LaCarne Magazine N57

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europa y latinoamérica

Nº57 - ENE 2017 - AÑO 6

EXPERIENCIAS

mundo dj crítica de un crítico qué ha perdido la música en 2016? modestep virtuosismo conceptual

ENTREVISTAS

guillermo bazzola de la rivera sierpe rebeca moss gaviria los nietos de iván vendetta juanriveroots yael meyer feid

kuqui alegre

y su próximo discazo

SUMARIO experiencias

06 mundo dj 10 critica de un crítico 14 ¿qué ha perdido la música en 2016?

N57 aÑo 6 ene 2017

46 guillermo bazzola 50 de la rivera, electrofunk para bailar

54 sierpe, uniendo el amor y el metal

16 modestep, análisis de london

58 rebeca moss, viaje a

18 virtuosismo conceptual

62 gaviria, música urbana para el

investigación

66 los nietos de iván, reinven-

road

22 folklore musical de la comarca de cáceres

eurovisión mundo

tando canciones desde uruguay

68 vendetta presenta su nuevo disco, bother

26 historia de los instrumentos 72 juanriveroots, esperanzado electrónicos 30 ¿por qué azotador es la banda del año?

entrevistas

con el reggae

74 yael meyer, folk electrónico en warrior heart

80 feid, conquistando latinoamérica

36 kuqui alegre y su próximo discazo

Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

http://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

Colaboradores

J. G. Entonado, Enrique Falcó, króniko, paquita garcía, jpalomo, maribel pérez, Sebastián díaz, yolanda jiménez, jorge ares, luis lama, julio abella, darío irazoqui, santos garcía * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS mundo dj crítica de un crítico ¿Qué ha perdido la música en 2016? modestep, análisis de london road virtuosismo conceptual

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MUNDO DJ LEER MÁS

+ TRASLADO DE EL ROW A LA DISCOTECA AMNESIA EN IBIZA

Será cada sábado desde el día 3 de Junio al 30 de Septiembre, y la decisión ha sido tomada al desaparecer la mítica sala Space, hecho que ha supuesto que elRow buscara lugares para celebrar sus fiestas, como por ejemplo Ushuaïa y Amnesia. Estos dos clubs eran los únicos que se barajaban para trasladar la famosa fiesta y que pudiera albergar todas las características de la sala Space, y al final se decantaron por Amnesia porque reúne todas esas condiciones. + LA SERIE “WESTWORLD” Y LA PIANOLA

El compositor Ramin Djawadi pone de moda clásicos del Pop y del Rock reinterpretado de forma minimalista. Es el mismo que ha triunfado con la música de Juegos de Tronos, por lo que HBO le encargó hacer la banda sonora de la nueva serie llamada Westworld. Lo más

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característico de la misma es el uso de la música en la trama argumental, y lo hace versionando Rock y Pop de forma instrumental que se complementa muy bien con la serie. Aquí os dejamos la cabecera de la serie https://youtu.be/sB2CcWDa80o y una remezcla de Amy Winehouse que te pondrá los pelos de punta https://youtu.be/jHrQL-tTGcE. + SE PRESENTA UN NUEVO CLUB EN FRANCIA

Se ha presentado un nuevo club en Francia y es ¡en un barco!, y será el próximo enero. Tendrá un formato cultural, se ubicará en la ciudad de Lyon y se llamará Razzle. Es un club flotante que se inaugurará el 19 de Enero en un barco remolcado en el puerto de dicha ciudad, y se dividirá en cuatro zonas: un club ubicado en la bodega y que puede albergar 320 personas, una terraza climatizada y se destinará para los afterwork, un restaurante y una plataforma para realizar eventos gratuitos. + YA NO SE ELIMINARAN LOS MIXES EN SOUNDCLOUD Los responsables de esta plataforma musical creen que de esta forma, y con el nuevo proyecto de streaming llamado “Soundcloud Go”, el negocio aumentará porque están de capa

caída. Todo esto es debido a que han llegado a un acuerdo con los dueños de las licencias de los derechos, y así les será más fácil competir con Spotify, Apple Music, etc.

en 1977 para abrir un club, y puso a Frankie Knuckles como Dj, llamándose la sala The Warehouse.

He aquí un fragmento del documental: https:// youtu.be/ZQbbkqW6anI + NUEVA PROGRAMACION DE FABRIK TRAS SU APERTURA

Es una vuelta a sus comienzos, donde se subía música sin restricciones y creen que así volverán a estar en la primera posición dentro del panorama de las plataformas musicales. + NUEVO DOCUMENTAL SOBRE LOS ORÍGENES DEL HOUSE

El club londinense muestra el cartel de lo que será su programación los jueves, viernes y sábado del próximo Enero, y se abrirá al público con unas medidas extremas. Entre los dj que estarán encontramos a Ben Sims, Craig Richards, Terry Francis, Fredddy K, Ricardo Villalobos, Ellen Allien, Maceo Plex, entre otros. Tenéis más información en el siguiente enlace https://www.facebook.com/fabriclondon

AGENDA DE CONCIERTOS MONDODISKO (MADRID) VOISKI LIVE, 7 de Enero.

LAURENT GARNIER, 12 de Enero.

RICARDO VILLALOBOS, 19 de Enero.

WEB - FACEBOOK FABRIK (MADRID) 14 de Enero WEB - FACEBOOK

En este documental se rinde un homenaje a Frankie Knuckles, un precedente importante dentro de la escena electrónica y padre del House. Esta cinta se llama Frankie Knuckles and The Rootsof House Music, y es una producción de Unsung para la cadena norteamericana TV ONE. Dura 35 minutos y resume la evolución de la música House, y, sobre todo, la que se empezó a escuchar en los suburbios de Chicago, donde la energía de la raza negra creó un nuevo estilo llamado el House Music. Eran artistas sin recursos que tiraron de la imaginación solo para pasárselo bien, y así cambiaron la historia del clubbing. ¿Por qué se llama House Music? hay muchas teorías al respecto, pero de la que más se habla es la que un tal Robert William llegó a Chicago

RAZZMATAZZ (BARCELONA) Enero 2017 WEB - FACEBOOK BECOOL (BARCELONA) Enero 2017 WEB - FACEBOOK PRISMA (SEVILLA) Enero 2017 FACEBOOK THE CLUB CAFÉ BERLÍN (MADRID) 5 de Enero 2017 John Morales + Nacho Larache + S-Brid FACEBOOK

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DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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MONTEL - “Get Lose”

LUCA DONZELLI - “Funky Citicenz” RAY KAJIOKA - “Ruderberg” (original mix)

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PARIDE SARACENI - “Just For One Day”

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PAUL C & PAOLO MARTINI - “Big Gun”

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MARCEL REIX - “Boost Pump”

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CHIAPET - “Tick Tock”

8 9 10 8 LaCarne Magazine

DEELO - “Mr. House” MACRONISM - “Radaway” ANDREA OLIVA - “Vermona”

MĂ S INFO LaCarne Magazine

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crítica de un crítico

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iempre he sido de la opinión de quienes aseguran que la música es más que un arte o una manifestación artística. Yo aún diría más mi querido Hernández, casi me gusta más considerarla una magia que eleva nuestro espítitu hacia cotas insospechadas que nos regala y revitaliza el imperio de los sentidos.

Las opiniones sobre su belleza, valor y ejecución se encuentran divididas y enfrentadas según gustos musicales, entendimiento o sensibilidad. Ser crítico musical es tan fácil o más que ser entrenador de fútbol. No sé si se sorprenderían al conocer la cantidad innumerable de aficionados a algún deporte que jamás lo han practicado, ni siquiera de manera amateur. Retomando el tema del fútbol, uno no puede más que preguntarse cómo es posible que alguien que jamás le ha dado una patada a un esférico critique a entrenadores por alinear a uno u otro jugador, o a un portero por no saber blocar un balón, o incluso a un central por no ir bien de cabeza.

En términos músicales, la metáfora se repite de una manera casi insultante. La ignorancia es atrevida, desconsiderada y hasta peligrosa, aunque bien es cierto que no ha de permanecer innata en el Universo, y puede ser corregida con el tiempo. Todos tenemos amigos melómanos. No quiero decir que les guste la música, no es suficiente con ello, sino que la sientan de una manera especial, ustedes me comprenden. La mayoría seguramente son músicos, pero hagan memoria y encontrarán en esa lista de amigos alguno que otro que jamás se ha colgado una guitarra eléctrica o haya chocado baquetas sobre un plato.

Prince

En ocasiones me veo en la tesitura de defender a determinados artistas frente a personas que no entienden de la dificultad de cantar en uno u otro tono, o de hacer un rasgueo o punteo de guitarra, o siquiera de ejecutar un ritmo base en una batería. Quien suscriLaCarne Magazine

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be se pregunta cómo es posible que puedan juzgar a un músico, o incluso afirmar si una canción es buena o mala, cuando desconocen un proceso tan fundamental.

No quisiera insinuar con ello, jamás me atrevería, que quien no sea músico no pueda llegar a apreciar la complejidad y el mérito, e incluso a decidir libremente si una canción pueda gustarle o no, pero de ahí a certificar la capacidad de si su ejecucción pueda ser mejorable dista mucho de encontrarse entre las acciones que una persona discreta pueda realizar.

Es triste, pero existen críticos musicales de esta guisa. Algunos no saben ni lo que es un bajo, pero tienen su propia lista de los mejores bajistas de los últimos 25 años y te sueltan a la cara tan tranquilo que Larry Mullen es una mierda de batería porque siempre toca en playback, o que Prince lo único que sabía hacer eran bailecitos de afeminados.

Estos jetas son capaces de decidir si un grupo funciona en directo mientras saborean cubatas e intentan tocarle el culo a la maciza de la primera final, sin darse cuenta que la guitarra rítmica casi no se oye y el micrófono de quien hace los coros no está abierto. Lo dicho, todos tenemos derecho a expresarnos libremente, a decidir qué es lo que nos gusta sin ni siquiera preguntarnos por qué, pero por El Cetro de Ottokar! al menos hay que estar algo informado antes que escupir por las tragaderas semejantes chorradas.

Me parece importante exponer la idea de que no es necesario ostentar una gran técnica de ejecución instrumental, o la voz más increíble del mundo, para llegar al corazón de la gente. No creo que John Lennon fuera en su día el mejor cantante del mundo, y seguro que hay muchos que lo superan en voz y técnica, pero sigue siendo de los pocos que me producen escalofríos al escuchar sus melodías.

Existen quienes critican a grupos por no contar sus vocalistas principales con una gran voz. En nuestro país podríamos hablar de algunos grupos de los 80, como Gabinete

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Caligari, o incluso de los llamados indies, con J como ejemplo al frente de Los Planetas. La voz es un instrumento muy particular, quizás el más especial y único de todos, y cada cantante la utiliza como buenamente puede, o quiere, para llegar a sus canciones.

Hay que respetar a los críticos musicales, son una parte más del juego, del negocio, y, en definitiva, hay que entender que no son más que valoraciones personales que no tienen por qué afectar a nuestro gusto o interés por un artista, pero siempre teniendo en cuenta que no hay que hacer mucho caso de quienes al menos no ven algo positivo en un trabajo que nunca es fácil, como el de componer e interpretar canciones.

A nivel personal, en más de una veintena de ocasiones, y a petición de la dirección de esta revista, me he visto obligado a escribir reseñas sobre trabajos de grupos regionales, nacionales e incluso a nivel internacional. En ellas siempre pretendo ofrecer información, y una valoración personal de lo que me ha parecido el disco en cuestión. Intento además que esa valoración sea entretenida y que aporte algo anecdótico al lector, pero les confieso que aunque algunos de esos trabajos no me han gustado especialmente, nunca soy capaz de valorar negativamente una entrega sabiendo la inversión de tiempo y esfuerzo que supone.

Siempre, siempre existe algo positivo. Desconfíen de quienes insultan, humillan y desprecian con vehemencia.

A los críticos musicales, profesionales o no, que además son músicos, les pido humildemente desde estas líneas un poco de empatía. A los más transgresores y modernos, con más mala leche y nada de sapiencia en el mundo musical, les ruego que se animen a conocer el maravilloso mundo de la música antes de hablar por hablar.¶

J de Los Planetas LaCarne Magazine

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qué ha perdido la música en 2016?

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n los inciertos primeros pasos de un Año Nuevo es inevitable detenerse ante el calendario y preguntarse qué nos deparará el décimo séptimo del tercer milenio. Pero antes de mirar al futuro está bien concedernos una pausa y mirar hacia atrás, haciendo un repaso de nuestra andadura por el 2016 ¿Qué hemos conseguido? ¿Se cumplieron algunos de nuestros proyectos? ¿Hemos aprendido algo importante para poner en práctica en el futuro? Podemos preguntarnos mil cosas, es verdad, como lo es también revisar todo lo sucedido en los pasados meses y los acontecimientos que durante el año nos han ido marcado. Como es lógico, no todos los acontecimientos han sido buenos. Por ejemplo, hemos asistido a una devastadora necrología que ha ido sacudiendo al mundo de la música, mazazo tras mazazo en el almanaque de 2016.

Hemos asistido a la desaparición de figuras tan admiradas como el legendario músico británico David Bowie, de Prince, el icono de la música pop; el canadiense Leonard Cohen, Premio Princesa de Asturias; Frank Sinatra junior, y entre los instrumentistas, Pete Burns, Keith Enmerson, Glen Frey, Maurice White, la veterana cantante Ernestina Anmderson, … y Pierre Boulez, éste ya en la música clásica. Músicos con edades que van desde la treintena hasta cumplir los noventa.

En el año que dejamos atrás, “La Dama del alba” ha sido inmisericorde con los músicos. La peregrina, como en la obra de Casona, ha ido cobrandose vidas. Y si en el

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mundo del Rock, el Pop o el Jazz han sido muchos los que se dejaron abducir por ella, en España, de forma especial, ha sido en el mundo del flamenco, donde ha hecho verdaderos estragos. Hemos perdido de manera inmisericorde a los más grandes: José Menese, el recio cantaor de Puebla de Cazalla, Juan Carmona “Habichuela”, el guitarrista gitano, padre de una famosa dinastía; Juan Peña “El Lebrijano”, cantaor que sabía llevarnos a las esencias mas jondas… y la voz gitana

José Menese de Juana la del revuelo, tan trianera como la de Paco Taranto que también se nos fue, y Dolores Vargas “la Terremoto”, y la excelsa saetera Rosario López Carrascosa, a la que se conocía como Charo López y, en fin, el maestro de baile, el sevillano Eloy Pericet, del que ya me ocupé hace unos meses. Recordar a todos ellos es verdad que solo puede llevarnos a la nostalgia, y como escribió Paulo Coelho “Hay que dejar ir, hay que pasar la hoja, hay que vivir con sólo lo que tenemos en

el presente! El pasado ya pasó”… Pero no es fácil resignarse.

