LaCarne Magazine N58

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europa y latinoamérica

Nº58 - FEB 2017 - AÑO 6

EXPERIENCIAS

mundo dj A TRIBE CALLED RED LIBERATO KANI JAVIER SALDÍAS TRASTIENDA RC REGGAE FUNK ‘N ROLL YAYO MORALES TRIO STONER

ENTREVISTAS

JORGE CABADAS ZPU OMAR VEGA MARABUNTA ANAHÍ ARIAS BANGLADESH IN THOUSAND LAKES ARCO EMILIANOCL HUMBERTO MANDULEY

paradise key la fusión perfecta

SUMARIO experiencias

06 mundo dj 10 a tribe called red 14 mozart no pensaría esto... en

N58 aÑo 6 feb 2017 entrevistas

54 paradise key, la fusión perfecta

gijón

16 liberato kani 20 javier saldías 24 el asesinato de la música en españa

26 trastienda rc 28 reggae funk ‘n roll 32 yayo morales trio 34 stoner investigación

40 el folklore y el rock 46 20 años sin esteban sánchez 48 el lado b de la historia Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

http://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

68 jorge cabadas 70 zpu 78 omar vega 84 marabunta 88 anahí arias 92 bangladesh 94 in thousand lakes 98 arco 102 emilianocl 104 humberto manduley Colaboradores

J. G. Entonado, Enrique Falcó, króniko, paquita garcía, jpalomo, maribel pérez, Sebastián díaz, yolanda jiménez, jorge ares, luis lama, ceci beltrán, santos garcía, alfonseka, pablo d. vidal, julie marín, alejandro pérez, priss rojas Foto portada por ismael rodriguez * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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europa y latinoamĂŠrica

reg

4 LaCarne Magazine

EXPERIENCIAS

mundo dj a tribe called red, análisis de we are halluci nation mozart no pensaría esto... en gijón liberato kani, cultura viviente para tu mente javier saldías el asesinato de la música en españa trastienda rc, regresan con “nuevas historias” ggae funk ‘n roll con lobo feroz, prana y los james yayo morales trio, los andes jazz project 2 stoner, analizamos “nuevo despertar” LaCarne Magazine

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MUNDO DJ LEER MÁS

+ EXPECTACIÓN PARA OÍR LA B.S.O. DE TRAINSPOTTING 2

unos “narcomantas” donde se lee quienes han sido, y parece ser que ha sido el Cartel de los Zetas. Después de ese grave suceso lo más probable es que no se vuelva a celebrar el BPM Festival en Playa del Carmen. + NUEVO ALBUM DE JAMIROQUAI

Grandes artistas de la escena musical estarán en la banda sonora de la película, como Underworld, The Prodigy, Frankie Goes to Hollywood, Blondie, Queen y The Class serán algunos de los protagonistas. La llegada de esta segunda parte nos tiene en ascuas porque es una película que no se podría entender sin su magnífica banda sonora. Os mostramos el tráiler de la misma para ir abriendo boca. https://youtu.be/PXPKP6t0oB8 + VARIOS MUERTOS EN EL TIROTEO DE PLAYA DEL CARMEN

Este nuevo trabajo se llamará Automatony, y se presentó con un teaser futurista que duraba veinte segundos, y lo hace cuando ha pasado siete años de parón musical. Os dejamos un avance. El sonido será más “daftpunkiano” que nunca, y ahonda en un estilo kriptonianoque, que se mueve y cambia el color gracias a una sinfonía LED. Se ha anunciado también fechas para su nueva gira, pero ninguna va a pasar por España. https://youtu.be/EHExC5LxrPE + SE REEDITA EN VINILO UN TEMA IMPORTANTE DEL TECHNO

La fiesta que se estaba desarrollando en la discoteca “Blue Parrot” de Playa del Carmen, y la cual estaba organizada por Elrow, se saldó con cuatro muertos debido a un tiroteo, y sucedió mientras estaba pinchando Sidney Charles. Pocos días después aparecieron

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Será un tema de Rhythm Is Rhythm aka De-

rrick May, el cual es considerado uno de los padres del Techno, y el tema se llama “Strings of Live”, que se reeditará en vinilo y saldrá a la luz en febrero. Esta maravilla de tema se puso a la venta en 1987, y actualmente lo puedes conseguir en vinilo por 10€. Se han hecho varias versiones del mismo a lo largo de estos años, pero el que más se acerca al sentimiento del tema original es el de Francesco Tristano. En este enlace puedes conseguir tu copia.

Deleitaros por unos minutos con esta versión que os muestro a continuación. https://youtu.be/1w72OtqjRro

Max. Si deseas ir puedes adquirir tu entrada aquí.

+ PRESENTACION DE UN NUEVO GIRADISCOS POR TECHNICS

Se ha anunciado un nuevo producto para los Technics de la serie SL-1200, el cual se presentó el año pasado a nivel mundial. Lo que no se sabe por ahora es si estará enfocado para los DJs. El 5 y 8 de Enero se celebró en Las Vegas la feria tecnológica “CES Show”, y es allí donde se mostró el nuevo giradiscos llamado SL-1200GR. Todavía no se conoce precio y al público al que irá dirigido, ya que el director de Technics comentó que no iba a ser un producto para DJs, si no a personas con un alto poder adquisitivo que quieren reproductores con una alta fidelidad para registros analógicos.

AGENDA DE CONCIERTOS

+ FIESTA DE MAD MAX EN LA SALA FABRIC DE LONDRES El 20 de Febrero se hará un evento organizado por “Climate Revolution” (organización que lucha por las energías renovables), y en la que estarán Vivienne Westwood dando charlas, y música en directo de DJs como A Guy Called Gerald. Dará comienzo a las 7 de la tarde, y una de las normas es que todo aquel que vaya tiene que ir con un dress code especial, es decir, con la vestimenta propia de la película Mad

BECOOL (BARCELONA) Febrero WEB - FACEBOOK

LA RIVIERA (MADRID) 18 de Febrero MÁS INFO FABRIK (MADRID) Febrero WEB - FACEBOOK RAZZMATAZZ (BARCELONA) 3 de Febrero WEB

PRISMA (SEVILLA) Febrero FACEBOOK MONDODISKO (MADRID) Febrero WEB - FACEBOOK LaCarne Magazine

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DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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ALEX GUESTA - “Mundian To Bach Ke” STEPHAN HINZ - “Phantom Move” PARANOID LONDON - “Give Me The/ Our Man Though” ROBERTO LEON - “Who Are You”

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PABLO MATEO - “Drive Setting EP”

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BARKER&BAUMECKER - “Statik”

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AUDIOLABOR - “Third-High Pro”

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BRAIN ENO - “Reflection” JAMES RUSKIN - “Take Control” STEVE LAWLER - “People Having Sex”

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a tribe called red análisis de we are the halluci nation

A

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tribe Called red es un colectivo compuesto por 3 djs canadienses nativos que fusionan Electrónica, Hip Hop, Reggae, Moombathon o Dubstep con música nativa o aborígen del país norteamericano, conocida como música de las primeras naciones.

La música de las primeras naciones se caracteriza por utilizar elementos de percusión como tambores de guerra, tambores de agua, tambores ceremoniales, calabazas, sonajeros, cuernos de animales..., además de unas formas de cantar o unos cantos que varían en función de los pueblos indígenas o nativos que constituyen las primeras naciones.

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El grupo tiene una estrecha relación con el activismo de las comunidades nativas de norteamerica, y se muestran muy comprometidos con los agravios y problemas sociales de América y del mundo, de ahí que su nombre esté inspirado en otra formación de Hip Hop de los 90 llamada A Tribe Called Quest.

En sus discos cuentan con muchas colaboraciones de voces y percusionistas pertenecientes a las primeras naciones, y cantantes comprometidos socialmente. Esto les ha llevado a ser etiquetados como los precursores del Powwow Step.

¿Que es el PowWow? Es un tipo de acontecimiento público o privado donde las comunidades nativas americanas se reúnen para cantar, bailar, socializar y honrar a sus culturas. Es destacable la conocida competición de baile, generalmente circular, donde los

Esta vez, a la voz principal tenemos al rapero (musulman) Yasin Bey, acompañado por Narcy, que, junto con las voces nativas, los beats y una línea de bajo contundente, le dan un toque muy chulo al track reivindicativo.

bailarines se mueven siguiendo el ritmo del tambor y los cantos tradicionales nativos.

Cuentan a sus espaldas con 3 discos, A tribe called Red (2012), Nation II Nation (2015), We are the Halluci Nation (2016) y algún EP. En esta ocasión me centraré en su último disco.

WE ARE THE HALLUCI NATION We are the Halluci Nation (Feat John Trudel & Nothern voice) Primer tema e introductorio del disco que cuenta con la colaboración de John Trudel a la voz principal. El tema a modo de discurso es una reivindicación como comunidad nativa en el mundo. Musicalmente tienen gran importancia las voces nativas y sus ritmos, junto con beats de Hip Hop y atmosferas electrónicas.

R.E.D (feat Yasin Bey, Narcy & Blackbear)

The Virus (feat Saul Williams, Chipewa Travellers) Contar con el polifacético Saul Williams para este tema es todo un acierto. No hay nadie tan comprometido con las injusticias como este poeta, ilustrador y músico estadounidense.

Volvemos a ritmos cercanos al Dubbstep, bajos contundentes, la voz de Saul y de nuevo las voces y ritmos nativos. Otra canción de temática reivindicativa social de carácter migratoria.

Before (feat Joseph Boyden) Esta canción es mas bien un interludio, con Joseph Boyden ejerciendo un discurso.

Sila (Feat Tanya Tagaq) Tanya Tagaq, es una cantante canadiense de origen nativo que se caracteriza por hacer música con sonidos guturales (como ya lo hicieron Korn es alguna canción). Pues esta señora lo hace de maravilla. Nuevamente beats cercanos al Old school, bajo duros y Tanya a tope. Sin duda una canción original y diferente.

The Light (feat Lido Pimienta) Es uno de los mejores temas del disco. Sin LaCarne Magazine

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duda la voz de la colombiana Lido Pimienta le da un virtuosismo a esta canción. Track que va creciendo poco a poco con los ritmos, y los susurros y voz se van intercalando hasta acabar en un final bailable apoteósico que te pone los pelos de punta.

Maima koopi (feat Oka Chipewa Travellers) Otra gran canción. Diría que la más movida del disco. Alterna beats más Technos con Dubstep y una voz de Oka contundente, que te hace entrar en bucle como si de un Pow wow se tratara.

JHD (feat Junior Otawa) Tiene mucha influencia de la Cumbia por la utilización de las percusiones, las flautas y los ritmos característicos de este estilo, sin perder los cantos y los intrumentos nativos.

Eanan (feat Maxida Marak) Es un tema de carácter más ambiental, con beats más tranquilos, sin perder esa estética Hip Hop, y una voz de Maxida Marak muy relajante, acompañada de esa esencia nativa.

The Muse (feat Jen Kreisberg) Otro track con una voz popera como la de Jen Kreisberg y unos ritmos próximos al baile. Sin duda otro tema pistero en el que hay poca presencia de elementos nativos, pero la esencia Hip Hop se mantiene.

Indian City (feat Notherns voices) Es otro de los temazos del disco. A las tradi-

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cionales voces nativas se les une una línea de bajo brutal, que junto con los ritmos Drum & Bass lo convierten en el tema mas bailable del disco. Sobresaliente esta canción.

How I feel (feat Leonard Summer, Shad & Nothern voices) Tema de Hip hop con gran importancia de las voces de los raperos Leonard Summer y Shad, con un estribillo a cargo de Nothern voices, haciendo el tema más melódico sin perder el compromiso reivindicativo y social del track.

For you. The Light part 2 (feat Lido Pimienta) Es otro temazo del disco. Nuevamente la colombiana nos hace disfrutar en esta canción de principio a fin. Los beats cercanos a la Cumbia, los bajos y una electrónica muy depurada convierten el track en una obra maestra.

Alie Nation (feat John Trudel, Lido Pimienta, Tanya Tagaq & Nothern voice) Track que a modo de discurso nos indica que ya estamos llegando al final del disco y que esto se acaba. Aquí están todos, o casi todos los colaboradores, y todos participan dejando su granito de arena en esta casi despedida.

Soon (feat Joseph Boyden) Es el tema final y discursivo del disco, con solo la voz de Joseph Boyden. ¶

http://atribecalledred.com

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mozart no pensaría esto... en gijón E

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l pasado mes de diciembre de 2016 estuve en Gijón tocando primero en el Museo Juan Barjola, y segundo, en un local de una asociación cultural autogestionada. Dos sitios muy distintos para ejercer la improvisación libre y para experimentar sensaciones muy dispares.

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Todo esto surgió por la invitación y por el buen hacer de mi amigo Pedro Menchaca, responsable y presentador de Vericuetos (más info), programa dedicado a difundir la música experimental y de vanguardia. Aparte de guitarrista de Rock progresivo en un grupo llamado Senogul (ver video), es improvisador libre (también con guitarra eléctrica) en la Orquesta de Libre Improvisación “Improviso” (ver video) y en otras pequeñas formaciones.

En el museo formé parte de la Orquesta Improviso, donde participan aproximadamente

las indicaciones del director. Muy entretenido, y encima aprendí un montón. Da gusto ver cómo este tipo de música se va abriendo paso en los sitios más inesperados, y además, con un apoyo mínimo por parte de los organismos oficiales y con un presupuesto inexistente…, y todo gracias al interés y a la pasión que le ponemos todos los interesados por este género musical. Todo esto me da que pensar. Siempre he creído que esta música siempre va a estar marginada, pero el ejemplo de Gijón me hace ver una pequeña luz al final del túnel, y puedo pensar que en un país como éste, la improvisación libre puede llegar a encontrar su sitio, aunque sea lentamente y poco a poco.

unos quince músicos y varias bailarinas, y es conducida por el músico americano, afincado en Gijón hace muchos años, John Falcone.

El ambiente musical que vi en Gijón me sorprendió mucho, y gratamente, al tratarse de una ciudad pequeña donde no me esperaba esa aceptación por la música improvisada. Se lo tienen muy bien montado los de Improviso. Dimos un concierto muy interesante, instructivo, pedagógico (gracias a la dirección de John) y además participativo. El público se implicó totalmente en lo que estábamos haciendo, y además participaba atendiendo a

Más tarde nos fuimos a la asociación cultural, después de tomar algo, intercambiar opiniones y conocer un poco personalmente a la gente.

El local estaba vacío, y comenzamos Pedro y yo a tocar. Sólo estábamos nosotros dos y el encargado de la barra. La puerta del local estaba abierta y daba a la calle. Mientras tocaba yo estaba con los ojos cerrados, y cuál fue mi sorpresa que cuando los abrí al rato (unos 20 minutos o así) vi que estaban montando un teclado, había otro con un saxo, un clarinete, voces, bajo… al final estuvimos tocando seis o siete músicos, e hicimos una sesión en la que no había sentido algo así en mucho tiempo, de verdad. Todo muy espontáneo, en un ambiente totalmente underground y puramente musical, sin otra intención que crear música en el instante. Además, el local acabó lleno de gente participando y bailando. Joder!!! ¿Bailando el público con música improvisada? Una nueva experiencia y unas sensaciones que no había sentido en cierto tiempo. Me parece que se creó un clima ideal para la improvisación: un conjunto de personas con la única intención de crear sonidos efímeros y disfrutar de la experiencia, sin más, con una total ausencia de huellas. Éste es uno de los aspectos mágicos de esta música, es instantánea, efímera, inmediata.

Muy dadá me parece a mí. Muy Kobold, sí señor! ¶

www.arintonadodo.com LaCarne Magazine

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liberato kani

cultura viviente para tu mente

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is padres nacieron en una provincia llamada Chayanta, en el Norte de Potosí. Ellos crecieron hablando quechua, pero en esas épocas sólo el castellano aseguraba supervivencia en la ciudad. Yo, muchos años después, crecí en la urbana La Paz, entre conversaciones secretas que ellos tenían en su lengua originaria. Cuando mi padre murió, encontré un libro de Fausto Reinaga en su biblioteca sobre la revolución india.

El hombre es tierra que piensa, decía.

Hace unas semanas, en Tv Perú escuché a Liberato Kani. Quedé fascinada. No tanto por su rap en quechua (incluso él alguna vez dijo oponerse a que sólo eso llamara la atención) sino por su historia. El quechua, más que lengua, tiene memoria, y para Liberato Kani es una forma de resistencia. Me pregunté por qué me había identificado tanto con él. Leí sobre su vida e intenté traducir las letras de su primer disco Rimay Pueblo. Lo cierto es que

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el quechua allá no es el mismo que en Bolivia (existen diferencias regionales dentro del propio Perú). Sin embargo, quiero creer que el gesto sí, y la realidad de ambos también.

Liberato Kani es la historia misma, que transita entre el espacio urbano y la identidad ancestral.

Fausto Reinaga, al igual que otros autores bolivianos como Alcides Arguedas, no veía el cholaje como algo positivo. Alcides Arguedas pensaba que en esa hibridez residía la enfermedad del pueblo civilizado, mientras que Fausto Reinaga proponía lo contrario, la degradación del indio con la llegada del europeo. René Zavaleta Mercado (1937-1984) decía que en el momento en el que el indio pisaba la ciudad, surgía una degeneración total.

Quizás porque se perdía en una imposición de convenciones fuera de su pueblo, y quizás por la contraposición de culturas que, al final, sólo parecía acrecentar la diferencia entre ellas. De ahí su famoso término para caracterizar a Bolivia, “sociedad abigarrada”.

Pero creo que son otros tiempos. Creo que es muy corto de vista concebir hoy al indígena

solamente en un determinado territorio, con su lengua originaria y limitado a ciertas contadas costumbres. Existe todo eso, sin duda, pero en una constante expansión y migración, por buenas y malas razones.

Hoy, Ricardo Flores es el retrato de una sociedad que posee dos locus de enunciación, que resultan en una fusión. ¿Cómo no alucinar con tal idea, que se replica en toda esta región andina? Me recuerda demasiado al poemario de David Aniñir, Mapurbe. El poeta chileno habla en su lengua mapuche, pero sin negar que él es hijo de los viajes en transantiago, por la periferia de la ciudad. Liberato Kani es

hijo de un contexto similar, e incluso de Reinaga, porque creo firmemente que de él hablaba cuando decía: “No soy escritor ni literato mestizo. Yo soy indio. Un indio que piensa, que hace ideas, que crea ideas... Mi ambición es forjar una ideología india: una ideología de mi raza. Era solo, ahora seré millones. Vivo o muerto, lúcida conciencia vital o hecho polvo, seré millones...”

Rimay Pueblo: la voz popular

En julio de 2016 debutó el primer disco de Ricardo Hildemaro Flores, mejor conocido como Liberato Kani. Estudiante de Historia, LaCarne Magazine

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Flores nació en 1993 en San Juan de Lurigancho, provincia de Lima. Cuando conoció la cultura Hip Hop, por el año 2009, le pareció la forma ideal de la liberación del alma. De ahí su nombre artístico, Liberato Kani, que significaría un amante a la libertad.

El año 2013, uno de sus compañeros de Quinta Rima, agrupación de rap de la que Liberato formaba parte, le sugirió hacer un coro en quechua y el resto es historia. “Me di cuenta que brotaba en mí una energía de valorar más nuestra cultura”, contó él en Mapa Sonoro, un programa que filmó la experiencia de la presentación de su disco hace algunos meses.

Un año luego, comenzó un rumbo solista que, luego de tres años y momentos clave (como la presentación con La Sarita y Uchpa en el Gran Teatro Nacional el 2015), dio como resultado este primer disco: Rimay Pueblo.

El video “Kaykunapi”, que significa por estos lados, se hizo viral de inmediato, pero el disco en general posee una esencia innegable. Son 14 temas colmados de historias e imágenes

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de su vida, su ciudad y su entorno. Un llamado a desenterrar las raíces andinas, una evocación a José María Arguedas, Rimay Pueblo es rica en expresiones y contenido social, pero sin dejar de lado una armonía propia. El mensaje es denso, pero la música no se hunde; es más, fluye de tema en tema.

El orden de ellos difiere de la plataforma en la que se encuentre, pero entre varios links de Youtube y Spotify, la última me pareció la más acertada. No obstante, no creo posible hacer una interpretación exacta de cada canción, sino de aquello que me parecía vital de cada una. Después de todo, estamos frente a una lengua milenaria, pero tristemente poco conocida a pesar de estar en Bolivia o Perú (2 de los pocos países en los que se habla).

Esto es lo que tengo de mi pueblo, de mi raza

Una Intro nos regala la fusión total de todo el disco. Son instrumentos de viento y cuerdas de Los Andes, que pronto serían acompañados por el beat box. De pronto, silencio.

Y Mana Urmaspa comienza con la voz de un hombre que dice: “Piense una calle empedra-

da. Piense una banca, un farol. Toque.”, y el charango empieza a sonar. Cada intro, más allá del primer tema, es un punto cúspide en cada canción porque muchas veces es una evocación, una imagen, un relato que dirige el resto. Liberato canta: “Sólo quiero volar con el viento. Gritemos libertad, bailar, saltar contentos”, y la sensación que transmite te mueve a pensar en él cantando por la calle, con los brazos abiertos.

Kaykunapi, como decía, es el tema más conocido de todo el disco, por el video en el que Liberato se encuentra en varias de las calles de Lima, mostrando fragmentos de la letra de su canción. Entre tanto, paisajes del campo peruano se mezclan con el propio paisaje sonoro que logra el charango.

