LaCarne Magazine N61

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europa y latinoamérica

Nº61 - MAY 2017 - AÑO 6

ESPECIAL

Escenario

IJEX@WOMAD

MÁS INFO

SUMARIO N61 aÑo 6 MAY 2017

experiencias

06 mundo dj 10 DARKNESS BIZARRE 12 QUE CONTINÚE EL ROCK CHUKUTA 14 THE CHEMICAL BROTHERS 18 BLACK SABBATH 22 VI PLAN DE JUVENTUD DE IJEX 28 LOKOTOS CREW 32 EXPERIENCIAS IMPROVISATORIAS 34 SORORITY NOISE 38 NOCHES DE SANTA MARÍA 42 METALIZED 44 AVENGED SEVENFOLD 48 EL MEJOR DISCO DE METALLICA? 52 MAKURKA INVESTIGACIÓN

56 MONITORES DE ESTUDIO 60 MUJERES COMPOSITORAS 62 HISTORIA DE LOS INSTRUMENTOS Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

http://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

ELECTRÓNICOS

entrevistas

66 ESPECIAL ESCENARIO IJEX@WOMAD 84 ARPEGHY 88 DEMOND 90 ATAJO 92 FREEDONIA 96 nERVOSA 100 GUILLES 104 WALKMAN 108 MARIANA PIÑEIRO 110 pEGGY MARTÍNEZ 116 LA PEGATINA 120 KITSUNE ART 126 BOREAL PROJECT 128 TRANZE 132 SUEÑO ABSTRACTO 134 JUAMBE 138 VIOLET JUNE Colaboradores

J. G. Entonado, króniko, jpalomo, maribel pérez, jorge ares, luis lama, alfonseka, alejandro pérez, julio abella, arpa, paquita garcía, PABLO LAVAYÉN, OMAR VEGA, JULIE MARÍN * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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MUNDO DJ LEER MÁS

+ ERIC PRYDZ Y DEADMAU5 SE UNEN EN IBIZA ESTE VERANO

Será en la primera temporada de Hï Ibiza donde Eric Prydz tiene su residencia, y contará con la colaboración de Deadmau5. Es la nueva propuesta de Ushuaïa para este próximo verano, y donde el dj estará durante diez noches, y el día elegido serán los martes del 20 de Junio al 22 de Agosto. En este escenario se proyectará el trabajo de Prydz y Cirez D, los cuales harán una experiencia audiovisual muy particular. Las dos únicas actuaciones de deadmau5 que tendrá en Ibiza serán con él los días 18 de julio y 22 de Agosto. Os dejo un enlace con el set que hicieron en Miami https://youtu.be/j0jx6bKBjmk. + COCOON ATERRIZA EN MADRID

Inundará la capital de sabor electrónico el 12 de Mayo en el festival LAB Espectáculos.

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Esta marca lleva veinte años en escena con Sven Väth a la cabeza, teniendo sello discográfico propio, booking y realizando tour por todo el mundo enseñando su concepto. Este año lo están dando todo en España, primero presentando una residencia en Pachá Barcelona, y segundo con el line up que están preparando para Ibiza. La fecha de Cocoon será el 12 de mayo, donde Llario Alicante y Carola Pisaturo estarán en el cartel realizando un line up y les acompañará el Dj residente de Studio76 llamado Dika. + STUDIO338 RENACE DE SUS CENIZAS

Se reabrirá el próximo 3 de Junio, después del incendio que lo desoló en el 2016, mostrando al público la remodelación. En agosto del año pasado, la capital londinense perdía a uno de sus más celebres clubs tras un incendio que todavía no ha sido esclarecido. La fiesta se celebrará en el nuevo jardín que está situado donde antes estaba el parking. Todavía no ha salido el cartel, pero si queréis más información podéis pinchar en el siguiente enlace. + AREA 217 FESTIVAL Dicho festival se celebrará en una base aérea militar de París que está inutilizada, y albergará música Techno, Acidcore y Microhouse. Se-

rán tres días y están confirmados Dave Clarke, Perc, Marcel Flenger o David Carretta.

El lugar se llama aeródromo de Brétigny-surOrge, a una distancia de 37 km de París, y se crearán seis espacios de diferente estilo electrónico como Techno, Acidcore, Hardcore, Frenchcore, etc. El festival también tendrá un espacio para los creadores franceses del movimiento “free party”, y el domingo estará presente el clubbing berlinés.

po base, y lo hizo a través de Facebook Live.

Debido a esto, sacará un documental donde contará la escalada que hizo y su actuación.

Todo lo que se recaude irá destinado a paliar todo los destrozos que causó el terremoto de Nepal en el 2015. Este dj también tiene pensado realizar más sets en lugares diferentes y exóticos, llevando la música electrónica a los lugareños. Os dejamos un enlace con la sesión en vivo.

+ GOA DICE NO A LAS FIESTAS NOCTURNAS

AGENDA DE CONCIERTOS OPENING SUMMER / ERASE UNA VEZ….

EN CHAMAN 6 Mayo - Almería MÁS INFO La intención es lavar la imagen que tiene la zona de fiesta y desenfreno debido a los festivales que se realizan allí. Están intentando que no se masifique todos los eventos en un mismo lugar y que se reparta por diferentes lugares de la India. Se va a prohibir poner música alta a partir de las diez de la noche, hecho que no ha gustado a los bares y clubs de la zona, que mantienen abierto sus locales hasta bien entrada la mañana. Este enclave turístico ve como todos los años viene gente a disfrutar de la vida nocturna y su ambiente relajado, pero, de un tiempo para acá, se ha visto truncada esta atmósfera por las muertes raras de turistas a parte del consumo excesivo de drogas y alcohol. + PAUL OAKENFOLD Y SU SET EN LAS MONTAÑAS Ofreció un set en el monte Everest, en el cam-

SATYA YUGA (psychodelic trance open air) 6 Mayo - Barcelona MÁS INFO HÏ IBIZA OPENING PARTY 28 Mayo - Ibiza WEB - ENTRADAS MONDO DISKO / Ben Sims 6 Mayo - Madrid WEB - FACEBOOK FABRIK / Viva la fiesta 13 Mayo - Madrid WEB - FACEBOOK SPECIAL WOMAD EDITION 13 Mayo - Cáceres FACEBOOK LaCarne Magazine

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DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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RAFA BARRIOS - “Sermoon” DAVID HERRERO - “The World Is Not the Same” MATTHIAS TANZMANN - “Mahoney Baloney” SPARTAQUE - “Keep Moving”

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SIAN - “Camouflage”

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SOULRACK - “Pendulum”

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MANUEL COSTELA - “Night Time Love”

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NINETOES - “Come Back” LEN FAKI & REGAL - “The end” RADIO SLAVE - “Another Club”

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darkness bizarre reseña de “the beginning”

H

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e querido reseñar este disco en primer lugar por su nivel musical, que se lo merecen, y segundo, como una pequeña muestra de agradecimiento por el trato y cariño mostrado hacia mi trabajo, mi persona y la revista en todo momento.

Para quien no haya hecho los deberes y no haya leído la entrevista que les realicé a Darkness Bizarre, hay que decir que se formó en 2004, y que en 2009 sacaron su maqueta Sombras del Ayer, tras la cual se disolvieron para renacer en 2011. En 2016 sacaron The

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Beginning, un buen disco de Heavy Metal, que es el que nos ocupa ahora mismo. Darkness Bizarre está compuesto por Karl Wolf (guitarra), J.A. Casado (voz y guitarra), J.P. Blanco (bajo) y Luis Gijón (batería). Este último dejó el grupo hace poco (al que le deseo lo mejor en lo personal y profesional) y fue sustuido por Javier Mariño (Nasky de Plasky).

El disco comienza con Arenas del Desierto, un tema con un fondo arabesco. Es un gran tema con un sonido del Rock clásico, con momentos de Speed Metal, con una voz potente en todos los sentidos y un gran trabajo de todos y cada de los miembros del grupo.

Sin Control es el siguiente tema con una exce-

una vez más hacen galas de las guitarras con buenos riffs y gran trabajo a la batería, con un solo absolutamente bestial.

Llegamos al ecuador del disco con Canción de la muerte, considerada por gran parte del público como una de las mejores del disco, con un sonido Heavy potente y duro, cambios de ritmo, excelente batería, los coros y la excepcional voz de Jose Antonio, que tienen como resultado este gran tema.

Dulce Amargo es una canción Heavy por excelencia. Un gran tema recuperando un poco de velocidad y partes más lentas.

No puedo ser es una balada de unos ocho minutos con buena elaboración compositiva, tanto de melodía como a nivel lírico, con buenas partes instrumentales.

A continuación llegan 2 temas dedicados a los fans, y son Darkness Bizarre y Rock and Roll de Darkness. La primera es un tema Heavy y de una duración de unos 6 minutos, y la segunda es más rockera y animada, perfecta para tocar en directo y pedir la colaboración del público mientras no paran de bailar.

lente combinación de guitarras, voz y batería y cambios de ritmo.

Absurda Realidad puede llegar a recordar en cuanto a la batería, al Metal industrial de Rammstein, y en la voz recuerda ligeramente a Sober, con buenos cambios y gran melodía un poco más lenta que las demás, pero no por ello de menor calidad.

Después de Absurda Realidad llega Sombras del Ayer, que daba titulo a su maqueta, un tema rockero y buena letra donde demuestran el nivel que tienen en la melodía y el dominio de los instrumentos.

Se despiden con Un simple Adios, un tema que te puede recordar tanto a Judas Priest o a Barón Rojo como al heavy clásico. Sonido potente y veloz, despidiendo un gran disco y quedando claro que hay que verlos en acción en directo.

Es un grupo que te puede recordar en ocasiones a Dio, Barón Rojo, Judas Priest, Black Sabbath y otras grandes bandas del Heavy nacional e internacional. Es un grupo al que le deseo lo mejor en todos los aspectos de su vida. Para terminar os dejo aquí la entrevista que les hice. ¶

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Alas de Traición es el siguiente corte, donde LaCarne Magazine

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Que continúe

el rock chukuta con o sin lluvia, yaaaa!

luces mantenía el clima del trance musical en el ambiente. La gente aglomerada frente al escenario, en espera de los temas.

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E

l 23 de marzo es una fecha que conlleva recuerdos para este diverso país, memorias con relación al mar. Pero en esta misma fecha, en el Equinoccio, se llevó a cabo la presentación del ROCK CHUKUTA, yaaa! (Léase el yaaa! como la jerga paceña).

Todos los que viven en La Paz (Bolivia) conocen y hacen práctica de esta jerga ya conocida e infaltable en toda conversación. Y de igual manera infaltable en esta presentación, donde la diversión estaba a cargo de tres bandas: Rock Sin Restricciones, Chorizo Caliente, The Prestes.

Era una noche que contaba con la presencia de un clima poco esperado, pero eso no evitó la presencia del público, pues aún así estuvieron presentes para disfrutar de una noche excepcional, dejando de lado el clima. El hecho de entrar mojados al lugar en medio de la oscuridad, donde las velas eran parte de la ambientación, introducían a cada persona a un clima ameno, donde todos compartían y donde se olvidaba la situación húmeda que pasaba afuera.

La música sonaba a través de los envolventes ritmos que no soltaba a ninguno de los que se encontraba presente, unos bailando, disfrutando frente al escenario sin importar nada, otros se encontraban sentados, pero el ritmo y las melodías que desprendían no los dejaba, pues, aún así sentados, eran llevados por la música levantando las manos, moviendo la cabeza al son del ritmo del ska. Así fue como The Prestes amenizó al público. El cambio de

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Una vez que inició, el baile fue imparable, un espacio donde cada uno podía expresarse de la manera que le gustara. Mientras bailaban, cada uno generaba nuevos pasos conforme era motivado en ese momento. Fue un espacio para disfrutar. Fue Chorizo Caliente quien los percibió desde el escenario. Todos unidos a través de los diferentes géneros disfrutaban de una noche peculiar. Después de un descanso, continuaba el baile y la diversión, pero en esta ocasión los estruendos de riffs y de una voz peculiar impulsaban al público a ser parte del Rock and Roll. Saltos en medio de luces, los riff no soltaban las cabezas del público, motivándolos a moverlas una y otra vez.

Y cómo olvidar el inesperado mosh! No fue la excepción, donde se unió todo el público, siendo un espacio sin límites, todos disfrutando del baile, el ritmo a su manera, cada uno llevado por la esencia de la música en su forma más libre de expresión.

Rock Sin Restricciones hizo que olvidaran los límites conocidos a la hora de bailar. Esa noche fue de total disfrute para todos los que estuvieron presentes. Cada situación, cada detalle musical o detalle de otro ámbito en ese momento, serán irrepetibles, pues cada presentación será totalmente diferente. Si tan solo esto es una crónica que los impulsó a ser parte de esta presentación, solo imagine por lo que hubieran pasado si hubieran estado presentes, olvidando los aspectos negativos por los que tal vez uno pasó en el trayecto del día en esa ocasión. En ese lugar, en ese sitio, las cosas fueron diferentes. Un ROCK CHUKUTA, yaaa! ¶

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análisis de “born in the echoes”

the chemical brothe LEER MÁS

N

o podía pasar más tiempo sin que analizara este disco. El octavo álbum del grupo fue publicado en julio del 2015 y vinieron a presentarlo a España el año pasado durante el Sonar. Además, este mes también lo podremos escuchar en Barcelona, ya que vendrá el dúo en formato dj.

Para todos aquellos que son seguidores de los hermanos químicos, sin duda este disco no les defraudará porque tiene todos los componen-

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tes sonoros propios de la formación. Y es que todos sus matices, líneas de bajos, arpegios ácidos, fx, voces, psicodelia, big beat, techno, rap y pop están en este disco. Sin duda, siguen estando muy en forma y es que no hay duda que son de los mejores grupos de música electrónica de Europa, por no decir del mundo.

Pocos grupos de aquella generación electrónica que empezó en los noventa continúan, y de los que continúan que estén tan en forma como los británicos, solo podríamos hablar de The Prodigy. Al contrario que, con otras formaciones cercanas al pop de la misma época que sí llegaron a ser rivales (el caso de Blur y

”Han conseguido darle un giro a su música y convertirla de nuevo en actual. Sin duda será el mejor disco de la formación de esta década. Un 9/10.” cir las zapatillas. Pura Química!!!

ers Oasis), estas formaciones siguen siendo líderes y sin malos rollos entre ellos.

Podría hablar de la perla que han sacado ahora The Chemical Brothers llamada C.H.E.M.I.C.A.L., pero como eso será indicativo de un álbum o ep nuevo lo dejaremos para cuando éste salga y nos centraremos en Born In the Echoes.

Sometimes I feel so Deserted

Es toda una declaración de principios. No es un tema introductorio normal que suele pasar desapercibido, NO. Es un temazo que va progresando poco a poco para llevarte al terreno del baile y dejarte la piel de gallina, por no de-

Go

Y nos suelta uno de los sigles del disco. Sí, vuelven a tener al rapero Q-Tip (ex A Tribe called Quest) cantando y haciéndonos recordar aquel pepino como fue Galvanize del disco Push the Button (2005). Sin duda no tiene tanta fuerza pero sí esa esencia ochentera y psicodélica.

Under Neon Lights

En esta pieza electrónica nos traen a la norteamericana St Vicent, otra de las maravillosas colaboraciones que los británicos cuidan muchísimo. Sin duda St Vicent se adapta por completo, introduciéndole letra a este track de matices extraños que en todos los discos nos suele brindar el dúo.

EML Ritual

Queríais un pepino? Pues os esperáis hasta la cuarta canción (si es que los anteriores temas LaCarne Magazine

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no son pepinos) pensarían los Brothers. Tema que empieza siendo algo angelical para convertirse en una bomba bailable de la época de los 90, recordando ese sonido rave que va increcendo en psicodelia y acidez. Canela fina!!!

I’ll See you there

Este track es pura psicodelia que recuerda en sus beats a todo a aquellos tracks de Did Your own hole. Se me cae la baba cada vez que escucho este tema que tiene mucho también de Setting Sun.

Just Bang

Marca de la casa. Vaya breaks!!! Otro gran paso por la rave de los 90. Queréis zapatilla, puesta toma mandanga. Y es que este tema te pone “hot” (de ahí el embrutecimiento). Sin duda, acidez y unos breaks de toma pan y moja.

Reflexion

Y si no habíais tenido suficiente, seguimos con más madera. Volvemos al terreno de la experimentación pero sin perder ese estilo noventero. No tan cañero y quizás menos lineal, pero no defrauda.

Taste of Honey

Es el track experimental del disco. La incorpo-

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ración de voces lo hace más popero, pero sin duda nos sorprende. Y es que esa capacidad de sorpresa no la han perdido.

Born In the Echoes

Otro temazo del dúo. Esta vez cuentan con la colaboración de Cate Le Bon. Breaks que me recuerdan a Exit Planet dust. Sin duda otro perlita del disco.

Radiate

Es la canción más ambiental del álbum. Que quizás sirve como introducción para el pepino que vendrá después. Volvemos a las voces pop, a las melodías como si fueran ballenas, y a la epicidad de las guitarras.

Wide Open

Cuenta con la colaboración de Beck. Sin duda un verdadero himno, pero no electrónico, si no pop. Una verdadera obra maestra. El trío son capaces de crear algo completamente tenue y agudo. Una despedida perfecta.

Sin duda es un disco redondo. Nos hacen un recorrido por lo mejor de la formación desde sus inicios hasta ahora. Han conseguido darle un giro a su música y convertirla de nuevo en actual. Sin duda será el mejor disco de la formación de esta década. Un 9/10. ¶

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black sabbath

todos los detalles de “the end”

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013 nos sorprendió a muchos con uno de los mejores discos de Rock de ese año, y con razón. Más de una década hubo que esperar para que Black Sabbath nos deleitara con un producto nuevo, y valió la pena. Un disco que nos muestra a unos Black Sabbath con fuerzas y energía, a la que siempre nos han acostumbrado. ¿El resultado final? Un trabajo sonoro de gran calidad digno de ocupar un lugar dentro de la historia del Rock, y ocho temas cañeros y rockeros hacen de 13 una pieza digna de colección.

Del proceso de grabación resultante de 13 quedaron algunos temas sueltos, los cuales decidieron incluir en su disco final titulado The End, y con el que la banda se despidió de los escenarios después de casi 50 años, con un concierto inolvidable el pasado 2 de febrero en el lugar donde todo comenzó: Birmingham, Londres. The End, que es como se titula este último disco, solo estuvo al alcance del público en cada concierto de la gira final de Black Sabbath, que comenzara en el 2016, y actualmente es prácticamente imposible. Entonces me considero afortunado por haber conseguido una copia digital de este último disco de los Padrinos del Heavy Metal.

“Season of the Dead” es el tema que abre el disco. Un tema bastante cañero con toques de Doom y Metal. A medida que uno escucha el tema se va dando cuenta que el mismo constituye una especie de marcha metalera, que se va volviendo crujiente, pesada y perfecta para romperse el cuello con esa melódica, oscura e inconfundible voz del señor Ozzy. ¡Lo mejor del disco! La perfecta sincronización de Lom-

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mi-Butler-Ozzy hacen de “Season” con toques de blues metal en varias partes, un sello distintivo de The End. ¡No puedo imaginarme cómo habrá sido escuchar este temazo en vivo!

Le sigue “Cry All Night”. Luego del inicio instrumental, tal parece que nos están golpeando con mamporras mientras escuchamos Doom por todos los lados. ¡Genial! Con riffs que a veces se apoyan con wah-wah y que le dan un aire más moderno, donde hasta Ozzy hace gala de su voz por la forma en que canta en solitario. Ya rondando la mitad del tema. Lommi afila sus cuerdas cargadas de feeling con punteos a lo blues. ¡Y qué final! Tal pareciera que estamos debajo de una tormenta. Rocas cayendo y aplastando todo lo que tocan, lluvia matizada con estruendosos truenos y al fondo escuchamos unas fúnebres campanas. ¡Puro Doom Mortal! ¡Explosión de riffs! Eso es lo que podemos escuchar y apreciar en “Take Me Home”. Y donde otra vez Ozzy congenia perfectamente para este tipo de canciones, con Lommi y su bestial maquinaria, junto a Butler machacando las cuatro cuerdas a base de punteos acústicos por todo lo alto. Todo esto matizado, con unas hermosas melodías gitanas provenientes de la guitarra, hacen de éste otro de los mejores temas del disco.

Y para ir cerrando los temas de estudio. ¿Qué tal un poco de dramatismo puro? Pues al que se le ocurrió esta genial idea, lo felicito. Esto lo podremos encontrar en “Isolated Man”, último tema de estudio. Aquí hay que destacar la monstruosa interpretación de Geezer al bajo. ¡Genial! Ozzy tampoco se queda atrás y alterna su voz con los tonos más bajos, dándole un toque moderno. Aunque cuando uno lo escucha, tal parece que los Black Sabbath no estuvieron muy inspirados para crear este

tema, no podemos pasar por alto los sonidos rítmicos provenientes del bajo, y del sonido de la batería mientras Tony nos deleita con unos claros y frescos riffs. ¡Qué pasada!

Los temas que le siguen son en vivo, y fueron muy bien escogidos. Los mismos constituyen interpretaciones en directo de 13, su anterior trabajo. Y un último tema que nos remonta a su Vol. 4 del año 1972. Los temas son: “God is Dead”, “End of the Beginning” y “Age of Reason”, todos de 13, y “Under the Sun” de Vol. 4.

Las versiones en directo son magníficas, a pesar de que la mezcla no fue muy buena que digamos. La banda mantiene su estilo igual y Ozzy en directo suena normal. ¡Nada extraordinario!

En “Under the Sun”, la voz de Ozzy no suena bien, unos cuantos gallos salen a relucir. ¡Me imagino que no habrá sido una buena noche!

En cuanto a este tema de aquel Vol. 4, es una oportunidad de escuchar a Tommy Clufetos en la batería y dejar su inmortalidad estampada en un disco de Black Sabbath luego de su LaCarne Magazine

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no-aparición en 13. ¡Prefirieron a Wilk! ¡Sus razones tendrían!

En resumen, 4 directos que, para sus creadores, debió haber sido toda una experiencia que jamás olvidarán: el haber tocado por última vez sus temas en directo.

The End constituye el último disco de Black Sabbath, quienes, como dije anteriormente, se despidieron de los grandes escenarios el pasado 2 de febrero en Birmingham. Dejando atrás casi 50 años de carrera, conflictos, parones y cambios de alineación. Pero eso sí, supieron dar lo mejor de sí, y hoy en día escuchar cualquiera de sus discos es revivir la Epoca Dorada del Heavy Metal, del cual fueron sus creadores.

Así que si no has podido escuchar todavía The End te recomiendo que trates de hacerte de una copia, como hice yo, y así puedas disfrutar de la última pieza maestra de Black Sabbath.

TRACK LIST

1. Season Of The Dead 2. Cry All Night 3. Take Me Home 4. Isolated Man 5. God Is Dead (en vivo) 6. Under The Sun (en vivo) 7. End Of The Beginning (en vivo) 8. Age Of Reason (en vivo)

Alineación Black sabbath

Tony Iommi - Guitarras.

Geezer Butler - Bajo.

Ozzy Osbourne - Voz. Brad Wilk - Batería en estudio.

Tommy Cufletos - Batería en directo.

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presentaciรณn del

vi plan de juventud del instituto de juventud (ijex)

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frontábamos la presentación del VI Plan de Juventud, del Instituto de Juventud de Extremadura, (IJEX) con muchas ganas y con bastante curiosidad. Hay que reconocer que no todos los días tienes la oportunidad de asistir a un evento tan completo, por parte de una Institución pública, que estuviera enfocado 100% al desarrollo, formación y ocio de la juventud extremeña.

Sabíamos de antemano que se esperaba la asistencia de más de 300 adolescentes de varias localidades de la provincia, y que se habían organizado actividades, talleres y stands de información muy, muy interesantes, por lo que ya comenzamos a imaginar cómo sería nada más subir al coche con el que íbamos al evento.

La presentación del VI Plan de Juventud sería, en esta ocasión, en la magnífica Factoría Joven de Mérida, el 21 de Abril a las 17h, y fuimos lo más puntual posible porque no queríamos perdernos absolutamente nada. Personalmente, creo que es de gran importancia la forma con la que se inician este tipo de eventos, y que casi siempre marcan la tónica que tendremos en las siguientes horas, y no nos defraudó en ningún momento, viendo una organización perfecta por parte del equipo del Instituto de Juventud.

Ya habían llegado varios autobuses hasta arriba de jóvenes ansiosos por ver cada actividad preparada, cuando la música de JPalomo Dj y algunos alumnos de su taller de Iniciación al Djing comenzó a sonar, avisando del inicio del evento. Prácticamente al instante se llenó cada rincón de la Factoría Joven de chicos y chicas, todos con algo en mente, y muchas ganas de pasárselo bien.

Había chicos bailando Break, talleres de malabarismo, skaters disfrutando de un lado a otro, robótica, puntos de información joven, stands de información cultural, muros de grafittis, cursos de primeros auxilios, música electrónica sonando todo el tiempo, juegos de mesa... Aquello nos pareció a todos fantástico. No tardamos en comentar que nunca habíamos visto en nuestra adolescencia un evento como éste. Veías a todos los chicos y chicas yendo de un stand a otro, terminando un taller y yendo al siguiente, devorando la información y disfrutando al máximo.

Podríamos hablar del VI Plan de Juventud, y de que contiene cuatro bloques, que son Formación, empleo, emancipación, vivienda y retorno joven; Estilos de vida, salud y sexualidad; Ocio, tiempo libre, turismo joven, creatividad e infotecnología; y Valores, participación e igualdad de género. Pero, en mi opinión, lo más importante en este tipo de medidas es si tendrá la utilidad que se le presupone, y aunque lo que estábamos viviendo en la Factoría Joven era solo una representación, no vi a nadie parado, aburrido o con ganas de irse. Por el contrario, aquellos jóvenes tenían ganas de alargar la tarde todo lo que pudieran, y se les veía súper entretenidos.

Una vez que se entregaron los premios del concurso al mejor diseño de logo y lema del VI Plan, el presidente de la Junta, Guillermo Fernández Vara, animó a los jóvenes de la región a ocupar su sitio y ser protagonistas del presente.

Fue una gran tarde, y confirmamos que los jóvenes reaccionarán muy gratamente a este VI Plan de Juventud del Instituto de Juventud de Extremadura. Gran trabajo!

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¿Cómo crees que ayudan estos programas a la juventud extremeña?

Luz Velad “Creo que es muy importante que los conozcan para poder hacer uso de ellos. Este evento de presentación es una buena iniciativa para conocerlos.

Estos programas les ayudan a ser autónomos en sus vidas y a ver el futuro de una forma más clara. La prensa y los medios de comunicación muestran un futuro muy negativo, y estos programas les ayudan a ver el futuro con un poco más de claridad.”

Lorena Olivera “Las nuevas generaciones son las que necesitan actualmente muchas referencias, muchos impulsos, sobre todo del conocimiento de la realidad.

Estos puntos de encuentro les da la posibilidad de conocer además todos los programas intersectoriales de toda la Junta para que ellos puedan tener cierta información y ciertos recursos, saber un poco hacia dónde tienen que moverse cuando terminen sus estudios o cuando tengan posibilidades de tener un trabajo.”

Ignacio Chato “Esto lo que tiende es a crearles horizontes, crearles muchos espacios de acción.

En muchos casos muchos los jóvenes no hacen cosas por no conocer las distintas posibilidades de las que pueden disponer, y esto es una forma de darles primero, información de todo aquello que pueden llegar a hacer, y segundo, de crearles oportunidades, posibilidades, espacios, escenarios…, y sobre todo un cierto apoyo institucional, un lugar concreto, un espacio donde poder actuar.”

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¿Cómo animarías a los jóvenes a participar en los programas que incluyen el VI Plan de Juventud?

Luz Velad “Yo, como profesora, en los centros educativos les animo y les acompañamos a este tipo de eventos. Creo que deberían tener muchísima información y hacer uso de ello.”

Lorena Olivera “Supongo que cualquier iniciativa que tenga esta visibilidad sirve para poner en común tanto a profesionales como a jóvenes, y sobre todo, que no haya pequeños reinos de taifas.

