LaCarne Magazine N94

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Nº94 - ABR 2020 - AÑO 9

albert hernández el baterista más codiciado EXPERIENCIAS

DIAMOND BLACK - LUJURIA

investigación

CHET BAKER - THE WALL

ENTREVISTAS

FESTIVALINO - CANSERBERÍA FERMÍN SOLÍS - BOCA CK

N94 aÑo 9 abr 2020

SUMARIO

experiencias 06 Diamond Black, Rock Vampírico

entrevistas 32 Festivalino 2020, celebra su

08 Lujuria, y su nuevo disco “Somos

40 Canserberia, Black Metal de la

desde Reino Unido Belial”

investigación 14 Chet Baker, un genio que no supo controlar su vida

décimo tercera edición vieja escuela

44 Fermín Solís, un extremeño con Goya

48 Boca CK, una década de rimas y versos Hip Hop

18 The Wall, analizamos la joya de Pink Floyd

26 Albert Hernández

el baterista más codiciado

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

jorge ares, la chica boom, eva maría aroca, luis lama, omar vega, alfonseka

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Diamond Black

Rock Vampírico desde Reino Unido ha desenmascarado)

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n esta ocasión vengo a hablaros de Diamond Black, una banda formada por Ben Christo (The Sisters of Mercy), a quien podemos ver en las guitarras y voces; Adam Lightspeed, encargado del bajo y voces; Jan- Vincent Velazco (Pendragon, PIG) a la batería; y el finlandés JL Turunen como vocalista principal.

Diamond Black: Rock Vampírico desde Reino Unido

Como dato curioso, aunque yo creo que ya todo el mundo lo sabe, tanto Ben como Jan fueron Nameless Ghouls en la banda Ghost, si no recuerdo mal, durante el 2017 (no sé por qué, pero mientras lo escribía lo estaba susurrado como si os estuviera contando un secreto. Es que antes era un secreto, ya que Ghost siempre intenta mantener el anonimato de sus miembros a pesar de que Tobías ya se

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Este cuarteto de “diamantes negros”, bajo el género musical de “Rock vampírico”, nada tiene que envidiar a otras bandas del estilo como THE 69 EYES, de quienes fueron teloneros el pasado mes de noviembre en la sala The Garage de Highbury.

Ellos le aportan un estilo único a su música, dándole un toque de emoción y energía que va más allá del glam vampírico.

Sin duda, contar como fundador con uno de los miembros de una de las bandas más importantes y destacadas dentro del rock gótico de los ochenta, se nota, y es que para los que somos fans de The Sisters of Mercy, Ben Christo ha conseguido atraparnos con las letras y melodías de Diamond Black.

También han estado de gira junto a la banda de metal progresivo Cellar Darling, liderada por Anna Murphy, ex Eluveitie.

Esta vez fue “The Scarlet” la canción que nos puso la piel de gallina y que, además, el videoclip cuenta, al igual que el video de su tema “Sorrow”, con la dirección de Andy Mihov, un gran director de videos musicales y películas.

De hecho, el videoclip ganó dos premios, uno al mejor director y el otro al mejor videoclip en la gala de los premios de la música internacional de París.

Lo cierto es que el video es una auténtica pasada.

De momento, estos chicos nos están alimentando con su música con cuentagotas, un tema por año, pero muy buenos temas, la verdad.

Su primer single, “Sorrow”, salió en octubre del 2017, y bien podemos decir que nos dejaron a todos boquiabiertos por ser un tema muy oscuro, emocional y con mucho gancho.

Podéis escucharlo y ver el video aquí.

Ya en 2018, nos volvieron a sorprender con otro temazo llamado “Ghost in the Glass”, del que particularmente estoy enamorada de su sonido y de su estribillo tan pegadizo.

Y es que me recuerda tantísimo a la música de la banda finlandesa To Die For, que me gusta tanto y me trae muchos buenos recuerdos que sin duda “Ghost in the Glass” me conquistó.

Os dejo el lyric video por aquí para que lo escuchéis y os enamoréis vosotros también.

Pasó más de un año hasta que los chicos de Diamond Black nos dejaron escuchar más de su música, ya que hasta Julio del pasado año 2019 no nos deleitaron con otra de sus bonitas y pegadizas canciones.

Han anunciado recientemente que actuarán en Helsinki el próximo 29 de Mayo junto a la banda Flat Earth, compuesta por Ex miembros de HIM y Amorphis. Y están muy emocionados, ya que será su primer concierto fuera del Reino Unido.

Sinceramente, cruzo los dedos para que Diamond Black puedan venir en algún momento a España, sean más escuchados internacionalmente, y puedan hacer una gira, al menos, por Europa.

Son muy buenos músicos, y su música suena genial, aunque me gustaría escuchar más de ellos pronto. Estoy segura de que no tardarán en regalarnos otra de sus vampíricas canciones.

Recordad que los podéis encontrar en redes sociales y plataformas digitales, no dudéis en darle vuestro “like”.

Espero que hayáis disfrutado de la lectura, y de Diamond Black Un abrazo fuerte a todos y hasta la próxima!

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Lujuria

y su nuevo disco «Somos Belial» LEER MÁS

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omos Belial es probablemente el disco más maduro, y quizás el mejor de Lujuria. Siguiendo la onda «lujuriana», sus temas están cargados de crítica social, sexualidad, sátira, diversión, y dobles sentidos.

La portada del disco es obra del diseñador Fernando Nanderas, en la que creo que recoge bastante bien la esencia del disco. Fue grabado en los estudios Calle 58, y masterizado por Nick Litwin en Mastering Mansion.

El disco se compone de 11 temas: «Nikkal, «Somos Belial», «Messe Noire», «Siempre

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Metal Invicto Metal», «El Ángel De La Lujuria Y Un Diablo Loco De Amor», “El Amor Está En El Aire», «Como Puta Por Rastrojo», «Tapar Agujeros «, «Cuando Estás Conmigo (La Única Balada Sincera Del Mundo)», «Migas De Paz», y «El Principio Del Fin.» El grupo está a punto de cumplir los 30 años de existencia, y este disco es una buena manera de celebrarlo.

Somos Belial, el nuevo disco de Lujuria

Nikkal El disco comienza con esta canción instrumental. Usan una introducción a piano, a la que se le van añadiendo guitarras, y la batería, aportando cada vez más intensidad a la canción.

Un buen anticipo de lo que nos espera en el disco.

Somos Belial Los tambores de Michael, las guitarras del Chepas y Nacho, y el bajo de Santi, anticipan la llegada de la bestia Belial, dispuesta a contar su historia en boca de Óscar, y liberar a la sociedad de sus cadenas.

El tema, además de dar título al disco, tiene un estribillo muy pegadizo, y un gran trabajo de la banda en toda la canción.

Messe Noire Esta misa negra se inicia con el espectacular teclado de Ricar, analizando música eclesiástica, la batería doble bombo, y la voz de Satán incitando al pecado y a la liberación sexual.

La canción es posiblemente una de las mejores del disco, con un estribillo en latín que le da un toque de originalidad a la canción, y cobrando más protagonismo el teclado y la batería, junto a una voz aún más desgarradora de Óscar Sancho.

Siempre Metal, Invicto Metal En esta canción, como su título indica, programa en su amor por el reggaeton y la Rosalía…

Bromas aparte, es una canción de gran influencia del metal de los 80, con riffs auténticamente heavys.

Esta canción fue el single de adelanto del disco, y demuestra dos cosas: la primera, el inmenso amor por el Metal, y la segunda, la enorme calidad de todos y cada uno de los miembros de Lujuria, que han hecho de ellos un referente musical en el panorama nacional e internacional.

El ángel de la lujuria y un diablo loco de amor Este tema está cargado de velocidad, de grandes solos, y un formidable trabajo del bajo de Santi y la batería de Maikel. Esta historia de amor será muy coreada en los conciertos.

El amor está en el aire

Con teclados al estilo de Deep Purple, y riffs contundentes a lo Iron Maiden, describen una divertida historia sobre la población islandesa de Ringaskiddy, donde, debido a las emanaciones de la fábrica de Viagra, dicen que siempre están erectos.

Tapar agujeros Cuenta la historia real de unos agraciados de la Lotería de Navidad, que tenían miedo de cobrar el premio debido a que lo compraron en un club de alterne.

Como puta por rastrojo Narra la dura vida del músico. De nuevo se nota la influencia de Deep Purple en el duelo de teclados con la guitarra.

Cuando estás conmigo (la balada más sincera del mundo) Es una balada, pero no una balada normal, sino dedicada al miembro viril. Si sigues a Lujuria, no te cogerá de sorpresa el tema.

Migas de paz Este tema fue otro adelanto en formato vídeo lyric. Para mí es uno de los mejores temas del disco. Cargado de crítica social, buen hard rock, y un estribillo que se convertirá en un himno de la banda.

El principio del fin Llegamos al final del disco con el cover «El principio del fin» de Ángeles del Infierno. Un buen homenaje a esta banda. Es una buena versión que, sin perder su esencia ochentera, Lujuria le da su toque.

Y así llegamos al final de este gran disco.

Como dije antes, considero que es uno de los mejores de Lujuria, y una buena forma de celebrar su 30 aniversario.

Me gustaría felicitar a toda la banda por este formidable trabajo, y agradecer a Santi Hernández su ayuda en la elaboración de la reseña.

