LaCarne Magazine N53

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europa y latinoamérica

Nº53 - SEP 2016 - AÑO 5

momo cortés evolucionando de forma natural

ENTREVISTAS

Le Clotêt Avec Garcés-family atlantica-soleá morente agrupación aymuray-miss octubre-josé paniagua-polo dread-poncho k-jorge valenzuela

investigación

Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo-taki ongoy

EXPERIENCIAS

mundo dj-25 años del nevermind grabamos un video con hate sa estivalia 2016-festigàbal 2016 improvisación libre musical dos medallas de extremadura ska y reggae con makurka y prana-provocarte 2016 ¿Vale la pena tener un grupo?

MÁS INFO

SUMARIO

N53 aÑo 5 sep 2016

experiencias

06 mundo dj 10 25 años del nevermind 14 grabamos un video con hate sa 16 estivalia 2016 20 festigàbal 2016 22 una opinión sobre la improvisación libre musical

24 dos medallas de extremadura ex aequo

26 ska y reggae con makurka y prana

30 provocarte 2016 32 ¿vale la pena tener un grupo? investigación

38 festival folklórico de los

extremadura

46 taki ongoy, por esos discos que valen la pena bailar

entrevistas

50 le clotêt avec garcés 56 family atlantica 58 soleá morente 62 agrupación aymuray 66 miss octubre 72 josé paniagua y la juntucha 76 momo cortés 80 polo dread 82 poncho k 84 jorge valenzuela, el metal es cultura

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pueblos del mundo de Equipo lacarne magazine Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y redacción Pedro Gallardo

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

Colaboradores

J. G. Entonado, Enrique Falcó, króniko, jorge ares, paquita garcía, jpalomo, marioto, Sebastián díaz, yolanda jiménez, ceci beltrán, julie marín, susan haecker http://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

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europa y latinoamĂŠrica

EXPERIENCIAS mundo dj 25 años del nevermind grabamos un video con hate sa estivalia 2016 festigàbal 2016 una opinión sobre la improvisación libre musical dos medallas de extremadura ex aequo ska y reggae con makurka y prana provocarte 2016 ¿Vale la pena tener un grupo?

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MUNDO DJ LEER MÁS

+ FIESTA ELECTRONICA EN LAS CALLES DE SUIZA

Esta rave masiva inunda cada vez más, y año tras año, las calles de Suiza, y el recorrido de la fiesta se extiende a lo largo de unos 2km, recoriendo todo el largo del río Limmat. Este festival congrega cerca de un millón de personas, y es gratuito y sin ánimo de lucro, ya que de dos millones de francos suizos que cuesta, lo que percibe el país supera los 120 millones de Euros. Hay más de 30 camiones donde se realizan las actuaciones de Carl Cox, Loco Dice, Richard Judge, entre otros. Aquí os dejamos un enlace con una de las sesiones de la “Streetparade” https://youtu.be/IZZMIiku4Is + NACE LA ASOCIACIÓN “ELECTRÓNICA ES ARTE Y CULTURA”

Son muchas las personas que desde siempre han querido que la música electrónica sea

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considerada cultura y movimiento artístico, y así se ha creado EAC, una asociación sin ánimo de lucro que con la colaboración de quien quiera se aunará en los cimientos de la escena madrileña.

Es un proyecto que se venía pensando desde bien atrás, y quieren difundir la música electrónica para que sea escuchada en diferentes sitios que no sean discotecas y clubs, y se impartirán cursos gratuitos de formación y de asesoramiento.

La presentación del proyecto se hizo el día 2 de Septiembre en el Cine Garden CondeDuque de Madrid, con una música más experimental y que actuarán djs de la escena madrileña como Antonius, Data Domain, Elesbaan, entre otros. Si quieres más información, pincha en el enlace https://www.facebook.com/events/1794280887515251/ + DESPEDIDA DE CARL COX

Carl Cox tiene cinco fechas para despedirse de los escenarios de Space Ibiza, y contará con grandes amigos como Magda y Loco Dice.

La noticia ya era conocida desde hace un año, y ya llega a su fin y no volverá a actuar en el mítico club de Playa n Bosa. Martes tras martes ha estado rodeado de grandes amigos como Loco Dice, que ve en él una figura paternal, ya que le ha hecho disfrutar de su trabajo y encontrar sentido en cada sesión.

Os dejamos unos enlaces de una de sus míticas sesiones en Space y un B2B entre él y Loco Dice: https://youtu.be/Lxp4A22g9VI https://youtu.be/ed8EilReyng

+ ¿REGRESA LA ROLAND 909?

Un mensaje oficial de Roland en su Facebook ha hecho saltar las alarmas. ¿Estamos con el regreso de la famosa caja de ritmos?

Es una coincidencia que se cumpla 33 años del lanzamiento de Roland TR 909 y hayan anunciado una fiesta para celebrarlo, y a la vez aprovechen para hacer una nueva tirada teniendo en cuenta que se ha vuelto a fabricar los Technics SL 1200. El precio de una caja de ritmos oscila los 4.000 dólares en mercados de segunda mano, y si es nuevo el precio se eleva en cantidad. ¿Será verdad? Ya lo iremos viendo en los próximos días. + FIRMAS PARA SALVAR LA VIDA NOCTURNA DE LONDRES

agenda

de conciertos

ZARAGOZA PSYCH FEST 9 y 10 de Septiembre Zaragoza

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DCODE FESTIVAL 2016 10 de Septiembre Madrid

Más info 4EVERY1 FESTIVAL 2016 El alcalde de Londres, Sadiq Khan, quiere salvar el mítico club londinense Fabric, ya que está pasando una de sus épocas más bajas. Últimamente ya estaban cerrando los fines de semana porque habían muerto dos personas por sobredosis de drogas, y lo que venía siendo un cierre temporal de los fines de semana se puede convertir en un cierre definitivo. El alcalde ha tomado cartas en el asunto y pide a la policía, que es la que se encarga de las licencias, que busquen una solución rápida. ¶

17 de Septiembre Getafe, Madrid

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MAYORGA ROCK FESTIVAL 2016 16 y 17 de Septiembre Plasencia, Cáceres

Más info

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DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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JAVONNETTE - “Theme from Javonnette” PIRAHNAHEAD - “What it is”

STEVE O´SULLIVAN - “Voodoo Woman”

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YOSHITACA - “Start the future”

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DANIELE CASA - “Bevore Warsavia”

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ERIC MILLER - “Silhouettes2”

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SASCHA DIVE - “Planet E”

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DJ GUY - “Structures” JEREMIAH R - “Aquatic Reflexes” SOCIAL SERVICE - “Chamber”

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25 años del nevermin LEER MÁS

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s innegable reconocer que para los que vivimos en su día una adolescencia noventera, sin el Nevermind (1991) de Nirvana la historia no hubiera sido al menos tan apasionante.

En este mes de Septiembre, se cumplen nada menos que 25 años de la aparición del disco definitivo del grupo, formado por Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl, un soberbio trabajo que sin duda marcó el comienzo de un nuevo movimiento musical, e influyó de manera significativa en multitud de bandas que asomaron tras la consecución de los grandes éxitos obtenidos en la breve carrera del trío.

Desde su icónica portada a los primeros compases del “Smells Like Teen Spirit”, pasando por el rasgeo del “Come as you are” o la densidad de las guitarras de “In Bloom”, junto con una pose y una actitud que molaban a la rebelde muchachada de la época, Nevermind pasó a convertirse en la referencia del sonido que marcó para siempre una época, y de paso a toda una generación.

Desde el mostrador de este insigne Carnicería, no podemos obviar tan importante efeméride y recomendar a nuestros más jóvenes lectores su necesaria escucha, para entender los designos de una nueva serie de bandas que no se conformaron con las reglas comerciales previamente establecidas por la Industria, que afixiaba y reprimía a algunas grandes bandas de los 80.

Algunos críticos y expertos insisten en que sin la desgraciada muerte de Cobain, de la que por cierto hoy en día se siguen sucediendo increíbles hipótesis, y oscuras y desgarradoras

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leyendas, el impacto histórico de la banda hubiera quedado en algo un poco más relevante que una simple anécdota. Como adivinarán, su seguro servidor no puede dar por válidas semejantes patochadas salidas de las tragaderas de una panda de insensibles, incapaces de reconocer lo que la música de Nirvana ha supuesto para la historia.

Bien es cierto que tras el increíble y totalmente inesperado éxito comercial, el grupo no pudo mejorar, sino todo lo más, tratar de copiar la fórmula del que es su disco definitivo. Aun así, en In Utero (1993) se probó una técnica de grabación nueva, un sonido diferente apreciable

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por los críticos más conocedores de las técnicas de grabación, algo que sin embargo para el gran público pasó inadvertido, asimilando el nuevo disco como una mera continuación de sus primeros éxitos. Aun así legó para la historia temas como “Rape Me”, “Heart- Shaped box” o las deliciosas “Dumb” y “All Apologies”.

Kurt Cobain sin duda cargaba con el peso artístico en todos los aspectos. Compositor de prácticamente todos los temas, también destacaba musicalmente, ya que como guitarra y vocalista ejercía la mayor parte de responsabilidad. Aun así, Novoselic aportó un peculiar sonido de bajo y alguna gran interpretación en

temas como “Lithium”. El excelente baterísta Dave Grohl contribuye a la marca del sonido Nirvana con una ejecución apasionante, potente y realmente imaginativa, que a Dios gracias, el tiempo ha sabido colocar en su sitio. ¿A nadie más le parece que hay mucho de temas como “On a Plain” en la primera época de Foo Fighters?

Se ha escrito, y mucho, sobre desavenencias y problemas entre sus miembros, a lo que su seguro servidor alega “¿Y en que maldito grupo no ocurrre?”. Quizás es probable que los rumores sobre una inminente salida de Grohl fueran algo más que palabrería, ya que éste consideraba el proyecto una aventura más de Cobain y Novoselic que suya, y esto a pesar de resultar primordial para la consecución final que imprimía su estilo.

Al igual que los seres humanos, algunos discos envejecen mejor que otros, o con desigual fortuna, y sin duda Nevermind ha de considerarse simpatizante de los del primer grupo.

Desde el corte uno al último, el sonido es impresionate y las sensaciones que ofrece innumerables. También, por supuesto, el viaje en el tiempo que nos evoca contribuye a la magia de un disco que sigue sonando a nuevo. Ojalá pudiéramos afirmar tal verdad al referirnos a la mayoría de trabajos firmados en los últimos años.

25 años ya del Nevermind. No sé si seguirá oliendo o no a espíritu adolescente, pero es a la vez un icono, un mito, un clásico... y hasta me atrevería a afirmar que de los discos más modernos que pueden escucharse para siempre jamás. ¶

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Grabamos un video con hate sa disco “Prevalecer”.

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l sábado 27 de agosto, en la ciudad de La Paz, por lo menos un equipo de 15 personas en producción trabajó para la realización del nuevo videoclip de la legendaria banda boliviana de metal HATE SA. A la cabeza de todo estaba Ramiroi S Kin, cuya nueva propuesta lleva el nombre homólogo al

Foto por Ramiroi S kin

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Eran las 6 de la tarde cuando cerca de 150 personas, que estarían como extras, se congregaban en la glorieta de la Plaza Mariscal Antonio José de Sucre, mejor conocida como San Pedro. Donde antaño tocaban orquestas en actos cívicos sirvió en esta ocasión como punto de encuentro para jóvenes metalheads.

LaCarne Magazine se incluyó entre los presentes para ser un extra más de la noche.

Melenas, chamarras y vestimentas negras

eran la receta para encajar en el grupo que se arracimaba en el actualmente denominado “honguito” de la plaza. Ramiroi S Kin, estaba con una lista de los inscritos on-line y whatsapp, actualizando la información y llenando nombres en una hoja para el prometido concierto VIP, en un escenario diseñado con horas de arreglos. La concentración se movilizó treinta minutos después. Cae la noche.

Formar parte de un grupo de extras es diferente a un concierto de metal habitual. Sabes que eres parte de la magia que dará como resultado el videoclip. Debes estar atento a las instrucciones del director, quien pide una y otra vez repetir la euforia. De pronto, la instrucción pide hacer dos columnas, y la musa del video camina entre unos furiosos rockeros, como en un pasillo oscuro y agresivo. Las cámaras se Una hora después, un ojo de la providencia mueven, son como ojos registrando ángulos dentro de una pirámide, también llamado el diferentes. Es el turno del esperado concierto.

Ojo que todo lo ve, adorna el fondo del esce- Marco Vásquez, nuevo vocal de Hate, sería nario, acompañado de la mirada acuciosa de quien se encargaría de llamar todas las miun búho al puro estilo de grafitti. En detalle se radas, y cumplió una cabalidad el papel del aprecian calaveras con una S en el parietal concierto VIP. Las cámaras siguen rodando, el frontal, característico del artista callejero DAS, ambiente se carga, la emoción se desborda, la quien afirma que tardó en hacer la obra tres casa retumba, las luces iluminan el fondo, la horas y media. Son las 19:15, el olor a pintura voz de Marco es fuerte, agacha la cabeza peen aerosol aún se siente. “Al trabajar en gra- lada mientras grita, pone el puño derecho en fitti callejero tienes que pintar muy rápido, hay su espalda. Alguien se cae en el mosh, todos pocas horas”. Suenan en los parlantes la voz lo ponen en pie. Al viejo estilo, este concierto del director. tiene menos pantallas celular, nadie fuma, no hay alcohol, lo único intoxicante es la música.

Ramiroi organiza un stagediving, todos están dispuestos. El show dura una hora pero el público pide más.

23:00 horas, todos los extras fuimos despedidos con agradecimientos de la banda y el director. Salimos todos por el pasillo de vuelta a la ciudad, satisfechos por la presentación porque no hay nada mejor para un fan que escuchar a su banda favorita.

Las melenas se alejan y desaparecen entre grupos de otros metaleros, fusionándose con la oscura noche paceña del barrio de San Pedro.

Diego “Dinko” Ponce, también nuevo bajista de HATE SA en esta etapa de la banda, es de los últimos en salir del lugar, y aprovecho para preguntar de su participación: “HATE ya había estado buscando bajista con anterioridad”, dice “sin embargo, un mensaje de parte de Ricardo ‘Puntos’ Larrazabal hizo que me interesara en ingresar y poder tocar juntos”. Por su parte, “Puntos” dijo encontrarse feliz por el ingreso de Dinko y Marco a la banda.

Pronto se estrenará un video espectacular a nivel nacional en Bolivia, estén atentos. LaCarne se despide a media noche volviendo al anonimato. Sigan rockeando!! ¶

https://www.facebook.com/hatebolivia

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estivalia 2016 LEER MÁS

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stivalia 2016 se ha desarrollado, un año más, con gran éxito y una muy buena respuesta por parte del público.

El programa de Estivalia, llevado a cabo por la Diputación Provincial de Cáceres, ha destacado este año por una novedad, y es que ha aumentado el número de días y localidades.

Esta edición ha llenado de música y teatro los escenarios de 22 localidades, que desde el día 5 de Agosto hasta el 28 del mismo mes han disfrutado de las actuaciones de distintos grupos y artistas.

Estivalia 2016 ha destacado por la variedad musical y calidad de los artistas que han formado parte del cartel de este año. Hemos podido escuchar estilos tan variados como ritmos étnicos, canción de autor, rumba, flamenco, teatro, soul, folk, rock and roll y música de fusión.

