LaCarne Magazine N56

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LACARNE Nº56 - DIC 2016 - AÑO 6

EXPERIENCIAS

metrónomos y claquetas belén y la escena under nero taller de libre improvisación gatillazo haken

ENTREVISTAS

elio ks por coplas y bulerías oscuro mito jorge salán ricardo tejero nastasia zurcher david collados lúcido arkanos desintegración luna

depedro el pasajero de las emociones

MÁS INFO

SUMARIO experiencias

06 mundo dj 10 metrónomos, claquetas y baterías

14 belén y los conciertos de la escena under

18 depedro y la fuerza del directo

20 nero y between II worlds 22 taller de libre improvisación 24 gatillazo, 14 trallazos de punk rock

26 haken regresan con affinity investigación

30 la federación extremeña de folklore

36 la ciudad de la música Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

http://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

N56 aÑo 6 DIC 2016 entrevistas

40 depedro, el pasajero de las emociones

48 de charla con elio ks 52 por coplas y bulerías 56 oscuro mito 58 jorge salán nos presenta graffire

62 ricardo tejero 64 nastasia zurcher y su viaje a lo desconocido

70 david collados, luchando por el rock

76 lúcido 80 arkanos, fusionando la historia con el metal

84 desintegración 86 luna, una artista que brilla como el sol

Colaboradores

J. G. Entonado, Enrique Falcó, króniko, paquita garcía, jpalomo, Sebastián díaz, yolanda jiménez, ceci beltrán, jorge ares, juan a. jiménez, luis lama, p. de pablo, alfonseka, pablo d. vidal * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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europa y latinoamĂŠrica

EXPERIENCIAS mundo dj metrónomos, claquetas y baterías belén y los conciertos de la escena under depedro y la fuerza del directo nero y between ii worlds taller de libre improvisación gatillazo, 14 trallazos de punk rock haken regresan con affinity

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MUNDO DJ LEER MÁS

+ NACE EL PRIMER CLUB EFÍMERO DE ESPAÑA

Este festival, que se desarrollará entre los días 6 y 15 de Enero, se desarrollará en diferentes puntos de Playa de Carmen de México.

Estarán artistas destacados como Dubfire, Carl Cox, Solomun, Paco Osuna, Art Departament, etc., y son sólo una cuarta parte porque se estima que habrá 400 artistas y 70 showcase de sellos y marcas que se relacionan con el clubbing internacional. Los abonos para poder asistir los puedes conseguir a través de este enlace http://thebpmfestival. com/festival/tickets/. Y si queréis saber más, echad un vistazo a la página del festival donde encontraréis toda la información de los días, lugares y artistas: http://thebpmfestival.com/. + WAN FESTIVAL 2017

Se llamará Hivernacle Pop Up Club, y se hará en Barcelona en la Plaza Mayor del Poble Espanyol. Habrá una estructura transparente con un vergel de 1.200 metros cuadrados, donde se mezclarán efectos especiales y sonidos envolventes con la estética naturalista del espacio. Por ahora se han confirmado cuatro fechas: dos durante el día, que serán el 27 de Noviembre y 18 de Diciembre, y dos durante la noche, las cuales serán los días 18 de Noviembre y 7 de Diciembre. Para su estreno de noche, habrá un back to back entre dos grandes de la escena electrónica como Gesaffelstein y The Hacker y el warm up de Javi Redondo. Os dejamos el video promocional de este nuevo proyecto https://youtu. be/7Ul7s_E8B38 + THE BPM FESTIVAL 2017 EN PLAYA DEL CARMEN (MEXICO)

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El 1 de Enero de 2017 se celebrará por segundo año consecutivo el WAN New Festival Madrid, y ya hay cartel definitivo para el evento. Se contará con cinco headliners en un solo escenario, y se irán relevando durante todo el día lo mejorcito de la música electrónica. Estarán Paco Osuna, Gonçalo, The Martinez Brothers, Richi Hawtin, Marco Carola, Luciano, Fabio Florido o Karretero. Se ofrecerán más de doce horas de música sin parar para celebrar la llegada del nuevo año en la Cubierta de Leganés. Las entradas están a la venta a 45€ en la página oficial http://www.

wanfestival.com/, y en las oficinas de correo, Carrefour, FNAC y Halcón Viajes. + SE CANCELA EL SHOW DE KRAFTWERK EN BUENOS AIRES

mándolo Techno Traveller Map, y donde se localizan más de 100 clubs. Ha tenido también la ayuda de los internautas que le mandaban propuestas, y luego él aprobaba a los mejores candidatos y los situaba en el mapa. La mayoría están en Europa, pero el proyecto sigue adelante porque hay continentes todavía por explorar detenidamente como África, Sudamérica y parte de Asia. Os dejamos el enlace donde podéis echar un vistazo. + SE INAUGURA EN CANADÁ UN MUSEO DEDICADO A LA MÚSICA

El pasado mes de abril hubo cinco muertes durante la edición del Time Warp Argentina, hecho por el cual el gobierno argentino ha tomado la medida de cancelar el show que iban a hacer la banda alemana. Esta restricción viene dada por un fallo judicial en el que se prohíbe toda fiesta electrónica que tenga unas determinadas dimensiones. Por eso, la AGC (Agencia Gubernamental de Control) frenó el espectáculo que iban a desarrollar en 3D el 23 de Noviembre en Luna Park. La justificación que han hecho es que aunque no sea una fiesta electrónica convencional, sí utilizan sintetizadores y samplers, y en la presentación del evento, se anuncia como fiesta electrónica. + CREAN UN MAPA CON LOS MEJORES CLUBS DE TECHNO DEL MUNDO

Se llama National Music Centre, y tiene un espacio de 50.000 m2, donde se albergan pianos, órganos, clavicordios y sintetizadores analógicos y digitales. Está en la ciudad de Calgary, y albergará exposiciones y una colección de más de 2.000 instrumentos de todas las clases. Este edificio cuenta con nueve espacios, un auditorio privado con 300 localidades, un museo, un estudio de grabación de radio, estudios de grabación y espacios y aulas para artistas. Entre la colección destaca un piano de Elton John, una de las cabezas gigantes de Deadmau5 o el sintetizador T.O.N.T.O (The Original New Timbral Orchestra), que es el sintetizador analógico más grande del mundo.

Un internauta que conoce muy bien todo la escena de la música electrónica ha creado un mapa donde están todos los mejores clubs de House y de Techno del mundo gracias al Google Maps. Este francés, llamado Matthieu Rodrigues, es el que ha creado el mapa interactivo donde se localizan estos clubs, llaLaCarne Magazine

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DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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OXIA - “Secret/Diversions Music 02”

CHARLES RAMIREZ - “Bless Your Body” FEARZ - “Escobar”

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EATS EVERYTHING - “Rita´s”

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TIM ENGELHADRT - “Thinking Of You”

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INTEGRAL BREAD - “Meliflua”

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MENDO&YVAN GENKINS - “Casan Snippet”

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CITIZENN - “Say It Like U Mean It” FUR COAT - “Twenty Eight” SHAUN REEVES&TUCILLO - “Smile Snippet”

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metrĂłnomos, claque baterĂ­as ni contigo ni sin ti 10 LaCarne Magazine

etas y

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odos sabemos lo que es un metrónomo: un instrumento que sirve para medir el tiempo y marcar el compás. La diferencia con la claqueta estriba en que ésta es como un metrónomo metido en un programa digital.

Desde el mostrador de esta insigne carnicería ya hemos tratado en anteriores ocasiones las habilidades con las que ha de contar un buen batería para elevar a la gloria las canciones de su banda. Coordinación y un buen sentido del ritmo evidentemente son imprescindibles, a lo que habría que añadir un cuidadoso sentido del tempo. Saber cuál es la velocidad adecuada a la hora de interpretar un tema puede ser la diferencia entre la gloria y el ostracismo.

No olvidemos el “Please Please Me” de The Beatles, en donde nuestro viejo amigo George Martin dio con la tecla al cambiar el tempo de la canción, y propiciar el primer número uno del grupo de los 4 de Liverpool.

Existen baterías excelentes, con gran sentido del ritmo, con una gran técnica en cuanto ejecución, que, sin embargo, luego no son capaces de realizar una grabación con claqueta. El metrónomo sin duda es un aliado indispensable en las grabaciones que se realizan hoy en día, y en su caso recomiendo profundamente a todos los baterías que trabajen con él, y se preparen con tiempo a la hora de enfrentarse a una grabación. La claqueta facilita increiblemente el trabajo del técnico de sonido, y el resultado final es mucho más positivo para toda la banda. Además, practicar con el metrónomo sin duda aumentará las habilidades del músico, y le ayudará a ser más constante a la hora de controlar su tempo. Con las técnicas de grabación y los programas que se utilizan hoy en día parece casi imposible enfrentarse a una grabación de un disco sin claqueta.

“Siempre me decantaré por aquellos músicos que puedan ofrecerme algo más que una toma perfecta.”

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Recuerdo mis primeras grabaciones a mediados de los 90, aún en estudios con sistemas analógicos. Con apenas 18 años uno apenas se planteaba asuntos de ese calibre, solamente que las tomas salieran bien y en el menor tiempo posible para ahorrar sobre todo dinero.

Con la llegada de las mesas digitales, animado por algunos técnicos de sonido con los que la mayoría de músicos extremeños habremos trabajado (César Bayón, Armando Mazuecos o Javi Bubayo), comprendí la importancia de trabajar con metrónomo en los ensayos cuando se avecinaba una grabación de alguna maqueta o disco.

Ahora bien, sin embargo no defiendo su uso a la hora de tocar en directo, salvo, claro está, que tu banda trabaje con programaciones o samplers en directo, más que nada por evitar el caos a la hora de interpretar dignamente la canción.

En la pasada edición del ParqueSonoro, de la que hablamos el pasado mes, observé que fueron bastante los bateristas que optaban por tocar en directo con claqueta, sin duda en pos de buscar la perfección y ofrecer una mayor profesionalidad en beneficio del resultado final. De manera espontanea, surgió entre el grupo de amigos el debate sobre si utilizar el metrónomo o no en las actuaciones en directo.

Como comprenderán, su seguro servidor, quien filetea y sazona esta carnaca mensual para ustedes, siempre se moja, y ésta no iba a ser una excepción. No defiendo el uso del metrónomo en directo. Quizás ofreces un resultado más real, más parecido a la grabación del disco que estás defendiendo, pero debemos saber separar una actuación en directo de una grabación. Será que uno tiene un concepto muy romántico de la música, pero es que ésta se vive de una manera especial, y los directos son mágicos, y de corazón uno ha de dejarse llevar y embriagarse de las emociones que le produce tocar en vivo. No creo que sea relevante el hecho de interpretar una canción un poco más rápido o más lenta. Al igual que cuando llega el momento de ejecutar los breaks, personalmente me gusta dejarme llevar por las sensaciones del momento. Im-

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provisar, ¿por qué no? El estado de ánimo, las buenas vibraciones del momento, la respuesta del público..., incluso la personalidad y manera de ser, todo debería repercutir en la actuación de un buen batería que deja fluir la música por todo su cuerpo.

A finales de los 90 tuve el privilegio de asistir a una Master Class del excelente baterista Salvador Niebla. Tras varias exhibiciones para mostrarnos la diferencia al trabajar con baterías acústicas y electrónicas, nos confesó que jamás repetía ciertos breaks, pues éstos los dejaba a las sensaciones que tuviera en ese momento. Como comprenderán, estuve a punto de arrodillarme y gritar bien alto “Aleluya”.

En mi última experiencia musical he descubierto que todo mejora y avanza a una velocidad vertiginosa, el nivel es cada vez mayor, los instrumentos son más baratos, accesibles y con más prestaciones que hace diez años, y las posibilidades son infinitas. No obstante, siempre me decantaré por aquellos músicos que puedan ofrecerme algo más que una toma perfecta.

No sé si en temas como “Sunday Bloddy Sunday”, “Easy Lover”, “Tonigh Tonigh”, “Tunnel of love” o “Roxanne”, por poner algún ejemplo, se utilizaría metrónomo, pero os aseguro, amigos, que tras esas interpretaciones hay un pedacito de alma que pervivirá para siempre, a pesar de que pueda existir un microsegundo de diferencia entre el puente y el estribillo, ya me entendéis.

En definitiva, amigos bateristas: ¿Metrónomo y Claqueta? Por supuesto. Son aliados para hacernos prosperar como músicos y mejorar el resultado de las grabaciones, pero en directo dejaos llevar un poquito, y escuchad el tic tac de vuestro corazón, que ese sí que marca bien el tiempo. ¶ Enrique Falcó

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H

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ace unas semanas me enteré de que habían cambiado el nombre al salón Belén, donde se realizan conciertos de la escena under. Al parecer, hubo quejas de los vecinos que terminaron con la llegada de la Alcaldía y Sobodaycom (Sociedad Boliviana de Autores y Compositores de Música). No estoy muy segura de cómo influyó esto en el cambio de nombre, no sé si implicó un cambio de dueños o un diferente registro del lugar frente a la Alcaldía. Pero al cambiarle el nombre sentí que le habían quitado su esencia.

Más allá de los bares y antros culturales que tiene La Paz, cuando se trata de conciertos de metal y géneros pesados, la escena siempre se ha movido en las periferias de la ciudad.

Son espacios escondidos en la infinidad de calles de El Alto, o por el Mercado Rodríguez.

Por eso quise despedirme de Belén, porque ella representaba eso para mí, como muchacha que tocó con su banda en ese lugar y que se sumergió a través de ella. Por eso le escribí una crónica, más literaria y ficcional que periodística, pero ésa es la imagen que tengo de ella y la esencia que quisiera transmitir.

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e todos los departamentos de Bolivia, es en la ciudad del Illimani, cuna del rock, donde los cuerpos de los devotos al metal pesado se entregan a los goces de una noche de estridencias. Hoy, el recuerdo del querido Rockerón sigue vigente, hogar de las tocadas más desnucadoras y rompe narices. Es una leyenda para las wawas que empiezan a internarse en la escena under, pero así como llegan las nuevas generaciones a poblar esta endemoniada ciudad, también han surgido sus espacios descendientes. Su hija predilecta, Belén, es el legado de tal congregación.

A pocos pasos de la Plaza Gran Poder, a la vuelta del comedor del mercado Rodríguez, se encuentra esta nueva mezquita del metal.

En la mañana es una pensión más, que sir-

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Belén

y los conciertos de ve ají de fideo, sajta de pollo y thimpu. Hasta las tres de la tarde se reciben chóferes de camiones de envío, caseritas que han dejado a su comadre viéndole el puesto para poder quitarse el hambre un rato, maestritos que han terminado su ruta minibusera, y alguno que otro ayudante acompañándolos. Salen todos satisfechos a continuar la jornada del día a día, y a veces le compran pasancallas a la cholita viejita de al lado, sentada en sus enaguas toda la tarde, sin sombra que la pueda cubrir. Después del último pensionado, doña

la escena under Mauge cierra las puertas, lava las ollas y se lleva todo en grandes bolsas de plástico. Deja la llave en el borde de la calamina que cubre un pequeño baño, afuera de la puerta de entrada al comedor. Luego camina un pequeño pasillo oscuro que es parte del local, pero no es del todo suyo, porque las comadres de la calle lo usan para guardar sus arrobas de papas y demás verduras. En unas horas llegaría la destrucción, pero doña Mauge no conoce quiénes son ellos, poco le importa. Con tal de que no encuentre patas rotas en las mesas de

plástico, no hay problema.

“Doña Mauge no vuelve hasta el lunes, tiempo suficiente para que el olor a azufre desaparezca.

Aunque, a veces, tiene que dejar el lugar abierto algunas horas antes de cocinar.”

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Alrededor de las siete, todos los viernes, cuando ya va oscureciendo el día, para un minibús en la puerta del lugar. Las caseras siguen en sus puestos, aunque ya medio queriendo alistar los costales de verduras para irse a cenar.

Saben que siempre llegan a esa hora, sin decir una palabra. Son cuatro o cinco hombres corpulentos, de cabelleras negras largas y despeinadas. Todos vestidos de negro, infunden un poco de miedo, más aún con esas manillas de púas plateadas y esas botas de cuero que se ven pesadas. El temblor se siente a cada paso que dan y las caseritas se hacen a las locas, y empiezan a gritar más alto su precio de arvejas por cuartilla. “¡A quince la cuartita!”, les dicen a sus clientas, “¡Llevate pues, reinita!, ya me lo estoy guardando para irme” y, mientras tanto, se miran entre comadres señalando con los ojos el lugar, la movilidad embrujada. Se abren las puertas traseras del auto y grandes cajas son llevadas por ellos al local, cual si fueran cofres siniestros, aunque muy delicados. Las caseritas saben muy bien qué son: el instrumento del mal. Alguna que otra escupe a la pachamama, no importa cuántas veces ya hayan visto el mismo procedimiento, ¡se tienen que asegurar! A nadie le gusta dejar su ajayu en las calles inmensas de La Paz. Para las nueve ya no quedan más de tres caseritas, ya yéndose también. Cuando suenan ruidos raros provenientes del local, se van al momento. “No me voy a quedar a ver esas adoraciones a Satanás”, dice una que otra indignada.

Belén ha despertado.