Pasada la página, enfrentemos el futuro con alegría, con plena disposición, con el convencimiento de que queda un resquicio a la esperanza. En estos primeros compases del Nuevo Año, hagamos un voto para que sea un buen año para la cultura y para que siempre haya música en nuestras vidas.¶ LaCarne Magazine

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modestep

análisis de london road

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odestep es una banda compuesta principalmente por dos hermanos, Josh y Tony Friend, que son los artífices de la formación. Inicialmente contaron con la presencia del guitarrista Nick Tsang y el baterista Mathew Curtis. Estos dos últimos ya no han formado parte de este último disco, y han sido sustituidos por Kyle Deek a la guitarra y Pat Lundy a la batería.

Su estilo es el Rock electrónico fusionado con Dubstep y Drum n Bass, y su origen es Londres. Para nosotros, London Road de Modestep es uno de los mejores discos de fusión electrónica del 2015.

Lo curioso es que esta formación ha tenido muy poca presencia en los festivales españoles (recordamos Dreambeach villaricos), pese a la bomba de directo que tienen y que les ha llevado a formar parte de festivales tan importantes como Reading, Coachella o Ultra.

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DAMIEN Es la intro del disco. Orquestación acompañada de guitarras y ritmos Dubstep, que nos marca por donde van a ir los tiros en el resto del disco. Un buen tema instrumental. La colaboración a cargo de Funtcase.

MAKE YOU MINE Uno de los temas más rockeros del disco, donde la presencia de las guitarras y la voz tan peculiar de Josh, junto con los coros del estribillo, nos hacen ver que ya no solo son una banda de Dubstep, y que han pasado a otro nivel mucho más enérgico y de peso en la industria musical. Con la colaboración de Teddy Killerz.

MACHINES Si ya nos habíamos crecido con el anterior tema, éste comienza con un rollo industrial para ir apareciendo la linea de bajo, batería y, al final, las guitarras. Una bomba de canción que te hace saltar, bailar con locura, y en la que los parones, donde se luce mucho la voz de Josh, después nos brindan con una violencia descomunal de Electro-Rock.

ON OUR OWN

Es el tema más experimental de la formación. De hecho, recoge los ritmos IDM y las atmosferas ambientales similares a otras formaciones británicas como Burial o Fourtet para acabar con un un cambio brusco de puro Dubstep. Con la colaboración de Culprate.

FEEL ALIVE De vuelta al Rock con otro tema guitarrero y unos falsetes, por parte de Josh, que recuerdan a canciones de discos anteriores y, todo hay que decirlo, es una canción parecida a las composiciones de Muse.

RAINBOW Empieza con voces Reggae, y es que es una colaboración junto con la formación The Partysquad, seguido de ritmos Electro cercanos al Mombathon que te hace bailar de pies a cabeza. Una canción que funciona muy bien en la pista de baile.

SNAKE Y si no hemos tenido suficiente, seguimos con Rock, guitarras afiladas (muy en el estilo de Tom Morello) y estribillos pegadizos. Otra gran canción en la onda de “Make you mine” pero bastante más enérgica, rápida y bailable.

Los beats recuerdan mucho a otras formaciones de Drum n Bass rockero como The Qemist o Enter Shikari.

NIGHTBUS HOUSE Track Drum n Bass de old School con gran importancia de la voz de Josh. Canción más destinada a ser escuchada tranquilamente, pero que también te permite bailarla en cuanto comienza la linea de bajo acompañada de beats clásicos y orquestación.

SEAMS Canción que empieza muy en la onda del disco anterior, donde el soul de la voz de Josh tiene mucha presencia, para después darnos el golpe de batería y guitarras seguido de voz, Dubstep, mucha fuerza y finalmente Drum n Bass. Una locura que te hace vibrar sin parangón.

SING Track ambiental, tranquilo, soulero. Viene bien

un descanso de fuerza para pasar a una templanza más destinada a ser disfrutada y escuchada en el sofá de casa. Con la colaboración de Trolley Snatcha.

CIRCLES Otra composición sublime. Cuentan con la colaboración de los británicos Skindred. La predominancia de la voz Reggae reivindicativa, la brutalidad de los bajos y ritmos Drum n Bass lo convierten en uno de los mejores temas del disco, que tiene mucho de Jungle y de Metal a cargo de las guitarras.

GAME OVER El final perfecto. Pensabas que habías acabado el disco, pues no. Bonus track con la compañia de los raperos Big Narstie, Discarda, Dialect, Flowdan, Frisco y LayZ, con un flow frenético y la voz melódica de Josh, que nos dejan un acabado perfecto y frenético.

London Road es uno de los mejores discos que hemos escuchado en el 2016, pese a que el LP es del 2015. Nuestra nota es de 9 por la evolución del grupo y su seriedad en el proyecto, que junto con su directo los hace un grupo muy a tener en cuenta en la gran cantidad de festivales del Estado.¶

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virtuosismo conceptual L

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os integrantes de la Orquesta de Libre Improvisación Raras Músicas solemos reunirnos una o dos veces al mes en lo que llamamos de forma habitual “ensayos”, aunque no es un ensayo al uso porque no preparamos piezas concretas. En estos encuentros nos dedicamos principalmente a tocar, pero también empleamos mucho tiempo a ha-

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blar e intercambiar opiniones entre todos nosotros. Estos intercambios sirven para que expongamos cada uno nuestros distintos puntos de vista de lo que puede ser la improvisación libre y aplicar todas estas teorías a la práctica: “La teoría guía, pero es el experimento quién decide”.

En el último ensayo salió a relucir una idea que me llamó mucho la atención, el llamado “virtuosismo conceptual”, término que al parecer el primero en utilizarlo fue Eddie Prévost, uno de los pioneros de la impro-

to que defina su obra, o lo que es lo mismo, adquirir un lenguaje que sea característico, propio y personal de cada uno. Por supuesto que el virtuosismo instrumental es importante y lo mejor es compaginarlo con el conceptual, pero, claro, a mí la pregunta que me ha venido siempre es si ese virtuosismo instrumental es absolutamente necesario. Desde mi punto de vista es más importante el otro, el conceptual, y mi lucha desde hace mucho tiempo es exponer la idea de que en muchas ocasiones el virtuosismo técnico (que normalmente es el único que se valora y se aplaude) es muchas veces superfluo, y se convierte en un mero escaparate para dorarle la píldora al músico o artista de turno, y para hacer autobombo de lo “guapo y de lo guay” que es quién lo practica (muchas veces parecemos abuelitas dándole mimos a su niño del alma), sin darnos cuenta de que esa actitud y manera de entender la música o el arte muchas veces aburre hasta a los muertos, y que se está adornando con muchas florituras, en ocasiones, un concepto casi inexistente.

visación libre y miembro del grupo AMM, en Londres, a mediados de los años 60. Me llamó mucho la atención ese término precisamente porque es una idea que llevo defendiendo mucho tiempo, pero que no había llegado nunca a expresarlo de una forma tan sencilla y tan directa. En la música en particular, y en el arte en general, puede haber dos tipos de virtuosismo, el técnico (o instrumental) y el conceptual (más intelectual). Con el virtuosismo conceptual me refiero a las horas y horas, y vueltas y vueltas que se le da a la cabeza y que dedica un artista para llegar a un concep-

Juan Crek (miembro del grupo pionero experimental Macromasa) me dijo un día esta frase: “prefiero una nota mal tocada, a miles de notas…………bien tocadas”, frase que acompañamos con una sonora carcajada.

Ya dije en uno de los primeros capítulos que escribí aquí (creo que el de Poliedro Kobold) que el guitarrista de los Ramones decía que no hacía “solos” de guitarra, primero porque no sabía hacerlos, y segundo porque los odiaba. Con todo esto quiero hacer ver mi opinión de que el virtuosismo técnico o instrumental es una condición necesaria para crear una obra de arte, pero no suficiente. En cambio, el virtuosismo conceptual sí es necesario y, además, suficiente muchas veces. Creo que esto último se ve muy bien en la música improvisada libremente, ya que en ella el lenguaje que se utiliza se lo crea uno mismo y no se lo enseña nadie. El “concepto” de cada forma de expresarse en la improvisación libre sale de lo más profundo de nuestra alma, si es que el alma existe.¶

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investigación folklore musical de la comarca de cáceres historia de los instrumentos electrónicos ¿por qué azotador es el grupo del año?

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folklore musical de comarca de cรกceres

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a comarca de Cáceres está integrada por las localidades: Albalá, Alcuéscar, Aldea del Cano, Aliseda, Arroyo de la Luz, Arroyomolinos, Benquerencia, Botija, Cáceres, Cañaveral, Casar de Cáceres, Casas de Don Antonio, Casas de Millán, Garrovillas de Alconétar, Hinojal, Malpartida de Cáceres, Monroy, Mirabel, Montánchez, Santiago del Campo, Sierra de Fuentes, Talaván, Torre de Santa María, Torremocha, Torreorgaz, Torrequemada, Valdefuentes, Valdemorales y Zarza de Montánchez.

Estamos hablando de una comarca con un patrimonio histórico artístico, natural y etnológico de gran riqueza, donde grandes monumentos, como toda la Ciudad Antigua de Cáceres, conviven con un hermoso paisaje de dehesa y cigüeñas aderezo con el cauce del Tajo; y con unos rituales mágicos y ancestrales como el Carnaval montanchego o las Carreras de Arroyo de Luz.

MÚSICA TRADICIONAL

Hablar del folklore musical de esta comarca es hacerlo de músicas de indudable carácter identitario, como la Jota Cuadrada, de Los Cuatro Lugares (Talaván, Hinojal, Monroy y Santiago del Campo), el Canto de las Purificás de Monroy, la Jota Redoble, Redoble de Cáceres o la Jota del Candil de Alcuéscar, entre otras.

Es ésta una comarca rica en música de tradición oral, que mantiene muchas de sus tonadas y canciones a pesar de haber sido una de las comarcas donde más tradiciones se perdieron en los años de antirritualidad (década de los cincuenta, sesenta y setenta del siglo LaCarne Magazine

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Anhinojo Folk pasado) debido, en gran medida, al peso que en la comarca ha tenido y tiene una ciudad de la entidad de Cáceres y la asociación ciudadmodernidad-antifolklore dominante en aquellos años. Por suerte, muchas localidades de esta comarca -incluido el mismo Cáceres- resistieron los embates de la modernidad y, con la inestimable ayuda del trabajo de investigación llevado a cabo por los grupos de folklore, han mantenido muchas de sus tradiciones y la música asociada a ella.

Cantos y tonadas de baile

La jota es la forma musical más característica de la comarca de Cáceres. Prácticamente cada localidad tiene la suya, siendo quizá las de más peso por su mayor difusión, y ser parte del repertorio de prácticamente todas las agrupaciones de folklore extremeño, la Jota Redoble, redoble, de Cáceres, la Jota del Candil de Alcuéscar y la Jota Cuadrada, de los Cuatro Lugares. Pero también hay otras como las jotas de la Virgen del Campo de Aliseda, de la Virgen de Altagracia de Garrovillas de Alconétar, de la Virgen de Torrealba en Torremocha, de la Virgen del Salor de Torrequemada, etc.

En la Jota del Candil o Jota de Alcuéscar es

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corriente echar “bombas”. Las “bombas” eran piropos públicos que los jóvenes enamorados echaban a la chica que pretendían en medio de un baile. Con ellas los jóvenes rompían dicho baile por unos segundos y, tras el piropo, lo retomaban continuando con la chica piropeada como pareja de baile.

Son canciones típicas de esta comarca algunas de títulos tan llamativos en el mundo del folklore como: El Carretín, Los Carboneros, Los Fanfarrones, La Gira, Vengo de la Habana, Cachucha, Los algodonales o Viva Valdefuentes.

Muy interesante es la pervivencia en esta comarca de romances como el de Las tres hermanas, en Arroyo de la Luz; el de La Loba, en Malpartida de Cáceres; el de El Caballero, en Hinojal, el de El Pozo del Cuartillo, en Cáceres, etc.

El sabor añejo cobra una especial relevancia en temas como las Coplas del Pandero, de Arroyo de la Luz, el Canto de las Purificás, en Monroy.

Instrumentos tradicionales

Tradicionalmente la comarca de Cáceres ha utilizado en su música instrumentos

de todo tipo. Desde la guitarra, el laúd y la bandurria, de cuerda, a la gaita extremeña y el acordeón, de viento, pasando por instrumentos de percusión como el almirez, la botella, las castañuelas o la pandereta.

Con un destacado protagonismo ritual tenemos los panderos en los ya mencionados Cantos del Pandero, y los panderos con platillos o panderetas con parche, utilizadas en el Canto de las Purificás.

Muy interesantes son los rabeles de Hinojal construidos por el rabelero local Francisco Sánchez, bien los elaborados en madera de una pieza, bien los rabeles de calabaza.

Grupos y trabajos discográficos Localidad

Grupo Sección Femenina

Cáceres

Grabaciones Folklore de la provincia de Cáceres Orgullo extremeño

El Redoble

Cantares... para Bailar

Aljibe

Encaje

Al-kazires

Jala p´alanti

Al-Bir

Cantares... para Escuchar y para Bailar De Extremadura: Misa y Villancicos

Mansaborá Folk Cerandeo Hinojal Arroyo de la Luz Garrovillas de Alconétar

Anhinojo Folk El Harriero

Mansaborá 3 vidas Número 9 Cerandeando Cantaris de trasantiel Remansos del Tajo Pucheros y Barriles

El Pandero Alkonétara Folk El Escaramujo

Folklore Recopilatorio Tajo-Salor

Aliseda

Aliso

Monroy

Recordanzas

Malpartida de Cáceres

Virgen de la Soledad

De la Soledad a los Barruecos

Sierra de Fuentes

El Risco

Nuestro Folklore

Aldea el Cano

El Trigal

En la elaboración de este artículo hemos contado con la inestimable ayuda de Julio Saavedra y Pablo Martín, de los grupos Cerandeo y El Redoble, de José Romero, de los grupos Sección Femenina, El Redoble y Al-Bir, y de Adrián Caro de los grupos El Redoble, Aljibe y Alkazires folk entre otros. ¶ LaCarne Magazine

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historia de los instr electrónicos parte 1

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a música electrónica nació a finales del s.XIX y principios del s.XX, y para saber un poquito más, el primer instrumento eléctrico fue el “telégrafo musical”, que fue inventado por Elisha Gray, descubierto accidentalmente al observar la generación de sonidos a través de la vibración del circuito electromagnético, y desarrolló un oscilador sobre una nota. Fue el primer instrumento musical electromecánico que utilizaba telegrafía y un zumbador electrónico que generaba un timbre con sonido propio.

