LaCarne Magazine N78

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europa y latinoamérica

Nº78 - NOV 2018 - AÑO 8

sadia

fe y pasión por la música EXPERIENCIAS

navalñam - spring gloryesperanzah - under the symphony - provincia inquieta

investigación otis redding

ENTREVISTAS

nhandei zha - nina schatz patriarca - the jet black jackets - excomulgación aurelio gallardo nekrobutcher - pornostars

SUMARIO N78 aÑo 8 NOV 2018

experiencias 42 Nhandei Zha, Rock y mucho Metal desde Paraguay 06 Navalñam, Food and Music Festival 46 Nina Schatz, conexión con la 10 Spring Glory, el gran éxito zafren- música eterna e infinita se 52 Patriarca, esencia Metal de los 90’s 12 Esperanzah, el Festival de música 58 The Jet Black Jackets, aires solidario nuevos desde Chile 18 Under The Symphony y su sor62 Excomulgación, Black Metal prendente Rock crudo y oscuro 20 Provincia Inquieta celebra su tercera edición 66 Aurelio Gallardo y su actuación en Provincia Inquieta

investigación 70 Nekrobutcher, abrazando la oscuridad 26 Todo el mundo quiere a Otis Redding 76 Pornostars, fusión entre el Hard Rock y el Grunge entrevistas

32 sadia,

fe y pasión por la música

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, luis lama, ángela sumy, marcos fernández

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Navalñam

Food and Music Festival que facilita su acceso a toda la población.

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avalñam, es un festival que reune foodtracks y casetas con comidas, restaurantes locales, juegos y actividades y un escenario en el disfrutaremos del Rock que nos traen grupos regionales y nacionales.

Navalñam, Food and Music Festival

La productora Amantesdementes han entendido a la perfección por dónde va el futuro de los festivales. Seguramente hayan estudiado la idea de festivales como el Brunch Electronic o Palo Alto Market, ambos festivales en Barcelona, pero con franquicias en todo el mundo. ¿En qué consisten este tipo de festivales? En ofrecer todo en uno: música, arte a la venta a través de un mercadillo de artistas locales, caravanas food trucks, y chiquipark o actividades infantiles para los niños. ¿Qué buscan? Atraer a un público familiar donde pueda disfrutar toda la familia, bien escuchando música, comprando arte local, saboreando cocina de autor, y jugando en familia.

Amantesdementes ofrecen una alternativa al ocio festivalero y llena el hueco dejado en la ciudad tras la desaparición del festival NavalPop. Una opción que seguro que tendrá éxito porque en otros lugares ya lo tiene, y que esperemos se continúe en el tiempo. No obstante, al contrario que otros festivales de este tipo, como los citados anteriormente, es gratuito, lo

Además, la productora conoce bien el gusto general de la mayoría de los extremeños, que es el rock & roll. Mientras en los festivales de Barcelona alternan djs y bandas indies, aquí recurren al rock, que es quizás el estilo musical que más triunfa por tierras belloteras.

El recinto es el entorno del Pabellón Multiusos de Navalmoral. Un espacio de arquitectura moderna y contemporánea. Siempre lo hemos dicho desde la revista, es importante que los festivales se hagan en enclaves atrayentes visualmente para el público, ya sea desde el punto de vista arquitectónico o natural.

El festival cuenta con tres espacios: Navalñam, a las afueras del pabellón se colocaran los foodtracks y casetas con comidas de cocineros y restaurantes locales para ofrecer buenos manjares y bebidas a los asistentes.

Navalkids, dentro del pabellón multiusos habrá una zona acondicionada para los niños donde poder disfrutar de juegos y actividades realizadas por monitores.

Navalmusic, escenario de rock & roll con grupos de carácter nacional y regional junto a las foodtrucks para poder disfrutar de la música cerveza en mano.

A continuación hacemos un repaso de los grupos y artistas que pasarán por el festival desde la 1 del mediodía hasta la 1 de la madrugada.

Grupos y artistas de Navalñam 2018

LOS LABIOS Los de Sevilla son una banda de rock & roll.

Llevan la fuerza y contundencia del rock setentero, blues, y punk. En definitiva, rock duro LaCarne Magazine

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sin concesiones.

Músicos de larga carrera (han formado parte de las bandas de Kiko Veneno o Bunbury) que han conseguido convencer al productor de Lenny Kravitz para engendrar su disco “Birthday”.

Nos cantan en inglés y son cañeros y poderosos en su directo. Si os gustan las guitarras enérgicas a todo volumen hasta no parar de sudar, éste es vuestro grupo.

LOS CHICOS Banda madrileña de country-punk-soul-gospel, todo metido en una cockelera de rock & roll en inglés.

En Australia o UK los definen como la fiesta española del rock & roll, y tienen toda la razón, ya que en sus directos son verdaderas máquinas de baile, convirtiendo su show en una revolución alocada de guitarras, ritmo y frenesí. 6 discos a sus espaldas desde hace más de 15 años.

A nosotros nos encanta “Rockpile Of Shit”. Sin duda lo pasaremos ¡bomba!

THE LIMBOOS Banda madrileña de soul, rythm & blues y lounge. Para los amantes de la música negra, estos chicos nos traen el Caribe con sonidos latinos de mediados del siglo XX, y canciones cálidas y pegadizas.

En su música podemos encontrar influencias del calipso, de los orígenes del ska, o el soul.

Su resultado es música tremendamente adictiva, divertida, donde nos encontramos canciones festivas y bailables con otras más enigmáticas. 2 discos en su trayectoria, “Space Mambo” y “Limbootica”.

LA MENDINGA Banda cacereña de rock capitaneado por mujeres. La particular voz de Maribel Blanco nos recuerda mucho a la fuerza de bandas rockeras femeninas de los 90.

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“el festival navalñam ofrece música, arte a la venta a través de un mercadillo de artistas locales, caravanas food trucks, y chiquipark o actividades infantiles para los niños” Cantan en español y sus influencias vienen del hard rock de ZZ Top o AC/DC, y de clásicos del rock patrio como Barricada o Rosendo.

Con mucha carretera encima y mucho nivel en su música, que les ha llevado a formar parte de festivales como Granirock o Extremusika estamos convencidos que Navalmoral disfrutará con los temazos “Jaque mate al peón” o “Ya no estás sola”.

RAMONINOS Banda de rock con edades comprendidas de entre los 8 y 13 años. Estamos ante uno de los grupos promesa de la región.

Los locales se han recorrido todo tipo de festivales extremeños. Extremusika o Mayorga Rock los han programado, pero no queda ahí, Euskadi o Madrid ya conocen su maestría.

Su directo ante su público será memorable, y no nos cabe ninguna duda que disfrutaremos de las versiones de Eskorbuto, Siniestro Total, Sex Pistols, Ilegales o La Polla como si al día siguiente no hubiera cole.

EFECTO ÍNDICO Serán los encargados de abrir el festival. Los locales nos ofrecerán un directo de rock, pop y country con alguna pincelada de flamenco, reggae y punk.

El buen rollo y las buenas vibraciones para abrir boca musical y gastronómicamente hablando. Realizan canciones propias junto con versiones muy gamberras. ¶

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Spring Glory el gran éxito zafrense

a tocar.

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pring Glory fue de los primeros grupos que hicieron música rock en Zafra, y de los pocos que lo hacían en España en aquellos años.

Es un honor para mí dar a conocer a un grupo de los años 60 de mi ciudad (Zafra). Comenzaron su andadura en 1961, y se separaron en 1968 (debido a que dos de sus miembros fueron a hacer la mili obligatoria), pero su andadura musical no se detuvo hasta finales de los 70. Desde entonces el grupo no ha vuelto

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Hay que destacar que además de ensayar de Lunes a Domingo doce horas, aprendieron a tocar de forma totalmente autodidacta, y que compraron los instrumentos con el dinero que les daban sus padres para salir.

Por citar un ejemplo de por qué Spring Glory goza del prestigio que tiene es que resultaron ganadores del primer festival Hispano-Luso celebrado en Badajoz en 1969, ganando a multitud de grupos en el festival.

Empezaron a tocar por Zafra y su comarca para después irse a Madrid con lo puesto para buscarse la vida, y allí conocieron a un empleado ferroviario, quien les presentaría a un

amigo suyo que era agente artístico. Dicho agente les buscó conciertos por todo Madrid en principio, luego toda España y fuera de nuestras fronteras, llegando a realizar giras de 3 meses en Abu Dhabi, Beirut, Dubai, etc.

Por desgracia no hay ningún disco grabado a causa de no disponer de dinero suficiente como para entrar a grabación. Los músicos de hoy en día deben agradecer la facilidad actual para grabar y promocionarse gracias a internet.

Pero lo que sí hicieron fue crear muchos recuerdos grabados en la memoria del gran público que les acompañaba en cada concierto, y si algo quiere la gente de Zafra, tanto jóvenes como ancianos, es el regreso de los Spring Glory.

Spring Glory tenía influencias de Los Brincos, The Beatles, influencias del pop británico que ejercían con gran profesionalidad, pero lo que realmente gustaba de ellos es que se adaptaban al público con enorme facilidad.

Es decir, si el público era mayormente mayor, tocaban estilos clásicos, pero si era más bien juvenil, tocaban canciones rockeras y movidas.

Como he dicho antes, la gente de Zafra desea volver a verlos, y todo depende de que el ayuntamiento cumpla por fin su palabra y les dé una fecha definitiva para su actuación, y así celebrar los 50 años del grupo. Actualmente desean tocar tanto a través del ayuntamiento como de Ong´s y actos benéficos.

Si no hubiera sido por la dispersión del grupo (Lito y Martín aún vive en Zafra, pero Pepe se fue a Madrid y Avelino se fue a Valladolid, ambos por motivos laborales) el grupo hubiera seguido hoy en día.

Zafra vivió una época de rock con los Spring Glory, The Invaders, Los Salvajes, y un largo etc. que espero que se repita pronto facilitando a los grupos de música lugares de ensayos, y, sobre todo, más oportunidades para tocar y para organizar conciertos de rock, rap o de cualquier estilo sin despreciar ninguno. ¶ LaCarne Magazine

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Esperanzah

el Festival de música solidario

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speranzah es uno de los festivales “musicales” que más nos tiene enamorados del panorama nacional, ubicado en el barrio de Sant Cosme, en el Prat de Llobregat, Cataluña.

La idea surge de un viaje realizado por la asociación GATS (colectivo social para la transformación social del barrio de San Cosme) y

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Radio chango (plataforma liderada por Manu Chao para la difusión de la música mestiza y comprometida) hasta el pueblo belga de Floreffe, donde se realiza un festival de músicas del mundo del mismo nombre.

A partir de aquí nació el festival Esperanzah con el objetivo de transformar el barrio, y ofrecer alternativas para impulsar la economía social y solidaria en el ámbito local, y crear una Red de Economía Solidaria extensible al ámbito regional, nacional o internacional, todo ello englobado dentro del entorno de la cultura. Uno de sus lemas es “Juntos para cambiar

Cor Safari, La Fundación Vozes, o la creación de proyectos solidarios para el barrio de San Cosme.

En su décimo aniversario pretende aportar recursos para proyectos de impacto social, reforzar la economía solidaria y favorecer la feminización de nuestra sociedad.

Por eso, este año el festival se amplía a 4 días, del 11 al 14 de octubre. Y además, uno de los días, 12 de octubre, será dedicado única y exclusivamente a la campaña Esperanzah es Muher.

Dicho día todas las actividades musicales, culturales, sociales, etc, serán realizadas por el movimiento de mujeres artistas llamado Arte Muhé y Amparo Sánchez.

El festival tiene una serie de características a tener en cuenta:

el mundo”.

El festival Esperanzah es una cooperativa de transformación a través de la cultura, un movimiento que integra artistas, festivales, entidades, administraciones públicas, periodistas y otros colectivos bajo un novedoso modelo de organización y participación.

Dicho festival en los últimos tres años ha conseguido recoger 300.000€ para proyectos sociales, y el objetivo del 2018 es obtener 200.000€ para ser destinados a Ong’s y colectivos tales como Proactiva Open Arms, El

- Una amplia red de voluntariado, sin los cuales sería muy difícil que se realizara dicho festival.

- Festival Clownia.

- Moneda propia llamada Coop con el objetivo de hacer reflexionar sobre el papel del dinero en nuestra sociedad como elemento de negocio, y no como herramienta de trueque que era su fin inicial.

- Zona de acampada situada en el Parc Nou, un área con arboleda y matorral autóctono preexistente, con zonas de picnic, varias zonas infantiles, también deportivas, todo un lujo para un festival.

- Control de residuos mediante el uso de Vasos reciclables con el objetivo de generar el mínimo impacto posible en el entorno natural.

- Pueblo de los Posibles. Un espacio dentro del festival donde estén reflejados todos los proyectos e ideas que tengan que ver con la transformación social. Es un lugar abierto para que todas aquellas ong’s, colectivos o entidades puedan darse a conocer.

- Acondicionado para personas con movilidad reducida, teniendo un equipo de voluntarios a su disposición y aseos con y sin llave para su uso.

- Zoco gastronómico y artesanal gestionado LaCarne Magazine

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por entidades relacionadas con el comercio justo y economía social, solidaria y local.

En cuanto al elenco de artistas, nos centraremos en los más destacables de los días 12 y 13 de octubre.

Esperanzah Festival

Viernes 12 de Octubre Será el día destinado a la mujer. Las artistas que más destacables de Esperanzah es muher son las siguientes: ANA TIJOUX Tenemos delante a un cabeza de cartel.

La Chilena nacida en Francia es todo un ejemplo de música y compromiso. Un referente mundial en la música urbana latinoamericana, con una trayectoria larga siempre en el ámbito del hip hop, tanto como solista como perteneciente a diferentes bandas.

En solitario ha tenido colaboraciones con Julieta Venegas, Jorge Drexler o Molotov, y los halagos de Thom Yorke, Iggy Pop o Ryuichi Sakamoto.

Con sus discos “1977” y “Vengo” se consagra internacionalmente, recorriéndose la geografía mundial con su música. Tiene auténticos himnos feministas y anticapitalistas como “Somos Sur” o “Anti patriarca”.

Hip hop como base con perfecta fusión con sonidos indígenas, reggae, pop, rock. Si te gusta Residente, aquí tienes otro referente.

AMPARO SÁNCHEZ Todo el mundo la conoce como Amparanoia.

Una mujer libre, pasional, fuerte, incansable, sin complejos, experimental en cuanto a música y compromiso se refiere.

Su trayectoria es tan extensa y tan valiente que solo podemos elogiarla por todo su recorrido en la vida y en la música. Ha colaborado con grandes músicos, pero también con Ong’s y diversos colectivos. En definitiva, Amparo es un referente nacional del mestizaje.

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Tiene grandes canciones desde hace mucho tiempo, y su directo, que suponemos será con su banda, será una verdadera sorpresa. Su último single “Mamá África”, y su último trabajo “Espíritu del Sol”, serán seguro su apuesta, pero quién sabe, lo mismo nos brinda con algunas de sus versiones de Chavela Vargas o Mano Negra.

ARIANNA PUELLO Seguimos hablando de referentes.

En la escena hip hop femenina nacional, Arianna lo es sin ninguna duda. Siempre nos ha gustado su manera de rapear y de realizar un hip hop constructivo y reivindicativo, mezclado con sus orígenes latinos y caribeños.

Nos tocará canciones de su último trabajo Rap Komunion, pero seguro que temazos como “Juana Kalamidad”o “Ay Caramba” serán bailados por todas.

Ari tiene mucho de ese old school donde las bases y los samples van en perfecta comunión con cada una de sus rimas.

Foto por @jpuntas.fotografia

VINILA VON BISMARK Es una artista que rebosa actitud. Cada proyecto que realiza, tanto musical, cinematográfico o teatral, busca la provocación, la seducción y el deseo.

Es un icono de rebeldía, pero también de libertad, en la que el burlesque y todo lo relacionado con ello es sinónimo de Irene López.