La presidenta de Diputación, Charo Cordero, comentaba que este año también se ha apostado por las bandas extremeñas. Dentro de la programación hemos podido ver a 13 bandas extremeñas (Albadulake, Asaco Producciones, Atakama Teatro, Aulaga Folk, Berzosax, Caty Palma, Diván du Don, Jesús Custodio, Manantial Folk, Manuel Alienígena, Pelujáncano, Pepe Peña

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& The Garden Band, y Rodetacón Teatro), 7 grupos nacionales (Alba Molina, Bambikina, Elsa Bhör, La Negra, Los Zigarros, Manuel Malou, Mayalde), y 2 bandas internacionales (Jóvenes del Son y Shirley Davis and The Silverbacks). Ésta ha sido la programación de esta edición por días: 5 Agosto Aceituna/Los Zigarros/Plaza de España/23:00 h.

Carbajo/Atakama Teatro/Pista de tenis/22:30 h.

6 Agosto Riolobos/Rodetacón Teatro/Plaza de la Iglesia/22:30 h.

Trevejo (Villamiel)/Pepe Peña & The Garden Band/El Corro/22:00 h.

7 Agosto Alagón del Río/Berzosax/Plaza de los Rios/23:30 h.

Escurial/Pelujáncano/Plaza de España/22:30 h.

Torrequemada/Albadulake/Plaza Mayor/22:00 h.

8 Agosto Santibáñez el Bajo/Asaco Producciones/Parque/23:00 h.

11 Agosto Castañar de Ibor/Alba Molina/Parque de la Barranca/23:00 h.

Tejeda de Tiétar/Manuel Alienígena/Plaza Mayor/23:00 h.

12 Agosto Cabezabellosa/Diván Du Don/Plaza de la Constitución/23:30 h.

13 Agosto La Pesga/Shirley Davis and The Silverbacks/Plaza del Collado/23:30 h.

14 Agosto Campo Lugar/Elsa Bhör/Plaza de España/22:30 h.

19 Agosto Casares de Las Hurdes/Aulaga Folk/Plaza del Lindón/22:30 h.

Garcíaz/Ballet de Caty Palma/Plaza de España/22:30 h.

Losar de la Vera/Bambikina/Plaza 1ª de Mayo/23:00 h.

20 Agosto Cabezuela del Valle/La Negra/Parque de San Antonio/23:00 h.

21 Agosto Monroy/Jóvenes Clásicos del Son/Plaza de España/23:00 h.

26 Agosto Bohonal de Ibor/Manuel Malou/Plaza/22:30 h.

Hernán Pérez/Mayalde/Cooperativa del Campo San Sebastián/22:00 h.

27 Agosto Villar del Pedroso/Manantial Folk/Plaza Mayor/22:30 h.

28 Agosto Miajadas/Ballet Jesús Custodio/Plaza de España/22:30 h.

Estivalia 2016 llena de música y teatro los escenarios de las localidades de la provincia. Plazas, parques y espacios abiertos se llenan de público para asistir a los conciertos o representaciones teatrales. Un atractivo más para los habitantes de todas las localidades, así como para todos aquellos que vienen a visitar la provincia. ¶

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festigàbal 2016

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tro año más que no nos perdemos el mejor festival de Cataluña en todo el mes de agosto. Además, esta vez tenía la presencia del grupo extremeño más en LEER MÁS forma, creativo, puntero y querido mas allá de las Hurdes llamado Los Ganglios. Completaban el cartel el zaragozano Bigott, Les Sueques desde Barcelona, Futuro Terror desde el Levante, los barceloneses Da Souza, y por último los rockeros y también de la ciudad, Los Mambo Jambo.

Estuvimos en las dos jornadas del festival aunque nos perdimos un concierto de cada día.

JUEVES 18 DE AGOSTO BIGOTT Un directo cargado de rock y folk que traía muy buenas críticas y, por tanto, mucha expectación por parte del aforo, de ahí que hubiera mucho público desde el principio. El sonido setentero y esa presencia tan peculiar del zaragozano fue un buen inicio del festival.

Nos tocó canciones de Pavement Tree.

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LOS GANGLIOS No hay duda que fue el concierto del festival. Los Ganglios es una banda muy querida fuera de Extremadura, y cuyas primeras grandes oportunidades musicales se las dieron en Cataluña.

Efectivamente, el concierto fue una bomba (como acostumbran): la hora acompañaba, la noche veraniega, el público deseoso, y un festival propício.

Los barceloneses bailaron hasta la extenuación con todas y cada una de las canciones de los extremeños, desde Lol, como Calvario, Al Final, El regalo, subiduki, etc.

Pero los momentos especiales para los extremeños que estuvimos alli fueron Badajoz 2222, donde nosotros lo vivimos entre la emoción, el éxtasis y la diversión. Pero no sólo se quedó ahí, sino que visuales con la bandera de Extremadura, y continuos homenajes a la tierra en la pantalla y en las letras de las canciones, desde adenex al chorizo extremeño. Y lo mejor, escuchar a los asistentes corear “Soy Extremeño” y “Quiero Buitres negros”. Inolvidable, y ojo que pronto tendrán disco nuevo, y esperemos que esos grandes festivales que tenemos en Extremadura les hagan hueco.

VIERNES 19 DE AGOSTO FUTURO TERROR Grupo levantino de punk rock que está siendo una de las revelaciones del año, aunque ya llevan su tiempo haciendo canciones guitarreras en castellano y de poca duración, con estribillos pegadizos. Me recordaron de alguna manera en su actitud a Los Punsetes. A nosotros nos gustaron, nos costó entrar en su juego pero al final disfrutamos enormemente sus canciones.

Grupo a seguir!!!

LOS MAMBO JAMBO Banda de Dani Nel·lo, ex-saxofonista de Los Rebeldes, y que ha colaborado con muchísimos grupos como Los Lobos, Kiko Veneno, Raimundo Amador o Bunbury. Este torbellino nos trajo su nueva banda de rock n roll, swing y rythm and blues instrumental con gran componente festivo. Fue la guinda del festival, nos dieron mucha caña, nos hicieron bailar una y otra vez, haciéndonos viajar en el tiempo como si estuviéramos en el baile del instituto de Regreso Al Futuro. Además, nos brindaron con una versión de la sintonía de El hombre y la Tierra. Un colofón perfecto!!! ¶

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una opinión sobre la improvisación libre musical LEER MÁS

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uchas veces me han preguntado qué es la Improvisación Libre. Es un concepto que despista a más de uno. Hay quién dice que es ponerse a tocar cualquier cosa y como salga, que todo vale y de cualquier manera. Esta opinión es bastante común, incluso entre músicos con mucha experiencia en otros géneros pero ninguna en la Improvisación Libre, y se lo toman a risa. Nunca he entrado al trapo en esta discusión porque no creo que merezca la pena. Si alguien tiene verdadero interés en este particular universo, pues que se decida y que lo haga. Se llevará más de una sorpresa, y creo que agradable. ¿Es ponerse a tocar cualquier cosa? Pues quizá sí, pero no de cualquier manera. Por tanto, no creo que todo valga. Pero eso no quiere decir que tengamos que estar juzgando continuamente, ni creando dogmas. Cada uno de nosotros deber tener su propio concepto de lo que es la Improvisación Libre, y yo pienso que todas esas visiones son válidas y verdaderas; y que al unirse todas pueden crear lo que “es” la realidad de la Improvisación.

Para improvisar música libremente, yo al menos, me lo planteo como si fuera una conversación. Para conversar con alguien, y construir un tema que tenga sentido y forma tienes que escuchar al interlocutor, saber cuándo tienes

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“Para Improvisar Libremente, cada uno tiene que buscarse su camino propio, y no creo que nadie le pueda enseñar la luz ni la dirección correcta. En eso estamos solos.” que hablar y sobre todo cuando tienes que callar. El silencio es un acto participativo tan importante como el estar tocando. Con escuchar no me refiero a que siempre tengas que ser cordial, también puedes llevar la contraria a tu interlocutor y discutir con él, provocarle y desafiarle.

El acto de improvisar creo que generalmente lleva mucho tiempo de reflexión interior para encontrar un lenguaje personal y desarrollar un concepto musical que nadie te lo puede enseñar, solo tú mismo. Tienes que crear tus propias herramientas y capacidades poco a poco, practicando y pensando posteriormente.

Mientras tocas creo que es mejor no pensar, simplemente tienes que dejarte llevar por el momento y tocar.

Mis amigos de En Busca del Pasto dicen que improvisar es un acto lúdico, de juego, y además es terapéutico. Completamente de acuerdo. Juan Crek (de Macromassa) me dijo una vez que para ponerte a improvisar no hay que cortarse en absoluto, hay que liberarse completamente. También, completamente de acuerdo.

En resumen, para Improvisar Libremente, cada uno tiene que buscarse su camino propio, y no creo que nadie le pueda enseñar la luz ni la dirección correcta. En eso estamos solos, es lo mismo que enfrentarte a lo que “es” vivir. Te tienes que buscar las habichuelas tú solo y aprendes a base de palos. Además, creo que es preferible dejar a un lado las mochilas que hemos heredado y los prejuicios…y empezar desde prácticamente cero para crear un nuevo lenguaje.

No hay otra forma. Creo yo. No es un camino fácil, y por supuesto, no es lo que dicen los que nunca lo han probado (eso de ponerse a tocar cualquier cosa y ya está). Normalmente la ignorancia nos llena la boca de gilipolleces.

“Si al hablar no has de agradar te será mejor callar”. Eso oí hace poco en una película de cine cutre de acción llamada “Conejo Violento”. ¶ Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó (www.arintonadodo.com)

Foto por Mariana Piñeiro LaCarne Magazine

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DOS MEDALLAS de extremadura EX AEQUO LEER MÁS

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ada año, la Comunidad Autónoma de Extremadura, en vísperas de su Patrona, la Virgen de Guadalupe, otorga su máxima distinción Institucional: La Medalla de Extremadura.

Tanto personas como entidades, asociaciones, corporaciones de todo tipo, pueden ser merecedoras de este galardón, que intenta premiar los méritos y, sobre todo, los servicios prestados por aquellos a la región, bien en este año o a lo largo de una que puede ser larga trayectoria.

No todos los años me han parecido los premiados especialmente merecedores de tan alta distinción. Algunas de las medallas que

se conceden (máximo 10) a personas o entidades del mundo artístico, deportivo, de la política o las finanzas, entre otros aspectos, estoy segura que no siempre respondieron al beneplácito de todos, sino que crearon algún que otro comentario adverso. Pero no es el caso de ésta, su edición número treinta, en que el Consejo de Gobierno ha decidido entre las cinco medallas concedidas, las que ex aequo premian a la Federación Extremeña de Folklore y al grupo musical de folk, Acetre, y presiento que la unanimidad por parte de los extremeños existe.

Si algo se debe a la tan denostaba época franquista, fue la inquietud y el cariño que se mostró en aquella larga etapa de nuestra historia por los valores tradicionales y la difusión de la cultura tradicional. Esta tarea primordial, la recuperación y conservación del folklore español, fue una gran labor realizada por los Coros y Danzas de España, creados en 1939 dentro de la Sección Femenina del Movimiento Nacional. Su objetivo no era solo cultural, hay que decirlo, sino también importante instrumento de propaganda y exaltación patriótica.

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Es evidente que la Sección Femenina contó en su tarea con el aval de muchos expertos, personas de prestigio que se involucraron en conseguir documentación etnográfica concerniente a la música y la danza, los bailes, los cantos, y los trajes, en una labor inmensa de recopilación que ha quedado como un ejemplo de bien hacer incontestable.

En la región extremeña es impagable la contribución de personas como Manuel García Matos, Angela Capdevielle, que se unieron en el esfuerzo a Rafael Benedito, Maruja Sampelayo, y atraídos por nuestro folklore, Bonifacio Gil y Alan Lomax, por poner los nombres de los más conocidos, además de un largo etcétera de prestigiosos profesionales, en una tarea inmensa de recopilación, exhibición y difusión. Cuando desapareció la Sección Femenina, otras personas con parecidas inquietudes tomaron el relevo y fueron guardando ese patrimonio cultural que no podía perderse. Siguieron ampliándolo, profundizando, investigando en los medios rurales, y construyendo agrupaciones de canto y danza, que pasado el tiempo confluyeron en la Federación Extremeña de Folklore. En estos momentos son un total de 84 agrupaciones

las que componen la Federación, y no cabe duda de que están realizando, por lo general, una extraordinaria labor. Por eso, a mí me ha parecido excelente la decisión de que de las 20 candidatas este año a la Medalla de Extremadura, entre las que estaba la Federación Extremeña de Folklore, se la haya elegido, y pueda ostentar el alto honor que le concede el Consejo de Gobierno de la Junta. Y está bien, además, que lo haga ex aequo con el grupo musical Folk, Acetre, porque en cierto modo es juntar el pasado con el presente. La Federación de Folklore es la fuente, la reserva natural, el crisol, la sabiduría acumulada durante siglos, y Acetre es la savia nueva que bebe de aquella, que la recrea, la estiliza y la envuelve en un halo de modernidad. Acetre lleva 40 años recreando el folklore extremeño y oliventino con cuanto de raíces lusas éste último tiene, tratando de seducir con sus aportes frescos, basados en una música tradicional que inspira y que presenta con un cuadro de voces e instrumentistas excelentes, y que va paseando por toda España y más allá de nuestras fronteras la música de raíz que llamamos Folk. ¶

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ska y reggae con makurka y prana cia, esperamos crecer juntos, apoyándonos.

De eso trata la música, de apoyarnos y crecer juntos.”

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MAKURKA Y PRANA CELEBRARON CUMPLEAÑOS

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akurka y Prana celebraron al ritmo del Ska/Reggae en el Club Floyd´s (La Paz, Bolivia), que recientemente reabrió sus puertas para alborozo de muchos.

Las fechas fueron separadas pero la energía fue la misma con diferentes invitados nacionales e internacionales, y siempre con el baile de estos miembros de la Tripulación Reggae Ska, consiguiendo hacer bailar a todos en el club.

El 5 de agosto la fiesta se trasladó a los escenarios por el cumpleaños del director de la banda Makurka, Silvio Riveros. Ocasión para la cual invitaron a la banda Ramex y la internacional Radio Revolución, a su paso por Bolivia desde Londres, que tocó con miembros de los cochabambinos Wookie Dread para agasajar al bajista.

Por otro lado, la banda Prana hizo bailar, en su aniversario número cinco, la noche del sábado 13 en el mismo Club Floyd´s, junto a la agrupación de rock James, y el conjunto Los Bolitas, quienes clasifican su música como “Rock Chacota”, compartieron escenario con Rodrigo “Kabra” de Suyana, y la vocal Laura Ede en diferentes canciones.

José rojas, de Los James, aprovechó para felicitar a Prana diciendo: “Un saludo realmente grande a los Pranas, los queremos muchísimo, son nuestros amigos de corazón e infan-

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Alan de Wookie Dread: “Mucho cariño a los chicos de Prana, prácticamente la historia la hemos empezado juntos. El año pasado en el Megafest, y de ahí nos hemos enamorado, y cuando fueron a Cochabamba se volvieron nuestros hermanos, los queremos mucho. Saludos de la banda”, dijo el tecladista de los peludos cochabambinos, que aunque no tocaron visitaron para celebrar a lo grande.