En la década de 1910, unos italianos, encabezado por Luigi Russolo, desarrollaron un tipo de música creada con ruido y cajas. El compositor Henry Cowell soñó con música creada

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rumentos sólo con instrumentos electrónicos, pero esto no ocurrió hasta finales de la segunda Guerra Mundial.

El compositor e ingeniero Maurice Martenot creó en 1928 un instrumento electrónico denominado Ondas Martenot, un generador de frecuencias bajas que se utilizaba con el teclado de un piano.

Los primeros sintetizadores polifónicos se desarrollaron en Alemania y en Estados Unidos en la década de los treinta. Se creó en 1937 el órgano Warbo Formant, que era un teclado de cuatro teclas y un control dinámico envolvente. En 1939 se lanzó el Novachord, que era un teclado electrónico que utilizaba doce sets de osciladores por octava para generar sonido y con vibrator:

A finales de los años setenta y principio de los ochenta, los sintetizadores analógicos dieron lugar a los sintetizadores digitales y a los samples.

Los instrumentos electrónicos, y sobretodo los vintage, están muy de moda y llaman mucho la atención porque gracias a éstos existe la música que tanto nos hace bailar.

En los años cuarenta y cincuenta se creó el Órgano Combo, instrumento pequeño con oscilador electrónico, vibrator y filtros pasivos, y se diseñaron para usarlos con ensambles convencionales en vez de experimentales:

El que a casi todas las personas le guste todo lo relacionado con lo retro es un hecho que ha ocurrido siempre en la humanidad.

En lo relacionado a la tecnología, la evolución de un producto a otro, y de un diseño a otro diferente, se sucede con mucha rapidez. Es un sentimiento que tenemos por no haber podido tener esos elementos el que nos hace adquirir cosas antiguas y de corte retro. Para eso, he confeccionado una lista con algunos instrumentos electrónicos retros según su estética, su sonido, su historia, y que nos transportan a ese mundo llamado retro futurístico.

A continuación os la muestro:

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PANASONIC OSAKA RADIO

RELOJ TECLADO DE COCACOLA (AÑOS 80)

RAINBOW SYNTH

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MINI SINTETIZADOR (THE LOFI-WORKSATION)

CASIO PT-7

ROLAND D2 GROOVEBOX

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azotador

por qué es la banda del año?

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Fotos por Wasikov Photography

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reo que está por demás decir que el movimiento Thrash en Bolivia ha crecido sin parar desde hace media década, pasando de ser una escena emergente a ser una escena establemente sólida. De entre ellas, este año Azotador ganó el premio Juntucha como banda del año. Primer galardón que distingue a la banda en el festival. Mientras hay muchas felicitaciones y reacciones

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con este galardón, es que nos preguntamos qué es lo que ha direccionado al jurado de la Juntucha para dar este honor a esta banda de Thrash fundada en 2010.

Así que tenemos 6 razones por las que creemos que la decisión del jurado del festival es más que acertada. ¿Por qué Azotador es la banda del año?

1. Ha luchado por el movimiento Thrash y apoya otras propuestas.

Azotador se fundó en 2010, llevando en el ambiente musical alrededor de 6 años, y afirman que la escena Thrash es relativamente joven comparándose con otros países en los que ya existía un movimiento metalero

estable, incluso en época de dictaduras. Sin embargo, estos cuatro jóvenes dan poderosas enseñanzas de unión con su música y sus actos, además de creer que se debe apoyar la escena de una manera más completa. Esto hace que en lo que fue del 2016 hayan participado en aproximadamente 30 eventos, afirma Danilo Roca, baterista y fundador de la banda.

Al preguntarles qué es lo qué piensan del panorama musical nacional, Azotador cree que “el panorama musical boliviano está viviendo una transformación, se tratan de hacer las cosas de otra forma. Un ejemplo claro es la creación o aparición de diferentes escenas. Por lo tanto, sí hay más escenarios, pero lo que faltaría sería hacerlos más diversos.

Escenarios en el panorama musical boliviano que te presenten la variedad de estilos que emergen día a día en Bolivia”.

2. Se ha codeado con bandas internacionales

Desde sus inicios, Azotador ha aspirado a ser el representante de la música Thrash, lo que les ha llevado a compartir escenario desde 2013 junto a los alemanes Exumer en Cochabamba. Sin detenerse desde entonces se ha suscrito a eventos con Tankard, Angelus Apatrida desde España, Gama Bomb, Violator de Brasil, Artillery, y los chilenos Dekapited entre otros 3. Viajó a otros países para mostrar el poLaCarne Magazine

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der del metal nacional

Ser una banda estable comprometida con el movimiento Thrash le ha llevado a recorrer diferentes departamentos de Bolivia, como La Paz, su ciudad natal, El Alto, Cochabamba, Sucre, Tarija durante el 2016, Oruro, Santa Cruz.

Al preguntarles qué significa ser una banda relativamente underground en Bolivia y sus aspiraciones, responden de la siguiente manera: “Ser banda de Thrash en Bolivia significa ser underground, como mucha parte de la escena metalera, pero con Azotador queremos trascender barreras y que todos se diviertan con nuestra música”. Pensar así les ha llevado a visitar en tres ocasiones Chile (Pica, Iquique, Santiago) y asistido al festival gratuito Chemical Metal Fest en Puno, Perú.

Afirmando que la organización de diferentes países les cambió la manera de ver la escena metalera y entender otra personalidad de la misma región en la que nos encontramos.

Negando que la música nacional esté enclaustrada, afirman que “hoy por hoy tenemos bastantes medios de difusión y el San Facebook es un claro ejemplo. La cuestión está en moverse como banda, joder a la gente que hay que molestar y punto. Además, depende también de las aspiraciones personales de los integrantes de cada banda, porque en algún

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momento tu banda va a dejar de ser independiente y puedes llegar muy lejos, sin la intención de lucrar obviamente”.

4. Ha unificado lazos con otros géneros aparte del suyo

Siendo que en Bolivia existen diferentes movimientos como el Hard Core, y el Punk, entre otros, es que se ha llevado a tener lazos fuertes con otros talentosos grupos como Rock Sin Restricciones, representantes del Hard Rock y Heavy Metal, logrando consolidar el primer Thrash and Roll para unir las diferentes escenas, incluso participando del Bree Fest en Tarija, donde estuvieron con bandas de Hard Core progresivo como Capitán Yote.

5. Ha sacado la cresta de las bandas underground hacia el mundo Ser una banda de Metal en Bolivia significa en parte estar inmerso en el underground, ser independientes, y a veces no contar con un productor musical. Pero sabiendo esas falencias, el movimiento Thrasher ha fundado la Thrashermandad en 2016, en la que Azotador es parte importante para difundir el azote.

Sin embargo el trabajar con productores concluye en algo un poco más complicado, a lo que responden: “Nosotros aún no trabajamos con un productor, y no fue porque lo

rechazamos, sino simplemente porque ningún productor nos contactó, entonces nos hace pensar en que tal vez productoras tienen intereses en otros mercados que sean más rentables, por lo que es natural que tanto productores como músicos estén alejados como para trabajar o asociarse. Muchas bandas de Punk, Ska, Thrash, Blues, o Rock no tienen esa facilidad de trabajar con productores”, concluyen.

6. Ardua labor musical en producciones y resultados en su trayectoria

Dado el inagotable trabajo que vienen realizando, ha producido dos sencillos, dos EPs en lo que va desde el 2012, Sombras Mentales (Ep, 2012), La Unión es la Fuerza (Sencillo, Compilado, 2013), Carril Acertado (Demo, 2014), Insertando la Sustancia (Cd, 2014), su primer álbum, en el que incluye una portada de disco realizado por el afamado ilustrador Andrei Bouzikov; Ancestro Supremo (Sencillo, 2016), y en noviembre del mismo año Enganche al Grinche (Ep, 2016) con el cual cierran una fructífera temporada.

Su labor y música les ha llevado a formar parte de la afamada enciclopedia Metallum, de la página Metal-Archives.com

Y al preguntarles qué se necesita para hacer una carrera musical sostenible además de seriedad, constancia, talento, tra-

bajo..., afirman que “se necesita disciplina y soñar en grande, pero más que nada, compañeros de vida con los que disfrutes este viaje que llamamos Thrash Metal”.

Azotador cerró su 2016 de la mejor manera, codeándose con muchas bandas de Bolivia y el mundo. Forma parte importante de la nueva Thrashermandad, y sigue luchando por una escena estable respetando los otros géneros y apoyando sin distinguir escenas.

Por esas y muchas otras razones es que Azotador ha sido galardonada por el festival Juntucha como banda del año. Desde LaCarne Magazine les deseamos muchos éxitos y que sigan difundiendo el azote. ¶ Azotador son: Gabo (Voz/Guitarra) Juanki (Guitarra) Dani (Batería) Dinko (Bajo)

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LACARNE

magazine

europa y latinoamĂŠrica

los nie

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entrevistas

kuqui alegre y su próximo discazo guillermo bazzola de la rivera, electrofunk para bailar sierpe, uniendo el amor con el metal rebaca moss, viaje a eurovisión gaviria, música urbana para el mundo etos de iván, reinventando canciones desde uruguay vendetta presenta su nuevo disco, bother juanriveroots, esperanzado con el reggae yael meyer, folk electrónico en warrior heart feid, conquistando latinoamérica LaCarne Magazine

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kuqui alegre y su prรณximo discazo

Texto por S. Plata LaCarne Magazine

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K

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uqui Alegre está preparándose para el lanzamiento de su nuevo trabajo.

Emocionado, nervioso y feliz, nos ha contado algunos detalles de este esperado trabajo, que ha contado con la producción del prestigioso Candy Caramelo. En palabras del propio Kuqui Alegre, “es un discazo”.

Podremos verle muy pronto sobre los escenarios de ciudades como Badajoz, Madrid y Valencia, conciertos que esperamos sean sólo los primeros de una larga gira.

Hemos pasado un buen rato con Kuqui Alegre, nos hemos echado unas risas, hemos hablado de sus comienzos, de su relación con Candy Caramelo, de música y, cómo no, de su nuevo disco.

Antes de preguntarte por tu nuevo disco, nos gustaría que nos contaras cómo fueron tus inicios en la música hasta que decides dar el salto como Kuqui Alegre. ¿Cómo nace tu relación con la música?

Pues mi relación con la música empezó cuando me compré por mi comunión, con 12 años, una guitarra española. Y el primer recuerdo que tengo de la música es escuchar a Los Rodríguez, por mi padre; y por mi madre, mejor ni te lo digo jejejej.

Empecé con grupitos de música con los amigos en el instituto, con 14 años. De juntarnos en las clases, luego nos íbamos a los locales a tocar, a beber calimocho… Hacíamos Punk, versiones de Reincidentes, del Último ke Zierre, de Piperrak, de Extremoduro, de La Polla, etc, que era lo que nos gustaba de pequeños.

A raíz de ahí, empezamos a indagar “pues mira cómo suena esta guitarra, a ver cómo hacemos que suene más”, “este ampli de dónde viene que también suena más”, ”podíamos poner unos pedales”, “¡anda! Qué la guitarra se puede afinar…” jejeje.

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En estos momentos estás ya a punto de lanzar tu nuevo trabajo, del que hemos podido escuchar un pequeño adelanto, “Te vendrás conmigo”. Háblanos del disco y dinos qué va a encontrar el público en él. ¿Irán los temas en la misma línea que este primer sencillo?

Yo creo que es un pedazo de disco y, sinceramente, no he escuchado otra cosa igual a lo que estamos haciendo ahora. Sin tirarme flores, pero es un discazo.

No puedes decir que es Rock o que es Pop. Aunque tiene Pop, no sé… Es un umbral muy chungo que yo, a día de hoy, no lo he escuchado en música, y me lo han dicho otros artistas que han pasado por el estudio. Me han dicho que no saben cómo calificar el estilo, y eso me gusta.

Es algo novedoso y eso siempre mola. Además, era lo que queríamos hacer. Llevamos en el estudio desde Agosto, o sea, que es un curro lo que nos hemos pegado. Cualquier disco se puede grabar en un mes, y este disco nos ha viciado mucho. Le hemos dado como tres vueltas al disco hasta llegar a hacer lo que casi ya está hecho.

Cuando grabé la maqueta en Londres, grabé lo más parecido a Rock and Roll, pero nos dimos un empape en el estudio de música americana de grupos que son relativamente nuevos, y nos gustaba mucho ese sonido, esa forma de tratar las baterías cincuentonas antiguas, las guitarras guarras, pero con un proceso detrás chulo. Y hemos llegado hasta ahí, a un sonido guarro, actual, potente y novedoso.

No he escuchado nada todavía que se parezca a lo que estamos haciendo.

Este sencillo además viene acompañado por un videoclip ¿Tienes pensado hacer alguno más? ¿Propones tú las ideas o se encarga la productora?

Las ideas las propongo yo al 100%. Tengo una idea en la cabeza y le digo a la peña: “Mira, tengo pensado hacer esto”. El vídeo de “Te vendrás conmigo” está grabado a las 4:30 de la mañana, encima de un puente en medio de Londres. Tenía una idea en la cabeza, y surgió todo de “Venga, vamos a tirar para allá,

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al puente”. Y allí que nos fuimos a grabar el vídeo.

Algunos músicos tardan bastante en tener los temas preparados para el disco. ¿Cuánto tiempo te ha llevado a ti la composición de las canciones? ¿Empiezas la composición por las letras o por la música?

A día de hoy, todos tenemos móviles, la grabadora del iPhone…, y cuando me salen ideas, tarareo melodías y me grabo con el móvil.

Luego las paso al estudio casero, y, si el tema me gusta, lo voy trabajando. Tengo en el estudio guitarra y bajo, y voy metiéndolos, y la batería la grabo en un estudio de un amigo.

Dentro de mi ignorancia musical, he ido investigando y estudiando los instrumentos por mí mismo, sin que nadie me enseñe a hacerlo. Al estar yo solo, he ido aprendiendo por mi cuenta. Siempre me ha gustado tener una banda, y realmente me da mucha vergüenza tener el papel de protagonista, pero eso es lo que me lanzó a tirar para adelante con el proyecto en solitario. Es decir, yo no puedo esperar a que un batería venga para ensayar, y que después no venga, etc. Para ahorrarme disgustos, dije “empiezo a tocar la batería, empiezo a tocar el bajo, estudio batería, estudio bajo, estudio guitarra y así seguro que nadie me va a fallar a la hora de que venga a grabar o ensayar”. ¿Tenías todos los temas compuestos antes de entrar en el estudio? ¿Dejas alguna cosa para la improvisación?