Wayra evoca a José María Arguedas, intelectual peruano representante de la narrativa indigenista, y quizás es la canción con más nostalgia. Es una letra que construye imágenes que lastiman, un personaje subalterno, una sensación de pérdida o un deseo de perderse, pero la cura se encuentra en la misma música. La idea de resistencia, creo, adquiere otro nivel de sentido aquí. Una resistencia a la vida misma.

Kay Pacha Underground tiene otra historia en su inicio sobre el pueblo de Querobamba, que contrasta al instante con la imagen de lo subterráneo. Pacha, sin embargo, significa tierra, así que la imagen underground de los ghettos ya no resulta tan opuesta a la tierra misma, de profundidad inasible.

Poesía Rebelde es una llamada al arte combativo. La imagen es más amplia, se dirige a toda América Latina. Las imágenes no sólo se aplican a su contexto. Son demandas que todo pueblo hace donde hay injusticia. El rap es un instrumento de lucha, sí, pero también de gestión propia, de autodeterminación.

Kaymi Punchaw

Esta canción, sin duda, es mi favorita. Tiene una especie de percusión afro para comenzar, y luego un juego de dos voces. Pedro Mo, con vasta trayectoria, le da un toque personal a

esta canción que encaja perfectamente con el coro de Liberato. Las frases son más que ingeniosas, maestras, llenísimas de humor pero sin perder la mirada crítica.

Mujer andina

Kawsay y Munayki tienen una voz femenina.

Es difícil hablar de un disco cuando no se tiene una traducción confiable de las letras (¡vaya que es difícil!), pero sentí que Munayki era un poco más atrevida que Kawsay. Ya luego me fijé que Renata Flores interpreta esta canción, y que es una voz bastante joven, de hecho.

Renata tiene 15 años y se hizo famosa luego de hacer una versión de “The way you make me feel”, de Michael Jackson en quechua. ¡Quién diría! Warmipat, por otra parte, sí parece estar sumergida en la escena Hip Hop de Lima, y tiene una cuenta de SoundCloud con varios temas suyos, de alta demanda social.

A partir de Hip Hop Rurachkani prevalece el Beat box y el Rap, el mensaje. Me gusta mucho el piano en Campesino, porque en las canciones previas había un toque andino al instante, pero aquí creo que prevalece la imagen de la ciudad en la música, y bien podría llevarme a una tarde urbana hasta que Liberato dice: “pero sigo en resistencia, soy el campesino”. En Rap en la casa, el contenido social es lo importante, y la idea de un recorrido por la casa, un proceso de escritura, un viaje por el mundo entero.

Rimay Pueblo es como esa intro que condensaba toda la fusión andina en los primeros segundos, y luego invitaba al Beat box. Las letras también me insinúan un último llamado, porque de igual forma veo la síntesis de todos los temas. El tema cierra el ciclo, aunque luego dice “escucha lo que dice tu alma, es lo que falta…”

Creo que Taki Kallpay no es la última canción, o al menos no la sentí así, sino como un bonus track, un tema de trance y, a la vez, tránsito. ¶

ver soundcloud

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javier saldías

“lo último que pierde el músico es la ilusión”

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onversar con el Maestro Javier Saldías fue gratificante para mi persona y para el ajayu (espíritu). La mirada clara y llena de vida, la voz con tono de un joven guerrero que aprendió, con el ejemplo de vida, a llegar a la cima y volver a bajar, para nuevamente subir. La charla se realizó en su hogar de toda una vida, en el barrio de Miraflores. Ha perdido la cuenta, y los nombres se le escapan de la mente cuando le pregunto sobre los proyectos o agrupaciones musicales que integró y/o fundó. En la actualidad, continúa en la carrera junto a Luz de América. Un señor con la actitud y caballerosidad que solamente los años te dan, menciona con cariño a su primera banda: The Black Birds, influenciados por

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los Beatles y el Movimiento BEAT. Saldias es un convencido que nació para hacer música, y fue así que con los cuates del barrio armó su banda que a la larga sería de culto, Climax. También recalcó el grupo Black Jack, entre una larga lista de esas que se borran sin querer.

Dichoso de estar junto a un ser digno de toda mi admiración y con actitud ROCK, me envolví en su misticidad, que ya me había cautivado el día que recibimos en acto protocolar el Galardón “Chukuta de Oro” de manos de la Honorable Asamblea Plurinacional de Bolivia (un reconocimiento que viene de parte del Estado), donde mi instinto me hizo sentarme junto a él para hacer buenas migas (como se dice popularmente cuando quieres ser cuate de alguien). El momento era propicio para acercarme a un artista pleno y consagrado.

Uno, como colega en cierta medida, admira esta cerca de un artista que se hizo a puro instinto en esto del ROCK & ROLL, que fue puliendo su talento, y hoy en día enseña lo aprendido a razón de entrega y sudor en el Conservatorio Plurinacional de Música.

El curso es de “Ensamble de Rock”, y al cuestionarle sobre cómo se siente transmitiendo la información y sabiduría, pues sentencia que uno va creando cuervos que te sacaran contratos de trabajo, en muchos casos es lo que es.

Me conecté con sus memorias sobre su viaje al Norte de América para vivir en el corazón de los EE.UU. (Colorado), donde pudo empaparse de los grupos que estaban en boga: Jimmy Hendrix, The Doors, Cream, entre otros…, y al preguntarle por qué no se quedó allá, me responde que para qué llevar leña al monte.

Ya el hecho de estar en su cuarto de música, viendo sus cuadros y reconocimientos, las fotos de sus inicios y conocer a su hijita (Jade), era demasiado honor para este rapero de calles y cementos. El hogar de un personaje reconocido musicalmente vibra de manera grata y armónica como dulce melodía a la viditay.

Vegetariano por muchos años, me confiesa que le ayudó mucho en la salud y en el espíritu. Hoy en día es un amante del jazz, y disfruta demasiado reunirse con sus amigos a escuchar discos de vinyl.

Reflexionamos de herencias hacia los hijos, y Javier concluye que solo podemos dejarles los valores del amor y el respeto por la vida, recordando una frase de su señor padre, que le decía: “solo un quijote por generación”.

Cree que sus wawas no caminarán por el mismo rumbo de la música que, lamentablemente, en este país tiene un sabor ingrato y amargo, pues tenemos que tragarnos un sinfín de mal momentos al carecer, por ejemplo, de seguros sociales o médicos, políticas culturales a favor del artista y mercado (público) accesible.

Javier Saldías no cree y discrepa cuando se lo etiqueta de “ícono” o “leyenda”. “Simplemente este hecho te da por muerto, impide que se te valore en el momento actual por lo que haces y por lo que todo músico sueña: crear una mejor canción. Anularte en vida con esos títulos es verdaderamente ridículo”, ultima el bajista que vivió en carne propia la vanguardia en el rock boliviano.

Anti politiqueros rosqueros y corruptos, ha cantado para la libertad del ser humano desde sus inicios. Mientras conversamos sobre su amigo guitarrista, que sufre de pánico escénico y en su última presentación se puso a tocar de espaldas al público, o sobre el cuate que cayó preso en USA por llevar su colección de “bretes de jales” (sobrecitos con residuos de cocaína) en la billetera, escuchamos el nuevo disco del guitarrista Carlos Santana, y continuamos charlando de situaciones anecdóticas, que encierran enseñanzas tan claras como que ya no es tiempo de andar torciéndose, echándose a perder, consumiéndose. Él es un sobreviviente a la “Nación Woodstock”, y recalca que ya no es tiempo de andar quemándose todo el tiempo, hay que cuidarse y mantenerse en buen estado físico, mental y emocional.

Debido a un accidente quedó 2 años sin tocar, y gracias a un buen funcionario que ejercía de cónsul en Santiago de Chile, logró recuperar la movilidad del brazo izquierdo con injertos de nalgas. Reconoce que anteriormente fueron negligentes las dos operaciones que recibió, llegando casi a perder la articulación.

En Bolivia hay que buscarse otra actividad para salir adelante, pues la música es como una suerte de azar, y la voz de la sabiduría que tiene Javier Saldías hace que uno reflexione, se replantee acerca del asunto, y escuche con atención cada palabra vertida en unísono: “yo estudié hasta tercer año de medicina, por complacer a mis padres, pero lo dejé. Otra hubiese sido mi historia si terminaba”, sella en tono seguro y directo.

Las dos horas que conversamos se transformaron en un leccionario, donde encontré inLaCarne Magazine

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formación revitalizadora, emotiva y que motiva a seguir rodando por estas avenidas de ritmos, cantos y escenarios. También encontré a un nuevo amigo que admira mi propuesta en rima, llegándome a decir que soy un “agitador” y que vengo “recargado”, opiniones bien merecidas que inspiran a un título de disco.

Las nuevas tecnologías favorecen a que uno se mantenga comunicando y difundiendo el arte, obviamente el formato mp3 y lo digital ha quitado la magia del LP o del cassette. Javier Saldías se confiesa melómano con una gran cantidad de discos de vinyl y cintas en su colección, las que hasta la fecha siguen siendo colocadas con esa magia única que cautivaba en su época: “para conseguir música tenía que viajar por toda la ciudad, de casa de un amigo en la zona norte al otro en la zona sur, y de paso esperar las ganas para que te graben”, finaliza el bajista mientras se cae la tarde.

Somos de colegios antagonistas en la tradición paceña, e hinchas de equipos rivales clásicos, también de distintos géneros o movimientos, de generaciones distantes y diferentes. Ante todos estos contrastes le he pedido humildemente hacer un proyecto musical que será intitulado SLS, abreviaciones del apellido y que planteo al calor del momento, ya sin pelos en la lengua. La propuesta conllevará una fusión única en la música contemporánea boliviana. Una primicia para LaCarne Magazine, que ante la respuesta positiva del Maestro, se empezará a planear en las primeras semanas del 2017.

Orgulloso me retiro del épico espacio que tuve la suerte de habitar para realizar mi artículo, recordando la frase que me dio un músico de cepa con el Rock & Roll en las venas: “No te olvides que lo último que pierde el músico en la ilusión”.

Gracias por brindarme su tiempo y conciencia. Muchos éxitos para este nuevo 2017. ¶

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el asesinato de la música en españa la censura quiere amordazarnos LEER MÁS

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omo ves, mi guitarra no dispara pero sé donde apunto aunque no veas la bala”, cantaba Kortatu denunciando la censura. La música no está muerta pero tampoco de parranda, gracias a los herederos del franquismo que gobiernan el país. Es inconcebible que en un país que presume de ser democrático, como es España, haya menos libertad de expresión ahora que recién muerto Franco.

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¿Cuándo comenzó este asesinato, este recorte de libertades en democracia? Es imposible determinar un punto exacto, pero el caso más sonado en los 80 fue el de las Vulpess con el tema “Me gusta ser una Zorra”, aunque no fue el único. Hay que decir además que se incrementaron estos ataques a la libertad de expresión cuando el ahora presidente del gobierno era ministro de Aznar. Fue el encargado de censurar sobre todo a grupos vascos solo por el hecho de serlo y cantar en euskera. Grupos como Soziedad Alkoholika o Su Ta gar a día de hoy siguen teniendo complicado tocar fuera del País Vasco, y sobre todo en Madrid, por culpa de las infamias vertidas sobre ellos.

Otro caso es el relativo al grupo Ardor de Estómago, siendo censurados por su canción “Una historia real”; o el grupo Kenta de Zafra (Badajoz), que también sufrió la censura pasando días en el calabozo. La lista es larga.

Por citar algunos ejemplos: Noi del Sucre, Narco, Def con Dos, Obrint pas, Kop, y ahora, el mas reciente del que tengo conocimiento, es Marabunta, cuyo videoclip A.C.A.B + cobardes fue censurado por Facebook tras tener en pocos días mas de 100.000 visitas.

Pero si hay un género musical al que atacan principalmente es al rap. El caso más famoso, pero no el único, es Pablo Hasel, que cumplió dos años de cárcel por cantar, y ahora lo quieren volver a condenar por lo mismo. La lista de raperos amordazados en Venezuela, perdón en España, es enorme y cada vez mas larga: Siker, Ciniko, Arma X, H kanino, Pipe Días, Def con Dos, Los chikos del maíz y un largo etcetera.

Quiero recordarles a los que gobiernan que la libertad consiste en respetar la forma de pensar del prójimo, aunque no piense igual que tú.

Yo apoyo la forma de pensar de estos grupos, aunque no este de acuerdo con algunas cosas que dicen o con la forma de decirla, pero no hay que olvidar que son canciones. Si habéis

leído bien la lista os habréis dado cuenta que son todos grupos de izquierda. Qué raro, no?

Entonces, qué conclusión podemos sacar: ¿que es ilegal protestar, pero sí es legal cantar cosas con letras como “que se hundan las pateras”? Los pocos grupos RAC (Rock anti comunista) que han sido censurados, han sido absueltos al poco tiempo alegando su derecho a expresarse libremente, ellos si pueden.

Algunos dirán que no se pueden decir ciertas cosas, que son delitos recogidos por la constitución, y es verdad, al igual que también está penado la corrupción, el maltrato, y el derecho a la vida, trabajo digno y a una vivienda, y no veo que los que impiden que se cumplan estos derechos constitucionales cumplan ninguna pena de cárcel, ni multa de ningún tipo.

En fin, vivimos en la democracia marca España, donde protestar es delito. Lo que no saben es que no van a poder acabar con la musica ni con las protestas. Hay un dicho que por más años que pasen parece que no deja de ser actual: A más represión, más rebeldía.

Basta de ley mordaza ya! Free Strawberry!

Las palabras no se pueden silenciar. ¶

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trastienda rc,

regresan con “nuevas historias” LEER MÁS

N

uevas Historias es el regreso de Trastienda RC, que no defraudará a sus seguidores y que seguramente llegará a nuevo público.

Cuarto disco de la banda Madrileña Trastienda RC, 8 Canciones grabadas en Anhell Studios de Madrid.

Luego de un parón de 10 años desde su último disco, el regreso de los Trastienda RC goza de muy buena salud. Arrancan el disco con “Esta Noche”, y arrancan con ganas de fiesta, con ganas de olvidar por un día la vida

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tan dura, dejar por una noche los sueños para mañana. Siguen con “Cosas Raras”, y equilibran la fiesta de la primera canción con una canción combativa, en la que no se callan y lo dicen a viva voz: “Cosas raras de gente normal, después de la tormenta todo sigue igual”.

Siguen con “Aprendiz de los maestros”, una canción que ya habían grabado en el disco Despertar (2003), solo que esta vez tiene un puñado de invitados de lujo (Ziku de Envidia Kotxina, Alberto de Boikot, y Pajarillo de Porretas). Una elección inteligente para volver grabar porque tiene todo los componentes para ser un himno: una base contundente, una melodía muy pegadiza, y una invitación para cantar a viva voz: “Tolerancia, Libertad y respeto por bandera, que todos somos iguales, que nadie es más que cualquiera”.

Con “Cada vez que disparan” nos alientan a seguir en la lucha pese a las derrotas. Y en “Estoy Harto” hacen una interesante reflexión, ya que estar luchando contra la marea resulta agotador. ¿Dónde está el sentido a todo esto?, la edad nos obliga a pregúntarnos: “Estoy harto de escribir canciones para cambiar el mundo un rato, es lo que dura en la cabeza, el último tema, la última fiesta…”

Que no se agote la canción en la fiesta, que sirva de eco, que deje algún mensaje y que el mensaje circule: aquí está el éxito artístico.

O debería estar al menos, por lo menos así lo entiendo yo, y creo que así lo deben entender los Trastienda RC. Continúa el disco con “Clase Obrera”. En este tema siguen escupiendo verdades, cuestionando todo el postureo reinante, preguntando dónde está la clase Obrera.

El disco se va terminando con “La Luna”, que nos cuenta la historia de quien lo perdió todo y tiene a la luna como compañera. El disco se

termina con “Soñando a ser princesa”: “Dormirá soñando ser princesa y despertará convertida en rana…”, abusos, mentiras y sueños que nunca existieron.

Como conclusiones finales, puedo afirmar que es un disco equilibrado, con un muy buen sonido, tanto a nivel audio como cuidado en las estructuras de las propias canciones, con arreglos sencillos y efectivos. Un disco que llega fácil al oído, que nos permite disfrutar una banda que regresó con mucha fuerza y que imagino que sus canciones deben funcionar muy bien en directo.

Un disco recomendable para todos los amantes del género de bandas como Reincidentes, La Polla, Boikot, Envidia Kotxina..., influencias positivas que los Trastienda RC muestran en su ADN, pero sin perder su propia identidad. ¶

http://www.trastiendarc.com/ LaCarne Magazine

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reggae funk ’n roll con lobo feroz, prana y los james

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ran las 9 de la noche. La invitación decía claramente que el show de Reggae Funk ´n Roll ya había empezado. Debíamos recorrer la zona residencial de la ciudad para llegar a lo que sería una noche muy esperada. El telón del teatro se abriría para mostrar tres géneros distintos unidos en un escenario. El Show empezaba.

En junio de 2016 se había lanzado oficialmente el colectivo Tripulación Reggae Ska, y Prana

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es parte de la punta de lanza para el mismo.

Es emocionante ver cómo el movimiento ha ido creciendo, y lo que me sorprendía hoy era la manera en la que las bandas y movimientos se están diversificando desde entonces, sin importar el tipo de música que tengan.

El teatro Nuna tiene un hall largo bien iluminado, de inicio la recepción lleva los talonarios como hojas de cerezo encima el escritorio, hasta la primera curva de ese pasillo recepción se encuentra el bar, y venta de suvenires a la izquierda donde la música. Ya estaba sonando el Funk de Lobo Feroz.

Se escapaban notas de Funk a través del salón. En un momento creí encontrarme con

las habituales mesas y la gente sentada en la cávea, pero todos estaban de pie, todos bailaban. La luz era tenue en el foso, y la tarima grande y bañada de colores distinguía a David “Poncho” Monje cantando, y, para sorpresa , Favio Aldana estaba en los teclados. La gente bailaba al ritmo del buen Funk. No hay mesas, me dije. El lugar estaba ajustado para la energía del baile.

Muchos jóvenes se habían dado cita para disfrutar las melodías nuevas del Funk. Lobo Feroz es una agrupación relativamente nueva, y al conversar con Valeria, una invitada, dijo que era la primera vez que escuchaba a los feroces “Lobo Feroz la rompió, para ser Funk lo han hecho increíblemente bien”. Mauricio

“Mau” Prado, el bajista de la banda, y Danilo “El Dani” Roca, baterista, también se mostraron satisfechos y felices con su presentación.

El baile no paraba, pues para mostrar la unidad de las bandas se mezclaban entre ellas para continuar un show sin huecos.

“Ver esa fusión de las tres bandas y cómo mezclaban ritmos ha sido muy interesante”, dijo una de las asistentes.

Y es que la unión que se pregona fuera del escenario era visible en esas transiciones, que llevaban de bailar con Lobo Feroz a corear las canciones de Prana en ritmo Reggae.

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Los James, con su estilo Rock ´n Roll de los 60s, su aire de blues, y su euforia, son de las bandas que necesariamente deben cerrar un show. Siempre sacan a relucir pasos frenéticos, y el público se ve reflejado en estos jóvenes que no pasan de los 25.

En palabras de Carlos Ríos: “Fundamentalmente, lo que he notado es que los artistas son de entre 20 y 25, es una nueva generación, veo que los jóvenes no están tan perdidos como parece”.

Para finalizar el Reggae Funk ´n Roll, las tres bandas hicieron una amalgama con la canción Go Johnny Go de Chuck Berry, lanzándose al público y bailando con instrumentos y micrófonos. Mezclándose con todos los invitados, en un momento podías ver a Daniel Rojas, vocalista de Los James, utilizando un mortero de confeti multicolor como lluvia, así mismo lo hizo Kevin “keso” Quesada, vocal de Prana.

Mientras, todo era un baile frenético, y había más de una docena de músicos entre la fosa y el escenario. El Nuna vibraba!

Ya para despedirse, lo hicieron con caravanas, una hilera de músicos felices por la toma del escenario de tres géneros que tienen como fin hacer bailar y distenderse. Es poco antes de media noche, pero esto recién empezaba, la unión muchas veces fortalece y en este caso con el Reggae Funk ´n Roll. Se cierra el telón.

Gracias a todos los que estuvieron ahí mostrando que el movimiento está creciendo, y nuevos talentos como Los James y Lobo Feroz hacen sentir una cultura familiar entre las personas que desean salir de lo habitual para integrarse en algo que va a repercutir a nivel nacional. ¶

ver facebook lobo feroz ver facebook los james ver facebook Prana

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yayo morales trio los andes jazz proje “jazz con materia prima boliviana”

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ás allá de las típicas afirmaciones de que el jazz es un género erudito y complejo, lo que motivó a Yayo Morales a zambullirse en su armonía y percusión fue una gran pasión, que terminó por instalarlo en España desde 1990. Siguió perfeccionando los estudios que comenzó en el Conservatorio de música de la Paz, con diferentes maestros como Lewis Nash, Tony Moreno, Allen Blairman, entre otros.

Con más de 50 álbumes, cooperaciones, sesiones de grabación, arreglos y otros, Yayo Morales nos entregó hace más de una década Los Andes Jazz Project, proyecto que nace de la curiosidad por sus raíces culturales, y que lo lleva a investigar sobre los ritmos afro bolivianos, un lugar perfecto para su propia expresión artística combinada con el jazz, cuyo viaje musical continúa inspirándole.

