué te piden los clientes? ¿Cómo es la conexión entre el comprador y el diseñador?

Como todo el mundo que se dedica a alguna rama artística, tiene su estilo, pero a mí me gusta aprender cada día de todo. Entonces, me gusta experimentar y ser más sabio y polivalente cada día. No tengo un estilo definido en sí, pero siempre meto algún toque de graffiti, o cuando el/la cliente/a lo acepta.

Normalmente los clientes me suelen pedir portadas de Single para plataformas digitales como Youtube, Spotify, Tidal, etc., pero me piden muchos Banners para plataformas, portadas de discos, logos, ropa, y carteles.

Surgió solo en realidad, en un muro de un domingo cualquiera que nos juntamos unos pocos y lo estuvimos hablando. Entre ellos estamos Neor, Pain, Chuso, Bgs, Kes y yo.

Pues hasta el día de hoy la conexión siempre ha sido buena. Desde el día 1 adopté formas de trabajo que para mí son cómodas y para el cliente también.

Y el nombre de Full Love vino a que alguien empezó a fastidiar las obras de algunos de estos escritores con este nombre, y para vengar-

Me gusta que, a tiempo real, de cuando estoy trabajando en un diseño, pasarle las actuali-

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zaciones al cliente, y la verdad, no he tomado una decisión mejor nunca. A la hora del pago y el envío nunca he tenido tampoco problemas.

Siempre repiten jajaja. ¿Los graffiteros, como os formáis en la disciplina? ¿Existe alguna escuela en Extremadura? ¿Cómo mejoráis vuestras técnicas del Graffiti?

Escuela no hay. Va a sonar muy de chungo rapero del gueto, pero la escuela es la calle.

Aprendes del Graffiti de los demás, de sus estilos, de las técnicas, y después lo traes a tu campo, pero eso sí, sin copiar. Hay mucho TOY por ahí suelto jaja.

Las técnicas se mejoran trabajando y pintando mucho, como me dijo un día un profesor de instituto: “Cada maestrillo tiene su librillo”, pues esto es lo mismo. Si dibujas, practicas, y pintas, aprendes y mejoras, si no, pues no mejoras, simple. ¿Cómo es el proceso de creación de un Graffiti?

Pues al menos yo (y creo que la mayoría también), lo que hago es principalmente un boceto con lo que quiero pintar. Ya cuando lo tengo y me encaja en donde lo quiero realizar, ya escojo los colores (trazo, rellenos, detalles, 3D, power line, etc..).

Cuando ya te gastas un pastón en pintura para lo que quieres hacer, vas al sitio y ya pues empiezas a marcar el dibujo. Cuando esté hecha la forma, pues rellenas y ya trazas, brillos, y alguna paranoia que se te ocurra que quede bien.

A veces voy con un batiburrillo de colores a la pared, y sin boceto ni nada lo improviso, pero suele ser pocas veces. ¿Cuáles son tus expectativas de futuro en las diferentes disciplinas que practicas?

En el Graffiti y en el Rap es seguir creciendo y mejorando hasta que mi cuerpo y mi voz digan adiós. Y en diseño gráfico, pues al ser mi trabajo pues también mejorar y poder colaborar con todo el mundo y poder vivir de esto.

¿Cómo está la escena actual en Extremadura en cuanto al micro y muros se refiere?

En cuanto al micro, hay mucha peña. La mayoría de Extremadura son unos gigantes y hay mucha calidad, por suerte se sigue adelante.

Somos muy férreos al Rap, y lo hacemos de corazón, y sobre todo hay peña nueva que lo alterna con otros estilos que no veas como vienen, pisando fuerte, y eso me alegra muchísimo.

Y en cuanto al Graffiti, también hay mucha peña. Sí que es verdad que hay gente que por situaciones de la vida lo han dejado, pero en Extremadura hay mucha calidad y más que va a haber por los nuevos, porque somos todos unos monstruos jajaj. Extremadura es una comunidad fuerte y unida en cuanto a la cultura, y nos queremos mucho, aunque como en todos lados hay algún TOY envidioso y fullero, pero no se le hace caso jajaja Muchas gracias por tu trabajo y por tu atención ¡Nos vemos pronto!

Muchas gracias a vosotros por brindarme la oportunidad de expandirme, y hacer que otras personas me conozcan.

Espero que os vaya genial, y a seguir con fuerza y respeto. ¡Un saludo, familia!

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Fotos por Fran Campón

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l programa de la Diputación de Cáceres, Estivalia, sigue adelante apostando por la música y la cultura en Extremadura en estos tiempos de crisis sanitaria y, el próximo 29 de Agosto podremos disfrutar del Folklore extremeño de Cerandeo.

Hemos hablado con ellos en esta entrevista donde nos cuentan, entre otras muchas cossas, la importancia del Folklore para la sociedad, cómo se preparan para este concierto y algunas reflexiones de la propia banda sobre la actual situación del sector musical y cultural en la actualidad.

especial estivalia

Cerandeo Folk extremeño

Cerandeo, Folk extremeño en Estivalia

¿Qué tal, amigos? Es un placer hablar un rato con vosotros. Antes de nada, decidnos, ¿cómo se inició vuestra pasión por el folklore extremeño? ¿Qué significado tiene este género para vosotros?

