LaCarne Magazine N80

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Nº80 - ENE 2019 - AÑO 8

Bloody Benders

Punk rebelde y contestatario

EXPERIENCIAS richy puñales

investigación

la música electrónica made in bolivia - miles davis

ENTREVISTAS

Butõh - La Pegatina calvaria - amenoskuarto - disfonía - blasted blind hellraizer - colérico Buda

SUMARIO N80 aÑo 8 ene 2019

experiencias 06 Richy Puñales, el último adiós

34 La Pegatina, haciendo disfrutar al

investigación 12 La escena electrónica made in

Metal

Bolivia

16 Miles Davis, el hombre que cambió la historia del Jazz - 2 parte

entrevistas 28 Butõh, Doom Experimental y fusión de géneros

público

38 Calvaria, auténtico Heavy Power 50 Amenoskuarto, poesía con mucho Rock

54 Disfonía, pasión, garra y entrega 62 Blasted Blind, amor por el Metal Colombiano

66 Hellraizer, puro amor por el Death Metal

72 Colérico Buda, Rock sincero y sin concesiones

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Bloody Benders,

punk rebelde y contestatario

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, ángela sumy, króniko

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Richy Puñales el último adiós

Ramone, de The Prestes, me comentaba que eran de los pocos punks que vivían el punk. Ése fue mi primer contacto.

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El rock and Roll es muerte. El adiós a Richy Puñales, bajista de Rabia.

C

onocí a Rabia a través de un chat de messenger en julio de 2016. Estaba compilando preguntas para conocer el panorama musical de Bolivia a través de sus músicos.

Rabia se caracterizaba en ese momento por ser una banda auténtica. Recuerdo que Aldo

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Richy Puñales, el último adiós Recuerdo todo eso mientras compro cervezas para llegar a una mala cita rumbo al cementerio general. Es un 5 de octubre de 2018. Me esperan y ni siquiera sabemos la dirección del velorio.

Los conciertos de Rabia tienen cierto aire de misticismo, así como asitir a catedrales de dolor y catarsis de excesos.

Los rumores iban desde insultos al público, exhibicionismo y excreciones en escenario.

Nadie puede comprender qué lleva a las personas realizar esos actos entre Fercho Alkantarillaz y Richy Puñales, además de preguntarme quiénes desean presenciar ello. Así que la segunda vez que tuve contacto con la banda fue en un tokin en el Live Buzz.

Como siempre, llego con premura al Live Buzz. Veo en la entrada a tres jóvenes con chamarras de cuero negro, sentados en la banqueta del ingreso del local… El evento se llama Garage Under Rock, 16 de Octubre.

Reconozco a Fercho de Rabia, y desde entonces tomo este encuentro como referencia para

cada vez que llego a conocer a un músico.

Richy Puñales mostró su peor rostro pensando que era alguien más que iba a tomar fotos (que sí lo era), sin embargo Fercho intercedió entre ambos al saber que iba como prensa.

Esa noche los excesos fueron más allá. Ambos estuvieron vetados de regresar al local, por destrozos en escenario.

Igualmente llego tarde al velorio del bajista de Rabia. Horas antes, incrédulo, escribía preguntando por esa noticia, siendo la única respuesta un audio de 3 segundos que decía “se ha muerto …”.

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Se me viene a la mente las palabras de mi buena amiga Susan Haeker, que también frecuentaba los conciertos y conoció de cerca a los músicos: “Quieren sacar música lo más pronto posible, porque con su forma de vivir la vida puede desaparecer en cualquier momento”. Era algo así como algo anunciado.

Chowy, Fercho y Richy sacaron su primer disco de irreverencias titulado “Vete a La Mierda”, con 20 canciones y una tapa de dibujos a boligrafo caótico, mostrándose cómo calaveras sangrientas sacudían las calles y los escenarios que les abrían las puertas.

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Gritando y pateando en contra del sistema, historias de indigentes, drogadicción. Se va a volver en un disco de culto para los afortunados que lleguen a poseerlo.

El 2016 sacaron el segundo album “Ruidos de Alcantarilla”, con canciones emblemáticas como Muerto a Media Noche o Policías de Mierda, exudaban punk, alcohol, y drogas.

“Ser uno mismo sin ser juzgado, vivir y dejar vivir”, pienso. Para cuando llega Fercho, pasan unos minutos. Ya somos como 8 en la puerta del cementerio, amigos y conocidos. El alcohol se arracima en mochilas, sería un in-

sulto llegar sobrios a los pies del féretro.

Se hace de noche, rápidamente el frio se disipa con cada vaso, Fercho está devastado, el semblante de Chowy es más inescrutable, se siente distante, Richy se encuentra en un cajón lleno de velas en una habitación que huele a flores y cigarro.

Es un sábado 1 de julio de 2017. Doña Josefa es la anfitriona en la casa de Richy. Ama mucho a su hijo, tanto que desea que sus amigos estén en su cumpleaños, sin importar que entre ellos hayan raperos, punks, o indigentes.

Ese encuentro fue con música a todo volumen, estamos en la azotea de un edificio en los suburbios de Valle Hermoso. Llevé cervezas para variar. Todo terminó con botellas rotas entre risas. Cada segundo contaba para Richy, vivía al máximo sin importarle nada, tenía esa necesidad de tenerlo todo y destruirlo todo al mismo tiempo.

que se vayan a la tumba junto con Richy Puñales Mamani.

Otra tradición en los velorios es que un cantante entone cosas religiosas para despedir el espíritu del difunto. Sin embargo, a cosa de todo le piden que se detenga, y Fercho arranca a cantar mientras Alex, otro buen amigo de la banda, toca la guitarra. Eso es lo que hubiese querido Richy… Me despido, el mundo me da vueltas, bebí demasiado para vivir…. Las palabras de despedida del vocalista de Rabia son “el rock es muerte, siempre lo supimos”.

Ahora veo a Josefa vestida de negro conteniendo las lágrimas por su hijo mayor. Se acerca para ofrecernos hojas de coca y cigarros, que es la tradición en la región. Fercho tuvo una semana difícil, tiene el brazo izquierdo en un cabestrillo por la brutalidad policial de la urbe.

Apesadumbrado se apoya a la cubierta, con impotencia reclama a Richy, -por qué tomaste esa decisión- grita. No perdona los motivos, los conoce bien. Ambos inseparables hasta ese momento, gotas brillan por sus ojos. Alguien le detiene, se abrazan. “Quiero destrozarme”, dice.

Punks recuerdan a Richy Puñales, amigos dicen que daba consejos a los demás. Ya íbamos a entrar al estudio, deseábamos sacar otro disco, ya teneníamos todo hecho, “eso es lo peor”, afirma Fercho.

A todo esto, el futuro de Rabia es incierto.

Lo que sí se puede mencionar es que un reemplazo no será lo mismo. Nos acercan unos discos en los que se llenan pensamientos para

No deseo estropear el recuerdo de Richy tomándolo como una cifra, ni dando detalles de los motivos por los cuales tomo la decisión de quitarse la vida.

Sin embargo, tomemos en cuenta que el 33% de los suicidios adolescentes en Bolivia son de la ciudad de La Paz, afectando más a los varones. Deseamos paz. Adios, Richy. Espero que si hay algo más allá, nos esperes, ya que te nos adelantaste. ¶

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La escena electrónica

made in Bolivia LEER MÁS

A

nalizamos en este artículo el panorama musical y la escena electrónica hecha en Bolivia.

“Valora lo nuestro, consume lo nuestro” no debería ser una frase únicamente aplicada a productos tangibles, sino que también debería aplicarse a creaciones intangibles como el arte, y en este caso, a la música.

¿Y qué hay de la escena electrónica “made” in Bolivia?

Por alguna razón, en Bolivia muchas veces se tiende a destacar y valorar más lo extranjero: desde la ropa, la comida, hasta lo que escuchamos… Existe todavía una mentalidad de que lo que está hecho en el extranjero, o lo que proviene de ahí, es mejor que lo boliviano (y aplica también a personas).

Con todos sus pros y contras, la globalización cultural ha llegado hasta los rincones más alejados del orbe, y, por supuesto, ha incluido dentro de sí a la música electrónica, un género nacido en Europa y que gradualmente ha ido expandiéndose a todo el mundo de tal forma que, hoy por hoy, cada país tiene sus propios DJ’s y productores.

Lamentablemente, muchos de estos talentos son desconocidos por la mayor parte de sus propios compatriotas, quienes, si bien siguen de cerca DJ’s/productores como Hardwell, Armin Van Buuren, Tiesto, Martin Garrix o Skrillex, entre muchísimos otros, no tienen el

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mismo conocimiento de los DJ’s y/o productores que sus propios países tienen.

En los últimos años ha existido un surgimiento de DJ’s latinoamericanos que han logrado ganar un lugar en el ‘mainstream’ de la escena electrónica mundial, ejemplo de ello son la mexicana Mariana Bo, el guatemalteco Ale Q, el brasileño Alok, y recientemente el colombiano Cato Anaya.

El mérito de estos DJ’s es que con varias de sus producciones han llevado en alto el nombre de sus países, y se han logrado insertar en una escena otrora exclusiva de DJ’s anglosajones.

En Bolivia, la música electrónica hizo su llegada a finales de los 80’s, y obviamente empezó como un género ‘underground’, hasta convertirse en un género masivo, y más aún hoy en día con el boom del EDM (aunque existan controversias al respecto), que ha logrado traspasar barreras socioeconómicas, etáreas y de género.

Desde sus inicios en Bolivia, y específicamente en la ciudad de La Paz, la escena electrónica ha generado DJ’s y/o productores realmente talentosos, muchos de ellos con un trabajo continuo que se mantiene hasta nuestros días.

A pesar de ello, todavía existe una ‘magnificación’ de lo foráneo, y esto es aplicable a la música. Lo lamentable es que esta globalización ha dejado de lado la producción boliviana, y ha colocado por encima de ella la producción extranjera.

Sí, es innegable, una gran mayoría de quienes escuchamos música electrónica (sobre todo los millenials) hemos ingresado a este mundo debido al track o producción de algún DJ extranjero. Eso no es algo malo, como tampoco es algo malo el admirarlos, gustar de su música, y por supuesto ser fan de ellos.

Sí, es obvio, y sucede a menudo en las calles de la ciudad de La Paz, y de seguro en cualquier otra ciudad de Bolivia, que si te en-

cuentras con un grupo de adolescentes y les realizas la pregunta de ¿Qué DJ´s conoces? seguramente te darán una larga lista de DJ’s extranjeros (y probablemente sólo de los que estén ‘de moda’), pero ¿Y si les preguntas acerca de los DJ’s/productores bolivianos?

Pues quizá no puedan nombrar a más de uno.

Es por ello, que, desde el punto de vista de una espectadora y oyente de música electrónica, en los siguientes párrafos muestro algunos puntos que hacen de la escena electrónica boliviana, y en especial paceña, una con personalidad propia, que vale la pena conocer y apoyar.

Una agenda para todos los gustos Cada semana, la ciudad de La Paz cuenta con variadísimas opciones para asistir a eventos, fiestas y festivales de todo tipo organizados por las distintas comunidades/colectivos, y también a iniciativa propia de los DJ’s/productores.

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La agenda de dichos eventos no comienza el fin de semana, sino que desde el jueves y hasta el fin de semana puedes elegir entre las muchas opciones que se presentan: desde festivales de EDM locales realizadas dos o tres veces al año organizadas por distintos colectivos/comunidades del género, pasando por fiestas de tech house y techno semanales organizadas por los mismos DJ’s/productores como ser Pituko, JOCh o Nina Schatz entre muchos otros, hasta fiestas de drum and bass mensuales organizadas por el experimentado DJ Quien- MKTLW. Realmente, el nombrar cada uno de los eventos, fiestas y festivales existentes en la ciudad de La Paz sería una tarea de nunca acabar, pero entre algunos podemos citar a Slang Sessions, un ciclo de fiestas mensual orientado al house, techno y tech house, organizado por el colectivo BMT; Organic Groove, Vinyl Sessions organizadas por Paul Jové- Pituko; Phunk, ciclo mensual de drum and bass organizado por DJ Quien, y algunos integrantes del colectivo Oi Mas Bass.

Otros eventos o fiestas realizadas con periodicidad son Color Fest (organizada por Bolivia Electrónica), Circus, Neon Party (organizada por Over Cut), Alta Fecha (organizada por Oi Mas Bass), Circuit 3600 (organizada por 3600 Stage), Techno Thursday (organizado por SOVA Sound), etc.

La memoria es frágil, y más allá de los eventos mencionados, cada mes y cada semana surgen nuevas fiestas de distintos géneros en la urbe.

Muchas de estas fiestas/eventos son ‘free cover’, es decir, no tienen costo, mientras que las otras tienen un precio totalmente accesible que va desde los 20 bolivianos hasta los 70 bs (de 5 a 10 dólares aproximadamente).

Los ambientes en los cuales se realizan estos eventos también son variados, y van desde festivales al aire libre, hasta fiestas realizadas en discotecas, e incluso restaurantes/cafeterías, conformando un abanico de opciones para todos los gustos.

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En este punto, hago un apartado para mencionar una de las fiestas culturales más importantes de la escena electrónica de la ciudad de La Paz: el Electro Preste, organizado por el dúo electrónico Animal Print y por la experimentada DJ/productora Iva Alvéstegui.

Dicho evento es realizado en ‘cholets’ (construcciones arquitectónicas de estilo andino), en el cual se fusiona la cultura andino boliviana (danzas, costumbres y personajes) con la cultura electrónica. El mismo es realizado de manera anual desde el 2016, y muestra tanto el talento boliviano como el extranjero, siendo su principal objetivo la revalorización de la identidad boliviana.

Talento boliviano Si todavía eres de los que piensan que en Bolivia no existen ‘buenos’ DJ’s y/o productores, pues de seguro es porque no has escuchado sus producciones, remixes, bootlegs o mashups.

Miguel Ante , BITAS, Lebasstreck, Oliver Sky, RedKen Panda, DJ Ark, DJ Orlando, DJ Taz, LD Scratch, Danny Math, DJ Mell, Joucy, Exalto, Dj S4M, Dadacope, Skipi, Sezé, PAAZ, Illimanni, Anion, Philip Huerta, Awaio, Marcell Caztrino, CXB, Locobass, Al3ctor, Jastiz, MAHU, Alex Magnum, Ax Lewis, Blaster, entre muchísimos más.

Apoya lo nuestro, valora lo nuestro Los últimos años, en la ciudad de La Paz se ha empezado a dar un apoyo hacia este sector artístico por parte de instituciones municipales, estatales y privadas, quienes han decidido promover el talento nacional en cuanto a música se refiere.

Sólo en la ciudad de La Paz existen alrededor de 40 DJ’s y/o productores en actual actividad, basta que entres a sus páginas de Facebook, Soundcloud, Mixcloud o Beatport para escuchar (y también ver) su trabajo. Te aseguro que encontraras de todo para los más variados gustos.

Y ni qué decir de las performances de DJ’s, que en cualquier evento o fiesta hacen disfrutar, bailar y saltar a todos los asistentes.

La lista de DJ’s y/o productores bolivianos es realmente extensa, y clasificarlos por género o actividad (producción y/o mezcla) sería una tarea que podría dejar varios errores y vacíos, por ello me permito citar (intentando ser lo más breve posible) algunos nombres para que si en algún momento decides conocer un poco más de ellos/as los puedas buscar en sus redes sociales y disfrutar de su música.

Algunos de los DJ’s y/o productores bolivianos en actual actividad son Paul Jové-Pituko, Dj Quien-MKTLW, Nina Schatz, JOCh, RaBeat, Prommel, Animal Print, Mau Mac, RASU,

Cabe recalcar que el impulso más importante para los DJ’s y productores bolivianos a través del tiempo han sido las propias comunidades, colectivos, y por supuesto los propios artistas de este género, quienes han logrado constituir un sustento para crecer mutuamente.

Pero no se puede negar que el pilar fundamental para que estos artistas surjan y que su talento pueda transcender fronteras es el apoyo de los propios bolivianos, quienes debemos apoyar el talento nacional.

Si solo nos dedicamos a criticar, a juzgar, a desvalorizar sin proponer ni brindar soluciones a lo que según nosotros ‘está mal’ o ‘no nos gusta’, sólo estamos dañando la escena electrónica boliviana.