Hoy nos ofrece un segundo álbum, con un de-

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sarrollo más maduro e intenso que el primero.

En este segundo material, Yayo Morales ha incluido el reto extra de un ambiente de trío de Jazz acústico, en una grabación de Jazz tradicional que utiliza melodías y ritmos afrobolivianos, bolivianos y andinos, mezclados con armonías y polirritmias modernas de jazz.

Aunque hay una conexión obvia, los dos álbumes son completamente diferentes. Haciendo hincapié en su gran versatilidad y audacia, Yayo Morales nos ofrece en este disco un estilo de refrescante cambio. Los Andes Jazz Project 2, es simplemente un álbum de Jazz por derecho propio, con sabor boliviano, que hace que su sonido sea único y como nada que hayas escuchado antes.

El disco consta de diez temas, compuestos y arreglados en su integridad por Yayo Morales, con la trascendental participación de dos reconocidos músicos de Jazz del más alto nivel internacional como son Germán Kucich (piano)

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y Scott Ambush (contrabajo y bajo eléctrico), quienes prodigan su talento y calidad musical, haciendo volar aún más lejos el concepto de este ambicioso proyecto que, como nos cuenta Yayo, fue grabado en New York (a mediados del 2015) en uno de los estudios de grabación más prestigiosos de esta ciudad: The Carriage House, por el ingeniero de sonido Pablo Arraya, boliviano residente en NYC con una extensa y exitosa carrera como ingeniero de sonido.

En resumen, un trabajo de gran magnitud con mucho corazón y talento, que ha sido preseleccionado para la 59ª edición de los Premios Grammy americanos. Quedamos a la espera del mayor de los éxitos, porque donde triunfa un boliviano, triunfa Bolivia. ¶

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stoner

analizamos “nuevo despertar” LEER MÁS

S

toner es una banda que con cada paso reafirma que es una de las abanderadas del movimiento de Metal en Cuba.

Liderada por el diestrísimo Tiago Felipe, ha logrado sorprender con cada nueva entrega, tanto por fusionar diferentes vertientes de Rock y Metal, como por desplegar al máximo sus habilidades creativas.

Nuevo despertar es una producción indepen-

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diente con una calidad incuestionable, demostrando que lejos de los acreditados sellos discográficos se pueden conseguir buenos resultados. Todos los temas tienen una nitidez soberbia, y eso se puede constatar con tan solo escuchar los primeros segundos del tema homónimo, sobre el que ahondaré más adelante. Al igual que el disco anterior, la grabación, mezcla y masterización corrió a cargo de Tiago Felipe, que se reafirma como experto en estas lides.

Otro aspecto que amerita una observación es la portada, ya que la misma mantiene el buen gusto al que nos tiene acostumbrados Stoner.

La misma exhibe una vista de un planeta, tomada desde el espacio, donde observamos dos fuentes de luz: una de color rojo y otra de color azul, que quizás se deba a la potencia energética de las fuentes emisoras. Los rótulos están muy bien concebidos, denotando que todo fue pensado y ejecutado con meticulosa perfección. Para mí es un verdadero gusto encontrar portadas que defienden tan bien un disco.

Ahora les describiré los temas, que son cinco en total y con una duración que en ningún caso alcanza los cinco minutos. Rompe el silencio “Nuevo despertar”, con vocación enigmática y mágica, como si nos adentráramos en un mundo nuevo, lleno de sucesos extraordinarios que escapan a nuestra comprensión. Un intro muy logrado, que atesora uno de los momentos más sublimes de todo el disco. Luego, el tema se encamina por generar tensión a través de una instrumentación ampulosa, con matices que abarcan el Metalcore, el Progressive Metal, el Alternative Metal, el Symphonic Metal y el Pop. La letra aborda la rebelión de un ciudadano contra los dogmas que le imponen. El fragmento que les propongo a conti-

nuación no deja margen a incertidumbre: “Nuevo despertar / me atrevo a soñar y lo voy a intentar / voy sin perderme / dispuesto a pelear / ilusos que piensan me pueden domar / cansado estoy de comprender / de que me juzguen por infiel / hoy me levanto / no acepto el no” Resumiendo, un tema muy sólido en todos los aspectos.

Prosigue “Mi adicción”, con recursos típicos de la música industrial al comienzo y mucha fuerza interpretativa. Todos los recursos instrumentales están dosificados a lo largo de sus poco más de cuatro minutos. Comenzaré destacando que hay momentos donde el bajo sobresale, al punto de coquetear con el Metal más técnico y experimental. La segunda mitad contiene un solo de guitarra excelso, en pura demostración de virtuosismo. Y otro punto álgido ocurre cerca del desenlace, cuando ralentiza y una atmósfera orquestal con eminentes teclados le otorga una majestuosidad colosal.

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Después, nos sorprende “Aunque ya no estés”, que, a base de sonidos ambientales y guitarras acústicas, ofrece una nostalgia abrumadora, de esas que calan muy profundo en el alma de las personas sensibles. Un tema pausado con recurrentes teclados, y un solo de guitarra de lujo.

La letra expone de manera precisa la partida de un ser amado y el vacío existencial que deja.

Percibo además que fue cantado con un sentir bastante personal, o al menos eso trasmite. A pesar de que desentona con los anteriores temas, no puedo negar que posee un contagioso poder emotivo.

Para terminar, nada mejor que “Mr. Hyde”, tema que arranca con mucha fuerza, la percusión es contundente y los riffs de guitarra macizos. Está inspirada en la célebre novela El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde, del afamado escritor británico Robert Louis Stevenson. El fragmento siguiente lo evidencia: “Humano en animal / con la poción me convertiré / se pierde la razón en instantes / es Hyde, Mr. Hyde / parte oscura de mi mente / ya no sé quién soy / esto es más fuerte” El tema nos conduce por senderos lóbregos, roídos y escabrosos, para sentir la agónica metamorfosis del hombre a monstruo. Son varios los matices musicales que despliegan, pero alrededor del minuto 2:43 surge un arreglo orquestal gratificante. Además, debo destacar que las vocalizaciones están dotadas de gran fuerza expresiva.

Un disco altamente recomendable para quienes gustan del Metal bien elaborado, y con tintes de vanguardia, aunque todos los amantes de la buena música podrán disfrutarlo. Recomiendo todos los temas, pero presten especial atención a “Nuevo despertar”, “Mi adicción” y “Mr. Hyde”. ¶

Temas

1. Nuevo despertar 2. Mi adicción 3. Aunque ya no estés 4. Mr. Hyde.

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LACARNE

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europa y latinoamĂŠrica

investigaciĂłn el folklore y el rock 20 aĂąos sin esteban sĂĄnchez el lado b de la historia de la que nadie habla

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el folklore y el rock

bailando una jota con refajo y chupa de cu cantando una jota con letra de extremod

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uero, duro

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ubo un tiempo en el que se estilaban las fronteras musicales, las cuales se reforzaban sobremanera para que todos tuviéramos claro qué era un género musical y qué era otro, cuáles eran sus diferencias y cuáles los grupos sociales que se identificaban con uno y con otro. “Esto es esto, y aquello es aquello, y claramente no es esto”.

Tendíamos a diferenciar claramente los géneros musicales, muchas veces, como en cualquier ejemplo de construcción de identidad, por oposición al otro. “Esto, que me gusta a mí, es bueno; aquello, que no puede gustarme porque es incompatible con que me guste esto, es malo”.

Algo así ocurría con el Folklore y el Rock. Los años 50, 60 y 70 del siglo pasado habían venido antirrituales en la mayor parte de países europeos. También en España. Fueron años en los que se perdieron muchas fiestas tradicionales y desaparecieron muchas manifestaciones etnomusicales. El Rock remitía a la modernidad y el Folklore a la antimodernidad.

Para muchos, Folklore era sinónimo de paleto y pueblerino. Así, no era raro escuchar expresiones como: “El Rock es música juvenil, moderna, innovadora y dinámica, transgresora y de desorden social…”, y “El folklore es música de gente mayor, tradicional, del pasado, repetitiva y estática, de mantenimiento y de refuerzo del orden social”. No hay como las etiquetas, construidas con la intención de reproducir diferencias, para hacer daño a aquello a quién se le ponen dichas etiquetas.

En mi juventud, no te podía gustar el Folklore si te gustaba el Rock, ni al revés. Si te gustaba el Rock no debías ir a un festival de Folklore. Tus amigos se hubieran reído de tí. De la LaCarne Magazine

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misma manera, si te gustaba el Folklore, el Rock no podía ser tu música. Pero, sorprendentemente, había mucha gente a la que nos gustaba tanto el Rock como el Folklore, lo cual no dejaba de ser un problema en muchas ocasiones. Muchos no queríamos elegir entre uno y otro. Para nosotros no era Rock o Folklore, sino, Rock y Folklore. Pero muchos lo callábamos.

Otros, como mi amigo José Manuel Serrano “Chisparro”, de Villanueva de la Vera, no tenía problema en pregonar su devoción por Leño y a la vez por las rondeñas de su pueblo. Pero los partochos siempre estuvieron hechos de otra pasta en esto de la música. Como dice Cthuchi Zamarra: “Cuando los del Arroyo de los cagaos (grupo que luego pasó a denominarse Efecto Verdolaga) nos iniciamos en esto del Folklore, eramos todos no sólo rockeros, sino jevis metaleros que habíamos tenido melena larga, flequillo, chupa de cuero con tachuelas, pantalones elásticos, botas militares e incluso los grillos de amanejar los mulos a la cintura. Esto, aquí en el pueblo, tenía toda su lógica y su sentido, porque vivíamos el metal de forma muy parecida al folklore, como una música comunitaria y participativa”. Y es que lo cortés no quita lo valiente.

Por suerte, tengo la impresión de que las cosas están cambiando. Vivimos tiempos de mestizajes musicales, a veces entre géneros en otro tiempo vistos como opuestos. Ahora muchos integrantes de bandas de Rock aprendieron los primeros acordes de guitarra en grupos de Folklore de los que no reniegan. De hecho, en algunos casos, siguen perteneciendo a dos agrupaciones musicales: a su grupo de Folklore y su banda de Rock. Asimismo, hay que poner en valor la mirada amigable que desde el Rock se le ha hecho al Folklore. La presencia de

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Foto por Ángel Cepeda esta sección de Folklore en la revista LaCarne Magazine es un ejemplo claro de ello. El mismo nombre de la sección, Música viva, que los directores de esta revista –rockeros hasta la médula- le dieron, así lo dice, un título que rompe con aquella acepción de música muerta, estática, parada, sin capacidad de evolución, que se le daba al Folklore.

También esta apertura hacia el Rock se ha dado desde el Folklore. Ponemos como primer ejemplo el uso en grupos Folk de instrumentos típicamente rockeros como la guitarra o el bajo eléctrico, incluso la batería y los teclados eléctricos. Nuestro segundo ejemplo va dedicado a la Jota Posmoderna del grupo folk Efecto Verdolaga.

La primera vez que escuchas esta jota, entras en Internet y ves el vídeo que para ella han montado los Verdolaga, y te llaman la atención muchos elementos roqueros: el ambiente y el público asistente al concierto, jóvenes en mayor grado; la indumentaria de los músicos; los movimientos de los instrumentistas, algunos de los cuales recuerdan al mismo Angus Young, guitarrista de AC/DC; las letras de

Leño, de Medina Azahara o de Extremoduro que aparecen en la jota; la presencia de una bailarina con refajo y cazadora de cuero; la alternancia en la canción de partes instrumentales y partes mixtas, cantadas con acompañamiento instrumental; el tipo de acordes utilizado, generalmente acordes tonales en los que se suelen mover tanto el Folklore como el Rock; las letras ajustadas a la cuarteta octosílaba… El mismo título de la jota, Posmoderna, ya es una declaración de intenciones.

Escúchenla y véanla, seguro que coinciden conmigo.

La Jota Posmoderna es básicamente una jota al estilo verato, con varias peculiaridades.

Veamos algunas de ellas: - Su tonalidad, Fa mayor, no es habitual en Folklore. La más usada en jotas es La mayor, incluso Mi mayor. El empleo de este tono, en principio raro, obedece al objetivo de facilitar las melodías al clarinete, un instrumento transpositor. Si la jota se toca en Mi mayor, el clarinete debería tocar en Fa# mayor, lo que le obligaría a moverse con un importante número de sostenidos, mientras que si se toca en Fa LaCarne Magazine

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mayor, el clarinete toca en Sol mayor, una tonalidad mucho más fácil, con mayor número de notas naturales.

- El estilo de cante es el de la jota del cruzao, así llamado por tocarse por Re con cejilla en el segundo traste, el llamado acorde cruzao en el código de guitarreros antiguos que no conocían los nombres clásicos de notas y de acordes. Es éste un estilo muy propio del sur de Gredos, principalmente de Madrigal de La Vera, Candeleda, etc.

- Las letras en los cantares, excepto la despedida, provienen de clásicos del rock español: Leño, Mago de Oz, Medina Azahara y Extremaduro. Originalmente tenía otra de La Polla Record: “Voy a vivir con deudas / por toda la eternidad / porque siempre hay quien me ofrece / algo nuevo que comprar”, pero se eliminó de la versión final que se escucha en el vídeo, por acortar un poco el tema, aunque suele incluirse en muchos conciertos en directo.

- Los estribillos utilizan algunas de las letras más habituales en estribillos de jotas de las que se cantan en Villanueva de la Vera. Su elección ha obedecido al intento de buscar un fuerte contraste con las letras más modernas de las estrofas. Por su lado, las melodías del estribillo han sido creadas por el propio grupo.

- Las melodías han sido diseñadas imitando dibujos de falsetas de jota que se tocan en La mayor pero adaptadas al Fa mayor, tonalidad menos explorada en el laúd pero que ofrece interesantes posibilidades. Lo realmente complicado fue hacer tres voces diferentes para que el laúd, el clarinete y el violín tuvieran su propio dibujo.

- Para el diseño del videoclip se partió de la idea original del vídeo de Thunderstruck de AC/DC, pero adaptada al contexto rural, de ahí la elección de un secadero de tabaco como lugar del concierto. Luego el guion se fue acordando con la productora, La Nave Nodriza, que hizo un gran trabajo a la hora de captar la imagen transgresora que se quería mostrar: una jota pura y dura presentada de un modo que rompiera la estética habitual de

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los coros y danzas, y transmitiera el ambiente de los conciertos de El Efecto Verdolaga, en los que se busca que el público participe bailando y sea un cómplice del espectáculo, no un mero espectador.

Todo esto y mucho más es la Jota Posmoderna del grupo Efecto Verdolaga, y en general de la propuesta de este grupo que quiere, entre otras cosas, que de su música, sin perder sus raíces tradicionales de carácter folklórico, se pueda definir como una música juvenil, moderna, innovadora y dinámica, transgresora y de desorden social…, como el Rock. ¶ *Nuestro agradecimiento a Cthuchi Zamarra, miembro de El Efecto Verdolaga, por la información que nos ha ofrecido sobre esta jota.

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20 años sin esteban sánchez H

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an pasado 20 años desde aquel 3 de Febrero en que nos dejó, al decir del periodista y escritor Bernardino Martínez Hernando, “uno de los intérpretes más excelsos que ha tenido la música”. Frase que suscribiríamos todos los que tuvimos el privilegio de conocerle de cerca, de oírle en directo, y también de quienes se acerquen a su piano a través de las grabaciones que guardarán por siempre memoria de su arte, tan modélico en tantísimos aspectos. Porque es bien cierto que Esteban Sánchez Herrero, extremeño de nacimiento y de corazón, fue uno de los más grandes pianistas de su tiempo, con amplio reconocimiento a todos los niveles, tanto nacional como internacionalmente. Hay quien le concedió el título de “El más grande pianista del siglo XX”.

inmediato se crearon títulos póstumos, nombramientos y distinciones que querían honrar su memoria. Pero no hay medalla mejor que la admiración del público, el respeto de los compañeros y la respuesta de los alumnos, que los fueron y muchos en sus casi 20 años de docencia en la Extremadura que él eligió al instalarse definitivamente aquí, en 1978. Porque quería vivir entre los suyos, ajeno a la vorágine de quien pudo elegir ser un concertista universal.

El recuerdo de Esteban Sánchez estuvo bien presente los años posteriores a aquel fatídico 3 de Febrero, y en el año 2003, al conmemorar su sexto aniversario la Asociación Musical Cacereña y la Asociación Filarmónica de Badajoz para mantenerlo siempre vivo con la iniciativa de crear un ciclo de conciertos y conferencias. Un Memorial, en definitiva, que nos refrescara cada año en Febrero su esencia y personalidad. Charlas, conferencias y conciertos en Cáceres, Badajoz y Plasencia para rememorarle.

Su poliédrica personalidad trabada con generosidad, sencillez, cercanía, pasión, y verdad, amén de otros rasgos menos favorables que nada en todo caso perturbaban el arte maravilloso que destilaban sus dedos sobre el teclado, no podía por menos de cautivarnos. Tal era la fuerza creativa, la pasión contenida, el arrebato emocional y la gracia que desprendían sus interpretaciones, que tenían el sello de su escuela pianística y su temperamento.

Así ha sido. Hombres de la cultura que le habían conocido de cerca nos ilustraron con aspectos de su trayectoria vital, escudriñaron su arte personalísimo, y nos aproximaron al hombre y al artistas aún más. Concertistas de piano, y muchos entre los que habían sido sus alumnos, le hicieron homenaje deleitándonos en conciertos memorables en estos catorce años.

La ausencia tan repentina de este artista tan nuestro dejó en un profundo desabrigo al mundo de la música en Extremadura. A veces, solo cuando perdemos a alguien nos damos cuenta de su valor y de cuánto hemos perdido. De

Un año más está a punto de comenzar un ciclo “Esteban Sánchez”. Ciclo que hace el número XV, y que en Cáceres ocupará las fechas del 16 y 21 de febrero, y la del 4 de marzo, con recitales de los pianistas Guillermo Alonso Iriarte, Alberto González Calderón y José

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Luis Porras Barrios, respectivamente. La Asociación Filarmónica de Badajoz tiene también programadas charlas y conciertos para este Ciclo anual que honra al gran pianista, del que para mí guardo gratísimo recuerdo de su arte y de su persona: ¡20 años sin Esteban Sánchez! Siempre tendremos tus discos para evocarte. ¶ LaCarne Magazine

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el lado b de la histor de la que nadie habla

kalazo, lumpenproletariat y 77 puñaladas LEER MÁS

2007, La Paz - Bolivia

Un año lleno de transformaciones interesantes para la escena Anarcopunk en

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esta ciudad. Ya se había difundido gran cantidad de propaganda libertaria entre propios y desconocidos a los círculos de la movida citadina. La actual KxAxPhXc (Comunidad Anarcopunk) ya había sembrado la semilla del Oi! no solo en su ciudad, puesto que influenció de manera significativa en el surgimiento de una escena consciente en las ciudades vecinas de Cochabamba, Oruro y, quizás, Santa

Lumpenproletariat

tencial de la música Oi! (Música para la clase obrera), la cual se inmiscuyó en todas las bandas punk vigentes para entonces, pero aún así, no era suficiente. El Oi! estaba a punto de crear sus propios expositores, dejando de lado pequeños tintes que hasta entonces endulzaban la movida cultural y contracultural paceña.

Surgimiento de Kalazo, la primera…

Ya casi a finales del 2007, empieza el decaimiento de la escena contracultural, existe una desviación de información llegada de diferentes escenas a nivel latinoamericano, las cuales prejuzgaban al movimiento Skinhead como un movimiento machista y fascista, donde muchos integrantes de las colectividades punks empezaron a estigmatizar a la movida Skinhead local, ignorando que ellos mismos eran conocedores potenciales y testigos de las características que denotaba en esencia “lo skinhead en La Paz - Bolivia”.

ria a

s

Cruz. Los primeros Skinheads empezaban a aparecer junto a su propuesta musical, que prometía y comprometía un gran aporte de fuerza, solidez, madurez y convicción, tanto en el aspecto musical como ideológico, a los colectivos vigentes para entonces.

Sólo fue necesario un disco (Non Servium La Santa Familia) para despertar todo el po-

Aquí es donde aparece Kalazo, reclamando y expresando con interpretaciones esmeradas de bandas de habla hispana, junto a sus primeras composiciones, todo lo que un verdadero skinhead es: Antiracista, Antifascista, Antixenófobo… Un completo luchador social y un aliado de barricada. Conformado inicialmente por Frush (Bateria), David (Guitarra), Botas (Bajo), Ramiro (Primera voz) y Renatto (Segunda voz), incorporándose poco después Arturo a la segunda guitarra. Se consigue realizar su primera presentación pública en una pequeña sala de ensayos llamada Rec and Roll. Tuvo que pasar no mucho tiempo para que algunas ideas corrosivas acerca del movimiento Skinhead afecten la estructura de la banda, es por este motivo que empieza el éxodo de integrantes de la banda. Primeramente fue David el que se retiró del grupo por incompatibilidad con la música Oi!, momento propicio para que Julio (Actual guitarrista de la banda) se incorpore definitivamente. Luego Frush, por motivos personales decide retirarse de Kalazo y, a causa de este hecho, Renatto cambia el puesto de vocal a baterista por ser el más familiarizado con este instrumento, ya que en otras bandas en las que participó siempre se ocupó de las percusiones.

