LaCarne Magazine N65

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Nº65 - OCT 2017 - AÑO 7

iseo

magia musical en estado puro

EXPERIENCIAS

miguel bosé - niños prodigio - premios comic/manga/arte joven

ENTREVISTAS

alex dark bullet - osamu sadistic rot - ameba - alice in hell - dj chiup - goddamn wonderonce

MÁS INFO

SUMARIO N65 aÑo 7 oct 2017

experiencias 32 osamu, talento y rock and roll 06 miguel bosé revoluciona el teatro 40 sadistic rot antigua esencia del romano

12 niños prodigio en el mundo de la música

14 ii premios comic/manga/arte joven

entrevistas 20 iseo magia musical en estado puro 26 alex dark bullet y su viaje musical

death metal

44 ameba, rock contestatario desde el oriente boliviano

48 alice in hell, un grito de ira hecho en venezuela

56 dj chiup la promesa de la electróni-

ca venezolana

58 goddamn, agresividad contra la destrucción

62 wonderonce. y el metal como banda sonora

iseo

magia musical en estado puro contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

http://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

Colaboradores

alejandro pérez, OMAR VEGA, enrique falcó, priss rojas, santos garcía * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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miguel bosé

revoluciona el teatro romano LEER MÁS

E

l concierto de Miguel Bosé en el Stone and Music Festival fue literalmente increíble. Ni en sueños pude imaginar todo lo que este gran artista nos hizo sentir en el Teatro Romano de Mérida.

Pero no quiero adelantarme en esta crónica.

Empecemos por el principio!

Miguel Bosé Stone and Music Festival Nada más acercarnos al evento, recogimos nuestro pase de prensa gracias a Estefanía, miembro de la organización. Los “jefes” de LaCarne Magazine ya nos habían dicho que suelen tratar genial a los medios pero nos sorprendió bastante su gran profesionalidad.

Todo un ejemplo para los demás festivales.

Después de recibir las instrucciones para poder movernos por el recinto, nos dirigimos a nuestras posiciones para comenzar a disfrutar del esperado concierto de Miguel Bosé.

Nada podía aplacar las ganas de un público que llenaba por completo el teatro romano de Mérida, ni siquiera el frío calador.

A las 22:14, un publico deseoso comenzaba a jalear y a aplaudir con emoción para que el espectáculo comenzara. Justo en ese instante, bajan las luces y la iluminación se atenua.

Luces de colores, la gente eufórica, móviles en mano ansiando la salida de Miguel Bosé.

Batería, percusionista, teclados, coros, guitarras. La gente animadísima siguiendo el ritmo de la música que daba paso a dos horas de buenas vibraciones. Y Miguel Bosé hizo su entrada a punto de caer entre la euforia del teatro (quizás los nervios del lugar). Con su indumentaria negra, su ritmo, sus ojos, su baile.

Comienza.

Nos da la bienvenida y nos sentimos afortunados de que comparta este último concierto de su gira española. Y tanto es así, que celebra sus 40 años en la música con nosotros. Qué privilegio para los presentes!

El recorrido por su trayectoria empieza a dar frutos, y en “Nena”, la tercera canción, la gente enloquece. Todo el teatro, con lleno absoluto, de pie, bailando, cantando y alucinando con las poses de Miguel Bosé, que se entregaba en cada estrofa.

“Mérida, agárrate de mi mano”, nos decía.

Solemne, intenso, saboreando cada palabra.

Así nos hablaba y nos cantaba, con su coro salvaguardando sus espaldas y acompañándolo en esos bailes que les caracteriza. Sin duda, un broche que engalanaba su actuación.

Se desgarra el alma con su publico, que se entrega de igual manera. Habla de Europa, de las personas que aguardan esperando una respuesta, de sus hijos, de su corazón, de su sentir, de su Bimba…

Y sonó el acordeón. “Morir de amor” dio ese toque con aroma a tango, y su publico, con él en cuerpo y alma.

Y siguió recordando. Pasion, potencia. “Superman” empezó a sonar. El gentió enloqueció.

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“Don diablo”.

“Como un lobo”, en el que faltaba algo en el ambiente, en el ritmo, en su expresión. Quizás era ella.

Otro exitazo. “Sevilla”. El público en pie ovacionando sus pases de torero, de flamenco, y de su danza.

Su complicidad repartida en cada uno de los que fuimos testigos de su gran actuación. Los mecheros de entonces, los móviles de ahora.

“Si tu no vuelves”.

Tras el descanso merecido, pero casi inapreciable, hizo una nueva aparición con “Bambú”.

Esperando con ansia al “Amante bandido” que lleva oculto, y el Teatro, una vez más, temblando. Mérida nos sentía en sus calles.

Llegó el momento menos esperado, el final de 2 horas de deleite que parecieron minutos.

Después de cánticos a la voz “otra, otra”, tuvimos la suerte de sentir, cada uno de los presentes, “Te amaré”, como si nos lo dijera sólo a nosotros. Sintiendo su abrazo, sienténdonos queridos.

“Mérida, volveremos a vernos”. Y se fue. Dejándonos esa sensación de euforia, alegría y de emoción.

Como habéis visto, el concierto de Miguel Bosé en el Stone and Music festival fue increíble, como ya os he comentado al principio.

Le doy un 10 al artista, un 10 al público, y un 10 a la organización.

Está claro que volveré a asistir a otro concierto de Miguel Bosé, y a todos los que pueda de los que organicen los amigos de Stone and Music Festival.

Hacía mucho tiempo que no disfrutaba un concierto así! ¶

ver web 8 LaCarne Magazine

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niños prodigio en el mundo de la música

P

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or qué hablaremos de niños prodigio en este artículo? Recientemente, en una edición de Las Joyas de la Castafiore, mi programa semanal de radio que presento en Canal Extremadura, se me ocurrió presentar a los oyentes aquel gran primer éxito que todo artista tiene, y que lamentablemente en muchas ocasiones no llega a ser superado, aunque no debemos confundirlo con aquellos artistas que sólo obtienen un éxito en su carrera.

Curiosamente, los dos primeros artistas que me vinieron a la cabeza para comenzar el programa fueron dos grandes genios de la historia de la música: Steve Wonder y Michael Jackson. Ambos fueron niños prodigio en el mundo de la música.

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Indico lo de curiosamente porque ambas personalidades ostentaban numerosas cosas en común, más allá del color de la piel, sin pretender, dicho sea de paso, hacer leña del árbol caído respecto al color de la piel del pequeño de los Jackson Five.

Ambos niños prodigio comenzaron muy pronto en el mundo de la música, quizás demasiado, y los dos estuvieron sometidos al control de la Motown. El pequeño Steve sin duda influiría en el pequeño Michael, y más tarde éste en el resto del mundo con ayuda, entre otros, del propio Wonder, quien escribió algunas grandes canciones para él como “I cant help it”. Ambos se ganaron el paso de la niñez a la edad adulta a través de grandes temas que convirtieron en inolvidables.

Personalmente, para Steve Wonder, aunque en primera opción iba a elegir “Supertition” del año 72 (con aquel genial comienzo de bate-

ría tan característico), de corazón creo que se ganó el paso de niño a hombre unos años antes cuando en el 68 llegó a sus manos una demo de “For Once In My Life” (acreditada a los compositores Ron Miller y Orlando Murden), y subiéndose a las barbas del mismo Berry Gordy, la hizo suya, además de convertirla en maravillosa y eterna para la historia.

En el caso de Jackson, no hubo más que esperar al que cada día que pasa me parece el mejor y más auténtico disco de Michael, “Off the wall”, y me decanté por la deliciosa “Rock With You”, aunque bien hubiera podido elegir a su single predecesor, “Don’t stop til you get enough”.

Todo esto viene a cuento cuando momentos después, reflexionando sobre estas casualidades y circunstancias, me planteaba a los actuales niños prodigios y adolescentes a los que hemos visto crecer en los últimos años en el mundo de la música.

No quiero resultar pesado y cansino insistiendo en que cualquier tiempo pasado fue mejor, pero las comparaciones con estos dos genios serían más que odiosas. El problema quizás radica en que no se han criado con la misma filosofía. Es decir, no nos engañemos, la música en los 50 y en los 60 también era un negocio y un compendio de intereses, sin duda, y estos jóvencisimos artistas, estos niños prodigio, fueron explotados, pero aun así se fomentaba la calidad y creatividad de los músicos sin venderlos como cachos de carne.

A nadie pareció importarles nunca la voz de Britney Spears o Cristina Aguilera, por poner un ejemplo, cuando nos las presentaban como jóvenes lolitas embutidas en mini-shorts o mallas, que seguramente requerían sopletes para poder ser despegadas de la piel.

Poca gente parece ser conocedora de que Justin Beaber toca con más que acierto varios instrumentos y que compone sus propias canciones, cuando lo presentan como un jovencito que hace las deliciosas de las histéricas de turno por ser tan increiblemente guapo y atractivo.

A grupos formados por adolescentes, como por ejemplo a los Jonas Brothers, quienes también se encargaban de tocar sus propios instrumentos y componer sus canciones, en la década de 2000 los explotaron desde un canal dedicado a niños hasta la saciedad, y no digamos a Miley Cyrus.

Uno piensa en casos como éste con la esperanza de que algún día dejen de ser no ya niños prodigio ni adolescentes, que hace ya un tiempo que dejaron de serlo, sino que se conviertan en adultos de verdad, en tomar las riendas de su vida (no sólo la musical), y ser capaces, con mayor o menor fortuna, de ganarse el respeto para los millones de personas que por encima de todo seguimos valorando la música.

Y ya a título personal, perdonad que vuestro siempre seguro servidor carnicero, además de filetear la mejor carnaca mensual para vosotros, se tome la libertad de divagar de vez en cuando en el mostrador de esta insigne carnicería en pos de la búsqueda de la pureza de la mayor magia que existe: La música.

Siempre nos quedará la música. Sería horrible vivir sin ella… yo personalmente no puedo imaginar un infierno más horrible y desolador. ¶

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i te gusta el cómic, el manga, la fotografía y quieres demostrar que eres un gran artista, puede que haya llegado el momento de demostrar tu arte y presentarte a los II Premios Comic/Manga/Arte Joven y II Premio Fotográfico “Señas de Identidad”.

Los premios han sido convocados un año más por la Diputación Provincial de Cáceres y la Institución Cultural El Brocense.

Si aún te lo estás pensando, no tardes mucho porque sólo tienes hasta 31 de octubre de 2017 para presentar tus obras.

II Premios Comic/Manga/Arte Joven

El objetivo de estos premios es incentivar entre los jóvenes la creatividad plástica y promover nuestros valores en el ámbito del cómic.

Para ello, en estos II Premios Cómic/Manga/ Arte Joven se han establecido varias categorías y sus distintos premios. Dependiendo de la edad que tengas, podrás participar en las Categorías Junior y Senior.

Categorías y Premios

Categoría Junior – de 14 a 20 años

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Podrán participar en los II Premios Cómic/ Manga/ Arte Joven, tod@s l@s jóvenes de entre 14 y 20 años de edad. Se otorgará un 1º Premio dotado de 1.000€ más un diploma, y un 2º Premio dotado de 500€ más un diploma.

Categoría Senior – de 21 a 35 años Si tienes entre 21 y 35 años, ésta es la categoría en la que podrás participar. Se otorgará un 1º Premio de 2.000€ y un diploma, y un 2º Premio de 500€ y un diploma.

Bases y Plazo

En esta categoría podrás presentar un máximo de dos obras o trabajos. Tanto si es Cómic como si es Manga, el estilo, género o tratamiento de ambos es libre. Debes escribirlo en castellano y la historia debe tener principio y final.

Ojo con la temática, porque no serán aceptados aquellos trabajos que promuevan el consumo de alcóhol, tabaco o cualquier otra droga. Tampoco serán aceptados aquellos trabajos y obras que atenten contra la dignidad de las personas y los derechos humanos.

Cada obra o trabajo que presentes debe contener personajes originales, de creación propia y que sean inéditos. Además, la extensión de cada obra debe tener un mínimo de 8 pági-

Bases

En el II Premio Fotográfico “Señas de Identidad” podrán participar todas aquellas personas de entre 18 y 35 años y que residan en la provincia de Cáceres.

Podrás demostrar que estás hecho todo un artista de la fotografía. Puedes presentar un máximo de dos fotografías pero éstas deben tener una temática y un ámbito territorial.

Recuerda que el tema del Premio se titula “Señas de Identidad”, es decir, que tus fotografías deben representar lugares, eventos o actividades cotidianas de la provincia, actos culturales, tradicionales o sociales… y que fomenten los valores de las actividades tradicionales relacionadas con el medio, la colectividad, etc.

nas y un máximo de 12 páginas.

La presentación de los trabajos, la argumentación y la calidad de los dibujos serán aspectos a tener en cuenta por el jurado a la hora de hacer su valoración.

Es importante que tengas en cuenta el plazo de presentación y cómo y dónde debes presentar tus obras: Las obras se presentarán en mano o se enviarán por correo certificado sin remitente a: Registro General de la Diputación Provincial de Cáceres (Plaza de Santa María, s/n, 10002 Cáceres) con la indicación en el sobre de II Premio Cómic/Manga/Arte Joven.

