LaCarne Magazine N79

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europa y latinoamérica

Nº79 - DIC 2018 - AÑO 8

acido

la banda pionera del Metal en Uruguay

EXPERIENCIAS

bam 2018 - el reno renardo - horteralia 2018 - Miquel Àngel Marín - festival ús

investigación miles davis

ENTREVISTAS

Diushi keri - tritton Professional DJ Academy leticia soma

SUMARIO N79 aÑo 8 dic 2018

experiencias investigación 06 bam 2018, otra manera de hacer un 24 Miles Davis, el hombre que cambió festival

10 El Reno Renardo, y su nuevo disco

la historia del Jazz

12 Horteralia 2018, el festival que

entrevistas 40 Professional DJ Academy, for-

18 La Improvisación Libre según Miquel

46 Tritton, defensores de una tradi-

“Hostiopatia”

crea precedentes

Àngel Marín

mación para Dj’s ción

20 Festival Ús, cambiando “La Modelo” 52 La Improvisación Libre con Diushi keri

58 Leticia Soma, Rock Metal denso y distorsionado

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acido,

la banda pionera del Metal en Uruguay

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, luis lama, ángela sumy, jg entonado

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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bam 2018

otra manera de hacer un festival

mucho público, pero a pesar de la multitud podías disfrutar del concierto, ahora eso ya no es posible.

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O

tro año más de logro rotundo del festival barcelonés Bam Festival.

Es tan importante Bam, no sólo por su programación musical ecléctica y maravillosa, sino por su intención de enseñarnos que existen otras maneras de hacer un festival. Busca la diversidad étnica en sus propuestas musicales (la programación es clara en este aspecto), asume el reto de la paridad de artistas, y se muestra comprometido con la precariedad histórica de los músicos.

Para nosotros eso es clave de éxito, aunque este acierto tiene algunos inconvenientes que, como público, empezamos a comprobar que algunos escenarios no pueden aguantar tanto aforo. ¿Es un problema del Bam o es un problema de Barcelona? Pensamos que al festival le pasa como a la ciudad, el problema de la saturación turística.

Hace un par de años, un escenario como el de MACBA (Plaça dels Àngels) acumulaban

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Años atrás, a pesar de haber mucha gente, tenías la sensación de disfrutar del concierto con los propios barceloneses, y algún que otro turista que venía exclusivamente al festival.

Eso este año ha sido imposible.

Los únicos escenarios donde poder disfrutar de la música sin aglomeraciones eran el Joan Coromines, Moll de le fusta, fábrica Fabra y Coats y la Antigua Fábrica Damm, tanto MACBA (Plaça dels Àngels) como Rambla del Raval enseguida tenían un aforo tan grande que te hacía imposible disfrutar de un concierto sin pensar que estabas en Mordor.

Quizás se tiene que plantear de nuevo la vuelta al Fórum, a lo mejor abrir el palacio de exposiciones de Montjuic.

Por supuesto, no hablamos del escenario de la Platja de Bogatell, que aquel ya supera todo lo dicho anteriormente.

Hablaremos de los conciertos en los que estuvimos (viernes y sábado) y sus escenarios,

pero antes hay que mencionar sin ningún reparo el escenario y propuesta de la antigua fábrica Fabra y Coats. Es necesario citar el proyecto BAM-Cultura Viva.

BAM-Cultura Viva ofrece charlas abiertas al público en su primera jornada para hacernos reflexionar sobre la música, con ponentes pertenecientes a colectivos culturales, sociales y musicales, en la que se trataban temas como la autogestión, la educación musical o el racismo.

Pero además, en su programación de artistas ofrecía espectáculos para toda la familia e interactivos. Toda la información la tenéis en la crónica de Nando Cruz en este link: El sentido de la música Una vez dicho todo esto, nos centraremos en los conciertos y en sus escenarios:

BAM 2018 - VIERNES 21 ESCENARIO JOAN COROMINES Balago

Un paisaje industrial el que nos dibujaron los catalanes en el CCCB.

Nadah El Shazly

La egipcia fue puro sentimiento, fuerza y coraje a la hora de expresarse en su live. Electrónica experimental junto con la sensibilidad de su voz y sus raíces árabes.

Nos dio un concierto místico, con esa esencia folk de su tierra y las influencias del R&B o el jazz más vanguardista.

La Rosalía del Nilo, la llamamos nosotros.

Tiger Menja Zebra

Los de Granollers vinieron a demostrarnos su “Anarquía i mal de cap” en directo. Puro rock ruidista con soporte electrónico, que nos hicieron vibrar enérgicamente y perder la cabeza.

Unos verdaderos agitadores sonoros y provocadores rítmicos.

Su directo fue experimental, bailable, dado a pogos, y es que la fuerza y contundencia de las baterías nos hacían bailar cada impulso nervioso de nuestro cuerpo.

Los de La Garriga (Bcn) eran los encargados de inaugurar el escenario dedicado en este día a la música electrónica y a la experimentación. De ahí, que ellos fueran los elegidos para el primer plato.

Su directo se encuentra entre el ambient y la experimentación, con suculentas y profundas atmosferas, muy pocas bases rítmicas y melodías a cargo de los sintetizadores, cajas de ritmos y cacharros electrónicos.

Su directo fue una catarsis de beats anti sistemas perfectamente coordinados para hacernos ver que o estas con ellos, o estas contra ellos.

ESCENARIO RAMBLA DEL RAVAL Candeleros

La formación colombiano-venezolana nos realizó justo el directo que esperábamos: perfecta LaCarne Magazine

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fusión de cumbia, ritmos latinos y psicodelia para inaugurar el festival.

Pudimos dejarnos llevar por la música de estos chamanes afincados en Madrid, que con sus sonidos condujeron al público hasta la liberación colectiva, como si de un sacrificio rítmico fuera.

Fue su estreno en la ciudad, y sin duda mereció mucho la pena. Sembraron la semilla para que las puertas de Barcelona estén siempre abiertas a sus artes tropicales.

Batuk

Los de Johannesburgo nos ofrecieron justo lo que queríamos: electrónica de club, letras reivindicativas, hip hop y sonidos africanos.

Iniciaron el directo con ritmos rotos cercanos al drum & bass, para luego dar paso al rap de vieja escuela con grandes beats, rimas contundentes, y mucho arte a cargo de un ilustrador, un dj, un programador y 2 Mc’s.

Ana Matos, su líder, fue pura reivindicación.

Incluso nos preguntó a posta si queríamos que se expresara en castellano o portugués. Lógicamente todo el mundo dijo que portugués. Un buen inicio de jornada.

ESCENARIO PLAÇA DELS ÀNGELS Masego

No cabía ni un alfiler en su directo, y eso que coincidían en horario con Meute y el hijo de Fela Kuti. Canciones como “Puta”, “Move”, o la maravillosa “Vida” fueron algunos de los temazos que nos dejaron.

Su cantante, Manteiga, y el rapero Spoek fueron el tándem perfecto para enseñarnos los nuevos aires de la música sudafricana, y cuánta vida y energía tiene el sonido realizado en los guettos de las grandes urbes del continente africano.

BAM 2018 - SÁBADO 22 ESCENARIO JOAN COROMINES Capicua

En Oporto saben hacer buen rap Old School, y lo comprobamos desde un principio.

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El jamaicano fue un espectáculo. No cabía nadie en la plaza, y poder disfrutar del concierto sin haber reservado sitio previamente resultaba imposible.

Un placer escuchar su directo de “Jazz futuro”, R&B, Jazz, hip hop, música de baile, con una banda muy completa en la que las coristas llenaban mucho el show acompañando a Micah.

El de Virginia atrajo a un público más joven, gran conocedor de su trayectoria, y que no pararon de cantar y bailar sus canciones.

No cabe duda que un maestro del “Emotion” internacional iba a congregar en la capital del trap nacional a un público multitudinario. Una fórmula musical perfecta y un directo potente, y tenemos estrella internacional.

ESCENARIO RAMBLA DEL RAVAL Ammar 808

“bam Busca la diversidad étnica en sus propuestas musicales, asume el reto de la paridad de artistas, y se muestra comprometido con la precariedad histórica de los músicos” el techno más oscuro acompañado de líneas de bajo profundas, nos hicieron disfrutar de principio a fin.

La eclosión de beats, y las diferentes etnias vecinas que viven en el Raval disfrutando del directo fue tan tremenda como maravillosa.

Sin duda, un cierre de día magnifico.

Lo del argelino fue una exaltación colectiva a base de ritmos contundentes próximos al hardtechno o el hardcore. Un disfrute máximo para los amantes de la electrónica, y sobre todo de la roland 808.

Su directo, entre los sonidos árabes y la electrónica más gabber en algunos momentos, y

Hasta aquí disfrutamos del BAM. El domingo nos pasamos por el escenario antigua fábrica estrella Damm para ver su aforo y disfrutar de actividades culturales ajenas a la música. El año que viene más. ¶

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EL RENO RENARDO y su nuevo disco “Hostiopatia” LEER MÁS

T

ras mucho tiempo de espera, llega lo nuevo de El Reno Renardo: Hostiopatia

El 19 de octubre vio la luz el 6º disco de El Reno Renardo, compuesto por 15 temas. Ha sido masterizado por Enrique Soriano en los estudios Crossface Mastering de Valencia, y nuevamente ve la luz a través del Maldito Records.

Analizamos Hostiopatia, la nueva obra maestra de El Reno Renardo La portada es obra de Xabier Amezaga, y simula la portada de un comic en la que está la “crème de la crème” del reparto de hostias, con los que se hizo una votación en redes sociales para ver quién protagonizaba el primer tema del disco, Intruder.

Como resultado de la votación ganaron Bud Spencer y Chuck Norris. En Intruder aparecen Itziar tu (poniendo la voz a la enfermera), Koldo Gilem poniendo la voz de Bud Spencer, y Jevo a Chuck. La base de la música es una sucesión de hostias.

Bisbal). Es una canción que describe a la perfección a la sociedad actual, con toques de Rammstein, Blind Guardian e incluso música electrónica.

El cuarto tema es Sanotes, en el que se ironiza sobre el culto al cuerpo, los fofisanos y la adicción al deporte. Es el tema que eligieron como adelanto del álbum, y el videoclip no tiene desperdicio.

Conspiranoid trata de las teorías conspiratorias que cobran cada vez más fuerza gracias a Internet, como los Illuminatis, reptilianos etc. Esta canción esta compuesta por Jevo y Juako Malavirgen, que es un cantautor y monologuista. El tema es un guiño a la canción Paranoid de Black Sabbath.

Eres True habla de la gente que consideran vendidos a los grupos de Metal en el momento que son famosos. Cuenta con las colaboraciones de Juan Abarca (Mamá Ladilla), José Cordoba (El Chivi), Charlie Glamour (Gigatron), Yagowar Headhunter, Leire Lizarraga, y Luis Talleda. Como no podía ser de otra manera, acaban versionando a Mocedades.

A continuación llega una canción critica contra la droga y las situaciones que metafóricamente viven. Es una versión de Pain “Shut your Mouth”, y el tema se llama ¿Qué has tomao?

En Compañero de Piso se describe todo lo que puedes vivir y sufrir al compartir piso, y aunque el grupo asegura que hay mucha ficción en el tema, conozco gente que hace cosas incluso peores. Puede recordar en ocasiones a Judas Priest o Megadeth.

La octava canción es Cinta americana, que es un homenaje a este invento que tanto nos ha ayudado. La música en un principio había sido compuesta para Valhalla hace más de 15 años, pero no se llegó a usar, (el grupo anterior de Mikel, Iván y Jevo).

La gente es imbécil: Podría ser la continuación de Hasta la polla (Y el reino de la cagalera de

Cafelitos critica a los sibaritas del café, a aquellos que piden los cafés de mil formas en vez de pedirlos como todo el mundo. Cuenta con

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la introducción en la voz de Iñigo Kani, del grupo The Ribbons. Metal del bueno con toques Trash.

Cumpleaños Feliz: Es una versión acelerada de la canción de Parchís, que habla del paso del tiempo y el cambio de costumbres a medida que se cumplen años.

Forfait habla de toda la fauna que se encuentra en las estaciones de esquí, con un estribillo pegadizo y una buena música de metal pesado.

Huele mi ombligo hará las delicias de los amantes de Mayhem, Cradle of Filth, Dimmu Borgir y todo el Black Metal Sinfónico, con un estribillo brutal.

Ofender está dedicada a todos los que se ofenden por todo, y seguramente esta canción también les ofenderá. La música es estilo Industrial metal, tipo Rammstein, Oomph!, o Eiserbrecher.

Casi terminando el álbum llega el Megalodón, la canción veraniega del otoño, un digno competidor del Bogavante, del disco “Y la cagalera de Bisbal”.

Llega la clásica canción de versiones con la que El Reno Renardo termina sus discos.

Simplemente insuperable. Os dejo las canciones que versionan y sus tiempos: -00:00 Moonchild- Iron Maiden -00:30 BSO La Historia Interminable -02:03 Primo Victoria - Sabaton -02:20 Bso La Abeja Maya -02:57 Gloria- Laura Branigan -04:22 Sofía- Alvaro Soler

-05:47 Hail and Kill - Manowar -06:12 Gutter Ballet- Savatage -07:36 Heil Patrol - Judas Priest -08.50 Carrie - Europe Para terminar la reseña de esta obra maestra de la música y el humor, donde la experiencia y la maestría musical de Jevo, Mikel, Aitor, Juan y Aitor es latente, quiero aclarar que El Reno Renardo no es un grupo de versiones, por mucho que puedan recordar a otros grupos.