Que formen parte de una planificación estratégica global para que ellos en un mismo momento tengan acceso a toda la información. Porque sino, Extremadura, con la extensión geográfica que tiene tan grande, al final lo que se hace en un punto del norte de Extremadura a lo mejor quedaría muy bien y serviría por ejemplo en el sur de Badajoz. Pero como no se conocen y no se ponen en común… Es un poco generalizar experiencias que sirven. Cualquier momento de encuentro como éste sirve tanto para los jóvenes como para los profesionales.“

llegar.

Ignacio Chato “En primer lugar, informándolos. Es decir, en muchos casos nos asustaríamos del desconocimiento y desinformación que tienen acerca de los programas que existen. Así que en primer lugar que llegue la información. Eso sí que es importante, diseñar unas buenas campañas de información para que llegue a quien tiene que

En segundo lugar, que tengan un aspecto formativo, y que desde los propios centro educativos se lleven a cabo acciones directas. En este caso, la dirección general de juventud tendría que estar mucho más implicada y comprometida con la acción que lleven a cabo los centros educativos. No en programas especializados, que sí que existen y tienen que ver con el emprendimiento, sino, en este caso, directamente con lo que es el ocio, tiempo libre, salud, educación, etc.”

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Hemos preguntado a algunos jóvenes asistentes a la presentación del VI Plan de Juventud para saber sus impresiones, participación e intereses. Esto es lo que nos han dicho:

¿Has participado en alguna actividad del Programa de Juventud? ¿Cuál ha sido tu experiencia? ¿En qué otros programas te gustaría participar?

Alberto Ballestero “En Zafra he participado en “Creando Futuro”. Hemos aprendido todas estas cosas que no se saben sobre la cultura y derechos humanos. Al final del taller tuvimos que realizar nosotros mismos una actividad, y la realizamos con los niños pequeños en la piscina municipal el verano pasado.

La verdad es que fue una experiencia muy buena y nos lo pasamos muy bien. Ha sido divertido, he conocido a mucha gente y la verdad es que repetiría. De hecho, hoy estoy aquí para hacer más cosas.

Aún no lo se en qué otros programas voy a participar. Pero me da igual, todo lo que tenga que ver con esto me encanta. Cualquiera de ellos!”

Maria del Carmen Macarro “Sí, hoy he estado en el taller de Gamers, que son juegos de mesa. La verdad es que ha estado muy bien, es muy entretenido.

He conocido a mucha gente y me ha gustado mucho la experiencia. De todos los talleres me gustaría también participar en el de Dijing.”

Silvia, María y Lucía “Sí, hoy hemos estado las tres en el taller de danza y la verdad es que nos ha gustado mucho, muy guay. a ir a ver ahora.”

También nos gustaría participar en el de grafitti, lo vamos

Joaquín Díaz “La verdad es que no he participado en ninguno, sólo venía a patinar. Pero ahora que los he visto, la verdad es que sí que me gustaría participar en el de grafitti y en el de los juegos de mesa, el taller de Gamers.”

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lokotos crew

rimas de redención

sueños y ganas de superarse.

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H

e pasado meses escuchando a este cuarteto de raperos desde que los conocí en Quillacollo, en el evento skin contra el racismo. “Tienes que escuchar a Lokotos Crew si te gusta el rap”, me dijo el bajista de Kultura Anónima en ese concierto.

Aún recuerdo que me impactó su presencia en escenario.

Lokotos Crew son jóvenes que salieron de las calles. Aunque puedas sacar a alguien de las calles, sin embargo no puedes sacar a la calle de ellos, se recita por ahí, y menos sus

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Decidiendo visitar la Llajta (Cochabamba), y coincidiendo con varias fechas importantes, estos músicos se encontraban en el Martadero, presenciando el Llajta Rock. Como siempre, llego con demora por mi casi nulo conocimiento de la ciudad, y apenas llego para escuchar a la última banda al finalizar el festival, pero a tiempo para encontrarme con Leo y Acho de Lokotos Crew Under Movimiento Rap. Acho afirma ser del departamento de La Paz, nacido a orillas del Lago Titicaca, y nos explica el por qué de cantar en Aymara (lenguaje nativo del occidente boliviano). Me mira, denota que aún recuerda su infancia en Copacabana,

Salimos del Martadero. Mucha gente eufórica nos arrastra rumbo a la salida para mimetizarnos con la noche. Los raperos Ariel Leo, Acho y Alan, músico de Wookie Dread, nos acompañan, en tanto los hiphopers comentan que empezaron el 2006 con la música. Así mismo, tengo curiosidad de saber qué tan improvisados son sus versos, y les pido puedan empezar unas rimas, y allí en medio pude distinguir algo así: Arieleo: “Sigo con esto, mi puto manifiesto/ es la verdad man, /hay que vivir la música nada más, tener buena vibra y listo/ todo va a llegar como siempre/ podemos llegar lejos/ Quiero llegar donde se pueda llegar, querer conoces otras partes del mundo/ y sus realidades/ Quiero pisar diferentes escenarios y hacer troya sus mentes/ hacer shit ¡las ideas cuadradas! /Mostrar el picante que hay en mi ser/Quiero que la gente coree mis temas/ que se conecten y contagien con este ritmo/ quizás soy muy ambicioso pero no deja de ser un sueño y eso me motiva a seguir adelante con este arte”

mientras tiene una sonrisa de niño grande que completa con su mirada juguetona, una eterna sonrisa al parecer que blande en su vida.

En otra ocasión, queriendo saber más de la banda en un concierto, me dijeron “estos chicos eran repesados (gente intensa o peligrosa), ahora su música es de paz”. El Reggae los representa y su rap es el mensaje.

El rap es muy honesto, y basta escuchar una canción atendiendo a la letra y lo que dicen para comprender eso. “Pasa el tiempo” claramente es uno de esos ejemplos, ya que me parece una canción de redención, de darse una nueva oportunidad, de la calle al arte. Así lo entiendo en esta reivindicativa canción.

Rap en Aymara, rap con vida disparan mientras estamos en las calles Aroma y Loayza, detrás del mercado Calatayud. Coca en mano pijchando para el frío, para el hambre, para esperar el día. Leo tiene un agudo sentido del compás y de sus tiempos cuando rapea, sorprendiendonos a Alan y a mí. De repente transforma su voz en un motor y salen versos en cadencia afroamericana. Es imposible detenerlo. Sin embargo, Acho lanza un cambio de ritmo hablando de su vida, su rap, acelerándose en Aymara. Los Lokotos Crew Under Movimiento Rap atraen a extraños en la noche con su energía.

Los coros de las canciones son muy potentes, llevando un potente mensaje de paz: “Vive, Sueña, Enseña, deja a tu paso buena vibra, buena energía motiva”, dejando un estribillo que llena de vivencia su rap. Cuando improvisan intuyo que Acho contribuye mucho en los coros.

Acho: “lo que quiero hacer, lo que quiero vivir / sabes que se rapea para existir/ hacer música LaCarne Magazine

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pero que suena bien, muy muy bien”.

La banda tiene como integrantes, además de Acho y Arieleo, a Demente y Cuerdas Flojas.

Afirma Arieleo: “Cuerdas Flojas es profesor de música, aportando a la banda demasiado, así como Demente hace muy buenos coros, tiene una voz aguda con cambios de voz. Somos una gran mezcla, ellos ponen toda su esencia al hacer música”.

“Cuerdas Flojas es llamado la Rockola humana, tanto con la guitarra como con acordeón.

Gracias a sus arreglos pudo concretarse Pasa el tiempo (2012), pues la música es melódica y alegre. Su tiempo es limitado, pero estaremos en nuestro aniversario, que se celebra el 20 de abril (4/20). En la Feria Cannábica nos encontrarán” “A Demente lo conocí en el 2005. Fuimos armando algo entre tres, pero el cambio llegó en el 2012, cuando fusionamos nuestra música y decidimos llamarnos Lokotos Crew. Demente tiene raíces punk, excelente compositor, como La Profecía estamos muy metidos en el proyecto. Como todos, pasamos por todo: cosas buenas, cosas malas..., y nuestras experiencias de vida se pueden contar, pero no sólo eso, sino proponer algo más a la movida, que

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no todo esta tan mal, que tengan esperanza que las cosas buenas tardan en llegar, si caemos volver a levantarnos..., es por lo que cada uno pasa.”

Amanece. El recuento nos lleva a que conocimos nuevas personas, que oyendo los versos logramos una amistad inmediata. La música une a las personas, me repito. Volvemos a caminar entre la ya despierta ciudad, cuando Leo dice “quiero transformar la mente de la gente. Lokotos Crew es eso, nosotros somos picante”.

Leo y Acho nos conducen a una calle donde un viejo portón contiene en sus entrañas una vecindad. Quedamos en una conversación “Ya entramos a estudio, el nuevo disco está cerca”, afirman. El lugar se llena de periodiqueros, un gran patio hace las veces de cafetería para los trabajadores de la noticia. Siento como una premonición de que Lokotos Crew van a lograr algo de lo que hablar, y pronto los veremos en las portadas de los ejemplares noticiosos. Leo remata “Y siempre, nos vamos a ir y te vamos a dejar picado porque vas a tratar de esperar algo más de nosotros, eso es Lokotos”. ¶

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diversas experiencia

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D

urante el último mes he tenido unas cuantas experiencias, relacionadas con la improvisación libre, más o menos dispares. De la primera que quiero hablar es del miniconcierto que pude dar junto a Alba Morín (violín), Gregorio Kazaroff (percusión y electrónica) y Joey Molinaro (un músico americano de Pittsburgh que pasó por Madrid a mediados del mes de marzo). Antes de nada, me gustaría decir que no estaría de más buscar referencias de estos músicos citados, porque ahora sólo voy a hablar de Joey. Molinaro da conciertos de música compuesta por él ejecutando piezas únicamente con el violín, su voz, y llevando el ritmo con los pies. Una combinación muy sugerente porque da la impresión de estar viendo a un minigrupo acús-

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tico o eléctrico con una intensidad increíble.

Después de su concierto a solas, nos incorporamos los demás e hicimos un set muy dinámico, divertido y bastante loco, ya que acabamos tirando taburetes al suelo y tocando con ellos puestos en la cabeza. En cuanto vi que Joey se dedicaba a desvariar, yo me lancé a la piscina sin pensarlo…, y eso que yo estaba tanteando al principio, al no saber cómo podría reaccionar él. Un show muy performático.

Un tipo muy atractivo este Joey, sí. Una buena referencia suya: ver enlace.

También he estado tocando con un par de cuartetos, aunque solo voy a hablar de uno de ellos, simplemente porque tengo alguna documentación de ese concierto, no porque esté más contento con un cuarteto que con el otro.

Las dos experiencias han sido muy excitantes.

Precisamente con el cuarteto del que no voy a hablar, Aether, vamos a repetir concierto en dos semanas, debido a que nos fuimos muy

as improvisatorias

contentos de la primera sesión (a ver si conseguimos grabar algo ese día). El cuarteto al que me voy a referir es el formado con Enrique Zaccagnini, Gregorio Kazaroff y Marta Sáinz. Enrique y Marta tienen un registro muy amplio: desde lo más abstracto e intimista, lleno de detalles (el concierto que dimos ese día fue más o menos en esa línea) hasta lo más ruidoso, escandaloso y carente de ellos. Fue un concierto donde aprendimos todos mucho, descubriendo en el momento nuevas formas de expresión y nuevas estrategias. Hay una pequeña muestra en este video:

No es que sea una muestra muy fiable de lo que pasó allí, pero eso es lo que pasa con este género musical. Esos momentos son efímeros y esos sonidos también, son irreproducibles. He aquí uno de sus atractivos.

Y otra experiencia son los encuentros entre los miembros de la Orquesta de Libre Improvisación Raras Músicas. Ya he comentado alguna vez que esos “ensayos” no son ensayos propiamente dichos. En esos encuentros aprovechamos para tocar, compartir ideas y probar diversas estrategias. Una de ellas es la que está reflejada en esta grabación: escuchar audio. Tocamos cinco piezas distintas, en las que solo había diferencia de ritmo y timbre entre cada una de ellas.

Debido a que la única regla que había era que cada uno de los que íbamos a tocar decidiéramos dos de las cinco piezas, sólo podíamos tocar en dos de ellas. Algo muy interesante (que ya lo probé cuando estuve en Cáceres con Epy Figueroa y cía el pasado mes de enero) porque eso obliga a cambios de timbre continuos, algo primordial en este tipo de música, en mi opinión. Eso es lo que crea distintas texturas y cambios de atmósferas.

Y la última de las experiencias han sido las grabaciones. He grabado a través de la red con gente distinta. Por ahora no tengo los resultados, pero en cuanto los tenga, no duden que hablaré de ellos. Esto de grabar a kilómetros de distancia es algo único e increíble desde mi punto de vista.

Es otra forma de entender la música. No sólo existe el directo, la grabación es una herramienta primordial a mi modo de ver para expresar todos los pensamientos. Por supuesto, hace décadas que ya se sabe esto, pero internet ha dado una nueva dimensión. ¶ LaCarne Magazine

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n una entrevista publicada recientemente, (ver ahora) Mick Harvey cuestiona a su excompañero en The Bad Seed, Nick Cave, y a la grabación de su disco Skeleton Tree (2016), proceso que ocurrió casi semanas después de la muerte del hijo de Cave en terribles circunstancias: “Yo no entiendo del todo por qué lo hizo. Para mí es demasiado raro hacer un objeto artístico con los materiales de la tragedia, algo promocional en definitiva, pero no es mi hijo el que murió ni soy yo el artista que estaba grabando un disco cuando ocurrió la tragedia.” El año 2016 fue un año oscuro en la escena musical. La muerte fue el denominador común: David Bowie, Prince, Leonard Cohen, George Michael y un enigmático etcétera.

El disco de la banda Sorority Noise, You’re Not as _____ You Think (2017) empieza con la canción “No Halo”, introduciendo furiosamente el tema principal del disco, la muerte del mejor amigo del vocalista Cameron Boucher, con estas palabras: “Esta última semana apenas dormí ocho horas”. ¿Acaso no son estas dos líneas perfectas para resumir la larga pesadilla despierta que todos sufrimos el año 2016 con la desaparición en serio de músicos largamente queridos? Sin embargo, estas líneas inauguran lo que será una decena de canciones que no decaen en ningún momento en la expresión de la furia por la muerte de nuestros seres más queridos, de nuestros mejores amigos, muertos por causa de la heroína, en el caso de Cameron Boucher. Al igual que Nick Cave con su hijo en Skeleton Tree, Sufjan Stevens con su madre en Carrie and Lowell (2015) y Mount Eerie con su esposa en A Crow Looks at Me (2017), en este disco Boucher se enfrenta con esa imposibilidad de hacer algo, lo que sea, para sobrellevar la muerte y el vacío que le sigue.

Poner a Sorority Noise al lado de figuras ya tan prestigiosas como Nick Cave y Sujfan Stevens no es un gesto gratuito. El disco

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sorority

reseña de “you’re no

noise

ot as ___ you think�

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You’re Not as _____ You Think es una obra en potencia pura y casi perfectamente armado. Sólido en su manejo del género Emo, PostHardcore, Punk, y con alguno que otro minuto de un necesario EmoScream, nada menos que a través de un grito inarticulado que cierra un par de canciones. La relación entre el género musical que se pretende poner en escena en este disco y el tema abordado es de una correspondencia notable.

La escena Emo tuvo su momento de esplendor que se desvaneció en el recuerdo de una corriente de hiperafectación emocional, que hizo que se asociara este estilo expresivo con el desborde de la adolescencia y, a veces, se lo tuviera por menos, sí, hay que decirlo. Años después, rescatando toda esta influencia, Sorority Noise rescata esta tradición, pero llevándola más allá, pues, inevitablemente, las letras hiperconfesionales y extremadamente íntimas del proceso de duelo de Boucher, el vocalista de la banda, se intercalan entre sonidos típicamente heredados de la tradición Emo/Hardcore (“No Halo”, “A Portrait Of”, “Dissapeared”, “Where are you” y “Leave the Fan On”) con otros temas casi minimalistas (“First Letter from St. Sean”, “A Better Sun”, “Car”, “Second Letter from St. Sean”) en los que, contrariamente a los momentos más Emo Scream, dejan escuchar una límpida interpretación vocal de Boucher a punto de quebrar en llanto. Todo esto sin perder el hilo narrativo musical. Repitámoslo entonces. Este contraste entre la furia de los riffs heredados de la tradición Emo, Hardcore y Punk con momentos tristes y minimalistas, hacen que este disco logre trascender más allá de la sombra de la

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música Emo para devenir en un estilo único e irrepetible. Por todo esto, este disco es uno de los imprescindibles del año 2017. Pocas veces uno se encuentra con piezas tan plenas de, citando una de las obras maestras de Andrés Calamaro, honestidad tan brutal.

El disco termina con “New Room” una balada folkie grabada en baja definición. Las últimas palabras dicen: “Y yo, yo esperaré hasta que no seas tan grandioso para mí/no es justo”.

Volviendo a la pregunta inicial sobre porqué hacer de una tragedia un objeto hecho para ser “promocionado” (las respuestas de muchos críticos musicales a este disco fueron elogiosas y, claro, esto no pudo ser posible más que por un esmerado programa de marketing por parte de la banda y su equipo), la respuesta es bastante difícil. Para los que podemos tener la oportunidad de escuchar este “material”, la respuesta es la de encontrarse ante algo asombroso, totalmente único y, probablemente, irrepetible en la historia de esta banda aún muy joven. Quién sabe. Tal vez una respuesta provenga de la historia del arte, del concepto base, según el escritor Severo Sarduy, de la existencia de la estética barroca: el horror vacui o miedo al vacío, miedo que llevaría al ser humano a crear nuevas formas sobre las cuales sobrevivir, y mediante las cuales poder hacer frente a este vacío horroroso que, en este caso, es la muerte de quienes más amamos. La pregunta queda flotando en el aire. Como diría el difunto Leonard Cohen en la canción “Chelsea Hotel N.2”: “…somos feos pero tenemos a la música”. ¶

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ternacionales.

L

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as Noches de Santa María cumplen 15 años ya. Durante el año pasado pudimos participar de este programa cultural, que hizo que disfrutáramos de actuaciones de danza, teatro y música de una gran variedad de estilos.

Las Noches de Santa María vuelven un año más, y en esta ocasión están de celebración, ya que cumplen 15 años. La Diputación de Cáceres sigue apostando fuerte por los programas culturales, y la presidenta, Charo Cordero, así lo destacaba el pasado mes de Abril durante la presentación de Las Noches de Santa María.

El ciclo tendrá lugar del 18 de Abril al 26 de Mayo, y, como cada año, se celebrará en la ciudad extremeña de Plasencia. Durante este periodo podremos disfrutar de artistas nacionales e internacionales que pasarán por este ciclo para hacernos disfrutar de los sonidos del Jazz, el Góspel, Canción de autor, Flamenca, canción fusión, además de espectáculos de magia y teatro.

Aywa, Riobó, Divine Gospel, Antonio Lizana y Prexton son sólo algunos nombres de los artistas que pisarán las tablas del Auditorio del Complejo Cultural Santa María de Plasencia. Serán un total de seis artistas: dos nacionales, dos internacionales y dos grupos extremeños.

El día de la presentación, la presidenta de la Diputación Provincial de Cáceres, Charo Cordero, a la que acompañaba el diputado de Cultura, Juventud y Deportes, Álvaro Sánchez, destacaba la fuerte apuesta que ha hecho la Diputación en este programa cultural, además del incremento presupuestario que se ha destinado al ciclo.

Gracias a ello, durante este año Las Noches de Santa María ha podido ampliar su programación y traer a más artistas nacionales e in-

Charo Cordero señalaba además que este tipo de eventos contribuyen a la cultura, al desarrollo económico y al turismo de la zona.

Para ello, este año la Diputación Provincial de Cáceres ha desarrollado “Cultura Crea Turismo”, un programa que se verá reflejado claramente en Las Noches de Santa María de Plasencia.

El ciclo es ya todo un referente en la provincia, y como bien señalaba la presidenta de Diputación, Las Noches de Santa María es un ciclo que acerca la cultura a los ciudadanos de Plasencia y de toda la provincia de Cáceres. Álvaro Sánchez Cotrina, Diputado de Cultura, Juventud y Deportes, destacaba que con este ciclo se estaba cumpliendo el reto que les propuso la propia presidenta, que no es otro que el acercamiento y el equilibrio entre el mundo rural y el urbano.

Las Noches de Santa María se han convertido ya en un referente dentro de nuestra provincia, y cada año son más las personas que se acercan a la cita cultural.

Ya hemos podido ver a…

PREXTON (Canción de autor) 18 de Abril Auditorio del Complejo Cultural “Santa María”

El día 18 de Abril pudimos disfrutar de la Canción de autor de Prexton. El cacereño afincado en Galicia ha presentado recientemente su primer disco en solitario, 42. Para este disco ha contado con la colaboración de grandes músicos y artistas como Julián Saldarriaga LaCarne Magazine

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(Love of Lesbian, Mi Capitán) o Alejandro Masafret (Rozalén, Soraya, Antonio Jose, Fredi Leis…). Actualmente se encuentra en plena gira a la que ha llamado “El Sentido de la gira”.

Más información ANTONIO LIZANA (Flamenco-Jazz) 25 de Abril Auditorio del Complejo Cultural “Santa María”

La compañía de teatro Las 4 Esquinas representará la obra de teatro El Hilo Rojo del Destino, que cuenta la historia de Violeta, una joven adolescente que vive con su madre adoptiva.

Tras una discusión, la joven quiere saber por qué la abandonaron, cuáles son sus orígenes y si hay alguien que la pueda estar esperando.

La leyenda dice que todos estamos atados a otra persona por un hilo rojo invisible, y que es esa otra persona la que le da sentido a nuestra vida. A través de una experiencia interior, Violeta se descubre a sí misma y conocerá a personas que le harán ver la realidad de su pasado.

Delicadeza y crudeza que harán que florezcan las emociones, la pasión y la esperanza.

El pasado día 25 tuvimos el placer de disfrutar del Flamenco-Jazz de Antonio Lizana.

Este gran compositor, cantaor y saxofonista, ha hecho que grandes figuras del Jazz y del Flamenco se queden impresionados. Oriente es el tercer trabajo de Lizana, que se publicó el pasado mes de Marzo, en el que el gaditano experimenta con los sonidos y ritmos del Este, que encaja a la perfección con los sonidos del Flamenco-Jazz, algo ya característico en este gran artista.

DIVINE GOSPEL REUNION (Gospel) 9 de Mayo a las 20:30h Auditorio del Complejo Cultural “Santa María” Entrada libre hasta completar aforo

Más información

Aún quedan por ver…

LAS 4 ESQUINAS “El Hilo Rojo del Destino” (Teatro) 2 de Mayo a las 20:30h Auditorio del Complejo Cultural “Santa María” Entrada libre hasta completar aforo

El Gospel ha sido el culpable de que estas tres grandes voces se unan para cantar. Joniece Jamison, Victoria “Tori” Robinson y Linda Lee Hopkins desplegarán toda su energía sobre el escenario con tres estilos musicales, en un show que hará que al público se le corte la respiración. Tres voces que quieren compartir con el público la amistad, el amor y la auténtica cultura Gospel.

RIOBÓ (Celta) 16 de Mayo a las 20:30h Auditorio del Complejo Cultural “Santa María” Entrada libre hasta completar aforo

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Riobó es el quinteto formado por Begoña Riobó (violín y voz), Marcos Campos, (gaita, acordeón y flautas), Fernando Pérez (flauta y requinta), Xosé Liz (bouzouki) y Fernando Barroso, (guitarra).

El sonido de Riobó mezcla los sonidos de los instrumentos más tradicionales, la música de autor y la música de raíz. Canciones que invitan a bailar y que hacen una clara alusión a la música gallega.

Riobó publicó su último trabajo Quiral en 2015, y han pasado por numerosos festivales como el Festival do Mundo Celta de Ortigueira, el Festival de La Luz (organizado por Luz Casal), el Festival Intercéltico do Morrazo y el Festival Intercéltico de Lorient (Francia).

El concierto de Clausura

AYWA (Fusión Magreb-Francia) 26 de Mayo a las 20:30h Plaza de la Catedral Entrada libre hasta completar aforo En esta edición de Las Noches de Santa María, los encargados de poner el broche final será la banda Aywa.

Cantos del Magreb, Fusión, Rock, Jazz y Raï se mezclan de forma explosiva para hacer bailar a todo el público. Esta mezcla de música tradicional con estilos de música más actuales, hacen de Aywa un grupo de música del que todo el mundo puede disfrutar.

Una de las características que define a Aywa es esa diversidad musical y ese espíritu de compartir, que se refleja en la energía que despliega la banda en directo y su conexión tan especial con el público.

Aywa es energía músical para el cuerpo y el alma.

La Diputación Provincial de Cáceres acerca la cultura a los ciudadanos de la provincia con Las Noches de Santa María, y harán que disfrutemos un año más de un programa cultural cargado de actuaciones nacionales e internacionales. Feliz 15 aniversario y que cumpláis muchos años más! ¶ LaCarne Magazine

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metalized

presenta “back to metal” guerras y la ambición humana.

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E

l dúo formado por José Luís Anillo (Silver Beats) y Héctor Núñez (Ashes 2 Ashes / Siberia) editan su debut discográfico autoproducido a través del sello Rock CD Records. Una nueva apuesta enmarcada en el Hard & Heavy de corte clásico, con una producción actual y guiños al Hard Rock americano de las décadas ´80 y ´90. Duro y potente, como diria Banzai.

Abren el disco con la canción que da título al álbum, “Back to metal”. Una canción que te puede recordar a Iron Maiden o a Helloween, con grandes riffs, buenos coros y un solo de guitarra al final absolutamente espectacular.

Ahora llega el turno de quemarnos con “Into the Fire”. Las sirenas preceden al incendio que se va a provocar con esta canción llena de ritmo, y que a nadie va a dejar indiferente y tampoco sin bailar. Una canción criticando las

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“Corrupt Trash” es un tema veloz y con grandes cambios de voz y melodía, para gritar en las calles bien alto “Basura Corrupta!” a los políticos. Una canción que bien recuerda al Metal alemán de los 80 y a las bandas Heavys clásicas de la península.

Llega el turno de la balada “Forsaken”, con un comienzo lento y melancólico, con una gran voz de Hector y un gran trabajo de José Luis, aumentando cada vez más el ritmo de la canción sin dejar de lado a los sentimientos. Puede recordar a baladas clásicas. A mí personalmente me recuerdan a las baladas de Scorpions, con el piano al final poniéndole el broche de oro a la canción.

Por desgracia, llegamos al final con “Deadly Devotion”, pero se despiden como empezaron: con grandes coros, buenos riffs y sonido Hard rock de la vieja escuela. Absolutamente perfecta.

Con este trabajo demuestran las tablas que

tienen en el escenario, y que se merecen ser reconocidos por todas las partes del mundo.

No hay palabras suficientes que alaben lo suficiente este gran trabajo. Se les notan las ganas y sobre todo el esfuerzo que emplean en cada composición.

Metalized puede recordaros a Iron Maiden, Quiet Riot, Kiss, Saxon, Scorpions, Accept, Anthrax y a los principales grupos del Hard Rock de los 80, pero aportándoles ellos un sonido propio. Metalized se merece que la gente, cuando escuchen un nuevo grupo, puedan

decir “me recuerdan a Iron Maiden, Saxon, y sobre todo a Metalized”.

Si quieres hacerte de una copia física del cd, date prisa en conseguirla, hay pocas unidades en formato físico de Back to Metal, y está disponible en Redes Sociales y a través de Sube Un Escalón, en la recientemente inaugurada Tiendadelrock.com, además de descarga digital gratuita desde metalized.bandcamp.com ¶

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avenged sevenfold reseña de “the stage” LEER MÁS

O

tra vez Avenged Sevenfold, banda natal de California nos vuelve a sorprender con lo que es considerado su mejor disco desde el City of Evil del 2005.

Después del polémico Hail to the King, Avenged Sevenfold decidió tomarse un tiempo y pensar en el siguiente disco, el cual sería el sucesor del mismo. Muchos pensaron que el nuevo disco se demoraría bastante pues la alineación no daba noticias de ningún nuevo proyecto.