Anímate a participar! El plazo de presentación será hasta el 31 de octubre de 2017. Te dejamos a continuación un enlace en el que encontrarás más detalles sobre las Bases para participar así como la hora de inscripción.

BOP Bases II Premio Cómic/Manga/Arte Joven

II Premio Fotográfico “Señas de Identidad”

Un detalle importante que se tendrá en cuenta a la hora de valorar las obras serán la creatividad, la calidad de la fotografía y la originalidad de las mismas.

Plazo

Si quieres participar en el II Premio Fotográfico “Señas de Identidad”es muy importante que tengas en cuenta los plazos de presentación y cómo y dónde debes enviar tus fotografías.

Toma nota: Las fotografías deberán realizarse los días 6, 7 y 8 de octubre y serán enviadas el 9 y 10 del mismo mes a los correos: mjherreros@dip-caceres.es, mverde@dip-caceres.es y pandres@dip-caceres.es En cuanto a los premios, se otorgarán un 1º Premio de 1.000€, dos 2º Premios de 750€ y diez 3º Premios de 300€.

Uno de estos Premios puede ser tuyo! Te dejamos el enlace en el que encontrarás detalladamente las Bases del II Premio Fotográfico “Señas de Identidad”. ¶ BOP Bases II Premio Fotográfico SEÑAS DE IDENTIDAD

Web Diputación de Cáceres LaCarne Magazine

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magia musical en estado puro

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Fotos por Anna Jordan

I

seo ya no es un nombre desconocido en el panorama musical. Sutilmente se ha metido en los carteles de muchos conciertos y festivales, y su carrera musical ha tomado el rumbo hacia el éxito.

Swing, Reggae, música electrónica, Jazz, Soul... Iseo se atreve con todo. Si aún no has escuchado a Iseo, podemos decirte que su música está muy bien hecha, y que tiene una fantástica voz para hacer lo que le de la gana.

De su creatividad, de su voz y de su sinceridad musical, salen canciones que merecen realmente la pena escuchar.

Con muy poco miedo o ninguno, Iseo hace la música que le sale de dentro, sin etiquetas, sin restricciones. Prueba de ello es su proyecto con Dodosound, con el que sigue de gira presentando su segundo trabajo “Roots in the Air”.

Hemos estado un tiempo detrás de Iseo, y estamos muy contentos porque finalmente hemos conseguido hablar con ella.

Iseo, magia musical en estado puro Hemos leído que decidiste dedicarte a la música cuando viste en directo a un grupo de música. ¿Es ese día en el que Leire Villanueva se convirtió en Iseo? ¿Cómo recuerdas esos inicios en solitario?

Tengo muy mala memoria así que no sé si habré dicho eso en algún momento. Es posible aunque ahora no lo recuerde. Digamos que siempre he tenido la música muy cerca, desde pequeña en casa, y es por eso que siempre la he entendido como algo muy cercano, de lo que he podido formar parte.

Mis primeras andaduras en público, al margen de alguna historieta en mi Pamplona natal, fueron en Barcelona, donde empecé a freLaCarne Magazine

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cuentar locales de música en directo, y donde aprendí una gran parte de lo que hoy sé. Tengo un recuerdo muy bonito de aquella época, fue muy productiva y digamos que “me hice mayor”.

Tenemos entendido que antes de tu etapa en solitario, formaste parte de una banda llamada Couscous mon amour. Tu experiencia en la banda ¿te sirvió de algo a posteriori para tu proyecto en solitario? ¿Qué te aportó musical y personalmente?

Couscous Mon Amour fue el inicio de lo que luego sería Iseo. Éramos un dúo, y versionábamos todo tipo de canciones a dos voces, una guitarra, e instrumentos de percusión.

Así aprendí a trabajar en conjunto, cosa que más tarde me ha venido muy bien para trabajar con mi banda en Iseo, o en mi otro proyecto paralelo, Iseo & Dodosound.

Aunque ahora vemos a Iseo en los medios, llevas haciendo música desde hace ya unos cuantos años, pero sabemos que para los músicos llegar a los medios y al público resulta complicado. ¿Hay alguna forma más sencilla de conseguirlo? ¿Qué has hecho tú para que los medios y el público sepan quién eres?

Supongo que lo único que he hecho es trabajar. Utilizar las redes sociales como ventana para mostrar mi música, e intentar tocar ahí donde se pueda.

Quiero decir, que no me parece que haya ninguna fórmula mágica para esto. Lo más importante son las canciones. Sin canciones no hay nada. El resto, viene después.

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“Last Night Extended” es tu primer trabajo, y la verdad es que nos ha sorprendido mucho por la calidad del sonido, por tu voz, y sobre todo porque decidiste grabarlo en directo, con toda la banda. ¿Esta idea ya la llevabas en tu cabeza? ¿Cómo de complicado o sencillo es grabar así?

El principal motivo por el que decidí grabar en sesión fue por economía de tiempo, no nos vamos a engañar. Había que explotar al máximo el tiempo de estudio que teníamos, y fue entonces cuando decidimos no grabarlo por pistas.

Es verdad que después le he visto muchas ventajas: las canciones respiran, están vivas y tienen el pulso de (en nuestro caso) cuatro músicos tocando juntos. Las voces las grabamos aparte, después de tener los combos de instrumental. ¿Cuántas tomas hacíais de cada canción? ¿Hay alguna canción o alguna parte del disco que sea más improvisada?

Hicimos unas 3 o 4 tomas de cada canción, no más. Deep Voice tiene varios cambios de tempo, y es la canción a la que más vueltas le dimos, pero realmente no nos detuvimos en exceso en cada canción porque había que mantener la frescura de las primeras tomas.

Realmente llevábamos el trabajo muy mascado porque no teníamos mucho tiempo, pero cuando grabamos The Wave, que es la que cierra el disco, entramos a la cabina Josu Erviti (mi batería) con un shaker y yo, y le dimos una vuelta a la canción, que él no la había escuchado, y la siguiente toma la grabamos del tirón. Y esa es la toma que quedó. Magia pura para nosotros lo que pasó en aquel momento.

“Last Night Extended” es la versión extendida del disco original, y trae tres canciones que grabamos en directo con público (como si grabáramos un concierto, o una sesión de estudio con público), y fue muy especial también.

El sonido de este disco es muy agradable al oído por las melodías, tu voz… En las canciones reconocemos algunos sonidos que nos llevan al Jazz, al Soul…, y casi me atrevería

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a decir que alguna canción nos ha sonado a Swing. Además de todo esto, ¿qué más hay en este disco de Iseo? Cuéntanos un poco todo el trabajo que hay detrás.

Este disco recoge mis canciones de un largo período de tiempo. Algunas son de mis primeras composiciones, y otras están muy cerca de la grabación.

Pero, en definitiva, es un álbum bastante genuino, donde se encuentran estas canciones trabajadas en equipo con mi banda, y donde he querido mostrar cómo siento la música de la forma más pura posible.

Las críticas del disco que hemos podido leer son muy buenas, y estás haciendo muchos seguidores y fans. ¿Cómo te sientes con todo ello? ¿Era tu intención con este disco?

Nunca pensé qué iba a pasar con el disco. Mi idea era publicarlo y verlas venir. La verdad es que estoy contenta con todo el trabajo que estamos haciendo, y es una suerte haber podido

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visitar tantas ciudades y tantos públicos como hemos podido.

Ahora hemos visto que estás con Dodosound en un nuevo proyecto al que habéis llamado Iseo & Dodosound. ¿Cómo nace esta unión musical entre Iseo y Dodosound?

Los dos somos de Pamplona, y allá por 2014 empezamos a hacer música juntos de una manera muy natural, sin mayor pretensión, y con la idea de mezclar nuestros dos mundos musicales, que son bien distintos.

Un año más tarde, en 2015, salió a la luz nuestro primer álbum, “Cat Platoon”, y ahora estamos con la gira del segundo disco publicado este año, “Roots in the Air”.

Hemos escuchado algunos temas y nos ha gustado mucho esa mezcla de sonidos electrónicos, tu voz con aires de Reggae… Vemos que te gusta probar con otros estilos musicales, no? ¿Te atreves con todo?

Bueno, más que atreverme con todo, diría que tengo poco miedo. En el arte, lo más interesante para mí es sacar de dentro lo más puro que tengas, independientemente de los sonidos a los que te acerques.

En este caso, es un estilo diferente al que trabajo en mi proyecto en solitario, pero desde un primer momento tuve claro que iba a seguir siendo yo misma, porque la manera de sentir la música no se puede cambiar. ¿Cómo se presenta el verano tanto para Iseo como para Iseo & Dodosound?

Como os decía, el nuevo álbum de Iseo & Dodosound lo publicamos a principios de junio, y es lo que nos ha llevado a tener una gira muy loca durante todo el verano por festivales de España, Francia y Alemania. Ahora tenemos el cartel cerrado hasta finales de año, y seguimos trabajando en lo que vendrá en 2018.

Respecto a mi proyecto en solitario, he deci-

dido dejarlo aparcado por el momento, ya que el volumen de trabajo con Iseo & Dodosound está en un nivel bastante alto, y la verdad es que no tengo tiempo para nada más. Pero iremos viendo qué tal avanzan las cosas y a dónde nos llevan.

Nos ha encantado conocerte, Iseo, y ya sea en solitario o en otros proyectos, te seguiremos de cerca. Esperamos volver a hablar contigo en un futuro para que nos lo cuentes.

Mil gracias a vosotros, un placer haber charlado tan a gusto, y os mando un abrazo a todos los que hayáis llegado hasta aquí. Mucho amor! ¶

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alex dark bullet y su viaje musical

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lex Dark Bullet es el proyecto de un apasionado de la guitarra. Alexander Montenegro Escobar es un joven guitarrista colombiano que desde muy temprana edad comenzĂł a dar sus primeros acordes con una guitarra.

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Alex ha estado en algunas bandas, y en la actualidad se encuentra como guitarrista en varias bandas de distintas tendencias dentro del Metal, y tambiĂŠn tiene su propio proyecto, Alex Dark Bullet. Pues dejemos a Alex que nos comente sus inicios y las actividades de sus actuales bandas.

Alex Dark Bullet y su viaje musical

Hola, Alex! Un saludo, y es para mí un placer hacerte esta entrevista.

Hola, mucho gusto. El placer es todo mío al ser partícipe de esta entrevista. ¿Cómo descubriste la música Metal? ¿Cómo te involucraste en este mundo de la guitarra y qué fue lo primero que escuchaste?

La verdad, fue desde que era muy pequeño, cuando mi padre me prestó 2 cassettes de la banda Kiss, y un CD de la banda Queen. Me sentí interesado por el particular sonido de la guitarra eléctrica, y esos ritmos fuera de lo que comúnmente se escuchaba en la radio.

Luego, por medio de un primo, conocí otras bandas como Metallica, Iron Maiden, Motörhead, etc., las cuales llamaron bastante mi atención, y seguí incursionando este género.

Mi padre también es músico y guitarrista, así que él comenzó a enseñarme a tocar guitarra desde los 11 años, y posteriormente mi primo, con el cual aprendí bastantes canciones de este género.

Otra faceta tuya es la composición. ¿Qué fue lo primero que compusiste?

Yo comencé con una guitarra acústica, que fue lo primero que mi padre me dio junto con un cancionero del gran músico cubano Silvio Rodríguez. Me sabía muchísimas canciones de él. Aún recuerdo algunas.

En ese entonces era lógico que, con el conocimiento acústico que tenía gracias a él, yo plasmara eso en algunas pequeñas ideas. Al principio, la gran mayoría de canciones desde la primera eran de este carácter acústico que se ve plasmado hasta hoy en mis canciones, tales como la que hice para mi hijo, titulada Gabriel.

Hablemos ya sobre tu carrera musical. ¿Cuándo y dónde comenzaste a componer y tocar?

Háblame de las bandas que integraste en el pasado o que integras en la actualidad.

Yo comencé a tocar guitarra en la ciudad de San Juan de Pasto, Nariño, gracias a mi padre. Posteriormente en la ciudad de Armenia, Quindío, con un primo que me enseñó guitarra

eléctrica. Desde allá quise intentar componer y sacar algunas pequeñas ideas con las bases que tenía en ese momento.

En mi pasado fui parte de 2 bandas con las que aprendí mucho, Wild Rose y Metalfire, la primera de Hard Rock y la segunda de Thrash Metal, con la que grabé 2 sencillos, Mortal Pride y At Trace for Insanity.

En la actualidad soy el creador, guitarrista y compositor general de la banda Hidden Soul de Speed Metal, el guitarrista y compositor de la banda Reptile de Evil Heavy Metal, guitarrista y compositor de la banda Cabra Negra de Black Thrash Metal, y el productor y compositor general de Alex Dark Bullet.

Reptile

¿Hidden Soul fue tu primera banda? ¿Cómo comenzó y por qué el nombre? ¿Quién estuvo tocando contigo?