Mientras en su primer disco en solitario “A place with no name” nos encontramos con canciones de rock & roll americano cantadas en inglés, en su segundo trabajo “Motel llamado Mentira” cambia por completo de estilo y de idioma.

Canciones en castellano y ritmos latinos, cumbia, flamenco rock o raíces árabes. Un disco muy centrado en Granada y la influencia de su escena en el panorama nacional.

MARINAH Máximo exponente de Ojos de Brujo, hace ya más de 5 años que aquello se acabó, pero ella en solitario nos sigue brindando con su arte.

No ha perdido aquel mestizaje que representaba la formación catalana, pero ahora podemos saborear más el flamenco o la rumba propios de Marinah.

Comprometida con la causa feminista, uno de sus últimos temas es “Mi baile es mío”, que rápidamente se hizo viral por las redes. “Afrololailo” es su último disco, donde usa la rumba alegre y reivindicativa como base para adentrarse en otros estilos como el hip hop, reggae, flamenco o ritmos latinos.

“Dime quien” es uno de los temas del disco que cuenta con la colaboración de Arianna Puello, por lo que ver a las 2 tocar este track será muy emocionante.

LA MARI La cantante de Chambao es un ejemplo de superación y compromiso social. Larga trayectoria con su formación, pero también colaborando socialmente y con artistas de diversa índole.

No sabemos con qué sorpresas nos deparará LaCarne Magazine

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el directo de María del Mar, pero sí que estamos seguros que caerán colaboraciones en directo con Vinila Von Bismark con el tema “Solo para mí”, o con Marinah con el tema “Medio Pan”. “Imagina”, “Camino Libre”, de su último disco “Nuevo Ciclo”, seguro que también, y quién sabe si la nueva versión de “Ahí estás tú” tiene cabida en su repertorio.

LAS MIGAS Cuarteto formado por 2 guitarras, una voz y un violín, que fusionan estilos musicales cercanos a los sonidos del mediterráneo.

Su base principal es el flamenco, al que han ido incorporando otros sonidos como la electrónica o los ritmos latinos.

La formación ha tenido varios cambios desde su origen, aunque el alma, Marta Robles, sigue manteniendo y consolidando el proyecto.

“Reinas del matute”, “Nosotras somos” y “Vente conmigo” son sus tres discos donde nos enseñan el alma, la sensibilidad, las emociones, la nostalgia, y los sentimientos a través de su música.

Esperanzah Festival

Sábado 13 de Octubre Se presentará en directo un espectáculo sobre África llamado Abaraka.

Un show que significa el fin de gira de Txarango, donde junto con el festival Clownia y diferentes bandas amigas se encargarán de cerrar la jornada del sábado. A continuación os describimos algunos de los grupos que forman parte de Abaraka.

mentalmente en català, pero también en castellano. Culés de toda la vida, tienen canciones dedicadas al futbol y a Messi.

A nosotros nos encantan temas muy de irse de farra como “Birres”, “Festa Major”, “La última y nos vamos”, o “Nos vamos pa’l festi”.

PUPIL·LES Es un grupo de rap valenciano. La electrónica en sus diferentes estilos, reggaetón principalmente, pero también dancehall o ritmos rotos, y el rap en valencià como sello de identidad junto con unas letras feministas, reivindicativas y directas.

3 discos autoeditados a sus espaldas, y mucha carretera dividida entre pequeños locales y ahora grandes festivales.

Forman parte de esa escena valenciana que tanto está despuntando, y que nos está dando muchas alegrías.

TXARANGO Txarango son el referente catalán en el mestizaje nacional, como lo son Love of Lesbian en el indie nacional.

Su propuesta es una fusión musical junto con el circo y el clown, con el reggae como base principal, pero también el dub o el pop, y mezcla de ritmos jamaicanos, rock y sonoridades latinas.

Tienen tantos proyectos solidarios casi como discos: “Txarango en Idomeni”, “La ruta de los Balcanes”, “La música colectiva”, “Clownia Festival”, “Payasos sin frontera”.

BUHOS Banda procedente de Calafell (Tarragona), practicantes de rock tropical (como ellos se definen), donde el rock, el pop y el mestizaje van de la mano.

Tienen hits maravillosos como “Una llauna a l’aigua”, “Volveremos”, “Músic de carrer”, o “La vuelta al mundo”, y su puesta en escena en directo es exquisita a la par que festiva, reivindicativa y circense. ¶

Veteranos de la carretera, su particularidad es que realizan música muy festiva, alegre, simpática, satírica, reivindicativa y solidaria.

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Con 8 discos en su trayectoria, cantan funda-

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Under The Symphony y su sorprendente Rock Texto por Marcos Fernández

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ay que aclarar que dentro del Rock nacional Argentino hay muy pocas bandas en la actualidad que compongan su música en Inglés.

Las definidas corrientes musicales de fines del siglo XX (1950-1999), con bandas británicas y americanas como The Beatles, Oasis, U2 (Irlanda), Red Hot Chili Peppers, R.E.M., Aerosmith, entre otras, han dejado un legado impresionante que ha traspasado fronteras.

Para ser específicos, un estudio ha revelado que más del 35% de bandas mexicanas cantan sus canciones en inglés (incluyendo covers).

En Latinoamérica, el número disminuye a 25%. Under the Symphony, la banda oriunda de Banfield, provincia de Buenos Aires, es una de ellas.

Para comenzar presentando a la banda, y tal como nos han contado, Under the Symphony nace en el año 2014, fundado por Facundo Nahas y Fernando Flores, dos amigos apasionados por la música que decidieron unir sus estilos.

musical de casi 5 minutos, muy fiel al estilo Rock Alternativo que generó aceptación entre sus primeros oyentes.

La guitarra acústica, el solo de guitarra y un sólido arreglo de bajo definen la canción en todas sus formas. La melodía es pegadiza, y la letra cumple con lo esperado en un inglés bien pronunciado y armonioso.

Nahas se encargaría de la voz, los arreglos de guitarras, bajo y piano, mientras que Flores compondría las bases con sus diversos conocimientos de programación y sonidos con sintetizadores. De esta forma, la banda comenzó a crear sus primeras canciones entre los años 2014 y 2017, llegando a comenzar a grabar en 2018.

El sonido y estilo de Under the Symphony parecía ser definido, pero una vez más volvieron a sorprender con su segundo sencillo, “Like the person I wanna be”, una canción que rompe con el estereotipo musical que esperábamos de la banda, llegando a ser un estilo algo extraño (entre la fusión Rap-Rock, New Age y Rock Alternativo), que cuesta encasillar en un género específico.

En Julio de 2018, Under the Symphony comenzó abriendo su lista de Sencillos con la canción “Shine for You”, una melódica pieza

La parte instrumental cumple un rol más que importante, llegando a resultar armoniosa y delicada. De todas formas, no define la melo-

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y

día de la canción.

La guitarra eléctrica, bastante distorsionada y firme, es quien cumple ese rol, cambiando su melodía en el estribillo final y mezclándose enérgicamente con la voz.

Esta última canción alcanzó a muchísimos oyentes de todo el mundo (en especial en los Estados Unidos) alcanzando más de diez mil reproducciones en Spotify.

Aunque la banda no publicó esta canción en Youtube, como lo hizo con “Shine for You”, quizás sea el próximo video en ser publicado.

Un dato concreto y certero que nos ha desvelado la banda es que actualmente se encuentran en producción de su primer Álbum en calidad de estudio, cuya publicación será gratuita entre fines de 2018 y principios de 2019.

La grabación de su primer disco se está lle-

vando a cabo en el estudio “3D Records”, en la ciudad de Lomas de Zamora, mezclado y remasterizado por el ingeniero de sonido local Alejandro Belmonte.

También es importante destacar que teniendo en cuenta la formación original de Under the Symphony (que cuenta con solo dos integrantes: Fernando Flores y Facundo Nahas) se ha confirmado que para sus versiones en estudio y en vivo contarán con músico invitados.

Nuestra conclusión es que Under the Symphony llega a ser una nueva e interesante apuesta que debemos seguir atentamente dentro del Rock Argentino, que año a año nos sorprende con sus nuevas corrientes musicales europeizadas, y en ocasiones anglosajonas provenientes del Rock de fines del siglo XX. ¶

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Provincia Inquieta

celebra su tercera edición

frutar de estilos musicales tan variados como el folk, el flamenco, la rumba, el blues la copla y la canción de autor.

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P

rovincia Inquieta vuelve un año más para celebrar la que será su tercera edición. Podremos disfrutar de 35 grupos y artistas que recorerrán un total de 25 localidades cacereñas.

Este programa de la Diputación Provincial de Cáceres llenará el otoño de eventos culturales durante las tardes y noches desde el 6 de octubre al 8 de diciembre: música, teatro y, además este año como novedad, cuentacuentos para niños y mayores.

Las representaciones teatrales correrán a cargo de varias compañías como Albadulake Compañía (“Genoma B”), Atakama Teatro (“El retablo jocoso de la maldita armadura”) y Atutiplán Teatro (“Cartas para Extremadura”), entre otras.

Aquí os dejamos el programa completo con todas las fechas y actuaciones para que no te pierdas nada:

Provincia Inquieta - Música

Como en ediciones anteriores, el objetivo de Provincia Inquieta es que la cultura esté al alcance de todos y para ello se han realizado programas como éste, para llevar la cultura a cada rincón de la provincia.

Provincia Inquieta apuesta por la cultura y, como decía el propio diputado de cultura Álvaro Sanchez Cotrina, “irá in crescendo, porque ya estamos trabajando en los próximos presupuestos”.

Como mencionábamos anteriormente, el programa cuenta con una novedad este año y es que a la música y al teatro se unen los cuentacuentos. En este apartado contaremos con un gran elenco de artistas y narradores como Anabel Gandullo, Carolina Rueda, Charo Jaular, Inés Bengoa, Jesús Buiza, Légolas, Noelia Carioca, Pep Bruno, Pablo Albo y Sandra Araguás.

La música y el teatro tampoco faltarán en esta edición de Provincia Inquieta. Podremos dis-

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ANALÍA BUETI Y LA ORQUESTA DE LAS DOS ORILLAS “La noche que me quieras” (tango) 6 oct.- Jarandilla de la Vera - Casa de Cultura - 20:00 h.

A NUESTRO AIRE (flamenco-rumba) 11 oct.- Logrosán - Plaza de España - 23:30 h.

6 dic.- Casas del Castañar - Casa de Cultura - 18:00 h.

SOLIMA (copla) 12 oct.- Navalvillar de Ibor - Centro Social 19:00 h.

ALBERTO MORENO (copla) 8 dic.- Peraleda de San Román - Nave Municipal - 19:00 h.

ANHINOJO FOLK (folk) 13 oct.- Galisteo - Plaza - 12:00 h.

ALKONETARA FOLK (folk) 7 dic.- Cerezo - Centro Social - 20:00 h.

MUÉRDAGO (folk) 13 oct.- Portaje - Plaza Mayor - 21:30 h.

CHARLY GONZÁLEZ (blues) “Tiempos de flamenco y blues” 7 dic.- Casatejada - Casa de Cultura - 20:00 h

PEDRO PASTOR Y LOS LOCOS DESCALZOS (canción de autor) 13 oct.- Ceclavín - Parque Municipal - 19:30 h.

RAQUEL PALMA (copla) “Por siempre Rocío” homenaje a Rocío Jurado 13 oct.- Garrovillas - Corral de Comedias 21:00 h.

AULAGA FOLK (folk) 27 oct.- Berzocana - Casa de Cultura - 20:00 h.

PELUJÁNCANU (folk) 2 nov.- Robledillo de la Vera - Casa de Cultura - 18:30 h.

COETUS (folk) 3 nov.- Carbajo - Pabellón Polideportivo 22:30 h LLARES FOLK (folk) 3 nov.- Eljas - Polideportivo Foios - 18:00 h.

CERANDEO (folk) 17 nov.- Piornal - Plaza de las Eras - 17:00 h.

COMPAÑÍA DE ARTE FLAMENCO JESÚS CUSTODIO (flamenco) “La Barraca” 18 nov.- Villamiel - Salón Social - 18:00 h.

AURELIO GALLARDO (Flamenco-rumba) 6 dic.- Marchagaz - Local Usos Múltiples 21:00 h.

COMPAÑÍA DE BAILE FLAMENCO CATY PALMA (flamenco)

Provincia Inquieta - Teatro DE LA BURLA TEATRO “Los miserables” 13 oct.- Casas de Miravete - Centro Cultural Las Escuelas - 19:30 h.

ATUTIPLÁN TEATRO “Cartas para extremadura” 20 oct.- Villamesías - Plaza Mayor - 18:00 h.

TEATRAPO “Violeta” 20 oct.- Zarza de Granadilla - Casa de Cultura - 20:00 h.

ALBADULAKE COMPAÑÍA “Genoma B” (flamenco-teatro) 27 oct.- Montehermoso - Auditorio Corral Concejo - 21:00 h.

ATAKAMA TEATRO “EL retablo jocoso de la maldita Armadura” 29 nov.- Valencia de Alcántara - Casa de Cultura - 11:00 h.

LA DIOSA CÓMICA “Noche de ánimas” (teatro) 6 dic.- Berrocalejo - Plaza de España - 20:30 h.

EX3 PRODUCCIONES “El último amor de Lorca” (teatro-música) 7 dic.- Hoyos - Casa de Cultura - 19:30 h.

Provincia Inquieta - Cuentacuentos PEP BRUNO “De mi mochila traigo palabras” 12 oct.- Montehermoso - Auditorio Corral ConLaCarne Magazine

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cejo - 19,00 h 12 oct.- Portaje - Casa de Cultura - 19,00 h 7 dic.- Marchagaz - Salón Social - 12,00h 7 dic.- Robledillo de la Vera - Casa de Cultura - 17,30h JESÚS BUIZA ”Cuentos tradicionales” 6 oct.- Jarandilla de la Vera - Biblioteca Municipal - 18,00 h 27 nov.- Valencia de Alcántara - Casa de Cultura - 11,00h LEGOLAS “Al tuntún” 11 oct.- Zarza De Granadilla - Casa de Cultura - 18,00 h 11 oct.- Galisteo – Colegio - 12,30 h 12 oct.- Carbajo - Servicios Multiples - 18,30h ANABEL GANDULLO “Una historia en cada cosa” 19 oct.- Piornal - Biblioteca Rafael Alberti 18,00h 3 nov.- Casas de Miravete - Centro Cultural Las Escuelas - 12,00 h CAROLINA RUEDA “Cuentos cantados, cantos contados” 25 oct.- Berzocana - Casa de Cultura - 19,30 h 31 oct.- Casatejada - Biblioteca Municipal Luis Chamizo - 17,00 h CHARO JAULAR “Tú, yo y un montón de se-

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cretos” 2 nov.- Villamesias - Centro Social - 19,00 h 15 nov.- Logrosán - Centro Cultural - 18,00h INÉS BENGOA “Carabí Carabá” 2 nov.- Garrovillas de Alconétar - Corral de Comedias - 18,00 h 3 nov.- Cerezo – Ayuntamiento - 18,00 h 4 nov.- Eljas - Cine Parroquial - 17,00 h SANDRA ARAGUÁS “Cuentos tradicionales” 21 nov.- Villamiel - Salón Social - 17,30 h 21 nov.- Navalvillar de Ibor - Colegio CEIP Virgen de Guadalupe - 11,00h NOELIA CARIOCA “Cuentos de ayer y de ahora” 30 nov.- Hoyos - Casa de Cultura - 17,00 h 7 dic.- Ceclavín - Casa de Cultura - 18,00h PABLO ALBO “Cuentos de aire, historias de papel” 6 dic.- Casas del Castañar - Casa de Cultura - 18,00h 7 dic.- Peraleda de San Román - Centro Social Integrado - 18,30h 8 dic.- Berrocalejo - Plaza Ayuntamiento 18,00h ¶

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Todo el mundo quiere a

Otis Redding

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n esta entrega os quiero hablar de mi hombre favorito, mi pasión soulera y el cantante más personal que nos ha ofrecido la música negra: “Mr Pitiful”, el “Rey del Soul”, el “mejor cantante de la historia de la música negra”, el grandísimo y siempre querido Otis Redding.