Apoya el talento nacional, asiste a los eventos cuando tengas la oportunidad. Las redes sociales y plataformas digitales son una excelente herramienta para contribuir a este fin: dale un like a las producciones, compártelas, escúchalas.

Apoyar el trabajo y talento de los DJ’s y/o productores bolivianos y de la escena electrónica, es una forma de mostrar al mundo que lo ‘made’ en Bolivia es algo que merece reconocimiento y valor. ¶ LaCarne Magazine

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Miles Davis

el hombre que cambiรณ la historia del Jazz 2 parte 16 LaCarne Magazine

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E

n la anterior entrega (Ver aquí) dejábamos a Miles Davis sumido en un huracán de sonidos derivados del Bebop, que aportaron a la historia de Jazz importantes cambios, y un bagaje de nuevos artistas que irán absorbiendo todas estas enseñanzas.

Pero a Miles Davis toda esta evolución del Jazz moderno, pasados unos años, se le hacía repetitiva, así que como buen genio que era empezó una búsqueda de nuevas direcciones musicales, apartándose poco a poco de la esfera principal, y observando desde su “atalaya trompetil”.

Estudiaba y adaptaba los nuevos sonidos a los que él tenía en la cabeza, escuchaba otras músicas, y estaba muy pendiente de la producción de las nuevas promesas del Jazz…, y ya veréis lo que sale de ahí.

La vertiente eléctrica de Miles Davis Miles Davis se movía a la vez que los tiempos que vivía, y si esos tiempos traían aires electrificados, pues ahí de cabeza que se metía sin ningún tipo de reparo. Así avanzan los años 60 para nuestro artista, que se ve completamente fascinado con la música electrificada y la manipulación que los ingenieros hacían con el sonido en los estudios.

Ya hemos dicho que este amigo no se estaba quieto, así que a mediados de los 60 empezó a rodearse de jóvenes y prometedores músicos, a los cuales arrastraba a su locura creativa, pero de los que también aprendía mucho.

Dos de ellos serán Wayne Shorter (que sustituyó a John Coltrane) y Herbie Hancock, con quien formó un combo importantísimo para la historia del Jazz, pues juntos emprenderán una nueva dirección musical que ya miraba hacia el Funk y el Rock.

Nos encontramos con grabaciones de canciones ya editadas, como So What o Milestones, pero con un toque diferente. Una prueba de todo esto es el disco Miles Smiles (1967), que ya nos lleva a composiciones donde están muy presentes las personalidades de todos los músicos. Aquí todos influenciaban en todos.

Y así iba componiendo sonidos cada vez más diferentes, incluyendo gran cantidad de músicos (hasta 12), percusiones y pianos eléctricos, que darán una nueva estructura a las melodías de Miles Davis. Había mucha más flexibilidad rítmica. Y aquí es donde señalaremos el nuevo “invento” de Miles Davis: la electrificación del Jazz.

En 1968 grabó Filles de Kilimanjaro, adoptando ya la vertiente eléctrica, pero ¿cómo hizo esto?, pues puso a Herbie Hancock al piano eléctrico, y también electrificó el bajo, algo que ahora nos parece muy simple, pero a nadie se le había ocurrido antes (en el Jazz).

Un año después grabó In Silent Way, y ahí ya lo daría todo: tres pianos eléctricos (dos de ellos Herbie Hancock y Chick Corea ¡nada menos!), una guitarra eléctrica (John McLaughlin), y un bajo (Dave Holland). A todo esto sumó un sintetizador (sí, ese amigo/ enemigo de la música) y, además, manipuló los sonidos de alguna canción en el estudio.

Sin embargo, esta música con tanto trabajo en el estudio era casi imposible de interpretar en directo. Pero ahí es nada, eh, que aquí el amigo se las ingenió para tocar la trompeta amplificada en el estudio, transformándola de un instrumento acústico a uno eléctrico. No me digáis que no es para echarle de comer a parte…

Con todo esto quería abrir el Jazz a un público más amplio, y empezó a experimentar con músicas más populares y a fusionar. Decidió actuar frente a 6000 hippies como telonero de The Grateful Dead, consiguiendo que le llamaran como primera figura de estos festivales de rock.

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No os creáis que hacía conciertos con canciones del tipo Milestones. No, no. Éste estaba ya metidísimo en el mundillo del rock y la electrónica, combinaba música callejera con ritmos orientales y africanos, y todo aquel sonido con el que pudiera experimentar.

Incluso tocaba la trompeta amplificada con un wah-wah. Esto del Jazz Fusión es otro de los hitos de Miles Davis. Pensad que hasta ese momento la fusión no se había tocado mucho, pero ahí estaba nuestro hombrecillo con su trompeta para no dejar pasar la oportunidad.

Y, claro, todo esto tenía a los críticos de Jazz (y de música en general) completamente desorientados… ¡Bien por ti, Miles!

La época más oscura de Miles Davis Sin embargo, por mucho que se acercara, no era sobrenatural, y pronto su salud empezó a deteriorarse. Debemos hacer un inciso para explicar que, una vez más, Miles Davis jugó hasta quemarse con las drogas.

Sus primeras apariciones fueron un poco decepcionantes. Se notaba que después de esos años de parón había perdido práctica y técnica labial, pero para el estudio que se fue, acompañado de guitarras eléctricas, pianos, sintetizadores, saxos sopranos, bajos, batería, percusiones y voces.

A partir de 1949 no puede controlar su adicción a la heroína, y durante 4 años vivirá una especie de doble vida, pues serán años en los que adquiere mucha fama, pero su música se volvió completamente mediocre. Además, moría Bird…

Y así es como se adentrará en una gira que le llevó incluso hasta Tokio.

Sin embargo, consiguió reponerse y tirar para adelante. Lo que nos lleva a mediados de los 70, completamente enganchado, esta vez a la cocaína, es operado de una vesícula, tiene un accidente donde se le rompieron dos costillas, y le tienen que extirpar un ganglio en la laringe.

Con unas ganas enormes, Miles Davis no solo recuperó su antiguo dominio con la trompeta, sino que se adentra de nuevo a la búsqueda de nuevos estilos musicales una vez más (¿lleváis la cuenta?). Era el momento de explotar la fusión. Así se pone a jugar con diferentes figuras rítmicas, se libera de la sordina y toca la trompeta en abierto, acelerando de manera dramática la velocidad de las notas.

Así, llega la época más oscura (y desconocida) de Miles Davis. Entre 1975 y 1980 se mantuvo recluido en su casa, sin tocar nada e incluso estuvo encarcelado por no pagar la pensión a su exmujer. Todo el mundo pensaba que Miles estaba muerto. Pero no, en 1980 regresa a la escena musical como un volcán en activo.

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El nuevo estilo fusión de Miles Davis

Además combina elementos acústicos y electrónicos con ritmos regulares donde se mezclaban la composición y la improvisación. Ahora sí, consigue llevar el Jazz Fusión al directo sin que le faltase algún elemento.

Y así se va a acercando a nuevos estilos como el Funk, el Rock, el Soul, el Hip-Hop o el Zouk (ritmo caribeño), creando una fusión, para que nos vamos a engañar, complicadilla, con sintetizadores por todos lados y sonidos jazz/fusión que se entremezclan.

Primero se grababan diferentes segmentos de sonidos ya sintetizados en solitario, después se grababan segmentos de caja de ritmos, instrumentos de percusión y teclado; después Miles Davis registraba los solos que uniría a esa primera grabación, y, después, los técnicos lo unían todo, incluyendo a veces sonidos programados.

En mi cabeza suena como si el Jazz y el estilo fusionado hubieran tenido una noche loca estando los dos muy borrachos.

A mí, personalmente, no me gustan mucho estas grabaciones, no creo que tenga capacidad musical para apreciar lo que está haciendo, pero sí entiendo la revolución que esto significa a la musica contemporánea, y, por supuesto, el salto cualitativo que todo esto representa, sobre todo si hablamos de una música (el Jazz) que comenzó repudiada a los clubs de alterne del Sur norteamericano, y siempre al servicio de la sociedad blanca.

Pues Miles Davis llegó y dijo “si yo lo toco,

hago con ello lo que me dé la gana”, y vaya si lo hizo (aunque, a veces solo lo entendiese él… Te lo perdonamos, Miles).

En propias palabras del músico: “Me dan pena esos jazzmen de hoy que siguen tocando en el mismo patrón que empleábamos tiempo atrás […] Me encantan los desafíos, con ellos cobro nueva energía. La música siempre me ha ofrecido consuelo espiritual […] Sigo aprendiendo algo nuevo todos los días”.

El ocaso de Miles Davis El 28 de septiembre de 1991, con 65 años y poco después de realizar una memorable actuación en el Festival de Montreux, su vida se apagó para siempre en un hospital de Santa Mónica, California, debido a una neumonía mal curada y un repentino ataque cardíaco.

Dejaba un disco póstumo, Doo-Bop. Miles Davis nos proporciona, con su trompeta, una herramienta imprescindible para entender la evolución del Jazz a partir de la segunda mitad del pasado siglo XX. Teniendo muy presente la tradición que arrastraba (en sus propias palabras: “No puedes tocar nada con la trompeta que Louis Armstrong no haya tocado ya antes”), quiso hacer música, primero para disfrute de los músicos (sin pensar tanto en agradar a público y crítica), y, después, para sí mismo.

Nacido del Bebop (y toda su liberación con respecto al entretenimiento blanco), acabará con las dictaduras musicales impuestas en cada época yendo un pasito (u 8) más allá.

No os preocupéis por intentar entender los cambios musicales de Miles Davis, simplemente escuchadlos y dejaos llevar por su sonido, sólo así se puede comprender la magnificencia de este genio.

Larga vida al legado (que os anexo) de The Prince of Darkness. ¶

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Bloody Benders Punk rebelde y contestatario

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ormada en la Ciudad de México en el 2011, Bloody Benders es una banda conformada por cuatro chicas, y su propuesta es el Punk, pero agregándole influencias de cada una de sus integrantes, y, además, el gusto por el cine de terror también se ve reflejado en sus letras.

Estuvieron nominadas a los premios Kalani en el 2014 como mejor banda de punk. Actualmente la banda está en plena faena de promoción de su segundo álbum. Su vocalista, Taty, responde la entrevista.

Bloody Benders, Punk rebelde y contestatario Saludos, chicas. Parece que en los últimos tiempos las cosas marchan bastante bien para Bloody Benders. Me imagino que deben andar muy atareadas en la promoción del nuevo disco y de conciertos.

Sí, afortunadamente. Este año cumplimos 7 años y hemos realizado una serie de shows conmemorando esto, además de la promoción del nuevo disco, “Lost Girls”.

Bloody Benders es un grupo que lleva pocos años dando batalla. ¿Qué nos puedes contar al respecto?

Iniciamos con la idea de hacer algo que nos gusta y ya.

No buscamos copiar a nadie, sino hacer lo que nos gusta y ya, y nos aventuramos a hacer una banda de Punk justo por la libertad que este género te da, pero metiendo un poco de las influencias que cada una tenía en ese momento: Ska, Goth, Metal, y con temática divertida de lo que nos gusta, películas de terror, comics, etc.

He visto algunos de sus videos clips y hay mucho apego al terror. Ustedes hacen punk, pero con algunos toques macabros. ¿Cómo LaCarne Magazine

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podrías calificar lo que hace la banda?

Nos han calificado como Horror punk, o bien Horror rock. Nos fascina este lado B de la cultura.

Crecimos viendo películas de terror, nos encantan los vampiros, hombres lobos y todos esos seres, y en particular yo soy fan de los comics. Y está el otro lado, el lado que te da el Punk, la parte autogestora, contestataria y rebelde.

En el 2014 sale su primer disco, “Sex, Blood and Rock and Rollˮ, producido por Rene D` La Muerte, de la banda canadiense The Brains. ¿Cómo fue la acogida de este primer disco? ¿Cómo fue trabajar con Rene? Y para ser su debut ¿qué tal les fue en esa época?

Fue increible, Rene es muy inteligente. Fue estricto, pero también muy paciente.

En ese entonces el sonido de la banda era muy distorsionado y desenfadado, Rene nos ayudó a poner orden. Nos fue muy bien con ese disco. A la fecha nos piden muchas canciones de ese disco en nuestro repertorio. ¿Quiénes son los actuales integrantes de la banda? ¿De dónde parte la idea del nombre?

Angy (batería), Foamy (guitarra), Morgana (bajo) y Taty (voz).

El nombre viene justo de la influencia de terror.

Decidimos buscar un nombre terrorífico, y encontramos que los llamados Bloody Benders era una familia de asesinos, y se nos hizo algo muy retorcido, nos gustó la onda de que eran toda una familia, y de ahí salió.

Toda banda siempre tiene algo de influencias. ¿Dinos qué bandas consideras que han influenciado más a Bloody Benders?

Definitivamente White Zombie, Alice Cooper, Misfits, Danzig, L7, Plasmatics…, aquellos soundtracks de las películas de terror de los 80`s, la furia del Punk y el Hardcore, lo oscuro del Country y lo festivo del Ska. Su segunda producción discografía llega en el 2017 titulada “Lost Girlsˮ. Háblanos sobre su nuevo disco, ¿sigue la misma línea que su

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anterior trabajo?

La línea de “Lost Girlsˮ es mucho más sombría y melódica. Se nota una evolución en la banda musicalmente. Nos basamos mucho en aquellas bandas de los 80`s de Death, Rock y Post Punk, así como en el Hardcore/Punk de los 70`s.

El 2017 representó un buen año para Bloody Benders, pues estuvieron en festivales de Los Ángeles y de Colombia. Háblanos de estos eventos y lo que representó para la banda.

Fueron experiencias increíbles. El Punk Invasión 2k17 de Los Angeles fue en “The Observatory”, un lugar donde han pasado grandes artistas (hace poco estuvieron ahí The Disti-

llers). Tocar con muchas de tus bandas favoritas es increíble.

El público estadunidense es difícil y afortunadamente nos fue bien. Éramos la única banda conformada por puras chicas en el festival.

Por otro lado, en Colombia fue muy similar a México.

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En Bogotá compartimos escenario con bandas como Sin Pudor, Triple X, Subkontrol, que son bandas muy importantes para la escena Punk local. Estuvo increíble!

Al día siguiente estuvimos en Medellín, en el Alegre Fest, que fue un festival de público muy variado. Llovió fuertísimo y la gente se quedó a escucharnos y a bailar slam bajo la lluvia, fue de nuestras mejores presentaciones. El público colombiano, y en general los latinos, son muy entregados.

Hay una película titulada Todos Caen, donde ustedes tienen participación. ¿Cómo llegaron a ser parte de ese filme? Cuéntanos del mismo.

Pues sólo nos invitaron. Necesitaban una banda de Punk y se les hizo atractivo que fuera una banda conformada con puras chicas. Estuvo divertido.

Son varios los discos compilatorios, tanto en México como el extranjero, donde Bloody Benders ha estado presente con algunos de sus temas. ¿Cuáles han sido estos compilados y cómo dieron con la banda?

El internet ha ampliado muchísimo las fronteras. Me atrevo a decir que ha sobrepasado las fronteras, y afortunadamente la música llega a todas partes.

Es frecuente encontrar rivalidad entre bandas a la hora de organizar conciertos, proyectos… ¿Su escena está libre de estos conflictos? ¿Cómo está la escena actual en México en cuanto al punk?

Desgraciadamente, como en muchas partes del mundo, México no se salva de esas rivalidades. El Punk en México es muy ecléctico, están desde los anarco-punks hasta los pop punks, que no tienen nada que ver, y supongo eso genera rivalidades, pero en general la escena también tiene muestras de unión y apoyo entre promotores, disqueras y foros independientes.

Hay ciertas personas que se encierran en una tendencia musical con ideas de que el que escucha punk no debe escuchar otras tenden-

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cias del rock y metal. ¿Qué piensas de ese radicalismo?

No estoy de acuerdo. Un buen músico se empapa de conocimiento musical, y, lejos de los gustos personales, buscas entender cada género.

Como publico, cada quien es libre de disfrutar lo que le guste. Nosotras hemos tocado en eventos góticos, de metal, punk y ska, y en cada uno ha habido buena aceptación. ¿Crees que puede ser una ventaja para la banda que sus miembros sean todas mujeres?