Sus temas son propios, salvo los que ellos indiquen. Además, si El Reno Renardo hiciera un grupo de versiones de Sabaton, por ejemplo, harían gala de su buen humor y se llamarían Sabadón (y el Domingo Resacón). ¶

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Horteralia 2018 el festival que crea precedentes

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stamos ante el festival extremeño que ha creado precedentes: Horteralia.

Desde que surgió dicho festival, no han parado de salir festivales similares. Be fresh en Madrid o Love the 90’s, que se celebra en diversas ciudades de España y Portugal, han seguido la estela del festival extremeño.

Desde Amantesdementes han sabido crear una marca, que además debería ser Marca Extremadura, y por eso desde aquí reivindicamos que dicho festival merece un recinto mejor, mayor aforo y más apoyo de las instituciones.

Horteralia mira a Extremadura porque su productora es extremeña, y porque cuenta con artistas extremeños en todas sus ediciones.

Horteralia es diferente, no solo por recuperar viejas glorias y canciones de toda la vida, sino por su actitud, por su libertad, y por sus premios.

Un festival donde reparten galardones como la riñonera de oro, donde hay un pregonero, donde se da la interacción de los artistas que forman parte del cartel, ya sea a modo de colaboración espontánea en el escenario o acompañamiento con bailes y coros.

Además, productores de gran calado como Guille Milkyway se han pasado por dicho festival con sus amigos con la libertad de disfrutar de un evento sin ser la estrella, y sin que ningún fan te persiga.

reo, no hay estilismo, no hay modas, cada uno va como quiere sin ser objeto de miradas, y si las hay, es para reírse de uno mismo. Tiene entre sus objetivos cumplir con la paridad, y sobre todo cuidan a los artistas a todos por igual, independientemente de la fama de cada uno de ellos.

Amantesdementes, como organizadores, se muestran accesibles, abiertos, colaboradores, se nota que viven el festival, que detrás del evento hay mucho trabajo porque se cree en el producto no desde el punto de vista capitalista (como comprobamos en muchos festivales actuales), sino desde la opción de la libertad, de la integración, del respeto o la transgresión.

Dicha cita empezó realizándose en septiembre y en una plaza de toros, para luego posteriormente cambiar de fecha a noviembre y en un pabellón donde se ha quedado definitivamente. También se realizó una edición veraniega en Matalascañas, el enclave, lugar de vacaciones de muchos extremeños, y en la discoteca Surfasaurus, también local muy querido por el público vacacional de allí.

Entre los artistas que hemos tenido el placer de disfrutar en ediciones pasadas recordamos a Georgie Dann, Karina, King África, María Jesús y su Acordeón, o Los Centellas entre los clásicos, también autoridades de los 90 como Letizia Sabater, Yurena, Viceversa, Sonia Madoc o Rebeca, sin faltar bandas de los 80 como Olé Olé, Un Pingüino en mi ascensor o No me pises que llevo chanclas.

De las nuevas generaciones tenemos a Las Bistecs, Ladilla rusa, Papa Topo o Los Ganglios, y por último, de los artistas extremeños han pasado, Tokyo Dj, Dj Cretino, Los Tara dj’s, Cherri Coke o The Carnical Brothers.

No olvidemos la indumentaria, no hay postuLaCarne Magazine

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A continuación, os presentaremos cada uno de los artistas de este año:

AZÚCAR MORENO

Primer cabeza de cartel extremeño del festival, una auténtica declaración de intenciones.

Las hermanas Salazar son estrellas nacionales y eurovisivas.

Deleitarnos con su arte será una maravilla para los hortefans con su alta variedad de hits como “Bandido”, “Devórame otra vez”, “A caballo”, y ”Solo se vive una vez” entre otros muchos. Estamos ante unas estrellas mundiales.

Salieron en películas como “El Especialista”, donde cantaban “El Amor” apareciendo en anuncios en USA de Coca Cola, Ponche Caballero o los zumos Juver.

Entre sus descubridores tenemos a Valerio Lazarov o Lina Morgan, por lo que hablamos de una mujer con una trayectoria y carrera muy fructuosa en las diferentes artes escénicas.

LOCOMÍA

La relación de Loco Mía con Extremadura viene de lejos. Uno de los miembros de la primera etapa era jurado en el concurso de murgas de la ciudad de Badajoz.

La formación actual, reunida desde el 2011, será uno de los platos fuertes del festival. Escuchar hits como “Loco Vox”, “Rumba, Samba, Mambo”, “Gorbachov”, “Noche de Embrujo” o “Taiyo” será un verdadero espectáculo.

Glamour, diseño, abanicos, y un trozo de Ibiza será lo que aportarán los chicos de las súper hombreras.

JOE CREPÚSCULO

Si hay alguien actual que sabe montar una verbena en cada ciudad donde va es Joel.

Sus conciertos son la perfecta fusión de ritmos electrónicos, rock y letras pegadizas, con la idea de hacernos bailar y disfrutar de principio a fin en cada uno de sus shows.

La historia de España post transición no se entiende sin las hermanas de Badajoz, y tenerlas en Cáceres convertirá la cita en algo inolvidable.

MALENA GRACIA

Que un festival tenga como cabeza de cartel 2 artistas femeninas, dice mucho hoy en día.

La madrileña es otra estrella internacional. Su hit “loca” forma parte de la memoria musical española, como su grupo SexBomb.

Es tan polifacética que la hemos visto en obras de teatro musicales como “Vuelven Las Corsarias” o “Grease Tour”, en cine en films como “Átame” de Pedro Almodóvar, o “El aullido del Diablo” de Paul Naschy, pero también dado su belleza ha sido Playmate, vedette y pin-up española.

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Es un embaucador, dinamizador de masas, chaman del ritmo, seductor de la harmonía, hechicero de la jarana y el jolgorio.

En definitiva, todo eso nos lo aportan sus hits como “Te voy a pinchar”, “Música para adultos”, “Mi fábrica de baile” o “A fuego”. No es un vampiro, pero nos mantendrá vivos ¡hasta el amanecer!

LAS CHILLERS

Un grupo de chicas sin complejos que tocan en directo canciones de toda la vida desde su particular visión de la música. Le aplican el filtro rockero y punkero a canciones de Camela, Mecano, y Rocío Jurado entre otros muchos.

Son un ejemplo de diversión, alegría y compromiso con los colectivos LGTBI. Empezaron tocando en fiestas de barrio en

Madrid, para de manera trepidante acabar en festivales TOP de España. Con ellas nos desmelenaremos, haremos el mamarracho con total libertad.

ESTEBAN Y MANUEL

Cuántos grupos cachondos e irónicos nos da Galicia. El dúo coruñés nos aporta los aires tropicales a Horteralia. Cumbia, ritmos latinos y autotune (que nadie se piense que la única que lo puede usar es Shakira) nos traerán bajo el disco “La Banda Sonora de tu día a día”.

Cuando disfrutéis su directo, rápidamente iréis a buscar su cinta a la gasolinera más cercana, incluso convenceréis al concejal de festejos de vuestra población, y los acabará llamando para la fiesta post romería de la patrona del pueblo.

Primavera Sound, Vida Festival o Monkey Weekend ya los han programado, así que estamos hablando de canela fina.

CHERRI COKE DJ

La fiesta en Cáceres va asociada a este dj. Su amplio espectro musical le lleva a formar parte de todo tipo de eventos, fiestas populares, fiestas universitarias, fiestas LGTBI, gira junto a artistas ochenteros y noventeros de diferen-

tes estilos musicales.

Un tipo con carisma, futbolero, periodista y muy hincha del Barça, un showman en toda regla que sin ninguna duda dinamizará a todos los horteras como “Dios manda”.

DJ ESNÓRQUEL

Canciones pop con ascendente disco se define así mismo. Él mismo se considera como dj de fiesta de pueblo. Entre sus sets siempre incluye diferente tipo de parafernalia como pelucas, confeti o lip syncs.

En su actuación nos podremos encontrar por tanto mucho de performance, ya que es amante del cine, y también una selección ecléctica de las diferentes variantes del pop actual y pasajero. Un tipo sin complejos, dispuesto en sus actuaciones a romper todo tipo de etiquetas. ¶

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La Improvisación Libre según

Miquel Àngel Marín M

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iquel Àngel Marín, viejo conocido de esta revista, es un buen amigo mío y siempre recurro a él cuando tengo una duda existencial relacionada con el arte y con la improvisación libre.

Hace no mucho le comenté que tenía una duda respecto a la necesidad de ensayos (ya he hablado más veces de esto) para evitar las fórmulas repetitivas en la ejecución improvisatoria.

Le comenté que con el ensayo, en el que da

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tiempo a reflexionar, comentar, y por supuesto repetir ideas que te han gustado, y en la música compuesta, también se puede llegar a fórmulas que sean aburridas y ya trilladas.

Mi opinión es que a ese callejón sin salida se llega en cualquier disciplina artística, sea improvisada o no.

Al fin y al cabo, todo proceso artístico forma parte de la vida, y con el paso de los años la rutina y repetición es algo inevitable e implícito al ser humano.

También podría ser, he llegado a pensar, una forma de reivindicar una personalidad, una entidad y un lenguaje propio. De todas formas, el ensayo se hace cada día, reflexionando cada uno de nosotros, con nosotros mismos.

para él, improvisar (con la cámara) o no improvisar eran dos categorías mucho más reales que documental o ficción. Te lo digo porque muchas veces, desde el mundo de la partitura, no se valora la improvisación o se la tiene por algo inaccesible o absurdo.

O sea, que siguiendo al cineasta, y es lo que yo pienso, ya podríamos ir desfigurando, superando y dejando obsoletas las categorías de clásico, jazz, pop, folklore..., y hasta la de improvisación libre. Improvisar y no improvisar... Y también no dejarse molestar mucho por estas categorías, tender al olvido de ellas, que ayuden lo necesario, que más o menos guíen...

Creo que un problema es el pensamiento dogmático. La partitura está abonada a este pensamiento porque es un objeto artístico cerrado, es palabra de “Dios”. Lo que no la desautoriza ni la condena. Uno tiene que aprender a relacionarse con la partitura para conquistar una libertad de “uso”. Esto sería el campo o categoría de la no-improvisación.

La improvisación también tiene el peligro del dogmatismo, como cualquier actividad humana. La tendencia es la codificación, adoptar esquemas que “aseguren el tiro”.

Esa reflexión y esa búsqueda es continua, te reúnas con alguien o no. También es otra forma de ensayar y buscar nuevas ideas improvisar con gente distinta, sin necesidad de hacer ensayos “formales”, con las mismas personas, que a mí personalmente, me quitan la energía.

Miquel Àngel Marín me escribió a los pocos días y me dijo lo siguiente:

Miquel Àngel Marín y la Improvisación Libre “Hola, Javier, te voy a contestar improvisando.

El otro día descubrí en google a un cineasta holandés (Johann Van Keuken) que decía que

Creo también que tanto la improvisación como la no-improvisación tienen que ver con el pensamiento libre, con la capacidad de relación abierta y afectuosa con las cosas y la vida, y las personas. Aprender de un libro, por ejemplo, yo diría que es un acto de dulzura, aquello que se dice de “abrir el corazón”. Ay, aprender!!!”

Bien, pues ahí queda eso para quien quiera reflexionar.

Atentamente, Miquel Àngel Marín Ribes & J.G. Entonado (a.k.a. Arín Dodó) ¶

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Festival Ús cambiando “La Modelo”

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l Festival Ús tiene como objetivo recuperar espacios públicos en desuso para darles una nueva vida a través del arte urbano y la participación ciudadana. Nos estrenamos en este nuevo evento para nosotros.

No es la primera vez que participamos en un festival integrado dentro de una cárcel, lo hicimos en Maquinarte (Badajoz), y en el No Callarem (Bcn). Tanto en Maquinarte como No Callarem los objetivos eran distintos.

No Callarem Festival pretendía denunciar los recortes en libertades, sobre todo en libertad de expresión, que está padeciendo el país en los últimos años; mientras que Maquinarte era potenciar el arte electrónico en sus diferentes opciones.

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El Festival Ús ya va por su quinta edición.

Anteriormente ha pasado por otros lugares emblemáticos de Barcelona: Mercat dels Encants (2014), carrer Pere IV (2015), Can Ricart (2016), y Poble nou (2017).

Dentro de las actividades del Festival Ús teníamos las siguientes:

Festival Ús - Actividades

Muralistas: Nosotros alucinamos mucho con las obras de Elisa Capdevila, Twee Muizen, Emily Eldridge o Paula Nonet.

Instalaciones: Donde había trabajos de Bornay, Margalef, Domestic Data Streamers (Úxperience), Octavi Serra y Jail Lab (Seeway, Elisava, UIC Barcelona) Cine en la galería: diferentes películas para tratar diferentes temáticas. La vulnerabilidad a cargo de films como “La espalda del mundo”

o “Princesas”; Legalidad, justicia y represalias por películas como “Las cloacas de interior” o “Salvador”; Resilencia con metrajes como “Filosofía a la prisión” o “La vida secreta de las palabras”.

Jornada Womart: Conferencias a cargo de ponentes femeninas de diferentes ámbitos artísticos y sociales, destacando a Paula Bonet, Marta Domènech, o Neus Molina entre otras muchas.

EngARTjolats: una exposición de Montana Colors.

estrellas internacionales como Beyoncé o Shakira. Una set encaminada a un público masivo con ganas de disfrute sin contemplaciones (eran las fiestas del barrio), donde las coreografías de Siria dinamizaban al público asistente.