Os propongo un corto paseo por los sonidos más auténticos del Soul, para descubrir una voz que combinaba el Blues y el Góspel, todo ello aderezado con pizquitas de Rock y Pop. ¿Estáis preparados?

Primeros años de Otis Redding 26 LaCarne Magazine

Otis Ray Redding Jr nació el 9 de septiembre de 1941 en Dawson, Georgia. De familia humilde, pronto emigraron a la ciudad de Macon, estableciéndose en el suburbio de Belleview.

Tuvo que dejar muy pronto la escuela, pues su padre murió y, al ser el hermano mayor de 6, se puso a trabajar para ayudar a la familia.

Con tan solo 10 años entró a formar parte del grupo local The Upsetter, un cuarteto de góspel cuyo líder era Little Richard, también de Macon y el ídolo de Otis (¿y de quién no?).

En esta época también conoció al guitarrista Johnny Jenkins, a quien pronto se uniría en el grupo de este The Pinnetoppers, y con quien formaría tándem el resto de su corta vida. También tocaba con The Shooter.

Muy joven se marchó a Los Ángeles, en bus-

mento, interpretado de manera visceral.

La grabaron, obviamente, y se fueron a ver al D.J. John R. para que la pinchara, a este le gustó tanto que bombardeó durante horas a sus seguidores con ella. La canción finalmente consiguió entrar en el Top 20 de las listas de R&B. Comenzaba lo bueno.

Y así empezó su andadura con Stax, una compañía musical que se caracterizaba por dar alas al Soul de Memphis, muy diferente al sonido Motown, que era la compañía de música negra más famosa del momento (y casi lo sigue siendo).

Sus fundadores, los hermanos Steward, eran muy aficionados al R&B y buscaban sonidos menos comerciales y más reales, un sonido más pantanoso, oscuro y auténtico. Entre sus filas contaban con artistas de la talla de Booker T & the MG’s o Isaac Hayes. Otis Redding se convertirá en la insignia de la compañía.

Otis Redding y los años más importantes de su carrera musical

ca de oportunidades siguiendo los pasos de Little Richard, sin embargo aquello no era lo suyo, y volvió a Georgia. En estos años entró a formar parte de manera permanente del grupo The Pinnetoppers.

Durante estos primeros años con The Pinnetoppers trabajaron mucho, contratados por Stax. Querían grabar y conseguir un éxito, sin embargo no llegaba.

En cierta ocasión, después de una grabación junto a Jim Steward (el co-director de la compañía Stax), Johnny Jenkins insistió para que Otis cantase una canción que él mismo había compuesto, These arms of me. ¡Boom, estallido de genialidad! La voz de Otis sonaba a Soul porque, de verdad, estaba cantando con el alma. Una auténtica balada con una sección rítmica que se basaba en el la-

Junto a Stax trabajaron en una serie de grabaciones que serán el ABC del Soul. En 1964 grabaron Pain in my Heart, una versión (por no llamarle robo, algo muy común en la época) del tema Ruler of my heart de Allen Toussaint e Irma Thomas (algún día os contaré la historia de esta reina del Soul de Nueva Orleans, y del montón de canciones suyas que os suenan por otros artistas).

Con esta canción se mostraba la fuerza de Otis, que cantaba como a base de sacudidas.

Este año también debutó en el Teatro Apollo de Harlem, el templo de la música negra.

En 1965 grabó el disco The Great Otis Redding sings Soul Ballads, donde compuso todas las canciones. Ese mismo año, sacó Otis Blue/ Otis Redding sings Soul, el MEJOR DISCO DE LA HISTORIA DEL SOUL. El título no es muy original, una obviedad, pero una obviedad genial porque nadie cantaba (ni cantará) Soul como Otis.

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Este disco, de 11 canciones, 3 de las cuales fueron compuestas por Otis, se grabó en 24 horas, y definirá las bases de Soul para siempre. Vemos un disco repleto de alaridos viscerales provenientes de una voz con un auténtico portento emocional, que nos muestra el puro nervio que invadía su cuerpo cuando cantaba.

Hizo muchas versiones en este disco: de Solomon Burke, de B. B. King, de Smoking Robinson, varias de Sam Cooke, o la famosa Satisfaction de los Rolling Stones.

Durante la grabación del disco, uno de los músicos trajo el Lp de los Rolling y la puso.

Otis, que la escuchaba por primera vez, decidió grabarla y así lo hicieron, pero en vez de decir satisfaction, Otis decía satisfashion, dándole una personalidad sureña (por aquello de la pronunciación).

Este año de 1965 fue muy importante para la carrera de Otis. A parte de los discos, fue invitado al Festival de Rock de Monterrey.

Este concierto fue una auténtica revelación, rodeado de artistas de la talla de Jimmy Hendrix, The Who o Janis Joplin, qué rápidamente quedó prendada por el ritmo de Otis.

Fue un directo incendiario y vibrante que vieron más de 50.000 personas.

Un auténtico acto de fe musical donde Otis rompía los moldes, entendiendo la música como una prolongación más de su cuerpo y expresión de su alma. Un volcán en plena erupción.

En 1967 es invitado a Europa, incluido dentro del Tour de los Maestros del Soul, junto a Carla Thomas (con quien Otis formó dúo musical), Sam&Dave o Eddie Floyd entre otros.

Después de esta gira sería nombrado el Mejor cantante del mundo, relevando del puesto, ni más ni menos, que a Elvis Presley.

También este año, tras una operación, le aconsejaron reposo. En este tiempo llevó a cabo una idea que ya masculló junto a Solo-

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mon Burke y James Brown, construir unos estudios de grabación a la manera de Stax, con los Bar-Kays (la banda de apoyo de Otis) como banda principal de la casa.

Pretendía crear una fundación para mejorar las condiciones de trabajo de los músicos negros. Otis tenía una gran visión para los negocios, y tampoco quería que le engañasen, llegando a crear una pequeña compañía en su famoso rancho The Big O. También en esta época se unió al grupo Soul Clam, que se encontraba formado por Solomon Burke, Wilson Pickett, Don Covay, Ben E. King y Joe Tex. Se trataba de una formación con auténtico sentimiento negro que quería controlar sus ganancias. Además, destinaban una parte de estas a la comunidad. Las grandes compañías discográficas se encargaron de cargarse el proyecto bastante pronto.

La muerte de Otis Redding golpeó a todo el mundo musical Y se acabó. El 10 de diciembre de 1967, viajando a una actuación, la avioneta en la que iban Otis y su banda se estrelló a las afueras de Madison, Wisconsin, en el Lago Monona, muriendo todos los integrantes menos uno.

Con una voz dinámica, cantaba con una especie de retardo al entrar a cantar que sólo él podía conseguir.

Fijaos! Empieza una canción y él entra siempre como medio segundo después.

Fue considerado por muchos como un “paleto negro del Sur”, y en cierto modo lo era.

No tenía pretensiones musicales, pensaba que su función en el mundo era permanecer y cuidar su tierra, descubrir talentos y favorecer a la educación de sus hermanos negros.

Un poquito de humildad nunca vino mal en un mundo con tantos divos y divas. Era un hombre sencillo que se consideraba un obrero de la música.

Otis tenía tan solo 26 años, y tres días antes había grabado el que sería su gran éxito (Sittin’ on) the Dock of the Bay, que quedaría para la posteridad a modo de epitafio. Esta canción nos muestra como Otis buscaba nuevos sonidos reales, influenciado por los ritmos de Bob Dylan. Creó esta canción con un estilo que él denominaba como Soul-Folk.

La muerte de Otis golpeó a todo el mundo musical. Era un hombre muy querido, al que todo el mundo definía como una excelente persona, muy humilde, tierno, comprensivo, sincero y altamente cálido (características que vemos reflejadas Try a Little tenderness).

En palabras de Al Bell (amigo y exvicepresidente de la compañía Stax): “La auténtica esencia del Soul estaba en Otis Redding.

Además era la persona más cariñosa que he conocido, y quien más amor me ha comunicado”. Muchos le llamaban “el gran corazón del Soul”. Su amigo Isaac Hayes declararía a su muerte: “Fue una gran conmoción. Ese día todos morimos en Memphis”.

Otis no era un teórico musical, sino un hombre de instinto que transmitía los latidos de su corazón a ritmo de música.

La frustración ante una muerta tan temprana nos invade al pensar en este cantante. Si Otis Redding no hubiese muerto, la historia de la música negra seguramente hoy en día sería diferente.

El sonido de Otis nos habla de incipientes ritmos Funk y, tal vez, James Brown hubiera sido el hijo y no el padre del Funk de seguir vivo Otis Redding.

Paradojas de la vida, en nuestras entregas hemos visto trayectorias desafortunadas de músicos negros golpeados por la sociedad y por ellos mismos. Sin embargo Otis Redding era diferente: buena persona, serio, profesional, sin problema alguno con el alcohol o las drogas… Pues toma funesto destino.

El Salón de la Fama definió el sonido Otis como: “Sinónimo de Soul, música derivada de la experiencia afroamericana, y la transformación del Góspel y el R&B en una forma de Funky secular”.

Por todas estas cosas, sólo puedo acabar este pequeño homenaje de una manera. Por ser el alma del Soul: GRACIAS, OTIS! ¶

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fe y pasión por la música Sadia vuelve con “La Flor del Opio”, reinventándose, marcando las pautas de lo que quieren, y asegurándose un puesto en la historia de la música en España con un trabajo fantástico.

Cuando compruebas que un grupo se mantiene en la escena, sin importar los obstáculos ni las vueltas de la vida, aportando un material exquisito y de alto nivel, algo se mueve dentro de ti, y piensas que has sido afortunado por conocerlo en sus primeras etapas.

Iván Sadia nos avisó con el Ep “Cruce de Caminos”, y con su nuevo trabajo ha dejado claro que la música es una pasión que sientes hasta el final.

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Sadia, fe y pasión por la música Es un placer hablar contigo, Iván. La última vez lo hicimos por la presentación del Ep Cruce de caminos. Cuéntanos. ¿Qué ha pasado en Sadia desde entonces?

Hola, encantado, el placer es mío. Hace ya tres años de esa entrevista, y aunque en realidad es poco tiempo, han ocurrido muchas cosas que han cambiado la directriz de mi carrera artística.

En octubre de 2016, tras el Tour Cruce de caminos, todo estaba listo para entrar en el estudio a grabar el LP: estudio, promoción, conciertos, etc. Pero todo se paralizó cuando me dieron la peor noticia de mi vida: mi hijo de 4 años tenía leucemia.

El golpe fue terrible, y, como puedes imaginar, todos los proyectos quedaron en un segundo plano. Tras una época muy dura, a principios de 2018 pude retomar las cosas. Sin embargo, la idea de hacerlo como grupo ya no era atractiva para mí, necesitaba más espacio.

Sadia era yo, y no tenía sentido disfrazarlo de algo diferente. Manuel decidió no continuar, al menos por un tiempo, y Mario me dijo que seguiría a mi lado. A partir de ahí, y con la ayuda de Paco Muñoz, mi amigo y manager, empecé a darle forma a La flor del opio, mi nuevo disco, que tengo la suerte de presentar hoy en LaCarne Magazine.

Tu hermano Mario sigue tocando contigo.

Cuéntanos, ¿quiénes son ahora los músicos que acompañan a Sadia?

Bueno, mi formato preferido para el directo sigue siendo el llamado “power trío”, denominación que no me gusta mucho. Mario, además de ser el bajista en la banda, me ayuda con mil cosas más. Es un poco mi mano derecha. Su apoyo y confianza es crucial para mí.

Javier Romero es el batería actual de la for-

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mación. Es un músico fantástico, además de un amigo. Con él he aprendido a ver las cosas desde otra perspectiva. La verdad es que hubo química desde el principio entre los tres, y fue relativamente fácil poner en marcha las canciones.

A pesar de los contratiempos y los baches en el camino, Sadia sigue adelante pero, ¿qué ha sido lo más difícil hasta ahora? ¿Qué es lo que te ha impulsado a seguir adelante?

Pasión y fe. Pasión por la música, por el rock and roll en mi caso, y una fe inmensa en lo que hago. Estos dos factores son los que me hacen mejorar y seguir adelante. Las dificultades son innumerables.

La carrera de un artista es un poco eso, una carrera de obstáculos. La tenacidad y la constancia son imprescindibles, pero sin duda el amor por lo que haces es el secreto, en ésta y en cualquier profesión.

El 16 de noviembre sacarás a la calle tu nuevo trabajo llamado La flor del opio. En primer lugar nos gustaría saber por qué este título y cuál es su relación con el contenido del disco.

La flor del opio es el título de una de las canciones del álbum, y también el del disco.

Siempre me pareció el mejor título. Además de condensar el contenido de las canciones, simboliza lo que la música es para mí, y sobre todo lo que ha sido durante esta temporada tan dura de la que te hablaba: evasión y escapismo.

Está relacionado en parte con Las flores del mal de Charles Baudelaire, que es una lectura que me ha fascinado durante años, todo el simbolismo, lo maldito y los paraísos artificiales.

Profundicemos en La flor del opio. ¿Qué nos cuentan las canciones de este trabajo? ¿Cómo ha sido el trabajo de composición de estos temas?

Muchas de las canciones que forman parte del álbum ya estaban en el repertorio de directo en la anterior gira con Cruce de caminos.

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A la hora de decidir qué canciones iban en el LP y qué canciones se quedaban fuera, el criterio fue la homogeneidad del trabajo. Compuse realmente solo dos temas nuevos para el álbum, Listo para el rock and roll, que es el primer single, y La flor del opio.

El universo temático que gira en torno al título es, como ya dije, la evasión, y los temas de todas las canciones apuntan a ello: la música, las drogas, el amor, la muerte, el erotismo, la locura …, se convierten en un refugio.

Incluso Jinete a medianoche, mi adaptación del clásico Midnight rider de The Allman Brothers Band habla de ello: alguien que cabalga para ocultarse en la noche. Quería que La flor del opio le abriera las puertas a todo aquello que la realidad más inmediata nos niega.

En cuanto a la producción, sabemos que has contado con la experiencia Hendrik Röver. ¿Cómo tuvo lugar este contacto? ¿Os conocíais de antes? ¿Os habéis entendido bien?

Yo a Hendrik le sigo la pista desde los inicios con Los Deltonos, y estoy hablando de principios de los 90, Soy un hombre enfermo y todo eso. Los solía escuchar en Radio 3 y siempre estuvo ahí, como músico de referencia.

Más adelante, escuchando sus discos elaborados en sus estudios Guitar Town Recordings y con otras bandas, como The Soul Jacket o Dixie Town, fui madurando la idea de trabajar con él.

En primer lugar yo quería para este disco una persona a mi lado que entendiera el concepto, alguien que viniera del rock and roll, del blues, y si hay alguien que dé el perfil en ese sentido es él.

Por otro lado, su forma de trabajar era justo lo que buscaba: un estudio artesanal como el suyo, músicos tocando en directo…, captar todo eso en la grabación, sin trampa ni cartón.

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Hablamos del disco en 2016 y le pasé las demos, luego vino el parón que mencioné antes, hubo cambios en muchos sentidos, pero siempre tuve claro que el disco lo haría con él. Y no me equivoqué. Se trata de un gran profesional, sin duda. Espero que haya una segunda vez.

Además de ello, también ha participado como músico colaborador junto a otros artistas. Háblanos de cada uno de ellos, ¿los conocías a todos?

Hendrik conoce los dos lados del proceso, el musical y el técnico, y eso llevó a que hubiera momentos en los que dijera: Hendrik, tú eres el maestro, esto me encantaría que lo hicieras

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tú. Él participa en varias canciones, y con él y Los Míticos GT (Goyo Chiquito y Toño L. Baños) grabé el bonus track del disco, una versión diferente de Sam “el loco” a la que Hendrik bautizó como Sam “el mítico”.