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Chet Baker

un genio que no supo controlar su vida Los inicios de Chet Baker como músico LEER MÁS

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n esta ocasión os voy a contar la historia de un genio destruido por sí mismo, un icono del Cool más elegante que no supo gestionar su vida, hasta el punto de destrozarla y tirarla por una ventana, literalmente.

Os voy a hablar del genio blanco Chet Baker.

Gabri, va por ti!

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Chet Baker nació el 23 de diciembre de 1929 en Yale, Oklahoma. Provenía de una familia de clase media de orígenes europeos (su abuela era noruega), su padre era guitarrista profesional y su madre pianista.

Comenzó en la música cantando en el coro de la iglesia, pero pronto su padre le regaló un trombón que, rápidamente, cambió por la trompeta. Memorizaba canciones en la radio, y en dos semanas tenía dominado a la perfección el instrumento.

poco a poco. Finalmente es expulsado del ejército en 1951, momento en que comienza su verdadera carrera musical.

Fascinado por el Birth of Cool de Miles Davis, seguiría la estela de éste modificando un poco el concepto de Cool. Con el Cool pasó algo curioso (y que ya deberíais saber).

Inventado por Miles Davis con influencias de música de cámara europea, fue un estilo rechazado por su propio creador, pues sus sonidos se alejaban poco a poco de la raíz negra del Jazz.

Así este estilo fue adoptado por muchos músicos, principalmente blancos, que readaptaron el sonido creado por Davis. Su principal representante será Chet Baker, pero no olvidemos a artistas como Dave Brubeck o Dave Pell.

La estrella del Jazz melancólico

Su estilo era muy personal, pronto todo el mundo se fijó en él. Incluso el propio Parker decía de Baker: “andaos con cuidado, que hay un chaval blanco que os va a devorar”, y así fue, pues este joven de aspecto dulce y taciturno se convertiría en la estrella del Jazz melancólico a partir de un estilo seductor, ligero y lírico.

Parecía un músico natural para quien tocar no suponía ningún tipo de esfuerzo. Viendo esto, sus padres le inscribieron el Glendale Junior High School, pero con 16 años, en 1946, abandona los estudios y se une al ejército.

No aguantó mucho, en 1948 lo deja para centrarse en serio en sus estudios sobre teoría musical y armonía en El Camino College de Los Ángeles. Y lo vuelve a dejar, y, de nuevo, se “re-alista” en el ejército, pero esta vez formando parte de la Banda del Ejército.

Aquí comienza a alternar en clubes como el Black Hawk o Bop City, dándose a conocer

Pronto estaba rulando por los clubes de moda.

En 1952 se unió al cuarteto de Gerry Mulligan, con quien se complementaba de manera virtuosa. Sin embargo, acabarían fatal por culpa de las drogas (se ponían finísimos los dos…).

Este cuarteto carecía de piano, y contaba con dos instrumentos melódicos y dos rítmicos, ampliando así el espacio tonal del conjunto, dándole a las composiciones un sonido más liviano, y donde el solista (en este caso Chet) tenía más flexibilidad.

Obra de ambos es la mágica «My Funny Valentine», canción que se convirtió en un gran éxito, y que iría asociada a Baker el resto de su vida. Pronto fue habitual de los clubes más selectos del momento: The Haig o el Tiffany Club.

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En 1953 es arrestrado y encarcelado por primera vez por posesión y consumo de drogas.

El gran declive de Chet estaba a la vuelta de la esquina.

El declive de Chet Baker

Tras este suceso, Chet creó un cuarteto cambiante por el que pasaron músicos de la talla de Russ Freeman (piano), Bob Whitlock y Joe Mandragan (bajos), o Larry Bunker y Shelly Manne (baterías). Con este cuarteto grabó varios álbumes entre 1953 y 1956.

En este momento, su popularidad era tal que desbancaba en fama, por la prensa especializada, a artistas como Miles Davis o Clifford Brown, incluso fue nombrado el mejor vocalista de Jazz en 1954.

El uso de su voz sería algo que explotaría mucho, tenía una voz con mucho encanto y muy seductora.

En Hollywood se fijaron en él, e hizo su debut en la película Hell´s Horizon en 1955. Le ofrecieron un contrato cinematográfico, pero lo rechazó para continuar su carrera musical.

A finales de los 50 tocaba en combos creados por él, y en 1956 marchó de gira a Europa, consiguiendo así una fama mundial.

Sin embargo, la adicción a las drogas seguía demasiado patente. En 1959 fue arrestado en Italia por posesión de drogas. En este momento se encontraba grabando las míticas Sesiones de Milano, por lo que el director de la orquesta tuvo que hacer un apaño con el director de la prisión para poder coordinar los arreglos musicales con Baker.

Chet Baker fue un genio que no supo controlar su vida. Su adicción a las drogas comenzó en los años 50. Muchos de sus cercanos cuentan cómo, a menudo, empeñaba sus instrumentos para comprar dosis de caballo.

Tuvo muchísimos arrestos por posesión, fue expulsado de Alemania y Reino Unido por delitos relacionados siempre con drogas, incluso

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le deportaron en alguna ocasión.

Tras la gira de Europa, se instaló en Milpitas, California. En 1966 le dieron una paliza, seguramente mientras intentaba comprar heroína.

Le rompieron un diente, y resultó que esto le incapacitó para tocar la trompeta.

Se puso a trabajar en una gasolinera; sin embargo, su mente seguía en la trompeta, por lo que empezó a entrenar con su embocadura, hasta conseguir una nueva posición gracias al uso de dentaduras postizas. Y así volvió al

litarle recetas de heroína y cocaína a cambio de dinero o entradas para sus espectáculos.

Tenía montada toda una red propia de suministro.

Con la llegada de los 80, su música tiene un resurgir gracias al músico Elvis Costello.

Gran admirador de Chet, le invita a colaborar con un solo en el tema «Shipbuilding». Esto hace que el sonido Baker sea descubierto por un nuevo público.

También colaboraría con Van Morrison. Esto le dio una nueva oportunidad, y, juntando de nuevo a su cuarteto, gira por Japón, dejándonos para la posteridad su Chet Baker in Tokio, a dos meses de su muerte.

En esta época, su imagen estaba completamente destrozada.

El que en otro tiempo fue un joven apuesto y elegante, tenía ahora aspecto de viejo decrépito, delgado, mellado, taciturno y enfermizo, y si bien su música sufrió del deterioro físico de Chet, cuando empezaba a tocar, la magia de su sonido se expandía por todos lados.

El 13 de mayo de 1988 le encontraron muerto en la calleja de debajo de su habitación en el Hotel Prins Hendrik, en Amsterdam. Tenía graves heridas en la cabeza, pero ningún signo más de violencia. Supuestamente se tiró por la ventana de un segundo piso. Tanto en su cuerpo como en la habitación encontraron restos de heroína.

Jazz, se mudó a Nueva York, y comenzó a tocar y grabar.

Un trágico final

En 1973 vuelve a los escenarios, y pronto se marcha de nuevo a Europa, donde se instala casi definitivamente. Ésta será su época más prolífica; sin embargo, las adicciones podían con él, siempre tenía a un fan dispuesto a invitarle a una dosis, por no hablar de los médicos que accedían a faci-

Chet Baker fue un icono cultural en los años 50, tenía un don con el que transmitía emociones; sin embargo, eso no compensaba su personalidad destructiva y egoísta.

Musicalmente es la mayor representación del sonido suave del Jazz de la Coste Oeste, y podéis comprobarlo enchufándoos el Deep In A Dream, una composición que es poesía pura, y que te golpea directamente en el estómago, pero de una manera tan suave que el golpe se convierte en caricia.

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Analizamos

The Wall,

la joya de Pink Floyd

P

ink Floyd es una de las bandas más grandes de todos los tiempos, y The Wall un trabajo musical épico. Analizar las piezas maestras de esta increíble banda no es tarea sencilla, ya que los criterios y estructuras musicales manejadas por sus creadores hacen compleja y ardua dicha tarea.

Sin embargo, hemos aceptado el desafío y aquí les dejamos el análisis de una de las obras musicales más trascendentales compuesta por sus integrantes.

Esperamos les guste y mediante este artículo conozcan más acerca de esta banda.

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Sería importante que a través de los comentarios nos hicierais saber si deseáis agregar algún detalle importante que se nos haya escapado acerca de The Wall.

Vamos por ella!!

Origen de The Wall: La joya maestra The Wall es un álbum conceptual de Rock de Pink Floyd, y su análisis es bien profundo y complejo.

la genialidad musical de Roger Waters, y eso lo podemos apreciar en su álbum The Dark Side of the Moon.

Siguiendo esa tendencia, le siguió el álbum titulado Animal, con el que realizarían una gira.

En medio de esta gira, el bajista tendría un altercado con un espectador, ya que lo escupiría en pleno concierto. De ahí nacería la demo que más adelante daría origen a The Wall.

Podemos decir al respecto que este demo estaría inspirado según su creador, Waters, en el rechazo que el músico creía que los seguidores sentían por las estrellas de Rock. Además, agregaría otros aspectos como la guerra, la maternalidad excesiva, y el desequilibrio mental.

Cuando estuvo completamente grabada dicha demo en el año de 1978, Roger Waters se la presentaría al resto de la banda, que no quedaron muy complacidos porque necesitaba de muchos arreglos musicales. Comenzarían a ejecutar la titánica tarea entre desavenencias y conflictos entre Waters y el resto de los integrantes de la agrupación.