Vacía la calle a las diez, recién comienza la noche. Y para quien vaya a su primera tocada allá, no es ningún problema el no tener caseras a quienes preguntar. Los awichos se van congregando alrededor, con sus botellitas de yupi con alcohol, y alguno que otro con su pequeño porrito de marihuana. A ellos se los respeta, los más antiguos de la escena, siempre tempranito y esperando por los alrededores y en la puerta. Ch’allan por la Belén, le arrojan sus humos espirituosos, para que no haya mala suerte esa noche y se llene el local.

Todos con vestimenta negra u oscura, parecen estar esperando entrar a un funeral, pero cuando se trata de una tocada de metal, cada noche es de levantamuertos. Los jóvenes van

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llegando también, y para las once ya suenan los primeros acordes acompañados de una batería estrepitosa, casi infernal. ¡Vamos a rompernos los cráneos, se dicen, vamos a poguear!

El escenario, compuesto por un pequeño retablo, carga todo el equipo para que las bandas puedan tocar y, en los extremos delanteros, graditas improvisadas con cajas de cerveza ayudan a esos hombres a subir y cerciorarse que nada vaya a sonar mal. Transcurre la noche y las bebidas se mezclan con los sudores de la muchachada, las chaquetas negras en cada silla, los cigarrillos muertos en cada mesa y los empujones al son de los gritos y la música. El lugar se llena de griterío y ch’allas por todo el lugar, mientras la música suena y alguno se sube al retablito para lanzarse a las manos extendidas de los demás. ¡Cuánta devoción! Sólo por la damisela de hierro, la mujer amante, la adulada y congregadora Belén.

Pasan las horas como un efímero sorbo de cerveza. Algunos caen muertos en las esquinas y les dejan dormir tranquilos. Otros en el mosh y los levantan para seguir haciendo el muro de la muerte. Las muchachas, con cabelleras aún más largas que el resto, mueven la cabeza de arriba abajo con violencia y alguna que otra se mete a la boca del lobo.

Pero todo llega a su fin, y eventualmente el cuerpo, que por placeres se dejó llamar, cedió también a la tentación del sueño. Los cuerpos sobrevivientes continúan en alguna placita aledaña hasta el amanecer. Belén, por su parte, tiene que descansar. La entierran, esconden, cubren la escena del crimen. Los tres o cuatro corpulentos empacan todo así como desempacaron. El más alto de ellos asegura la puerta y deja la llavecita en el mismo lugar también. Doña Mauge no vuelve hasta el lunes, tiempo suficiente para que el olor a azufre desaparezca. Aunque, a veces, tiene que dejar el lugar abierto algunas horas antes de cocinar. ¶ El Salón Belén ahora tiene el nombre de “El tropezón”.

NOTA:

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depedro

y la fuerza del directo

engo que reconocer que es el primer concierto de Depedro al que asisto. Es más, prácticamente era la primera vez que lo escuchaba. Conocía a Jairo Zavala por su otro proyecto, Calexico, lo que inclinó la balanza a su favor el pasado viernes 11 de noviembre en la Sala Mercantil de Badajoz.

el público extremeño y se notaba. Jairo habla con los asistentes como con viejos amigos y pronto nos hace vibrar con su guitarra. Con los primeros acordes se crea una agradable y cómoda atmósfera. Canción tras canción nos trasmite sus vivencias. Sus letras hablan de la conciencia social, de las injusticias, de seguir siempre hacia delante, siempre avanzando y superando nuestros límites. En su nuevo trabajo, El Pasajero, enfatiza este lado social tan presente en toda su carrera, en temas como “Déjalo ir” o “DF”.

El público fue bastante puntual a la cita, lo que facilitó que no se hicieran mucho de rogar, y 20 minutos después la banda subiera al escenario. Fue una cálida acogida desde ambas partes, el auditorio estaba encantado y Depedro se dejaba querer. No era la primera cita con

Depedro tiene un estilo propio, una fusión e influencias de otros países que se aprecian en cada nota, con melodías y ritmos variados que te transportan a otros continentes. “Panamericana” o “Antes de que anochezca” son buenos ejemplos de ello. Lo mismo estás bailando una

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cumbia que una ranchera, una pegadita o un vals, siempre acompañadas de la potente y cálida voz, y de la gran maestría con la que acaricia a su inseparable compañera de viaje.

Pero no viene solo, le acompañan el guitarrista Kike Fuentes, el barítono saxofonistapercusionista David Carrasco Soriano, Óscar Fernández Barruz al bajo y contrabajo, y a la batería Andrés Litwin, que hacen que todo suene redondo, con unos acertados arreglos. Se suceden temas más conocidos y se intercalan con las nuevas composiciones, más puras.

Durante todo el concierto, los asistentes nos encargamos de hacer los coros siguiendo sus indicaciones, aunque el resultado no es el esperado y las risas se vuelven virales. No

faltaron temas como “Llorona”, “Diciembre”, “Te sigo soñando”, “Chilla que tiemble”, o “Miguelito”. Para despedirse, toca dos canciones sin más compañía que su guitarra, y de nuevo vuelve la banda para poner el broche final con “Comanche”.

Nos anima a acercarnos a intercambiar impresiones y firmar discos minutos después de terminar el concierto, gesto que los asistentes agradecen, haciendo cola para hacerse una foto y llevarse un bonito recuerdo.

Acogedor, íntimo, reponedor… así suena el directo de este nuevo disco, y así suena Depedro a grandes rasgos.

Solo puedo decir que volveré. ¶

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Dubstep, Drum’nBass o Electro-House, y sin duda es uno de mis grupos favoritos de electrónica bailable de nueva generación.

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ero es una formación inglesa constituida en Londres. El trío lo forman dos productores londinenses, llamados Daniel Stephens y Joseph Ray, junto a la vocalista Alana Watson. Forman parte de esa nueva generación de artistas británicos de música electrónica, cuyo objetivo es regenerar la huella que han dejado grandes monstruos de la electrónica británica, como Chemical Brothers u Orbital, entre otros.

Están especializados en generar canciones de

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Tienen dos discos, aunque he preferido hacer la reseña de su trabajo del 2015, BETWEEN II WORLDS.

Circles

Es uno de los temas más bailables. Para empezar el disco es genial por lo pegadizo que es, sobre todo por la melodía inicial que te introduce dentro rápidamente, y que, junto con la línea de bajo contundente, te hace sentir el ritmo inevitablemente. Además, Alana complementa muy bien la canción, apareciendo en

los momentos más adecuados como maestra de ceremonia.

The Thrill

Es un tema tranquilo pero con un estribillo muy, muy pegadizo. Es uno de los singles del disco, pero no el mejor tema a mi parecer. De hecho, el remix realizado por Rene Lavice de esta canción es tan distinto y tan bueno que se come el original.

It comes and it goes

Volvemos a otro tema tranquilo, con menos chispa que el anterior pero que aguanta el nivel. Ritmos Dubstep con grandes atmósferas sintéticas y a cargo de la voz, que hace las veces de una sirena marina.

Two minds

Otro de los singles del disco. Un inicio con la voz y atmósferas para irte metiendo en la pista, hasta que empieza la línea de bajo retro y el ritmo house, y ya estas dentro del club, la línea de bajo y la voz de Alana se encargan del resto. Un buen tema.

What does love mean

Empieza con un arpegio que va evolucionando a lo largo del tema para seguir con Alana, un ritmo Dubstep y una línea de bajo ochentera.

Otro tema tranquilito pero muy bien trabajado.

Between II worlds

Es el tema más flojo del disco. Pretende tener su toque épico como lo tuvo alguna canción del disco anterior, pero se queda en poco.

Into the Nights

Otro de los singles y un temazo en toda regla.

Empieza alternando una voz masculina con la de Alana, para introducirte en una bomba House. Es, sin duda, uno de los mejores temas del disco. Un verdadero disfrute escucharlo y bailarlo.

Satisfy

Y si no has tenido suficiente viene el temazo del disco. Una canción que empieza con la voz

metiéndote en “verea”, para seguir con la línea de bajo que va subiendo y, de golpe, el ritmo.

Un castañazo de fuerza que me enloquece, te acelera y te excita. Las guitarras le dan un toque más violento a esta canción. No falla en la pista de baile.

Dark Skies

Un track más de medio tiempo, con ritmo Dubstep pero con una melodía que se te introduce de arriba a abajo. No aparece la voz de Alana, pero no se echa de menos en esta canción. Buen tema.

Into the Past

Otro tema de corte épico, retro y con una voz susurrada que te llega en todo momento. Consigue el objetivo de deleitarte escuchando un temazo tranquilo y sinfónico. Muy acorde para el final del disco.

Tonight

Otro de los singles del disco. Canción muy buena con una voz pop espectacular, que te hace bailar en todo momento con sus melodía tan identificables y su ritmo Dubstep. Gran tema.

Wasted

Track lento con un ritmo muy pausado donde lo principal es la voz. Buena balada para acabar con el disco descansado, como si la fiesta hubiera acabado y ya fuera la hora de irse a dormir.

La formación es una referente a seguir puesto que los dos discos que han sacado son de notable alto. Es uno de esos grupos que esperas ver en Arenal Sound, FIB o incluso Sonar, pero que por h o por b los hemos tenido muy poco en tierras españolas. Esperemos que en el 2017 haya suerte. ¶

http://thisisnero.com/ https://www.facebook.com/nero https://twitter.com/nerouk LaCarne Magazine

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taller de libre improvisacion de raras músicas

ven a medio plazo.

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urante el lluvioso fin de semana del 22 y 23 de octubre pasado, nos reunimos unas 12 o 14 personas para participar en un Taller de Libre Improvisación organizado por Raras Músicas, e impartido por el saxofonista Ricardo Tejero y el guitarrista Jorge Cabadas, compañeros míos del colectivo Raras Músicas desde hace bastante tiempo.

En este taller hemos participado gente con bastante experiencia en la improvisación, y también gente que es totalmente nueva en este género musical o tiene poca experiencia. Ésa es una de las ventajas de este tipo de música, es totalmente integradora y no discrimina a nadie, puesto que todos somos, en principio, capaces de crear un lenguaje propio y personal, y unas estrategias y unas técnicas que no están escritas en ningún sitio, tienen que salir de uno mismo, de la experiencia de cada uno. No piensen que esto quiere decir que la improvisación libre es ponerse a tocar cualquier cosa y ya está. Este género musical es más complejo de lo que parece porque estás desnudo completamente, sin ningún sitio donde agarrarte, y tienes que construir algo coherente a tiempo real y sin tiempo para pensar, utilizando el instinto solamente. Eso sí, ese instinto sale después de haber pasado muchas horas pensando en qué lenguaje debes emplear, que sea único y personal, y después de haber practicado lo suficiente. Es una carrera de fondo, donde los resultados se

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Otra de las muchas cuestiones de las que se habló es que en este tipo de música los papeles tradicionales de los instrumentos cambian completamente. Me refiero a que en los demás géneros siempre hay alguien que lleva el papel principal y que otros se dedican a acompañar. Aquí no. Para tener un resultado coherente y factible no puedes adueñarte del protagonismo de forma permanente, tienes que fluctuar y alcanzar un equilibrio entre llevar las riendas de la pieza musical en unos momentos, y en otros estar de acompañante. Es un ejercicio continuo de escucha y de generosidad para que todo el mundo aporte lo mejor de sí mismo, y que el resultado final (la pieza musical, que al fin y al cabo es lo único que importa) sea más rica y jugosa. Hay que olvidarse del ego casi completamente. Digo “casi” porque no es bueno anularlo completamente, hay momentos en los que tienes que tirarte al vacío y llevar las riendas sin complejos y con decisión para que la pieza sea estimulante y tire hacia delante, porque si nadie se decide se llegan a situaciones repetitivas y sin forma, y de un aburrimiento indescriptible.

El formato de Talleres es una manera muy positiva para introducir a la gente en este género musical, muy incomprendido y muy ignorado.

Si se fomentasen un poco, los asistentes descubrirían una forma de hacer música increíblemente original, personal y sin ataduras, que consigue abrir la mente a dimensiones desconocidas, y que al fin y al cabo nos permite evolucionar como músicos, como artistas y como personas, porque en cada improvisación da-

mos lo más íntimo de nuestra manera de ser.

Creo que cualquier persona con inquietudes musicales en particular y artísticas en general debería enfrentarse alguna vez a la Libre

Improvisación. Descubriría muchas cosas que están escondidas en nuestro cerebro. ¶

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gatillazo,

14 trallazos de punk rock LEER MĂ S

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reo que una de las grandes virtudes de Gatillazo y de Evaristo es precisamente continuar una lĂ­nea estilĂ­stica propia. Reconocemos en los primeros segundos que lo que suena es 100 % Gatillazo.

Algunos dirán que no hay sorpresas o cambios, y no los hay. Insisto que no es defecto, es una virtud poder seguir apostando por el mismo sonido cada vez más contundente, los Gatillazo suenan en vivo como en el disco.

En la era de las sobregrabaciones y súper producciones, no se mueven de su estilo, el espíritu punk brota en todo el disco. Evaristo Páramos, con sus 56 años, derrocha lucidez en cada letra. Por ejemplo, en “SKK”: “La transición. La transacción, un timo de colores que el franquismo nos dejó. La transición. La transacción un pacto de cobardes para jodernos bien”. Y más adelante remata de forma lapidaria con “La población se la chupó, cambiaron de carroza sin cambiar el conductor”.

Les recuerdo que este disco salió mucho antes de los últimos resultados de las elecciones española y los pactos posteriores, no es que sea adivino el Evaristo, sino que ya vivió esta historia varias veces. Malos tiempos para España, buenos tiempos para el punk.

Continuando con las clarividencias de Evaristo, nos canta en “Follate al Lider”: “Tenemos nuevos dioses a los que adorar, un nuevo lider, una religión que nos dé una vida de mierda, en un mundo peor, un multimillonario mamón, degenerado, loco y cabrón”. Sí, también aquí fue antes que ganara Donald Trump, pero todo está podrido.

Nos dice en “Podredumbre”: “Podredumbre, podredumbre para el personal, si no estás podrido pronto lo estarás.” Una canción muy bonita para cantar y bailar/poguear a viva voz.

No, no es pesimismo, es un cachetazo de realidad.

En “Siente el pánico” encontramos: “Vidas tristes y apagadas, ahogadas por la soledad”, continuamos con el pesimismo, diría nuestra tía. Según desde donde lo mires, de dónde lo cantes o de dónde lo sientas, el punk siempre debe ser un dedo en la llaga, debe mostrar lo que la publicidad y los maquillajes de todo tipo nos quieren ocultar. Evaristo se ha especializado en este tipo de mensaje, una sociedad

“La sociedad seguirá decepcionándote, y en el próximo disco de los Gatillazo ellos estarán allí para denunciarlo” cada vez más alienada, más radicalizada. El mensaje punk no debe asustar, la sociedad decadente sí.

En “La familia Unida” podemos escuchar: “Nada más lindo que la familia cuando está unida por el alcohol”, y en “Nada que ver” “Pues sí, yo no he sido quien jodió la educación, ni fui el que te quitó el trabajo, pues no fui yo quien rescató al sector bancario, no soy yo el que ha jodido al mundo”. A no desanimar, que no decaiga en “Desde el Cariño”: “Mi querido tertuliano, quién te ha visto y quién te ve. Éste era el tonto del barrio y ahora es un maestro zen. Si hubieras sido una paja, un derrame en el colchón, este puto mundo estaría algo mejor”.

La canción “Quiero ser un puto viejo” es un guiño, según mi humilde opinión, a La Polla Records. Una confesión u otra visión clara del Evaristo de su propio futuro, de ese futuro del que nunca imaginó cuando la generación punk cantaba no hay futuro. Escuchemos con atención esta perla: “Yo no quiero ser siempre joven, ni parecerme a Camilo Puerco. Quiero ser un puto viejo, quiero ser un carcamal, yo no quiero sentirme más fuerte ni tener más velocidad, quiero ir hasta la muerte con toda tranquilidad”.

Resumiendo para finalizar, la humanidad va seguir defraudándote, la sociedad seguirá decepcionándote, y en el próximo disco de los Gatillazo ellos estarán allí para denunciarlo, porque ellos no precisan cambiar la sociedad. ¶

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Haken

regresan con Affinity coros muy logrados bajo una base rítmica potente muy progresiva.

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o es nada nuevo que Inglaterra lleve más de una década ofreciéndonos grandísimos nuevos grupos de rock progresivo, algunos más clásicos y otros más innovadores.

Haken es una de esas bandas que se mueve en los dos terrenos, muy jóvenes y desconocidos, que, a pesar de tener tres álbumes en el mercado, no tenemos muchas noticias de ellos. Fue quizá en 2014 con su primer Ep Restoration, y con la colaboración de Mike Portnoy a la batería, cuando la banda pegó un empujón y la crítica empezó a brindarles los mejores elogios. Es por eso que merece la pena repasar este nuevo disco, Affinity.

La banda mantiene el rumbo de sus dos anteriores discos, pero aquí saca más a la luz lo que se echa en falta en los otros: una madurez y unos temas más trabajados, de nuevos sonidos y ambientes, sin perder sus raíces.