Pero cuando la banda sacó el video del tema “The Stage”, enseguida las redes sociales se inundaron de comentarios y expectativas. ¡Un mes tenían que esperar los seguidores de esta banda para conseguir el disco! A finales de noviembre, el dia 28, los californianos lanzaron su nuevo trabajo discográfico titulado The Stage, y como si de una broma se tratara, ese mismo dia lanzaron también la portada del disco, así como el track list de su séptimo álbum de estudio. ¡Todo en un mismo dia!

Definitivamente, Avenged Sevenfold decidió darle a todos sus fans una gran sorpresa. Y no es para menos, The Stage es ya considerado uno de los discos más especiales jamás lanzado en toda su carrera.

En comparación con su antecesor, Hail to the King, este nuevo disco es mucho más personal y del cual la banda requirió más tiempo del normal para crear este disco. Eso sí, esto llevó a que M. Shadows, Zack y los demás integrantes de la alineación tuvieran que exprimir todas sus ideas para elaborar cada canción.

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Musicalmente hablando, cuando uno escucha el disco no pareciera que estamos escuchando a aquellos tipos que, años atrás, hicieron reventar escenarios enteros con trabajos como “Sounding The Seventh Trumpet” y “Waking The Fallen”, y quienes nos traerían temazos como “Bat Country”, en donde hacían gala de su enérgica juventud. Otra de las cosas a destacar es que en este disco la banda deja a un lado su manera habitual para entrar en terrenos más profundos como el Progresivo y el Heavy Metal. Eso sí, exploran estos terrenos a un nivel más extravagante del normal, y le añaden su toque de Metalcore, característico de sus anteriores discos. A todo esto se le añaden conceptos tan disímiles como son la inteligencia artificial, el desarrollo de la robótica y el consecuente futuro de la humanidad.

Esto podemos apreciarlo si escuchamos “The Stage”, el primer tema del disco. Con ocho minutos de duración y la poca velocidad sonora, estamos ante un tema más bien oscuro y muy poco común en cuanto a la musicalidad de Avenged Sevenfold a la que nos referimos.

Musicalmente es un tema en el que destacan las guitarras de Zacky Vengeance y Synyster Gates (uno de los mejores guitarristas de estos tiempos) y, guiados por la enfurecida forma del nuevo baterista Brooks Wackerman (ex Bad Religion), hacen que de esta mezcla se expandan poderosos y precisos riffs y todo esto matizado por un luciente M. Shadows, quien hace galas de su voz en un sonoro, adornado y muy bien llevado estribillo. ¡Toda una explosiva atmosfera rockera!

Pero la estelar voz de M. Shadows llega a su momento cumbre justo a la mitad del tema cuando, durante el potente solo de la guitarra, hace gala de un increíble registro acústico que nos cautiva, para luego darle paso a una llu-

via de clásicas guitarras que nos deja con un sabor de boca fenomenal. Todo esto hace de este tema uno de mis favoritos.

Una de las más sublimes valías de The Stage es el ver cómo en este disco la banda californiana saca a relucir la velocidad como nunca.

Nada mejor para apreciar esto que el empezar de “Paradigm”, el cual arranca de una manera bestial para después dejarnos deleitar con un muy melódico estribillo, y algún que otro registro gutural por parte de M.Shadows. Bien que este tema pudiera, muy pronto, convertirse en unos de los clásicos de la banda, al igual de temazos como “Almost Easy” o “Afterlife”.

Otro de los temas que tampoco se queda atrás en cuanto al lado más oscuro del disco es “Sunny Disposition”. Al escuchar este tema, cuando menos te lo esperes se irá transformando en una especia de Jazz maligno, alternando entre ritmos decadentes y más veloces.

Pero si de dar caña se trata, nada mejor entonces que lanzarse de cabeza contra “God Damn, con la que entre los blast beats explosivos de batería y puros guitarrazos que parecen brincar entre lo eléctrico y lo acústico, no nos permitirá descansar en ningún momento.

Sin duda, estamos ante uno de los mejores LaCarne Magazine

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Foto por Rafa Alcántara temas del disco, entre otras cosas, gracias a la manera en que combinan diferentes estilos del Metal, entre ellos el Trash, que destaca de manera bastante notable.

para adaptar nuestra escucha hacia un tema al más característico estilo de Avenged Sevenfold, algo que seguro no defraudará a los viejos fans.

“Creating God” es uno de estos temas que te atrapará hasta lo más profundo. Vale destacar la remolinesca melodía presente en toda la composición, y también la presencia de mucho “groovie”, justo antes del estribillo. Lo anterior dicho se asemeja mucho al Hail to the King, así como los demoledores riffs que nos recuerdan algo parecido a Nightmare. Todo esto acompañado de un enorme riff de guitarra.

Otra de las canciones que nos confunde es “Higher”. Con un empezar que te llega a engañar de nuevo, rápidamente no demora en romper otra vez en una canción plagada de potencia y melodía, arrastrándonos hacia un estribillo bastante empalagoso, debido al fácil tapping de guitarras, lo que nos permite encarar con facilidad.

Entrando ya en la mitad del álbum llega, a mi entender, lo más difícil de asimilar, pero sin ofender, los temas restantes son muy buenos llegando incluso a tener momentos sobresalientes en el disco. No obstante, esto me recuerda a lo que me pasó con Nightmar, y es que a Avenged Sevenfold le gusta usar baladas y medio tiempo siempre a la mitad del álbum y hasta el final del mismo. Esto es algo para lo que hay que poner mucho ahínco para poder disfrutar del álbum, pero al final uno se percata que ha valido la pena.

La primera de estas baladas es “Angels”, un tema bastante agreste y lleno de opacos sonidos de guitarras, así como desconsoladas sombras saliendo de la triste y agonizante voz de M. Shadows.

Seguimos con “Simulation”. A pesar de que el primer minuto y medio tiende a confundirnos, no es así. Distante de ser una balada (aunque algo enigmática en este tema) debido a la ligera persecución, es causante de la destrucción de una atmósfera pseudo-psicotrópica,

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Estamos ante la madre de las baladas de este disco: “Roman Sky”, con un sabor bastante añejo que nos hace recordar aquellos sonidos de los años 70 y 80, matizado esto con sonidos orquestales que ratifican la etérea atmósfera de la música.

Ya casi cerrando el disco, nos llega “Fermi Paradox”, un tema bastante llamativo. Es asombrosamente brutal cómo se puede apreciar ese estallar thrasher, que queda mezclado por el efecto tan curioso de una batería que lanza hacia el blast beat, y el escuchar una voz ralentizada de M. Shadows, que hace del ritmo de esta canción una perfecta acentuación de los efectos del tema sobre nosotros.

La cima del disco, el momento cumbre y, sin duda, el track más atrayente del álbum. Y no es para menos, pues “Exist” constituye la canción más larga de la historia de la banda californiana. Con 15 minutos y 40 segundos, estamos en presencia de un majestuoso tema, y la vez constituye un tesoro en sí mismo. De su extensa duración, 12 minutos son puramente instrumentales, empezando por una introducción donde podemos apreciar un so-

nido parecido a un órgano, y que luego nos va introduciendo a una lluvia de riffs y solos característicos del Metal Progresivo (toda una delicia para nuestros oídos), esto barajando con una hermosa parte acústica en la que el vocalista hace galas de su registro vocal, y para terminar un torrente de riffs guitarrísticos, una renovadísima técnica percusionista de Brooks Wackerman y los sonidos procedentes de los sintetizadores y teclados que, acompañado de un pequeño discurso del científico y astrofísico estadounidense Neil deGrasse Tyson, le dan a este tema un magistral final, para no olvidar. Por decirlo de otra manera, estamos ante uno de los temas con mejor instrumentalidad del disco, debido claro a la extensa duración del mismo.

No quepa la menor duda de que The Stage muestra un proceso de madurez realmente maravilloso (digno de los grandes). A pesar de que Avenged Sevenfold no han olvidado quiénes son y saben cómo complacer a sus más fieles seguidores, nunca han dejado de innovar y agregarle frescura a su quehacer musical al explorar nuevos terrenos desconocidos. Dando como resultado creaciones de tal magnitud entre las que encontramos “Strength of the World”, “M.I.A” o “A Little Piece of Heaven”. Sin embargo, con The Stage los californianos han ido más allá de lo habitual, al traernos un disco bastante trabajado con un sonido mucho más serio y profesional, con un diáfano sentido, y lo más importante, sin dejar la melodiosa faceta que siempre los ha caracterizado.

Todo el que pueda escuchar este disco de principio a fin, notará que le resultará un poco difícil entender el mismo. Al principio podrá resultar algo chocante y de vez en cuando desconcertante, pero si se le presta la atención requerida, disfrutar y vivir este disco será todo un show inolvidable.

Conmovedor, apasionante, asombroso, abundante melodía, vigor, belleza, caña, baladas…

The Stage es todo esto y mucho más. A esto debemos añadirle el magnífico trabajo de producción a cargo de la banda y en complicidad con Joe Barresi (Apocalyptica, Queens of the

Stone Age, Coheed and Cambria) y, de destacar el excelente trabajo desempeñado por parte de los integrantes de esta alineación, de los cuales Synyster Gates y Wackerman merecen todo el reconocimiento. En cuanto a M.Shadows, se nota cómo los años han pasado y su voz no es la misma de hace 10 años atrás, pero esto no le impide mostrar sus dotes vocalisticas a la altura que se espera de él. Y también que el bajista Johnny Christ podría haber realizado un mejor trabajo.

Resumiendo, a pesar de ser un gran seguidor de esta banda californiana, jamás pensé en ver un disco de este calibre con la estampa de los Avenged Sevenfold. Como dije al principio, no quepa la menor duda de que estamos ante su mejor trabajo desde City of Evil del 2005, y eso sin lugar a dudas merece el reconocimiento y apoyo de los más devotos de la banda. ¡Ojalá y en futuro la alineación californiana nos traiga más sorpresas! ¶

Alineacion Avenged sevenfold

M. Shadows / Voz Zacky Vengeance / Guitarra, coros Synyster Gates / Guitarra, coros Johnny Christ / Bajo, coros Brooks Wackerman / Batería

Track list

(con enlaces directos a Youtube para ver los videos) 1. The Stage (8:32) 2. Paradigm (4:18) 3. Sunny Disposition (6:41) 4. God Damn (3:42) 5. Creating God (5:34) 6. Angels (5:40) 7. Simulation (5:31) 8. Higher (6:28) 9. Roman Sky (5:00) 10. Fermi Paradox (6:30) 11. Exist (15:41)

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el mejor disco de metallica?

análisis de “hardwired... to self-destruct” 48 LaCarne Magazine

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O

cho años tuvimos que esperar los seguidores de Metallica, la maquinaria más potente del Rock, para poder disfrutar de nuevas canciones. ¿Pero valió la pena esperar tanto tiempo? En mi opinion, creo que sí.

Luego del potente Death Magnetic, la banda se enfrascó en diversos proyectos como fue el Lulu con Lou Reed en el 2011, un disco que desde el punto de vista de muchos no aportó nada nuevo, y por lo tanto no vale la pena ni escuchar. Después vinieron en el 2013 dos sorpresas mas: “Metallica - Through the never”, película hecha en 3D en el que la banda hace un recorrido por los temas más famosos de toda su discografía, y luego se les ocurrió nada menos que hacer un concierto en la Antártica. Pues sí! Aunque no lo crean, la banda decidió ofrecer un concierto en la Base Carlini en las islas de Shetland, al sur del continente frente a una docena de amigos, fans y algunos pingüinos también. ¡Algo sorprendente!

Pero en todo este tiempo la banda también estuvo cocinando un nuevo disco que salió al mercado el pasado mes de noviembre con diferentes formatos: CD en Edición Normal (2 CDs) y en Edición de Lujo Limitada (3 CDs).

En mi caso, pude conseguir la Edición de Lujo Limitada, y es la que les traigo hoy en estas páginas. Tres discos conforman esta edición de lujo, y en mi opinión constituye el mejor trabajo de Metallica en años. Vale destacar que la banda hizo un video de cada canción, y podréis verlos en la página oficial o en YouTube.

disco 1

El Disco 1 abre con “Hardwired”, un tema que nos retorna al pasado cuando la banda hacía puro Trash Metal, y en el que hacen gala de potentes, poderosos y agresivos riffs. Sin duda, un temazo.

Le sigue “Atlas Rise”, tema que parece hecho por Iron Maiden, pues tiene claras influencias del ya conocido “Hallowed Be Thy Name”, uno de mis temas preferidos.

A continuación “Now That We ´re Dead”, una mezcla de romanticismo con lo gótico, y de la cual les recomiendo vean el video.

Con “Moth Into Flame” podremos ver una canción donde le meten caña a raudales con una mezcla melódica que encaja con el estilo de la banda, y donde Hammet hace gala con sus mejores solos de este primer disco.

“Dream No More” constituye uno de los temas más oscuros del disco, que nos hace recordar himnos como “Sad But True”, sobre todo por el sonido de los platillos en los intermedios.

Este primer disco termina con “Halo on Fire”, el tema más largo del disco con ocho minutos y algo más. Guitarras melódicas, fragmentos acústicos y la inconfundible voz de James Hetfield, llena de potentes melodías y convencido de cada movimiento vocal. Vale destacar aquí la gran cantidad de cambios rítmicos que nos atraparán dentro del tema. ¡Pero si este primer disco estuvo genial! ¿Qué podremos esperar del segundo?

disco 2

El mismo abre con “Confusion”, el cual comienza con unas potentes baquetas y riffs de primera, y donde una vez más Hetfield hace galas de la suya con su poderosa voz.

“ManUNkind” es pura mezcla entre la batería y la guitarra conjugadas a una velocidad increíble. Junto con la voz melódica de Hetfield y los diversos cambios de ritmos, hacen de este temazo uno de los mejores de este segundo disco.

A aprtir de aquí entramos en los temas más flojos, en mi opinión. “Here Comes Revenge”, es un tema que sigue una línea similar a “Confusion”. A pesar de tener partes un poco frías, resulta un poco monótona y para nada sorpresiva. Un esfuerzo que hace la banda por mantenerse a flote durante el tiempo que dura LaCarne Magazine

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la misma.

Seguimos con “Am I Savage”, tema que va disminuyendo su firmeza sonora a medida que nos adentramos en su escucha. Algo irónico porque a pesar de la rudeza de Metallica, nunca han dado razones para no hacer buenos temas. Este track, junto con “Here Comes Revenge”, es un tema que no me llama la atención.

Con “Murder One” vamos subiendo escalones, demoniaca composición resultante de una mezcla entre “Welcome Home (Sanitarium)” de Master of Puppets y “New Machine” de los míticos Overkill. Estamos ante una canción totalmente partidora por como viaja entre lo clásico y lo nuevo. ¡Y que decir de la parte rítmica! Algo que bien vale la pena destacar es

garradora voz de Hetfield: constituyen puro Trash Metal en su estado más sólido.

Los restantes temas son: “Helpless”, “Hit The Lights”, “The Four Horsemen”, “Ride The Lithing”, “Fade to Black”, “Jump In The Fire”, “For Whom The Bell Tolls”, “Creeping Death” y “Metal Militia”. Todos estos temazos, que constituyen clásicos de la banda, fueron grabados en vivo en Rasputin Music como parte de la gira de presentación del disco, y constituye un regalo para los amantes de esta potente maquinaria. De más está decir que no hace falta mi opinión sobre los mismos, pues todos conocemos estos himnos.

Y para terminar este tercer disco, Metallica nos regala el tema con el que dieron a promocionar este triple CD, me refiero a “Hardwired”,

que la misma constituye, visible en la lirica, un homenaje al maestro Lemmy Kilmister, quien acaba de cumplir un año de fallecido el pasado mes de diciembre.

pero esta vez en vivo en Minneapolis. Con sólo escuchar en estos vivos la energía y ovación del público, nos podemos imaginar el derroche de energía por parte de los anfitriones.

Para terminar este disco, nada mejor que “Spit Out the Bone”. Puro Trash hasta la máxima categoría. Aquí la banda nos llena los oídos con la más pura adrenalina y de qué manera. ¡Es Metallica en estado máximo! Desde mi punto de vista Metallica escogió un buen tema para cerrar este disco.

Creo que ocho años de espera han valido la pena para que Metallica nos haya traído este súper potente disco, sea cual sea el formato que consigan. Demostrando así una vez más que la maquinaria más potente del Trash Metal tiene todavía mucho Trash por regalarnos.

disco 3

El tercer disco nos trae tres temazos “Lords of Summer”, “When A Blind Man Cries” y “Remember Tomorrow”, en el que el cuarteto hace galas al derrochar, ¡y de qué manera!, los más potentes riffs, bajos, guitarras y con la des-

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¡Así que a correr y a comprar el “Hardwired…

To Self-Destruct”! ¶

https://metallica.com/

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makurka

celebramos con ellos su aniversario

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ra jueves 6 de abril. El teatro Nuna se llenó de seguidores de la banda Makurka. Definirlos es un tanto difícil, podríamos decir, como afirman ellos, que son “un grupo de amigos con un mutuo sentimiento… El amor a la música”. La mezcla de Ska, Reggae y el ambiente de los ritmos latinos hacen delicias en la gente que los escucha.

Recién llegados de su participación en el Recital Por la Memoria, conmemorado el 24 de marzo en Jujuy, Argentina, los integrantes de

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la banda se encontraban en camerinos muy a gusto y escuchando el sonido de Mortal Wachín, afirmando estar aún muy orgullosos de ser la única banda extranjera en ser invitada al recital. La euforia los caracteriza. En minutos tomarán el escenario. Solo veo camaradería y bocaditos entre las risas.

Consigo un disco y logro autógrafos de la banda. Son músicos accesibles, pese a tener los primeros puestos en los rankings más conocidos del país, pero se sienten cómodos en escenarios internacionales como en festivales dominicales. Siempre con una sonrisa, su director Silvio Riveros pone un “gracias” en su firma, y salgo para esperar su ejecución, que lleva años de prolijidad.

En su disco se puede evidenciar a invitados reconocidos del medio, como Marco Maciel haciendo voces en “Una Señal”, Rodrigo kabra Cabrera en “Gracias”, o el virtuoso charanguista Donato Espinoza en “Por Las Venas”, incluso a su productor, Goy Caramelo, haciendo voces igualmente.

Asimismo, los invitados no se dejan esperar en el aniversario de Makurka. Dos de ellos, invitados de la banda, Los Bolitas y Bilo Viscarra se integra con los celebrados en la canción “Por Las Venas”, con esa inconfundible influencia del folclore boliviano.

Hay globos en el escenario, las luces iluminan con tintes azules y rojos, alcanzo a apreciar un par de niños que vienen a ver el concierto con sus padres. Makurka es para toda la familia, así sabes que son bien recibidos en escenarios del país.

Además, la banda puede lograr mezclar música como pocas con mensajes en contra de las dictaduras y el autoritarismo en su éxito “Qué diciendo”, que pretende recordar a los políticos, líderes religiosos y angurrientos del dinero que la población es quien tiene la última palabra. Mira su video oficial.

Muchas veces el teatro se encuentra con mesas en la pista, ese no es el caso cuando toca Makurka celebrando nueve años de recorrido, y dos con su nueva conformación, pues la gente está dispuesta a bailar en esa explanada en frente del escenario. En ella se pueden ver jóvenes que de a poco se van arracimando para estar cerca de la banda. Se abre el telón.

“Una señal” y otros éxitos de su disco lanzado en 2015 hacen que la gente se ponga eufórica. Corean “Makurka sonando en el salón”. En sus influencias salen a flote notoriamente la cumbia colombiana, pero además, para variar, sacan canciones como “Casita de Pobres” de Azucena Aymara.

Makurka es definitivamente material de exportación, y con la reciente participación que tuvieron en Argentina se unieron lazos para empezar por ese país una gira internacional, afirma Tucho Rojas, saxofonista y representante de la banda. Esta banda, fundada en el 2008, ya ha madurado lo suficiente para decidir ese camino que desea, y conseguirlo con su música.

La noche continúa, pues Makurka tiene mucha más energía para lograr hacer bailar a su público toda la noche.

Pueden seguir a Makurka para bailar en los siguientes links. ¶

ver facebook ver youtube LaCarne Magazine

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LACARNE

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europa y latinoamĂŠrica

investigaciรณn

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guía de

monitores de estudio de menos de 400€

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n esta guía os voy a mostrar, desde mi punto de vista, una comparativa de Monitores de Estudio para todo aquel que tenga pensado montarse su Home Studio, o que ya lo tenga montado y esté buscando el cambiar sus monitores por algo un poco más profesional. Digo algo más profesional o semiprofesional porque los monitores que vamos a mostrar aquí no van a pasar de los 400€ la unidad, y para buscar algo de gama alta ya nos tendríamos que ir a un presupuesto de unos 1000€ por unidad.

De todas formas, creo que son monitores más que sobrados para poder montarte un buen Home Studio en casa, siempre que vayan acompañados de un buen acondicionamiento del mismo donde los vayamos a montar.

Deciros también que unos tendrán más res-

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puesta en graves que otros, pero no lo veo un indicativo para compararlos ya que mucha gente prefiere añadir un sub de estudio para buscar esa frecuencia, y creo que es la elección más acertada. Como siempre, bajo mi humilde opinión.

Creo que lo mejor a la hora de elegir es mirar y valorar lo que opine la gente en los foros, aunque luego tengáis la última palabra. Deciros también que todos los que he elegido son monitores Activos, por los que no hace falta amplificación externa.

ADAM F7

Este modelo incorpora tecnología X-ART, y gracias a ello tiene una respuesta en frecuencias agudas que solo las suelen dar monitores de clase superior.

ción calidad precio.

Especificaciones: - Sistema de 2 vías - Woofer de 5” (50W) - Tweeter de 3/4” (30W) - Respuesta en frecuencia: 58Hz - 20kHz - Ecualización de sala conmutable - Entradas: XLR, TRS thomann de 1/4” y RCA Precio/Alrededor de 385€.

Especificaciones: - 7 Pulgadas - 70w de woofer - 40w tweeter - Frecuencia 44hz-50khz - Entradas xlr, rca.

KRK RP8 ROKIT G3

Y además cuenta con ecualizador para poder corregir según donde vayas a montar el estudio.

Precio/Alrededor de 300€.

Genelec MO30 Posiblemente los monitores más usados en todos los home studio caseros, con un presupuesto medio, y gran relación calidad- precio en todos sus modelos, tanto de 5,6 como de 8 pulgadas. Son duros, fiables, buenos bajos y bastante bien en frecuencias altas.

Poco hay que decir de la marca Genelec en cuanto a monitores de estudio, pero lo que si hay que decir es que, debido a su calidad y profesionalidad, siempre han tenido unos precios desorbitados (rondando y pasando los 1000€). Pensando en abrirse a mucho más público, ha presentado la Serie MO con unos precios muy ajustados y con muy buena rela-

Especificaciones: - Woofer de 8” de Fibra de vidrio de Aramida - Tweeter de cúpula blanda de 1” - Amplificador de 100W de Clase A-B - 75W LF - 25W thomann HF - Respuesta en frecuencia: 35Hz - 35kHz - Conectores de entrada: RCA, XLR y TRS de 1/4” Precio/Alrededor de 260€.

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MACKIE MR8 MK3

Aquí tenéis otros buenos monitores en relación calidad-precio. Su potencia es algo más grande que los anteriores que hemos visto, y son otra buena opción si lo que quieres es darle caña de vez en cuando. Pero bueno, vayamos a lo importante, ya que en realidad lo que buscamos no es eso, que yo me disparo enseguida y ya quiero subir el volumen jejejeje.

Especificaciones: - Woofer de 8” - Tweeter de 1” - Amplificado A/B 85W - Respuesta en frecuencia: 35Hz - 20kHz (-3dB) - SPL máximo: 113dB - LF y HF ajustables - Conexiones: XLR, TRS thomann y RCA Precio/Alrededor de 240€.

YAMAHA HS8

Aquí tenemos a otro modelo que en los últimos años se está posicionando como el sucesor, o por lo menos como un digno aspirante, a desbancar a los KRK en muchos home studio domésticos. No lo digo yo, lo dice el aumento de ventas que ha tenido en estos últimos dos años en todos sus modelos de 5,7 y 8 pulgadas.

Buena calidad de sonido que nada tiene que envidiar a modelos superiores, pero la única diferencia respecto a los KRK es que no llevan una salida subwoofer para graves, pero no por

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ello son ni mejor ni peor, depende de cómo nos guste configurar nuestro home studio.

Mucha gente prefiere acompañar estos monitores con un buen sub, ya que, siendo sincero, pocos, muy pocos monitores de estudio en este rango de precios saca unos buenos bajos.

Especificaciones: - Wolfe de 8” (75W) - Sweater de 1” (45W) - Sistema simplificado Bass Reflex de 120W - Respuesta en frecuencia: 38Hz - 30kHz - Entrada XLR balanceada - Entrada TR thomann de 1/4” balanceada - Entrada de nivel ajustable - Control de sala y control de ganancia Precio/Alrededor de 285€.

Para terminar, creo que, bajo mi punto de vista como os dije antes, todos estos monitores son fantásticos para montar un Home Studio, todo depende después del oído de cada uno y de la configuración que le des acorde con la acústica del mismo.

Una muy buena opción es valorar las opiniones de los demás, aunque vuelvo a deciros que el mejor consejero es vuestro oído, así que si tenéis la ocasión de probarlos antes, muchísimo mejor.

Espero que os haya orientado un poco en este tema con mi artículo, y el mes que viene publicaremos la segunda parte con varios modelos más que están en este rango de precios. ¶

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la importancia de las

mujeres compositoras L

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a circunstancia de la muerte reciente de María Luisa Ozaita, pianista, musicóloga, directora y compositora que fue fundadora y presidenta durante veinte años de la Asociación Española de Mujeres en la Música, me lleva a considerar la condición femenina en el terreno de las artes con respecto a la composición musical, dándose el hecho de que en este sector apenas ha sido tenida en cuenta. Tiempo atrás, las mujeres compositoras no aparecían en los libros de texto, y sus nombres nos eran prácticamente desconocidos. Sí, es verdad que hemos oído hablar de Clara Schumann y de Pauline Viardot, que respectivamente añadieron a sus actitudes respectivas de pianista y cantante, la de compositoras, pero de pocas más podríamos conocer detalles cuando son en todo el mundo miles las compositoras. En el panorama nacional no eran las cosas más favorables. ¿Diríamos que la mujer no ha sido tocada por la gracia de la inspiración? No lo creo, pero sí que no han sido muchas las que han destacado en el universo que busca elaboración de sonidos con sus caracteres tanto armónicos, tímbricos, y de estructura formal, que es la composición, si bien en el campo de la interpretación, la evaluación femenina es más que brillante.

En Hispanoamérica, sin embargo, se ha contado desde antiguo con un excelente plantel de mujeres compositoras traspasando fronteras. En un amplio horizonte que abarca desde

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la música comercial, de espectáculo, escrita para orquesta, algún instrumento o para la voz.

Ahí tenemos a María Grever de finales del siglo XIX, compositora mexicana que escribió música de concierto, música para películas y más de 800 canciones populares, algunas tan conocidas como “Júrame” o “Muñequita linda”, y que formó, junto a la cubana María Teresa Vera y su compatriota Consuelo Velázquez, el trío de compositoras que destacó de manera notable en el mundo del bolero. Ésta última, concertista de la Filarmónica de la UNAM y de la Sinfónica Nacional, dejó su carrera como pianista para componer temas populares. El éxito le llegó a raíz de “Bésame Mucho”, bolero que compuso con 16 años, y se dice que inspiró a Paul McCartney para escribir años después “Yesterday”.

De Perú nos llegaron ecos de la más conocida compositora del país, Chabuca Granda, cantautora y folklorista cuya producción se universalizó. De ella quedan, entre otras famosas canciones, su “Flor de la Canela”, y “Fina estampa” como ejemplo. También está la chilena Violeta Parra, y para resumir sucintamente este mosaico de mujeres compositoras de Hispanoamérica, María Elena Walsh, poeta, escritora, cantautora, dramaturga compositora argentina y mucho más. Adalid de la democracia como se simboliza en algunas de sus canciones: “Oración a la justicia”, “Como la cigarra”… Venerada y considerada «mito viviente, prócer cultural y blasón de casi todas las infancias” Ajustándonos a España y a las mujeres que han trabajado la música desde el lado de la

composición, quienes vivimos desde hace muchos años el devenir musical, hemos oído hablar y hemos conocido la música de la arriba mencionada María Luisa Ozaita, que luchó por la promoción y la difusión de las obras de las compositoras. Con ella, Matilde Salvador, castellonense, y la primera que consiguió estrenar una ópera en el Liceu de Barcelona: “Vinatea”.