Antes de nada, muchísimas gracias, Salomé, y a la revista LaCarne Magazine por acordarse de CERANDEO para esta entrevista. El placer es nuestro.

CERANDEO nace en el año 2007 de la unión de un grupo de amigos que había compartido (algunos de ellos todavía lo hacían y lo hacen) años de música en la rondalla de la Asociación Cacereña de Folklore El Redoble.

A cada uno de nosotros la pasión y la afición por el Folklore nos viene de diferentes fuentes: en algunos casos pesa la tradición familiar y en otros ha sido algo adquirido. Sin embargo, el nexo común fue, como decimos, la rondalla de El Redoble donde hemos aprendido durante muchos años.

Nosotros entendemos la música tradicional como un legado de sabiduría que las generaciones pasadas han dejado sin saber el valor que tenía (puesto que eran sus usos y costumbres) y que, gracias a la labor de muchas personas, se ha mantenido con mayor o menor fidelidad hasta nuestros días.

Es por ello que CERANDEO trata la música

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popular con el máximo respeto posible, procurando siempre ser rigurosos en su estudio y conservando la esencia de lo que, creemos, un día fue.

Así, nuestro trabajo consiste en cribar todas esas melodías de siempre para extraer su esencia y, a partir de ésta, devolver esa música a la sociedad con un formato que resulte compatible con los ritmos, estructuras y cadencias de la música actual, de forma que podamos dar entrada a un público más joven.

En este sentido, uno de los primeros objetivos de CERANDEO fue el mantenimiento y la con-

servación de la gaita extremeña y el tamboril de modo que, aprovechando sus posibilidades rítmicas y melódicas, pudiéramos integrarlo como instrumento solista en una formación instrumental contemporánea.

Fue un experimento que, visto con la perspectiva que nos dan estos 13 años música, creemos que ha sido fructífero y bien acogido por el panorama musical extremeño en general, pues no han dejado de surgir posteriormente formaciones que han apostado también por su integración.

Cerandeo hace una gran labor de recopilación

y difusión, algo muy importante para que ésta no se pierda. ¿De dónde o de quién sacáis toda la información para hacer vuestro repertorio? ¿Cuál es la mayor dificultad a la hora de recopilar estas canciones?

La característica principal de la música popular es su transmisión oral. El que haya llegado a nuestros días pasando de generación en generación. Sin embargo, gran parte del Folklore musical que hoy conocemos aparece ya escrito en diferentes cancioneros y recopilaciones que durante años hicieron algunos de los folkloristas más destacados de la historia reciente, como pueden ser Manuel García Matos, Alan Lomax, o la cacereña Angelita LaCarne Magazine

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Capdevielle.

Estos trabajos son, quizás, la principal fuente de la que bebe CERANDEO. Estamos hablando de recopilaciones que aúnan grandes cantidades de músicas y letras y que, no por ser muy conocidos, están siempre lo suficientemente estudiados.

de nuestros mayores, para recuperar algunos cantos desconocidos y ponerlos en valor.

Asimismo, nuestro repertorio también incluye canciones de composición propia que se basan en los ritmos y en las estructuras armónicas más comunes de la música tradicional de Extremadura.

Por ejemplo, el apartado dedicado a Extremadura en la Magna Antología del Folklore Musical de España, de García Matos, recoge cientos de registros sonoros de los cuales muchos de ellos no han sido apenas escuchados en los escenarios. Son estas canciones, precisamente, en las que CERANDEO pone el foco. Aquellas que, aunque lleven años recogidas, no han salido aún a luz.

Lo más complicado de todo esto, tal vez, resida en ser rigurosos en lo que hacemos y decimos. Cuando hablamos de música popular o tradicional es muy aventurado hacer afirmaciones categóricas. Una canción que se canta en una determinada localidad puede también cantarse en otro pueblo cercano, de modo que resulta casi imposible afirmar que las canciones pertenecen un sitio o a otro.

Pero además de los cancioneros y recopilaciones, CERANDEO trata de cantar las canciones que nos enseñan nuestros mayores y que no están recogidas en ningún sitio.

Además, no es raro que un mismo pueblo sus vecinos canten una misma canción con matices distintos, o que incluso existan versiones muy diferentes de un mismo tema que haya evolucionado con el paso del tiempo. ¿Es una versión más válida que la otra? Probablemente no. Es el criterio de quien la escucha, la recoge y la interpreta el que debe primar, siem-

Es por ello que, otro de los ejes vertebradores de nuestro proyecto consiste en entrevistarnos y aprovechar el conocimiento musical

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pre que el trabajo haya sido riguroso y tenga diversas fuentes contrastadas.