Al terminar la fiesta, el también tecladista, Favio Aldana dijo: “la verdad, es una emoción incomparable. No sé cómo explicarlo con palabras, pero gracias, a la gente, a los hermanos, a los medios, gracias a la banda, gracias a la familia por dejarnos vivir este sueño, un abrazo a todos”.

La banda de Latin Ska, Rock mestizo y Reggae, Makurka Sound System, que lleva las posiciones privilegiadas actualmente con su nuevo corte Rhythm, Peace & Love, le cantó a su director y bajista dedicándole la noche que duró hasta la madrugada. Tucho Rojas organizó un evento para bailar y compartir entre fans y amigos de la banda, trayendo sus influencias de Funk, Rock, Punk, Cumbia Colombiana y Folklore Boliviano al escenario.

Jurgi Ibarretxe, de origen Vasco, quien fundó la londinense Radio Revolución, se mostraba alegre de compartir escenario con integrantes de Wookie Dread. Afirmando estar enamorado de Bolivia, siendo la segunda vez que visita el país, reconoció el talento de los artistas nacionales que se dieron cita en el club para celebrar a Riveros. ¶

Dos noches que marcaron momentos especiales para los miembros de la Tripulación Reggae Ska: Makurka, que llevan tocando desde 2008, continúan promocionando su primer disco lanzado el 2005. Este 9 de septiembre abrirá el concierto de Illya Kuryaki and the Valderramas en La Paz. Y Prana, que cautiva igualmente con su música por sus cinco años juntos. Auguramos sean muchos más de música ska reggae.

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provocarte 2016 LEER MÁS

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l programa musical ProvocArte 2016, realizado como cada año por la Diputación Provincial de Cáceres, ha contado en esta edición con la participación de 13 grupos extremeños.

Las distintas agrupaciones han visitado con su música en directo algunos municipios, pasando por un total de 18 municipios de la provincia de Cáceres.

Como comentaba el propio Diputado de Cultura, Álvaro Sánchez, Provocarte apuesta por los jóvenes porque el ciclo se centra en bandas y solistas de jóvenes extremeños, que necesitan un respaldo para dar a conocer lo que hacen. También señalaba que las bandas sólo necesitan un poco de ayuda para poder subirse a un escenario, y que en nuestra región hay bandas y solistas de enorme calidad, a los que hay que darle oportunidades Provocarte 2016 destaca este año por un aumento de presupuesto en 30.000 euros más en comparación con ediciones anteriores, y también por el aumento de municipios que alcanza el programa. La Diputación de Cáceres ha elaborado para esta edición un vídeo en el que anima a todo el público a disfrutar de Provocarte 2016.

Los artistas y grupos participantes de esta edición de Provocarte 2016 han destacado por su variedad de estilos, y entre ellos hemos podido ver los nombres de algunos grupos ya consagrados y grupos amigos: Barbas de Oro, Borja Prieto, Charly González & The Crazy Bros, Descalzas, Doctor Olmedo, Esperando a Christine, Fônal, Farragua, Gecko Turner, La Banda del West, Manolo, El Burro y Cía, M-cano, Paradise key, The Jon Storey Band.

Provocarte 2016 ha contado además con una novedad, y es que cuatro de las bandas que han actuado dentro del programa han rendido tributo a la música de la Década de los 80. Manolo, El Burro y Cia, Barbas de oro, La Banda del West y M-Cano han sido los encargados de hacer un repaso de los grandes éxitos de la música de los 80.

Provocarte comenzó el 12 de Agosto, y ya hemos podido disfrutar de muchos conciertos. Aún quedan algunas actuaciones durante el mes de Septiembre. Aquí os dejamos toda la programación:

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AGOSTO 12 ago.- Calzadilla/Manolo el Burro y Cia/Plaza del Cristo/ 00:00 h 15 ago.- Ceclavín/ Gecko Turner/Llano de la Iglesia/23:30 h 15 ago.- Oliva de Plasencia/ Manolo el Burro y Cia/Plaza Mayor/ 23:30 h 16 ago.- Galisteo/La Banda del West/ Plaza Mayor/23.30 h 18 ago.- Cedillo/The Jon Storey Band/Plaza/ 22:00 h 19 ago.- Garvín de la Jara/Farragua/ Nave Municipal /23:00 h 19 ago.- Torrecillas de la Tiesa/La Banda del West/Explananda Piscina Municipal/ 23:30 20 ago.- Casas del Castañar/Paradise Key/Plaza Pasaderos/00:00 h 25 ago.- Brozas/Doctor Olmedo/Explanada del Eclipse/23:00 h 26 ago.- Tornavacas/ Barbas de Oro/Plaza de Toros/23:00 h.

27 ago.- Santiago de Alcántara/Fônal/Plaza Mayor/00:00 h.

27 ago.- Villanueva de la Vera/Barbas de Oro/Plaza Mayor/23:00 h.

SEPTIEMBRE 2 sep.- Torreorgaz/ Charly Glez & The Crazy Bros/ Calle de la Cruz/23:30 h.

3 sep.- Casas del Monte/Esperando a Christine/ Plaza de los Morales/23:30 h 8 sep.- Majadas / M-cano/ Plaza Mayor/ 22:00 h 10 sep.- Eljas/ Borja Prieto/ Pabellón Municipal / 23:00 h 11 sep.- El Batán (Guijo de Galisteo) / M-cano/ Plaza/ 23:00 h 13 sep.- Zarza de Montánchez/ Descalzas/ Explanada de Piscina/ 23:00 h Provocarte es un escaparate para los grupos de música y músicos de Extremadura, y gracias a él pueden acercar la música de sus directos a muchas localidades de la provincia cacereña. ¶

ver más info LaCarne Magazine

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¿Vale la pena tener un grupo?

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icen que los primeros años son los más difíciles y decidí creerles…

Hace algunos días empecé a considerar los aspectos buenos y malos de estar metido en esto de hacer canciones, estar en una banda, ensayar, tocar en vivo, etc. En realidad uno que está en esto, siempre tiene presentes rebotando en la cabeza dichas actividades, y en distintos estados anímicos, pero suelen quedarse varios cabos sueltos, que ahora trataré de juntarlos para llegar a algo. Empecé a hacerlo así al ver de casualidad un video de una joven cantante youtuber que te planteaba, sobre todo, lo malo, pero terminaba con un final feliz diciendo que es lo que le apasiona, y eso es lo más importante para ella y su toma de decisiones. Es muy probable que esto termine de forma muy similar. ¿O no?

Bien, trataré de que esto no sea tan desordenado. Hace 5 años que estoy en una banda.

Tenemos un disco lanzado y otro listo para también ser publicado. No sé todavía de forma exacta, en qué momento empecé a tomarlo en serio, y a tener en la cabeza la idea constante de hacer carrera. Quizás un par de documentales de bandas que a uno le gustan influenciaron mucho, el llegar a identificarte con una canción es algo que suele pasar, y es una experiencia muy linda que todos podemos sentir en algún momento. Pero sobrepasar esa ventana y llegar al artista, al músico, al letrista y su forma de tocar la guitarra o escribir canciones, y también identificarte con eso, creo que es lo

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más fuerte, porque te mueve todo y tienes la primera confrontación con la realidad. Ahí te viene la imagen mental de alguna peli donde los niños quieren ser astronautas o exploradores, y terminan siendo abogados. Sí, estudié Derecho por tres años, y no está todo mal al respecto, porque ahí conocí a la persona que prácticamente hizo que tocara con mi banda en un boliche por primera vez, ya que venía tocando un poco antes de esto, pero en lugares más “under” (entonces tocar en un boliche era algo importante…). Pues desde aquella noche de hace 5 años no paré más.

Pasó de todo en este tiempo, que fue totalmente aprendizaje y crecimiento para mí.

Empecé a ser alguien, y a creer en esa persona mediante la música y canciones. Conocí mucha gente muy buena, y otra muy dañina, y lo importante que es saber distinguirlas y tratarlas. Empecé a tener metas y objetivos, cumplirlos de a poco y confiar en lo que estoy haciendo, porque nadie más lo hará sin que empiece yo, pero hablo de una confianza que incluso llegué en ciertas situaciones (sobre todo las más difíciles) a la terquedad, porque en este ámbito no es nada fácil, y siempre habrán más razone$$ para dejarlo. Pero si hay terquedad, debe ser consciente, y aquí es donde se aprende también la paciencia, que si trabajas, eres constante y estás seguro de lo que haces, los resultados vendrán. Ese debe ser un pensamiento firme, porque nada es instantáneo.

Pero volviendo a las dificultades, la más considerable para mi sería encontrar personas que sientan la misma pasión, que trabajen seriamente, que sepan caerse y levantarse contigo, que convivan y sepan llevar la realidad de una banda en sus primeros años, que son los

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más difíciles (lo dicen los exitosos y les quiero creer), pero sobre todo que sean consecuentes con el proyecto, pues en estos 5 años más de 10 personas pasaron por la banda. Es complicado, pero una vez lograda la estabilidad, te encuentras una nueva familia.

Se cambian muchas cosas por cumplir con este sueño, pasión, capricho, gusto, anhelo, o como quieran decirle ustedes, porque hay que saber y ser conscientes de que ser músico, hacer y tocar tus propias canciones, no es precisamente un negocio o una fuente que genera abundante dinero, no. Mucho menos si estás empezando. ¿Vale la pena? Suelen preguntarte y con eso se refieren directamente a lo económico. Este es el tema más molesto por explicar muchas veces, porque no suelen entender cómo funciona, y no es que haya mala intención, a veces solo quieren ayudarte o aconsejarte, pero sin conocer la realidad, y, bueno, las susceptibilidades las debes eliminar completamente de tus días.

Rentable se hace una carrera musical con años de trayectoria, mucho trabajo, inversión y constancia. Volvemos a lo mismo, porque lo poco que se gana en los primeros años, si es que ya tienes cierto “derecho de piso” para cobrar, habiendo tocado gratis abriendo el show de algunas otra bandas de mayor trayectoria solo para mostrarte, normalmente es por el “cover” de la noche o rara vez (dependiendo de la trayectoria) un “caché” o monto “pre fijado” si llenas un boliche. Además, dependiendo de la relación que tengas con los dueños de los mismos (sí, también se debe aplicar un poco de Relaciones Humanas), pues es algo más complejo de lo que parece, y hay que invertir ese poco dinero que llegues a generar en los primeros años. Si quieres realmente tener una carrera musical, debes invertir en un buen equipo y su mantenimiento (instrumentos, amplificadores, salas de ensayo), grabar tu música en buena calidad, ya que es la carta de presentación para cualquier banda, y costear viajes si tienes la opción de poder tocar en otras ciudades. Todos estos gastos, con mucho trabajo, se cubrirán con las presenta-

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ciones de los primeros años.

Entonces, respondiendo la pregunta (porque si entramos en detalles esto se puede extender demasiado) y cerrando con final feliz anunciado: Sí, vale la pena. En estos años no me he comprado ropa, un celular o un auto con lo que hemos generado como banda, pero tenemos un disco y lanzaremos otro muy pronto, y de forma independiente. Cada vez

confío más en lo que hago, y tengo más fuerza para seguir con esta carrera que alguna vez imaginé hacer, además de todo el aprendizaje, experiencias y personas que uno conoce y te ayudan a crecer, creyendo en vos. Si es como dicen los grandes artistas y las bandas exitosas con carreras extensas, que “los primeros años son los más duros…”, pues espero con ansias el porvenir. ¶ LaCarne Magazine

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europa y latinoamĂŠrica

investigaciรณn Festival Folklรณrico de los Pueblos del Mundo de Extremadura taki ongoy, por esos discos que valen la pena bailar

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Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo de Extremadura Unión de raíces y mezcla de tradiciones LEER MÁS

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iguiendo el recorrido por las citas obligadas del panorama folklórico de Extremadura, no podemos pasar sin detenernos en una de las más importantes y enriquecedoras, el Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo. Un evento de asistencia obligatoria para los apasionados de la cultura popular, que marca las primeras páginas de la agenda del mes de agosto y que reúne a diferentes países con el fin de compartir, intercambiar y fomentar el folklore de su lugar de procedencia, recorriendo casi cuarenta localidades extremeñas.

Este año el festival ha celebrado su trigésima edición, lo que pone de manifiesto la implicación y la voluntad de los principales artífices del evento, la Federación Extremeña de Folklore, cuya trayectoria, por cierto, ha sido galardonada recientemente con la Medalla de Extremadura que otorga la Junta de Extremadura.

Historia El Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo nace en el año 1986, siendo presidente de la Federación D. Andrés Serrano Blanco. El objetivo era claro: potenciar el folklore regional a través de la convivencia con las tradiciones de otros países, la mezcla de sus costumbres, y sobre todo, de sus cantos y sus danzas. En su primera edición, ya cuenta con la participación de tres países, Italia, Portugal y Yugoslavia, agrupaciones que, en los primeros años visitaban las diferentes sedes del festival de manera itinerante, compartiendo jornadas enteras con los vecinos de cada localidad, y haciendo de cada una de ellas un hogar provisional.

En el año 1990, con D. José Joaquín Masa Romero como presidente de la Federación, los gru-

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Ballet Folklórico “Alma Chilena”. Chile

Conjunto Folklórico “Sabinovcan”. Eslovaquia LaCarne Magazine

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pos comienzan a alojarse en una población que servirá de sede central del evento, Almendralejo. La imposibilidad de albergar a las agrupaciones en municipios pequeños llevó a la directiva a tomar la decisión de situarlos en dicha ubicación, lo que facilitó considerablemente el crecimiento del festival, no sólo en número de participantes, sino en número de localidades visitadas. En 1992, un total de 20 países, compuestos por más de 700 personas, recorrieron 70 poblaciones.

En el año 2003, el festival traslada su sede a la ciudad de Cáceres, siendo presidenta de la Federación, Dña. Gregoria Delgado Naranjo, la misma que en 2005 decide instaurar la figura de director en el festival, labor que en años anteriores venían desempeñando los presidentes de las agrupaciones federadas. Así, el primer director encargado de gestionar el festival es D. José María Oliver Vivas, a quien sucedió, durante cinco años el actual presidente de la Federación, D. Francisco Muñoz Jiménez. Posteriormente, ocupó este cargo Dña. María José Delgado Martín, que desarrolló su labor de 2011 a 2013. Actualmente, regenta la dirección Dña. Laura Llera Rabanal.

El Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo es hoy, según la Federación Extremeña de Folklore, el buque insignia de las actividades que se llevan a cabo desde la institución. Es un festival consolidado y prestigioso que ofrece la cultura internacional a multitud de localidades de la geografía extremeña y portuguesa.

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Es difícil explicar, como en cualquier otro ámbito, las sensaciones y vivencias que se dan dentro del entorno del festival. No se trata solo de una muestra de cultura tradicional, o de un espectáculo de música y danza; significa una unión de costumbres, una mezcla de sentimientos, un ensamble de disciplina y placer que tiene como consecuencia emociones desconocidas tanto para el espectador, como para los propios integrantes de las agrupaciones. Magia, probablemente.

Gala inaugural La gala inaugural del Festival sirve como pistoletazo de salida a las visitas que los grupos participantes harán a las diferentes localidades extremeñas. Se lleva a cabo cada año en una sede diferente, teniendo posibilidad de solicitarla cualquiera de las localidades de la geografía extremeña.

En ella se muestran la música y danza más representativa de cada país, su vestuario, sus instrumentos, lo que provoca uno de los momentos más especiales y emocionantes del festival, que concentra la cultura de todos los países que acuden a la cita en una sola noche.