Llegaron al estudio, nos pusimos a tocar los cuatro, Hendrik pulsó el botón de rec y “voila”.

Las otras colaboraciones no fueron en directo en el estudio, a Iñigo Uribe y a Lucas Albaladejo les pasé el trabajo y lo hicieron por su cuenta.

¿Qué te llevó a decidirte por ellos? ¿Tenías pensadas previamente estas colaboraciones?

No con nombres y apellidos. Siempre pensé en añadir piano y hammond en algunos cortes, pero a priori no tenía claro quién lo haría.

Se lo ofrecí a Julián Maeso pero no cuajó.

Probé con un pianista de boogie pero el resultado no era lo que buscábamos.

En fin, di varios palos de ciego hasta que la bombilla se me encendió. A Íñigo Uribe lo escucho desde Un buen momento con M-Clan, y su piano siempre me fascinó. Ha hecho un gran trabajo en Sam “el loco” y Abierto hasta el amanecer.

A Lucas Albaladejo lo propuso Hendrik, todo un descubrimiento. Él estaba girando con Loquillo, pero hizo un hueco en su agenda y tocó el Hammond en Verdadero amor y Bajo nuestra piel: gran sonido y todo un profesional.

Ha sido un lujo contar con los dos.

Una gran parte del trabajo ya está hecho, pero ahora queda todo el trabajo de promoción. ¿Cómo te lo has planteado? ¿Cuentas con algún equipo de trabajo o eres totalmente independiente?

En este sentido también he trabajado negociando con diversas agencias de promoción LaCarne Magazine

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para buscar la mejor forma de hacerlo.

Al final he preferido hacerlo yo por mi cuenta, contando con la ayuda de mi community manager para las redes, y diferentes medios como el vuestro que sirvan de enlace con él público.

Hay muchas cosas en este mundo de la promoción musical que no me creo, no sé si es que vengo de la vieja escuela, donde funcionaba más el boca a boca y el sudar la camiseta en el escenario que todo lo demás. Quizá un día cambie de opinión.

Como decíamos anteriormente, el disco de Sadia sale en noviembre pero nos gustaría que nos dieras más detalles… Qué día, si habrá un concierto presentación, cuándo, dónde…

El disco sale a la luz el 16 de noviembre. El adelanto se publicó el 26 de octubre con el single y video clip de Listo para el rock and roll, y habrá un segundo sencillo.

El concierto de presentación será en Salamanca el 23 de noviembre en la sala B del CAEM. Ese día espero sea especial, estoy poniendo mucho esfuerzo en ello, y me encantaría que el público asistiera al estreno.

Hoy en día muchos artistas y grupos sacan sus trabajos en formato físico (ya sea en Cd o en vinilo) y en digital. ¿Podremos disfrutar de varios formatos de La flor del opio? ¿Qué formato es el que más te gusta y por qué?

Por supuesto, La flor del opio está disponible en formato físico, en cd digipack con libreto de 12 páginas, y pronto en vinilo, y además en todas las plataformas digitales. Cada formato tiene sus ventajas.

Para mí, la magia del vinilo no la ha conseguido captar ninguno otro jamás: la carpeta, el disco, el sonido…, es todo un ritual. Pero qué duda cabe de que la mayor parte de las veces escucho la música en plataformas digitales en mi iPhone o en el ordenador.

La inmediatez y la comodidad de tener toda la música que te gusta en un clic no tiene compe-

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tencia. El digipack es como un vinilo en miniatura. Para este disco además hemos diseñado un vinyl cd que es una pasada.

Además de la presentación del disco, imaginamos que habrá gira. ¿Tienes ya fechas cerradas? ¿Dónde podremos verte?

La gira empezará el 1 de diciembre en La Cueva del Jazz de Zamora, y las fechas de algunos conciertos como León, Madrid, Cáceres están bailando un poco aún.

En sadiaweb.com pronto aparecerán las fechas definitivas. ¿Y qué me dices de ir a otros países? Seguro que nuestros amigos de Latinoamérica estarían encantados de que les hicieras una visita…

Y yo también. Iré donde la música me lleve, y si en algún momento surge la oportunidad de tocar en Hispanoamérica, lo haré encantado.

Entre otras cosas porque creo que allí el rock and roll goza de mejor salud que aquí, me refiero a países como Argentina o Chile, donde hay muy buenas bandas que lo demuestran.

La música no entiende de fronteras, así que todo está dentro de lo posible.

Para nosotros es un placer poder volver a hablar de Sadia en nuestras páginas. Iván, gracias por responder a nuestras preguntas.

Nuestro mejores deseos y éxito para Sadia y La flor del opio. Un abrazo! :-D Muchas gracias a vosotros y espero que a los lectores que le han interesado mis palabras se acerquen a mi música. Ha sido un placer. ¶

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Nhandei Zha

Rock y mucho Metal desde Paraguay la propuesta me pareció súper, pero el problema era que no conocía a los demás integrantes.

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N

handei Zha es una agrupación de Paraguay, y su nombre proviene del guaraní y significa Como Nosotros, (Ñandéicha).

La banda ha participado en varios festivales, tanto en su país como en Argentina, y su propuesta ha sido muy bien recibida. Aquí su vocalista Guillermo González para dar respuesta a la entrevista. ¿Podrían compartir todo lo relacionado a los comienzos y cómo surge la idea de formar una banda de este corte? ¿Alguna anécdota interesante que valdría la pena resaltar?

Nhandei Zha se forma aproximadamente a mediados de diciembre del 2008 por iniciativa de Toby (bajista), quien tenía la intención de juntar a unos amigos con la idea de tocar algunos covers, y la excusa era tocar en un solo show, en una ciudad del interior del país.

Recibí el llamado de Toby, me contó su idea y el setlist que tenía en mente. Eran varios temas de metal alternativo de los 90’s. Entonces

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Lo simpático fue que el momento de presentación fue en un accidente de vehículos que había tenido Toby en esos días. Luego de unos días del choque empezamos los ensayos con los covers. Entre ellos temas de Korn, Fear Factory y Sepultura entre otros.

Ya luego de aquel concierto decidimos dejar de lado los covers y empezar a trabajar por temas propios, y después de varios meses surgen las primeras presentaciones con temas propios en el circuito under de Asunción.

Toda banda, o en su mayoría, con el trascurso de los años sufren cambios de alineación. ¿Los músicos que iniciaron en la banda son los que hoy la conforman, o ha habido cambios?

No son los mismos. Con el tiempo fueron entrando y saliendo algunos integrantes por distintas razones. En un principio la banda fue formada con un motivo ocioso, luego, con el correr del tiempo, la cosa se volvió más seria y más exigente, buscando ser una banda profesional.

tando lo que vivimos en ella.

En nuestro primer material, “13”, hablamos mucho de la suerte y el destino, en “Efecto” venimos hablando de alguna conciencia única con el universo, y ahora, con el nuevo material, expandimos esa tesis y algunas paranoias que se fueron manifestando, pero siempre tirando buena vibra y un mensaje positivo. ¿Qué puedes decir de sus intervenciones en conciertos con bandas internacionales como Korn, Carajo, A.N.I.M.A.L., Fear Factory? ¿Qué significó esto para la banda y en lo personal para sus integrantes?

Esta respuesta va a sonar a cliché, pero compartir escenario con bandas que siempre escuché fue antes que nada un honor y un orgullo.

Esto también nos vuelve más profesionales y exigentes con nosotros mismos.

Eso demanda tiempo, dedicación, esfuerzo, y son esos filtros los que van haciendo cambios en los integrantes. Hoy día estamos quienes le dedicamos el 100% de la cabeza y el corazón al proyecto. ¿Cómo se puede catalogar a Nhandei Zha? ¿En qué género del Metal la encasillarías? ¿Cuáles son vuestros grupos favoritos dentro del género?

Consideramos que Nhandei Zha tiene influencias de la música de los 90’s. Nos gusta mucho esa etapa de la música porque fue con la que crecimos y aprendimos a amar la música.

Recursos de géneros como el Grunge, Punk, Hip Hop, Electrónica, Reggae y mucho Metal serían los ingredientes que solemos usar para cocinar un tema.

Podría decir que bandas como Korn, Deftones, Sepultura, Nirvana, o Faith No More son influencias directas, pero sería dejar de lado a otro montón de bandas. ¿Bajo qué inspiración fluyen sus letras? ¿De qué tratan las mismas?

Las letras se van dando sin presión, se van manifestando a medida que el tema va tomando forma, y en cada etapa de la banda va con-

Compartir escenario con bandas internacionales, y que las productoras nos tengan en cuenta para estos eventos, nos hace madurar como banda.

Tengo entendido que Nhandei Zha ha participado en varios festivales en Paraguay y Argentina. Coméntame sobre esto.

Sí, la movida en Paraguay va creciendo cada día. Tocamos en varios festivales en Asunción y en el interior del país, también organizamos nuestros festivales y así llevamos música a diferentes ciudades. Participamos de festivales en el norte de Argentina.

Estuvimos en el Taragui Rock, que es un festival muy importante de la ciudad de Corrientes, el año pasado estuvimos haciendo una gira por Buenos Aires, nos fue muy bien, el público siempre responde con energía al sonido de Nhandei Zha, y con el nuevo disco planeamos volver el año que viene y hacer más conciertos por otras ciudades de Argentina, y por qué no, por Latinoamérica.

Su primer disco salió en el 2013, así que coméntanos un poco sobre este primer material discográfico. ¿Cómo fue recibido por la crítica y el público?

Las canciones lanzadas en este primer disco LaCarne Magazine

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ya eran conocidas por nuestros seguidores gracias a los conciertos. Nosotros sentíamos que era un material que les debíamos y que necesitábamos publicarlo.

En general, el material fue muy bien recibido y aceptado, tuvo mucha rotación en las radios, emisoras locales. Y con respecto al disco físico, nos permitió conectar con más gente y consolidar el vínculo con los fans.

La publicidad y promoción es un aspecto en una banda tan importante como su música e imagen. Hablando de estos puntos, ¿cómo son manejados y en quién recae la responsabilidad de la promoción de la banda, y cómo es el manejo de sus redes sociales? ¿A través de qué medios se llega a información de Nhandei Zha? Cuidamos mucho la comunicación, es muy importante que transmita nuestra esencia como banda, es necesario que una banda tenga una identidad porque eso es lo que la caracteriza.

Carecer de identidad hace que la banda no tenga alma.

Nosotros buscamos que la comunicación siga con los valores de la banda, y sobre todo que sea sincero, ya sea en redes sociales, entrevistas, presentaciones en vivo, etc.

Es un ejercicio y una meta que ponemos en práctica día a día cada uno de nosotros como miembro de la banda. ¿Cómo evaluarían la repercusión que tuvo el disco “Efecto” del 2015 en los diferentes espacios donde lo promovieron? Por cierto, ¿cómo consideran lo hecho hasta el momento en términos de promoción?

El disco “Efecto” fue un gran aprendizaje.

Fue el primer material que fue producido por nosotros, y fue un desafío desde el primer momento. Cuando tuvimos el disco grabado, decidimos colgarlo en nuestro sitio web para descarga como regalo a los seguidores.

Tenemos una anécdota interesante con respecto a eso: teníamos un hosting con un límite de descargas en el cual colgamos el material a la mañana, y para el medio día el límite de

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descarga ya había sido sobrepasado. Nos sorprendió muchísimo porque no esperábamos tantas descargas.

El siguiente paso fue iniciar una gira por todo el país que llamamos Efectour, que tuvo una gran aceptación en los medios de difusión.

Toda esta experiencia nos permitió aprender muchísimo y mejorar cada día.

Para su tercer álbum contarán con el productor estadounidense Jeff Dunne. ¿Cómo se logró esto? ¿Hay buena amistad con este productor?

El proceso de pre producción de este disco nos tomó mucho tiempo con todo lo aprendido en experiencias anteriores, y decidimos buscar opciones para lograr el sonido que pretendíamos.

Necesitábamos buscar a alguien de fuera del país para realizar los ajustes adecuados, y en eso decidimos contactar con Jeff y le mostramos nuestro material. Él se mostró interesado, y para nosotros fue genial este interés de su parte por el trabajo que viene realizando con bandas como Emmure, Chelsea Grin, Animals As Leaders,

entre otras. Así que estamos muy ansiosos de escuchar el material final. ¿Qué opinas de la evolución musical? Muchos dicen que las bandas optan por esta definición para camuflar su venta al consumismo.

La música evoluciona naturalmente por necesidad. El humano siempre necesita crear formas nuevas de expresar lo que siente y de transmitir lo que sucede a su alrededor.

En Nhandei Zha siempre optamos por ser honestos con nuestra música, por lo que al componer no nos enfocamos en la evolución de nuestra música o en hacer un tema comercial o no, sino en la sensación que ésta nos transmite mientras se está desarrollando, y ése es el norte que usamos para llegar a un tema terminado.

Hablando de su nueva producción, ¿este material posee temas antiguos, o todos son nuevos buscando proyectar al grupo en una nueva faceta?

El nuevo material tendrá 11 temas inéditos que venimos armando ya desde el lanzamiento del EP “Efecto”. Los venimos trabajando ya desde hace un tiempo, probando afinaciones nuevas en la banda.

Vienen mutando ya desde hace un tiempo en las pre producciones que hicimos, pero la música y la esencia es la misma. ¿Qué alcance pretenden con esta nueva producción?

Esperamos que este nuevo material nos conecte con más gente, que la música llegue a más lugares y nos dé la oportunidad de seguir haciendo más Rock.

Ok! Esto sería todo. Muchas gracias por tu tiempo. Para finalizar, aquí tienes espacio para tus comentarios finales y mensaje a los lectores de LaCarne Magazine.

Agradecemos a LaCarne Magazine por el espacio, a sus lectores por tomarse el tiempo en echar una lectura a la entrevista, y los invitamos a conocer Nhandei Zha a través de las redes sociales y plataformas digitales para estrechar lazos y estar en contacto siempre, y estar atento al nuevo material que se viene. ¶

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Nina Schatz

conexión con la música eterna e infinita

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a Dj y productora Nina Schatz fue una de las primeras mujeres que incursionó en la música electrónica en Bolivia. Gracias a su trabajo y esfuerzo, ha logrado traspasar fronteras y ganar un sitio importante en una escena mayoritariamente masculina.

Nina Schatz: emponderamiento femenino en la escena electrónica boliviana Su nombre real es Yohana Henry, y tiene 27 años. Su carrera como Dj y productora empezó el 2012, y en estos seis años ha logrado posicionarse en la escena electrónica paceña, boliviana e internacional: “Aparte de ser Dj/productora, he estudiado Administración de Empresas y me dedico a la música desde el 2012. He debutado en una de las discotecas más importantes de la época que se llamaba Traffic, y a partir de ahí ya he empezado a tocar, viajar, y a fines del 2012 ya empecé a producir”, relata.

Proceder de una familia musical, según cuenta, fue una influencia esencial para que Nina tenga una conexión con la música en general.

Su gusto por la música electrónica empezó a los 10 años de edad, con una canción del dúo electrónico Daft Punk: “A mí me empezó a gustar la música electrónica el año 2000. Yo era chiquita todavía, pero cuando escuché a Daft Punk por primera vez con “Around the world” me abrió la mente.

Para mí era música revolucionaria en aquella época, y creo que ése fue mi primer instinto

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con la música electrónica”, recuerda nostálgica.

Conforme Nina Schatz fue creciendo, este gusto se acrecentó en su adolescencia debido a la asistencia a fiestas y eventos del género trance: “En la ciudad de La Paz empezó a haber un ‘boom’ con el trance, el género que estaba súper fuerte en esa época. Yo diría que lo que es el EDM ahora, era el trance en ese momento.