En total, saldrían 26 pistas grabadas que fueron arregladas musicalmente en 5 meses.

Luego de esto, la banda entraría a tres estudios de grabación ubicados en Francia y Estados Unidos. The Wall saldría al mercado en el año de 1979.

Para que te sitúes dentro del contexto histórico en el que se creó, se hace necesario reseñar el origen musical de la banda, y así comprender esta obra en toda su dimensión.

Contexto histórico y musical Syd Barret, ex integrante de Pink Floyd, ha sido catalogado el padre de la psicodelia. Este grandioso músico, creativo por demás, fue el causante de encaminar la estructura sonora de la banda, enfilándola en armonías muy progresivas. Con su partida, la banda empezó a experimentar cambios sonoros de la mano de

Waters y Wright tendrían serios problemas entre ellos, lo que ocasionó la renuncia de este último.

Análisis de The Wall: La joya Maestra A lo largo del extenso álbum, The Wall desarrolla su trama alrededor de una estrella de Rock imaginaria. Aquí se retratan las experiencias de la infancia del propio Waters. Esta estrella de Rock, llamado Pink, es un ser reprimido debido a los traumas adquiridos a lo largo de su vida.

Traumas como la muerte de su padre en la segunda guerra mundial, la sobreprotección por LaCarne Magazine

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parte de su madre, la exigente educación británica, las drogas y sus excesos, y la responsabilidad y estrés de ser una estrella de Rock.

Todo ello iría convirtiendo a Pink en un muro infranqueable para protegerse del mundo y las circunstancias que le rodearían. Indefectiblemente, esto llevaría a Pink a intentar suicidarse debido a su gran desequilibrio mental.

A continuación, analizaremos los temas más relevantes de The Wall, de manera que puedan comprender con una visión más amplia esta increíble y trágica trama.

In the Flesh Este tema representa la obertura de The Wall.

Posee un carácter épico, y es aquí donde la banda inicia con gran potencia de la mano de los teclados y sintetizadores al mando de Wright, y donde Waters comienza a entonar versos breves, para luego entrar a un final aterrador, donde una aeronave cae a tierra. La trama se centra en la guerra, y el final está asociado de forma letal con el padre de Pink.

The Thing Ice Este segundo tema de The Wall se centra en la tristeza de Pink por el fallecimiento de su padre. El ambiente sonoro recrea la visión tris-

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te y sombría de Pink acerca del mundo, y sus cuestionamientos acerca de la muerte.

El riff de guitarra de este tema es fundamental para la recreación de la trama, donde David Gilmour supo colocar las notas precisas que activarían tales sentimientos en los espectadores.

Another Brick in the Wall Este tema de The Wall es un poco sombrío, donde Pink erige un muro más fuerte debido a la muerte de su padre en la segunda guerra mundial.

Aquí Gilmour vuelve a hacer gala de su destreza en los riffs de guitarra, que estarán acompañados de un poderoso bajo en las manos de Waters. Este tema es preparatorio, es la antesala a lo que habrá de venir.

The Happiest Day Of Our Lives Este tema tan icónico de The Wall centra su trama en un parque donde se encontrarían unos niños jugando, y luego aparece un helicóptero con un hombre hablando a través de un megáfono, que representaría a la educación británica y sus profesores autoritarios.

Este tema es una crítica bien severa a la edu-

cación en una época donde trataban a los infantes como descerebrados, y les maltrataban a nivel físico y emocional. Dichos profesores crearían maquinas humanas. Aquí Waters, mediante su personaje Pink, reflexiona acerca de este tipo de educación y cómo la misma se convierte en parte de ese gran muro.

Mother En este tema de The Wall, el eje central de la trama es la sobreprotección de la madre hacia Pink cuando fue un niño. Esta madre, en su afán de proteger a Pink, logra aislarlo del mundo circundante.

Pink, de niño, le hace preguntas a su madre acerca de lo que ocurre en el mundo, como por ejemplo el maltratato, o la muerte. La madre, en su empeño de aislarlo del sufrimiento, le responde que ella lo cuidará y lo resguardará del resto de los humanos. Aquí Waters deja entrever la sobreprotección de los padres como un aditivo más a ese gran muro.

David Gilmour vuelve aquí a lucirse con su gran solo de guitarra, ambientando de manera perfecta la trama.

Young Loust En este tema de The Wall, Pink ya es adul-

to y se ha convertido en toda una estrella de Rock. Comienza aquí a vivir de los excesos en el ámbito sexual. Aquí ya Pink se encuentra casado, y lleva meses sin ver a su esposa, y al cabo de un tiempo descubre que la misma se ha metido en la cama con otro hombre.

Es aquí donde comienza el gran desequilibrio mental del protagonista de la historia. La voz de Waters y la guitarra de Gilmour se fusionan en una perfecta consonancia musical para dar forma a este tema.

Comfortably Numb Este tema nos cuenta la aventura de Pink con las drogas y excesos. El mismo, al consumirlas, se queda hipnotizado y paralizado.

Los solos de guitarra de David Gilmour en este tema son los más famosos de la historia.

Waiting for the Worms En este tema de The Wall, Pink llega a tocar fondo. Aquí se plantea desaparecer del mundo para siempre, dejar que su muro le consuma.

Luego recapacitaría de tal decisión, y comienza a trabajar sobre sus miedos, sobre su adicción a las drogas, y además acerca de su vida como estrella de Rock.

Aquí, el gran solo de piano sugiere el cambio positivo que se habrá de dar en la vida de Pink.

Outside the Wall Aquí el muro se derrumba, y Waters envía un mensaje positivo para finalizar la obra, donde deja como gran mensaje, la existencia de gente buena y positiva a pesar de que las circunstancias no sean tan alentadoras.

Y así, amigos lectores, hemos llegado al final de este artículo.

Nos vemos muy pronto en otro interesante artículo de investigación!

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Albert Hernández el baterista más codiciado Texto por Pedro Gallardro Fotografías de Archivo

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xtremadura siempre ha sido una zona de España rica en artistas de todos los sectores, pero especialmente en la música. Albert Hernández es un baterista que ya sabe lo que es tocar en Japón, Francia, Italia, Marruecos, o Corea del Sur, y un ejemplo de trabajo para las nuevas generaciones venideras.

Involucrado desde siempre en proyectos musicales de gran calibre, su experiencia se nota en cuanto le oyes dar los primeros toques a su batería. Su pegada tiene un punch muy personal, haciendo muy atractivo cualquier grupo en el que milite.

Cercano, sonriente, y siempre dispuesto a tocar cualquier estilo, nos demuestra en esta entrevista por qué es uno de los bateristas más codiciados de Extremadura.

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Albert Hernández, el baterista más codiciado Bienvenido a las páginas de LaCarne Magazine, Albert. Para romper el hielo, nos gustaría que nos contaras un poco tus primeras experiencias en la música. Sabemos que empezaste cuando eras muy pequeño. ¿Cómo recuerdas esa infancia musical?

Buenas, rockers! Bueno, empecé con cinco años a tocar la guitarra. Vivía por aquel entonces en Madrid. Mi padre fue músico también. Él tocaba la guitarra, y siempre me llamó la atención aprender a tocar. Mi padre puso el instrumento, y mi primo Pepe, que por cierto también es artista, puso la enseñanza. Él fue quien me inició en este mundillo tan difícil escuchando bandas como Dire Straits o Queen, que para mi edad tan prematura era todo un descubrimiento. Me fui adentrando más y más en el instrumento hasta hoy. Lo que pasa es que ahora, bueno, desde hace años que toco la batería. ¿Y qué fue lo que te llamó la atención de la percusión? ¿Por qué la batería y no cualquier otro instrumento?

Soy una persona muy nerviosa. En el colegio andaba dando palmadas a la mesa, y siempre me llamó la atención poder hacer ritmos con mi propio cuerpo. Por aquel entonces no había visto una batería en mi vida, sólo en fotos o en la tele de aquel entonces. Me fascinaba ver a bateristas ejercitar complejos ritmos, todo frenético, enérgico, alucinante para mí. Pensaba que un día podría tener una de esas baterías, y hacer con ella esos ritmos tan molones. En fin, pasaron muchos años hasta que por fin pude hacerme de una con el primer sueldo que tuve. Desde entonces jamás dejé de tocar. A día de hoy me siento afortunado por tener los conocimientos necesarios para poder dedicarme a esto.

Inicios profesionales Te fuiste a Córdoba para formarte como músico en el Conservatorio. ¿En aquella época ya tocabas o habías tocado con algún grupo? ¿Recuerdas el primer grupo con el que te su-

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biste al escenario por primera vez? Cuéntanos cómo fue.

La primera vez que me subí a un escenario cantaba y tocaba la guitarra. Para nada iba a imaginar que años después subiría a un escenario, pero con la batería. Eran otros tiempos, no existía Internet, y todo era más íntimo, más personal. Éramos muy malos, sobre todo yo jajajaja.

Personalmente, mi primera vez fue con mucho miedo y respeto por el resto de bandas que tocaban en aquel festival. Aprendí mucho ese día. Y a día de hoy sigo aprendiendo. Nunca se van esos miedos, y es bueno tenerlos. Te hace poner los pies en la tierra. Con miedo estás más controlado, es bueno tenerlo, y quien diga lo contrario, miente jejejeje.