Quizás una artista más encaminada para festivales como Horteralia o Be Fresh que un escenario dentro del Festival Ùs. También comprensible su programación, puesto que era todavía horario infantil y había presencia de pequeñajos por allí.

Market.

ULTRAPLAYBACK (21h) Es un grupo del underground barcelonés al que teníamos muchas ganas de ver. Lamentablemente su actuación tuvo un sonido nefasto.

Música: Teníamos dos escenarios, un 4x4 a cargo de artistas de Red Bull Music Academy, y otro escenario con artistas de Barcelona.

Cada uno en una esquina de la modelo.

Preparados para hacernos disfrutar, salieron vestidos de presos con los nombres de M.Rajoy, y Valtonyc entre otros. 3 cantantes, guitarra, bajo, batería y electrónica.

A continuación comentaremos algunos de los conciertos a los que asistimos.

La formación al completo nos tocaron temas como “Ya nadie baila” o “Todo el mundo es dj”.

Lo increíble es que tocaran lo que tocaran no te enterabas de nada. Lo que sí sacamos en claro es que es un grupo que debería tener hueco en Horteralia porque sus letras y su mamarracheo ¡lo merecen!

Ús Kids: Murales para niños.

Festival Ús - ESCENARIO RED BULL

DANI BARRIT (18h a 20h) Pudimos disfrutar del final de su set dj.

Ritmos electrónicos entrelazados con sonidos tropicales y africanos.

Lo poco que vimos demostraba un estilo depurado y técnico con la fusión como eje principal.

Nos quedamos con ganas de más.

LEGOTEQUE (22h) Dj habitual de Razzmatazz. Entre sus sets list encontramos siempre temazos y muy buenas selecciones.

SPACE WOMAN (20h) Sesión de Techno Berlinés con toques ácidos y reminiscencias house, o incluso del electro.

En su actuación se notaba que era más verbenero de lo habitual, ya que alternaba temas clásicos y actuales con mezclas perfectas, pero quizás abusando de sonidos electrónicos cercanos al EDM o al house más comercial.

Creaba melodías hipnóticas entre arpegiadores y ritmos 4x4, que, junto con los fuegos artificiales contiguos a cargo del “correfoc” que pasaba por al lado, crearon una atmosfera muy sugestiva para el disfrute del personal.

En todo caso, consiguió su propósito, que era hacer disfrutar al público en las fiestas del barrio coloquialmente conocido como Gaixample. ¶

Festival Ús - ESCENARIO ÚS

SIRIA dj (19h) Sonidos dance y pop comercial a cargo de

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Miles Davis el hombre que cambió la historia del Jazz

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n esta nueva entrega os traemos la increíble historia del gran Miles Davis.

En esta primera parte haremos un recorrido por la vida de Miles, centrada en los años 40, 50 y 60.

Los primeros años de Miles Davis

Pongámonos en situación: Año 1987, Ronald Reagan es el presidente de los Estados Unidos, y en la Casa Blanca se celebra un homenaje a toda la carrera musical del gran Ray Charles (que sí, que sí, que ya hablaremos de él).

Hubo muchos invitados en esa recepción.

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Entre ellos se encontraba el protagonista de nuestro relato: el imprescindible Miles Davis, que ya por esos años iba vestido con un estilo ecléctico y africanizado.

Mucha gente miraba extrañada al invitado, algunos incluso no le conocían. En cierto momento, la señora de Reagan, Nancy, se acercó para finalmente preguntar a Miles Davis que cuáles eran los méritos que se le atribuían para estar en esa cena.

Ni corto, ni perezoso (ni desacertado), nuestro protagonista espetó a la primera dama: “Bueno, soy Miles Davis y creo haber cambiado el curso de la música unas 5 ó 6 veces. Y usted, ¿qué méritos ha hecho, aparte de follarse al presidente?”.

Y sí, este hombrecillo de aspecto pequeño y taciturno cambió el curso de la música unas

poco acostumbrado al Jazz contemporáneo, pues muchas veces se trata de variaciones tonales, introducción de nuevos instrumentos, o cambios en ritmo.

Incluso hará uso de sus estilos creados en una única melodía, volviéndonos locos al resto de los simples mortales. Aun así será un recorrido plagado de jazz, experimentos, fusión y mucha genialidad. ¡Abrochaos el cinturón, porque conduce Miles!

Los inicios de Miles Davis

Miles Davis viene al mundo un 26 de mayo de 1926 en Alton, Illinois, en el seno de una familia bien posicionada. Su madre era maestra de música y su padre dentista. Por lo tanto, el joven Miles se pudo permitir desde pequeño un buen aprendizaje musical. En 1935 le regalan una trompeta y comienza a dar clases con Elwood Buchanan.

En 1939 ya se encontraba tocando en las bandas locales, incluso se convirtió en el primer trompeta de la Orquesta Sinfónica de St Louis. Pronto es nombrado director musical de la Rhumboogie Orchestra.

cuantas veces, y ése es el recorrido que vamos a hacer con esta entrega.

40 años dan para mucho si eres un genio como Miles Davis. Por eso, este homenaje lo vamos a dividir en dos partes para poder abarcar la carrera musical de este artista, y no saturarnos en exceso de información (aunque tratándose de Miles Davis podría escribir 10 partes y seguramente me quedaría corta).

Haremos una primera parte centrada en los años 40, 50 y 60, y una segunda a partir de los años 70 en adelante, hasta la muerte de Miles Davis, y ya veréis como no se queda corto al chulear sobre sus cambios en la historia de la música.

Eso sí, tenemos que tener presente que estos cambios a los que se refiere Miles Davis a veces son difíciles de distinguir para un oído

En su último año de instituto debuta con la Orquesta de Billy Eckstine en el Riviera Club de Saint Louis, sustituyendo durante dos semanas al trompetista principal, algo que cambiará definitivamente la vida del joven Miles para siempre, pues en esa banda se encontraban Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Dexter Gordon, Art Blakey y Sarah Vaughan, un grupo que abrirá los ojos del trompetista para introducirle en el mundo de Bop. Miles nos marca un camino muy intenso que recorre cuatro décadas, y que nos ofrece una visión detallada de la historia del Jazz innovando, creando, e inventando en todas ellas.

Nuestro joven artista se introduce en el Jazz de la mano de Charlie Parker y el movimiento Bebop.

Como sois alumnos y alumnas aventajados, no nos vamos a extender mucho en este estilo, simplemente recordar cómo el Bebop trajo a la LaCarne Magazine

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escena musical del momento un nuevo enfoque de las melodías jazzísticas, con acordes más difíciles e improvisaciones muy potentes y protagonistas, y alejadas de los estándares de las Big band y del Dixie al servicio del entretenimiento blanco, algo que llevará a sus emergentes artistas a explorar y experimentar con nuevas estructuras musicales.

A principios de los años 40, nuestro protagonista andaba ya por Nueva York, empapándose de la escena jazzística del momento, incluso abandonó sus estudios en la Academia Juilliard para dedicarse de lleno a actuar en los garitos de la Calle 52, junto a Coleman Hawkins, e improvisar con los grandes de la escena del momento.

Siempre iba de club en club buscando a Bird.

Pronto se convirtió en colaborador habitual de su banda, incluso fue sustituto de Dizzy Gillespie en más de una ocasión, testigo son las grabaciones que quedan de esos años, en las que también aparece un joven Max Roach. Intuimos en lo que se convertiría el joven Davis al escuchar el solo de trompeta que se marca el tío en el Ornithology de Bird.

Podemos decir que la época Bebop de Miles se encuadraría entre 1944 y 1949, años en los que se mueve entre las bandas de Charlie Parker o Benny Carter. En 1947 se registra su primera sesión como líder de una banda Bebop.

Cuando Miles Davis experimentó en el Jazz

El primero de los cambios de los que hablábamos al principio podemos encuadrarlo a finales de los años 40. Nos referimos al nacimiento del estilo Cool.

En el mundo del Jazz se produjo un hastío creativo producido por el estancamiento del Bebop, y el virtuosismo cada vez más barroco de las improvisaciones. Así, un grupo integrado por Stan Getz, Lenny Tristano y Miles Davis empezó a experimentar con sonidos swing más relajados, aportando al Jazz un sonido en formato clásico.

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Miles empieza a alejarse de las improvisaciones, acercándose más a las orquestas clásicas europeas. Todo esto surgiría a partir de la grabación del disco Birth of the Cool, una serie de sesiones que Miles grabó junto a Gil Evans y Gerry Mulligan.

Publicado en 1954, incluía únicamente 8 temas que deconstruían el Bebop y consolidaban a Davis como solista imprescindible, que ya había adoptado la sordina como sello de identidad, una sordina Harmon modificada que le dio un sonido único e inmediatamente reconocible.

Se acompañaba de un cuadro musical compuesto por 9 instrumentos: saxos altos y barítono, trombón, tuba, piano, contrabajo, batería y trompeta, en donde el solista tocaba con la orquestra, no contra ella, con temas más moderados, secciones de viento más suaves y casi sin vibratos.

ne. Ahora se busca seguir la tradición iniciada por Charlie Parker, cuyo lenguaje melódico será decisivo para desarrollar este estilo.

Es más complicado, aunque sus melodías son más ligeras y se fijan más en el rigor del tiempo. Aquí las improvisaciones se basaban en canciones populares y estándares americanos. Asociamos este estilo más a artistas como Coltrane, pero las sesiones iniciales del Quinteto que hemos aludido antes nos dan las pautas para entender más esta nueva manera de tocar. ¡Y van dos!

En 1959 sale a la luz el disco Kind of Blue.

Estamos ante un nuevo cambio de rumbo musical. Se trata de un disco encuadrado en el llamado Jazz Modal, que se basaba en temas con más patrones modales y progresiones armónicas. Se cogía un repertorio clásico, y se trabajaba sobre él a partir de diferentes armonías.

Además se populariza el uso de escobillas en la batería. Nacía el estilo Cool y Miles Davis era uno de los arquitectos de todo ello. Pronto este estilo adquirió gran fama y muchos músicos se adscribieron a él, principalmente músicos blancos, como el también imprescindible y alumno aventajado de Miles Davis, Chet Baker.

Miles Davis y la búsqueda de raíces

Con el tiempo, Miles Davis repudiaría este estilo por apenas tener conexión con sus raíces negras, y por la apropiación que los blancos hicieron de él reaccionando con la creación del Hardbop. La principal preocupación de Miles era volver a los orígenes negros del Jazz, acercándose así más al Gospel y al Blues.

Decisivo será el Quinteto de Miles Davis, que ya contaba con músicos de la talla de Cannonball Adderley, Red Garland, Mitt Jackson, Sonny Rollins, o, mi dios, John Coltra-

Se trata de un disco con 5 únicos temas, pero que marcan un nuevo camino para el jazz. Éste es uno de los álbumes más populares del mundo del Jazz, con 4 millones de copias vendidas sólo en Estados Unidos. Este nuevo estilo será decisivo en la carrera de artistas de la talla de John Coltrane o Herbie Hancock.

Hito musical donde los haya será el disco Milestones. Este disco se encuentra a caballo entre el Jazz Modal y Hardbop, incluyendo también muchos toques de Cool. Como veis, es un poco complicado entender a Miles Davis, pero se disfruta tanto... Suma y sigue, porque ya van tres.

Como podéis comprobar, en cosa de 10 años, aquí el amigo se sacó de la manga tres estilos musicales nuevos que influirán de una manera poderosísima en un sinfín de artistas que, a su vez, crearán sus propios hitos musicales.

Pero esto no es nada, eh! Tendréis que esperar al mes que viene para alucinar con lo que Miles Davis tenía aún que ofrecer a partir de finales de los 60, y cuando digo alucinar, no exagero…¶

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A

CIDO es una agrupación que conozco desde hace ya varios años, una banda que es considerada como la pionera del metal en Uruguay.

Se formaron en 1981, Juan Acuña fue el encargado de reclutar los músicos, donde se encontraba su hermano y un primo. Logran dar un gran concierto en Montevideo, considerado como el primer gran concierto de metal en el Uruguay.

A pesar de la gran trayectoria de la banda, sólo han podido plasmar dos álbumes. Pero el amigo, guitarrista y voz líder, Juan “El Perro” Acuña, nos acerca más a esta legendaria banda uruguaya.

Saludos, Juan. 1981 fue el año en que inicia todo, y con el pasar del tiempo ACIDO se ha convertido en referencia obligada al hablar del metal en Uruguay. En términos biográficos, para quienes aún no conocen a la banda, ¿cuáles son los aspectos más importantes en la historia de ACIDO desde su origen en el 1981 hasta la actualidad?

El aspecto que resalto más es el Pionerismo, ya que ACIDO fue la banda Pionera del Metal en Uruguay. Cuando hice la banda, en Julio de 1981, no pensé en ese galardón, pero pasando el tiempo, que es el que pone todo en su lugar, cuando la verdad sale a luz, ese galardón fue merecidamente otorgado.

Hoy en día ACIDO no solo es reconocido en nuestro país, sino en todo el mundo como la banda pionera del Metal en Uruguay.

ACIDO

la banda pionera del Me

Dimos el primer recital de Heavy Metal en febrero de 1984. Al siguiente año grabamos el primer disco de Metal.

El famoso blusero, rockero y metalero Pappo (guitarrista argentino que creó Pappos Blues y Riff) expresó que ACIDO era el pionero del Metal en Uruguay, como lo fue Riff en Argentina y Barón Rojo en España.

