LaCarne Magazine N119

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europa y latinoamérica

Nº119 - MAY 2022 - AÑO 11

MÁS INFO

N119 aÑo 11 MAY 2022

SUMARIO

experiencias 26 Alan Wilder, el arquitecto del sonido de Depeche Mode 06 Ludovico Technique, las profundidades del Metal Gótico Alternativo entrevistas 08 Noches de Santa María, cumple su 20 aniversario 44 El Cholo, pionero del Rap en Bolivia 12 Manntra, Folk Metal y Metal Indus- 56 Manigance, y su nuevo álbum Le Bal trial desde Croacia

des Ombres

14 Radio Rag Party, la vuelta de The

60 Óscar García, a la Vanguardia de

Rincón Pío Sound

la Mesomúsica

18 Mikan, su evolución y buena estrella 66 Zegadex, un genio a la batería 74 Plika, irreverentes y malcriadas investigación 80 Rabia Rivera, mujer es poder 22 14 Canciones inspiradas en la Semana Santa

32 Extremareggae 2022 un encuentro único e irrepetible

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

alfonseka, eva maría aroca, Jorge Ares. martín Arizaga

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Ludovico Technique

las profundidades del Metal Gótico Alterna dovico Technique, con su música, ha conseguido hacerme vibrar de la misma manera de entonces.

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Q

uizá escriba este artículo de Ludovico Technique con un poco de nostalgia hacia esa época donde solía frecuentar esos pubs góticos, e íbamos a bailar engalanados en corsés, camisetas de rejilla, unas botas New Rock, y lentillas blancas, siendo «los más góticos del barrio» (risas).

Una época que recuerdo con mucho cariño, y de la que siempre queda algún reflejo aún en mi vestimenta, aunque mucho más “suavizado” de lo que solía ser, pero sin duda una época que vivió la banda Ludovico Technique, banda de la que os voy a hablar hoy.

Me ha hecho revivir, y bueno, quizá haya acomodado la indumentaria a mi estilo de vida actual, pero en mi interior soy la misma, y Lu-

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Ludovico Technique, las profundidades del Metal Gótico Alternativo

Ludovico Technique cuenta con tres álbumes de estudio (uno aún por nacer), y numerosos singles y EP’S desde el 2012.

La banda es procedente de Nueva York, creada por el cantante, compositor y multinstrumentista Ben V, que sólo con su imagen tan llamativa (y atractiva, ¿para qué nos vamos a engañar?), su estilo oscuro, y la energía de su música en directo, ya consigue atraparte desde el primer momento.

Saltaron a la fama rápidamente tras su álbum debut Some Thing are Beyond Therapy en 2012, para que un año más tarde, con el lanzamiento de su segundo álbum, We Came To Wreck Everything, consiguieran un reconoci-

que literalmente me transporta a otro lugar, o Becoming Numb, que total y literalmente me hace revivir la época de la que os hablaba al principio.

A finales de 2021 lanza Haunted, que si hasta entonces no te habías enganchado ya, ahora con esta canción no podrás evitar la tentación.

Haunted People, el próximo trabajo de Ludovico Technique

Silence, el último single de Ludovico Technique Hasta ahora, hemos podido escuchar once nuevos singles, siendo Dreaming, y Silence, los más recientes, todos ellos son parte de Haunted People, el tercer álbum de la banda, que, aunque por ahora no hay una fecha de lanzamiento del álbum como tal, desde su página web, podríamos entender que lo habrá.

ativo miento aún mayor, consolidándose como banda, y asegurándose grandes oportunidades, tanto en festivales como en medios de comunicación importantes.

También han conseguido batir records en las listas de Spotify, Bandcamp, y llegando a ser el número uno en las listas de metal de ITunes.

Desde luego, su música no deja indiferente a nadie. Es tan oscura como adictiva si gustas del género gótico y metal industrial.

Sus influencias van desde Type O Negative, Rammstein, Rob Zombie, a los clásicos del género gótico, como The Sisters of Mercy, siempre aportando su toque personal. Me resulta original y oscuro, pues sus temas principalmente hablan de los estados de depresión.

Tras una gira monumental y extensa, en 2017 regresa con Absence, es aquí donde descubro a esta banda, siendo éste uno de mis temas favoritos. Sin olvidar el gran tema I Was,

Cierto es que estoy algo confusa con esta nueva forma de lanzar música en plataformas streaming, yo ya tengo una edad, soy de la vieja escuela, y a mí personalmente, me gusta tener mi cd, pero como decía, ya podemos disfrutar de sus once nuevos temas.

De momento, no tenemos fechas de una posible gira, pero estaría genial tenerlo pronto sobre los escenarios, y, si ya hace una visita a los fans españoles, pues sería más que fantástico, ¿verdad?

Y algo que sí puedo asegurar es que Ben V, es muy cercano con sus fans. Así que, desde LaCarne Magazine, le envío un saludo, y espero que le guste leer este artículo.

Y a vosotros los lectores, gracias infinitas por estar ahí, y por supuesto, si os ha gustado Ludovico Technique, y no queréis perderos ninguna novedad, a continuación, os dejo los enlaces a sus redes sociales y plataformas digitales: YouTube, Facebook, Instagram, Twitter, Spotify, Website. ¡Hasta la próxima!

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azz, Swing, Flamenco, Folclore o Ritmos Balcánicos y Teatro, en la nueva edición de Noches de Santa María, que coincidirá con Las Edades del Hombre.

de la capital placentina se llene de música y teatro, así como la Plaza de la Catedral, en la que Pasión Vega pondrá el broche de oro, clausurando esta edición.

Un ambicioso programa de la Diputación de Cáceres, que arranca en Plasencia el 12 de abril y se clausurará el 21 de mayo con un concierto especial de Pasión Vega.

Noches de Santa María

El diputado de Cultura y Deportes de la Diputación de Cáceres, Fernando Grande Cano, acompañado de la concejala de Cultura del Ayuntamiento de Plasencia, María Luisa Bermejo, ha presentado la programación de una edición que ha señalado como “especial”.

Será del 12 de abril al 21 de mayo, cuando el Auditorio del Complejo Cultural Santa María

Especial porque de nuevo se retoma si limitación de aforo, “aunque sí manteniendo las medidas de seguridad, como es la mascarilla”; especial porque son 20 años de un proyecto cultural “ambicioso y gratuito para que pueda estar al alcance de todo el mundo”, y especial porque coincide con un importante evento que tendrá lugar también en la capital del Jerte, como es la exposición Las Edades del Hombre.

Llega un año más, tras un tiempo de limitaciones debido a la pandemia, uno de los programas culturales de la Diputación de Cáceres que amenizan las tardes-noches primaverales. Se trata del siempre esperado programa Noches de Santa María, que se celebra en Plasencia y que este año cumple su 20 aniversario.

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referencia en el ámbito del Jazz Clásico y el Swing en la escena internacional.

Gelato y Peidro demuestran en sus conciertos el gran estado de salud del estilo de saxo tenor clásico y la enorme paleta expresiva que puede proporcionar: del blues más tórrido a las baladas románticas, pasando por explosiones de swing incendiario o lecturas de estándares del American Songbook.

Acompañados por su grupo habitual, una potentísima sección rítmica formada por Richard Busiakiewicz, Andrés Lizón y Cárles Pérez, este quinteto genera Swing de alto voltaje reivindicando un lenguaje saxofonístico que sigue tan fresco y vivo como siempre y, nunca pasará de moda.

Ray Gelato Website, Enric Peidro Website KARMENTO (Canción de autor) 19 de abril a las 20:30h Auditorio del Complejo Cultural “Santa María” Karmento regresa a los escenarios con su nuevo álbum Este devenir, editado por El Tragaluz el 8 de mayo de 2020.

“De este modo, la Diputación de Cáceres, además de poner en marcha uno de sus programas culturales estrella, como es Noches de Santa María, participará también en esta importante exposición, no solo económicamente, con 200.000 euros que ya ha aprobado el pleno, sino también con la cesión de alguna de las obras del fondo artístico de la Diputación de Cáceres, como puede ser una escultura de Pérez Comendador”, ha avanzado el diputado.

Noches de Santa María – Artistas y Programación Completa

RAY GELATO ENRIC PEIDRO QUINTET (Jazz-Swing) 12 de abril a las 20:30h Auditorio del Complejo Cultural “Santa María”

Ray Gelato Enric Peidro Quintet es toda una

En este nuevo trabajo a medio camino entre el Folclore y el Pop, Karmento nos presenta diez canciones que hablan del devenir a sus 38 años, de los anhelos abandonados y los encuentros encarnados, los cuentos del refugio y la aventura, el exilio y el regreso, los amores que se expanden y se fusionan, los viajes a otra parte y hacia el interior de una misma, las raíces y sus ramas.

Partiendo de la canción de autor y el pop, Karmento cuenta historias atemporales a través de su música enriqueciéndola con el Folclore y la Música Tradicional.

Website EMULSIÓN TEATRO “Me voy a Cincinatti” (Teatro) 26 de abril a las 20:30h Auditorio del Complejo Cultural “Santa María” LaCarne Magazine

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En esta nueva edición de Noches de Santa María también disfrutaremos del teatro. La representación correrá a cargo de la compañía teatral Emulsión Teatro que llevarán a las tablas su comedia titulada “Me voy a Cincinnati” de Asunción Mieres.

Es en el año 2020 cuando la compañía estrena esta alocada comedia, «Me voy a Cincinnati” y durante el siguiente año siguieron trabajando y estrenaron un thriller psicológico llamado “La ventana del lago” (2021), una obra que además cuenta con multitud de características cinematográficas.

La compañía, además de llevar a cabo representaciones teatrales, imparte talleres de teatro desde hace algunos años en numerosas localidades de la comarca extremeña y asumiendo la organización de dos Festivales Nacionales de Teatro en las localidades cacereñas de Piornal y Navaconcejo.

Website BARCELONA GIPSY BALKAN ORCHESTRA (Fusión Klezmer-Jazz Manouche) 3 de mayo a las 20:30h Auditorio del Complejo Cultural “Santa María” La banda internacional Barcelona Gipsy Balkan Orchestra, amenizarán la noche del 3 de mayo el escenario de Noches de Santa María con sus reinterpretaciones personales de la música de los Balcanes, Oriente Medio y del Mediterráneo.

Barcelona Gipsy Balkan Orchestra mezclan un cojunto de sonoridades de la tradición musical klezmer, rom, balcánica y mediterránea; y se han convertido en todo un referente dentro del panorama de la Música Tradicional.

Website, Facebook, Instagram, YouTube LABORATORIA (Flamenco Project) 10 de mayo a las 20:30h Auditorio del Complejo Cultural “Santa María”

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El 10 de mayo disfrutaremos de el espectáculo de LaboratoriA en es esta nueva edición de Noches de Santa María. LaboratoriA, es un proyecto multidisciplinar integrado por cuatro mujeres que “dialogan” y “experimentan” con el flamenco, analizando la situación de la mujer.

En su espectáculo multidisciplinar se mezclan el flamenco, el feminismo y la experimentación; un recorrido por soleá, serrana, caña o farruca que ofrece una oportunidad renovada para que las mujeres elijan cómo vivir y expresar su feminidad.

Website, YouTube, Facebook, Instagram.

PASIÓN VEGA (fusión copla, bolero, fado…)

21 de mayo a las 21:30 h Plaza de la Catedral La clausura, como viene siendo habitual, se trasladará a la Plaza de la Catedral. Será el 21 de mayo, a las 21:30 horas, cuando Pasión Vega presente su nuevo trabajo, Todo lo que tengo, un homenaje personal que la artista quiere hacer a la música y el folclore latinoamericanos a través de un repertorio escrito por distintos compositores y compositoras de un lado y otro del Atlántico.

Un excitante y emocionante concierto en donde Pasión Vega hará que disfrutemos de esa elegante fusión y mestizaje musical entre la copla, la canción de autor, canción latinoamericana y su folclore, el Jazz, el Flamenco, el Fado.

Website, Twitter, Facebook, YouTube, Instagram

Institución Cultural El Brocense Diputación Provincial de Cáceres Facebook Diputación de Cáceres

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Manntra

Folk Metal y Metal Industrial desde Croacia LEER MÁS

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uchos de vosotros ya sabéis lo mucho que disfruto cuando descubro música nueva, y es que, en esta ocasión, me disponía a escribir sobre un artista, y al final he terminado escribiendo sobre esta otra banda, Manntra, que os traigo hoy (risas). Me han gustado tanto, que su música ha sido todo un impacto de fuerza, originalidad, y con aires del norte de Europa. El resultado sin duda merece la pena escucharlo. Ellos son Manntra.

Manntra son una banda procedente de Umag, Croacia (un país precioso, por cierto), y, como os decía, su música de estilo Folk Metal, mezclado con Metal Industrial, les da una potencia musical, y un original aire fresco que quizá se pueda asemejar un poco al estilo de Eluveitie,

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o incluso Korpiklaani, pero con toques industriales. Han sumado muchos seguidores, no solo en su país, sino también en Alemania y en Austria.

Manntra, Folk Metal y Metal Industrial desde Croacia

Los componentes de Manntra son Marko Matijević Sekul, Zoltan Lečei, Andrea Kert y Marko “Pure” Purišić.

Su primer álbum de estudio fue lanzado en noviembre de 2012 bajo el nombre Horizont, fue grabado entre Croacia y Eslovenia, y totalmente producido por el vocalista de la banda.

Sus canciones más destacadas son Kiša y Horizont.