Pero todo esto hay que explicarlo. No podemos hacer creer a la gente que estamos en posesión de la verdad absoluta. El público que viene a escucharnos a nuestros conciertos debe saber que lo que nosotros hacemos es una interpretación de lo que nos ha llegado.

CERANDEO, como decíamos al principio, intenta mantener de la manera más fidedigna posible la esencia de nuestra música tradicional, y para extraerla nos basamos en investigaciones y trabajos de investigación, pero, al fin y al cabo, estamos aplicando un criterio propio a la hora de cribar e interpretar.

En Cerandeo sois muchos músicos, todos experimentados, pero ¿cómo os ponéis de acuerdo tantas personas para tomar decisiones, ensayar, etc?

No siempre es fácil… CERANDEO lo componen en la actualidad ocho músicos. Por motivos laborales, dos de ellos residen en Madrid, uno en Córdoba, otro en Casas de Millán y el resto en Cáceres. Esto nos obliga a planificar

ensayos periódicamente pero siempre agrupados en fines de semana y, sobre todo, a trabajar mucho los temas de manera individual.

CERANDEO, para lo bueno y para lo malo, funciona casi como una familia. La mayoría de nosotros somos grandes amigos desde hace muchos años, y las nuevas incorporaciones parece que lo fueran desde entonces. Es por ello que cada uno de nosotros tiene la confianza suficiente para opinar y proponer sobre cualquiera de los aspectos que atañe al grupo.

Sin embargo, sería muy complicado coincidir en las demandas y sensibilidades de ocho personas, de modo que el grupo funciona a través de una figura de dirección que está encarnada por tres de nuestros componentes, y que son los encargados de tomar las decisiones organizativas y musicales de la formación.

Habéis tocado en muchos escenarios, tanto dentro como fuera de España. ¿Cómo recibe la gente el folklore extremeño? ¿Qué escenario es el que más os ha impresionado y por qué?

En líneas generales el Folklore y el Folk son músicas que tienen muy buena acogida, tanto dentro como fuera de Extremadura. Es raro el concierto en el que el público no reconoce y se siente identificado con alguno de nuestros temas, por haberlo escuchado o cantado en algún momento de su vida.

Sobre los escenarios, es complicado quedarse con uno porque todos en los que hemos estado nos han aportado algo. Quizás, los tres que más nos han marcado han sido el de la Plaza del Rossio, en Lisboa, por ser la primera vez que CERANDEO salía de España; el del Festival Folk Plasencia en el año 2018, en el que cualquier grupo Folk quiere estar alguna vez; y este mismo verano, nuestro concierto en Garrovillas de Alconétar, pueblo al que nos sentimos muy vinculados por ser nuestro baterista de allí y por la relación que nos unía a Julio Saavedra Gutiérrez, quien fue maestro de CERANDEO y padre de nuestro bajista, y que lamentablemente falleció hace unos meses.

Por todo ello quisimos preparar un concierto LaCarne Magazine

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diferente, especial, que celebramos el pasado 16 de agosto, y que para todos nosotros fue una experiencia muy bonita.

Hablando de escenarios, podremos veros el próximo 29 de agosto en la localidad de Saucedilla, dentro del programa de la Diputación de Cáceres. ¿Qué van a encontrarse los espectadores? ¿Qué les diríais para que se acerquen a vuestro directo?

El concierto que CERANDEO ha preparado para esta gira de verano, bajo el título de “Sentir la tradición”, consiste en un viaje por Extremadura a través de su música.

El público puede escuchar una muestra de los ritmos más representativos de nuestra comunidad y nos gusta enseñar las fuentes de las que bebemos, reproduciendo en el directo los audios originales en los que se han basado nuestras canciones para, posteriormente, interpretar la versión de CERANDEO. Además, durante este verano hemos estrenado diferentes temas que nos gusta probar en los directos para testar qué tal funcionan y de-

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cidir, posteriormente, si los grabamos.

En este sentido, el próximo día 29 de agosto vamos a estrenar un tema recogido en Montehermoso del que hemos hecho una adaptación en la que priman, sobre todo, instrumentos de percusión tradicional y nuestras voces femeninas.

Creemos que todo el que se acerque a Saucedilla a ver nuestro concierto va a poder disfrutar de una noche diferente, en la que le vamos a proponer reencontrarse consigo mismo y con sus raíces a través de un repertorio plagado de contrastes que busca hacernos “Sentir la Tradición”.

La actual situación está siendo muy difícil para el sector, pero Estivalia y otros programas de Diputación siguen apostando por la música y la cultura. ¿Cuál es vuestra opinión acerca de estos programas? ¿Creéis que podemos seguir disfrutando de los espectáculos de forma segura?

La pandemia de Covid-19 nos ha cambiado la vida a todos, al menos de momento. Iniciativas

ciertos?

Como decíamos, la pandemia nos ha afectado a todos de una forma u otra. CERANDEO como grupo, afortunadamente, no se ha visto especialmente perjudicado por la cancelación de conciertos, sino más bien todo lo contrario.