Fuimos los primeros en usar toda la indumentaria “Metalera”, vistiendo de negro, de cuero y tachas, también los primeros en tener una actitud pesada sobre el escenario.

Fuimos la Primera banda en ocupar las dos páginas centrales del Sábado Show, una revista del mundo del espectáculo, editada por “El País”, el periódico más vendido y antiguo actualmente vivo del Uruguay.

El 17 de julio de 1983 debutamos como banda, ayudando a juntar fondos para crear una guardería para niños en un complejo de viviendas.

Participamos del primer recital multitudinario de la época llamado Montevideo Rock I, compartiendo escenario con bandas míticas

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etal en Uruguay como lo fue Sumo de Argentina, o Legião Urbana de Brasil.

Después de un alto en el tiempo, grabamos nuestro primer CD “Al Ataque”, entre los años 2011-2012, con el cual ganamos el Premio Graffiti a la Música Uruguaya en el período 2013/2014 como el mejor álbum de Metal y Hard Rock. Este álbum se editó en Japón, transformándonos en ser la primera banda de rock y metal uruguaya en lanzar un disco en la tierra del sol naciente.

En sus inicios la banda estuvo formada por varios familiares. ¿Quiénes eran los integrantes en aquellos comienzos?

En aquellos días, los integrantes originales era mi hermano de sangre Danny en guitarra, voz y coros; mi primo Bill, que luego tocaría el bajo; y, con la entrada en 1983 de Varo en la

batería, la banda queda formada.

También debo destacar que tuvimos otro músico en el bajo que fue nuestro primer bajista, El “Gozo”. Hoy en día sobrevivimos junto a Varo y Danny del primer ACIDO. Se dice que ACIDO es la banda pionera del metal en Uruguay. ¿Qué de cierto hay en esto? ¿Cómo era la escena en aquellos años?

100 % cierto. ACIDO, como te lo dije anteriormente, es la banda Pionera del Metal en Uruguay.

Aquellos años eran musicalmente en mi país gobernados por el Canto Popular y la Cumbia, dos géneros musicales que no tienen nada que ver con el Rock. Había algunas bandas de rock, pero todas hacían música más elaborada con una actitud digamos más “Hippie”.

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Al salir nosotros tocando tres acordes y con una actitud más pesada y haciendo un rock más gringo, los del canto popular nos odiaron y despertamos muchos celos y críticas de las bandas digamos más “Hippies”.

Los músicos verdaderos, les gustaba nuestro rock crudo metálico, y sobre todo nuestra rebelión con una actitud fresca y pesadamente divertida que derramábamos en el escenario.

Otra cosa importante es que ACIDO fue la primera banda en hacer un concierto de metal en la capital Montevideo, ¿es cierto esto?

Sí, es cierto. Como te dije anteriormente, ACIDO fue la banda pionera en hacer un recital de Metal, fue en febrero de 1984, en el teatro El Reloj, situado en esa época en la Galería de las Américas, en la Avenida 18 de Julio en Montevideo.

Lo organizó un reconocido periodista de la actualidad, el señor Daniel Figares. Él tenía un programa de música en la radio estatal CX 26 Sodre, llamado “Hola, Música”.

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Hablando del contenido musical y lírico de la banda, ¿cómo definen su propia música y sobre qué hechos o experiencias basan las letras de sus canciones?

En los ochenta nos rotulaban de Heavy Metal, hoy muchas gentes del Rock dicen que somos una banda de Metal, y mucha gente del Metal dice que somos una banda de Rock. Entonces se me ocurrió bautizar nuestro segundo disco de “Metalrock”. Ése es el rótulo exacto de lo que es nuestra música.

Soy el principal compositor de la banda, y junto con la participación de mi hermano Danny en algunas músicas y de Varo en algunas letras, damos vida a lo que es la materia prima de la banda, sus composiciones.

Las letras reflejan distintas situaciones, sociales y personales. Hay letras contestatarias como “A orillas del gran río”, “Torturadores” o “Yo soy el que soy”. Hay letras medievales como “El rey en la oscuridad”. Hay letras más callejeras como “La fiesta del Ácido” o de situaciones personales como “Mamá voy sin

control” o “Triunfantes”.

Algunas de más fierezas como “Chopper Americana”, hasta hay un tema “Paranormal” que nació de una mesa espírita. Mi mujer es médium, y mediante una psicografía, recibió una mensaje de Pappo del más allá, le puse música y nació el tema “Ruta 5”.

En el 1986 graban su primer trabajo, un vinilo de sólo dos temas. Háblanos sobre este material, cómo fue recibido por el público y los medios.

El vinilo de 1986 fue el primer material del género a ser grabado en Uruguay, fue editado por el sello Orfeo. Alfonso Carbone, director del Palacio de la Música en su momento, después de escuchar un demo, nos propone grabar un LD (Larga duración).

El single fue un “adelanto” de ese LP (que infelizmente no se concretizó). Contenía dos excelentes canciones: “A Orillas del Gran Río” y “Torturadores”.

El público y los medios recibieron ese disco

con agrado, la veníamos remando hace tiempo y éramos bastante conocidos. Con el apoyo de la empresa en divulgar y publicitar el material, logramos un relativo éxito para esa época. Hoy en día ese disco está muy bien cotizado por varios coleccionadores del género a nivel global.

La banda estuvo inactiva alrededor de dos décadas, y es en el 2010 que se reúnen. ¿A qué se debió este receso de la banda? ¿Qué los motivó a reagruparse nuevamente y continuar adelante?

El receso se debió a un contratiempo de salud que sufrí en el año 1987. Ahí la banda para, luego Varo se va a vivir a Brasil.

En 1989 formo Perro Salvaje, junto a mi hermano Danny y Bill, y Alvariño Buxedas en batería. Después de un par de años, nos robaron los instrumentos y tuvimos que parar.

En los noventa Danny toca en Luz Roja. Yo abrí junto con Ariel Perazzoli una discoteca en el barrio Carrasco de Montevideo llamada Lokure. Soy invitado por varias bandas locales y de Argentina para tocar en vivo de invitado, en el cual destaco los “toques” en Punta del Este, con Norberto “Pappo” Napolitano, con Juanse y el Zorrito de los Ratones Paranoicos, y con el tenista francés Yannik Noah.

También toque de invitado con una banda de Argentina muy divertida, Las Viejas Locas.

Varo vuelve de Brasil, y entra a trabajar en radio y televisión. Se destaca como locutor de radio en la FMX con el programa Rock de Acá, como presentador de televisión en el Canal 10 en el programa Canal X. Luego se destaca como productor de espectáculos, llevando a Uruguay bandas de Argentina como RIFF, La Renga, Divididos, Viejas Locas, entre otras.

Llegado el comienzo del siglo, me voy a vivir a Brasil, el país en el cuál resido hasta el día de hoy.

En el 2010 me llama Varo a San Paulo y me invita a una serie de espectáculos que estaba LaCarne Magazine

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realizando en homenaje a Pappo (este mítico guitarrista argentino había fallecido en el 2005). Le dije a Varo que sí, pero que quería hacer ACIDO nuevamente.

Abrazó la idea, ahí viajo a Montevideo, llamé a mi hermano Danny y Varo invita a un conocido bajista uruguayo, Gabriel Barbieri. De esa forma tocamos en abril del 2010 en la Sala Zitarrosa de Montevideo, haciendo un set de 12 temas de Riff y Pappo’s Blue’s.

No hubo muchos ensayos, no fue tan perfecta técnicamente la presentación, pero la química seguía intacta. Vuelvo a San Paulo, y a los meses sale una nueva invitación para presentarnos en La Plaza de la Bandera, en un festival llamado Alternate 4 en Montevideo. Viajo nuevamente y se nos une un virtuoso guitarrista a la banda, Juan Pablo Riñon “Bike”. Ahí pasamos a ser tres guitarras.

Lo que nos hizo continuar adelante es la amistad y el gran amor por el rock. En los ochenta la banda quedó debiendo un álbum, quedó como con tres puntos suspensivos.

La vida nos juntó nuevamente, teníamos que cerrar el círculo, dar lo que quedó faltando en los ochenta, solo que de una manera más profesional y mejor. Y fue así que la vida nos sigue juntando. Seguimos “Al Ataque” cada vez que sale algo interesante para la banda. ¿Quiénes en la actualidad conforman ACIDO, y, antes de estar en esta banda, qué experiencia previa tenía cada uno de los músicos?

ACIDO está formado por mí, El “Perro” Juan en guitarra y voz líder, Danny (mi hermano) en guitarra y voz, “Varo” Coll en batería y coros, Gabriel “Hell” Barbieri en bajo y coros, Juan Pablo “Bike” Riñon en guitarra y coros.

Cuando fundé ACIDO no tenía experiencia anterior, igual que mi hermano Danny, que está desde 1981-82. Varo tenía una banda llamada Oveja Negra antes de entrar en 1983 en ACIDO; Gabriel tocó el bajo en varias bandas uruguayas, como Chicos Eléctricos, Radical, y actualmente tiene una banda paralela llamada Mafia; Juan Pablo tocaba en Playboy, y tam-

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bién tiene una banda paralela llamada Jinx.

En el 2013 sale su primer y tan esperado álbum bajo el título de “Al Ataque”. ¿Qué pueden comentar sobre este álbum a nivel de concepto, de música y de producción?

Fue el primer álbum de la banda en formato de CD. Lo grabamos en los estudios Inzen de Montevideo, Uruguay. El ingeniero de sonido fue Javier Longhi. Entramos al estudio en noviembre del 2011, durante todo 2012 continuamos con la grabación, e hicimos la producción musical del disco junto a Gabriel Barbieri.

Javier hizo la edición y mezcla final del disco.

Junto al sello Perro Andaluz trabajamos el arte del disco, y salió a las calles uruguayas el día 1 de enero del 2013.

Fue financiado por el FONAM, una organización gubernamental estatal que se dedica a incentivar proyectos artísticos en Uruguay.

tal? ¿Cuáles son las mayores dificultades y limitaciones que sufren sus bandas y productoras underground en la actualidad, y cuáles consideran puedan ser acciones concretas para mejorar este panorama?

En Uruguay hay una cantidad grande de bandas nuevas a nivel de Rock y Metal. Son buenas, los chicos quieren tocar bien su instrumento, se esmeran, muchos de ellos son gente muy sana, muy buena, tratan de informarse por la historia del Rock, del Metal, de las bandas más clásicas.

El problema es que el gobierno deja de lado a los que hacen una música más gringa, estilo U.S.A o Inglaterra. No nos olvidemos que son gobiernos de izquierda, y que al menos a nosotros siempre nos hicieron la guerra porque no tenemos pelos en la lengua.

En la época que salimos con ACIDO, ellos nos catalogaban de imperialistas, pro yanquis. Los Militares simpatizaban más con la banda que el Frente Amplio.

Hay músicas de los ochenta, y músicas nuevas que compuse en San Paulo.

Este primer álbum obtuvo un premio. Me gustaría me comentaras sobre esto.

Sí, efectivamente. Con “Al Ataque” ganamos el Premio Grafiti a la Música Uruguaya, al Mejor disco de Metal y Hard Rock del período 2013/2014.

El plan hecho por Fidel Castro cuando hicieron el Foro de San Paulo por los años noventa, de Izquierdizar toda América Latina para lograr verbas para Cuba, al final lo logró, pasa que se le habían cortado las verbas con la caída de la Unión Soviética.

Los departamentos de cultura responden a este plan de izquierda, de “nivelar para abajo”, y no quieren saber nada con gente que se parezca a U.S.A. Todos sabemos que al final la verdad derrota la mentira. Muchos de estos gobiernos cayeron, y los que queden, caerán.

Fue un reconocimiento de la crítica a un gran disco como lo es “Al Ataque” y a la banda, por su tenacidad y persistencia, a la lucha contra viento y marea después de tantos años.

Cuando toda esa bosta izquierdista termine, junto a su propuesta cultural, ahí el rock de verdad ocupará el lugar que está siendo usurpado por estos nuevos “Che Guevara del siglo 21”.

Una banda de tantos años, conciertos y experiencias a sus espaldas, asumimos están siempre pendientes de todo lo que ocurre en la escena de su país. Esta pregunta es casi obligatoria. ¿Cómo ven la actualidad de Uruguay en cuanto a la escena del rock y del me-

El 2016 fue un importante año para ustedes, pues se presentan junto a la legendaria banda española Barón Rojo. Me imagino que esto haya significado mucho para ustedes, así que coméntanos.

Sin sombra de dudas. Barón Rojo es una LaCarne Magazine

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banda mítica dentro del estilo, son grandes músicos de Metal- Rock. Tocamos junto con ellos en Montevideo, y fue todo un honor para nosotros.

Junto con Riff, fue una de las primeras bandas que escuché cantando en mi propio idioma en el año 1981. Fuimos a verlos en vivo en 1983.

Ellos ya eran Barón Rojo cuando yo no sabía ni afinar la guitarra.

Su segundo álbum, “Metalrock”, salió en el 2018, pero lo comenzaron a grabar mucho tiempo atrás. ¿Dónde se grabó este álbum? ¿Mantiene la misma línea que su trabajo anterior? ¿Cómo ha sido hasta el momento la recepción del disco tanto por los fans como por

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los medios?

Con “Metalrock” grabamos todas las bases en el mismo estudio que grabamos “Al Ataque”, Inzenel Estudio de Javier Longhi, en Montevideo. Cuando volví a San Paulo me llevé el material “crudo” digamos, y en el estudio LeChat Audio, del amigo Claudio Erlam, hicimos el trabajo de mezcla, edición y producción musical del disco.