En cuanto a grupos de música, has tocado con otros muchos artistas como David Pastor, Rubio Salas, Manuel Alienígena y muchos más.

Por tu experiencia y trayectoria, ¿prefieres trabajar como fijo en una banda, o tener varios proyectos?

Para dedicarse a este mundo tan difícil tienes que tener claro que con una banda no vas a poder. Tienes que manejar varios estilos, y adaptarte a ellos. Yo trabajo con muchas bandas y artistas que, sin duda, son los que me mantienen a flote, y no siempre, claro, pero me tienen garantizado lo mínimo. Y sí, prefiero siempre varios proyectos, aprendes de todo, y al final siempre estás más cotizado por otros artistas o bandas.

Albert Hernández, baterista 100% Conoces a muchos artistas y, como hemos comentado, has trabajado con muchos de los más potentes del panorama. Si pudieras elegir, ¿con qué grupo o artista te gustaría dar un concierto o hacer una gira?

Si te refieres a bandas nacionales, pues sin duda con las que trabajo actualmente. No lo cambio por nada. Ahora, si son bandas internacionales, mi sueño sería poder tocar con Foo Figthers jajajajaja. Pero, bueno, soñar despierto también es agradable. ¿Alguna vez te han coincidido conciertos con LaCarne Magazine

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varios artistas? ¿Cómo gestionas compaginar fechas, aprenderte los temas, etc?

Muchas veces incluso he tenido que hacer tripletes en un mismo día. Las fechas me las marco en el calendario del móvil y son sagradas. Una o dos veces he faltado a mi trabajo por causas ajenas a mí.

Para aprenderme los temas, bueno, con algunas bandas, si hay disponibilidad, se ensaya.

Si las distancias son largas con otras, pues me mandan material y me pongo a estudiar los temas que vaya a tocar. Es tedioso, y creo que es la parte que menos me gusta, pero sin duda es la más importante. Todo tiene que sonar perfecto, si no no estaría dedicado a esto plenamente. ¿Y cómo llevas lo de tocar diferentes estilos? ¿Hay alguno que te cueste más, o que te guste menos? ¿Qué estilo es el que más le gusta tocar a Albert Hernández y por qué?

Lo de tocar diferentes estilos lo llevo bien. Sin duda mi favorito es el rock, es con el que disfruto al máximo. Me lleva a otro estado mental.

Escuchar una buena base de bajo contundente con un riff de guitarra le gusta a cualquiera.

El reggae es un estilo que toco bastante con Willy Wylazo. Lo controlo, pero aún me cuesta llegar al flow de los auténticos bateristas de reggae de la época de Marley, pero es que esa gente está a otro nivel.

Un baterista internacional Hablemos sobre tus viajes. Además de recorrer gran parte de España trabajando como batería profesional, has estado en otros países como Francia, Italia, Marruecos, Corea del Sur, Japón… ¿Cómo ha sido tu experiencia fuera de casa? ¿Cómo es el público de otros países?

Sinceramente me sorprendió la grata acogida que tienen con músicos de fuera de su país.

De la experiencia qué te puedo contar, eso lo querría tener todo el mundo. Visitar un país, y encima hacer lo que te gusta, sin duda me siento afortunado de haber visitado lugares que de otra manera no habría podido.

De todos esos países en los que has estado,

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¿cuál de ellos te ha gustado más y por qué? ¿Hay otro país al que te gustaría ir especialmente?

Desde luego me gustó mucho Japón y Portugal. Japón tiene una cultura de la música de un nivel considerable, les gusta todo tipo de estilos. La cultura, los paisajes…, todo me cautivó. También hago mención a Portugal porque he tocado en Lisboa, y es de los mejores lugares donde he podido tocar. Hay una entrega y una pasión por la música en directo alucinante. Aquí en España no tenemos eso.

Es triste ver cómo tu tierra no fomenta música de calidad, ni festivales que no lleven a bandas tributo.

Cuéntanos, ¿en qué estás metido ahora? ¿Tienes trabajo para esta temporada primavera-verano?

Empiezo a tener trabajo ahora en primavera.

En invierno está muy difícil tener un mínimo de bolos asegurados, y por el mes de abril

empiezo a calentar motores hasta finales de septiembre, donde vuelve el parón de invierno. Ando metido en varias cositas. En primer lugar, iba a salir de gira este mes de abril con Rubio Salas Corporation, donde íbamos a visitar varias ciudades de España gracias a la ayuda de Artistas en Ruta, una iniciativa del Ministerio de Cultura y una asociación de músicos profesionales que fomenta la música en directo bien remunerada, pero debido al estado de alarma por el Coronavirus nos hemos visto obligados a posponer los conciertos de nuestra gira «The power of Red Hand». También tengo varias fechas con Manuel Alienigena, grabaré nuevo disco con DA en julio, y algunos festivales donde pondré mi granito de arena con la batería. Sin duda iba a ser un año cojonudo. Veremos qué es lo que podremos hacer. ¿Y qué puedes adelantarnos de tu próxima gira internacional? ¿A qué países viajará Al-

bert Hernández próximamente y con quién?

Sólo digo que vuelvo a oriente. Aún estoy ultimando cositas, pero eso no verá la luz hasta noviembre de este año. Aún queda mucho por hacer.

Esperamos que te vaya muy bien tanto dentro como fuera de España, y que vuelvas pronto para contarnos qué tal te ha ido. ¡Un fuerte abrazo, Albert!

Muchísimas gracias, de verdad! Ha sido todo un placer poder hablar con vosotros sobre mis proyectos, y sobre mi trabajo como baterista.

Animo a los lectores a leer esta revista, tienen cosas muy interesantes, y que viva el Rock, tíos!!!

Más info sobre Albert Hernández:

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Festivalino 2020

celebra su décimo tercera edición

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n este Especial Festivalino 2020 os traemos una entrevista con Andrés Rodríguez, uno de sus creadores, y además, el cartel de esta edición con todos los grupos y artistas que pasarán por su escenario.

El Festivalino, un festival comprometido con la cultura

Nos hemos acostumbrado a ver festivales que cada año presentan los artistas antes, cuyos carteles parecen competiciones de a ver quién es el que más hype crea, de quién presenta las estrellas o bandas internacionales más potentes, de quién acumula más público, de quién genera el tráiler del festival más novedoso y snob posible, mientras se establecen contratos miseria a muchas bandas nacionales, se contratan a camareros foráneos a sueldos de risa, colas kilométricas, y donde ver un grupo por pantalla gigante parece lo más guay del mundo.

En definitiva, el uso más mercantilista y liberal de la música y cultura.

Festivalino no tienen nada en común con lo que acabamos de citar. No se realiza en grandes ciudades, tampoco tiene playa, tampoco tienen grandes infraestructuras de comunicación, no tiene grandes presupuestos, ni grandes campañas publicitarias, pero sí tiene algo importante: nos enseña valores.

Festivalino ha puesto en el mapa a Pescueza, ha impulsado entre artistas, jóvenes y

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mayores, realizar campañas de recuperación de los bosques, fomenta la interculturalidad mediante el teatro y otras artes, sensibiliza en evitar el cambio climático mediante la realización de talleres y engalamiento de calles mediante materiales reciclados, fomenta artistas emergentes de la región con contratos justos, implica a la población y genera riqueza para la misma, y sobre todo permite disfrutar de la cercanía de los conciertos.

Festivalino ofrece otras formas de llevar la cultura alejada de la burbuja de los festivales actuales, ofreciendo propuestas que acercan a los artistas a la gente de a pie, las que forman los pueblos de la España vaciada, y que lucha contra su extinción.

Festivalino lucha contra el “edadismo”. Uno no es más cool por ver a The Strokes en pantalla gigante, pero igual sí, si es más consciente de los problemas de su región sabiendo cómo en Pescueza luchan contra el envejecimiento, y discriminación de la población mayor, que es uno de los principales problemas del primer mundo.

De todo esto y mucho más hablamos en la entrevista que le hemos hecho a su principal responsable.

Entrevista a Andrés Rodríguez, Alcalde de Pescueza y uno de los creadores del Festivalino Siempre es un placer charlar con una de las personas que ha puesto en el mapa no sólo extremeño, sino nacional, la población de Pescueza. Andrés es una persona muy querida en esta pequeña población de 150 habitantes del norte de Cáceres.

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Es uno de los responsables del Festivalino de Pescueza. Durante 12 años, un grupo de personas de Pescueza han estado al frente de uno de los festivales más singulares y atractivos de la región, y que este año va a por su decimotercera edición.

El año pasado, José Vicente Granado, alma mater del Festivalino, nos explicó que este evento empezó siendo organizado por la Asociación Gats, allá por el 2008, para luego pasar a manos de los vecinos, liderados por José Vicente, siempre con el objetivo de potenciar la cultura regional, el desarrollo rural, y la defensa del medio ambiente. Este año te ha tocado a ti, Andrés. ¿Cómo y por qué decidiste embarcarte en un proyecto tan ambicioso?

Un verano nos juntamos en la piscina del merendero Anabel, José Vicente Granado, Venancio Gómez, Oscar Rando y yo a reflexionar sobre el futuro del pueblo.

Pescueza era poco conocido, y necesitaba un reconocimiento por parte de las gentes de otros lugares.

Se nos ocurrió montar unas jornadas sobre despoblación, ahora desgraciadamente de moda, y medio ambiente. A esto se le añadió la música como reclamo, y ahí empezó todo.