Este disco tiene de todo, una producción exquisita, una instrumentación sobresaliente y una calidad de ejecución impecable. Aunque tienen una seña de identidad y un toque muy personal, se me vienen a la cabeza muy claras influencias de grupos más “consagrados” como Karnivool, Dream Theater o Pain of Salvation (entre muchos otros), que se van sucediendo a lo largo de los temas. De hecho, podría decir que cada tema tiene una reminiscencia a otros grupos.

“Initiate” abre el disco después de una pequeña introducción instrumental. Un tema delicado, de sutiles arpegios mezclados con unos

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“1985” es un tema con un comienzo muy Fates Warning, aunque tiene un toque muy ochentero, muy reconocible por el uso de unos teclados tan característicos de la época. Quizá el título del tema lo dice todo. Tiene un pequeño giro en medio más moderno, de afinaciones graves que tumban a cualquiera, para volver a algunas partes muy Dream Theater. Un tema muy original donde se dejan caer las muchas influencias de la banda.

“Lapse” es un tema de giros melódicos vocales y muy del estilo Karnivool, ya que la forma de impostar la voz es muy similar y por supuesto, la música ayuda. Cabe destacar el solo de guitarra en este tema, una “delicatessen” muy fusionera que le da un aire fresco al tema, muy al estilo Guthrie Govan.

“The Architect” es una masterpieza en la que hay de todo. El tema es un compendio de partes distintas, para todos los gustos. A destacar el inicio con unos compases de amalgama complejos al que le sigue algún ritmo en blast beat, todo muy bien empastado. El tema es muy progresivo, pero a la vez se vuelve muy sinfónico según avanza, con mucho protagonismo de los teclados y los arreglos vocales.

“Earthrise” puede ser el tema más “comercial” y sinfónico, por así decirlo. Muy pegadizo. Es una canción muy reconocible, con un toque muy Minus the Bear y Dream Theater al final.

“Read Giant” es uno de los temas “raros” del disco, y lo digo así porque poco tiene que ver con el resto, sobre todo al comienzo. A una base electrónica le acompaña una ambientación oscura y de buenas armonías.

“The Endless” vuelve a retomar su estilo más trabajado y progresivo. De solos muy espectaculares y ritmos más pesados.

“Bound the Gravity” casi llega a tocar el cielo, sublime. Es el tema que cierra el disco y es de hecho, el que dice lo grande que puede llegar a transmitir una simple canción. Me transporta. Un ambiente delicado de clara influencia Oceansize, pero un tema del que sobran las palabras, que simplemente hay que escuchar…

todo para gustar a los amantes del progresivo.

Mi único “pero” es que cada tema me recuerda a algo que ya está hecho, de otros grupos muy reconocibles. Aún así, y lejos de comparaciones, la calidad de esta banda es muy alta, tienen sonido, técnica, ejecución y no por eso hay que dejar de disfrutarlo. ¶

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Haken tiene muchas cosas buenas en este disco. De hecho, se podría decir que lo tiene LaCarne Magazine

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europa y latinoamĂŠrica

investigación la federación extremeña de folklore la ciudad de la música

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“Deseo que sirva el presente ensayo para despertar el interés hacia esta nuestra lírica popular, tan olvidada hasta aquí, y espero se desvanezcan para siempre los equivocados prejuicios desfavorables que sobre nuestro folklore se habían vertido. Si tal llega a cumplirse, mis humildes esfuerzos se verán coronados por la mejor y más grata recompensa”, Manuel García Matos.

A pesar de que aún quedan atisbos de esos prejuicios desfavorables hacia nuestro folklore, y de que su formación sigue siendo escasa, es de justicia reconocer la labor de todas las personas e instituciones que hacen que los deseos de apasionados y estudiosos de folklore, como Manuel García Matos, se cumplan y calen en el desarrollo de nuestra sociedad.

La Federación Extremeña de Folklore es la principal encargada de preservar y difundir la riqueza de nuestras raíces, y son muchas las acciones que, bajo esta premisa, se llevan a cabo desde hace treinta y un años. Una institución que trabaja tenazmente para que el folklore extremeño forme parte de la cotidianidad, y, por supuesto, de la historia de nuestra generación y de las venideras.

Este esfuerzo se ha visto reconocido recientemente por la Junta de Extremadura, que ha tenido a bien otorgar la Medalla de Extremadura a los años de esfuerzo que la Federación Extremeña de Folklore ha dedicado a preservar y promocionar las raíces de la región.

GRUPOS PERTENECIENTES A LA FEDERACIÓN EXTREMEÑA DE FOLKLORE Son 87 las asociaciones que actualmente conLaCarne Magazine

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forman la Federación. 87 grupos repartidos por toda la geografía extremeña, además de cuatro agrupaciones pertenecientes a Alcalá de Henares, Torrejón de Ardoz, Parla y Aluche.

Todos ellos asumen la responsabilidad que conlleva la tarea de transmitir y fomentar la cultura popular, pues “de nosotros depende que el compromiso adquirido desde cada agrupación tenga los resultados y logros propuestos, como son, el hacer resurgir y mantener vivas nuestras tradiciones”.

ACTIVIDADES

La Federación Extremeña de Folklore, en su labor de investigación, propone: Jornadas de coordinación de música y danza, jornadas de investigación y percusión, el programa Enraizarte y concursos de fotografía de festivales folclóricos.

Las jornadas de coordinación de música y danza nacen gracias a la sugerencia de las asociaciones que componen la Federación, con el objetivo de llevar a cabo una labor de unificación de danzas y músicas para facilitar el aprendizaje de nuevos bailes, y perfeccio-

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nar los ya incluidos en el repertorio de cada agrupación.

Las primeras jornadas de coordinación se llevan a cabo en el año 1990, realizándose desde 2005 hasta 2011 dos ediciones cada año.

La duración del evento también se amplió, celebrándose así en un fin de semana en el que diferentes agrupaciones coordinan varias danzas y distintas piezas musicales. El objetivo principal es que todas las asociaciones se impliquen, convivan y compartan lo mejor de cada una de ellas.

Las jornadas de investigación y percusión tienen por objetivo enseñar técnicas y metodología de investigación: trabajo de campo, recogida de información, y documentación que sirva para catalogar y exponer el material recopilado. Dentro de dichas jornadas se integra el taller de percusión, donde se pretende que la tradición instrumental permanezca viva en cada asociación, preservando así la esencia y la técnica que utilizaban nuestros antepasados cuando tocaban diversos instrumentos.

Las primeras jornadas de investigación se ce-

lebraron en 1992, coincidiendo con las fiestas de interés turístico regional como Jarramplas, Carantoñas, Encamisá...

El programa Enraizarte surge de la demanda de diferentes municipios, y de su inquietud por aprender y transmitir el Folklore extremeño. El desarrollo del programa se lleva a cabo en forma de talleres impartidos por personas pertenecientes a grupos inscritos en la Federación.

Su duración es de 40 horas y sus principales objetivos son, entre otros, conocer las creencias, actitudes y valores básicos de la tradición y el patrimonio cultural extremeño.

FESTIVALES

El buque insignia de la institución son los festivales que organiza. Destacan el Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo, un festival internacional que cada año reúne a varios países que recorren la geografía extremeña y portuguesa, mostrando las características fundamentales de su tradición popular.

El Festival Autonómico de Folklore Bonifacio Gil nace en 1992. Se realiza anualmente en distintas localidades extremeñas y se de-

sarrolla en varios días en los que cada grupo pone en escena su labor.

El Festival Autonómico Infantil Ángela Capdevielle es considerado por la propia Federación una de las actividades que más fortalece el objetivo de preservar y difundir el Folklore extremeño. En él, se incentiva a los grupos infantiles de cada asociación a continuar con la tarea de promocionar la cultura popular. Se celebra desde 2002.

El Festival de Folklore para la inclusión “Romero y Espinosa” pone como protagonistas a las personas con discapacidad, utilizando el arte y promoviendo la cultura extremeña como medio para la inclusión y eliminación de estereotipos y prejuicios. Este festival se complementa con jornadas técnicas, exhibiciones y exposiciones relacionadas con las tradiciones de la región.

REVISTA “SABER POPULAR”

La Federación Extremeña de Folklore edita, desde 1987, una revista centrada en la cultura popular extremeña. En ella se dan cita un buen número de colaboradores amantes del LaCarne Magazine

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Folklore con conocimientos en gran variedad de temas, como son la música, la danza, la gastronomía, siempre relacionada con la tradición regional.

Esta revista tiene un consejo de redacción que se encarga de seleccionar los trabajos que componen cada publicación.

Durante todos estos años, la institución ha mantenido su publicación de forma regular, dando fe del lugar que ocupa el ámbito de la investigación dentro de su desarrollo.

Así, convoca el premio Garcia Matos, cuyos ganadores tienen la oportunidad de publicar de forma monográfica sus trabajos de investigación.

PREMIOS

Premio García Matos.

El premio García Matos está encaminado a fomentar el campo de la investigación, incentivándolo y poniendo como objetivo el conocimiento del Folklore extremeño. Se viene convocando sucesivamente desde el año 1986.

Premio Candil de Plata.

Es un galardón que otorga la Asamblea de la Federación Extremeña de Folklore a aquellas personas o entidades que por su difusión, defensa, promoción o cualquier otra faceta relacionada con la tradición extremeña han tenido una especial relevancia. Los candidatos deben ser propuestos por asociaciones pertenecientes a la Federación, y estar respaldados por tres agrupaciones más.

Premio Isabel Gallardo.

Es un premio de investigación que intenta inculcar los valores a los más jóvenes, de forma que se despierte en ellos el amor a su tierra y a sus tradiciones.

Agradecemos especialmente a la Federación Extremeña de Folklore por su colaboración en este articulo, y por su dedicación al mantenimiento de la cultura popular extremeña. ¶

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Rolanda Ginkute

la ciudad de la música LEER MÁS

P

edro Bote Torres, nacido en 1868, fue uno de esos hombres que dejan su impronta al entregarse a los demás tratando de enriquecer el nivel cultural de un pueblo.

Llega en su juventud a Villafranca de los Barros, y encuentra el caldo de cultivo favorable para compartir sus inquietudes musicales, influir y convencer. Él no era un profesional de la música, pues trabajaba como contable en una fábrica de harinas, pero sus conocimientos del noble arte y su enorme pasión, le llevan a contactar con quienes tenían esa misma afición.

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Músicos de toda índole y condición, instrumentistas de viento, de pulso y púa responden a la llamada, y tras quedarse tempranamente viudo, compagina su trabajo con su enorme pasión, y crea una agrupación que al poco tiempo el Ayuntamiento de la localidad adopta como Banda Municipal de Música. De su iniciativa parte no solo el nacimiento de la Banda, que consigue hasta 28 instrumentistas, sino también una estudiantina, una Coral y, en fin, diversas orquestinas que amenizan fiestas y acontecimientos en Villafranca, quedando en el reconocimiento de todo el vecindario la gratitud a Pedro Bote hasta su fallecimiento, ocurrido en 1930.

Es así que Pedro Bote pone el germen para

Barros crea en 1998 el Certamen de Jóvenes Intérpretes “Pedro Bote”. Certamen que trata de premiar la excelencia en jóvenes músicos, menores de 31 años, de todas las especialidades instrumentales estudiadas en los conservatorios, pudiendo participar tanto solistas como agrupaciones de cámara. Primero, como concurso regional y, pasadas las ediciones, se convierte en Certamen Internacional. Certamen que acaba de celebrarse el pasado noviembre en su XIX edición, y que ha concluido con el triunfo de la violinista lituana Rolanda Ginkute, que ganó el primer premio (8.000 euros y gira de 5 conciertos), la soprano malagueña Alba Moreno (4.000 euros y gira de tres conciertos), y tercer premio para el Trío Mozart (violin, violoncello y piano), que se llevan 2.000 euros y también gira de conciertos. Idéntico premio para la violinista gaditana Regina Laza-Pérez Blanco.

Premios obtenidos por estos jóvenes intérpretes elegidos entre los 24 participantes de esta XIX edición. Edición, como todas, muy competida, difícil para valorar a los concursantes cuando se mezclan intérpretes de diversas especialidades que pueden ser todos buenos, pero que el gusto y preferencias del jurado tiene mucho que decir. Es así una gran labor para promocionar a jóvenes y talentosos intérpretes, y el Certamen de música más importante de Extremadura, que, como no podía ser menos, asume la bien llamada “Ciudad de la Música”. que transcurridos los años, y multiplicadas las agrupaciones e instituciones de carácter musical, sea la villa pacense de Villafranca de los Barros, reconocida por la Junta de Extremadura, en octubre de 2.002, como “Ciudad de la Música”, título honorífico que orgullosamente ostenta.

No tiene por qué extrañar que sesenta y tanto años después de su fallecimiento, el recuerdo de Pedro Bote Torres se mantuviera en la memoria del pueblo. A veces es más importante el luchar por despertar una conciencia hacia la cultura, en este caso musical, que el ser un artista excelente si solo se trabaja para uno mismo. Y en esa memoria siempre viva, el Ayuntamiento de Villafranca de los

Siguiendo el tema de promoción musical. No quiero dejar de reseñar el nombre de Julio García Casas, músico frexnense reconocido por la Unesco en diciembre de 1997 con la Medalla Mozart, por su ejemplar labor en Juventudes Musicales de Sevilla y Andalucía, su contribución al desarrollo jurídico de la Federación Internacional de Juventudes Musicales, y en agradecimiento al apoyo prestado a la Presidencia Española del Consejo Internacional de la Música. El concertista, persona excelente, sencilla y trabajadora con muchos reconocimientos en su haber, falleció el pasado mes a los 82 años. Quienes le conocimos de cerca estimamos su labor en pro de la música, su cercanía y valores humanos. Descanse en paz. ¶ LaCarne Magazine

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entrevistas depedro, el pasajero de las emociones de charla con elio ks por coplas y bulerĂ­as oscuro mito jorge salĂĄn nos presenta graffire ricardo tejero nastasia zurcher y su viaje a lo desconocido david collados, luchando por el rock lĂşcido arkanos, fusionando la historia con el metal desintegraciĂłn luna, una artista que brilla como el sol LaCarne Magazine

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depedro el pasajero de las emociones

Texto y Fotos por S. Plata

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D

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epedro lleva tan sólo unos meses de promoción con su nuevo disco El Pasajero, y hace poco nos llegó a la redacción la noticia de que Depedro presentaría su disco en Badajoz, y, por suspuesto, no podíamos dejar pasar esta gran oportunidad de hablar con él. Hemos seguido a este artista desde que formara parte de La Vaca Azul, y no nos hemos perdido ningún detalle de su trayectoria en solitario.

Con este disco, El Pasajero, Depedro inicia una nueva etapa en la que nos invita, a través de sus canciones, a acompañarle mientras reflexionamos sobre el viaje interior que hemos iniciado sin saberlo, viendo paisajes conocidos que nos transportan a otras épocas de nuestra vida. Canciones positivas, letras profundas y la sonoridad que caracteriza a este gran artista son la receta perfecta para que El Pasajero se convierta en uno de tus discos favoritos por mucho tiempo.

Para comenzar, nos gustaría que nos hablaras de tu nuevo disco, El Pasajero. El título nos hace pensar en un viaje, pero nos gustaría saber si eres tú ese pasajero o lo somos los oyentes ¿Cómo está recibiendo el público este disco?

Siempre te gusta que la gente viaje contigo cuando escucha la música que tú haces. Hay un diálogo con el oyente, y me gusta pensar que ese diálogo existe cuando la gente escucha El Pasajero, y se vienen conmigo de viaje y se convierten en pasajeros permeables que oyen historias, aprenden de ellas y comparten, disfrutan de la vista y aprenden recetas de cocina nuevas… Siempre se aprende del viaje.

Estoy muy contento de cómo lo está recibiendo el público, la verdad. Ya son cuatro discos, y ha pasado un montón de tiempo desde el anterior (tres años). Había pensado que ya se habían olvidado de mí, y parece que no, están ahí con su sonrisa. Es muy emocionante ver que lo que haces sigue conectando emocionalmente con la gente.

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Tu nuevo disco, El Pasajero, lo has grabado junto a Caléxico y también has contado con Gaby Moreno, Bunbury, Naim Amor, Tom Hagerman y los músicos de la filarmónica de Devotchka. ¿Cómo decides en qué canción va a participar cada uno de ellos?

Bueno, tengo una idea, pero yo no soy de ideas preconcebidas. Sí que, por ejemplo en este caso, como el disco se ha grabado con todos en una misma sala y en directo, excepto la colaboración con Enrique, que no pudo venir y tuvo que mandar su parte, lo demás sí que ha sido muy espontáneo. Gabi estaba en Los Ángeles y le dije “vente para acá que tengo unos coros…”, y vino. Lo de los arreglos de cuerda sí que había una idea preconcebida, pero excepto esas dos canciones, lo demás es como un tocón de madera que vas quitando cosas y al final se queda la canción. Sabes lo que no quieres pero lo que quieres no lo sabes..., ya aparecerá. Ha sido muy gratificante y muy divertido hacerlo. ¿Es la primera vez que grabas en analógico?

No, casi todos los discos los he grabado en analógico. El anterior a El Pasajero fue más puzzle porque lo grabé por partes en el estudio. Pero esta vez he establecido un puente con el primer disco que lo grabé así del tirón, y quería conservar esa magia que te da grabar todos los músicos, mirándote a la cara, y equivocándote juntos y sufriendo hasta que sale la toma que tiene toda esa carga emocional.