A principios de año tan solo teníamos un concierto cerrado para el verano y hemos podido ir llenando los fines de semana en los últimos meses, por lo que estamos muy agradecidos a todas las instituciones y ayuntamientos que han confiado en nosotros para sus actividades.

Esperamos que la situación mejore, o que al menos entre todos encontremos una solución para que el sector siga adelante. Muchas gracias por vuestro tiempo, y gracias por hacernos disfrutar del folklore. ¡Un abrazo!

Es un deseo mutuo. Debemos trabajar para que la cultura salga adelante.

como Estivalia creemos que suponen un impulso a un sector (el de la música y la cultura en general), que está siendo duramente castigado por las restricciones sanitarias y cuyo futuro depende en gran medida de lo que podamos hacer este verano.

Nosotros no somos quien para entrar a valorar las medidas que se toman desde el ámbito político. Entendemos que todas ellas están encaminadas a resolver una situación inédita y de gran complejidad que afecta al principal valor de las personas: la salud.

Pero al mismo tiempo creemos que si todos, de manera individual, respetamos las normas sanitarias y realizamos actividades culturales en espacios que estén adecuadamente acondicionados a la nueva situación, deberíamos poder seguir disfrutando de conciertos, teatros, cines, o cualquier otra actividad cultural.

Imaginamos que también os ha afectado esta crisis en lo personal y en lo musical. ¿Cuál es el futuro de Cerandeo ahora mismo? ¿Habéis tenido que posponer o cancelar muchos con-

Además, hemos de ser conscientes del valor que tiene para la sociedad. En los peores momentos del confinamiento ésta ha alimentado su alma gracias al trabajo desinteresado de miles de músicos y artistas que cada día salían a los balcones de sus casas a tocar para sus vecinos o compartían su trabajo en redes sociales. Estamos en deuda con todos ellos.

Es el momento no dejar que caigan y, cumpliendo con todas las medidas de seguridad, seguir celebrando conciertos y programando actividades que permitan mantener a flote la cultura y dar de comer a tantas familias que viven de esto.

Ojalá que entre todos lo consigamos y que, más pronto que tarde, podamos recuperar plazas y recintos llenos de gente disfrutando de la música. Si todos cumplimos estamos seguro de que así será.

Muchísimas gracias, de nuevo, a LaCarne Magazine por contar con CERANDEO.

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especial estivalia

Solima

copla extremeña

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l pasado 1 de agosto dio comienzo una nueva edición de Estivalia, uno de los programas estrellas de la Diputación de Cáceres. Dentro del programa ya hemos podido disfrutar de algunas actuaciones en directo como la de Ángeles Soler, Solima, que nos presentó su espectáculo de copla el pasado 8 de agosto.

Hemos tenido la oportunidad de hablar con ella y conocerla un poco más. En esta entrevista nos ha contado muchas cosas, desde sus comienzos en el arte de la copla, sus espectáculos y concretamente, cómo ha sido este conicerto de Estivalia en esta nueva nor-

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malidad.

Solima y su paso por Estivalia 2020

Encantada de saludarte, y bienvenida a LaCarne Magazine. Es la primera vez que hablamos contigo, y queremos conocerte un poco más. Sabemos que comenzaste a cantar desde muy pequeña y no has parado desde entonces. ¿Qué recuerdos guardas de tus inicios? ¿De dónde viene tu pasión por la copla?

Un placer, y mil gracias por contar conmigo.

Recuerdos…, imagínate, desde muy niña, ya que mis padres han sido artistas. Debido a ello, he tenido la suerte de conocer y trabajar

Después de varias giras junto a Manolo de Vega en un homenaje a Rafael Farina, tuve la gran oportunidad de grabar en TVE en el Programa “Cantares” con 11 años, y realizar esa gran gira por toda España y Sudamérica.

Ahí empezó todo. Así empezó mi historia.

Has estado girando con varios de tus espectáculos, “Entre coplas y guitarras” y “Con la fuerza del alma”. ¿Qué tienen en particular cada uno de ellos, y qué destacarías?

“Entre Coplas y Guitarras”, espectáculo que promuevo desde 2014, es una mezcla flamenca, con temas que nos traslada a una etapa llena de recuerdos que, en principio, nadie se espera, a la que me acompaño con diversos músicos, siempre con mi voz en directo en cada uno de ellos.

Por otro lado, “Con la Fuerza del Alma” está basado en mi penúltima grabación, con parte de temas inéditos de autores como David Utrera, Federico Alonso Pernía, Mariano Gener, Fernando Castro…, y otras canciones que versiono de una manera muy personal y diferente (es mi sello).

En los dos os aseguro que no falta la parte flamenca, y, sobre todo, la parte innovadora de hacerlo siempre “distinto”.

con los más “grandes” de esa época. Desde Manolo Escobar (que fue mi padrino artístico), pasando por Rocio Durcal, Lauren Postigo, Juanito Valderrama, La Paquera de Jerez, Rocio Jurado, Lola Flores….