En 2019 participaron en el Dora 2019, festival croata para elegir al candidato representante del país en el festival de Eurovisión. Lo hicieron con el tema In The Shadows.

verdadero terror, siendo esclavos de nuestros miedos e inseguridades.

Es una lucha interna, es un álbum de la gente y para la gente, en el que han creado canciones diferentes y letras más oscuras.

El propio Marko M. Sekul asegura que en este álbum está plasmada la verdadera esencia de Manntra, un álbum que nos lleva a un oscuro viaje a nuestros miedos más internos, con sus toques Folk, Industrial e incluso Goth.

Nightcall EP

También a finales de 2021 lanzaron un EP llamado NIGHTCALL, con tres canciones. Una de ellas es Naranča, que suena estupendamente bien.

Manntra estarán de gira entre los meses de mayo y agosto junto a la banda Mono Inc., de quienes ya escribí un artículo para LaCarne Magazine hace algún tiempo. También participarán en varios festivales como el Metaldays en Tolmin, y en el Taman Festival 2022 en Golubitskaya, Krymsk.

a Ya disponen de un total de cinco álbumes de estudio, siendo el último Monster Mind Consuming, que fue lanzado en 2021.

MONSTER MIND CONSUMING, el último trabajo de Manntra

Recientemente cumplió su primer año este último trabajo, el cual todo el mundo califica de misterioso, poderoso y mágico. Es el segundo álbum de la banda escrito totalmente en inglés, y podemos destacar temas como Ori, Ori, que fue precisamente la primera canción que he escuchado de Manntra, y sinceramente revolucionó toda mi mañana, hasta llevarme a querer escribir impacientemente este artículo sobre ellos.

De Monster Mind Consuming, la misma banda dice que es un álbum en el que cantan a la batalla por vivir, a los tiempos difíciles que estamos atravesando desde hace un par de años, que nos ha llevado a situaciones de

También he visto en sus redes sociales que están trabajando en el estudio, así que pronto habrá más música nueva de ellos.

Como podéis comprobar, es una banda realmente muy interesante y novedosa, al menos para mí, que viene pisando fuerte, y estoy segura de que pronto se dejarán caer el algún festival de España. Estoy deseando verles en directo, y vosotros, ¿ya la conocíais? ¿Qué os ha parecido Manntra?

Espero que os haya gustado, y si es así, recordad seguidles en sus redes sociales para no perderos ningún detalle. ¡Hasta la próxima!

Facebook Instagram Spotify YouTube LaCarne Magazine

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Radio Rag Party la vuelta de The Rincón Pío Sound LEER MÁS

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en aquel recinto, donde año a año había conseguido sembrar cariño y dejar hijos en forma de bandas a lo largo de toda la geografía española.

as lágrimas inundaron nuestros corazones cuando nos enteramos que The Rincón Pío Sound se había calcinado a consecuencia de un incendio con las correspondientes pérdidas materiales, además de las dos perritas (Eska y Borland) que convivían en el recinto, haciéndolo más acogedor y a la vez vigilándolo.

Porque toda banda, grupo, o dj’s como los que escribimos aquí, hemos recibido mucha estima por parte de esta familia (si la memoria no nos falla), que deciden ahorrar dinero de su trabajo para crear una asociación y tener una sala de conciertos, traer los grupos que les gustan, y eso hoy en día, señores, no tiene precio, pero si un valor inmenso.

Yiye y los suyos perdían lo que tanto años habían estado mimando, y que habían convertido en una de las catedrales del mundo musical underground español.

Radio Rag Party, la vuelta de The Rincón Pío Sound

Documental de The Rincón Pío Sound Idelfonso Álvarez había creado una familia

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Por la sala The Rincón Pío Sound han pasado Bloomintong, Perro, Za!, Fônal, Jardín de la Croix, Delrey, Lua Gramer, Blusa,Autumn Comets, L’hereu Escampa, Viva Belgrado, Alexandre Lacaze, Super Cadaver, Cuello, y

dio Rag Party con la presencia de 16 bandas.

De las que tenemos representación nacional (bandas de Madrid, Barcelona, Valencia, Andalucía, Galicia, Zaragoza o Castilla y León), extremeña e internacional (bandas de Alemania, Escocia y Portugal).

Un lujo de más de 10 horas de música a modo de festival, donde recuperaremos lo que tanto hemos echado de menos en pandemia, y con el proceso de recuperación de la sala The Rincón Pío Sound que es la viveza, el calor, el fervor, el entusiasmo, la energía de la música ¿Preparados para el anticipo antes del concierto? ¡Vamos a ello! (así, a lo bajini, estamos ante el mejor festival de Extremadura de todo lo que hasta ahora se ha presentado en este 2022).

Artistas y bandas en Radio Rag Party

un largo etc. que podéis disfrutar en su canal de youtube.

CUELLO Cuello son de Valencia. Un grupo experimentado formado por miembros de Betunizer, Zanussi, Obleans entre otros. Una banda muy experta, donde el Rock guitarrero y trallero se sumerge en la melodía para darnos un producto musical diferente de Rock con pinceladas de Pop.

Por eso y por mucho más, la comunidad musical española se puso rápidamente las pilas para realizar Crowdfunding donde poder aportar económicamente lo posible para recuperar este templo de la música extremeña y nacional.

Forman parte del sello B-Core, lo cual es una propuesta más que asegurada de energía y caña que la necesitamos para hacernos botar, brincar, y disfrutar del desfogue tras dos años de mierda. Punk, pogos y cerveza, ¿para qué queremos más?

Eloy Sánchez fue el promotor para captar fondos, y hasta la fecha ha conseguido 30.000€.

TIZNAO Los de Barcelona abandonan su barrio de Horta para venir a Don Benito. Lo que hacen Chris, Hoctor y Dadavid es Post Rock – Rock Progresivo Instrumental.

La sala The Rincón Pío Sound se ha recuperado, y de nuevo vuelve a la actividad cultural y musical. Una alegría inmensa, y desde aquí no podemos hacer otra cosa que difundir y animar a todo aquel amante de la música a que acuda en peregrinación al santuario musical.

Este 14 de mayo tendrá lugar la próxima Ra-

Banda emergente con mucho nivel en sus composiciones, con guitarras evocadoras pero vertiginosas, que sin duda harán disfrutar a los melómanos extremeños. En L’hospitalet y Nou Barris ya los conocen de sus proyectos anteriores como Decurs, Gôlut o Tigon.

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HOWIE REEVE El escocés es un habitual de Don Benito. The Rincón Pio Sound es casi su segunda casa y, como no, no puede faltar. Riffs contundentes o preciosas melodías es lo que nos trae este músico incansable, dominador del bajo acústico.

Un personaje único y singular del underground internacional, y que es definido por los medios anglosajones como el Genio Punk Acústico de Glasgow.

LA FORET Detrás de este nombre se encuentra el cacereño Tato, de la banda de Navalmoral de la Mata Bloomington. Una formación muy ligada a The Rincón Pío Sound. Estamos hablando de uno de los miembros de Erospoly o Los de Abajo.

Si sois fans de Pavement o Sebadoh, y os gusta la música que sacan desde Aloud Music, no podéis perderos el directo de este profesor de lengua que rebosa humanidad, cultura y música.

LA JOYA Es el dúo formado por Manel Moreno Hontario y Ricky Larvado. Nos presentarán su disco Slowing Down since 2020. Rock – Post Rock – Punk en toda regla. Son miembros de bandas como Cuzin, The Secret Society, Egon Soda o Mi Capitán.

La experiencia de estos dos músicos es inconmensurable, pero además de escucharlos podremos conversar con Ricky sobre su último libro Historia del rap.

SHONEN BAT Desde Málaga nos viene una banda de Emo. Nos presentarán en The Rincón Pío Sound su disco Ashes, publicado en abril de 2020 en Bandcamp (aunque se grabó en 2015).

Forman parte del sello Otomo Records. Álvaro, Luis y Nacho nos traerán un poquito de Post Hardcore y mucha influencia del Rock noventero, similar a Hüsker Du, Ulises Lima, Codeine o Sonic Youth.

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ULISES LIMA No lleguemos a la conclusión de que detrás de este artista tenemos al poeta mejicano, ni mucho menos. Son de Madrid, y lo forman Tote, Pau y Rai. Nos presentarán temas de Ten Years (2019), y seguramente algún que otro tema de sus trabajos anteriores, The Suicidal y As far so close.

Tienen canciones para caer malo con sus 8 discos, por lo que tenemos Emo y Hardcore para bebernos un barril de cerveza. Más de 10 años de carrera dando caña, guitarrazos en inglés.

LES CONCHES VELASQUES Un auténtico descubrimiento desde Zaragoza.

Su música no es para cualquier público, hay que salirse de clichés y estereotipos para escuchar su mezcla de Folk Tradicional mediterráneo con Rock Psicodélico. ¿No os molaría escuchar una jota bajo guitarras distorsionadas en un viaje lisérgico hacia las tradiciones de Aragón, y otras zonas de la cuenca mediterránea? “Celebración del trance profano” es eso y más en lo que han llamado como “Maracapunk” o “Rock antropológico”, a partir de textos de Pedro Salinas, perfectamente ejecutados por la banda de Pablo Jiménez.

Percusiones africanas, melodías árabes, riffs guitarreros, sensibilidad baturra y la jotica.

CRÓ!

Los de Vigo son la banda del virtuosismo sonoro. Su capacidad para mezclar todo tipo de estilos es inigualable.

Dentro del underground nacional tenemos ejecutantes de la Psicodelia, la Experimentación, el Post-Rock, e incluso el Hardcore, y es que estamos hablando de miembros de Unicornibot, pero sin máscaras de papel de aluminio.

Xavier, Rubén, Cibrán y David nos traerán un directo donde la creatividad es su pasión, pero siempre despiadada, minuciosa y feroz.

VIVA BELGRADO Quizás es la banda con mayor renombre de todas. Su presencia en festivales como Primavera Sound o Resurrection Fest les avala. Los de Córdoba son los herederos perfectos para los fans de Standstil.

Sin duda hablamos de unos cabezas de cartel de lujo. Berlín, Madrid, Moscú, Barcelona, París, Londres son algunas de las grandes ciudades donde han tocado. Nos presentarán su último disco Bellavista. Recordamos, considerado disco del año por revistas como Rockzone o Binaural.

KLS Desde Benicarló nos viene esta banda de Post Rock, Hardcore, Noise, que cantan en inglés, valencià y castellano. Su objetivo es retorcerte el estómago, ponerte del revés, doblarte el pescuezo, y cogerte con el pie cambiado.

NoiseHits, Split o Fama Split, son algunos de sus trabajos que tocarán en directo. Intensidad, violencia sonora, ritmos rotos de estos militantes del underground estatal.

CUZIN Desde Madrid seguimos con Post Punk, Hardcore y Pop. Con letras sobre problemas cotidianos, pero también conflictos actuales y emociones propias.

Si te gustan Wedding Present, Mogwai o Superchunk estás delante de tu banda. Guitarras que quemarán los amplis, sonidos demoledores, y Pop abrasador.

RADIADORES VIEJOS Dos Pablos y Eliecer constituyen este trío procedente de Salamanca, para traernos excentricidad y locura vanguardista a modo de Post Punk, con influencias de otros estilos como el Jazz o el Pop. Mala Quimera es su único trabajo, con Amantes de la basura como single.

Vienen de hacer bolazos en Barcelona y Benicarló y con buena crítica de su público, así que en “Don Benito”, que quizás estrene nombre, no puede tener mejor estreno de su propuesta innovadora (tras su fusión con Villanueva) que

“la próxima Radio Rag Party será Un lujo de más de 10 horas de música a modo de festival, donde recuperaremos lo que tanto hemos echado de menos en pandemia” la reformadora propuesta musical de la formación salmantina.

SKIP ACTION Procedentes de Alemania. Son un dúo de Rock ruidoso, experimental, de viaje instrumental por el mundo de la especulación y la práctica abstracta sonora, que nos presentarán su único trabajo disponible en vinilo del mismo nombre. 12 tracks para los más atrevidos del Rock, y que sin duda dejarán ojipláticos al público.

BONES OF MINERVA El grupo femenino del momento del Metal nacional. Estamos hablando de unos de los grupos que más destacan del Progresivo patrio, pero además se suma que nunca han tocado en The Rincón Pío Sound, y eso nos hace pensar que vendrán a darlo todo, porque sabemos que se mueren de ganas de tocar en Don Benito.

Así que poder disfrutar de Privilege, y ese maravilloso debut que fue Blue Montains en tierras extremeñas será un placer inmenso.

Desde Madrid con amor.

DUASSEMICOLCHEIASINVERTIDAS Desde Portugal tenemos esta formación de Post Rock.

En youtube los han descrito como ruido experimental, pero estos chicos, que hace ya más de 10 años que tocaban en España, son una apisonadora eléctrica, donde la improvisación perfectamente ensamblada permite al público vivir una experiencia sonora hiperactiva, bajo el cariño enfermo de estos tres chicos lisboetas de gran calibre distorsionador.

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Mikan

su evolución y buena estrella LEER MÁS

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ikan, un joven cantante, compositor y diseñador nacido en Barcelona, y afincado en Santander, a quien ya pudimos conocer mejor en LaCarne Magazine cuando tuve la oportunidad de entrevistarle para que nos contase más sobre su tercer trabajo de estudio, su EP llamado Filias y Fobias, un trabajo que le ha abierto muchas puertas, y en el que se ha esforzado mucho.