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Kalazo

Pasaría algún tiempo sin novedades en la formación de la banda, pero hasta entonces sucede la desintegración de KxAxPhXc, viéndose ésta como insuficiente para la constante demanda organizativa coyuntural. Aparece la O.A.R.S. (Organización Anarquista por la Revolución Social), la cual da origen a AK – 47 como proyecto de recaudación para actividades político-sociales, un brazo encargado de la coordinación de eventos sociales tales como conciertos musicales, editorial y distribuidora de material libertario (Libros, fanzines, videos, revistas y cd’s musicales). Es aquí donde toma protagonismo Kalazo como banda organizadora, como imagen, como símbolo, y como anfitriona de varios eventos realizados con todo tipo de bandas de diferentes géneros de rock de la escena local paceña. Éste es pues el momento para el surgimiento de un nuevo proyecto hermano de Kalazo, el surgimiento de Lumpenproletariat.

Aparece Lumpenproletariat, el paso fuerte del comunismo libertario

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Lo que muy pocos saben es que Lumpenproletariat, inicialmente, estaba compuesta por Omar (Vocal), Julio (Guitarra en Lumpenproletariat y Kalazo), Miguel (2da. guitarra), Jeffer (Bajo) y Renatto (Bateria en Lumpenproletariat y Kalazo). Pues la formación no es tan interesante como lo que estos tocaban. ¡Himnos y cánticos libertarios de la guerra civil española, y reediciones de cantos anarquistas!!! Todo un repertorio de aproximadamente 10 canciones perfectamente elaboradas. Gran pérdida de material fue la separación de Julio de Lumpenproletariat por motivos personales, cosa que obligó a empezar de cero, con interpretaciones más sencillas acordes al nivel musical de los nuevos integrantes, puesto que en poco tiempo la formación de Lumpenproletariat fue cambiando: Roberto en lugar de Julio a la guitarra, y Daniel en lugar de Jeffer al bajo (Jeffer se retiró de la banda por motivos laborales).

Varios años durarían las rabiosas interpretaciones de Lumpenproletariat con temas de bandas como Kaos Urbano y Sudamérica Oi!, conquistando así un puesto respetable

en la escena subterránea local. Algunas veces viajando a presentaciones a la ciudad de Cochabamba, otras presentándose en la ciudad de El Alto y, muchas otras participando activamente en su ciudad de origen.

Pues tanto como Kalazo (tocando entre Punks y Thrashers), y como Lumpenproletariat (solo tocando en eventos Punks), ambas bandas eran de pocas agrupaciones con contenido ideológico y, por sobre todo, activistas del Anarcocomunismo o Comunismo Libertario, puesto que, directa e indirectamente, éstas aportaban en cada evento realizado por organizaciones y colectivos como la O.A.R.S. y la C.J.A.C. (Colectivo Juvenil AnarcoComunista).

77 Puñaladas, lo nuevo

Han pasado casi 10 años de bajones y subidas, muchos problemas para todos y cada uno de los integrantes, mucha guerra peleada en el campo social, y nuevos cambios por realizarse…

Kalazo sigue vivo, pero no tan activo como en sus tiempos de gloria. El trabajo fue diezmando el tiempo de los integrantes, los cuales se encuentran empezando un proyecto de grabación para su décimo aniversario como banda Oi.

Lumpenproletariat, a causa de cambios estructurales profundos, muta en un nuevo proyecto: 77 Puñaladas, integrado por Omar (Vocal - Ex Lumpenproletariat), Daniel (Bajo – Ex Lumpenproletariat), Sergio (Guitarra), Roberto (Guitarra – Ex Lumpenproletariat) y Andre Luis (Bateria). Aunque está en proyecto la idea de incluir más integrantes que ocupen instrumentos de vientos, con el fin de innovar en el estilo propio de la banda.

Por lo pronto, la banda no tiene más de 6 meses de vida, pero ha estado muy activa dentro de la escena Punk y Skin, trabajando duro por marcar su espacio y su propuesta alcanza cada vez más oídos, despertando conciencia y descontento ante una sociedad llena de prejuicios y desigualdades. ¶ LaCarne Magazine

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LACARNE

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europa y latinoamĂŠrica

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entrevistas

paradise key, la fusión perfecta jorge cabadas zpu, una luz de esperanza en el rap omar vega, testigo de la evolución del rock cubano marabunta, gritando verdades anahí arias, uniendo folklore, electrónica y hip hop bangladesh. la música que se siente in thousand lakes, potencia y perfección arco, coleccionando éxitos emilianocl, electrónica para ser feliz umberto manduley, el investigador del rock urbano LaCarne Magazine

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paradise key la fusiรณn perfecta

Anรกlisis de disco por Enrique Falcรณ Texto por S. Plata

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pierde el control con paradise key y t.e.s.l.a Anรกlisis de un gran disco 56 LaCarne Magazine

cambios de ritmo, guitarras potentes y dibujos en melodía, guitarra y teclados.

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Paradise Key - T.E.S.L.A. ... y aquí pierdes pierdes control...

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in duda, tras los primeros compases de aquel maravilloso Party Logistics (2014), fuimos muchos los que descubrimos y quedamos encantados con la irrupción del joven cuarteto de San Vicente de Alcántara. Temas maravillosos como “Break in the flor” o “Game Over” nos trasladaban a un paraíso electrónico cargado de pegadizas melodías salpicadas con ritmos funkys y metaleros.

Sin duda, T.E.S.L.A. (2017) se ha convertido en una continuación natural de aquel excelente trabajo, que viene a significar que Paradise Key ha cumplido con creces las expectativas que se le presuponían. Y todo ello sin perder un ápice de frescura, ni esa incendiaria energía que caracteriza su sonido marca de la casa.

Una vez más, acertando con el corte de apertura, “The Wave”, con una intro de menos a más. Programaciones, cambios de ritmo, adornos de guitarra y teclados que rompen en un estribillo que gana en su segunda ejecución tras un puente instrumental. Esas frases en castellano (“El control... y aquí pierdo pierdo el control...el control”) ya no saldrán de tu cabeza, y nos hace una vez más cuestionarnos cómo es posible que la banda no se plantee dar el salto definitivo con un trabajo en nuestro propio idioma, aunque algunos atisbamos un halo de esperanza con este giño en la lengua de Cervantes.

“Ghosts” y “Blackout” intercambian bases más rockeras que acaban convirtiéndose en himnos con estribillos bailables, y hasta casi grandilocuentes. Pero, sin duda, es en temas como “Street of Rage” en donde el grupo destaca, con una ejecución en la que hay sitio para el ornamento instrumental con imaginativos

“180º” podría ser sin duda hermana de aquella entrañable “Game Over”, que en su anterior trabajo nos hizo viajar a más de un treintañero con nostalgia a una inolvidable e irrepetible época de juegos de Arcade. Una vez más, un estribillo que convertirán en himno, y que sin duda será de los más esperados en sus actuaciones en directo.

La primera joya, totalmente inesperada, del trabajo del grupo extremeño es sin duda la sorprendente “Prelude from Blade Runner”, en la que voz y teclados realizan un trabajo soberbio, que sin duda no pasa desapercibido. La voz de Dani nos arrastra en un angustioso viaje por los sentidos, consiguiendo que no podamos dejar de escuchar el corte una y otra vez.

La segunda, claro está, es la mejor y más completa canción del disco, en este caso de título homónimo. “T.E.S.L.A.” es un tema al que no le falta nada. Buena introducción, base potente con marcados teclados y contundentes guitarras. Melodía pop con estribillo generacional, y un precioso cambio con unos maravillosos break de batería.

Paradise Key no se ha conformado con las buenas críticas de su anterior trabajo, y lejos de dormirse en los laureles han conseguido evolucionar y presentarnos una colección de canciones, que sin duda conforman uno de los mejores discos que podrá disfrutarse en este 2017.

Imprescindible su presencia en los Festivales más importantes de la región (Ya va siendo hora de que el Contempopranea los sume a su cartel). T.E.S.L.A. sin duda les abrirá más de una puerta para poder defender su trabajo en toda la geografía extremeña, y por supuesto a nivel nacional. Dale al play y no podrás parar de escucharlo... y ahora pierdes, pierdes control...el control...control, control... ¶ Enrique Falcó.

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os años hemos tenido que esperar para poder disfrutar de T.E.S.L.A., el nuevo trabajo de Paradise Key. La espera ha merecido la pena y el resultado no podía ser mejor.

Siguen manteniendo su estilo, pero se nota que tanto la banda como su sonido han ido madurando con el paso del tiempo.

Paradise Key han encontrado el camino que puede llevarles al éxito. Pura energía, sintetizadores, guitarras eléctricas, Dance, Fusión y mezclas melódicas es lo que encontrarás en T.E.S.L.A.

Paradise Key han comenzado un camino en el que ya no hay vuelta atrás. Se han marcado un objetivo, y es que la energía que desprenden se contagie a los demás, y, sobre todo, que no pares de bailar!

Paradise Key ha sufrido cambios en la formación. Concretamente contáis con nuevo bajista, Fran Viniegra. ¿Cómo se produjo el cambio? ¿Teníais claro que iba a ser él?

David Porro está con Katólicos, estaba con Karne de Kañon y no daba abasto con las tres bandas. Sus gustos claramente estaban más orientados a tocar con Katólicos y Karne de Kañón que con Paradise Key, que entró porque éramos amigos y por hacernos un favor. No daba abasto y decidió dejar Paradise Key, y lo que hicimos nosotros fue hacer una estrategia en redes sociales en búsqueda de bajista.

Estuvimos en contacto con gente de Badajoz y de otros sitios. Sabíamos que Fran Viniegra tocaba y era de San Vicente de Alcántara, nos escribió y nos dijo que si le hacíamos una prueba y nos echaba una mano. Lo que más nos gustó de la idea fue que era del mismo sitios que nosotros, con lo cual nos quitábamos desplazamiento y cientos de historias, gastos, que tienes que pagar gasolina… Y nos gusta estar centralizados, que estemos todos en el

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mismo sitio más que nada.

Os hemos visto crecer y nos encanta ver que habéis seguido luchando y trabajando para que Paradise Key siga en activo ¿Qué es lo que más os ha costado conseguir?

Ha habido momentos complicados. Empezamos fuerte, con mucho apoyo y es complicado seguir trabajando, trabajando y trabajando cuando no se consiguen los frutos deseados.

Pero, bueno, seguramente todo el que haya tenido una banda durante un tiempo me va a entender perfectamente.

Aunque nos haya costado, la motivación del

grupo nunca ha decaído, nunca ha bajado, pero sí que cuesta trabajo seguir cuando las cosas no salen como a ti te gustan. Nosotros hemos seguido luchando y la motivación del grupo como te decía, nunca ha decaído.

Los éxitos particularmente nos importan relativamente poco, lo que más nos importa es el resultado. Nosotros nos ponemos a componer y lo que más nos importa es el resultado de esa composición. Lo que más nos anima y más ganas nos da de seguir es escuchar esa composición y disfrutarla, no los éxitos que vengan después. Sí que es complicado, sobre todo económicamente es superdifícil.

Dos años de duro trabajo han dado sus frutos y ya podemos disfrutar de T.E.S.L.A, el nuevo trabajo de Paradise Key. ¿Cómo han sido estos dos años para vosotros?

Han sido dos años no especialmente difíciles, pero si dos años en los que buscábamos mucho más movimiento del que hemos tenido.

Realmente, a la hora de componer, hemos disfrutado aún más, estábamos contentos con lo que iba saliendo. Hemos buscado un aprendizaje y referencias en otras partes, porque lo que más nos gusta de Paradise Key es que no es lo convencional, no es lo establecido, LaCarne Magazine

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no es lo que se escucha normalmente. Hemos estudiado otros estilos de música, y los hemos compilado en lo que ahora es Paradise Key. Sabemos que los miembros de Paradise Key vivís en ciudades diferentes, y la distancia a veces suele ser un problema. ¿Cómo lo habéis hecho para hacer este disco, ensayar, grabar y demás?

Para la grabación nos reuníamos todos un día en concreto en el estudio, sentábamos las bases de cómo iba a ser el trabajo y ponernos de acuerdo. Por ejemplo, un miércoles por la mañana iba uno, por la tarde iba otro, y al final para la mezcla y para el master nos juntábamos todos. Lo bueno de la grabación es que estábamos todavía todos en San Vicente.

A la hora de los ensayos, de lunes a viernes nuestros trabajos normales, y los fines de semana, trabajo de grupo. Los fines de semana ensayamos todos. Nos tuvimos que trasladar de local porque estábamos en un Centro Joven, pero los horarios no eran flexibles, no era posible entrar a ensayar a la hora en la que nosotros podíamos, y tuvimos que cambiarnos de local. Ahora estamos en un local propio, y ha hecho que fluya muchísimo más el trabajo porque no dependemos de horarios sino que dependemos simplemente de nosotros mismos, de ponernos de acuerdo. Lo que hacemos es ensayar todos los fines de semana y, si se puede, algún día entre semana. Sobre todo me traslado yo, porque soy el que está en Cáceres, y ellos, los demás, en San Vicente.

También, como tenemos casi todas las canciones grabadas, lo que hacemos es ensayar en casa. A mí me vale sólo con el metrónomo, pero algún compañero más necesita otro tipo de formato, así que lo grabamos en ese formato en concreto, y cada uno se lleva su parte para trabajar en casa.

Mantenéis el sonido de Paradise Key en este trabajo, pero hemos visto una evolución con respecto a Party Logistic. Para vosotros, ¿qué es lo marca la diferencia entre vuestro primer larga duración y T.E.S.L.A.?

En este trabajo el camino está más claro. Hemos encontrado un estilo, hemos tenido capacidad de ponerle un nombre, que no lo hemos inventado nosotros, se llama New Rave, un

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movimiento que nació en Inglaterra con el que nos sentimos muy identificados, sobre todo por los elementos que utiliza: la electrónica, 8 bits, sintetizadores, muchísima energía, una mezcla melódica, Dance, Punk, Pop, Rock, Fusión… Nos apasiona. Ese punto de originalidad, a mí particularmente me obsesiona, no estoy capacitado como para hacer algún estilo que esté más normalizado, sino que tengo que darle más vueltas. Me encanta que sea original.

Básicamente, lo que veo en la evolución del grupo son ideas claras y camino encontrado.

Esto es Paradise Key durante este año o durante lo que dure este disco. No sabemos cómo será Paradise Key dentro de unos años porque estamos en constante cambio y aprendizaje, y es posible que salgamos dentro de unos años con un disco de rancheras electrónicas jejejejejje. Sacrilegios no vamos a hacer, está claro, pero sí que estamos en constante evolución. No te puedo decir cómo va a ser Paradise Key dentro de unos años, pero sí que te digo que éste ahora es el camino que hemos encontrado.

En cuanto a la composición de los temas, ¿ha habido algún cambio con respecto a las estructura de las canciones? ¿Componéis de la misma forma?

Hemos intentado un poco no basarnos en esas estructuras que teníamos muy arraigadas en discos anteriores. Hemos intentado que haya ritmos de batería más imaginativos, aunque nos encanta el ritmo Disco que utilizamos. Nos encanta, es lo que más nos gusta y lo que más nos motiva, porque la intención es esa: energía y baile. La batería sí que tiene unas pautas más marcadas, pero sí que hemos intentado meter ritmos más imaginativos, y eso sí que ha cambiado un poco. En general, pensamos en eso, queríamos un poco de cambio en las estructuras. Somos de ideas y estructuras fijas y nos gusta, y nos gustaba en su día, pero hemos intentado dar un cambio y una evolución en ese aspecto: en la organización, marcando los tempos de otra manera, etc.

T.E.S.L.A. es un disco en el que hacéis un pequeño homenaje a este científico, pero sabemos que son unas iniciales que encierran algo LaCarne Magazine

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Foto por Ismael Rodriguez más. Contadnos cómo decidisteis el título del disco.

En principio fue por una canción que se la dedicamos a Tesla, porque nos gusta el concepto de su filosofía, que tiene que ver un poco con nosotros como banda, que es energía libre y gratuita. Pretendemos que Paradise Key sea eso, energía limpia, libre y gratuita.

Compusimos el tema, y un día se nos ocurrió jugar con las iniciales cerrando el concepto de la relación de Tesla con la naturaleza. Él quería trasmitir energía sin cables, y ese era el concepto The Electrical System Live in Air, que era la principal idea de Tesla: energía sin cables, libre y gratuita.

Siete temas componen este nuevo trabajo, y nos gustaría saber cómo decidisteis los que entrarían en T.E.S.L.A. y por qué. ¿Cuántos temas compusisteis en total? ¿Haréis algo con los que no han entrado?

Estábamos bastante centrados, teníamos las ideas bastante claras, y los temas que queríamos que entrasen y los que no. Pensamos también en recuperar canciones que no están grabadas e introducirlas en el disco, pero el resultado final no nos gustaba porque no en-

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traban tanto en la estética musical que habíamos elegido. Queríamos centralizar un poco más el estilo, no tener tantas variantes como en otros discos, porque nuestras canciones siguen estando muy diferenciadas unas de otras, son canciones bastante diferentes. Teníamos una forma distinta de componer, y las más antiguas sí que se quedaron fuera porque no compactaban bien con las que sí entraron.

Aunque esas canciones se quedaron fuera, las seguimos utilizando en los directos, no están grabadas pero nos siguen gustando y las seguimos tocando en los conciertos. No nos gusta abandonar los temas antiguos, lo que estamos haciendo es reciclarlos. Se reutilizan, se reciclan, y se hacen de manera diferente, pero seguimos tocando esos temas.

El tiempo que le habéis dedicado al disco no sólo incluye la composición. La grabación del disco y los arreglos también requieren tiempo. ¿En qué habéis tardado más, en componer o en grabar?

En componer. Mucho más en componer. Han quedado bastantes temas fuera, muchísimas ideas principales que se han descartado. El disco podía haber sido perfectamente más lar-

Foto por Ismael Rodriguez go, pero no nos ha apetecido. Hemos dicho “tenemos estos siete temas, podemos meter más, podemos seguir desarrollando ideas…”, pero teníamos la necesidad de compartir estos siete temas con la gente ya. Podíamos haber sacado el disco mucho antes si hubiésemos querido, pero nos hemos dado cuenta de que las canciones maduran con nosotros, tres meses después suenan diferentes, hemos aprendido cosas diferentes, hemos leído cosas diferentes…

Hemos aprendido que con la calma se trabaja mejor, muchísimo mejor. Es verdad que la idea principal la cojes, la sacas, la compones, la desarrollas y dices “el tema ya está”, pero lo dejas reposar durante un tiempo, y verás como te salen otros arreglos que no salían al principio, estructuras que no salían al inicio.

Un día te levantas de la cama y te suena en la cabeza otra cosa. Podíamos haber sacado el disco antes, pero hemos decidido hacerlo con calma, respetándonos a nosotros mismos LaCarne Magazine

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sobre todo, sin presión. Simplemente encerrándonos nosotros cuatro, que somos los que principalmente debemos estar contentos con el disco.

Aquí la importancia no es el tiempo ni lo prolífico que tú quieras ser, sino realmente sacar cosas con las que estés contento y que tengan cierta calidad. Sabemos que ha sido un tiempo prolongado, pero también hemos estado trabajando, dando nuestros conciertos… Sinceramente, no hemos querido apresurarnos.

El estudio es un sitio en el que se trabaja bien, principalmente porque estábamos con David Capellán de Silent Studios. Es una persona que hace que te sientas cómodo, que te explayes, que estés tranquilo, te da su opinión…

El disco sí que es cierto que ha evolucionado un poquito desde que entramos en el estudio hasta que al final ha salido. Se ha prolongado unos dos meses o así hasta que hemos grabado, pero con mucha calma. Sí que ha cambiado en algunas cosas, como en algunos sonidos de guitarra, pero teníamos las cosas bien claras porque sabemos que las horas de estudio son caras y que no se pueden desperdiciar, pero también nos hemos dejado llevar un poco por el momento, por la comodidad de la situación, y por la ilusión que teníamos en este disco.

Para la grabación, ¿barajasteis varios estudios o tenías claro dónde lo haríais?

Barajamos varios estudios, y también la posibilidad de volver a Barcelona. Pero, finalmente, nos quedamos en la comodidad de la tierra y de trabajar con David Capellán. Estamos arraigándonos más a la tierra, a intentar entre todos hacer piña para que Extremadura funcione cada vez más, que seamos capaces de ponernos en el mapa, porque creo que todavía es necesario y que nos hace falta. Cuantas más cosas se hagan aquí en Extremadura, mejor. El diseño de la carátula la hemos hecho aquí con Darío Domínguez, el vídeo lo está haciendo un extremeño, Higinio Rodríguez…

Lo único que hemos mandado fuera ha sido el master, a Kadifornia, porque es un referente en España, de hecho fue consejo de David Capellán, y estamos muy contentos, pero en realidad está hecho aquí en la tierra y con gente de la tierra.

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¿Habéis contado con algún productor o sois una banda independiente?

Decidimos esta vez que nada de productores.

Básicamente nos hemos creído capaces y lo hemos hecho. Lo decidimos así porque con el productor depende de cómo trabajes con él. A veces es complicado entenderte con determinados productores, y también porque nosotros hemos estado madurando el disco durante mucho tiempo. Teníamos una premisa bastante clara, y quizás el productor quiera cambiar ciertas cosas, o no cambiarlas. Seguramente mejore muchas cosas, sus conocimientos del mercado y de la música son diferentes al nuestro, y es muy posible que hubiese mejorado el disco. Lo bueno es que ya teníamos todos los arreglos pensados, y ya habíamos trabajado nosotros mucho y no teníamos intención de compartirlo con nadie.