Es más un reflejo de lo que somos porque en analógico, aparte del sonido que es bonito como suena y está en nuestra memoria auditiva, pero es algo más que no te permite hacer correcciones tan fácilmente como lo haces en digital. Te tienes que aceptar a ti mismo y tomar decisiones de “esto va a ser así”, y se va a quedar plasmado de esa manera.

Sabemos que con Caléxico has trabajado anteriormente. ¿Cómo surge este feeling entre Depedro y Caléxico? ¿Habrá en un futuro más colaboraciones entre ambos?

Hay que remontarse casi al 2003 – 2004 ó 2005 (la memoria me falla), que le hice una canción a Amparito de Amparanoia (creo que fue en 2003), y Caléxico empezó a versionar

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esa canción. Ahí nos conocimos y empezó la relación hasta el 2007, que grabé el primer disco y que salió en 2008, pero hablé con ellos y me invitaron a grabar su siguiente disco, y a partir de entonces empecé a tocar con ellos hasta día de hoy, que toco la guitarra con ellos.

Y colaboraciones en un futuro, pues ojalá.

Hemos escuchado y cantado mucho “he estado tanto tiempo fueraaaa…” de tu canción ¿Hay algo ahí?, Déjalo ir, La Casa de Sal que también nos encanta, DF, Gigantes, Panamericana… bueno todos los temas… Cada uno de ellos tiene algo especial. Cuéntales a los que aún no han escuchado El Pasajero qué se están perdiendo, porque la verdad es que es un disco que no tiene desperdicio.

Quiero pensar, siempre lo digo, que mi música no es un puñetazo en la cara de sonido apabullante, sino que está hecha para que te acompañe en el tiempo y te abrace y te conforte. Y luego en directo, sí que tiene esa energía y esa fuerza que el directo tiene. Pero el disco creo que es un disco con largo recorrido, y que puede estar a tu lado mucho tiempo.

Cuando escuchas las canciones de este disco se quedan ahí en la mente y, de repente, te encuentras repitiendo un estribillo durante todo el día ¿Cómo ha sido el proceso de composición de letras y música para este disco? ¿En qué te has inspirado para componerlo?

La inspiración siempre sale del mismo lado, que es de mi entorno cercano y las cosas que me cuentan, y parte también de los viajes, claro. Pero el proceso ha sido muy largo y muy complicado, no ha sido fácil esta vez.

Hasta que he dicho “venga, ahora tengo los temas que quiero plasmar en el disco”, pues ha pasado mucho tiempo y muchas dudas y frustración. Pero también es bonito que las cosas sean un poco duras, que no sean fáciles, porque así como que te lo crees más. Valoras más luego el resultado. Y ese es mi caso. ¿Has sufrido alguna vez el bloqueo del compositor? ¿Qué haces para salir de él?

Sí, claro. Me encantaría decirte que soy muy prolífico y que he hecho doscientas canciones y he cogido solo diez, sabes, pero no es el caso, me cuesta, es casi un parto con dolor LaCarne Magazine

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jejeje.

Y para salir del bloqueo… pues a veces un viaje, a veces una charla, un libro, una película, o simplemente descansar, que veas otra perspectiva de lo que está haciendo y te sale.

Por ejemplo, para este disco viendo un documental de la costa de Senegal ayudó a que se desbloqueara el tema, y fue como el pistoletazo de salida final de acabar el disco.

Colaborar con otros músicos y artistas siempre aporta una nuevas ideas a la hora de componer y trabajar los temas ¿tienes en mente algún artista con el que quieras trabajar en un futuro?

Ufff, muchísimos., pero espérate, que acabo de cerrar éste. Déjame que lo disfrute. Jajaja.

Pero sí, siempre estoy abierto a posibilidades, a tocar… Me encantaría volver a África, me encantaría ir a Asia también, y más a Latinoamérica.

Inmerso ahora en la promoción del disco, conciertos, etc, ¿cómo es tu rutina diaria, tu día a día? ¿Tienes tiempo para escuchar música, ir a conciertos, estar con amigos y familia…?

Es en la faceta que estoy más cómodo, en la de tocar. Soy músico de directo y me encanta compartir este momento tanto con el público como con los pedazos de músicos que llevo.

Aprovecho el poco tiempo que tengo para estar con mi familia, la verdad. Se me ha pasado ya, pero sí, leo, intento estar en contacto con lo que pasa en el 2016 ahora mismo en la música, soy de esos que siguen comprando discos… En fin, intento estar ahí regando mi inspiración. ¿Cuánto tiempo tienes pensado que dure la gira de este disco y qué ciudades o países visitarás próximamente?

Creo que la gira durará como año y medio o así. Como Depedro tiene la suerte de viajar por todo el planeta, pues hay que ir a muchos sitios. En Enero nos vamos a Brasil, en Marzo estaremos girando por toda Europa, y ya más no te puedo decir, pero, vamos, saldrán muchas cosas.

Jairo, para nosotros ha sido todo un lujo poder hablar contigo. Gracias por tu música y por

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dedicarnos un rato de tu tiempo para charlar con nosotros. Te deseamos mucho éxito y esperamos disfrutar de Depedro durante mucho tiempo.

A ti, muchas gracias. ¶

http://www.depedro.net/ ver facebook ver twitter

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de charla con

elio ks

y esta tarde la vamos a pasar con él porque seguro que tiene mucho que contarnos.

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ste mes viajamos a tierras andaluzas, concretamente a Sevilla, para charlar un ratito con alguien muy conocido dentro de su escena musical. Es uno de los capos de Univack Records, muy involucrado y uno de los cofundadores de PRISMA, el nuevo concepto de Club que se ha inaugurado recientemente en Sevilla. Se trata de Elio Ks,

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Me he vuelto loco averiguando cosas sobre ti y todo porque no he tenido una Bio como referencia para ello y ya sé el por qué, pero seguro que los lectores no. jejejeje ¿Podrías explicárselo a ellos y decirles qué fue lo que te llevó a pensar eso?

Jejejeje, no han sido pocas las veces que me he tenido “que pelear” con sellos y medios de comunicación por el temita de no tener una bio. No tengo ningún problema en que alguien me la escriba, pero no lo voy a hacer yo por-

mismo se centra en liderar una productora audiovisual asociada al sello (Univack Creative). Al poco tiempo nos quedamos Integral Bread y yo al mando del sello, imprimiéndole un carácter melódico a todas las referencias.

Nuestro lema es “wide range melodic club music”. Es justo el punto que creo que aportamos.

Hay muy pocos sellos, por no decir ninguno, que tengan una mirada amplia en cuanto a la música melódica. Unos se centran en el Deep House melódico, otros en el Prog-House, otros en el Melodic Techno... Nosotros, en todas las vertientes. El tiempo nos ha dado la razón y las fronteras están empezado a desdibujarse en los últimos meses. La música melódica de varios sabores está empezando a coexistir.

Me imagino que Univack será como un hijo para vosotros. ¿Cómo veis el crecimiento del mismo?

En los últimos tres años, Univack ha tenido un crecimiento muy bueno. Ciertamente somos un sello que podríamos calificar de segunda división dentro de la escena melódica, que en realidad a su vez es muy underground comparada con otras escenas. A final de 2017 llegaremos a la referencia número 50, y lo haremos con bastante gente pendiente de cada referencia del sello. Es todo cuestión de trabajo, tiempo e inversión. Constancia en definitiva.

que creo que mi trayectoria la puede ver cualquiera que se meta en alguna tienda donde se ve (y se oye) de golpe todo mi trabajo. La música habla por sí sola, y lo hace de forma rápida y directa. Hay otras disciplinas artísticas que a lo mejor necesitan más de una bio como carta de presentación.

Fundaste el sello Univack Records junto a tu socio Integral Bread. ¿Qué es lo que te llevó a ello y que queríais aportar con este sello a este mundo donde parece que todo está ya inventado?

Lo fundamos junto a Dave Alna, que ahora

¿Y qué es lo que os gustaría que llegara a ser en este mundo?

Nos gustaría que tuviera cada vez más calidad cada referencia, nada más. Más que fama o repercusión, creo yo que lo que nos gustaría, al menos en esta etapa, es poder contar con mejores artistas y mejor música.

Ya puestos, ¿qué o quién te metió en el mundo de la producción?

Pues yo sólo me metí con la idea de componer beats para el grupito de rap en el que cantaba.

Por aquel entonces, siendo un crio sin poder comprar nada de hardware, me peleaba con el poco software que había, que eran los trackers. Más de la mitad de mi carrera como productor la he pasado haciendo el “#@%*&” con programas que no llegaban a entregar nada demasiado profesional. Eran tiempos bastante más precarios. Luego, ya a partir de 2007, coLaCarne Magazine

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mencé a sacarle más rendimiento a todo ese periodo autodidacta.

Sé que siempre es complicado pero, por y para los lectores de LaCarne Magacine, ¿podrías avanzarnos algo de lo que vayas a sacar próximamente y bajo qué sello?

Pues en Univack, un EP conjunto con mi socio, cuñado y amigo Integral Bread. Un corte individual de cada uno, uno conjunto y una remezcla de un artista bastante conocido dentro de la escena melódica (aunque poco fuera de ella).

Resides y eres de una ciudad impresionante como es Sevilla. Muchas ciudades han visto cómo la cultura electrónica ha bajado mucho en los últimos años en relación a salas y clubes donde actuar. ¿Cómo ves el panorama de la música electrónica en tu ciudad?

En mi percepción, aquí no ha bajado, pero tampoco subido, se ha mantenido, aunque lo que sí que ha bajado es la población joven.

Ha emigrado media Sevilla, y sólo quedamos unos cuantos. Cada persona conoce mínimo a 10 personas que se han ido de aquí a buscarse la vida a otros lugares más fríos. Y eso hace daño de forma silenciosa a la cultura de club.

Todos los DJ siempre nos vemos identificados con unos estilos más que con otros. ¿Con qué estilos y sonidos te sientes tu más identificado?

Bueno, estoy un poco loco, la verdad. Soy casi melómano. Como Dj tengo 3 subnombres, (Ks para techno de club serio y oscuro, Kr para techno melódico o progresivo, y Db para todo lo que se salga de esos estilos). No me siento identificado al 100% con nada, aunque últimamente, por mi etapa vital, tiendo a escuchar música menos oscura y más optimista. Creo que la música debe impactar y mover, pero también hacer nuestras vidas más alegres.

Hablemos de Prisma, ¿Cómo lo definirías?

Lo definiría como una aventura colaborativa.

Un nuevo club de música underground que pretende ser cercano, cotidiano, y a la vez avanzado en su propuesta musical y artística.

En otras ciudades europeas hay cosas peque-

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ñitas con este espíritu, pero en Sevilla en parte es algo nuevo. En los próximos meses veremos cómo responde la gente. De momento ha sido todo un éxito :) ¿Qué puede aportar que le falte a la ciudad?

En Sevilla hay muchas salas, pero quizás no haya ningún Club. ¿Ah, pero no es lo mismo?

Bueno, no exactamente. Creo que Prisma puede aportar calidad y diversión, siguiendo la estela de otras grandes salas de la capital, pero a la vez un trato algo más cercano, con el que la gente pueda identificarse y sentirse parte de la auto-construcción de una cultura centrada en la música electrónica.

Ya puestos, indícanos su dirección y horarios para todo aquel que quiera acercarse a conocerlo.

Estaremos en el Polígono Calonge (junto a Kansas City), y abrimos todos los fines de semana y vísperas de festivos a partir de 00:30 a 07:00. La programación es muy variable, y habrá noches para todos los gustos. Sonará desde Future Garage hasta Dubstep, pasando por Techno Industrial o Deep House refinado.

Lo que sea, pero que se baile :) ---------------------------Bueno, pues esto ha sido todo. Espero que este ratito haya servido para que conozcáis un poquito más a este pedazo de artista y sus inquietudes. Si tenéis oportunidad, no dudéis en pasar por cualquiera de sus páginas, no os defraudará lo que escuchéis en ellas. Espero que volvamos a vernos pronto Elio Ks, y si es en una cabina mucho mejor. ¶

Elio Ks/Kr Soundcloud Elio Ks/Kr Twitter Elio Ks Beatport Elio Kr Beatport Elio Ks/Kr Mixcloud Elio Kr´s Univack Label Webpage Elio Kr´s Univack Label Soundcloud Elio Kr´s Univack Label Bandcamp Prisma Sevilla Facebook

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por coplas y bulería diputación provincial de cáceres

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l mes pasado comentábamos que con el comienzo del otoño parecía que las actividades culturales y musicales quedaban en stand by hasta el nuevo comienzo de la primavera, pero nada más lejos de la realidad. La Diputación Provincial de Cáceres ha hecho que esto forme parte del pasado, y ha puesto en marcha varios programas que engloban actividades culturales, musicales y teatrales.

En el número anterior de LaCarne Magazine, os invitamos al Programa Provincia Inquieta, que recorrería varios municipios de la provincia. Pero Diputación Provincial de Cáceres

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no se ha parado aquí, y desde el 4 de Noviembre al 4 de Diciembre se ha llevado a cabo el programa Por Coplas y Bulerías.

Este programa, cuyo nombre nos indica ya qué género musical va a englobar, sustituye al programa Noches de Copla. La intención de Diputación ha sido unificar en un solo programa la copla y el flamenco. Además, la novedad se basa en que las actuaciones se llevarán a cabo en las Casas de Cultura de las poblaciones, dando así mayor vida y utilidad a muchas de ellas que permanecían cerradas.

Por Coplas y Bulerías ha recorrido un total de 20 poblaciones, y han participado un elenco de artistas muy reconocidos y valorados, tanto en copla como en flamenco. Los ciudadanos de las diferentes poblaciones han podido disfrutar de todos ellos, y estamos convencidos de que han disfrutado la experiencia.

jo de Santa Bárbara • Celia Romero en Trujillo y Gargantilla • Aurelio Gallardo en Navas del Madroño y Rebollar • Al compás de Charly en Montánchez y Segura de Toro • Jorge Peralta en Villa del Campo y Aldea del Obispo Hemos querido saber la opinión de algunos de los artistas que han participado en Por Coplas y Bulerías. En este caso, Celia Romero, Raquel Palma y Rosario Abelaira nos hablan de su aportación y participación en la siguiente entrevista: ¿Qué ha significado para ti poder participar en este programa?

Rosario Abelaria: Poder llevar mi espectáculo a poblaciones pequeñas, que de otra manera no podrían acceder a él por tener pocos recursos. En definitiva, que me conozcan en más sitios y por más extremeños.

as Ambos géneros son muy apreciados en Extremadura, y qué mejor forma de promover a nuestros artistas y nuestra cultura musical que a través de programas como Por Coplas y Bulerías. Éstos han sido los artistas que han participado en esta edición: • Raquel Palma en Toril y Torre de Don Miguel • Pilar Bollero en Villar de Plasencia y Valencia de Alcántara • Estela de María en Torrejón El Rubio y Hoyos • Rosario Abelaira en Casas de Belvís y Peraleda de la Mata • Alberto Moreno en Navalmoral de la Mata y Pozuelo de Zarzón • Raquel Cantero en Casillas de Coria y Gui-

Raquel Palma: Para mí es algo especial, tiene una parte de mí. Estoy contenta de que hayan contado con mi espectáculo un año más.

Celia Romero: Es un orgullo para mí como extremeña y cantaora participar en este ciclo de música, y compartir cartel con muchos compañeros y amigos. ¿Qué te ha parecido la edición de este año en cuanto a las propuestas artísticas?

Rosario Abelaria: Creo que la Copla se merecía una edición para ella sola como en otras ocasiones, pues es un género amplio y que gusta a mucho más municipios, y diferenciar del Flamenco, que es otro estilo y que se merece también un ciclo para él sólo. De esa manera llegaría la Copla a más localidades o cada artista tendría más actuaciones que también está bien. Por lo demás, me parece un plantel de artistas estupendo, grandes profesionales de la Copla y el Flamenco.

Raquel Palma: Hay artistas estupendos. Una selección importante, ya que este año se ha ampliado al Flamenco y la cantera es estupenda. Todos los que estamos somos grandes LaCarne Magazine

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profesionales en ambos campos.

Celia Romero: Admiro mucho a los restantes artistas que completan el ciclo. Han sido muy buenos conciertos e invito a asistir a todas las personas para que disfruten de la música de nuestra tierra. ¿Cuál es tu opinión con respecto a este tipo de propuestas culturales?

Rosario Abelaria: Me parecen siempre estupendas, se traten de un estilo u otro. Hay que llevar la cultura a los pueblos más desfavorecidos por motivos económicos o de infraestructuras, y apoyar a los artistas extremeños que trabajamos por nuestra tierra y por ella, pagando aquí nuestros impuestos y conociendo y amando nuestra tierra.

Raquel Palma: Yo estoy muy contenta, ya que desde mi empresa, GP Extremusic, ideamos este proyecto y lo trabajamos conjuntamente con Diputación de Cáceres en las ediciones 2012 /13, pero entonces se llamaba NOCHE DE COPLAS. Me hace feliz que se siga hacia delante con este proyecto, y que evolucione, ya que era importantísimo que la Copla tuviera su propio programa. Mientras sigan apostando por la Copla, yo estaré feliz.