Y es que nuestro amigo Mikan es un luchador

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constante, y un gran ejemplo del esfuerzo que conlleva perseguir tus sueños, sin rendirte, e ir a por todas, cueste lo que cueste, y eso le ha llevado al éxito de hoy.

Mikan, su evolución y buena estrella

Muchos años han pasado desde ese Mikan, en sus inicios, con su primer álbum, Señas de Identidad, que fue cuando le descubrí y me encantó su presencia en escena, y el gancho que tiene su música pop, glam, electrónica, etc.

Fue cuando empecé a hablar con él porque teníamos muchas cosas en común (espiritualidad, esoterismo, y por supuesto, la música).

Mikan, Entre Tú y Yo

Pero en esta ocasión vamos a hablar de su tema Entre Tú y Yo, que lanzó hace unos meses, y que es un temazo que considero que es de lo mejor del pop español en la actualidad, y, además, el videoclip es espectacular, donde podemos ver a un Mikan con una imagen renovada, con aires futuristas y con todo el glamour que le caracteriza, y donde podemos comprobar que el rojo le sienta de miedo.

Poco a poco, Mikan ha ido subiendo esa escalera hacia los sueños por cumplir, y podemos ver la evolución del artista, que ha madurado personal y musicalmente, creando una composición que le ha llevado a estar nominado, nada más y nada menos que en cinco categorías en los premios MIN 2022 (Premios de la Música Independiente).

Esas nominaciones son como Mejor artista emergente, Mejor canción del año, Mejor letra original, (escrita por Nacho Canut, de Fangoria), Mejor producción musical, y por último, también está nominado al Mejor videoclip.

Como para no estar contento y agradecido, y es que literalmente se lo ha currado mucho para llegar donde está, y se merece esas nominaciones y muchos éxitos más.

Después llegó el turno de Luces y Sombras, que fue lanzado en 2017, y realmente es trabajo fantástico, en el que Mikan aporta mucho misticismo.

Sus influencias van desde su gran admirada Cher, pasando por Rammstein, Marilyn Manson, e incluso Rocío Jurado. Como él mismo nos dijo, se considera una persona ecléctica, y no se cierra a ningún estilo, pues hay momentos para todo.

Y por supuesto, no nos olvidemos de su referente y madrina, Alaska, con quien además mantiene una gran amistad.

Personalmente me alegra mucho, pues a Mikan le considero mi amigo, le sigo desde hace muchos años, y he podido ver cómo ha trabajado muy duro para conseguirlo. Él sabe que siempre contará con mi apoyo, y si no lo sabe, pues desde aquí se lo recuerdo.

En fin, como siempre, espero que os haya gustado conocer a este artista si no le conocíais ya, y que no paréis de escuchar su tema Entre Tú y Yo, y para no perderos ningún detalle ni novedades sobre Mikan, a continuación os dejo sus enlaces a redes sociales y plataformas digitales: Spotify, Facebook, Website, Instagram, Twitter, YouTube. ¡Hasta la próxima! Y como siempre dice nuestro querido Mikan: “Buena estrella”. Me encanta el significado de esa frase.

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Primera estación: Califato ¾ – Çambra der Huebê Çanto Segunda estación: Le Parody – Saetas en el Aire Tercera estación: Ruiseñora – Puñales que te doy Cuarta estación: Pájaro – corre chacal corre Quinta estación: Pony Bravo – la Rave de Dios Sexta estación: Parálisis Permanente – Quiero ser santa Séptima estación: Camilo sesto – Gestsemaní Octava estación: Serrat – La Saeta Novena estación: Delaygurrud – Semana Santa Remx (1998 original mix) Décima estación: Ruiseñora & Le Parody – Palio Undécima estación: C Tangana – Demasiadas Mujeres Duodécima estación: Rosalía – La Hija de Juan Simón.

Decimotercera estación: Califato ¾ – Crîtto de lâ nabahâ Decimocuarta estación: Extremoduro – Jesucristo García

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a Semana Santa es uno de los eventos más importantes de la cultura española, de interés turístico internacional, implica el desplazamiento hasta diferentes zonas de España por parte de turistas extranjeros y nacionales para poder vivir la Semana Santa.

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14 Canciones inspira

Semana Sa En una parte de los ciudadanos, la Semana Santa y la devoción es algo intrínseco en su cultura y en su modo de vida.

Pero ¿y el resto? Como todo en la vida, hay otra parte de la ciudadanía que aprovecha esta semana, la Semana Santa, para dedicarla a disfrutar de la fiesta, la playa, el sol, la montaña… En definitiva, a darle rienda suelta a un periodo más vacacional, donde la tradición religiosa no forma parte de sus vidas.

Y nuestro artículo va dedicado a ellos. A continuación, os plasmaremos un vía crucis musical donde hablaremos de diferentes canciones inspiradas en la Semana Santa o en la cultura folclórica religiosa católica para amenizar musicalmente el periodo vacacional.

En dicha selección nos encontramos canciones para todos los gustos con bastante transgresión, creatividad, irreverencia, pero tam-

adas en la

Santa

bién homenaje, baile y tributo. ¿Preparados?

14 Canciones inspiradas en Semana Santa

Día I. CALIFATO ¾ CAMBRA DER HUEBÊ ÇANTO Los andaluces viajan hasta Almería para sumergirnos en una Vida de Bryan a la andaluza en su homenaje a modo de canción a su tierra, y en modo videoclip a Monty Python con aires de western.

Ritmos rotos, como base, de lo que ha sido el Break Beat para la escena sureña nacional, que recuerdan a Freddy Fresh, melodías propias de la Semana Santa y de su cultura, y Rap en “andalú”. Un himno no oficial de la región que es una verdadera maravilla.

Día II. LE PARODY SAETAS EN EL AIRE La sevillana recurre a melodías árabes, que

tanto han influenciado la cultura andalusí, para traernos una canción en concepto de memoria popular, aderezado con ritmos electrónicos a bajos bpms, con la única intención de hacernos bailar y llevarnos en volandas a modo de pasos hipnóticos, como si de una procesión se tratara. La rave se acerca a la pasión.

Día III. RUISEÑORA PUÑALES QUE TE DOY Seguimos en el sur con esta formación pacense-canaria que homenajean a la cultura popular desde el ámbito más electrónico y lisérgico.

Teclados funerarios, ritmos Techno, Copla para embaucarnos hacia la rave, guiados por la Virgen de la Soledad hacía la devoción de la pista de baile. Un acto de fe psicodélico y tradicional desde el punto de vista más transgresor.

Día IV. PÁJARO CORRE CHACAL CORRE LaCarne Magazine

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La banda de Andrés Herrera nos brinda en este primer corte de su disco Gran Poder un duelo, esta vez de guitarras, entremezclado con cornetas para embriagarnos de tradición y cuerdas flamencas, en un recorrido instrumental en una travesía rockera de aires sureños, desérticos a modo de western sonoro. Una pasión que no hay promesa que la suplante.

Día V. PONY BRAVO LA RAVE DE DIOS Atmósferas crepusculares, ritmos hipnóticos, Rock lisérgico, letras ácidas, es todo un himno de invocación al Dios de la danza, de la evasión, del subterfugio, del escape, de la huida, del viaje astral como acto de fe jubilar, que conduce a sus creyentes hacia el peregrinaje al templo de la música, bajo la bondad y el tesón de estos maestros del indie andaluz.

Día VI. PARÁLISIS PERMANENTE QUIERO SER SANTA Banda maldita que forma parte de la contracultura siniestra y Punk. Quiero ser santa es un himno sonoro que recuerda a Joy Division.

Canción que nos conduce a las escenas de la pasión, a las promesas de las procesiones, al lado más oscuro, encarnizado y fetichista de la fe. Prepara tus ropas fúnebres, tu pelo encrespado, tu maquillaje…, que vas directo desde la pista hasta el cielo.

Día VII. DOMINGO DE RAMOS. CAMILO SESTO – GESTSEMANÍ El valenciano fue el responsable de esta canción que formó parte de la Ópera Rock Jesucristo Superstar en España.

Musical de interpretación libre de los evangelios, centrándose en los últimos 7 días de Jesús. Obra que hizo aún más estrella al artista de Alcoy. Show que consiguió evitar la censura durante la dictadura.

Día VIII. LUNES SANTO. SERRAT – LA SAETA El compositor y cantante catalán adaptó unos versos de Antonio Machado para llevar a cabo dicha canción.

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Un homenaje a Andalucía y a toda su cultura, que, al ser cantada por tantos artistas diferentes, muestra una pieza de hermanamiento y fraternidad entre culturas e idiosincrasias.

Poesía que ha sido cantada por artistas de la talla de Camarón de la Isla, Diana Navarro o India Martínez.

Día IX MARTES SANTO. DELAYGURRUD – SEMANA SANTA REMIX Si hubo una canción que representó la cultura Break Beat nacional (única en el sur de España, junto con la escena británica) fue esta versión electrónica de las bandas de cornetas andaluzas.

El boca a boca y el pirateo hicieron que este tema llegara a todas y cada una de las discotecas del sur, y fuera uno de los hits de las ra-

que, sampleando La Banda del Rosario de Cádiz y los acordes de campanera de Joselito, que a modo de introducción acompañan a un tema electrónico de base Techno sobre la toxicidad que vive en el amor, que le impide que sea incapaz de querer a una mujer. Todo esto narrado y visualizado a modo de funeral.

Día XII VIERNES SANTO. ROSALÍA – LA HIJA DE JUAN SIMÓN La catalana conquistó a la crítica con su primer Lp Los Ángeles, donde esta versión suya de la canción de Antonio Molina la puso en lo más alto. Un canción tremendamente triste, melancólica, dramática, que llega enseguida y desgarra al oyente.

Una interpretación magistral de una artista que, sin venir del ámbito flamenco y menos andaluz, es capaz de llegar a dominarlo e incluso transformarlo.

Día XIII SÁBADO SANTO. CALIFATO ¾ – CRÎTTO DE LÂ NABAHÂ Resultado directo de la cultura Rave del sur.

Heredero de aquel himno noventero que hemos recuperado en este artículo.

ves electrónicas. Un temazo que ha inspirado canciones de artistas actuales como Califato ¾.

Día X MIÉRCOLES SANTO. RUISEÑORA & LE PARODY – PALIO Ep conjunto de esta mega fusión extremeñaandaluza-canaria para, desde su particular visión de la Semana Santa, ofrecernos una marcha fúnebre de dos monstruos electrónicos, encabezado por dos tonadillleras contemporáneas que han captado a la perfección la esencia popular de sus tierras, para llevarlas al ámbito más creativo y transgresor.

Día XI JUEVES SANTO. C. TANGANA – DEMASIADAS MUJERES Antón Álvarez, en su aclamado disco El madrileño, nos presentó su mejor tema, en el

Porque Califato recogen en este track el sonido de las fiestas electrónicas de La Cartuja, de Las Colombinas, de Priego (Satisfaxion live dance Festival), de Industrial Copera (Granada), de Evassion (Málaga), Tabernas (Almería), y lo que representa el sentimiento de la Pasión en Sevilla para obtener un producto excelso.

Día XIV DOMINGO DE RESURRECIÓN. EXTREMODURO – JESUCRISTO GARCÍA Contextualización de Jesucristo en la actualidad. Robe reflexiona sobre las diferencias y similitudes entre el mito del episodio bíblico y la realidad social.

Y algo que ensalza la canción entre metáforas es el amor, al cual tanto cantan muchos rockeros, y sobre todos unos tan transgresivos como los placentinos. Para algunos será una blasfemia, para muchos una canción demoledora.

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Alan Wilder

el arquitecto del sonido de Depeche Mode llamado A Broken Frame, como trío (Martin Gore, David Gahan y Andy Fletcher).

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os fanáticos de Depeche Mode saben que hubo tres períodos en la historia de esta importante banda inglesa. El primero es un corto periodo que va desde que se formó hasta un año y poco después, cuando abandona la banda Vince Clarke, miembro fundador y principal compositor hasta esos días. En ese espacio de tiempo solo grabaron el disco debut Speak & Spell, y salieron de gira para su promoción.

Luego de esta gira, Clarke abandona la banda, cayendo toda la responsabilidad como compositor en Martin Gore. Meses después entran al estudio a grabar el segundo álbum,

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Este disco resultó el más flojo de Depeche Mode, pero igualmente tiene un simple bastante exitoso como See You.

Alan Wilder, el arquitecto del sonido de Depeche Mode

El siguiente periodo o etapa fue desde el ingreso de Alan Wilder, en 1982, hasta su salida en 1995. Y luego la etapa llamada post Wilder, que va hasta estos días.

Para la gira presentación A Broken Frame Tour, contratan como músico de apoyo a Alan Wilder, nacido en Londres el 01 de junio de 1959, ya que con la ida de Clarke había que sustituirlo para tocar en vivo. Le pagaban 50 libras por semana.

Right ya con Alan Wilder como miembro oficial, y participando de la grabación. Este simple a su vez tiene un lado B compuesto por Gore y Wilder, llamado The Great Outdoor.

Poco después se edita el disco Construction Time Again, donde Wilder colabora con dos temas como compositor, Two Minute Warning y The Landscape is Changing. Además de componer la canción Fools, lado B del simple Love in Itself, y componer junto a Gore Work Hard, también lado B del exitoso simple Everything Counts, el cual lleva arreglos del propio Wilder.

Ya en 1984 graban Some Great Reward, y Wilder colabora con el tema If You Want, y también compuso In Your Memory, lado B del famoso simple People are People.