Sí, Hidden Soul nace desde la ciudad de Armenia, en el año 2005 con mi primo Andrés Fernando Gil. Realmente no recuerdo si dimos el nombre por algo en especial, ya que fue hace mucho tiempo atrás, pero yo decidí revivirlo en el año 2013 en la ciudad de Pasto, donde vivo actualmente, con mis composiciones.

Por esta banda han pasado bastantes músicos, como mi hermano Toro Bullet de la banda Sadistic Rot, Gabriel Ortiz de Freezing Darknes, entre otros. Los que han perdurado hasta ahora son Rubén Rebelo, batería, y EsLaCarne Magazine

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teban Moreno, vocalista y manager.

En ese año de 2012 ingresas a una banda de Black Metal, donde haces grandes aportes en arreglos y composición. ¿Qué nos puedes decir sobre esto?

Tiempo antes de ingresar, yo ya tenía admiración por Cabra Negra, y fue por esos tiempos donde conocí al fundador de la banda Avernal Moon, y nos volvimos grandes amigos. Me enseñó algunas canciones y me invitaron a tocar en la ciudad de Bogotá.

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Desde ese entonces fui acogido por la banda, y posteriormente colaboré con algunos solos y arreglos para el álbum “Inti”, que ya fue lanzado al mercado en el año 2016.

Te integras en Reptile en el 2014, y tienes un papel importante en el disco del 2016. ¿Qué dices al respecto?

Yo ingresé a la banda cuando tenía 3 canciones compuestas, a las cuales les hice algunos arreglos armónicos, melódicos y los solos.

Posteriormente quise entrar más en mi papel de guitarrista líder de la banda, y comencé

a componer canciones completas y ofrecer aportes más grandes, tales como Solid Metal Rules, Luciferian Street Killer, o Ancient Lizard entre otros aportes musicales.

Bueno, Alex, sería conveniente que nos comentaras de qué se trata tu proyecto solista que lleva por nombre Alex Dark Bullet.

Este proyecto, Alex Dark Bullet, nace de un mundo de ideas basadas en distintos ritmos y formas musicales, intentando romper la barrera de la monotonía, combinando varios de estos géneros tales como: Hard Rock, Heavy Metal, Blues, Jazz, Thrash Metal, Speed Metal, etc.

Entretejiéndolos mediante el uso de motivos rítmicos, armónicos y melódicos, creando obras que se conviertan en todo un viaje para el oyente. Ricas en cambios tonales y rítmicos, con una gran variedad de armonías usando intervalos pocos convencionales, tratando de crear historias en sus melodías, ya que, al tratarse de música instrumental, las palabras están en los instrumentos.

Hablando del contenido musical y lírico. ¿Cómo defines en tu proyecto la música que haces y sobre qué hechos o experiencias basas las letras de tus canciones?

En mi proyecto solista, Alex Dark Bullet, la música que realizo la podría definir como un pequeño viaje o resumen del título a tratar, ya que, al ser música instrumental, sólo puedo acercarme a crear la ambientación o la emoción a expresar por medio de los instrumentos. Algo parecido a la música programática, la cual es usada para ambientación, o expresión de alguna idea sin guión lírico.

géneros distintos, y todas han sido gratificantes para mí, pero si tuviera que elegir sería Solid Metal Rules, con la banda Reptile, ya que es donde más he participado en lo que corresponde a composición.

Por el momento sigo en el proceso de grabación con Hidden Soul, así que no podría mencionarla en un lanzamiento. Y dentro de muy poco estaré lanzando mi primer sencillo, Asmodeus, con Alex Dark Bullet, el cual constará de 5 canciones propias. Espero que lo disfruten. ¿Qué nos puedes decir en relación al proceso de promoción y distribución de estos trabajos dentro y fuera de Colombia?

Ha sido bastante exitoso, ya que Cabra Negra es una banda de un gran trayecto, y bastantes trabajos fueron enviados a otros países como Republica Checa, Venezuela, Ecuador, etc…

Y con la banda Reptile, la productora Stormspell Records se encargó de mandar el material a Japón, Alemania, Argentina, Chile, etc… ¿Cómo es la distribución del tiempo para cumplir con los compromisos que demanda cada una de éstas bandas? ¿Y desde el punto de vista de composición, es distinta la inspiración para componer en cada proyecto?

El tiempo realmente no ha sido un obstáculo para mí, pues cuando se tiene la pasión y las ganas no hay barreras, y es posible organizar un horario prudente para que no se crucen las responsabilidades.

Esta misma forma de composición la he usado en mi banda Hidden Soul, donde las letras que he escrito tratan de todo un poco, usando información mitológica, o tratando temas que de pronto puedan llegar a personas que han recaído por algún motivo.

Y por el lado de la composición, me resulta un tanto difícil alejarme de mi estilo armónico y melódico, por lo que no es muy difícil darse cuenta cuando yo estoy interpretando algo, o es compuesto por mí dentro de mis proyectos.

Obviamente, apegándome a los parámetros que cada una de las bandas demande, pero siempre con ese toque armónico que me caracteriza.

Acerca de tus lanzamientos, para ti, ¿cuál es la mejor producción que has hecho, ya sea con tu proyecto o en las bandas que integras?

Es un poco difícil para mí elegir, ya que son

A lo largo de tu carrera has tenido la oportunidad y la suerte de compartir escena con grandes bandas de talla internacional. ¿Qué ha representado esto para Alex Montenegro?

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En realidad sí he tenido la oportunidad de compartir escenario con grandes bandas y músicos, que se ha convertido en haber logrado parte de lo que sólo era un sueño. Recuerdo dos en especial. Cuando yo era tan sólo un niño de 11 años y escuché Rata Blanca, Barón Rojo y Kraken, quedé enamorado de su música, y jamás pensé que unos años más tarde terminaría tocando en el mismo escenario con ellos, lo cual fue una experiencia muy gratificante e inolvidable.

También he compartido con otros grandes como Saratoga, Kronos, Woslom, Nargaroth, Inquisition, Incantation, Sagros, Dekapited, Angeles del Infierno, Tren Loco, y Destroyer 666 entre otras. Y también tuve el gran gusto de tocar como solista junto al gran guitarrista colombiano Tom Abella. ¿Cuál es tu opinión sobre tu gobierno? ¿Crees que va en el sentido correcto o crees que, como otros países de la región, está yendo en el sentido equivocado?

Desgraciadamente, este gobierno está regido por un montón de ladrones a los cuales no les importa el pueblo, y eso no es novedad.

Estos problemas de corrupción ya vienen desde años atrás, y acá, con el temita del fútbol y otras glorias vanas que no nos sirven para nada, duermen y amenazan a más de uno.

Este país va en el sentido contrario definitivamente, y cuando sobresalen personas que quieren ponerlo en el buen sentido, lo mandan a descansar en paz. ¿Cuáles son los planes que tienes para Alex

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Dark Bullet y para las otras bandas en las que te encuentras involucrado?

Generalmente son los de dar a conocer la música y el talento que se encuentra oculto en nuestra ciudad de Pasto, Colombia, por lo cual en mis canciones también invito a otros músicos de la región. Y expandir esta cultura y este arte a cualquier parte del mundo donde sea posible llegar.

Gracias por atender la entrevista!

Gracias a ti y a todo tu equipo por interesarse en todo mi trabajo, por la entrevista y por el espacio que me brindaron. Seguiré trabajando árduamente para todas las personas que nos apoyan, porque sin ellos no seríamos nada.

Y a mis colegas músicos les digo que no dejen que nada ni nadie les arrebate esa pasión que nos une a todos como músicos, y que sigan luchando por crecer cada día más, y lograr sus metas.

Un saludo para todos, y muchísimas gracias a todos los que han colaborado y apoyado estos proyectos en general. ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

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osamu

talento y rock and roll

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roveniente de una familia de artistas, Osamu creció rodeado de música, cámaras, e instrumentos musicales. Es entonces cuando decide estudiar guitarra y lanza su carrera musical.

Gracias a eso, hoy Osamu es un gran músico y una excelente persona, que resalta no sólo

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por su talento, sino por su manera de ser y de llevarse con el público. Osamu Menéndez es uno de esos músicos que vive agradecido de la vida, de la familia, de los amigos y de su público. Todo el que lo conozca enseguida notará que es una persona súper genial.

Es por eso que decidí contactarlo para entrevistarlo, y aquí está el resultado. Una extensa entrevista en la que Osamu nos cuenta, con detalles, todo lo relacionado con su exitosa carrera musical y también nos desvela aspectos nunca antes dicho.

Osamu, talento y Rock and Roll Osamu, provienes de una familia artística.

Cuéntanos, ¿cómo fue crecer en un ambiente familiar totalmente distinto al de los demás niños?

Bueno, yo nací en Luyano, y me crié en Lawton, un barrio de La Habana. En esa época, como cualquier otro niño, lo que más me interesaba era montar chivichana, tirarme por lomas y hacer cosas de niño: jugando en la calle, en charcos y como un poco rebelde a todo lo relacionado con el arte.

Mi mamá era actriz y mi papá es músico, y como siempre estaban ensayando, pues tenía que ir a los ensayos y a las presentaciones de las obras de teatro de mi mamá, y eso me agobiaba un poco, pues como niño no tenía ganas de estar viendo una obra de teatro todos los días, la misma, de martes a domingo, que era cuando se hacía teatro aquí en Cuba.

Por aquel entonces, mi papá tocaba en Experimentación Sonora, un grupo en donde también estaban Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Amaury Pérez y Leo Brower, todos excelente músicos, y también tenía que ir a esos ensayos. Y como te comentaba, yo lo que quería era jugar como todos los demás niños.

Eso hizo que quisiera alejarme lo más posible de todo eso, incluyendo la música. Pero cuando tuve 8 años fui a New York a visitar a mi abuela, que en aquel entonces vivía allá, y ahí empecé a escuchar la música que oía mi abuela: Blues, Jazz, y algunos discos de The Rolling Stones, música que me empezó a llamar la atención, pues era algo diferente a lo que escuchaba aquí en Cuba.

Al regresar de ese viaje les dije a mis padres que quería estudiar guitarra, y rápidamente hice las pruebas en las Escuelas de Música Manuel Saumell y Alejandro Garcia Caturla, ésta última me quedaba más cerca de la casa.

Al poco tiempo me aprobaron, e hice el nivel elemental como guitarra clásica, que es lo que se estudia en la Caturla.

Después pasé el nivel, y me gradué de Nivel Medio Superior en Guitarra Clásica. De manera general, ésta fue mi infancia, nada que ver con la de los demás niños.

Osamu, ¿pensaste en algún momento de tu vida dedicarte por completo a la música, o tenías otras aficiones que te interesaban?

Bueno, cuando uno se involucra con un instrumento y empieza a ver videos y cosas así, pues te llama la atención.

En los 80 había un guitarrista llamado Yngwie Malmsteen, que cada vez que salía al escenario y veía cómo tocaba la guitarra, me frustraba mucho, y me alejé por meses de la misma pues pensaba que nunca en mi vida podría tocar la guitarra como él.

Entonces me di cuenta que había otros caminos y maneras de expresar lo que uno siente con la música y las cosas que uno quiere expresar con la guitarra, y que existen otros guitarristas como Jimmy Page, como Eric Clapton, como Jimmy Hendrix, y como Yngwie Malmsteen.

Gracias a ellos me influencié ,y sigo admirando a Jimmy Manstew como uno de los dioses de la guitarra. Y bueno, gracias a Dios me pude encaminar por mi propio estilo, y así me di cuenta que podía mezclar la síncopa cubana y el conocimiento que tengo de los ritmos cubanos a la hora de hacer los solos, y uso muchas notas que usan estos grandes guitarristas, y así le añado ritmos a la música cubana.

A pesar de usar notas de estos guitarristas, nunca he tratado de imitarlos y así tener mi propio estilo. ¿En algún momento sentiste que tu familia no te apoyaba, o todo lo contrario?

Mucha gente pensaba que como yo era hijo de músico, mi padre iba a la escuela y hablaba para que me aprobaran. Pero no fue así.

Cuando tenía que hacer un examen de guitarra, lo hacía con el mismo rigor que los demás.

Era sencillo: o tocas o no tocas. Si tocabas LaCarne Magazine

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bien, te aprobaban, y si no, pues no pasabas. ¡Así de sencillo!

Cuando hice los exámenes de nivel elemental y nivel medio, pude entrar en la Escuela Nacional de Arte, pues en aquel entonces obtuve el segundo lugar en el escalafón a nivel nacional. Si no, no lo hubiera podido hacer, y eso es un examen que le hacen a todos por igual, sin importar quiénes fueran tus padres.

Además, a lo largo de mi carrera y en todos mis discos solamente uso mi nombre y nunca he usado mi apellido, ni el de mis padres ni el de nadie. Además, nunca he tocado en el grupo de mi papá. Todo esto para crear mi propio sello musical y mi público.

En el 2006 decides iniciar tu carrera en solitario. ¿Cómo fue al principio? ¿Te resultó difícil armar tu propia banda?