Fue creciendo, y en estos momentos es una de las señas de identidad de la música, la despoblación y la conservación de la naturaleza.

Vuestro principal objetivo es recuperar la naturaleza y el paisaje de la comarca a través del plantado de árboles. Para ello recurrís a artistas famosos, que hacen la función de padrinos/madrinas. Recientemente habéis tenido la visita de Manuela Carmena. ¿Estáis abiertos a que los anfitriones sean personas alejadas de la cultura? ¿Se prestan los grandes artistas a este tipo de iniciativas? De todos los anfitriones con los que habéis compartido el proyecto medio ambiental, ¿con quién tenéis mejores recuerdos?

Nuestro objetivo era potenciar a Pescueza como referencia rural. Qué mejor que integrar naturaleza, música, costumbres, y problemas del medio rural.

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Todo empezó con el grupo La Oreja de van Gogh, que apadrinó un bosque. Luego se fueron añadiendo más artistas y grupos hasta hoy. Todos ellos muy comprometidos con la naturaleza. Por eso son los padrinos de las plantaciones de árboles.

Manuela Carmena se acercó a ver un proyecto que tenemos en Pescueza con las personas mayores: Quédate con nosotros. Este proyecto trata de cuidar a las personas mayores con respeto y con cariño.

Está dirigido por la Asociación Amigos de Pescueza, que hacen una labor encomiable por nuestros mayores.

Manuela nos sorprendió por su sencillez, espontaneidad y sabiduría. A ella también la sorprendimos, según nos dice, por llevarse una buena lección de vida.

Pescueza es pueblo abierto, humilde, sencillo y culto, por eso tiene cabida todo el mundo.

Por ejemplo, este año abrirá el Festivalino el expresidente de Extremadura, Juan Carlos Rodríguez Ibarra, con el tema sobre la acción contra la despoblación.

Cada uno tendrá sus debilidades. Para mí, todos, y muy agradecidos a todos, pero mis debilidades son Rozalén, Amaral y Carlos Goñi (Revólver). Quizás porque hemos hablado más.

Entre los diferentes carteles que habéis configurado, predomina la apuesta por artistas emergentes extremeños, junto con otros de renombre de carácter nacional, donde predominan estilos muy diferentes. ¿Qué criterios seguís para la selección del elenco musical? ¿Hay algún estilo musical que no tenga cabida en vuestra programación?

El criterio es diferente en cada caso, y tiene variables lógicas: no repetir, zonas geográficas, estilos musicales…

Esto lo hacen los más expertos de los voluntarios. No, no se plantea vetar a nadie por su estilo musical. Lo malo es que no podemos LaCarne Magazine

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atender a tantas demandas.

Vayamos a las actividades infantiles que se realizan todas en horario diurno. Contáis con pasacalles, teatros, payasos, comparsas. Palomos, Festivalino, Womad, Guoman son algunos de los festivales que programan pensando en familias, y no sólo limitándose a una generación determinada de público. ¿Es una fórmula de éxito? ¿Es la mejor manera de que los niños, futuros jóvenes, y adultos tomen conciencia de la importancia de la cultura en sus vidas y en el desarrollo como ciudadanos?

En el pueblo, todos convivimos con todos, somos una gran familia, y por eso tenemos que hacer un festival intergeneracional, porque la cultura se crea, pero no se destruye, y tiene que ir caminando de generación en generación.

Somos un gran ecosistema en el que nos cedemos energías unos a otros.

Uno de los atractivos del Festivalino es la enorme participación de la comarca, tanto como público como colaboradores-voluntarios en el engalamiento del pueblo. Por ejemplo, el año pasado en algunos escenarios los adornos eran unas especies de flotadores, también casas con flores realizadas con plásticos. ¿Los adornos van relacionados con las causas en las que estáis implicados, ya sea recuperación del bosque o, en el caso del año pasado, también los refugiados?

El Festivalino tiene cada año su lema, y tratamos que tenga que ver con problemas sociales de actualidad.

En función de eso, se decora, se traen a artistas relacionados con el tema… Todo esto nos enriquece y crea cultura.

Recientemente Europa ha reconocido como lengua el “Estremeñu”. Vosotros lleváis varios años realizando talleres a cargo de los mayores del pueblo acompañado de grupos musicales como Chulumi. De hecho, sois el único festival que realiza tal propuesta. ¿Os sentís parte responsable de dicho reconocimiento? ¿Vuestra actividad debería extenderse a otros festivales similares al vuestro como Guoman

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o Womad?

En el Festivalino le hemos dado presencia a OSCEC Estremaúra (Organu de Seguimientu i Coordinación del Estremeñu i la su Cultura).

Han participado en recitales de poesías, libros, música, tradiciones…

Gente como Ismael, Cruz Diaz, los Hermanos Herrero Uceda, nuestro paisano tío Angel, que con 94 años que tiene recita a Gabriel y Galán, etc.

Cada festival tiene su sesgo y su importancia, como el Womad o el Güoman. Sería bueno que todos cogiéramos cosas positivas de todos. ¿Es el Festivalino una alternativa en la lucha contra el edadismo?

Puede contribuir, pero más bien es una forma natural de relacionarse todas las generaciones con humanidad y respeto.

El edadismo lo considero una lacra más de parte de esta sociedad que discrimina.

El año pasado hubo un nuevo escenario. ¿Qué novedades tenéis este año?

Si el tiempo nos acompaña, el domingo tendremos una actividad nueva en la dehesa con plantas flotantes en las charcas, y visualizaremos nuestro respeto al medio ambiente en el campo de fútbol.

En 2019 la inauguración del festival fue por Guillermo Fernández Vara. ¿La elección del “pregonero” sigue algún criterio similar a la del padrino o madrina del festival?

El único criterio que seguimos es buscar a una persona que queremos que hable y debata sobre nuestras preocupaciones e inquietudes.

El presidente Guillermo Fernández Vara ha venido muchas veces al pueblo, conoce a le gente, y ya le tocaba inaugurar después de doce años de Festivalino. Vino varias veces como uno más. ¿Cómo afrontáis que una población de 150 habitantes acoja en un fin de semana a 5.000 personas? ¿Supone un problema de convi-

vencia, limpieza o de espacio?

Con mucha responsabilidad, dedicación y entrega. Hasta ahora no han existido problemas de convivencia, suele ser gente sana.

La limpieza es digna de ver al amanecer, y comprobar que la mayor parte de las basuras están en los contenedores y todo el mundo se adapta al espacio tan pequeño que tenemos.

Lo peor es el mal tiempo, cuando hay lluvias se nos chafa todo. ¿Cuáles son las recomendaciones principales para los asistentes al festival? ¿Existe un parking para el público que se acerca en coche o caravana? Además de la zona de acampada, ¿hay servicios como restaurantes o puestos de comida?

Que disfruten y se dejen llevar por la buena gente de Pescueza. Que se actúe con lógica, diversión y respeto.

Habrá sitios de aparcamiento en zonas y huertos que ceden los vecinos de Pescueza, tanto para caravanas como para coches. Habrá puestos de comida y bebida.

Muchas gracias por compartir con nosotros tus consejos y reflexiones. Es un placer charlar contigo, y nos vemos en unas semanas.

Muchas gracias a vosotros por tener esa revista tan buena y de tan buen rollo. Os esperamos con los brazos abiertos.

Cartel Completo de Artistas y Grupos

Además de todo lo que nos ha contado Andrés, a continuación desgranamos parte del cartel del Festivalino de este año, y os recomendamos nuestros artistas favoritos.

LOS TOREROS MUERTOS Si hay un grupo por excelencia que nos hizo reír y disfrutar del rock hace 2 décadas es éste.

Recoge esa idiosincrasia que vivió la movida madrileña, y que tantos éxitos ha generado.

Pablo Carbonell es un showman, un cómico, un músico de otro planeta, un dibujante en la tercera fase, un extraterrestre con sentido crítico, una leyenda, el Nick Furia de nuestros

héroes de la infancia.

La transgresión y la irreverencia vienen a Festivalino a cargo de la banda surgida en Madrid, pero de orígenes diferentes. Si eres millenial y eres fan de Dead Kennedys, Madness, Talking Heads, o la Orquesta Mondragón, éste es tu grupo.

REINCIDENTES Los sevillanos son una de las bandas más carismáticas de lo que es el rock urbano, una mezcla entre rock y punk que surgió en los 80 con mensajes sociales y reivindicativos.

También es una de las bandas más queridas después de Extremoduro por los rockeros extremeños. Infinitas veces Reincidentes ha pasado por tierras belloteras, y siempre acompañados con sus fieles seguidores.

Es un gran cabeza de cartel para el festival, y un plato fuerte que atraerá a media región hacia Pescueza. Con casi 20 discos a sus espaldas, su directo será un recopilatorio de sus grandes éxitos.

EL KANKA El malagueño es uno de esos cantautores que ha sabido curtirse su éxito, y un respeto entre todos los músicos a base de bares y pequeños conciertos. Su música es sentimiento, energía positiva, amor, y es terapéutica.

Hemos escuchado su música mientras salvaban a refugiados en el mar, para combatir el cáncer, o en terapias cognitivas. Un tipo sencillo que, con trabajo y unas letras que transmiten muchísimo, ha conseguido llegar al corazón de muchas personas. 4 discos a sus espaldas, el vecino de Carabanchel será el padrino del Festivalino junto a Rozalen, Andy y Lucas, y Nuria Fergó. Deseando estamos de escuchar «CanEpé» en el campo de futbol de Pescueza.