Era indiscutible que el grupo ya estaba dirigiéndose hacia una música más oscura, industrial, y también comenzaban a experimentar con diferentes texturas de sonido y ambientes.

Wilder fue uno de los precursores de este nuevo periodo de transición en el nuevo sonido de Depeche Mode. Sin dudas fue el que se arriesgó a ir más allá con el uso de los samplers, y los midi que se comenzaban a usar en esa época.

Wilder ingresa a Depeche Mode respondiendo a un aviso en la revista Melody Maker, donde buscaban un tecladista menor de 21 años (Wilder mintió en su edad ya que tenía 22).

A lo largo de la gira, Wilder se mostraba entusiasmado con la banda, y quería aportar ideas para mejorar el sonido y los arreglos, pero los demás las rechazaban.

A fines de 1982 lo incluyen como miembro oficial de la banda, porque se dieron cuenta que sus ideas eran buenas en realidad, y además tenía educación musical, ya que había estudiado piano en el conservatorio, y eso sería de gran ayuda a la hora de grabar.

En 1983 graban el simple Get the Balance

La banda se tomó un breve descanso, y recién en 1986 comienzan a grabar lo que sería el disco Black Celebration. Un disco que resume toda la evolución musical de la banda. Un sonido más oscuro que los anteriores trabajos, con letras reflexivas y sombrías.

Para este disco, Wilder compuso junto a Martin Gore y Daniel Miller, uno de los productores, el tema Black Day, además de Christmas Island, lado B del tema A Question of Lust.

Al año siguiente se edita el disco Music For The Masses, un disco muy exitoso y más comercial que el anterior. Wilder fue pieza clave para la instrumentación del mismo, ya que demostró sus dotes de músico clásico en temas como Never Let Me Down Again, la instrumental Pimpf, o Little 15, todos temas compuestos LaCarne Magazine

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por Martin Gore, pero en los cuales Wilder se encargó, como venía haciendo en disco anteriores, de los arreglos.

Uno de los temas que están incluidos en el lado B del simple Little 15 es una interpretación de Wilder al piano de la Sonata para Piano N° 14 “Quasi una Fantasia”, más conocida como Claro de Luna de Ludwig Van Beethoven.

La historia es que Alan Wilder se sentaba al piano a tocar esta sonata a modo de recreo en la grabación del disco, y Martin Gore lo grabó sin decirle nada, y finalmente fue incluida como lado B. Luego de la grabación del disco, comenzaron la gira Tour for the Masses, que los llevaría por Europa y Estados Unidos, realizando un total de 101 presentaciones.

En 1989 se edita el disco doble, y también documental, 101, que incluye la presentación del 18 de junio de 1988 en el estadio Rose Bowl de Pasadena. El nombre 101 fue idea de Wilder.

Ya para 1990 se edita el disco Violator, y uno de los temas más exitosos del disco es Enjoy the Silence. Originalmente era un tema acústico y bastante melódico y sombrío, pero Alan Wilder pensó que modificándolo un poco, y agregándole bases electrónicas, podía resultar mucho mejor. Gracias a esa corazonada se convirtió en uno de los temas más emblemáticos y de mayor éxito de la banda.

Wilder ya estaba posicionado dentro de Depeche Mode como una pieza muy importante en cuanto a arreglos musicales, experimentación con sonidos, y se estaba dedicando desde hacía un tiempo ya a quedarse para las mezclas en la sala de grabación, cosa que los demás no disfrutaban demasiado.

La banda se toma un breve descanso, y en 1992 se reúnen para grabar el disco Songs of Faith and Devotion. Lo graban en Madrid, España, y terminan el proceso final en Hamburgo, Alemania.

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Es un disco con un sonido más rockero, ya que se usaron bastantes guitarras y baterías acústicas, estas últimas ejecutadas por Alan Wilder, tanto en estudio como en vivo.

Las grabaciones de este disco casi terminan por separar completamente a Depeche Mode, ya que David Gahan luchaba con sus adicciones a las drogas, y Martin Gore luchaba contra el alcoholismo.

El que se puso el trabajo al hombro fue Wilder, que a su vez no tenía buena relación con

ciones, excesos y tirantes relaciones personales entre los miembros hicieron renunciar a la banda a Alan Wilder. Lo confirmaría un año después, en 1995, mediante un comunicado de prensa. En el mismo pondría en claro que su trabajo dentro de la banda nunca fue bien reconocido por los demás.

Para los fanáticos, luego de la salida de Wilder, y los problemas internos que había en la banda, sería el fin de Depeche Mode. Pero finalmente lograron salir adelante, y hoy en día han cambiado bastante su sonido en comparación a sus orígenes. Incorporaron para sus shows en vivo a un baterista y un tecladista, aunque no son miembros oficiales de la banda.

No fue hasta 2010 que Wilder se reencontró con sus ex compañeros de Depeche Mode en un concierto benéfico en el Royal Albert Hall de Londres. Allí tocó al piano la canción Somebody, que interpretó Martin Gore.

Alan Wilder también comenzó, paralelamente con su estadía en Depeche Mode, un proyecto musical personal llamado Recoil. El mismo comenzó en 1986, y hasta la fecha tiene publicados 4 discos, dos EP y una recopilación. Es un proyecto experimental que mezcla música electrónica, Trip Hop, y Avant Garde. Generalmente tiene músicos y cantantes invitados para cada trabajo.

Andy Fletcher. Todo esto generó no solo una gran demora en terminar de grabar el disco, sino también un ambiente bastante tenso de trabajo. Hasta el mismo productor del disco, Mark Ellis, más conocido como Flood, pensó en renunciar.

Finalmente se terminó de grabar el disco en 1993, y emprendieron la gira más larga de la banda, ya que luego de terminado el Devotional Tour, decidieron hacer una segunda gira conocida como Exotic Tour.

En realidad no es un proyecto demasiado comercial, pero Wilder es un músico que tiene bastantes seguidores, y lo siguen desde su trabajo con Depeche Mode.

Su salida de la banda generó un debate en los fanáticos que hasta hoy en día perdura. ¿Depeche Mode con o sin Wilder? ¿Ustedes que opinan?

Website Recoil Spotify Recoil YouTube Recoil Website Depeche Mode

En total fueron 18 meses, los cuales las adicLaCarne Magazine

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extremareggae 2022 un encuentro único e irrepetible COMPRA TU ENTRADA!

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n LaCarne Magazine ya conocíamos el gran trabajo de Javier Pulpo en su faceta de emprendedor y fotógrafo internacional de música, pero lo de su festival ExtremaReggae es de otro mundo. Por éste y otros motivos hemos preparado este especial con tanto cariño.

Ayala de Badajoz.

El festival ExtremaReggae se ha convertido, por méritos propios, en uno de los encuentros de cultura reggae más importantes de España, y es de suponer que irá creciendo cada año después de ver los resultados de la primera edición realizada en el Teatro López de

Para que conozcáis todos los detalles de este gran festival, hemos hablado con su creador, Javier Pulpo, en una entrevista muy completa donde nos cuenta absolutamente todo sobre el ExtremaReggae. Fayahhh! por Pedro Gallardo

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ExtremaReggae crece a pasos agigantados, creando en Extremadura una conexión internacional entre España, África y Latinoamérica, en un encuentro único e irrepetible que no os podéis perder.

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Foto por Daniel Pérez LaCarne Magazine

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extremareggae 2022 un encuentro único e irrepetible Texto por S. Plata

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ienvenido de nuevo a LaCarne Magazine, Javier Pulpo. Hace ya algún tiempo hablamos contigo sobre tu faceta como fotógrafo musical, pero hoy vienes como productor y director del ExtremaReggae Music Festival, y la primera pregunta es inevitable: ¿cuándo y cómo surge esa primera idea del Festival? ¿En qué momento decides que ha llegado el momento de darle vida?

La primera idea del festival nace hace 10 años cuando decido registrar la marca, sabiendo que antes o después saldría adelante lo que tenía en la cabeza. Un festival para acercar el reggae al público extremeño, y posicionar en el mapa un festival de este género.

Aunque la idea ya venía de atrás, decides llevar a cabo una primera edición en plena pandemia, una decisión muy valiente tal y como estaba la situación en aquel momento. En relación con este tema, ¿había algún aspecto que te preocupara más?

Sinceramente, con el trabajo que he realizado en esta última década con pequeñas pero numerosas producciones, sabía que el público que asistía a estos eventos respondería por el cariño demostrado, y sobre todo por la satisfacción que me transmitían tras los conciertos.

Cierto es que, al pasar a un formato como el que se presentó el año pasado en la terraza del Teatro López de Ayala de Badajoz, surgen dudas de la aceptación que tendrá en la ciudad, pero para eso se ha trabajado en un formato para todas las edades, que da una visibilidad a esta cultura y estilo musical gracias a las combinaciones únicas con artistas de Portugal, África y Extremadura.

También existió el miedo a que el público por precaución, debido a la situación que vivimos, no acudiera como se esperaba, pero, gracias a las medidas y al equipo de profesionales del López, pudimos transmitir seguridad al público, ofreciendo un espectáculo de calidad.

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Foto por Daniel Pérez LaCarne Magazine

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Una parte no menos importante del festival es el papel que juegan los patrocinadores. ¿Cómo es esa búsqueda de patrocinadores, y qué importancia tienen para el desarrollo del festival? ¿Cuántos más haya, mucho mejor?

La búsqueda de patrocinadores es una de las fases que más me gusta. Te permite conocer una variedad de empresas y personas de todo tipo, tanto de nuestra tierra como a nivel de la península, adquiriendo unos conocimientos y una visión actualizada a la hora de ofrecer y recibir las herramientas disponibles que nos ayudarán a ambas partes a realizar objetivos económicos y de publicidad, necesarios para el buen funcionamiento de esta aventura.

Es muy importante para el festival unir energías con empresas patrocinadoras, ya que no solo te pueden aportar una cantidad económica por un servicio publicitario, sino que ganas en transparencia y seriedad cara al público.

Respecto a la cantidad de patrocinadores, prefiero calidad a cantidad, y sobre todo exclusividad. Si trabajo con una marca de un sector en concreto, vamos con todo con esa marca.

Black Omolo (Kenia)

COMPRA TU

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U ENTRADA!

Exclusividad total.

Estamos abiertos a propuestas para seguir creciendo, si tienes una empresa y quieres apoyar un festival con una gran proyección, ponte en contacto en el email: extremareggae@gmail.com La primera edición tuvo muy buena respuesta y acogida, tanto por parte del público como por los medios de comunicación. ¿Salió todo según lo previsto? ¿Cómo te sentiste una vez llevado a cabo el festival? ¿Eres de los que vas buscando al día siguiente qué cuentan los medios?

La previsión era posicionar el festival en Extremadura, y se consiguió. Puedo decir que el objetivo principal se cumplió con creces.

Cuando finalizó el festival, me sentí satisfecho y muy contento de las sensaciones que pude absorber del público. Fue increíble.

El trabajo no para ni finalizado el festival. No podía dejar a un lado la idea de repasar el feed back de la noche anterior. Sí, lo googleé todo

gene garcía (españa)

Foto por Daniel Pérez LaCarne Magazine

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“Estamos abiertos a propuestas para seguir creciendo, si tienes una empresa y quieres apoyar un festival con gran proyección, ponte en contacto en el email: extremareggae@gmail.com”

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“Las entradas ya están disponibles en la taquilla física y online del Teatro López de Ayala de Badajoz. Tenemos un precio único de 15€. Compra la tuya desde este link“

Foto por Daniel Pérez LaCarne Magazine

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Foto por Andrés Rodríguez

hehehe.

Ahora que ya nos has contado los pormenores de cómo se desarrolla desde dentro el ExtremaReggae Music Festival, pasemos al turrón y hablemos de esta segunda edición. En primer lugar, dinos, ¿has usado el mismo método de trabajo? En comparación con la edición anterior, ¿ha habido cambios?

Para esta edición, y tras analizar la anterior, he realizado muchos cambios, dedicando más tiempo a mimar los tiempos de creación y evolución de la segunda edición. El proceso de trabajo se ha modificado, y estoy muy contento de contar con un equipo muy vinculado a la cultura y música reggae, que ha sabido coger el camino que quería tomar.

El Reggae es, por supuesto, el sonido que acompañará todo el festival, pero si algo caracteriza al ExtremaReggae es la fusión de este estilo con otros géneros como el Jazz, el Flamenco, el Soul, etc. Háblanos del cartel de esta nueva edición, ¿qué artistas pasarán por el escenario de ExtremaReggae 2022?

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Extremareggae se caracteriza por abordar una nueva propuesta con el objetivo de difundir la cultura y música reggae a público de todas las edades, centrándonos también en las nuevas generaciones y mezclando las propuestas artísticas del género con otros estilos de la mano de artistas locales, nacionales e internacionales, creando una puesta en escena en la terraza del López para disfrutar con la familia y amigos.

Para esta edición contaremos con una voz femenina como cabeza de cartel, Black Omolo (Kenia) junto a su banda Militanti Band, una backing band rastafari muy querida por el público hispanoluso. El toque local estará comandado por nuestro padrino Gene García & The Rockets, una versión de Gene nunca vista y en exclusiva, donde también disfrutaremos de músicos extremeños de primer nivel, como Joaquín de la Montaña, Pedro Calero y Pepín Muñoz. También contaremos con grandes voces extremeñas, como Susana Cedrún, Paloma Descalzas y Miriam Sáez.