Pues no creo. Sí, por un lado llama más la atención, pero por otro lado hay más prejuicios. ¿Han recibido alguna ofensa o críticas negativas hacia ustedes por el hecho de ser mujeres?

Sí, sólo en una ocasión durante 7 años. Fue en un evento donde nos fue muy bien con el público, terminamos de tocar y la banda que seguía empezó a tocar y la gente se fue.

Nos echaron la culpa e hicieron comentarios machistas como “claro, nosotros no tenemos tetas”, y no se enfocaron a que su música era aburridísima y el público quería divertirse. ¿Cuáles son los planes de Boody Benders para este 2019?

Seguiremos promocionando “Lost Girls”, también planeamos alguna gira internacional y local también, pero buscando ir a lugares donde no hemos ido. También queremos realizar videos y un EP con algunos invitados.

Bien, esto sería todo, agradecerles por el tiempo en responder la entrevista. Si desean añadir algo más, pues aquí está el espacio.

Gracias a ti por el apoyo. ¶

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Butõh

Doom Experimental y fusión de géneros Butõh, Doom Experimental y fusión de géneros LEER MÁS

Fotografías por Pablo Salazar

E

s en el 2014 que se comienza a dar forma a esta banda ecuatoriana llamada Butõh. Sus inicios fueron direccionados hacia el Gótico y el Doom Metal, y con el paso del tiempo han ido incorporando otras tendencias musicales.

En su corta trayectoria han sufrido varios cambios de integrantes, pero ya recientemente su alineación se ha estabilizado.

Butõh pronto lanzará su álbum debut, pero aquí están dos de sus integrantes, Jennifer Mendoza (Ross) y Patricio Flores (Azabel), quienes dan respuesta a las siguientes interrogantes.

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Saludos! 2014 fue el año en que inicia todo.

Coméntanos un poco sobre estos inicios de Butõh.

El 2014 fue un periodo de búsqueda de músicos, los cuales en la escena es muy complicado encontrar. Al inicio se pretendía hacer Gótico, sin embargo, con la incorporación de nuevos músicos, la banda ha ido evolucionando hasta encontrar un sonido característico.

De los integrantes originales solo queda Azabel (guitarra) y David (bajo).

En su propuesta encontramos sonidos muy cercanos al doom, heavy, gótico. ¿Qué elementos tomarían de su propuesta si quisieran explicar el concepto de Butõh?

Pues gracias a la mezcla de varias influencias, y de distintos géneros, tomamos la decisión de denominar al género de la banda como Doom Experimental. La fusión de géneros es sin

Bueno, en realidad la estabilidad no es una característica esencial de la banda. Estamos en constante crecimiento y evolución, y a veces eso implica cambios que en ocasiones es decidido por los propios músicos de la banda, que desean salir o en otras ocasiones se decide en conjunto en pro de mejoras en la banda.

Todo con el fin de ofertar una buena propuesta musical. Sin duda, el paso de varios músicos ha hecho que sepamos exactamente qué buscar, y sobre todo nos ha ayudado a conocer los géneros que más se ajustan a nuestro estilo. Las ideas siempre son bienvenidas, y cada una de esas ideas aportan ciertas gotas de esencia a Butõh.

Actualmente los miembros son Patricio Flores (Azabel) en la guitarra principal, Xavier Carranco en la guitarra secundaria, Jennifer Mendoza (Ross) en las voces, David Macías en el bajo, Irving Sánchez en la batería, y Sergio Moya en el teclado.

duda la esencia de la banda como tal.

El nombre de Butõh ¿de dónde sale? ¿Qué significa?

Butõh es el nombre de la danza japonesa que nace en honor a las víctimas de los fatídicos bombardeos atómicos sobre Hiroshima y Nagasaki.

Cuando las bombas atómicas explotaron en estas zonas, algunos supervivientes agonizaban en las calles con los cuerpos quemados, con rostros desgarrados, globos oculares reventados y con sus articulaciones y extremidades destruidas, por eso el nombre Butõh: como un homenaje al sufrimiento del cuerpo de la posguerra, a la danza hacia la oscuridad.

La banda ha sufrido muchos cambios de alineación, pero tal parece que ya se ha estabilizado un poco esto. ¿Cómo ha influenciado en el sonido de la banda el paso de los diferentes músicos que han tocado en la banda? ¿Quiénes son actualmente los músicos en la banda?

¿Cuáles son sus principales influencias musicales?

Cada uno tiene una visión distinta e influencias de varios géneros.

Principalmente son Devil Doll, Sopor Aeternus, November Doom, Sister Of Mercy, J.S. Bach, Jacula, Agalloch, Bogus Blind, Obscure Sphinx, Bauhaus, Joy Division, Anathema y Katatonia, RRRRRRR, Tool, Radiohead, Antimatter, Ahab, Daylight Dies, Swallow The Sun, REM, Paradise Lost, Hocico, HIM, Mortis, Gary Moore y Jimmy Hendrix.

Una mezcla de varios géneros, como podrás ver. ¿De qué temática tratan sus letras? ¿Quién se hace cargo de ellas?

Hablan del proceso de muerte, los sentimientos que pueden ocurrir desde la agonía, hasta el momento en que se deja de vivir. Son piezas que evocan desesperación y experiencias cercanas a la muerte.

Las letras son aportes de diferentes miembros LaCarne Magazine

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de la banda. Algunos son de Azabel, otros de David y otros de Ross. Nuestra vocalista, Jennifer Ross, es quien lleva a cabo la dinámica de las letras junto con la métrica, y los pequeños cambios de estructura que se puedan presentar.

En la composición participamos absolutamente todos, no podríamos decir que una sola persona ha creado los temas completamente.

Hasta donde sé, ustedes ya están trabajando en su primer álbum, el cual se espera salga ahora en el 2019. Me gustaría nos comentaras sobre este debut discográfico (cuántos temas serán, la temática, qué sello lo lanzara…).

Aún no podemos adelantar muchos detalles de lo que será el primer disco, aún queda mucho por hacer, pero podemos mencionar que antes del disco existirá un Demo que será como la ventana hacia el disco.

El Demo está en su fase final de postproducción, y está compuesto por los temas de inicio de Butõh, el cual saldrá a la venta en edición limitada a finales de este año. El disco del 2019 tiene varias sorpresas para los amantes del Doom y de las fusiones musicales.

Lo único que puedo decirles es que musicalmente esperen algo nuevo, que estén listos para una mezcla que podría ser irritante e incomprensible en un inicio, pero que luego tomará sentido como un global. Creativamente esperen un pedazo de cada uno de nosotros en la representación de la imagen del disco.

El álbum será lanzado por el sello Totum Occultatum. Estamos muy contentos de trabajar con ellos, son un equipo de personas creativas, profesionales sobre todo de gran apoyo en los procesos de producción. ¿Cuál es su expectativa con este álbum debut?

Principalmente brindarle a Ecuador la oportunidad de abrirse hacia géneros más oscuros, más melancólicos, y de mayor complejidad en las fusiones del Metal. Poder explorar también la escena internacional con material profesional que esté dentro del portafolio de la banda.

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facultad de música Esperamos crecer como músicos y como banda al lanzar este primer disco que nos ha costado en realidad mucho tiempo y esfuerzo, se llevan ahí un poco de la esencia de cada uno de nosotros.

Para el lanzamiento tenemos previsto hacer nuevamente una gira nacional con ciudades claves en el país, junto con mercancía de la banda. Sera como salir a la luz.

Siendo una banda muy joven aún, quisiera nos hablaran de presentaciones. ¿Se han presentado ya en directo? En caso afirmativo, ¿cómo han sentido la respuesta del público frente a la presentación en vivo de sus temas y propuesta musical?

Sí, hemos participado en escenarios que van desde bares hasta teatros y plazas. En este momento nos encontramos en una gira nacional y por Perú.

La respuesta ha sido como nosotros le llamamos “levanta-cejas”. Nos atrevimos a hacer un género que en Ecuador solo hacen bandas de la vieja escuela con gran trayectoria y de número reducido.

Entonces es un sonido al que la gente no está acostumbrada, les hace despertar interés por las características del sonido, del género, de los músicos. La acogida es baja, pero el interés que despierta es de alta incidencia. ¿Cómo ven la escena de su país, Ecuador?

Es compleja.

Por un lado, están las organizaciones que invitan siempre a las mismas bandas de siempre, a lo que la gente está acostumbrada por el simple hecho de ganar quórum, sin abrirle las puertas a nuevas propuestas; y por otro, las organizaciones independientes que se sacan el aire por lograr que existan eventos con nuevas propuestas, nuevos nombres, nuevos estilos.

Estamos más a favor de los últimos, porque son organizaciones que trabajan con los músi-

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cos y por la música, no solamente por quórum, reconocimiento o dinero. Con respecto al público, no son complicados.

De hecho, estamos en un medio donde gustan de las cosas simples, el Heavy, el Black, el Thrash y últimamente el Hardcore y el Metal Core. Entonces, ya te imaginarás cómo es incursionar en ese medio haciendo Doom experimental, lo sacas de onda.

Se dice que Butõh es la única banda de Doom experimental con una vocalista mujer de técnica mixta en la escena ecuatoriana. ¿Qué de cierto hay en esto? ¿Qué ha representado para la banda y para su vocalista?

Partiendo desde el hecho de que en Ecuador podemos contar con los dedos de las manos las bandas de Doom, desde ahí ya es una reducción considerable.

Dentro de estas pocas bandas, todos los vocalistas son hombres, entonces el hecho de tener una mujer en las voces, tanto guturales como limpios, y arreglos y efectos vocales, además de incursionar en el experimental, nos hace únicos en especie, los arriesgados. jaja.

Para mí (Jennifer Ross), siempre ha sido una forma de lucha y de reivindicación de las mujeres el hecho de meterme en un ambiente en el que su mayoría son hombres. Es insurgente, protestante, hacer música que generalmente está representada por hombres en la escena del metal.

Admiro muchísimo a las mujeres que en el metal hacen cosas nuevas, que hacen cosas rudas, sin importar lo que se pueda pensar de su feminidad.

Para mí es una responsabilidad enorme ser la front-woman de Butõh, de una banda de Doom experimental, pero la tomo con amor hacia el género musical, y aprovecho para dar cuenta de que las mujeres podemos abrirnos espacio donde sea, y que llegamos para quedarnos.

La mayoría de sus temas son cantados en español. ¿Crees que el hecho de cantar en espa-

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ñol les da un toque de originalidad? ¿Por qué eligieron nuestro idioma cuando la mayoría de las bandas de esta región lo hacen en inglés?

El español es riquísimo en palabras hermosas que pueden demostrar tristeza, sufrimiento, agonía, oscuridad, y a la vez amor, compasión, belleza, estética.

Si bien es cierto que la mayoría de nuestras letras están en español, tenemos temas que tienen otros idiomas como francés, italiano e inglés, y son estas las que estarán en el disco que se viene.

Nos ayuda mucho el dominio que nuestra vocalista tiene de lingüística y de idiomas para poder crear contenido así, pero dejar las raíces, nuestro idioma nativo, no es en realidad una opción para nosotros.

Aparte del disco debut que están preparando, ¿qué otros planes hay inmediatos en este 2019 para Butõh?

Con el disco se devienen varias cosas: una gira nacional de lanzamiento, y el lanzamiento de mercadería oficial, que esperamos incluya camisetas, blusas, buzos, llaveros, etc.

Esperamos también incursionar en escenarios internacionales con la ayuda del mismo sello, y sobre todo poder mostrar una nueva cara del Doom en la escena.

Hemos llegado al final de la entrevista, y quiero agradecerles su tiempo. Si desean agregar algo para terminar, pues adelante, aquí está el espacio.

Gracias por la entrevista. Esperamos poder tener pronto una visita a su país y poder compartir música con ustedes.

Esperen el demo, el disco, y todo lo que se viene por delante, tal vez les haga “levantar la ceja”. ¶

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La Pegatina haciendo disfrutar al público

L

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a Pegatina es el grupo majo, cachondo, y comprometido con músicos que toda suegra querría tener para sus hij@s, y unos artistas como la copa de un pino.

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Los entrevistamos para descubrir un poco más de ellos y lo que nos depara en su actuación la próxima primavera en Cáceres.

En primer lugar os damos la bienvenida de nuevo a nuestra tierra. Somos conscientes de que La Pegatina formasteis parte del cartel del 7º festival Buskers festival Barceloneta, donde

os vimos por primera vez. ¿Qué diferencias hay entre La Pegatina de aquellos años y la actual?

Muchas y pocas a la vez. En aquel momento, entonces, nos visteis en un festival de música callejera.

Nuestro hábitat habitual ahora son los escenarios más que el pie de calle. Sí que conserva-

mos la energía y la espontaneidad y las ganas de hacer disfrutar al público.

Habéis pasado por Granirock, y alguna que otra población extremeña. ¿Tenéis alguna conexión más, además de la artística, con Extremadura?

La verdad es que no, no tenemos familia por allí. Es la comunidad en la que menos hemos LaCarne Magazine

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estado, de hecho. Imagino que, justo por eso, hay que seguir yendo. ¿Cómo es el público extremeño con respecto al de otras partes del país?

Con solamente dos conciertos por esas tierras es difícil comentar. Además, porque uno era un festival de mayoría joven, y otro una fiesta de pueblo con gente de todas las edades.

En 2007 sacasteis vuestro primer trabajo largo llamado “Al Carrer”, en el 2009 sacasteis “Via Mandarina”, “Xapomelön” (2011), “Eureka” (2013) y “Revulsiu” (2017). Recientemente hemos escuchado “Ahora o nunca”(2018). Sois tan productivos que nos sentimos obligados a preguntarlo, ¿alguna novedad o sorpresa antes del Extremúsika?

Os habéis dejado el Live de La Gran Pegatina y nuestro documental! jaja No os podemos decir nada al respecto, pero vamos a renovar un poco el show.

Algunos de vosotros, como por ejemplo Ruben, sois expertos en el uso de las redes sociales, e incluso ofrecéis master class de cómo usar las redes en beneficio de la banda. ¿Qué ventajas e inconvenientes tienen estas plataformas para distribuir vuestra música?

La ventaja y el inconveniente es el mismo: mucha oferta y mucha demanda. Con lo cual es complicado mostrarse y causar un buen impacto.

Siguiendo con las redes, en vuestros videos musicales trabajáis normalmente con Chobichoba, y claramente le dais mucha importancia a los videos de Youtube. ¿Cómo es la relación con los encargados de darle vida a vuestras canciones en formato videoclip? ¿Cómo se realiza ese intercambio de talento entre productores audiovisuales y músicos?

De hecho, los últimos videos ya no los ha hecho Chobichoba, pero seguimos igualmente en nuestra onda de color y diversión. Hay gente que sabe entenderte y ver tus facetas audiovisuales llamativas y hacerlas brillar.

Ahora nos gustaría hablar de vuestras colaboraciones musicales con otros artistas del panorama nacional e internacional. Tenéis

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canciones con El Niño de la Hipoteca, Amparanoia, Caligaris, D’Callaos o Ska-P. Sabemos que El Niño de la Hipoteca toca también en el Extremúsika, ¿es posible alguna colaboración en directo entra las 2 bandas durante el festival?

Más que posible, por supuesto.

De entre tantas colaboraciones, ¿habéis tenido alguna con un grupo extremeño? ¿Qué grupos o artistas conocéis de la música que se hace actualmente en Extremadura? ¿Qué le recomendaríais a los músicos extremeños emergentes para hacerse un hueco en el panorama nacional?

El único grupo que conocemos, y desde hace años, son Los Niños de los Ojos Rojos, que nos parecen buenísimos. Siempre el problema es darse a conocer y tener que salir de tu comunidad para que te conozcan, con los gastos que eso conlleva.

Pudimos disfrutar de vuestro directo en Granirock hace un par de años. En aquella actuación fuisteis acompañados de muchos amigos músicos, dentro del show “La Gran Pegatina”.

Esta vez venís con la formación habitual. ¿Habrá algún acompañante o colaborador en Extremusika con motivo de los 10 años de “Al carrer”?

Ahora ya estamos celebrando los 15 años de carrera, pero haremos un show renovado. Colaboraciones, las que haya por allí, pero básicamente ahora somos 9 músicos.