Sigue la misma línea compositiva que tenemos desde siempre. Hay temas de esa época como “Asco me das”, “Triste domingo”, “No es tan fácil”, “Fuera de ley”; otros de los noventa, como “Arriba de la Ola”, “El Pichón”. Habían quedado en el tintero para grabarlos, hay otros nuevos como “Metalrock”, “Triunfantes”, “Yo

personal desde que comenzaste con ACIDO? ¿Es esto lo que siempre quisiste hacer?

He subido la escalera del Templo, escalón por escalón, progresé a nivel espiritual, tuve la oportunidad de tener contacto con cosas muy profundas, elevadas y sagradas.

He pasado por varios desiertos, varios infiernos, y he vencido varias batallas para poderlas contar.

Hay que dar las gracias por tener en primer lugar salud para seguir adelante, tener lo necesario para pasar día por día, un techo, comida en la mesa, amigos, familia, personas que te quieren, la vida está hecha de cosas simples.

El que tiene estas cosas en la vida, las ve y sabe valorar, tiene todo.

La vida es muy corta, y obvio que me hubiera gustado hacer infinidad de cosas más. Con respecto a la música, haberla hecho de una forma más profesional, ser parte de un engranaje de una empresa internacional, tener toda esa maquinaria que los verdaderos profesionales tienen a disposición para hacer este trabajo.

soy el que soy”.

El sonido digamos que no es tan “crudo”, fue más trabajado en el estudio. Suena mejor. Infelizmente sentimos la ausencia de mi hermano Danny en las guitarras y voces, ya que por problemas personales no pudo participar del disco. Pese a esto, hay un par de músicos que participan a nivel autoral.

Tanto los fans, como los medios de comunicación, recibieron con el mayor agrado “Metalrock”, les gustó mucho a nivel compositivo, y sobre todo en la parte de sonido dicen que suena mucho mejor.

La vida es muy corta. Cuando eres joven tienes la energía para hacer las cosas, pero no tienes la experiencia que te dan los años, cuando tienes más años tienes la experiencia que te dan los años, pero no tienes esta fuerza vital que tienes cuando eres joven. Siempre digo que esta vida es imperfecta, en el plan original alguien metió el rabo y cagó todo.

Pienso que, pese a los logros de la banda hasta la fecha, aún falta un último paso para que ACIDO se catapulte como una de las grandes bandas del Uruguay y que su fama se difunda a toda la geografía de los países vecinos. ¿Cuáles serían los próximos pasos en la carrera musical de la banda? ¿Los aspectos de internacionalización y difusión de la música de ACIDO cómo han sido planificados y ejecutados?

Falta más que un paso, diría que faltan muchos pasos más para que ACIDO se catapulte a las cuatro direcciones del globo terráqueo.

Dime, Juan Acuña. ¿Cómo ves tu evolución LaCarne Magazine

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No cuesta nada seguir soñado con eso, pero el futuro pertenece a la vida. Habiendo vida se hace el presente, y hoy tenemos ganas de grabar un tercer disco, de tocar en vivo donde nos paguen el cachet que pedimos, de hacer más videos, más entrevistas, más televisión, más radio, que nuestra música llegue a los cuatro puntos cardinales del planeta, que nos conozcan más y más seres en todo el mundo.

Hemos trabajado difundiendo la banda vía internet, y hoy en día nos conocen mucho más a nivel internacional que en los años ochenta.

Hace tres años firmamos con un sello de Rio de Janeiro, Brasil, llamado Dies Irae para editar “Al Ataque” y “Metalrock” en Brasil, en Japón y también en los países donde el sello trabaja. “Al Ataque” ya se editó, “Metalrock” esperamos que antes de fin de año el sello cumpla y salga al mercado.

Para ir terminando, ¿qué es lo próximo que hay para la banda? ¿Alguna gira, concierto, videos clips…?

“Metalrock” se editó este año en Uruguay mediante el sello Valvular Records, se hicieron dos buenos videos, de la música “Metalrock” en diseños animados, y una versión en vivo de “Ruedas de metal”, de Riff, nuestra banda mentora.

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Queremos presentar el nuevo disco en Uruguay, Argentina, Brasil. y donde la vida nos lleve. Mucha gente le gusta la banda en distintos países. Falta un Manager, una Empresa que baje la pelota al piso, que planifique y ponga el dinero para que esto no quede solamente en el mundo virtual, sino que baje al mundo real.

Muchas gracias por contestar a mis preguntas. Espero haber contribuido a expandir el nombre de ACIDO. Ahora el espacio es tuyo para decir lo que quieras a los lectores de LaCarne Magazine.

Gracias a vos por darnos el espacio en LaCarne Magazine, y les enviamos un fraternal abrazo a todos los que lean estas líneas.

Nuestra casa es el mundo. Desde el espacio no hay fronteras, somos uno solo, somos un grano de arena en este cosmos infinito.

Debemos dejar las diferencias de lado y juntarnos por un bien mayor, tenemos que abandonar los viejos dogmas que nos separan, en pro de ver todas las naciones unidas bajo una misma bandera. Es el único camino para seguir como especie, porque si no, infelizmente estamos condenados a la extinción. ¶

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Professional DJ Acad formación para Dj’s

H

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ace cuatro años, en noviembre de 2014, nació la Professional DJ Academy, la primera academia de DJ’s en Bolivia. Desde su creación ha formado a innumerables talentos, quienes han logrado destacar en la escena de la música electrónica paceña, boliviana y extranjera.

En uno de los tantos edificios de la zona de Sopocachi, en la ciudad de La Paz, se halla ubicado el centro de formación de la nueva generación de DJ’s/productores paceños: la Professional DJ Academy.

El bullicio habitual de la ciudad de La Paz desaparece conforme uno ingresa al edificio Guachalla, ubicado en la calle del mismo nombre.

El director de la academia, Diego Conde, mejor conocido como “Dj Taz”, es quien nos abre las puertas del lugar.

Quien decida ingresar a la misma podrá conocer y aprender de la mano de los mejores maestros los secretos que hay detrás de ser un gran DJ/productor, y, sobre todo, tendrá otra concepción de lo que significa entender, transmitir y crear música, que, al igual que cualquier otra carrera, requiere constancia, pasión y dedicación.

Claure en la época de los 80’ s (…).

En esa época (los 80 y 90) estaba de moda la música disco, y Toto convertía su casa en un punto de reunión, donde iba la gente que amaba la música para poder ‘enganchar’, ya que él tenía algunos equipos.

Esa idea él siempre la tuvo presente, y años más tarde decide manifestarla al juntar ciertos elementos como el ‘scratch’ y la mezcla para abrir la academia”, relata Diego Conde.

Professional DJ Academy nace a iniciativa de Luis Alberto “Toto” Aparicio.

Con una infraestructura adecuada para la enseñanza musical, la Professional DJ Academy ofrece a los estudiantes que quieran forman parte de ella, la comodidad y los equipos necesarios para empezar el aprendizaje en el arte de ser DJ.

“La Professional DJ Academy nace en noviembre del 2014 a iniciativa del dueño que es Toto Aparicio, quien en su juventud era un DJ muy reconocido en la ciudad de La Paz, junto a Ramiro Tarifa, Rodolfo Landaeta y Kiko

Según relata Taz, en sus inicios, la academia comenzó únicamente con un curso en el cual se enseñaba ‘mixing’ con una duración de tres meses, mientras que el ‘scratch’ era impartido solamente como un ‘plus’ para quienes desea-

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demy

ran aprender trucos y mejorar esta habilidad.

Pero el arte del DJ es muy amplio, y en esa búsqueda de constante mejora es que la academia empezó a darse cuenta que debían expandir mucho más su oferta, formando DJ’s completos que realmente logren esa conexión con el público, por lo que deciden ampliar su pensum y el tiempo de especialización a 8 meses, además de añadir la carrera de producción musical.

Algunas de las materias impartidas en la academia son: Mixing (en Traktor/Serato Dj), Tornamesas (scratch y mezcla armónica), Freestyle, Open format, y, por supuesto, Producción musical (en Ableton o FL Studio) dividido en varios niveles.

Professional DJ Academy - Un equipo de primer nivel La Professional DJ Academy ha contado con DJ´s/productores de reconocida trayectoria en

la escena electrónica que han formado parte de su equipo docente, como Ivana Alvéstegui, mejor conocida como “IVA”, DJ/productora de tech house quien actualmente radica en el extranjero; Adrián Cortéz, conocido como “Ninho Noir”, un experimentado DJ/productor e ingeniero de sonido, entre muchos otros.

“Estamos esperando más profesores, debido a que muchos de ellos han empezado a abrir sus propios emprendimientos u otros también se han tenido que trasladar de ciudad.

Uno de ellos, el que más se extraña en la academia, es Ninho Noir, que ha sido uno de los mejores profesores que hemos tenido aquí en producción musical. Sus alumnos han llegado a un estándar muy alto porque no solamente aprendían a crear un ‘track’, sino que sabían cómo se diseñaba la música. (él) Tenía una materia que se llamaba ‘Síntesis sustractiva’, que es la que queremos volver a poner yo creo que para diciembre, en la cual los chicos desarrollaban un oído muy profunLaCarne Magazine

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do porque aprendían a reconocer el sonido y diseñar a través de él”, afirma Taz. Actualmente forman parte del plantel docente Orlando Castedo, conocido como “DJ Orlando”, con más de 20 años de trayectoria en el ámbito musical, habiendo compartido escenario con artistas internacionales de la talla de Hardwell, VINAI, entre otros, y que es quien imparte la materia de ‘mixing’; Diego Yampasi “LD Scratch”, DJ/productor de hip hop, que tal como su nombre lo indica es el maestro de ‘scratching’; José Henry “JOCh”, un DJ/productor de techno y tech house con un repertorio y trayectoria muy amplia, perteneciente al sello boliviano San Pedro Music y co creador de 3600 Stage, quien es el encargado de enseñar producción musical a los estudiantes; Diego Conde “DJ Taz”, un experto en el manejo de softwares y director de la academia; e Iván Acebey “DJ Ark”, experto en freestyle y open format.

Y es que todos los docentes que forman parte de la Professional DJ Academy cuentan con una amplia trayectoria en la escena musical, lo que permite que transmitan toda esta experiencia a sus estudiantes.

“La experiencia de estar en la academia te permite conocer muchas personas con muchas habilidades, y conocer de forma profunda lo que es ser un artista o DJ. Aprendes a tener respeto por los que trabajan en esto, porque cuando entré a la academia la verdad admiré mucho a los que me enseñaron, y lo que más me gustó fue que aprendí muchas cosas y me ha gustado mucho compartir el tiempo con DJ´s que te sirven de inspiración”, afirma Carolina Baltazar, ex estudiante de la DJ Academy.

Por otra parte, también es para destacar la invitación que realiza la academia de DJ´s a diferentes personalidades del ámbito de la música electrónica, tanto bolivianas como extranjeras, esto con el fin de ampliar más el conocimiento respecto a esta inmensa escena musical.

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“Lo que tratamos como academia es dar unos talleres extras con personalidades que ya tienen mucha experiencia.

Aquí a la Academia ha venido a dar clases ‘Pituko’, un Dj/productor con amplia trayectoria y dueño de ‘San Pedro Music’; ha venido a

Professional DJ Academy - El arte de ser DJ El aula más peculiar y original de la academia está decorada con un gran mural de graffiti, y es la combinación de colores, imágenes y el sonido que sale de las consolas lo que da el toque especial a ese lugar.

LD Scratch se encuentra haciendo una demostración del ‘scratching’, técnica que enseña con mucha dedicación a sus estudiantes. Él y DJ Orlando son los profesores que estuvieron en la Academia desde su creación.

Para LD, un apasionado de la música, enseñar es una de las cosas que más disfruta “Desde hace mucho me gusta enseñar y compartir mis conocimientos. Además, el ser DJ no solamente es pasar música, también implica mucha cultura acerca de las áreas que puedes llegar a experimentar siendo un DJ, no solamente mezclando sino también haciendo trucos, dando espectáculos, haciendo mucho show.

Entonces, yo decido enseñar en el área de ‘scratch’ por la razón de que no solamente es enganchar las canciones, sino también es mostrar un poco de show, hacer trucos y cosas que otros DJ’s no llegarían a hacer. Entonces, si tú les enseñas a los estudiantes a tener un ‘plus’, puedes ampliar su rango de trabajo siendo DJ”, explica.

A diferencia de lo que algunas personas creen, el ser DJ/productor no es tarea fácil. Más allá de la constancia y dedicación que se le debe poner existen una serie de características que todo buen DJ debería tener, y en la academia, éstas también son enseñadas.

dar talleres Erick Kaufmann, reconocido por la misma empresa de FL Studio; vino ‘Deltatron’, el campeón de producción de Red Bull a nivel internacional; también ‘Scratch Bastid’, que es uno de los jurados de la Red Bull 3style”, comenta Taz.

“Todo DJ debería escuchar todo tipo de música para lograr entender cómo llegar a mezclar algo armónico, algo impactante, o llegar a editar algo diferente. Si no escucha música no tiene sentido que sea DJ, tienes que sentir la música.

Una de las cosas que también tiene que tener un DJ es esa habilidad en las manos, ser LaCarne Magazine

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creativo, y si un DJ no es así, no tiene sentido, sería como un robot al que le pones 15 canciones y las va reproducir porque sí, entonces tienes que estar atento al público”, afirma LD.