Foto por Andrés Rodríguez LaCarne Magazine

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Para dinamizar la noche desde el escenario, nuestro presentador Juan Pedro Sánchez, periodista y presentador de A Esta Hora de Canal Extremadura, que será el encargado de presentar e interactuar con los asistentes.

Como novedad, este año tendremos una cabina con nuestros compañeros “Selektahs On Tour”, una formación de tres dj´s que amenizaran la entrada a la terraza y el descanso entre bandas.

Además de ser el único festival de Reggae de Extremadura, también destaca la internacionalización del ExtremaReggae Music Festival.

En esta segunda edición, además de artistas locales y nacionales, podremos disfrutar también de artistas procedentes de Kenia y Portugal, e imaginamos que la idea es seguir ampliando horizontes ¿no? Cuéntanos esa visión internacional del ExtremaReggae Music Festival.

Extremareggae no tiene límites. Con la respuesta y apoyo del público, vamos a poder seguir llamando a la puerta de artistas sorprendentes que no estamos acostumbrados a disfrutar en directo.

Puedo adelantarte que estamos realizando conexiones con promotores y festivales de otros países, que están viendo en ExtremaReggae un “tentáculo” más para expandir esta música uniendo proyectos.

He de decir también que las Jornadas Profesionales de la música de Extremadura celebradas en Mérida, la MUM, han sido muy provechosas para estrechar lazos con programadores internacionales y artistas extremeños.

Esta II Edición de ExtremaReggae Music Festival volverá a tener como escenario la terraza del Teatro López de Ayala de Badajoz, un lugar ideal por estar al aire libre y contar con un buen aforo, y, lo mejor de todo, este año sin restricciones. ¿Cómo crees que responderá este año el público en cuanto a asistencia? ¿Hay ganas de conciertos y de reggae?

El público manda, y nos dejó claro el año pasado que querían más. Sabiendo esto, se ha trabajado en consecuencia, y hemos pre-

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parado una programación muy especial para que la noche del 30 de Julio en la terraza del Teatro López de Ayala cumpla con todas las expectativas.

En la edición anterior vimos una fantástica ambientación de la terraza del Teatro López de Ayala, ambientación que, junto a los artistas que pasaron por el escenario, le dieron un enorme toque de elegancia al festival. Para este año, ¿qué puedes comentarnos sobre la ambientación? ¿Irá en la misma línea que en la pasada edición?

Esto sí que me lo voy a guardar un poco jejeje.

Te puedo decir que vamos a superar la decoración del año pasado, y estará ambientada en África. Todo esto gracias a El Montecito Garden Center, encargados de poner colorido natural a nuestro querido Teatro López de Ayala.

Aunque queda aún algo de tiempo para que el ExtremaReggae se celebre, ¿está todo preparado? ¿Tienes algún frente de trabajo aún abierto? ¿Algo que aún te preocupe? ¿Nervioso?

Está todo ready y preparado. El único frente de trabajo abierto es ver todo el material pu-

blicado en redes, que iremos subiendo poco a poco. ¿Preocupación y nervios? Con el equipazo que tenemos en Extremareggae, no tengo miedo a nada. Estamos muy ilusionados, y sabemos que será todo un éxito.

Tenemos muchas ganas de volver a disfrutar del Reggae en esta nueva edición del ExtremaReggae Music Festival. Imaginamos que las entradas ya estarán disponibles, ¿dónde podemos adquirirlas? ¿Cuánto cuestan? ¿Habrá entradas en taquilla?

Sí, las entradas ya están disponibles en la taquilla física y online del Teatro López de Ayala de Badajoz. Tenemos un precio único de 15€, y, respecto a las entradas en taquilla, si repetimos el sold out del año pasado, no podremos recepcionar al público que llegue el mismo día a la puerta del López

COMPRA TU ENTRADA! ¿Cuáles son tus grandes esperanzas para el futuro del ExtremaReggae Music Festival?

¿Cómo te imaginas el festival dentro de unos años?

Pues tengo varias ideas desarrolladas, y ya he celebrado reuniones para seguir creciendo a largo plazo. Quiero disfrutar del proceso. Extremareggae es una semilla que tiene que ser regada todos los días, e irá creciendo poco a poco.

Enhorabuena por esta gran iniciativa como es el ExtremaReggae Music Festival, un festival para tod@s los públicos y todas las edades.

Mucha suerte en esta nueva edición, y larga vida al Reggae. Fayahhh!!!

Muchas gracias, como siempre, por vuestro trato. Me despido invitando a tod@s a que acudan a nuestro festival, y a que visiten nuestras redes para ver lo que estamos haciendo.

Un abrazo!!!!

evento en Facebook Facebook Instagram Web LaCarne Magazine

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El Cholo

pionero del Rap en Bolivia

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l presente me tiene alocado, perdiendo la cabeza y muy intenso, sin ganas ni almas para hacer las cosas. Quiero deshacer el planeta. En ese instante aparece en el mar de penurias una Isla llena de Sol, de brillo, que dejó huella en mí hace más de 20 años, y que salva del naufragio a este peregrino andino. Es nada más y nada menos que el nacido como Marcelo Yañez, y conocido musicalmente como El Cholo. ¡Primer rapero que hizo un álbum profesional en estas tierras sin mar!

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Había perdido contacto con El Cholo desde el 2000, cuando arribó a la ciudad del Illimani, cerquita de la Cordillera Real de Los Andes, y que de La Paz sólo tiene el nombre nuestra ciudad, ya que, al ser capital política del Estado Profundo de Bolivia, nos vemos atados en caos, burocracia, democracia, dictadura, locura estatista, desmanes gubernamentales, etc., dejando para la distracción y el ocio, la Cultura y el Arte.

Emotivo presentar este comienzo de la historia del Rap y Hip Hop hecho por El Cholo, un compatriota que lleva la sangre andina, y representa con mucho amor las tierras de sus ancestros allá desde el otro lado del charco.

así que en mi casa siempre estuve rodeado de sonidos, armonías, y de mucha gente creativa.

Durante mi tiempo en la Escuela básica pasé clases de piano clásico, toqué flauta dulce, y canté en el coro de mi escuela durante muchos años. Mi padre me enseñó a tocar zampoña al estilo originario andino: trenzando las dos voces (ira / arka) con melodías de Kantus o Sicureadas, siempre tocando entre dos, nunca solo.

Cuando mi padre llegó a nuestra casa con una Atari ST -el año 1988-, comencé a interesarme por la Ingeniería de sonidos. En esa misma época, mi padre me llevó a los Estudios de grabación de unos amigos -acá en Berlín-, y ahí aprecié por primera vez sintetizadores, drum machines, y música que fue producida netamente con esas nuevas tecnologías.

Eso fue dos años antes que me mudara a Bolivia. A partir de ahí, hasta más o menos 1995, no me dediqué a la música activamente, cambié de rumbo al Graffíti.

El Cholo, la Reconquista Hip Hop hasta Berlín

Luego de dos años de sobrevivir al COVID -19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo estás actualmente?

Personalmente me va muy bien, no me puedo quejar. La familia está sana y feliz, y logré rearmar un buen Home Studio después de casi una década con todo lo que se necesita. Una década en la que mi prioridad eran mis hijos, que ahora ya están cada vez más independientes. ¿Cómo naces a la vida musical?

Desde mi temprana niñez estuve siempre muy ligado a la música. Mi padre (Gerardo Yañez) es compositor y constructor de instrumentos,

¿Qué influencias artísticas has recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en ti?

Mis influencias fueron -inicialmente- la Música Clásica Europea, la Música Autóctona Andina.

Luego hubo un cambio drástico. Con aproximadamente diez años, comencé a escuchar un poco de Pop y Funk, y poco después ya solamente música Rap y Electro Funk.

Durante mis cuatro años en Bolivia (de 1990 a 1994), aparte de la música Rap, también fui influenciado un poco por el Rock. De vuelta en Berlín (entre el 1994 y 2000), dejé a un lado por completo el Rock, y lo cambié por Ragga y música Electrónica. La música Rap de todas maneras siguió siendo mi preferencia. A partir de más o menos el año 2002, ya no me atraía la música Rap que se producía.

El sonido del Ragga y Dub me parecían mucho más interesantes, y con el renacimiento de la música Electrónica (no-comercial) acá en Berlín, aproximadamente el 2004, mi camino siguió también con ese estilo musical.

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Aparte de la música y la Ingeniería de sonidos, siempre tuve gran interés por la pintura, el diseño gráfico, y la fotografía. El padre de mi mejor amigo en Alemania tenía una galería de Arte, y su madre es literaria. Muchos amigos de mis padres eran artistas, mi hermano también es un músico muy talentoso, más interesado en el Rock Metal de vanguardia. Así, todo tipo de artes me acompañaron constantemente. ¿Algunos grupos o artistas que han marcado tu camino hacia El Cholo?

Fueron muchísimos los grupos y artistas musicales que me influenciaron, pero me gustaría agrupar los más primordiales en tres secciones (la temporada hasta el lanzamiento de mi segundo y último disco).

Antes de mi llegada a Bolivia -o sea antes del año ’90-, los compositores de la Música Clásica Europea: Kraftwerk, Afrika Bambaata & The Soul Sonic Force, Grandmaster Flash & The Furoius Five, BDP, Public Enemy, Too Short, Beastie Boys, N.W.A., 2 Live Crew, EPMD, Erik B. & Rakim.

Entre 1990 y 1994, cuando viví en La Paz: Gangstarr, Cypress Hill, Ice Cube, Tim Dog, Nirvana, Lou-Kass (no habían sacado su disco Akasa todavía). Solamente los conocía como grupo en Vivo, presentándose en Pubs paceños, como por ejemplo El Socavón.

tas de Hip Hop en Berlín donde había OpenMic. En 1998 viajé a Bolivia y logré grabar mi primer disco. Luego, de vuelta en Alemania, comencé a rapear en alemán, y me presenté en fiestas o pequeñas Jams de Hip Hop.

Entre 1994 hasta el 2000: Jeru The Damaja, Nas, Mobb Deep, Wu Tang Clan, Artifacts, Mos Def, Dr. Octagon / Kool Keith, Sizzla, Bounty Killa.

Grabé un par de canciones rapeando en alemán que fueron difundidos en Underground – Samplers. El fin era juntarnos en casa de alguien, escribir textos y dibujar, pasarla bien, rapear y -de vez en cuando- grabar algo.

Es solamente una pequeña selección para que sepan cuál fue la esencia de mi gusto.

Especialmente la época a partir del 1994 fue increíble, ya que tuve la suerte de disfrutar en Vivo de la hoy considerada Era Dorada del Hip Hop. ¿Una breve reseña de tu carrera como El Cholo hasta el presente? ¿Cómo surges en el proyecto musical de tu vida?

Comencé a escribir textos en castellano más o menos en 1996. Me presenté en algunas fies-

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El año 2000 grabé mi segundo disco durante una visita a Bolivia. También fue la última vez que pisé suelo boliviano.

Para muchos músicos, el lugar de nacimiento y la zona de crecimiento son fundamentales para el desarrollo de su identidad artística, como El Cholo. ¿Qué nos puedes comentar al respecto? ¿Qué lugar tienes de nacimiento? ¿Cómo nace el sobrenombre de El Cholo?

Nací en Berlín, y hasta poco antes que me mudara a Bolivia, Berlín fue una ciudad partida.

eran bajos, mucha gente creativa de toda Alemania se vino a vivir a Berlín, y también hubo una buena cantidad de extranjeros (estudiantes internacionales, artistas, inmigrantes procedentes de Turquía y Europa del Sur, aparte de los soldados internacionales). Ese ámbito multicultural dejó mucho espacio para nuevas corrientes artísticas.

A fines de los años 80’s, el Graffiti se adueñó de las calles, y con la caída del muro el 89, de repente una ciudad completa se nos presentó como patio de recreo. Los soldados americanos nos presentaron el soundtrack para nuestras aventuras coloridas.

Películas como Beat Street y Colors nos guiaban. Entre 1990 – 1991 -de facto- nadie cuidaba la otra parte de la ciudad. Cuando volví de Bolivia de visita en 1992, no había ni una casa que no estuvo taggeada, muchos trenes, y todas las paredes al lado de los rieles estaban pintadas con graffitis.

Partida por un muro que fue herencia de la Segunda Guerra Mundial. Los cuatro aliados que ganaron la guerra acordaron cuidar militarmente a Alemania, cada uno ocupándose de una parte.

Berlín está localizada en el centro de Alemania -que correspondía a los rusos-, pero nadie de los aliados quería ceder por completo la capital a solamente un aliado, así que acordaron que Berlín fuera partida. La parte en la que yo viví fue cuidada por los estadounidenses, franceses e ingleses, y fue encercada por un muro de 1961 a 1989.

Por favor, infórmense para más detalles históricos, pero es importante saber lo que acabo de mencionar para poder entender mejor cuál fue la situación del alma berlinesa, ya que Berlín tenía un estatus especial (por ejemplo, no se necesitaba hacer el obligatorio servicio militar alemán).

También los alquileres de los departamentos

Por otro lado, por supuesto también me influenció mi vida en La Paz. Mi madre trabajaba en una línea aérea cuando vivíamos en Berlín, pudimos visitar varias veces La Paz en mi niñez. La casa de mis abuelos bolivianos, la casa natal de mi padre estuvo localizada en la vieja zona fabril de la Zona Norte, cerca de la Terminal de buses.

Ahí vivíamos cuando fuimos de visita a La Paz, y también cuando nos mudamos a La Paz. Conocí a niños vecinos de la zona, y durante mis visitas siempre disfruté del lindo humor paceño, pero también visualicé la pobreza material que existía.