Sabemos que habéis estado en la radio y habéis aparecido en otros medios para promocionar este trabajo. ¿Qué más tenéis pensado hacer para que T.E.S.L.A llegue a todo el mundo?

Nos gustan mucho las publicaciones específicas de música, por ejemplo blogs y radios.

La intención es mover mucho este disco, pero moverlo en serio, porque confiamos mucho en nuestro producto. La intención es esa, moverlo y tocar mucho, mostrarnos mucho en directo este año.

En una entrevista para Canal Extremadura Radio comentabais que estabais en plena grabación del videoclip. ¿Cómo lo lleváis? ¿Podéis adelantarnos cuándo saldrá?

Podemos adelantar que no es precisamente una grabación, porque es íntegramente de animación. Lo está realizando un artista y diseñador gráfico de San Vicente de Alcántara que se llama Higinio Rodríguez. Estoy casi seguro de que no os va a dejar indiferente, es un trabajo artístico con un significado y, tanto con el vídeo como con la canción, pretendemos hacer pensar. Va a molar.

Hemos visto en las redes que habéis sido seleccionados para el Porcuna 2017, en el que hay casi 300 grupos inscritos. ¿Cuáles son LaCarne Magazine

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vuestras expectativas?

Hemos entrado en la reserva. Eran 248 bandas, de las cuales elegían a 8 titulares y 8 reservas, y nosotros estamos en la reserva.

Evidentemente, sabemos que tiene que caer alguno para que nosotros podamos entrar. Lo bueno de esto es que es el primer concurso al que nos presentamos este año, y que de 248 bandas te seleccionen es un pedazo de incentivo para seguir trabajando y seguir moviendo esto. Cuando se mandan estas cosas, realmente no esperamos nada. Cuando lo envié, que fue casi al final de la convocatoria, ya había 240 bandas presentadas, y tú lo mandas y piensas “bueno, a ver… Si ya hay 240 bandas para qué van a querer la mia…”, pero es mucha ilusión. El disco nuevo ya supera en reproducciones al anterior en Spotify, creo que es la primera vez que sentimos un apoyo extraordinariamente positivo. A ver qué pasa, porque ya sabes que es muy fácil ilusionarse y muy fácil desilusionarse, pero creemos que es nuestro mejor trabajo hasta la fecha, sin ninguna duda. Esperemos que funcione. De momento la acogida está siendo muy buena.

Acaba de empezar y parece que ya estamos recibiendo pequeñas pildoritas de pasión de la gente y eso mola mucho.

Habladnos de vuestros planes de gira ¿Cuándo y dónde podremos veros en concierto?

Empezaremos en Febrero y Marzo, y estaremos en Badajoz, Mérida, Cáceres, Madrid, Sevilla, Barcelona… Aún quedan fechas por cerrar. Estamos trabajando mucho el directo, queremos que sorprenda y que la gente no pare de bailar, y eso requiere tiempo. Ya lo tenemos focalizado.

Paradise Key comienza su camino hacia el éxito y deseamos que con T.E.S.L.A. deis el pelotazo. Os lo merecéis!

Tenemos mucha ilusión con este trabajo. Muchas gracias! ¶

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jorge cabadas

entrevistas a improvisadores libres v LEER MÁS

Foto por Victoria Álvarez - @whataboutvic

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Jorge lo conocí en un taller organizado por Raras Músicas en 2014, y desde entonces estoy colaborando con él. Es miembro de la junta organizadora de la Asociación Raras Músicas, y lleva en activo en el mundo de la música improvisada libremente desde hace unos 30 años. Fue miembro fundacional de la Orquesta FOCO, la primera orquesta de improvisación libre fundada en España (con eso lo digo todo).

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Forma parte de proyectos muy interesantes (se pueden ver vídeos en su canal de Youtube. Os lo dejo al final de la entrevista), como por ejemplo, el grupo eNéssima, un proyecto basado en trabajar poetas y poemas para tratarlos desde una perspectiva contemporánea, llevándolos a la libre improvisación, la electrónica, la distorsión intencionada o la composición en tiempo real; o el trío Suicidal, grupo de Avantjazz basado en la improvisación libre.

También forma un dúo junto al improvisador Juan Carlos Castillo (cuya entrevista aparecerá en breve). Juntos han grabado Soundbites en el sello Alina (uno de los referentes de la improvisación libre madrileña), una propuesta muy abierta en el difícil campo del dúo

de guitarras.

demás.

Además, él y yo hemos grabado un CD a dúo, que se está cocinando todavía. Espero que salga pronto porque nos dejó muy buen sabor de boca esa experiencia.

¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre?

Siento que he estado ligado a la libre improvisación desde siempre, aunque de una forma más escolástica u ortodoxa desde mediados de los 90´s, cuando empecé a trabajar en el CEDI, con Belma Martín y Pedro López.

Bien, les dejo ya con la entrevista, que aunque es escueta y concisa, es muy clara y aporta uno de los puntos clave de la improvisación solo en dos palabras: escuchar y reaccionar. ¿Cuál es tu procedencia musical?

Empecé en el Rock, seguí en el Jazz, hice de mercenario musical, continué en la música para imagen, el teatro musical, la publicidad… ¿Cuáles son las influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje improvisatorio?

Desde que tengo recuerdo de estar ligado a la música, he estado inventando. Siempre me ha interesado más imaginar la música que yo podía hacer que la que los demás hacían. No niego las posibles influencias, pero en realidad, como músico, he prestado mucha más atención a mi propio universo que al de los

¿Qué actividades desarrollas como improvisador?

Soy músico en activo y pedagogo. ¿Cuál crees que es tu papel en la escena de improvisación?

Uno muy humilde, desde luego. ¿Podrías explicar brevemente tu concepto musical?

Escuchar y reaccionar. ¶

ver canal de youtube http://www.guitarmoderne.com/ LaCarne Magazine

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zpu

una luz de esperanza en el rap 70 LaCarne Magazine

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Fotos por Sergi Delgado

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l mundo de la música está lleno de luces y sombras, y, a veces, sólo vemos las luces. Para Juan Prieto aka ZPU las sombras han estado muy presentes en su vida personal y musical, hasta el punto de terminar casi en lo más profundo de la oscuridad.

Pero ZPU ha sabido encontrar en la escritura, en la música, y en el rap, una luz de esperanza y salvación. Gracias a esa luz, ZPU ha realizado uno de sus mejores trabajos que marcan un antes y un después en la vida de este artista.

Sincero, claro y directo, se reconoce en el espejo. Y así es como ha titulado a su nuevo trabajo, un espejo en el que todos podemos vernos y reconocer tanto lo bueno como lo malo que hay en cada uno de nosotros.

Tras tu paso por dos bandas míticas en la escena del Rap como Muerte Acústica y Magnatiz, decidiste hace ya 10 años emprender tu carrera en solitario como ZPU. ¿En qué momento tomas esa decisión y por qué? ¿Cambiarías algo de ese pasado musical?

Pues la verdad es que eso sucede un año o año y medio después de que sacáramos el segundo disco de Magnatiz, en el 2002. Después de hacer la gira correspondiente y de hacer un poco lo habitual con los lanzamientos, ahí empiezo a sentir una inquietud bastante grande, sobre todo de demostrarme a mí mismo si yo era capaz de hacer canciones completas.

Y además de hacer canciones completas, que me llenaran y me hicieran sentir satisfecho.

Hasta ese momento había sido una carrera de compartir con otros cuatro MC’s, y poníamos siempre en común temáticas, fragmentos…

Siempre había que repartir porque en Magnatiz éramos cinco personas trabajando. Es ahí cuando me surge esa inquietud de saber si yo soy capaz de hacer canciones completas y que además me llenen.

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Por ahí empieza a nacer algo que se acaba transformando en mi idea de hacer mis propias canciones, íntegramente mías. Todo ello se plasma en el primer disco de mi carrera en solitario, Hombre de Oro (2006).

En cuanto a lo del pasado musical, yo creo que me quedaría con lo vivido, con lo que me gustó y con lo que no me gustó. Al final, cada una de esas cosas, y parafraseando una de mis canciones “Golpe de Suerte” de mi disco Doce Lunas, ha sido una suerte absolutamente todo lo que me ha ocurrido, las cosas que me han gustado, de las alegrías, de las sonrisas y de las experiencias increíbles que me ha traído y me sigue trayendo todo esto. Pero también es una suerte todo lo malo, todo lo malo y todo lo feo que me ha pasado y que me ocurren, porque al final son todas esas las que deciden mi camino. De aquellos años, de todo lo que aprendí que fue muchísimo, de viajes, de conciertos, del funcionamiento del negocio… todo eso me sirvió.

Llevas, como hemos comentado antes, 10 años de carrera en solitario, y después de todos estos años de experiencia, nos gustaría que nos contaras en qué momento te encuentras ahora.

Siendo honesto y sincero, sin hablar desde el ego, creo que estoy en el mejor momento artístico de toda mi carrera. Primero porque son ya muchos discos, es mucha trayectoria, más de 20 años desde que empecé a escribir.

Los dos últimos años de mi vida ha habido unos cambios y está habiendo unos cambios personales muy importantes, cambios muy radicales y muy fuertes. Eso sí, en una dirección muy positiva, aunque eso no quiere decir que esos cambios no estén siendo complejos.

Pero bueno, como te comentaba, van en una dirección muy positiva, y eso ha hecho que haya sido capaz de escribir cosas que hasta entonces no había podido. He hecho canciones y un disco tan brutalmente personal que no me ha quedado más remedio que llamarlo Espejo porque tengo la sensación de que precisamente ahora es cuando me empiezo a ver.

Pero me empiezo a ver sobre todo con los ojos de la honestidad al 100%. Eso supone verme también todas las cosas que no me gustan de mí, las cosas que están rotas y completamente

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devastadas, y que lo han estado toda mi vida dentro de mí. Eso ha hecho precisamente que todos estos cambios traigan todo esto, y que pueda haber hecho todas estas canciones del disco que llevo persiguiendo toda mi carrera.

Al menos, esa es la sensación que yo tengo.

Me siento en el mejor momento, también en el momento más limpio a nivel personal, y en el momento más honesto y más capaz en cuanto a mi obra y mi escritura.

Sacaste tu nuevo disco, Espejo, el pasado mes de Noviembre, y la verdad es que nos ha impresionado gratamente. Para ti es un disco muy especial, y dices que te ha salvado la vida y también al Hip Hop en España. Nos gustaría que nos explicaras esto antes de meternos de lleno en el contenido del disco.

No va en esa dirección del ego, sino en algo que creo sinceramente. Como te decía antes

a nivel personal, para llegar al punto de decir “este disco me ha salvado la vida” es porque realmente lo siento así. Escribir estas canciones me han salvado de matarme y de morir, y no es una forma de hablar, es algo literal.

Vengo y estoy en unos cambios muy profundos, vengo de unos infiernos tremendamente oscuros, de una vida muy cercana al extremo, viviendo demasiado en los límites. Yo, un día hace muchos años, le di el volante de mi vida al loco y le dije “tú conduces”. Eso, durante un cierto tiempo, me ha hecho vivir unas cosas, experiencias de las que no me arrepiento y que también me han llenado y me han hecho vivir experiencias realmente fuertes e intensas. Pero si el loco es el único que lleva el volante todo el tiempo, al final el loco te mata.

Yo he estado muy cerca de eso a nivel literal.

Espejo ha sido reconocerme toda la mierda y toda la basura que vive en mí. Buen ejemplo

de ello es el primer tema de este disco “Pasa”, que dice “ven pasa, te invito a ver lo que hay aquí dentro de mi”, pero lo que hay dentro de mí de verdad, lo que yo nunca he contado ni me he contado a mi mismo. Pero ahora sí lo he hecho, y lo que hay dentro de mí que no he querido ver hasta ahora es mi yo roto, que es capaz de comprar la amistad, de comprar el cariño, mi yo del autoengaño, mi yo con la fusta golpeándome en la espalda tantísimos años.

Espejo está llenísimo de ese reconocimiento, de ese mirarme por dentro. Y lo he hecho porque para mí es la única forma de empezar a cambiar, y de empezar a sanar de alguna manera. Por eso digo que Espejo me ha salvado la vida, porque si no estaría o en la cárcel, o en el manicomio, o en el cementerio.

En cuanto a la segunda parte, del porqué creo que Espejo es un salvavidas para el Hip Hop LaCarne Magazine

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nacional, realmente lo creo así. No digo que sólo yo, o sólo este disco. Durante los últimos años pensé que el Hip Hop, por esos valores de tolerancia y de respeto, de autosuperación, de cosas que para mí son intrínsecas a esta cultura, tenía bastante escudo respecto a la basura general de la sociedad. Es decir, a la mediocridad, a la estupidez, al “salsarrosismo”, a toda esta mierda que se respira continuamente. Pero me equivocaba, porque he visto que durante los últimos tres/cuatro años todo eso ha empezado a impregnar el Hip Hop. Eso a mí me duele. Cada uno obviamente es libre, yo no voy a decirle a nadie lo que debe hacer, sólo faltaría, pero eso no quita que a mí me duela, que algo por lo que yo realmente siento amor, por la escritura y por rapear la escritura, empiece a estar impregnada de todo eso que para mí es una basura.

Lo que yo hago, lo que llevo haciendo toda mi carrera, y creo que más que nunca en Espejo, es lo contrario a todo esto que está pasando.

Yo en Espejo he hecho algo íntegro, y no tiene nada que ver con la superficialidad, como si fuera otra pieza de consumo. Nos hemos acostumbrado a que todo sea comida rápida, y de repente la música desde hace unos años también se ha convertido en comida rápida. Y Espejo no es eso, es todo lo contrario, es para que pares y vuelvas a escuchar las canciones.

Es algo que te obliga a parar y a tener que escuchar lo que estás oyendo: escuchar la música, escuchar las letras.

Se que no soy el único porque hay muchos Mc’s que también están aportando mucho, porque son artistas que creen también en este mismo respeto, un poco por la esencia, por cultivar y seguir manteniendo esa esencia de contar algo y no hacer algo superficial. Por ahí, sin duda, Espejo es un disco que aporta a esa salvación para mantener la esencia del Hip Hop. Espejo se ha gestado durante tres años, e imaginamos que durante su creación ha pasado por varias etapas. ¿Cuál ha sido para ti el momento más complicado y por qué?

Buuufff… Uno de los momentos más complicados del proceso fue el proceso compositivo.

Estuve mucho tiempo sin escribir, y me tiré bastantes meses sin volver a entrar en la es-

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critura. Pero de repente encontré esas ganas, ya habían pasado unos meses para llenarme de algo nuevo que contar, y me puse ya un poco en marcha. Empezaron a llegarme algunas producciones, y en unos cuantos meses escribí unas cuantas canciones nuevas, y estaban guay, me gustaban. Pero sólo me gustaban, no estaba pasando ese “algo”. Fue un momento complicado, fue muy frustrante para mí, y además con todo lo que estaba pasando..., y sabía que tenía que encontrar la forma de contar y de compartir todos esos cambios y oscuridades que estaba viendo dentro de mí.

Luego pasó algo, y fue cuando escribí “Perdónalos”, porque fue donde encontré las palabras nuevas, ese léxico tan extenso concreto, ese que explicaba las cosas como yo quería.

Aluciné, fue un momento mágico para mí.

Las críticas de los medios y de tus seguidores hablan de Espejo como un discazo. Se dice ya que va a ser uno de los mejores de este año.

Pero ¿qué me dices de las malas críticas? ¿cómo te sientan las que no son tan buenas?

Primero empezaré por las buenas, que son las que más estoy recibiendo. Creo que es la primera vez que recibo tantas veces palabras tan buenas, tan mayúsculas del tipo “tío, esto es una obra de arte!” o “esto es una joya mayúscula”. Cosas así me han llegado y no ha sido de forma puntual, están llegando muchísimos comentarios desde que el disco pisó las calles. WOW, joder, para mí es grande! Porque para mí, y no lo hablo desde el ego, es lo más grande y lo más especial que yo he conseguido crear en mi vida, y sé que el nivel que tiene Espejo es tremendamente alto. De verdad que no lo digo desde el ego, yo soy el más crítico conmigo mismo, pero sé que he sido capaz de romper un techo creativo muy grande. Y que la gente lo esté apreciando y lo esté reconociendo y lo esté sintiendo así…

También he recibido algunos mensajes como el de un periodista que me decía “tío, este disco es una putada porque cuando lo he escuchado tres o cuatro veces para empaparme y hacerte la entrevista, me ha dolido”. Yo le dije que me alegraba, no porque le haya jodido y le duela, sino por lo que significa. Para mí eso es algo magnífico, y aún más que suceda con mi música. Para escribir estas canciones me LaCarne Magazine

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he desgarrado por dentro, me he vuelto loco, me he destrozado. Necesitaba hacerlo para crecer yo y para sanar, para madurar y verme.

Pero una vez está hecho, tengo la esperanza de que le suceda también a alguien que no sea yo, y que cuando escuche, por ejemplo, “Ultima llamada”, diga “mierda, mierda, mierda… por qué me siento así?!”

La otra parte, la crítica negativa, pues hay un verso en la canción “Mi caja de los truenos” que es el que mejor lo expresa: “…imagina lo lejanas que se quedaron tus críticas. Tengo que atenderme, es mucho más importante.

Tengo que sanar el odio que llena mi instante”. Estoy a atenderme a mí y a mi locura para no matarme, para no volverme loco del todo.

Con los años aprendí, hace ya mucho, que lo que no quiero que entre en mi vida realmente tengo que hacer que no entre en mi vida, porque me daña, porque no me produce nada positivo. Después de sufrir todas las críticas destructivas durante una determinada época, aprendí mis propios mecanismos de defensa, y es hacer que eso no entrara en mi vida. Sé que las malas críticas están ahí, pero intento que no me afecten. Como digo en otra canción “el fracaso es para los que quieren gustar a todo el mundo”, y realmente lo creo así. A quien tengo que gustar y satisfacer con lo que hago es a mí mismo. A partir de ahí, al que le guste, bienvenido, y al que no le guste, bienvenido también.

En cuanto a los directos, dinos, ¿tienes conciertos cerrados durante los próximos meses?

Sí, empezamos la gira nacional de Espejo Tour en Febrero, continuaremos en Marzo y en Abril pararé, porque quiero que el proceso de llevarlo a los escenarios sea un poco diferente a las anteriores giras que he hecho.

Los directos creo que ya lo van a ser en sí por las propias canciones, porque son más emocionales y de un sentimiento más íntimo.

Esta vez no quiero que lo hagamos a full durante tres o cuatro meses, o el tiempo que sea.

Estaremos casi todos los fines de semana de Febrero y Marzo, pero el mes de Abril lo he dejado vacío un poco para respirar, para seguir trabajando y ver qué ha pasado durante esos meses. Quizás mover algunas cosas del directo, cambiar, añadir... En Mayo volveremos otra

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vez a la carga, y pretendo que se vaya dando la gira de Espejo a lo largo de 2017.

Tengo muchas ganas de empezar y de contarle a la gente todas estas cosas en persona, en los directos, que sé que es cuando se producen los momentos más mágicos.

Los artistas y grupos emergentes suelen tener bastante complicado cerrar conciertos ¿qué pasos obligatorios les recomendarías seguir para conseguir más bolos?

Uuuufff… Soy consciente de lo complicado que es a pesar de llevar muchos años en esto.

No te creas que para nosotros es fácil, no es un camino de rosas. Siendo honesto y totalmente sincero, yo no tengo la repercusión que tiene Nach o Kase. O, por decirte dos puntas de lanza del Hip Hop español. Por ahí, pues claro que me sigo encontrando con mis dificultades, claro que tengo mucho ganado con respecto a alguien que pueda empezar ahora. Les diría, si se me permite hacer alguna sugerencia, que lo peleen con todo. Lo virtual está muy bien y es el pan de nuestro día de hoy, subir tu trabajo a Internet, que tenga sus descargas y todo eso. Pero en el plano físico y las cosas físicas, que es un poco de la escuela de donde yo vengo, a esa escuela de los 90, es como se construyen las relaciones reales.

Siempre he animado a la gente más joven, o la gente que lleva menos tiempo, a no dejar de lado esa parte física. Y entonces, a comerse toda la mierda que tengan que comerse. En un disco anterior lo digo en una canción “yo ya sé lo que es comer mierda a palás, ahora me la como a cucharadas”. Durante muchos años he sabido lo que es comerse la mierda a palás, sé lo que es sufrirlo, sé lo que es invertirlo para no recuperarlo, sé lo que es trabajar en un curro para coger todo ese jodido dinero que te quede e invertirlo en una pasión y un amor serio, que en este caso es la música, y no para recuperarlo, sino para invertirlo. ¿Por qué?

Porque tienes sueños, tienes llamas dentro de ti, y si has decidido hacerle caso a esas llamas, entonces estate preparado también para lo que no te va a gustar. Cultiva la parte física, ésa sería una de las sugerencias que yo haría, porque en persona no hay trampa. Cuando subas a un escenario y hagas lo que tú sabes, ahí no hay ni trampa ni cartón, y si eso les

gusta y les merece la pena, te seguirán. Es la única forma de conseguir que un bolo de diez personas se convierta en uno de treinta, que luego se convierta en uno de cien, y así...