En un primer momento yo envié a mi productor, a Candy Caramelo, unos 18 temas a modo de ideas para hacer la criba. De 30 temas que tenía hechos enteros, hice mi propia criba personal y le envié esos 18. Y de esos 18, grabamos 13, y luego nos quedamos con 10. En el estudio se han ido mejorando algunas letras, y sobre todo melodías. Candy me ha ayudado desde su experiencia en algunas melodías que yo no tenía la capacidad de hacer. La estructura no se ha cambiado mucho, eso lo ha respetado porque le gustaban. En cuanto a sonido, hemos dado una vuelta de tuerca máxima a todos los temas, aunque muchos tienen la frescura de la maqueta, de grabarlo yo sólo, y tiene ahí un gusto como LaCarne Magazine

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guarro. Al escucharlos ahora, después de grabarlos todos, es como “Ostia! Pues este tema también tiene algo así en la maqueta”.

Y para la grabación del disco ¿te levantas una mañana y dices “me voy a grabar a Londres” o era algo que ya habías meditado? Cuéntanos por qué Londres y no España.

La grabación en sí fue en Madrid, y la preproducción de la maqueta la hicimos en Londres.

Nosotros quedamos en Londres, en Abby Roads Studios (siempre lo diré porque no todo el mundo puede decir que ha grabado allí), y dio la casualidad que Candy estaba allí grabando los bajos para el disco de Dani Martín, y quedamos allí. Estuvimos unos días viendo temas y tocando un poco por Londres. Queríamos ver si podíamos funcionar juntos antes de entrar a grabar en el estudio, y la verdad es que la onda fue muy buena. ¿Ha sido muy larga tu estancia allí? Cuéntanos cómo ha sido tu experiencia durante todo ese tiempo.

Estuve año y medio allí tocando por sitios, tocando en la calle y sobre todo en muchas jam sessions, conociendo a muchos músicos

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superinteresantes. Me acuerdo un día que estaba en una jam session, y hablando con un amigo le decía “Ostia! Pedazo de músicos los que están tocando”, y luego, dos días más tarde, me dice mi colega “¿Sabes quiénes eran los tíos que estaban tocando el otro día? Pues uno de ellos toca con Stevie Wonder”. Ya decía yo que ese no acababa de aprender a tocar jejejjeje.

Metiéndonos un poco más en la producción, has contado con el gran Candy Caramelo. En una entrevista hace unos meses nos dijiste que os entendíais muy bien. ¿Cómo nace tu relación con él? ¿Qué has aprendido de trabajar junto a él?

Pues la verdad es que sí, que nos entendemos muy bien, dentro de lo que cabe. Y en cuanto a música, los dos hablamos el mismo idioma, que es el Rock, el Rock como música, como actitud, y en el estudio, llevarlo al límite.

Saca lo mejor del artista, si un día no se graba porque no sale y se puede aumentar la creatividad, mejor no grabar ese día.

Conocí a Candy a través de un amigo de Madrid que sabía lo que estaba haciendo. Mi ami-

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go sabía que yo era muy “calamariano”, que me gustan mucho Los Rodriguez, Calamaro, en los que Candy siempre ha sido uno de los pilares fundamentales. Me dijo que le escribiera, y que le dijera lo que tenía pensado hacer, porque su trabajo se asemejaba mucho a lo que yo quería hacer. Le gustó mucho lo que hacía, y a partir de ahí surgió una relación profesional que más tarde dio lugar a una relación personal muy buena.

He aprendido mucho de él. Musicalmente, de un nivel 3, que es en el que yo estaba (dentro de una escala del 1 al 10), ahora estoy en un nivel 7. Lo ves tocar, y vas a las sesiones en el estudio y dices “no quiero que este tío toque más que yo” jejeje. Y me esforzaba, y cada día estudiaba más y más y más. Y hemos llegado a una química muy buena, que es lo que se va a escuchar en el disco.

Además de la aportación de Candy Caramelo ¿Te has acompañado de otros músicos en el estudio?

Vino Dani Cardiel a grabar baterías al Black Betty, que para mí es uno de los mejores baterías de Extremadura y de España. El tío es un máquina, y tengo muy buena relación con él, por eso le llamé. Le pusimos lo que estábamos haciendo, y le encantó, así que no puso ninguna pega y se vino a Madrid a grabar.

Cuando el disco salga a la calle, tocará la parte de promoción y gira, ¿no? ¿Tienes cerradas fechas para el 2017? ¿Qué escenario/s te gustaría pisar?

Sí. He estado ya barajando algunas fechas para presentarlo en La Mercantil (Badajoz) a principios de Marzo. Y de ahí, haremos también Cáceres, Madrid, Málaga, Valencia… Intentaré tocar todo lo que pueda.

En cuanto a los escenarios, el que voy a pisar de Badajoz, que es La Mercantil. De Madrid me molaría mucho tocar en la sala Sol. He ido mucho allí a conciertos de amigos, y es una sala muy potente y mítica.

Imaginamos que tendrás ganas de empezar con la gira. ¿Irás sólo o con banda? ¿Qué músicos serán los que te acompañen?

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Llevaré banda a conciertos clave que salgan rentables para los músicos. No puedo irme de gira a tocar a Barcelona, por ejemplo, sin pagar a la gente que me acompaña, no puedo ir si no hay “viruta” de por medio.

De los músicos, vendrá en principio Dani.

También he hablado con otro de los músicos, pero no te puedo decir el nombre porque quedaría fatal si luego no va jejeje. Pero sí puedo decirte que es extremeño, uno de los mejores guitarristas de rock de Extremadura, y tengo muy buena relación con él, pero de momento sólo cuento con Dani. El resto ya se verá.

Para los directos de Kuqui Alegre, ya sea sólo o con banda, ¿te preparas de alguna forma en concreto? ¿Hay alguna cosa, manía, ritual, llámalo como quieras, que hagas siempre antes de subir al escenario?

Me suelo tomar un par de copas para quitarme un poco la vergüenza, y ya está. No soy un consumidor nato de movidas, y no me gustan ese tipo de cosas cuando estás en un escenario. A la gente, cuando pagan una entrada, hay que darle lo que se merecen. Tú no puedes ir

a un concierto y el tío que esté en el escenario que esté drogado, o superborracho, y no de ni una. Si te quieres dedicar a este mundo, las cosas se consiguen con trabajo. La diversión viene luego, pero primero y, sobre todo, el trabajo.

No se si te habrá pasado alguna vez. ¿Te has quedado bloqueado o se te ha olvidado la letra durante un concierto? ¿Cómo has salido del paso?

Cuándo no me ha pasado!? Jejejeje. En los últimos bolos que he hecho, no se por qué, pero se me va la olla jejejej. Amigos que me conocen me miran y me dicen con la mirada “se te ha olvidado, verdad?” jejeje. Intento que no se note, y lo intentas decorar para que no se fijen mucho.

Me pasó en un bolo en La Mercantil, nada más empezar la primera frase de la primera canción, ni me acordaba, se me fue la letra, pero, bueno, seguí adelante.

Además de darle promo al nuevo disco, ¿qué otros planes tienes para el 2017? ¿Hay posibi-

lidades de gira internacional?

Gira internacional… Voy a tocar en Portugal, que eso ya es otro país. Lo que haremos, una vez esté mezclado el disco, será pasearlo por algunas discográficas y a ver qué pasa.

Muchos amigos míos músicos me dicen que es una putada porque tienen muchos seguidores en Sudamérica, pero no pueden ir. Los países de Latinoamérica son más grandes que España si los juntas todos, y para un negocio como es la música en habla castellana, saldría mejor.

Kuqui, te deseamos mucha suerte y éxito con este trabajo. Aquí estaremos esperándote para que nos cuentes cómo te ha ido ;-) Muchas gracias a vosotros, un placer. ¶

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guillermo bazzola entrevistas a improvisadores libres iv LEER MÁS

¿Cuál es tu procedencia musical?

Un chico a quien le gustaba la música porque tenía padres y algún tío que acostumbraban a escuchar discos y radio en casa, y un poco más adelante también algún amigo mayor que tenía amigos que tocaban jazz, que era la música que más amaba.

Es raro esto en un chico, pero ocurre que en casa sonaban discos de Benny Goodman o Glenn Miller y me atraían esos sonidos, así que luego descubrí a Tommy Dorsey y Duke Ellington. Mi amor por la guitarra de

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jazz diría que tiene un momento clave, que es cuando, teniendo yo unos 11 o 12 años, escuché en directo a Oscar Alemán, que fue un gran guitarrista argentino que vivió en los ‘30 en Francia y tocó con Josephine Baker.

Algo de rock también me gustaba (sobre todo grupos con buenos guitarristas como Led Zeppelin, Pink Floyd o Deep Purple, o mi ídolo, Carlos Santana) y un buen día descubrí el jazz-rock, y a partir de ahí se abrió todo un mundo para mí, ya que establecí contacto con el jazz en sus variantes más modernas. ¿Cuáles son las influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje improvisatorio?

“Aprovecho oportunidades para enriquecer mi conocimiento de la música, y a cambio ofrecerlo a otros que puedan estar interesados en compartir conmigo la experiencia de la creación musical.”

Abercrombie, John McLaughlin, y Allan Holdsworth. Músicos que me han ayudado a ver los confines del jazz: Duke Ellington, Charlie Mingus, Thelonious Monk, Ornette Coleman, John Coltrane, Kenny Wheeler, Jack DeJohnette, Gil Evans, y Miles Davis.

Músicos que me ayudaron a traspasar esos confines: Bela Bartok, Claude Debussy, Igor Stravinsky, Edgar Varese, los grandes maestros de la música de la India (gracias de nuevo John Mclaughlin -y Colin Walcott- por presentármelos), mi maestro Pedro Aguilar, el maestro Luis De Pablo.

En fin, la lista es interminable y siempre en construcción.

Veo un par de acepciones de “influencia” según la RAE: “Poder de una persona o cosa para determinar o alterar la forma de pensar o de actuar de alguien” y “Efecto, consecuencia o cambio que produce una cosa en otra.”

Soy de los que piensan que en el arte hay que buscar un camino personal, por lo tanto me guío más por la segunda acepción que por la primera, aunque ambas, de un modo u otro, están entrelazadas. Todo músico naturalmente busca en sus inicios modelos en los que inspirarse (Clark Terry habla de tres etapas: imitación, asimilación e innovación).

Pasada esa etapa inicial, uno busca (o debería en mi opinión) ya referencias en conceptos más que en personas a imitar. Y agrego: cuanto más distintos a nosotros (y por lo tanto menos imitables) sean nuestros modelos, mayor es la abstracción que debemos hacer, y por lo tanto mayor es la posibilidad de que incorporemos nuevos conceptos e ideas de un modo personal y no como mera imitación.

Guitarristas que me han ayudado a conocer el instrumento: Jim Hall, John

¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre?

De una u otra manera siempre lo hice. Recuerdo que mis primeras “zapadas” (así es como llamamos a las jams caseras en Argentina) tenían que ver con tocar cosas muy sencillas. A veces un riff de bajo, otras un par de acordes. Alguna jam de 1980 (no había cumplido todavía los 18 y la conservo en cassette) ya fue más jazzística y con un perfil más free. Siempre sentí una conexión más natural con la música desde la improvisación que desde la ejecución de partes prefijadas, y esa actitud siempre traté de conservarla aun cuando estuviese tocando temas con forma, secuencias de acordes, etc.

En lo específico, durante mis últimos años en Argentina (1998 a 2001) lo empecé a practicar con más asiduidad. Long Ago, el álbum a dúo con Ernesto Jodos, contiene cuatro piezas cortas totalmente improvisadas, mis discos con el Summer Quartet traen temas que incluyen secciones totalmente libres, y con el grupo En El Aire, que incluía cuatro vientos, había secciones abiertas, backLaCarne Magazine

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grounds improvisados, conducción.

Ya en España, me involucré más desde hace un par de años, a partir de la experiencia con el Gnu Trio (desde 2007) junto a Marcelo Peralta y Andrés Litwin, y luego con Risto Vuolanne y Fernando Lamas, con quienes formamos Kotka en 2014. Y un poco más adelante con los amigos de Raras Músicas: Gregorio Kazaroff, Javier Entonado (a.k.a. Arín Dodó), y especialmente Ricardo Tejero, con quien en un tiempo relativamente corto participé, y participo, en distintos proyectos que en mayor o menor medida incluyen la improvisación libre.

En el medio realicé un viaje a Nueva York, y tuve la oportunidad de tocar con grandes músicos locales: Daniel Carter, Lou Grassi, Ken Filiano, Joe Fonda, Kenny Wessel, Joe Hertenstein, Dom Minasi. Con dos de ellos (Carter y Hertenstein) grabé una sesión que espero poder editar. ¿Qué actividades desarrollas como improvisador?

En la actualidad formo parte de The Hat, un trío con Ricardo Tejero en vientos y Sam Hall en batería y percusión. Solemos juntarnos a tocar, y cada tanto hacemos algún concierto. También formo parte de la orquesta Raras Músicas. En solitario me gusta experimentar con loops y electrónica, y hace poco musicalicé un video usando músicas improvisadas. En mis proyectos más orientados al jazz siempre trato de incluir material derivado de la experimentación sonora. ¿Cuál crees que es tu papel en la escena de improvisación?

Aprovechar oportunidades para enriquecer mi conocimiento de la música, y a cambio ofrecerlo a otros que puedan estar interesados en compartir conmigo la experiencia de la creación musical. ¿Podrías explicar brevemente tu concepto musical?

La experiencia musical es algo realmente complejo, y por lo tanto es difícil de poner en pocas palabras. En principio considero que el arte de la creación musical reside en la composición. También pienso que la improvi-

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sación es, en términos generales, una forma de componer música (“instant composition”, al decir de Jim Hall). Algunos de los pioneros del free, como Ornette Coleman o Sam Rivers, fueron grandes compositores.

Por lo tanto, trato de orientar el aprendizaje (mío y de mis alumnos) en función de desarrollar una mentalidad compositiva. Esto no implica necesariamente convertirse en un compositor en el sentido clásico del término, pero sí tener un dominio de lo formal en música. Esto significa poder apreciar la música como totalidad, y al mismo tiempo visualizar los elementos que dan forma al discurso musical. Es la elección y la combinación de estas pequeñas piezas lo que termina generando modificaciones en la totalidad. En la medida de que uno conozca y controle más elementos, más complejidad, más variedad y más riqueza.

Atención que digo “complejo” y no “complicado”. Ser conscientes de esa complejidad nos habilita a reaccionar de maneras distintas ante un mismo estímulo, por lo que el resultado bien puede ser algo simple. Ya lo expresó Bill Evans en las liner notes que escribió para Kind of Blue.¶ Por J. G. Entonado y Arín Dodó

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

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Hablamos con Gastón Pérez Fotos por Iván Pierotti

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ucas Rivera, Tomás Rivera y Gastón Pérez Rivera comparten apellido pero también su pasión por la música. Desde que eran unos chavales soñaban con tener un grupo de música. Empezaron a componer sus propias canciones y a grabar sus primeros videoclips en formato VHS, y con el tiempo y la experiencia el sueño se hizo realidad.