Celia Romero: Opino que deberían contar con estas músicas más a menudo, ya que es nuestra cultura y tenemos que darle la importancia que merece. En Extremadura hay mucho arte y muy buenos artistas!!! ¶

Rosario Abelaira

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oscuro mito retorno a lo ancestral LEER MÁS

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etorno a lo propio, ancestral y resistencia a lo impuesto. Son temas recurrentes en la historiografía de Bolivia, pero también en el género del Black Metal. No es casual, entonces, el desarrollo y crecimiento de una ola de bandas que adopta esta posición y fusiona los géneros tradicionales bolivianos con metal en sus diversas ramificaciones. En esta oportunidad, hablamos con Oscuro Mito, una banda cochabambina que tuvo firme esta fusión hace varios años atrás. Hoy, ellos han formado un proyecto firme, y día a día va ganando más reconocimiento, no sólo a nivel nacional. Tenemos el gusto de saber más de ellos y su trayectoria, gracias a Andrés, guitarrista y coros de la banda. ¿Cuándo y cómo comienza la banda?

La banda comenzó en octubre del 2008. Armin, Fernando y Andrés decidimos hacer algo nuevo fusionando la música que era común entre nosotros, Black Metal y Folklore boliviano. La historia y tradiciones bolivianas están plagadas de relatos y vivencias, cuentos y mitos. Es así que entre todos decidimos hablar de esas tradiciones, pero escoger únicamente las que son oscuras y las que tienen más energía mística. ¿Quiénes la conforman?

Actualmente la banda está conformada por Ayrton Villanueva (guitarra), Juan de Dios Terán (vientos), Fernando Caballero (voz), Isaac Aranda (batería), Giovani Herbas (bajo) y mi persona, Andrés Costas (guitarra, coros). ¿Por qué el nombre Oscuro Mito?

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No quisimos tocar las temáticas que usualmente toca el Black Metal. Quisimos tomar en cuenta leyendas y mitos en nuestras letras, cuentos oscuros donde la locura del hombre asoma, donde seres de otro mundo son protagonistas y cosas así. De ahí escogimos Oscuro Mito. ¿Qué género asumen? ¿Bajo qué influencias?

Fusionamos Black Metal y Folklore boliviano.

Bueno, se puede decir que no inventamos la rueda, empezó varios años atrás. Hay mucha movida en Perú y Ecuador principalmente.

El Black Metal fue el gusto común entre nosotros cuando fundamos la banda, y fue también una de sus principales ideologías en la cual el Black Metal se basa, que es el abrazar tus raíces y rechazar lo impuesto. Hace muchos años Wara, una banda boliviana, logró fusionar rock y folklore Boliviano, creando una mezcla única y hermosa que todo músico boliviano aprecia. Quorton vuelve a sus raíces nórdicas en muchos de sus últimos discos, claramente influenciado por la cultura nórdica así.

Bathory hace un trabajo inolvidable en varios de sus discos. Son muchas bandas europeas que tomaron ese camino, y pues hemos sido influenciados por ese maravilloso trabajo.

Háblennos un poco de la historia de la banda.

Como les contábamos, nacimos en el 2008, sacamos algunas composiciones y nos lanzamos a las presentaciones en vivo. Pasamos varios años tratando de encontrar los músicos adecuados a la banda. No es fácil encontrar gente que piense como tú, o que entienda lo que quieres hacer. Es por eso que la primera producción musical se atrasó bastante. Recién hace dos años nos estacionamos con una alineación estable, y hemos avanzado bastante en cuanto a composiciones y presentaciones que hemos tenido.

Quisimos lanzar nuestro primer videoclip y lo

hicimos hace poco, realmente fue una experiencia fuera de la común. Nos disponemos a grabar nuestro primer LP. Bueno, en realidad ya lo teníamos que haber hecho hace un mes, pero el factor dinero es el preponderante para un músico independiente.

Además de la música, su vestimenta e interpretación en escenario es interesantísima.

Coméntennos de esto un poco más por favor.

Nos parece que hay que demostrar nuestro arte no solo en la lírica y en la música, nos parece que hay que demostrarla en la vestimenta y escenario. El maquillaje que usamos demuestra la oscuridad de nuestras letras, la fuerza del guerrero que llevamos dentro, de la misma manera la vestimenta que tenemos. ¿Tienen alguna anécdota importante que haya cambiado el curso de este proyecto suyo?

Cambiar…, creo que no tenemos ninguna.

Para mantener el fuego después de varios tropiezos, tal vez sí. El simple hecho que algunas personas se dieran cuenta de qué rayos habla tu música fue un aliento para nosotros. ¿Tienen algún material lanzado? ¿Cómo va la difusión de este?

Ya van a ser 2 años que lanzamos nuestro primer demo Mientras las nubes ciegan la luna…. Podríamos decir que no se difundió como hubiésemos querido, pero ha ido bien. ¿Qué opinan del Rock/Metal nacional y de la producción musical en Bolivia? Tanto de su género como los demás.

El Folk metal está bien arraigado con el Heavy/Power metal y rock acá en Bolivia. Nos alegra mucho no estar dentro de esa bolsa jeje…

Como te decía antes, nos gusta hacer siempre algo nuevo con nuestra música. ¿Cuál ha sido la respuesta del público al escuchar su música?

Gracias al Internet hemos logrado diseminar nuestra música, nos han escuchado en muchos lugares: Indonesia, Europa, Asia y Norte América. Nos llenó mucho de satisfacción haber tenido tan buenos comentarios y felicitaciones. El video clip también hizo lo suyo. Usamos Facebook para promoverlo y realmente

puedo decir que muy útil es esta herramienta.

Hemos tocado en varios lugares de Bolivia y hemos tenido siempre muy buena acogida.

Recientemente participaron en la Fiesta de la Música, ¿cómo fue esta experiencia?

Ya son 3 años que estamos tocando ahí.

Siempre fue genial, la gente nos aprecia mucho. Siempre nos esperan ese día porque casi siempre tocamos de últimos. Tenemos mucho público ahí. Vivimos experiencias muy lindas y abrumadoras tocando en este festival ¿Qué proyectos hay a futuro para Oscuro Mito?

Lanzar el primer LP, salir de Bolivia (nos encantaría), y lograr algún contrato con una disquera estaría genial. ¿Tienen algún mensaje para el público que espera verlos?

Yo creo que lo importante siempre es apoyar tu sueño hasta que se haga realidad, ser positivo pese a las adversidades, y dar todo de uno hasta cumplirlo. Mirar atrás habiendo seguido tus ideales siempre te dará satisfacción. ¶

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jorge salán nos presenta graffire

entrevista.

L

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a mayor parte de los artistas que han hablado de Jorge Salán ha sido para alagar su virtuosismo a la hora de hacer Blues. Seguimos a Jorge Salán desde hace ya algún tiempo, y tenemos varios discos suyos que son impresionantes. Pero para impresionante, su nuevo trabajo Graffire, en el que se acompaña de su banda de grandes músicos The Majestic Jaywalkers.

Presentó Graffire hace muy poco, y no podíamos dejar pasar esta oportunidad para hablar con él de este nuevo trabajo, considerado el mejor de toda su carrera (de momento). No sabemos qué sorpresas le deparará el futuro, ha compartido escenario con “los grandes” y su carrera en solitario ya es todo un éxito. ¿Qué más le queda por hacer a Jorge Salán?

Hemos querido que nos lo cuente él en esta

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En primer lugar, enhorabuena por este discazo, el mejor de tu carrera (de momento) ¿Cómo te sientes con todas las buenas críticas y halagos que estás recibiendo?

Pues muchísimas gracias. La verdad es que es un disco que ha llevado muchísimo esfuerzo. Es un disco especial para mí porque es el primer disco en mi carrera que lo produzco yo, lo mezclo, hago de ingeniero de sonido en la grabación, y todo ello hecho en mi propio estudio de grabación, estrenándolo, y ha hecho que se convierta en uno de los mejores discos que he grabado, y, sobre todo, el más personal de mi carrera.

Graffire es indudablemente un gran trabajo musical, y una vez más te has acompañado de The Majestic Jaywalkers. Háblanos de ellos. ¿Cuándo empiezan a seguirte y quiénes son sus componentes?

En realidad son gente que ha tocado conmigo durante muchos años. The Majestic Jaywalkers es un nombre un poco de ca-

chondeo, significa los majestuosos peatones imprudentes, y es por diferenciar un poco que cuando toque con esa banda, la gente sepa que voy a tocar Blues, y que no voy a tocar otros estilos musicales que tengo en mi carrera.

Sobre los músicos que son, está por ejemplo Pau Álvarez a las teclas, que es un músico increíble, de los mejores de este país. Cuando, por ejemplo, hay un acto o un concierto en el que está Miguel Ríos o Joaquín Sabina y artistas míticos, pues él suele ser pieza musical y arreglista en algunos de estos conciertos.

También está José Pereira y Rubén Tobes, que son músicos que han tocado conmigo muchísimos años. Son gente que me lleva acompañando en mi carrera desde prácticamente los comienzos.

Graffire incluye temas que has compuesto tú, pero también has contado con grandes colaboraciones, como la de Jeff Espinoza, Garrett Wall y Danny Griffin. La elección de estos artistas ¿surgió de forma espontánea? ¿Cómo es tu relación con ellos?

La verdad es que ha sido toda una suerte contar con tres músicos clásicos en este disco. Por ejemplo, Jeff Espinoza es un mítico del Blues con su banda Red House, y surge un poco de casualidad. A mí siempre me ha encantado lo que hace como cantante y compositor, y una vez nos conocimos en una presentación, y surgió un poco esta colaboración, y la verdad es que estoy encantado con el resultado.

Lo mismo un poco con Garrett Wall, es un músico irlandés afincado aquí en Madrid, y nos conocimos a través de su prima Fiona Flanagan, que es una cantante americana de Hard Rock con la que toco bastante a menudo.

Nos conocimos en un festival en Nottingham, donde tocamos con ella, y surgió una amistad.

Me enseñó esta canción, “One More Empty Feeling”, que tenía guardada, y me pareció fantástica para meterla en el álbum.

Y luego Danny Griffin, batería de Fito y Fitipaldis. Se me ocurrió la idea de proponerle los temas de Blues que quería hacer, porque quería darle un toque del tipo de letras de allí de Chicago (él es de allí), letras muy americanas, y él era la persona perfecta para hacerlo.

La verdad es que ha sido toda una suerte con-

tar con estas colaboraciones en el disco. Es una suerte, son gente que tiene ya muchísima experiencia, llevan muchos años y todo eso al final se nota en el resultado de cada canción.

Este es tu segundo álbum de Blues Rock, y queremos saber un poco más acerca de cómo ha sido tu trabajo para este disco. ¿Compones del mismo modo los temas, independientemente del disco que sea? ¿Qué necesitas para componer tu música?

Lo de componer es un proceso en el que tengo que estar centrado en esa temporada. Por ejemplo, no soy alguien que pueda componer estando de gira porque me gusta disfrutar la gira. Para componer necesito estar tranquilo y relajado. Si es un mes o dos meses lo que dura el proceso de composición, estar centrado más en eso. Mi forma de hacerlo es a lo mejor improvisando tranquilamente en el estudio, y de repente sale algún riff, o alguna idea que me gusta, y a partir de ahí desarrollar un poco más la forma de la canción, para luego, que es lo último que hago, hacer la letra. Ésa es un poco mi forma de hacerlo.

Si, por ejemplo, voy a hacer un disco de Blues Rock, sí que intento que sean los temas dentro de un estilo que vaya a encajar, pero no soy de hacer 30 canciones y luego dejar solo dos. Es decir, si veo que el tema no funciona cuando estoy a mitad de la composición, directamente lo desecho. Por eso no tengo muchas caras b, porque normalmente los temas que hay en el disco son los que he trabajado para que vayan en ese álbum.

Para un músico no siempre es fácil que los temas vengan rodados. ¿Te ha pasado con este disco? ¿Cómo soluciona un músico como tú el bloqueo cuando no encuentras lo que buscas?

Es perseguirlo, no queda otra. Mismamente con Pau Álvarez, el teclista, estábamos grabando los teclados del álbum, que fue prácticamente lo último que grabamos después de haber grabado guitarras, voces…, y buscamos un poco los sonidos que podían quedar bien, incluso qué quitar una vez grabado, cómo funcionaba mejor, qué quitar, qué poner..., y es ir viendo cómo va resultando, cómo funcionan todas las capas que van añadiendo a la canción. Tanto añadir como quitar es importante, LaCarne Magazine

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que es más o menos lo que hace un productor, y es probar hasta que encuentra lo que tienes en la cabeza. La verdad es que es difícil, pero la clave está en no desistir, y probando un montón de cosas al final da el resultado que estabas buscando.

Has tocado con grandes artistas por distintos escenarios a los largo y ancho del planeta ¿Con qué músico, con el que aún no hayas tocado, te gustaría trabajar? ¿En qué escenario te gustaría volver a tocar y con quién?

Pues con Brian May de Queen, es uno de mis héroes. También con Glenn Hughes, uno de mis cantantes favoritos. La verdad es que he tenido muchísima suerte de haber tocado con muchos de mis héroes. Por ejemplo, poder haber tocado con Miguel Ríos, Joe Lynn Turner y, por supuesto, con Jeff Scott Soto, pues es una suerte que he tenido y he aprendido mucho de todos estos maestros. El primer disco que hubo en mi casa fue Rock in Ríos, de Miguel Ríos, y si me llegas a decir en aquella época que veintitantos años después íbamos a hacer algo juntos, íbamos a hacer una canción y que íbamos a tocar juntos en directo, no me lo hubiera creído. ¿En qué escenario y con quién volvería a tocar? Pues sí que me gustaría volver a repetir en el escenario del Sweden Rock. Tuve la oportunidad de tocar allí con Robin Beck, y la verdad es que fue un festival que me gustó muchísimo: la organización, la gente y toda la experiencia de estar ahí. Y me encantaría volver a tocar, o con mi proyecto, o con algunos de los artistas con los que suelo tocar, volver a repetir la experiencia en ese festival.

Nuestro amigo y gran músico, Manu Herrera nos ha hablado siempre muy bien, tanto de tu música como de tus directos. ¿Ya tienes la maletas hechas para la gira? ¿Cuánto tiempo estarás girando con Graffire y por qué lugares viajarás?

La gira la empezamos justo el día en el que salió el disco a la venta, el 7 de Octubre. Empezamos en el Hard Rock de Madrid con un concierto más o menos privado para medios, prensa, amigos… Y de ahí hemos estado haciendo ya más de once conciertos. Hemos estado en Alcalá de Henares hace dos semanas,

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y ahora continuamos la gira. Estaremos en León, Galicia, y continuaremos por Andalucía con varias fechas también durante el mes de Diciembre. Tenemos ahora mismo como unos 12 conciertos cerrados.

Fuera de España, estuvimos haciendo Escandinavia, y volvemos a otros países como Alemania y Suiza para seguir presentando este álbum. Y en Febrero vuelvo de nuevo a estar

en la espiral de Jeff Scott Soto, donde vamos a estar en el Monsters of Rock Cruise de Miami, y de ahí iremos otra vez a Europa a presentar el nuevo disco de Soto. Digamos que de aquí a Mayo no voy a parar mucho, la verdad, jajaja.

Esperamos poder disfrutar de tu directo muy pronto. Ha sido un placer hablar contigo y es-

tamos seguros de que éste disco sólo es el principio de una larga carrera de éxito.

Muchísimas gracias a vosotros. Un abrazo! ¶

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De izquierda a derecha: Guillermo Bazzola (guitarra), Sam Hall (batería), Ricardo Tejero (clarinete), Guillermo Torres (fliscorno)

ricardo tejero

entrevistas a improvisadores libres IIi LEER MÁS

¿Cuál es el origen de tu actividad musical?

Bueno, en mi caso, la verdad es que empecé a hacer música al mismo tiempo que empezaba a hacer improvisación. Se dio la circunstancia que mis primeros pasos tocando un instrumento (lo cual ya llegó tardíamente, pues estaba ya en mis 20) fue acompañado de dos personalidades muy fuertes dentro de la música improvisada en Madrid: Wade Mathews y Chefa Alonso. Así que de su mano fui descubriendo la música improvisada, al mismo tiempo que aprendía a tocar un instrumento.

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Lógicamente, al principio no hice improvisación, me llamaba la atención, me despertaba curiosidad pero no llegaba a entenderla lo suficiente como para permitirme hacerla yo. Así es que fui tocando un poco de todo: clásica, jazz, música popular, todo ello dentro de bandas de aficionados, con amigos aventureros de lo musical como yo, y ahí comenzó todo.

Eran principios de los 90. ¿Cuáles son las influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje improvisatorio?

La verdad es que son bastantes y muy variadas. Van desde músicos de flamenco como Paco de Lucia, hasta músicos de jazz como John Coltrane, Archie Sheep, Eric Dolphi,

que empezaban a adentrarse en el lenguaje de la libre improvisación, como Cristina Fernández, Mark Sefton, Marcos Monge o Ernesto Santana. Y ahí comenzamos a tocar con regularidad, dando nuestro primer concierto de improvisación libre en mayo de 1998, en el centro cultural de Vicálvaro, dentro de la presentación de un libro que era la colección de poemas de diferentes poetas madrileños.