Bueno, al principio es como todo, pues la gente te miraba y decía: “mira, ahora éste va a cantar”, y a veces lo más difícil es que esas mismas personas te acepten cuando empiezas a hacer algo diferente.

Pero para mí era muy emocionante y fascinante. Estaba lleno de adrenalina y por todo lo alto, pues había descubierto en mí cosas que nunca había sentido: componer canciones, escribir letras y música, la emoción de verme cantando mis propios temas y de artistas que admiro...

En mi primer disco incluí dos covers de Carlos Valera, una de X Alfonso, dos de Iván Latour y, como te decía anteriormente, la emoción de componer y cantar mis propias canciones y de artistas que admiro, y escuchar cómo se reproducían en la radio, y que estuvieran en un disco y que éste fuera sacado en México, un lugar bastante difícil donde hay muchas personas tratando de hacer música. ¡Era tan emocionante todo eso, que no sientes si es difícil o no! Es como cuando te subes a surfear encima de una ola: estás ahí viendo a ver cómo es y divirtiéndote. ¿En qué te inspiras a la hora de componer

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tus canciones? ¿Sentimientos? ¿Amistad? ¿Amor? ¿Familia? ¿Amigos?

Pues algo que me pase de repente, o algún pensamiento que tenga sobre algo que está pasando en la vida. Normalmente, en mis canciones hablo sobre cosas que me gustaría hablar con una mujer o con un amigo.

No soy metafórico a la hora de escribir. Trato de hablar en mis canciones como estamos hablando ahora. Eso sí, siempre trato de buscarle la parte divertida, que los finales de las canciones siempre sean optimistas aunque la canción hable de algo triste.

Cuando escribí Ven a mi vida que va de maravilla fue un momento muy difícil en mi vida.

Estaba en el mundo de las drogas, un mundo oscuro del cual quería salir. Una de las canciones que más me ayudó fue escribir Ven a mi

traguito y no pasa nada.

Fue a partir de ese instante que empecé a componer canciones, a hacer realmente lo que soy ahora. Un artista bastante fructífero: tengo 5 discos, 2 DVD’s e infinidad de video clips. También tengo una banda donde hago mi propia música, otra donde hago covers, tengo una banda aquí en Cuba y otra en Miami. Como ves, no paro de trabajar y hago lo que me gusta. ¿De dónde saca Osamu tiempo para hacer tantas cosas: atender a tus bandas, tanto en Miami como aquí en La Habana, tu programa de televisión en Miami, tus viajes a Cuba una vez al mes, así como dedicarles tiempo a tu familia y amigos?

Eso me dice mi papá: yo no sé como tú lo logras, pero veo que lo logras. La verdad, no sé.

Creo que se debe a que me reúno con personas talentosas que respetan mi trabajo, y yo el de ellos.

Pienso que los seres humanos nos diferenciamos de los animales pues nos comunicamos y entendemos las cosas. Creo que cuando hay buena comunicación, y cuando sabemos a dónde vamos, es más fácil.

vida que va de maravilla, que era todo lo contrario. Esto de las drogas nunca se lo había contado a nadie, pues tengo hijos, familia...

Pero hace 16 años que me alejé de todo tipo de drogas, y estoy totalmente limpio.

Esto lo digo como forma de transmitir un mensaje para decirles a todos que al final las drogas no te llevan a ningún camino. ¿Te fue difícil librarte de las drogas?

Hubo un momento en que me estaba pasando eso, y yo dije: “tengo esta vida para ser productivo, para darle algo al mundo y a las personas que me rodean”. Y definitivamente las drogas no era el camino adecuado. Fue así que decidí dejar ese mundo oscuro, de una manera tajante. Aún no sé cómo lo logré, pero fue así. ¡Y felizmente llevo 16 años sin consumir! Claro, de vez en cuando me tomo un

Por ejemplo, hoy llegué de Estados Unidos, dormí cuatro horas, y vine aquí en la prueba de sonido, viendo algunos detallitos para después hacer dos horas de Rock&Roll aquí, en el Submarino Amarillo. Pero a pesar de que pueda haber detallitos insignificantes, la gente la pasa súper bien, y además estoy muy contento con la banda que tengo aquí en Cuba. ¿Por qué razón decidiste irte vivir a los Estados Unidos? ¿Oportunidades de trabajo distintas a las que te ofrecían aquí en Cuba? ¿Alguna otra razón?

Jajaja! Mira, no sé. A lo mejor la gente de Estados Unidos no comparten mi criterio, y yo también lo puedo entender. Yo no me fui para ningún lado, yo estoy en este mundo y me dejo llevar por las cosas y trato de subir por las cosas que me rodean.

A mi esposa, que es actriz, le ofrecieron un LaCarne Magazine

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trabajo en la televisión de Estados Unidos, y nos fuimos para allá a ver qué pasaba. Pues uno tampoco puede cerrarle las puertas a las oportunidades, y yo, como dice mi hijo: soy un sobreviviente. Yo, donde caiga, me las arreglo para armar mi Rock&Roll y ser feliz, y no me fui a vivir a ningún lugar.

que forma parte de mi vida y lo necesito hacer, y la verdad es que todo sale bien y fluye de maravilla.

Simplemente ahora estoy ahí, haciendo esto, y nunca he dejado de venir a Cuba en estos 3 años y medio que llevo viviendo en Miami. Todos los meses vengo y toco una o dos veces aquí, pues necesito estar en Cuba. Es algo

Me siento súper feliz en ambos lugares. Cada país tiene sus cosas buenas y cosas malas, igual que Cuba tiene sus cosas buenas y malas. Por eso, yo siempre trato de absorber lo bueno de donde estoy y sentirme bien. Es una

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Te repito: no me siento que me haya ido de Cuba y que no viva aquí, simplemente estoy en un lugar, y aun así pertenezco a mi país.

sola vida la que tenemos, y es lo que trato de hacer, de estar en el lugar que me sienta bien y haciendo las cosas que me hacen feliz, a mí y a mi familia.

Siempre tratando de olvidar la parte política, aquello que te dicen de que eres de aquí y de allá, a mí pueden ponerme el cartel que quieran. Yo soy el mismo que nací en Luyano, que me críe en Lawton, que viví en Playa, y ahora estoy viviendo en Miami. También estuve viviendo 10 años en México, y aun así, nunca dejé de venir a Cuba.

Osamu, hablemos sobre tu último disco, “Mandala”, y que saliera hace unos meses. ¿Cuántas canciones trae? ¿Dónde se grabó?

Sí, el disco se grabó tanto en Miami como aquí en Cuba. Aquí hice un tema con José Luis Cortes y su orquesta NG La banda, que se llama Chaca chaca en la azotea.

Hice este tema pues José Luis es uno de mis músicos cubanos preferidos, y, aparte de hacer y tocar Rock, la música cubana siempre me ha influenciado mucho, y dentro de la misma, agrupaciones como NG La Banda y los Van Van, y eso es algo que siempre ha caracterizado la sonoridad de mis canciones.

De hecho, el disco “Mandala” tiene 10 temas incluidos, y dos temas del disco anterior titulado “Cuarta Temporada”, ya que el mismo no salió aquí en Cuba.

Próximamente “Mandala” saldrá en Cuba bajo la disquera BisMusic, y está disponible en todas las plataformas musicales de Internet.

El video del tema “Mi Vida Loca” acaba de ganar un premio internacional, el Global Music Award, lo presenté en el Grammy Latino y el Grammy Americano, en donde estuvo prenominado el año anterior.

Así que espero que este nuevo disco “Mandala” tenga mejor suerte y sea bien recibido en los Grammy, aunque es muy difícil que te nominen, pues hay mucha competencia y no poseo el respaldo de ninguna disquera internacional. Es todo producido de manera independiente, pero aun así te das cuenta que te

tienen en cuenta y eso me hace feliz. ¿Cómo crees que el público cubano recibirá el disco de Osamu una vez salga al mercado y lo tengan en sus manos?

Yo hice este disco pensando un poco en la gente que está en la casa jugando dominó y pone música para entretenerse. Las 6 primeras canciones sirven para eso, para ponerlas de fondo en una fiesta y compartir con los amigos. O por si quieres bailar con esa música.

En resumen, es un disco hecho para los cubanos. Tiene géneros como Reggae, Funky, Salsa, y sobretodo música cubana. Después hay un tema súper relajante que se titula Mandala 69, que es para relajar, para meditar y cosas así. Ya para el final del disco vendrían los temas más fuertes, más rockeros.

Y es eso. Las personas pueden disfrutar el disco donde sea y a cualquier hora. Eso se ve reflejado en mi estado de ánimo. Si quiero levantarme, pues escucho música fuerte; si quiero relajarme, escucho algo más suave y también escucho música cuando comparto con los amigos y familia.

En fin, es un disco para disfrutarlo y gozarlo!

Es un disco que ha tenido tremenda suerte, pues la mayoría de los temas tienen videos. El primer video es Mi Vida Loca, y después está Dame tu Amor, tema que hice con Orlan Max (un músico angoleño que estuvo viviendo aquí en Cuba). Ya está a punto de salir el video del tercer tema, que lo hice con Vanito Brown.

Después está el video de Chaca Chaca en la Azotea, junto con José Luis Cortes y NG La Banda. También está el tema Tu y Yo, que lo hice con Yori Gómez, mi esposa, y es un tema de cuando ella estaba embarazada, y quisimos reflejar nuestro amor.

También está el video de No more dar, video que nunca pensé en hacer pues es un tema bien duro y que trata sobre la guerra, pero gracias a los que pusieron imágenes a este video quedó bastante bien. En resumen, es un disco que ha tenido un gran éxito.

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Además, incluí dos temas adicionales que son Burbuja Feliz y Ya no más, junto a David Blanco, otro genial músico cubano. Ambos temas tienen videoclips que han obtenido premios en Lucas (un programa dedicado exclusivamente a la música cubana).

para promocionarlo?

El disco ya está firmado por BisMusic, la casa discográfica a la que pertenezco ya hace algunos años. Estoy muy agradecido con ellos de que me tengan en cuenta dentro de su gran catálogo.

¿Cómo ha sido recibido el disco de Osamu por el público de otros países? ¿Has podido interpretar los temas en tus presentaciones habituales en Miami?

Yo lo que hago es tratar de combinar mis canciones con covers, pues muchas veces quienes van a verte no conocen el disco entero, pero hay 5 o 6 canciones que les pueden llegar y que pueden conocer, y los mezclo con canciones que se asemejen a la sonoridad de los temas del disco.

En cuanto a la fecha de salida física al mercado cubano, eso depende de planificaciones internas del sello. Así que pronto las personas lo podrán disfrutar.

Ahora tengo en la banda a Dianela de la Portilla, que es cantante y fundadora de la banda Los Boys, y que actualmente vive en Miami.

Ahí estoy incluyendo un tema de su autoría, y que funciona de maravilla. Es un funky en inglés y español, y que suena de maravilla.

Como soy fan del Barcelona FC, siempre estoy tratando de que en la banda todos se sientan figura importante del grupo, y a la verdad estoy súper contento de tener a Dianela, ya que toca el piano, canta en la banda, y hace sus temas y covers. También tengo a Yori Gómez en la voz principal. Como baterista tengo a Elvis Garcia, que también canta. Y así es mi banda actualmente. ¿Dónde se puede obtener el disco? ¿Está disponible en tiendas online?

Sí, eBay, en iTunes. Sé que hoy en día es bastante difícil que las personas compren discos por Internet, pero tengo la esperanza. Cada canción cuesta $0, 99, y si quieren sentir que apoyan a los músicos que seguimos siendo músicos, por favor compren mi disco.

No es por el simple hecho de gastarse el dinero, sino el apoyo que nos brindan para poder seguir haciendo música, pues en cualquier momento la música puede morir.

En el caso de Cuba, ¿cómo serían los planes

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Osamu, dinos, ¿qué diferencias hay entre “Mandala” y tus otros discos anteriores?

Siempre que termino un disco noto que he mejorado como productor, pues mis discos los hago yo. Pero la sonoridad siempre ha sido bastante similar y diferente, tratando siempre de que ningún disco se parezca al anterior.

Casi siempre las diferencias son pocas. A lo mejor en este disco te gustan canciones que en otro no, y viceversa. Siempre trato de hacer lo que me gusta, y la verdad es que estoy súper feliz con eso.

Aparte de “Mandala”, ¿qué otros planes tienes para este año, Osamu? ¿Alguna gira por Cuba? ¿Algún nuevo material?

Bueno, pues muy pronto debe estar listo el video con Vanito Brown. En cuanto a mis planes, seguir tocando y llevar mi música a todas partes.

En cuanto a giras, ya he hecho dos anteriores, y si se diera una tercera gira con “Mandala”, pues dejaría todo lo que tengo de trabajo, pues no hay nada más satisfactorio que ir por cada rincón del país llevando tu música al público cubano. Pero te digo, habría que esperar a ver. ¿Qué es para Osamu el Rock?

Es la adrenalina que me mueve. Es un tipo de música, pero a mí es la que me toca los sentimientos. En mi caso, el Rock es la música que logra tocarme donde me gusta.