Más tarde, con tan solo 9 años de edad, el Maestro Alejandro Cintas, autor, entre otras muchas canciones, de La Luna y el Toro, Torre de Arena…, decidió ser mi manager. En ese tiempo, vivía entre Madrid y Barcelona grabando mi primer disco single y Lp, en la casa Belter, firmando, un año más tarde, con Discophon. ¡Cómo no voy a tener pasión por la Copla y el flamenco! Son mis raíces, mi vida.

¿Actualmente sigues con estos espectáculos?

Si estamos en lo cierto, también estás presentando tu nuevo trabajo “Simplemente Solima”.

Cuéntanos más sobre este disco.

Claro que sigo con ellos. Son mi sello.

Simplemente SOLIMA es mi último “hijo/a”.

Cuidado con muchísimo mimo, como siempre, porque cada uno de los trabajos que he realizado (más de 12 grabaciones), tienen algo diferente.

Temas como Vivir sin Aire, Quien dijo Pena, La Loba, Hoy tengo ganas de Ti, Sueños Rotos…. ¡Imaginaros el reto! Esta grabación se eligió entre más de 60 canciones, y se ha editado en formato tarjeta pen como innovación tecnológica, supervisado por Juan Flores en los estudios emeritenses de Guantánamo.

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Puro extremeño.

Además de artista, estás también metida en radio y televisión. Cuéntanos un poco cómo has llegado hasta aquí. ¿De dónde sacas tiempo para hacer tantas cosas? ¿Cómo lo compaginas? Ésa es una de mis facetas preferidas. Hablar de vivencias pasadas de los artistas con los que he tenido la suerte de convivir, conocer y trabajar, aunque a veces no cuento algunas “cositas”, que si supiera la gente…J. Esta oportunidad me la propuso Inmaculada Salguero, de SER Mérida, hace 4 años. Es un espacio llamado La Copla con Solima, en el que hablo de música en general, no sólo de copla.

En el programa recuerdo la vida de muchos artistas de ayer y de hoy, muy emotivamente y con mucho cariño, a pesar del paso de los años. Quiero mucho a mis oyentes, y me siento como en familia.

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Entremedias, Fran Morillo, de TV extremeña, me propuso presentar su espacio televisivo Entre Coplas y Jaleos, donde contacté con la mayoría de los artistas que tenemos en la Comunidad, programa donde mezclábamos vida y música de manera conjunta. La verdad es que el mundo televisivo, escrito y radiofónico siempre ha estado en mi vida. ¿Tiempo? Creo que cuando haces las cosas que te gustan, siempre puedes sacar un poquito de tu tiempo.

He tenido la suerte de hacer siempre las cosas que me han gustado. Soy una enamorada de mi familia, de mis amigos, de mi trabajo, y eso me ayuda a “sacar tiempo” de donde otros no lo sacarían, porque en realidad no es tiempo, “es mi manera de vivir hasta que el cuerpo aguante”, que espero sea mucho.

En cuanto a los directos, sabemos que pones mucho sentimiento, y eso lo habrá comprobado el público del pasado 8 de agosto en un concierto dentro de Estivalia, programa de Di-

¡Ojalá se hiciesen más programaciones de este tipo como Estivalia!

Las medidas, como he comentado antes: excepcionales y controladas.

Mencionar y agradecer la gran labor realizada por el equipo Cultural de la Diputación de Cáceres, no sólo por ESTIVALIA 2020, sino por todos programas que intenta promocionar y promover para apoyar a los artistas extremeños. Labor que no se ve desde fuera, siendo fundamental para nosotros, los profesionales, para poder sobrevivir en el mundo de la música y poder comer.

Imaginamos que, como muchos otros artistas, te has visto perjudicada en cierta medida por el Covid-19. ¿Cómo se presenta para Solima el futuro próximo?

Me ha perjudicado bastante, como a otros compañeros. Muchas actuaciones suspendidas a lo largo de los meses, que se tenían previstas y que no se han podido recuperar. Otras localidades sí han sido más consecuentes, y las hemos podido llevar a cabo a posteriori. putación de Cáceres. Dinos, ¿cómo fue este concierto con la “nueva normalidad”? ¿Cómo ha sido tu experiencia con el público de Estivalia?

Tremendo, muy emotivo. Soy muy emocional, y siento en mi corazón todo lo que interpreto.

El público de Aceituna, maravilloso, respetuoso. Como todo un artista desea siempre.

Pensad que el público es mi vida, y, en las circunstancias que vivimos, más. Increíble cómo esa noche me acompañaron los vecinos de Aceituna y alrededores, guardando las medidas y distancia de seguridad, con sus mascarillas…

Mil gracias a tod@s. Es una sensación que sólo se puede vivir desde el escenario.

Estas iniciativas están ayudando a dar un empujón al sector. ¿Cuál es tu opinión sobre los programas culturales como Estivalia? ¿Crees que pueden/deben hacerse espectáculos, festivales, conciertos y demás a pesar de la crisis sanitaria?