De La Rivera sigue en la actualidad recorriendo Argentina con sus actuaciones. Su último trabajo, Family Game, cuenta con las colaboraciones de grandes artistas como Nico Cota y Emmanuel Horvilleur de Illya Kuryaki & the Valderramas.

Gastón Pérez Rivera ha hablado con nosotros para que podamos conocer más en profundidad a De La Rivera, una banda que aún tiene mucho que ofrecer.

Antes de formar De La Rivera pasasteis por otros proyectos musicales que se quedaron en el camino ¿Qué lección diríais que aprendisteis de esa etapa?

Personalmente, creo que de todo se aprende.

De hecho, también pasé por muchos proyectos no musicales que también me ayudaron mucho. Las relaciones humanas nunca son fáciles, convivir con otros músicos bajo el nombre de una banda muchas veces tampoco es tan ameno. Luego de un tiempo sin tocar juntos, con Lucas y Tommy nos elegimos nuevamente para volver a tocar, y nos llevamos cada vez mejor. También creo que cada vez hacemos mejores canciones, o al menos nos resulta más fácil componer, eso es práctica, como un deporte o cualquier otro trabajo. ¿Os ha ayudado vuestro pasado musical a la hora de formar De La Rivera?

Sí, desde mi primer banda hasta ahora he sido bastante constante con la linea musical. Des-

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de la river

electro funk para ba

ra

ailar LaCarne Magazine

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de siempre me atrapó el Funk y el Pop, y fui surfeando los proyectos en ese espectro.

Desde que formasteis la banda habéis estado trabajando para sacar adelante el proyecto, y vuestro último trabajo, Family Game, está recogiendo muy buenas críticas ¿Cómo estáis viviendo estos momentos?

Por un lado es muy halagador, nos han pasado cosas muy emocionantes que nunca ni siquiera soñamos, pero no deja de ser un trabajo constante. Somos una banda independiente, y costeamos los gastos de estudios de grabación, videoclips, ediciones de discos, etc. Hay que ser muy apasionado por tu banda para no abandonar de un día para el otro, porque cuando pensás que tu música está en un buen momento, te encontrás con un desafío aún mayor.

En Family Game contáis con las colaboraciones de grandes artistas como Nico Cota y Emmanuel Horvilleur. ¿Cómo conseguisteis que estos artistas participaran en vuestro disco?

El director de varios de nuestros videos, Iván Pierotti (a.k.a. Elefante Diamante) es amigo de nuestra ciudad (Villa María, Córdoba), y él comenzó a trabajar como VJ de Illya Kuryaki and the Valderramas, haciendo fotos y videos para artistas que siempre admiramos. Él fue un poco el link con ellos, quien les presentó a nuestra banda y a nuestro sello Discos del Bosque. Luego compartimos esto: autoría en canciones, shows en vivo..., hasta fiestas de cumpleaños!

Habladnos de vuestros directos. ¿Cómo os preparáis antes de un concierto? ¿Qué se va a encontrar el público cuando vaya a veros actuar?

Nos ponemos la ropa de Pedro Son (marca de diseño independiente que nos viste) y salimos en escena. Siempre muy agradecidos por ese momento. Algunas veces tenemos una pequeña charla motivadora entre nosotros o una pequeña oración, pero no tenemos muchos rituales. Tocar en directo se ha vuelto algo muy cotidiano para nosotros, el promedio es de 6 shows al mes. Cuando las condiciones técnicas se cumplen, sólo nos queda disfrutarlo.

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Nuestros shows son muy bailables, con mucha interacción con el público. Tenemos momentos más lúdicos en los que hacemos participar a la gente. Nos gusta que el público se sienta cómodo y que la música les haga olvidar, aunque sea por un momento, cualquier malestar que pueda estar atravesando. ¿Alguna vez os habéis bloqueado, o se os ha olvidado la letra o acordes de una canción durante una actuación en directo? ¿Cómo habéis salido del paso?

Sí, muchas veces me distraigo mirando algo o alguien en el público, y me pasa de olvidarme de la letra. Con el tiempo aprendí que usar anteojos y ver poco lo que está pasando me ayuda a concentrarme más en lo que pasa arriba del escenario.

Rafael Arcaute y Guillermo Mandrafina han

estado a los mandos de la producción y masterización del disco ¿Qué ha sido lo más duro a la hora de trabajar con ellos? ¿Con qué momento del proceso de grabación os quedáis?

Con ninguno ha sido duro, al contrario, fue un placer trabajar con ambos y los resultados quedaron a la vista (o al oído). Seguramente continuaremos haciendo cosas juntos. Personalmente, el proceso que más me gusta es el de producción.

Y para este año que empieza ¿habrá nuevo material? ¿Qué podéis adelantarnos?

En unos días estaremos estrenando una canción nueva, que se llama “Enero en la ciudad”. En Argentina, enero es el mes de mayor temperatura, cuando mucha gente viaja a destinos turísticos donde hay mar o ríos, y las ciudades suelen ser bastante hostiles para los que tienen que trabajar, o estudiar, o sim-

plemente se quedan porque no hay suficiente recursos para viajar. Intentamos buscarle una parte romántica a esa realidad que a todos nos ha tocado.

Os deseamos mucha suerte, y esperamos volver a hablar con vosotros en un futuro. Gracias por atendernos, ha sido un placer conoceros.

Muchas gracias a ustedes por difundir nuestra música. Se puede descargar gratis en www. discosdelbosque.com.ar o escucharnos por streaming en Spotify. Nuestro sitio web es www.suenadelarivera.com. ¶

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sierpe,

uniendo el amor y el metal LEER MÁS

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urante el verano, mi novia y yo acudimos a la ciudad de nuestros vecinos de Los Santos de Maimona, pues en la sala Curujo tocaban el grupo de unos amigos nuestros, los TSDC, a los cuales ya entrevisté y son grandes músicos y mejores personas.

Tras el concierto, hablamos, echamos unas risas y Kanina, el batería, me habló de que también tenía otro grupo llamado Sierpe, y al comentarme cómo eran, acepté sin dudar.

Por ello, aquí empieza la entrevista a Sierpe. Espero que os guste y que acudáis a sus conciertos. ¿Por qué decidisteis adoptar el nombre de Sierpe, de dónde viene?

Al principio barajamos otros nombres como

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MAJESTY, pero al final optamos por SIERPE por ser un nombre que entre otras cosas nos identifica con nuestra ciudad de origen: Sevilla. Sierpe en castellano antiguo significa “serpiente”, del latín SERPENS. Pero además es el nombre de una calle céntrica muy conocida de Sevilla: la calle Sierpes o calle de la Sierpe, que toma su nombre de una leyenda de la cual el grupo ha tomado el nombre y su logo. Desde aquí invito a todos los lectores a pasarse por nuestra página en facebook para descubrir esa leyenda.

Si el nombre y el logo de Sierpe hace referencia a la leyenda de esa calle, tenéis que contarnosla, ¿qué podéis decirnos sobre ella?

Sí, como te decía, el origen del nombre de la calle Sierpes lo han querido explicar con una leyenda que nos habla de una sierpe (dragónserpiente) enorme, que al parecer fue la causante de unas misteriosas desapariciones de niños en la calle de Espaderos (antigua calle Sierpe) en el siglo XVI. Pero la razón histórica

del origen de su nombre es menos épica. En realidad, en dicha calle se encontraba la Cruz de Cerrajería, una cruz de forja muy elaborada de estilo barroco y que llama la atención por “las sierpes” que rodean la base de dicha cruz. Actualmente, esta cruz se encuentra en la famosa plaza de Santa Cruz de Sevilla y delante de la misma nos hicimos una de las fotos de grupo que aparecen en el libreto del cd, además de, como bien dices, haber servido de inspiración para la S de nuestro logo.

En la portada ponéis entre los rostros sombreados el ojo de los Illuminati. ¿Creéis en la existencia actual o pasada de ellos?

En realidad la idea original no tenía nada que ver con eso. Si lees el concepto del disco, verás la importancia en la obra del Demiurgo- Creador como fuente originadora de vida a través del amor de los protagonistas, y como sinónimo del fatum o destino trágico de ambos. Queríamos que en la portada apareciera la figura del Creador, el ojo de la divina Providencia, reflejando dicho poder sobre los designios humanos.

Por otra parte, y respondiendo a tu pregunta, particularmente sí creo en la existencia de grupos de poder oligárquicos que controlan actualmente el mundo a su conveniencia, grupos que acumulan todo el poder económico y el mercado financiero, y dueños de facto de los medios de DESinformación. ¿Quiénes componéis Sierpe y como os conocisteis?

Yon Barranco (voz), Gonzalo Gassol (bajo) y yo coincidimos en la última formación de Four Ways. A Dani Díaz (guitarra) y a Emilio Kanina los conocíamos del mundillo rockero musical de Sevilla.

En principio, Sierpe se creó como un proyecto personal junto a Yon para dejar registrados los temas de nuestra anterior época, más las ideas nuevas que teníamos entre manos, pero en vista de la calidad artística y humana de los miembros, y de lo bien que conectamos, decidimos enseguida que esto no se podía quedar sólo en un proyecto.

Actualmente, por desgracia, Gonzalo ha tenido que abandonar la banda, y su sustituto al bajo es José Ramón Torres, compañero ac-

tual también en Storm. ¿Quién diseñó la portada de vuestro primer disco Echoes of Eternity? ¿Qué simboliza?

Alex Escalona ha sido el diseñador de la portada y el art work (además de ser cantante del grupo Kancerbero). Creemos que ha sabido reflejar a la perfección el concepto del álbum, ya que si observas aparecen todos los elementos del mismo: los dos amantes protagonistas, el símbolo de la Divinidad con el triángulo y el ojo de la Providencia, el círculo de quintas pitagórico (notas musicales) como símbolo de la harmonía universal… en definitiva, la eternidad y su eco (“echoes of eternity”) envuelven de una u otra forma la portada. ¿Cuánto ha durado el proceso de grabación y dónde los habéis grabado? ¿Conocíais de antes al productor Leo Peña?

El proceso de grabación fue muy rápido, aproximadamente desde mediados de noviembre hasta diciembre del 2015 en los Estudios Jotun de Sevilla con Leo Peña. Es la primera vez que trabajamos con Leo, aunque Kanina sí que había colaborado puntualmente con él en algunas grabaciones. Seguro repetiremos en un futuro porque la experiencia y el resultado han sido muy positivos. ¿Cuándo salió a la venta Echoes of Eternity?

Echoes of eternity salió oficialmente a finales de mayo de este año, pero hasta hace unas

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semanas la distribuidora no consiguió colocarlo en las grandes superficies. Ahora mismo nuestro CD está disponible en todos los Corte Inglés, Media Markt, Fnac y otras pequeñas tiendas como Sevilla Record, además de la página de Fish Factory, nuestra discográfica.

Habéis recibido un aluvión de buenas críticas con vuestro disco, desde España a Sarajevo, Italia y muchos otros. ¿Os lo esperabais?

Si te soy sincero, desde el momento que oí el cd terminado sabía que era un trabajo con muchas posibilidades de agradar a un abanico bastante amplio de oyentes del rock y el metal en general, y que podía tener su repercusión en el extranjero con un mínimo de publicidad.

La verdad es que personalmente estoy muy orgulloso de este Echoes Of Eternity, aunque eso no quita de que también sea crítico y vea sus faltas, pequeños detalles que intentaremos corregir para un futuro trabajo.

Vuestro disco es una ópera donde se narra una historia de amor entre Ella y Él ¿Por qué decidisteis hacer el disco de esta manera? ¿La historia que cuenta la ópera es una idea original vuestra o está basada en alguna obra?

A mí particularmente siempre me han gustado los discos que se basan en un concepto, que cuentan historias o se sumergen en un mar

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de ideas con una circularidad como esquema compositivo. Este disco desde el principio sabíamos que podía seguir un concepto de base, ya que las letras de Yon iban casi siempre en una misma dirección: el Amor. A partir de esta idea fuimos dibujando los protagonistas a través de diferentes escenas entroncadas con la mitología clásica, y enmarcándolas dentro de un concepto más amplio que va desde la creación del mundo (Bereshit), hasta el final del disco con “Echoes of Eternity”, con un guiño también a la obra de Dante y el célebre verso final de su Divina Comedia : “L’Amor che move il sole e l’altre stelle”, y que resumía perfectamente todo el concepto del álbum.

Vuestro sonido está influenciado, como se puede apreciar en el disco, por grupos como Dream Theater, Simphony X, Rainbow. ¿Qué otros grupos os han influenciado para crear vuestro sonido propio?

Los tres que has nombrado, sobre todo Dream Theater y Rainbow están bastante presentes en nuestras composiciones. Personalmente, a mí me han influído mucho en mi forma de concebir la música también Deep Purple, el progresivo de los setenta y todo el rock andaluz (Storm, Triana, Alameda…), y creo que también hay algo de eso en nuestro disco, además de la música clásica, en particular

J.S. Bach y el barroco en general. Por otra parte, Yon sigue más en sus composiciones el metal progresivo de los ochenta, muy especialmente Queensryche y todo el hard rock y el metal melódico. En definitiva, somos un grupo bastante amplio en cuanto a gustos, con un denominador común que es la melodía o el “good taste”.

Una de vuestras características es que no sois un grupo lineal que solo haga un estilo de canción, sino que entre las 12 canciones cada una es de un estilo musical, llegando a mezclar incluso un poco de flamenco. ¿Creéis que hay demasiados grupos donde parece que todo el disco es de un solo estilo?

Creo que eso que comentas se debe a que son grupos donde solo un componente es el que compone el grueso de las canciones, y claro, al final eso repercute en la linealidad o en la repetición de esquemas compositivos.

En Sierpe estamos muy abiertos a eso, y aunque este disco, por las circunstancias, está compuesto íntegramente por Yon y yo, ya estamos trabajando con Dani, Emilio y JR en las nuevas canciones que compondrán nuestro próximo álbum, y en donde seguro ellos van a tener un papel muy importante también como compositores. ¿Cómo pueden contactar con vosotros? ¿Dónde pueden conseguir vuestro merchandising?

Nuestro e-mail es: Sierpeband@gmail.es

Y nuestra página de facebook donde pueden seguir todas las novedades del grupo es: https://www.facebook.com/SierpeBand/ En cuanto al merchandising, precisamente dentro de muy poco lo estrenaremos y publicitaremos desde nuestra página en facebook con varias promociones de lanzamiento. ¿Tenéis muchos conciertos programados actualmente? ¿Por dónde habéis tocado en verano?

Los dos conciertos más cercanos en cuanto a fechas son los de presentación de nuestro cd en Madrid el 18 de febrero en la sala Barracudas, acompañados de Mathilda, banda que comparte sello discográfico con nosotros, y el 1 de abril en Sevilla en la Sala Even, también junto a Gaelbah.