Había festivales muy buenos, llegaban DJs de Holanda, Inglaterra, de España. Había mucha movida, y es ahí que a mis 17 y 18 años yo empecé a ir a las fiestas sin tener ni idea de lo que es ser Dj”.

Sin embargo, ella confiesa que nunca imaginó pasar la frontera de espectadora para convertirse en parte de la escena como Dj/productora: “Cuando me decían que me dedicara a la mú-

Foto: Adriana Ascarrunz

sica electrónica, yo decía: ‘ni loca, no puedo tocar ni una perilla que va explotar el equipo, imposible’”, recuerda entre risas.

Tech house: amor a primera escucha.

Fue a iniciativa de un amigo que Nina Schatz decidió dar el paso que cambió su vida por completo, convertirse en Dj/productora de tech house, un género underground: “Como te comentaba, yo empecé con el trance, iba a las fiestas que eran bien intensas, y poco a poco empecé a escuchar otros géneros como el house, y fue un amigo el que me motivó a entrar de lleno a la escena cuando me dijo: ‘A ti te encanta esto. Por qué no te vuelves Dj, yo te voy a enseñar, poco a poco vas a ir aprendiendo’, y me dijo que buscara música, tracks, y en ese proceso fui escuchando géneros, y el tech house fue como el que más me agarró.

Sentí una afinidad melódica para producirlo.

Entonces dije: ‘Este es mi género’, y a partir de ahí, cuando escuchaba música, me decía a mí misma: ´Voy a hacer un track similar a éste’, y así fue que empecé haciendo tech house como producción musical”.

‘Voyage’: el nuevo EP de Nina Schatz Nina Schatz tiene un proceso de creación muy peculiar, el cual tiene que ver con la forma en la que ella se siente en determinado momento: “Mi proceso productivo es de mucha inspiración. Para mí tiene mucho peso el tema de cómo me siento en determinado momento.

Por ejemplo, hay veces que me ha pasado que un tema lo he acabado en siete horas de corrido, y hay veces que estoy un mes en un track y no avanza.

Entonces es como que me tengo que sentir inspirada, o a veces me sueño melodías, o LaCarne Magazine

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despierto y escucho un sonido, y en ese rato tengo que hacer algo al respecto o anotarlo.

Mi proceso productivo está bastante unido a ese ‘feeling’ del momento, y a partir de ahí voy desarrollando un ‘track’, o si escucho un tema que me ha impactado me inspiro para trabajar en base a eso algo diferente”, relata.

Es a partir de esa inspiración que este 2018 Nina Schatz ha realizado una nueva producción materializada en un EP titulado ‘Voyage’, mismo que fue estrenado el pasado mes de septiembre bajo el sello boliviano de San Pedro Music, perteneciente al Dj/productor Paul Jové: “Ya venía trabajando un tiempo en estos tracks, y por el tema de mis viajes, mis eventos y todo eso lo puse un poco en pausa, pero me sentí inspirada para aportar también la producción nacional.

Yo he sacado música en sellos de varios países del mundo, pero me faltaba tener un sólido EP en un sello nacional. Pituko- Paul Jové es uno de los productores más importantes del país, y yo siempre quería entrar al sello de San Pedro Music.

Entonces decidí escuchar su línea musical, e iba con lo que yo estaba trabajando ese momento, y por esa razón me sentí mucho más inspirada. Fue así que, con sonidos análogos, synths que son mucho más orgánicos, moduladores, etc., fui armando estos tracks, y al final salieron dos piezas súper lindas. Él (Pituko) las probó en pista, yo de igual manera, y entonces han funcionado súper bien, por lo que todos hemos quedado súper felices con el resultado”, afirma orgullosa.

Ser la Dj en una escena mayoritariamente masculina

“Como mujer ha sido un desafío ganarse el respeto en la escena por la gente y los propios DJs. Había DJs en otras épocas enfocados más en lo que era el Dj y no la Dj.

Nina Schatz es una de las primeras DJs/productoras femeninas de música electrónica en Bolivia. Ser mujer en una escena musical mayoritariamente repleta de varones, como ella misma afirma, ha sido todo un desafío:

Evidentemente ha tenido sus pros y sus contras, ya que el haber sido mujer ha hecho que muchos escenarios se me hayan abierto, pero al mismo tiempo había ciertos comentarios que ponían en duda mi credibilidad, pero a

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“Yo creo que es más un tema sociocultural y de regiones. En Bolivia no hay muchas mujeres Djs, y evidentemente yo he sido una de las primeras en iniciar en esta escena, y creo que esto se da en parte porque como la música electrónica viene de Europa, viene del norte, tiene una tendencia más dura, más ruda y quizá más masculina.

Entonces yo creo que puede ser un efecto muy interesante porque igualmente en las fiestas siempre hay un público más masculino que femenino, por lo que tiene mucho que ver el tema cultural, el entorno…, pero los últimos años he visto más chicas en otras ciudades que han empezado a incursionar, que cada vez les gusta más la música electrónica y se están involucrando en la escena.

No sé en qué nivel de profesionalidad , quizá muchas se dedican a esto como un hobby, pero yo decidí dedicarme profesionalmente a la música, y es lo que hago ‘full time’: viajo y produzco”, explica.

Nina Schatz es una Dj/productora que vive por y para la música. Su trabajo habla por sí sólo, y es el que ha logrado catapultarla a escenas internacionales, obteniendo grandes experiencias: “Todo eso se dio gracias a mi trabajo, a mis producciones, y al tiempo con el que fui creciendo y avanzando”.

Relata que la primera vez que se presentó la oportunidad de salir a tocar al exterior fue de una manera realmente inesperada:

pesar de eso yo quería demostrar que no tenía nada que envidiar a nadie, y que podría y puedo hacerlo a la par que cualquier hombre”.

Nina Schatz afirma que el tema de que muy pocas mujeres en Bolivia decidan dedicarse a ser DJs/productoras es un aspecto sociocultural. Admite que los últimos años más chicas han decidido tomar la iniciativa y dedicarse a este ámbito:

“La primera vez que yo salí al exterior fue de una manera que ni me hubiera imaginado. Me llegó un mail de un promotor de Panamá, y me dijo: ‘escuché tu música, escuché tus tracks, me gusta lo que haces y te quiero traer a Panamá’.

Entonces, gente que ni por casualidad me hubiera imaginado, gracias a lo que hago y a mi trabajo, a mis mezclas y mis producciones, me han llevado al exterior. Igualmente he tocado en Argentina, en Perú, en Chile, en Ecuador…

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He viajado a lugares que ni pensé gracias a la música, he conocido todo el país gracias a la música, entonces creo que es de mis mayores satisfacciones el ver que tu trabajo habla por ti sin que nadie más lo haga”, afirma emocionada.

3600 STAGE: promoviendo la escena underground.

Pero Nina Schatz no sólo es Dj/productora, sino que desde hace un tiempo atrás se dedica a organizar eventos de música electrónica underground junto con su hermano, el también Dj/productor JOCh. Ambos han creado 3600 STAGE (nombre que hace referencia a los 3600 m.s.n.m. de la ciudad de La Paz), una productora de eventos que nació a partir de la iniciativa de traer a Adrian Hour, un gran exponente de la música techno, a la ciudad de La Paz: “El 2014 me contacta el representante de una agencia de DJs en España, y me dice que Adrian Hour va a estar de gira por Sudamérica y que si me interesaba traerlo a Bolivia. En ese momento yo digo: ‘No puedo creer, este top va estar en Sudamérica.

Hay que hacer lo imposible para traerlo a La Paz’. Empecé a buscar el lugar contactando a las discotecas que había en esa época, pero lamentablemente ninguna quiso aceptar por razón de que un fin de semana antes había un evento grande.

Ese momento le dije a mi hermano: ‘Jose, hagámosla, nos asociaremos con alguien, conseguiremos plata, pero hay que hacerla, (el evento) está a la vuelta de la esquina”, recuerda aún emocionada.

Fue así que 3600 STAGE consiguió auspiciadores y apoyo por parte de los medios, de tal manera que lograron realizar un evento sin precedentes: “Hicimos el evento en el último piso del Megacenter, y resultó ser masivo. Más que sólo

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una fiesta fue un festival lo que logramos crear como primer evento en nuestra vida, con más de 500 personas en aquel momento.

Tuvimos un escenario espectacular, tuvimos el apoyo de empresas, fuimos a medios, y ahí fue que nació 3600 STAGE. A partir de ese momento hicimos y hacemos eventos quizá a menor escala, pero ahora nos estamos moviendo y estamos empezando nuevamente a crecer como marca los dos, mi hermano y yo, y próximamente vamos a realizar eventos en varios lugares del país”.

Lo que busca 3600 STAGE es el fomento de la escena ‘underground’ no sólo en La Paz, sino en Bolivia, con eventos que muestren el talento de DJs nacionales y por supuesto también

dagado en ese tipo de música, porque no llega por todos los medios.

Lo interesante y rescatable de ese ‘boom’ de música electrónica comercial sería que por ese medio la gente empiece a escuchar y a entrar un poco más a otros géneros, y creo que al menos un 5% de esos miles de chicos (as) que han ido a los festivales están empezando a variar un poco, a escuchar y madurar musicalmente, sin desmerecer ningún género, por supuesto”, explica.

3600 STAGE va creciendo de a poco, y el sueño de los hermanos Henry es llevarla a otro nivel: “Nosotros queremos llegar a un nivel de productora musical en el cual por lo menos una vez al año podamos hacer un festival grande, que convoque miles de personas, y que podamos lograr escenarios ya masivos con súper producción.

Sabemos que todavía estamos en pasos chicos acá en Bolivia, pero queremos poco a poco ir fomentando la escena underground y aportar en la medida de lo posible y en el tiempo”.

Foto: Eduardo Zurita

convocar a DJs extranjeros para hacer crecer una escena no muy ‘popular’ en La Paz. Nina Schatz afirma que a diferencia del EDM que ha tenido un ‘boom’ en la ciudad de La Paz y Bolivia a partir de 2015, la escena underground todavía no es muy grande: “En las radios se escucha Hardwell, Guetta, ese tipo de música que hace viable hacer un festival de esa naturaleza, y hay gente acá que ya ha empezado a trabajar eventos de ese tipo. Por otro lado, con la escena underground no sucede lo mismo, por lo menos en Bolivia.

Todavía estamos en fiestas chicas, con un público más “selecto” por decirlo de alguna manera, porque es gente que realmente ha in-

La música: ‘eterna e infinita’ Nina Schatz tiene una conexión especial con la música, a la que define como ‘eterna e infinita’, misma que estuvo presente en los mejores y peores momentos de su vida.

Ella tomó el riesgo de apostar por dedicarse a la música electrónica, y esa decisión de vida la llevó a triunfar en una escena en la cual pocas mujeres se atrevían a ingresar.

Ahora, su próximo objetivo es radicar en el extranjero para aprender mucho más de eso que tanto ama: crear melodías que la conecten con ella misma y con su público. ¶

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LEER MÁS

V

eo que Paraguay está dando muy buenas bandas, y muestra de esto lo es Patriarca. Una banda que se forma por medio de los hermanos Javier y Hernán González allá por el año 1999.

Su debut oficial ocurre en el 2001, y al año siguiente sacan su primer material en forma de EP. Pero dejemos a los hermanos Javier y Hernán González que nos den detalles sobre su banda.

Un cordial saludo y sean bienvenidos a las páginas de LaCarne Magazine. Algunas palabras para dar inicio a esta entrevista.

Un saludo desde Paraguay para LaCarne Magazine, para todos los lectores, y muchísimas gracias por tenernos en cuenta para esta entrevista.

Existe información de que Patriarca se formó por iniciativa de los hermanos Javier y Hernán González. Cuéntanos un poco más de los inicios de Patriarca. ¿Cómo sucedió?

Dada nuestra condición de hermanos (Hernán y Javier), ya veníamos tocando en diversos proyectos no oficiales hasta el 1999, que fue el año en el que Edgar Insfran, amigo del colegio, ingresa para completar el trío.

Queda así la formación estándar: Javier González en guitarra/voz, Hernán Comas en batería, y Edgar Insfran en bajo, aunque los dos primeros conciertos oficiales los dimos como cuarteto, con Ángel Giménez en la otra guitarra. ¿Por qué han escogido el Thrash Metal como su expresión musical? ¿Pueden mencionar algunas bandas que ustedes consideren altamente influyentes en su música?

En los comienzos, nuestra intención fue formar una banda de Heavy Metal, y dada nuestras principales influencias y forma de tocar, fuimos inclinándonos hacia el thrash. Consideramos que es el estilo en el que se engloba lo

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Patriarca

esencia Metal de los 90

que más nos gusta.

Nuestras principales influencias son grupos como Black Sabbath, Metallica, Slayer, Anthrax o Judas Priest, por citar algunas.

Si hablamos de músicos o bandas, cada uno tiende hacia estilos que lo identifican personalmente, todos dentro de lo que engloba principalmente el Rock duro, pero coincidimos al 100% en esto, que es lo que seguramente pesa bastante a la hora de manifestar nuestra música.

Nuestros gustos personales van desde grupos como Thin Lizzy, Blue Oyster Cult, Lynyrd Skynyrd, Rush o U.F.O.; así como los grupos o músicos más primitivos de Rock And Roll como Chuck Berry o The Beatles; y las raíces del Thrash como Motorhead, o Diamond

a

0’s Head; también algunos grupos de Hard Core, Punk o Crossover son partes de nuestros gustos mutuos.

Incluso Fabio es integrante de una banda de Hardcore que se llama Defrente.

Patriarca desde un mismo comienzo siempre ha sido en formato de trio, y me imagino que ha habido algunos cambios en la alineación.

Cuéntanos y dinos quienes son en este momento Patriarca.

La idea inicial no era la de cuarteto, sino dar el primer concierto oficial con la formación base de trío, pero en ese tiempo conocimos a Ángel, con quien hicimos una buena amistad, por lo que le invitamos a tocar unos temas en el concierto debut.

Hubo una buena onda en los ensayos, que

hizo que Ángel quedase como el cuarto integrante oficial, aunque finalmente solo permanecería por dos conciertos por sus proyectos personales.

Fabio entró en Patriarca en 2008 tras salir Edgar por motivos personales. En ese entonces pensamos en Fabio para que nos ayudase con un compromiso de la banda, un concierto tributo a Metallica.

Rápidamente nos dimos cuenta de la buena onda que había, y empezamos a ensayar los temas propios después de proponerle ser parte de la banda. Fue acertada y natural la incorporación de Fabio, ya que encajó perfectamente complementando el grupo hasta la actualidad.

“Destrucción Masiva” fue el primer trabajo de LaCarne Magazine

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la banda en formato EP. Por favor, cuéntanos acerca de este material, y si aún está disponible.

Fue grabado en el 2002 totalmente en nuestra sala de ensayo. Fue publicado en casete de forma limitada y luego en CD. Por ahora no está oficialmente disponible, pero hay intenciones de reeditarlo más adelante.

propuesta a lugares donde no se hacían muy seguidos conciertos de metal.

Entre el 2005 y 2006 realizaron algunas presentaciones por varias ciudades de su país. ¿Cuál fue la respuesta del público para con ustedes?

En ese tiempo con nuestros amigos de Overlord y The Profane decidimos realizar una gira por el interior del país, y llevar nuestra

En 2017 retomamos esta gira, en esta ocasión junto a The Force y The Profane, con la intención de repetirlas cada año. Estas giras las concluimos siempre con nuestro festival “Asuncion Mosh”.

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Fue grata nuestra sorpresa al ver que la gente se sumó con entusiasmo a esta propuesta, hasta el punto en que hoy toda esa gente espera con regularidad y ansias las realizaciones de estos eventos.

En el 2005 lanzan un segundo EP “Metal Has-

ta La Eternidad” ¿Éste está en la misma línea que el concepto actual de la banda?

“Metal Hasta La Eternidad” tuvo un concepto más crudo y más directo, también grabado totalmente en nuestra sala. Mantiene la esencia de nuestras composiciones anteriores, con las características ya citadas.