Juan, ha sido un placer hablar contigo. Enhorabuena por este gran trabajo, te deseamos suerte y mucho éxito.

Lo mismo digo, un gustazo. Muchísimas gracias por compartir este ratito conmigo. Un fuerte abrazo! ¶

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omar vega

testigo de la evolución del rock cubano LEER MÁS

O

mar Vega juega un importante papel dentro del Rock en Cuba. Desde hace 10 años es el editor del reconocido fanzine SubtleDeath, revista que goza de gran aceptación, tanto dentro como fuera del país. Sobre cómo se inició en el mundo del Rock, la idea de crear su propia revista –primero impresa y luego digital-, todas las vicisitudes que tuvo que atravesar para lograrlo y sobre aspectos de la escena cubana rockera actual nos comenta en esta entrevista.

Saludos, Omar, y se bienvenido a LaCarne Magazine. Es un placer poder entrevistarte.

Para empezar, ¿cómo te aproximas al mundo del Rock? ¿Qué bandas comenzaste escuchando?

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Un saludo. Los inicios o mi aproximación, como tú dices, al mundo del Rock fue cursando los estudios secundarios. Muchos de los estudiantes de la escuela escuchaban este tipo de música. Esto era diariamente, veía logos y nombre de bandas en sus mochilas. Eso me fue atrayendo. Recuerdo aquellas primeras bandas que comencé a escuchar, Van Halen, AC/DC, Kiss, Black Sabbath, Def Leppard, Twisted Sister, Scorpions..., y toda aquella ola de bandas Glam, el sonido más extremo como el Thrash, Death, fue llegando y fue lo que me atrajo más a este mundo del Rock. Te hablo de la década de los 80’s, años en que para tener una grabación de estas bandas se nos hacía difícil, había que moverse y buscarlas hasta en ocasiones en otras ciudades.Desde esa época comenzó en mí la pasión por el Rock, ya de lleno en la escena fue para la década de los 90’s. Como siempre he dicho, fueron años difícil, pero con mucho sentimiento y pasión.

A fines de los 90 decides crear el Turbulencia zine. ¿Cómo nace la idea de crear tu propia revista?

Pues así es. A fines de la década de los 90’s creo mi fanzine Turbulencia. Ya desde mucho tiempo antes mantenía correspondencia con muchos rockers fuera de Cuba, bandas y realizadores de fanzines. Así, por medio de la correspondencia, comenzaron a llegarme fanzines de varios países, unos buenos y otros muy pésimos en cuanto a calidad, pero claro, eran publicaciones sin ningún tipo de apoyo.

Hice un intento y realicé la maquetación de un primer fanzine, que le di como nombre SubtleDeath zine, pero desgraciadamente nunca vio la luz por no tener donde sacar las copias.

Pero la idea de hacer mi fanzine no se me quitaba, y hablé con un amigo en México para su ayuda con las copias y aceptó. Así en 1998 logró sacar el primer número de Turbulencia zine. Hacer el fanzine era algo que ya tenía en mente, después de recibir muchas publicaciones de este tipo del extranjero. Sabía que la tarea no sería fácil, pero quería ayudar y apoyar en lo que podía a la escena nacional, aportar mi granito de arena, que mucha falta le hacía a nuestra escena en aquellos tiempos, y aún hoy en día. ¿Cómo te distes a la tarea de recopilar la información necesaria para el zine? ¿Noticias, contactar con bandas y cosas así?

Para la primera edición del Turbulencia, que fue de forma muy primitiva, ya tenía alguna información enviadas por bandas y amigos, la cual era para utilizar en el primer intento fallido, y no quería quedar mal y utilicé la información para ese primer número. Ya con la primera edición del fanzine, pues fue muchos más fácil llegar a las bandas, ya que vieron que era real el fanzine. Comencé a escribir a bandas nacionales e internacionales, a otros fanzines del exterior, y así, por medio de la correspondencia, se hacían las entrevistas y recibía todo el material enviado, era un proceso lento. Estas primeras ediciones siempre estuvieron enfocadas hacia mis gustos, con bandas muy extremas. Pero con el pasar del tiempo abarqué otras tendencias del Metal, y así la publicación estuvo más abierta al Metal en todas sus vertientes, siempre en apoyo al

underground. ¿Te fue difícil al principio promocionar el Turbulencia? ¿Cómo fue recibido por las personas a quienes llegaba?

Imagínate, la promoción de este tipo de publicación es algo difícil aquí, y más para un fanzine que recién comenzaba. Pero en cuanto tuve las primeras copias de aquel primer número, una alegría enorme recibir aquel paquete con las copias. Esto fue en 1998. Pues en seguida lo comencé a mover en el circuito underground, lo llevé a los locales de ensayo de las bandas, a conciertos, y empecé a divulgar por el correo postal.

El recibimiento fue extraordinario aquí en Cuba. A pesar de que las tiradas siempre fueron de muy pocas copias, entre 60 y 70, de cada edición, el Turbulencia zine tuvo una gran aceptación. Las distribuciones fueron en los propios conciertos y festivales.

Internacionalmente no tuvo distribución. Yo siempre enviaba copias a las bandas entrevistadas, tanto nacionales como internacionales, pero no sé de qué forma llegó a varios países, ya que recibí correspondencia de países como México, Perú, España, USA… La aceptación fue buena tanto aquí como fuera del país. Algo curioso y que me sorprendió fue que el pasado año encontré en e-Bay puesto en venta el Turbulencia No. 12 por parte de Inframundo Records, algo que no sé cómo llego a ese sello, y el colmo es que están ganando a costa del trabajo ajeno.

Luego de 12 ediciones pones fin al Turbulencia por no tener donde imprimir más números. ¿Cómo te sentiste al tener que tomar esta decisión?

Fue algo muy duro, varios años en esta labor y ponerle fin por el hecho de no tener donde imprimir las copias. Busqué donde poder hacerlo y nada, decidí dar por terminado el Turbulencia zine. Fueron 12 ediciones y algo increíble es que siempre su impresión o copias se realizaron fuera de Cuba: primero en México, luego en Perú y España. Me presenté en algunas instituciones, pero el apoyo aquí nunca llegó.

Turbulencia zine fue algo que disfruté mucho, esas horas dándole forma a cada página, haciendo toda la maquetación, algunas portadas LaCarne Magazine

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fueron hechas a mano. Fue algo que me gustó y disfruté enormemente, y a la verdad que añoro aquellos tiempos del papel impreso.

En el 2007 vuelves con un nuevo proyecto, SubtleDeath, ahora en formato digital. ¿Por qué esperaste tanto tiempo para rehacer tu carrera como editor?

Ese tiempo que estuve inactivo en el quehacer periodístico underground, pues no me alejé de la escena. Estuve en colaboración con otros medios de aquí de la isla y del exterior del país. Siempre enviando información de nuestra escena. Se publicaron trabajos míos en fanzines de Malasia, México, Paraguay, España…, hasta un periódico del estado de Puebla, en México, sacó un artículo que realicé sobre la escena cubana de aquellos años.

Los deseos de apoyar la escena se mantenían, pero ya no había cómo hacer un nuevo fanzine o continuar con el Turbulencia. Pues al cabo del tiempo vi algunas publicaciones en formato digital, y los deseos de tener mi propia publicación continuaban en pie, y se me ocurrió hacer un fanzine, pero esta vez en su forma digital. En mayo del 2007 salió la primera edición del SubtleDeath, nombre con el que inicie en los años 90’s esta carrera como editor underground.

Me imagino que luego de desaparecer el Turbulencia hayas perdido contacto con las bandas y personas que conocieron del zine. ¿Te fue fácil volver a retomar ese camino?

Así es. Con la desaparición de Turbulencia zine perdí muchos contactos, pero aún hoy muchos recuerdan el fanzine. La publicación tuvo su espacio en la web en aquel tiempo, y hoy en día se puede encontrar en mi sitio web del SubtleDeath, donde puede ser descargada. Cuando comencé con el SubtleDeath, ya tenía varios contactos y ya contaba con e-mail y acceso al internet, cosa que ayudó mucho. Algunos amigos comenzaron a mover mi contacto por los medios, y así se fue dando a conocer la publicación. Con el acceso a la Internet ha sido mucho más fácil la divulgación, la publicación ha tenido un alcance mayor, una mayor cantidad de lectores. Esa es la ventaja de una publicación digital, existe la inmediatez, y son publicaciones más eco-

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nómicas en su realización que otros medios de soporte impreso. Con la publicación digital tienes más alta efectividad, ya que puedes brindar información de algo que va a ocurrir dentro de poco tiempo, tiene una distribución de forma regular y se suele enviar por correo electrónico.

Sacando la cuenta, veo que SubtleDeath cumple este 2017 diez años desde su primera aparición. ¿Cómo valorarías todo este tiempo de trabajo llevando a los lectores lo mejor del Rock, tanto nacional como internacional?

Diez años ya se cumplen en este 2017 para el SubtleDeath. En este tiempo transcurrido, SubtleDeath siempre ha estado llevando toda la información posible de la escena cubana e internacional. Pienso que se ha cumplido el objetivo por el que comencé esta ardua labor.

La publicación ya es bien conocida en todo el circuito de la escena cubana. Me llegan mensajes de apoyo, exhortándome a seguir adelante, y cada vez son más los que quieren recibir la publicación. Es algo reconfortante recibir estos mensajes de bandas de varios países interesadas en ser promocionadas en mi publicación, de opiniones y críticas de lectores de diferentes partes del planeta. Esto me da ánimos de continuar con este trabajo, y de que no ha sido en vano tanto sacrificio.

Han sido años en los que he crecido en experiencia, conocimiento. En cada edición he tratado de llevarle al lector un buen trabajo, con la mejor calidad posible, una presentación que conecte a su público con solo verlo, un contenido muy variado, utilizar el mejor lenguaje.

Sobre todo, escuchar y tener en cuenta las críticas y sugerencias de los lectores. Utilizo mucho esa retroalimentación, y así en cada número he ido mejorando más la publicación.

Me siento muy contento de saber que, en muchos lugares de este planeta, a muchos les llega mi trabajo. Así que ha sido positivo todo este tiempo de trabajo.

Cambiando de tema. Mucho se habla actualmente en Cuba de la decadencia del Rock debido a diversos aspectos. ¿Podrías darnos tu opinión sobre la situación actualmente del Rock en Cuba?

Es cierto que la escena cubana no está ac-

tualmente en su mejor momento. Nos están visitando bandas del under internacional, y otras pocas bandas de renombre, pero con esto no se puede decir que nuestra escena está bien. Mira, en relación al fanzine, antes en la época más cruda que se ha vivido en este país, conocido como el “periodo especial”, contábamos con muchas más publicaciones underground de forma impresa, y hoy en día esto ha cambiado. Cuando todo parece haber mejorado, ya no hay fanzines impresos.

Los conciertos en esa época eran con pocos recursos, pero semanalmente había su toque de Rock. Se nos han abiertos algunas puertas, pero nos cierran otras. Cuando se fundó la Agencia Cubana de Rock, todos pensamos que ya la escena cubana mejoraría, pero no ha sido así. Esta agencia solo ha apoyado a algunas bandas de la capital, ¿y las del resto del país que? Si tenemos una Agencia, que sea esta institución la que represente todo lo relacionado con la escena Rock en Cuba.

Cada vez son menos los espacios que hay para conciertos en algunas ciudades, hay bandas con deseos y ganas que se han superado. Ya en este tiempo muchas de las agrupaciones cubanas se han profesionalizado, y al no vender su propuesta se han visto en la obligación de elaborar un repertorio comercial para poder tener una entrada económica. Es lamentable que cosas así sucedan.

Se ha hecho bastante, pero aún nos falta. Con enorme esfuerzo por parte de todos los que estamos involucrados en esta escena, con muy poco apoyo de las instituciones hemos avanzado, pero nos falta mucho. ¿Qué opinión te merecen los recientes conciertos ofrecidos aquí en Cuba por The Dead Daisies y The Rolling Stones, así como las visitas de Ozzy Osbourne y Bon Jovi?

Lamentablemente no pude estar presente en esos conciertos, pero las reseñas, comentarios y todo lo que me ha llegado ha sido positivo. Haberse presentado estas bandas acá en Cuba ha representado un enorme paso.

Un primer paso en una escalera por llegar a la cima, cima que será el día en que Cuba esté en las fechas de las giras de grandes bandas, y estoy seguro que esto tiene que pasar muy pronto. Y las visitas de estas personalidades

de la música es algo bueno, y es para darse cuenta de que ya muchos músicos tienen la mira hacia este país, que aquí hay seguidores y que la música Rock es parte de nuestra cultura también. Se ha visto que podemos llenar un estadio, una plaza en cualquier parte de la isla, para presenciar los conciertos de importantísimas bandas. ¿Todo el que quiera contactar con Omar como puede hacerlo? ¿Y las coordenadas para leer el SubtleDeath?

Contactarme, pues por mi e-mail y por mi apartado postal. Siempre estoy dispuesto a responder. Bandas interesadas en ser promocionadas en mis páginas del SubtleDeath, adelante. La revista SubtleDeath la pueden buscar en el sitio de Issuu, y desde hace algún tiempo está creado el web zine de SubtleDeath, gracias a un amigo y hermano de Brasil. Y si desean recibirla vía e-mail, solo enviarme su e-mail para añadirlo a la lista de distribuccion.

Bien, Omar, gracias por tu tiempo para esta pequeña entrevista. Te deseo cosas buenas para ti y el SubtleDeath. Te cedo espacio para que digas o expreses lo que desees.

Gracias a ti por tenerme en cuenta para el espacio en la revista. SubtleDeath va a continuar llevando toda la información de la escena cubana e internacional. Y tengan presente que los fanzines, y ahora las publicaciones digitales, han hecho mucho por la escena nacional, yo diría más que otros medios de información y difusión. Gracias a estas publicaciones van a quedar muchas cosas registradas de la escena nacional de Rock. De que nuestra escena se conozca en el extranjero, un gran porciento se debe a estas publicaciones. ¶ Omar Vega Riaño subtledeath666@gmail.com Apdo. Postal 152 Holguín. CP. 80100 Cuba

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marabunta gritando verdades LEER MÁS

E

s un placer realizar entrevistas, sobre todo cuando me encuentro con grupos como Marabunta, de gran calidad y muy buenas personas, y habiéndolo demostrado en mi ciudad, Zafra. Gracias al enorme interés mostrado por el grupo, y a Rafa González (La Vara Rock, Frente Populacho) por hacer posible el concierto. Si has ido a alguno de sus directos y los has visto actuar, ahora es el momento de escucharlos hablar, y tienen mucho que decir. ¿Quiénes componéis Marabunta?

Antes que nada, darte las gracias por hacernos la entrevista, y a los lectores por perder unos segundos de esta vida que va tan deprisa en leernos a nosotros.

Marabunta la compone Mariano Piedra a

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la batería, Alejandro Herrera al bajo, José Miranda y Renato Álvarez a las guitarras, Alberto Olea y Manuel Ruiz a las voces, y Adrián Simón que es nuestro comodín, que hace un poco de pipa, técnico de sonido, road manager, encargado de merch...

Quiero daros las gracias por el concierto en el frente populacho y reanimar la escena musical aquí. Fue brutal. ¿Estáis contentos con la acogida del público?

Sí, mucho. La verdad es que no esperábamos encontrarnos con tanto público y tan predispuesto para pasar un buen rato. Sabíamos que iba a estar bien, por años anteriores que nos consta que la gente de Zafra contesta muy bien, pero lo ocurrido en el Frente Populacho superó nuestras expectativas.

No siempre se consigue igualar el resultado de la grabación del disco con el directo, y no sólo lo igualáis, sino que superáis el sonido con creces cuando actuáis en directo, es aquí

donde se nota vuestra experiencia musical. ¿Cuántos años lleváis tocando?

Tocando juntos llevamos muchos años, ya que todos venimos compartiendo otros grupos desde finales de los 90. En 2009, los actuales componentes, excepto Ale, decidimos reunirnos de nuevo y fundamos Marabunta.

Después de dar unos cuantos conciertos, en 2012 nos metimos al estudio y sacamos nuestro primer E.P., Enterrado Vivo. Realizamos una gira que nos llevó por gran parte del país, que llamamos Enterrado Vivo Tour. En 2016 volvimos al estudio a grabar nuestro segundo trabajo, Siempre Presente, que ha visto la luz ahora a principios de 2017. ¿Qué grupos os hizo a cada uno querer dedicaros a la música?

La verdad es que somos amigos desde el instituto, y nos hemos criado escuchando mucha variedad de música, de ahí nuestra mezcla a la hora de componer... Grupos que nos han marcado? Pues la lista es extensa, te dejo algunos: Metallica, Pantera, Korn, Slipknot, Sepultura, Lamb of God, Hatebreed, Rage Against The Machine, Machine Head, Biohazard, Suicidal Tendencies, Madball, Downset,... Y de grupos españoles: Koma, Sindicato del Crimen, Def Con Dos, SA, Hamlet, Habrás Corpus, ktulu, Narco, La Polla Records...

Mezclar la música Metal con el Rap es algo que se realiza en España desde hace relativamente poco tiempo. ¿Qué os llamó la atención de este estilo?¿Cuál creéis que es el máximo exponente de este estilo musical?

Lo que más nos llama la atención de este estilo es que mezcla la fuerza de las letras de Rap, cargadas de contenido reivindicativo, y la dureza del Metal, y sus máximos exponentes en España diría por lo menos tres: Sindicato del Crimen, Def Con Dos y Narco.

escuchar una gran variedad de estilos girando en torno al Metal: Rap, Thrash, Hardcore, Punk, Funk e incluso Flamenco. Y letras muy criticas con nuestra sociedad actual, con temas que tratan desde la desigualdad, el maltrato animal, la inmigración, la delincuencia en nuestra clase política...

Renato Álvarez, uno de vuestros guitarras, presenta el Huerto de Renato, de Canal Extremadura, que tiene una gran audiencia, ¿Cómo empezó todo?

Renato se dedica a la enseñanza y al cultivo de la agricultura ecológica con su familia, y la verdad es que tanto él como su padre son unos expertos en la materia, y junto a Jordi le ofrecieron una oportunidad en Canal Extremadura para hacer un programa sobre horticultura, y la verdad que han tenido mucha aceptación, tanto, que ya van por la tercera temporada.

Ahora estrenáis Siempre Presente, L.P. de 9 temas. Contadnos un poco dónde lo grabasteis, con qué sello discográfico, y qué se puede encontrar en él. ¿Cuándo sale a la venta y dónde se puede adquirir?

Nuestro nuevo trabajo es totalmente autoproducido, no pertenecemos a ningún sello discográfico. También lo hemos grabado en los estudio Stone’s Records, en Albaida del Aljarafe. Esta vez, la mezcla y el mastering nos lo han hecho en Valencia, en BestPluggins Estudios. En él encontraréis mucha más violencia y agresividad (musicalmente)

Os formasteis en 2001, aunque hicisteis un parón para crear el grupo Espurgaperros en 2003, y sacasteis en 2012 vuestro primer disco de Marabunta titulado Enterrado Vivo. ¿Qué puede encontrar el oyente en vuestro disco?¿Qué tal fue la acogida?

En nuestro primer trabajo el oyente puede LaCarne Magazine

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que en el anterior. Hay mucho más Hardcore en este disco, e incluso algunos pasajes de Deathcore, pero no se pierde nuestra esencia, que es la mezcla de estilos. Respecto a letras, siguen siendo incendiarias, más aún si cabe, aunque hay algunos temas que dejamos la reivindicación a un lado y hablamos de temas personales, de nuestras vivencias del día a dia y de anécdotas que nos han pasado en la carretera. Ahora, a principios de enero, hemos lanzado el primer tema en las redes y a final de enero saldrá el disco entero. Lo podréis adquirir en nuestra web, www.marabunta.es, en nuestra página de Facebook o, sobre todo, en nuestros conciertos. ¿Qué diferencia hay entre un disco y otro?

Pues la mayor diferencia es el rodaje de la banda. Ya te digo que el anterior disco lo hemos machacado bastante por todo el país, y hemos ido aprendiendo mucho. Para este segundo trabajo, sabíamos lo que no queríamos y lo que queríamos seguir conservando del primero, y creo que lo hemos conseguido.

Se ha conseguido mucho mejor sonido y, sin perder nuestra seña de identidad, se ha conseguido en general que suene con más fuerza y agresividad.

Hacéis crítica del actual sistema político, de la situación mundial, la policía, la hipocresía de la sociedad, etc. ¿Creéis que con los nuevos partidos pueden cambiar a mejor las cosas, o permanecerán igual, o incluso irán a peor? ¿Qué creéis que habría que hacer para solucionar buena parte de los problemas?

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Nosotros hacemos esta crítica porque creemos que es muy necesaria, y es lo que nos sale de forma natural. Respecto a los nuevos partidos, no podemos saber si lo van a hacer mejor o peor porque aún no han estado, pero sí creemos que un cambio sería muy positivo para nuestro país. Y como solución, creo que lo más importante es la educación, ya que a una persona culta es mucho mas difícil de engañar, y en este país te quieren tonto y sumiso para robarte en tu cara y que le sigas votando. Nos tienen bien aborregados, nos hacen creer que estamos muy bien, adormilando a la gente con la caja tonta, el fútbol y los medios de manipulación masiva. Hay que espabilar, con políticos honrados todo sería mucho más justo, todo estaría mejor repartido. Por eso apostamos por la lucha y por darle una oportunidad a lo nuevo. Ya sabéis de que estamos hablando... ¿Cómo pueden contactar con vosotros, tanto para contrataciones como para adquirir vuestro disco?