Bueno, Osamu, creo que esto es todo. Te deseo éxitos y felicidades en tu carrera, y mucha suerte con tu nuevo disco.

De verdad que agradecerle a la vida y a La Habana, Cuba; a las personas que me quieren, como ves esta noche; mis amigos mĂşsicos, que soy fan de ellos, se suben al escenario a cantar conmigo y eso es algo que me hace feliz; y sobre todo venir a Cuba a compartir mi

mĂşsica con mis amigos y seguir haciendo lo que he hecho hasta ahora. Âś

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Sadistic Rot

antigua esencia del Death Metal

S

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adistic Rot es una banda colombiana de Old School Death Metal fundada inicialmente con el nombre de Sadistic. Cuentan con un demo titulado “Desire For Revenge” y un single del 2016 de la canción “Morbid Nightmare”.

Han podido compartir escena con importantes bandas. Dos de sus integrantes se ocupan de responder la entrevista. Ellos son Mario Montenegro y Dante Toro “Alcoholic Agressor”.

Sadistic Rot, antigua esencia del Death Metal Saludos, y, antes que nada y para que los conozcan nuestros lectores, ¿quiénes integran la banda?

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¡Saludos! Nuestra banda está conformada por Mario Montenegro (guitarra y voces), Fernando Collazos (guitarra líder), Dante Toro (bajo) y Adrián Toro (batería). ¿Cuándo y cómo se forma Sadistic Rot y qué los motivó a crear una banda de este tipo de música?

La banda se fundó en el año 2012 por Mario Montenegro y Fernando Collazos, motivados e influenciados por el sonido de las viejas bandas de Thrash y Death Metal.

Sadistic Rot es una agrupación que ya ha podido presentarse en público, y ya han compartido escenario con varias bandas. ¿Cómo se logró esto? ¿Con quiénes han compartido escenario?

Esto se logró gracias al apoyo de la escena metalera local hacia la banda, dándonos a conocer con diferentes organizadores de eventos, y así hemos podido tener el gusto de compartir escenario con bandas como Dekapited, Woslom, Extinger, Sagros, Sobibor, y próxi-

mamente estaremos compartiendo escenario con la banda Inquisition.

formación más adecuada y estable, como lo es ahora.

¿Qué elementos particulares piensan que los distingue en su propuesta de old school death metal? ¿Cuáles han sido sus influencias principales?

Nos distingue nuestro sonido y estilo de componer e interpretar la música que rescata la antigua esencia de las bandas de Death Metal que nos influencian, tales como Hypocrisy, Cancer, Pestilence, Immolation, Benediction, Entombed.

Coméntanos de estos dos primeros trabajos, el demo y el single. ¿Están disponible estos materiales?

Actualmente no debido a que fueron producciones independientes y sacamos poco material, y posteriormente publicamos las canciones.

Hay bandas que sacan EP’s, álbumes y splits con gran frecuencia. Sadistic Rot en estos 5 años sólo tiene un demo y un single. Ahora, ¿por qué se han demorado en lanzar su primer álbum? ¿Cuál ha sido ese factor que ha impedido este cometido?

La razón por la cual la banda ha tardado tanto en el lanzamiento de la primera producción fue la inestabilidad de integrantes que se tuvo por algún tiempo, como proceso de encontrar la

Tengo entendido que están en proceso de grabación de lo que será su primer álbum. ¿Para cuándo estará este disco? ¿Qué título tendrá, cuántos temas…?

Aproximadamente el disco estará completo y disponible a finales de este año o principios del próximo, con el título de “Morbid Nightmare”, el cual constará de 10 canciones. ¿Lo editarán mediante alguna discográfica o será de forma independiente?

La grabación se está llevando a cabo en Bizarre Records Entretainment, la distribución LaCarne Magazine

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y prensado se llevará a cabo por el sello local Diabolic Productions.

Imagino que luego que saquen el disco lo promocionarán y presentarán por todo el país. ¿Qué planes tienen para esto de la promoción?

Tenemos pensado hacer una gira nacional promocionando el lanzamiento de nuestro primer álbum, y de esta forma presentar nuestro material al resto del país.

Sus temáticas están inclinadas al morbo, canibalismo, asesinos seriales, sadismo, violencia, terror… ¿Por qué hablar de estos tópicos cuando hay tantos problemas sociales en la actualidad que bien se pueden reflejar en las letras de los temas?

La razón de nuestras temáticas están inclinadas a estados alterados del ser humano, y es porque nos sentimos atraídos por estos temas y tenemos una imaginación morbosa, pero no se debe tomar a más en serio que un filme violento.

Aproximadamente 5 años de vida lleva la banda, ¿qué tal la recepción del público y los medios hacia la banda?

Hasta ahora hemos tenido una gran acogida por parte del público y la escena del Metal, más ahora que estamos en el momento más activo de la banda.

A propósito de los medios, ¿crees que existe

la suficiente difusión de material colombiano en TV, radio, prensa escrita?

Creemos que existe una buena difusión en el Metal colombiano, sobre todo por medio de radio (La Cortina de Hierro) y prensa escrita como son los zine’s (Hellzine, Subterráneo, 666 Black Vomit).

Con relación a la alineación, ¿están de lleno a la banda o algunos de sus integrantes tienen proyectos o bandas paralelas?

Tres de los integrantes tienen proyectos y bandas paralelas: Mario Montenegro con Reptile y Cabra Negra, Dante Toro con Seddim y Command Of Hate, Adrián Toro con Command Of Hate, y el guitarrista Fernando Collazos está de lleno en la banda.

Cuéntanos qué opinión te merece la actual escena del Metal colombiano, ¿y puedes recomendarnos 2 o 3 bandas de tu país?

Con respecto a la actual escena colombiana podemos decir que aún prevalece la esencia real del metalero, ya que podemos ver que todavía se promueve el culto al verdadero Metal, aportando a las bandas y apoyándolas. Bandas locales que recomendamos son Planta Cadáver, Masacre y Cataleptic.

Planes y proyectos que se viene para la banda durante lo que queda de este 2017. ¿Y para el venidero año?

Por el momento, la mayor prioridad es el lanzamiento de nuestro álbum “Morbid Nightmare”, y dar a conocer aún más nuestro material y nuestra propuesta, además de las diferentes presentaciones que se vienen para este año.

Desde ya, gracias por participar en la revista.

Agradecemos a todas las personas que hacen posible este magazine, brindándonos este espacio para expresarnos y darnos a conocer.

Queremos mandar un saludo a todos los Metalmaniacs y fieles lectores de los fanzines y magazines de parte de Sadistic Rot. Metal Till Death. ¶

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ameba

Rock contestatario desde el oriente boliviano la amistad de siempre.

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uiénes conforman Ameba?

Está conformada actualmente por Rodrigo Camacho (Vocalista), Joaquín Camacho (guitarra), Álvaro Irahola (guitarra), Federico Meneses (bajo) y Juan Murillo (batería).

Por la banda pasaron varios músicos y amigos como pueden ser: Jorge Conejo Urquiza, Hugo Urquiza, Jorge Barba, David Tube, Pocho Rocha, Ludwig Salas, Sergio García, por mencionar algunos. Ellos siempre están dispuestos a darnos una mano. Conservamos

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¿Hace cuánto que se formó la banda Ameba?

Ameba nace como proyecto el año 1996 y se consolida como banda el 2000, que es cuando comienza el trabajo de estudio, discos, promoción, etc. ¿Por qué eligieron el nombre “AMEBA”?

Simplemente porque necesitábamos un nombre. A diferencia de otras bandas, no hay un significado que envuelva la historia del nombre.

No nos sentamos a pensar qué queríamos llamarnos, ni a buscar algún denominativo que tenga algo que ver con nosotros. Simplemente un día dijimos. ¿Y cómo nos vamos a llamar?

Entonces a alguien se le ocurrió Ameba, y así se quedó. Un nombre difícil de olvidar. ¿Cuál fue la motivación para formar Ameba?

Sobre todo por la música y por la inquietud de expresar lo que el ser humano puede sentir ante distintas circunstancias de la vida.

En su mayoría, nuestras letras son contestatarias y cuestionan el comportamiento del ser humano como tal,en diferentes campos de la vida: aspectos políticos, sociales, relaciones personales, la vida y la muerte. ¿Cuáles son sus referentes musicales a nivel internacional y nacional?

Dentro de la banda, cada integrante tiene un estilo musical que deriva de sus propios gustos o sus propias influencias, pero, en general, fue el Rock de mediados y finales de los 90’s, que definió lo que llamaríamos Rock Alternativo más adelante. Algunas fusiones de Funk muy leves en nuestros inicios y nos inclinamos bastante hacia un sonido sólido, con carácter propio.

En Ameba siempre tratamos de que nuestros temas y nuestros discos sean lo más originales posible, tratamos siempre de mantener una esencia propia, tanto en los discos como arriba de un escenario.

A muchas personas les es difícil encasillar a Ameba dentro de un estilo, y si uno escucha los discos, la fusión de aportes por parte de cada integrante es evidente. ¿Qué discos sacaron a la luz hasta el momento?

Disco “Grandes Éxitos”, Disco Doble “Otra Vez”, DVD en vivo del Festival Fundando Santa Cruz y el Disco “Peligro Humanos Cerca”.

Las letras parten de Rodrigo Camacho. La parte musical la trabajamos en conjunto sobre la idea base de la letra y lo que ésta trata de transmitir. ¿Hay algún tema específico que traten de reflejar en sus composiciones?

Las canciones que hacemos en Ameba son contestatarias, el tema político está muy presente.

Siempre tratamos de decir lo que pensamos, reflejando el hecho de que en nuestro país la mentira más grande es decir que todos somos iguales ante la ley.

El hecho de tener imágenes que denuncian el abuso de poder, abuso policial y presentar al ámbito político como el circo sucio que realmente es, nos ha valido la prohibición y el veto a un par de videos en algunos canales de televisión, pero de todas formas seguimos siendo contestatarios. Entendemos la libertad de expresión como un derecho ineludible, y creemos que decirle la verdad a la gente es una obligación.

Todo aquel que tenga los medios para hacerlo, tiene que hacerlo. ¿Cuál creen que es la delgada línea que divide el fracaso del triunfo para un músico en Bolivia?

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Para lograr algo como músico en Bolivia se debe trabajar de la misma forma que en cualquier trabajo: con dedicación, tiempo y empeño para poder mejorar la calidad de aquello que quieres llevarle a la gente.

En Bolivia no contamos con una serie de eslabones vitales en la cadena de producción nacional (hablando de la música), y por este motivo hay más trabajo que hacer para lograr algo en este rubro. Sin embargo, vemos muchas bandas que están en ese camino y siempre aparece alguna que está logrando algo más, e indudablemente, eso abre nuevas oportunidades a las demás bandas.

El Rock boliviano siempre ha sido bueno.

Desde sus inicios hasta el día de hoy tenemos muchos exponentes como siempre, remando contra la corriente y dando pelea sin rendirse.

Por otro lado, están las ideas ridículas de muchos que hablan todo el tiempo de que el rock no debe ser comercial, que si saliste en alguna

radio, te dicen “ya te vendiste” y barrabasadas de ese calibre. Ésta es justamente la historia de aquellos que nunca logran nada más interesante que sus propias ideas, para ellos y nadie más. Éste es el motivo más grande para que alguien con talento desperdicie toda su vida siendo un músico para él y sus cinco amigos. La mentalidad cerrada es el enemigo más grande de un artista. ¿Cuál es su meta como banda?

Lograr llevar nuestro mensaje contestatario a través de nuestra música a más personas, y seguir produciendo discos bajo la misma convicción.

Pero más allá de eso, el objetivo que nos mueve es contribuir a que el Rock nacional boliviano (que tiene un carácter muy propio como tal) trascienda nuestras fronteras, ya sea música de nuestra banda o de cualquier otra.

La gente en nuestro país debería escuchar mas rock nacional, comprar más discos, ir a más conciertos… Creemos que ya ha quedado demostrado que mucha de la música que viene de afuera con modas efímeras y pasajeras es muy mala.

Hay mucha gente que está perdiendo la capacidad de escuchar una canción y poder diferenciar las cosas. En las canciones de moda y en los videos de estos “artistas”, escuchamos todos los días letras que promueven la violencia de género e insultan a las mujeres presentándolas como objetos sexuales sumisos y desechables, y lo más lamentable es que ahí está la gente bailando una canción al son de sus verdugos sociales. ¿Cómo definirían la acogida de la música Rock en Santa Cruz?

Actualmente no está en su mejor momento, ha tenido mejores días. Pero creemos que es como todo: ciclos que se cierran y dan lugar a otros nuevos, bandas que aparecen y luego se esfuman… Van quedando pocos, que casualmente son esos pocos que siempre estuvieron.

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La experiencia nos ha enseñado que cada cierto tiempo el Rock nacional recupera su auge, se mantiene un tiempo y luego baja.