Fue todo un bombazo! La gente nos decía: que cosa tan curiosa!.

A partir de ahí, mi experiencia con la música improvisada ha ido moldeándose de muchas maneras. ¿Qué actividades desarrollas como improvisador?

Bueno, además de la práctica y estudio diario, que está muy orientado a intentar seguir desarrollando el lenguaje y las posibilidades de mi improvisación, está la de dar talleres, organizar conciertos dentro de este lenguaje con el colectivo Raras Músicas, y la de seguir tocando con diferentes proyectos, tanto en España como fuera. etc. Aunque más directamente y más sinceramente, quizás las voces que resuenan con más nitidez en mi cabeza a la hora de hacer música es la de improvisadores de la escena inglesa como Evan Parker, Lol Coxhill, Paul Dunmal o John Butcher, y también no saxofonistas como Pat Thomas, Keith Tippet, Mark Sanders, Fred Frith o John Edwards.

No en vano, todos esos años que pasé junto a ellos han dejado en mí una importante huella musical y personal. Pero también me sigo fijando y dejándome influenciar por algunos músicos de las nuevas generaciones, tanto ingleses como de otros lugares, como Alex Ward, Hannah Marshal, Nate Woley, o Tyson Shorey.

Cuéntanos un poco más de tus inicios en la improvisación libre.

Cuando comencé a dar clases con Wade Mathews, a principios de los 90, frecuenté algunos de sus conciertos con el trío Ziklus y a escuchar algunas grabaciones. Luego conocí a Chefa Alonso, que me dio el empujón definitivo juntándome con otros jóvenes músicos

¿Cuál crees que es tu papel en la escena de improvisación?

Mmm, pues no sé muy bien, la verdad. Supongo que la de un músico más que se interesa por esta forma de creación, y que intenta ser fiel y sincero con su forma de hacer música. ¿Podrías explicar brevemente tu concepto musical?

Gabriel García Márquez escribió en su autobiografía: “Hasta descubrí el milagro de que todo lo que suena es música, incluso los platos y los cubiertos en un fregadero, siempre que cumpla con la ilusión de indicarnos por dónde va la vida”. Yo suscribo este enunciado.

La música creo que es básicamente: sonido y silencio, y las infinitas maneras en que uno pueda hacer combinar estos dos eventos. Sin más, ni menos.

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nastasia zurcher y su viaje a lo desconocido LEER MÁS

N

astasia Zurcher nació en Suiza, pero actualmente reside en Galicia desde el año 2000. La música ha estado siempre presente desde su infancia, y comenzó tocando el piano y la batería, aunque posteriormente descubrió que realmente lo que le llenaba era cantar. Ha complementado sus estudios de canto con la interpretación y la danza, y lleva más de 10 años dedicándose

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plenamente a la música.

Ha trabajado junto a grandes artistas y en multitud de proyectos, y este año ha sido galardonada con el Premio Martín Codax da Música (Galician Music Awards), del que se siente muy orgullosa. Imparte clases de canto y sigue trabajando en otros proyectos. Pero eso no es todo a lo que Nastasia Zurcher se dedica, ya que hace tan sólo unos meses presentaba su primer disco en solitario My Flight.

Nastasia ahora vuela en solitario y con este disco comienza su viaje hacia lo desconocido.

La música ha estado siempre presente en tu

el violín y la batería, pero finalmente decidiste dedicarte al canto. ¿Qué ha sido más duro, aprender a tocar o aprender a cantar? ¿Sigues tocando algún instrumento?

Hoy en día me acompaño con el piano. El violín fue el instrumento con el que quise comenzar mi formación musical cuando era pequeñita, pero realmente sólo lo toque durante un año o año y algo. Ya sabes, cuando eres pequeño lo que te gusta bien, y lo que no, pues… a otra cosa. Me gustó, aprendí muchísimo y tuve un gran profesor en Ginebra (Suiza), pero necesitaba otra motivación. Así que un poco después me pasé a la batería, justamente al extremo, y me pasó lo mismo. Me encantó, fue una introducción al mundo del ritmo, a la base. Pero ya te digo, me pasó lo mismo, aún no estaba al 100%, necesitaba algo más.

Depués, a los 11 años empecé las clases de canto, todavía en Ginebra, y fue ya cuando dije “aquí ya me quedo”. El canto fue siempre un instrumento muy intrínseco de mi persona, y fue el instrumento que más temprano captó mi atención. Siempre fui muy seguidora de todo lo que tenía que ver con lo vocal, desde cantantes, los anuncios de la tele…, todo lo que tuviera que ver con el canto era para mí como “Oh! Qué es eso! Cómo se hace!”, la imitación… Y bueno, pues hasta día de hoy el canto es el instrumento con el que estoy haciendo carrera.

vida y ahora decides emprender tu carrera en solitario como Nastasia Zurcher. ¿Lo has meditado mucho? ¿Qué es lo que ha hecho que des este gran paso en tu carrera?

Yo creo que ha sido un paso que era natural, era lo que tocaba y lo que también deseaba que tocase. He estado en varios proyectos antes de lanzar este disco con mis composiciones. Tenía ya muchas ganas de dar ese paso, de lanzarme e ir a por todas y de compartir un poquito también qué es Nastasia Zurcher al 100% Tus comienzos en la música fueron tocando

Además de cantar, has estudiado interpretación y danza y eres profesora de canto. ¿Cómo te organizas? ¿Has tenido que dejar algo aunque sea de forma temporal?

Pues sí, digamos que en la docencia (soy profesora de canto desde hace varios años, y me encanta y me aporta mucho a nivel personal) he tenido que hacer un pequeño parón de unos meses cuando lancé el disco de My Flight. Es mucho trabajo porque además es un disco autogestionado. Quería pasar por esa etapa de “venga, vamos a lanzar un disco”.

Quiero entender la profesión, quiero saber lo que significa una promoción, un lanzamiento.

Así que me dije, pues venga, voy a hacerlo by myself, y entonces tuve que dejar la docencia unos meses, pero sólo unos meses. Ahora ya estoy otra vez desde hace varios meses en ella de nuevo, y es un poco de organización LaCarne Magazine

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y compaginar. Tengo un número de horas limitadas para dar las clases, entonces X horas a la semana son para eso, X horas son para doblaje (que estoy haciendo también doblaje cantado, dibujos animados, que es maravilloso y muy divertido), tiempo para la composición, tiempo para la parte de management… y bueno, pues ahí estoy, a lo pulpo, jajajajja.

Hablemos de tu opera prima, My Flight. Hemos escuchado y visto el vídeo de Ready, uno de los temas de este disco, y nos ha gustado mucho tu voz y tu música. Cuéntales a nuestros lectores cómo es tu música y qué quieres transmitir con ella.

Mi música, lo que es este primer disco My Flight, se mueve por estilos como es el neo pop soul, y también músicas del mundo. Son, digamos, las dos vertientes donde más me

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muevo. Tengo una manera de cantar muy negra por mis influencias, y porque es lo que he ido desarrollando. También con todo lo que tiene que ver justamente con la libertad del jazz a nivel de la improvisación, y, sobre todo, de jugar con el instrumento que es la voz. Le doy mucha vida a ello en el disco y también en los directos.

Y qué quiero transmitir con este disco? Pues, My Flight, que significa mi vuelo, es un poco recoger de todo lo que es una experiencia de vida y de crecimiento de un alma, en este caso de la mía, de todas las cosas y lecciones que vas entendiendo a lo largo de la vida. Y sobre todo de la libertad, decir “bueno, estamos aquí en este plano físico, vamos a aportar cosas positivas”. Hay muchas emociones, unas más alegres, otras más tristes, pero vamos a coger lo mejor de cada uno y, desde la alegría

y desde la libertad, siempre volar a través de esta vida.

Me comentabas que este disco es autogestionado y que lo has hecho todo tu sóla. ¿Qué parte de todo este proceso de autogestión te ha resultado más complicado?

Pues la verdad es que aunque tengo experiencia en el sector, hasta que no he ido avanzando no me he dado cuenta de todo el trabajo que hay que hacer. Porque sí, grabas un disco, ahora lo lanzas… Pero cuando lo haces tú todo te das cuenta de la importancia del factor tiempo, el rodaje, etc. Y aunque tú tienes un buen trabajo y aportes algo, hay como un orden de hacer las cosas. La parte justamente de promoción, de conciertos, de los centenares de mails que envías para los festivales a los cuales te responden en un 20%, ahí te vas

topando con la realidad y dices “vale, bien. Vamos a ir paso a paso, pico, pala, pico, pala”. Y esa parte es la que más te va introduciendo en cómo funciona esta profesión, con tantas propuestas musicales y artísticas de hoy en día (que es una maravilla). Hay tanto contraste, estamos llenos de artistazos. Es un poco una lucha diaria, y esa parte es la que más tiempo te lleva, es mucho ordenador, es mucho leer, conocer los ciclos del panorama, dónde puedo encajar, dónde puedo presentar mi disco, cómo dirigirte a los medios… Todo eso es una parte tediosa, motivadora y otras muchas cosas, jajaja.

El disco contiene 14 temas compuestos por ti y cantados en inglés. ¿Tenías algunos temas ya compuestos o decides hacer estas canciones concretas para este disco?

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En inglés son todos los temas excepto dos, uno que es en francés y otro en gallego. Los 14 temas fueron compuestos a lo largo de aproximadamente dos años, que fue el tiempo que estuve viviendo en Madrid, formándome y estudiando, y toda esa parte de la Universidad. Fueron saliendo de forma muy natural.

Llevaba ya mucho tiempo con mucha información, con muchas cosas que quería compartir, y después fui concretando las letras y las canciones. Luego regresé a Galicia, que es donde estoy viviendo ahora, es donde le di los últimos toques y la forma final, y durante el verano me metí en el estudio a grabar.

En el proceso compositivo, ¿has tenido algún momento de bloqueo? ¿Cómo solucionas estos contratiempos?

Es una buena pregunta. Yo creo que la clave en todos estos procesos tan intensos a todos los niveles es el fluir, el confiar en la vida y en decir “vale, paso a paso. Vamos a ir resolviéndolo, buscando soluciones”. Sí que es cierto que en este disco, lo que fue la parte compositiva fue muy fluida, muy natural, porque estás siendo tu mismo al 100%, y ahí no hay barreras ni límites. Además, quería que este disco fuera eso, libertad absoluta, sinceridad sobre todo. Y luego lo que es la parte que va desde encontrar la persona con la que grabar, el coproductor, el estudio, hasta la carátula del disco… todo ese proceso, es muy emocionante, pero a la vez a veces da un poquito de vértigo.

Dices “dios mío! Cómo es esto? Cómo lo voy a resolver?”. Pues es dejarse llevar, confiar en la vida e ir resolviendo el día a día. Seguir conectado con esa alegría y esa ilusión de estar haciendo ese disco, que yo creo que es el timón que mantengo aún a día de hoy. Ese es el objetivo en la vida, estar conectado con esa parte porque si no, te dejas llevar por el agobio y el estrés, y no sales de ahí. Hay que estar conectado con la energía positiva siempre.

My Flight salió el mes pasado y lo presentaste en Madrid. ¿Cómo fueron los preparativos del estreno? Cuéntanos cómo te sentiste ese día antes de salir al escenario.

El disco salió hace ya más tiempo, lo que pasa que en Madrid hemos estrenado un nuevo formato, Nastasia Zurcher Beat Trio. Fue la

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primera vez que tocamos en Madrid con este formato, que es un poquito especial porque la instrumentación es diferente, tiene beat box para la parte de percusión, etc. Somos tres, pero como cada uno está bien metido en su sitio y sabe lo que tiene que aportar, pues suena muy completo.

La verdad es que había unas ganas tremendas. Nos fuimos una semana entera los tres para hacer una promoción lo más completa posible, que la hicimos con Cultura Inquieta, con Susana Zorraquino. Fue una semana de radio, televisión, entrevistas, revistas, una semana en la que estuvimos sumergidos en todo esto, en ensayos también, porque tuvimos una colaboración especial durante el concierto… Y el día del concierto era como la guinda de toda esa semana. Teníamos unas ganas y una alegría de decir “Venga! Que sea ya!”. Fue muy bonito, la verdad, fue muy chulo.

Con la reacción del público, la verdad es que estoy muy contenta y muy agradecida. Porque la verdad es que está gustando, está gustando mucho, y también lo que es el formato de Deat Trio, que es completamente diferente, pues también la gente está como “Jo, qué chulo!”.

Composiciones propias, un formato diferente y eso el público también lo agradece, que los artistas aportemos algo nuevo, que no nos quedemos en lo clásico y que nos atrevamos un poquito. Y el disco, ya te digo, está teniendo una acogida superpositiva. De hecho, hace unos meses me llevé un pedazo de premio aquí en Galicia, el Martín Codax de los Premios de la música en Galicia. Ya te digo, una motivación diaria para decir “venga, a seguir en el camino”. Muy contenta, la verdad.

Ha sido un placer hablar contigo. Enhorabuena por este disco y mucha suerte! Te deseamos mucho éxito y una larga carrera en solitario.

Muchas gracias, un placer. Un abrazo y hasta pronto! ¶

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david collados, luchando por el rock LEER MÁS

¿Cuándo surge Dc Rock Artist Management y de cuantas personas se compone?

Pues todo surgió hace unos tres años y medio, porque unos amigos míos de tiempo atrás tenían una banda de música que estaban empezando a crecer un poco, y decidieron que necesitaban un manager. Y me lo dijeron a mí porque pensaban que tenía muchos contactos y que podía valer para hacer ese papel. Y me reuní con ellos, y cuando me lo propusieron, la verdad es que no me lo pensé más de medio minuto y les dije que sí. Y la verdad es que D.C. soy solamente yo, aunque hay algunas personas alrededor que me ayudan muchísimo con consejos, carteles, fotos, diseños, etc.

Me encantaría poder verlo ampliado con el tiempo y contratar algún ayudante.

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¿Qué grupo fue el primero que representaste y a quiénes representas actualmente?

Pues esta banda de la que hablaba en la primera pregunta eran el grupo de versiones Sixx Ways, que se separaron en septiembre del año pasado por motivos personales de los miembros del grupo. Ahora mismo represento a Phase II Phase (banda de Hard Rock melódico), a Sexplosion (Hard Rock Sleazy), a Electric Tattoo (Hard Rock) y a The Bloody Mary Rock´n´Roll Band (banda de versiones variadas). ¿Cómo entraste en el mundo de la representación de artistas, fue vocacional? ¿A qué te dedicabas antes?

No fue vocacional porque no es algo que me hubiese planteado con antelación, la verdad.

Aunque mi vida siempre ha estado muy unida al mundo del Rock, siempre muy metido en lo que lo rodea. Hace 16 años que soy colaborador de la www.solo-rock.com, en la que sigo haciendo cosillas (entrevistas, reportajes,

reseñas de discos, fotos y crónicas de conciertos…) aunque mi tiempo cada vez es más limitado por el tema management. También estuve casi cuatro años de colocutor de radio en el programa Corsarios del Metal, junto a David Esquitino y Fernando Checa. Pero realmente mi profesión no es la de manager.

Esto es como un extra y una pasión. Pero mi verdadera profesión está relacionada más con el mundo del cine y de la televisión. Ayudante de montaje de cine y restaurador de películas es más bien mi verdadera profesión, que compagino con el tema de management. ¿Cuánto tiempo lleva la preparación de un concierto?

Pues depende del concierto. De si es en una sala más grande o más pequeña, con más o menos infraestructura, con una banda o con varias… Pero vamos, normalmente suelen ser meses de antelación con muchas cosas e historias. Desde la búsqueda de fecha ideal para cada concierto para que no coincidan con muchos más, que en Madrid empieza a ser preocupante, por ejemplo. Hay que tener en cuenta infinidad de cosas. Que no haya puentes o festivos, que no coincidan con partidos de fútbol importantes, mil cosas. Y luego intentar prever y solventar cualquier imprevisto. La verdad es que son muchísimas cosas y suelen ser meses de preparación. Hay otros que son más sencillos o improvisados, que llevan menos tiempo, pero lo normal es que haya muchas cosas que mirar con lupa. ¿Repercute mucho en la música la actual situación socio-económica?

Bueno, esta pregunta tiene bastante miga, la verdad. Yo creo que sí que influye, y que influye, no solo sobre la música, sino sobre todos los aspectos de la vida. Por desgracia, seguiremos siempre teniendo muy vigente la frase que dice “Tanto tienes, tanto vales”. Evidentemente con más dinero se pueden hacer mejores promociones, eventos y demás. No van unida en muchísimas ocasiones calidad y cantidad, pero por desgracia es así. Y Aunque hoy en día te puedes hacer tus propias promociones musicales a través de las redes sociales, lógicamente no tienen en ocasiones el alcance deseado o buscado. Pero si tienes

detrás un fuerte respaldo económico, podrás abarcar mucho más, aunque el producto que se esté vendiendo no sea mejor que otros, pero sí va a entrar más por los ojos al consumidor y somos una sociedad de consumo.

Cada vez más sumidos en el consumo rápido y fácil, además. Y la música no se escapa de las redes de los poderes fácticos lógicamente.

Repercute y mucho. A veces para bien y otras para mal.