Agradeciendo la entrevista y disculpándome por la tardanza, ¿queréis dejar algún mensaje a los lectores?

Esperamos que le deis una escucha a nuestro ECHOES OF ETERNITY, disponible en spotify, y que si os gusta, os hagáis con la copia original porque así, además de apoyarnos, podréis disfrutar por completo del concepto del álbum.

Ah! y por supuesto, nos vemos en los conciertos…! Salud y rock n roll!

Una muestra de su cd para que os animéis a comprarlo y acudáis a sus conciertos. ¶

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rebeca moss viaje a eurovisión

veré por ti”. En estos momentos está preparando el que será su primer disco en solitario con el gran productor Luis Rodríguez.

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R

ebeca Moss comenzó su andadura musical hace algunos años, y tras su paso por un conocido programa de televisión de talentos musicales, ha conseguido alcanzar el esperado éxito que tanto tiempo ha estado buscando.

Ha trabajado mucho durante mucho tiempo, y ahora llega con un nuevo éxito, su single “Vol-

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Rebeca, sabemos que con tan solo 10 años comienzas a dar tus primeros pasos en el mundo de la música. ¿Tenías claro ya con esa edad que ésta sería tu profesión? ¿Has encontrado todo el apoyo que has necesitado?

Siempre lo he tenido muy claro. Desde muy pequeña siempre he querido ser artista, siempre he querido ser cantante y componer mis canciones, y eso siempre lo he tenido muy presente.

muy difícil y, como he dicho antes, hay que ser muy perseverante. Ya no es lo que uno valga o deje de valer, hay otros factores detrás de todo que no controlamos, y muchas veces el dinero está detrás de todo. Es complicado, es muy difícil.

Nos gustaría que nos siguieras contando si te encontraste con muchas dificultades para darte a conocer. ¿Ha sido un camino duro? ¿Qué has aprendido a lo largo de todos estos años?

Sí, ha sido duro. He aprendido que lo que más quiero en la vida es cantar y ser artista, y que nunca, nunca tengo que dejar mi sueño porque nunca sabes dónde puede estar el éxito.

Igual está a la vuelta de la esquina y, por haberte rendido tan pronto nunca llegarás a alcanzarlo.

Si amamos algo de verdad, como te he dicho, hay que perseguirlo hasta el fin, hasta morir.

Por muchos batacazos, por mucha tristeza que a veces podamos sentir, hay que seguir.

No seré ni la primera ni la última, a muchos grandes artistas les han dicho a veces que no y luego se han levantado otra vez, hasta que le han dicho que sí. Éste es un mundo de noes y de síes. Hay que saber aprender de todo y no decaer nunca.

En cuanto al apoyo, la respuesta es no. Este mundo es muy difícil y muy complicado. No se tienen los apoyos que a uno le gustaría tener.

Si de verdad se desea desde el corazón, y es lo que más amamos, como es mi caso con la música, es esperar y ser perseverante. Más tarde o más temprano todo da su fruto. Ésa es la ilusión en mi pensamiento.

Antes de entrar en el concurso de “La Voz” ¿cómo ha sido tu trayectoria musical? ¿Llamaste a muchas puertas?

Llamé a puertas pero también tengo que decir que se cerraron muchas. Este mundo es

Tu nuevo single “Volveré por ti” está recogiendo mucho éxito. Imaginamos que estarás contenta con el resultado, ¿no? ¿Cómo lo estás asimilando?

Ufff, pues estoy muy contenta, porque ya ves… Hace muy pocas semanas que hemos sacado el nuevo single y ya hemos estado en el Top Ten, es una de las canciones más descargadas… y estoy muy, muy contenta de todos mis fans, porque ellos han hecho posible esto. Sin ellos, hubiera sido imposible. Estoy muy contenta de todos ellos.

En estos momentos estás preparando tu nuevo disco con el productor Luis Rodríguez. ¿Cómo va el proceso? ¿Puedes adelantarnos algo?

Todavía no puedo adelantaros nada porque estoy inmersa en este single y en mi candidatura a Eurovisión. Hemos presentado “Volveré por ti” a Eurovisión, y estamos, de momenLaCarne Magazine

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to, centrados solamente en esto, y el disco ya vendrá más adelante. Durante estos meses estaremos centrados en Eurovisión y el single.

Intentar que se escuche, y que la gente conozca la canción y a Rebeca Moss mucho mejor. ¿Los temas para este disco los has compuesto tú todos? ¿Serán todos en castellano?

Es un disco en el que los temas van a ser principalmente de mis productores, pero bueno, espero que también haya alguno mio. Habrá de todo, habrá temas movidos, habrá baladas, habrá temas en español, en inglés… Para todos los gustos y todos los colores, un poco de cada cosa. Yo creo que va a ser un disco muy completo y muy compacto.

Además de preparar tu nuevo disco, también estás presentando algunos shows en acústico. Cuéntanos cómo te organizas para estar en tantas cosas a la vez.

Es una locura. Ahora, como te he dicho, estamos inmersos en el single y en Eurovisión, y solamente tenemos esto en nuestra mente.

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Hasta que no pasen estos meses no podemos hacer nada más porque es un proceso difícil y perseverante. Son muchos meses de promoción y de viajar, de hablar con los medios para que te pongan y te escuchen, para que la gente conozca el single y a Rebeca Moss.

He aparcado estos shows en acústico, y ahora solamente estoy centrada en el single, la promoción y Eurovisión.

Rebeca, ha sido un placer conocerte un poco más y poder hablar contigo. Gracias por atendernos. Suerte con tu nuevo trabajo, con tus espectáculos, y, por supuesto, en Eurovisión!

Esperamos verte allí!

Ojalá que sí, lo deseo con todas mis ganas.

Muchas gracias a ti. Un fuerte abrazo! ¶

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gaviria

música urbana para el mundo tar y que conocerán a continuación:

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A

l parecer, ha llegado el momento de una nueva generación de relevo en la música urbana y, en Medellín (Colombia) se tomaron esta labor muy en serio, al punto que han surgido artistas con mucha calidad musical y dispuestos a “hacer historia, ser de los grandes en el género”, como dijo Gaviria, el artista que tuvimos la posibilidad de entrevis-

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Hablemos de los comienzos de Gaviria ¿cómo nace este proyecto?

Este proyecto nace hace cinco años, el tiempo que llevo en la música. Antes hacía música con otros parceros que me ayudaron mucho, pero en realidad todo se formalizó cuando empezamos en Kapital, hace más o menos como un año y medio o dos años. Empezamos a hacer música con Dayme y el High aquí en Kapital, y tenemos temas con mucha gente.

Desde ese tiempo para acá hemos sacado

siete temas, la mayoría son FT: Pipe Calderón, Amaro, Andy Rivera, Opi, Bryan Mayer, Yomo, Ronald El Killa... Gracias a Dios hemos contado con mucha gente y esto ha hecho que la carrera empiece a coger pasos. ¿Qué crees que fue lo más complicado en el inicio de tu carrera?

Conseguir alguien que lo apoye a uno y que lo pueda hacer de verdad, porque yo tengo amigos que me quieren apoyar, de verdad lo quieren hacer, pero no pueden. En cambio, aquí conseguí una persona, mejor dicho, en Kapital conseguí personas que de verdad me pueden ayudar, no solamente invirtiendo, porque esto no es solamente inversión, sino que hay que tener talento y hay que tener bases, y esta empresa ya las tiene. Fácil no ha sido, pero gracias a Dios conseguimos el apoyo de Kapital y aquí vamos. ¿Cuál ha sido tu mayor aliado en tu carrera musical?

Varios, pero el principal creo que es Dios, que ha hecho todo esto, y muchas otras personas que me han ayudado como he dicho siempre, pero Dayme y el High han sido los grandes aliados, y Dios, como dije, ha sido el que ha hecho que todo haya tomado la forma correcta. ¿Qué hace diferente a Gaviria sobre otros artistas?

Yo creo que soy versátil. No sé si sabían, pero yo también compongo mis temas. O sea, al lado de Dayme y el High los hacemos, pero yo los compongo. Fuimos los primeros aquí en Colombia que decidimos hacer Trap. Nadie lo hacía aquí, y eso fue sin miedo, y creo que salimos bien librados de hacer Trap. Nosotros seguimos, e incluso sacamos un tema hace poco con Brytiago, que es un artista de la disquera de Daddy Yankee, y con Alexio que se llama “Te Contaron”, que también ya llegó a un millón de visita en YouTube y esta “durísimo”.

Pronto van a escuchar mucho de él porque es como un “Groserías”. ¿Con qué cantantes te identificas y cuáles han influenciado en tu estilo?

A mí me encanta la Salsa y el Reggae. Siem-

pre me ha gustado mucho esa música. Me encanta Hector Lavoe, me gusta Bob Marley.

Yo he sido muy melómano, me encanta la música y escucho de todo, pero mis dos géneros favoritos son, lógicamente el Reggaetón porque es lo que yo hago, la música urbana, la Salsa y el Reggae.

Es momento de hablar de tu más reciente éxito “Groserías”. ¿Cómo nació este tema?

Ese tema nació aquí, en el estudio, entre Dayme, el High y yo. Estábamos parchados.

Me acuerdo que ellos me lo decían, porque, la verdad, yo nunca había pensado en hacer Trap. Me gustaba, pero no me llamaba la atención. A mí me encanta el Reggaeton, pero no sé, una vez Dayme y el High insistieron en que teníamos que hacer Trap, porque ellos siempre están mirando lo que está en la calle rompiendo, y el Trap, en realidad no sé cómo explicarlo, pero tomó una fuerza increíble, entonces decidimos hacerlo. Lo primero que pensamos fue en hacerlo con alguien que estuviera sonando fuerte para tener un mejor resultado, y le dijimos a Bryan y le gustó, y decidió formar parte del tema, y todo se fue dando gracias a Dios. En este momento el vídeo va para los 20 millones de visitas en Youtube, y después de esa canción la carrera de Gaviria dio otro giro, otra cosa… ¿Planeas quedarte en este género o seguirás experimentando con diferentes ritmos?

No, yo siempre digo que hay que hacer música, y siempre estaré dispuesto a hacer la música que sea con tal que sea buena. Yo no estoy diciendo que mi música sea la mejor, porque eso quien lo decide es la gente, pero nosotros siempre tratamos de hacer la música con calidad. Nosotros hacemos música, no es que porque yo estoy en un género sea únicamente reggaetonero, no me quedó solo en eso. Me gusta siempre experimentar en nuevos ritmos.

¿Cuáles son los planes a futuro de Gaviria?

Tenemos muchos planes. Este 2017 creo que va a ser una “rompedera” con la ayuda de Dios. Tenemos más de nueve temas para sacar con diferentes artistas, por ahí tenemos unos conmigo solo, pero la mayoría son FT y de verdad son duros.

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¿Qué es lo que más agradeces a tus fanáticos?

Yo lo que más agradezco a mis fanáticos es que lo quieran a uno sin conocerlo. Yo soy una persona buena gente, o al menos así me considero, y tengo personas que me quieren, pero ver que hay gente que no te conoce, que no saben cómo eres, pero igual te quieren –amo tu música, me gusta tu música, te quiero a ti- sin conocerte, yo creo que es algo increíble.

Por último, ¿qué tienes para decirles a esas personas que no han tenido la oportunidad de escucharte?

Que esto es buena música, que esto que estamos haciendo es con amor, de corazón y, como yo siempre le digo aquí a Andres (mi manager) y a todos los que trabajan conmigo, yo no hago esto sólo por la fama, ni mujeres. Yo siento que mi propósito en la vida fue crear música, vivir de esto. Lógicamente, la fama y el dinero uno lo quiere porque quién no va a querer salir adelante, pero no solamente lo hago por eso. En realidad, yo amo la música.

Para esas personas que quieren conocer más sobre la carrera de este joven prometedor dentro de la industria musical urbana, lo pueden seguir en sus redes como @GaviriaMusic en Instagram, Twitter y Snapchat, en Facebook como Gaviria, y en Youtube en el canal de Dayme y el High. Los mejores augurios para este artista en ascenso. ¶

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los nietos de iván

reinventando canciones desde uruguay ciones compuestas por Diego y luego a empezar a transitar nuestro camino.

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¿Cómo nace Los nietos de Iván?

La banda nace a principios de 2015 gracias a Diego, nuestro cantante y letrista, que tenía varias canciones hechas simplemente con la letra, la melodía, un par de acordes y con la intención de llevarlas a algo más grande. Así empieza junto a Carolina (cantante e ilustradora) a reclutar músicos para formar la banda. Ahí llegaron Rodrigo (guitarra) y Federico (batería), que tuvimos la suerte de que ellos sean amigos de toda la vida y vengan tocando juntos desde hace varios años, por lo que se complementan muchísimo. Luego, llegamos Ignacio (bajo) y Santiago (saxofón). Una vez establecida esta formación, nos dedicamos a “deshacer” (como nos gusta decirle) las can-

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¿Por qué el nombre?

El nombre viene de un proyecto anterior que había querido formar Diego junto a su hermano. Su abuelo se llamaba Iván y de ahí quedó el nombre Los Nietos de Iván. Como ese proyecto no floreció, Diego tomó el nombre para ponérselo a la banda, y, por suerte, a todos nos gustó. El nombre no significa nada para ninguno, pero tenía una fuerza, una magia que a todos nos gustaba. ¿Cuáles son los objetivos de Los Nietos de Iván? ¡Qué pregunta difícil! Creo que el primer objetivo de hacer música es sentirse bien, disfrutar y canalizar las emociones por este medio. El segundo objetivo sería hacer lo mismo pero con otras personas, que la gente disfrute y se

sienta bien escuchando nuestra música. También buscamos llegar a la mayor cantidad de gente que podamos y de alguna forma transmitir ese mensaje que toda banda o todo músico busca brindar. Por último, pero no menos importante, así como buscamos el crecimiento de la banda, también buscamos el crecimiento de cada uno de nosotros dentro de la banda, como músicos y como personas. ¿Cómo realizan el proceso de composición de un tema?

En un principio hacíamos canciones que tenía Diego, con letra, melodía y un par de acordes.

Luego nos lo muestra a todos, y empezamos a meterle el toque personal de cada uno hasta que el tema fluya y todos nos sentimos cómodos con él. El último año estuvimos intentando componer entre todos desde cero, es bastante más difícil ya que es complicado organizarse siendo 6 cabezas distintas. Igual lo hemos logrado, hemos compuesto temas que a veces surgían de alguna melodía que tenía uno en la cabeza, y éstos, según nos han dicho algunos seguidores, suenan más sinceros y creemos que es por eso, por haberlos compuesto entre todos. ¿Qué dificultades encuentran a la hora de realizar este proyecto?