Pues tanto para contratarnos como para pillar el CD lo pueden hacer a través de nuestra web www.marabunta.es o de nuestra página de Facebook. ¿Queréis dejar algún mensaje para los lectores?

Pues sí. Agradecer que nos hayan leído, e invitarlos a que nos vean en directo, que es donde repartimos candela de verdad. Muchas gracias a todos. SALUD Y MUCHA MARABUNTA!! ¶

MĂ S INFO LaCarne Magazine

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anahí arias

uniendo folklore, electrónica y hip hop mos deseando que venga a España para poder disfrutar de su música y su directo.

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A

rgentina es un filón increíble de músicos, y entre todos ellos hemos descubierto a una gran artista: Anahí Arias, y su mezcla o fusión de estilos musicales como la electrónica y el folklore.

La trayectoria musical de Anahí Arias nos ha sorprendido mucho: compone, produce y se autogestiona en todos los aspectos. Sólo con sus respuestas muestra su simpatía, y esta-

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Nos ha gustado mucho la fusión musical que haces del folklore argentino, la música electrónica y el Hip Hop. ¿Cómo surge el estilo de Anahí Arias? ¿Por qué es importante para ti el sonido del folklore en tus canciones?

El estilo surge de la conexión que tengo con la música. Creo que puedo dar cuenta un poco de lo que hago a través de estos tres géneros, pero en principio hay matices de muchos otros y devienen siempre de la impronta emocional que tengo en el momento que sé que una can-

va. Respecto del Hip Hop, me gustó siempre, tenía trece años e iba a ver a Actitud María Marta a cualquier lado. El día que me tocó cantar con Male Dalesio o Alí me sentía orgullosa y como una groupie total.

Cuentas con dos discos en el mercado, y sabemos que además de componer los temas, has hecho de productora y has grabado en tu Home Studio. ¿Qué crees que hubiera sido diferente si hubieras contado con una gran compañía dicográfica?

Creo que hubiera sido todo diferente. En mis comienzos quería encontrar un productor electrónico que hiciera todo y yo pasarle ideas. En ese tiempo ya era música y cantante, pero jamás se me ocurrió embarcarme en programar, corría el año 2006 y vi a alguien manejando un programa de composición y me volví loca... El productor gracias a Dios no llegó, así que me puse a hacer un curso de Live y se me voló la cabeza, suspendí mi vida ordinaria y entre en romance absoluto con el programa que aún uso y un gran momento de creatividad. Recuerdo que en aquella época las herramientas impulsaron mucho a mi inspiración. Iba del mic al charango, del charango a Live y así me pase muuucho tiempo! Claramente nada de eso hubiera sucedido con una gran compañía discográfica, así como se dieron las cosas tuve la oportunidad de conocerme y aprender a mi manera. Ese momento fue un tesoro para mi vida y sentó las bases de identidad a lo que hoy en día es mi música, que por cierto, puede seguir mutando.

ción está por venir.

El folcklore sí, es importante, me crié con él, la mitad de mi familia es tucumana, mi abuela me crió cantándome coplas, mi madre con la nerga Sosa, las reuniones, las guitarreadas, las zambas, las chacareras en las reuniones familiares... Tengo algo que va más allá de mi voluntad con el folklore, siento que somos una sola cosa.

Después obvio, comparto miles de cosas con estas generaciones, adoro la música electrónica, fue parte de mi despertar, mi exploración con las herramientas de composición por medios electrónicos está cada vez más expansi-

A pesar de las dificultades has seguido adelante, y en tu último trabajo, Abrecamino, has contado además con la co-producción de Guillermo Porro. Háblanos de su aportación en este disco y por qué decides contar con él.

Guille es un gran productor que supo homogeneizar mi sonido. Me acuerdo que le he caído con cada locura..., jamás me dijo que no a una idea, y siempre creaba alternativas que aportaban. Básicamente, para mí hizo un trabajo maravilloso, supo ser muy atinado con las mezclas y tuvo mucha visión, tanto de las canciones reconociendo su impronta,como del disco en su totalidad.

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A la hora de componer los temas para este trabajo, ¿dónde has encontrado la inspiración?

Cuéntales a nuestros lectores qué mensaje encierran tus letras.

Las letras se pueden leer en varios niveles, ahí a donde llegás está bien, pero si querés levantar un velo más en el estado de conciencia que tengas, vas a encontrar un nuevo mundo en el mensaje. Por ejemplo, la letra de Trueno es una ecuación, las frases de la primera parte están combinadas de una manera y en la segunda parte las frases están combinadas de otra forma, y quedaron perfectas si dibujas la combinación da una forma geométrica.

Mi inspiración puede salir de cualquier situación. Podría resumirte que el mensaje tiene que ver con diferentes formas de conocerse, de trascender, de autosuperarse, de amar, los vínculos, lo social, la música en si..., la verdad, tengo alto mambo espiritual y un terrible TOC que por suerte se me fue para ese lado :) Para tus conciertos en directo cuentas en ocasiones con artistas que dibujan durante la actuación y hemos podido ver algún vídeo en el que una bailarina se mezcla entre el público. ¿Cómo ves la reacción del público? ¿Qué es lo más importante para ti de los conciertos?

Todo depende de cómo sea el concierto, y qué es lo que querés compartir. A mí me gusta mucho la performance, una historia que se cuenta en distintos niveles de percepción. Me gusta mucho la gente creativa que saca su talento para afuera, y por eso les hago lugar. Siempre que que tengo una fecha, me fijo qué es lo que va para ella y siempre hay algo nuevo. Al público le encanta, siempre tengo excelentes devoluciones.

Cuando un artista o banda es más conocido, los conciertos vienen solos. Pero para bandas emergentes o menos conocidas ¿qué pasos obligatorios les recomendarías seguir para conseguir más conciertos?

Tocar, foguearse, estar vibrando alto, reconocer la gente que te vibra bien y laburar con ellos, reconocer oportunidades y tomarlas, conocer distintos locales, sonidos y públicos, y contactar con la gente que te sigue. También recomiendo que sean genuinos, eso es importante.

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Abrecamino lo publicaste en 2014, y para este año 2017 nos gustaría saber si habrá nuevo trabajo de Anahí Arias.

Si señores, este año sale disco nuevo y varios videos <3 Además de los conciertos por Argentina ¿habrá posibilidades de verte en otros países?

Sí, claro. Este año también viajaremos a diferentes países! Desde que comencé a compartir en las redes, estadísticamente mi música tiene muchísima respuesta afuera. Es más,

el sello que subió Abrecamino a las plataformas es de Miami. No sé como dieron conmigo, pero me contactaron porque les encantó.

Me vive escribiendo gente de afuera porque se vuelven locos con el mix y el ronroco. Me han preguntado muchas cosas, así que tuve que sacar un par de tutoriales que vienen funcionando de primera. Es genial conocer gente que me conectó de otra parte del mundo, y más genial es que estén compartiendo tiempo, espacio, disfrutando del show en vivo.

Nos ha encantado conocerte, Anahí. Espera-

mos que sigas abriendo camino, y que cada nuevo trabajo sea un nuevo éxito. Gracias por atendernos ;-) Muchas gracias a ustedes. Estuvo súper bueno el intercambio, espero que nos veamos en algún nuevo concierto y mantenganse conectados a través de las redes! ¶

http://www.anahiarias.com/ ver facebook ver twitter LaCarne Magazine

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bangladesh la música que se siente

B

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angladesh empezó como una simple idea: formar una banda de Rock. Y ahora, con mucha emoción y entusiasmo, buscan crecer aún más como músicos en México y en el mundo. ¿Cómo se formó Bangladesh?

Iván y Nicole tenían una banda de covers, y después Iván y Memo tuvieron otra, y por partes separadas los 3 tenían la iniciativa de crear una banda, y posteriormente se integró Pery.

La química se dio rápido y se comenzó a componer. Tenemos gustos en común, muchos en realidad. ¿Qué significa el nombre de su banda?

El nombre lo adoptamos por el gusto de mirar

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el globo terráqueo, e influenciados por bandas que usan nombres de países o ciudades para sus canciones, nos llamó la atención ponerle Bangladesh. Además, nos gusta su bandera y hemos recibido mensajes de gente Bengalí, y son muy amables con nosotros. ¿Qué es para ustedes la música?

Mucho, es muchísimo, es nuestro día a día, es un motor, es el recordatorio de seguir vivos, es un pretexto para crear cosas nuevas, es un escenario que nos ofrece muchas emociones, es nuestra eterna compañera, es algo así como un viaje interior que explota en millones..., es mucho, nuestro gran amor. ¿Qué bandas los han inspirado en toda su trayectoria?

Hay muchas bandas que admiramos, y es en especial dentro de la escena independiente/ underground que hemos aprendido mucho de ellos y de su trabajo: NSM, Austin Tv, Zeta,

¿Qué género musical prefieren tocar?

Vaya! Es una pregunta difícil. Nos gusta el Post Punk, el Math Rock, el Punk, el Grunge, claro!

Tenemos diversos gustos musicales, pero preferimos fluir con la música. A fin de cuentas, ella es la que nos construye a nosotros. ¿Cuál ha sido su mejor experiencia como banda?

Salir a tocar a otro estado y tocar con una banda en particular llamada Zet. Ellos nos cambiaron la manera de ver esto. ¿Qué es lo más extraño que les ha pasado en un concierto?

Lo más chistoso que nos ha pasado fue camino a Querétaro: se nos descompuso la camioneta, jugamos rayuela, nos odiamos y nos amamos porque íbamos 2 bandas a un show, y pese a todo llegamos justo a armar y tocar jajaja.

Joliette, Jean Loup, Ikiatari, Atlantic Drama, Hey Olympics. ¿Qué buscan expresar con su música?

Buscamos expresar la alegría que sentimos por conocer nueva gente, por crear cosas nuevas. También la rabia que sentimos por lo que pasa en nuestro país y el día a día. Buscamos expresarnos mediante lo que sentimos y somos, y hacer ruido en función a eso. Buscamos la diferencia en la rutina y lo que siempre se repite, buscamos divertirnos al tocar y apropiar nuestros sentidos, y buscamos una comunicación con los otros mediante lo que ofrecemos en el escenario. ¿Pueden describir a cada uno con una palabra?

Iván (guitarrista y vocalista) - carisma Memo (guitarrista) - lealtad Nicole (bajista) - aventura Pery (baterista) - templanza

¿Por qué países de Latinoamérica les gustaría hacer un tour?

En particular nos gustaría visitar Venezuela, ya que hay muchas bandas que vienen de allá a México, y siempre dejan un gran show.

Además que siempre proyectan mucho amor y respeto a la música. Claro, también Argentina, o Chile. Cualquier país sería un enorme regalo para nosotros. ¿Cómo se ven en un futuro como grupo?

Nos vemos tocando, y llegando a muchos más oídos, creando cosas nuevas y sacando nuevos proyectos. Viajando estaría muy bien, nos emociona eso. ¿Tienen algún proyecto próximo en mente?

Queremos grabar un split con Ambr, una banda de la Ciudad de México, y relanzar nuestro material para poder seguir buscando gente con quien compartir nuestro trabajo. ¶

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in thousand lakes potencia y perfección LEER MÁS

C

on casi 20 años sobre el escenario, In Thousand Lakes se ha convertido en una de las bandas más representativas

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del Death Metal Melódico en España. A propósito de su más reciente producción discográfica, titulada Age of Decay, decidí contactarlos para saber todo sobre este nuevo trabajo, y sobre otros aspectos relacionados con la banda. Aquí les dejo esta entrevista respondida por Javi, baterista de In Thousand Lakes.

banda, editando el EP Martyrs Of Evolution en 2014, y en 2016 reeditamos la demo y el CD bajo el título The Memories That Burn, cambiando la portada y remasterizando ambos trabajos.

En febrero editaremos nuestro segundo álbum, Age Of Decay. ¿Quiénes son sus miembros actuales y de dónde proceden?

José (voz) ha pasado por diferentes formaciones como Tetraplegium, Pintxo (bajo) e Igor (guitarra) vinieron de Akhvan, para Jokin (guitarra) fue su primera formación seria, y yo venía de una banda llamada Dormanth.

Para empezar, ¿cuándo y dónde surge la banda?

La banda la formamos en 1995 Jokin (guitarra) y yo, Javi (batería), en Bilbao. La banda estuvo activa hasta 1998, editando en ese periodo la demo Shadowland en 1996, y el Cd Lifeless Waters.

A finales de Octubre de 2013 reactivamos la

Concentrémonos en su más reciente disco Age of Decay. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? ¿Cuántas canciones trae? ¿Artistas invitados? ¿Videos promocionales? ¿Dónde se puede adquirir el disco?

El disco lo componen 11 temas, y el proceso de grabación fue bastante rápido. Llevó bastante más tiempo la producción y mezcla del mismo que la grabación en sí. La grabación se hizo en los Chromaticity Studios de la mano de Pedro J. Monge, y estamos muy satisfechos con el resultado obtenido.

Como invitados aparecen el propio Pedro J. Monge con un solo de guitarra en el tema “Age Of Decay”, y en el mismo tema cantan Iñaki Lazkano de Coffeinne (Ex Airless), y Alain Concepción, que es un excelente vocaLaCarne Magazine

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lista de nuestra ciudad. Este tema nos pedía unas voces heavies combinadas con la voz de Jose, y sin duda el resultado es espectacular.

El disco se puede adquirir escribiendo a nuestro e-mail inthousandlakes@gmail.com o a nuestro sello discográfico http://shop.xtreemmusic.com Tengo entendido que el disco saldrá al mercado el próximo 20 de febrero. ¿Qué planes tienen para promocionarlo?

De momento, tenemos 5 actuaciones cerradas, aparte de numerosos anuncios en prensa española, en Alemania, México, Argentina, Rusia, Portugal…, redes sociales, mailing a prensa… ¿Creen que este álbum tenga gran aceptación tanto por el público como por la prensa, como ha sucedido con sus trabajos anteriores?

Esperemos que sí. Realmente cuando componemos, pensamos en nuestro propio gusto personal. Luego, a partir de ahí, no está en nuestras manos, creo que hemos hecho un buen trabajo bajo nuestro punto de vista. Es un ábum muy variado, con muchos matices y con buena producción.

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Pude ver los dos videos promocionales “True North”, que es un video lyric, y “Death Train”, y quedé sorprendido con los potentes sonidos que pude escuchar en ambos videos. ¿Se sienten satisfechos con este trabajo?

La verdad que sí, muy satisfechos. Por otra parte, para nosotros es difícil elegir entre 11 temas porque podían haber sido estos u otros, y estamos barajando la posibilidad de hacer algo con el tema “I Rise”, coincidiendo con la salida del disco.

In Thousand Lakes lleváis años trayéndonos lo mejor del Death Metal melódico que se puede escuchar en estos momentos en España. ¿Cuánto ha crecido la banda en todo estos años? ¿Qué creen que deban mejorar o cambiar?

Hemos crecido y seguimos creciendo. Si escuchas el Ep de 2014 con el material actual, hay un gran salto de calidad bajo nuestro punto de vista. Cualquier banda debe estar en constante evolución, y a nosotros nos gusta probar cosas nuevas, y evidentemente aprender siempre de los errores, es importante ser crítico con uno mismo. ¿Qué próximas presentaciones tiene la banda

para estos meses?

Estas son las fechas programadas: • 04.03 - Oviedo (Asturias) / Rituals of the Dead Fest. (Franel Rock) • 18.03 - Bilbao (Vizcaya) / Hika Ateneo (Presentación del álbum) • 08.04 - Elkartea (Vitoria) / Orbain Kultur • 22.04 - Vicálvaro (Madrid) / Sala 38 Especial • 13.05 - Zaragoza / Iberian Warrior Warm Up Festival (C.C. Delicias) Luego seguiremos añadiendo fechas en los próximos meses. ¿Qué podremos esperar de In Thousand Lakes para este 2017?

Iremos paso a paso. Ahora estamos concentrados en la promoción del disco, y ensayando el set-list en el que van muchos temas del nuevo álbum.

Bien, antes de terminar les deseo suerte con este nuevo trabajo, y mucha salud para la banda y sus miembros. Les cedo espacio para que le transmitan un mensaje al público amante del buen rock español.

Muchas gracias por la entrevista y por el apoyo ¶

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arco

coleccionando éxitos responsabilidad última sobre todo lo que concierne a esta nueva etapa.

A

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ntonio Arco, tras su largar carrera musical con El Puchero del Hortelano, se embarca ahora en una nueva aventura, aunque esta vez en solitario.

Arco es su nombre artístico y su nuevo disco titulado Uno, es el pistoletazo de salida de una larga y nueva carrera musical. Es el comienzo de algo grande, y Uno será el primero de muchos éxitos.

Formaste parte de la banda El Puchero del Hortelano, y tras su disolución emprendes tu carrera en solitario como Arco. ¿Te planteaste formar parte de alguna otra banda o tenías claro que querías continuar en solitario?

Buenas! Tras más de una década dentro de la filosofía y rutina de una banda, tenia claro que en mi nuevo camino yo sería el patrón de mi barco, rodeándome de nuevo de buenos músicos y buenos amigos, pero asumiendo la

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Aunque ya tienes experiencia en la industria musical, emprender esta nueva aventura suponemos que ha sido como empezar de nuevo. ¿Crees que haber formado parte de El Puchero del Hortelano te da cierta ventaja en este sentido?

Es cierto que hay un público que ya te conoce, y muchos de ellos me han apoyado desde el inicio, incluso antes de que Uno se lanzara ya se estaban vendiendo tickets para su gira de presentación. También es lógico e inevitable que los medios te sitúen partiendo de tu anterior etapa, así que haciendo un símil con el nombre del disco, podemos decir que en lugar de partir de cero parto de Uno. Uno es tu primer trabajo como Arco, y salió publicado en Febrero de 2016. Ahora que va a cumplir un año de edad, ¿qué balance haces tanto del disco como de tu carrera en solitario? ¿Cómo estás afrontando esta nueva etapa musical?

Uno nos ha ofrecido muchas alegrías desde el principio. La primera semana se colocó como el 8º disco más vendido del país, y estuvo casi un mes dentro de los cien primeros, lo que supuso un espaldarazo a los ánimos de todo el equipo, demostrando lo que comentábamos en la anterior pregunta, que había un montón de gente ahí fuera esperando este debut. Esto lo volvimos a corroborar en su gira de presentación. Tan solo un par de semanas después del lanzamiento, tuvimos a un público coreando las canciones como si siempre hubiesen estado ahí.

A partir de ahí todo ha sido muy fluído, un camino lleno de cosas buenas. En el verano tuvimos la suerte de participar en varios festivales nacionales, y giramos también en acústico para Live The Roof, y lanzamos los videoclips de Equilibrio y Lo difícil, este último rodado en un multitudinario Festival del Zaidín en Granada. Este año varias revistas han situado Uno dentro de los mejores discos de 2016, tenemos por delante un fin de gira nacional que tiene muy buena pinta, una gira latinoamericana por Perú, Chile y Argentina,

nuestra participación en el SXSW Festival de Austin en EEUU, y un montón de festivales nacionales para verano ya confirmados como Granada Sound, Clownia, Rabolagartija…

Así que, como puedes imaginar, muy contentos y agradecidos por todo lo que nos está regalando este viaje.

Los temas de este trabajo son muy realistas: experiencias, vida cotidiana, sentimientos, etc. ¿Las letras se basan en tu propia experiencia? ¿Qué quieres trasmitir al oyente con tus canciones?

En esta ocasión, todas las canciones son autobiográficas, y hablan de experiencias o situaciones vividas en primera persona. Canto lo que siento, lo que pienso, lo que me importa o preocupa. La primera intención es la necesidad de expresión y creación que tengo a nivel personal, si los escuchantes las hacen suyas también, y se identifican con lo que cuento, es maravilloso. Llegar al corazón de la gente a través de la música y la palabra es un regalo para el creador, sin duda.

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vación, porque al bonito hecho de que te sigan y escuchen desde la otra punta del mundo, hay que sumarle también la fortuna de viajar y conocer otras tierras y culturas. Por eso, desde hace unos años, siempre tenemos un ojo puesto en España y otro en el resto del planeta, para ir poco a poco sembrando nuestras canciones en todos los lugares posibles. Ésta es la filosofía también desde Sonde3 con el resto de sus bandas, el trabajo internacional.

¿Queda algo de El Puchero del Hortelano en Arco? ¿Hay algún tema en especial sobre el que te guste más componer?

Bueno, así es. En el puchero yo llevaba el grueso de la composición, y la esencia o forma de contar las cosas puede adivinarse en muchas de mis canciones nuevas, lo que pasa es que a nivel de arreglos, de texturas…, todo ha cambiado. En Uno estos aspectos son menos recargados y buscan despertar otras sensibilidades.

El tema estrella es el amor, está claro. Para mí mueve el mundo, y es lo más importante que pasa o deja de pasar en nuestras vidas, por eso la inmensa mayoría de las canciones habidas y por haber versan sobre él. Lo que pasa es que la forma, estilo, destreza..., a la hora de abordar este tema es infinitamente variada, y en muchas ocasiones puedes hacer una canción de amor sin que se intuya. El amor también está en la protesta, en la necesidad de cambiar la realidad, en la confrontación…

Hemos visto en las redes sociales que sigues con los conciertos y sabemos además que estarás muy pronto en Latinoamérica. ¿Hay diferencias a la hora de organizar una gira por otros países? ¿Cuáles son las principales dificultades?