Professional DJ Academy - Formando nuevos talentos En estos cuatro años, la academia de DJ´s ha sido la cuna de nuevos talentos paceños y bolivianos en la escena electrónica. Muchos de ellos que a través de estos años han logrado posicionarse local e internacionalmente.

“Saliendo de la academia varios talentos se han levantado totalmente en la escena electrónica, y lo que nos maravilla es que han llegado a un nivel tan grande del cual ni siquiera otro departamento ya nos está pudiendo alcanzar, y la idea de nosotros como academia es poder seguir dando más”, afirma orgulloso DJ Taz. Es de esa manera que la nueva generación de DJ’s paceños ha surgido en la academia: Anion, Mannix, Illimanni, Arpheux, Jastiz, Blaster, Kelvin, Dj Joucy, Dj Mell, Dadacope, son sólo algunos de los nombres de jóvenes talentos que han salido de la academia y que día con día van creciendo más.

Carolina Baltazar, mejor conocida como ‘Dadacope’, es una DJ paceña de tan sólo 19 años que ya ha participado en varios eventos y fiestas mostrando las habilidades aprendidas en la academia.

“Yo entré a la academia a los 16 años, el 2016, y decidí entrar porque a mí en general me gusta la música. Esto de la música electrónica antes era un poco inalcanzable, porque aquí (en La Paz) pocos se dedicaban a eso, y bueno, vi la oportunidad cuando me enteré que había una academia de DJ’s justamente en La Paz, y para mí fue algo perfecto estar ahí.

Y cuando entré, cursé la carrera de DJ y aprendí ‘mixing’, a manejar los controladores, los softwares, cómo descargar una canción, cómo comprarla y todas esas cosas que son amplias y son muy buenas para tener un buen set y un buen trabajo(…)

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Nunca se deja de aprender, y eso que llevo tres años en esto y es muy interesante, y siempre te aparecen nuevos materiales y siempre tienes que estar actualizada, y el estudiar ahí te da las herramientas suficientes para que puedas trabajar por tu cuenta”, relata.

Crecer cada día más: el objetivo de la DJ Academy

Se tienen varios planes a futuro para mejorar mucho más el nivel de enseñanza, y que de esa manera los estudiantes de la DJ Academy puedan trascender fronteras.

Uno de estos planes es la implementación de nuevas materias en el pensum, una de ellas enfocada a la promoción de los DJ’s para brindarles herramientas que realmente les permitan consolidar una carrera profesional sólida en el mundo de la música, mientras que la otra estaría dirigida a ampliar la técnica y práctica de los estudiantes.

“Estamos queriendo implementar una materia que se va llamar ‘Marketing DJ´, que justamente establece cómo vas a hacer tu carrera, cómo vas a generar logo, cómo vas a hacer tu perfil en páginas de redes sociales, cómo vas a trabajar con un sello, el celebrar un contrato y esas cosas, queremos justamente aprender otras cosas más (…).

Otra de esas clases es el ‘drumming’, que es una parte nueva que está entrando y que usa los nuevos ‘samplers’ como baterías, y eso podría ser generador de bateristas electrónicos”, explica el director.

Professional DJ Academy, tanto estudiantes como profesores, forman parte de una gran familia a la que une la pasión por la música.

“Lo que más destaco de la academia es que es una familia, y como toda familia compartimos, reímos, peleamos, lloramos… A ratos nos va bien y otros ratos nos va mal, pero es una familia donde los chicos llegan y se sienten cómodos.

Algunos ni se quieren ir, algunos aún sin pasar cursos siguen viniendo, nos siguen visitando y es como que se crea un vacío cuando dejas de ir a la academia.

Otro plan futuro, y no menos importante, es la búsqueda de alianzas con otros institutos de DJ’s en el extranjero con el objetivo de promover intercambios tanto de estudiantes como de maestros.

Les brindamos amor, les brindamos amistad, es algo hermoso y yo sé que la academia va seguir creciendo y pequeñas comunidades de DJ’s se van a seguir formando, que es lo que más destaco”, concluye LD Scratch. ¶

Pero lo realmente destacable es que en la

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Tritton

defensores de una tradición cual te agradecemos mucho.

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T

ritton es una banda mexicana, la cual comienza sus pasos en el 2009. Parte de los integrantes de la banda ya se conocían tiempo antes, al haber coincidido en otras bandas.

Su primer álbum es el “Face of Madness”, del cual se ha hablado muy bien, se han presentado por gran parte del territorio nacional, así como una gira a Panamá. En estos momentos su nuevo álbum ya debe estar casi listo.

Unos de sus integrantes, Enrique Torres, gentilmente y muy amablemente accedió a dar respuesta a la entrevista que aquí les dejo.

Tritton es una banda que surgió en el 2009, pero algunos de sus integrantes ya habían participado en otra banda. Coméntanos sobre esto y cómo fue que deciden crear Tritton. ¿Cómo ha sido este proceso desde los inicios?

Saludos, Omar. Aquí, Enrique Torres (Enrique Tritton), guitarrista de la banda, contestando la entrevista. Muy interesantes tus preguntas, lo

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Víctor y yo (Enrique) ya habíamos tocado en varias bandas juntos: en la que más tiempo estuvimos fue Dracko, de 2002 a 2009. Pepe, el otro guitarrista de Tritton, también estuvo en esa banda, de 2006 a 2009, por lo que al iniciar con Tritton ya teníamos experiencia tocando juntos, y no fue difícil el proceso creativo.

Yohann se unió a nosotros como baterista a mediados de 2009, y Pepe se hizo cargo de la voz principal durante los conciertos siguientes, hasta 2012. Si hablamos de estilo, en esos primeros años el sonido definitivamente estaba más orientado al speed metal con algunos tintes heavy y thrash, más orientado a lo rítmico y la potencia y tal vez menos melódico.

Sin embargo, sí nos fuimos inclinando más hacia lo melódico, y por ello encajó tan bien la voz de Lorena, quien se unió a la banda a principios de 2013. Su audición fue de hecho en el estudio de grabación, durante las sesiones de grabación de “Face of Madness”, por lo que tuvo que trabajar bajo presión para aprenderse y dar su toque personal a los temas.

A partir de entonces podemos hablar de un

timos un poco chicos malos.

Sin embargo, lo que más frecuentemente nos dicen es “old school” o “defensores de una tradición”, lo cual es más halagador todavía, pues las referencias son precisamente los artistas a quienes más respetamos. ¿Qué nos puedes comentar en relación a los trabajos discográficos editados por Tritton hasta la presente fecha, y qué nos puedes decir en relación al proceso de promoción y distribución de estos trabajos dentro y fuera de México?

No son cosas fáciles, aunque los sistemas actuales de alguna forma los facilitan. Sí hicimos alianzas para que el disco “Face of Madness”, de 2013, tuviera una buena distribución física dentro y fuera de México, aunque actualmente la mayoría lo conoce vía Spotify, en donde está desde 2015. sonido más redondeado, y creemos que cada vez un poco más consolidado, aunque siempre queda mucho trabajo por hacer.

Los géneros Heavy, Speed y el Thrash Metal es lo que escuchamos más predominante dentro de la música de Tritton, pero, para despejar dudas, quisiera nos explicaras la autodefinición del estilo musical y de dónde toma sus principales influencias e inspiración para las composiciones.

Nos halaga mucho que la gente y la crítica se tomen el tiempo y la molestia de escucharnos, y entonces citarnos como speed metal, power metal, thrash metal, etc., pero nosotros preferimos manejarnos de manera general como “heavy metal”, porque nos gustan y absorbemos un poco de esos géneros y de muchos más. Incluso a veces sólo preferimos decir que tocamos “rock”.

En el nuevo disco habrá incluso temas que suenan más a hard rock, y por ahí uno tiene elementos rítmicos y armónicos de death metal.

No estamos casados ni peleados con ningún subgénero. Cuando nos dicen “power metal” nos sentimos finos y delicados (jajaja), y cuando nos dicen “esto está muy thrash”, nos sen-

De hecho, ese primer álbum está disponible en todas las plataformas y tiendas digitales, tanto de venta como de streaming. Muchos lo han conocido así, y luego nos han pedido el disco en físico, o ellos mismos lo han comprado.

El EP “Silence That Devil” salió antes de la gira por Panamá, y nos llevamos muchas copias a aquel país, aunque como se trataba de un adelanto del disco de larga duración, no contó con una producción (maquila) ni distribución en forma, más que tirajes cortos y promoción en redes.

Los temas están disponibles sólo en nuestras redes sociales y en Youtube. El segundo disco de larga duración, “Rising Mess”, se terminó de grabar apenas hace un par de semanas, y está por entrar a fabricación para ser estrenado a principios de noviembre.

Estará también en todas las plataformas y tendrá un proceso de distribución más enfocado y eficiente.

Ahora está Lorena Cabrera como cantante y bajista, para mí una excelente vocalista. ¿Dime qué tal ha sido el ingreso de esta chica LaCarne Magazine

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en la banda? ¿Quiénes son los restantes músicos de Tritton?

El ingreso de Lorena definitivamente redondeó el sonido de la banda. Fue la pieza que completó el armado. Funcionó porque en marzo próximo ella cumplirá seis años con nosotros.

Los demás músicos son: Pepe Gómez y Enrique Torres en guitarras, y Yohann Torres en batería. Esta alineación ha sido constante desde marzo de 2013. Y, de hecho, desde la incorporación de Yohann a finales de 2009, el único cambio fue la salida de Víctor, en diciembre 2015, por motivos personales. ¿Algunos de sus integrantes mantienen algún proyecto paralelo o están dedicados por completo a la banda Tritton?

Es nuestro único proyecto de carácter totalmente original, creativo, enfocado a la composición y a la grabación de nuestros temas, mas no el único proyecto musical.

La mayoría de nosotros tiene o ha tenido, por ejemplo, bandas tributo, que son proyectos divertidos, significan retos y además si se llevan bien, son redituables.

Entre las bandas a quienes hacemos tributo en estos proyectos alternos están varias de nuestras influencias, por variadas que estas sean: Led Zeppelin, AC/DC, Helloween, Accept, Scorpions.

Lanzaron en el 2013 su primer álbum “Face of Madness”, un disco que según la crítica sorprendió por su nivel y la buena ejecución de los temas. ¿Qué tal la respuesta del público en México y en el extranjero?

Afortunadamente la respuesta fue y sigue siendo muy buena, porque el disco nos lo siguen pidiendo. Hace ya cinco años que lo publicamos, y cada vez que hacemos una mención pública, por ejemplo, en redes, nos vuelven a pedir copias.

Además, la gente ha tenido grandes detalles, como recomendarlo, nombrar sus temas favoritos del mismo, compartir videos de YouTube y tomarse fotos con la portada o las playeras.

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El proceso musical creativo debe ser algo muy especial. ¿Qué se siente al tener el producto terminado en tus manos, después de todo el esfuerzo invertido?

Es increíble, es satisfactorio y se compara con pocas cosas en la vida, o al menos así lo sentimos nosotros. Como un escritor cuando ve su libro impreso, o un cineasta que ve su película proyectada.

De verdad que los procesos creativos y de producción requieren trabajo, dinero, esfuerzo, sacrificios, tiempo, transpiración, desgaste, fatigas, y exigen mucha concentración y temple. Es muy importante dejar de pensar en objetivos personales y dejar a un lado las vanidades para pensar en un verdadero sentido de equipo.

Además, en un medio como el nuestro, en nuestro contexto mexicano, latinoamericano, hay que añadir otra dificultad: no tenemos los medios de pagar cientos de horas de estudio de grabación; las tomas no pueden hacerse tantas veces; las producciones son más austeras que las europeas o anglosajonas, y el factor económico suele ser un limitante.

Ojalá pudiéramos concentrarnos por semanas en las Bahamas, como AC/DC, o en una granja en Gales, como Zeppelin, o en Tenerife, como Helloween, pero no: somos totalmente “fauna” citadina, y aquí trabajamos a diario y la recorremos para llegar a nuestros destinos y cumplir nuestros objetivos. ¿Se les ha acercado algún sello discográfico para editar el material de Tritton?

No, para editarlo no. No hasta ahora. Sólo para distribuirlo. Tal vez hubo un par de acercamientos hace tiempo, antes de la salida de “Face of Madness”, pero los desestimamos, honestamente, porque no ofrecían ventajas reales.

A finales del 2015 la banda pudo realizar su primera gira internacional. Ésta fue a varias ciudades de Panamá. ¿Cuéntanos sobre esta gira, cómo fueron recibidos en ese país?

Para nosotros era una incógnita y era muy emocionante, porque era la primera vez que tocábamos fuera de México. Algunos habíamos viajado a otros países, pero no para dar shows.

El público fue increíble. Muy cálido, muy receptivo y muy conocedor. Los melómanos, los rockeros, los metaleros somos los mismos en todos lados.

Además, también hay bandas y ejecutantes con un grandísimo nivel. Nos fue tan bien que nos invitaron al año siguiente, pero subieron mucho los costos debido a que el dólar se disparó, o, mejor dicho, el peso mexicano se debilitó.

Además, preferimos en 2016 esperarnos para llevar disco nuevo. Ahora sí estamos listos para volver. Ahora tenemos muchos amigos allá, muchos más que cuando fuimos, por lo que esperamos que no sea difícil la gestión y logística.

El público metalero es magnífico tanto en La Chorrera, a una hora al oeste de la capital, como en Villa de los Santos, en la península de Azuero. ¿Cómo ha sido en general la respuesta del público a los shows que la banda ha dado?