En febrero organizasteis un concierto contra la pobreza en Madrid, presentado por Oscar Sancho del grupo Lujuria y la actriz Beatriz Rico ¿Cómo surgió la idea y cómo contactasteis con ellos?

Pues toda esta historia surgió de la mente de José Martos, batería de Atlas (ex Topo, Barón Rojo, Niágara, etc.). Se vio muy afectado en particular por una foto de un niño abandonado en una calzada, y por un anuncio bastante duro sobre el hambre infantil y la pobreza en televisión. Y colgó su malestar con esta situación en su Facebook, e inmediatamente unas pocas personas le respondimos y le dijimos que si quería hacer algo al respecto, nos lo dijera y contara con nosotros. Esas personas además del propio Martos, fueron Santi Fernández, periodista y locutor de radio de www. thesentinel.es; Justo Urbano, responsable de la asociación El Rock es Cultura y de la agencia de promoción Nuada Producciones, y yo mismo. Y decidimos intentar recaudar fondos de la mejor manera que sabíamos, que era organizar un concierto benéfico. Y así nos embarcamos en esta historia en la que participaron muchas bandas y grupos de gran renombre, como Ramoncín, Topo, Sherpa, Leonor Marchesi, Rafa Martín, Juanjo Melero Atlas y The Val. Quisimos buscar dos presentadores de lujo, y enseguida pensamos en dos personas muy cercanas a nosotros y que sabíamos que se involucran siempre en cualquier historia benéfica, como fueron Óscar Sancho, amigo de los cuatro, y Beatriz Rico, a la que tuve el honor de conocer personalmente cuando empezó su andadura como cantante de Rock. Y ambos nos dieron un rotundo SÍ a colaborar, casi antes de haber acabado de preguntarles. Y la verdad que hubo muchísima más gente muy involucrada LaCarne Magazine

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en llevar a cabo aquel evento que trabajaron desde el minuto uno. No me gustaría olvidarme de nadie, así que permíteme que no los cite a todos, pero fue un evento muy, muy especial que no olvidaré jamás, una noche mágica llena de Rock Y solidaridad, y en la que recaudamos cerca de 5.000 euros que fueron a una ONG destinada a becas comedor para niños de la comunidad de Madrid. ¿Qué pasos sigues a la hora de organizar un concierto y/o representar a un grupo?

Pues empezaré por la segunda parte de la pregunta. La verdad es que selecciono mucho antes de llevar una banda. Valoro muchas cosas. Principalmente la calidad del grupo en cuestión. Tengo que creer verdaderamente en la banda y en su música, porque de lo que se trata es de hacerles crecer, y para ello hay que creer de verdad en ellos. También influye mucho el trato con los mismos músicos.

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Hay que ver que hay una confianza y relación fuerte entre manager y banda, y viceversa. Y para organizar conciertos, sigo muchos pasos diferentes según la banda y los conciertos que se buscan, pero sobre todo intento estar muy enterado de todos los conciertos, festivales y giras internacionales que pasan por España, llamo mil y una veces a las mismas puertas..., mucha tenacidad, que es algo muy importante al menos para mí, y creo que también para las bandas que llevo. Información continua entre ellos y yo. No dar ningún paso sin que haya una comunicación constante entre las bandas y yo. Te puedo decir que con los que trabajo, hablo prácticamente a diario para informarnos mutuamente de lo que cada banda quiere y que yo les puedo ofrecer y/o conseguir. ¿Qué es lo bueno y lo malo de tu trabajo?

Para mí hay muchas más cosas buenas que malas. Una de las más bonitas es ver cómo

Antes de entrar en la LaCarne Magazine, me dediqué por afición a intentar ayudar a los grupos en la promoción web y a buscarles discográfica, etc, y sé por experiencia lo difícil que es. ¿Qué haces cuando sientes que no sale lo que tenías previsto?

Aprender y procurar hacer las cosas mejor y de otra manera para la siguiente vez. Ante todo, no rendirme jamás. Al menos de momento, jajaja. Tengo muchas ganas, muchos planes, muchas ideas y muchas fuerzas para pelear por todo esto que tanto amo, que es la música Rock. Me afectan mucho las desilusiones cuando no se consiguen los objetivos deseados, pero no es más que un tropezón.

Y al día siguiente ya se ven las cosas de otra manera y hay que seguir peleando más y más duro.

las bandas que llevo van dándose a conocer, van creciendo poco a poco, van obteniendo resultados y se van consiguiendo objetivos.

Para mí es muy satisfactorio poder poner mi granito de arena a ello, y a la vez me hace a mí crecer un poco más, porque voy aprendiendo cosas a diario, planteándome nuevas metas y retos y mirando siempre hacia adelante con más planes. ¿Lo peor? Cuando algún bolo o evento en los que pones mucho interés se vienen abajo o no salen como es debido. Es algo frustrante, pero te rehaces de ello, aprendes para la siguiente y sigues con más ganas.

También es bastante jodido alguna de la gente que te vas encontrando metidas en el mundillo con actitudes y maneras de hacer las cosas que dejan mucho que desear, pero en general tengo hasta la fecha muchísimas más satisfacciones que otra cosa, y he ido conociendo a gente absolutamente maravillosa y con muchas energías muy positivas.

Lleváis dos ediciones de Dc Rock Festival, con gran éxito. ¿Cuándo surgió la idea de hacer el festival? ¿Qué impresiones te dieron tanto el público como los grupos?

Pues desde antes de meterme a hacer labores de manager ya me apetecía alguna vez organizar un concierto. La primera vez que se me ocurrió fue para celebrar mi cumpleaños.

Y estuve intentando, pero al final no cuadró y no pudo ser. Pero después de un año llevando bandas, me dije que era el momento ideal para organizar un festival con las cuatro bandas que llevaba en aquel momento, que eran Sixx Ways, Phase II Phase, Sexplosion y The Expendables. Así que me lancé a la piscina por primera vez, y fue una noche maravillosa que jamás olvidaré, con un gran concierto de las cuatro bandas, muchas sorpresas y emociones. Y antes incluso de que se hubiese celebrado el festival, ya había germinado en mi cabeza la idea de darle una continuidad anual y de intentar celebrar más ediciones. Y así dio lugar a la segunda edición, que se hizo el pasado mes de octubre. Y no sé si será enfermedad, vicio o qué, pero ya ando dando vueltas a la tercera edición. Tengo clarísimo que quiero que se convierta en una cita anual mientras pueda hacerlo. Y las impresiones de ambas ediciones tanto de las bandas como del público han sido de lo más bonitas, emotivas y gratificantes que puedo imaginar. Muy satisfecho LaCarne Magazine

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con los resultados tanto por parte del trato con músicos, como de las impresiones del público que salieron encantados de ambas. O al menos eso me han dicho, jajaja…. ¿Cómo consideras el nivel de las bandas extremeñas?

Conozco bastantes bandas extremeñas, tanto con gran recorrido, como bandas emergentes. Tengo bastantes amigos por la zona, y la verdad es que hay muchísimo nivel en todos los géneros y en todos los estilos. No solo ya en Extremadura, sino a nivel nacional en toda nuestra geografía. Tenemos muchísimas bandas que no tienen absolutamente nada que envidiar a muchas de las bandas que nos vienen de fuera. Y la verdad que tenemos buenas hornadas de bandas más jóvenes, que si tuvieran las oportunidades y el empuje necesario, tendríamos relevo generacional más que de sobra. Y ya que preguntas específicamente por bandas extremeñas, de ahí han salido grandes grupos con una reputación ya de sobra conocida, y también hay bandas mucho más jóvenes muy prometedoras y que tienen mucho que decir.

CUESTIONARIO A DAVID COLLADOS

Jajajajaja. Me gustaría decir que cuando me leí por primera vez la entrevista antes de contestarla, me pareció que el cuestionario está hecho a mala idea. Sería prácticamente imposible para mí nombrar una sola banda o canción y decir que es la mejor de la historia.

Voy a intentar mojarme, pero a dejar claro que estas preguntas van en gustos personales de cada uno. Y que sería imposible para mí sentar cátedra con mis respuestas. ¿Mejor grupo de la historia?

Deep Purple o Led Zeppelin. Aunque el que más me ha marcado ha sido Bon Jovi. ¿Mejor grupo a nivel estatal actual? ¿Si digo Sexplosion quedaría muy mal? Jajaja. Nombraría más bandas como Overloud, The Electric Alley… Hay muchas. Haría una lista demasiado larga. ¿Qué Canción te hizo ser Rockero?

“You give love a bad name” de Bon Jovi

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¿Mejor Canción de Rock?

“We´re not gonna take it” de Twisted Sister o “Ride the wind” de Poison. Y “Tal como soy” de Sangre Azul y “Just Fight” de Sexplosion, por nombrar alguna nacional. ¿Mejor Festival?

Sweden Rock Fest ¿Cuál ha sido el concierto que es inolvidable para ti?

Rush en el Sweden Rock Fest ¿Un libro favorito?

El Señor de los Anillos ¿Cómo pueden contactar con Dc Rock Artist Management?

A través de mi mail davidcolladosalmansa@ gmail.com o a través de mi face personal que lo uso también para estas labores https://www.facebook.com/david.colladosalmansa Agradeciéndote enormemente la entrevista, ¿quieres dejar algún mensaje?

Animar a la gente a ir a más conciertos, a ser posible de bandas locales y nacionales. Sin el apoyo del público esto no sería posible, y si no lo apoyamos, cada vez veremos más a menudo bandas que se agotan y se separan, y nos echaremos las manos a la cabeza. Y que, si pagamos una entrada para un concierto de tres o más bandas, no vayamos solo a ver a nuestros amigos, y apoyemos a todos los grupos participantes, desde el primero al último. Últimamente es una cosa habitual, ir a un bolo de tres bandas y que para cada una de ellas haya un público diferente. Si apoyamos a todas desde el principio, se descubren así muy buenas bandas. Investigad más, que tenemos muchísimos grupos de una enorme calidad esperando su oportunidad. Esto no es incompatible con ir a grandes conciertos en pabellones y a grandes festivales.

Y daros las gracias por interesaros en hacerme esta entrevista y mandar un enorme saludo a todos vuestros lectores. ¶

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lúcido

“hay mucho potencial en las bandas nacionales”

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úcido es un power trio de Punk Fusión fundado el 2012, desde Santa Cruz en Bolivia, con influencias de Grunge, Punk, Indie Rock y Noise. El mismo año lanzan su primer disco, Almas distorsionadas, con lo que son reconocidos en la escena. Actualmente preparan un segundo disco para inicios de 2017. Estos jóvenes estuvieron de

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paso por la ciudad de La Paz, momento en el que pudimos conversar con Oscar Barja, frontman de la banda, Saúl Einar y Luis Fernando Romero. ¿Por qué eligieron el nombre de la banda como LÚCIDO? (OB). El nombre Lúcido viene de los sueños lúcidos. En sí lo interpreto como que para lograr lo que tú quieres debes estar centrado y ubicado, no es que sea un término en contra de algo (como algunas personas han pensado), ni que siempre estemos lúcidos jaja, si no

que considero que para lograr algo se debe estar en tus cabales. ¿Cómo definen el estilo de la banda y por qué eligieron fusionar?

(OB). La banda en sí en los primeros discos mostraba una gran influencia de bandas como Los Ramones, NOFX, Germs, Nirvana, No use for a name, JayReatard, Mudhoney, siempre mezclando lo que sería el Punk con toques Grunge, y dándole algo de Noise. Actualmente está mucho más melódica y alternativa, dado a las influencias de Saúl, el Bateris-

ta, y Luis, el bajista.

“El movimiento está creciendo de a poco gracias a las mismas bandas que se esmeran por seguir adelante” ¿Cómo iniciaron la banda, fueron siempre 3 integrantes?

(OB). La banda se inicio en febrero del 2012.

En ese tiempo, yo tocaba en una banda llamaLaCarne Magazine

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da TheShits. Cansado de sólo tocar covers, busqué una banda donde pudiera componer, dado el nulo interés de los Shits, y empecé a reclutar gente y formé lo que sería Lúcido.

Muchas personas pasaron por Lúcido. Al principio éramos 4 personas, pero con el tiempo terminamos siendo 3. ¿Quiénes conforman actualmente la agrupación? Óscar Barja (Guitarrista/Vocal), Luis Fernando Romero (Bajista), y Saúl Einar (Baterista/ Coros). ¿Cuál fue su primera producción discográfica? ¿Cuántos temas contiene?

(OB). Almas Distorsionadas, grabado en el 2012 de forma independiente con 10 temas, posteriormente se saco una nueva edición con 4 Bonus tracks. ¿Tienen algún tipo de temática en sus letras, algún mensaje que desean expresar?

(OB). Mayormente son cosas que pasan por mi cabeza. Tiendo a pensar demasiado jaja.

Evito tocar temas políticos, personalmente pienso que el Punk no tiene por qué ser totalmente político, intento expresar emociones en las letras, cosas que pasan en las calles a personas de nuestra generación. Lo importante es mostrar a la luz pública todo esto.

Temas como “Paranoia” muestran cómo una persona puede chocar consigo misma al no saber cómo reaccionar a las cosas que le ocurren. Otro tema como “Mirarte Otra vez”, cuenta la historia de un chico que sufre de esquizofrenia. De hecho, por eso una parte de la canción dice “Y ellos escapan porque no entienden/ tú sigues cantando/ sin ninguna canción”. Otro tema como es “Círculos”, relata la realidad que tenemos muchas bandas, donde X productora promete cosas a cambio de ayuda a que ésta misma crezca, para luego sólo ver un circulo de bandas amigas suyas que tocan en los eventos, dejando de lado a las otras bandas.

Actualmente ya estamos trabajando más en conjunto, lo cual es bastante genial. Luis y Saúl traen una gran influencia de sus diferentes experiencias, el nuevo disco va a sonar bastante súper.

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Tuvieron una incursión con un video en una reconocida plataforma de música (BlankTV). ¿Cómo lograron aquello?

(OB). Ya conocía a los Blank desde hace mucho tiempo. Una vez intenté mandarles algo, pero vi que era algo muy largo, y en ese tiempo no comprendía muchas cosas. Un día decidí animarme y empezar hasta terminar la especie de contrato que te ponen, que en sí no es nada del otro mundo, sólo debes confirmar que el material es tuyo, pasa por una revisión y en unas semanas estaría subido. Cuando lo vi en esa pagina fue genial. Actualmente tiene más de 4.000 visitas. ¿Cómo ven el movimiento de bandas, y en especial su género en Bolivia y Santa Cruz?

(LF). El movimiento está creciendo de a poco gracias a las mismas bandas que se esmeran por seguir adelante, pese que el apoyo aquí no es tanto en cuanto a festivales.

(SE). El movimiento de bandas en Santa Cruz recién lo estoy conociendo, puesto que me mudé no hace mucho a esta ciudad, pero por lo que vi hasta el momento es bueno, hay un fuerte potencial en las bandas locales. En el ámbito nacional, de la misma forma, ya que tuve el gusto de conocer varios músicos de distintas ciudades, colaborando con algunos artistas y bandas, en especial en las ciudades de La Paz, Cochabamba y Oruro, y me di cuenta después de ver y escuchar a varias bandas de Bolivia el potencial que existe en música con respecto al rock. ¿Preparan nuevo material o video clip para este fin de año? ¿Qué depara a LÚCIDO para el 2017?

(OB). Tendremos nuevo disco el próximo año, eso es seguro. Este año ya lanzamos un Split con una banda Tarijeña, donde incluimos dos temas clásicos, pero en una versión y un tema inédito. ¶

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arkanos

fusionando la historia con el metal

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n la ciudad de La Paz, en la época de los 90’s, el Correo Central (recién estrenadas sus instalaciones) se convirtió en un centro de encuentro metalero, un lugar clave para intercambiar cassettes y fanzines, el llamado “material”. Encontrarme con Fisher Pérez y realizar esta entrevista aquí fue propicio para mantener un buen ambiente. Con el clima elevado por la temperatura, y las protestas por falta de agua en la ciudad de La Paz, empezamos una conversa histórica. ¿Cuáles son las influencias musicales de Arkanos?

Primeramente un saludo para LaCarne Magazine por este espacio. Desde muy peque-

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ño, cuando escuché el Heavy Metal fue algo terrible, fue una bomba escuchar esos riffs.

Las primeras bandas que me volaron la cabeza son: Ángeles del Infierno y Iron Maiden, ésas han sido las bandas que me han conducido al verdadero camino que iba a ser en mi vida de ahí en adelante. ¿Cómo empezaste con este proyecto de vida?

Empecé esto en una reunión de amigos en el colegio. Decidimos hacer una banda, y nos dijimos “hagamos música!”.

Para mí, Arkanos es contestatario, contrarrevolucionario. Ahora estamos empezando “la guerra del agua”. ¿Cómo te sientes?

Así como la música que escuchamos, lo que sentimos es contestatario, es un constante cuestionamiento a lo que pensamos, a lo que estamos pasando en el sistema, en sociedad, y actualmente con la situación del H2O es algo

sociedad. Antes de aceptarla, la analizamos primero. Una actitud como heavy es siempre cuestionar, no importa si uno esta fuera.