Fue lanzado en formato CD, y también tenemos la intención de reeditarlo junto a los otros 2 EP´s, “Destruccion Masiva” (2002) y “Azote Metal” (2007).

En el 2013 es lanzado el primer álbum oficial bajo el título “Cargado de Acero”. ¿Cómo fue el proceso de concepción? ¿Cuáles fueron las

fuentes de inspiración, tanto lírica como musicalmente?

Estuvimos mucho tiempo con la pre-producción, y a mediados de 2011 arrancamos las grabaciones en el estudio Covenant Records.

Lo hicimos sin presión de tiempo, vimos detalle por detalle todo lo relacionado con instrumentos, micrófonos, equipos, etc., dentro de lo que nuestras posibilidades nos permitían.

En 2012 nos trasladamos a nuestra sala para concluir con las grabaciones de solos de guitarras y las voces. Así a finales de año terminamos el masterizado, prensado de discos, arte de tapa e impresión para ser lanzado a inicios de 2013.

Las fuentes de inspiración, tanto lírica como musical, siempre son las mismas a nivel general. La evolución natural de la banda pasa por el aporte de cada integrante en el momento en que se daban las composiciones.

En lo que respecta al contenido de las letras, no nos propusimos ni nos proponemos hasta ahora encasillarlas en una sola línea.

En el disco se pueden encontrar temas sobre nuestro estilo de vida musical, temas con alguna cuestión histórica, que tengan que ver con nuestro entorno, nuestra cultura, nuestras experiencias, también algún contenido un poco surrealista, e inclusive aventurero o de ficción.

Vamos a hablar un poco sobre la escena paraguaya, una escena de la que conozco muy poco. ¿Qué tal es la escena de tu país? ¿Qué bandas destacarías? ¿Hay apoyo de los medios hacia la escena?

En Paraguay la escena data desde los 80´s.

Teníamos bandas locales con materiales grabados, como Rawhide o Metal Urbano.

También a principio de los 90´s Corrosión había lanzado un LP (que por cierto escuchamos bastante en su época), así como otras bandas que venían imponiéndose con sus discos.

Muchos ya nos mostraban cómo y cuál era el lugar para tocar Metal.

En la actualidad nos parece que va creciendo.

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Siempre hay altibajos, pero creemos que se superan. Hay más bandas, más público interesado, más diversidad de estilos, y una buena intención en dar importancia a la calidad en cuanto a equipos y organización en general de los shows.

Es muy difícil acá que los medios por iniciativa propia se interesen en las actividades culturales, pero al insistir tampoco suelen cerrarse.

Siempre hay excepciones dentro de los medios, conocemos a gente que trabaja de forma sincera contactando con los artistas y también luchando en su entorno.

Hablemos del álbum nuevamente. ¿Cómo ha sido el trabajo de promoción del álbum? ¿Qué tal ha sido la recepción del público hacia este registro? ¿A qué países han podido enviar su material?

La promoción la hicimos nosotros, y como es un trabajo independiente, el apoyo de algún sello no lo teníamos. En Paraguay fue y sigue siendo bien recibido en las radios.

El público “rockero metalero” hasta ahora muestra mucho interés en la adquisición del disco en cada concierto donde nos presentamos, y por medio de las radios muchos jóvenes que están empezando a adentrarse en el estilo nos demuestran su apoyo y ganas de conocer más en las redes sociales, por ejemplo.

A nivel internacional enviamos a revistas, magazines y a algunos conocidos que nos dieron una mano en la distribución en sus países, y la recepción que nos demuestran a través de mails o destaques en programas radiales siempre es satisfactoria.

Han tocado junto a bandas veteranas y reconocidas como Artillery, Onslaught, Megadeth y otras más. ¿Cómo fue la experiencia de compartir escenario con bandas de tanta trayectoria y envergadura?

Tocar con bandas que escuchamos y que nos inspiran es siempre increíble y un honor, desde el momento que te tienen en cuenta las productoras para invitarte a esos shows nos hacen sentir orgullosos, gratificados y con ga-

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nas de seguir en esto que es lo que nos gusta.

Me imagino que ya deben de estar trabajando en un próximo álbum. ¿Las letras y la música continuarán similar al álbum “Cargado de Acero”, o hay alguna evolución con respecto a ello?

Así es, estamos en etapa de composición con temas e ideas nuevas que van sumando lo que podría contener nuestro futuro material.

Continuar similar o no no sabríamos decir, lo que sí podemos decir es que vamos a tener la misma actitud y postura que tuvimos desde siempre en cuanto a hacer y tocar lo que más nos gusta de forma natural y sincera. ¿Qué sigue para Patriarca en el futuro inmediato?

Como dijimos anteriormente, el álbum está en una primera intención, pero también tenemos la idea de concretar proyectos audiovisuales, aparte de seguir con la realización de las giras y del Asunción Mosh Festival.

Y como un punto más general, pero más importante a la vez, es la de poder seguir haciendo esto que nos gusta, que es lo que sentimos hasta ahora y no cambió desde que empezamos.

Eso es todo por esta ocasión. Seguiremos la trayectoria de Patriarca y eres libre de anunciar o decir lo que quieras a manera de despedida.

Muchas gracias por darnos este espacio para dar a conocer un poco más de lo que es la banda y comentarles en qué estamos. Les mantendremos al tanto a través de nuestras redes de todas nuestras actividades. Un saludo a todos… ¡Metal hasta la eternidad! ¶

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The Jet Black Jacket aires nuevos desde Chile LEER MÁS

E tacto).

s un honor presentar al fantástico grupo chileno The Jet Black Jackets (gracias Victor Cerda, de Asilos Nod, por el con-

Están ahora mismo con la composición de “Cerebral Sci-Fi”, su primer larga duración, después de la promo de su anterior trabajo, “Happenstance Bunch”, y estamos encantados de hablar con ellos en esta entrevista.

Señoras y señores, os presentamos a The Jet Black Jackets!

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The Jet Black Jackets, aires nuevos desde Chile ¿Cuándo se forma The Jet Blacks Jackets?

Empezamos a juntarnos en abril del 2017. En un principio decidimos partir con improvisaciones colectivas que desarrollábamos de acuerdo a la intensidad que íbamos alcanzando al tocar juntos.

Una vez aprobada la sintonía, comenzamos la composición de las primeras ideas musicales. ¿Quiénes son los miembros de The Jet Black Jackets y qué grupos han tenido?

Jacobo Maldonado es el encargado de la batería, y ha participado en distintos proyectos

ts musicales entre los que destaca Casetera, banda en la que compartían formación con Cristopher Carrasco, nuestro bajista.

El guitarrista Oscar Parra venía de Sideman, el dúo que formaron con Daniel Alonso para mezclar el rock con las bases electrónicas.

Daniel (voz y guitarras) es el denominador común de este grupo, debido a que todos alguna vez y en distinto tiempo formaron parte de la banda en vivo de su disco solista del 2015. ¿Cómo aprendisteis a tocar? ¿Fuisteis a clases o aprendisteis solos?

La mitad de nosotros tiene estudios formales de su respectivo instrumento, la otra mitad aprendió a tocar en la cancha, y nos pasamos

el balón unos con otros.

Vuestra música es una mezcla de influencias.

Decís que hacéis un “rock de mente abierta”. ¿Qué es un rock de mente abierta?

El rock, por defecto, viene cargado de estereotipos que no nos gusta seguir. Está lleno de verdades absolutas respecto a lo que se debe o no hacer si te dedicas al rock, y se refleja, por nombrar alguna, en la angustiante manera que tiene la gente de crear nuevos géneros y sub géneros del estilo para justificar sus variaciones de un estándar musical o visual, que no tiene por qué ser tan riguroso en cuanto a sus propias reglas.

Para nosotros, una manera simple de romper las reglas es abrir la mente y dejar pasar lo LaCarne Magazine

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que no viene de fábrica con el rock.

En mayo de este año sacasteis “Happenstance Bunch”, grabado por Daniel Alonso (vuestro cantante) en The Queenly Flux y masterizado por Frank Arkwright, responsable entre muchos otros del disco de System of a Down “Mezmerize” en los estudios Abbey Road. ¿Cómo ha sido la acogida del disco? ¿Cómo es trabajar con Frank?

“Happenstance Bunch” fue una prueba y un aprendizaje en todo sentido. Desde la preproducción en adelante, buscamos hacer las cosas de una manera completamente distinta a nuestras experiencias anteriores, y eso nos llevó muy lejos musicalmente.

En la composición, por ejemplo, nos permitimos armar y desarmar la secuencia armónica, la línea vocal y las letras todas las veces que creímos necesario, y repetimos este ejercicio en cada uno de los pasos posteriores.

Lo de Abbey Road, hasta hace no muchos años, era algo impensado para una banda desconocida del fin del mundo. Quisimos intentarlo y pasamos de tener una “idea loca” a una valiosa experiencia que resultó muy bien.

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Muchos de los mejores ingenieros del mundo trabajan allí, así que analizamos los trabajos de cada uno buscando e imaginándonos la combinación con el nuestro, y de este modo elegimos a Frank.

The Jet Black Jackets ahora estáis trabajando en vuestro nuevo disco, “Cerebral Sci-Fi”. ¿Qué podéis contar sobre él? ¿Qué novedades habrá respecto a “Happenstance Bunch”?

Este nuevo disco es nuestro primer larga duración, y acabamos de adelantar el primer single, Inconsequence. Con eso ya se pueden ir haciendo una idea del camino que estamos trazando y que, siguiendo nuestro recorrido por Abbey Road, estuvo a cargo de Alex Wharton en la etapa de masterización.

Principalmente buscamos seguir abriendo paso a nuevas sonoridades y formas de composición en las que podamos desarrollar un aprendizaje en base a la experimentación.

Es una montaña rusa que estamos instalando, y nos preocuparemos de asegurar cada pieza para invitarlos a subir.

¿Cómo se puede adquirir vuestro material o contrataros?

Los dos sencillos publicados a la fecha están disponibles en la mayoría de las plataformas de distribución digital como iTunes, Spotify, Deezer y Google Play.

Nos pueden contactar en cualquiera de nuestras redes sociales o a través de nuestra web ¿Cómo es la situación musical en Chile? ¿Hay facilidades para los grupos en cuantos locales de ensayo, etc.?

No es fácil y nunca lo ha sido. Aún estamos en el subdesarrollo de la industria musical, y somos los propios músicos los responsables de que cada paso de nuestro crecimiento sea la base firme del siguiente. ¿Qué grupos de vuestro país recomendaríais (además del vuestro, claro)?

Chile es un país con una historia musical muy rica, con actores muy importantes e influyentes en mucho de lo que se hace actualmente en esta parte del mundo.

Sin embargo, nos gusta también estar atentos al lado más independiente e ir descubriendo

la evolución de la generación destinada al recambio, y que no cuenta quizás con el mismo apoyo de los más grandes.

Podríamos destacar en ese segmento los trabajos de bandas como Baikonur, Del Carmen o Kisspanic, sólo como un ejemplo de una lista muy grande de gente que hace las cosas al más alto nivel.

Agradeciendo haber conocido vuestra música y realizaros la entrevista, ¿queréis dejar un mensaje a vuestros seguidores?

Queremos agradecer a LaCarne Magazine por la oportunidad de salir al mundo desde su portal, y por supuesto a todos aquellos que nos regalan su energía y confianza para ir dando cada paso de este camino que recién comienza.

Entre tanto, estamos disfrutando una a una las etapas de este proceso que nos llevará a ustedes muy pronto, y con nuestro esperado disco entre las manos. ¶

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Excomulgación Black Metal crudo y oscuro

Excomulgación, Black Metal crudo y oscuro LEER MÁS

E

l Metal extremo hace acto de presencia con la banda colombiana Excomulgación. Agrupación que ejecuta un Black Metal y que llevan en escena muchos años.

Vamos a conocer un poco sobre esta banda por medio de esta entrevista, la cual fue respondida por su fundador, Ayperus.

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Saludos. ¿Cómo está Excomulgación en estos momentos?

Un saludo a todos los hermanos Black Metal!

Nos encontramos como siempre trabajando en la banda, componiendo y haciendo arreglos.

Ya comenzamos a liberar algunas piezas nuevas en vivo. No hemos parado de hacer maquetas para así escoger los mejores temas para el disco.

la banda?

Hemos tenido varios cambios difíciles, entre ellos el cambio de ciudad origen, que fue uno de los más difíciles por todo lo que ello implica después de la muerte de dos de nuestros integrantes.

Contamos en este momento con Necrosante, un baterista local (Bogotano) que lleva más años con nosotros que todos los que en principio nos acompañaron: Ayperus (bajo y vocal), Blackmiroz (guitarra y teclados) y Necrosante (batería). ¿Sus integrantes están de lleno en la banda o tienen algún otro proyecto paralelo?

Sí, tanto el guitarrista y el baterista tienen otros proyectos paralelos de crudo y corrosivo Metal, pero para mí Excomulgación es la única banda.

“Imprecacion” fue un CD Demo editado en el 2005. ¿Qué datos importantes nos podrías señalar de este trabajo?

Nos apoyó Ritual Zine Productions (Pupiales - Nariño) en la distribución del material, principalmente en Sur América. Ésta fue nuestra primera entrada al estudio, en el cual buscamos plasmar el sonido vieja escuela a pesar de la tecnología digital que se comenzaba a implementar.

La banda se formó hace ya muchos años.

Háblanos sobre estos inicios. ¿Cuál ha sido siempre el objetivo principal de Excomulgación?

La banda nació en 1997 en Cartagena (Bolívar). El primer Demo Tape fue en el 1999 (Anti Evangelio), para ese entonces éramos 5 integrantes. Ante todo, el principio de la banda es un ideal oscuro y crudo, con nuestro toque personal mágico pagano.

Excomulgación, con tantos años en escena, me imagino que han tenido algunos cambios de alineación. ¿Quiénes integran actualmente

Si no estoy equivocado, su primer álbum fue “Larvario Antisemita”. ¿Este disco tuvo la aceptación que esperaba la banda por medios y fanaticada?

Solo queríamos mostrar nuestra música y tocar, es lo que todo músico espera. Personalmente creo que la aceptación de los maniacos fue excelente en las diferentes ciudades por las que hemos tocado o ha llegado el trabajo.

Hemos chocado con diferentes ingenieros y productores que tienen una visión más industrial, ya que no seguimos ningún canon comercial.

Háblanos sobre este disco, ¿qué me puedes decir de su ficha técnica, donde se grabó, cuántos temas, portada…?

Fue un disco grabado en tiempo record de dos LaCarne Magazine

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semanas aproximadamente. Una de las limitantes de no tener un estudio propio es estar corriendo por el tiempo.

Fue grabado en Bogotá, ciudad en donde aún no nos habíamos radicado para ese entonces.

La portada fue extraída de una fotografía del pianista Larva (R.I.P). Él salía a la izquierda del altar que teníamos.

El disco cuenta con cortes bastantes viscerales, extensos, construidos con nuestra propia angustia, ansiedad existencial y el deseo de difundir las negras artes.

La temática lírica del álbum “Larvario Antisemita”, me imagino que será sobre la filosofía del luciferismo. Coméntanos sobre los tópicos que manejan en sus letras.

Sí, tiene su componente de Luciferismo, al igual que satanismo. Es una banda con esencia humanamente carnal al igual que mística, un dualismo que enaltece el poder divino del mal y la oscuridad. ¿Cómo ves la escena del Metal extremo y el Black Metal colombiano, qué le falta, qué tiene de positivo, qué debe mejorar desde tu óptica personal?

El Metal en Colombia es amplio, hay mucho talento especialmente en bandas jóvenes.

Pienso que falta que, tanto sellos discográficos como bandas, crean más en ellos mismos y arriesgar más.

En cuanto a conciertos y presentaciones, ¿qué puedes comentar? ¿Cuál crees que hasta ahora ha sido su mejor presentación y por qué?