Internamente la mayor dificultad es ponernos de acuerdo y todos quedar conformes con todo, porque al ser seis personas distintas son seis opiniones y seis puntos de vista, pero como nadie es más que nadie dentro de la banda siempre buscamos el acuerdo común, para que podamos seguir creciendo y creando música de la mejor forma. Externamente a la banda, a veces se hace difícil conseguir toques en los cuales el trato sea del todo justo. Muchas veces no se reconoce el trabajo y el esfuerzo que implica tener una banda, más siendo una banda chica que no es conocida dentro del ambiente del rock nacional. Por suerte tenemos un público muy fiel y que cada vez es más grande, que siempre nos ayudan y nos motivan a salir adelante.

Me han comentado que un “nieto” se aleja de la banda, ¿en qué va a influir ese cambio en el sonido del grupo?

Sí, lamentablemente se nos va uno. Él tenía otros proyectos y otros objetivos, y sentía que éste no lo representaba y no lo hacía crecer.

Para el año que viene lo primero será encontrar alguien que lo reemplace. Nuestra idea es que el nuevo miembro se aprenda los temas tal cual son hoy, y que recién después se anime a hacerle los cambios que sienta y a darle su toque personal. Por ende, el sonido en algo va a cambiar, ya que cambia el músico y la persona. ¿Tienen proyectos para el 2017?

Lo primero va a ser reconstruir la banda. Vamos a estar un par de meses sin tocar, ya que también hay un miembro que se va de viaje por varios meses y vuelve recién en mayo.

Supongo que lo primero que vamos a hacer cuando estemos todos será un toque bien grande, más que nada para dejar contenta a nuestra gente. Nos encantaría sacar un disco a fin de año. A finales de 2015 grabamos un demo de 4 canciones que lo pueden encontrar en YouTube, y desde ahí quedamos con todas las ganas de hacer un disco, que por dificultades varias no lo pudimos hacer. Si todo nos sale bien, podremos llegar a grabar nuestro primer disco a finales de 2017.

Para culminar, ¿Qué razón dan para escuchar o concurrir a los conciertos de la banda?

Más que nada porque es una música que la hacemos desde el corazón, es una música que a nosotros nos hace sentir muy bien y a nuestro público también. Con el paso de los toques se ha formado una relación muy linda con nuestro público, y yo creo que en parte es por la carga emotiva de las canciones. Así que si quieren escuchar buena música y a la vez emocionarse y sentirse bien, qué mejor opción que ir a vernos! ¶ Los Nietos de Iván se encuentra integrada por: Voces: Diego Arquero y Carolina Gil Bajo: Ignacio Hourcade Batería: Federico Lambert Guitarra: Rodrigo Végh Saxo: Santiago Wainstein

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vendetta

presenta su nuevo disco, bother

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other es el nuevo disco de Vendetta, imprescindible si eres de los que te gusta el Ska con aderezos de Reggae y toques de Jungle. Pero la novedad en este gran disco es el sonido electrónico que Vendetta ha sabido integrar muy bien en sus canciones.

Si con este disco no te dan ganas de bailar, es que no tienes sangre en las venas.

Dos extensas giras, y la que empiezan ahora, hacen de Vendetta una banda imparable. Han traspasado fronteras y lo seguirán haciendo esperemos que durante mucho tiempo.

Pello Reparaz, que en esta ocasión se ha puesto a los mandos de la producción, habló con nosotros, y esto es lo que nos contó:

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En primer lugar, enhorabuena por Bother, un disco con el que es imposible no hacer pogo.

Ha salido hace muy poquito y nos gustaría saber cómo estáis anímica y físicamente después de parir este disco.

Estamos todavía en todo el jaleo que conlleva el hecho de publicar un disco hoy en día.

Entre entrevistas, una presentación aquí, un acústico allá… Estamos a tope, sin parar. Pero bueno, es el quinto disco y estamos un poco acostumbrados ya a este tema. Está yendo muy, muy bien, y estamos felices con la acogida que está teniendo. Es un no parar, pero muy bien.

Mucho Ska, Jungle, toques electrónicos, Reggae, letras en castellano y en euskera que hacen que le demos un poquito a la sesera… ¿De dónde sale la inspiración para crear el sonido de Vendetta? ¿Hay alguna temática en concreto que os guste más tratar?

En realidad lo que intentamos es trasladar lo que vivimos en el día a día a nuestro trabajo.

En cuanto al sonido, en la lírica hemos tratado los mismos temas que llevamos tratando los últimos años, pero desde otro prisma para intentar atraer a la actualidad, y esto va acompañado también de un cambio de sonido importante que hemos hecho.

Hemos hecho una cosa un tanto arriesgada con el tema de la electrónica, habíamos hecho nuestros pinitos en otros discos, pero nunca lo habíamos utilizado como hilo conductor, como en este caso. Hemos querido experimentar un poquito con los sintetizadores de los 80 y principios de los 90, que en otra época nunca nos habíamos identificado con ellos, y descontextualizarlos del circuito en el que se utilizaban.

Ha sido una experiencia curiosa y única, de verdad.

Bother the Police, el tema que nos ha sonado a Jungle, es el primer sencillo del disco ¿Por qué habéis elegido este tema? ¿Qué tiene de especial para ser el primer sencillo?

Es un tema que creo que resume bastante

bien el carácter de la banda y el carácter del disco en general. Es un tema en el que hay euskera, hay castellano, hay inglés, cantamos los cinco miembros de la banda. Y al final esto es lo que se va a encontrar la gente en el disco, un poco de riqueza y un mix de todo lo que queremos aportar.

A nivel lírico, tiene la esencia del disco entero, el disco se llama Bother, que significa molestar en inglés, pero bueno, en realidad el hecho es el de plantearse ciertas cosas.

Con este sencillo viene también un videoclip que forma parte de una trilogía. Háblanos un poco de esta serie de vídeos. ¿Cómo surge la idea y el por qué de esta trilogía?

Pues mira, el tema es que al final nos hemos dado cuenta de que un grupo no es una canción o cómo suena simplemente, sino cómo suena (por supuesto) lo que quieres transmitir con esa canción, los diseños que rodean a ese disco, las fotos, los videoclips… absolutamente todo. En este caso hemos querido dar una LaCarne Magazine

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vuelta de 360 grados y unificar todo. Así como en el sonido hemos dado un paso adelante, lo hemos querido hacer también en otros aspectos. En el caso de los videoclips, hemos sido siempre una banda que le da bastante importancia, y hemos querido utilizar otra fórmula.

Hasta ahora siempre habíamos publicado videoclips únicos, que no estaban relacionados entre ellos y, en este caso, hemos rodado tres videoclips de tres canciones diferentes que serán publicados en diferentes fechas, y que están relacionados entre los tres. Cuentan una historia, pero lo hemos dividido en tres, y la productora ha hecho un trabajo terrible (en el buen sentido), y me parece que es superinteresante.

Con dos extensas giras, ¿de dónde habéis sacado tiempo para componer los temas de Bother? ¿Cómo ha sido el proceso de composición para este disco?

Nos lo preguntan bastante, la verdad. Jeje.

Nosotros al final nos dedicamos a esto, y cuando no estás tocando, estás escribiendo y, como ya he dicho, lo que nos gusta en realidad es canalizar todo lo que vivimos día a día a través de nuestras canciones, pues es lo que hacemos. Llegar a casa y lo que hemos vivido, pues intentamos plasmarlo un poco en un papel, o a la larga en alguna reflexión o lo que sea. Pero como lo utilizamos también un poco de terapia, es necesario para nosotros escribir, pues sale así de forma natural. Podemos compaginar las giras con la composición.

Pello, además de componer los temas junto a Javiero Etxeberria, te has puesto a los mandos de la producción. ¿Es tu primera vez? ¿Qué ha sido lo más satisfactorio y lo más complicado?

De manera formal, sí, es la primera vez, jejeje.

Había hecho otras cosas, pero así de forma seria, y asumiendo toda la responsabilidad, sí, es la primera vez. Ha sido una experiencia memorable, me ha encantado y estoy feliz.

Una gozada, la verdad.

Lo más satisfactorio ha sido hacer el experimento con el tema de la electrónica y el estilo musical que veníamos trabajando a lo largo de estos años. Intentar buscar ese equilibrio ha sido un poco difícil, pero estamos contentos

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con el resultado, y eso es todavía más satisfactoria si cabe.

Vemos que no paráis y comenzáis casi de inmediato con la promo del disco, conciertos, firmas de discos, etc. ¿Cómo se presenta el 2017? ¿Tenéis buenas expectativas?

Pues, como te he comentado antes, está siendo una locura. Hemos estado en Madrid, en Barcelona, y dentro de esta locura estamos ya viendo lo que se nos viene encima en 2017 con la gira. No ha habido un año en el que no hayamos tocado menos de 50 conciertos, y 2017 parece que no va a ser menos, así que con ganas.

No ha habido año que no hayamos girado por Europa, y pasa un poco lo mismo con Latinoamérica. Hemos estado en Argentina, en Chile, en Uruguay, en Perú… Nos escriben de allá cada dos por tres en las redes sociales, y la verdad es que es una gozada comprobar que Vendetta también existe allí.

Y durante los directos, en España o Latinoamérica, ¿os habéis quedado alguna vez en blanco? ¿Cómo solucionáis este contratiempo?

El tema es que a veces es inevitable, con tantas horas en la carretera y tantos conciertos al año, al final siempre hay un momento en el que el tema te sobrepasa y tenemos nuestros lapsus. Jejejej. Pero bueno, yo creo que al final la gente lo entiende y siempre que vean que estamos con ganas, y con ganas de aportar y de alegrarles el día y moverles el culo, no hay ningún problema.

Con discos como éste, estamos convencidos de que Vendetta continuará por el camino del éxito. Tenemos muchas ganas de disfrutar de vuestro directo. Muchas gracias por atendernos, Pello. Un placer poder hablar contigo.

Un verdadero placer. Muchísimas gracias a vosotros. Un saludo! ¶

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juanriveroots esperanzado con el reggae 72 LaCarne Magazine

especializadas en el sonido Caribeño.

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J

uan Rivero, mejor conocido como Juanriveroots o Pequeña Raíz, es un compositor venezolano que entra en el mundo de la música a principios del 2010. Teniendo muchas aspiraciones, comenzó sus primeros proyectos musicales con compañeros de la universidad. Se integra a una banda de Reggae en 2012, llamada Raza Natural, que contaba con considerable apoyo local. En toda su trayectoria la banda Raza Natural recibió apoyo de bandas como Gondwana, Los Cafres, Racing fyah, Cultura Profética y muchos otros artistas venezolanos, lo cual incentivó a Juanriveroots a seguir creciendo como artista en el mundo del Reggae. ¿Qué te inspiró a introducirte en el mundo de la música?

El Reggae llego a mí, crecí con él y lo sentía..., hasta que me salvó, letra a letra, de ser alguien que hoy por hoy sigo sin querer ser. ¿Por qué escogiste el Reggae como género?

Por la protesta que significó para la raza negra, por la expresión rebelde de resistencia contra los gobiernos mundiales y el vacío del querer en el mundo. Es Reggae porque con amor le ha cantado al odio desde sus raíces. ¿Qué artista te inspira a la hora de componer?

Willy Rodríguez ha sido una influencia poderosa para mí. Ciertamente es la voz más dulce que hoy en día se alza contra el sistema, y lo hace desde sus entrañas. Así que Big up por Cultura Profética. ¿A qué dedicas tu tiempo libre?

Mi tiempo libre se lo dedico a mi espíritu y a mi ser. La música y el fútbol son para mí un desahogo del alma, la manera más espontánea de hacer respirar con ansias a mi cuerpo.

Como artista, ¿cómo te ves en un futuro cercano?

Como Artista quisiera verme en una fundación que aporte enseñanzas musicales gratuitas,

Si tuvieras que ser telonero de algún artista o grupo, ¿cuál sería?

Cultura Profética.

Has trabajado con artistas internacionales con mucha experiencia ¿Cuál te ha aportado más como músico?

Andrés Albornoz, tecladista, pianista y arreglos en la banda Argentina Los Cafres. Todo sobre la cadencia y la suavidad que el género y el público pide. ¿Tienes algún proyecto cercano en mente?

Mi primer vídeo musical que entra llenito de puro talento venezolano.

“Mi tiempo libre se lo dedico a mi espíritu y a mi ser” ¿Quién es la persona que más te ha apoyado en tu carrera?

Mi esposa, mujer, concubina, compañera, amiga, amada. La conocí entre el público de mi primera presentación en vivo, y desde allí nunca se separó de mi lado, ni yo de ella. ¿Con cuál de tus canciones te identificas más?

Mi composición favorita tiene por nombre: GAIA - RAZA NATURAL, tema cargado de esperanza. Este mundo puede cambiar y lo hará, solo tenemos que seguir soñando y creyendo que es posible.

Juanriveroots o Pequeña Raíz, un cantante de Reggae que nos muestra a sus fans, y a todo el que lo oye, que creyendo en nuestros sueños la sociedad se puede salvar de toda esa ideología racista y clasista que existe en el mundo actual, y convertirse en un mundo unido y lleno de igualdad. A la espera de su nuevo vídeo musical, Juanriveroots quiere expresar al mundo todo el talento que tiene y que hay en Venezuela.¶

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yael meyer

folk electrรณnico en warrior heart

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Y

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ael Meyer nos ha sorprendido gratamente con su último trabajo Warrior Heart. Electrónica, atmósferas y melodías envolventes que hacen de este sonido su seña de identidad.

Una artista reconocida internacionalmente como Yael Meyer es imprescindible en las páginas de LaCarne Magazine. En esta entrevista hemos hablado sobre Warrior Heart y, entre otras cosas, nos ha desvelado que prepara nuevo disco para 2017.

Si aún no conoces a Yael Meyer, ésta es tu oportunidad de hacerlo. Descúbrela en esta entrevista, seguro que te sorprende tanto como a nosotros.

Yael, nos ha gustado mucho tu último trabajo, Warrior Heart, en el que la electrónica está muy presente. Pero también nos ha gustado tu voz dulce y casi susurrante, las melodías, las atmósferas… Esta combinación de sonidos ¿dirías que es tu seña de identidad? ¿Cómo definirías tu música?

Primero que nada, muchas gracias. Me alegro mucho que hayan disfrutado de mi música.

Generalmente, cuando me preguntan esto digo que mi sonido es una mezcla de Folk, Pop y Electrónica. Aunque creo que también tiene elementos bastante cinemáticos. Especialmente en el trabajo que estoy haciendo ahora, mientras preparo un nuevo disco. Pero sí, creo que es es una seña de identidad. Me tomó varios años encontrar el sonido que quería plasmar, y creo que es el sonido que más me representa.