Ballet Folklórico “Egrisi”. Georgia

Cabe destacar el esfuerzo y la ilusión de los miembros de la organización en este acto, en el que además se entona el himno de la Federación Extremeña de Folklore, compuesto por el músico y compositor D. José Tomás Sousa, director del Grupo Folk Bilingüe Acetre.

El Candil de Plata En la gala inaugural del Festival, se lleva a cabo uno de los momentos más esperados para los miembros de la Federación Extremeña de Folklore, la entrega del Candil de Plata, un galardón que otorga la Asamblea de la Federación a aquellas personas o entidades que han tenido una especial relevancia en el Folklore, tanto por su difusión, defensa, promoción, investigación o cualquier otra faceta que ayude a mantener nuestras tradiciones. En esta ocasión, el Candil ha recaído en D. Abundio Pulido Rubio, presidente de la Asociación Cultural “Sabor Añejo”, de Montehermoso.

Comité técnico El Festival de los Pueblos del Mundo cuenta con el apoyo indiscutible de la Federación Extremeña de Folklore, y por ende, de las 87 agrupaciones que la componen. De ellas, surge la verdadera organización y desarrollo del festival, unos 20 voluntarios que cada año acuden a su sede para trabajar en pro de la cultura tradicional. Conviven durante quince días entre ellos LaCarne Magazine

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Conjunto Folklórico “Kud Dimitrije Koturovic”. Serbia

y, por supuesto, con los diferentes países que integran la muestra. Personas que emplean sus vacaciones en viajar con grupos desconocidos a diferentes localidades con el fin de hacer llegar a sus vecinos lo más representativo de cada lugar.

Zoco etnográfico Otro de los platos fuertes del Festival es, sin duda, el Zoco Etnográfico. Una exclusiva muestra que cada año se celebra en una localidad distinta, y que tiene como objetivo compartir con sus vecinos lo más representativo de cada cultura, no sólo en el ámbito musical, sino también en el artesanal. Así, cada grupo expone a modo de mercado sus productos típicos más llamativos y los souvenirs más populares. Durante la jornada, los integrantes de las diferentes agrupaciones comparten experiencias, danzas, música y ponen de manifiesto una forma de convivencia inigualable. Este año, la iniciativa se desarrolló en Cabeza del Buey, con un alto índice de participación.

Gastrofolk En toda muestra cultural que se precie, no puede faltar una actividad dedicada a la gastronomía.

En el Festival de los Pueblos del Mundo se denomina Gastrofolk, y en esta edición se ha llevado a cabo en Mérida, apoyando así a Mérida, Capital Iberoamericana de la Cultura Gastronómica 2016.

Cada país participante tiene como cometido la elaboración de un plato típico de la zona, una pequeña demostración de comidas del mundo que vuelve a manifestar la unión y el afán por compartir las raíces de cada lugar.

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Asociación Cultural “Nativos de Macando”. Colombia LaCarne Magazine

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Grupos participantes A lo largo de los treinta años de trayectoria del Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo, son innumerables las agrupaciones que han pasado por la sede del evento y que han dejado su impronta en cada localidad visitada.

En la edición de 2016, han sido nueve los países invitados a la muestra.

- Ballet Folklórico “Sol Argentino”. Argentina.

- Ballet Folklórico “Egrisi”. Georgia.

- Conjunto Folklórico “Sabinovcan”. Eslovaquia.

- Compañía Folklórica “Arequipay”. Perú.

- Conjunto Folklórico “Kud Dimitrije Koturovic”. Serbia.

- Ballet Folklórico “Alma Chilena”. Chile.

- Ballet “Jammu”. Senegal.

- Asociación Cultural “Nativos de Macando”. Colombia.

Conocer a “los otros” a través de su folklore es un primer paso para comprenderlos y respetarlos. Prácticas culturales como el Festival de los pueblos del mundo contribuyen al acercamiento de “nos-otros” a “los otros”, y viceversa, en un diálogo intercultural esencial en los tiempos que corren, tan llenos de prejuicios y comportamientos de carácter etnocéntrico. ¶

www.folkloredeextremadura.com/

Ballet Folklórico “Sol Argentino”. Argentina

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Ballet “Jammu”. Senegal

Compañía Folklórica “Arequipay”. Perú LaCarne Magazine

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taki ongoy

por esos discos que valen la pena bailar LEER MÁS

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orque aquí nos gusta bailar. Demasiado. Porque bailamos llorando, porque bailamos para olvidar, pero siempre terminamos recordando.

El año pasado hubo un concierto especial, rarísimo. El Otro Baile siempre fue para mí un pequeño mundo alterno. Cerradito, bien escondido. Cuando me fijé en el evento en redes sociales, ya había pasado. Me había perdido la oportunidad de escuchar temas de Taki Ongoy en vivo. Hace pocos días tocó Enfant, otra de las bandas de esta pequeña disquera, que es demasiado profesional para decirle under, pero demasiado experimental para juntarla con las demás. Enfant, Nicolás Uxusiri, Christian Aillón, Nonsum, Mellizos Gonzáles, Dante Domínguez y Taki Ongoy conforman El Otro Baile. No hablaré de cómo parecen ser diferentes facetas de los mismos músicos. No estoy capacitada para tal inspección, pero probablemente volveremos a ellos luego, con más cariño, más atención. Aquí el enfoque es en Taki Ongoy, ya fuera de los micrófonos hace varios años. De todas formas, aún vigente. Dante Domínguez, Bernardo Paz y Christian Aillón no rompieron esquemas tradicionales, crearon uno nuevo.

Precursores siempre habrán. Wara y La Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos de Cergio Prudencio son quizás un piso para asentar a Taki Ongoy. Y es que recupera cierto trance, resultado de la experimentación con la guitarra y las melodías autóctonas de uno de ellos, y del otro encuentro de ciertas raíces poéticas e inexploradas pero llevadas al extremo.

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Taki Unquy, en quechua, significa enfermedad del baile. En el siglo XVI, en las primeras décadas de la invasión española, el imaginario indígena ya estaba siendo destruido ante la llegada del cristianismo. Nuevo pensamiento impuesto, obligado, negaba todo lo ajeno, todo lo desconocido. Iglesias construidas encima de los lugares sagrados, escritos quemados, voces calladas bajo la misión civilizadora.

A mediados de 1500 surge este movimiento religioso indígena, que decían era una manifestación de las huacas, deidades incaicas que se apoderaban de los indígenas y los hacían bailar, cantar, por días, en trance infinito.

Pero volvamos a nuestro siglo. 2011, salió un primer disco, de esos que los críticos llaman “ahead of it’s time”. Canciones escritas desde el Asilo: Los perros, Los pájaros, Los niños, La lluvia, La Carta y Las ballenas.

En Los Perros, una guitarra distorsionada se pierde entre la melodía aguda del piano y, al final, la voz de Felix Palenque canta su bailecito vallegrandino, “Llorando te has de quedar”.

Si en Los Perros escuchábamos gruñidos y ladridos, en Los pájaros se recupera una voz.

Es Jaime Sáenz leyendo su poema “La Partida”, y debemos citarlo por completo porque es Sáenz, es una obligación: “Por tu modo de morir, por ese modo de conocer, yo adiviné, viajabas en la antigüedad. Tus ojos miraban

Foto por Andrea Camacho y Alejandro Loayza

mi manera de vivir, mi manera de ser. Tú sabías estas cosas. Un abandono misterioso, un permanente silencio, unos latidos en la lluvia.

Tú, en esta húmeda oscuridad y también mis huesos. Yo siento la pena infinita con que me van a alejar. Te lo ruego. Cuando mires, no me mires”.

Los niños es nuevamente un juego de palabras, de distorsiones. Pero como juego es uno de los más tenebrosos, con parte del poema de Jaime Sabines “Los Amorosos”, leído por él también.

La lluvia es una versión del tema Jiyaway Sambita, compuesta por Ulises Hermosa, de Los Kjarkas. Originalmente una canción con melodías muy dulces y una voz emotiva, la voz de Dante le otorga un clima pesado aunque la voz de Vero Pérez no deja que la dulzura del quechua se pierda, a pesar de la tristeza, a pesar de la desolación. ¿Cómo hablar de La Carta? Se sobreponen sonidos, se instaura un espacio. La intención parece ser deformar el tiempo, deformar sensaciones. Tres minutos son necesarios para que uno se sienta solo, y tenga que escuchar de nuevo a Sabines, leer otro poema suyo para sentir que el infinito cabe en una taza de café.

Los últimos segundos dan paso a la última canción: sonidos naturales, animales como en Los perros, pero desde una profundidad inasible. Las ballenas nos han llevado al fondo del mar, mar de tristezas, mar de amores.

Se escucha un silbido que parece llamar a lo perdido, o simplemente parece tararear a la distancia. Termina el viaje, termina el sueño, las cartas, la visita al asilo. Terrible, dramático, incómodo, deforme. Pero tenemos que escuchar una vez más, algo llama la atención. En cada uno es una experiencia diferente.

En Asilo, el poeta y el músico cruzan la frontera del lenguaje y la melodía. Son uno. El poeta instaura verdad, el músico la legitima. Asilo es un baile, pero como baile, es uno de los más serios. Y pensar que Asilo es un pequeño mundo, al igual que El otro baile y Clara, dos discos que no alcanzaron a ser comentados por ahora. Algo que no podemos reprochar nunca a El Otro Baile es la disposición de los discos, todos ellos en su página. Videos, fotos, letras, ahí está todo. Una pequeña mina de oro para quien se pueda tomar el tiempo de descifrar los diferentes niveles de sentido en cada tema, cada disco. Dejo el link y la invitación para escuchar los demás bailes, porque valen la pena bailar. ¶

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europa y latinoamĂŠrica

entrevistas Le Clotêt Avec Garcés family atlantica soleá morente agrupación aymuray miss octubre josé paniagua y la juntucha momo cortés polo dread poncho k jorge valenzuela, el metal es cultura LaCarne Magazine

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Le Clotêt Avec Garcés LEER MÁS

Fotos por Tiago Oliveiro Pasen, acomodense y... salgan por donde puedan, es el título del primer trabajo de Le Clotêt Avec Garcés. ¿Cómo describirías a nuestros lectores las canciones que componen este disco?

Herramientas sonoras que ayudan a personas a no hundirse, rendirse y ser fieles a sí mismos en este mundo donde se premia a los narcisistas antes que a los que tienen talento.

Según hemos leído, el tercer single que sacaste, “Dragones y Mazmorras”, perteneciente a Pasen, acomódense y… salgan por donde puedan, se ha vendido en más de 30 países, el videoclip se estrenó en un festival de cine… ¿Qué tiene este single que te ha dado tantas alegrías?

Pues no sólo se ha estrenado en un festival de cine, sino en varios, y en ello estamos con Pere Ginard, encargado de la obra. Este tema dura casi 10 minutos, fue aplaudido de pie en el segundo auditorio mas grande de Finlandia en mi gira 2015. Creo que es puro, profundo y sobre una experiencia mía vivida hace 3 años.

Todo lo demás prefiero que lo digan las personas que lo puedan escuchar, pero ha sido un éxito gracias a ella, como también es la primera vez que se presenta un film sonoro en festivales de cine intercontinentales en España, todo un hito, y Eurovisión siguen defraudando con parásitos musicales como Edurne.

El disco lo has hecho a través de la autogestión, es decir, sin productoras, ni discográficas,

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Nos gustaría que también nos hablaras de Le Clotêt Avec Garcés como proyecto ¿cuándo decides crearlo? ¿Te acompañas, o te acompañarás, de más músicos?

Decidí crearlo cuando estuve a punto de morir a los 16 años. Antes no pude porque en casa me daban palizas hasta sangrar solo por disfrute del mismo. Fui un esclavo de mi padre ebrio, que me destruía guitarras encima de mis brazos. No hago este tipo de música porque sea “guay o chachi”, la hago para ser yo mismo, dar lo mejor de mí a las personas y ayudarlas, tal como está sucediendo en varios países, y sus comentarios en facebook son la prueba. Referente a con quién voy normalmente, juego con los tres campos: banda, solo y dueto.

ni nada. ¿Tenías pensado hacerlo así desde el principio? ¿Qué momento ha sido para ti el más difícil y cómo lo superaste?

El disco empezó de la nada a ser un EP de 4 cortes, luego fue un LP, se construyó en un home estudio andaluz, OTOMO RECORDS, banda de Málaga que me propuso grabarlo.

A partir de ahí todo ha tenido una estrategia llamada Folkgrunge™, que ha sido registrar mi estilo musical, que fusiona la música bereber con el grunge por primera vez en el planeta, es el primer disco de este estilo, y ha llegado hasta SUB-POP RECORDS, siendo el primer español que lo consigue. Lo que más me ha costado es que la gente más preparada a nivel de periodistas musicales creyeran en lo que estaba haciendo, con ello me han demostrado que no tienen ni idea de música en gran porcentaje. Hablo sin generalizar y en España solo. Aplaudo a los que sí, ya que ha sido publicado en los primeros medios del país estatales e internacionales. Para superarlo, pues trabajé 17 horas al día mientras otros se hacían selfies en sus conciertos. Huyo de ese camino.

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¿Cuál ha sido tu principal objetivo a conseguir con este trabajo? ¿Cómo estás asimilando todo este éxito?

Ser uno mismo y demostrar que se puede hacer cosas bien hechas sin ser tan narcisista en la música, sin tanto POSTUREO, ya que el que presume carece mucho. Solo trato de competir contra mí, y aportar algo diferente al mundo inexplorado. Todo este éxito es gracias a las demás personas. Yo sigo igual, centrado en componer música que emocione, y eso me ha permitido distinguirme sin buscar esa distinción.

Le Clotêt Avec Garcés dará mucho más de qué hablar, no nos cabe duda. Un placer hablar contigo. Gracias por responder a nuestras preguntas.

Gracias a vosotros, y en breve os mandaré un regalo para todos pero antes: Hola a todos los lectores. Sed vosotros mismos, nadie es mejor que nadie, ningún disco si es sincero es mejor que otro, os dejo un link sobre este trabajo que ya es histórico en ventas y recordad: ”EL FOLKGRUNGE™ OS HARÁ LIBRES… FOLKGRUNGE™ ¡!!!”

LINK RESPETO PARA TODOS! GRACIAS! ¶

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Los Conciertos de Pedrilla presenta el cartel de actuaciones para esta edición 2016

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stamos de celebración porque Los Conciertos de Pedrilla celebran su 20 aniversario, y qué mejor forma de hacerlo que con un programa de conciertos cuyo cartel está formado por artistas nacionales e internacionales.

Este año el programa de Los Conciertos de Pedrilla hará un recorrido por estilos tan diferentes como el reggae, el jazz, el pop, el swingy y el flamenco.

El propio diputado de cultura, Álvaro Sánchez Cotrina, destacaba en el comunicado de prensa que las actuaciones de este año vienen marcadas por la gran calidad de los artistas y la variedad de estilos.

Durante todos los viernes, desde el 15 de Julio hasta el 19 de Agosto, podremos disfrutar de todas las actuaciones en un escenario tan fantástico como el de la casa museo Pedrilla.

La ciudad de Cáceres esperaba con ganas, como cada año, la presentación de los conciertos de Pedrilla que tienen siempre tan buena acogida entre el público de la ciudad. Una apuesta por la música y la cultura que cada año hace que podamos disfrutar de conciertos al aire libre.