Cuando nos mudamos a La Paz (1990) con mi familia, sin embargo, me di cuenta que me faltaba mucho por conocer. Fui inscrito al Colegio Alemán, que encaraba su último año en el centro de La Paz, y que luego se mudó a la privilegiada Zona Sur. Me tocó no solamente viajar cada día -casi una hora- de la Zona Norte a la Zona Sur, sino también vibrar la realidad de mi zona a la realidad de la zona donde se encontraba el LaCarne Magazine

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colegio. Me acuerdo que en uno de mis primeros intentos de contar algo en castellano a mis compañeros en un recreo, alguien dijo que yo hablaba “como cholo”.

En ese momento no entendí a qué se refería, porque todavía no pude distinguir las diferentes maneras de hablar castellano, pero fue la primera vez que sentí que la palabra “cholo” tenía una connotación negativa. Cuando contaba en el colegio en qué zona vivía, me preguntaban si realmente vivía donde “los cholos”.

En varias ocasiones me di cuenta que conocía una parte de la ciudad y de la sociedad que la mayoría de mis compañeras y compañeros de colegio no conocían, o que solamente conocían de historias. Historias de continentes ajenos, de épocas fantásticas. Me parecía gracioso que genéticamente yo era menos “cholo” y más “k’ara” (blanco) que ellos soñaban ser, pero, culturalmente, yo era más “cholo” y más europeo que ellos.

Por esa razón, y ya que La Paz es la capital mundial de los apodos, uno que otro me llamaba Cholo o Marcholo, entre muchos otros apodos que tenía. Cuando comencé a escribir textos, el único nombre que me parecía razonable fue El Cholo, porque para mí esa denominación, y la representación de esa palabra eran algo positivo, aunque mucha gente en Bolivia todavía la usaba despectivamente a diario.

Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es la discografía de El Cholo (y los años de edición) a la fecha?

Ya que no me limité solamente a la música en mi vida artística, me gustaría distinguir.

A nivel musical cuento con dos realizaciones en castellano: La Reconquista (álbum CD producido en 1998) y Clima de Quimsa Charani (álbum CD – producido 2000). En alemán tuve algunas apariciones en samplers, netamente producciones (no comerciales) entre 1998 – 2000.

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Pinté Graffitis entre 1988 al 2006 en Alemania y Bolivia.

A partir del año 2008 comencé a promocionar acá en Europa un instrumento de cuerdas que fue desarrollado por mi padre. Finalmente lo patentamos, fue tema en la televisión y prensa alemana, lo presentamos en concierto exclusivo en la Filarmónica de Berlín, haciendo sonar temas de compositores contemporáneos europeos y bolivianos, como ejemplo, Alberto Villalpando.

El proyecto en sí, la Comunicación Social y el Marketing que se tuvo que efectuar para poder vender ese instrumento acá en Europa fue como una Obra de Arte para mí, comparable a una brujería tal vez. Cuando entregué el primer instrumento al nuevo dueño, me sentí como si hubiese hecho mi doctorado en musicología-sicológica.

Recientemente, aparte de mi laburo principal, doy seminarios de Rap en colegios. No por interés o con fines económicos, sino porque

quiero incentivar a jóvenes a enfocar sus pensamientos para luego materializarlos.

Eres considerado históricamente dentro de la Escena boliviana el primer MC que registra un álbum profesional, fortaleciendo el nacimiento de la poesía lírica dentro del Movimiento Hip Hop. ¿Qué nos puedes comentar de la producción de El Cholo intitulada Reconquista, producida por el Sello Discolandia? ¿Cuándo se la grabó y editó? ¿Alguna anécdota en la producción?

Cuando visité Bolivia (1998), ya tenía unos cuantos textos preparados, pero no tenía la intención de sacar un disco. Mi padre me incentivó a grabar un tema, y lo primero que hice fue comprarme un drum machine en la tienda Sony -en el centro-.

Fue una BOSS Dr. Rhythm DR-5, una máquina que ya habían usado unos amigos que hacían música en La Paz. Antes de poder grabar mi tema Demo, tuve que aprender a usar esa máquina, y la Roland S-550 que estaba en el estudio de mi padre.

Siempre me fascinó el sonido de las Tarkas, y fue así que usé ese sonido sampleado para el tema Demo que entregué a Discolandia: El Cholazo (segunda versión). Llegamos a un acuerdo, y firmé un contrato que me daba la opción de poder grabar unos días por pocas horas en los Estudios de Discolandia en Obrajes.

Las semanas siguientes me tocó trabajar duro, ya que tuve que escribir los textos restantes, hacer los beats, y ver cuál podría ser el diseño del CD. Fue una buena experiencia grabar en un Estudio tan grande y prestigioso, pero el Ingeniero de Sonido encargado no conocía el tipo de música que quería hacer, y se limitó a apretar “Rec” y “Stop”, y de añadirle un poco de compresor.

Sentí que no era necesario usar un Estudio tan grande para producir la música que quería hacer, pero aprovechamos de grabar batería natural para algunos temas, y la voz, por supuesto. Luego ya usamos las pocas horas resLaCarne Magazine

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tantes para mezclar un poco los temas.

El 2000 grabas el segundo álbum de El Cholo, Clima de Quimsa Charani, otra obra clásica dentro del Rap boliviano, también registrada en La Paz – Bolivia, pero de manera Independiente y auto-gestionada. Realizado por MagicoSur Productions en formato CD. ¿Cómo le fue a la producción y difusión? ¿Algunas anécdotas que rememores?

Llegué a La Paz el 2000, y no tenía idea cuál podría haber sido el impacto de mi primer disco. Solamente sabía que se había tocado una que otra canción de vez en cuando en la radio, y que Discolandia había puesto a la venta mi disco.

Llegué sin ningún texto nuevo preparado. Ya una semana después, acordamos con un amigo que un nuevo disco mío podría ser el primer lanzamiento de su nueva productora.

Me puse a trabajar en el Estudio de mi padre, y paralelamente logré establecer un show de radio semanal -de dos horas- en la Radio Graffiti, donde solamente presenté música Rap. Ese show se llamaba “Tinnitus”.

La producción de Clima de Quimsa Charani no fue un acto concentrado y linear. Estuvo entrecortado por muchos viajes y proyectos artísticos de todo tipo que realicé durante mi estadía de tres meses en Bolivia.

En una de las fiestas de Hip Hop que organicé, me robaron la bolsita de mi Minidisc. Entre los Minidiscs que estaban en esa bolsa, estaban algunas pistas y muchas ideas y samples que quería usar para el disco. Ni modo, así es la vida.

Tuve que rearmar desde cero algunas canciones, y seguramente hubieran resultado unas dos a tres canciones más en el CD, pero ya no me quedaba más tiempo. El disco se grabó completamente en el Estudio de nuestra casa.

Lo grabamos en una Roland VS-1680, y usamos el BOSS DR-202 y la Roland S-550.

No llegamos a un acuerdo con mi amigo que originalmente quería producir el disco, así que

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decidimos estrenar el CD en el sello de mi padre, MagicoSur Producciones. Cuando me fui, todavía no estaba acabado el booklet del CD. Por ésa y otras razones, el CD recién salió el 2001.

Salud es el video single promocional de tu segunda producción como El Cholo, dirigida y producida por el querido Eddy Villegas. ¿Cómo les fue en aquel momento de realización? ¿Alguna anécdota en especial?

Nos encontramos un par de veces con Eddy -en la productora donde trabajaba- para ver si podríamos prestarnos los equipos. Finalmente llegamos a un acuerdo, y nos preparamos para el día de la filmación. Eddy me dijo que se querían acoplar unos amigos que pude conocer anteriormente en las fiestas de Hip Hop que organicé, y también en la Maratón de Hip Hop de la Radio Graffiti.

Llegué al punto de encuentro en la Av. Bue-

día junto a nosotros. Se lo ve en el video el momento que rapeo “citadino neto, lo bello y horrendo, completo.”

Unos cuantos personajes que se ven en el video ya no viven. Entre ellos alguien que fue un hermano desde el primer minuto que nos conocimos. Mi amado cuate grafitero el Sopapo aka Slap. Él dibujó el lindo Graffiti que sale en el video cuando suena en el primer refrán.

También me gustaría agradecer a Eddy por su trabajo y la amistad que tenemos.

Nos conocimos en el 2000, en el Marathon Hip Hop de Radio Graffiti / FM 101.7. Una jornada épica para el Movimiento, que se estaba articulando poco a poco. ¿Qué nos puedes rememorar de tu paso por el Hip Hop en suelos bolivianos? ¿Algunas memorias especiales que puedas compartir?

El año 2000 llegué a Bolivia con la intención de visitar a mis padres y algunos lugares turísticos con mi novia, y tal vez grabar unos cuantos temas nuevos paralelamente. Eso fue la idea original y el plan ingenuo.

nos Aires, con un tremendo chaqui (dolor de cabeza) puntual como alemán, y Eddy y sus cuates llegaron a hora boliviana (je je). Sabía que algunos de los changos que nos acompañaban eran pandilleros y que no tenían vida fácil, pero me llamó la atención un chico que se acopló poco después.

Ese chico era un poco menor que los demás, noté que estaba en mal estado. Era un verdadero chico de la calle, que estaba notablemente al filo del precipicio. Todavía lucia ropa no muy gastada, pero se vio que no se había bañado un buen tiempo. No le faltaba mucho para tener pinta de clefero.

Grabamos aproximadamente seis horas en diferentes spots desde la Buenos Aires, Zona Norte, La Periférica por Miraflores hasta el Centro. El chico nos acompañó durante todo el recorrido, y se alegró porque le invitamos comida y cigarrillos, y porque pudo pasar un

Cuando despegó mi avión de vuelta tres meses después, había visitado mis padres, Cochabamba, Los Yungas, Tiwanaku, Copacabana, produje un disco entero, pinté varios graffitis, organicé tres fiestas de Hip Hop, hice un show semanal en la Radio, hicimos la Marathon de Hip Hop, tuve apariencias en la Televisión, grabamos el video para el tema Salud -entre otras cosas-.

Esa visita fue una locura total, para escribir un libro. Una pequeña anécdota, por ejemplo: en el centro de La Paz hubo muchos locales que ofrecían internet, y mi novia y yo casi todos los días mandábamos e-mails a nuestros amigos en Europa.

En uno de los cafés relativamente grandes en la Av. Mariscal Santa Cruz, el chico que estaba encargado del café ese día puso su música.

Era una cinta con puras canciones de Rap. Entre esas canciones de repente comenzó a sonar mi tema El Cholazo de mi primer disco.

Fue la primera vez que escuché mi canción en La Paz. LaCarne Magazine

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Cuando fuimos a pagar, le pregunté de dónde conocía la canción, y me respondió que esa canción era de un rapero local, y que era algo especial que no se encontraba tan fácilmente.

Me reí y le dije que yo era el que rapeó esa canción.

El chico no me creyó, y pensó que me quería hacer la burla de él, incluso cuando le recité el texto. Le dije que en la tapa del disco se me ve junto a los lustrabotas de la Pérez Velasco, pero me dijo que no conocía la tapa del disco.

No le pude convencer, seguía pensando que me quería hacer la burla de él, por eso decidí no molestarlo más. En ésa y en otra ocasión me di cuenta que se conocía mi música, pero que no se conocía mi cara. A mí, como graffitero de corazón, no me pareció mal esa realidad.

Dentro de tu recorrido musical, ¿qué evento o Festival te han dejado marcado?

Me parece que el evento más interesante fue la Marathon de Hip Hop el 2000. Cuando acordamos con los dueños de la Radio Graffiti presentar pura música Rap por 24 horas (el día del primer aniversario de la Radio). No hubo mucha propaganda para ese evento.

En mi show semanal de Hip Hop Tinnitus anuncié el día y la idea, fotocopié unos flyers y también pequeños carteles, y me fui a pasear.

Distribuí los flyers uno por uno a chicas y chicos que tenían pinta de hip hoperos. Desde las laderas hasta el centro, colgué los carteles en los Pubs de Sopocachi o en los puntos clave, como por ejemplo hamburgueserías y cafés de internet.

El día del evento trajimos el equipo adicional necesario que se requería para sentirnos cómodos: tocadiscos, sampler, teclado, una tonelada de CD’s y discos, y cerveza.

Comenzamos al medio día tranquilamente, y ya por la tarde, cuando comunicamos el teléfono de la Radio para que la gente llame -para hacer sus pedidos musicales-, nos dimos cuenta que la cosa se volvía grande. Nos llamaron de todas partes de la ciudad, e incluso

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comenzaron a llegar a la Radio. Los primeros en llegar fueron unos chicos que bajaron desde El Alto.

Les dejé entrar, y a partir de ahí ya no paraban de llegar. Rogamos a la gente que ya no se aproximen a la Radio porque los vecinos comenzaron a quejarse. No queríamos que nos corten la señal. La cosa era demasiado interesante y fructuosa. Se volvió improvisación total. La Radio Graffiti de repente fue Radio Anarca con toque Hip Hop. Tematizamos el graffiti, la realidad de las pandillas, la historia del Hip Hop, etc. Fue un Jam Radial con una masa de participantes. Cada uno podía compartir, actuar, y sentirse parte de ese evento. Hubo empresas que nos contactaron para que hicieramos propaganda -a cambio de premios-, así que iniciamos una competencia freestyle.