Hemos podido escuchar Warrior Heart, pero los que lean esta entrevista y aún no lo hayan escuchado, cuéntales, ¿qué van a encontrar en este disco?

Es un recorrido por varias emociones y paisajes musicales. Cuando hago un disco me gusta llevar a la gente en un viaje. Para mí, los discos que más me cautivan y me llegan pro-

fundo son aquellos que me pueden hacer sentir una diversidad de cosas y me transportan mientras los escucho. Mi intención es crear ese tipo de trabajo cuando hago un disco. De hecho, escucho el disco con las canciones en cada orden posible antes de definir el track list para asegurarme de contar la historia de tal manera, y de que guiar al oyente por esos paisajes como yo los imagino. Las canciones hablan de muchas cosas distintas, de cambios, ya que la vida está llena de ellos, de la amistad y de otros temas que para mí están siempre muy presentes, que tienen que ver con el propósito de nosotros como seres humanos y de cómo afectamos al mundo.

Dentro del disco hay canciones que invitan a bailar, y otras que son más tranquilas. ¿En qué momento del día recomiendas escucharlo?

En realidad, quisiera que la gente lo escuche en cualquier momento, pero siempre cuando le regalo un disco a alguien le digo que es para que lo escuche en la mañana, mientras hace desayuno, en el auto mientras está atascado en el tráfico de la ciudad, o mientras va camino al trabajo en metro o bicicleta, o en la noche cuando vuelven de un día cansado y quieren simplemente relajarse y tener un momento de tranquilidad. Todos estos son momentos donde la mente está más alerta para escuchar, ya que, por ejemplo, a la hora del tráfico no hay nada más que hacer que estar ahí, en el tráfico. No hay otro lugar adonde ir, y se puede estar presente en el momento. Creo que la música ayuda y acompaña en estos momentos para transformarlos, por ejemplo, de un momento estresante a uno placentero.

En el disco los temas son todos en inglés a excepción de “Yo Soy”. ¿Por qué es la única canción que cantas en español?

Es una buena pregunta. La verdad es que yo viví en Estados Unidos por muchos años, 14 años para ser precisa, y desarrollé la mayor parte de mi carrera allá, hablando en inglés, colaborando con otros artistas y productores en inglés, y desenvolviéndome en ese mundo en inglés, y es simplemente el idioma que más fácil me aflora al momento de componer. El español si bien es mi idioma materno, y es un idioma hermoso, es mucho más complejo para LaCarne Magazine

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“Cuando hago un disco me gusta llevar a la gente en un viaje.

Para mí, los discos que más me cautivan y me llegan profundo son aquellos que me pueden hacer sentir una diversidad de cosas y me transportan mientras los escucho.” mí, por lo menos a la hora de escribir, y me sale más fácil y natural componer en inglés.

Por otra parte, y ya en un tema más práctico, mi idea inicial fue siempre hacer música que trascendiera fronteras y llegara la mayor cantidad de gente posible, y en todo el mundo se escucha música en inglés, no así con el español. De esta forma he tenido la fortuna de tener una carrera que me ha permitido tener música en series de TV en E.E.U.U, Australia y Corea del Sur, por ejemplo, y ahora estamos lanzando el disco también en China. No creo que esto hubiera sido posible si mi música fuera solo en español.

“Yo Soy” es un tema que salió así. Nació en español como una poesía, y es como si se hubiera escrito solo. Siempre y cuando sigan saliendo temas con esa naturalidad, continuaré incorporando repertorio en español a los trabajos que edite. De hecho, en el próximo disco habrá también otro tema en español. Pero como te decía antes, no es algo que me guste forzar. Creo que las canciones nacen como nacen y hay que dejarlas ser lo que son.

Has estado de gira por un montón de países y has pasado por los escenarios de grandes festivales. Sabemos que has estado recientemente en el BAFIM, y estarás en 2017 en el SXSW (South By Southwest). Haciendo un repaso del 2016, ¿cómo ha sido este año para ti?

Ha sido un año muy lindo donde me ha tocado viajar mucho, que es junto con la música una de las cosas que más me gusta hacer en la vida. En ese sentido, es muy gratificante poder hacer las 2 cosas juntas, viajar para hacer música y recorrer mientras se comparte. En 2016 LaCarne Magazine

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también estuve en Cuba, convirtiéndonos junto con Inti Illimani en los primeros Chilenos en tocar en Cuba en 30 años, y fue muy lindo descubrir este hermoso país en este momento de grandes cambios. Además, estuve bastante ocupada trabajando en un nuevo disco que preparo, y colaborando con diversos artistas, autores y productores de otros países en una variedad de proyectos. Me tocó estar en Australia, por ejemplo, componiendo con autores y productores allá. Ha sido un año muy lindo y estoy muy agradecida y con ganas de más aventuras de este tipo para el año que viene.

músico que quiero presentar. La adrenalina es incontrolable, es un efecto químico en el cuerpo y uno queda en blanco, sin importar cuántas veces haya tocado una canción. Pero el show debe continuar y uno se las arregla y espera que nadie se de cuenta. Hacemos lo mejor posible. Recuerdo haber visto un video de Joan Baez tocando en un festival donde se le olvidó la letra de una de sus canciones más conocidas, y su reacción fue atacarse de risa y pedirle al público que la ayudara. Desde ahí pensé, si le puede pasar a Joan Baez, le puede pasar a cualquiera, no?

Háblanos de los directos. ¿Te acompañas de banda? ¿Puedes hablarnos un poco de ellos y cuál es su aportación a Yael Meyer?

El show en vivo varía de acuerdo al escenario y el tipo de show, pero últimamente hemos estado girando en formato cuarteto. También hay oportunidades en que toco sola u otras oportunidades en que la banda crece y se incorporan más músicos. Depende bastante del show que estemos presentando, del escenario, lugar, etc. Mi banda está compuesta por músicos y amigos a quienes quiero mucho, algunos con los que llevo más de 8 años tocando. Todos tocamos varios instrumentos y nos vamos rotando canción a canción. De esta forma, con pocas manos, podemos hacer harto ruido y tratar de lograr una puesta en escena que verdaderamente refleje el trabajo del disco. En el estudio uno se puede dar muchos lujos, ya que puedes grabar un sinfín de instrumentos. En vivo hay que acotar y tratar de trasladar ese trabajo a algo que pueda funcionar de igual forma con menos instrumentación y menos personas. Por eso es que para mí es importante que los músicos con quienes toco sean multi-instrumentalistas, para poder generar muchas sonoridades diferentes entre 4 personas.

¿Qué planes tienes para el 2017? ¿Seguirás girando con Warrior Heart o habrá disco nuevo?

Seguiremos girando con Warrior Heart hasta que el nuevo disco esté listo para ser compartido, lo cual no sabemos cuando será. No tengo una fecha límite, simplemente estoy trabajando en el disco tranquilamente, y cuando esté listo, lo estará. En Marzo vamos a SXSW, y por lo pronto estamos trabajando más que nada para esa gira y otros proyectos para el resto del año, mientras continúo trabajando en el nuevo disco.

Y ya que hablamos de directos, nos gustaría que nos dijeras si alguna vez te has quedado en blanco en el escenario o se te ha olvidado la letra de alguna canción. ¿Cómo has salido de este aprieto?

Jajaja. Claro que sí! Muchas veces. Se me ha olvidado de todo, desde la letra de las canciones, los acordes, hasta el nombre de algún

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Esperamos que el año que comienza te traiga aún más éxitos. Esperamos poder escuchar nuevas canciones de Yael Meyer y verte muy pronto en nuestro país. Ha sido un placer poder hablar contigo.

Muchas gracias! Espero yo también que así sea. Gracias por el apoyo y por el interés, y a mi también me gustaría presentarme en España pronto y compartir nuestro show y mi música con todos ustedes y los lectores de LaCarne Magazine. ¶

http://yaelmeyermusic.com/ ver facebook ver twitter ver instagram

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feid

conquistando latinoamérica LEER MÁS

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n ocasiones, los cuentos mitológicos hablan de “gigantes dormidos”. Sin ser tan literarios, conseguimos casos donde estos “gigantes” se encuentran tras los éxitos y victorias de muchos artistas, bien sea en su producción o en su composición, como es el caso de Feid, nuestro próximo entrevistado.

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Humilde, con un presente muy claro y objetivos fijos en lo que busca en su carrera como cantante, el gigante que despertó para interpretar temas que vaticinan con liderar las listas de reproducción del género es Feid, de quien sabremos más a continuación: Es momento de conocer un poco más de Feid.

Háblanos de ti. ¿Cómo nace este proyecto?

Bueno, Feid es un artista, compositor, y cantante de la ciudad de Medellín. Llevo ocho años haciendo música como hobbie, trabajando, viviendo de esto, y hace ya aproximada-

“La sensación de estar en tarima para mií es ¡increíble!”

“Morena” fue el inicio literalmente de Feid. ¿Qué faceta consideras que es tu fuerte, el FEID artista o el FEID tras las letras?

No creo que haya una de las dos que sea más fuerte que otra, pero sí disfruto mucho cuando estoy en una tarima cantándole a la gente. Entonces si es por ese lado, diría que Feid artista para mí es más fuerte, porque la sensación de estar en tarima para mi es ¡increíble! ¿Qué es lo más difícil al momento de escribir para otros artistas?

Escribirles una canción que les llame la atención a los artistas, porque uno se pone a pensar en toda la cantidad de música que yo, como Feid, escucho, y también que tengo una carrera tan corta y de tan poco tiempo. Ahora, para los artistas que he trabajado, que han sido de tallas internacionales, yo no me imagino la cantidad de música que han escuchado.

Entonces es el hecho de pensar en una canción que les haga girar la cabeza y decir sí, ésa me gusta. Entonces, la labor más difícil es ésa, pensar en innovar en la canción para un artista grande.

mente un año y medio empecé este proyecto de Feid, que inició porque muchas personas tenían un sueño en común y el universo nos puso juntos a todas las personas que teníamos este sueño, y empezamos a trabajar este proyecto con una canción que se llama “Morena”, que me abrió las puertas en toda Latinoamérica, USA, México y muchos otros lugares, y que fue como el inicio con el pie derecho de este proyecto que se ha destacado por su música, por sus acústicos, por el contacto con los fans, por música… Esto es por lo que lo hemos querido hacer, y ese fue el inicio de Feid,

Es un historial largo de artistas con los que has podido trabajar, entre ellos Alberto Stylee, Nicky Jam, J Balvin, Reikon, Wolfine, Shako, Small, El Tigre, Landa Freak, Magnate y Valentino, Gran Chester, Dardo y Cero ¿Tienes favoritismo por alguno de ellos?

No, considero que todos han sido experiencias desde los inicios hasta el sol de hoy. Todos y cada uno de los artistas con los que he trabajado le han dado experiencias nuevas a mi vida y a mi carrera, pero no hay ningún favoritismo. El único favoritismo lo tienen mi papá y mi mamá (en todo gracioso).

Hablemos ahora del FEID del escenario ¿Cómo consideras que ha sido la evolución de tu carrera?

Gigante! El hecho de ver el primer show que hice hace un año y medio en Panamá para unos 2.000 estudiantes, y la semana pasada cuando estuve en el Movistar Arena frente a LaCarne Magazine

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12.000 personas en Chile. Para mí es un avance gigante, pasos agigantados. En lo que me ha tocado, ha sido muy difícil porque he tenido que aprender con los golpes, y he aprendido de manera muy rápida para poder dar la talla al nivel en el que estoy y seguir tratando de subir, pero he estado muy contento la verdad, porque la evolución ha sido inmensa.

Con “Qué raro” hay un claro salto a otra etapa en tu carrera. Cuéntanos un poco sobre este tema. ¿Cómo nació?

Bueno, “Qué raro” nació en un estudio, como nacen la mayoría de mis temas. Sky me mando una nota de voz de inicio de esa canción cuando yo estaba en una gira en Ecuador, y yo le dije que me esperara a que yo llegara a Medellín, porque esa canción me gustaba mucho, me encantaba. Eso fue lo que hicimos.

Llegamos a Medellín, la terminamos y pensamos que la única persona que podía estar en esa canción era J Balvin por la temática que tocaba la canción. La queríamos hacer ya fuera en un año, en dos, en tres… pero la canción tenía que salir con él. Nos llevamos la grata sorpresa que él nos dijo que contáramos con su participación en este proyecto, que íbamos a trabajar y lo íbamos a sacar adelante, y, como dices ahí en la pregunta, es una nueva etapa para mí, una etapa en la que me consolido como artista de Reggaetón colombiano, me consolido como un nuevo artista con mucha proyección, y empiezo a tener un montón de sueños diferentes y nuevos.

¿Cuáles son los proyectos a futuro de FEID? Tengo muchos, entre ellos mi primer álbum ya como Feid con Universal, trabajar con más artistas que tengo todavía en mi lista, hacer música, pisar ese montón de escenarios nuevos… Este año pude estar en muchas partes del mundo, el siguiente año quiero que sean más. Siempre el año que sigue es un reto nuevo, porque el año pasado fue demasiado fructuoso para mí, de muchas cosas positivas, de bendiciones, de aprendizajes. Proyectos vienen muchos, y como siempre respondo: lo que viene es música. ¿Cuáles consideras que son tus fortalezas y tus debilidades?

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Mis fortalezas, que me gusta escuchar, aprendo (todo el día estoy aprendiendo). Soy compositor, me gusta lo que hago, creo que es mi mayor fortaleza, que disfruto la música y disfruto al cantar.

Mis debilidades, es que soy muy impaciente, y que me cuesta mucho madrugar. No sé, debo tener un montón de debilidades pero siempre que uno piensa en sus debilidades se queda cortico. ¿Tienes algún temor musical?

No, no le temo a la música. ¿Qué tienes para decirles a esas personas que no han escuchado tu música? ¿Cómo los puedes convencer para volverlos tus fanáticos?

Que mi música les va a hacer cambiar la opinión frente al Reggaetón, porque yo siempre que digo que canto Reggaetón recibo comentarios como “¡Uy! Pero por qué Reggaetón”. Mi música es esa que va hacer que la gente que odia el Reggaetón, le empiece a gustar. Invito a la gente que no ha escuchado mi música a que vayan y escuchen Reggaetón del bueno.

Por último ¿Hay algo que quieras decirle a tus fanáticos?

Son muy importantes para mí, para mi carrera. Les debo mucho a ellos, son el apoyo, son la motivación para las tareas que tengo que hacer durante todos los días: mis entrevistas, mis giras, mis conciertos, y que espero seguir contando con el apoyo de ellos, toda la vida.

Si quieren conocer un poco más sobre este artista pueden seguirlo a través de todas las redes sociales como @Feid, un cantante paisa que seguramente estará dando mucho para hablar en la música urbana. ¶

http://feid.co/ ver facebook ver instagram ver twitter

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