El pistoletazo de salida será el día 15 de Julio, con un concierto reggae a cargo de Irie Souljah, que seguro hará que jóvenes y no tan jóvenes disfruten del espectáculo. El 22 de Junio disfrutaremos del folk de Feten Feten, y el 29 de Julio la banda Family Atlantica, compuesta por músicos de tres continentes, que nos traerán su espectacular directo.

La música extremeña también está presente en cada edición de Los Conciertos de Pedrilla. El representante extremeño que abrirá los conciertos del mes de Agosto será El Duende Josele, que nos ofrecerá un directo en el que se fusionan música y poesía. Posteriormente, el día 12 de Agosto la banda Randy Greer Quinteto hará que nos traslademos a la época del swing.

La encargada de poner el broche final a la programación de Los Conciertos de Pedrilla será la artista Soleá Morente, con la fusión de estilos como el pop, el flamenco, el indie o el rock.

La diputación Provincial de Cáceres ha apostado en esta edición por un cartel en el que destacan la variedad de estilos y la cultura musical nacional, local e internacional.

Como cada año, la entrada para todos los Conciertos de Pedrilla es gratuita hasta completar aforo. Los conciertos de Julio darán comienzo a las 22:30h, y los conciertos de Agosto a las 22:00h.

Tras la rueda de prensa el pasado día 6 de Julio, y la presentación del cartel con los artistas y bandas de esta edición, los medios y las redes sociales ya se han hecho eco de la noticia.

Todo apunta a que, un año más, habrá gran afluencia de público en todos Los Conciertos de Pedrilla.

Más info en su web. ¶

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family atlantica - 29 de julio 2016, 22h Family Atlantica es una banda internacional y multicultural. ¿Cómo conseguisteis unir a todos los componentes para formar el grupo?

Family Atlantica es una toma de conciencia de quienes somos, es una expansion de identidad, es darse cuenta de que nuestro pasaporte actual falla al decirnos que somos de un solo lugar.

Family Atlantica es una expresión, en tiempo presente, de una historia intensa y muy antigua de amor y dolor entre 3 continentes bañados por las aguas del mar atlantico: Europa, Americas y Africa.

Estamos basados en Londres. Allí nos encontramos. Disfrutamos de todo lo que tenemos en común, el dolor de dejar la tierra donde crecimos, la alegría de encontrar raíces en Europa y sentirnos en casa, y, sobre todo, disfrutamos el gusto que nos da crear unión e inclusión con la musica que hacemos.

Hemos visto algunos de vuestros videos, y hacéis música con algunos instrumentos peculiares como botellas de cristal o una flauta fabricada con un tubo de plástico. ¿Se sorprende el público cuando os ve tocar en directo? ¿Utilizáis siempre estos instrumentos?

La musica está en todo lugar. Vemos, sentimos, y sacamos música de cualquier cosa. Inspiramos o, mejor dicho, recordamos a la gente que no se necesita comprar un instrumento para crear, para expresarse. Los sonidos son infinitos como los universos. A la gente le encanta pues consciente o inconscientemente abren las puertas a más posibilidades que también se aplicarán a todos los aspectos de la vida.

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Estáis en estos momentos de gira presentando vuestro último disco Cosmic Unity, que salió el pasado mes de Mayo. ¿Habéis enfocado el concierto de Pedrilla en la presentación de los nuevos temas del disco o tocaréis más temas de los discos anteriores? ¿Qué otras ciudades y países visitaréis durante la gira?

Tocamos de todo, temas del disco Cosmic Unity, también de nuetro disco anterior, incluimos nuevos temas, y tambien improvisamos, el público participa..., creamos todo el tiempo!! Fue divino tocar en España. Estamos coordinando más fechas, y estaremos en Barcelona en Octubre.

Habéis recibido muy buenas críticas, tanto del público como de los medios internacionales ¿es la respuesta que esperabais? ¿Os sentís bien acogidos en todas partes?

Sí, estamos muy felices con las críticas, han sido muy buenas y nos da mucho gusto que las personas se sientan identificadas con la banda, que sientan esa sensación de pertenencia a muchos lugares, al cosmos mismo. Somos unión, somos universales, somos y estamos hechos de lo mismo. ¿En qué momento se encuentra actualmente la banda? ¿Os quedan objetivos por cumplir?

Estamos de gira. En este momento te escribo desde Chipre. Family Atlantica tiene deseos y sueños inmensos. Tenemos muy buenos proyectos y sopresas para anunciar muy pronto, como se dice en ingles: watch out this space!! Háganse amigos de nuestra pagina en Facebook/familyatlantica Ha sido todo un lujo poder hablar con Family Atlantica. Disfrutaremos de vuestro directo, sin duda!

Estaremos muy felices de verlos tambien. Te hablo de ti y de mí. Somos todos una gran Familia Atlantica, somos historia en tiempo presente, hay muchas cosas buenas que compartir, hagámoslo entonces! Un gran abrazo para todos!! ¶

www.familyatlantica.com/

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SOLEÁ MORENTE - 19 de Agosto 2016, 22h Fotos por Celine Beslu

Soleá, presentaste en 2015 tu primer disco, Tendrá que haber un camino. Ahora que han pasado unos meses, cuéntanos ¿cómo está siendo este despegue para ti? ¿Qué tal te encuentras?

La verdad es que estoy disfrutando bastante del proceso. Estoy agusto con las canciones. El disco es un disco de búsqueda, de investigación tanto personal como musical y, con muchas ganas de llevarlo al directo, que vayan saliendo bolos, de compartirlo con la gente. Tengo buen feedback, buena relación con el público, cosa que en principio temía un poco porque es un disco muy abierto, muy dispar contextualmente.

Cuando lo estaba haciendo pensaba qué iba a pasar cuando llegase el momento de llevarlo al directo, y la verdad es que cada día lo disfrutamos más. Ahora mismo estoy volviendo de Gijón, que tocamos ayer en la plaza mayor, y la verdad es que disfrutamos como enanos, tanto mi banda como yo. Está siendo muy satisfactorio.

Estoy muy animada, con ganas de seguir haciendo cosas, de seguir componiendo, de volver a grabar (ahora ya me lo voy planteando).

El nombre de tu primer disco es Tendrá que haber un camino, un camino ¿para qué? ¿Has encontrado ese camino que andabas buscando?

Sigo en ello, sigo en esa búsqueda porque en la vida es delicado decir “ya lo he encontrado” o “esto es lo que quería”. Por lo menos, a mí me cuesta muchísimo, dudo a veces excesivamente, y esa duda es lo que me lleva a andar siempre en la búsqueda continua, tengo esa inquietud de que me falta algo. Y el título del disco me vino como anillo al dedo, el proyecto son diferentes cambios que me llevan por distintas sendas que llevan a diferentes lugares. Y yo, por mi forma de trabajar y mi forma de ser, estoy viendo que nada ocurre por casualidad. Empecé a trabajar en diferentes líneas con diferentes músicos, diferentes compositores y diferentes productores porque soy una persona a la que le gusta mucho la libertad. Soy un poco rebelde en ese sentido, me cuesta mucho encerrarme en un concepto, en un dogma, y parece que va conmigo. Por mi vida personal, soy un poco así. Tenía todas las canciones para el disco, el orden hecho y todo, pero no tenía título. Y yo decía “y ahora, ¿cómo titulo el disco?”, y un día escuchando una canción de Los Planetas que se llama “Tendrá que haber un camino”, que es la caña y en la que canta mi padre, y fue como que las cosas salen por algo.

“Empecé a trabajar en diferentes líneas con diferentes músicos, diferentes compositores y diferentes productores porque soy una persona a la que le gusta mucho la libertad.

Te has acompañado de grandes músicos y amigos para hacer este trabajo. ¿Cómo sucedió esto? ¿Tenías pensado desde el principio acompañarte de todos ellos?

Ha ido surgiendo, en ningún momento premedité lo que estaba haciendo, fue todo sobre la marcha, contando con mis compañeros, con gente que admiro, y la verdad es que me siento muy muy afortunada. He contado con compañeros maravillosos que han sido muy generosos conmigo, y cuando me quise dar cuenta los tenía a todos alrededor, y la verdad es que creo que ha sido un sueño.

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El próximo disco es un reto para mí porque ahora a ver qué hago. Pero al mismo tiempo estoy muy contenta porque ha sido mi primer disco en solitario, pero me he sentido acompañada de muchos amigos y compañeros. Tanto mi familia, como todos los compañeros que han participado, me han apoyado desde chica hasta el final.

Imaginamos que seguirás de gira presentando Tendrá que haber un camino. Además de participar en los Conciertos de Pedrilla en Cáceres, ¿qué otros escenarios o festivales pisarás próximamente?

Hemos hecho una pequeña gira y ahora estamos pendientes de cerrar alguna fecha más. Aún no tengo claros los días, pero se que en Septiembre visitaremos Granada, en Octubre en Madrid… Van saliendo sobre la marcha,

Ya que hablamos de directos, cuéntanos ¿te preparas de forma especial para los conciertos? ¿qué tiene que tener un concierto para que salga perfecto?

Lo más importante creo que, aparte de un previo ensayo y un previo trabajo, es que haya buena energía y buena química entre nosotros, entre el público. Trabajamos mucho para que entre nosotros haya buena onda. Para que salga bien, no ya en la banda sino en cualquier tipo de trabajo, el 50% del éxito es que haya un buen ambiente. Que los espíritus estén en calma, que surja y que fluya la energía.

Gracias por atendernos, Soleá. Un placer poder hablar contigo.

Un placer, gracias a ti por este rato tan agradable. Un beso! ¶

http://www.soleamorente.com

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Agrupación aymuray LEER MÁS

LA MÚSICA MODERNA BOLIVIANA DE AYMURAY Marisol Díaz (MD) Vocalista Roberto Morales (RM) Flauta y Saxo Freddy Mendizabal (FM) Pianista Andy Burnett (AB) Bajista Daniel Zegadex (DZ) Baterísta ¿De dónde proviene el nombre de Aymuray?

(MD) Es una fiesta ritual que se a realiza en los valles, una vez que se termina de cosechar en la fiesta del carnaval y se van a almacenar los alimentos secos, es la fiesta donde se celebran la fertilidad, abundancia y, por tanto, lo femenino. Nosotros elegimos el nombre porque creemos en el principio de la vida. Creo que en la urbe se vive mucho en el principio de escasez, y ésta es nuestra propuesta desde lo musical: La abundancia. ¿Cómo se creó la agrupación?

(RM) Años atrás teníamos otra formación y otro nombre. Hace 3 años fuimos invitados a un festival en Kuwait, teníamos el nombre de Parafonísta. Entré reemplazando tempo-

ralmente a Álvaro Montenegro, junto a Marisol, que era invitada para algunos temas de la agrupación y su futuro disco. Luego del viaje tomamos rumbos diferentes. Encontrándonos tiempo después surgió la idea, ya que había funcionado antes. Surgieron las ideas, los temas, tan rápido que hasta ahora sorprende cómo el grupo, sin ensayos muy largos, conseguimos que surgieran de forma muy espontánea, arreglos y todo. A la fecha tenemos un disco de reciente lanzamiento. ¿Cómo defines la música que hace Aymuray?

(FM) Es interesante, es algo ecléctico, pero lo puedo definir como música boliviana contemporánea porque tiene diferentes elementos de música con elementos de jazz, sin ser jazz específicamente. Trabajamos con música nacional básicamente, y con composiciones que abarcan diferentes estilos, y creo que eso le da una característica particular. En Parafonista era más instrumental, y ahora, con Marisol de vocalista, ha gustado mucho a la gente, llamando la atención, y estamos muy contentos. ¿Cómo te sientes en la agrupación?

(MD) Estoy muy cómoda, son como mis hermanos en todo este tiempo que hicimos los arreglos de las canciones. Todos han sabido leer a la perfección, y cada uno de ellos pone lo que sabe, y provoca la canción. Siempre me

“Estamos presentando algo novedoso porque cambiamos algunas formas, ideas y conceptos de la música boliviana. Y la recepción de nuestra música es buena.

En lo llamativo de Aymuray, la gente entiende.”

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preguntan si los arreglos van bien. Siempre intentamos plantearnos nuevos desafíos. Sí, tenemos un disco grabado, y ahora debemos pasar a otra etapa. ¿Cómo inicias para escribir una canción para Aymuray?

(MD) Viene de diferentes maneras. A veces puede ser una melodía que los chicos traen que me inspira para escribir, y muy en base a los imaginativo. Además, siempre existe una temática, la mujer es un tema constante y el tema de las abuelas, la recolección de su conocimiento, su sabiduría intentando recuperar lo que me parece importante para mi propio alimento de vida, además de cosas actuales como la vida de los mineros, que me causa mucho dolor porque yo vengo de las minas, y comparto con Aymuray esa idea. Todo surge como la vida misma. ¿Cómo piensan que ven en el exterior la mú-

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sica boliviana?

(AB) Creo que estamos presentando algo novedoso porque cambiamos algunas formas, ideas y conceptos de la música boliviana. Y la recepción de nuestra música es buena. En lo llamativo de Aymuray, la gente entiende. ¿Qué piensan de trabajar con un productor?

(DZ) Como miembro nuevo de Aymuray, estoy tratando de aportar sin salirme de la línea de la banda, que es lo que me atrae, porque es una oportunidad increíble y única, ya que siempre estuve interesado en el proyecto, y gracias a Dios estoy integrado de baterista. Y en cuanto a lo de trabajar con productor, pues si viene alguien que aporte a la banda, pues una maravilla. Mientras estamos los 5 tomando vuelo de una manera maravillosa. ¿Intentarían trabajar con un productor?

(MD) Cuando trabajamos haciendo el disco, no nos preocupamos por definir un estilo, pero

sí en la conjunción, el diálogo, el encuentro la posibilidad de que cada uno pueda estar presente y ser parte del proceso creativo. Y es desde luego un inicio, donde nos empezamos a conocer, donde no importa tanto un ritmo, estilo o tiempos, es algo libre que resultó en algo desafiante, primero para nosotros mismos, y después para los oídos, porque no es fácil escuchar, porque lo que plantea Aymuray es no quedarse en esquemas, y, más que todo, sentir. Plantea viajes musicales. De pronto estás aquí en los Andes, y luego te transporta a los Himalayas. Ésta es nuestra primera experiencia, nos conocemos un poco más. Por ahora estamos en la promoción del disco, pero al mismo tiempo estamos en una especie de madurez musical. ¿Qué diferencia hay entre su nuevo videoclip, Morenada del Adiós y una morenada tradicional?

(Aymuray) Es una morenada cantada por una

mujer para mujer, que por lo general es algo que no se escucha, ya que la morenada tiene una temática específica, en cambio es lo contrario, para empezar, con los arreglos, no tiene charango o instrumentos de viento andinos característicos del folclore. Es una conformación de jazz porque tiene piano, batería, bajo, saxo, flauta y la voz, pero eso no le quita el hecho de que sea una morenada. ¿Qué intentan mostrar con Aymuray?

En cada presentación queremos llamar la atención del público porque venimos de diferentes vertientes, ya sea de rock, de jazz y fusión, que ha creado la unión de toda esta conformación que es Aymuray, que incluso nos sorprende a nosotros. Además, que estamos abiertos y emocionados para compartir lo que hacemos. ¶

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miss octubre LEER MÁS

Fotos por Irene Bernard Seguimos a Miss Octubre prácticamente desde los inicios ¿Cómo veis vosotros la evolución que habéis tenido?