Recientemente estuvimos en la presentación del disco de Ladilla Rusa “Estado de Malestar”, donde Adrià cantó algún tema con la formación que también es de Montcada & Reixach. ¿Existe una escena musical como tal en Montcada? ¿Existe “La conexión Montcada” entre las formaciones de allí? ¿Podría ser

que los Ladilla Rusa colaboraran en un futuro con La Pegatina?

Ya se subieron a cantar Maricarmen en el Sonorama. También son de Montcada los Itaca Band, la actriz Nuria Gago, el actor Carlos Cuevas y muchos más. Hay una cantera de artistas tremenda. ¿Cómo será el directo en el Extremusika? ¿Nos haréis un popurrí de canciones de todos vuestros discos, o será un show más centrado en “Ahora o nunca”?

De todo un poco, lo que más gusta a la gente.

Muchas gracias por todo ¡nos vemos en primavera! ¶

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Calvaria

auténtico Heavy Power Metal LEER MÁS

Y

a son veinte años los de la banda mexicana Calvaria, dos décadas de trayectoria en la escena. La agrupación ha pasado por muchas dificultades y obstáculos que han sabido sobrepasar.

Aquí está el gran amigo Mario Montaño, vocalista de la banda, quien nos brindará en sus respuestas toda una amplia información de la banda y de otros temas.

Calvaria, auténtico Heavy Power Metal

Saludos, y felicitarlos por estos 20 años que recientemente cumplió la banda. ¿Qué frase te viene a la mente en este momento para definir estos 20 años de continua lucha?

Primero que nada, quiero agradecer a LaCarne Magazine y Omar Vega de Subtle Death por la oportunidad que nos brindan con esta entrevista.

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La frase que me viene a la mente es un fragmento de una de las nuevas letras de Calvaria, que habla justamente de lo determinado que debes de estar al escoger este camino: Forjando la voluntad en acero, implacable el fuego arderá.

Estos veinte años de carrera en el metal han sido en verdad increíbles, es un cúmulo de experiencias y momentos que nos han marcado como músicos, y que, sin duda, nos han servido para madurar, no solo nuestra propuesta musical, también madurar nosotros mismos.

Además, nos ha ayudado a ver el metal desde otra perspectiva muy distinta a la que teníamos hace veinte años cuando comenzamos el grupo.

En lo personal, he visto de todo durante estos años de carrera, desde bandas que comenzaron junto con nosotros y ya no siguen más, hasta cambios de integrantes dentro de Calvaria. Ahora puedo constatar que ser músico no es para todo el mundo, y más cuando eliges tocar metal.

Hay que ser de convicciones fuertes y dispuesto a sacrificar el todo por el todo.

Para continuar, ¿cuéntame cómo comenzó Calvaria? ¿Cómo fueron esos inicios?

Pues bien, Calvaria lo iniciamos Miguel Ángel Cañizo (tecladista) y yo, cuando tuvimos la fortuna de conocernos en la Escuela Superior de Música, en una clase de solfeo en la que coincidimos.

Miguel era, además de mí, el único chico extraño que vestía de negro y que tenía el cabello largo, así que fue fácil hacer amistad y comenzar a tocar.

Intentamos muchas veces integrarnos juntos a otras bandas antes de comenzar con Calvaria, pero esto sin buenos resultados. Fue hasta que llamamos a Jaime Mouriño, un bajista amigo mío con el que anteriormente toqué en otros proyectos, que comenzamos a madurar el concepto de Calvaria, el cual en ese momento definimos como “High Speed Metal” jajajaja.

La verdad era un nombre algo rebuscado para tratar de encontrarle una identidad propia a lo que intentábamos lograr expresar con nuestra música.

Poco después apareció Pixie Wolf en la guitarra, y pudimos entonces aterrizar más esas ideas que nos venían a la cabeza, y eran el resultado de nuestras vivencias y de las influencias musicales que teníamos y en las que coincidimos para darle vida a la banda.

Fue muy obvio darnos cuenta que, para ese “High Speed Metal” que pretendíamos lograr, necesitaríamos una buena base rítmica, y es cuando Arturo Robles entra a la batería, y así fue que dimos rienda suelta a la creatividad de cada uno de nosotros y al desarrollo de Calvaria.

La banda hace su primera presentación el 22 de agosto de 1998, en un pequeño concierto con grupos locales, y de ahí en adelante tuvimos varias presentaciones que nos sirvieron

para dar a conocer a la banda en un momento en donde en nuestro país predominaban muchos estilos de música tales como el ska, el rock alternativo y distintos géneros, que de algún modo habían logrado eclipsar la escena del metal en México.

En el año 1999, y después de que nuestra música ya había captado la atención de algunos seguidores, Calvaria tiene su primera ruptura a dos semanas de abrirle un show a la banda brasileña Angra en la Ciudad de México.

Mis amigos Miguel Ángel Cañizo, Jaime Mouriño, Pixie Wolf y Arturo Robles dejan la banda por distintas situaciones personales, y se busca en ese momento músicos emergentes que puedan lograr sacar adelante aquel compromiso tan importante junto a Angra en el escenario de Rockotitlán.

A partir de ese momento, Calvaria hizo algunos conciertos, participaciones importantes, y graba su primer disco homónimo, hasta que en el 2001 entran los guitarristas Juan Pablo Agudelo y Oswaldo Blanco.

Junto con ellos, Laszlo Kalloi en el bajo y Juan Pablo Ramírez en la batería, logrando con esta alineación superar lo que ya se había logrado anteriormente, además de grabar para algunos compilados de metal nacional y hacer conciertos como banda telonera de grupos internacionales que constantemente visitaban Ciudad de México.

Después de algún tiempo, Juan Pablo Agudelo deja la banda para irse vivir a España.

Con la salida de Juan Pablo Agudelo, la banda comienza a colapsar, y luego de algunos años se decide tomarnos un tiempo para replantear el futuro del grupo.

En el año 2006, contando ya con Edgar Piedras en la batería y con Oswaldo Blanco aún en la guitarra, se consiguen músicos para hacer algunas presentaciones y planificar un disco que lamentablemente no pudo concretarse por falta de recursos, y de esa manera se considera una vez más darnos una pausa indefinida.

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A principios del 2010, el guitarrista Alejandro Navarro ingresa a Calvaria junto con Andremar Malet, ex bajista de Argus, y se comienza a trabajar en el disco “Hijos del Sol”, que sacamos con el sello Madame Records en 2011.

Del 2011 al 2013 se trabajó muy duro en la promoción de este nuevo material, ya que la disquera no apoyó mucho y todo el trabajo dependía al 100% de nosotros. En el 2015, Alejandro Navarro entra como guitarrista a Makina, y yo me dedico completamente a trabajar en el nuevo material de Calvaria.

Durante ese tiempo entra Rodrigo Díaz a la batería y Fernando Ruvalcaba en el bajo para poner el material del anterior disco “Hijos del Sol” en lo que se continuaba trabajando en el nuevo material de Calvaria.

En el 2016, Alan Basher ingresa a Calvaria, y es con esta mancuerna con la que nos abocamos a trabajar aún más en el concepto del nuevo disco, mientras tanto comenzamos a hacer varios conciertos en distintas partes de la República Mexicana y Ciudad de México.

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En ese inter, Fernando es invitado a Makina para dejar en su lugar a Aquiles Rodríguez, y entra Noro Arroyo en la guitarra. Ahora con la alineación más estable y muy motivados con la salida del nuevo disco, le damos buena cara al futuro de la banda y listos para presentar este nuevo material.

El género del power metal es lo que escuchamos más predominante dentro de la música de Calvaria, pero para despejar dudas quisiera nos explicaras la autodefinición del estilo musical y de dónde toma sus principales influencias e inspiración para las composiciones.

Como comenté anteriormente, en Calvaria quisimos definir en un inicio nuestro estilo como “High Speed Metal”, aunque en realidad, como bien lo mencionas, es totalmente Heavy/Power Metal. Eso sí, con influencias de muchos estilos.

Alan es un guitarrista que viene de un grupo en donde tocaba Death Metal, y una de sus bandas favoritas es Kreator, y aunque estamos un poco alejados de este estilo, tampoco nos encontramos tan ajenos, ya que han sido muchas de estas bandas parte de lo que nos ha nutrido a lo largo de nuestras vidas como músicos y metaleros.

También nos vinculamos a bandas de rock progresivo, e incluso grupos de thrash metal que también disfrutamos escuchar desde hace tiempo.

No puedo negar que para lograr la música de Calvaria me he inspirado mucho en bandas como Iron Maiden, Judas Priest, Accept, Dio, Helloween, Blind Guardian, Warlord, Chastain, HammerFall, Gamma Ray, etc., pero no dejo de valorar y admirar a grupos como Queen, Rush, Marillion, Kansas, Journey, que desde hace muchos años han formado parte de mi vida.

Otra cosa que no puedo negar, y de la que me siento muy orgulloso, es que también me han inspirado bandas de mi país como Luzbel, Ramses, Gehenna, Cuero y Metal, Raxas, Makina, etc.

Y bueno, para concluir esta pregunta digamos que la fórmula de Calvaria se logra de mezclar el metal clásico, con speed y power metal, con una pizca de progresivo y un montón de nuestro propio estilo. ¿Qué tópicos abordan en las líricas de sus temas? ¿Quién o quienes se encargan de la composición?

Comenzaré primero respondiendo la segunda pregunta. Yo me he encargado desde un inicio de componer las letras y la mayoría de la música en Calvaria.

Con respeto a la constante en las letras, me parece que todo lo referente al “tiempo” es uno de los tópicos que adoro abordar.

Desde niño imaginaba cómo había sido todo desde antes que naciera, y me imaginaba en una máquina del tiempo para poder verlo por mí mismo.

Así que cuando tuve la oportunidad de componer por primera vez, todo este tema del tiempo se me hizo algo increíble para las letras de la banda. Una de las primeras composiciones en Calvaria se llama “Náufrago del Tiempo”, que habla de una especie de ser inmortal que ago-

niza en vida, viendo cómo todo a su alrededor es arrebatado por la muerte.

La ciencia ficción es algo recurrente en las letras de la banda, así que “Metalia” es otra canción que habla de una raza guerreros conquistadores del espacio, que extraen metal de los planetas para seguir perpetuándose como amos absolutos del universo. La historia mundial es otra de mis fascinaciones, la que me ha atrapado es la historia de México.

Para el disco “Hijos del Sol” me inspiré en uno de los libros del escritor mexicano Miguel León Portilla, que lleva por título “La Visión de los Vencidos”, y que toca un aspecto fascinante sobre la conquista de México. La cultura Azteca es otro de mis temas favoritos.

Siempre han sido descritos como bravos guerreros, pero también como una civilización muy avanzada de ingenieros, astrónomos y gente que entendía perfectamente la naturaleza.

Así que imagino que el choque entre los conquistadores europeos y estos bravos guerreros aztecas debe haber sido algo impactante, y sin duda la batalla para lograr el dominio de Tenochtitlán no fue nada fácil para los españoles, razón por la cual tuvieron que aliarse con los Tlaxcaltecas y algunos otros pueblos que se sublevaron ante el dominio Azteca. Ésa fue la única forma en que los españoles pudieron vencer a estos temibles guerreros.

Pero las letras de Calvaria también tienen que ver con vivencias y de algún modo con el entorno social.

En lo personal, me considero un defensor de los derechos de los animales, así que detesto todo aquello que tenga que ver con la tortura, la cacería, la fiesta brava, peleas de gallos, perros, la explotación y todo lo referente al sufrimiento y maltrato animal.

Desde niño me dedicaba a llevar a casa perros y gatos de la calle. A mi madre en cierta manera la tenía un tanto harta de verme llegar siempre con un perro nuevo. Yo veo desde LaCarne Magazine

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entonces en la mirada de estos animales, dejados en la calle por la mano del hombre, una tristeza tan profunda, que decidí hacer una canción que hablara del sentimiento de estas criaturas que te dicen todo tan solo con sus ojos.

La canción se llama “Soy Yo”, y sé que el tema es polémico porque mucha gente dirá que posiblemente para mí puede ser más importante un animal que un ser humano. Tomemos en cuenta que una persona puede hablar y decir si tiene frío o hambre, un animal, no.

Además, si tú enseñas a un niño a amar y respetar a un animal, estás haciendo mejores seres humanos, así que creo que, de algún modo, esta canción tiene esa repercusión y nos ha funcionado mucho con los niños que son el futuro de la humanidad y también de la música.

El nuevo disco llevará por nombre “La Leyenda del Jaguar”, y para esta letra me inspiré en el trabajo que hace mi esposa. Ella es bióloga y forma parte de La Alianza Nacional para la Conservación del Jaguar. Por medio de la labor que hace, me he podido dar aún más cuenta del daño tan terrible que le estamos haciendo a nuestro planeta.

Muchas especies están desapareciendo de una manera jamás vista, y el jaguar no escapa a estas estadísticas. La letra que compuse pretende enaltecer a este bello animal, parte de nuestra cultura, orgullo no sólo de México, sino también de América, y, por medio de las leyendas en torno a su creación, hacer que logre ser respetado y admirado como un ser mágico y patrimonio vivo de la humanidad.

En estas dos décadas que llevan de carrera han podido plasmar sus temas en varios discos compilatorios, así como en un álbum tributo a Luzbel. ¿Podrías darnos brevemente alguna información sobre estos trabajos?

El primero de ellos fue el tributo a la banda mexicana Luzbel con el tema “El Loco”. Después vendría nuestro primer disco homónimo, para más adelante participar en otro disco compilado que llevaba por título algo así como

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“Lo Mejor del Metal Mexicano”.

Participamos en ese disco con el tema “Travel in Time”, de Juan Pablo Agudelo. Por cierto, el único tema en inglés que ha tenido Calvaria.

Años más adelante sacamos el disco “Hijos del Sol”, y actualmente estamos preparando un álbum doble que lleva por título “La Leyenda del Jaguar”, y otro más que saldrá antes y que se llamará simplemente “Fénix”.

Hablemos acerca del álbum “Hijos del Solˮ.

Me gustaría nos comentaras de este álbum lanzado en el 2011.

Este disco comprende los temas: Octavo Presagio, La Ciudad de los Dioses, Hijos del Sol, Alas, Ven por mí, Náufrago del Tiempo, El Canto del Viento, 2012, Viajeros del Tiempo y Náufrago del Tiempo (Acústica).

El disco sale con el sello Madame Records, y es grabado y producido por Sylvain Missemer, en colaboración conmigo.

Sin duda, el grabar este álbum fue una experiencia gratificante, ya que a diferencia del primer disco homónimo y de las grabaciones anteriores de los discos compilados, Sylvain Missemer se dio a la tarea de trabajar exhaustivamente cada detalle y entender perfectamente el concepto que buscaba.

Yo tuve la oportunidad de cuidar que todo lo relacionado con la composición encontrara en los temas su momento y su espacio. El arte del disco fue obra del diseñador Salvador Navarro, hermano de Alejandro Navarro, actual guitarrista de Makina, y con quien tuve la fortuna de grabar las guitarras de este disco. ¿Cómo fue el recibimiento y percepción de ese disco? ¿Es lo que esperaban? ¿Se sienten satisfechos?

La salida del álbum “Hijos del Sol” tuvo muy excelentes críticas por parte de los medios especializados, e incluso fue nominado en abril del 2011 por los premios IMAS (Indie Music Awards) por mejor disco del año y mejor arte.

El disco también fue bien recibido por el público, y actualmente ya no hay copias disponibles en el mercado. Sin duda, el resultado había sido satisfactorio y llenó nuestras expectativas.

Lo que nunca esperábamos fue que, durante este tiempo, tuviéramos un lío con la disquera, ya que, sin consultarnos, esta permitió que la gente que maquiló el disco subiera nuestra obra a las plataformas de descarga sin nuestro consentimiento, y absolutamente sin ningún beneficio para el autor.

Esto obviamente llegó a las instancias correspondientes y afortunadamente ganamos el caso. Esto último nos dejó un muy mal sabor de boca, y una experiencia que trataremos en lo subsecuente jamás repetir.

El pasado mes de septiembre realizaron un gran concierto por los 20 años de la banda.

Hubo importantes bandas invitadas. Coméntame sobre ese evento.