Cuando parece haber bajado, no es que esté despareciendo, casualmente durante ese lapso es cuando las bandas se meten a los estudios, componen, crean arte, planifican sus estrategias y vuelven con discos nuevos, propuestas cada vez más interesantes, conciertos y presentaciones.

El Rock en sí siempre tiene una acogida interesante por parte del público. A veces mayor, a veces menor. Lo difícil es mantener la

constancia por parte del artista para no perder vigencia. ¿Tienen alguna anécdota que les gustaría compartir?

Bueno, un día, uno de nosotros, escuchando la radio de música bailable en el transporte público, escuchó una versión cumbia de un tema nuestro llamado “Siento”. En lugar de molestarnos, nos hizo dar cuenta de la influencia que muchas veces puede uno llegar a tener como banda ante otros géneros. ¶

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Alice in Hell

un grito de ira hecho en Venezuela Carne Magazine.

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lice In Hell es una banda de Venezuela, que se inicia como un proyecto influenciado por las tendencias extremas de la década de los noventa.

Actualmente, la banda se encuentra en plena promoción de su tercera placa discográfica, “El Descenso: Furia, Miedo, Hostilidad”, la cual ha sido muy bien recibida por los medios nacionales y a nivel internacional con mucha receptividad, ofreciendo formidables reseñas sobre el nuevo disco de la banda.

Uno de sus fundadores, el guitarrista Bertrand Cape, responde la entrevista para La-

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Ante todo, gracias por su tiempo y por darnos el privilegio de esta conversación. ¿Deseas decir algo antes de iniciar esta entrevista?

Bueno, primeramente un saludo a toda la peña metalera de España. Muy contento por compartir un poco de nuestra banda con ustedes y con nuestros amigos de LaCarne Magazine.

Mi nombre es Bertrand Cape, guitarrista de la banda Alice In Hell.

Bien, tengo entendido que sus inicios fueron en el 2005. ¿Qué nos puedes contar de aquellos inicios de la banda?

Sí, nos formamos en el 2005 acá en Valencia (Venezuela). Ya traíamos cierta experiencia de otras bandas en las que compartimos varios de los miembros que formamos Alice In Hell.

Fue un inicio como todos, fuerte, de lucha,

aunque ya mucho de lo que queríamos hacer estaba bastante adelantado y planeado.

Hemos aprendido con el pasar del tiempo a reconocer lo bonito y nutritivo de aquellos días. ¡De verdad, geniales! ¿Cuál es la principal razón por la que formaron Alice in Hell?

La principal razón fue la necesidad de romper un poco con lo que se hacía acá en esa época, hacer algo bastante original, crear música sin restricciones, sin perseguir lo que estaba en boga, hacer un enlace lógico entre crear música que nos gustase y que gustara al oyente, crear un sonido que nos identificara con el pasar del tiempo a primera escucha. Y de verdad, pensamos que poco a poco lo hemos ido materializando.

En el 2006 sale su primer trabajo, el EP “Obsoleto”. ¿Cómo fue la percepción del medio hacia él? ¿Este trabajo ya mostraba el potencial de la banda o sólo fue una prueba de lo que podían hacer?

Mira, la percepción fue bastante positiva. Para esa época el sonido de grabación era buenísimo, jajaja (luego nos dimos cuenta que el desastre era algo grande), pero el material sonaba muchísimo mejor que el de muchas bandas que en esa época despuntaban en nuestra ciudad y el país.

En cuanto a los temas, resultaron bastante bien, gustaron bastante. Tanto así que cuando grabamos ese EP sólo teníamos esos 3 o 4 temas, y tocar en vivo era comiquísimo porque salieron fechas enseguida y sólo teníamos esos temas perfectamente acoplados, y el resto estaba en proceso de ensayos y ensamble.

Eso nos hizo empezar a trabajar con más precisión y constancia. Recuerdo perfectamente que éramos bastante jóvenes y algunos no teníamos empleos, y fue una locura costear los gastos. Inclusive la portada es la mano de la hermana del ex bajista y fundador, pintada con marcador rojo, jajaja.

Pero no nos importó mucho, sentíamos que la música compensaba ese detalle. Aparte, creo

que nos ayudó la buena fe en nosotros mismos, era muy poco lo que podíamos costear económicamente, pero el sacrificio lo valió, la gente como que obvió ciertos detalles y se centró en escuchar y gustó, y nos ayudó mucho. Nos costó bastante sacar esas 50 copias, el resto lo hicimos por internet.

Su siguiente trabajo fue otro EP, “Corazón, Sangre y Entrañas”. ¿Qué nos dices del mismo?

En ese EP ya teníamos un poco más de experiencia. La banda sonaba muy bien, había temas mejor elaborados que en el anterior trabajo, había un nuevo vocalista, se mostraron nuevos elementos en la banda a la hora de componer... Influyó también la parte monetaria porque invertimos lo que teníamos en mejorar nuestro equipo: guitarras, bajos, platillos, etc…

La grabación la hicimos con un amigo que en ese entonces se aventuraba en el mundo del audio, y apostamos por él porque no disponíamos de mucho dinero. Aparte, uno de esos días de grabación chocamos el carro del bajista y hubo que repararlo jajajaja. Grabábamos hasta las 12 de la noche y salíamos a loquear por la ciudad, y pasó factura.

Los temas estaban mucho más elaborados.

La receptividad se incrementó al igual que la actividad en vivo, empezamos a tocar en festivales algo grandes, frente a más público... Fue una época genial. Pudimos enviar algunos ejemplares del EP a Hungría con un amigo nuestro que estaba en esas fechas por acá en ese momento (él formaba parte de una banda algo famosa de ese país).

Con estos dos EP, su música comenzó a ser rápidamente conocida en el circuito metalero de su país. ¿Cuáles crees que fueron los factores por los cuales Alice in Hell despertó el interés en los metaleros venezolanos?

Bueno, siempre he pensado particularmente que la honestidad a la hora de hacer los temas se notó, siempre. Dentro de lo que cabe, nos hemos empeñado en tener un buen sonido, aún por encima de las pocas posibilidades y accesibilidad de presupuesto que teníamos.

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Siempre he pensado que la gente apreció el sacrificio que se hacía y aún se hace. Desde el inicio hemos tenido la autocrítica entre nosotros y la sinceridad para decidir cuándo hacemos algo bien y cuándo debemos aceptar que algunos temas no lo están, y así hacer la mejor elección.

Aparte, Alice in Hell siempre ha tenido buen directo, siempre nos empeñamos en ensayar religiosamente y eso da sus frutos. Aunque como todos, han pasado algunas malas noches. También hemos visto que la gente se ha identificado con nuestras líricas, pero por encima de todo creo que ha influido la sinceridad y honestidad que caracteriza a la banda.

Luego le siguieron sus dos primeros álbumes, “The Black Death” en 2008 y “Pilgrim of Hate” en 2012, los cuales le dan más prestigio y consolidación a la banda en la escena nacional.

Por favor, cuéntanos con más detalles sobre estos trabajos. Es decir, concepto, creación, diseño, críticas, distribución…

Con “The Black Death”, nuestro primer disco, había bastante creatividad dentro de la banda, aunque estábamos incompletos porque nos quedamos sin bajista y sin vocalista.

El primero, por asuntos personales bastante delicados que lo forzaron a dejar la banda; y el segundo, por cuestiones de estudios partió a Canadá. Aun así, el baterista y yo decidimos tirar adelante con el plan del disco y lo grabamos él y yo solos.

En mitad de la grabación encontramos a nuestro actual vocalista, que encajó a la perfección en la banda, la voz que necesitábamos (aparte como persona es lo máximo). Los temas ya estaban hechos, sólo faltaba que él grabara porque los bajos ya los había grabado yo, y el baterista ya había finalizado sus sesiones.

Los temas conservaban el sello de Alice in Hell pero había una enorme diferencia en comparación a los dos trabajos anteriores, algo que la gente agradeció muchísimo. Grabamos en un estudio donde yo laboraba, y aunque el sonido no quedó como queríamos,

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los temas tenían el potencial necesario para representar el resto del disco.

De verdad, nos encanta ese trabajo, el diseño corrió de la mano de nuestro anterior vocalista, ya hacía tiempo que se había elaborado.

Las críticas fueron buenísimas por parte de los medios especializados en el país, y uno de los temas fue escogido para formar parte de un compilado de bandas nacionales.

Recuerdo que hicimos muchísimas fechas como promoción del disco, la gente nos acogía muchísimo más, ganamos mucho en cuanto a sonido en vivo, las letras estaban basadas en experiencias personales, algunas un poco alteradas para darle más trama, pero en definitiva ese primer disco nos abrió muchas puertas.

Con respecto a nuestro segundo disco, “Pilgrim of Hate”, pues ese disco fue bastante complicado. Fue un disco conceptual, sobre el nihilismo, que nos cerró algunas puertas porque ciertos idiotas de radios acá en el país nos

la banda.

La promoción fue genial. Logramos sacar el disco con una disquera de acá que nos dio muchísimo apoyo publicitario, y a nivel de gestionar fechas, tocamos como invitados especiales en uno de los festivales más grandes de nuestra ciudad. Había un nuevo bajista y la banda logró refrescar un poco las tensiones.

La disquera logró meter el disco en tiendas en Bélgica, Turquía, Marruecos y Colombia. ¿Cómo es el proceso de creación de la banda? ¿De qué tratan sus letras?

Bien, el proceso de composición siempre ha sido bastante sagrado para nosotros. Bastantes etapas de pre-producción y filtro de crítica interna, aparte algo viciado porque ahora gozamos con un estudio de mi propiedad.

censuraron por el contenido lírico.

La portada del disco muestra una transición de Alice in Hell hacia terrenos más técnicos, un poco más Death Metal también. Eso hizo que el disco abriera la puerta hacia otro público que no habíamos logrado. Se diferenció mucho de lo que hicimos en el primer disco porque a nivel de sonido estuvo mucho más logrado.

Yo estuve en las mezclas, ya había culminado mis estudios de audio y decidí tomar algo de cartas en el asunto. Recuerdo que uno de los chicos de la banda me dijo: “o tomas tú algo de control en la consola de mezclas, o nos condenaremos a repetir las mismas mierdas” jajaja, y bueno, ganamos bastante con esa decisión.

Siempre lo veo como un disco raro: muy buenos temas pero algunas ideas siempre asumí que no supimos reflejarlas y plasmarlas bien para llevarlas a cabo como era debido. Aparte, había algunos problemillas internos dentro de

En este estudio nos reunimos a componer de manera más cómoda, y algo vagabunda, jajaja, porque al ser nuestro trabajamos a la hora que nos da la gana, el tiempo que nos da la gana. La tienda de licores queda justo en la esquina. Entonces, por cada 3 riffs buenos que surjan o unos buenos beats de baterías que fluyan, hay que ir a celebrar rápidamente y brindar con unas 11 cervezas para cada uno y varios cigarrillos jajaja.

Y cuando caemos en cuenta es de madrugada, estamos ebrios, y se nos pasó por alto que estábamos trabajando jajaja. Pero a la larga siempre prevalece algo de responsabilidad y seriedad en el trabajo, sentarnos con mucha paciencia a buscar el sonido deseado de los amplificadores, la afinación que deseamos en la batería, las líneas vocales y texturas de la voz, etc.

Con respecto a las letras, siento que hemos ido entrando en cada trabajo en una fabulosa atmósfera de ironías, desgracias, tragedias, oscuridad, crudeza y rabia que en cada disco se ha hecho notar mucho más.

Hemos aprendido bastante acerca de cómo escribir, y eso ha ayudado a que el mensaje llegue mucho mejor. Tratamos de evitar que los temas sean muy comunes por así decirlo, y LaCarne Magazine

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se ha hecho notar. Ha gustado bastante. ¿Cómo ven la escena de la música Metal en su país?

Ha ido decreciendo un poco, aunque hay un alto nivel en cuanto a bandas. Cada estado posee una cantidad inmensa de bandas con gran nivel, cada vez son más las bandas que salen y van logrando nuevas metas, con buena producción, poniéndole el empeño como debe ser.

Pero existe la contra parte a el esfuerzo que se hace, de parte de muchos organizadores, que van y están pendientes de que toques gratis y por 1 caja de cervezas, sin importarles cuánto cuesta el mantenimiento de equipos, ensayos etc. Les vale mierda porque sólo les importa lo que cobrarán de la entrada, la farsa y el protocolo para que toques en sus eventos, pero cuando llegas a mal negociar con ellos y

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llega el día del evento, el sonido es un asco, la atención a la banda muchísimo peor.

Aparte, muchos también mantienen una rosca de las mismas bandas siempre, y no se dan cuenta que aburren al público que va a ver siempre lo mismo, queman a las bandas y luego regresan chillando para que toques en sus eventos porque ya requemaron a su círculo de bandas.

No se dan cuenta que hay bandas que tenemos aguante y actitud, y que sólo se están poniendo ellos mismos el cañón en la boca.

Las bandas seguimos y sus organizaciones quiebran por ellos mismos. Aunque también hay unas pocas productoras y organizadores bastante profesionales con ganas de apoyar y con la visión correcta, con los que negocias y se llega a buen pacto. Son ese tipo de personas los que necesitamos, y se les aplaude.

mínimo a la banda directamente.