¿El futuro? Yo soy muy positiva. Siempre apuesto mucho por el futuro, pero reconozco que ahora, después de todo lo que estamos pasando, necesito apostar por el presente.

Por ello, animar a los ayuntamientos y entidades culturales a que nos contraten, ya que, por suerte, nuestra comunidad subvenciona con sus diferentes ayudas, para que ningún rincón extremeño se quede sin su “cachito cultural”.

Ha sido un placer hablar contigo. Muchas gracias por dedicarnos un ratito de tu tiempo. Te veremos en los escenarios, en televisión, o te escucharemos en la radio. ¡Un fuerte abrazo!

El placer es mío, y, sobre todo, de nuevo daros las gracias por vuestra atención y muestra de cariño. A mi público, a mi gente, a mis extremeño/as. Os quiero!!

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Manny 912 rap boliviano en USA

sar sobre tu carrera artística musical.

No, al contrario, gracias a ustedes.

M

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artin Echalar, aka Manny 912, es un compatriota que hace flamear la bandera del Rap boliviano en los Estados Unidos desde que migró de su llajta (tierra) de Cochabamba, ciudad en los valles y corazón de Bolivia.

“En el alma se lleva la patria” como dicen, y junto a Iskay Records lucha desde el “Gigante del Norte” por sembrar un legado musical latinoamericano.

Manny 912, rap boliviano en USA

Gracias por aceptar la invitación para conver-

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¿Cómo nace el arte en la vida de Manny 912?

Cuando tenía 6 años escribí un cuento de unos patos que estaban perdidos y tenían que regresar a su casa.

Me sorprendió hacerlo tan bien, y supe que había algo especial en mí. A los 8 años escribí mi primera canción y se la mostré a mi mamá.

Se asombró porque hablaba de amor y desamor ja ja ja…

Eres de Cochabamba, ciudad rapera por excelencia de Bolivia. ¿Qué año migraste a EE.UU? Sí, nací en la llajta. Llegué a Estados Unidos en mayo del 2000.

Iskay Records Entertainment representa una parte integral para tu música. ¿Qué nos puedes contar al respecto?

Iskay Records es la disquera del pueblo.

Cuando llegué a Estados Unidos empecé a tocar puertas en las radios latinas, y la única respuesta era: “Necesitas una disquera para nosotros poder tocar tu música”.

Me cansé de eso, y ahí nació Iskay Records Entertainment. Hoy en día exportamos música boliviana para el globo en nuestras diferentes plataformas de trabajo.

Una de ellas es nuestro programa de radio mundial “Corazón Urbano”. A cambio de nada, sólo el puro placer de generar artistas bolivianos que suenen por todo el mundo. ¿Cuál es la discografía de Manny 912 hasta la fecha?

“La Primera: Rapeando en casa” (mixtape), y “La segunda: Unión Latina – La historia” (los grandes éxitos).

Coméntanos de las producciones que has realizado. ¿Hubo edición y las lograste distribuir?

Todas nuestras producciones son independientes. El primer disco (La primera) venía con código de barras. Estuvo disponible en tiendas musicales latinas en Estados Unidos. ¿Qué influencias musicales han marcado tu vida?

Me gusta mucho el arte. En mi librería musical puedes encontrar desde el grupo Norte Potosí, Nirvana, Metallica, Fabulosos Cadillacs, Los Ángeles Azules…, hasta Control Machete y Notorius BIG. Manny 912 ¿Cuándo empezaste a producir y realizar material discográfico?

Empecé grabando en un closet (donde mi mamá guardaba ollas) con mi mic., y lo usaba como cabina en 1995.

El año ‘98 pude lanzar mi primera producción profesional en una radio (FM Marte) de Cochabamba, el primer sencillo de mi vida: “Street Lingo”. Cuando me escuché en la radio supe qué es lo que quería hacer.

Las demás producciones están disponibles en todas las plataformas digitales. La forma actual de distribución musical. ¿Cuál es tu sentimiento del Hip Hop boliviano, ahora que radicas en Orlando – Florida?

Me sentí muy feliz y orgulloso de mi patria cuando escuché por primera vez rap boliviano. Dije: esto lo tiene que escuchar el mundo.

La fusión andina y la interpretación en lenguas legendarias.

Paralelamente a tu pasión y vocación musical, ¿tienes otra ocupación?

Sí, cuando llegué a Estados Unidos comencé en el negocio de la construcción como buen latino trabajador en USA (ja ja ja…). Gracias a Dios hoy tengo una pequeña empresa.

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¿Cómo se encuentra la producción indie allá en EE.UU.?

Hoy en día, y con todas las herramientas que te ofrece el internet, ya casi los artistas se mueven independientemente.

“SOMOS BOLIVIANOS” ft. Dj Leche con varios rappers bolivianos, en especial Negro Escandaloso (R.I.P.), es un tema / video que marcó dentro del Movimiento Nacional de Hip Hop. Coméntanos de dicha producción.