Este evento se realizó el jueves 27 de septiembre en el Teatro Ignacio López Tarso, en

la Ciudad de México, un recinto que se ocupa principalmente de presentar puestas en escena, recitales de ópera, música clásica y diversas manifestaciones artísticas, pero no para conciertos de metal, así que festejar nuestro XX Aniversario en este lugar fue un honor y un privilegio para nosotros.

Los grupos con los que compartimos escenario en esa ocasión fueron: Sirenis (una banda de metal sinfónico con voz femenina), Infinite (un novel grupo de power metal), Sanguínea (un grupo de metal con mucho poder, quienes acaban de sacar nuevo disco), Arkham (un grupo veterano en la escena nacional) y dos invitados con gran historia en la escena del metal en México: Raxas y Makina.

El concierto transcurrió en perfecto orden, y al lugar se dio cita público y amigos que nos han brindado su apoyo en estos veinte años de Calvaria. Ellos son parte de esta historia que venimos escribiendo desde hace tanto tiempo.

Al lugar también acudieron medios de comunicación, así que el concierto fue reseñado en

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distintos sitios de rock y de metal, así como también en la sección de espectáculos de algunos periódicos de la Ciudad de México.

En este concierto estuvimos para nuestro público durante dos horas, durante las cuales tocamos canciones del primer disco, del álbum “Hijos del Sol”, y, para deleite de nuestros invitados, tocamos además canciones que aparecerán en este nuevo álbum de Calvaria.

La parte emotiva de este concierto fue un pastel de aniversario que me obsequiaron mis colegas músicos en medio concierto, y un reconocimiento por parte de JSC Producciones y el Sr. Juan Santos, ex manager de la banda Transmetal por veinte años de metal.

Mantener una banda por 20 años en la escena no es una tarea sencilla. ¿Para lograr todo este reconocimiento qué han conseguido? ¿Qué dificultades han tenido que atravesar?

Sin duda han sido muchas, desde el nulo apoyo dentro del núcleo familiar, enfrentarnos en un inicio con nuestra falta de experiencia para lograr las cosas, la salida de algunos miembros importantes de la banda, tirar en ocasiones uno mismo de la carreta, el no contar con recursos suficientes para financiar este sueño, hasta enfrentar todo esto en un país donde no se apoya a la cultura, y lo peor de todo, encontrarnos con una escena mexicana totalmente dividida y con un público de una actitud negativa ante el metal nacional.

En este país también nos enfrentamos a un mal terrible, el cual ha eclipsado el trabajo que muchos grupos vienen haciendo hace años.

Este mal del que hablo se llama nepotismo, y ahora es el cáncer del metal en México.

Así es, yo pensaba que eso se daba tan solo en la política, pero es que actualmente si tú no trabajas en las empresas que realizan los principales festivales en nuestro país, si tú no llevas una relación de amistad, los conoces o no tienes una actitud servil ante ellos, entonces no verás la menor oportunidad de aparecer en uno de estos carteles.

Este tipo de conciertos, como ya sabes, ahora

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son el foco de atención de mucha gente que gusta del metal, y obviamente es una excelente oportunidad para que el público pueda conocer tu trabajo, o por lo menos sepan que aún sigues vigente.

Lamentablemente estas oportunidades sólo vienen para unos cuantos que son amigos, novios, trabajadores, hijos de empresarios o gente con cierto status, que por medio de contactos logran aparecer en estos carteles.

Esto sin importar la preparación, trayectoria, años de trabajo, e incluso la calidad musical que tienen algunas de estas bandas. Pero bueno, no queda más que seguir remando contra corriente, porque al final el éxito que se logra con esfuerzo es el que sabe mucho mejor, y el tiempo siempre se encarga de poner las cosas en su lugar. ¿Cómo ves tu evolución personal desde que empezaste con CALVARIA? ¿Es esto lo que siempre quisiste hacer?

Para responder esta pregunta me tendría que ir algunos años atrás, y es que cuando eres

Pero bueno, algo que entendía perfectamente es que toda esa música era maravillosa, pero el metal me había elegido como uno de sus hijos y eso era lo que yo solía escuchar. Bandas como Iron Maiden, Judas Priest, Grim Reaper, Griffin, Queensrÿche, WASP, etc.

Mi primera banda la formé a los 16 años, pero en ese entonces mis gustos se habían tornado un tanto más duros. Me encantaba escuchar a bandas como Celtic Frost, Venom, Slayer, así que en mi primer proyecto, en donde toqué la guitarra, intentamos basarnos en un estilo similar, pero lamentablemente por falta de recursos tuve que abandonar la idea de ser guitarrista, ya que el instrumento con el que solía practicar no era mío, y yo no contaba con suficiente dinero para hacerme de uno propio.

niño siempre te cuestionan qué es lo que quieres ser cuando seas mayor, y uno responde un montón de cosas que sólo alguien a esa edad puede imaginar.

Esto sin saber siquiera qué tan arriesgado o difícil puede ser el camino para conseguirlo.

Entrada la adolescencia, esta pregunta la haces, pero ahora a ti mismo, y curiosamente en ese momento es cuando yo sabía la respuesta.

La música era un camino inevitable en mi destino, y así lo decidí desde un principio y comencé a buscar quien me pudiera mostrar ese camino en la vida que me había trazado.

Fue entonces que comencé a los 14 años a tomar clases de guitarra, y a escuchar mucha música, desde la que me ponía mi abuelo, a quien le encantaba escuchar a Glenn Miller, Louis Armstrong, Benny Goodman, Frank Sinatra, Carlos Gardel y Agustín Lara, hasta los grupos y músicos que me sugerían escuchar mis profesores de guitarra: The Doors, Nazareth, Frank Zappa, Queen, etc.

Entonces a los pocos meses hice audición a mi primera banda como cantante, y de ahí salté a muchas más, hasta que por fin el camino de la música me llevó a estudiar canto de manera más formal, primero a la escuela de Iniciación Artística de Bellas Artes, y poco después a la Escuela Superior de Música, en donde, además de entender esta disciplina desde una perspectiva profesional, tuve la fortuna de conocer a Miguel A. Cañizo y comenzamos a participar en varios proyectos hasta que hicimos Calvaria en 1998.

De pronto cierro los ojos y parece que fue ayer que sucedió todo esto, aunque en realidad ya son muchos años de mi vida en la música, y veinte más con Calvaria, proyecto al que amo como a un hijo.

He sacrificado un montón de cosas por la banda y por seguir en la música, pero no me arrepiento, todo ha valido la pena porque gracias a eso he tenido la oportunidad de conocer gente de la cual he aprendido cantidad de cosas, y cuento con anécdotas en mi vida que han enriquecido mi espíritu.

Cosas que jamás me hubiera imaginado pasar si hubiera evitado mi destino. Hoy día, además de Calvaria, cuento con mi propia escuela, La Academia Ars Nova Music, en donde damos LaCarne Magazine

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clases a niños, jóvenes y adultos de guitarra, bajo, batería, piano, chelo, violín, saxofón, flauta transversa y canto.

Tengo la fortuna de compartir con mis compañeros de grupo, y con otros músicos, la posibilidad de hacer realidad nuestras metas y de vivir de lo que nos apasiona, que es la música, además de poder mostrar ese camino que yo perseguí tanto cuando era joven a todas las personas que anhelan realizar sus sueños.

Hoy puedo decir que la música es lo que siempre quise en mi vida, y me siento realizado con lo que hago y seguiré luchando por conseguir aún más.

En cuanto a los integrantes de la banda, ¿quiénes están hoy en Calvaría?

Mis hermanos en Calvaria son Alan Basher y Noro Arroyo en las guitarras, Aquiles Rodríguez en el bajo, Iván García en la batería (el más reciente integrante), y yo como vocalista.

Según la prensa, ustedes están en preparación de un nuevo álbum, el cual contará con temas clásicos de la banda y con importantes invitados de varias bandas a nivel internacional. ¿Este disco ya salió? Danos detalles sobre esto.

Este disco lo hemos venido preparando aproximadamente hace un par de años, y aún sigue en proceso de grabación. Afortunadamente ya está en su etapa final. Alan Basher, guitarrista de Calvaria, ha sido el encargado de la grabación, edición y mezcla de este disco, el cual cuenta con dieciséis temas, incluidos algunos del primer disco, temas inéditos y composiciones nuevas.

El disco saldrá en dos partes, la primera tendrá como título “Fénix”, que es una analogía de lo que ha venido sucediendo con Calvaria en estos años, resurgiendo de las cenizas con ímpetu después de todas las vicisitudes.

Tenemos una deuda con nuestros seguidores y con nosotros mismos para dar en este disco lo mejor, y no habrá menos que eso. La segunda parte de este disco sale a mediados del próximo año y lleva por nombre “La Leyenda

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del Jaguar”.

En la grabación aparecen invitados especiales como el guitarrista mexicano Hugo Loyo; Alejandro Navarro, guitarrista de la banda mexicana Makina; Kiko Shred, guitarrista brasileño quien ha participado con Mike Vescera, Tim “Ripper” Owens, entre muchos más.

En el tema “El Sueño Terminó”, de Juan Pablo Agudelo, guitarrista de la banda española Empiric, aparecen tocando Niko Del Hierro y Dani Pérez de Saratoga. Juan Pablo Agudelo, quien además fue guitarrista de Calvaria, aparece también en otro de los temas que en algún momento tocó junto a nosotros.

Este disco será masterizado en España por Alberto Rionda, guitarrista de Avalanch, quien además será invitado especial en el tema “La Leyenda del Jaguar”.

El disco cuenta además con grandes voces de colegas y amigos míos, quienes me hicieron el honor de brindarme su talento en esta nueva producción que recomiendo ampliamente.

el disco de “Hijos del Sol”. Este videoclip fue producido por mi buen amigo Enrique Velasco, con quien seguimos trabajando hasta la fecha.

Los videos clip son muy importante para la promoción de una banda, ¿no crees? Sé que hay algunos clips de la banda y están en planes de la realización de algunos más.

Sin duda que lo son. Hoy día la industria musical no se limita tan solo en sacar discos. A mi modo de ver creo que tendrán que encontrar más alternativas visuales para enganchar con el público, ya que el CD está poco a poco cayendo en desuso, y bueno, también desde hace muchos años, los videoclips han formado parte de la promoción y lanzamiento de un grupo, siendo una herramienta infalible que siempre capta la atención.

El video retrata un mal momento que mi amigo pasó cuando fue secuestrado en Ciudad de México al salir de su domicilio, y de algún modo esta historia que me contó encajaba perfectamente con la letra de la canción.

El primer videoclip oficial de la banda sale en el 2011 con el tema “Alas”, para promocionar

Ahora, para la promoción del nuevo disco, hicimos un videoclip también producido por Enrique Velasco del tema “Soy Yo”, que habla sobre los animales en condición de calle.

El actor canino de este videoclip es “Piojito”, un perrito mestizo que es la adoración de los niños que vienen a tomar clases a nuestra escuela, y quien hizo un excelente papel dramático en la historia de este video.

Además, aparecen también dos pequeños gaLaCarne Magazine

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titos que se pidieron prestados en un centro de adopción, y que poco después tuvieron la fortuna de conseguir un hogar. El video, como ya lo comenté, pretende hacer recapacitar a las personas que por distintas circunstancias abandonan a sus mascotas.

Poco después del videoclip “Soy Yo”, Alan Basher lanzó un video lyric del tema “Metalia”, que en cierta forma fue un regalo para nuestros seguidores, ya que fue uno de los primeros temas que Calvaria sonó en sus inicios y que frecuentemente nos piden que toquemos.

Actualmente tenemos otro videoclip del tema “Instante”, que estamos preparando para la salida del nuevo disco, junto con otro más de la canción “El Sueño Terminó”, dirigido nada más y nada menos que por el director brasileño Leo Liberti, quien se ha hecho famoso por su último trabajo con Megadeth, Angra y Dee Snider, entre muchos más.

A Leo lo conocí por medio un amigo en común, y me pidió enseguida le enviara algo de mi música, la cual afortunadamente le gustó y gentilmente se ofreció a armarnos un videoclip que nos sirviera para darle más fuerza a esta nueva producción.

Así que bueno, se vienen sorpresas para la gente que nos sigue, y más videos que estaremos armando para describir visualmente lo que contiene este nuevo trabajo de Calvaria.

Si tuvieras que destacar un tema que es como un himno de CALVARIA, para ti, ¿cuál sería ese tema y por qué?

Ya lo hemos hecho en el disco “Hijos del Sol” haciendo una alusión de nuestra cultura y de nuestra historia. Cada vez que tengo oportunidad de compartir esta canción con la gente, me hace sentir orgulloso de mi cultura y de mis orígenes.

Otra letra que retrata perfectamente a Calvaria es “Fénix”, pero creo que también puede ser el himno de batalla de cualquier persona que, pese a las adversidades, siempre saldrá triunfante.

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Tanto tiempo en la escena metalera mexicana, ¿estás al tanto de la escena mexicana? ¿Cómo ves la escena actual de tu país?

Vengo siguiendo la escena nacional desde que comencé a escuchar metal, y muchas de estas bandas con las que crecí me sirvieron de ejemplo para lo que más adelante haría con mi propio grupo.

No te puedo decir que actualmente me he vuelto un experto en el tema del metal en México, ya que cada día salen nuevas propuestas y es imposible seguirles la pista a todas, sin embargo, me sigo quedando con Luzbel, Raxas, Makina, Cenotaph, Shub Niggurath, Pactum, Anarchs, The Zephyr, Under Moonlight Sadness, y más recientemente, Tenderizer, Ghölem y Sanguínea.

Adicional a la promoción del nuevo álbum, ¿cuáles son otros objetivos de la banda para este 2019?

Tenemos muchas ganas de viajar fuera de México para que la gente conozca nuestro trabajo, y, tan pronto salga el disco, difundirlo en todos los sitios de metal posible porque sabemos que lo disfrutarán.

Bien, esto es todo. Gracias por el tiempo tomado para responder la entrevista. ¿Algún mensaje o comentario final para los lectores?

Agradecerles infinitamente a todos su amable atención y el tiempo que se dieron de leer esta entrevista, la cual espero no haya sido un tedio insoportable.

Realmente espero que mi experiencia dentro de la música pueda servirle a alguien más que esté interesado en vivir del metal, y se haga una idea clara de lo complicado que es hacer una banda.

Manténgase en contacto con nosotros por medio de nuestras redes sociales y estén pendientes de lo que tendremos para ustedes en nuestro próximo disco.

Nos vemos pronto, amigos! ¶

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Amenoskuarto poesía con mucho Rock LEER MÁS

A

menoskuarto es un grupo vitalista y poético, surgido de la amistad de sus componentes desde la adolescencia hasta la actualidad. Empeñados en hacernos disfrutar con el Rock y que vivamos el momento.

Los entrevistamos para descubrirlos un poco más, y para conocer lo que nos depara en su actuación la próxima primavera en Cáceres.

Amenoskuarto, poesía con mucho Rock

En primer lugar os agradecemos vuestro buen trabajo. Somos conscientes de que formasteis parte del cartel del festival Escenario Amex

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2009. ¿Qué diferencias hay entre Amenoskuarto de aquellos años y el actual?

Antes de nada, daros las gracias por la entrevista, siempre es placer atender a LaCarne Magazine. Pues sí, ha llovido desde el 2009 y nuestro concierto en el Escenario Amex.

Creemos que Amenoskuarto ha evolucionado mucho en lo musical, pero sigue manteniendo esa frescura en los temas, y sobre todo esa cercanía con el público.

Venís de Coria, y vosotros mismos afirmáis que vuestro rock “es más rural que urbano”. ¿En qué se diferencia uno del otro?

Nos encanta lo rural, aunque por motivos laborales casi todos vivimos en una ciudad, pero una ciudad pequeña y acogedora como Cáceres. Eso no quita para que nos escapemos siempre que podemos a Coria y a la sierra.

El rRck rural no deja de ser una etiqueta, y las etiquetas, como diría Robe, las ponen los

nados.

Habéis salido fuera de Extremadura, pasando por Madrid, Bilbao o Sevilla. ¿Cómo os acogen fuera de la tierra? ¿Qué diferencias hay entre el público extremeño y el de otras partes del país?

Siempre es un placer tocar fuera de nuestra tierra. El apoyo del público es dispar.