Bien, la verdad es que bien. Ahora vemos una banda completamente conjuntada. Antes no es que no fuéramos una banda, quiero decir que muchos de nosotros llevábamos poco tiempo tocando juntos, aunque éramos gente experimentada y sabíamos lo que era tocar en una banda con otra gente, y en directo dábamos el callo bien, pero ahora ya es otro nivel el que hemos alcanzado, a la hora de estar en un escenario, y de tener esa complicidad que se tiene como banda. Nosotros por ese lado lo vemos muy bien, es una evolución muy positiva. Se está notando este verano más porque tenemos más bolos que los que tuvimos el año pasado, y todo eso ayuda mucho.

La formación de Miss Octubre está formada por miembros de Barricada, Lilith y Dikers. ¿Qué relación teníais como grupos? ¿Cómo nació la idea de Miss Octubre?

Pues fíjate, yo cuando tocaba en Barricada me solían preguntar “y a ti, ¿qué grupos de aquí de España te gustan?”, y yo siempre decía “me gustan Lilith y me gustan Dikers”, y me decían “ya, claro, uno es el grupo de tu hijo y el otro, son amigos tuyos”, pero aparte de eso, me gustan porque son grupos que tienen un algo especial, un sello especial. Son grupos que no se han dedicado a hacer lo que hace todo el mundo, sino que hacen algo diferente que a mí me gustaba, dentro del rock and roll, eh! No es que hicieran alguna cosa rara ni nada por el estilo, eran grupos de rock muy de ahora. Siempre me han gustado, así que imagínate cuando resulta que acabo teniendo en mi banda a miembros de los dos grupos.

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Para mí, increíble!

Yo creo que, además, el punto era ese. Siempre, en un grupo, el punto de cómo resultan las canciones es la mezcla de cómo son las personas que lo componen, cómo actúan y cómo sienten. Y por eso, de esta manera, nos ha salido una historia muy especial y muy diferente, porque Miss Octubre en realidad no se parece a ningún grupo. Por lo menos, a nada que conozca yo de por aquí del país. Eso es lo difícil, y eso es lo que buscamos, y más ahora mismo que estamos en una época de grupos

clones, ya no te digo los grupos tributo, suenan a unos y a otros, son como copias, como calcos de grupos que funcionan bien, a ver si a ellos le funciona igual de bien. En una época así, nosotros es cuando más necesitamos sonar completamente diferentes a cualquier otra banda. Por ese lado, yo creo que lo hemos conseguido y que somos un grupo reconocible.

En 2014 lanzáis vuestro primer trabajo, Día 1, un disco con 13 canciones muy rockeras. ¿Ha

influido la procedencia de los componentes en las canciones del disco?

Sí, claro. Todos venimos de grupos de rock y, sobre todo, todos amamos el rock. No tenemos ningún complejo a la hora de hacer canciones. Nadie ha dicho que las canciones tienen que ser así, o tienen que ir a tal velocidad, o tienen que llevar doble bombo. Hemos ido haciendo las cosas conforme nos venían, y conforme lo sentíamos. Pero claro, nosotros sentimos el rock porque todos desde críos es lo que hemos amado, lo que hemos escuchaLaCarne Magazine

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do. Es una forma de vivir más que una manera de hacer música. Creo que en ese sentido hemos sido consecuentes.

Aparte de eso, pues bueno, no tenemos ningún complejo a la hora de hacer melodías, ni de meter otro tipo de instrumentos, etc. Nos da igual, nos dejamos llevar por las canciones y por el momento, y por cómo nos sentimos en ese momento.

Creo que así de sincero es como hay que ser, más que ir a buscar esto, o voy a intentar que suene así, no. Nos dejamos llevar, y una vez que tenemos el tema más o menos hecho, cogido con alfileres todavía, entonces sí, en el estudio le damos forma, lo redondeamos y le damos el sonido potente.

Día 1 ya tiene un año de rodaje y ahora que podéis hacer un balance, decidnos ¿Ha salido todo según lo previsto? ¿La respuesta del público era la que esperabais?

Casi dos años, jejeje, lo tengo contado.

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Sabíamos que, aunque todos veníamos de grupos conocidos, era algo nuevo. El nombre que elegimos fue Miss Octubre, que no tiene nada que ver. No nos hemos llamado ni Alfredo Piedrafita, ni hemos hecho una mezcla de los nombres de los otros grupos, ni nada para que de alguna manera fuera reconocible.

El nombre hace muchísimo, y sabíamos, en cierta manera, que no empezábamos de 0, pero de 0,5 sí.

Tal y como esperábamos ha costado, ha costado mucho. La gente cada vez que nos oía nos decía, “joder, si este grupo erais vosotros y hasta ahora no lo sabía”, “me encanta cómo sonáis”. Sabemos que es una labor difícil llegar a darse a conocer en una época en la que hay tantísimos grupos y tantas bandas. A la música y al trabajo de cada músico, un disco, etc, muchas veces se le da poquísimo valor.

Muchas veces los chavales me dicen “me he descargado de internet 80 discos”, y les digo, “joder, si no tienes tiempo en todo el año de

escucharte esos 80 discos!” A mí me da igual que lo descarguen de Internet, yo sé que es parte de la cultura actual, pero no sé, darle un poco de importancia, no? Como eso te ha salido gratis, en vez de cogerte un disco y escuchártelo bien y saber reconocer ese trabajo, saborearlo, que es lo que toda la vida hemos hecho con la música, pues coges y te bajas 80 discos, con lo cual no tienes tiempo de escuchar ni uno ni otro, ni medio del otro ni nada.

Creo que a todo hay que darle su valor. El trabajo del músico, componer unas canciones, no es algo que nos salga así, no nos levantamos por la mañana y decimos “ya tenemos una canción compuesta”, no. En mi caso, por ejemplo, llevo compuestas muchísimas canciones. Además de todas las de Barricada, las que he hecho para otra gente o para otros proyectos, etc. Con lo cual me cuesta muchísimo más, porque tengo que evitar, sobre todo, parecerme a algo, que lo que haga sea algo nuevo y no me suene a nada de lo que he

hecho, pero claro, como he hecho tantísimas cosas, pues es difícil. Es complicado, cuesta y hay que poner mucho trabajo y mucho empeño. A mí es un trabajo que me encanta, pero bueno, muchas veces a los músicos nos gustaría que estuviera un pelín más reconocida esa labor. Parece como que te vienen las musas, te envuelven un día y ya está, no? Y luego, todos los músicos somos millonarios, tenemos casas en Miami y nos emborrachamos más de lo que trabajamos. No es así.

Esto es un trabajo. Es un trabajo más reconfortante que trabajar en una fábrica, por supuesto, pero ser músico, tiene tela también.

“Es interesantísimo tocar unos días para muy poca gente y otros días para mucha, es la manera de que no te creas una gran estrella del mundo” LaCarne Magazine

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En Miss Octubre todos tenéis experiencia como músicos y habéis dado ya muchos directos. ¿Qué os gusta más, compartir cartel y escenario con otras bandas o tocar vosotros solos? ¿Qué ventajas y desventajas tiene cada situación?

Hay de todo. Disfrutamos con todo, conociendo a gente, etc. Sí es cierto que hay conciertos que tienes que ir a salas donde el escenario es muy pequeño, donde no puedes compartir por motivos de espacio muchas veces. Otras veces, pues te apañas como puedes, unos encima de otros o como sea. Otras veces te encuentras con un escenario donde hay sitio para mogollón.

Pero vamos, no tenemos ningún problema, a nosotros lo que nos gusta es tocar, disfrutamos con todo. De hecho, yo creo que es parte fundamental de todos los grupos, para la experiencia y, sobre todo, para saber dónde está el sitio de cada uno en la vida y en la música.

Es interesantísimo tocar unos días para muy poca gente y otros días para mucha. Yo creo que hay que hacer de todo, es bueno y es parte del aprendizaje, y cuando llevas mucho tiempo es la manera de ponerte los pies en el suelo de alguna forma, que no te creas que eres la gran estrella del mundo porque te han ido a un concierto no se cuántas mil personas o porque has tocado en un festival ante 40.000 personas. Pues no, el día a día es lo que cuenta. Y el día a día en la música hay que reconocer que está así, unos días tocas para 100 personas, unos días para 800, otros para 2.000… Y así están las cosas.

Normalmente cuanta menos gente hay más lo tienes que pelear para levantar ese concierto, con lo cual muchas veces suelen ser conciertos más memorables, más recordables por ti y por la gente que ha ido a verte ese día.

Hace poco hubo un cambio en la formación.

Habladnos de cómo afectó a Miss Octubre.

Pues imagínate, que se vaya cualquiera de la banda, personalmente, es un palo. Pero bueno, hay que entender que Iker se ha ido por motivos de salud. Tenía muchos agobios con el estudio, tiene dos niños muy pequeños, tiene dos bandas… Con lo cual llega un momento en el que compaginar todo eso… De repente se le acumuló todo en la cabeza y era

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como demasiado, y necesitaba descansar.

Descansar la cabeza, tranquilizarse. El estudio es lo que le da de comer y los niños no se pueden apagar, entonces ahora mismo está dedicándose a eso, y a poner en orden toda su vida. Pero muy bien, nosotros vemos que va a mejor, sigue haciendo cosas con nosotros de cara a ir preparando canciones, maquetas…

O sea que no está lejos de Miss Octubre.

Y luego, pues tuvimos la suerte de que Albert Llorent, guitarrista de Lilith, estaba ahí y nos dijo que nos echaba una mano encantado, y rápidamente se puso con los temas, con lo cual, tenemos otro más en la familia. Hay veces que entra alguien nuevo, y en principio lo conoces y dices “que tío más majo” y tal, pero bueno, todos somos muy raros y la convivencia a veces es complicada, no sabes cómo vas a reaccionar. Con Albert ya lo teníamos clarísimo, nos vino muy bien y aquí estamos ya.

Hemos visto que habéis seguido cerrando conciertos. ¿Dónde podremos veros en directo en los próximos meses?

En Septiembre el día 16 estaremos en Cáceres. Estamos intentando cerrar alguna cosilla para Octubre para hacer el Pilar, que es algo que nos apetecía hacer en Zaragoza.

Hay varias cosas así, pero luego, de cara a Noviembre, en principio esa es la fecha que tenemos para entrar a grabar el disco. Igual se nos puede retrasar un mes o lo que sea, pero bueno, a partir de Octubre ya estamos con un pie en el estudio de grabación. A mí me gustaría además, para principios de 2017, tengo un monazo de estrenar canciones nuevas, y en directo también, poder hacer el repertorio un poco más amplio. Y sobre todo que hay canciones muy potentes y muy cañeras que tenemos ahí, y que estamos trabajando y, de alguna manera, también te apetece enseñarlo.

Ha sido un placer poder hablar con vosotros, muchas gracias por atendernos. Esperamos que Miss Octubre sigáis tan bien como hasta ahora y que pronto podamos escuchar nuevo material.

Un placer, aquí estamos siempre para lo que queráis y cuando queráis. Un abrazo! ¶

www.missoctubre.com/

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josé paniagua y la juntucha LEER MÁS

ENTREVISTA A JOSÉ PANIAGUA, FUNDADOR DEL FESTIVAL DE ROCK INDEPENDIENTE “LA JUNTUCHA”, QUE SE LLEVA REALIZANDO HACE 11 AÑOS Y EL CONCURSO DE BANDAS EMERGENTES “CHITI JUNTUCHAS” EN LA PAZ, BOLIVIA. ¿Quién es José Paniagua?

Yo soy José, amante del rock nacional. Me fascina mucho la música, pese a que no soy músico. Soy una persona normal, tranquila, me fascina hacer cosas nuevas, me fascina innovar, ver cosas del exterior, traerlas acá y ponerle un punto a lo nacional. Soy productor audiovisual, técnico en medios, especializado en audio. Actualmente me dedico a eso, tengo

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7 años de experiencia haciendo videos para bandas de Argentina, Perú, Ecuador, que es la base más a menos del apoyo para hacer el festival. Estoy casado hace 22 años y tengo un hijo de 18 años. ¿Cómo nació el Festival de “La Juntucha”?

Bueno, nosotros cuando éramos chicos, teníamos 14 o 15 años, había un concierto que se llamaba “RockBol” en el colegio Franco Boliviano, organizado por alguien de la radio Stereo 97. Ahí tocaron las bandas que hasta el día de hoy las sigues escuchando como Alcoholika, Octavia, Loukass, Llegas, todas las bandas tuvieron su inicio ahí. Entonces nosotros vimos que esto era una plataforma para las bandas, para que se vuelvan conocidas.

El año 2005, en el barrio de Alto Obrajes, con un grupo de amigos, (éramos como 11, la idea era mía pero fuimos varios los que iniciamos el festival) decidimos hacer una tocada, invi-

tamos a algunos grupos que teníamos cerca del barrio, algunos nos prestaron el backline, todo prestado y se hizo en una cancha pequeña en donde éramos más organizadores que gente, ya que había cero propaganda. Al siguiente año fuimos menos los organizadores porque vieron que tenían que gastar plata y no iban a recuperar. El siguiente año quisimos hacerlo cobrando pero no se dio, así que lo hicimos gratis y así varios se fueron saliendo y yo fui madurando la idea. Empecé poniendo 2 escenarios, innovar otras cosas más, empecé a preocuparme por el sonido de acuerdo a las posibilidades del momento. Fue dándose hasta el año que hicimos en el Stadium Obrero, ahí si se cobró, estaba con otros socios más y ese año dije “aquí murieron las sociedades y murió el cobro, no me gusta”. O sea, si quieres impulsar algo y lo haces de corazón, no necesitas ganar. Creo que con mi trabajo y el trabajo de mi esposa podemos mantenernos.

Y si podemos apoyar y ponerle el hombro a nuestra sociedad, lo hacemos. Através de las “Chiti Juntuchas” tenemos el apoyo para ponerle un colchón al festival. Los años que no hacemos las “Chiti” buscamos financiamiento del exterior, amigos que se han ido de acá de Bolivia a otros países, y nosotros con mi esposa vamos guardando dinero mensualmente.

Recibimos ayuda de la Alcaldía y el Ministerio, que no es mucho pero sirve. La idea es “hacer algo”, no es sólo hablar, molestar, quejarse y pedir pero nunca dar nada, yo veo un montón de cosas así. ¿Cuánto tiempo de tu vida le das al festival?

Empiezo en enero y termino 2 días después que termina el festival, son como 11 meses.

Y por día media jornada, ya que trabajo en mi propia casa. A veces me quedo en internet viendo qué otras cosas nuevas se pueden implementar en el festival, obviamente de acuerdo a las posibilidades con las que se cuentan. ¿Qué te reconforta de hacer este evento?

Es la sensación que uno tiene de estar apoyando, de estar haciendo algo. Tú ves en la calle, la gente sale a hacer marchas, bloqueos, paros, huelgas, todo, “piden algo”. ¿Ves que den algo? Sí, trabajamos, pero no pagan tampoco sus impuestos, los comerciantes no quieren

pagar sus impuestos, no dan, pero sí piden. El festival de “La Juntucha” sí paga impuestos.

Y lo que nos reconforta es apoyar a la gente que necesita. Es increíble ver a un músico que se sube al escenario nervioso, y sale de ahí sonriendo y me dice: “¡Hermano muchas gracias!”, eso es algo que nos reconforta increíblemente. ¿Cuál es tu opinión de las bandas que ves rotando constantemente en el medio?