Bueno, imagino que bastantes, pero esta pregunta te la pueden responder mejor desde Sonde3, que son los encargados de ello. Por mi parte, girar fuera supone un extra de moti-

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Las bandas emergentes o menos conocidas, suelen tener más dificultades para cerrar bolos que los grupos que son más conocidos. ¿Qué pasos obligatorios les recomendarías seguir para conseguir más conciertos?

Empezar poco a poco, partir de lo mínimo, girar por bares y salas pequeñas antes de intentar producciones más costosas en lugares de mayor capacidad. El “éxito” es subir peldaño a peldaño, conseguir que cada vez más gente se interese por ir a verte, disfrutar cada pequeña meta conseguida, sin que eso suponga no tener ambición bien entendida. Hay que ir a por todas, claro que sí, pero cada una a su momento.

En estos años atrás he logrado junto a mis compañeros cosas que nunca imaginé, como hacer un sold out en el Palacio de Deportes de Granada. La primera vez que canté en Granada fue en Pata Palo con una de mis primeras bandas, ante unas veinte personas. A eso me refiero. Entre una y otra fecha: la verdadera recompensa si sabes verla, el camino.

Antonio, ha sido un placer poder hablar contigo. Estamos convencidos de que Uno sólo es el comienzo de una larga y exitosa carrera en solitario.

Muchas gracias a vosotros por el espacio y el cariño que se adivina en vuestras preguntas.

Un placer. Nos vemos muy pronto!

Abrazo grande. ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

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emilianocl

electrónica para ser feliz

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milianoCL es un dj de Puerto Ordaz, Venezuela. Cree en la flexibilidad de la música electrónica para adaptarse a cada escenario, siendo la felicidad uno de sus sentimientos encontrados a la hora de compartir su música con el público. Con un alto conocimiento de los distintos géneros, busca mezclar cada sonido para entregar a cada persona un poco de sus mejores creaciones. ¿Por qué elegiste la música electrónica?

Elegí la música electrónica porque para mí tiene la capacidad de adaptarse a tantos estilos y poder ser apreciada por muchas personas, tantas maneras de combinarse, sonidos de diferentes parte del mundo que pueden incluirse en cada canción, posee muchas cualidades para brindar una variedad de estilos según los gustos de cada persona, pero en lo personal, que ésta me brinde distintas alternativas para transmitir una emoción lo hacen mi género musical favorito.

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¿Qué sientes cuando estás frente al público?

Cuando estoy frente al público abordan distintos sentimientos. El principal es de felicidad, pues me siento privilegiado de ser la persona en el cual se deposita la confianza para que el público disfrute y se lleve un buen recuerdo de esa presentación. Es muy gratificante cuando terminas la presentación y la gente se te acerca a preguntarte cuándo es la siguiente, y te da las gracias diciéndote que lo hiciste excelente. ¿Quién es la persona que más te ha apoyado en toda tu trayectoria como dj?

Mi madre y mi padre por igual. Ellos siempre sin pensarlo me han dado todo su apoyo en lo que he querido emprender, y me han enseñado que mientras trabajes con pasión por lo que quieres, teniendo a Dios en el corazón, puedes lograrlo todo. Mi madre fue una de las personas que despertó en mí las ganas de conocer el mundo de la música, lo cual se lo agradeceré toda la vida. Pero aparte de ellos, quisiera aprovechar y mencionar que he tenido a muchas amistades y familiares, los cuales suelen acompañarme y disfrutar conmigo

este lindo momento (ellos sabes quienes son), y que espero tenerlos a lo largo de este camino para disfrutar de todo lo que está por venir. ¿Cuál ha sido tu mejor experiencia como Dj? He tenido varios momentos que han sido muy claves, y me han hecho dar cuenta que la gente disfruta cuando tengo una presentación, pero para mí, el primero ocurrió un día en el que fui invitado a un evento donde el lugar contaba con dos áreas para el público. Para este evento yo no era el estelar de la noche, pues estaba novato, y compartía dicha invitación con dos Djs de mucho recorrido en la ciudad. Cuando el estelar de la noche entró en tarima, yo me encontraba en la otra área donde también estaba empezando mi presentación.

Yo estaba enfocado en hacer el mejor show posible, y mi sorpresa fue cuando en cuestión de minutos me percato y el zona estaba totalmente repleta, y el público ubicado en el sector del Dj estelar de la noche se desplazó hacia donde yo me encontraba realizando mi presentación, y me acompañaron hasta finalizar mi turno, el cual tuve que alargar un poco más por petición tanto de ellos como de los encargados del lugar. Al final de todo esto me llegaron muchos mensajes de agradecimiento, los cuales son un bonito recuerdo. ¿Qué te hace diferente a los demás?

Por lo general, siempre me he caracterizado por querer conocer de todo un poco, lo cual también trato de llevar al aspecto musical. Personalmente me considero con buen dominio de una gran cantidad de géneros musicales y conocimiento sobre ellos. Me gusta explorar nuevos artistas, conocer lo que le gusta al público para siempre ir innovando cada vez que me presente. Esa versatilidad me ha ayudado a brindarles momentos gratificantes a todos los que asisten a presentaciones. ¿Cómo fue tu primera presentación?

Como toda primera experiencia, estuvieron presente los nervios y a su vez la emoción.

Podría decir que los nervios me mantuvieron cada segundo que pasó de la noche con una sola frase en la cabeza, que era “no te equivoques”. Me costaba observar al público. Estuve enfocado en cada detalle para introducir

tema por tema. Con el pasar de los minutos fue bajando la presión, y empecé a disfrutarlo, y al finalizar la noche obtuve muchos buenos comentarios por parte de las personas presentes, lo cual para mí fue la mayor recompensa posible. ¿Tienes algún proyecto cercano en mente?

Este 2017 será mi vitrina para mostrar más mi trabajo de producción musical, tanto en las redes sociales y en vivo, por lo que quiero enfocarme en eso para brindarles la mejor calidad posible a todo el que vaya escuchar mi música. Estoy renovando mis distintas redes sociales para darle un tono más fresco y marcar desde este año como un nuevo comienzo, por lo que pienso mantener una fluidez constante en todas mis plataformas subiendo material musical y fotográfico de mejor calidad. Por lo que pronto estaré colocando nuevos set de música y mis producciones para que les den su apoyo. ¿Qué es lo más duro y qué es lo más gratificante de ser Dj? Creo que lo más complicado, y que muy pocas personas desconocen, son las horas que pasas buscando música, haciendo música si la produces, arreglando detalles para que las canciones se integren bien al trabajo que vas a realizar. El tiempo que se le dedica a todas estas actividades es bastante, y si de verdad quieres ser innovador y brindar el mejor show posible, pasarás muchas horas de tu día en cada uno de estos procesos.

Uno de los aspectos más gratificantes es que conoces muchas personas a lo largo de todo este camino. Algunos son Djs, músicos, o simplemente un miembro del público más, pero lo bonito de eso es que pueden convertirse en grandes amistades con el tiempo. También puedes conocer muchos lugares si logras abrirte camino con los mejores, y éste es un objetivo que no es imposible si haces esto apasionadamente y luchas por ello, pero el detalle que deja la mejor sensación de todo esto es que lo que hagas es apreciado por otros, eso es de verdad inigualable. ¶

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humberto manduley

el investigador del rock cubano LEER MÁS

H

umberto Manduley es un escritor cubano independiente radicado en México. Desde sus inicios se ha dedicado a investigar sobre los géneros musicales menos favorecido de la isla, especialmente el Rock. Desde hace más de 15 años mantiene una sección nombrada “La Cuerda Floja” en la prestigiosa revista cultural El Caimán Bar-

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budo, y además es autor de dos libros sobre el Rock en Cuba. Libros de obligada consulta para profundizar más sobre el género en la isla. Sobre estos dos libros, el proceso de búsqueda y organización de la información, así como aspectos relacionados con el Rock cubano de los últimos años, nos comenta en esta entrevista en exclusiva.

En el 2001 publicaste “El Rock en Cuba”, considerado por muchos la primera obra de investigación dedicada a este género en Cuba. ¿Cómo y cuándo surge la idea de escribir un libro como éste?

Quizás la idea se gestaba, de modo inconsciente, desde que empecé en 1972 a tomar apuntes acerca del Rock foráneo y nacional.

Pero con seguridad el impulso definitivo fue una serie de 23 programas sobre la historia del género en Cuba, que presenté en Radio Ciudad de La Habana, y que con una hora de duración semanal se transmitió en 1994. Tomando en cuenta que tenía bastante material acumulado, empecé a pensar en algo escrito.

Entre varias circunstancias que dilataron el proyecto, finalmente se concretó a través de Ediciones Musicales Atril, y se presentó ese primer texto, en la Feria del Libro de febrero de 2002.

Al ser un género sobre el que casi no existía información recopilada. ¿Cómo fue todo el proceso de búsqueda y organización de los materiales necesarios para este libro?

Dentro de mis limitaciones económicas y de tiempo traté de buscar todo lo que pude. Me pasé un par de años asistiendo varias veces por semana a la Biblioteca Nacional, revisando diarios y revistas. Sabía que era muy poco lo que iba a encontrar allí, pero no quería dejar nada afuera. También alcancé a entrevistar directamente a varios músicos, activos y retirados, más los apuntes que yo venía tomando desde antes, y la información que aparecía en los fanzines que empezaban a circular. Luego tuve que organizar todos los datos, diseñar una estructura para el texto con los aspectos que iba a abordar, además de conseguir fotos prestadas, etc. En esa etapa ni siquiera soñaba con tener un ordenador para escribir, así que tuve que hacerlo mecanografiado. Tampoco estaba totalmente seguro que ese libro interesara a alguna editorial, pero, por suerte, se pudo llevar a buen término. ¿Cuáles fueron los mayores retos o adversidades que enfrentaste a la hora de realizar una obra de tan magnitud?

Esencialmente la falta de documentación oficial. Hay que recordar que los fanzines de Rock aparecieron en Cuba en los años 90, así que era muy poco lo que podía conseguir por esa vía, además que no solían poner atención a lo ocurrido antes. Las entrevistas tenía que tamizarlas, pues hay músicos dados a exage-

rar sus roles o minimizar los de otros colegas, más los inevitables olvidos y omisiones. Asimismo, hubo quienes no quisieron cooperar, sin importar las razones. Fue un proceso bien lento y engorroso. En cuanto a la publicación en sí, tuve que condensar el texto según una cantidad específica de cuartillas que la editorial puso como tope, o se corría el riesgo de encarecer el libro. También fue una lucha contra el tiempo, pues yo tenía dos trabajos, más mi estrenada paternidad, que no me dejaban muchos momentos de sosiego para sentarme a armar todo. La de los noventa fue una década convulsa en Cuba, y en medio de aquella odisea diaria yo intentaba a toda costa escribir un libro por primera vez en mi vida. Fue anímicamente gratificante, pero me pasó factura. ¿Contaste con el apoyo de alguna institución o de personas para poder editar este libro y repartirlo en Cuba?

Para la investigación no tuve el apoyo de absolutamente ninguna institución. Siempre he ido como FreeLancer, y eso tiene un precio, que pagué gustoso con tal de no depender de nadie. En cuanto a la publicación del libro, Noel Nicola, a quien yo conocía desde antes, y dirigía la editorial, y Manolo González Bello, que hizo la edición, ambos ya fallecidos, fueron los puntales para sostener el proyecto y llevarlo definitivamente a los lectores, por lo cual siempre les estaré agradecido.

Hace dos años publicaste Hierba Mala: Una historia del Rock en Cuba, el cual fue presentado el pasado año en La Habana como parte de la Feria Internacional del Libro. ¿Podemos pensar en este libro como la continuidad de “El Rock en Cuba?

Sin duda utilicé El rock en Cuba como base, pero la cantidad de información recopilada en esos años intermedios (más de una década) era tan grande, además que mi propia óptica había cambiado en alguna medida, que decidí reescribir el texto en más de un 80%. Por ese motivo, creo que se trata de un trabajo lo suficientemente transformado como para considerarlo un nuevo libro, y no la mera continuación de aquel. Además, en ambos libros puse cuidado en señalar que no es “la historia” del Rock en Cuba, sino solamente una de las LaCarne Magazine

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tantas visiones posibles, en este caso la mía, dejando abierta la posibilidad de que otros investigadores armen la suya (sin caer en el corta-y-pega y el plagio, que ya alguien hizo).

Incluso, el título del primer libro iba a ser justamente “Hierba Mala”, pero en la editorial lo consideraron poco recomendable y lo cambiaron. Así que cuando me propuse abordar nuevamente ese trabajo (por insistencia expresa de mi esposa) retomé la idea del título original.

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¿Cómo fue el proceso de investigación para este nuevo volumen? ¿Cómo está estructurada esta nueva obra?

La gran diferencia entre ambas investigaciones radicó en el acceso a Internet como herramienta indispensable. El libro anterior se armó en los años 90 del siglo pasado, cuando mi contacto con la red de redes se resumía en una palabra: nulo. Tampoco Internet tenía la cantidad de opciones que tiene hoy. Así que ese fue el eje principal, pues me permitió ac-

ció la necesidad de hacer un volumen aparte con esas síntesis biográficas y fotos. ¿Cómo te sentistes al saber que Hierba Mala iba a ser presentado en un evento tan importante como la Feria Internacional del Libro?

En Cuba, la Feria Internacional del Libro de La Habana debería ser la plataforma idónea para ese tipo de presentación, y de hecho funciona así muchas veces. Sin embargo, debido a su dinámica interna como gran fiesta de las letras, hace que muchos títulos pasen inadvertidos para el público, que termina cegado por la avalancha de materiales que se exhiben y venden. Se necesita una gestión promocional y comercial más fuerte y coherente. Este tipo de libro está pensado para un lector muy específico, y hay que buscar las vías de llegar a él. Aunque no me quejo, pienso que no tuvo la difusión necesaria, y a un año de su presentación, todavía hay muchas personas (incluidos músicos de rock) que ni siquiera saben de su existencia. Con la edición independiente que yo había publicado un poco antes, y que está a la venta en Amazon.com, sucede algo similar. Sin una campaña sostenida de promoción, es difícil hoy acceder a todos los posibles interesados. Tampoco ha suscitado el interés de las instituciones que teóricamente podrían tener cierta identificación con un trabajo así.

Pero al menos son libros que ya existen, y si alguna vez aparecen nuevos interesados, ahí están. No espero mucho más.

ceder a informaciones, entrevistar músicos por correo electrónico, etc. Pero en esencia, mantiene la estructura del anterior, en cuanto a la división por décadas, más el anexo de unos capítulos que abordan aspectos bien específicos de la historia, como la relación del Rock con la nueva trova y los medios de difusión, y la existencia o no de un “Rock cubano”. También suprimí las fichas de artistas que aparecieron en el primer libro, pues ahora eran demasiadas para incluirlas, y de ahí na-

Aparte de estos dos libros, también publicastes Parche: Enciclopedia del rock en Cuba.

Coméntanos un poco sobre este material.

Como su nombre lo indica, es una enciclopedia centrada en lo sucedido en el rock dentro del país. Por ejemplo, el libro El rock en Cuba incluyó cien fichas y 25 fotos; mientras que la edición independiente de “Parche”, que está disponible en Amazon.com, recoge 768 fichas de grupos y solistas, y 290 fotos, abarcando desde 1956 hasta 2013, lo cual ya implica una diferencia notable. Ahora tengo lista una versión corregida, aumentada y actualizada hasta 2016, con más de mil fichas, alrededor de 380 fotos y un listado de más de 500 personas que fueron entrevistadas o aportaron sus datos.

Una editorial cubana quiere publicarla. SuponLaCarne Magazine

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go en los próximos meses tendré noticias sobre su decisión final. Espero que pueda estar en algún momento al alcance de los lectores en la isla y fuera de ella también. ¿En que se diferencia “Parche” de los libros anteriores?

Son fichas biográficas muy sintetizadas, para no abrumar al lector con anécdotas y un exceso de detalles. Elegí concentrar la información esencial: fechas de existencia de las bandas, nombres de sus integrantes, estilo, repertorio, principales actuaciones y grabaciones, etc.

Está también el apoyo fotográfico que resulta interesante, pues la inmensa mayoría son imágenes que serán vistas por primera vez por el gran público. En otro sentido, todavía persisten lagunas informativas, en las cuales sigo trabajando para presentar textos futuros que mejoren lo ya publicado. Es una investigación que no termina nunca, no solo por su perenne actualización, sino por la búsqueda del pasado, que todavía permanece sin recuperar.

Vale agregar además que ambos libros, “Hierba Mala” y “Parche”, funcionan como trabajos

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independientes pero complementarios. ¿Dónde se pueden adquirir ambos trabajos? ¿Tanto “Hierba” como “Parche”?

Para el lector cubano, “Hierba Mala” está disponible a través de Ediciones La Luz, de Holguín, y su sistema de distribución, mientras espero se concrete la próxima salida al mercado de “Parche” por otra editorial. Para los interesados en otros países, los libros están a la venta en Amazon.com, en estos vínculos: Hierba Mala - Parche ¿Podremos esperar alguna nueva publicación en el futuro?

Probablemente, si me alcanza el tiempo, pensaría en armar futuras versiones actualizadas y revisadas de “Hierba Mala” y “Parche”, quizás transcurridos unos cuantos años, y cuando haya suficiente información que amerite hacer ese tipo de movida. Entre tanto, he compilado artículos míos publicados en una sección sobre música que llevo desde hace años en la revista cultural El Caimán Barbudo. El libro se titula La Cuerda Floja. Músicos

en desacuerdo, y debe salir dentro de un mes aproximadamente. Preparo otra compilación de trabajos diversos, y tengo esbozos de varias investigaciones más, en las cuales voy trabajando poco a poco, siempre relacionadas de alguna manera con la música. Lo que resulta complicado es lograr que las editoriales establecidas cubanas o extranjeras muestren interés, así que he elegido la independencia para darle salida a esa producción.

Cambiando un poco de tema. ¿Cómo valorarías el movimiento rockero actual en comparación con los años 70, 80 y 90?

La palabra clave es “institucionalizado”. Si antes una ínfima porción de los grupos de Rock pertenecía a las empresas de contratación artística, hoy existe la Agencia Cubana de Rock (que incluye a buena cantidad de bandas, al tiempo que otras pertenecen a distintas instituciones oficiales), la totalidad de los eventos se gestiona a través de instituciones como la Asociación Hermanos Saiz, y los sitios para tocar han disminuido drásticamente por un lado, y a la vez también dependen del sello gubernamental. Esa dependencia institucional tiene ventajas y desventajas, que sería muy tedioso intentar explicar aquí porque a veces ni uno mismo las entiende. Por otro lado, en décadas previas existía una diversidad estilística que se ha perdido hoy. El Rock hecho en Cuba se ha ido volviendo muy limitado en cuanto a espectro de sonidos: mucho Metal, bastante Punk, algunas fusiones (interesantes o manidas) y poco más. El idioma inglés gana fuerzas en los repertorios; casi todos los fanzines colapsaron, mientras no existe una publicación “oficial” que se ocupe del género, la discografía es mínima, dispersa y escasamente divulgada, la tendencia hacia los covers parece ser la única económicamente redituable, y el mismo público muestra una actitud próxima a la apatía. Si a eso sumamos que el Rock de Cuba carece de auto-referencialidad, y desconoce de modo alarmante su propia historia, diría que la actualidad no es muy prometedora después de sesenta años de presencia del género en la isla. Lo que la salva y siempre ha salvado es su perseverancia indestructible.

Hay bandas nuevas con propuestas que se salen de lo convencional, y eso es una inyec-

“La de los noventa fue una década convulsa en Cuba, y en medio de aquella odisea diaria yo intentaba a toda costa escribir un libro por primera vez en mi vida.” ción para la escena, pero deben afrontar muchos obstáculos. Quién sabe si no pierden la paciencia en el camino. Ojalá que no. ¿Qué opinion te merece que dos bandas como The Dead Daisies y The Rolling Stones hayan decidido venir a Cuba a ofrecer conciertos, así como las visitas de personalidades como Ozzy Osbourne y Bon Jovi?

Contrario a la euforia más o menos generalizada, esos sucesos los veo como anécdotas aisladas, de gran importancia, desde luego (sobre todo el concierto de los Stones), pero que todavía es prematuro decir si van a influir sobre el devenir del Rock nacional. Si ponemos a un lado la relevancia histórica de los Stones, eventos igualmente importantes se habían dado ya antes en Cuba, y no tuvieron el menor impacto sobre los acontecimientos posteriores. Creo que el problema fundamental de la escena cubana no es exactamente su falta de confrontación internacional, sino que todavía no ha encontrado su foco o personalidad. Para el público sería genial que bandas de puntería actúen en el país (las “visitas guiadas” de famosos son menos interesantes), pero que esos conciertos representen un punto de inflexión para la escena, o cambien en algo lo que sucede con el Rock en Cuba me parece un vaticinio más motivado por el optimismo que por una realidad palpable. Habrá que preguntarse esto mismo dentro de unos años para tener una perspectiva mejor.

Bien, antes de terminar darte las gracias Humberto, y te cedo espacio para que expreses lo que desees.

Gracias a ti, e invito a los interesados a acercarse al Rock que se hace en Cuba, y generar sus propias impresiones. ¶

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