De degeneraciones posteriores, las madrileñas Zulema de la Cruz, con cátedra de composición y electroacústica; Consuelo Díez, de gran prestigio, y me viene a la memoria la canción “El Precio”, que escribió expresamente dedicada al barítono Alfredo García, mi admirado amigo; María de Alvear, premio nacional de música en la modalidad de composición; Mercedes Zavala, también en la defensa y valores de la mujer compositora y, en fin, para terminar de nombrar tan solo algunas, Pilar Jurado, compositora exitosa subiendo al Teatro Real su opera “La página en blanco”, siendo la primera mujer que estrena una Opera en el Real.

se caracterizan en general por el esfuerzo en innovar, romper con lo establecido, descubrir nuevos timbres desarrollando en este sentido una gran capacidad creativa. Sus aportaciones han ensanchado la arquitectura musical de modo notable, y los horizontes musicales atisban novedades insólitas.

Y no sería justo obviar a una compositora de la tierra extremeña. Nacida en Cáceres tenemos a la joven Marta Lozano. Mujer llena de entusiasmo, que trata también de explorar caminos nuevos, y que colaboró un tiempo en LaCarne Magazine escribiendo sobre sinestesia musical.

Es cierto que las mujeres, para desarrollar su capacidad creativa, han tenido dificultades a lo largo de la historia. Hoy felizmente sus cotas pueden igualarse a las masculinas, y se desarrollan en múltiples géneros. Tal vez ya el Instituto de la mujer, vinculado con la música, y la Asociación Española de Mujeres en la Música, no sea instituciones tan necesarias. Sería la demostración de que estamos en esa igualdad tan deseada en todos los aspectos.

Son mujeres compositoras españolas del tiempo presente. Todas ellas, además intérpretes cualificadas en otras materias como lo es la Jurado, eminente soprano de todos admirada. Algunas recibieron encargos de la Orquesta Sinfónica de Extremadura con estrenos en nuestra comunidad. Sus obras

Igualdad que debería demostrarse con nutrida participación femenina al XXVIII premio a jóvenes compositores para la que la fundación SGAES-CNDM tiene abierta convocatoria hasta el 4 de septiembre, donde se reparte en premios un montante de 11.700 €. ¶

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historia de los instr electrónicos parte 3 LEER MÁS

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espués de hacer un balance de los inicios y la evolución de la historia de los instrumentos electrónicos, vamos a terminar el artículo con los últimos avances que se han ido desarrollando, y cómo la tecnología digital vuelve a dar paso a los viejos instrumentos analógicos.

En los años ochenta, los instrumentos electrónicos no están ajenos a todas las innovaciones y al auge de todo lo relacionado con lo digital, y se aplicó a la síntesis electrónica con una infinita variedad en lo relacionado al procesado, secuenciamiento y almacenamiento de información apareciendo el ordenador Fairlight, el muestrador Emulator y la estación de trabajo Yamaha DX7.

la y abrieron un nuevo mercado de instrumentos para síntesis de ritmos, y son las míticas “TB-303” y “TR-808”.

Es ahora cuando aparece el Techno y el House. Este último nace en Chicago, y estaba destinado y orientado al público afroamericano, y ya en los años noventa es cuando aterriza en Europa, mezclándose con el Pop. Por otra parte, el Techno nace en Detroit, y se basa en el uso experimental de los sintetizadores y con influencia del Jazz y el Funk. Al ir transcurriendo los años, surgieron diferentes géneros como Tech House, Deep House, Acid, Minimal, Trance, etc.

Vamos a centrarnos en los dos sintetizadores más importantes que revolucionaron la música electrónica y la general:

A principio de la década de los ochenta, Roland lanzó a la venta unas cajas de ritmos que al principio no tuvieron repercusión. Por este hecho se dejaron de fabricar, y hubo una serie de jóvenes que por su bajo coste podían hacer música. Eran sonidos ácidos, y crearon escue-

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YAMAHA DX7

Vamos a hablar un poco del instrumento que revolucionó estos comienzos de década: Yamaha DX7. Este sintetizador digital se empezó a comercializar en 1983, siendo un éxito

rumentos de venta. Se utilizó un tipo de modulación de la frecuencia que se desarrolló en los años setenta en la Universidad de Stanford por el profesor John Chowning. Los sonidos eran creados por unidades llamadas “operadores“ que trabajan como moduladores. Cuando se conecta, uno modula el sonido del otro para producir más, y este instrumento tiene seis operadores que se colocan con 32 algoritmos.

El DX7 fue el primer sintetizador que tenía un puerto único de entrada del regulador de respiración, lo cual permitió al que lo tenía manipular el timbre utilizando la presión de respiración que iba por un tubo. Hay que destacar los sonidos de timbre agudo y procesa el audio a través de una reverb, lo que hace que se vuelva más brillante. Su interfaz MIDI es primitiva ya que solo transmite por el canal 1, aunque a su vez puede recibir por los dieciséis que tiene. La velocidad que tiene el teclado por vía MIDI está como mucho 118 con pulsación enérgica. Ya a finales de 1986, sale a la venta el modelo DX7II y su novedad es que puede ser bitímbrico, posibilidad de tener sonido dual, SPLIT, sonido estéreo, etc. En este vídeo de Depeche Mode podéis ver como se maneja este sintetizador.

CASIO

Esta compañía japonesa hizo su incursión en el mercado en 1982, y sus interfaces de programación eran redirigidos por menús digita-

les. Su línea CZ utilizó la síntesis de distorsión de fase, y fueron los primeros en tener MIDI. La síntesis puede ser categorizada mediante modulación y síntesis por distorsión. Más tarde, a finales de los ochenta, Casio lanzó la serie VZ que mejoró la síntesis por distorsión de fase incluyendo elementos de síntesis por modulación de frecuencias, y después de esto fueron los últimos que utilizarían este tipo de síntesis.

ROLANDTB-303

Sintetizador con un secuenciador integrado que fue muy importante en la evolución de la música electrónica, ya que fueron los Dj residentes en Chicago los que lo utilizaron para crear música House. El tema “Acid Tracks” de Phuture se considera el primer tema donde se incluyó los sonidos prototipos de este sintetizador. Este sonido, que se dio a conocer mundialmente como “Acid”, era producido por un patrón de notas que repetían alterando el corte de frecuencia del filtro y la resonancia modificando el volumen de la nota, permitiendo variar el timbre. Este instrumento incorpora datos de notas en el secuenciador programable de 16 pasos, ofreciendo un método fácil de pasos-tiempo.

Ya para finalizar, estos sintetizadores, y los modelos que surgieron después, influyeron en los orígenes de este tipo de música y todas sus vertientes, teniendo los primeros que salieron un hardware analógico, y terminando los últimos con hardware digital que emula al analógico. Hubo grandes artistas y grupos que los utilizaron siendo muy característico su sonido, como Duran Duran, Depeche Mode, Spandau Ballet, Culture Club, Eurythmics, Deadmau5, Frankie Knuckles, Marshall Jefferson, Carl Cox, Jesse Saunders, Jeff Mills y un largo ecétera. ¶ LaCarne Magazine

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viernes, 12 - 21h

da

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ESPECIAL Escenario

IJEX@WOMAD

viernes, 12 - 19h

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Afrontamos esta actuación con muchas ganas y emoción. Womad es un evento fantástico que nos aporta la posibilidad de mostrar nuestra música, y llegar a más gente que no tienen noticias de nosotros. Somos muy fans del festival y sabemos que en él se crea un ambiente lleno de magia donde nuestra música va a encajar muy bien. Sinceramente, con ganas de subirnos al escenario y llenar la plaza de Santa María de Pop, Rock y mucha Psicodelia.”

“ “

Actualmente estamos muy centrados en los conciertos que estamos dando y nos quedan por dar. También andamos perfilando la maquinaria de la banda para que en los directos consigamos dar lo mejor y suene como un tiro. Por otro lado, estamos trabajando en nuevas canciones que en este verano comenzaremos a grabar.”

Creemos que Womad es una plataforma fundamental para dar visibilidad a las bandas emergentes de Extremadura. Para nosotros es un empujoncito en la espalda que hace que te vea más gente. Ahí en directo, encima de las tablas, donde una banda se muestra tal y como es, sin trampas ni cartón. Para el público es un buen momento para dar un viaje por nuestra música.

Habrá gente que no nos haya escuchado nunca y se podrán unir a nuestro viaje.”

“

Creemos que es muy importante la labor que están haciendo los equipos del Instituto de la Juventud a las bandas. De pronto, bandas que lo tenemos realmente jodido, nos dan un apoyo en algo tan importante como un lugar donde poder ensayar, como el que tenemos en

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conoce al grupo

DA comenzó sus andanzas musicales a principios de 2013 con actuaciones en pequeños cafés de Badajoz, donde su música y estilo se fue fraguando. Los temas de David, con un estilo propio de cantautor, se ambientaron con las guitarras atmosféricas de Rubio Salas y el bajo pesado y contundente de Charly Benítez, que junto al percusionista iraní Siamak Eqtesady al Daf (instrumento típico de irán) le daba un aire propio e identidad inconfundible. Su primera maqueta “La ciudad no duerme”, con cinco cortes de estilo introspectivo, fue la carta de presentación en la ciudad. Ésta se vendió por cafés y librerías.

Componentes

David Delgado, Rubio Salas, Abel Carrión, y Medín Rodríguez

Discografía

La ciudad no duerme (Maqueta, 2013), Color (Ep, 2014), Universos (Ep, 2016)

Enlaces

Ver web Ver Youtube Ver Facebook la Factoría Joven de Badajoz. O contar con tipos como Daniel Cardiel (dinamizador y técnico de sonido del ECJ de Badajoz), que dedica toda una mañana a grabarnos temas en directo en el estudio, y hacerlo con una sonrisa en la cara, a pesar del embolao en los que le metemos.

En estas cosas hay que apostar porque valen realmente la pena. Cada día que salimos de la sala de ensayo nos cruzamos con muchachos más jovenzuelos cargados de sus instrumentos con la ilusión de hacer música y disfrutar de ello. Sólo por eso, las Factorías de Juventud deben existir, para que se llenen de chavales con ganas de crear una banda y hacer canciones para contar sus movidas.“

“

Ya en 2015 hicimos un festival con más bandas que ensayan en la Factoría Joven de Badajoz. Fue una noche genial en el salón de conciertos, donde pudimos compartir tablas con más bandas. Sin duda fue una noche llena de música y buen rollito con los demás compañeros.”

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ESPECIAL Escenario

IJEX@WOMAD

viernes, 12 - 21h

darío gonzález y malapata band “ “ “

Afrontamos nuestra actuación en WOMAD con mucha ilusión y con muchas ganas de reventar nuestras propias expectativas. Salimos para comernos el escenario y hacer que para el público sea un WOMAD difícil de olvidar.”

Ahora mismo estamos tratando de grabar un Videoclip y yo, Darío González, estoy trabajando en un disco en solitario para el que cuento con el apoyo de mis compañeros, y estimo que el disco verá la luz entre 2017 y 2018.”

Un escenario exclusivamente para grupos extremeños en el WOMAD tiene mucha importancia, ya que facilitan que se pueda tomar más en serio a los compositores e intérpretes que surgen en nuestra región. Además, se les ofrece la posibilidad de mostrar su trabajo en un escaparate de elevada repercusión.”

70 LaCarne Magazine

conoce al grupo

Darío González y Malapata Band es un proyecto que se formó en 2013 en la ciudad de Cáceres. Su cometido es deleitar mediante una rumba airosa y despreocupada, y acercar al público a un ambiente callejero, donde nacen la música y las letras de Darío.

Componentes

Darío González Gonzalo Barrera Luis Sanz Manuel Ruiz Aitor Moya Juanlu González

Discografía

Primer Tratado de Sensaciones Irregulares (Cd, 2016)

Enlaces

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Siempre hay que pedir más y más, pero nos alegra ver que el Instituto de la Juventud apoya a los jóvenes músicos extremeños, y deseamos que sigan apoyándonos con su trabajo.“ No hemos tenido conocimiento de otras actividades del Instituto de la Juventud, pero estamos seguros de que, a partir de ahora, estaremos encantados de seguir disfrutando con sus proyectos.”

LaCarne Magazine

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ESPECIAL Escenario

IJEX@WOMAD

viernes, 12 - 23h

el último tren “ “ “ “

Afrontamos nuestra actuación con la mayor de las ilusiones. Para nosotros es un premio poder participar en un festival de la talla del WOMAD.” En estos momentos estamos trabajando en la difusión de nuestro último trabajo Nada Que Decir, el cual publicamos el pasado octubre (2016). Ahora lo que más nos apetece es tocar y disfrutar de este trabajo.”

Creemos que es importante para todos los músicos extremeños saber que tu comunidad apuesta por el talento que hay en nuestra tierra con un escenario exclusivamente para nosotros en el WOMAD, que es mucho.”

En un mundo tan difícil como el de la música, es muy alentador cuando surgen cosas como ésta. Además, nosotros, que somos un grupo que nació en un Espacio para la Creación Joven, sabemos de lo que hablamos, pues si no llega a ser por aquellas guitarras eléctricas, batería..., que nos prestaron hace ya algunos años, puede que nunca hubiera entrado el gusanillo de formar una banda. Y además de esto, el apoyo durante toda tu carrera, como nos surge

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conoce al grupo

El Último Tren nace a finales de 2003 en el Espacio para la Creación Joven de Almendralejo. En 2005 graban su primera maqueta y en Septiembre de ese mismo año son elegidos para participar en el Circuito de Artistas Urbanos junto a M-Clan. En diciembre de 2008 resultan ganadores del Festival Llámal@s X, tocando en el Alkántara Rock en Julio de 2009. En 2010 publican su primer trabajo Patas Arriba. Fueron nominados en 2011 a “Mejor videoclip musical del año” en los Premios de la Música de Extremadura.

Tras un cambio en sus filas y dos años de duro trabajo, salió a la venta en 2016 Nada Que Decir.

Componentes

Nacho Rodriguez Rafael Romero Miguel Barroso Nuria Obreo

Discografía

El último tren (Maqueta, 2005) Patas arriba (Cd, 2010) Nada que decir (Cd, 2016)

Enlaces

Ver Facebook Ver Instagram Ver Twitter ahora con el WOMAD.“

“

Una de las mejores experiencias que hemos podido vivir a través del Espacio para la Creación Joven, y de esta forma del Instituto de la Juventud, fue en el año 2005 cuando fuimos elegidos para participar en el Circuito de Artistas Urbanos, donde pudimos compartir escenario junto a M-Clan. No todos los días se puede compartir escenario con un grupo de este calibre.”

LaCarne Magazine

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ESPECIAL Escenario

IJEX@WOMAD

viernes, 12 - 01h

mayes “

Es una oportunidad muy especial para compartir con mi ciudad lo que hago. Para ello estamos seleccionando las que consideramos las canciones más representativas de mi trabajo, con sonidos que la gente que haya seguido mi trayectoria, reconocerá al instante. Además, cuento en el escenario con el apoyo de Rmd y de Pab’Loparte, sin los cuales, la actuación no sería lo mismo. Queremos llenar el WOMAD de energía y buenas vibraciones, aportando nuestro toque personal.”

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Actualmente estoy trabajando con Fénix en lo que será “Noviembre”. Un ensayo sobre la pérdida y la muerte, sobre nuestro lugar en el universo. Un viaje íntimo y personal de ambiente enrarecido, que esperamos poder compartir con todos antes de que acabe el año.”

El escenario Ijex del WOMAD de Extremadura es una herramienta fantástica para reconocer a los artistas extremeños su constancia, esfuerzo y valía. Además, sirve a los propios artistas para compartir sus trabajos, dentro de un festival de renombre como es el WOMAD. Una iniciativa que aplaudimos con fuerza desde los rincones más humildes.”

74 LaCarne Magazine

conoce al grupo

Mayes es un Mc cacereño, con gran trayectoria a sus espaldas. Desde su primera reseña junto al grupo TSB en el año 2004, hasta su último trabajo en solitario “Nómada” en 2015, ha consolidado su música participando en todo tipo de proyectos con gran variedad de artistas nacionales e internacionales. Es un miembro clave dentro del panorama hiphop extremeño y bajo su supervisión y la bandera de su estudio musical han salido a la luz numerosos trabajos de otros artistas nacionales, como The Jeiters, Ras Ganjah, Mayo, Keka Otero, Balas de Ira, Prisma, Ese Mané, Shaitan, EPR Crew, etc.

Componentes

Manuel Álvarez.

Discografía

Proyecto: Horchataman (2006), Oscar & Mayes (2009), Paisaje Paradoja (2009), Los Hijos de La Plaga (2010), Rapeando a las cucarachas (2013), The Jeiters - Antes del Odio (2014), BrjOne & Mayes - Nómada (2015), Sucias Crónicas (2012-2016)

Enlaces

Ver Soundcloud

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Hay todo un submundo cultural escondido en Extremadura, que poco a poco se yergue contra todo pronóstico. Desde las instituciones se han dado cuenta de ello ¡Y menos mal!

Obviamente aún queda mucho por hacer en cuanto a lo cultural se refiere, pero todo granito de arena es bien recibido.“ Hemos participado en muchas actividades y proyectos de toda índole del Ijex. Estamos contentos con el trato que siempre hemos recibido y esperamos que continúen las iniciativas y apuestas por lo cultural.”

LaCarne Magazine

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ESPECIAL Escenario

IJEX@WOMAD

sabado, 13 - 19h

k-tólicos “ “

Afrontamos este concierto con muchas ganas, y encantados de poder ser partícipes de este consolidado festival de índole internacional, considerado como uno de los encuentros multiculturales que caracterizan el panorama cultural de Cáceres.”

En estos momentos estamos metidos de lleno en el local preparando nuestro cuarto disco que grabaremos a finales de año, pero la oportunidad que nos ofrecen para tocar en este festival y en otros no podíamos desaprovecharla. Así que estaremos en Cáceres en el WOMAD el próximo 13 de mayo, y en Trespaderme (Burgos) en el festival TRESPAROCK el 22 de julio, compartiendo escenario con Def Con Dos y El Último Ke Zierre entre otros.”

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¡¡La presencia musical extremeña en un festival como WOMAD se hace imprescindible!!

Esperemos que siga siendo así año tras año. Es una oportunidad única para dar a conocer al público que viene de diferentes países, los grupos de nuestra tierra.”

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conoce al grupo

K-tólicos nace en Madrigalejo (Cáceres) a finales del 2003. Sus influencias van desde el rock, punk, hardcore…abarcando cualquier estilo que se asemeje a sus gustos musicales (Sex Pistols, Ramones, Segis, Barricada, etc…) de donde toman las primeras referencias absorbiendo mucho en su riqueza melómana, principal seña de identidad de esta banda extremeña catalogada como tal. Con tres discos en su haber y muchos kilómetros recorridos hasta llegar a diferentes salas y festivales de todo el país, K-tólicos está trabajando en su cuarto disco que se presume como el más importante y del que pronto se tendrán novedades.

Componentes

Carlos Fdez Jorge Mahugo David Morro Ismael Tarriño

Discografía

A Comulgar (2006), Desde El Ombligo del Mundo (2008), Se Lleva Dentro (2012)

Enlaces

Ver Twitter Ver Youtube Ver Facebook

“ “

El apoyo de instituciones y administraciones públicas se hace necesario, pues son una vía de ayuda y apoyo al músico para difundir su trabajo.“ No habíamos participado en ninguna actividad del Instituto de la Juventud, pero esperamos que ésta sea la primera de muchas.”

LaCarne Magazine

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ESPECIAL Escenario

IJEX@WOMAD

sabado, 13 - 21h

javi dinohaurio “

Lo más bonito de tocar en WOMAD es saber que puedo expresarme en mi tierra, a menos de una hora de mi casa, donde me sigo sintiendo en casa. Es una maravilla cantar en Cáceres para toda la gente que nos escucha, y que está por conocernos y escucharnos. Quizás estoy nervioso pero sólo por el tamaño del escenario hahah. No estoy acostumbrado a algo tan grande, lo nuestro son las salas en acústico. Es como que nunca termina de llenarse, pero a la vez te llena lo necesario para tener el subidón de felicidad.

Sobre todo estoy muy feliz por poder ir tan bien arropado y acompañado por grandes músicos, y de poder disfrutar haciendo lo que quiero hacer.”

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Ahora mismo nuestra idea es seguir tocando con la misma agrupación en todos los lugares donde nos den una oportunidad, grabar alguna maqueta para poder financiar un disco, pero quizás lo más importante sea el proyecto que tenemos con Dinohaurios, donde contaremos tanto con Vicky como con Medín para los conciertos con banda. Es un honor tocar junto a ellos y que vayamos todos de la mano en esto, que es lo más parecido a un camino angosto, muy largo y duro, pero en un paraje exótico y lleno de magia.”

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Un escenario exclusivamente para grupos extremeños en el WOMAD es el más importante.

Sí, todos lo son, pero que los jóvenes artistas extremeños, que estamos empezando a levantar la voz a través de la poesía que hay en nuestras letras, y de las melodías de las canciones

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conoce al grupo

Me cuesta mucho empezar por el principio porque tengo que hacer memoria de momentos borrosos que tenían relación con la música y quizás eran momentos en los que podía apreciarla, pero era muy chico. Ahora es cuando más siento esa necesidad de expresarme. Antes era cantar y solo aprender a tocar y cantar más y más. Ahora, aparte de eso, me lo tomo como una forma de vida. Un pensamiento diferente a cualquier otra cosa también única y diferente en sí misma. Como cualquier arte que de repente reconduce por un camino.

Componentes

Javi Dinohaurio, Vicky González y Medin killian

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que se nos arrancan del pecho, tengamos un lugar donde poder hacerlo dentro de nuestras ciudades, más accesible y menos costoso tanto en desplazamiento como en supervivencia (simplemente viajar para darse a conocer es demasiado caro si no podemos hacerlo desde lo más cercano), es un paso de gigante. Me siento de ningún lugar pero soy extremeño, y tocar en Extremadura, y para mi gente de Extremadura y todo aquel de donde quiera que venga, es lo que más me ilusiona. Soy feliz y he sido infeliz tocando en cualquier parte, pero ese escenario, en esa plaza, es algo que tiene que pasar sí o sí. Es algo necesario. Si no, ¿para qué creamos?”

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Yo pienso que sólo por crear este espacio, este escenario en este festival ya se merece mi respeto y el de los músicos extremeños que tienen la oportunidad de mandar la solicitud, que creo que son tod@s.

Y que siga siendo así siempre. Que nunca falte la oportunidad de hacerlo, ni las personas que nos dan esas oportunidades.“

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Nunca habíamos participado en ninguna otra actividad del Instituto de la Juventud más que está. Lo único que conozco bien es el Centro Joven de Badajoz, donde vamos mucho a bailar, a patinar, a ensayar en las salas que hay allí preparadas, que en verdad nos hacían mucha falta y ya podemos aprovecharlas, y aprovechar el tiempo de manera artística o creativa.”

LaCarne Magazine

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ESPECIAL Escenario

IJEX@WOMAD

sabado, 13 - 23h

kuqui alegre

“ “ “ “

Este concierto en WOMAD será una experiencia muy bonita de cara a la salida del disco.

Siempre es un lujo tocar delante de tanto público, y poder enseñarle al mundo lo que tú haces y cazarlos para que se vengan contigo.”

Actualmente se está preparando por fin la salida del disco, que tantos problemas nos ha dado, y empezando la gira de éste.

Con muchas ganas y más Rock and Roll saldrá todo adelante!”

Es algo motivador ver que apuestan por la gente de la tierra con proyectos interesantes como un escenario exclusivamente para grupos extremeños en el WOMAD. Otra forma de divulgación de la buena música que tenemos por aquí y lo poco que se interesan por ella.”

El trabajo del Instituto de la Juventud apoyando a los jóvenes músicos extremeño es muy interesante, aunque no comparto que te exijan no estar en la SGAE. El músico debe y quiere vivir como tal, y así cortan las alas a posibles ingresos por Derechos de Autor ante tanto público.“

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conoce al grupo

Kuqui Alegre, es una joven promesa del Indie-Rock nacional. A sus 24 años de edad ha tocado con diferentes bandas del género, creando su propia trayectoia musical, y ademas es autor de todos sus temas. En el 2015 comenzó su carrera en solitario con una gira de conciertos en acústico, presentando lo que en 2016 se anunciaría como su primer álbum: Te Vendras Conmigo. Su primer disco vendrá de la mano del conocido productor y bajista Candy Caramelo (Ariel Rot, Fito y Fitipaldis, Andrés Calamaro, Isma Romero…) y será grabado este otoño en Madrid en los estudios Candyland-Rock y Black Betty studios.

Componentes

Kuqui Alegre Manuel Velardo Alberto Daniel Del Pino

Discografía

Vamos A Matarnos (Cd, 2017)

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ESPECIAL Escenario

IJEX@WOMAD

sabado, 13 - 01h

real jalea pact “ “ “

Afrontamos esta actuación con muchas ganas, ilusión y motivación. Preparados para impactar con nuestra fuerza y estilo revolucionario.”

En estos momentos estamos cocinando nuestro próximo trabajo, del que os adelantamos un posible nombre: Propoleo. En paralelo, Samesmail continúa su proyecto con El mensaje de hoy.”

Es un gran orgullo para nosotros haber sido seleccionados entre tanto grupo y de tantísimo nivel de toda la región. Pensamos que en Extremadura hay un potencial grandísimo, sea cual sea el género o estilo musical, y que las instituciones nos tienen olvidados.

A si que esta nueva idea nos parece estupenda, ya que sí es una gran oportunidad para los músicos locales de poder exponer sus proyectos en un festival de impacto como el WOMAD.”

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conoce al grupo

Real Jalea Pacto es una formación de cuatro artístas y amigos de lo más diferente y a la vez de lo más parecido, como banda musical y en solitario, con un estilo curtido y definido haciendo música de regalo al oído, con un duro mensaje combativo para despertar conciencias invitando a pasar un rato divertido.

Ellos son: Evil Man, VilaMcYou, PabLoparte y Samesmail, juntos desde casi siempre y en la música desde finales de 2002. Qué más decir? Preparados para saltar y combatir!

Componentes

Evil Man, VilaMcYou, PabLoparte y Samesmail

Discografía

Inefable (2006) Grabaciones caseras (2008) Grabaciones caseras 2 (2009) 3 x 1 Pacto (2012)

to “ “

A día de hoy parece ser que el Instituto de la Juventud se está poniendo un poco las pilas apoyando a los jóvenes músicos extremeños, pero aún lo vemos un poco insuficiente, dado que siguen faltando espacios y están un poco limitados en cuestión de edad.“

Ya habíamos trabajado junto al Instituto de la Juventud. Estuvimos en Blois (Francia) en una convivencia de asociaciones de culturas urbanas promovida por IJEX y organizado por Extremaoeste (Cáceres) y La Caverne (Blois).

Gran experiencia, grandísimo trabajo por parte de las asociaciones, que nos hicieron sentir como en casa, donde tuvimos la oportunidad de asisitir a talleres, charlas, debates… y también dimos un concierto en una sala de la ciudad gala.

Todo perfecto, aunque vinimos con un sabor agridulce al notar en primera persona la diferencia entre un país y otro en cuanto al apoyo a la cultura y derechos laborales de los músicos. Aprendimos muchísimo.

Triplemente agradecidos a Extremaoeste, La Caverne e IJEX.” LaCarne Magazine

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Arpeghy

Hard Rock y metal desde argentina

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l simple hecho de haber tocado junto a grandes como Scorpions y Deep Purple hacen de esta banda latinoamericana, con 10 años de creada, merecedora de ocupar un lugar dentro de las mejores de su país. Directamente desde Argentina llega Arpeghy en una exclusiva para LaCarne Magazine. Sobre la formación de la banda, sus dos trabajos discográficos, así como los planes futuros, nos cuentan todos sus miembros Para empezar, ¿cuándo y dónde surge la banda?