Algo que yo le digo a las bandas es que hay que trabajar para la gente, porque el público es el que te va a hacer grande. Tal vez 500 personas no es mucho, pero es significativo.

Lo que nosotros queremos es que las bandas crezcan mucho más, que se vuelvan “Leyendas”, que la gente hable, cante, que coreen LaCarne Magazine

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sus temas.

Y las bandas que participan en el festival ¿Eso lo tienen claro?

Hemos trabajado con la Chiti Juntucha, no desde la primera vez, sino desde la 3ra, y esta 4ta Chiti Juntucha en esa parte, le estamos explicando a los músicos qué es lo que se tiene que hacer, qué no, tips que hemos sacado de diferentes lugares del mundo, de productores que nos han dado en lo que las bandas nacionales cometen errores, y hemos visto que bandas de la anterior versión de la Chiti sí lo están haciendo. Hemos visto que de estar estáticos en escenario, ya se mueven, conversan con el público y algo que nosotros les decimos siempre: “Hagan una canción para el público, lo demás, es de ustedes”. Siempre tienes que darle algo a alguien para que ese alguien te dé algo, entonces qué mejor que eso. Y sí, la actitud está cambiando poco a poco. ¿Qué opinas de las bandas que se arman sólo para participar del concurso de la “Chiti Juntucha”, no te molesta?

No porque estamos abriendo espacio, y si tú tienes competencia te esfuerzas más. Si yo voy a una tocada y escucho a una banda que suena muy bien, hacen 25 covers y sólo 3 canciones propias, pero suenan increíblemente bien, yo digo “estos tipos son muy capos”, me pongo nervioso ¿y qué hago? Para la próxima les exijo más a mis compañeros porque quiero sonar bien, y el músico se da cuenta cuando una banda suena mejor que otra y te rajas. No te conformas. No hay que conformarse. ¿Qué te ha dado de positivo y negativo hacer “La Juntucha”?

De positivo me ha dado el hecho de conocer mucha gente de Bolivia y otros países. Me ha dado la satisfacción, la posibilidad de ampliar mi mente hacia otras cosas y no cerrarme.

Antes no escuchaba otro género que no sea Death metal. “La Juntucha” me ha abierto el cerebro: “Escucha todo y aprende”. Lo negativo, enemistades, hay gente que no me quiere no sé porqué, debe ser mi carácter, peleas con mi mujer después de una tocada que termina a las 3 de la mañana, a veces llegas a las 5, a veces ni llegas. Hay muchas cosas negativas

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pero generalmente no me gusta decirlas. Hay que rescatar lo positivo. ¿Qué cosas aún no se han logrado en “La Juntucha”?

Lo que no he podido hacer hasta el momento es poner un escenario Pro en infraestructura, para dar una mejor experiencia a las bandas y al público que va. Ya hemos internacionalizado, hemos tenido al cantante, instrumentista y productor argentino Goy Karamelo Ogalde, hemos tenido banda del Perú, hemos mandando bandas al Perú, a la Argentina, este año vamos a volver a hacerlo. Son cosas que no publicamos mucho en Facebook, porque lo que nos interesa es que la gente se entere de lo bien que lo están haciendo nuestras bandas. Nosotros somos el mediador nada más.

Sólo queremos apoyar. ¿La esencia de “La Juntucha” sería el apoyo?

Sí, siempre ha sido apoyar, difundir, retransmitir, comunicar, ése es el principio de “La Juntucha”. Tenemos muchos planes para seguir mejorando y ampliando el festival a todo el territorio nacional. Y la gente de otros países se tienen que enterar que en Bolivia hay excelentes músicos, grandes composiciones que les van a gustar.

Dijiste que tenías problemas de carácter ¿cuál es tu carácter?

Soy medio jodido, tal vez porque me criaron mis abuelos. Ellos eran bien rectos. Mi abuelo, la puntualidad, y mi abuela, que si dices que vas a hacer algo, lo tienes que hacer. Y con eso creo que a veces la gente que trabaja conmigo se enoja y después se van. Hay productores que parece que les molesta que haga algo gratis, se van a la base de que todo músico tiene que ser pagado, lo entiendo y estoy muy de acuerdo, pero tienen que empezar por algo y ese algo somos nosotros. ¿Habría algo que cambiarías en toda tu trayectoria haciendo el festival?

Hubiera querido tener desde el comienzo las bases que tengo ahora. Si desde un principio hubiera tenido un proyecto elaborado como lo tengo ahora, si hubiera tenido una idea clara, si hubiéramos podido darle a los patrocinado-

res la idea que tenemos en este momento, yo creo que hubiera sido diferente. Lo que pasa es que nosotros hemos nacido huérfanos, y hemos estado 7, 8 años así. Después de eso, gente que fue viendo el festival, que lo fue estudiando, por ejemplo abogados o de otros campos, vinieron y nos dijeron “los apoyamos”, y ellos nos empezaron a ayudar con la parte legal, con la parte del proyecto, con marketing, ellos nos abrieron la visión hacia otro lado. De ahí nosotros empezamos a explorar otros rumbos. Pero a estas alturas ya hubiéramos sido un festival mucho mayor. ¿Cuántas personas son de la organización hoy?

Somos 16 personas, entre colaboradores, staff, etc. ¿Ellos reciben dinero o están también por apoyar al medio local?

Ellos están por apoyar también. A veces en las “Chiti Juntuchas” podemos dar algo porque eso se autofinancia, pero en el Festival no.

No es fácil mantenerse tantos años en un proyecto, ¿Cómo has hecho para no desanimarte en el camino?

Ahí está el apoyo de mi mujer, por ejemplo. Es la socia número 1 de “La Juntucha”. Hay un montón de veces en las cuales he dicho “ya no quiero, no quiero hacer”, y viene mi mujer y me deja una semana en eso, y luego viene y me dice “vamos a hacer esto para “La Juntucha”, y listo, ya me cambia la idea, ya sabe. O si no, viene mi hijo, y estoy viendo que él sea la próxima persona que organice “La Juntucha”, ya tengo a alguien por lo menos para dejarle esto, ahondar el camino para otras generaciones, para otros estilos de música, no sólo rock.

También hay amigos que vienen y me dicen que siga, por ejemplo Silvio o Manuel, que es el sonidista y está haciendo sonido los 2 días (éste año serán 3). Imagínate, y no cobra un peso. Silvio nos ayuda con el backline, se sube al escenario le ayuda a desarmar a una banda o a la otra. Son personas que te siguen impulsando para que lo sigas haciendo. Es difícil pero hay que seguir. ¶

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momo cortés

evolucionando de forma natural LEER MÁS

Fotos por Antonio González Momo, sabemos que gracias a tu proyecto de crowdfunding has conseguido sacar adelante tu último trabajo Pequeño acto de rebeldía, muerte y posterior resurrección. ¿Qué sonidos y temática vamos a encontrar en este trabajo?

Sin duda será nuestro álbum más aplastante.

Exploramos diferentes estilos dentro de un sonido que ya es nuestro de alguna forma.

Hay temas que pueden sonar a Hard Rock Americano, otros suenan un poco más Indie, e incluso tenemos una pieza de Rock Sinfónico con 10 minutos de duración, en la que investigamos diferentes estilos con múltiples matices e influencias. Nos movemos dentro del Rock Progresivo, pero no tenemos límites, sería demasiado aburrido autolimitarse en un solo estilo.

En cuanto a la temática del álbum, te diría que en su totalidad está narrado en primera persona. Su protagonista pasa por 3 estados diferentes a lo largo del álbum: la rebeldía, la muerte y el renacer en un sentido metafórico.

Cada uno de los temas nace de uno de esos estados, a excepción de la “Canción de Resurrección”, que abarca los tres. Creo que será interesante para el oyente jugar a identificar desde qué estado se escribió cada una de las canciones. ¿Cómo ha sido todo el proceso de escoger los temas, hacer el proyecto crowdfunding y conseguir que la gente respondiera?

Siempre escribo mucho material, y en esta ocasión tenía muy buenas ideas para desarrollar. Lo primero fue pasar material a Diego Miranda, bajista de la banda, amigo-hermano y productor del álbum. Entre los dos hemos seleccionado los mejores cortes. Él se encargó de arreglarlos y de darles una entidad so-

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lida, es responsable del sonido del álbum, y colabora también en la composición. Ahora sé que nadie podría haberlo hecho mejor que él.

En un principio íbamos a trabajar en temas sueltos, pero la cosa fue creciendo y decidimos volver a probar suerte con la financiación a través del crowdfunding. Nos salió bien con Gritaré tu nombre, nuestro anterior trabajo, y esta vez también hemos conseguido la cantidad suficiente. La gente que nos sigue nos ha respondido muy bien y estamos muy agradecidos.

Ahora que el disco ya está terminado, el siguiente paso es darlo a conocer. ¿Vas a hacer gira de presentación?

Aún quedan cosas por grabar. Algunos cortes de voz quiero grabarlos con mucha calma y en mi propia casa. Hemos invertido en equipo para poder hacerlo de esta forma. Hay temas muy exigentes vocalmente, y quería poder decidir cuándo mi voz estaba en condiciones para grabar. En un estudio tienes limitaciones de horarios y poco tiempo. Consulté con Diego la posibilidad de grabarlo en casa sin esas presiones, y le pareció buena idea.

En Septiembre haremos un concierto acústico que grabaremos en DVD y formará parte del disco. Será un concierto privado, solo para nuestros mecenas-colaboradores, y repasaremos diferentes versiones de temas pasados y presentaremos el nuevo material. Cumplimos 10 años desde Constante Contradicción, nuestro primer álbum en el que colaboró Brian May, y me hace mucha ilusión registrar este concierto en video junto a toda la gente que nos sigue y nos apoya. Será un día muy bonito.

Nos gustaría hacer gira con el nuevo material, pero dependerá un poco de la demanda que se genere. En ese sentido estamos un poco abandonados por los medios. Las radios pinchan música de muy mala calidad últimamente, y creo que merecemos un poco más de difusión. ¿Cómo compaginas tu carrera en solitario como Momo Cortés con tu carrera con la banda Momo?

No establezco una diferencia, la verdad.

Momo como banda es en realidad un proyecto LaCarne Magazine

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personal, lo que sucede es que me gusta trabajar como un equipo, y ahora ese equipo está remando a favor. No ha sido fácil encontrar a las personas adecuadas para Momo. Todo ha evolucionado de una forma natural, y ahora puedo decir con la boca bien grande que la formación es la mejor que he tenido nunca.

Creo que todo seguirá evolucionando y creciendo, estamos en nuestro mejor momento y vamos a aprovecharlo Es fantástico que el propio Brian May reconozca vuestro trabajo y, todo un lujo que haya colaborado con Momo. ¿Qué puedes decirnos de Brian May? ¿Seguís en contacto?

La colaboración de Brian en nuestro primer disco surgió de una forma muy natural, la verdad. Como suceden todos los momentos mágicos. Cuando escuchó “Tanto amor no es bueno”, (versión de Too much love will kill you), se emocionó, se apasionó hasta el punto en que quería formar parte de ella.

Brian es un hombre brillante, muy sensible y honesto. Por supuesto, sigo en contacto con él

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y nunca me ha negado su apoyo. Es increible poder escribir a una leyenda de la música y decirle, “Oye tío, escucha esto en lo que estoy trabajando, ¿qué te parece?”, y aún más increible es recibir sus respuestas, consejos, y saber que se considera admirador de Momo.

Esto me hace mucha gracia, pero también me llena de orgullo.

Tuvimos ocasión de verte con la banda hace unos años y disfrutamos mucho de vuestro directo. Momo como banda, ¿preferís dar conciertos compartiendo cartel o vosotros solos? ¿qué ventajas y desventajas hay?

Las dos cosas son interesantes. Lo bueno de tocar con más gente es conocer otras bandas, compañeros etc. Descubrir y que te descubran. Evidentemente cuando tocas solo tienes más tiempo de prueba de sonido, y puedes trabajar más tranquilamente para que tu show sea el que tienes pensado.

Compartir cartel a veces hace que ninguna de las bandas suene como realmente quiere.

Si la organización no es buena, puede ser un

caos. Pero me gusta también experimentar esos momentos. Te curten y te enriquecen.

Cuéntanos cuándo y dónde podremos verte en directo como Momo Cortés.

Suelo tocar a piano y voz los viernes y domingos a las 17:30 en el Piratas de Alcorcón, bueno, cuando me lo permite mi agenda con la banda. En esos conciertos versiono todo tipo de temas. Siempre son conciertos muy interesantes. A veces incluso toco temas propios que nunca he grabado ni grabaré. ¿Y con la banda? Hemos visto en la web que estáis hasta Noviembre con la gira Queen Mission ¿seguiréis con la gira hasta finales de año?

Los meses fuertes de la Gira Queen Mission son Octubre y Noviembre, pero hay algunas fechas tambien en Septiembre, y seguramente se amplien otras más adelante. Este año es muy importante para el Universo Queen. Estaremos en la celebración del 70 cumpleaños de Freddie Mercury en la Sala Apolo de Barce-

lona el 5 de Septiembre. Un concierto benéfico para la Mercury Phoenix Trust, organización que nació tras la muerte de Freddie, y que investiga en la lucha contra el SIDA. La recaudación irá para ellos, asi que es un concierto importante.

También se cumplen 25 años de la desaparición de Freddie en Noviembre. A los fans nos gusta recordarle en esas fechas, así que también se han programado algunos conciertos conmemorativos Momo Cortés, ha sido un placer poder hablar contigo. Muchas gracias por dedicarnos un rato para respondernos. Esperamos verte muy pronto en directo ;-) Muchas gracias a la revista por darnos esta oportunidad y un saludo a los lectores. Pueden seguirnos en:

www.momocortes.com www.facebook.com/momocortes www.twitter.com/momocortes LaCarne Magazine

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polo dread LEER MÁS

POLO DREAD PRESENTA SOLDADO DEL DESTINO

C

onocí a Polo Dread (PD) a principios de año en un evento de rap. Subió al escenario y cantó Reggae junto con raperos locales. Al hablar con él sientes su energía, es una persona sencilla, sincera, real.

Con una idea clara de lo que quiere como músico, su camino es la senda del Reggae y su uniforme de batalla ha empezado desde el sur del país.

El cantautor tiene en su haber un primer EP titulado Caminemos Juntos (2014), que inicia este viaje de resistencia llevando un mensaje de conciencia. Polo Dread comenzó su peregrinación desde la capital de Bolivia, Sucre.

Radicando actualmente en La Paz tiene conciertos permanentes propios y de invitado.

Es un 6 de agosto de 2016 para cuando Polo se prepara lo que dice es una noche especial.

La Cafebrería Almatroste de la calle Ingavi, que tiene la característica se ser un espacio contracultural, recibe esta noche a una ingente cantidad de jóvenes con ropa ancha, gorras y mochilas. Muchos de ellos van apoyando a Polo Dread desde otros eventos en el lanzamiento de su primer LP. Las gradas del Almatroste nos llevan a un pasaje subterráneo donde se encuentra el mismísimo Polo Dread, que recibe a los viandantes.

Su aspecto con melena recogida en una cola oculta las Dreadlocks, que afirma representan a los miembros de su familia con quienes no rompe contacto gracias a las redes sociales, pero que de seguro extraña. Y comenzamos una pequeña charla...

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¿Cuál es la expectativa en el lanzamiento de este LP, Soldado del Destino?