Estar en la capital del país nos ha abierto las puertas para grandes festivales, buen sonido y buena logística, algo muy importante para darla toda como banda.

Cada concierto es único, igual que la energía que damos en cada concierto. Todos son especiales. A finales del 2017 tuvimos la fortuna de tocar en Medellín (Antioquia), la cuna del Black Metal. Gran escena, grandes demonios, esencia oscura. Esperamos pronto poder regresar.

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¿Algún sello discográfico se ha interesado en la banda? ¿Continúan haciendo toda la promoción y distribución de forma independiente?

La producción musical es solo de Excomulgación. Hace poco reeditamos el Larvario Antisemita con el sello Black Serpent Prod.

Estamos en negociaciones para la producción ejecutiva de nuestro nuevo trabajo con algunos sellos nacionales. ¿Cuáles son las principales diferencias que ves entre los temas del disco “Larvario Antisemita” y los que actualmente están creando?

La esencia es igualmente una fascinación por el mal y crudeza en su naturaleza, un viaje por lo sobrenatural, cosmológico, lleno de odio sin límites.

Técnicamente buscamos un mejor sonido, pero sin alejarnos de lo clásico: los amplificadores de tubo y la batería acústica entre otros, quizás menos pianos esta vez, pero aún estamos en lo de los arreglos.

Musicalmente hablando, ¿cuál es el próximo paso de Excomulgación? (algún disco, giras…)

Estamos activamente trabajando en la producción del disco al que aún no le tenemos fecha de salida. La meta es que sea este 2018. Lo ideal es seguir difundiendo el culto tocando, pues es lo que más nos gusta y por lo que luchamos, igual que mostrar el trabajo en otro u otros países.

Bien, gracias por tus respuestas para LaCarne Magazine. ¿Podrías darnos algunas palabras finales?

Gracias por el apoyo a Excomulgación.

Esperamos pronto mostrar nuestra nueva producción a todos los hermanos, esos que desprecian la luz divina, la falsedad y la hipocresía. ¶

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Aurelio Gallardo

y su actuación en Provincia Inquieta LEER MÁS

A

urelio Gallardo es uno de esos artistas que te sorprenden, que se atreven con todo y que disfruta enormemente de su trabajo. Coincidimos con él durante las Primeras Jornadas de la Música en Extremadura, y, además de disfrutar de su arte sobre el escenario, compartimos y pasamos un buen rato durante el cierre del evento.

Aurelio Gallardo forma parte del cartel de la nueva edición del programa cultural de la Diputación de Cáceres, Provincia Inquieta, del que ya os hablamos en un artículo anterior.

Hemos tenido la oportunidad de hablar con él para que nos cuente más acerca de su proyecto en solitario y de su paso por Provincia Inquieta.

AURELIO GALLARDO (Flamenco-rumba) 6 dic.- Marchagaz Local Usos Múltiples – 21:00 h.

Esto es todo lo que nos ha contado:

Aurelio Gallardo en Provincia Inquieta Aurelio, nos alegra saber que estás teniendo éxito en tu carrera en solitario. Tras varios años trabajando con varios y grandes artistas. ¿Cómo está siendo esta aventura para ti? ¿Es como empezar desde cero?

Prácticamente sí, porque he ido pasando por géneros que, aunque los canto a mi manera aflamencada, tienen mercados y espectadores totalmente diferentes.

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Sigo haciendo copla y flamenco, pero con mi etapa actual de componer mezcla de electrónico, y cantarlo con mis formas más flamencas hace que un día vayas de traje chaqueta a cantar palos flamencos con guitarras flamencas, flautas traveseras y bailaoras, y al día siguiente te pongas camisa para cantar rumba o camiseta para cantar electrolatino aflamencado, como lo llamamos algunos jeje.

Sacaste un primer disco llamado “Antesala”, y nos gustaría que nos hablaras de él. ¿Cuánto

tiempo te llevó hacerlo y qué vamos a encontrar en él?

Para mí personalmente fue un trabajo de chinos. Sin tener ni idea me monté el estudio en mi casa, comencé a recibir clases hasta que aprendí las nociones necesarias de grabación, siempre con el respaldo de mi profesor Javi Robledo, con un programa llamado Reaper que es la leche.

Imagina como será que me grabé el disco yo (jaja). Todo lo que hay en ese disco lo he grabado yo: guitarras, palmas, cajones, coros, bajo, algún piano... La mezcla y el mastering se hizo en el estudio Guantánamo con Luis Cotallo y el chino.

Con los favores de unos y otros amigos al final quedó algo bonito. Me pegué un año encerrado en casa, pero mereció la pena porque al final después de grabar las versiones y algunas composiciones propias que metí, lo último de

todo fue la idea de meter “Niña de las 20 primaveras” y “Otra noche”, estos temas de electro latino aflamencao que me han posicionado mucho desde su salida, sobre todo en redes, que es lo que manda ahora.

Nos encanta que músicos como tú salgan de su estado de confort y sabemos que te atreves con todo (flamenco, copla, pop, rumba, electrolatino…) ¿Con cuál de todos ellos disfrutas más en el escenario? ¿Con cuál te identificas más y por qué?

Con cada uno disfruto de una forma diferente, y con cada uno me identifico más en ciertos aspectos. No soy cerrado en ningún sentido.

Tengo una forma personal que, por ejemplo, para ganar un concurso de flamenco no te vale, porque ahí se trata de ser lo más fiel posible al origen del palo que se haga, pero lo prefiero porque eso me hizo buscar más mi propio rollo, y, a día de hoy, lo que yo hago

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es exclusivamente mío. Eso es un chute de energía muy bueno y un orgullo enorme. La composición te aporta otras cosas.

En el flamenco, donde más cómodo me encuentro es en los palos con compás y más festeros. En la rumba, me vuelven loco Los Chichos o Bambino, pero también versiono de todo.

Y en lo electrónico me encuentro más cómodo en los temas que llevan más parte cantada.

Ahora se lleva mucho el trap y el rapeo de partes, procuro tirar más de temas melódicos.

Ya ha dado comienzo el programa de actividades de Provincia Inquieta, en el que podremos disfrutar de tu música y espectáculo. Cuéntanos qué tienes preparado para el público.

Pues como siempre, llevo preparadas las orejas y los ojos bien atentos para ver que quiere el público que haya allí.

El espectáculo es “Flamenco, copla y rumba con Aurelio Gallardo y su banda”, hacemos un recorrido que va desde coplas de Farina, Granaínas, Alegrías, Soleá, Bulerías, Tientos Tangos.... Pero mezclando unos palos con otros, los que llevan más relación, para empalmarlos juntos con el baile y que sea muy dinámico.

Eso sí, la última parte es más de rumba, y, si me lo piden, por supuesto que escucharán mis temas electrónicos por rumbas, ya que al fin y al cabo yo lo que compongo son rumbas que luego me producen de manera electrónica.

El cartel de esta edición de Provincia Inquieta, del que formas parte, es muy variado, tanto en actividades (música, teatro y cuentacuentos) como en estilos musicales (pop, folk, flamenco, blues…). ¿Qué significado tiene para ti programas como el de Provincia Inquieta?

Principalmente el de democratizar la cultura.

Aunque vivamos la situación de desventaja por la diferencia de habitantes en las zonas rurales, con esta propuesta se consigue igualar esa balanza.

Una persona de un pueblo de 100 habitantes paga los mismos impuestos que una de una

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ciudad con 100.000, y sin embargo no tiene acceso a la misma oferta cultural.

Con este proyecto se llevan espectáculos y además de gran calidad con formaciones muy decentes, no habituales en pueblos que no se lo pueden permitir si no es gracias a esta iniciativa.

Además de actuar sobre el escenario de Provincia Inquieta, ¿qué planes tiene Aurelio Gallardo en los próximos meses? ¿Tienes ya en mente un nuevo disco, conciertos, colaboraciones…?

Resumiendo al máximo: el 24 de Octubre sale mi nuevo single “La mala del cuento”, en el que estoy a tope con la promoción en radios, tele y exprimiendo al máximo los más de 50.000 amigos que somos en mis redes sociales, que son los que me dan la vida; me he encerrado en el estudio otra vez para hacer un espectáculo que va a ser con bases electrónicas, pero haciendo modificaciones más flamencas en los coros y cantándolo a mi manera; sigo con el espectáculo de juerga rumbera con versiones de grupos flamencos y no flamencos llevados a la rumba, que es el formato que más trabajo; hemos entrado en la red de teatros con el espectáculo de flamenco entre otros...

Y ya paro de contarte, pero hay más!

Aurelio Gallardo, gracias por tu tiempo. Siempre es un placer hablar contigo. Nuestros mejores deseos en tus proyectos, ya sea solo o acompañado. Estaremos atentos ;-) Quiero agradecer a cada lector que haya leído esta entrevista hasta el final por regalarme su tiempo y conocerme un poco más, pero también a todo el que participe o lea este y cualquier otro medio de divulgación cultural.

Hay mucho trabajo detrás y merece ser disfrutado. ¡Viva la música! ¶

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Nekrobutcher abrazando la oscuridad

Nekrobutcher, abrazando la oscuridad LEER MÁS

C

olombia es un país de donde han salido muchas bandas de metal extremo, y sobre todo de Black Metal. Nekrobutcher es una de estas bandas muy devotas al Black Metal.

Sus comienzos fueron ejecutando covers de reconocidas bandas del género, para ya en el 2004 lanzar su primera grabación en formato Demo, el cual tuvo muy buena acogida por parte de los seguidores de ese estilo.

Su baterista, Cesar “Macabre”, accedió a responder la entrevista.

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Saludos! Primero que nada, quisiera que compartieras con nuestros lectores cómo y cuándo fue que se creó Nekrobutcher. ¿Por qué decidieron llamar Nekrobutcher a la banda?

Un gran saludo para ti, Omar, y a todos los lectores de LaCarne Magazine. Es muy grato hacer parte de estas páginas y poder compartir un poco de nuestra historia.

Con la banda, primero que todo, Nekrobutcher nace hacia 1998, y se creó con la intención de formar una banda con una actitud agresiva con música y letras extremas, y un contundente estilo del black metal cult.

El nombre Nekrobutcher lo escogí porque es

muy sonoro, fácil de memorizar, y muy simbólico. También va de acuerdo con la música que trasmitimos y la filosofía maligna de la horda, así que todos estuvimos de acuerdo con el nombre.

Sí, efectivamente. “El Dominio De Los Espíritus Inmundos” inicialmente fue grabado y lanzado en el año 2005-2006, y posteriormente prensado en formato CD Split con nuestros hermanos de Gomory.

Me gustaría hablar de las grabaciones de la banda, comenzando por el demo “Obscura Rebelión”, “El Dominio de los Espíritus Inmundos”. ¿Cuál fue la inspiración que como banda los llevó a grabar estos materiales? ¿Qué nos puedes compartir sobre esta etapa de Nekrobutcher?

Bueno, Maniak, de esa época recuerdo que fueron tiempos difíciles, pero a la vez brutales.

El Split fue llamado “Siguillum Satanás”, el cual contiene los temas del demo más algunos bonus tracks de un antiguo ensayo, así que éste contiene material inédito y sólo aparece exclusivamente en esa producción, la cual fue liberada bajo el sello Necrolust Records, y aún deben existir algunas copias disponibles de este maligno Split a través del sello o directamente con nosotros.

Estábamos mucho más jóvenes y hábidos de hacer metal maldito con las garras, pero con mucha pasión y devoción por este culto al acero, y estos dos demos fueron el resultado de una profunda dedicación y fiel testimonio de cuán extrema fue la época inicial de Nekrobutcher.

La banda toma un receso algo prolongado. ¿A qué se debió este receso?

Así es, Maníak. Durante el año 2006-2012 mi hermano, y ex vocalista de la banda, viaja a España donde vive en la actualidad. Esto desencadenó un cese temporal de las actividades de la banda sobre un año.

Y para el nivel de evolución filosófica intelectual y musical entre el “Oscura Rebelión” y “El Dominio De Los Espíritus Inmundos”, nuestras inspiraciones respecto a lo musical eran y aún son bandas como Samael, Hell Hammer, Sarcófago, Masacre, Parabellum, Venom, Kiss, Nebiros, entre otras... pero siempre basándonos en nuestro propio sonido y percepción de lo que queríamos hacer y mostrar como banda.

En 2008 también tuve que viajar hacia Europa, donde viví 3 años, y durante este tiempo Nekrobutcher no murió, sólo yacía inmerso de un morboso sueño esperando el retorno de la blasfemia, y ésta se hizo realidad en el año 2012, cuando retorné a Colombia con el propósito de continuar con el legado de Nekrobutcher.

Por fortuna, y aunque nos vimos muy influenciados por las bandas mencionadas y muchas otras bandas de finales de los 80’s y el típico sonido de las bandas de los 90’s, nuestro sonido es muy distinto y procuramos ser auténticos y quizás originales en nuestra propuesta como banda de black metal colombiano.

Sólo nos interesa hacer lo que más nos gusta hacer, metal para quienes pueda gustarle.

“El Dominio de los Espíritus Inmundos” fue un trabajo que se lanzó en el 2008 en formato CD Split, con otro título, junto a la banda Gomory. ¿Coméntanos cómo se dio esto? ¿Salió con algún sello?

Así que contacté a uno de los fundadores de Nekrobutcher (Slaugther ex/guitarrista) y yo, Macabre (baterista), llevamos adelante el estandarte, motivados con varios temas nuevos y fortaleciendo las filas con 2 nuevos miembros (pero antiguos hermanos del metal), Hades (vocal) y Masacra (bajo).

Con esta alineación se logra liberar nuestro álbum “Oscuro Conocimiento” en el 2014, el cual nos dirige hacia un black metal más elaborado y estructurado, mostrando un gran avance respecto a lo musical, pues claramente el sonido es más limpio, sin perder la velocidad, fuerza de nuestros demos primigenios, pues la esencia ha perdurado a través de tiempos y fronteras, sin desfallecer.

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Al contrario, cada día más activos, fuertes y unidos en contra de la cruz. Preparando la artillería para nuestro siguiente ataque, el cual llevará como título “Designios de la Muerte”, el cual esperamos esté disponible para principios del 2019 bajo nuestro sello Oscura Rebelión Productions.

nea...!

La banda ha tenido a lo largo de su existencia varios integrantes en diferentes puestos de su alineación. ¿Cómo ha influenciado en el sonido de la banda el paso de los diferentes músicos? ¿Quiénes integran actualmente a Nekrobutcher?

Desde sus inicios hasta la actualidad la banda ha tenido varios cambios en su alineación, y puedo decir que del line up inicial soy el único miembro vigente, ya que, como te dije anteriormente (y también por cosas del destino) así se han dado las cosas, pero también creo que la vida es una constante evolución y movimiento, y ciertamente todos los cambios que Nekrobutcher ha tenido han sido positivos y acertados, otorgando a nuestro sonido otros matices e ideas para desarrollar el estilo musical y el reconocimiento de la escena en general.

Finalmente en 2014 llega el álbum “Oscuro Conocimiento”. ¿Cómo fue el recibimiento hacia este trabajo por parte del público y los medios?

“Oscuro Conocimiento” sale a la luz desde lo más oscuro de nuestros seres, con composiciones principalmente hechas entre el 2008 y 2013 por Slaugther, quien fue cofundador y miembro activo de la banda por mucho tiempo.

Nekrobutcher actualmente es: Hades (gritos, vomitos y blasfemias), Macabre (tanques y baterías de muerte), Lord Sytry (metrallas y guitarras de acero) y Masacra (bajo ritual funeral).

Con letras escritas en su mayoría por mí, pero desde luego esto fue un trabajo en equipo, en donde todos aportamos una cuota de nuestra negra energía y maldad.

Por el contrario, estamos más compenetrados, luchando por nuestros ideales, impulsando poco a poco esta legión al frente. Contamos el uno con el otro y nos apoyamos mutuamente.