Actualmente, nuestra formación está bien sólida y compenetrada: Ricardo Jardines (vocalista), Jhonny Ramos (bajista), Jhonatan Villanueva (baterista), y mi persona, Bertrand Cape (guitarrista).

Alice in Hell y el éxito de “El Descenso: Furia, Miedo, Hostilidad” Su último álbum, “El Descenso: Furia, Miedo, Hostilidad”, ha sido muy bien recibido por los medios nacionales e internacionales. ¿A qué países ha llegado su música? ¿Cómo es que la banda ha logrado proyectarse tan lejos?

Sí, de verdad ha sido increíble todo con este reciente disco: la receptividad, los shows en vivo... La prensa nacional lo recibió de una manera increíble, aunque estaban algo hartos de esperarlo, jajaja, porque tardamos bastante haciendo este disco, pero valió la pena.

Ustedes han compartido tarima con reconocidas bandas de la escena internacional como Fear Factory y Testament. ¿Cómo lograron esto y qué ha representado para la banda?

Bueno, aparte del esfuerzo propio, y a fuerza de hacer las cosas lo más correcta posibles, se logró una por invitación y la otra por concurso.

El disco salió pegando bastante fuerte y a la mandíbula. Aparte, también tuvo muy buenas críticas en USA, Alemania, Francia, Bélgica, Argentina, Colombia, Brasil y Rusia. No lo podíamos creer, no porque dudáramos del potencial del disco, sino porque el disco salió de manera independiente, sin ningún sello detrás.

En los ratos libres revisábamos el correo de Alice in Hell y había gente escribiendo de otro país reseñando el disco, felicitándonos o pidiendo la información de la banda y los promos. Sólo colgamos un link de la descarga en el Facebook oficial de la banda y pufff!!! empezó a suceder.

La banda ha sufrido en su trayectoria diversos cambios de alineación. ¿A qué se ha debido esto? ¿Quiénes son actualmente Alice in Hell?

Como todo en la vida, Alice in Hell es una parte más de nuestra vida personal, y eso acarrea muchas veces diferencias personales, etc. Otras veces, por compromisos personales de índole mayor.

A nivel de fechas, pues muchísimas, en buenos festivales, junto con grandes bandas nacionales, algunas negociaciones al exterior tuvieron que ser pospuestas por la situación actual que vive nuestro país. Ha sido lamentable, pero sabemos que vendrán, siempre intentamos mantenernos consecuentes en las redes sociales, y atendiendo el e-mail.

Siempre hemos tratado de respetar las decisiones de cada quien, y evitar que afecte lo

Ha sido algo duro, pero no nos interesa. Lo hemos estado logrando y es lo que importa. De LaCarne Magazine

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verdad, este disco ha sido súper importante en nuestra carrera. ¿Cuáles crees que son las principales diferencias entre sus dos primeros álbumes y “El Descenso: Furia, Miedo, Hostilidad”?

Sinceramente, creo que ha sido la madurez, y la comodidad de trabajar sin apuros. Jamás intentaría comparar ninguno de nuestros trabajos. Pienso que cada uno habla y se defiende por sí solo, con sus defectos y virtudes, pero este nuevo disco se trabajó desde la raíz, desde lo más mínimo en detalles, desde la renovación del logo, el trabajo de diseño fabuloso hecho por el suizo/francés Christophe Hohler, la selección minuciosa de temas que entraron en el disco porque se crearon casi 20 temas y seleccionamos los mejores 11... En definitiva, la madurez jugó un papel definitivo. ¿Este disco ha salido bajo algún sello o ha sido de forma totalmente independiente? ¿Algún sello se ha interesado en la banda?

Sí, ha habido varios sellos interesados, pero a decir verdad, con lo que ofrecían, entendimos y ratificamos que salimos ganando eligiendo el camino independiente. Claro que Alice in Hell queríamos un sello que avalara el disco, pero no se ajustó a lo que se quería. Este trabajo se forjó muy duro como para entregarlo a cualquiera con agallas a su favor.

He leído que este último álbum ha obtenido algunas nominaciones y premios, y que terminó el pasado 2016 en un puesto de los mejores discos de metal de Headbangers Latinoamérica. ¿Qué nos puedes decir sobre estos premios y nominaciones?

Sí, fue nominado a los premios Trascendencia Rock, acá en Venezuela, en el top 100 de los mejores discos de Metal venezolano del 2015, y alcanzamos el #2 de ese Top 100.

Muy emocionante. Había bandas increíbles de acá, con discos formidables y grandes trayectorias, y cerrar en el segundo lugar para nosotros fue una satisfacción muy bonita. Afianzó en nosotros que sí lo habíamos hecho muy bien. Renovó las ganas de seguir.

En el top de Headbangers Latinoamérica,

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ellos mismos hicieron la nominación del top de los mejores 300 discos del Metal del 2016, quedamos en el #261 y también nos emocionó un montón. Estaban los discos de bandas como Brujería, De la Tierra, algunas bandas de acá de Venezuela que también son duras, y bandas norteamericanas con sellos, europeas, etc.

Daba pavor ver esa lista de bandas jajaja, pero el simple hecho de estar en ese top, con ese montón de colosos, ya sentíamos que habíamos ganado. El disco logró meterse y crearse un espacio entre ellos. Fue tomado en cuenta y eso vale muchísimo.

Hablemos de planes futuros. ¿Qué le dirías a los que aún no los han escuchado para que les pongan mayor atención?

Bueno, les voy a dejar por acá nuestro SOUNDCLOUD para que conozcan un poco nuestra banda, nuestra propuesta, un grito de ira hecho en Venezuela, hecho con honestidad y actitud.

Actualmente Alice in Hell nos encontramos ya a punto de arrancar a grabar lo que será nuestro 4º disco. Los temas están increíbles.

Pronto verán noticias en nuestras redes sociales. Abran las orejas a las bandas emergentes.

Muchas gracias por otorgarnos esta entrevista. Un fuerte abrazo a todo el grupo!

Pues ha sido de verdad un honor compartir con ustedes un poco de nuestra carrera, un poco de lo que representamos. Muy agradecidos con el apoyo que nos han dado y esta buena oportunidad. Esperemos hablar pronto con ustedes nuevamente y exponerles lo que será nuestro nuevo disco.

Un abrazo grande desde Venezuela. Bienvenidos a nuestra familia. #HELLFAMILY. Muy agradecidos LaCarne Magazine y nuestro amigo Omar Vega, con él les dejaremos el link de descarga de nuestro más reciente disco. Disfrútenlo! ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

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Dj Chiup

la promesa de la electrรณnica venezolana

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al Dj que está mezclando.

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T

u nombre es Dj Chiup, un nombre bastante curioso. Cuéntame, ¿qué significa?

Bueno, el nombre de Chiup nace a mediados de 2013, debido a que era un sobrenombre que tuve en 6º grado. Fue la manera de mis compañeros de clases de burlarse y hacerme bullying. El sobrenombre empezó con “echón”, y a lo largo de bachillerato pasó a ser Chiup.

Como no encontraba una manera de superar las constantes burlas, me fui hacia la Música Electrónica, y me llamó la atención lo de ser Dj, y, bueno, sentí que la única manera de terminar con todo esto era ponerme ese nombre que hace años era una burla, y ahora es un nombre de revuelo dentro de mis conocidos, amigos y seguidores de mi música. ¿A qué edad empezaste tu carrera como Dj Chiup?

A los 12 años y medio, cuando sentí que necesitaba algo más que sólo escuchar la música.

Sentía la necesidad de darle mi toque.

Y ahora tienes 17, no? ¿Qué es lo más difícil de ser un Dj tan joven?

Sí, cumplidos en marzo. Creo que lo más difícil es que, al ser tan joven, a veces piensan o toman por entendido que no tienes experiencia alguna. Te excluyen simplemente por ser chamo, o tampoco me toman en serio, pero creo, que aunque sea algo difícil, es lo mejor, porque al no tener expectativas altas uno siempre deja sorprendida a la gente.

Bueno, creo que eso al final de todo siempre te trae algo positivo. Pasemos ahora al lado divertido de esto. ¿Qué es para ti lo mejor de ser Dj? Oye, eso siempre lo explico con una anécdota.

Tomorrowland es uno de los tantos festivales de Djs en el mundo, y a ellos asisten cientos de miles de personas de todos los países y de distintas culturas. En algún momento, éstos se concentran en una de las tarimas sólo para ver

Imagínate lo impresionante que es ser ese Dj, y tener el poder de mover a miles de personas, y que además puedas con eso hacer una buena acción. Por ejemplo, decirle a todos que donen 1 dólar a una fundación de niños sin hogar o algo parecido. Entonces siento que tener esa posibilidad es lo mejor, o lo que más me gusta de ser Dj: el poder de mover gente con un pensamiento positivo a través de la música electrónica. ¿Te has presentado en algún festival en Venezuela o en otro país?

Logré presentarme en la Expo Dj, en el festival de mi colegio que recogió casi 2000 personas, hecho en conjunto con zona escolar. Y bueno, ahora me presentaré en España. Logré presentarme en la discoteca de Laguna Mar en Margarita. También logré ser dj sorpresa del EDC en el Ávila.

Cuéntame un poco de SARTACK PRODUCTION Bueno, eso fue un sueño puesto en realidad.

Vi que tenía muchos panas que eran Djs, y a su vez vi que a todos ellos les costaba abrirse paso dentro del ámbito de la Música Electrónica y de los eventos para Djs, así como festivales y fiestas grandes. Sentí la necesidad de crear algo donde pudiera unir a todos mis compañeros, y además que nos beneficiáramos unos a otros. De ahí nace SARTACK PRODUCTION, una producción de Djs para Djs. Para finalizar, ¿cuál es tu aspiración como Dj Chiup?

Oye, lograr que mi música cambie el pensamiento erróneo de las personas en mi país y en el mundo, y que a través de mi carrera como Dj pueda transmitir un mensaje positivo y que permita conseguir la luz en los momentos más oscuros. ¶

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Goddamn

agresividad contra la destrucc

C

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uando escuché el tema Blackened de los españoles Goddamn, me dije que debía entrevistar a esta banda a toda costa. Su propuesta es muy interesante, y así lo demuestra su primer álbum. Juan Ángel Martos, vocalista, nos cuenta un poco sobre la historia de la banda, presente y futuro.

Goddamn, agresividad contra la destrucción La banda ya lleva algunos años en la escena. Cuéntanos un poco sobre la historia de Goddamn.

La banda se formó en 2009 por Francisco Llevenes e Ismael García, dos miembros que siguen en la actualidad. Editamos el EP “No Hay Dios” tras dar varios conciertos en pequeñas salas. Comenzamos a ser conocidos a nivel provincial y regional.

Con la ida y venida de miembros siempre se

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nos hizo complicado seguir, pero luchamos sin parar hasta encontrar a Gabriel Contreras y Juan Ángel Martos, y poder grabar nuestro próximo EP “From The Ashes”, donde se produjo una evolución brutal de nuestro sonido, mucho más duro y cantado en inglés.

Tras la salida de nuestro guitarra, entró a formar parte de la banda Juan Antonio Navarro a la guitarra y potenciando los coros, con el que grabamos nuestro primer LP “More Human Than Us”, el cual seguimos presentando por toda la Península, incluso hemos tocado en Portugal y en el Norte de África.

En el 2009 la banda grabó el EP “No Hay Dios”. Por favor, cuéntanos acerca de este trabajo ya que fue una grabación que les permitió darse a conocer por gran parte de España.

Pues fue el primer EP que grabamos, en nuestros inicios, con una formación totalmente distinta a la actual, de la cual tan sólo se mantienen Francisco Llevenes a la batería e Ismael García en la guitarra.

Fue un disco en el que pusimos mucho trabajo e ilusión, pues fue nuestro inicio prácticamente en la música, y con el cual comenzábamos

En el aspecto musical, se puede escuchar la influencia que tienen por bandas como Lamb of God, Chimaira, Machine Head… ¿Son estas bandas influencias en vuestra música?

Has dado en el clavo, pues éstas son bandas que nos encantan y que nos han influenciado claramente en nuestra música. Si tuviera que añadir alguna que creo que falta y de la que bebemos mucho sería Gojira. Incluso Meshuggah o Sepultura son claras influencias en nuestro estilo.

En cuanto a las líricas. ¿En qué se basan, en qué se inspiran fundamentalmente para escribirlas?

La temática de este álbum no estaba pensada en un principio. Cada canción nos pide una cosa, un tema que se va desarrollando a medida que componemos.

ción a tocar por salas de la escena underground nacional. El concepto musical era parecido al actual, pero incluyendo solos de guitarra, y nuestro vocalista Antonio lo hacía completamente en español.

Luego, en el 2014 sacan su segundo trabajo “From The Ashes”. ¿Este trabajo estaba en la misma línea que el actual concepto de la banda?