Puedes tocar en Madrid y petarlo, y al día siguiente tocar en Guadalajara y que vengan 5 personas. En la última gira teníamos un lema que era “Con que venga uno, tocamos”. El público de aquí es más cercano, te coge después del bolo, te cuenta sus impresiones y te invita a una birra.

En 2006 sacasteis vuestro primer trabajo largo llamado “A ras de suelo”, en el 2009 sacasteis “Devaneo”, “Hechos y sucesos” en 2013, acabáis de sacar el single “En el fondo de la noche”. ¿Alguna novedad o sorpresa antes del Extremúsika?

Pues acabamos de terminar de remasterizar nuestro nuevo disco. Habrá algún adelanto antes de final de año. Y el disco saldrá con el nuevo año. medios. Nosotros hacemos Rock y ya. Punto.

Pudimos disfrutar de vuestro directo en Extremusika en 2007 y 2008. Habéis pasado por Escenario amex, Aldea Moret, Mayorga Rock y un montón de festivales de la tierra. ¿Es fácil encontrar bolos en la tierra? ¿Hay buena disposición por parte de las salas? ¿Debe haber más apoyo institucional a las bandas? ¿Cómo está el panorama festivalero en la región?

Como bien comentas, hemos tocado por media Extremadura (y eso que es grande… jejeje). No hay muchas salas en Extremadura, pero sí es cierto que la predisposición de las mismas no es mala, el tema económico suele ser el problema. En cuanto al apoyo institucional, siempre podría ser mayor y sobre todo más repartido.

Nos da la sensación de que este apoyo siempre se lo llevan los mismos grupos, las mismas asociaciones. En realidad a nosotros nos da poco igual, estamos totalmente autogestio-

Estamos muy contentos con el resultado y estamos seguros que no dejará a nadie indeferente. Es un disco muy meditado, muy cuidado, y en el que hemos puesto toda nuestra pasión.

Sois un grupo que ha girado por el Estado e incluso os habéis planteado hacer gira por Latinoamérica. ¿Qué le recomendaríais a los músicos extremeños emergentes para hacerse un hueco en el panorama nacional?

Es una cosa que siempre hemos tenido ahí.

En su día tuvimos alguna oferta para cruzar el charco, pero no acabó de cuajar.

No somos mucho de dar lecciones, pues la misma vida es la que te las da, pero si tuviéramos que decirle algo a los grupos que empiezan sería: Tocad, tocad, tocad, y sobre todo disfrutad con lo que hacéis.

Ahora nos gustaría hablar de vuestras colaboLaCarne Magazine

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raciones musicales con otros artistas del panorama musical. En directo habéis colaborado con La Taberna de Moe, Boikot, Los Jacobos o Gritando en Silencio. ¿Es posible alguna colaboración en directo con algunas de las bandas del festival?

Nos gustaría, pero ya veremos si es posible.

No podemos desvelar nada de momento. Respecto a las colaboraciones en directo, la mayoría de las veces salen sin planearlo, y son las más guapas.

Como nos gusta ir mucho de conciertos, te ven entre el público o antes, y te dicen: “¡Ey! te vas a subir, ¿no?”. Por ejemplo, este año llevamos unas cuantas con Dedo Corazón (risas).

Luiky es vuestro “relataor” o “recitaor”, tal y como vosotros lo describís. En vuestro youtube tenemos un poema dedicado a la Sierra de Gata. ¿Qué importancia tiene la poesía en vuestras letras?

Luiky es la pasión del grupo, la rabia. Las letras le salen de las entrañas. Poesía pura.

medioambientales en diferentes localidades de Cáceres. ¿Cómo surgió la idea de colaborar con ellos?

La idea surge de Patri, presidenta de la Asociación y amiga.

Esto, unido a que, como hemos dicho, Luiky es de Acebo, no podía desembocar en otra cosa que en un concierto benéfico en favor de la Sierra de Gata e intentar aportar nuestro granito de arena, ayudar a visibilizar el problema, y bueno, tratar de paliar en la medida de lo posible la devastación del fuego.

Tenemos que cuidar la Sierra de Gata ¡coño!

Tenemos que cuidar la naturaleza ¡coño! ¿Cómo será el directo en el Extremusika? ¿Haréis un popurrí de canciones de todas vuestras épocas, o será un show más centrado en el futuro disco?

Será sobre todo especial. Volver 10 años después es la hostia. Queremos hacerlo redondo.

Él sigue convencido de que la poesía es un arma cargada de futuro, y trata de impregnar esa convicción en cada poema.

Además, creemos que somos el grupo del cartel que más veces ha estado en Extremusika, será nuestra cuarta participación. El formato y la lista definitiva aún no están definidas.

La Sierra de Gata es su rincón en el mundo, su familia es de Acebo, allí nos ha llevado a todos, nos ha invitado a comer, a dormir, a descubrir los pueblos, los ríos, los bares… y el asunto de los incendios le dolió mucho, y alivió el dolor vomitando esa letra.

Habrá que tener en cuenta sobre todo el tiempo que nos den, pero suponemos que habrá de todo. Tocaremos los temas que más conoce la gente, tal vez formato popurrí, tal vez enlazados, y por supuesto, se interpretarán temas del nuevo disco.

La verdad, y gracias a ser un grupo autogestionado, no tenemos que preocuparnos por la opinión de managers, y por eso hacemos un tema como ese de 5 minutos… y además con un tío “hablando”.

Ah!, y como te decía, si cuadran las cosas incluiremos alguna sorpresa.

En fin, no creo que muchos productores estuvieran de acuerdo, pero es lo guapo de ser libres. (risas) Y para colmo, además tenemos otro tema en el disco también con Luiky sólo recitando durante 4-5 minutos.

Antes de irnos despidiendo, habéis colaborado en alguna ocasión con la Asociación Reverdeceremus, encargada de llevar proyectos

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Muchas Gracias chicos. ¡Nos vemos en unos meses!

Muchas gracias a vosotros. ¡Salud y AmenoSKuartO! ¶

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Disfonía

pasión, garra y entrega Disfonía, pasión, garra y entrega LEER MÁS

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ormados hace ya diez años, con un sonido donde hay variedad de estilos, con varios discos publicados, y con un vocalista que en el escenario realiza un performance que hace más atractivos los shows de Disfonía.

Así se nos presenta Disfonía, banda procedente de Chile. Esta agrupación ha realizado gira fuera de su país, y sus discos han tenido críticas positivas en muchos países.

Esta entrevista fue respondida por Keving Leiva (vocalista) y Leo Cifuentes (guitarrista).

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Bien, para ya ir conociendo algo de Disfonía, ¿cuéntennos cuándo se forma la banda y bajo qué circunstancias?

Corría el año 2007 en Santiago. Keving Leiva (voz) y yo (Leo, guitarra) tocábamos en un tributo a la banda norteamericana Tool.

Frustrados frente a la insatisfacción de participar en un proyecto sin ideas nuevas, y detestando día a día la palabra TRIBUTO (y todo lo que esa palabra conlleva a nivel histórico), invité a Keving a sumarse a un proyecto con tintes post-grunge de garaje.

El encuentro fue lúdico, fresco y proactivo. En pocas semanas teníamos 7 canciones listas, con letras y pasos musicales poco habituales.

No sé si estaba frente a un genio o a un idiota.

Así la historia de Disfonía comenzó en los bares más insignificantes de la capital, con unas 10 personas por fecha, pero con un entusiasmo y perseverancia que nos acompañan hasta hoy.

Disfonía es una banda que en su propuesta incursiona por otras propuestas del metal, como el heavy, el thrash, glam, hard rock… Entonces, ¿cómo definirían su propuesta musical? ¿Hacia qué estilo están más encaminados?

Como un conglomerado de rock y metal: un proyecto revisionista, que sintetiza la historia del rock y del metal en todas sus variantes.

Esto a partir de la incansable oreja de la banda, que en su ociosa pubertad no cesó de escuchar una y otra vez un centenar de CDs auspiciados por MTV, y toda la mierda mer-

chandising norteamericana de los 90s. Una especie de accidente auditivo con posteriores deformaciones compositivas, que serían sin quererlo el sello indiscutido de Disfonía.

Respecto al tema “estilo”, siempre ha sido un problema para nosotros catalogarnos, por muy cliché que suene. Es que es en serio. Escucha a Disfonía y trata de clasificarlo en un estilo.

Hemos probado con Multi-Rock, Multi-Metal, y ahora último con Metal Alternativo. Sin embargo, esto no es nada definitivo.

Me imagino que con su gran trayectoria deben de contar con varias producciones discográficas. ¿Podrías hablarnos sobre su discografía? Su impresión de cada uno de sus discos, tanto en las letras como en la composición de la música.

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Tenemos cerca de 6 discos, pero nos referiremos a los que encontramos hoy más relevantes. Para quienes no nos conocen, nuestro recorrido sonoro es un viaje de curvas, enredos e interesantes giros sorpresivos (un coitus psicodellicus), por lo que podría ser interesante para algún huevón lateado (aburrido) – que no deben ser pocos.

“Histérico” (2009) es un gran grito de hard rock, donde transitamos del post-grunge al hard rock. Destacan sus canciones de duración media, con temáticas sociales y absurdas, tintes agresivos y sus coros pegajosos y vigentes.

“Daño Estructural” (2011) es un disco que se articuló tras el terremoto más grande del último tiempo en Chile. Es un constante vaivén musical, que transita del hard rock al progresivo, manteniendo una letra social con importantes quejas patético-existenciales, pero con los primeros atisbos de una poesía profunda conciliadora, con algún oculto pedazo de nuestra humanidad.

“Disfoneishon” (2012). Éste es el manifiesto de Disfonía en relación a su placer culpable llamado glam: nos reapropiamos de la identidad de proyectos comerciales como Guns n’ Roses, y le dimos un giro más oscuro, hiperactivo, cambiante y tremendamente explosivo.

Este disco es el primero que cuenta con una balada rock, una producción magnánima y una gran difusión en medios. Fue el primer paso serio de la banda a lo que muchos llaman profesionalismo.

“Histeria Estructural” (2013). DVD y disco en vivo en estudio, que recopiló grandes éxitos de los primeros 2 discos de la banda. Una especie de documental con imágenes de la imparable agenda en vivo en los antros capitalinos durante los primeros 5 años de historia de la agrupación. Cuenta con interesantes entrevistas, y un notable trabajo audiovisual con más de 10 cámaras en uno de los estudios más renombrados de Chile.

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“The Sound of the Collusion Pt. 1 & Pt. 2” (2015). Es el proyecto más ambicioso de la banda desde el punto de vista creativo. Teniendo como inspiración los “Use Your Illusion” de Guns n’ Roses y “The Sound of Perseverance” de Death a nivel conceptual. La colusión como un hito inevitable económico y musical.

Un disco doble, que tiene una parte en inglés y otra en español. El inglés, cantado de modo “chileno”, apropiándonos de la personalidad y desfachatez de cantar en un idioma ajeno, como lo han hecho muchas bandas de habla inglesa (Bon Jovi, Faith No More, Pixies), sin ánimos de sonar perfectos ni pulcros. Este dis-

2012, con el que obtuvieron excelentes críticas y reseñas. No solo de medios de Chile, sino de otros países. ¿Qué dicen al respecto?

Creo que los resultados que tuvo ese disco se condicen con la claridad que tuvimos como equipo en ese momento. Ciertos hitos, como la contratación de Sergio Carlini en la batería, la seriedad en los procesos de producción del disco y su posterior difusión, estallaron en una respuesta positiva en los medios y en la gente.

A nivel técnico, musical, creativo, de performance y anímico, el cuarteto estaba en forma, vigoroso y concentrado. El hecho de sonar en radios FM por primera vez fue algo que nunca habríamos sospechado que sucedería, por ejemplo. ¿Ha sido muy difícil abrirse espacio en la escena chilena? ¿Qué escena chilena? Por Dios, no. Realmente ha sido una mierda: entre el compadrazgo, el malinchismo (palabra que aprendimos en nuestra reciente gira a México), y las frases cliché del pseudo apoyo y pseudo aguante para disfrazar una pobreza conceptual y valórica muy profunda en la sociedad chilena, la escena chilena de rock refleja muy bien lo que es nuestro país, como un lugar que aparenta ser un Edén, pero que es una verdadera cloaca de aspiraciones.

co nos disparó al mundo, sin embargo, nos ha hecho chocar contra él…

En los 5 años que van de su lanzamiento, tal vez hoy recién ha sido entendido. Cabe mencionar que este disco fue postulante a los PREMIOS PULSAR (una especie de Grammy Chileno) en la categoría de “Mejor Álbum Metal” el año 2016.

En este disco asumimos nuestras influencias anglo, y al mismo tiempo atentamos contra ellas de forma desmesurada.

Su tercer álbum fue el “Disfoneishonˮ del

Sin ir más lejos, la entrada más barata para Roger Waters esta semana en Chile tenía un valor de 67 dólares, mientras nosotros ya no producimos eventos por falta de interés, y mucho menos disposición a pagar una entrada mínima de 3 dólares para un show que la prensa internacional ha descrito como “energética” y capaz de hacer bailar a toda una audiencia. ¿De qué sueles hablar en las canciones? ¿Cuáles son sus principales influencias?

Las letras son variadas, pero siempre responden a una necesidad de invitar a la reflexión, construir una metáfora de capas, profundas, lúdicas, marcadas con un poderoso sello absurdo. Aquello que se muestra como simple, devela un profundo abismo de oscuridad, hostilidad e insensibilidad.

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Al mismo tiempo, con una poesía y contenido que concilian y proponen, sin quedarse en una mera crítica: mucho menos explícita.

En cuanto a la alineación de Disfonía, ¿quienes integran en la actualidad la banda?

Actualmente somos Keving Leiva (letrista, compositor y voz) y Leonardo Cifuentes (guitarra/coros y compositor). La formación cuenta con bajo y batería en vivo.

“Histeria Estructuralˮ es un DVD donde se recogen trabajos de la banda de sus primeros 5 años, hay entrevistas y más… Así que me gustaría hablaran algo sobre este trabajo.

“Histeria Estructural” se forjó en un escenario de inspiración y creatividad, con una formación que mostró lo mejor de nosotros, y por lo mismo, fue una producción generada de forma estratégica.

Por un lado, rescatamos material antiguo que fue grabado en un contexto de amateurismo, e hicimos material audiovisual que mostrara nuestra performance en vivo de forma directa y artística.

Por ello fue que la alianza con el cineasta Giovanni Longo marcó un antes y un después en la forma de percibir el trabajo en equipo multidisciplinario.

En el 2015 lanzan un Disco Demo algo distinto a lo que realiza la banda, con elementos de otros estilos ajenos al metal. ¿Por qué decidieron lanzar este material “Amplagˮ?

El disco “Disfonía AMPLAG” fue otra reinvención de la banda. Una alternativa para hacer de DISFONÍA un proyecto sustentable.

En ese entonces no teníamos dónde tocar, ni contábamos con los recursos para grabar material nuevo, o para producir eventos, los locales eran escasos, y la disposición a trabajar con nosotros muy mala. Es por ello que pusimos en crisis el formato eléctrico de la banda, y nos volcamos a las calles y a escenarios no convencionales con un formato acústico, barato y transportable.

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El resultado nos sorprendió hasta el día de hoy, ya que siempre es un as bajo la manga en las distintas giras que hemos hecho, permitiéndonos tocar en lugares tan poco usuales como una escuela de Ballet o una sala de teatro.

Actualmente estamos trabajando en nuevo material en este formato, y vamos a insistir en esta dualidad creativa, que creemos ya es parte de nuestra propuesta y personalidad.

Su disco del 2016 “The Sound of the Collusion Pt. 1 & Pt. 2ˮ estuvo nominado a los Premios Pulsar 2016. Un disco donde ya hay temas en inglés. Quisiera que me hablaran sobre este álbum doble.

Para no repetir, podemos agregar que cantar en inglés fue inicialmente un “hueveo” (joda, broma) que se fue transformando en una propuesta fonética llamativa, innovadora y tremendamente gratificante en vivo, dándonos cuenta que el público muchas veces escucha poco y nada de las letras, y eso es parte de nuestra realidad.

En términos artísticos, este disco es un disco entrador, prepotente y que no deja indiferente a nadie: por un lado tenemos una balada pop como es “Cosa Igual”, y por otro lado un progresivo fusión como es “The Sound of The Collusion”.