(PD) Que el mil se multiplique por mil en los que me escuchan, y buscar siempre a más gente. Ésta es la primera guagua que ha tardado en hacerse realidad dos años.

Un día como hoy, 6 de agosto, nació este proyecto. Ha sido el momento indicado para poder lanzar el álbum. Hemos comenzado, y justamente un seis de agosto lo vamos a presentar. ¿Cuántos temas tiene este LP Soldado del Destino y cuál es su concepto?

(PD) Tiene 11 canciones. Tiene un concepto que está dedicado a todos los soldados del destino, a toda la gente que busca hacer su sueño realidad y simplemente se aferra a ello, y va caminando por la vida con esa idea.

Polo Dread comenzó su carrera muy joven en Sucre, donde escribía y contaba lo que le parecía que está mal en la sociedad. Ahora, luego de ese recorrido pasando por diferentes instrumentos musicales coge el micrófono y graba Soldado del Destino. ¿Cuál ha sido la parte más difícil de grabar el disco?

(PD) Lo más difícil ha sido conseguir los fondos, los medios que me puedan ayudar a realizar algo que en realidad yo quería.

¿Qué se viene con Polo Dread para más adelante?

(PD) Estamos preparando un video para Soldado del Destino, que lleva el nombre del álbum, además de Feel it like a dreaming, que es el último tema de este disco que en realidad cierra el ciclo del proyecto llamado soldado del destino.

Como primer álbum es nuestro parámetro y de aquí evolucionar más con el tiempo.

Te seguimos y estás en una lista internacional de Reggae, ¿cómo llegaste a esta lista?

(PD) La Radio Suena Reggae escuchó la canción Esto no es en vano. Vieron el video por Youtube, pero mucho tiempo atrás estuve con otras radios. Sin embargo, esta nueva lista es en realidad una unión de radios que son Chile, Uruguay y Argentina. La primera conexión ha sido con Argentina, y de ahí la radio uruguaya me invitó casualmente a ser parte del top 20 diciendo “estás participando”, es como una forma de retribución entre unos y otros, pienso.

Es una experiencia llena de invitados reconocidos como Imilla MC, puedes ver en la mesa a Ecco Urbano o Skwid pasando la velada con amigos, entre muchos, empieza el mi-

crófono abierto y la gente se conecta con los sonidos urbanos y los cantantes resaltan sus vivencias en cada letra, en el escenario se escucha rapear al dúo Monty´s Klan. ¿Es más fácil llegar a gente de otros países con las redes sociales y el internet?

(PD) Claro que sí, esa es la idea también. Buscar otros lugares, nuevos horizontes para la música que uno hace.

Lastimosamente Polo Dread no puede darnos más minutos dado que debe presentar a todos los invitados, debemos dejar que se entregue al público. Sube a ese escenario con un colorido Illimani pintado en metal, que parece que acogiera al músico como hijo suyo. La gente sigue llegando, muchos agitan las manos al aire como si no les importara. Le pido un último mensaje para terminar la entrevista.

(PD) More Fyah, muchas bendiciones y luz a toda la gente que escuche esta grabación, siempre con corazón, mucha vibra siempre: ¡soldado del destino, ve consecuente! Que ahí está la batalla. ¶

www.facebook.com/PoloDread/ LaCarne Magazine

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poncho k Tu último trabajo como Poncho K, Despertando, es un CD+DVD con 19 temas en directo, en el que además encontramos las colaboraciones de Rakel Winchester, Carlos Chaouen y Rubén Pozo. ¿Estaba todo pensado para hacer este disco? ¿Has dejado algo a la improvisación?

Estaba todo más que pensado, el orden de los temas, el decorado, las colaboraciones y hasta los silencios. Lo que no se hizo es ensayar demasiado para ir con un poco de tensión y estar mas atentos, esto lo hago, o mejor dicho, lo dejo de hacer en todas las actuaciones para que las canciones suenen frescas. Luego también estaba el margen de error de cada colaboración, que no nos vimos hasta el concierto, y se la podían saber mejor o peor, pero se ve que estudiaron en casa.

Los temas que se incluyen en Despertando ¿tienen alguna relevancia para ti? ¿En qué te has basado para incluir estas 19 canciones?

Realmente fue una selección entre las 28 que se tocaron y grabaron en el concierto.

Son una recopilación de lo que venía haciendo en la gira, incluyendo las canciones más significativas y que más me gusta tocar. Finalmente se quedaron las que más rollo tenían vistas ya desde la pantalla.

Además de canciones, también escribes libros: Zurraspas, Zurraspas II, Trolo… Háblanos de la trilogía de Zurraspas. ¿Qué vamos a encontrar en ella? ¿La tercera parte está ya en proceso?

Zurraspas es lo que le sobra a los discos, o simplemente cosas que escribo y no me apetece musicarlas cuando las veo escritas, y ésta es una manera de que no se pierdan. La tercera parte ya tiene algunos párrafos, pero creo que aún le queda, por lo menos hasta

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que haga otro disco. Trolo es otra historia, es una novela corta, sin intención de nada, me apetecía poner el boli en el papel y contar una historia ficticia, y dejar que saliera a flote lo que tuviera que salir.

Estás presente en muchos festivales nacionales y conciertos de nuestro país. Hasta que acabe el año ¿cuántas conciertos te quedan por dar? ¿Queda alguna fecha por cerrar?

De momento me quedan unos cuantos hasta diciembre, y no creo que se cierren muchos más, aunque siempre cae alguno de última hora.

Hablando de conciertos, has dado muchos y has compartido escenario y cartel con muchas bandas ¿Qué te gusta más, compartir escenario o un concierto tú solo? ¿Cuáles son para ti las ventajas y desventajas?

Por lo general me gusta hacer salas y tocar solo, pero luego depende de la banda que acompañe. Siempre es un placer juntarte con gente que conoces. No sé que ventajas tendrá, pero me gusta tocar solo, no sé... ¿Qué será lo próximo de Poncho K? ¿Publicarás antes un nuevo disco o un nuevo libro?

Ahora mismo no tengo pensamiento de hacer nada más que la gira. Aún no me he sentado a componer, y en este tiempo no me ha salido nada nuevo. Veremos que pasa en diciembre.

Gracias por dedicarnos un rato de tu tiempo, ha sido un placer. Nos ha encantado poder hablar contigo ;-) Gracias a vosotros por dedicar vuestro tiempo en hacerme la entrevista, el placer es mío.

Un abrazo. Salú! ¶

www.ponchok.es/

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jorge valenzuela, el metal es cultura LEER MÁS

Fotos por Susan Haecker

T

uve la oportunidad de entrevistar a Jorge “Cone” Valenzuela, conocido, querido y respetado personaje en la escena metalera de La Paz. Él es parte muy importante del Illimani Metal Fest, y se destaca por su apoyo a la movida rockera y metalera local. ¿Cuál fue la primera banda metalera que te llevó a desarrollar esa pasión por el género metalero?

Después de escuchar rock en sus inicios, desde Elvis Presley, Bill Halley, etc., a mis siete años, en los años 50’s del Siglo XX, años después, a fines de los 70’s, un amigo me regaló un casette grabado por él que en un lado tenía Judas Priest, y en el otro Black Sabbath, no recuerdo bien si el Sin After Sin o el Sabbath Bloody Sabbath. Desde entonces, habiendo conocido esos sonidos totalmente nuevos que me llenaban por completo, seguí buscando heavy metal, aunque era muy difícil conseguirlo en un medio de tan poca difusión de esta música como era Sucre entonces. ¿Me cuentas algo sobre los inicios del metal en Bolivia?

Más que hacer un recuento histórico puedo hacer referencia a mi propia vivencia, mis experiencias personales, ya que no cuento con datos o fechas. Los años 80’s fueron muy importantes para el desarrollo del metal nacional, aunque no debemos desmerecer los 70’s, que dejaron una base muy fuerte. Las prime-

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ras bandas de metal boliviano que conocí fueron Trueno Azul, y prácticamente fui testigo de la formación de Metalorfosis, dos bandas que, con Trilogía de Santa Cruz, y Stratus, en mi opinión, son las pioneras del heavy metal en Bolivia.

La importancia de los 80’s radica en que, siendo el heavy metal un género internacionalmente “muy aceptado” esos años, casi una moda, los medios de comunicación y los sellos discográficos se apuntaban a considerar a estos grupos. También la situación política aportó lo suyo, habiendo salido de una larga y dura etapa de dictaduras, en democracia la juventud vivía con más libertad para expresarse.

No tardó mucho en aparecer el thrash metal de Arise y Black Mass, y luego los pioneros del death metal, Subvertor. Seguramente hay muchas personas que pueden detallar con más solvencia que yo esta historia del metal boliviano.

Muchos te vemos trabajar y mover montañas para apoyar a la escena metalera en La Paz, y sin embargo mantienes un perfil bastante bajo. Hace algunos años organizas el Illimani Metal con mucho éxito. ¿Cómo nació la idea y cuál es tu motivación detrás del evento?

Tanto como a “mover montañas” no creo haber alcanzado, sin embargo, siempre he buscado apoyar a la escena metalera porque en ella me siento como “en familia”, estoy con gente que entiendo, que quiere expresarse igual que yo, y donde creo que puedo aportar con mi experiencia y mis años. Hubo una época en la que organicé conciertos, pero, aparte de la enorme satisfacción de lograr espectáculos con calidad, responsabilidad y buena organización, la falta de recursos y de tiempo me apartó de ello. En el Illimani metal soy el coordinador de un equipo de voluntarios que se encargan de

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la organización, no el organizador.

La idea del Illimani Metal fue una iniciativa de Krupskaia Peredo y un grupo de amantes del metal que logramos el apoyo del Gobierno Autónomo Municipal de La Paz, desde la entonces Oficialía Mayor de Culturas (hoy Secretaría Municipal de Culturas), dentro de su Programa de Expresiones Culturales Urbanas. El Illimani Metal apoya la creatividad de nuestros jóvenes artistas incentivando la producción de música propia, y ofertándoles las mejores condiciones posibles de escenario, de sonido y de organización para elevar el nivel de calidad en la presentación de su obra, y, a partir de 2008, ha mostrado muchos logros al respecto. Creo que eso es lo que realmente me motiva a estar en el equipo de organización, generar oportunidades para que jóvenes músicos difundan su arte y mostrar que el metal es cultura, abriendo espacios de difusión hacia los “no metaleros” como las Ferias Dominicales. ¿Cómo ves la escena metalera y rockera actual en La Paz, y en Bolivia en general?

Es indudable que la escena ha crecido. Como es fácil suponer, el rock en sus formas menos extremas tiene más oportunidades de difundirse en medios de comunicación, en locales donde se presenta música en vivo, con promotores de eventos y en sellos discográficos.

Sin duda que el rock ha elevado su nivel con la producción de bandas muy creativas y profesionales como, por mencionar algunas que, en mi opinión rompen esquemas, Walkman, Ragdoll Architect o Mal-amen.

A la escena metalera le cuesta más difundirse y abrir espacios, se desarrolla y crece más como un movimiento “underground”. En el metal hay una variedad grande de sub-géneros y estilos, y muchos seguidores, no todos, generan divisiones basadas en gustos personales, y desunen lo que debiera ser una familia enorme. Creo que se está superando poco a poco cierto conformismo y aquella equivocada impresión de que “lo ‘under’ debiera carecer de calidad”, y se tendía a la costumbre de mal sonido, muy mala organización, pésimos escenarios. Sé que ahora no estamos en lo óptimo, aún hay mucha desorganización, impuntualidad e informalidad, incluso de parte de

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las bandas, deficiencias que han contagiado al público que se conforma y no exige la calidad que merece.

El esfuerzo de las bandas por producir material es enorme, la producción discográfica ha crecido mucho, el aporte que deja como expresión cultural es muy importante. De este esfuerzo deviene la realización de eventos que convocan a bandas y público prácticamente cada semana. Sin embargo, aún es insuficiente el apoyo que la escena metalera da a sus artistas, no toda la gente compra el material de las bandas, y muchos son renuentes a pagar el valor de las entradas en los conciertos, y no piensan que comprar un CD o un “tape” y pagar una entrada es la mejor forma de apoyar a las bandas, así como lo es la obligación de los organizadores de respetar al público que paga y a los artistas que hacen los eventos ofreciendo calidad y responsabilidad. ¿Tocas o tocabas en alguna banda? ¿O alguna vez consideraste ser productor de música?

Nunca he tocado un instrumento, me quedó claro siempre que no tengo el talento. Mi talento va por otros caminos del arte. Ser productor de música también requiere de talento, buen oído y mucha creatividad. Posiblemente, después de tantos años de escuchar música, algo he formado pero no creo sea suficiente para ser productor.

Detrás de la movida metalera hay toda una filosofía que pocos conocen o entienden. ¿Lo puedes explicar un poco para eliminar algunos prejuicios?

Nunca he estado muy convencido de aquello de “el metal es una forma de vida”, yo creo que el metal es parte de mi vida, no la moldea, aunque su presencia en mi vida si ha moldeado rasgos de mi personalidad. El rock, y más el metal, son expresiones de rebeldía e inconformidad con los lineamientos de cómo vivir dictados por el sistema, no siguen modas. Aunque alguna vez el heavy metal fue una moda, son críticos y duros al mostrar la realidad. Estas características hacen que se generen prejuicios y estereotipos sobre los metaleros, que se dice son borrachos, drogadictos, irresponsables, violentos, satánicos, etc. Pues hay gente con esos vicios y defectos

con Oblivion

que escuchan tango, cumbia o música clásica. Si bien hay muchas bandas, especialmente de black metal, que se dicen son ateas y satanistas, eso no quiere decir que sea condición para ser metalero profesar el satanismo o ser ateo. Para mí el metal es música, junto con la música clásica, la mejor música, lo que digan las bandas de black, death o thrash o de cualquier sub-género del metal en sus letras puedo o no aceptarlo, disfruto la música y, estoy totalmente seguro, no cambiarán mis creencias y respeto la libertad de expresión de todos.

Quiero destacar que la afirmación de que “el metal es cultura” tiene una base muy sólida. En mi opinión, el metal es una expresión que tiene profundas y antiguas raíces, ha seguido la línea de evolución de formas musicales como el jazz, el blues, el rock and roll de los 50’s, y ha recibido influencias muy fuertes en los más de 50 años que le ha tomado desarrollarse hasta lo que es hoy, con todas sus ramas, formas y estilos, generando, además, expresiones gráficas, literarias y de imagen y vestimenta muy propias.

Muchas gracias por acceder a la entrevista! Y ya se acerca el evento principal del Illimani Metal Fest y también el MegaFest…

Muchas gracias por esta entrevista, me ha gustado mucho verter mis opiniones muy libremente, y mostrar y defender la pasión que siento por esta música tan elaborada, que llega tan hondo y que me puede acompañar en tantas situaciones, buenas o adversas.

Gracias también por darme la oportunidad de invitar a todos sus lectores a participar del Illimani Metal Fest que este año presentará su novena versión, el 1º de octubre en el Parque Urbano Central. Mencionar el Mega Festival, organizado por el Gobierno Autónomo Municipal de La Paz para el 3 de septiembre, es importante porque es un evento que concentra las más variadas expresiones de arte urbano y vale la pena recordar que el Illimani Metal Fest nació como un componente del programa de Expresiones Culturales Urbanas del GAMLP hasta consolidarse como un evento cultural de La Paz. ¶

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