El salto en la grabación de este segundo EP fue muy notable, endureciendo nuestras guitarras y pasando del castellano al inglés en las voces. Se podría decir que puso los cimientos en la evolución del grupo, convirtiéndose en una parte importante del engranaje que hoy es Goddamn.

He podido escuchar el tema Blackened de su más reciente trabajo, y se aprecia mucho del Metal moderno. ¿Cómo catalogarían su tendencia musical?

En concreto, este tema es el que abre nuestro álbum, donde la influencia de Machine Head se puede apreciar en la parte instrumental del comienzo. Nuestra tendencia musical se centra en el Groove Metal con toques de Core.

Tras elegir el nombre del LP y la portada, observamos que nuestra temática iba sobre la destrucción que el ser humano está llevando a cabo con la naturaleza, y encauzamos nuestros sentimientos hacia ese lado, donde las emociones y pensamientos del grupo refleja la agresividad con la que hay que luchar para parar esto.

Para continuar, estaría bien que nos contaras sobre su más reciente álbum, “More Human Than Us”. ¿Dónde fue grabado y qué sello lo editó? ¿Cómo va la distribución? ¿Están satisfechos con el resultado del mismo?

El álbum fue grabado y masterizado en The Metal Factory Studios por Alex Cappa, todo un crack como ingeniero musical, el cual ha trabajado con grupos como Hamlet, Skunk Df, Dawn of Maya, Hummano, Vita Imana…

Con respecto al sello discográfico, ha sido editado a través de Necromance Records, un sello underground de las Islas Canarias, al cual le estaremos eternamente agradecidos por apoyarnos desde un principio, convirtiéndose su jefe, David, en nuestro sexto miembro.

La distribución ha ido muy bien para ser nuestro primer álbum, aunque el mercado de CD’s físicos cada vez está más complicado. NuesLaCarne Magazine

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tro sello discográfico se ha encargado de hacer intercambios con otros sellos, como por ejemplo Concreto Records de México, el cual vende nuestro CD, que también ha llegado a Polonia, Rusia o Italia. La banda principalmente lo distribuye en los directos, incluso por Facebook y bandcamp. ¿Han efectuado giras en apoyo a More Human Than Us? Sí, hemos realizado dos pequeñas giras a nivel nacional, la cual nos ha llevado por ciudades como Salamanca, Madrid, Valencia, Granada, Ceuta, incluso hemos tocado en el país vecino, Portugal. De igual forma hemos compartido escenario con grandes bandas nacionales e internacionales como Hamlet, Brutal Thin, Ktulu, Cardiac (Suiza), Merge (Francia), Praying Mantis (England)…

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¿Cómo andan referente al tema de las presentaciones? Cuéntame sobre esto. ¿Se presentan muy seguidos?

Hemos tocado mucho por toda España, aunque nos queda el Norte de la Península, el cual queremos cubrir en la segunda parte de este 2017 en el que haremos otra pequeña gira. Aunque actualmente, por motivos laborales, sólo podamos tocar un concierto al mes, en el cual lo damos todo. ¿Quiénes son actualmente los integrantes de Goodamn?

Actualmente Goddamn lo forman Juan Ángel Martos (voz), Juan Antonio Navarro (guitarra y coros), Francisco Llevenes (percusión), Ismael García (guitarra) y Juan Antonio Gutiérrez (bajo).

Necromance Records apostó por nosotros desde un principio, incluso sin conocernos, con un trato excelente y siempre apoyando al grupo, por lo que se ha convertido en nuestro sexto miembro, siempre dispuesto a ayudarnos. Muy satisfechos con él, pasando de ser un desconocido a todo un hermano. ¿Cuáles son los próximos planes para Goddamn?

Ahora mismo estamos preparando una pequeña gira que nos llevará por ciudades en las que aún no hemos tocado en la segunda parte del año, entre septiembre y diciembre, que constará de unos 4 – 5 conciertos, de los cuales uno está cerrado en Málaga, participando en el South Rock Fest, junto a Cannibal Granpa, Chaos Before Gea, Far’N’Hate e Inyourface, las demás fechas están siendo cerradas.

También estamos preparando video lyrics de todos los temas que faltan de nuestro álbum, de la mano de los grandes The Core Inside, un crack del diseño. Serán estrenados en breve en nuestro canal de Youtube.

Y por último, estamos comenzando a darle forma a lo que será nuestro segundo álbum para 2018. Sólo os puedo asegurar que será algo distinto, evolucionado y con un toque conceptual.

Bien, hablemos del último álbum otra vez. El nombre de éste es muy sugerente, More Human Than Us, ¿cuál es la historia del mismo?

More Human Than Us hace referencia a la naturaleza y los seres vivos que la habitan.

Sobre todo animales, los cuales están siendo exterminados por la falta de respeto del ser humano y por la sobreexplotación del planeta.

Con este título lo que pretendemos decir es que los animales son más humanos que nosotros porque respetan su medio ambiente, el lugar en el que viven. Cosa que nosotros no hacemos.

Ustedes sacaron este álbum con Necromance. ¿Qué les ha ofrecido este sello que otros no lo hicieron? ¿Están satisfechos por el trabajo que Necromance ha hecho por ustedes?

Te agradezco el espacio y el tiempo para esta entrevista. Les deseo lo mejor como banda y que sigan consolidándose en la escena española.

Muchas gracias por apoyarnos y darnos a conocer en su país. Para nosotros es todo un placer y ojalá podamos llevar nuestra música al otro lado del charco. Os dejo los links de nuestras redes sociales por si quieren conocer más de nosotros. ¶

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wonderonce y el metal como banda sonora W

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onderOnce es una agrupación española que hace una mezcla donde encuentras elementos del Metal sinfónico hasta el más puro Death Metal. Su primer álbum se titula “Freedom Odyseey”, y se encuentran dándole toda la promoción posible. Dejemos a Andrea Montalbetti para que nos comente sobre esta banda de Málaga.

WonderOnce y el Metal como Banda Sonora Hola, amigos! Su banda, WonderOnce, para mí es totalmente desconocida, pero quedé sorprendido cuando escuché el tema Wolfmoon, perteneciente a su álbum debut “Free-

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dom Odyssey”. ¿Cuál es la historia de WonderOnce? ¡Hola, muchas gracias por la entrevista! WonderOnce es una banda que nace de las ideas y la ilusión de poder crear un proyecto que realmente trate de seguir su propio camino.

Originalmente creado por Andrea Montalbetti, y al cual después se incorporaron Nel Löse, Liss Eventide, Drakon Nahr, German de Sotomayor, y finalmente Paola Rouge.

Por favor, intenta describir con pocas palabras la música que ustedes tocan para quienes no conozcan a la banda.

Aunque es un estilo un poco inusual, la idea es bastante sencilla: hacer una mezcla lograda de banda sonora con Metal, respetando al máximo las pautas y estructuras de cómo sería una BSO. Otras bandas que hacen este tipo de estilo suelen darles más peso a estructuras un poco

más típicas y con una contundencia metalera, mientras que nosotros buscamos hacer algo distinto. ¿Qué elementos de otros estilos del Metal, o fuera de éste, incorporan al sonido de tu banda?

Los elementos metaleros de WonderOnce son creados a partir de los gustos musicales de Andrea, que suelen oscilar entre el Symphonic, el Epic/Power, o incluso el Death Metal. Cada canción es un mundo, y los estilos se mezclan partiendo de la emoción que se busca recrear.

Tengo entendido que este álbum lo sacaron el pasado 2016. ¿Lo editaron con alguna discográfica o es de edición independiente?

Sí, cierto. ¡Pronto habrá pasado un año desde que sacamos “Freedom Odyseey”! Lo hicimos de forma totalmente independiente. Lo grabamos nosotros mismos y Andrea se ocupó de la edición, mezcla de la orquesta y producción.

La mezcla general y la masterización corrieron a cargo de Vic Ortega. ¿Qué pueden comentar sobre este álbum a nivel de concepto, de música y de producción? ¿Se sienten satisfechos con este trabajo?

La composición fue un trabajo largo, y eso se transmitió en una producción duradera y difícil, ya que personalmente ninguno de nosotros hizo un disco de este calibre antes. El concepto general se trataba de crear historias fantásticas distintas, que siempre tengan en común la liberación física y/o emocional.

Como disco debut estamos muy contentos, ya que las reacciones fueron incluso mejor de lo que esperábamos, y tenemos muchas ganas de poder llevarlo todo a un nivel más allá con los siguientes trabajos. ¿Para Ud. cuál es el poder que puede llegar a tener la música que se transmite mediante una lírica, composición e interpretación? ¿Qué tema abordan en sus letras?

Es un tema muy subjetivo. A algunos les mueve mucho más la música que la letra, y viceversa. No es una ciencia exacta.

La música transmite más a nivel evolutivo como un lenguaje global, y las líricas suelen transmitir un mensaje más concreto con el cual el oyente se siente identificado en mayor o menor medida. Lo único que sí es cierto es que la interpretación lo es todo o casi todo. Sin ella es mucho más complicado transmitir lo que quieres decir.

Como dijimos antes, “Freedom Odyssey” son muchas historias en una. Por ejemplo, historias originales como en Dragon Valley o The Hero, a mitologías como en Morrigu, Wolfmoon, Baba Yaga o Slay The Kraken, o simplemente emociones como en Dawn o Final Aurora. ¿Por quiénes están actualmente integrada la banda?

Actualmente la banda está formada por Liss Eventide y Drakon Nahr a las voces melódicas, Andrea Montalbetti a la batería y voces guturales, German de Sotomayor a las guitarras, Nel Löse al bajo y Paola Rouge al violonchelo. ¿Son muy activos en este campo? ¿Cómo describirías un concierto de WonderOnce?

Hasta la fecha nos hemos centrado más en la promoción, redes sociales y prensa nacional antes que los directos, y esto poco a poco está cambiando.

Un directo nuestro es poder tener la experiencia de nuestro disco de una forma más intensa. Nos gusta mucho transmitir en directo y crear espectáculo. De esa forma el público puede vivirlo tanto como lo hacemos nosotros. ¿Podrían imaginarse WonderOnce abriendo concierto para Nightwish, Rhapsody...? ¡Indudablemente sería algo increíble para nosotros!

La situación europea está en crisis económica, y España no escapa de esto. ¿Se le dificulta mucho a una banda de rock y de metal en España programar sus giras?

Sí, es muy difícil hoy en día moverse por España. Sobre todo debido al problema de que cada vez hay menos promotores dispuestos a LaCarne Magazine

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arriesgar, lo cual implica que las bandas tienen que costearse sus propios conciertos por la península.

Para nosotros esto es especialmente complicado porque, encima de todo esto, vivimos en diferentes ciudades, entre el centro y el sur del país.

Coméntanos, ¿cómo ha sido la receptividad hacia la banda tanto en España como en el exterior?

Considerando que no pensábamos que este estilo en España tuviera tanto éxito, ¡nos hemos llevado una muy grata sorpresa!

No podemos decir mucho de afuera porque, como dijimos, por ahora nos hemos centrado en la promoción nacional, pero seguramente por el norte de Europa tendremos buena respuesta por el estilo que hacemos. ¿Cómo percibes el éxito comercial? ¿Te gustaría alcanzar el nivel de popularidad de los grandes del Metal sinfónico? ¡Creo que cualquier banda de Symphonic que vaya en serio diría que sí a esa pregunta! Obviamente, hay varios aspectos del éxito, desde poder vivir con el dinero que te proporciona la banda hasta poder llenar estadios.

En nuestro caso, tampoco tenemos unas metas exactas de hasta dónde nos gustaría llegar.

Simplemente vamos poco a poco, y finalmente iremos descubriendo nuestros puntos fuertes. ¿Cuál es tu opinión con respecto al apoyo de las revistas, las radios, los webzines, etc., hacia las bandas? ¿Es bueno o malo, o prefieren pregonar su arte a través de los escenarios?

Depende en mayor medida de lo que una banda considera que son prioridades para crecer.

No puedes hacer de menos ni en los medios de comunicación ni los escenarios, ya que los dos tienen finalidades distintas.

Los medios, radios, revistas y televisión te ayudan a establecer una reputación ante los profesionales, y al mismo tiempo concienciar a nuevos potenciales seguidores de tu existencia. Mientras que los directos son el producto

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que realmente vendes como banda, y de esa forma consigues que la gente te siga. ¿Qué podemos esperar de WonderOnce en un futuro no muy lejano?

Próximamente lanzaremos nuestro primer videoclip, y en septiembre vamos a empezar con una nueva campaña de marketing, esta vez enfocado al extranjero.

Por otra parte, también estamos cerrando algunos conciertos en otoño que están aún pendientes por anunciar. También estamos pensando en hacer conciertos en formato acústico, lo cual será todo anunciado en su debido momento.

Muchas gracias por acceder a este diálogo, y es nuestro deseo que se mantengan con el buen trabajo

¡Muchísimas gracias a vosotros por la oportunidad!

Recordad que nos podéis encontrar en nuestra página web, además de redes sociales como Facebook o Twitter. Para oír nuestro “Freedom Odyssey” es tan fácil como acudir directamente a nuestra página oficial de Bandcamp o en Spotify. ¶

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