El primer premio fue un fin de semana en un Hotel en Los Yungas. Ese espacio creado, ese momento, fue Alma pura de Hip Hop como yo lo entendía. Quiero mandar saludos y abrazos a DJ Mero Mero, quien fue mi acompañante

desde el primer hasta el último minuto de la Marathon Hip Hop. Una de mis preferidas es Reconquista, El Cholazo, Salud, y en especial Abrite Paso Y, entre otras canciones que son mis preferidas.

Dentro de tu repertorio, ¿qué canciones son las que marcaron tu carrera como El Cholo?

Esas tres canciones seguramente son las más conocidas, y por supuesto también son pilares de mi trabajo como rapero El Cholo, pero me gustaría recalcar una canción que simboliza la energía que me motivó tanto el beat como también el texto, por eso quisiera citarlo.

El primer tema de mi segundo disco, Luna Nueva: “Gol olímpico / Íntimos silbidos en el parque de noche… y no siempre fue así / Ese graffiti es más antiguo que vos ch’iti mano de obra / Piel de city con o sin ti un equipo firme / Loop que combine en su interior gloria con desquite me iré de un idioma a otro a velocidad beats per minute rinde, efecto triple / ¿En qué quedo el simple hecho bueno? La dudosa arruga muda saluda a la gente que no la conoce.

Proceso de lugar / Recta final / Última ruta. Por estar acostumbrados al clima similar a Urano nos gusta la ruda Ch’ukuta / Nunca de a luca.

Comunidad Kallawaya provincia mara / Bronce el alma / Mitas matas en tutuma.

Digital se graba / No confundas placas / A pagar, dando palabras. Listo, reíte nomás sino cachas beats, cuts, transporte pesado atravesando y al mando varios.

Nada nos pertenece / La calma nos alimenta.

Emisión por ojo / Vayan a bailar por gozo mozos como parte del rostro del globus pero sin nosotros”.

Gracias a retomar contacto con tu Sr. Padre, el Maestro Gerardo Yañez, el pasado 2021, quien influenció mi carrera de sobremanera, nos podemos re encontrar contigo casi 21 años después. Gracias a tu aporte, el Movimiento Hip Hop boliviano en La Paz tuvo Alma y Ajayu, un Espíritu colectivo que se iba expandiendo desde inicios de los 80’s por el Mundo entero. ¿Qué nos puedes rememorar de aquellos tiempos en los que activaste desLaCarne Magazine

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de el Graffiti, el Rap, y el beatmaker de la Cultura en las alturas del Illimani?

1990 no conocía a nadie en La Paz que escuchara Rap o que hiciera graffiti. No existía “infraestructura” hip hopera.

Encontré mis primeros sprays en la Av. Illampu, y mis amigos me mandaban cassettes desde Alemania -con la última música Rap-, hasta que encontré una tienda donde te importaban cualquier CD -si conocías el nombre del disco-. Fue la era de Michael Jordan, y gracias al buen olfato de las comerciantes del mercado negro, nunca tuve problemas en encontrar buenos Sneakers.

En las fiestas o discotecas básicamente se escuchaba Pop, y un poco de Rock y Salsa.

Se bailaba en filas, siempre con pareja. Otra manera típica de entretenerse los fines de semana fue encontrarse en casa de alguien o en una plaza, y hacer una guitarreada con unos traguitos.

Me enteré de los concursos de los bailes Techno que hubo en “Sábados Populares” y “El Show de Jacky” (programas de TV), y cuando fui a ver personalmente la final en el Coliseo Cerrado del Instituto Americano, vi que existía mucha gente que gustaba de otra clase de música. Música que no se escuchaba en las

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radios paceñas constantemente. El tema de las Maras (Pandillas) de repente estuvo presente también.

Sin embargo, tardó bastante hasta que conocí a alguien que hiciera graffitti. A Eddy Villegas lo vi la primera vez más o menos en 1992, porque ambos queríamos hacer un trabajo para una ONG que se llamaba “SEAMOS”. Entregamos nuestros diseños paralelamente, y, ya que hubo muchas paredes que pintar, nos partimos el trabajo. Con el dinero y las latas de SEAMOS pude pintar cuando me daba la gana.

En una ocasión me dejaron pintar una pared en el Colegio Alemán. La pinté en la tarde, después de clases, y se acercó un compañero de mi curso paralelo y me preguntó que estaba haciendo. Le conté un poco de qué se trataba, y le mostré unas revistas y un libro que siempre tenía a mano: “Spraycan Art”. Ese compañero luego comenzó a pintar también.

La primera vez que pintamos juntos, pintamos una pared para SEAMOS en “Las Cholas” (parque municipal). De ahí me acompañó numerosas veces, y nunca voy a olvidar cómo fuimos a pintar al Altiplano.

Fue una experiencia surreal pintar graffitis

camino al Lago Titikaka, con la Cordillera observándonos. Otra experiencia excepcional fue pintar el mural gigante en la Avenida Kantutani (1996) en contra las pruebas nucleares francesas. Ese amigo también se encargó del diseño de los booklets de mis dos CD’s, y es ahora un diseñador de primera fila en Bolivia.

Mi gran amigo Carlos Torres aka El Calo.

Como buenos amantes de la música, según tus gustos y estilos, ¿qué discos recomiendas para prestarle atención? ¿Qué material es tu cabecera entre otros?

Por favor, escuchen My Philosophy de Boogie Down Productions, la versión original de Breakers Revenge de Arthur Baker, y vean el video de Renegades of Funk de Afrika Bambaata & The Soulsonic Force para conocer la energía que inició el Movimiento.

Entre mis preferidos álbumes figuran The Sun Rises In The East de Jeru The Damaja, Illmatic de Nas, y Liquid Swords de GZA. Actualmente me gustaría apuntar al nuevo álbum de KRS One/ IMAMCRU12, y a las producciones de Griselda Records. El próximo álbum de Black Star (Mos Def & Talib Kweli) también debería ser escuchado. ¿Cuál es tu frase, lema, verso o dicho? Ése

que te anima, alienta, levanta, enfoca, etc., para seguir en la batalla musical y en el juego de la vida.

Tú puedes ser todo. ¡Inténtalo!

No borders, ¡no nations!

Luego de los frutos sembrados, tu obra como El Cholo y figura artística dentro del Movimiento Hip Hop boliviano se han tornado como icónicas y legendarias. Muchos ansiamos tu retorno al juego. ¿Qué proyectos tiene El Cholo para el 2022? ¿Alguna primicia en especial?

Recién reactivé mis posibilidades para poder hacer música seriamente, y es muy temprano para hablar de proyectos. Será una cosa espontánea, pero estoy con ganas de producir algo nuevo. A ver qué se pinta.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta tu obra musical, y para los nuevos seguidores de Marcelo Yañez aka El Cholo.

Me gustaría dar las gracias a toda la gente que me acompañó y apoyó durante mis años en Bolivia. Es fascinante ver como evolucionó la idea del Hip Hop en Bolivia y en toda Latinoamérica, y estoy orgulloso de ser parte de esa historia.

A mi criterio, no existe mejor manera para convivir pacíficamente si cada uno tiene la posibilidad de expresarse artísticamente. El Hip Hop es un muy buen marco para poder comenzar a ser creativo, pero no deberíamos limitarnos y ser puristas.

Es muy importante conocer la historia del Hip Hop para poder entender la fuerza que tiene, ¡sí! Pero si no queremos que el Hip Hop acabe en el Museo, hay que buscar y dejar crecer nuevas formas de expresión. Actualmente el Rap, el Streetart, el Streetfashion todavía son como una Cultura global.

Tal vez la más notoria y constante de los últimos veinte años. Una Cultura que surgió desde abajo. Sigamos expresándonos positivamente, diariamente, con todo lo que tenemos a disposición.

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Manigance

y los detalles de su nuevo álbum Le Bal de

H

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ace poco más de un año conocíamos a la banda Manigance, una banda de Power Metal procedente del país vecino, Francia.

Yo, personalmente, ya tuve la oportunidad de conocerles y verles en directo aquí en Madrid, en la gira que hicieron junto a la banda tunecina Myrath, y ahora mismo están de estreno con su nuevo álbum, Le Bal des Ombres, el cual está disponible desde el 18 de Marzo.

En esta entrevista hablamos con François y Carine, quienes están realmente muy ilusionados con este nuevo trabajo, que están deseando que escuchemos, y de poder presentarlo sobre los escenarios.

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Manigance y los detalles de su nuevo álbum Le Bal des Ombres

El próximo 18 de Marzo nacerá vuestro nuevo álbum, Le Bal des Ombres. ¿Cómo ha sido el proceso creativo para este nuevo álbum?

François Merle: Empezamos a componer el nuevo álbum después del final de la gira con MYRATH. Decidí hacer nuevas partes de guitarra más pesadas que en los álbumes anteriores. Con la nueva voz de Carine trabajamos en nuevas estructuras.

Aprovechamos el parón con el Covid para encontrar nuevas inspiraciones y melodías. También decidimos reemplazar algunas partes del teclado por partes de guitarra. Tan pronto como terminaron las demos de las canciones, comenzamos el proceso final de grabación.

Trabajamos nuestro sonido en mi estudio para tener una identidad. Grabamos la bate-

nueva voz de Carine. Tiene una voz muy cálida en el bajo y los medios. Ella también logra alcanzar notas altas.

Esto nos permite abarcar muchas melodías, y probar nuevas estructuras pensando también en la atmósfera de los conciertos. Todas las canciones son muy melódicas y están construidas alrededor del sonido de las guitarras.

Este álbum contiene muchas guitarras. Creamos un sonido muy rico para acompañar la voz de Carine. Nuestras canciones están muy inspiradas en las estructuras metálicas actuales.

Carine Pinto: Le Bal des Ombres es mi primer álbum real. Escribí los textos y me inspiré en el período que acabamos de atravesar (encierro, ansiedad relacionada con el coronavirus, aislamiento, rabia…).

es Ombres ría acústica y los amplificadores para el color de producción final. Creemos que es muy importante hoy en día tener un sonido para la banda. Para modernizar el sonido final, trabajamos con un ingeniero de sonido que vino a finalizar la mezcla en mi estudio.

Carine Pinto: Tuvimos que empezar a ver cómo trabajar juntos. El encierro nos dio tiempo para encontrar el perímetro del otro.

François compone la música y yo escribo la letra. Dejamos volar nuestra imaginación. Hicimos la música que nos gustaba escuchar.

Intentamos crear música melódica de gran potencia. Cosas poderosas que se quedan en la cabeza. ¿Qué vamos a encontrar cuando escuchemos Le Bal des Ombres por primera vez?

François Merle: Privilegiamos la melodía con riffs de guitarra efectivos. En este nuevo disco trabajamos en nuevas atmósferas gracias a la

Concentré todas mis frustraciones, toda mi rabia por la injusticia, todas mis emociones violentas. Siempre he tratado de proponer en cada texto una puerta de salida. Esto es necesario para mantener la esperanza, aunque a veces sólo he imaginado la muerte como una salida para pasar a un mundo mejor, un mundo a nuestra imagen, un mundo para nuestros hijos.

Esta pregunta es para Carine, ¿cómo ha sido para ti trabajar desde el principio en la creación de este nuevo trabajo?

Carine Pinto: Ya había escrito letras, pero no sobre música metal. François me ofrece sus riffs, creamos melodías sin letra sobre un verso y un estribillo. Voy a casa a pensar en el tema, las palabras que la música me inspira.

Establezco el tono de las palabras en los puntos culminantes de la música. Luego nos reunimos para crear un modelo. François hace que la música evolucione según mis letras, y yo hago que mis letras evolucionen según la música. Este período de composición fue para mí una gran revelación, y una verdadera realización personal. ¡Es casi terapéutico!

Además de la voz principal, obviamente, ¿en LaCarne Magazine

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qué se diferencia Le Bal des Ombres de los álbumes anteriores?

François Merle: Es un álbum de Power Metal.

Decidimos cambiar la afinación de las guitarras para tener composiciones más modernas. Con Lionel trabajamos en la eficiencia de nuestras partes de guitarra. Para este álbum escuchamos las últimas producciones de la banda de power metal.

Queríamos traer un nuevo aliento, y hay riffs menos clásicos de los 90, y riffs más modernos. Se han trabajado los arreglos de cada canción para potenciar las melodías de las voces, y acompañar la estructura de las canciones. ¿Qué planes tenéis para el 2022? ¿Habrá gira europea? Concretamente, ¿vendréis a España? Carine, ¿voy preparando la jarra de sangría que prometimos la vez anterior? (risas) Carine Pinto: (Risas) ¡Nos gustan mucho todas las especialidades españolas! Nuestras culturas son muy cercanas (¡PAU no está muy lejos de la frontera entre nuestros dos países!).

Tocaremos para el lanzamiento del álbum dos conciertos, el 18 y 19 de marzo de 2022, cerca de nosotros (MOURENX – Fr) para agradecer a nuestras familias, nuestros amigos, y todos los voluntarios que apoyan nuestro proyecto.

Tocaremos cerca de BORDEAUX (Fr) el 9 de abril, luego en el Elysée Montmartre en PARIS (Fr) el 15 de abril. También tocaremos en septiembre en LYON (Fr). Luego preparamos una gira, varias veces pospuesta, en marzo de 2023 con Rhapsody Of Fire, pero solo en fechas francesas.

Se están negociando otros conciertos. Se aceptan propuestas para tocar en España. ¡Nos encantaría volver a encontrarnos con el cálido público español! ¿Qué canción del nuevo álbum es vuestra favorita que estáis deseando tocar en directo?