LOS TAI TABÚ Son el grupazo que se ha recorrido medio mundo llevando el funk y el jazz a todos lados.

Ganadores de Festimad 2018, los pudimos LaCarne Magazine

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disfrutar en Womad 2019. Los de Valverde de la Vera son una propuesta de mestizaje bailable y de muchísimo nivel.

Qué ganas de disfrutarlos en Pescueza, y que pongan patas arriba toda la comarca con su propuesta a modo de jam session enérgica y buen rollo.

JAMONES CON TACONES Los murcianos son una banda originaria de la canción de autor y colaboradores de Rozalén, que han ido evolucionado hacia un directo más eléctrico, ecléctico, y divertido.

Muy en la onda de bandas de rock fusión con importante presencia de instrumentos de viento, e influencias del jazz o ritmos jamaicanos.

Siempre los extremeños y murcianos son comparados por la similitud en sus expresiones, seguro que en Pescueza se sienten como en casa.

KARMACADABRA Seguimos con Murcia. Esta vez el Mestizaje nos lleva hacia ritmos más latinos, rumberos y bailables. Incluso se atreven con ritmos electrónicos cercanos al dub, como el drum n bass o el reggae.

Los de Cartagena nos presentarán “Donde nacen los colores” inundando las calles de Pescueza con alegría, y energía positiva para hechizarnos con su colorido musical.

LA BRUJA ROJA No vienen de RocaDragón, pero sí de algunos de los paisajes donde se grabó Juego de Tronos.

Los de Cáceres ya llevan más de 15 años en la carretera, con cuatro discos a sus espaldas, practicando un rock urbano con estribillos pegadizos y un sonido puro, enérgico, y de la vieja escuela.

ALIÑO CALLEJERO La formación placentina ya es conocida de festivales solidarios, como pudimos comprobar hace dos ediciones en el Festivadillo.

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Nos llenarán de rumba y bulerías con aires extremeños la plaza de Pescueza. Su música recuerda a Kiko Veneno, Delinqüentes…

En definitiva, fusión por los cuatro costados.

Nos presentarán su disco Mentira o Realidad.

DALMATIANS Banda cacereña de covers. La peculiaridad de esta formación es que su cantante es la bloguera “Tacones de Dalmata”, cuyo principal objetivo es realizar música inclusiva y dar visibilidad a la enfermedad Retinosis Pigmentaria.

El resto del grupo lo componen Lete Trujillo, que es el responsable de la guitarra y todo tipo de arreglos, además de Myriam Gallardo, que es la encargada de interpretar en lenguaje de signos todas y cada una de las canciones.

LA PASMA Los de Cáceres son una banda de covers de pop español de los 80. En la batería está un viejo conocido de la música en Cáceres como es Óscar Trigoso, responsable del programa de radio El Garito de Canal Extremadura.

Sus directos han pasado por salas de prestigio como Boogaloo o El Corral de las Cigüeñas.

SUPERSEXY SOUND SYSTEM DJ En formato dj, sus sesiones son eclécticas, realizando un recorrido por el pop y el rock de todos los tiempos, junto con los sonidos más electrónicos, bailables y tropicales.

Criterio, elegancia, fusión y ritmo es lo que han comprobado los festivales más importantes de la región como Contempopránea, Palomos, Granirock, Parque Sonoro u Horteralia.

Ahora es el momento de disfrutarlo en Festivalino.

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Canserberia

Black Metal de la vieja escuela LEER MÁS

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n honor al monstruoso guardián de los infiernos, se crea la banda Canserberia. Formados en el año de 1994 por Javier Resternak (guitarra/bajo), nos traen una propuesta de un crudo Black Metal de la vieja escuela.

Pero vamos a conocer más sobre Canserberia por medio de Javier “Resternak”, quien respondió a las preguntas.

Canserberia, Black Metal de la vieja escuela

Saludos! Bienvenido a las páginas de LaCar-

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ne Magazine. ¿Algunas palabras antes de dar inicio a la entrevista?

Antes que nada, muchas gracias a Omar y a todo el equipo de LaCarne Magazine por el tiempo dedicado a la entrevista a Canserberia.

Canserberia es una banda de muchos años de carrera. ¿Nos podrías contar un poco de sus inicios en el Black Metal para los maniacos que no conocen la banda todavía?

Canserberia fue creada en el año de 1994 por Javier “Resternak” con la idea de hacer Raw Black Metal, Black Metal crudo al estilo de bandas como Profanatica, Grimoire, Marduk, Darkthrone, Enthroned, Abazagorath, Demonic Christ, Graveland y Deteriorate.

Obvio sin copiar en su totalidad, sólo influencias de estas bandas que llevaron a los prime-

La banda, en todos estos años, ha tenido sus altas y bajas en cuanto a cambios de integrantes. ¿Quiénes están actualmente en la banda?

Javier “Resternak”, que es el único miembro que sigue desde el inicio, es el guitarrista, José Luis “Xiuhtecuhtli” en la batería, Ricardo “Artman Bassert” en el bajo, Eduardo “Sorath” en la guitarra, y Ricardo “Necrolordville” en las vocales.

En el año 2004 se editó el disco Resurrection to the Etheral Light. Coméntanos sobre este trabajo, y el significado que tiene el álbum en cuanto al arte, letras y título.

Fue un disco que sacamos con muchas ganas, mucho poder en la música. Le dimos un pequeño cambio a lo que habíamos hecho anteriormente. Aquí la música dio un giro al Death/Black melódico, letras totalmente astrales, cósmicas, ovnis etc.

El tema del universo nos gusta mucho, así que la portada como el título tenía que ver totalmente con las letras. Un disco que nos marcó mucho, y que a partir de este material nos dimos a conocer en varias partes del mundo.

ros riffs de Canserberia. ¿Qué significado tiene el nombre de la banda en relación con el crudo y blasfemo Black Metal que tocan?

Canserberia viene de la mitología griega. Es el perro de 3 cabezas que cuida la entrada a los infiernos, el Cerbero.

Entre 1994 al 1996 lanzan 3 demos. Quisiera nos comentaras brevemente sobre estos primeros trabajos.

Estos tres demos están totalmente influenciados al Black Metal de la vieja escuela.

En el 1994 sacamos nuestro primer demo con el nombre de Before the First Creation, en el año de 1995 sacamos Master Antichrist, y en el 1996 Witch Hunt, en este demo incluimos un cover de Pyogenesis y Slayer.

En cuanto a conciertos, se han presentado en varios lugares y ciudades de todo México.

Coméntanos sobre algunos de estos conciertos, y con qué bandas han podido compartir escenario.

22 años en la escena, afortunadamente hemos tenido muchos conciertos en varias ciudades de la República Mexicana, y lugares, festivales, pero tenemos nuestros preferidos jejeje.

Tuvimos la fortuna de tocar en la “Catedral del Metal”, la conocida Arena López Mateos.

Ahí tocamos con varias bandas internacionales como Dark Funeral, Witchery, Gehenna, Terrorist, y como muchas bandas mexicanas.

En el Circo Volador compartimos escenario con Paul Di Anno (ex vocalista de Iron Maiden), un personaje. Por eso recordamos muy bien ese concierto, nos la pasamos súper bien.

Entre las bandas mexicanas con las que heLaCarne Magazine

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mos compartido escenario están Bloodreapping, Raped God, Zammak, Evil Poetry, Semen, Darkeden, Drowned in Blood, Soulburner, Ereshkigal, For the Right Nothing, Skeptic Universe, Black Empire, Dew of Nothing, Diabolous, Avzhia, Lust, Foeticide, Balamakab, Sabacthani, Soulcide, Tenderizer, Introtyl, Everaftter, Mourtoria, Kause & Effect, Apeiron, Pagan, Madre Bruja, Abaddon, Morguth, Divine Sword, Pleyades, Rain in Blood, Mastermind, Return to Putrescence, Demygod, Orto, Septentrion, Piraña, Havoc, Light of Dark, Rapture, From Forgotten Beings, entre muchas más.

mos con lo astral, lo cósmico, el universo, que es un tema que nos sigue gustando mucho.

El guitarrista Resternak permaneció fuera del país por cerca de dos años, pero a su regreso a México la banda resurgió nuevamente. ¿Por qué seguir con la banda y no crear una nueva?

Resternak estuvo 2 años en Nueva York, donde estuvo haciendo música para lo nuevo de Canserberia.

Ricardo Artman Bassert (ex-Havoc), José Luis “Xiuhtecuhtli” (ex-Crucidiction), Eduardo “Sorath” (ex-Crucidiction) y Ricardo “Necrolordville” (ex-Crucidiction).

Estuvo trabajando musicalmente con uno de los ex-bateristas de Angelcorpse, y estuvo tocando en una banda llamada Disfigured. ¿Y por qué no crear una nueva banda? Porque Canserberia seguirá por siempre. ¿Cómo ha sido la recepción y apoyo de los fans con la banda?

La recepción ha sido excelente, muchos fans, seguidores en toda la República mexicana, pero lo más interesante es que la música de Canserberia ha llegado a varios países fuera de México.

En varios países de Europa la recepción y los fans han crecido con el paso de los años. En Brasil, Perú, Estados Unidos, Canadá de igual manera.

En cuanto a la hora de crear Black Metal, ¿cuáles son las influencias de Canserberia?