En el 2016 fueron ganadores del “Ventanilla Abierta 2016”. ¿Sobre qué es este premio? ¿Cómo se sintieron y qué representó para la banda este premio obtenido?

“Ventanilla Abierta” es un concurso que financia el Estado de Chile, desde su Ministerio de Cultura y Artes, para girar y difundir la música nacional dentro y fuera del país.

El adjudicarnos este fondo fue un respiro para la banda, luego de trabajar e invertir de manera independiente e ininterrumpida durante 8 años.

Gracias a esto pudimos tocar en el norte de Chile, y asociarnos con entidades culturales locales (ABRA, asociación de músicos de Rock, y Centro MB2, para la experimentación de la Artes). Una especie de tanque de oxígeno, una morfina, o un buen porro para seguir nuestra ruta.

Disfonía fue semifinalista al Festival Viva Rock Latino 2017. Coméntanos.

Eso fue un ERROR EN LA MATRIX. Con un jurado de mierda, travestido como rockero, y que parecía estar más atento a sus celulares que a cualquier cosa que ocurriera en el escenario, nos sentimos totalmente fuera de lugar.

Si bien para muchos esto puede sonar a al-

gún tipo de reconocimiento, la verdad es que solo se trató de una estrategia comercial sin ánimos de hacer crecer una escena o de expandir los horizontes de este Arte. Más bien, se trató de un concilio de plasticidad y aburrimiento en un contexto de Mall en el barrio alto de la ciudad.

Confirmamos que nuestro camino va en otra dirección: lejano a cualquier tipo de competición. Igual agradecemos a quien nos seleccionó, pues suponemos que fue despedido tras nuestro show.

Algo que destacan algunos medios es el performance en vivo de su vocalista, como que es el sello de la banda en sus presentaciones. ¿Qué pueden decir sobre esto?

Se trata de una instancia de improvisación bien entrenada a través de ensayo sistemático, donde el sonido y las atmósferas posibilitan un despliegue plástico expresivo que intenta destruir y fisurar la figura del rockero como una estrella o como un ser importante.

Los elementos coyunturales y la contundencia del set ayudan a golpear de forma frontal-sagital y horizontal a un público pasivo, que en el recorrido del show se va compenetrando a la dinámica bizarra, festiva y profunda del performance y la música.

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Lo típico de nuestro público, y lo mismo que pensé en un principio: en un comienzo detesté a este huevón, me pareció un excéntrico, ególatra y destemplado, pero con el tiempo me generó respeto y admiración por su perseverancia, honestidad y claridad en su discurso de performance y poético. ¿Cómo ha sido, en todos estos años, la percepción del medio (revistas, radio, TV) hacia Disfonía? ¿Es lo que esperaban?

Jamás. En realidad esperábamos ser una banda reconocida por nuestra entrega y proactividad, pero nos hemos dado cuenta que el contexto no nos ayuda.

La prensa es mañosa, amante de los amigos y tremendamente conservadora. Eso repercute en que nuestra propuesta no pueda tener una amplia difusión, ni pueda ser vista siquiera.

De todas formas, siempre hemos agradecido públicamente a los contados medios que sí han valorado nuestro trabajo y que dedican espacios a nuestro material. ¡Gracias a todos ellos! En otras palabras, los medios no nos conocen, no nos han visto, y a pesar de nuestros intentos en acercarnos, ha resultado en vano.

Un puto vacío.

Creo que en Chile normalmente el trabajo a los medios artísticos hay que hacérselo. Es decir, lo que llaman “industria” del espectáculo en este país no es más que un cultivo de inactividad e inercia: lo que hace ruido afuera, es contenido aquí, porque ya el trabajo se lo hicieron. Pura mediocridad.

Han compartido escenario con varias bandas de varios estilos. ¿Qué ha significado esto para la banda? ¿Qué experiencias y aprendizajes han obtenido en cada concierto?

El recibimiento de nuestro show siempre ha sido positivo. Sea en contextos de Metal, de rock pesado o compartiendo escenario con los más diversos estilos musicales.

Nunca dejamos indiferente a nadie. Muchas veces se nos han acercado personas que reconocen no gustarle el rock, sin embargo, quedan satisfechos y felices con nuestro tra-

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bajo. Eso reafirma nuestra postura e identidad multi-género, multi-estilo, multifacética…

Nos han hecho ver no como rockeros, sino como músicos, como artistas. Y nos han enseñado que los límites que genera el conservadurismo no tienen asidero y no son más que un invento mercantil que no identifica a la gente y que la divide.

Nos gustaría conocer cuáles son los planes de Disfonía para lo que queda del 2019.

Queremos lanzar un nuevo disco y promocionarlo con una nueva gira a México (y ojalá a Estados Unidos) el 2019. Tenemos en mente hacer un lanzamiento doble: un disco en formato eléctrico y otro acústico, en aras de reafirmar de forma definitiva nuestra dualidad y concepto. ¿Cuál ha sido la fórmula para satisfacer el gusto de sus fans durante tanto tiempo?

Si existiese algún fan nuestro, sabría perfectamente que nunca trabajaremos en pos de su gusto. Y al mismo tiempo, sabría que no dejaremos de trabajar.

Su satisfacción finalmente existe en base a nuestra actividad incesante y apasionada.

Muchas gracias por responder a esta entrevista. Si tienes algún mensaje o comentario final para los lectores de la revista, pues aquí tienes el espacio.

Un saludo fraterno y cariñoso de parte de Disfonía. Pasión, garra y entrega por siempre.

Nuestro camino no dista del tuyo, hacemos lo mismo y pensamos lo mismo: no creas lo contrario. UP THE DFNs. ¡Si te gustó esto, sé un espectador activo y ponle LIKE a nuestra Fan Page de Facebook, síguenos en Instagram y en nuestras Redes Sociales!!!! ¶

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Blasted Blind amor por el Metal Colombiano la música y al metal colombiano.

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a escena de Colombia ha dado, y sigue dando, buenas bandas de Metal y Blasted Blind es muestra de ello. Una agrupación con pocos años de trayectoria, pero ya han conseguido reconocimiento en su escena.

Han compartido escenario con bandas reconocidas de su país y bandas internacionales también, como Witchtrap, Kilcrops, Sobibor, Strike Master (México), o Mudra (Perú) entre otros.

La entrevista fue respondida entre dos de sus integrantes, Camilo Galvis y Brayan Ramírez.

Blasted Blind, amor por el Metal Colombiano ¿Cuál fue la necesidad de crear Blasted Blind?

Coméntanos también sobre sus inicios.

La necesidad de crear Blasted Blind nace en el 2010. Esta idea surge gracias a Brayan Ramírez, vocalista, bajista y compositor de todo el trabajo que tiene la banda hasta ahora.

La necesidad de crear la banda fue que, en la época que se formó, era una época donde estaban empezando a salir varias bandas de metal en nuestra localidad.

Entre los géneros había power metal, death metal, heavy metal, hard rock…, pero no existía una banda de thrash metal clásico que encajara en la escena de la localidad. Por esto, Brayan decide crear Blasted Blind por amor a

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El Thrash Metal es un camino bastante recorrido. ¿Hay algo nuevo que proponen ustedes dentro de este estilo?

Pues nosotros siempre estamos tratando de buscar un sonido propio o innovador, un sonido crudo y contundente que se diferencie de todas las bandas existentes, extranjeras y nacionales.

Es decir, que cuando se oiga una canción de Blasted sea identificada tal cuál identificamos una canción de Motörhead al oírla.

Lo que siempre proponemos nosotros es innovar, crear cosas nuevas que enganchen al

público a escuchar cosas nuevas y a no quedarse en las mismas bandas de siempre, y se promueve el apoyo entre bandas locales para poder surgir de una forma menos compleja.

Muchas bandas en el pasado y en la actualidad tienen problemas con el cambio continuo de integrantes, ¿cómo manejan ustedes esa situación? ¿Quiénes son hoy día los integrantes de la banda?

Nosotros hemos sufrido varios cambios de alineación desde que inició la banda debido a la falta de seriedad de muchos de los integrantes que han pasado por Blasted Blind.

Son pocos los que han durado un largo período de tiempo. A veces es bueno experimentar con nuevos músicos, pero se pierde bastante tiempo en el proceso.

Actualmente somos Camilo Galvis en batería, Brayan Ramírez al bajo y la voz, y Gustavo Torres en la guitarra.

Su primer trabajo fue el demo “TNT, The Natural Thrash”. ¿Este material les ayudo a darse a

conocer? Coméntame sobre este demo.

“T.N.T” fue un gran paso para dar a conocer la banda efectivamente. Al ser el primer demo, no tiene una calidad muy buena, pero fue bien aceptado por el público de la localidad y dio luz verde a nuevos proyectos.

En cuanto a líricas, ¿cuál es el tema preferido en el que se inspiran sus líricas?

Nuestras líricas hablan netamente de la destrucción humana, la muerte y la decadencia de la sociedad en que vivimos. Desde sus inicios, Blasted Blind se ha identificado siempre por hacer letras crudas y con contenido explícito.

Colombia posee una gran escena, así que podemos suponer que existe mucho apoyo por parte de los sellos hacia las bandas. ¿Realmente esto es así?

Realmente no. Los sellos para grabar un EP siempre deben ser buscados por los integrantes, se hace algo mal llamado “autogestión”, porque la escena es grande, pero es poca la ayuda que se dan entre todos.

Ven la música como competencia, y no como

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una forma de apoyarse para así lograr darse a conocer con el público local y distrital.

Ustedes graban el EP “Vida Perdida”. ¿Cómo fue la aceptación del público y de los medios hacia este material? ¿Mostró el potencial de la banda o sólo fue una prueba de lo que podían hacer?

La aceptación del “Vida Perdida” fue excelente. Duramos tocando nuestro trabajo al menos 4 años de seguido, dando a conocer el material en cualquier lugar donde nos presentábamos, y a la gente le gustó el trabajo.

Al ser grabado en el 2012, los miembros de la banda no tenían un estilo bien definido, y efectivamente no se muestra todo el potencial de la banda. Al ser un demo, no viene mezclado ni masterizado. Se grabó totalmente en bloque.

Han podido compartir escenario con grandes bandas, tanto de Colombia como del extranjero. ¿Qué tal ha sido esto para la banda? Coméntanos.

La experiencia de compartir tarima con bandas de afuera es excelente. Es bueno compartir e intercambiar experiencias con gente de otros lados, que ve el metal de pronto con otra perspectiva, pero con el mismo amor por el metal y las ganas de seguir escalando.

Con las bandas nacionales ha sido una experiencia genial también, pero se ven muchas envidias y muchas cosas fuera de lugar en una escena que debería estar más unida por el metal, y no abierta por egos o “rockstars baratos”.

Me imagino que deben de estar preparando material para un nuevo trabajo discográfico. ¿Es cierto esto? ¿Estos temas sigue la misma línea musical que los anteriores, o hay una evolución respecto a la temática lirico y musical?

Efectivamente, se está trabajando duro para sacar un EP doble de 5 temas cada uno. Es algo costoso y de tiempo, pero las canciones están hechas y se está moldeando la idea de un video clip para el año que entra.

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Las líricas y el estilo han tenido un leve toque de innovación, pasa del thrash metal puro a un estilo thrash/death pegajoso que ha gustado a varios fans del metal en Bogotá. ¿Qué les dirías a los metaleros que aún no los han escuchado para que les pongan mayor atención?

Les diríamos que se preparen, que Blasted Blind vuelve más recargado que nunca, con un EP contundente que va a estallar la cabeza de más de uno.

Esperamos que la banda empiece a tener mayor reconocimiento, que sea una voz a voz, como en los 80’s. Roten sus demos, intercambien música, hagamos que esta escena crezca y sea una de las mejores en Latinoamérica y el mundo, apoyemos el metal nacional. ¡La música que ustedes hacen también es interesante! ¿Cuál es su principal meta como banda? ¿Cómo ves el futuro de Blasted Blind?

Pues la principal meta ahora es salir de gira suramericana y grabar el siguiente EP, queremos conocer las escenas de otros países.

El metal es muy querido en Suramérica y quisiéramos llevar nuestro granito de arena a cada parte del mundo si es posible, dar a conocer metal crudo colombiano. El futuro de la banda es incierto, vivimos al presente y obvio trabajando duro por un futuro lleno de éxitos.

Bien, esto es todo. Gracias por el tiempo. Si desean añadir algo más, pues adelante, el espacio es suyo.

Muchas gracias por la entrevista y por tenernos en cuenta a los integrantes de LaCarne Magazine.

Siempre es muy agradable para nosotros charlar con gente de otros lados sobre nuestros proyectos y nuestra música. ¡MUCHAS GRACIAS! ¶

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Hellraizer

puro amor por el Death Metal LEER MÁS

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esde Nicaragua llega esta banda de nombre Hellraizer, formada a principios del 2012 en la capital de este país de Centroamérica, Managua.

Su música esta encasillada en el Death Metal, y así lo demuestran sus dos EP que han lanzado. También ya salieron de su país a mostrar su propuesta fuera de sus fronteras.

Aquí esta Christopher Castillo, guitarrista de la banda, para responder algunas preguntas.

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Hellraizer, puro amor por el Death Metal Saludos y sean bienvenidos a las páginas de LaCarne Magazine. Primero que nada, quisiera que compartieras con nuestros lectores, ¿cómo y cuándo fue que se creó Hellraizer? ¿Por qué decidieron llamar Hellraizer a la banda?

El proyecto de Hellraizer comenzó a finales de 2011, cuando Ruddy Mayorga (King Ruddy) como vocal y yo, Christopher (Casualty) en la guitar, comenzamos a practicar algunas canciones de Metal, y nos dimos cuenta del potencial que teníamos de crear una banda,

pero nos hacía falta un baterista, lo cual fue una odisea conseguirlo.

La primera alineación fue junto a Carlos Bone en la batería y Héctor Molina en el bajo. En esa época empezamos tocando thrash metal.

Tocamos un par de veces en el garaje de unos amigos y fue ahí donde nos dimos cuenta que los guturales era lo de Ruddy.

Sacamos un par de covers de Cannibal Corpse, y fue amor a primer oído con el Death Metal, decidimos que ese sería nuestro credo.

Con respecto al nombre, se decidió así porque nos sentimos identificados con la película Hellraiser, ya que ésta representa el gore, la parafilia, y todos los bajos instintos que los humanos traemos, pero por motivo de copyrigth nos pusimos Hellraizer con Z. Con el tiempo conocimos otras bandas con el mismo nombre, como por ejemplo Hellraizer de Indonesia, con quienes compartimos mensajes, ideas y somos bandas hermanas.

Desde sus inicios siempre se encasillaron en el Death Metal. ¿Por qué deciden hacer Death Metal considerando la gran cantidad de bandas que hacen lo mismo?

En Nicaragua, en el momento de nuestra fundación, eran pocas las bandas que usaban slams en su música, y esa fue parte de nuestra línea. También fuimos influenciados por nuestros amigos, como Ronaldo Montenegro y Kevin Mejía, quienes nos apoyaron en nuestros inicios.

De la generación de bandas que nacieron en la misma época que nosotros, somos los únicos que hemos mantenido activos y produciendo nuevo material, pues la música y el Death Metal se volvió parte de nosotros.

Luego de consolidar su alineación, hacen su debut oficial en octubre del 2012 en el Festival Tormenta Negra. Ahora díganme, ¿qué tal fueron recibidos por el público?

Para el festival Tormenta Negra, la alineación fue Rudy, Héctor Molina en el bajo, Kevin Mejía en la batería, y yo. Ese día fue

nuestro debut oficial. En esa ocasión llevamos 3 canciones originales y un cover de Six Feet Under.

La gente mosheo de principio a fin. Luego de la presentación se nos acercaron muchas personas a felicitarnos porque habíamos sonado como una banda con experiencia.

Claro, empezamos a tener los primeros fans, pero luego de esto la banda paso por un momento de inactividad, ya que Kevin deja la banda para dedicarse a sus proyectos personales, y Héctor también decide abandonar el proyecto.

El 2013 comenzaron a dar muchos conciertos, donde se presentaron en varias partes de Nicaragua y compartir con bandas de otros países. Coméntanos.