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Ha habido de todo, recepciones muy cálidas y algunas más frías tal vez, pero en general son buenas, positivas. Casi siempre nos piden discos al final, la gente es linda y nos pide fotos, mercancía como discos, parches, etc.

En el 2015 lanzaron un Promo CD de solo 4 canciones nuevas. ¿Cuáles son los planes para estas nuevas canciones? ¿Para cuándo ese tan esperado segundo álbum?

Ha llegado el momento para el álbum y para esas canciones. Todas ellas serán incluidas en el nuevo disco, con algunas mejoras, junto con otras cinco. El disco verá la luz pública el próximo 10 de noviembre. ¿Qué tal la escena mexicana? ¿Crees que actualmente sufre un estancamiento? ¿Cuál es tu opinión en cuanto a conciertos, bandas, promotores…?

No me parece que esté mucho peor ni mucho mejor que antes. Hay cosas que han cambiado, unas para bien y otras para mal.

Es común encontrar gente, sobre todo en bandas veteranas, que dice que antes “todo estaba mejor”, cuando simplemente antes había bandas y estilos más vigentes que ahora, y viceversa. En todo caso, lo que ha sufrido un estancamiento es la economía, y el poder adquisitivo de la gente se ha deteriorado en general. Eso sin duda le ha pegado a nuestra escena.

Hay otros factores: en la ciudad de México hay una sobreoferta de eventos, tanto nacionales como internacionales, las distancias son cada vez mayores y los tiempos y costos de traslado también, y de algún modo inhibe la asistencia a los eventos, al menos en la medida en que lo esperaríamos. ¿Qué hace Tritton para mantener viva la llama del Metal y conservar la perdida esencia que caracteriza esta forma de ser?

Intentamos renovarnos a nosotros mismos en todos los sentidos. Ni nuestra música es igual que hace cinco o diez años, ni nosotros lo somos. Creemos más en el aprendizaje, en el avance, en el cambio, en la evolución, que en el trillado cuento de “seguir siendo los mis-

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mos” o “no hemos cambiado”.

El mundo cambia, los movimientos artísticos y culturales cambian, y debemos entender que hace mucho que no estamos en 1983. A la gente le va a seguir gustando el Metal siempre, y cuando esté hecho con honestidad, inspiración y con un gran esfuerzo de calidad.

No habrá un nuevo “Blackout”, ni un nuevo “Balls to the Wall”, ni un nuevo “Pasaporte al Infierno” (por nombrar un álbum fundamental del metal mexicano), pero habrá un “Rising Mess” como hubo un “Face of Madness”, y hay mucho y muy buen material de colegas nuestros que han tenido incluso mayor proyección.

Esto es todo, gracias por tu tiempo. Estaremos al pendiente del nuevo disco, un saludo. Aquí les dejo el espacio para algo que quieran añadir a los lectores de LaCarne Magazine.

Nos sentimos realmente muy agradecidos por habernos dedicado este tiempo y este espacio. Habrá noticias muy pronto, porque el nuevo disco está por salir, y lo estaremos promoviendo mucho y compartiendo los temas.

También tenemos pendiente la realización de varios videoclips oficiales de los mismos, por lo que será el paso a seguir. Seguimos en contacto, síganos en nuestras redes, estamos en Facebook (TrittonMetalBand), Instagram (trittonrocks), Twitter (trittonmetal), Spotify (tritton), YouTube, etc.

Y a la salida del disco físico, lo estaremos enviando por correo y paquetería a cualquier parte del mundo en forma personalizada, a bajo costo. Así que esperen pronto su copia.

Y por supuesto, esperamos un día no muy lejanos poder rockear en vivo en Cuba y en donde sea posible, mucho más cerca de ustedes.

Un gran abrazo, Omar, y un gran saludo para todos tus lectores. ¶

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Improvisaciรณn Libre con

Diushi keri 52 LaCarne Magazine

E

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n esta nueva entrega de “Improvisación Libre con…” conocemos en profundidad a Diushi keri.

El encuentro con Diushi Keri fue hace ya unos cuantos años, y nuestra primera tocada la hicimos en un parque de la Dehesa de la Villa, en Madrid.

Desde el primer momento pudimos comprobar que nos identificábamos los dos con los sonidos ásperos, primitivos y “degenerados”. Por eso nos comprometimos a crear una obra llamada “Degeneración Progresiva”, muy acorde con nuestra manera de sentir la música.

Diushi ya está de nuevo en su país natal, México, pero su huella ha quedado aquí, en España, y particularmente en mi obra musical.

Improvisación Libre con Diushi keri Dime ¿cuál es tu procedencia musical? Si tienes formación académica, me interesa que me cuentes tu experiencia en las escuelas de formación de música o en el conservatorio, y que me lo compares con tu experiencia en la improvisación libre y en la música experimental, aunque sea compuesta.

No tengo formación académica como músico, soy completamente autodidacta. Mi formación ha sido como biólogo, y hace un año que concluí con el doctorado en la Universidad Complutense de Madrid. Pero mi actividad musical no la he dejado desde hace 13 años.

De esos, 7 dentro de la música improvisada.

Aún así, siempre vinculo mi formación académica con las artes como la música y el dibujo.

Mi forma de comparar esa formación científica con mi experiencia en la improvisación libre y la creación sonora, es que en ambas podemos explorar, expresar y utilizar todos los recursos en nuestras manos para generar conocimiento para la ciencia o para el público.

En la música improvisada trato de expresar la manera en que veo el mundo, ésa que tengo tras mi formación como científico, y convertir ese lenguaje al goce íntimo más profundo. Me gusta investigar y descubrir nuevas cosas en la naturaleza, así como lo hago a la hora de improvisar con mi saxofón. Ambas cosas involucran a la naturaleza y ambas son naturales. ¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre?

Llegué hace 7 años como improvisador, pero ella a mí llegó desde hace unos 15 años, que descubrí a Peter Brötzmann y a Toshinori Kondo.

Posteriormente, como buen melómano, exploré más y más, y fui influenciado por el free jazz, y sobre todo aquel completamente independiente, libre de verdad.

La new thing sin duda fue algo que me atrapó, y me hizo replantear en mi cabeza todo acerca de la creación, la expresión y el negocio musical. Quise por fin crear música libre e independiente de todo.

Comencé por escuchar música independiente, muchísima, y a empezar a crear una idea propia desde el punto de vista musical, pero sin aún atreverme a realizar improvisación libre.

A lo más que llegaba era a explorar mi saxofón en mi cuarto. Quería llegar al extremo. Cuando encontré un poco de lo que quería, me atreví a hacerlo con algunos amigos de México, realizando varias presentaciones en distintas ciudades del país.

Posteriormente viajé a Madrid, y estaba decidido a participar en la improvisación libre de manera activa. Lo hice a través de la Asociación de Música Libre, y después en el colectivo Raras Músicas, junto con Javier Entonado, que es quien me permitió acercarme de lleno a la improvisación libre en España, junto a grandes improvisadores.

Con Raras Músicas participé en múltiples conciertos, y al mismo tiempo desarrollé conLaCarne Magazine

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ciertos en México y otros países. ¿Cuáles son las influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje musical? ¿Y a la improvisación?

Han sido diversas. En general puedo decir que toda la música ha influenciado en mí para mi lenguaje musical. Pero sobre todo la música independiente, no necesariamente improvisada, sobre todo lo que considero música extrema.

Subgéneros del rock como el grindcore, powerviolence, death metal, doom, gore, black metal y el noise. También el free jazz, no wave, avant-garde, la música experimental y electrónica, el breakcore y drum and bass, y también el hip-hop de los 80s y 90s.

Nuevamente, siempre busco que sea música independiente. Considero que sólo los músicos independientes han creado y crean su música de manera libre, es la música que de verdad ellos sienten, y eso es algo que ha construido mi lenguaje.

Los sonidos de toda esa música es la que ha influenciado el 50% de mi lenguaje en la improvisación. El otro 50% lo ha hecho la vida cotidiana.

La calle, la gente, la música, el baile y la comida callejera han formado nuevos sonidos en mi mente: el comerse unos tacos de pie en la calle, de esos que comemos con incertidumbre de si nos harán daño; las calles cerradas para fiestas y bailes en mi pueblo, donde suenan cumbias, música popular y tradicional mexicana, la misma que escuchas al subir al transporte público.

La experiencia del transporte público en México, el lenguaje y la forma de expresarse de las personas, el humor con el que afrontamos cualquier situación, las lenguas nativas, las vestimenta tradicional y popular, el rostro de las personas y sobre todo sus bocas… Podría continuar.

Todo eso influye en la improvisación y el lenguaje que deseo usar a la hora de improvisar.

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Son mis recursos para corromper los prejuicios de cada espectador. ¿Qué es para ti “espacios” en una pieza?.

Quiero decir, que si te dicen: “vamos a crear una pieza con ‘espacios’, ¿qué interpretas?

Pienso que depende de con quién vayas a realizar esa pieza. El espacio en las artes puede ser tan cambiante… Por ejemplo, podríamos sugerir que ese espacio se trate de una pintura, de aquellos trazos largos; o bien del sujeto de aquella pintura, de aquel paisaje o retrato.

Pero también podríamos referirnos a espacios de tiempo, espacios de silencios, frases, texturas, ritmos, etc.

Es decir, tiene distintas perspectivas, pero quizá el concepto de espacio no ha cambiado, sigue siendo un medio físico o imaginario donde se sitúan las cosas.

Lo que cambia es cómo se caracteriza ese espacio, y la improvisación libre, así como las artes, lo permite. ¿Consideras que la improvisación libre es un género musical autónomo?

Desconozco si hay improvisadores que tengan contratos con grandes disqueras. Pero la gestión de espacios, la promoción y la divulgación para el género no siempre es autónoma.

Creo que en general, en un comienzo la improvisación libre siempre es autónoma, de pensamiento, de creación y de gestión. Sin embargo, grandes improvisadores actualmente dependen de gestiones externas que les permitan acercar su música a otros espacios.

Hay músicos e improvisadores (como yo, por ejemplo) cercanos a la idea de hacer primeras tomas y de dejarse llevar por la intuición, la inmediatez y la espontaneidad. Hay quién dice, sin embargo, que esa forma de entender el arte lleva a fórmulas repetitivas y aburridas, y que el ensayo y la composición son necesarios para evitar esos inconvenientes. En mi opinión, las fórmulas y patrones se repiten en cualquier manifestación artística. ¿Qué opinas?

Considero que cuando tratamos de entender el arte es que creemos que esas prácticas pueden llevar a fórmulas repetitivas y aburridas. Podríamos incluso pensar lo contrario: ensayar y repetir varias veces una pieza puede ser aburrido, y la ejecución de la pieza ante el público, aunque esté escrita, puede ser inexpresiva y tediosa.

Desde mi punto de vista, ambas perspectivas pueden estar erróneas. En algunos casos es necesario ensayar, y en otros no. Estoy de acuerdo contigo, las formas y patrones que se repiten son manifestaciones artísticas, incluso las hay improvisadas y compuestas, y ninguna deja de ser una manifestación artística.

Creo que lo más importante no es si es repetitivo o no, ensayado o improvisado, escrito o no. Considero más importante la eficacia y la calidad con la que se expresa una manifestación artística.

Independientemente de todo, si el espectador no siente nada, si el músico no siente nada, no hay arte y hemos fracasado. ¿En qué proyectos has participado o estás participando? Tanto de música improvisada como compuesta.

De música compuesta he participado en numerosas bandas de géneros como ska, reggae, música tradicional de México, blues, soul, funk, latin jazz, rock y r&b.

Comencé a tocar saxofón, y en lo primero que participé fue formando una banda de ska, y hasta la fecha toco en una banda de ska. Algunos de los músicos con los que inicié tocando aún tocan conmigo, incluyendo mi hermano Mario. En México participé en big bands de latin jazz, en bandas de música balcánica, de música tradicional P’urhépecha, rock y blues, además de ska y reggae.

En España participé en bandas de ska, soul, funk y rock. Actualmente sólo toco en una banda de ska que se llama Banana Paradise, con integrantes de comunidades indígenas, y es música cantada en español y P’urhépecha.

En música improvisada participé en solitario en México y con algunos amigos. En España participé en la Asociación de Música Libre y en Raras Músicas, haciendo numerosas presentaciones en bares y festivales de Madrid y otras provincias.

Durante mi estadía en España grabamos tres discos con integrantes de Raras Músicas, principalmente Javier Entonado Arín Dodo.

Dos de ellos están disponibles digitalmente, y otro más que está disponible tanto física y digitalmente.

Ahora que he regresado a México sigo realizando conciertos en distintas ciudades, ahora no como sólo improvisador, sino como gestor de un colectivo.

En 2017 participé en el International Conference on Live Coding, donde tuve la oportunidad de tocar junto con diversos músicos la obra de Alejandro Franco, y el mismo año fundamos en México la Sociedad de Música Libre, junto con otros tres músicos: Barush Fernández, Daniela Galván, y Liliana Rodríguez Alvarado.

Es una agrupación que tiene como objetivos promover la música independiente, a los músicos emergentes y consolidados, la apertura musical, la creación musical libre, la innovación, la colaboración y fortalecimiento de las redes entre músicos, y la apertura de espacios culturales.