Me refiero también a las letras.

Musicalmente ahora las influencias son del Death Metal clásico y algunas bandas de Black melódico como Naglfar, Siebenburgen, Dissection, Mactatus entre otras bandas.

Escribimos de anti religión, ocultismo, y segui-

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Cambiando un poco el tema, algunos de los integrantes de la banda tienen proyectos paralelos o han estado en algunas otras bandas. ¿Puedes referirte de qué se tratan estos proyectos y en qué más están involucrados como músicos?

Javier “Resternak” actualmente tiene un proyecto de Doom Death/Stoner llamado Diabolous. (ex-Compulsive, ex-Eminent, ex-Gespent, ex-Kramscel, ex-Resternak, y de USA Ex-Disfigured).

Musicalmente hablando, ¿cuál es el próximo paso de Canserberia? (algún disco, giras…)

En estos momentos andamos en un tour de varias fechas en México, y conciertos con otros organizadores.

Se andan en pláticas con organizadores fuera de México para salir a tocar a festivales en Canadá, Holanda, Dinamarca y Alemania, ya sea para fines de este año, o para el año 2021.

Para junio de este año nos metemos a grabar un EP de nuevas canciones que ya tenemos listas, y que queremos grabar con la nueva alineación que hay en Canserberia.

Bien, gracias por tus respuestas para LaCarne Magazine. ¿Podrías darnos algunas palabras finales?

Un gusto enorme por el tiempo que nos dedicaron, y gracias por el apoyo a todos en LaCarne Magazine, y esperamos seguir en contacto con todos ustedes.

Saludos a todos los lectores de este magazine!

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Fermín Solís

un extremeño con Goya

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ué placer más grande es charlar con Fermín Solís, una de las celebridades de la cultura extremeña en las últimas tres décadas.

Fermín es ilustrador, un señor de los lápices del que construye historias, aventuras, y superhéroes con sus colores y su maravillosa imaginación.

Artista multidisciplinar, ilustrador y guitarrista alternativo. En definitiva, es un referente cultural y personaje del año en Extremadura.

Fermín Solís, un extremeño con Goya

Vamos a intentar repasar la trayectoria de este «monstruo» de las viñetas al que le tenemos mucha estima. Allá por finales de los 90 te conocimos en un chat intercambiando pareceres sobre música y películas, donde mantenías oculta tu identidad que ya estaba forjada con los cómics que realizabas para revistas indies como Mondo Sonoro. ¿Qué recuerdos tienes de aquella época? ¿Y qué legado cultural tienen aquellos cómics con el proyecto Mondo Sonoro?

Recuerdo que mi nick del chat era Mad Man, superhéroe alternativo creado por Mike Aldred. Qué tiempos! jajá.

En esa época me auto editaba fanzines y colaboraba con revistas de cómics. Era una forma de aprender maravillosamente, veías tus historias publicadas en papel sin necesidad de tener que hacer una novela gráfica de 200 páginas para poder publicar.

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También, como dices, publicaba una tira mensualmente para la revista Mondo Sonoro, que ahí sigue dando guerra Joan Luna, su director. Es colega, pero no me enchufa con ninguna de mis bandas. ¿En aquella época ya alternabas la ilustración con la música? ¿Ya estabas con La Caverna?

Sí. La Caverna fue mi primer grupo, digamos, oficial, con el que aprendí a tocar. Ensayábamos en un trastero al principio, antes de tener la formación definitiva de la banda. Ensayaba con rockabillys.

Allí andaba José Lokobilly, que ahora vive el sueño americano en USA. Recuerdo que tocaba el contrabajo, y los dedos le sangraban cuando tocaba. Si te equivocabas, se enfadaba y te salpicaba la sangre de los dedos. Así que procurabas no fallar. Me curtí aprendiendo rock and roll a tope.

Luego con La Caverna tocamos bastante, muy deudores de nuestros queridos y admirados 091. En esa época apenas dibujaba, estaba estudiando una carrera sin ganas porque no pude entrar en Bellas Artes.

Hasta que no llegaron a mis manos cómics underground de Peter Bagge o Daniel Clowes, no volví a interesarme por hacer tebeos.

Volviendo a la ilustración. Astro-Ratón, Bombillita, tus reinterpretaciones de personajes de Star Wars, o Harry Potter, que alguna vez me has enseñado. ¿Cuáles son tus personajes favoritos de los que has creado, y de cuál te sientes más orgulloso?

Pues precisamente de ése, de Astro-Ratón y todo su elenco de personajes secundarios.

Es un cómic para niños que funciona muy

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bien. Ya hay cinco libros publicados y otro en camino.

Aparte de divertirme haciéndolos, me permite trabajar la Ciencia Ficción, uno de mis géneros preferidos.

En tus escarceos con la música, ahora tienes otra banda llamada Hombre Tigre. ¿Qué diferencia este proyecto de los anteriores? Háblanos de ellos.

He tocado en al menos 12 grupos distintos.

Algunos no han durado más de tres meses.

Digamos que los grupos con los que más he tocado han sido con Día X menos 60, Hostal Moscú, Kaplan, y DelRey. Por unas cosas u otras, estos grupos se han ido quedando en el camino.

Este nuevo proyecto, Hombre Tigre, lo hemos ideado Carlos Rubio y yo. Carlos y yo hemos formado parte de otros proyectos juntos, y nos conocemos muy bien. Ambos funcionamos a la perfección y nos complementamos.

Queríamos probar algo distinto, más electrónico, dejar un poco las guitarras y probar otros juguetes.

Tuvimos la suerte de conocer a Emilio, que es un hombre del Renacimiento, y tiene una voz y una presencia espectaculares, y la cosa ha funcionado muy bien. Ya les he dicho que si este grupo dura más de tres años, me tatúo un tigre.

Tenemos la impresión de que eres un culo inquieto musicalmente. La Caverna, Hombre Tigre, DelRey, Día X -60. ¿Te gusta cambiar a menudo de formación? ¿La música es una distracción o bien es otra manera de ganarte la vida?

Soy un culo inquieto no solo musicalmente, también como ilustrador. Me gusta cambiar de género y estilos, y probar cosas nuevas. Lo de la música es más mala suerte.

Me encantaría haber formado parte de un único grupo y que hubiese tenido un poquito de éxito, pero por unas cosas u otras se nos aca-

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baba el amor, y ninguno tiraba para adelante.

A ver esta nueva formación si tiene tirón. Pero eso sí lo tengo muy claro, la música para mí es pasión y diversión sobre todo.

Hace tiempo que no te vemos por El salón del Cómic de Barcelona. De todos los festivales que te has recorrido como ilustrador, ¿de cuáles tienes mejores experiencias? ¿Cómo tienes la agenda en cuanto a certámenes, festivales, bibliotecas o librerías?

Ahora mismo tengo la agenda hasta arriba.

La tenía durante el proceso de promoción de la película de Buñuel en el laberinto de las tortugas, pero después de ganar el Goya ha crecido más.

Tengo charlas, viajes, talleres, y yo, sinceramente, lo que más deseo en la vida es sentarme a dibujar en mi estudio a solas. Si no voy al Salón del Cómic es más que nada porque llevo diez años haciendo libros para niños, trabajando la literatura infantil.

facción.

También le doy la importancia justa. Mientas ha durado este proceso, he seguido haciendo libros nuevos y trabajando en otros proyectos.

Por otro lado, me ha tocado viajar mucho, conocer los festivales de cine, dar muchas charlas, no sé, todo eso. Ha sido interesante. ¿En algún momento llegaste a pensar que un cómic para adultos sobre Buñuel podría llegar a la gran pantalla? ¿Y ganar un Goya?

Pues la verdad es que no, nunca pasó por mi cabeza. ¿Cómo se lleva pasar de visitar librerías pequeñas para firmar tus obras a acabar en la alfombra roja de los Goya, y que todo el mundo te reclame?

Se lleva bien, uno se acostumbra rápidamente a las alfombras rojas, pero mi sitio natural son las librerías pequeñas.

Este año saco novedad, una nueva novela gráfica para adultos, y espero regresar a los salones de cómic. Sin duda uno de los mejores organizados y con mejor trato de todos, sin desmerecer a los demás, pero es que ese año fue espectacular, es el de Jornadas del Atlántico en Coruña.

Alternas tus trabajos de carácter regional, realizando todo tipo de ilustraciones para libros de textos o campañas extremeñas, con tus trabajos ilustrativos para empresas norteamericanas. ¿Es fácil vivir de este arte?

Es fácil si cumples con las fechas de entrega, aceptas las correcciones, y ofreces un producto de calidad. Y organizarse bien. ¿Qué está suponiendo para tu carrera artística Buñuel el laberinto de las tortugas?

Pues el reconocimiento del público en general, no sólo de los que leían mis cómics y libros, de un público más amplio al que ha llegado la historia a través de la película, y mucha satis-

¿Cuáles son tus proyectos de futuro? ¿Habrá más coqueteos con el cine? ¿Te ves en Disney? ¿Warner? ¿Netflix? ¿Nickelodeon?

Pues estamos preparando desde GLOW, la productora de Buñuel en el laberinto de las tortugas, un proyecto muy bonito para serie infantil de dibujos animados, así que no descarto nada en ninguna de esas compañías, ojalá.

Por otro lado, sigo haciendo libros para niños, y en mayo publico mi nueva novela gráfica, Medea a la deriva, con Reservoir Books.