Diego - La primera formación de Arpeghy

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data de 2001/2, años en los que se definió a grandes rasgos la idea y el estilo al que apuntábamos. Estas primeras formaciones no fueron fructíferas, y recién en 2007 logramos una banda estable y que realmente sonase como es esperable de una banda de Hard rock y Metal clásico. Somos todos oriundos de Buenos Aires. ¿Quiénes son los miembros actuales?

Gonza - Somos 5. Sergio “Rocky” Maesano, que tiene recorrido el camino de la música por al menos 25 años. Integró “Parte del asunto” con Jorge Justo, nuestro tecladista, otro más con larga trayectoria. Alejandro Fernández está en la voz, y a pesar de ser más joven que los 2 anteriores mencionados, también tiene un gran camino hecho por la música.

Estuvo en proyectos importantes como Magiar (Martín Knye) o Kyrie Eleison entre otras

rock. Con el correr del tiempo fuimos incorporando otras influencias e ideas propias, más cercanas al Hard rock y por qué no, al Pop, como Aerosmith, Bon Jovi, Queen, o incluso más modernas. Lo importante es que todas estas influencias nos fueron guiando hasta la composición y sonido de Claroscuro, donde si bien se notan muchas influencias, también podemos decir que hay una identidad bien definida, sin copiar a nadie.

bandas. Diego Solís, guitarrista y fundador de Arpeghy, ha pasado por varias bandas.

Una de ellas fue Valiant 4, donde también me encontraba yo, Gonzalo Álvarez, en el bajo.

Diego comenzó su idea de Arpeghy al irse de Valiant 4, allá por el año 2001. Después de varios cambios de integrantes, el 2007 lo sorprende con una banda consolidada, y encuentra por fin lo que estaba buscando a nivel musical. Yo también estuve en La Vanguardia de Hitchy y otras bandas más que no llegamos a mucho. ¿Cuáles han sido las principales influencias de la banda?

Diego - Tanto en nuestro primer EP Sueños Oscuros como en Mi Camino, nuestro primer CD, se notan influencias de Deep Purple, Whitesnake, Yngwiemalmsteen, Rata Blanca, y muchas bandas de Power metal y Hard

En el 2015 sacan Claroscuro, su segunda producción discográfica. Coméntennos un poco sobre el mismo. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? ¿Cuántas canciones trae el disco? ¿Qué temas incluyen en las canciones? ¿Cómo fue recibido este disco tanto por el público como por los medios especializados?

Alejandro - Para Claroscuro hubo un cambio grande en el proceso de grabación. Tuvimos la suerte de poder armar nuestro estudio propio, y eso nos permitió disponer de más libertad para trabajar, sin tantas preocupaciones por el tiempo.

Después de un demo con uno de los temas, le propuse al resto de la banda hacerme cargo de la producción artística y la grabación del disco, y lo hicimos así. Trabajamos buena parte de la composición y arreglos en el momento de grabar la preproducción. Eso le dio una buena cuota de espontaneidad, que creo que se nota en el disco.

Son 12 canciones que tratan sobre varios temas: hay desde temas que hablan de nuestros caminos en la música y experiencias que vinieron con eso, pasando por provocaciones al pensamiento crítico, hasta baladas con distintas formas de entender los sentimientos y sensaciones (algunas ficticias y otras no tanto).

La gran mayoría del público se sorprendió para bien, y la prensa, en general, destacó el hecho de que se hace evidente un estilo propio, si bien, obviamente, es también el producto de nuestra forma de canalizar nuestras influencias. En lo que hubo gran consenso, por suerte, fue en la calidad tanto de las canciones como del sonido. Por supuesto que esto nos enorgullece, en especial al haber hecho gran parte del trabajo nosotros mismos (con el enorme aporte de gente que sabe muchísiLaCarne Magazine

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mo, como Leandro Bordicelli y Daniel Ovie en mezcla y mastering, respectivamente, claro).

Aparte de este disco también tienen Mi Camino. ¿Dónde se pueden obtener ambos trabajos?

Jorge - Tanto Mi camino como Claroscuro se pueden conseguir en disquerías, y de forma digital en Spotify e Itunes. También se pueden escuchar ambos discos en Youtube, adonde nuestra distribuidora DBN ha subido en alta calidad todos los temas. ¿Cuántos videos oficiales tiene la banda y donde se pueden ver?

Jorge - Tenemos 2 videos clips oficiales, y un 3ro a punto de ver la luz. En nuestro canal de Youtube pueden ver “No se vivir”, corte de Mi camino, y “Sabrás”, corte de Claroscuro. En breve también podrán ver el clip de “Razón para pelear”, el ultimo corte que actualmente suena en las radios Una de las cosas que ha caracterizado a la banda es el haber sido teloneros de grandes como Europe y Deep Purple entre otros. ¿Pensaron alguna vez que abrirían para estas grandes leyendas? ¿Cuánto representó esto para la banda?

Rocky - Cuando hace 10 años se empezó a gestar lo que hoy es Arpeghy, una de las cosas que siempre tuvimos en claro, es que queríamos llegar lo mas alto posible, a fuerza de pulmón y música. Detrás de cada show compartido con estas leyendas hay un trabajo de meses por parte de todos en Arpeghy.

Yo oficio de manager en estos casos, así que desde el punto de partida que es la propuesta, hasta la presentación de documentación en los idiomas necesarios, toda la banda se involucra. Hemos tenido que presentar gacetillas y documentación en alemán para telonear, por ejemplo, a Scorpions.

Con bandas anteriores he logrado telonear a Aerosmith, Bon Jovi, Robert Plant, y repetir la experiencia con Arpeghy es impagable. Es tocar el cielo por 2da vez en la vida. No encuentro las palabras justas. Salir a tocar frente a un estadio lleno es algo que hay que vivirlo para poder entenderlo, es como saltar en paracaídas.

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Han pasado dos años desde su último disco. ¿En qué proyectos se encuentra enfrascada Arpeghy en estos momentos? ¿Algún disco nuevo?

Gonza - En este momento estamos llevando ideas de temas nuevos a la sala de ensayo, armando letras, componiendo... La idea es hacer demos de lo que sería nuestro 3er disco, que si todo va bien, el año próximo vería la luz.

De todos modos, estamos buscando fechas para tocar. Ya tuvimos 2 importantes! Jueves 2 de Marzo con AceFrehley en el Teatro Vorterix, y el 3 de Marzo con Rata Blanca en el Microestadio Arena (Pinar de Rocha, Ramos Mejía) ¿Qué próximas presentaciones tiene Arpeghy para estos meses?

Alejandro - En los próximos meses, si todo sale bien, vamos a estar tocando en otros dos teatros/estadios con dos grandes bandas (que todavía no puedo nombrar hasta que no se confirmen), y hay programados un par de viajes. Idealmente, todo va a tener un cierre con una fecha muy especial para la que ya estamos empezando a trabajar, para cerca de fin de año, festejando los 10 años de la banda.

Este 2017 arribaron a su decimo aniversario. ¿Cómo valorarían todo este tiempo?

Rocky - Una década es mucho tiempo. Hubo muchas alegrías, logros, peleas, risas, tristezas y metas cumplidas. Afortunadamente hace 6 años tenemos la misma formación, por lo que somos la versión más estable y longeva de la banda. En 10 años nuestras vidas personales cambiaron mucho, y eso impacta en muchos niveles, desde la composición hasta el tiempo que uno le puede dedicar a la música. Vamos a tratar de reflejar todo eso en un show que estamos preparando para los 10 años, que seguramente se realizará en la 2da mitad de año. A todo trapo. ¶

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demond

brillando con luz propia en el género urbano LEER MÁS

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l género del Reggaetón ha conseguido una mina de cantantes valiosos en Medellín. Día a día vemos grandes exponentes surgir y compartir su buena música con el mercado. Sin embargo, como es natural, unas brillan más que otras, es por eso que aprovechamos a un cantante con un brillo especial que está deleitando al público amante del género urbano. Él es Demond de Medellín, Colombia. ¿Cómo fueron los inicios de Demond en la música?

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Demond tiene sus inicios musicales en la banda músico marcial del colegio Montessori en el año de 1999. Allí tocaba el redoblante y el bombo. Así empiezan mis gustos musicales en el 2002, cuando empecé a empaparme de los ritmos panameños como la Ragga y la Plena.

En ese mismo año me junté con 2 amigos más del colegio, y formamos un grupo llamado Tres Perros. Empezamos a grabar y a darnos a la tarea de tocar puertas para darnos a conocer. El grupo tuvo muy buena aceptación en la ciudad de Medellín.

Hacíamos parte de los primeros grupos de Reggaetón de la ciudad que en ese entonces eran Tres pesos, Golpe a golpe y apenas estaba entrando J Bavin. Las grabaciones no eran muy profesionales. Teníamos que grabar en Palma producciones con un micrófono de

computador, y el único apoyo moral y musical era el de nosotros mismos, que nos hacíamos la bulla y nos regalábamos aplausos, ya que el Reggaetón de Puerto Rico estaba muy fuerte, y el tema de sonar la música en radio era demasiado complejo.

En el 2005 me separé del grupo llamado Tres Perros por cuestiones de estudio y metas. Yo seguí con el proyecto (Demond) y mi compañero Cop se unió, empezamos un grupo llamado Demond y Cop con un trabajo más consolidado llamado Dando impacto, con más recorrido y experiencia. Demond y Cop empiezan la tarea de darse a conocer en los diferentes municipios y colegios de la ciudad de Medellín, causando buena impresión y dejando huella.

Sacamos un palo llamado “Sube el voltaje”.

Pusimos a bailar a todo el mundo y hasta salimos en un Cd Internacional Llamado 8 MM. En el 2007 se dio un giro inesperado. La falta de disciplina y orden por parte de mi compañero Cop me lleva a tomar una decisión muy sabia, y decidí empezar un nuevo proyecto como solista. Ya tenía mi nombre, gracias a Dios, y ahora me tocaba remar solo. Las cosas empezaron a fluir y esas puertas que estaban cerradas se empezaron abrir.

En el 2008 empecé a trabajar con unos empresarios de BigAplee Producciones, que me dieron la oportunidad de mostrar mi producto. Ellos eran los que tenían el booking de Wisin y Yandel, y donde ellos estaban en Colombia, Demond se mostraba. ¿En dónde conseguiste tu principal apoyo para seguir soñando con la música?

Mi principal apoyo me lo brindó mi familia, permitiéndome soñar y dándome ese apoyo moral. ¿Cuál es tu motivación principal para ser artista?

Mi motivación son los espejos, los referentes del Reggaetón como Daddy Yankee y J Balvin. Son grandes personas, y unos señores de la música urbana. Todos, unos empresarios muy enfocados. ¿Cómo es la historia de “Noche”, canción con Nicky Jam, y cómo fue la experiencia de com-

partir un tema con uno de los exponentes más grandes del género urbano?

“Noche” es una canción que escribí pensando en darle otro nivel a mi música. Tenía la visión de que tenia que hacer una letra brutal, mejor dicho, hacer un palo. Primero grabé mi versión solo y también le hice video.

Luego tuve la oportunidad de compartir tarima con Nicky Jam. El hombre llegó súper tranquilo, con esa alegría que lo caracteriza.

Me subí a la tarima, hice mi presentación, canté mi canción “Noche”, y cuando terminé mi show, el man me felicitó, y me dijo que le había gustado “Noche”, que si le hacíamos el Remix… Por un momento pensé que me estaba tomando el pelo, Nicky me dijo “está muy buena la canción, vamos hacerle el remix”.

Para mí era cumplir un sueño. Para mí, Nicky Jam es una leyenda, gracias a Dios se hizo la canción sonando en las diferentes emisoras, y la aceptación fue muy buena. Lastimosamente no se hizo el video por falta de recursos, pero, bueno, gracias a Dios y a la vida, y a Nicky Jam, por la oportunidad.

Ahora es momento de hablar de “Muéstrame”, tu última producción musical “Muéstrame” es una canción con un contenido romántico y de doble sentido. Es una canción que escribí con mucho sentimiento. Fue producida en los estudios de Colosal music, y también cuenta con un remix oficial con Alberto stylee. ¿Qué planes tienes para este 2017?

Terminar mi Cd Vecindario company II, seguir haciendo buena música, y tocar y abrir esas puertas que se han cerrado con la ayuda de Dios. ¿Cuál es tu mensaje para aquellas personas que no han escuchado tu música?

Que apoyen los talentos, que se den a la tarea de escuchar mi música, yo sé que les va a gustar.

Para todos los fanáticos del Reggaeton que quieren saber más de la música de Demond, lo pueden seguir a través de Instagram, Facebook, Youtube y Twitter. Un talent ¡100% colombiano! ¶ LaCarne Magazine

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atajo

se despiden después de 20 años

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tajo cumple este 2017 20 años de trayectoria. Banda de La Paz - Bolivia, conformada con la finalidad de reflejar la realidad social, en este tiempo deciden detener el proyecto y continuar sus caminos después de tantas experiencias y trabajos que serán recordados por la manera que marcaron vidas, tanto por el contenido musical como por la variedad de estilos (desde Reggae, Blues, Saya afrobolivian, Ska, Huayno, Morenada, Festejo, hasta tradiciones de los Andes y de Bolivia).

Atajo esta conformada por Edgar Arene (batería), Camila Torrico (coros), Facundo Cau (teclado), Didi Regerin (guitarra), Gonzalo Molina (bajo), y Pancho Maldonado (voz). ¿Cuándo nace Atajo?

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Nace en 1996, una conformación acústica bajo la necesidad de hacer música en español, y de tocar sólo composiciones, y, bueno, a partir del 98 empezamos a grabar discos como Personajes Paceños, Calles Baldías, Nunca Más, y Sobre y Encima.

Cada disco tiene su título y cuenta muchas historias, tanto urbanas como también de Bolivia.

Atajo fue el nombre perfecto porque lo que queríamos era cortar camino. En ese momento las bandas cantaban inglés, cover y todo eso. ¿Cuál es el género que realizan?

Genero chairo. Hacemos de todo un poco, no nos ponemos limites. Tenemos la libertad de hacer todo. ¿Cómo surge el contenido de los temas?

Las historias son experiencias vividas, compilaciones de mi vida personal hechas canciones.

teca de la casa, y darle alma, vida y corazón. ¿Qué anécdota recuerda más?

Son miles. Podría estar contándote horas y horas. Hay historias que se presentan. Por ejemplo, en un concierto me pasó corriente fuerte en los labios mientras estaba cantando, se me pegaron y me quedé sangrando.

Al inicio de Atajo, ¿cómo era la aceptación del público?

Al principio era rechazo total porque hacíamos ver a la gente lo que pasa en nuestro país, y nadie quiere verse a sí mismo. Bueno, después con los años (son 20 años de trabajo) la gente aceptó y el resultado es éste, éste concierto. ¿Cuál fue el proceso por el que pasó la banda?

El trabajo. No parar de trabajar y ser muy disciplinados.

¿Cuál es el mensaje que transmiten?

Simplemente nosotros queremos llegar al corazón de la gente, tocar su mente y encenderla. No queremos ponernos en un lugar y decir lo que la gente tiene que hacer, sino más bien que la gente pueda pensar lo que debería hacer. Es mostrar una opción y ellos elegirán lo que decidan en su camino ¿Cuáles son las metas que han logrado en su trayectoria musical?

Casi todas nuestras metas se han realizado: grabar discos, hacer presentaciones a nivel nacional, toda la paz, giras en Europa (dos veces con BABYLON BY MINIBUS), también hemos hecho giras en Latinoamérica, Chile, Argentina, Brasil, Venezuela, también realizamos presentaciones conjuntas con grupos internacionales, conciertos en vivo, DVD’s.., hasta realizamos un libro: Atajo y otros dichos. ¿Cuál fue el recuerdo más memorable?

El primer disco, porque fue grabado con muchas ganas de tener un disco ahí en la disco-

¿Qué mensaje dejarías para los músicos?

Yo siempre digo que la disciplina y el trabajo van hacer que puedan tener un grupo que se haga conocer y sea constante, que no dure un año y se termine. ¿Se podría saber cuáles son las razones por la que Atajo se despide?

Hemos llegado a un momento donde todos decidimos, estando en el mejor momento de Atajo, parar y seguir nuestros caminos. Los atajitos van hacer sus vidas, su música, sus bandas.

Esta gran banda se despide dejando grandes legados, que son partes de todo el trabajo y disciplina que despeñaron en esta labor musical, y tiene como consecuencia el mantenerse en la memoria de todos los que disfrutan su música. También son, y serán, parte artística de la historia boliviana por el contenido inigualable que transmitieron, y que perdurará a través de cada una de las producciones que realizaron. Escuchen Atajo, sean parte de los temas, experiencias, donde conocerán personajes bolivianos y la misma Bolivia. ¶

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freedonia

y su nueva aventura, shenobi

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reedonia es uno de los grupos a los que hemos visto nacer, crecer y madurar hasta convertirse en la gran banda que es hoy. Su saber hacer, su filosofía como banda y, sobre todo, su música, han hecho que Freedonia tenga ya su espacio en la Historia de la música.

En LaCarne Magazine siempre han tenido

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voz y no es la primera vez (y esperamos que no sea la última) que hablamos con ellos. En esa ocasión pudimos entrevistarles cuando en 2014 sacaron su disco Dignity and Freedom.

Ahora, en 2017 y a punto de lanzar su nuevo trabajo, Shenobi, volvemos a hablar con ellos.

Un nuevo disco, una nueva aventura y una nueva entrevista en donde la banda nos adelanta los detalles de este disco que estamos deseando escuchar.Hablamos con Fran Panadero, bajista de Freedonia.

Freedonia estáis a punto de presentar vuestro

nuevo disco Shenobi, y no sabéis las ganas que tenemos de escucharlo. En vuestra web hemos visto un sol naciente, un puño levantado y algunos caracteres japoneses o chinos. ¿Cuál es el significado de toda esta simbología? ¿Qué significa Shenobi?

En este disco hemos jugado a continuar la historia de una pequeña que teníamos en el disco anterior, y la hemos permitido crecer. Esta niña es ahora una guerrera, la llamamos Shenobi.

Shenobi es un juego de palabras entre “Shinobi”, que es un ninja de un videogame clásico, y “She”, ella en inglés, más “nobi”, que significa crecimiento en japonés. De esta forma habla-

mos de una mujer fuerte, combativa y en crecimiento. Es un personaje muy en la línea de los cómics y los videogames que vivimos en la infancia, y que ahora nos sirven como estética para poner de manifiesto nuestros mensajes.

En cuanto a estructura y presentación, está pensado para su edición en vinilo en formato doble, contamos de nuevo con Aurelio Lorenzo en las ilustraciones y va todo muy ligado a este universo del cómic que comentamos, de tal manera que en sí mismo nos recuerde a uno de esos álbumes que nos fascinaban y nos hacían soñar con mundos mejores.

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En Shenobi habéis incluido 20 cortes con canciones vocales e instrumentales, pero como aún no hemos podido escucharlo, nos gustaría que nos describierais los sonidos, la música y la temática de este trabajo.

Partiendo de las mismas premisas, en este último trabajo nos hemos despojado un tanto de rigores estilísticos, y vamos más a lo que hemos considerado la tripa de las cosas. Queríamos conseguir un sonido crudo, pero también poder usar sonidos más distorsionados o trabajados cuando así lo creyésemos conveniente. También hemos dejado pasar más música africana, e incluso hemos introducido cosas de aquí. Contamos una historia y la verdad es que nos lo hemos pasado pipa.

En cuanto a la temática, tras haber puesto énfasis en conceptos como dignidad y libertad en nuestro anterior trabajo, entendimos que teníamos que continuar en esa línea con igualdad y justicia, ya que son otros dos pilares básicos para la realización y la felicidad a poner en valor. Todos somos personas, individuos infinitamente diversos, pero todos seres humanos únicos e igual de valiosos.

El racismo, la intolerancia, las discriminaciones por origen, credo, cultura, tendencias sexuales..., de entre todas ellas queríamos poner el foco en la discriminación hacia las mujeres, ya que como todas es injusta y absurda, pero quizás sea la más socializada y cercana, y con eso hay que terminar. Esto es algo que sentíamos en la necesidad de comunicar.

Shenobi, al igual que vuestro anterior trabajo, Dignity and Freedom, lo habéis grabado en analógico. La última vez que hablamos nos explicásteis el por qué, pero en esta ocasión queremos saber qué ventajas (además del sonido) e inconvenientes tiene el formato analógico para vosotros.

Realmente lo hacemos así porque nos gusta.

Quizás decir ventajas o inconvenientes sea difícil si entendemos que cada tipo de producción tiene que tener un fin último, que no es otro que el resultado sonido que se persigue.

Hacerlo en analógico o en digital, en directo o por pistas, usando tal o cual micro, que te cueste más o menos en recursos, que implique más o menos preproducción…, todas son opciones y todo deja una impronta en el re-

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sultado de la grabación. Cada opción te puede interesar o no en función de lo que estés grabando y qué resultado quieras. Al final todo acaba teniendo pequeños pros y contras, y la cuestión es decidir lo que mejor te va y tratar de divertirte.

En nuestro caso nos gustan los sonidos de los discos grabados en analógico, y su reproducción en vinilo, las cosas que puedan considerarse a priori inconvenientes, para nosotros pierden el sentido cuando escuchas el sonido en un buen equipo Hi-fi y se te levanta el pelillo.

Sabemos que utilizáis Creative Commons y que habéis hecho una campaña de crowdfunding para poder sacar adelante este trabajo.

Demostráis que no necesitáis a nadie para hacer un disco, aunque para promocionarlo y que llegue al público la cosa es diferente ¿no? ¿Contáis con un equipo que os ayude en la promoción?

Somos Creative Commons porque es el tipo

¿Dónde habéis grabado Shenobi y por qué elegisteis esa opción?

Hemos tenido el privilegio de grabar con el equipo de Estudio Uno, en Colmenar Viejo.

Tanto el espacio y su equipo, como el personal, son de diez. Contamos con la posibilidad de grabar en directo pero con espacios aislados para el sonido, hemos grabado en cintas de 24, 8 e incluso a dos pistas, hemos jugado, nos hemos divertido… Una experiencia fantástica. ¿Habéis contado con algún productor?

La producción del disco ha sido nuestra desde la propia composición de los temas. Poco a poco hemos ido decidiendo qué arreglos y qué sonidos queríamos. Ya en el estudio hemos contado con la inestimable ayuda de Pablo Pulido, como ingeniero de sonido, y de su compañero Eduardo Lavilla, junto a los que hemos encontrado los timbres que buscábamos.

de licencia que más se ajusta a nuestra manera de entender los derechos de autor, concretamente el uso de nuestra obra es libre siempre que se haga con un fin no lucrativo o comercial, en cuyo caso se debe aportar una cantidad justa como retribución de los derechos del autor, algo imprescindible para que la creación artística sea sostenible y que, por supuesto, no ponemos en duda.

Nosotros sí necesitamos a gente para hacer un disco, de hecho necesitamos a mucha gente sin la que este proyecto no sería posible.

Gracias a ellos, a nuestros cofinanciadores, y al público que compra nuestros discos y viene a nuestros conciertos, estamos presentando este álbum. Son nuestros socios en esto y les debemos lo mejor de nosotros mismos.

Dentro de nuestros equipos de trabajo hay uno que se dedica a la comunicación, contamos además con la inestimable ayuda de nuestros amigos de Cultura Inquieta, con quienes venimos trabajando ya desde hace tiempo y son fantásticos.

En Mayo podremos por fin escuchar Shenobi y vais a presentarlo en Madrid, en la Sala Joy Eslava los días 2 y 3 de Junio. ¿Es el pistoletazo de salida de vuestra nueva gira? ¿Dónde podremos veros?

Sí, claro!! Después de grabar y trabajar para montar el show con los temas nuevos, como comprenderéis estamos locos por tocar y gozar con todo el que quiera venir a vernos.

Empezamos en Madrid, pero, como siempre, daremos muchas vueltas por la carretera. En nuestras redes y nuestra página web iremos actualizando fechas.

Ha sido un placer hablar con Freedonia una vez más. Estamos convencidos de que Shenobi será todo un éxito. Suerte!

Muchas gracias. El placer es mutuo, y los buenos deseos también. Esperamos de corazón que os guste el disco y que vengáis a disfrutarlo con zapatos de bailar a los conciertos.

9 abrazos! ¶

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nervosa

el metal mĂĄs caĂąero de brasil 96 LaCarne Magazine

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uego de una extensa gira, las chicas thrashers de la ciudad Sao Paulo, Brasil, de la banda Nervosa se ponen en contacto. Su bajista y vocalista, Fernanda Lira, saca un tiempo en su apretada agenda para responder la siguiente entrevista.

Saludos, chicas! Parece que en los últimos tiempos las cosas marchan bastante bien para Nervosa. Me imagino que deben andar muy atareadas en la promoción del nuevo álbum Agony, recién salido.

Sí. ¡Sin duda que sí! Somos una banda que nos gusta muchísimo quedarnos en la carretera, y cuando es la hora de hacer la promoción de un nuevo disco, siempre nos dedicamos 100%, pensando siempre en quedarnos haciendo giras por el mayor tiempo posible. En el último año hicimos más de 160 shows, en casi 40 países por toda América Latina, Canadá y Estados Unidos, y Europa por 2 veces. Fue un tanto agotador, pero nos quedamos felices de llevar nuestra música a tantos metaleros en lugares diferentes. El plan para este año también envuelve muchas giras.

Como todo inicio de una entrevista hay que poner a la gente en el contexto de la banda.

En tal sentido quisiéramos preguntarles sobre su origen, bajo que estilo definirían su música y qué influencias tanto musicales como líricas mantiene la banda.

Somos una banda brasileña de Thrash Metal, pero tenemos también mucha influencia de Death Metal, que, creo yo, se quedará más y más evidente en los próximos discos.

Creo que la agresividad típica de las bandas de metal latinas también está muy presente en nuestro sonido. En cuanto a las influencias para escribir los temas de las canciones, éstas siempre están relacionados al ser humano, así se torna más fácil para las personas que nos escuchan, comprender, relacionarse, identificar y debatir con los temas. Nos centramos siempre en hablar de los aspectos malos de la existencia humana, por lo que esas son las LaCarne Magazine

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razones que nos dejan aburridas a punto de escribir una letra para expresarnos. Entonces hablamos acerca de injusticias sociales, con las que tenemos que convivir todos los días, cuestiones políticas también, pero en nuestro último disco pudimos cambiar un poco el enfoque para hablar también de aspectos más abstractos de la condición humana, como arrogancia, hipocresía, intolerancia, que también traen perjuicios para todos nosotros. ¿Crees que puede ser una ventaja para la banda que sus miembros sean todas mujeres? ¿Quiénes conforman la banda en estos momentos? ¡Creo que sí! Primero porque aún es algo nuevo, ya que es un factor que hay más hombres que mujeres haciendo Metal, pero principalmente por la razón de nuestra experiencia de influenciar y estimular a más y más chicas a seguir sus sueños, independientemente de lo que todos piensan o les hacen creer. Todos nosotros conocemos muchas chicas que son tan metaleras como cualquier otro hombre, pero se quedan con miedo o desalentadas de tocar y tener una banda por causa de los patrones, costumbres y riesgos sociales que nuestra sociedad, que es un tanto machista, tiene por siglos. Si mi banda puede ser un ejemplo para que más mujeres tengan coraje de seguir lo que creen ser su sueño, entonces mi deber está siendo cumplido. Fernanda Lira

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(bajo y vocales), Prika Amaral (guitarra y backing vocals) y Pitchu Ferraz (drums).

Nervosa desde su mismo comienzo han estado trabajando duro, y esto le dio la suerte de firmar con Napalm Records. ¿Están contentas con el trabajo que Napalm Records está haciendo con Nervosa? ¿Por qué firmaron con este sello austriaco y no con otro sello?