Este álbum sale de las sombras el 31 de octubre del 2014, y desde entonces tuvo una gran demanda y excelentes críticas a nivel nacional y mundial, pues fue como romper el silencio sepulcral en un grito de guerra, y mucho de nuestros hermanos, amigos y colegas estaban esperándolo de algún modo, y nunca se sintieron decepcionados, ya que la fuerza, pesadez y energía permanecen intactos y fieles a nuestra esencia maldita y morbosa, con sus letras oscuras, perversas Anti Cristianas e insanas como siempre se caracterizó la banda desde sus inicios, con más madurez y experiencia en la interpretación, ejecución y composición de los temas, con más profesionalismo a la hora de grabar, editar y potenciar el sonido crudo y oscuro en el estudio.

Además tenemos una gran relación de hermandad y camaradería, lo cual también se refleja en nuestros conciertos, ensayos y composiciones. Así que ahora mismo estamos muy satisfechos con este equipo humano, su gran profesionalismo y talento, sin desmeritar a los antiguos ex miembros.

En conclusión, el álbum “Oscuro Conocimiento” catapultó a Nekrobutcher en otro nivel musical e, ideológicamente hablando, sin perder las raíces de crudeza y primitivas para el deleite de nuestros malignos aliados y satisfacción de nosotros mismos. El balance fue bastante positivo.

Nekrobutcher, como una sólida unidad, hoy está más poderosa que nunca, línea por lí-

¿Crees que con este disco han alcanzado la madurez máxima musicalmente hablando?

Así que también te puedo asegurar que en este momento estamos muy fuertes y unidos como banda, cada uno aportando ideas, letras, dibujos, arte y conceptos para crear las nuevas canciones para Nekrobutcher, ya que la creatividad y virtuosismo no se van a detener.

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Ésta es una pregunta difícil y a la vez muy interesante. Déjame decirte que como metalero, músico y autocrítico, uno jamás logra estar 100% satisfecho del todo, y esa hambre, esas ganas de evolucionar es la fuerza que nos obliga a continuar batallando y esforzándonos para que cada álbum sea mejor que el anterior.

Si bien es cierto que el “Oscuro Conocimiento” está un paso adelante de los primeros demos, no superará el próximo álbum, el cual se está gestando, y en el momento estamos inmersos trabajando por sacarlo de las tinieblas y poderlo pronto compartir con todos ustedes, y llevará como título “Los Designios de la Muerte”.

Este álbum traerá varias composiciones nuevas, así como algunas canciones muy viejas que quedaron sepultadas en el tiempo y reviviremos para que hagan parte de este álbum, el cual promete será realmente asesino, pero siempre con la mirada puesta en el horizonte y

los pies en la tierra.

Hábidos de seguir creando música para verdaderos adoradores del culto al Black Metal y fieles a nuestro propio espíritu. Nekrobutcher hasta la muerte!

Nekrobutcher es una banda con una temática satánica. ¿Fuera del ámbito musical tú y los demás integrantes de la banda tienen la misma influencia oscura y satánica en sus vidas cotidianas?

Nekrobutcher evidentemente se identifica con el satanismo en todas sus formas y en muchos conceptos. Siempre vivimos en un estilo de vida basado en la libertad, los excesos, la lujuria, la venganza, la intolerancia, el odio...etc., estos son los instintos básicos del ser humano y a los que hacemos mención, ya que “gracias” a las religiones absurdas nos hemos visto diezmados en nuestro potencial intelectual, contaminando la mente desde tiempos ancestrales de esa infinita ignorancia que LaCarne Magazine

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obstruye la luz del conocimiento y la realidad perdida por milenios.

El black metal y el satanismo son portales para expandir y exaltar las percepciones del raciocinio, los deseos de superación de los hombres, la riqueza del conocimiento, la capacidad del poder oculto, así que por supuesto que tanto los Nekrobutcher compartimos la filosofía Satanista en nuestro día a día, sin que ello nos convierta en anti sociales, asesinos o delincuentes.

Sólo somos anti cristianos, hombres libres, sin falsos ídolos que adorar más que a nosotros mismos como deidades. Haz siempre lo que quieras, es el todo de la ley.

Han tenido la oportunidad de tocar y compartir escenario con importantes bandas extranjeras y de su país. ¿Que nos dices al respecto?

A decir verdad, sí hemos tenido el placer de compartir escenario con bandas de la talla de Nargaroth, Horna, Nebiros, Infernal, Esbbat, entre otras, y para nosotros es siempre un honor tocar al lado de guerreros a los que admiramos, y el simple hecho de tocar en vivo de por sí nos llena de júbilo y energía, y siempre pensamos que lo más importante es causar una buena impresión para nuestro público, pues sabemos que el verdadero poder de una banda se mide en lo que pueda proyectar tocando en vivo. ¿Qué hay de la actual escena en Colombia? ¿Qué bandas destacarías, revistas...?

La escena metalera en Colombia está creciendo en cuanto a cantidad y calidad. Existen demasiadas bandas buenas, tanto nuevas y viejas, en todos los géneros existentes. Podría mencionar algunas underground cómo Gomory, Amentis, Utuk Xul, Tzelmoth, Nameles, Apollions Genocide, Metal King, Berith, Sorciers, Morten Terror, Nemesis, Zabulus, Atanab, Hammer, Cabra Negra, Dark Wisdom, Nazgul, Bloodshed, Realidad Oculta, Melancoliam, Supremacía Satánica, Dementor, Dantalian, Thy Endles Wrath, Erzebeth, Oscuridad, Revenge, Witchtrap… La verdad, la lista de bandas es interminable.

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Creo que la cantidad de metal nacional ha ido aumentando, y si sigue así esta tendencia, Colombia será una potencia internacional de metal extremo, a la altura de las grandes escenas del mundo.

En cuanto a zines extremos que mantienen su continuidad a través de las décadas, digo que Hell zine es la mejor revista, con un arte 100% profesional, la cual salen 3 ediciones por año con contenido fresco y comentarios muy acertados, y por supuesto, grandes entrevistas.

En cuanto a sellos brutales te puedo recomendar Necrolust Records, Hell Atttacks Productions, Tribulación Productions, Hate Works, entre otras... ¿Tienen planes en producción para lanzar algún nuevo álbum?

Por supuesto, hermano, nosotros estamos preparando la reedición de los 2 primeros demos en una edición de lujo, CD-Digipack, la cual contiene el demo tape “Obscura Rebelión” del 2004 y “El Dominio de los Espíritus Inmundos” demo tape 2005.

prisa, pero sin pausa, concentrados y fieles militando por los senderos del underworld.

Bien, quiero agradecer el tiempo que nos dedicaste. Hemos llegado al final de esta plática. Quisieras agregar algún comentario a los lectores de LaCarne Magazine para finalizar la entrevista?

Muchas gracias a ti, Omar Vega, por esta excelente intervención.

Ha sido un placer verdadero compartir contigo y con todos los insanos lectores de LaCarne Magazine de este espacio, y finalmente quisiera agregar que Nekrobutcher sigue estando en las negras llamas del metal negro, ahora y por siempre.

Abracen a la oscuridad, permanezcan reales al culto y esparciendo la blasfemia en todos los rincones de este podrido mundo, y en el mismísimo infierno también.

Esta edición contiene material exclusivo e inédito como algunos temas de ensayo y 5 bonus tracks en vivo, fotos exclusivas, y más.

Este material estará disponible para finales de este año 2018 (conmemorando 20 años de Satanik Black Metal), y será una edición de lujo y ultra limitada a 300 copias para todo el mundo, obviamente bajo el sello Obscura Rebelion Productions.

Y aparte de esto nosotros estamos en el proceso de composición y grabación de nuestro 2do álbum, “Los Designios de la Muerte”, el cual esperamos esté disponible para principios de 2019. Sólo se paciente. También estamos participando en varias compilaciones, las cuales estarán disponibles pronto y serán un pequeño avance del siguiente ataque.

Todo esto es un proceso, pero vamos encaminados hacia el objetivo final, que es liberar nuestro CD y poder mostrarlo a toda la verdadera comunidad Black Metal de todo el underground.

El futuro desde ya nos deja entrever cosas importantes para la banda, así que vamos sin

A quienes pueda interesar contactarnos, pueden hacerlo a través de nuestra página. Allí podrán informarse sobre conciertos, entrevistas, anécdotas, fotos, giras, contacto directo con nosotros y la mercancía disponible.

Material disponible: Demo 1: “Obscura Rebelión”.

Demo 2: “El Dominio de los Espíritus Inmundos”.

CD Split: “Siguillum Satanás”.

CD Full: “Oscuro Conocimiento”.

T-shirts, parches, gorras.

Epitafio: Un nekro saludo a todos los guerreros que apoyan la causa black metal.

Sabemos que es un camino para pocos, por eso es preciso mantenernos unidos como una legión de demonios, como una gran familia de guerreros malditos.

Apreciamos mucho su apoyo, Nekrobutcher nunca los defraudará, siempre cerca de ustedes y siempre en eterna guerra contra la luz. ¶

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D

e la escena de Paraguay conozco muy poco, me refiero a la escena del rock.

Pornostars es una banda de este país, y ellos cultivan el Hard Rock pero con algunas influencias más como el Grunge, y el Rock alternativo.

Con pocos años en la escena ya han podido lograr reconocimiento en su país. Aquí les dejo la entrevista respondida por Sebastián Centurión (guitarrista y fundador).

Hablando un poco del origen de la banda, ¿qué nos pueden comentar sobre la formación de Pornostars? ¿Quiénes la conforman en la actualidad? ¿De dónde proviene la banda?

A mediados del 2009 grabé una maqueta con algunos riffs que luego se convertirían en los primeros temas de la banda.

La formación actual es la siguiente: Nando Valiente (vocal), Sebastián Centurión (guitarrista), Santiago Vallovera (bajo), José Peralta (batería).

Pornostar

fusión entre el Hard Ro

La banda se originó en la ciudad de Luque.

Desde sus inicios, Pornostars ha sido telonera de bandas muy reconocidas de la escena internacional. ¿Qué tan importante fue para ustedes compartir escenario con bandas como KISS, CJ Ramones o Carajo?

Fue una responsabilidad muy grande con 25.000 personas aproximadamente en cada show (Guns and Roses y Kiss).

Nos vio y nos escuchó mucha gente que no lo había hecho hasta ese momento. Fue positivo en todo sentido, y una meta cumplida en lo personal: compartir escenario con los grandes.

Al poco tiempo de formados, ustedes participan en un reconocido concurso de su país y son ganadores. ¿Qué representó esto para la banda? ¿Le aportó algún beneficio este pre-

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mio obtenido?

El premio consistía en la financiación de un disco completo. Cuando ganamos el concurso ya teníamos 20 canciones compuestas.

Fue muy rápido, 6 meses después ya teníamos el disco en las calles. Nos ayudó muchísimo.

Me gustaría que me hablaras sobre su primer álbum titulado “Pornostars”, del año 2011.

Es un disco que definió las bases de nuestro estilo. Llegó a mucha gente. Muchos temas de ese disco los tocamos en los shows en vivo, pues están compuestos y grabados de una forma muy directa, pensando en los shows, y nos permite interactuar con el público. Está pensado para eso. ¿Qué nos puede comentar en relación a sus

rs

ock y el Grunge influencias musicales y de carácter lírico? ¿Hasta qué punto las influencias musicales deben incidir en la personalidad y composiciones de una banda, y específicamente para Pornostars?

En mi caso, como compositor principal, me inspiró la música con la que crecí, la de los comienzos de los 90’s, esa fusión entre el Hard Rock y el Grunge. Buscamos un sonido propio, las influencias están ahí y a veces fluyen inconscientemente.

Escribimos en español, y creo que eso en contraste a los riffs muy inspirados al Rock anglosajón nos está dando un sonido muy nuestro.

Las líricas hablan del mundo interno del ser humano, su capacidad de crear cosas que rozan la perfección, y a su vez su tendencia a la autodestrucción, los excesos, miedos y fobias.

“Porno En Tu Patio” fue el nombre de una gira que realizaron en el 2015, pero una gira con características especiales. Me gustaría que me comentaras sobre esta gira.

Esa gira consistía en tocar en el patio de los seguidores, quienes postulaban sus patios.

Llegábamos a un acuerdo y fijábamos la fecha. Fueron 8 shows en 8 ciudades del país.

En el 2016 lo volvimos a hacer, siendo una gran experiencia. Conciertos íntimos, con un público que en realidad seguía a la banda.

La gira del 2016 está totalmente grabada en video. La idea más adelante es editar un DVD. Su segundo álbum salió en el 2014 bajo el nombre de “Gatillo Fácilˮ. ¿Qué destacarías de este material? ¿Alguna diferencia con el LaCarne Magazine

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trabajo anterior?

“Gatillo Fácil” es un disco más oscuro en comparación al primero. Las líricas menos directas y con mensajes muy íntimos. Tiende más a lo alternativo, riffs más lentos y pesados.

sideran puedan ser acciones concretas para mejorar este panorama?

Pienso que uno de los obstáculos representa la falta de interés de los empresarios hacia los compositores nacionales de Rock.

La banda ha realizado muy buenas presentaciones. Hablando del tema de los shows, ¿cuáles han sido los mejores conciertos realizados por la banda, qué experiencias y aprendizajes han obtenido en cada concierto?

Creo que los mejores shows de la banda se dieron en el interior del país. La gente responde diferente, y los seguidores son más demostrativos a la hora de disfrutar el show.

A pesar de esto existe una movida que está creciendo, ya que cada vez más bandas se mueven de forma profesional, grabando discos y realizando shows de calidad.

A nivel experiencia y aprendizaje, sin duda los shows internacionales.

Si bien la banda no cuenta con tantos años en la escena, ya tienen varios excelentes discos. Hablando de su última producción titulada “Fiebre” de este año 2018, ¿que nos pueden comentar en relación a su proceso de grabación y edición? ¿Cómo ha sido el proceso de distribución y venta y que tanto les ha abierto las puertas dentro y fuera de Paraguay?

Tratamos de mantener la misma línea, agregándole ciertos recursos que no habíamos utilizado en los materiales anteriores. Este disco lo grabamos con un vocalista nuevo que aportó otro color de voz, otras ideas e influencias “Fiebre” representa una evolución en nuestro sonido, composición y líricas. Es la primera vez que firmamos para un sello discográfico.

Kamikase es un sello legendario aquí en Paraguay. El disco saldrá en noviembre de este año, acabamos de lanzar un adelanto, “Mister Bullying”.

Nos encerramos dos meses para componerlo y grabarlo. Con las plataformas digitales y con la ayuda del sello discográfico pensamos llegar a más gente en Argentina, Brasil, Colombia y Chile. ¿Cómo ven la actualidad de la escena del rock en Paraguay? ¿Cuáles son las mayores dificultades y limitaciones que sufren sus bandas y productoras en la actualidad y cuáles con-

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Pienso que pese a los logros obtenido por la banda hasta la fecha, aún faltan más pasos por lograr. ¿Cuáles serían los próximos pasos en la carrera musical de la banda? ¿Cómo han sido planificados y ejecutados los aspectos de internacionalización y difusión de la música de Pornostars?

Salir a tocar al exterior. Es una deuda pendiente para nosotros. Con este disco queremos salir a girar por afuera. Estamos planeando cómo hacerlo.

También la producción de materiales audio visuales, video clips, es otro punto que vamos a potenciar.

Si la banda pudiese proyectarse en los próximos 3 años, ¿cuáles serían los logros que esperan cumplir en ese lapso de tiempo?

Una gira internacional, y tener ya preparado un nuevo álbum. En el 2020 cumpliremos 10 años como banda, queremos hacer un show aniversario. Esos tres puntos serían las metas a cumplir.

Gracias por su tiempo en responder esta entrevista, pero no queremos despedir sin que la banda emita un comentario final hacia nuestros lectores, y en general a la escena.

Gracias a ustedes por el espacio, y los invito a seguirnos por las redes sociales y plataformas digitales. Quién sabe si dentro de poco vamos por ahí, sería fantástico. ¶

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