Muchas gracias por compartir con nosotros tus reflexiones, es un placer charlar contigo, y nos vemos pronto en Cáceres o en Barcelona.

Nos vemos pronto y espero que en los escenarios con Hombre Tigre.

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Boca CK

una década de rimas y versos Hip Hop

B Hop.

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oca CK, el sociólogo del rap boliviano, desde la ciudad blanca de Sucre, celebra una década de rimas y versos Hip

Fue en 2012 para la emblemática fecha que se celebra por la pérdida del Litoral boliviano, y la salida soberana a la costa marítima (23 de marzo), que nos reunimos en la ciudad de los cuatro nombres (Sucre, La Plata, Charcas y Chuquisaca), la capital de Bolivia, para un encuentro de Hip Hop nacional organizado por Boca CK. Sin querer queriendo, fundamos La Federación Boliviana del Hip Hop, que pretendía agrupar y organizar a la emergente cultura urbana que crecía a pasos agigantados en el país.

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Fue en dicho evento que conocí en persona a Cabo KC, quien celebró el pasado diciembre 2019 una década de actividad artística cultural dentro del Hip Hop boliviano.

En exclusiva para LaCarne Magazine, una entrevista con el rapero chuquisaqueño.

Boca CK celebra una década de rimas y versos Hip Hop

¿Cómo nace Boca CK a la vida artística musical?

A la escritura en 2do básico en un concurso de cuentos y poemas. “Niños de La Calle» se llamaba…

En primero intermedio, cuando tenía doce años, escribo mi primera canción para participar en el concurso nacional llamado “Música por la Vida”, donde ganó ese año (1998) Maldita Jakeca (banda de Sucre). Mi canción titulaba “Déjame Vivir”.

nos Locos. ¿Cuál es su primer contacto con el Rap? A ver… la vez que escuché a Vico C rapeando sentado, el ‘93 o ‘94 creo que fue. ¿Influencias musicales y artísticas?

Cuando empecé, los de Sucre tenían mucha influencia del rap español. Yo, por salirme de la línea, no escuchaba ni rap español ni rap en inglés para tener una escuela diferente.

Yo creo que artistas que me marcaron fueron: Vico C, Tiro de Gracia, Cypress Hill, Molotov, Control Machete.

Me gusta el rap venezolano desde Guerrilla Seca, Ardilla, La Corte, y el rap colombiano como La Etnnia, Tres Coronas (en su tiempo), Samurái, Laberinto.

Me gusta el rap en castellano, pero todavía no me gusta el rap español, no sé por qué.

En ese entonces no sabía ni qué ritmo era el que estaba haciendo. Mi colegio se llamaba San Vicente, ése fue el inicio de la búsqueda de ritmo y poesía.

Como el 2002 no existía mucho rap a disposición (todavía no había explotado el internet), era muy difícil conseguir rap en Sucre para mí.

En el 2004 me volví loco: rimaba toda la noche, rimaba en mis sueños. En dos días escribí mi primer disco. ¿Cuál es su discografía y videografía?

En cuanto al audio: Solo para la LLeca – La Coba Estudios (2010). Niños Dónde Están -- La Coba Estudios (2013). HHAMORDIOS – Skart Studio (2015).

En videos: “Mi Filosofía”, “Solo”, “Intiwan Killawan, “Liviabo”, Salvaje”, “Te Quieren”, “Dicen Que” (MRI) y “A paso Seguro” (MRI).

No me acuerdo más… puede ver en el Facebook o YouTube: BocaCK, Cabo KC, MRIGua-

¿Cómo se encuentra en la actualidad la Cultura Hip Hop en la capital del Estado boliviano?

Como Cultura Hip Hop no creo que esté. No está unida la gente que debería ser parte de esta Cultura.

Por un lado están los que pintan, por otro lado están los que bailan, por otro lado están los que batallan, por otro lado los que rapean, cada uno por su lado como sub culturas… son escasos los eventos Hip Hop. ¿Cómo nace el proyecto “Boca CK” y qué trayectoria has logrado hasta la fecha?

El Boca CK nace el 2008 en una batalla de gallos donde me subí a la tarima como el Cabo KC, y nunca me pude sacar la chapa.

Edité tres discos, y he recorrido toda Bolivia (menos Pando y Tarija) con la música. ¿Qué he logrado hasta la fecha? Bueno, desahogar mi alma y sentirme bien conmigo mismo por medio del arte. ¿Cómo se sostiene el pilar del arte en la vida cotidiana de un honesto ciudadano como Boca Ck? LaCarne Magazine

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Es complicado en este tiempo. Uno quisiera ya poder decir que vive del arte, pero es un trabajo arduo que va llevar todavía más años por el hecho de hacer Hip Hop (no es lo que quieren escuchar, es lo que quiero decir) Jajaja…

la pared y lo estamos haciendo como grupo.

No sólo de comida vive el hombre ¿no? Lo dice “La Biblia”. Vivo en Sopachuy, soy sociólogo, y estoy presentando en estos días un proyecto para abrir una escuela de fútbol de salón en el pueblo de mi madre.

El segundo disco como solista se llama Aleta de pescado. Pienso sacarlo para fin de año.

¿Cuál es la tendencia actual de la música Rap y la cultura Hip Hop en la ciudad de Sucre?

Una cosa es el Rap como simple Rap, y otra cosa es el Rap como Hip Hop. Si hablamos como Rap de la primera forma, están los urbanos, traperos y no sé qué ritmos más hay…

Por ahí van haciendo sus cosas.

Dentro de estos, están también los “batalleros”, que algunos no son Hip Hop ni quieren serlo.

Más a la vez también existe mucha gente rescatable, y hay que preguntarles ¿qué tipo de Rap quieren hacer? Porque el Hip Hop tiene un compromiso social en cada letra, tiene un peso más allá de lo perceptible… hay de todo. ¿Cómo se recibió tu material en sus inicios, y cuál fue la repercusión que tuviste a lo largo de una década como productor de tu obra?

Mi primer disco (Mi Filosofía) es el que tuvo más repercusión en Bolivia por las temáticas crudas y cotidianas que posee, es un momento más descriptivo de lo que vivía.

Por ejemplo, en Potosí tengo mucha gente que me apoya y le gustan mis temas: “El Loro”, “Solo para la LLeca”, “Juano”, “Mi Filosofía».

Bueno, tenemos para todos los gustos diferentes shows, eso también fue parte de aprender a realizar música universal para todo público. ¿Actualmente en qué proyecto te encuentras trabajando?

En este momento tengo dos discos en proceso. El primer disco se llama Entre la espada y

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El nombre es MRI Guanos Locos, conformado por mis conocidos Artesano, Acertijo y Bombo Crack. Esto tiene que estar listo para junio del 2020. Ya tenemos la mitad grabada.

Recuerdo el Home Studio de Boca Ck. ¿Quiénes llegan a tu espacio? ¿Algunos nombres que se cocinaron por allá?

El Estudio ya fue, ya murió el micrófono “en Peñarol”. La Coba Estudios fue pensada

para sacar lo mío.

En ese tiempo grabé con muchos: Sudacas Clan, Doble, Secuelaz, Nacho, Juanito Catalán, Mafia Kings, La Morena (Argentina), Vitto (Francia) Germán (Uruguay) y César (Colombia). ¿Cómo se vive la “cultura urbana” dentro de la ciudad blanca? ¿Hay autogestión o apoyo institucional para la producción del Rap Music?

Hay cultura urbana de todo tipo, cada uno por su lado, hay autogestión porque todos están invirtiendo en ellos mismos, ya que tiene su precio grabar, hacer un clip, etc.

Apoyo institucional tal vez para las Batallas de Gallos y un poco de música, nada más.

Me encantó el campo y valle en Chuquisaca.

Parece muy agradable su gente, su comida, su idioma. ¿Qué nos puedes hablar de la historia del Hip Hop en Chuquisaca?

La historia del Hip Hop en Chuquisaca contempla a todas provincias. Existe Hip Hop en las regiones, hay raperos, B-boys, grafiteros.

Por Villazón son muy buenos y radican en Sucre. Raperos de las provincias obvio que hay, pero no hemos tenido la oportunidad de escuchar.

Para resumir: Sucre es una ciudad universitaria, vienen de todo lado y traen lo aprendido.

Son parte del Movimiento de Sucre. Como te repito, todos por su lado. ¿Cuál sería tu frase motivacional o refrán que te gusta elevar a la hora de la batalla artística o cotidiana en la vida?

“Prefiero morir en 20 pero haciendo lo que quiero” (autor: “El Flaco Laberinto en Las Calles” – tema: “La jaula de oro”.) ¿Cómo te ves de adulto mayor ahora que celebras 10 años de escena, y vas consolidando lo que fue un sueño vocacional junto al arte musical como estilo de vida?

Tengo 33 años, todavía soy joven y con mucha energía de producir Rap / Hip Hop. ¿Cómo me veo de viejo? Haciendo lo mismo que hago hoy en día.

En cuanto al sueño vocacional, está ahí cerca, sólo hay que darle más y ser perseverante. ¿Cuál es tu mensaje de despedida y consejo a las generaciones venideras?

Que hagan Rap / Hip Hop porque sus palabras tienen peso en todos los que los escuchan, por eso tienen una responsabilidad social de decir las verdades de la sociedad y de sus vidas, dando un mensaje positivo para todos.

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