Todo comenzó con la versión original del tema («Somos Bolivianos ft Dj Leche»). Le gustó mucho a la gente, y llamó la atención en diferentes países. Entonces teníamos que maximizar eso para promover el rap boliviano, y lo hicimos.

Negro Escandaloso falleció antes de la premier. Su hermano sacó todo el material de video de su computadora, y de esa manera pudimos editar su parte del video. Decidimos dedicar la producción a su memoria.

En la canción “Rey de Reyes” hablas de un lado espiritual en la lírica. ¿Qué te motivó o inspiró?

Soy una persona muy creyente en Dios. Me pasó algo muy espiritual antes de escribir el tema. Y le dije a Dios que le escribiría una canción.

Manny 912, ¿cómo te marcó la paternidad en la carrera artística? Tienes una canción dedicada a tu hijo. ¿Qué nos puedes comentar?

Mi hijo es mi máxima creación. Él está presente en mi música desde que nació, y en mis videos, hasta ahora. Es un pilar y mi cable a tierra. ¿Qué opinas de la actual coyuntura cultural en cuanto a géneros musicales?

Yo respeto a todos los géneros musicales como artista y creador de mi propia música.

Sé que es un camino muy difícil para poner las producciones al aire.

Creo que para gustos están los colores. Yo puedo fusionar de todo, siempre que tenga la raíz de Rap.

Dentro de tu videografía he podido observar videos con distintos artistas invitados (por ejemplo, con Prisma en el tema “Bonita”) fusionando estilos y proponiendo narrativas originales. ¿Qué puedes comentarnos de estas producciones?

Me gusta medirme con otros artistas. Sobre todo, cuando son buenos en lo que hacen. La colaboración con Prisma de Bolivia fue mágica y espectacular.

Hablando de Hip Hop, que es lo que a nosotros nos identifica, de la canción “Héroes del barrio” ft. Don Dinero, que es un tema importante para tu carrera, y sumó aporte a la video – discografía latinoamericana. ¿Qué nos puedes remembrar?

La colaboración se dio de una manera muy natural. Creo que estaba escrito en el libro grande. A Don Dinero lo considero como mi mentor, es una persona muy humilde, y un gran ser humano. Y bueno, salió un tremendo tema.

Sociedad Ayacucho/ LMN8 nos invitó a com-

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partir una canción (Vigentes en el Juego) para el disco solista de DoCe27 que se estrenó durante la cuarentena rígida en Bolivia este pasado abril 2020. Coméntanos tu experiencia en la colaboración.

Los hermanos de Sociedad Ayacucho son mis amigos, y me gusta lo que hacen. Ellos estuvieron de gira conmigo en el tour “Rapeando en Casa” (2011) en Cochabamba, y para mí fue un placer ser parte de su producción actual.

En cuanto a la lírica, usualmente yo escribo en el momento que escucho el instrumental.

No lo pienso.

Manny 912, has sido productor musical y audiovisual en el tema “TRAUMATIZED” Ft. Trapped in my Mind. ¿Qué anécdotas y crónicas tienes de la canción?

El instrumental se armó en 5 minutos. Nos divertimos mucho rodando el video, la máquina de humo se quemó en medio de la filmación.

Todas las tomas fueron muy bien pensadas y

con mucha simbología. Está muy recomendable el video.

El confinamiento ha marcado en la humanidad. ¿Cuál es tu opinión en estos tiempos de cambio que atravesamos en el mundo entero?

Opino que tenemos el control de la situación.

Está en nuestras manos tomar todas las precauciones necesarias y cuidarnos. ¿Cómo planeas moverte de ahora en adelante en el arte musical?

Mi plan es fluir entre las piedras. Siempre estoy maquinando nuevos proyectos.

Unas palabras y saludos de despedida al mejor estilo de Manny 912.

Muchas gracias por la entrevista. Y vamos a seguir luchando como guerreros de la luz hasta que toda esta pesadilla acabe. “Trabajo, familia y valores”.

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especial estivalia

El Pelujáncanu

tradición ancestral en Estivalia

E

l 30 de agosto pudimos ver el fantástico directo de El Pelujáncanu dentro del programa Estivalia, organizado por la Diputación de Cáceres, que sigue apostando por la cultura y los eventos en directo, y, además, con todas las medidas de seguridad sanitarias.

de hablar con vosotros y conocer un poco más de El Pelujáncanu. Contadnos un poco cómo y cuándo se gestó la banda, y por qué motivo decidís dedicaros al folklore extremeño.

Bien, muchas gracias. Nosotros también estamos encantados de conoceros y «palral con vusotrus «.

Esta banda nos ofrece una auténtica fiesta cargada de folklore extremeño con un toque personal que no os dejará indiferentes. Ellos mismos nos cuentan su visión personal del folklore, cómo será este directo, y la actual situación de la banda en estos tiempos de crisis sanitaria.

Bueno, El Pelujáncanu surge de un grupo de buenos amigos y músicos que, después de muchos años interpretando folk del llamado «Arco Atlántico » o «música celta», como se conoce popularmente, y otros folclores de la vieja Europa, fuimos a recaer al nuestro propio, tal vez por la edad o la madurez (risas), a empaparnos de nuestras raíces, de las ancestrales tradiciones de nuestro pueblo. Todo esto ligado por las músicas tradicionales y darlo a conocer al público.