No podríamos estar más contentas con el trabajo de Napalm Records. Ellos creen tanto en nuestro trabajo como lo hacemos nosotras, y la relación que tenemos con ellos es increíble. Son muy pacientes, atentos para ayudarnos siempre que lo necesitamos, y trabajan muy duro para hacer una buena divulgación de la banda, siempre ofreciéndonos las mejores oportunidades posibles. Además, nos dejan tener mucha libertad de lo que queremos hacer. Por todas esas razones los elegimos como nuestro sello oficial, ningún otro nos ha ofrecido tamaño apoyo.

Su primer álbum Victim of Yourself, con el que lograron su contrato con Napalm Records en el 2014, se distribuyó en muchos países. ¿Qué sensación puede experimentar un músico después de parir su primer álbum? ¿Están satisfechas con este primer CD? Fue una sensación increíble. Escuchar sus ideas finalmente, crear en vida, es algo único. Obviamente, ahora que somos una banda

con mucha más experiencia, y también porque hubo una evolución natural en nosotras como músicos, creo que cambiaríamos una u otra cosa, pero estamos seguras que en aquel tiempo era lo mejor que podíamos hacer y entregar, y por lo tal estamos muy agradecidas por el disco, pues su calidad y honestidad nos garantizó muchas conquistas y cosas buenas. ¿Cómo va la promoción del nuevo álbum, Agony? ¿Creen que lograron plasmar todo su potencial o aún quedan algunas sorpresas más?

La promoción del nuevo disco está aún mejor de lo que esperábamos. Ganamos muchos nuevos fans con el disco, que nos dijeron que la calidad del disco, no solo en las composiciones, pero de una manera general, desde la grabación hasta el arte de la portada, está mucho mejor si se hace una comparación con el primero, y esto es increíble. Sentimos que alcanzamos nuestro objetivo de siempre: hacer nuestro mejor trabajo para evolucionar como banda y personas. ¿Es Agony una continuación de Victim of Yourself, o este último tiene conceptos diferentes?

Ninguno de los discos puede ser considerado conceptual, porque no hablamos de una sóla historia. Hablan de temas similares y dentro de un solo contexto, que es la existencia humana, pero de maneras distintas. ¿Cuáles son los principales tópicos que abordan las letras de sus temas? ¿Reflejan la violencia que se vive en la sociedad actual?

Siempre digo que utilizo mis letras como mi principal herramienta de expresión. Todos los días, especialmente en Latinoamérica, vivimos situaciones que son muy injustas, y utilizo mis letras como una manera de fomentar un debate con las personas que las leen. Es importante que hablemos de corrupción, desigualdad social, malas condiciones básicas sociales, intolerancia, etc., porque afectan a muchos de nosotros, y creo que pensar, debatir esos temas, es una gran manera de empezar a cambiar nuestra realidad. ¿Cómo va el asunto de tocar en vivo? Han estado de gira por Europa y recientemente es-

tuvieron por Perú. ¿Son muy activas en este campo de las giras y conciertos?

Sí. Nos gusta muchísimo estar en la carretera lo más que podemos. Las giras son las experiencias más enriquecedoras que hay, ya que estamos en contacto con diferentes personas y culturas todo el tiempo, y por esa y tantas otras razones es muy importante para nosotras estar en gira. Este año ya tenemos planeadas muchas cosas: ya hicimos Europa, estamos tocando en muchos lugares nuevos en Brasil ahora, después haremos unas fechas en México y Centroamérica. En el verano europeo nos quedaremos allá por dos meses haciendo festivales, y después de volvernos haremos más shows en Brasil y Sudamérica. ¿Están satisfechas con el sonido y el concepto general de la banda o creen que aún tienen cosas en que adentrarse?

Creo que el ideal es evolucionar siempre. La identidad de la banda ya está creada y firme, pero sin duda exploraremos nuevos conceptos de sonido en los próximos discos, pero nada que se aleje mucho de la idea principal de la banda, que es el Thrash Metal. ¿Podrías contarnos sobre la escena metalera de Brasil?

La escena metalera de Brasil es increíble y muy fuerte. Donde vas acá, encontrarás muy buenas bandas, un público fiel e intenso, etc.

Estoy muy orgullosa de ser parte de una escena tan increíble.

Esto es todo. Gracias por contestar mis preguntas, y espero que no te hayas aburrido mucho. Ahora tienes la oportunidad de decir lo que te venga en gana.

Gracias a ti por la oportunidad. Es siempre increíble poder hablar acerca de nuestro trabajo con todos. Lo que siempre digo es que sigan respetando y apoyando su escena, porque todos nosotros, juntos, somos los únicos responsables por mantener el legado del Metal vivo. ¶

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arvest of Grey Days constituye el más reciente trabajo discográfico de Guilles, banda que lleva ya 17 años rodando por diversos escenarios españoles, y que recientemente fueron fichados por el sello Black Heaven. Entre los trabajos más novedosos de esta banda podemos encontrar el realizado en 2016 tomando como base la película ¿Quién puede matar a un niño?. Sobre este trabajo, su más reciente disco y los comienzos de la banda, nos comenta Sevi, fundador de la banda.

Para empezar. ¿Cuándo y dónde surge Guilles?

Buenas! La banda nace como idea en 1999 en un pequeño pueblo de Sevilla, pero cobra vida realmente en el año 2000, al trasladarme (Sevi) a la ciudad de Castellón y poder encontrar los miembros para ello. Los dos primeros años fueron un proceso de conocimiento y entendimiento entre nosotros, y con ello empezaríamos a dar vida a lo que sería nuestro primer completo Life is a Garden of Whores.

guilles

descubrimos su nuevo d

¿Quiénes son sus miembros actuales y de dónde proceden?

Actualmente somos cinco en el grupo (al principio éramos 3). Yo soy Sevi, fundador de la banda y guitarrista, de procedencia algo confusa. F. Paños es guitarrista, Adrián es vocalista y Bola es bajista, y son de Castellón, y Daniel Ayala, procedente de Valencia.

las bandas de Grunge o Rock de los años 90 (Pearl Jam, Soundgarden, Smashing…). Aunque esto no se vea reflejado en nuestra música se lleva en el espíritu.

¿Cuáles han sido las principales influencias de la banda?

A la hora de componer y realizar nuestra música hay una gran variedad de estilos que nos influyen dentro de muchos estilos: Rock, Heavy, Black, Death, etc… Realmente no hay nombres de bandas, solo formas diferentes de sentirlo y expresarlo. Cada miembro tiene una raíz y eso es lo que más se nota. Pero una de las influencias más importantes y presentes en el trasfondo de nuestra música, y a la hora de expresarnos, es la fuerza que tenían

Concentrémonos en su más reciente disco titulado Harvest Of Grey Days, y que fuera lanzado el pasado 24 de febrero. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación?

Un proceso dinámico y fluído, donde todo ha sido estudiado al detalle y con el tiempo suficiente para sacar lo mejor en cada canción.

Ha sido una grabación diferente al resto, pues hemos trabajado en nuestro local de ensayo con una gran comodidad y buenos medios. El recorrido de tantos discos nos ha enseñado

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¿Cómo definirían su música?

Profunda, cuidada, agresiva y natural!! Jeje

disco mucho y nos ha servido como escuela para sacar lo mejor de nosotros mismos. ¿Cuántas canciones trae?

11 ¿Qué temáticas abordan en las canciones?

Envejecimiento, rabia, locura, desengaño, anhelo y diferentes estados de ánimo del ser humano hasta llegar a querer la muerte. ¿Tienen videos promocionales?

Sí, uno del corte “Enraged”, grabado y editado en formato 360º. Ahora estamos trabajando en más y en breve publicaremos. ¿Cómo fue recibido el disco, tanto por el público como por la crítica especializada, el día de la presentación?

Muy caluroso, casi más que otras veces que hemos tocado en casa. El público está creciendo con la banda, nos respetan y nosotros a ellos. La crítica fue a la altura del concierto, ni más ni menos. En resumen, brutal!! ¿Qué planes tienen para promocionarlo?

Acabamos de empezar a trabajar con Black Heaven para la promoción y producción de este disco. Además, también tenemos contratado con Maldito Records la promoción digital del disco en diferentes plataformas. ¿Dónde se puede conseguir el disco?

Bueno, actualmente la edición física llegará este mes a tienda. Shop Circus se encargará de la venta física y luego en plataformas como Itunes, Spotify, etc…

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¿Aparte de esta nueva producción, cuantos discos tiene la banda?

Una demo, 8 discos y 3 DVD’s forman el fruto de nuestra trayectoria hasta la fecha.

En 2016 realizaron un novedoso proyecto tomando como base la película ¿Quién puede matar a un niño?, que consistió en lanzar una banda sonora y tocarla en directo junto con la película. ¿Cómo surge la idea de realizar un proyecto tan novedoso como este? ¿Cómo fue recibido por el público y por la crítica?

Wow! Sí que estáis al corriente! jijij ¿Quién puede matar a un niño? ha sido un proyecto precioso y muy valioso para nosotros como músicos. La idea surgió a través de un proyecto en la Universidad de Castellón. Nosotros elegimos la película y nos sumergimos durante un año en la composición de la música para encajar con las imágenes. El resultado ha sido un disco muy diferente al resto, pero con una gran variedad de texturas. El público quedaba sumergido completamente en el argumento de la película sin darse cuenta de que nosotros estábamos ahí, hasta que nos hacíamos oír con nuestros toques más agresivos, ellos despertaban y volvían a la peli. Al final ambos habíamos disfrutado de un gran show, y el público salía encantado de la sala. Las críticas han sido muy positivas para nosotros pues fue un gran reto.

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Si no me equivoco, este 2017 la banda arribará a 17 años de creada. ¿Cómo valorarían todo este tiempo? ¿Qué creen que deban mejorar o cambiar?

Pues sí, 17 años ya. Todo un camino de aprendizaje y crecimiento, de maduración y entusiasmo en cada trabajo. Mejorar todo se puede mejorar. Cambiar, lo dirá el futuro, pero ahora no lo requiere. Pero sobretodo disfrutar en cada paso. ¿Qué próximas presentaciones tiene la banda?

Black Heaven están preparando el camino para que sea una presentación lo más completa posible. En breve iremos lanzando fechas.

Bien, gracias a Guilles por su tiempo para esta entrevista, y le deseo mucha suerte con su nuevo disco. Le cedo espacio para que expresen lo que deseen.

Bueno, siempre he dicho que agradecemos mucho cada oportunidad que se nos da para hacernos oír. No somos una banda de moda ni estamos inventando nada. Solo tenemos un mensaje claro y una forma de decirlo. Gracias a vosotros. ¶

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walkman

la fuerza rockera de bolivia

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alkman desde La Paz city. Hablamos en profundidad con Gigio Díaz desde la hoyada y epicentro de la cultura artístico musical en Bolivia.

Para el Alfonseka, conversar con un amigo y hermano de la música es un placer inmenso.

Aprovechando el messenger, y evitando que

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la falta de tiempo deje a un lado la entrevista, nos lanzamos a una conversación sui géneris para este par de camaradas que se conocieron en los lejanos 90’s, cuando toda esta vorágine de avances tecnológicos eran parte de las películas Sci-Fi. Hermano Alfonso, mil gracias antes que nada por el espacio! Ser parte una vez mas de LaCarne Magazine es un honor para mí, ya que habitualmente sigo sus contenidos y la forma en la que apoyan a la producción nacional es fantástica. Rara vez hay espacios donde se puede hablar con profundidad sobre lo que se produce en Bolivia, y ustedes hacen eso. Por

grabando en Fuerte! Audio. Hacer un segundo disco es vital para nosotros, ya que hemos cambiado un poco el line up de la banda y tenemos nuevo bajista y nueva baterista. En el bajo está Hugo Arce, que empezó a tocar con nosotros a principios del 2017. Es un bajista muy experimentado que viene de reconocidos grupos como Libellula y Las Balas Que Vendrán. En la batería tenemos a Gabby Lima, que llegó súper recomendada por su maestro, Eddy Chuquimia. Gabby está en la banda desde fines del año pasado, y somos su primera banda formal.

Con estos cambios decidimos grabar un segundo disco para que la banda, como colectivo, no se sienta ajena a la música que tocamos en vivo. Por el momento no tenemos nombre del segundo disco, pero le pusimos como título el símbolo de pausa (II) de los reproductores de cassettes, que a su vez parece un número 2 en romanos.

Con los cambios de músicos el grupo queda así: Joaquina Revollo – vox, Gigio Diaz – viola, Juampi Barbosa – viola, Gabby Lima – bata, Hugo Arce – bajo.

Joaquina tiene un carisma único, un presente con gran futuro.

Joaquina es la fuerza rockera de la banda. Ella ha logrado plasmar las aspiraciones de la banda con su voz y despliegue escénico. Lo cierto es que con una cantante de la talla de Joaquina delante de la banda, todo se hace más simple, es solo concentrarse en la música, ya que sabes que el show lo hace ella.

eso, de nuevo gracias.

Ahora bien, me encantaría comentarte un poco sobre el trabajo actual de Walkman, una banda a la que he puesto todo mi amor y mi entrega en estos últimos 3 años. Los mal llamados “proyectos” son, para mí, trabajo, y estoy orgulloso de hacer Rock en este país con sus sostenidos y bemoles. ¿Cuál es el título del nuevo disco? ¿Quiénes integran Walkman?

Actualmente nos encontramos grabando el segundo disco de la banda, que comprenderá 9 canciones, las mismas que las estamos

Es una rockstar, de esas que nacen iluminadas como pocas en Bolivia.

Y bueno, detrás de ella tenemos a Juampi Barbosa, que es un virtuoso de la guitarra, al igual que Hugo Arce, que le sobran argumentos a la hora de tocar el bajo. Y cierra todo esto Gabby Lima, con una fuerza y entrega al ritmo que son esenciales.

Estás realizando tus temas como músico y productor. ¿Qué escuela tienes?

Tú, que me conoces desde los 90’s, sabes muy bien que venimos de la escuela del Rock, de la escuela de los sueños. Somos fans de la música que soñaban con hacer algo parecido LaCarne Magazine

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a lo que nuestros héroes hacían con sus bandas. Yo, con Queen y Metallica, tú con Beastie Boys y Rage Against The Machine.

Nos conocemos décadas atrás, soñadores y emprendedores. Ahora diriges el Studio Fuerte! Audio. ¿Cómo está la producción local?

Veo que la producción nacional está saludable. Hay mucho y para todos los gustos.

No ha dejado de ser esforzada, y creo que ése es el mérito de producir en Bolivia, le cuesta mucho a uno y eso hace que el producto tenga mucho más valor. ¿Tu nuevo material está alcanzando tus exigencias como músico y productor?

Sí, la meta es cada vez ser más profesionales, inclusivos y colaborativos. Un disco, desde mi punto de vista, tiene que ser un trabajo colectivo, y en ese espíritu dejar egos afuera y servir a la música. Al final, la música es lo más importante, estamos en esto por ella y únicamente ella.

Saliste de tu pago (Oruro) y en La Paz city encuentras tu hoyada musicalmente. ¿Qué sentís al crecer y crear con tanta gente?

La Paz es todo y mucho más de lo que yo veía desde Oruro, cuando era adolescente. La Paz era la Meca del Rock nacional. Hoy por hoy sigue siendo así, es impresionante la cantidad de producción cultural que hay acá. Es cierto que hay voces que se quejan de la falta de espacios, y es cierto, pero no es la falta de espacios a mi parecer, es la cantidad de oferta cultural, que a mí, como un orureño que ve un poco las cosas de fuera, me parece alucinante y tan saludable que haya tanto de donde escoger.

Colectivos musicales que vas germinando desde Los Amigos de Harry, Rocktrotters y ahora Walkman. ¿Qué te ofrece la experiencia real de estos 20 años?

Yo me quedo con toda la gente con la que he compartido música, desde intercambiar cassettes de Metal en las gradas de correos hasta grabar con músicos de Jazz, Reggae, Metal, Hip Hop y Folklore. Estos más de 20 años que vivo y trabajo en La Paz me han dado mucha música, amigos y una esposa maravillosa que

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apoya mi trabajo y sueños.

Nos encontramos en las aulas de la Universidad Católica Boliviana (U.C.B.) en 1998. Estudiantes de Ciencias de la Comunicación Social aún con los walkmans y cassettes. ¿Qué te parece la tecnología?

Me encanta el cambio tecnológico. Ya no tenemos que arriesgar nuestro capital simbólico (cassettes, cds, discos). Hoy todo está en un smartphone y en la red. Hoy uno tiene para escoger y no esperar la buena voluntad del dueño de un Cd que quiera copiártelo. La herramienta tecnológica está ahí también para difundir tu producción, el reto de hoy es hacerlo y ser lo más eficientes para hacerlo. ¿Habrá fusión Rock y Folclórica en tu nuevo disco? Vienes de la Tierra del Carnaval.

Tengo un lindo invitado en el segundo disco, Kicho Jiménez de Wara. Hicimos una canción para que luzca sus poderoso vientos!

En los 90’s éramos raros y freaks. Ahora en este milenio somos los que vinimos a ser, ¿cómo ves a futuro?

Soy un optimista porque veo el pasado y lo que recuerdo es que antes todo era más difícil, era más difícil conseguir cómplices en tus aspiraciones musicales, era más difícil encontrar un lugar donde ensayar, era más difícil grabar tus demos, era más difícil encontrar un estudio donde grabar tu disco, era más difícil encontrar alguien que quiera difundir tu música, y era más difícil poder tocar tu música. Ahora todo es más sencillo y eso me dice que en el futuro la tendencia no cambiará, más bien será más abierta para todos, y por ende será más sencillo hacer lo que uno ama hacer.

Mi emoción y admiración, crecimiento y respeto.

Hemos crecido juntos, hermano, en diferentes corrientes pero hacia el mismo caudal.

Apoya a tu banda de curso, a tu banda de colegio, a tu banda de barrio, a tu banda de ciudad y a tu banda de país. TODOS empezamos igual, todos empezamos en los eventos de colegio. El apoyo a la producción nacional es vital.

La despedida Gracias de nuevo por el espacio, hablar de nuestra pasión es tan importante... Y conversar contigo, Seka, es como tomarse un buen vino mientras escuchas un buen disco.

Cerrando la entrevista y de yapa, Gigio me comentó que Iron Maiden F.B. Bolivia organizó el Tributo oficial a Maiden, avalado por el fanclub internacional. Y es el primer disco. Walkman participa con la canción “Strange in a Strang land”. ¶

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¿Algunas recetas en particular para los fans?

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MARIANA PIÑEIRO entrevistas a improvisadores libres LEER MÁS

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uál es tu procedencia artística?

Desde siempre en Argentina ha habido mucho teatro under. En los años 90, me propusieron formar parte del grupo La Margen, un colectivo de teatro performático y de investigación. Allí podíamos tranquilamente hacer laboratorio durante un año para preparar

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una obra. Mucho leer, mucho cuerpo, mucho proponer y probar lo que llevábamos cada día.

Fue el primer contacto directo con un escenario, y un flechazo absoluto. Hacíamos cosas que hoy día veo aparecer como novedosas... ¿Cuáles son tus influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje improvisatorio?

La experiencia con La Margen y de la mano de Gustavo Zinna, el director, fue crucial. El placer de investigar por el placer de investigar.

Alejandra Pizarnik, todo el tempo Alejandra como infinito impulso. Aquellas dos horas de cada martes en El Túnel, salas de ensayo en Palermo, eran una pieza en sí. Las eternas horas de café compartidas, fundamentales. Y hacer las representaciones sólo si latíamos con ellas, con lo cual, aunque existía un guión, no había dos iguales y siempre había un punto de libre expresión que podía manifestarse casi de cualquier manera. Esto le ponía ese punto tan vivo que tiene la improvisación, y del que quedé enganchada. Supe que así era para mí el teatro. ¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre?

Hará unos diez años, un poco menos. Fueron tiempos de indagar más a fondo en el cuerpo y la expresión toda, incluida la vocal, atravesando diferentes caminos de la danza y la performance internacional. Desde la dirección de Estudio3 se creó un grupo de investigación guiado por Agustín Bellusci, del cual formé parte. En algunas ocasiones se abría la participación/invitación a otros artistas.

Así fue como conocí a Arín Dodó. Surgió entonces la idea de poner cuerpo a las aventuras ‘arindodianas’, y nos embarcamos, con mucha sed descubridora siempre. Estuvimos un buen grupo -con variables- durante largo tiempo encontrándonos semanalmente, y dejando surgir. Fue un gran cultivo. ¿Qué actividades desarrollas como improvisadora?

A día de hoy sigue el viaje con Arín Dodó, ahora junto a la asociación Raras Músicas.

También el Teatro de sombras, la Gran Orquesta de Libre Improvisación, y con otros formatos en los que improviso con el cuerpo y la voz. Este verano organizamos el ‘Primer Maratón de Improvisación Libre’ en Madrid, que duró 12 horas.

Y teatro físico en la compañía Sala de Ensayo, con Llanos Gómez Menéndez. ¿Cuál crees que es tu papel en la escena de improvisación?

Creo que traigo en vena una intención de sorprender, de abrir una puerta aunque sea pequeñita y sea a quien sea, de transformar, traspasar, y esto suele salpicar cuando lo hago conmigo misma... Son ganas de cogerte de la mano y sumergirte en el universo de ese preciso e irrepetible instante. ¿Podrías explicar brevemente tu concepto artístico?

Concepto... hm! Soy muy amplia y flexible en este aspecto. Hay veces que en escena me siento como un animal salvaje totalmente desbocado, y otras como un diminuto punto infinito hacia adentro.

La elección que me lleva en los momentos de expresión artística es la del uso de todos mis cuerpos disponibles: físico, mental, sensitivo, espiritual... Supongo que con una notable tendencia vanguardista. Investigación, intercambio y flujo... ¶

ver Facebook Vía Lucis Trío Flecha 2016 Apertura del II Ciclo de Improvisación y Otros Demonios LaCarne Magazine

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E

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ntrevistamos a Peggy Martínez, la gestora cultural que lleva más de 15 años apoyando el Rock nacional en Bolivia.

¿Cómo te definirías?

Como una mujer libre, rockera, poeta, defensora de los derechos humanos y de los animales, respetuosa de la madre tierra y con mucha fe en las energías cósmicas y la espiritualidad

andina, además de irreverente y sincera.

Desde mis 15 años nace una pasión por la música boliviana. Primero al escuchar la maravillosa obra musical de Wara, El Inca, y después al escuchar artistas más contemporáneos como Milton Cortez o Adrián Barrenechea.

Es ahí cuando me pregunto ¿por qué habiendo un inmenso talento en Bolivia, se importan tantos grupos extranjeros?

Y en el afán de investigar qué otros tipos de música había en nuestro diverso país, es que me introduzco en el Metal y descubro bandas maravillosas como Trueno Azul o Metalmorfosis. Yendo hacia atrás encuentro a 50 de

apoyando el rock boliviano con

peggy martínez

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marzo y Black stones como Rock Psicodélico, y volviendo, descubro a la primera banda de Punk en Bolivia: Secuencia progresiva.

Así sucesivamente voy encontrando innumerables artistas talentosos y con propuestas inimaginables, con mucha identidad boliviana además. ¿Cómo se inicia La Otra Vereda?

Enamorada del Rock y la música contemporánea boliviana, en el año 1997, inquieta por hacer algo ante el avasallamiento de letras infames y música repetitiva extranjera, decido convocar gente que piense como yo y quie-

ra hacer un grupo de apoyo al rock boliviano. Ahí nace Savia, movimiento de apoyo al Rock y la música contemporánea boliviana.

Hacíamos conciertos, charlas sobre Rock y géneros afines, conversatorios, intercambios, investigación y promovíamos artistas nuevos en medios de comunicación y espacios de entretenimiento, pubs y discotecas. Así llegamos a ser más de 80 integrantes entre músicos y gente fan del Rock y la música contemporánea boliviana.

En ese andar, conocimos muchos medios de comunicación, entre ellos gente inquieta como nosotros que nos apoyaba, Pato Peters de la radio Stereo 97, Darknes y Chacal de Ruido Metálico, gente de canales que nos daba espacios. Pero en el año 1998 en particular, conocí a Panchi Maldonado, vocalista y líder de Atajo, quien en ese entonces era parte de un hermoso proyecto radial: Graffitti “la poesía está en la calle 101.7 FM”, única emisora rockera en ese entonces tras la desaparición de radio Chuquisaca Contemporánea, la emblemática emisora rockera de todos los tiempos. Panchi nos impulsa a proyectar un programa radial (podríamos decir que él tuvo la culpa de todo jeejeje). Emocionados, en el año 1999 emitimos un primer programa piloto lleno de historia del Rock boliviano y el Rock en español, a lo que le seguirían programas dominicales de dos horas con entrevistados de la escena rockera, fuerte dosis de Rock nacional, historia y, sobre todo, análisis crítico.

Ahí prosiguió la confianza del director de la emisora, Luis Vergara, un hombre admirable con una excelente voz radial, uno de los más respetados radialistas bolivianos, quien nos apoyó mucho para dar la línea del programa.

Esta maravillosa aventura musical fortaleció aún más el objetivo de apoyar a las bandas rockeras y al movimiento musical contemporáneo alternativo boliviano, y generó más alianzas estratégicas con medios de comunicación, pubs, empresas y discográficas como Sony Music y Discolandia.

Mejores/ peores momentos/eventos Un momento bueno, (la cúspide, diría) fue la invitación de Discolandia a producir un disco con bandas que jamás habían tenido llegada a una empresa discográfica, y que por el impacLaCarne Magazine

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to de nuestro trabajo, los motivó a invitarnos a producir este material (un sueño personal y de grupo). Paradójicamente, como anécdota, esta propuesta llegó un día que, agotada por ir contra viento y marea sin tener suficientes respuestas, y con ánimos de colgar las botas y retirarme de la escena, fui a despedirme del productor ejecutivo de Discolandia, Óscar Prieto, pero él me dijo: “¡Peggy, qué bueno que viene! Me ha leído la mente. Quiero proponerle algo que le va a gustar: Quiero que escoja usted unos 10 grupos de rock de esos metaleros, o underground como los llaman, y grabemos un disco. ¿Qué le parece? ¿Será que para el viernes me trae una lista y propuesta?”

Mi silencio lo dejó confundido. Y tuve que responder: “No me diga eso pues, Don Óscar, deme una semana al menos.” Y así en el año 2002 entramos al estudio de grabación de Discolandia (en ese entonces ubicado en Obrajes) 10 grupos maravillosos, completamente ubicados en LA OTRA VEREDA. Este disco lo presentamos en la legendaria plaza San Francisco y en el pub Equinoccio.

Malos momentos sí hemos tenido, como un intento fallido de sacar un disco homenaje a Wara ya grabado hace varios años. Lamentablemente hay esfuerzos que nadie toma en cuenta, trabajo que no es remunerado y menos reconocido…

Otro homenaje fallido fue a Carlos Palenque, ya que las bandas no responden rápido o se comprometen pero luego no aparecen. O los que deberían estar interesados en el homenaje, tienen problemas personales y son egoístas en reconocer a un artista que aportó mucho al país. ¡Eventos muchísimos! No los recuerdo, pero el primero fue en el año 1997, antes del programa. Aglutinamos bandas desconocidas y Rock fusión y cero alcohol. Después ya hicimos muchos en discotecas y también en la Rockeron. Ahí por primera vez en mi vida, comprobé que el alcohol de lata se consume en serio! Jajajaja Hicimos muchos eventos públicos en plazas, pubs, y también una especie de preste cada aniversario de Savia, que coincide con el de La Otra Vereda, y fuimos pasando la posta a otros grupos. Eso se dio hasta que importan-

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tes bandas del movimiento no cumplieron. Ahí se quedó el afán de hacer eventos y unificarnos.

En lo personal, siempre estuve ligada al arte y los eventos a través de mi trabajo (el que sí me remuneran) diferente al trabajo de Gestora Cultural, que al contrario, sólo me genera muchos gastos, pero lo amo.

Posterior a eso, el año pasado, después de más de 7 años de receso en el que colgué las botas (aunque no totalmente porque nunca

me desvinculé por completo), decidimos volver al aire, por invitación de radio Culturas.

Organizamos el evento en jueves y en una fecha difícil, pero igual logramos lleno absoluto y gratos encuentros de gente que nos recuerda con cariño, preciso para cargarnos de energía y seguir en esta aventura. ¿Cómo ves el Rock en La Paz y en Bolivia hoy? ¿Y de aquí a 20 años?