El hecho de estar apartado de la sociedad no importa, la cosa es tener convicciones en sus acciones y actitudes. ¿Cuál es la gracia de ser editados por METALICAZINE? El ser editados por ellos ha sido algo grandioso para nosotros. Un sello de Argentina que es un referente sudamericano, hablando del Heavy Metal. Fue un proceso de muchos años, desde crear nuestra música hasta habernos atrevido a mandar nuestra propuesta en 2003.

Ellos son una palabra fuerte y autoridad en el “under argentino”. Queríamos ver una verdadera crítica. ¿Y en Bolivia?

Acá la escena metalera nos ha aceptado bastante bien. En la cuestión del Heavy Metal los fans sí han apoyado a Arkanos porque realmente vieron en la banda una propuesta sincera. El “under metalero” en Bolivia es muy crítico.

crítico. Había una esperanza en un cambio, pero es natural en el ser humano la corrupción que nos lleva a un sentimiento de decepción. ¿Cómo te identificas en este “Pluriestado Capitalista”?

Yo no lo tomaría como tal, trato de rescatar la esencia. Comenzó con ideología del pueblo, que pidió un cambio. El pueblo buscó reivindicarse en sus derechos, en la inclusión, acabar con la injusticia…, que nada bueno le trajo al país, la extracción indiscriminada. Se logró en eso un cambio, pero la corrupción le llegó a la gente que dirige el Estado, y el pueblo sigue buscando mejores rumbos para una sociedad más igualitaria. ¿La actitud heavy metalera?

Como heavy, ha sido un constante cuestionamiento. El que no te vendan cosas porque están en la televisión, y sea lo común en la

¿Cómo se siente al saber que llega Ángeles del Infierno?

El momento es de fan. El hecho de que uno tenga una banda no quiere decir que estés más arriba. Es mantenerse como fan y con esa pasión al Metal. Por ejemplo, cuando vino Ángeles del Infierno por primera vez a Santa Cruz (dic. 1999) fuimos, no importaba cuán lejos esté, incluso dormimos en la calle esa noche ya que no había plata para el hotel. Ése es el sentimiento de fans, la cosa es ir a ver a la banda, escuchar esos temas con los que has soñado de pequeño. ¿Tus discos y sus características?

Arkanos nació con el propósito de hacer su propia música: Metal boliviano. Somos amantes de la Historia, ya que tiene tantas cosas increíbles... En Bolivia hay mucha riqueza cultural en historia, leyendas, tradiciones… fue una fusión de metal e historia boliviana.

En el disco debut La Cruz En La Espada (2003) tenemos una trilogía de temas que narra la época del Imperio Incaico y su caíLaCarne Magazine

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da. Cronológicamente contamos la travesía de Colón hacia este continente. Luego relatamos la esclavitud del Abya Yala (América), tema que refleja la cruel conquista que se hizo por parte del imperio español.

En el segundo disco, Tierra de héroes (2006), narra que, llegada la colonia, surgen las insurrecciones y la lucha por la liberación del yugo y la corona. Tenemos un personaje central: Simón Bolívar, historias que giran en torno a la rebelión criollo – indígena.

En el tercer disco, Más allá de las columnas de Hércules (2012), cuenta de la Villa Imperial (Potosí) y el “Gran Cerro Rico” (Sumaj Orko).

Ahí se generó la veta más grande de plata en el planeta, que empoderó al Imperio español a ser una gran potencia de la época. Homenajeamos al “Cerro Rico” y sus historias que pasaron ahí, a su gente y sus tradiciones. Narramos las luchas de Naciones españolas (Vicuñas vs. Vascongados) única en Latino América. Historias de personajes fantásticos como la de Juan de Toledo, un monje que caminó 20 años con el cráneo de su enemigo.

“Un disco de Arkanos es mejor q miles de libros de historia, escuché a un lindo castellano”. ¿Fusionarán con lenguas nativas (quechua, aimara, guaraní) sus liricas?

En el caso de Arkanos no te puedo decir, solamente que la música y lo que sintamos en ese momento como artistas, si realmente necesita, lo vamos a hacer. Lo que hace uno de corazón realmente va a perdurar. ¿Cuál es tu sentir al tener en el nuevo disco Tierra de héroes X las colaboraciones de los hermanos heavys?

Ha sido algo grandioso. Un proceso de tantos años de seguir persistiendo en la música.

En el caso del Heavy Metal para mí, los años te dan “las tachas”, y eso te va a dar el respeto… ¡Cómo buen vino!

Si hemos logrado estas participaciones ha sido por la constancia de la banda, ha presentado su propuesta sin buscar que sea algo “que guste”. Es una propuesta que nace de uno, y si a uno le gusta es más que suficiente.

Ya el hecho de que le puede gustar a la gente

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es muy subjetivo.

En el caso de Óscar Sancho, vocalista de Lujuria (España), nos conocimos por el contacto de Facebook. Y ha sido una relación de banda, siempre queríamos hacer algo juntos.

A Óscar le encanta la propuesta de Arkanos y ése es un motivo por el cual se ha animado a grabar.

A Dantesco (Puerto Rico) lo conocimos gracias a METALICAzine. Ellos comulgan y están totalmente de acuerdo con la ideología que nosotros tenemos por esa forma de hablar en las letras. Hemos tenido el honor como banda porque sabemos que nos falta un camino largo y duro en el Heavy Metal, y en especial en el UNDER, el doble. Sinceramente nuestro agradecimiento por brindarnos sus voces en este disco El sentir de tocar en el exterior y llevar la bandera del Heavy boliviano No puede ser el hecho de que una banda toque en el exterior y sea llegar a lo máximo.

Hay que seguir adelante con la propuesta, y la responsabilidad de llevar el nombre de tu país a otro país es más bien lo que a uno le preocupa, pensando en hacer lo mejor que puedas.

Cuando fuimos a la Argentina, lo único que decían es: “¿Y cómo es el Metal en Bolivia? ¿Qué bandas tienen?”, y todo eso. La verdad que al ver a Arkanos tienen un referente, entonces es una responsabilidad. Humildemente, donde hemos tocado (Perú, Argentina, Uruguay) sentimos que dejamos muy bien parado el Heavy Metal boliviano.

Cuando te depositan “los dioses” un talento que conlleva una responsabilidad. ¿Qué se necesita para representar?

Son tantas cosas que impiden a cualquier persona cumplir sus sueños... El primer factor es el económico, lastimosamente puede poner frenos y trancas a lo que uno quiere hacer.

Obviamente, el límite hasta dónde quieres llegar lo pone uno. Arkanos no puede decir: “Aquí es mi limite”. Seguimos tocando en todos los lugares que se puedan, difundir nuestra música. Personalmente, tener un día más de ensayo, de actuación, es algo grande. Es un sueño cumplido el poder tocar. Si quieres llegar más lejos depende de las ganas que

Oscar (Lujuria) y Fisher (Arkanos)

uno le ponga. La música que hacemos no es comercial. Por ejemplo, la banda de Heavy Metal Iron Maiden es un monstruo, la más grande del Heavy. No la verás ni en la tele ni escucharás en la radio. Es otro mundo, sigue siendo UNDER, es otra historia.

Arkanos tiene sus discos, poleras... ¿Cómo va el aguante del metalero?

Gracias a la gente, “el aguante” de nuestra escena boliviana, en particular de La Paz, Potosí y Chuquisaca. Gracias a ellos es que también Arkanos sigue adelante, porque la banda sigue dando batalla. Gracias a este apoyo hemos traspasado las fronteras. Uno solo no puede hacer muchas cosas, siempre hay un fan que distribuye un disco, que lo envía a otro país, y eso nos ayuda mucho.

Por suerte, en la escena Heavy boliviana hay mucha lealtad en la gente, en los fans… son como un grupo de hermanos que van ayudándose y saliendo adelante. La música logró que la gente nos apoye de corazón.

Siguen disfrutando del nuevo y re-editado Tierra de heroes X. Sí, son los diez años de este disco, y representa mucho a la actualidad para no olvidar porqué luchamos y porqué estamos acá. Tenemos que seguir adelante por nuestro país y por Sudamérica (Abya Yala).

El mensaje de una familia metalera que presenta autogestión y resistencia. Tu despedida.

Sigan adelante con sus sueños, que toda cosa que hagan sea de corazón, no simplemente por tener un rédito. Yo pienso que en esta parte de Sudamérica el Heavy no vive de su música, tiene que trabajar, superarse como persona, ser un aporte a esta sociedad. Obviamente, como contestatario tienes que proponer, que aportar de manera positiva. Seguir con la misma convicción, tener bien plantadas tus ideologías y mirar para adelante. ¶

http://www.arkanos.org/ ver facebook LaCarne Magazine

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desintegración L

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a banda de origen argentino Desintegración está en plena promoción de su nuevo disco, Pulso Mercurio. Un disco lleno de Pop Rock y electrónica, y que, en palabras de la propia banda, no es solamente para escuchar, sino también para bailar.

Hemos hablado con Santiago Cerra, guitarrista de la banda, y Pichón López, vocalista, acerca de este nuevo trabajo. Nos lo cuentan todo en esta entrevista.

Nos gustaría que hicierais un poco de memoria para contarnos cómo recordáis vuestros inicios. ¿Pasasteis muchas dificultades? ¿En qué momento os encontráis ahora?

(PL). El comienzo fue una etapa en la que casi todo consistía en ir a tientas a través de un presente desde el que no se divisaban futuros claros. Sin embargo, a medida que las canciones iban llegando, nuestra “brújula interna” nos iba revelando algún atisbo de lo que deseábamos realmente y no alcanzábamos a

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comprender en su totalidad.

Hoy, el grupo se encuentra trabajando de manera orgánica y sostenida, aprovechando la experiencia del pasado, y disfrutando del movimiento general que surge del lanzamiento de nuestro nuevo disco.

Vuestro último trabajo, Pulso Mercurio, es un contraste de sonidos electrónicos con guitarras rockeras, atmósferas, algunos sonidos que se acercan más al Pop… Habladnos un poco más de este disco. ¿Qué otras sorpresas va a encontrar la gente que os escuche?

(SC). Pienso que además de lo que nombras, a nivel sonoro la gente se va a encontrar con un concepto que atraviesa todas las canciones: el groove.

Siempre la intención es que nuestra música no sólo sea para escuchar. Bailar, acompañar el pulso de los temas con el cuerpo sin darse cuenta, son cosas que les pueden ocurrir a los oyentes de este disco. Hasta los temas más lentos te hacen bailar. Nuestra música también puede ser física.

Diego Bavasso produjo vuestro primer trabajo. ¿Para Pulso Mercurio habéis contado con productor, o lo habéis hecho vosotros solos?

tida. ¿Qué hacéis cuando la inspiración no llega? ¿Tenéis algún sistema que os saque del bloqueo creativo?

(PL). No tenemos presiones para crear. Dejamos que la inspiración nos tenga a su merced.

(PL). Pulso Mercurio cuenta con la producción de Rudie Martínez y Joaquín Franco. Trabajamos junto a ellos porque conocen muy bien la genealogía musical del tipo de estilo que hacemos. Además, creemos que saben lograr el balance justo entre sonidos de otras épocas con texturas musicales actuales.

Siempre nos ha interesado cómo componen los grupos en diferentes países. ¿Cómo lo hacéis en Desintegracion? ¿Hacéis primero la letra y después la melodía, o al revés?

(SC). Particularmente, en casi todos los casos la armonía y la melodía vienen hermanadas.

Los arreglos son un trabajo aparte. Pero la esencia, lo más puro, la raíz de la canción, cae en el papel y en la guitarra al mismo tiempo.

Considero que la canción surge como una necesidad de expresarnos, y a veces sobrepasa las ganas de sentarnos a escribir. Llega automáticamente y le damos vía libre.

Además, en nuestro caso, implica un proceso bastante individual. Componer es un proceso íntimo la mayoría de las veces. Lo que puede ocurrir es que, en determinadas ocasiones, uno delega el cierre del tema, o alguna parte en particular. Es el caso de “En profundidad”, una canción del disco cuya autoría es compar-

Volviendo de nuevo a Pulso Mercurio, nos gustaría que nos contarais cómo ha sido la gira promocional de este disco. ¿Cuántas ciudades habéis visitado? ¿Os quedan aún conciertos por dar?

(SC). El disco salió hace poco tiempo y decidimos hacer hincapié en la ciudad de Buenos Aires. La gira promocional recién comienza.

Logramos ir adelantando las nuevas canciones en escenarios fundamentales del Rock argentino, como son los de La Trastienda y The Roxy. El año que viene comienza el paso por otras ciudades de la provincia de Buenos Aires y del interior de Argentina. También estamos evaluando la posibilidad de ir al exterior, seguramente un país limítrofe.

Y ya que hablamos de componer, ¿tenéis ya nuevos temas? ¿Habrá nuevo disco de Desintegracion en 2017? Comentadnos vuestras expectativas de futuro.

(PL). Algunos versos y melodías empiezan a asomar. Por ahora se nos aparecen de modo fragmentario. El tiempo y las musas dirán...

Todavía no pensamos en un disco para 2017.

Prácticamente, todas nuestras energías están puestas en difundir las canciones de nuestro reciente álbum, Pulso Mercurio, de distintas maneras y en diferentes lugares.

Esperamos que tengáis mucho éxito y poder escuchar pronto vuestros nuevos temas. Un abrazo a toda la banda!

(SC). Muchas gracias a ustedes. Recordamos que el disco se encuentra completo en plataformas digitales como Spotify, Itunes y Deezer para quienes deseen escucharlo. Un abrazo. ¶

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luna

una artista que brilla como el sol 86 LaCarne Magazine

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Género: Pop, Rock y Reggae.

L

una es una artista venezolana que busca compartir sus canciones con el mundo, expresando sus más profundos sentimientos que le sirven de inspiración. Con una amplia trayectoria por países como Inglaterra, Curazao, Bonaire y Venezuela, ha dejado en alto su nombre y su música.

Esto fue lo que compartió con nosotros: ¿Por qué elegiste tu nombre?

LUNA, como concepto musical, representa un nuevo comienzo para mí como artista, ya que es ese lado oculto de mi vida que pocas personas conocían: mi pasión por la música y mis ganas de hacerme camino en este medio artístico. Es definitivamente mi palabra favorita en español, y por eso la tomé, por su toque místico y diferente a lo que yo en lo personal estaba acostumbrada. ¿Qué te llevo al mundo de la música?

Desde pequeña siempre me encantó el mundo del entretenimiento, aunque por timidez no intenté incursionar en el ámbito musical sino hasta que cumplí los 13 años, que empecé clases de canto formalmente, y a los 15 escribí mi primera canción. No sabría decirte exactamente qué fue lo que me ha traído hasta aquí, pero algo dentro de mí siempre supo que mi futuro estaba en la música. ¿Qué buscas transmitir con tus canciones?

La mayoría de las canciones que escribo son experiencias personales. Cuando trabajo en colaboración con algún otro artista nace una canción de diferentes ideas o puntos de vista, como en el caso de mi tema promocional “Gina”, el cual co-escribí con Eduardo Rodríguez. Honestamente, creo que cada persona vive el amor y el desamor de maneras diferentes, y es por esto que la idea es que el público le dé su propia interpretación a mis canciones.

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¿Qué sientes cuando estás frente al público? ¡Nervios! Jaja A veces muchos nervios y a veces ganas de comerme al mundo. Mayormente es una mezcla de las dos cosas cada vez que estoy por entrar en tarima. Lo más difícil siempre es comenzar, ya luego el mismo público es quien me hace sentir como en casa, y siempre están esas maripositas de muchachita enamorada en el estómago antes y después de cada show. ¿Estás trabajando en algún proyecto nuevo?

Actualmente estoy trabajando en muchísimas cosas. Junto con mi equipo técnico y mi director musical, estamos haciendo la preproducción de algunos temas inéditos para el siguiente promocional, y mi primer videoclip, así como también me estoy preparando para cerrar el año con un super show en Curazao, junto a la banda IBIZA Musical Journey. ¿Hay algún artista que te inspira?

Hay muchísimos artistas a quienes respeto y admiro por su trabajo musical y por su valor humano. A nivel internacional me encanta el trabajo de HA*ASH, a quienes escucho desde que estaba pequeña, aunque mis gustos musicales siempre se han inclinado más por la música en inglés. En cuanto al talento nacional, admiro un montón el trabajo de Juan Miguel, y espero algún día poder trabajar con

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él en alguna composición o compartir tarima. ¿Tienes algún protocolo para antes de cantar?

Antes de cantar siempre me gusta disfrutar de los nervios del momento. Hago una pequeña oración junto a mi equipo de trabajo, y cuando estoy lista subo al escenario para esperar mi entrada. Siempre disfruto al máximo cada minuto antes y después del show. ¿Cómo te ves en un futuro cercano?

Mi enfoque está puesto en seguir trabajando duro en la música, y así es como me veo. Gracias a Dios se han abierto muchas puertas, y he tenido la fortuna de poder participar en diferentes proyectos que me nutren, no solo a nivel musical, sino también personal. Tengo la meta de realizar un concierto pro-fondos a una causa benéfica a favor de los animales, así que espero en un futuro cercano poder dedicarme a la producción de ese evento.

Con bastantes proyectos en mente, como su primer videoclip y mucha ambición, Luna buscará seguir brillando y compartir sus canciones con el resto del mundo.

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