Para ello, la sociedad plantea un programa incluyente, integral, multidisciplinario y educativo que, para conseguir los objetivos propuestos, la sociedad fomenta la integración de estudiantes y profesionales de la música (con titulación oficial o no), de artes visuales, escénicas y de nuevas tecnologías sonoras, cuya participación no está limitada a nivel educativo, instrumental o experimental, ni mucho menos económico.

En esta sociedad, desarrollamos conciertos de improvisación libre en diferentes espacios culturales. Acualmente ha habido mucha participación de jovenes que realizan live-coding, y LaCarne Magazine

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hemos tenido una increible aceptación por parte del público.

Estamos trabajando en grabaciones que hemos realizado en directo, y también en nuevos conciertos. Hemos realizado conciertos interesantes como en formato octafónico, y participado en festivales importantes, y realizado conciertos especializados en noise, o incluso con la participación de artistas visuales.

También hemos desarrollado talleres para la creación musical a través de lenguajes de programación en computadora, y tenemos la mirada en crear festivales y crear material discográfico de los participantes. Es el proyecto de improvisación libre que trabajo actualmente.

Tengo además un proyecto en solitario llamado Grossdeath, música extrema construida a través de lenguaje de programación y vocales.

Podemos enmarcarlo en power electronics – grindcore. He sacado un primer sencillo de dos temas que tienen una temática y lírica muy oscura y densa. Voy comenzando con este proyecto, pero está planeado que los eventos en vivo sean un show con los temas compuestos y de livecoding meramente improvisado sobre este género.

Explícame brevemente tu concepto musical Quería encontrar el sonido que en mi mente sonaba. Quizá nunca lo he dicho, pero buscaba un sonido oscuro, grosero, rasposo (como decimos en México). Es decir, como si rascáramos algo o sucio y mal hecho, gutural, como si un árbol se cayera y ese sonido viniera de lo más profundo de un bosque en la lluvia, con pesadez, a veces rápido, inesperable e insoportable.

Diushi Keri durante la improvisación es la búsqueda de sonidos primitivos, corrosivos y degenerativos, lo extremo. Trato de enfrentarme y enfrentar al público a lo extremo, ese extremo que tenemos miedo de conocer o que no queremos acercarnos.

En Grossdeath es lo mismo, música extrema, sonidos oscuros, groseros, densos, dolorosos y aplastantes… Es heavy metal con una lírica que muchos no quieren escuchar. En todo, y sobre todo, la libertad musical.

Indica links, grabaciones, páginas webs…donde aparezca tu material.

Aquí todo lo que hago y he hecho en música: Grossdeath Discografía con Arín Dodó https://modistilabel.bandcamp.com/album/degeneraci-n-progresiva https://modistilabel.bandcamp.com/album/degeneraci-n-progresiva-ii https://arindodo.bandcamp.com/album/degeneraci-n-progresiva Sociedad de Música Libre https://sociedaddemusicalibre.wordpress.com/ https://soundcloud.com/sociedaddemusicalibre https://www.facebook.com/SociedadDeMusicaLibreOficial/ Banda de Ska

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Leticia Soma

Rock Metal denso y distorsionado ese nombre y mucho más de la banda en la siguiente entrevista respondida por Facundo Gigena.

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ock pesado es lo que hacen los integrantes de Leticia Soma, banda procedente de Argentina que recientemente finalizaron una gira por Europa.

La agrupación se formó en el año 2006 pero poco tiempo después es que logran ya consolidarse. A la banda le han dado por nombre Leticia Soma. Averigüemos el por qué de

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Leticia Soma, Rock Metal denso y distorsionado Antes que nada, pon al día a los futuros seguidores de Leticia Soma y háblanos un poquito de cómo se formó la banda, de los orígenes de Leticia Soma.

Hola, saludos a todos los seguidores de LaCarne Magazine! Mi nombre es Facundo, bajista y uno de los cantantes de Leticia Soma.

Foto por Mayra Sabbath

¿Por qué deciden ponerle Leticia Soma a la banda? ¿Tiene algún significado especial para ustedes?

El nombre “Leticia” viene de una antigua princesa rusa que se exilió en nuestro país hace un siglo y medio atrás, más precisamente en la provincia de Córdoba. Construyó un castillo, se encerró y nunca más se la volvió a ver.

En la década de los 80’s fue ordenada la demolición de ese castillo por ser un sitio okupa, hábitat natural de junkies y vagabundos.

El apellido “Soma” lo tomamos de la droga sintética recetada en el libro “Un Mundo Feliz” de Aldous Huxley. En ese libro, se trata de una droga ideal en un mundo no tan ideal. Todo esto gira en torno a una visión bastante cínica, trágica y absurda de la realidad que pretende ser solemne y no lo es.

A muchos medios se le ha hecho difícil encasillarlos en un género especifico. Así que espero me digan qué género hacen.

Tal vez a los medios se les haga difícil encasillarnos porque a nosotros mismos nos cuesta encasillarnos.

Lo único que podemos plantear, a modo orientativo, es que hacemos música densa, distorsionada y perteneciente al mundo Metal.

En Argentina decimos que hacemos Música Pesada, pero sabemos que para otros países hispanoparlantes eso no significa lo mismo que queremos decir.

La banda se inicia en principio cuando Santiago (guitarrista) y yo nos conocimos trabajando en la misma oficina como empleados administrativos en 2006. Ambos teníamos proyectos musicales de diferentes estilos, y decidimos armar algo nuevo.

La banda estuvo varios años sin hacer nada realmente serio, hasta que en 2009 grabamos nuestro primer EP, y poco más tarde ingresó Benjamín en batería, dándole la impronta más pesada de lo que hoy conocemos como Leticia Soma. En 2011 Nicolás se consolida como cantante y cuarto miembro de la banda.

Creo que tomamos algunas cosas del Hardcore, Thrash, Crossover, el Sludge o ritmos latinos, y tratamos de hacer la mezcla más extraña que se pueda con todo eso.

Hablando de influencias, ¿cuáles eran éstas cuando formaron la banda y cuáles ahora en el 2018?

En un principio Leticia Soma se podía describir como una banda psicodélica, con Frank Zappa, The Mars Volta, Black Sabbath o The Doors como principales influencias.

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Después hubo un periodo un poco más denso y más cercano al Stoner, con influencias como Kyuss, Nebula, Melvins o la banda Argentina Natas.

Actualmente estamos más cerca del metal, escuchando Megadeth, Hatebreed, Pantera.

De todos modos, nunca dejamos de escuchar algunos de estos referentes que te mencioné.

Otra música que escuchamos mucho es el Tango o música clásica.

Sería bueno que presentaras a cada uno de los integrantes de la banda.

Como te decía, la banda se compone de Nicolás Romero como cantante, Benjamín Romero en batería, Santiago Bugallo en guitarra y Facundo Gigena en bajo y cantando también.

Recientemente publicaron su disco de nombre “Nido de Serpientes”, coméntame un poco sobre él, cómo fue su aceptación, distribución… ¿Cómo ha sido la crítica y la reacción de los medios?

El disco fue muy bien aceptado, primero por nuestro entorno. La mayoría de los temas nunca habían sido tocados en vivo, y es por eso que algunos temas causaron sorpresa entre los músicos amigos, y las reseñas que hemos tenido de medios que no nos conocían desde antes fueron muy positivas.

Este disco se distribuye en Europa por medio de dos sellos rusos. ¿Cómo dieron con estos sellos? ¿Les va bien trabajar con ellos?

Tener material nuevo siempre te abre puertas.

Con “Nido de Serpientes” se dio la posibilidad de editarse en Rusia y Kazajistán, a su vez de distribuirse por toda Europa.

La edición rusa fue una grata sorpresa, nos contactaron directamente la gente del sello Narcoleptica Productions diciendo que les había gustado nuestro material y les interesaba hacer una coproducción.

Así se terminó dando la sociedad entre nuestro sello independiente Lucifer Discos y el sello ruso Narcoleptica Productions.

Lucifer Discos es un colectivo de bandas

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amigas, con la que nos encargamos de producciones de eventos, prensa y demás. En definitiva, somos los propios músicos los que gestionamos todo, llenando el vacío que dejan las productoras comerciales.

Tocar en vivo. ¿Cómo describirías un concierto de Leticia Soma?

Tocar en vivo es lo más divertido que puede hacer una banda. Creo que tocar en vivo es el

Recientemente terminaron una gira por varios países de Europa. Quisiera me comentaras qué tal les fue en esta gira europea, dónde se presentaron, con qué bandas…

Estoy escribiendo esto el 30 de septiembre, y nuestro tour europeo se terminó anoche. Teníamos programado otro concierto en el día de hoy en Barcelona, pero al final se canceló.

Estamos muy contentos con esta nueva aventura que nos llevó por Alemania, Francia, Holanda, y todo el centro y sur de España.

Nos estuvimos moviendo en el circuito underground de Europa, tocando con bandas emergentes y en salas de lo más variadas, algunas muy elementales y otras bien equipadas.

Hemos compartido fecha con grandes bandas, sobre todo españolas como Knibal, Osezno, Vendetta, Fallen Days, Hashima, entre otras muy buenas.

Entremos de lleno en el disco “Nido de Serpientes” ¿Cómo fue este trabajo de composición? ¿Un trabajo conjunto de la banda o más bien de algunos miembros en concreto? ¿Qué temas tratan en sus canciones?

A diferencia de su antecesor, “Conspiracion/ Vision/Entendimiento”, que era un disco conceptual, “Nido de Serpientes” es un disco mucho más concreto, con canciones más contundentes y no tan voladas.

Foto por Mayra Sabbath

motor de todo conjunto musical. Con Leticia Soma pasa que damos conciertos mucho más crudos que lo que plasmamos en los discos, por ejemplo.

En los discos, Santiago suele meter varias líneas diferentes de guitarra que en vivo tienen que simplificarse, por el solo hecho de que es una sola persona tocando todas esas guitarras que están grabadas en el disco.

La composición se fue dando a medida que íbamos dejando atrás el disco anterior. Algunos pocos temas se terminaron de cocinar en el estudio de grabación como Sepulcral o incluso Nido de Serpientes, que le terminó dando nombre al disco.

La banda tiene un funcionamiento muy fluido a la hora de componer. Ha pasado que Benjamín, Santiago o yo tengamos temas prácticamente enteros para mostrar en la sala de ensayo, y también ha pasado de tener solo pequeños tramos de un tema e ir construyendo la canción entre todos. Las líricas están siempre a cargo de Nicolás, y algunos temas puntuales los escribo yo.

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La temática de este nuevo disco tiene que ver un poco con reconocer la mierda ancestral o contemporánea del mundo, pero no por eso quedarse en el conformismo o la inacción. Es una invitación a poner el pecho a los problemas y despertar el espíritu combativo del que escucha. ¿“Nido de Serpientes” es su primer disco o existe alguna producción anterior a este álbum?

“Nido de Serpientes” es nuestro segundo larga duración, pero además tenemos 2 EP’s anteriores que han dejado huella de nuestro pasado psicodélico y stoner. ¿Qué es lo mejor que habéis conseguido como banda hasta el momento?

Bueno, en todos estos años de ruta ya tuvimos de gira por todo Chile, México y ahora por Europa. Además, el territorio argentino es muy extenso, y pudimos hacer varias giras por diferentes regiones argentinas. Pero el mayor logro es estar tocando juntos desde hace casi 9 años sin parar.

La semana que viene estaremos tocando en uno de los lugares con mejor sonido y escenario de Buenos Aires, The Roxy Live, el sábado 13 de octubre. ¿Cómo ves la escena en Argentina? ¿Qué bandas destacarías? ¿Hay apoyo de los medios hacia el metal en general? Me refiero a revistas, radios TV… La escena argentina está en su mejor momento a nuestro entender. A su vez, la situación musical es inversamente proporcional al apoyo de los medios en nuestro país. La verdad que el rock ha desaparecido como industria, y hasta las bandas de rock más comerciales pierden terreno frente al reggaetón y mierdas por el estilo.

Hay muy pocos medios especializados en la música pesada y eso hace que se genere una especie de camaradería que hace 10 o 15 años se había perdido. Hoy hay músicos de primerísimo nivel tocando para audiencias de 100 personas o menos, solo por el hecho de

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haber elegido este estilo musical.

Pero en eso estamos y lo valoramos mucho, porque sentimos que estamos donde tenemos que estar. La escena metalera argentina aguanta más porque son menos. ¿Por qué nos recomendarías que escuchemos a Leticia Soma?

Recomendaría ver a Leticia Soma en vivo porque somos una banda divertida, nos gusta mezclar muchos estilos, y hacemos que la gente pase un buen rato.

No somos partidarios de que las bandas de metal tienen que tener una pose de maldad y lejanía, nos parece que lo más importante es divertirse y por eso estamos en esto.

Bien, esto es todo, muchas gracias por el tiempo. Algún mensaje, comentario o algo que deseen decir y dar a conocer a los lectores, adelante. Gracias por todo.

Bueno, ante todo muchas gracias por la entrevista y el espacio. También queremos invitar a la audiencia a apoyar a sus bandas locales.

Las bandas consagradas ya las conoce todo el mundo, las bandas locales son las que necesitan de tu apoyo mucho más que Bruce Dickinson.

Compren el merchandising, paguen la entrada, vayan a ver conciertos en vivo, ningún disco es más divertido que un show en vivo.

Y a las bandas locales les recomiendo juntarse con otras bandas, siempre unidos es más fácil hacer cosas grandes.

Ahora sí, les mandamos un abrazo muy grande a Omar, a LaCarne Magazine y a todos sus seguidores. Busquen a Leticia Soma en todas las redes sociales.¶

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