Lo veo prometedor, con identidad, mejor que

hace 20 años, más sólido, más elaborado, riquísimo en calidad, más unificador, más producido, con más oportunidades, fresco y ¡siempre rebelde!

Sin embargo, no es color rosa. Falta apoyo de medios y políticas públicas que promuevan este género musical y todo lo que le rodea.

Y de aquí a 20 años es difícil pensar, pero así como hace veinte años soñé con un día poder juntar a las bandas de Rock y géneros afines, verlos trabajar juntos, apoyarse, como ahora LaCarne Magazine

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los estoy viendo gracias a ese señor de Impuestos, que sin tener idea habló de los músicos. ¡Me alegro que mi sueño se esté cumpliendo!

Veo que seremos un país como Argentina hace 10 años…. Lleno de arte, de música, de identidad, de diversidad, con gente que apoya y escucha Rock y géneros afines masivamente.

Siendo realistas, siento que habrá un Rock más ochentero e incluso setentero. Siento que volveremos a nuestras raíces, y que pasaremos a un momento de reflexión musical introspectivo.

trabajar en instancias públicas, porque desde adentro puedes aportar mucho en cualquier espacio, y eso siempre me hace muy feliz.

He trabajado en cárceles, medios de comunicación, y últimamente en TV. Soy parte de un colectivo de artistas mujeres: Warmi Luna Creciente, diversas, libres, luchadoras, feministas, transgresoras. Soy Poeta, esa es mi vida. Cuando paro de escribir sé que algo no está bien en mí. Es mi marcapaso.

Me gusta mucho compartir música y hacer escuchar a mis amigos o allegados Rock boliviano. También es mi mayor defecto. Y amo ver a las bandas bolivianas en vivo.

¿Qué hace falta entre los actores que conforman el medio?

Actores músicos: Pues ahí hace falta aún identidad, valorar nuestras raíces, entender que no estamos inventando la pólvora, sólo cuando lleguemos a entender eso, seremos libres, músicos libres y capaces de crear obras más imponentes.

Actores medios de comunicación: Falta mucho apoyo, que se olviden de perseguir a artistas que no aportan, con todo respeto a cumbieros y reguetoneros, que ganan mucho y sólo cantan letras facilonas y sin contenidos.

Actores Políticos: Que entiendan que el arte es fundamental para un pueblo, y esos artistas son quienes sostienen la cultura, políticas públicas para los artistas en general.

Actores, Gestores o Productores musicales de hoy: Que se ubiquen. Yo nunca gané un peso por gestar o producir un grupo, o eventos de Rock. Quizás estuvo mal, pero solo pensé en que el grupo con el que trabajaba salga a todos lados. Ahora son egoístas con los mismos músicos, los asesoran mal. Es una pena, les engañan respecto a la llegada a medios. Es muy triste eso…

¿Estuviste en alguna banda? ¿Tocas algún instrumento?

Siempre estuve intentando tocar batería, más nunca lo logré por tiempo, espacio, etc. Hasta que vendí mi batería. Ahora soy parte de un grupo de mujeres que toca tambores, Warmi Tambor. Qué hermoso es hacer música!

Quiero concluir diciendo que es importante apoyar al Rock boliviano de corazón, soltar el ego personal. Deberíamos pensar más en crecer como pueblo, de fortalecer a nuestros artistas. Es muy duro eso. Yo soy nieta de un gran músico que fue reconocido internacionalmente en Europa y centro América, muy querido afuera. Aquí dejó muchas cosas. Él fundó Sobodaycom, y ahora lo están destruyendo.

Me da pena que muchos bolivianos errados del lugar que ocupan, destruyan nuestros patrimonios.

Sé cómo es el sentir del músico, lo llevo en la sangre, y toda mi familia es de artistas. Debemos querernos y apoyarnos, dejar de ser egoístas. Primero es Bolivia, después lo de afuera. Sólo así vamos a crecer.

Gracias, Julie, mi cariño y admiración, y no se olviden escuchar La Otra VEREDA, la vereda del rock local rumbo a los 18 años, los domingos de 19:00 en adelante Rock y música contemporánea Bolivia. Toda la movida local.

Somos el único programa que tiene este formato periodístico.

Y el 3 de junio en el Equinoccio. Aniversario y sorpresas!!!

ABRAZOS!!! ¶

¿A qué te dedicas? ¿Qué te gusta hacer?

Me dedico a muchas cosas. Soy bien chistosa. Hace 19 años que trabajo en diferentes ámbitos. Estudié sociología, pero he trabajado toda mi vida en medios de comunicación y es lo que mejor sé hacer.

Trabajé en instancias privadas y públicas, en temas de derechos humanos, siempre involucrando el arte. Tengo un gusto especial por

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

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la pegatina

a la conquista del mundo entero

Fotos por Bernat Almirall

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L

os músicos que forman La Pegatina saben hacérnoslo pasar muy bien, pero viendo sus directos se aprecia que ellos también disfrutan, y mucho, sobre los escena-

rios.

Llevan más de una década haciendo canciones, han viajado por muchos países llevando su fiesta y buen rollo a cualquier rincón del mundo, y han colaborado (y colaboran) con una gran cantidad de músicos y artistas.

Y luego llegó La Gran Pegatina, con la que los siete músicos unieron a una super banda de un total de 14 personas para hacer una gran gira de conciertos, en la que compartieron mucha música y grandes experiencias.

Después de todos esos conciertos y discos, un documental, y hasta un videojuego, a los chicos de La Pegatina aún les queda mucho que ofrecernos.

Desde que La Pegatina comenzara su andadura, allá por el 2003, no habéis parado de crecer. Además de la pasión por la música y las ganas de pasarlo bien, ¿qué es lo que ha hecho que os involucréis tanto con la banda? ¿Podéis decir ahora que vivís de la música?

Hace unos 9 años que vivimos de ser músicos con La Pegatina. Lo que hace que te involucres son esas ganas de crecer, de viajar y de aprender. Y, luego, el ir alcanzando pequeños retos que uno se pone. Empezamos muy jovencitos, y ya hace 14 años que andamos con La Pegatina por más de 25 países, y con más de 1000 conciertos a nuestras espaldas. Parece mucho pero se nos ha pasado volando, y aun queremos más.

La Pegatina la formáis siete músicos, que ya son cantidad… pero no contentos con eso decidís aumentar el número de músicos con otros 7 componentes, y ampliar la banda a La Gran Pegatina. ¿Cuál fue el detonante de este gran proyecto musical?

Es un proyecto que sólo duraba los cinco meses y medio de la gira del año pasado. Creíamos que era el momento para hacer realidad un sueño que hacía años que nos corría por dentro. El de montar una big band a lo “Jai Alai Katumbi Express” de Radio Bemba. Y además fue una buena excusa para celebrar el concierto número 1000, y sacar nuestro primer DVD en directo.

Si 7 personas ya es complicado de organizar, ¿cómo lo habéis hecho con La Gran Pegatina? ¿Cómo ha sido el proceso a la hora de incorporar más músicos, más instrumentos, etc, a los temas del directo?

Fue algo bastante natural, en realidad. Como era algo que hacía tiempo que imaginábamos, ya sabíamos qué queríamos que aportara cada uno de los nuevos a la banda. Y ellos fueron muy abiertos con nuestras propuestas, se notaba que nos conocíamos hace años y que sabían lo que era un directo pegatinero.

De toda la gira, ¿cuál ha sido para vosotros el mejor momento y por qué?

De la gira del año pasado con La Gran Pegatina, el inicio en el ViñaRock se recuerda mucho porque llovía, había muchos nervios, algunos bajaron llorando del escenario de la emoción de haber hecho algo tan grande. Y luego, el último concierto en La Riviera también fue muy emotivo porque era ya el final.

Fue muy bonito en general, y aprendimos mucho todos de los demás. Y de la gira actual, en la que estamos de World Tour, pues el hecho de tocar en México en el Vive Latino, el festival más grande de Latinoamérica, fue algo para no olvidar.

En el documental que habéis hecho hemos podido conocer un poco más la historia de la banda, vuestros viajes y experiencias, anécdotas divertidas… ¿Alguna vez se os ha ido de las manos algún directo? ¿Los tenéis siempre controlados?

Intentamos que así sea, que se nos vaya de las manos y tengamos que improvisar, porque entonces se crea una magia inesperada que hace que salga la esencia del grupo en su máximo esplendor, y el público alucine.

Y ahora, de nuevo a la carretera, al avión, a la furgo… Hemos visto en vuestra web que tenéis todo el verano lleno de conciertos dentro y fuera de España. ¿Estáis ya preparados? ¿Cómo afrontáis esta gira?

De hecho, ya hemos empezado. Venimos de Alemania, Austria, Argentina, Chile y México, y nos vamos a UK, Australia, Turquía, sin dejar de hacer algunas fechas en los grandes festiLaCarne Magazine

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vales nacionales. Estamos listos, sobre todo porque estamos muy contentos con el directo que llevamos este año, listo para romper cualquier pista de baile.

próximos conciertos LA PEGATINA WORL TOUR

18-05-2017 Sooki Lounge Belgrave Australia 19-05-2017 Bar Open Melbourne Australia 20-05-2017 The Lair Sydne Australia 21-05-2017 Black Bear Lodge Brisbane Australia 09-06-2017 Rock Sin Subtitulos Dublin Irlanda 10-06-2017 Rock Sin Subtitulos Londres Reino Unido 11-06-2017 Rock Sin Subtitulos Edimburgo Reino Unido 14-06-2017 Novarock Nickelsdorf Austria 24-06-2017 Clownia Sant Joan de les Abadesses 30-06-2017 Concert at Sea Brouwersdam Países Bajos 07-07-2017 Weekend Beach Festival Torre del Mar 08-07-2017 Mitics Festival L’Aldea 09-07-2017 Park City Live Heerlen Países Bajos 09-07-2017 Afro-Latino Bree Bélgica 14-07-2017 Festival Rio Babel Madrid 15-07-2017 Alrumbo Fest Chiclana 20-07-2017 Pirata Rock Gandia 21-07-2017 Festival Fasse Medina del Campo 22-07-2017 Fiestas de Ermua Ermua 03-08-2017 The Juerga’s Rock Adra 12-08-2017 Rototom Sunsplash Festival Benicàssim 13-08-2017 Rock en la Feria Torrelavega 18-08-2017 Revenidas Vilaxoán de Arousa 02-09-2017 The City Trucks Festival La Pommeraye Francia 23-09-2017 Festival MediterraneO Portet-sur-Garonne 27-09-2017 Sala Apolo Barcelona FIN DE GIRA 28-09-2017 Sala Apolo Barcelona FIN DE GIRA 30-09-2017 Sala Apolo Barcelona FIN DE GIRA Habéis colaborado con Amparo Sanchez, Amparanoia, en su nuevo trabajo El Coro de mi gente. ¿Cómo es vuestra relación con Amparo y cuál ha sido vuestra aportación en este disco? ¿Podremos veros juntos en directo?

Con Amparo nos conocemos de hace años, siempre por ser de sus seguidores más fanáticos.

Ya colaboró en nuestro tercer disco, en 2011, y también en el experimento de “Revulsiu en el Laboratorio Sonoro”, pero esta vez fue ella quien nos pidió una versión de “Que te den”, tema que hace años que tocamos en directo como homenaje a Amparanoia. Y la hicimos en merengue en el estudio de Marc Parrot, y quedó muy bailonga.

Aunque es pronto y quedan muchos meses de conciertos, ¿tenéis ya en mente nuevos temas, nuevo disco, nuevos proyectos…? ¿Qué hará La Pegatina durante este año?

Este año lo dedicamos a viajar por todo el mundo mientras componemos el disco que empezaremos a grabar en octubre. Y el año que viene, a celebrar los 15 años de grupo. ¶

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kitsune art con paso firme en el metal

álbum debut, y sobre el futuro de la banda, nos comenta en exclusiva Héctor Montes de Oca, su cantante.

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l último trabajo de Kitsune Art, Signals of Synchronism, constituye toda una propuesta refrescante, novedosa y atractiva. El mismo constituye el album debut de esta potente banda, que llevan ya 6 años rodando por los escenarios de España y no dejan de sorprender por su talento y genialidad. Sobre Kitsune Art, sus comienzos, todo lo relacionado con Signals of Synchronism, su

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Saludos a los miembros de KITSUNE ART y sean bienvenidos a LaCarne Magazine, revista de musica internacional. Para empezar, ¿cuándo y dónde surge la banda?

Muy buenas. Es un placer estar aquí con ustedes. La banda surgió en Madrid, capital de España, allá sobre el año 2011. ¿Quiénes son sus miembros actuales y de dónde proceden?

Hamlet, Bring Me The Horizon y un larguísimo etc...

Ya luego cada uno tiene otras vertientes propias y otros grupos que nos diferencian, y que creo que le aportan esa variedad interesante que puedes notar al escuchar nuestro disco Signals of Synchronism. Se nota en cada canción que es Kitsune Art, pero a la par cada canción del LP se antoja completamente diferente a la siguiente. ¿Cómo definirían su música?

Pues aunque no nos gustan demasiado las etiquetas porque limitan a la creación y composición libre de las bandas, todos los que nos oyen coinciden en que hacemos Metal alternativo, con toques de Nu Metal y Metalcore, así a grandes rasgos, aunque claro está que puedes encontrar toques de más géneros.

Nuestra música, como comentaba en la pregunta anterior, aparte de poder englobar el LP dentro de uno o varios estilos, lo cierto es que cada canción es un mundo diferente a la siguiente, con su propia personalidad y su propia energía. Esto es algo de lo que estamos muy orgullosos.

Pues somos 5 amigos, de los cuales 4 son de Madrid y yo, que vine desde Gran Canaria, siendo la última incorporación a la banda.

De hecho, vine a Madrid exclusivamente por la banda. ¿Cuáles son las principales influencias de la banda?

Realmente nos gustan muchas bandas de diversos estilos, pero bandas en las que coincidimos los 5 podrían ser Deftones, Killswitch Engage, Korn, Linkin Park, SOAD, Rage Against the Machine, Tool, Gojira, Slipknot, Marylin Manson, Limp Bizkit, Papa Roach,

Concentrémonos en su álbum debut Signals of Synchronism. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación?

El proceso de grabación lo hicimos en el estudio Bullet Games Studios, de nuestro bajista Carlos Prieto. Ha sido una gran ventaja poder grabar con él, porque nadie como él podría haber sabido cómo queremos hacer las cosas. Además de no tener las típicas restricciones en cuánto a tiempo para usar estudio.

Es decir, tranquilidad y comodidad de trabajar con alguien de la propia banda. Además, esto ha hecho que hayamos cuidado y mimado al máximo todo lo que tenía que ver con la grabación, mezcla y masterización. Muy satisfechos también en este sentido. ¿Quién realizó el artwork del disco?

El artwork del disco, así como portada y contraportada, la fuimos elaborando junto a Óscar M. Martín, el cual ha trabajado para Marvel, Dinamite comics y para otros grandes.

La verdad que fue un placer dar con Óscar, ya que es un profesional muy grande y fue muy LaCarne Magazine

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sencillo trabajar con él. Nosotros exponíamos las ideas y él conseguía plasmarlas y materializarlas a la perfección. ¡Así da gusto!

rentes y 2 o 3 líneas de estrofas completamente diferentes. Bien, pues finalmente este tema no lo incluimos en el disco… (Risas)

¿Cuántas canciones trae?

El LP consta finalmente de 12 canciones. Digo finalmente porque se acabaron quedando fuera varias canciones más. Somos muy perfeccionistas y esto nos ha llevado a que si una canción la sentimos que está al 80% de lo que consideramos que podría quedar, la dejamos para más adelante. Para una de las canciones del disco llegamos a hacer 7-8 estribillos dife-

¿Qué temáticas abordan en las mismas?

Pues de las letras me encargo yo. Nos gusta enfocar las letras de nuestras canciones de modo que toque la naturaleza humana a nivel mental y emocional. Letras en las que muchos nos podamos sentir identificados.

Sobre momentos de lucha personal interior, sobre la liberación del hombre, sobre la toma de conciencia y el despertar del verdadero

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Ser que somos, más allá de la cultura, condicionamientos y traumas de nuestra vida. Son letras que buscan la superación y redención personal para avanzar, crecer y superar los obstáculos. Suelen ser letras existenciales, psicológico-filosófico, aunque también puedes encontrar crítica social/política, como es en la canción “Puppets”. ¿Videos promocionales?

Ahora mismo tenemos varios que hemos ido subiendo pertenecientes a Signals of Synchronism como son: “The Antagonist”, “Withered Rose”, y el último que hemos subido, “Keep the Flame Inside”, aunque también puedes encontrar anteriores a éstos un video de “Puppets” en directo en la sala Caracol de Madrid. ¿Cómo fue todo lo relacionado con la promoción?

Para la promoción del disco nos pusimos en contacto con la que ha sido nuestra jefa de prensa hasta el momento, Ana Laballo, y a la cual le estamos enormemente agradecidos por su calidad profesional y humana. En estos momentos estamos trabajando con Javier de Izkar Producciones, con el que ya tuvimos el enorme placer de trabajar en el pasado, y que tras un parón inesperado de la banda hemos podido volver a contar con él, y estamos encantados. ¿Dónde se puede adquirir el disco?

Pues directamente a través de la tienda bigcartel de nuestra página web www.kitsuneartofficial.es. También pueden oír el disco a través de nuestro canal de Youtube, por Spotify Music, Deezer o Itunes. Pero una buena manera de estar en contacto directamente con la banda es a través de nuestras redes sociales como Facebook, Instagram o Twitter. Desde ahí pueden escribirnos o sugerirnos cualquier cosa y siempre respondemos. Además, les invitamos a todos a visitar la web personal de la banda: www.kitsuneart-official.es ¿Cómo fue recibido el mismo tanto por el público como por la crítica especializada?

Es algo de lo que estamos completamente satisfechos. Las críticas suelen ser muy favorables y generosas. Absolutamente todos los

que lo oyen dicen que Kitsune Art no tiene nada que envidiar a bandas internacionales como Deftones, Linkin Park o Bring Me The Horizon. Esto nos llena de orgullo, evidentemente. Composiciones llenas de fuerza y sentimiento, o notas de notable o sobresaliente de los medios especializados. Por parte del público, en general igual. Vienen a vernos a nuestros conciertos de diferentes partes por el interés que les ha suscitado nuestro álbum.

Sobre todo nos dicen que ya no quedan muchas bandas como nosotros, y que somos algo fresco, ya que recogemos nuestras influencias y les aportamos otro enfoque, ampliando y mejorando lo que era el Metal alternativo de la época de los 90´y el 2000. ¿Qué próximas presentaciones tiene la banda?

Estamos inmersos en la gira presentación de nuestro álbum en España, y próximamente tenemos cerrada la actuación del 26 de Mayo en Madrid en la Sala Lemon, junto a Killing Pete y Bones of Minerva, aunque estamos cerrando otras fechas en Córdoba y Sevilla junto a la banda jiennense Hair as a Crown.

Si no me equivoco, este 2017 la banda está cumpliendo 6 años desde sus inicios. ¿Cómo valorarían todo este tiempo? ¿Qué piensan que deben mejorar o cambiar?

Si, toda esta aventura comenzó en el 2011. Ha sido mucho esfuerzo y trabajo en estos años para estar dónde estamos, pero la verdad es que esto no ha hecho más que comenzar. Valoramos muy positivamente el trascurso de estos 6 años por todas las experiencias que nos ha brindado la banda, las horas componiendo y grabando, las horas de ensayo, la convivencia entre nosotros como una familia, los numerosos conciertos ya a nuestras espaldas...

Pues nos hubiese gustado poder ir más rápido, pero como toda persona o proyecto, no todo es bonito y fácil, más bien al contrario, requiere de mucho esfuerzo, dedicación y de una alta tolerancia a la frustración, además de mucha paciencia. Las cosas no salen cuando quieren, si no cuando tiene que ser y cuando la vida te lo permite. Hemos tenido que superar dificultades que nos retrasaron bastante, como fue el cambio necesario de vocalista LaCarne Magazine

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porque el anterior no terminaba de cuadrarles con la filosofía de la banda, y todos queríamos a las personas adecuadas para tener una formación fuerte y que cumpliese con las necesidades de la banda a la perfección. ¿Qué podemos esperar de Kitsune Art para este año?

Bueno, pues para este año vamos a estar por la carretera a tope de ciudad en ciudad por España, dando a conocer nuestro LP. No obstante, tenemos las miras puestas fuera del país, en el resto de Europa, también estamos pensando en Asia y también nos encantaría poder ir a Sudamérica o Estados Unidos. Y no hace falta decir que estaríamos encantados de poder organizar una buena gira por Cuba y hacer algo de ruido por ahí. Además de todo esto, estamos en contacto y buscando fechas para meternos a tocar en festivales importantes de España y también del resto del mundo.

Así que, probablemente, dentro de poco vean el nombre de Kitsune Art en el cartel de próximos festivales nacionales e internacionales.

Bien, gracias a Kitsune Art por su tiempo para esta entrevista. Les deseo mucha suerte con este nuevo disco y cosas buenas. Antes de terminar les cedo espacio para que transmitan

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un mensaje a su público y a los lectores de esta revista.

Bueno, ha sido un placer poder charlar con ustedes desde España, ya que nos unen muchas cosas a Cuba y España. Lo cierto es que somos como hermanos en este mundo. La cercanía, el calor, la amabilidad, la pasión por la música sin importar el género. Así que es un orgullo poder llevar nuestra música a la preciosa Cuba, y es por todo lo que nos une que estamos convencidos que a los cubanos van a sentir nuestra música y a conectar con ella.

Gracias a LaCarne Magazine por las preguntas y por la amabilidad, ha sido un placer.

También agradecer a Ana Laballo y a Izkar Producciones por su inmensa labor, ayuda y apoyo para que este proyecto esté dónde está y siga llegando cada vez a más personas.

Sólo podemos estar agradecidos a la vida, a los fans, a los lectores que nos conozcan a partir de esta entrevista, y a ustedes por esta oportunidad. ¶

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boreal project

un placer para los oídos responde Mario Quiñones

B

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oreal Project no puede ser catalogada como una banda más. Su propio estilo hace que sean inclasificables, y bandas tan originales en nuestro país, existen pocas.

Sí podemos deciros que la música de Boreal Project está llena de matices sonoros que se pueden identificar fácilmente. En su primer disco, Boreal, se ve claramente que detrás ha habido un gran trabajo creativo y de composición.

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Como muy bien dicen ellos, Boreal es “un disco muy íntimo y meditativo que no conviene escuchar en cualquier momento.”

Para nosotros el trabajo de Boreal Project es simplemente un placer para los oídos.

Nos gustaría saber qué circunstancias se dieron para que cinco músicos formaran Boreal Project. ¿Qué es lo que os une musicalmente como banda?

En principio fueron Lorea Aranzasti (voz) y Miguel Ángel López (piano) los que se conocieron y se plantearon tocar standards de Jazz a dúo. Después, Lorea me invitó a unirme al

proyecto. A raíz del trio empezamos a pensar en la idea de hacer temas propios e ir perfilando un estilo. Después llamamos a Gerardo Ramos (contrabajo) y Miguel Benito (batería), en vista de que necesitábamos una banda completa para lo que teníamos en mente.

Como banda, está compuesta de gente muy diversa, aunque el Jazz pueda ser un elemento en común. Sin embargo, para este proyecto hay un interés claro en explorar atmósferas Folk, Clásica, Rock, etc…

Cuando hemos escuchado las canciones de Boreal Project lo primero que nos hemos preguntado es ¿cómo pueden hacer algo tan difícil pero tan intenso? Desde vuestra experiencia, ¿es realmente tan difícil? ¿Cómo alimentáis vuestra creatividad para componer?

No me parece que lo que hacemos sea difícil desde el punto de vista técnico. Acaso lo más duro es el proceso creativo, y dar con el sonido que necesitamos. En ese sentido seguimos siendo unos aprendices. Por otro lado, otro aspecto muy difícil es el de difundir y promocionar nuestra música. No responde a una categoría clara, y eso es un gran obstáculo, incluso aunque la música resulte interesante.

En cuanto a nuestra creatividad, sólo puedo hablar por mí, y no puedo decir mucho. Intento estar atento a lo que pasa dentro y fuera de la música, y trato de crear espacio y tiempo para componer.

Boreal es vuestro primer disco y sabemos que no siempre es fácil sacar un proyecto adelante. ¿Qué factores tuvisteis en cuenta para hacerlo? ¿Cuándo y cómo decidís hacer este disco?

No hubo mucho plan. Fue todo una consecuencia de querer hacer una determinada música que nos rondaba en la cabeza. Lo demás vino rodado. Cuando vimos que podía ser bonito plasmar esta música en un disco, decidimos dar el paso sin más. Hicimos un crowdfunding y nos ayudó bastante para pagar el resto del presupuesto.

En el disco hemos podido reconocer sonidos que nos llevan a estilos como el Jazz, el Blues o el Soul, el Folk, la Electrónica, también encontramos violines… Un disco para escu-

charlo muy despacio y disfrutarlo. Decidnos, ¿cómo es este disco para vosotros? ¿Qué otros matices destacarías de Boreal?

Lo que comentas es muy aproximado. También añadiría detalles de música Clásica o Rock sinfónico. Para mí, el disco es el resultado de músicos de Jazz como Miguel Ángel o Clásicos como Lorea, pero que estamos muy cerca de otras músicas. Sin embargo, creo que el resultado es el de un disco muy íntimo y meditativo que no conviene escuchar en cualquier momento. Es música en general pausada, sin renunciar a algunos momentos de intensidad.

En vuestras redes hemos visto que seguís con conciertos presentando Boreal. ¿Cómo se presentan los próximos meses para Boreal Project?

Pues tenemos una fecha en Madrid el 20 de Mayo, en la estupenda sala Clamores.

Seguro que muchos de los que van a veros en directo se sorprenden al escucharos. ¿Podéis explicarles a los lectores qué es lo que van a poder ver y escuchar en vuestros directos? ¿Qué efecto produce vuestra música en el público?

Música evocadora, acústica y sutil, casi camerística, que sin embargo rompe en ocasiones con energía épica. Creemos que es una propuesta muy poco habitual en España y en estos días. Nos encanta la respuesta del público en los conciertos. Poder compartir con ellos hora y media de recapacitación e introversión en un mundo que apunta más bien a lo contrario.

Gracias por responder a nuestras preguntas.

Os deseamos mucho éxito con Boreal, para nosotros ya forma parte de nuestros discos favoritos!

Mil gracias a LaCarne Magazine por mostrar interés en nuestro proyecto, y un saludo para todos vuestros lectores. Os vemos en Clamores el día 20 de Mayo!! ¶

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tranze

presenta nuevo disco LEER MÁS

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l Epizentro del Delirio es la nueva producción de Tranze, una versión actualizada de Trance. Con más de 10 años recorriendo la escena española, han participado en disímiles festivales de Rock, así como el haber compartido con diversas bandas. Sobre este nuevo trabajo discográfico, así como el surgimiento y trayectoria de la banda, nos comenta Victor Urbanos (voz y guitarra) en exclusiva.

Para empezar, ¿cuándo y dónde surge la ban-

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da?

Tranze es una banda de Rock and Roll de raíces conquenses asentada en Madrid capital.

Aunque se presenta en la escena musical con un nuevo proyecto, que nace en 2016, cuenta con una experiencia de 10 años de carrera en el panorama del Rock, recorriendo la geografía española con su música. Tranze es la continuación actualizada del proyecto Trance, conservando integrantes de la formación anterior pero con nuevos integrantes que, lógicamente, hacen que el concepto de la banda sea distinto. ¿Quiénes son sus miembros actuales?

Tranze en la actualidad lo componen Víctor Ubanos (voz y guitarra), Andrés Castelló

ban distintos tipos de este mismo género.

Concentrémonos en su más reciente producción, El epizentro del Delirio. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación?

El proceso de grabación fue bastante duro, aunque satisfactorio. Teniendo en cuenta el cambio de formación que comentábamos, las cosas se pusieron bastante difíciles. No obstante, como decíamos, fue muy satisfactorio, puesto que contamos con un grandísimo productor como es Alfonso Espadero, y grabamos en uno de los mejores estudios de nuestro estado. ¿Cuántas canciones trae?