En el periodo 2013 – 2014 la banda logra tener estabilidad con la llegada de Jordie Boquín (Trapo) en la batería, José Gutiérrez (Lolo) en el bajo, y Moisés (Moyo) en la guitarra rítmica.

Lamentablemente, Ruddy no estuvo como vocal en esta etapa.

Su reemplazo fue Eliezer López (Fleshito) de Masaya, y yo, que seguía en la guitarra lead.

Así fue que empezamos de cero prácticamente, pero el espíritu era el mismo. Comenzamos a tocar en conciertos grandes y pequeños, en varias partes de Nicaragua, dándonos a conocer y calando en el gusto del público.

Compartimos escenario con bandas legendarias de Nicaragua como Maleficia, Gorepoflesh, Fleshtorture, Corpus Mors, Augurio, Cripta, Carga Cerrada, y bandas internacionales como Colemesis, Rotten Souls.

“Abominacionesˮ fue un EP lanzado en el 2014. Por favor, cuéntanos acerca de este material y si aún está disponible.

El año 2014 estuvo marcado por el regreso de Ruddy en la voz, y la incorporación de Mike Zepeda (Leviatan King) como el manager de la banda. Él fue el que financió el equipo con el que grabamos este material. Él es un gran apoyo para nosotros.

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El EP lo componen 5 canciones, que fueron compuestas entre 2012 y 2014 por toda la banda. Realmente son nuestros primeros pasos en este mundo del death metal. “Despierta si Estas con Vidaˮ y “Esquizofreniaˮ son dos de los tracks favoritos de la gente.

Cuando lanzamos este EP lo hicimos virtualmente. Empezamos compartiéndolo con nuestras amistades y fans, nuestra sorpresa fue grande cuando unos meses más tarde nos escribían personas de diferentes países como México, USA, Australia, Brasil, Indonesia, El Salvador, España, etc., quienes escucharon el EP y les gustó mucho.

Pero un lugar donde tuvo especial acogida fue nuestro vecino país, Costa Rica, en donde fue nuestra carta de presentación con la que se nos abrieron muchas puertas.

La banda pudo ya concretar una gira internacional, estuvieron por Costa Rica. Me gustaría que hablaras sobre esta gira y con quiénes compartieron por ese país.

Durante 2015 – 2016 la formación de la banda era la siguiente: Ruddy en la Voz, Trapo en la batería, Héctor Ponce en el bajo y yo (Casualty) en la guitarra.

Durante esta etapa lanzamos el single “Asfixia Durante la Torturaˮ, una canción que impresionó positivamente a la crítica. Fue sonada varias veces en la Rock FM de Nicaragua, ya que ahí fue el lanzamiento oficial en el programa Euforia Metal Live de Eduardo Ulloa.

También se compusieron algunos de los temas de “Desechos Anatomopatologicosˮ. La visita a Costa Rica tardó casi un año en ser concretada, ya que fueron muchos los obstáculos que pasamos, desde los pasaportes, el visado, permisos, etc.

Además que fue nuestra primera salida del país como músicos, fue una experiencia genial, ya que forjamos grandes amistades como Ale Ds de Amputation, quien fue el que nos organizó la fecha en San José, Costa Rica, y Robny Briceños, que participó en la logística.

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El evento en Costa Rica estuvo lleno. El público disfrutó al máximo el show, y compartimos con grandes bandas de ese país como Pseudostratified Epitellum, Amputation, Colemesis, Fecal Adiction, entre otras.

Sé que ha habido muchos cambios en la alineación de la banda, pero actualmente quiénes están en Hellraizer.

En la actualidad está la alineación que yo llamaría la clásica: Trapo en la batería, Ruddy en la voz, Lolo en el bajo, y yo en la guitarra.

Cabe señalar que todos somos vecinos, vivimos en la misma zona, el barrio Altagracia y Batahola Sur. En Hellraizer somos una familia, pues todos nos conocemos a fondo y he-

Este año decidimos relanzar “Desechos Anatomopatolgicosˮ remasterizándolo y añadiendo dos temas inéditos: Erección del Clitoris de tu Madre, y Sed en una versión raw, con la particularidad que ambas fueron cantadas por Trapo.

Estos trabajos los pueden encontrar y descargar completamente gratuito en nuestra página de Facebook, Soundcloud y Reverbnation: Hellraizer NIC, si les gusta nuestra música compártanla con sus amigos.

Me parece que sus letras están algo direccionadas a temas como el sadomasoquismo, desórdenes mentales… ¿es así? ¿De qué tratan sus letras y quiénes son sus principales influencias?

Así es. Las letras de Hellraizer tienen una temática dirigida a los desórdenes mentales, el gore, parafilias, tratamos de hacer letras con sentido, un extracto de “Despierta si estas con vida” dice así: “Ayer a mi hermano maté, cuando discutíamos lo apuñalé, fue un impulso que no pude contener, maldito bastardo yo ya te maté. Su pecho abierto sangraba, mientras se oía mi carcajada, siempre pienso en mi cruel hazaña, ver cómo burbujeaban sus entrañas”.

mos forjado una amistad duradera.

Si no estoy equivocado, su más reciente trabajo es el EP “Desechos Anatomopatologicosˮ. ¿Este trabajo mantiene la misma línea que el EP anterior? Cuéntanos sobre el mismo, recibimiento, producción…

Así es, ambos trabajos han sido producidos de manera casera. El sonido de “Desechos Anatomopatologicosˮ (2017) es aún más crudo, menos prolijo. De hecho, por eso buscamos ese nombre.

El lanzamiento original fue con cuatro canciones originales de Hellraizer, con un estilo propio un poco diferente al EP “Abominacionesˮ (2014).

Como pueden leer, es como una historia en prosa. Todos contribuimos tanto musical como líricamente a la hora de componer las canciones.

La escena de tu país es poco conocida. Me gustaría entonces que me dieras tu punto de vista sobre la escena del rock y el metal en Nicaragua.

La escena Nicaragüense es fuerte, ha sobrevivido a lo largo de los años, pero cada día se le cierran más y más puertas a los metaleros, ya que en algún punto se había vuelto parte del mainstream en la juventud nicaragüense, pero hoy en día sólo unos pocos seguimos en este camino.

Estamos luchando para que no muera este grandioso movimiento. En años pasados la LaCarne Magazine

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escena fue golpeada fuertemente por estafadores que armaban carteleras con grandes bandas internacionales, y al final sólo le robaban a la gente el dinero de las preventas.

Los planes que hay son retomar los escenarios locales, concretar una gira que llevamos años queriendo hacer a México, ir a promocionar el álbum que grabaremos.

Eso creó gran desconfianza entre los fans, que cuando organizadores serios querían traer bandas internacionales, el público no apoyaba, por ende no hemos podido tener grandes carteleras en el país.

En este 2019 queremos expandirnos más, que nuestra música suene lo más lejos posible y a más personas. Planeamos hacer una gira Costa Rica-Panamá.

Los eventos masivos en donde se tocaba metal se han ido cancelando, pues promotores prefieren trabajar con artistas de Reguetón o Pop, que están más en el mainstream. Lo que nos queda como músicos es seguirnos autofinanciando y trabajando nuestra música por amor al arte del metal.

Me imagino que ya deben estar en la preparación de su álbum debut. ¿Estoy en lo correcto o aún es muy pronto para hablar de esto?

Llevamos un poco más de un año fuera de los escenarios, pero siempre seguimos componiendo canciones y ensayando regularmente.

Tenemos varias canciones nuevas, planeamos grabar 3 en estos días en la Malos Pasos Records. Según como queden procederemos a buscar financiamiento para grabar el álbum completo. Tenemos planes de grabar uno o dos videoclips, y seguir adelante. ¿Cómo ha sido el trabajo de promoción que están haciendo para dar a conocer más ampliamente Hellraizer?

Empezando desde lo más básico, compartiendo la música que es el alma de la banda, tocando en los eventos que nos invitaban, haciendo amigos en todo el mundo quienes comparten la música, ya sea en páginas, grupos, blogs, etc.

Todo ello ha sido pieza clave para que nuestra música se difunda por el mundo. También participamos en podcast, radios online, y los medios que nos han dado la oportunidad de darnos a conocer. ¿Qué planes tienen para la banda en este 2019?

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Hemos llegado al final de esta entrevista. Quisiéramos agradecer el tiempo que te tomaste para responderla. ¿Quisieras dejar algún último comentario para concluir con esta charla?

Primeramente, agradecerte, Omar, por tu tiempo que has dedicado, la oportunidad de darnos a conocer y que las personas conozcan más sobre la historia de Hellraizer. Realmente nunca imaginamos que este proyecto llegaría a tener tanto alcance, pues nosotros componemos canciones en base a nuestras sensaciones y/o gusto.

Nos llena de orgullo saber que también hay personas que comparten esos gustos, de tal manera que se crea una conexión, que como artista es gratificante. Quiero agradecer a todas las personas que nos han apoyado de distintas maneras en estos años.

Antes de despedirme quiero decirles a los colegas músicos que leen esta entrevista, ya sea que empiezan en este mundo o ya tienen recorrido, que sigan adelante, no se depriman ni desistan, pues cada lucha, cada esfuerzo, tiene su recompensa, y ésa es una de las cosas que el Metal te da, una hermandad con personas de todo el mundo, pues la música no conoce fronteras.

La vida del músico amateur es dura, pero vale la pena a la hora de estar en un escenario junto a tus compañeros de banda, que se vuelven uno con el público. ¶

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Colérico Buda

Rock sincero y sin concesiones LEER MÁS

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a banda argentina Colérico Buda se encuentra en estos momentos promocionando su cuarto álbum titulado “Quién Pudiera Cantar”, un disco que cuenta con colaboraciones de músicos de otras bandas.

Para conocer sobre esta agrupación contacté con su bajista y cantante, Leandro Paira, quien amablemente aceptó responder la entrevista.

Colérico Buda, Rock sincero y sin concesiones 72 LaCarne Magazine

Antes que nada, pon al día a los futuros seguidores de Colérico Buda y háblanos un poquito de cómo se formó la banda, de los orígenes de Colérico Buda.

Colérico Buda nace en 2007 en la ciudad de Santa Fe, Argentina, como un power trío con influencias Punk, Metal y Rock and Roll. Llevamos 11 años y 4 discos grabados.

Ese mismo año de formados sacan su primer disco. Quisiera que comentaras sobre este primer trabajo, ¿cómo fue recibido, qué tal las criticas…?

La salida de ese primer disco homónimo se da en un contexto muy diferente al de hoy en día.

La banda se daba a conocer en cada show del circuito under santafesino y zonas aledañas. El álbum podía conseguirse solamente en disquerías dedicadas a la música pesada específicamente.

Siempre hemos sido una banda auto gestionada. No sé si es difícil abrirse espacio en la escena, ciertamente no es una vuelta al parque.

Lo que sí sé es que para nosotros es necesario hacer lo que hacemos.

Desde el comienzo siempre han sido un trío. ¿Ha habido cambios o siempre se han mantenido los mismos integrantes? ¿Quiénes son actualmente sus integrantes?

Hubo un cambio de guitarrista en la formación, de esto hace 5 años, que fue cuando decidimos radicarnos en Buenos Aires.

Actualmente somos Leandro Paira (bajista y cantante), Nacho Ducca (batería y coros) y Charly Czech (guitarrista y coros).

En el 2010 sale su segundo disco, y creo que la banda estaba en medio de una gira. Coméntanos.

Cuando salió “Colérico Buda IIˮ tuvimos la oportunidad de hacer más presentaciones, lo cual terminó llevándonos de gira por distintas ciudades de Ecuador, además de Argentina.

Son muchos los recuerdos de aquella época, Nacho (batería) y yo estábamos dejando de ser adolescentes.

La recepción por parte de la gente fue genial, como hasta hoy en día. Nuestros recitales siempre han sido una fiesta increíble. ¿Por qué se caracteriza la música Colérico Buda? ¿Ha sido muy difícil abrirse espacio en la escena argentina?

Por la mezcla de los estilos mencionados anteriormente, y el hecho de siempre dejar todo de nosotros mismos en cada disco y cada concierto. Colérico Buda es una banda que no hace concesiones, que nuestras canciones son nuestras historias, lo que sentimos, y tomamos posición al respecto, lo que hace que nuestra música sea sincera.

Toquemos el tema de los conciertos y giras.

Sé que han realizado varios conciertos en la Argentina. ¿Dónde se han presentado y qué tal han sido recibidos? ¿Y fuera de su país ya se han presentado?

Siempre se nos ha recibido muy bien, los rockeros somos algo así como una nación sin estado. Estamos en todos lados y nos une algo tan fuerte como la música.

“Cruces de Ciudad” fue su tercer álbum, con el cual obtuvieron gran repercusión de prensa y público. Coméntame sobre este disco. ¿Hay diferencia de aquella banda de los inicios con la actual?

“Cruces de Ciudadˮ sale en 2016, fue el primer disco que grabamos en Buenos Aires bajo la producción de Alejandro Taranto, y editado por Tommy Gun Records. Creo que es un quiebre evolutivo en el grupo en cuanto al audio del disco, ya que llevábamos muchos años tocando juntos y escribiendo canciones.

Ya contábamos con la formación actual y loLaCarne Magazine

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gramos capturar ese momento de la banda a la perfección.

En su más reciente disco, “Quién Pudiera Cantar”, contaron con la colaboración de músicos reconocidos. ¿Cómo se logró esto? ¿Hay buena amistad con estos músicos?

“Quién Pudiera Cantarˮ es el mejor disco que hemos hecho hasta el momento, con canciones muy contextualizadas en lo que viene siendo este 2018.

El disco fue grabado a finales de abril de este año, nuevamente bajo la producción de Alejandro Taranto.

Se dieron las condiciones de tener como invitados a Tito Fargo, Diego Porras y Caro Lagomarsino, un verdadero gusto para nosotros.

Esto se dio dado que Alejandro les había mostrado las maquetas que habíamos grabado, y les había gustado mucho. Entonces aprovechamos para hacerles parte de todo esto.

Paula Alberti Prensa le da mucha difusión a tu banda y muchas otras de Argentina. ¿Cómo ha sido trabajar con esta chica y su Prensa + Difusión? ¿Continuarán apostando por ella para su promoción?

Paula es genial. Ella vive esta música y la defiende a capa y espada. Trabajar con ella es grandioso, es sincera al 100% y entiende lo que hacemos.

Hablemos sobre el nuevo álbum nuevamente. ¿Dónde fue grabado, de quién fue la producción? ¿Cuántos temas lo conforman?

“Quién Pudiera Cantarˮ es un disco de 10 canciones, y fue grabado parte en el mítico estudio ION y en Deja Vu, que es un estudio increíble.

La producción estuvo a cargo de Alejandro Taranto y fue editado por Tommy Gun Records.

Las influencias que tienen hoy en día, ¿son las mismas que aquellas que tenían cuando fundaron el grupo?

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Las influencias son las mismas siempre. Son esas bandas que hacen que quieras tocar un instrumento y formar tu propio grupo cuando eres pibe (joven).

Con el correr de los años uno sigue conociendo y escuchando más música, pero las influencias iniciales siempre están en uno.

Nos gustaría conocer cuáles son los planes de Colérico Buda para el 2019.

Actualmente nos encontramos aguardando la salida de lo que va a ser el primer video clip de este nuevo material, se trata de la canción “Y ahora… con la M”, cuya filmación estuvo a cargo de Decime Puente Producciones.

También estaremos dando los últimos shows de este año.

Con respecto a 2019, estamos armando la gira que va a llevarnos por varias ciudades de Argentina.

Bueno, esto sería todo. Muchas gracias por otorgarnos esta entrevista. ¿Podrías dar un mensaje a nuestros lectores?

Antes que nada, muchas gracias a ustedes por entrevistarnos.

Invitamos a todas y todos los amantes del Punk, Metal y Rock and Roll (también a quienes no lo son tanto… quién sabe lo que pueda pasar jajaja) a escuchar este nuevo álbum “Quién Pudiera Cantar” de Colérico Buda, que se encuentra disponible en Spotify, YouTube y demás tiendas digitales.

Pueden seguirnos en las redes como Colérico Buda o ingresar a colericobuda.com donde se encuentran todos los enlaces.

Esperamos poder llevarles pronto estas increíbles fiestas rockeras que damos. ¶

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