El Pelujáncanu, folklore extremeño en Estivalia

¿Qué tal estáis, chicos? Ya teníamos ganas

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“uno de los principales motivos de El Pelujáncanu es que nuestros jóvenes conozcan su música, la música de su tierra, y sus ancestros. ponemos especial empeño en hacer que sea atractivo para ellos sin perder la raíz “ Recogéis la tradición oral y la mitología de la tierra aportando vuestro toque personal. ¿Cuáles son vuestras fuentes para recopilar esta música tradicional? ¿Qué dificultades encontráis en la búsqueda de material?

El material del que hemos bebido ha sido sobre todo la tradición oral, los cancioneros y recopilaciones existentes, y discografía antigua.

La dificultad, si lo podemos llamar así, más bien es el trabajo que conlleva sumergirse en el folclore. Es la investigación, el ir a los sitios a empaparse de ello, y hablar mucho con nuestros abuelos, los verdaderos y últimos guardianes de toda esta magia que tratamos de conservar.

Todo esto se gesta desde Cáceres, ciudad donde nace el proyecto, y se da a conocer con una presentación en El Gran Teatro tras la grabación de nuestro primer disco, La Leyenda del Pelujáncanu.

Conocemos a la gran mayoría de los componentes de El Pelujáncanu, y todos tenéis antecedentes musicales. ¿Qué os aporta esta banda en comparación con otras a las que habéis pertenecido?

La verdad es que nos ofrece mucho: el orgullo de interpretar y llevar las músicas extremeñas a donde quiera que vamos, la emoción de rescatar temas ancestrales y traerlos al día de hoy, el «buen rollo», la bonita y duradera amistad y la hermandad entre los miembros del grupo… Pero sobre todo la gran ilusión que tenemos en el proyecto, y que se ve y se siente cuando estamos en el escenario.

El público más joven suele desconocer este tipo de música, y hoy en día, con los nuevos géneros musicales, es complicado. ¿Cómo veis la reacción de este público en vuestros directos? ¿Hay interés?

Es que uno de los principales motivos de El Pelujáncanu es que nuestros jóvenes conozcan su música, la música de su tierra, y sus ancestros. Por lo que ponemos especial empeño en hacer que sea atractivo para ellos sin perder la raíz, y fácilmente reconocible para los mayores.

La aceptación de este público en particular está siendo encantadora. Ver cómo lo disfrutan y lo bailan nos llena de alegría.

Con la crisis sanitaria se han suspendido una gran cantidad de eventos culturales y festivales, pero podremos veros muy pronto en diLaCarne Magazine

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recto dentro del programa Estivalia, llevado a cabo por la Diputación de Cáceres. ¿Qué se va a encontrar el público en vuestro directo? ¿Habéis preparado algo especial en el repertorio?

El público se va a encontrar a cinco amigos disfrutando de lo que hacen, y eso hace que los directos sean «cojonudos» (risas, perdón por la expresión). Es decir, se nota la compenetración de los componentes del grupo, y la calidad de los arreglos y la contundencia de los ritmos. Vamos, toda una fiesta extremeña!!

Pues sí, hay pequeña sorpresa, y es que estrenaremos alguna tonada de las que se están cociendo para el segundo disco.

Como todos sabemos, la actual situación del Covid-19 no está siendo nada fácil para el sector de la música y la cultura, pero el programa Estivalia de Diputación de Cáceres se celebrará a pesar de la crisis. ¿Qué opináis sobre este tipo de iniciativas? ¿Creéis que se pueden seguir haciendo festivales y conciertos con todas las medidas de seguridad sanitarias?

Menos mal que se han podido celebrar algunas iniciativas como ésta. Nos parece muy positivo y lo agradecemos.

Se pueden y se deben celebrar. Hemos sido testigos ya de cómo se desarrollan todas y

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cada una de las medidas, y de la atención de policía, protección civil, etc., en que se respeten, pero sobre todo del civismo del público y del cuidado que ponen para poder disfrutar de un poco cultura.

Imaginamos que también os habéis visto afectados por la actual situación. ¿Os han respetado las fechas que ya teníais cerradas? ¿Cómo veis vosotros el panorama?

No, desde febrero-marzo se nos empezó a caer toda la temporada con conciertos, festivales, y gira por lo Balcanes cerrados ya. Lo vemos muy mal, la verdad es que está siendo una ruina, y no sabemos cómo irá de aquí en adelante, pero no pinta bien. ¡Disfrutaremos de vuestro próximo directo!

Esperamos que sigáis adelante a pesar de las dificultades. Mucha suerte, amigos, y ¡qué viva el folklore extremeño! Gracias por vuestro tiempo. ¡¡Muchas gracias a vosotros, os esperamos a todos!! ¡¡Qué sueni Estremaura!!

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