El Epizentro del Delirio cuenta con 13 canciones y una breve introducción. ¿Qué temáticas abordan en las mismas?

La temática principal que engloban las canciones quizá sean temas de desamor. Aunque es cierto que, como en otras ocasiones, hay cantos a la amistad, al Rock and Roll o, incluso, crítica social, como es “El patio del colegio”. ¿Artistas invitados?

En esta ocasión hemos podido disfrutar del arte de muchos compañeros: todos los miembros de la banda DAO, Ana B. Carretero, Maribel Blanco, Poncho K, Marcos Molina (Gritando en silencio), Juanjo (Ex-Trance). (guitarra), José Ubanos (bajo) y Rodrigo Manué (batería). ¿Cuáles han sido las principales influencias de la banda?

En realidad el sonido de la banda viene de una mezcla muy diversa de bandas. Podríamos resumir diciendo que mama de los Stones, de los Zeppelin o de grupos españoles como Platero y tú, Extremoduro o Marea. ¿Cómo definirían su música?

Nuestra música finalmente se compone del conjunto de canciones. Aunque la mayoría de la prensa lo denomina Rock Urbano, nosotros preferimos quedarnos con un concepto más general como es Rock, puesto que se englo-

¿Videos promocionales?

En este momento contamos con varios videos en nuestro canal de Youtube. Todos realizados por nuestro diseñador, Rafa Majareta.

Existen videos del diario de grabación del disco, un reportaje en el que hablamos del proceso de grabación y composición, y dos videoclips de las canciones “Mátame” y “Buitres”. ¿Planes para promocionarlo?

En realidad, contamos especialmente con el “Boca a boca” y los conciertos. Hasta hoy nos están funcionando muy bien. Aunque es cierto que, en la promoción de los antiguos trabajos, hicimos muchos y muy buenos amigos en la prensa de Rock española, que siempre están al pie del cañón ayudándonos con cada LaCarne Magazine

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“Como decimos siempre, nos queda mucho que aprender, pero hemos plasmado todo lo aprendido, y todo esto se tiene en cuenta y gusta, tanto por la parte de la prensa como por la parte del público.” proyecto que llevamos a cabo. Tranze es una familia cada día más grande, y así tiene que seguir siendo. ¿Dónde se puede adquirir el disco?

El disco físico se puede adquirir a través de nuestra web – www.tranze.es - o bien en nuestros conciertos. ¿Cómo piensan que será recibido el disco tanto por el público como por la crítica especializada?

Lo cierto es que está teniendo muy buena aceptación. Muchos críticos de nuestro estado lo han valorado como un buen trabajo. Hecho a conciencia y con una muy buena producción.

En relación al público, han sabido valorar la evolución y madurez de la banda, teniendo en cuenta los cambios que se han realizado. En general estamos muy contentos con la aceptación. Como decimos siempre, nos queda mucho que aprender, pero hemos plasmado todo lo aprendido, y todo esto se tiene en cuenta y gusta, tanto por la parte de la prensa como por la parte del público. ¿Aparte de esta nueva producción, cuántos discos tiene la banda?

Como Tranze, es el primer trabajo. Anteriormente, bajo el nombre de Trance, editamos tres trabajos mas: De golpe y porrazo, Veritatum y Parar es morir.

Aunque se trata de una nueva formación, en los distintos trabajos se puede apreciar cierta evolución y continuidad.

Hablemos un poco sobre la trayectoria de la banda, pues llevan 10 años recorriendo toda España. ¿En qué festivales han participado?

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¿Con qué bandas han podido compartir escenario? ¿Alguna experiencia que los haya marcado?

Hemos tenido mucha suerte siempre con los sitios donde hemos estado, y con las bandas con las que hemos compartido escenario. Durante estos 10 años cabe destacar festivales como AupaLumbreiras o conciertos compartidos con Reincidentes, Benito Kamelas, Los de marras, Sin Propina, Ciclonautas, etc.

Una de las experiencias más hermosas para la antigua formación fue poder estar en la última edición del festival AupaLumbreiras. Fue una auténtica gozada para nosotros. ¿Qué próximas presentaciones tiene la banda para estos meses?

El pasado 10 de Marzo presentamos el disco en la ciudad de Madrid. Fue en la Sala Live de Carabanchel. Fue fantástico. Ahora andamos preparando el tour por todo el estado, y por ahora no podemos adelantar ninguna de las fechas, puesto que están por confirmar. ¿Qué podremos esperar de TRANZE para este 2017?

En este momento seguimos preparando la gira, sin embargo podemos anticipar que recorreremos gran parte de la península, y a lo largo del verano contaremos con algunos festivales.

Bien, antes de terminar agradecerles por su tiempo para esta entrevista y les deseo éxitos con su nuevo disco y cosas buenas. Les cedo espacio para que transmitan un mensaje a sus seguidores y a los lectores de esta revista.

El mensaje es corto y conciso: Disfruten de El epizentro del delirio, disfruten de Tranze, disfruten de la música, ésta que tanto nos da.

Nos vemos en los conciertos. ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

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sueño abstracto apostando por la música de venezuela

S

ueño Abstracto es una banda venezolana conformada por músicos muy jóvenes, la cual se fundó a mediados de abril del 2014, tras la separación de antiguos proyectos de sus integrantes. La entrevista fue respondida por el vocalista de la banda, Luis Aponte.

Antes que nada, pon al día a los futuros seguidores de Sueño Abstracto y háblanos un poquito de cómo se formó la banda, de los orígenes de Sueño Abstracto.

Nosotros comenzamos experimentando en el género del Core en un principio, conformados por Luís en la voz y guitarra rítmica, Ian en la batería, y Willis en la guitarra líder. Desde entonces, hemos tenido cambios en la formación hasta lograr lo que somos ahora.

En el mismo año de formación, 2014, la banda tuvo mucha actividad. Festival, conciertos,

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entrevista en radio, televisión..., ¿coméntanos sobre estas primeras actividades?

Aún recordamos nuestro primer toque como grupo, compartiendo tarima con Vallium 100kg. Todas las experiencias que hemos vivido han sido invaluables, y sólo esperamos que el futuro nos depare mucho más.

Han compartido escenario con varias bandas venezolanas, y hasta con el reconocido Paul Gillman. ¿Qué ha significado esto para la banda? ¿Qué experiencias y aprendizajes han obtenido en cada concierto?

Para empezar, es una sensación increíble compartir tarima con bandas que tienen un recorrido muy amplio, y aún más es contar con su apoyo. Simplemente tocar ante tantas personas nos enseñó mucho. ¿Cómo clasificarían la música de Sueño Abstracto? ¿De qué suelen hablar en sus canciones? ¿Cuáles son sus principales influencias?

Cada uno de nosotros tiene gustos distintos.

Cada uno tiene su estilo propio y sus ideales.

Sueño Abstracto es una amalgama de todos nuestros estilos. Entre nuestras influencias están Metallica, Green Day, Queen, Lifelover...

¿Creen que con su propuesta musical, de alguna forma, están haciendo un llamado de atención ante la enfermedad social que vivimos?

Algunas de nuestras canciones tienen contenido político y social, a veces sutil y otras no tanto. Depende del público si quiere escuchar y dar el tiempo de entender lo que escribimos.

De otro modo, no se logra nada.

En el 2015 ustedes sacan su primer EP, que lleva por título Insomnia. ¿Háblame un poco sobre este trabajo discográfico, temas, la forma en que lo han promocionado…?

Nuestro EP Insomnia está conformado por dos de nuestras canciones con mayor receptividad, “Cauterizar” y “Libertad”. El día que estrenamos el EP tocamos para el público y se les hizo entrega de las copias limitadas del disco. Pensamos que sentó las bases para nuestro futuro LP. ¿Este primer trabajo discográfico salió de forma auto-producida e independiente? Ahora bien, ¿han recibido ofertas de algún sello nacional para grabar? ¿Han enviado sus grabaciones a alguno sello discográfico dentro o fuera del país?

Insomnia fue un trabajo auto producido gracias a la gente de Café Caramba, a Larris Colón, Jerry Calles y todos los que hicieron posible que ese sueño se hiciera realidad. No hemos descartado la posibilidad de grabar con una discográfica en un futuro.

Me imagino que estén trabajando o que ya tengan material nuevo. ¿Es así?

Ciertamente, estamos en proceso de composición de algunas nuevas canciones. En su debido momento publicaremos nuestro material más reciente en nuestras redes sociales.

En cuanto a la alineación, ¿quiénes integran en la actualidad la banda?

Actualmente somos Luís Aponte en la guitarra y voz, Ian Calles en la batería y Kenedy en el bajo. ¿Conocen algo de la escena cubana? ¿Cómo van de conciertos? ¿Les gustaría girar por

Cuba?

Conocemos de Cuba por lo que hemos visto, pero nunca hemos viajado hasta allá. Sería de pinga visitar Cuba, por allá en el malecón o los viñales.

Dada la situación y crisis actual del país, ¿Cómo ven en su opinión la actualidad de la escena Rock y Metal en Venezuela, y cómo esto impacta en el crecimiento y profesionalismo de la misma? ¿Cómo está de salud la escena venezolana en la actualidad?

Los momentos difíciles son los que nos hacen reaccionar como quienes realmente somos.

Es difícil mantener algo cuando todos los factores juegan en contra. Aun así, en Venezuela somos gente que queremos algo que valga la pena, y no hay crisis que pueda con eso.

Bien, esto sería todo. Muchas gracias por tu tiempo.

Mil gracias por la oportunidad, de pana. De nuevo muchas gracias por su interés, a nuestro público y a todos los que se tomaron el tiempo de leernos. Nunca dejen que sus sueños se disipen en el olvido, y sepan distinguir la realidad del mundo onírico. Saludos, onironautas. ¶

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juambe

imparable en la mĂşsica

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J

uamBe demuestra que en la música no hay obstáculos que valgan. La vida te da lecciones día a día. Éstas pueden ser reflexivas, un simple aprendizaje, o de admiración. Digamos que en este caso sumé un poco de las tres y pasé a ser fanático de una historia, de un músico, de un ejemplo a seguir. Su nombre musical es JuamBe, un artista que, pese a las adversidades, le ha mostrado al mundo que la música no tiene barreras.

Háblanos un poco de tu historia. ¿Cuándo descubriste que querías ser artista?

Nací un lunes 22 de enero de 1990, en San Juan de Urabá, Antioquia, un pequeño pueblo al norte del departamento, a la sombra del Vallenato, el Bullerengue, la Cumbia y otros ritmos autóctonos. La música estuvo presente en mi vida desde la etapa de gestación, cuando mi padre y mi madre me cantaban baladas europeas y americanas, hecho que quizá haya sido decisivo a la hora de elegir el tipo de música que compondría e interpretaría pese a mis raíces.

A partir de los siete años me inicié en la instrucción musical en la casa de la cultura de mi municipio, aprendiendo a interpretar la flauta dulce, el trombón, la trompeta e instrumentos de percusión. Durante mi niñez y adolescencia en mi etapa estudiantil, traté de estar presente en todos los eventos culturales entonando canciones propias de la región y las baladas que tanto me gustaban.

No sería hasta los 16 años, al momento de incursionar con la guitarra, cuando empezaría a descubrir el maravilloso mundo de la composición, y con él la aceptación de la gente que me escuchaba, así como el incremento de la confianza en mí a la hora de intentar nuevas letras y melodías. Respondiendo concretamente a la pregunta, debo decir que supe con certeza que quería ser uno de los cantautores mayormente reconocidos en el mundo entero, cuando escuché mi primera grabación profesional, puesto que las emociones e ideas que surgieron ese día en torno a lo que podría reaLaCarne Magazine

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lizar con mis letras y mi voz, lo que suponía mostrarle al mundo mi talento, ideas y mi arte, me conquistaron para siempre. Y es que cada vez más me convenzo de que la música es el alimento genuino para el alma, que Dios me premió con el don de la composición y la interpretación, y que, en consecuencia y enteramente agradecido, corresponderé a este obsequio durante el tiempo que él me lo permita.

Hay un detalle que quizás muchas personas no conocen, y es que tienes discapacidad visual. ¿Esto ha afectado en algún momento tu carrera?

Quizá sí ha afectado, aunque de forma positiva, puesto que la oportunidad de constituirme en un ejemplo de vida para muchas personas ha fortalecido mi imagen como artista, y de cierto modo ha hecho también más fácil mi camino musical, aunque esto necesariamente ha sido sobrellevado con sumo cuidado para no rallar ni en la sobreestimada admiración o la

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lástima a la hora de mostrarme ante un público como cantautor. A este respecto no podemos obviar que vivimos en un mundo lleno de prejuicios, estigmas y arquetipos sociales que direccionan las conductas y los muchos prismas a través de los que se observa el desarrollo de la vida pública. En este caso, de los artistas.

En consecuencia, mi llamado como persona en situación de discapacidad visual, como cantautor y Comunicador al público que nos lee, es que dediquen su atención al lenguaje de la música en sí, lo que menos importa es la condición de quien la crea y la transmite. ¿Qué es lo que más te gusta de hacer música?

Difícil intentar una respuesta para este interrogante. Les diré que lo que me mueve a la hora de componer, de hacer música, es experimentar las infinitas sensaciones desde mi presente, que suponen la creación de vida musical en cada canción que nace de mi mente, alma, co-

Háblanos un poco de tu experiencia en Viña del Mar Además de haberse constituido en mi primer viaje oficial fuera de Colombia con ocasión de mostrar mi música, también se convirtió en un nuevo catálogo de sensaciones a cuatro sentidos de un espacio inédito para mí, pletórico de texturas, olores, sonidos y sabores desconocidos. En lo que concierne a mi presentación en la Gala de Prensa del Festival de la Canción de Viña del Mar, mi música ahora suena con más fuerza en el sur y norte del país austral, en zonas localizadas de Argentina y Ecuador, luego de mi presentación ante los periodistas acreditados.

Debo agregar que además de traerme conmigo un valioso número de contactos, compañeros y amigos, ha germinado también la idea de participar en la competencia internacional de 2018 del festival con alguna de mis composiciones, proyecto que estoy llevando a cabo este año.

razón y voz. Esto es adelantarme emocionalmente en el tiempo e imaginarme cómo será la respuesta de mi público ante cada nueva creación, y luego contrastarlo con la realidad. ¿Crees que la música realmente puede romper barreras y paradigmas?

Estoy convencido de que sí pueden echarse abajo las barreras del tiempo, el espacio y los idiomas por medio de la música, puesto que lo he vivido, y que el lenguaje universal que ésta entraña, así lo permite. De lo que no puedo dar fe, es que la música pueda constituir un medio o instrumento para romper paradigmas ¿Cuál es tu mayor motivación para cantar?

Estoy seguro que lo que me motiva a componer y cantar fundamentalmente es dejar huellas inmortales de la existencia de Juambe. Es mi noble afán de mostrarle al mundo que aún se puede hacer música que transite en el camino de lo comercial sin ser vacía.

¿Cuál es tu mensaje para las personas que no conocen la música de Juambe?

Si quieren llenar sus oídos y alma con melodías y letras nuevas, dulces, variadas y genuinas, si desean escuchar historias hechas canciones con las que quizá puedan identificarse, y si, definitivamente, creen al igual que yo que la música entraña un poder infinito para generar alegría y paz indescriptible, deben escuchar la propuesta musical de Juambe.

Quizás hay muchas personas que quieren seguir de cerca esta historia, este proyecto, este sueño que sin duda crece cada día más, así que para todos ustedes los invitamos a seguir a JuamBe a través de sus redes sociales. ¶

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violet june

experimentando con el metal LEER MÁS

C

on una propuesta bastante interesante y novedosa llega Algorritmia, el mas reciente trabajo de los madrileños Violet June. Ganadores de la segunda edición del festival GruposMadrid.com. Con 8 años de creada, Violet June ha sabido poco a poco ganarse al público. Sobre todo lo relacionado con Algorritmia, así como la trayectoria de Violet y otros aspectos, nos comenta Juan Méndez (guitarra).

Para empezar, ¿cuándo y dónde surge la banda?

Violet June comenzamos hace unos ocho años en Madrid. Gente que veníamos de hacer Rock y Metal y queríamos seguir haciéndolo, pero desde una perspectiva más nuestra, no sujeta a etiquetas, sino a aquello que nos fuera surgiendo. A partir de ahí hubo un periodo de acoplamiento, donde se produjeron varios cambios de integrantes hasta que

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encontramos una formación estable. A la vez, fuimos investigando para ir concretando lo que queríamos hacer musicalmente y cómo queríamos que sonara la banda. Mientras, publicamos varios EPs, y finalmente, en 2013, con las cosas más claras, lanzamos nuestro primer trabajo discográfico: Paisaje de Regularidades en el Tiempo. ¿Quiénes son sus miembros actuales y de dónde proceden?

Tras ese vaivén inicial, actualmente somos cuatro. Daniel Rivera (bajo) y Juan Méndez (guitarra) veníamos de tocar juntos en Bright Blade, un grupo de Metal, a la vez que hemos estudiado sobre todo música moderna y Jazz.

Charo Ruíz (voz) tiene una formación clásica en el conservatorio, y había hecho sobre todo trabajos en esa dirección: zarzuela y cosas así. Alfonso (batería) es el más trotamundos, y ha tocado en grupos muy variados de Pop, Rock, Metal… ¿Cuáles han sido las principales influencias de la banda?

Con trayectorias tan diferentes es difícil hablar

de influencias comunes. Además, porque no solemos hablar de grupos o estilos entre nosotros, sino de la música que queremos hacer y lo que queremos transmitir con ella. Si nos centramos en las devoluciones que nos hace la gente que la escucha, nos pueden comparar con grupos muy diferentes, seguramente en función de lo que escucha cada uno: Tool y A Perfect Circle salen algunas veces, pero también nos han llegado a decir cosas como Black Sabbath, Marlango, Bjork...

Hace poco, en la crítica del disco en una revista, hablaban de Hawkind y de Nu metal, Free Style, Psych Rock y Space Rock. Creo que también podríamos tener ciertas conexiones con parte de la escena española de grupos en torno al Post Rock, el Rock instrumental y el Stoner, escena por cierto cada vez más grande e interesante ¿Cómo definirían su música?

Pues después del batiburrillo de la anterior pregunta, difícilmente. Solemos decir que es mejor que la gente lo escuche. De entrada, hay experimentación. También hay una filosofía muy metalera, aunque entendida desde nuestro propio punto de vista. En cada canción tratamos, por un lado, que tenga un aire de Violet June, que sea reconocida como parte de la personalidad del grupo, y por otro, de transmitir diferentes emociones. Solemos alternar pasajes calmos con otros más cañeros.

Intentamos que sean temas densos, gordos, jugamos mucho con la dinámica y las polirritmias, con diferentes sonoridades. También tratamos que sean temas con muchas capas para quienes lo escuchan, que se puedan ir descubriendo cosas a través de sucesivas audiciones. Esto hace que sean temas muchas veces difíciles a la primera escucha, no demasiado “comerciales”. Pero creemos que con sucesivas audiciones se van haciendo más pegadizos.

Concentrémonos en su más reciente disco titulado Algorritmia. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación?

Estuvimos metidos en el local de ensayo alrededor de año y medio, trabajando tranquilamente a partir de la improvisación y la composición colectiva, puliendo los temas a

medida que pasaba el tiempo. Dejando aparte las tensiones creativas que alguna vez pueden surgir al hacerlo todo tan grupal, ha sido un periodo divertido y productivo, ya que las inquietudes de cada uno encajaban muy bien con las del resto. Una vez que vimos que ya estaba, nos pusimos con la grabación. Rick Moranis se había encargado de los aspectos técnicos (grabación, edición, mezcla, master) en nuestro anterior trabajo discográfico en los Estudios Marditos Roedores de Madrid, y contactamos con él para trabajar juntos otra vez. Es un crack y nos tiene paciencia, y, como veníamos de trabajar juntos, nos fue fácil recuperar las dinámicas que ya teníamos y mejorar aquellas cosas que queríamos mejorar de la anterior grabación. Por ejemplo, las guitarras y bajos los grabamos nosotros directamente en el local de ensayo. Una manera de rebajar el gasto de la grabación y de tener tranquilidad durante el proceso, probando diferentes tomas y arreglos a medida que grabábamos, tendiendo a primar la naturalidad, que los temas sonaran como en el local de ensayo. Mezclamos los temas a partir de la propuesta de Rick siguiendo la misma filosofía de naturalidad, y de nuevo conjuntamente. No queríamos un disco preciso al milímetro, sino que reflejara nuestra manera de tocar y entender los temas. Tampoco un disco que sonara alto y plano, sino que contuviera en la medida de lo posible las dinámicas que habíamos trabajado en el local, aunque significara sacrificar volumen en el master final. Al final, el periodo de grabación se alargó desde julio a noviembre del 2017.

Mientras, hicimos una campaña de crowdfunding para conseguir financiación. Para grupos pequeños y autogestionados como el nuestro es una herramienta muy útil para poder conseguir sufragar parte de los gastos que implica todo esto, que en España la cosa está muy mal. Ves a grupos que tienen gran calidad y propuestas muy interesantes que tienen que autoproducirse los discos. ¿Cuántas canciones trae?

Ocho temas. No somos un grupo que hagamos canciones como churros y luego seleccionemos unas cuantas para el disco. Nuestro trabajo se centra más en escoger ciertas ideas, y a partir de ahí, irlas haciendo crecer, LaCarne Magazine

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puliendo, rematando…, hasta que vemos que hemos terminado. Algunos de los temas del disco han sido trabajados de este modo durante un año o más, hasta darles por terminados. Por eso, con ocho temas ya habíamos invertido suficiente trabajo para pensar en grabarlos. Además, un disco corto ayuda a reducir los gastos económicos. ¿Qué temáticas abordan en las canciones?

Generalmente Charo se encarga de las letras, aunque nos consulta sobre las temáticas y las revisiones de lo que ha escrito. Nos movemos en dos vertientes: un lado más intimista, emocional, y otro más político y reivindicativo. Aunque esto no significa que cada tema sea de una vertiente u otra. Muchas veces ambas cosas van mezcladas en el mismo tema. En este disco, por ejemplo, hablamos de incomunicación en medio de la tecnología (Mani Padme Hum), de la destrucción del medio ambiente y la influencia del capitalismo en esto (Vacío o Korasakaybu), de la anomia social (Paseo), de la ley mordaza en España (Tormenta) o de las formas de entender el amor (Amor). ¿Videos promocionales?

Pendientes. Para Paisaje de Regularidades en el Tiempo contamos con el excelente trabajo de una compañía de Teatro de Madrid, Teatro Cualquiera, para el Video de “Espiral”, uno de los temas (se puede ver aquí). Ellas eligieron la canción en función de la temática que les interesaba, lo grabaron y lo montaron.

Quedamos muy contentos, y para este nuevo disco vamos a repetir con ellas, aunque está pendiente ver cuándo podremos juntarnos para hacerlo. ¿Planes para promocionarlo?

La idea es difundir nuestra música todo lo posible dentro de las posibilidades que tenemos, que no son demasiadas. Estamos trabajando junto a Izkar Producciones en ese sentido, que están haciendo un gran trabajo. La

“En la prensa especializada la respuesta es muy buena, resaltándose la creatividad, la originalidad y calidad del disco” 140 LaCarne Magazine

experiencia de “Paisajes” nos demostró que muchas veces era mejor recibida nuestra propuesta fuera de España, ya fuera en Europa o en Latinoamérica, por lo que estamos enfocando parte de nuestros esfuerzos en esta dirección. También estamos preparando la gira de presentación. En ese sentido no queremos adelantar mucho hasta no tener más fechas cerradas, pero en “Paisajes” tocamos mucho por toda España, y para este nuevo trabajo queremos hacer menos fechas, pero más interesantes. En ello estamos. ¿Cómo piensan que será recibido el disco tanto por el público como por la prensa especializada?

Por ahora, la tendencia es la que esperábamos. En la prensa especializada la respuesta es muy buena, resaltándose la creatividad, la originalidad y calidad del disco. Por otro lado, llegar a un público amplio es más difícil. No es que no lo haya, sino que por las particularidades del estilo, es más difícil de encontrar que para otras propuestas musicales. Hay gente que aprecia el disco pero que no va en su onda, y otra gente que nos ha dicho que le ha encantado lo que hacemos. Esperamos poco a poco ir haciéndonos más nombre y aumentar la base de oyentes ¿Dónde se puede adquirir el mismo?

Se puede escuchar online en nuestro Bandcamp. También acabamos de ponerlo a la venta online en una distribuidora digital: Cd Baby.

Animamos a la gente que le guste que lo compre, que al final esto ayuda a la supervivencia de los grupos y a poder mejorar para futuros trabajos. Además, en formato físico está la venta en La Tortuga, en Lavapiés (Madrid) y también enviamos desde Madrid a cualquier lugar por correo. ¿Cuánto representó para la banda el haber resultados vencedores en la segunda edición del festival GruposMadrid.com? ¿Qué oportunidades les ofreció?

Pues poca cosa más allá del placer de ver reconocida nuestra música y volver a tocar en la siguiente edición del festival. Nos sorprendió ganar porque había propuestas muy interesantes, pero no tuvo mucha más repercusión.

Hay que entender que en Madrid en particular, y en España en general, la cosa no está demasiado bien para eso que llaman grupos emergentes y para determinadas propuestas musicales. Hay una tendencia cada vez mayor a que las salas sean meros espacios sin implicación, que se limitan a cobrar a los grupos porque actúen en su espacio. Tampoco se ha cuidado el circuito, y hay una importante saturación de grupos y de falta de curiosidad musical, lo que repercute en la afluencia de público. Las bandas grandes llenan estadios a precios de escándalo, mientras otras apenas pueden llegar a meter veinte personas a 4 € la entrada. Tampoco hay apoyo institucional.

Por ejemplo, el año pasado fuimos seleccionados dentro del programa Madrid Activa para propuestas artísticas del Ayuntamiento de Madrid, pero en todo el año no conseguimos un solo concierto dentro del programa. Eso hace que propuestas tan interesantes como este Festival no tenga demasiada repercusión, además de dificultar el progreso de muchas bandas que se lo están currando mucho. Olvídate además de ganarte la vida con esto.

Nosotros cuatro tenemos la suerte de vivir de la música, pero no con Violet June, sino como profesores de música.

Aparte de haber participado en GruposMadrid. com, ¿en que otros festivales se han presentado y con qué bandas han compartido escenario?

Pues festivales generalmente pequeñitos, aunque han sido muchos. Algunos de ellos: Eco-Fuenla, Conecta Festival, Fiestas Alternativas de Lavapiés, She Rock Festival…

Quizá el más bonito fue el Coca Rock, donde tocamos con un castillo iluminado detrás. Y los que más orgullo nos dan son aquellos que tienen que ver con aspectos militantes, como las dos ediciones del Festival Antirracista de Lavapiés, en los que hemos participado, la manifestación en contra de la Ley Mordaza, donde tocamos en la Plaza de Cibeles, la Fiesta para la Caja de Resistencia de Lavapiés… En cuanto a grupos, algunos de ellos: In Mute, Mama Ladilla, Orxata Sound System, los italianos Nero Perverso, Siracida, Quercus, Terrestre… Hace un par de meses íbamos a actuar junto a la banda estadounidense The

Maension a su paso por España, pero una lesión de Alfonso nos hizo caernos del cartel en el último momento. ¿Qué podremos esperar de Violet June para este 2017?

Seguir con la promo del nuevo disco y la gira.

Y en un momento dado, a medida que transcurra el año, empezaremos a componer nuevos temas. Por ahora esos son nuestros objetivos. ¿Próximas presentaciones de la banda?

En breve habrá noticias sobre ello, en cuanto terminemos de organizarnos. Por ahora, adelantar que sólo haremos un concierto en Madrid hasta por lo menos después del verano. Y será en La Tortuga el 6 de mayo.

Bien, antes de terminar les deseo mucha suerte y cosas buenas con su nueva producción discográfica. Les cedo espacio para que expresen lo que deseen.

Pues daros las gracias por este espacio y por vuestro trabajo, y animar a la gente a que escuchen Algorritmia. Y como decimos siempre, que lo escuchen con calma y varias veces, que verán recompensado su esfuerzo. ¶

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