François Merle: Por mi parte, me gusta mucho Sang froid. Es una canción muy efectiva que tiene un gran estribillo y partes musicales muy efectivas.

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Los arreglos de teclado son muy buenos gracias a Stéphane Soulier, músico externo de la banda, que compuso las partes de violín y piano. Esta canción es una transición con las viejas canciones de Manigance.

Carine Pinto: Ciertamente me falta un poco de modestia, ¡pero los amo a todos! Si realmente tuviera que elegir uno, diría HUIS CLOS (End of Lock-up). Es el tema de nuestro segundo video musical. Planeamos tocarlo en vivo, ¡sí! ¿Algún detalle, curiosidad o anécdota que nos podáis contar sobre el nuevo álbum?

François Merle: Trabajamos mucho juntos y nos aseguramos de estar saludables en el estudio durante todo este período de Covid.

Cuando terminamos nuestro video, hicimos una gran fiesta en mi casa con todos los actores del video.

Esa noche Carine y yo bebimos demasiado.

Al final de la noche, nos caímos al suelo, me lastimé la mano, y no toqué la guitarra durante dos semanas. Pero afortunadamente todas las partes de guitarra ya estaban terminadas.

Carine Pinto: Me gustaría especificar que hicimos este álbum con total libertad, sin centrarnos en lo que se hizo antes. Proponemos una música que nos gusta, y que todos estamos dispuestos a defender en directo.

Pensamos proponer versiones en inglés de las canciones pronto. Los idiomas extranjeros no nos asustan, ¡quiero probar nuestra bonificación en la versión japonesa del álbum cantada en japonés!

Y, para finalizar, ¿algún mensaje para nuestros lectores? Por nuestra parte, sólo agradeceros infinitamente que me dejéis entrevistaros una vez más, y que estoy deseando escuchar Le Bal des Ombres de principio a fin. El nuevo tema es maravilloso, como lo sois vosotros.

Gracias por todo.

François Merle: Esperamos poder volver a tocar en España muy pronto. Vivimos muy cerca de la frontera española, y esperamos ver a nuestros amigos españoles lo antes posible.

Agradecemos a todos nuestros fanáticos por su lealtad, y esperamos encontrarlos pronto para participar en el baile de sombras.

Carine Pinto: Ohhhh ¡¡¡Gracias, Eva María,

por tu interés, tu lealtad, y tu apoyo a nuestra banda!!! ¡Siempre es un gran placer responder a sus preguntas para el periódico muy rockero LACARNE MAGAZINE! Invito a todos nuestros amigos españoles a que vengan y descubran nuestro universo Heavy y Power Metal. El ambiente es barroco, burlesco y potente.

Mantén viva la música después de este tiempo horrible yendo a conciertos y comprando discos. ¡Contamos con ustedes, y esperamos compartir nuestra música con todos ustedes pronto!

Muchas gracias a vosotros por ser siempre tan simpáticos, y concedernos otro ratito para charlar.

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Oscar García

a la Vanguardia de la Mesomúsica LEER MÁS

T

ener el honor y privilegio de conversar con Oscar García, un Maestro de la Música para su servidor, es un orgullo y un gusto aparte. Trastabillando con las sombras del pasado y las tormentas mentales que electrifican el corazón, aturden el Ajayu (Espíritu), y muchas veces degeneran la voluntad, llegar a la Isla luego del naufragio es salvarse de la pena y tristeza infinita, tal vez impuesta o adquirida por osmosis social o estatal.

En ese instante de incertidumbre, surge una luz brillante al final del hastiado túnel, y así fue cuando Pro Audio, el sello que dirige el Maestro Oscar García, me abrió las puertas para

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la distribución digital de mi música, conocida como Marraketa Blindada, y con el apoyo logístico de Joss Barrios Palacios, renací en las ahora plataformas virtuales el año pasado (octubre 2021), que hacen la labor de tiendas de discos en un astral paralelo.

Oscar García, El Melodioso Poeta Sonoro

Muchas gracias por la confianza y colaboración, en exclusiva para LaCarne Magazine. En pocas palabras, ¿qué es la música para Oscar García?

La música es un lenguaje abstracto, no universal. La sustancia, el sonido articulado moviéndose en el tiempo. ¿Qué artistas han influenciado para su formación musical?

Muchísimos. En principio, Mesomúsica anglo-

más. Cabe notar que es recién en el siglo XX que se suman compositoras, y no porque no las hubo.

Además, son primordiales las músicas tradicionales, en general, del mundo, y en particular las nuestras, las de tierras altas, sobre todo, por el lugar que habito, pero no quiere decir que no haya trabajado y estudiado músicas de los valles, del Chaco, de Tarija y de tierras bajas. ¿Cómo fue su inicio en el quehacer cultural?

Aprendiendo a tocar guitarra a los 13 años, creo, al oído, como tantas personas lo hacen, por afición primero. Con el tiempo, hay quienes cambian la afición por el oficio, y pasa a raíz de descubrir y elegir un vaso comunicante, una manera de estar en el mundo, un techo inmaterial, un refugio, un arma.

De ahí en adelante se trata de trabajo, no de uno impuesto que responde a la curiosa forma en la que los humanos han impuesto el hecho de que pagamos por vivir. Se trata de un trabajo en el que uno mismo crea los problemas para resolverlos por su cuenta.

sajona, desde antes de Los Beatles, pasando por ellos, por supuesto, hasta todo el Rock complejo de Emerson Lake & Palmer, Yes, King Crimson, etc.

Todo ese mundo de los años 70 y parte de los 80. Por supuesto que el salto de la Mesomúsica a la de tradición escrita fue fundamental, entonces están ahí, como un anclaje, las músicas cuyos estilos están marcados por épocas (cuya complejidad habría que explicar, pero no es éste el espacio), la Antigua, la del Renacimiento, del Barroco, la Clásica, la Romántica, las del Art Noveau o Modernismo, y, claro, la del siglo XX. Entonces se puede hacer un listado enorme.

Por citar algunos, Gesualdo, Cage, Stravinsky, Revueltas, Caba, Mozart, Ligeti, Bruckner, Rachmaninoff, Adams, Glass y tantos

Lo conocí personalmente junto a Rodrigo Grillo Villegas, y el tema Raquel. Y últimamente escuché su trabajo junto al estimado Marcos Tabera, ¿un breve resumen de su carrera como Productor y Compositor?

Recién llegado a La Paz, y en el bachillerato, formé un grupo bastante curioso, la formación instrumental era congas, un bajo y voz, la voz era la de Jorge Eduardo. Luego integré el grupo llamado Brisa, con el que tocamos exclusivamente canciones de Los Beatles. Me pasé el trabajo de escribir todas las líneas del bajo. Tocaba bajo.

El dúo Cantos Nuevos me invitó primero a tocar bajo, y a componer después, porque se volvió trío junto a Juan Carlos Orihuela y Pablo Muñoz. Desde entonces, 1980 será, hago canciones, además de música contemporánea y música para audiovisuales.

Creo que en la primera grabación de Cantos Nuevos, el segundo disco, en el que hay canLaCarne Magazine

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ciones mías, sospeché que estaba produciendo. No existía la figura del Productor Musical hasta mucho después, en los años 90.

A partir de entonces, habiendo sentado suficientes conocimientos alrededor de la música y del oficio de producir, que no es hacer que los otros suenen como uno, es que sigo produciendo.

Oscar García produjo uno de los primeros álbumes de Rap hecho en suelos bolivianos, por no decir el primero de una banda de Hip Hop, Scama Do Fish (1998), para los amantes del género ahora llamado “Urbano”. ¿Algunas memorias que quiera compartir?

Había que escuchar muchas músicas del género, comparar instrumentaciones, patrones rítmicos de base y los de las voces. Fue un proceso largo, intenso, muy intenso y divertido.

Cierta noche, de las larguísimas noches en el Estudio, alguien de Scama do Fish tocaba el teclado, debía tocar un, por decir algo, Re. Pero tocaba el Mi bemol. Le dije, estás tocando otra nota, es ésta. Respondió, ¡Ah, no hay problema, si está al lado!

Su magna obra creativa -compositiva- data (en mi colección) desde el soundtrack de la película Cuestión de Fe, en los 90’s, hasta el Corazón de Jesús en los 2000’s. ¿Algunas producciones que lo hayan marcado? ¿Cuál es su soundtrack más anecdótico entre todos?

La más reciente música para una película es del 2021, se llama Esperar en el Lago, y la primera, para un video de Marcos Loayza denominado La infusión, en 1982 o cerca.

Escribí para gran parte de los directores bolivianos (excepto tres) y para una directora. El trabajo que más demandó en creatividad fue El Triángulo del Lago. Trabajé en la creación de sonoridades recurriendo a artefactos y a mucha manipulación de los sonidos, de tal manera que, al escuchar el resultado, el sonido era de fuente desconocida, lo que se llama Música Acusmática.

Por ejemplo, una licuadora moliendo hielo. Se

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cambió la velocidad, la altura, el ataque, se le agregaron filtros y más. Así con varios otros.

Es que además de ser trabajo, se debe disfrutar de lo que se hace y divertirse.

Oscar García, Memoria del Destino

Debajo de la Gotera, un discazo junto a Juan Carlos Orihuela (2000), poesía plena paceña y música repleta de Ajayu, ¿qué nos puede contar de la brillante obra?

Este disco, uno de 4 que hicimos. El primero, al que le auguro aún hoy tener una bandera de vanguardia, se llama Memoria del Destino, poesía boliviana musicalizada por ambos.

De ahí sale el préstamo a Octavia de la pieza Tendida Como un Arco.

El segundo es Debajo de la Gotera, con textos trabajados con mucho rigor y humor, un especial humor de estas alturas, que no es chiste, no es fácil. Es un humor especial, del que Sáenz fue exquisito. En este disco tocan como que los mejores músicos en el ámbito del Rock paceño. En las sesiones de grabación, alguna noche, con entusiasmo redoblado, tuvimos hasta preparadora de chuflay, con

portantes para el desarrollo de la Mesomúsica en La Paz y, claro, en Bolivia, en esos años hicimos licencias a Sony Music y trabajamos también con BMG. Vibra mi Patria Bolivia fue un Proyecto donde bandas nuevas y emergentes se promocionaron con el álbum que editaron, ¿cómo les fue con la producción? ¿Se viene la segundita?

En este proyecto se trabajó durante más de un año con las más variadas propuestas musicales: Músicas tradicionales, Jazz, Rock, Canción Latinoamericana, Pop…, en fin, 17 títulos en total.

El primer CD de Gustavo Orihuela, un trío de Tincho Castillo, el dúo Negro y Blanco, el primero de La Laruta. Estamos precisamente ahora con un nuevo proyecto del mismo formato, denominado Emergencias, y lanzaremos en breve una segunda convocatoria.

limón, por supuesto.

El tercero es el disco Celebraciones, con economía de recursos y textos poéticos, con más aventura en el lenguaje que humor. El siguiente es Útera, un segundo disco con poesía boliviana, de mujeres, cantada por mujeres y musicalizados por Juan Carlos y yo. Es que desde 1981 que trabajamos con poesía y música.

Pro Audio es un Sello Disquero sólido, consecuente e Independiente a la fecha, que se mantiene a la vanguardia en nuestros tiempos, ¿cuáles fueron las obras que marcaron su historia dentro de su producción?

Varias, sobre todo las que se hicieron en la década de los años 90. Puedo destacar por ejemplo los discos que se hicieron como resultado del primer ciclo de conciertos acústicos en el Teatro Municipal, al que lo bauticé como Escala de Mano, me refiero, por ejemplo, al Octavia – Acústico y al Espejismos de Grillo Villegas.

Se hicieron varias producciones realmente im-

Atravesamos una etapa incierta con la pandemia debido al COVID-19, y las guerras desatadas en las últimas semanas, que nos encrespan los nervios colectivos y apabullan la psiquis de las sociedades, controladas desde siempre por sus Estados Profundos. ¿Cómo se ha encontrado musicalmente y personalmente en esta vorágine de energías?

La crisis, las crisis, aquí han sido acumulativas. Ni bien salimos de estado de enfrentamientos y de hastío, el 2019, que se presenta la pandemia y los encierros. Con ellos, el dolor, la impotencia, el desconocimiento de lo que estaba y está ocurriendo.

Los Estados, en guerra, mienten, en emergencias sanitarias, mienten. Pero también mienten las personas en sus días, creen cualquier cosa, se suman a cualquier escándalo y tendencia. Es decir, se empachan de información y de inmediatez. En las redes. Éstas se convierten en la nueva realidad, y ello es una suma más al dolor, al stress, a la falta de dinero. Es entonces que la sociedad está vulnerable, desprotegida, abusada, usada por el poder, del Estado.

Vivo sólo, no tengo ninguna clase de televisión, a veces escucho radio, para que algo LaCarne Magazine

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suene al fondo mientras cocino o peino a la araña que habita debajo de un baúl. Los encierros me inclinaron por la contemplación de mi paisaje personal e interior.

De las cosas, las que duran, las que se hacen de narrativa y de valor. Es así que escribí un libro llamado Elogio de las Cosas, y estuve, estoy, escribiendo una serie de piezas de música contemporánea para instrumentos solos, que parezcan muchos.

Escribí también unos textos exclusivamente sobre los encierros, y uno de ellos forma parte de una obra estrenada por La Compañía Impresentable, el año pasado. La obra se llama Inmerso y Rojo Todavía Dulce.

Con el equipo del proyecto Paisajes Sonoros de Bolivia, tenemos aún pendiente un proyecto que trabajamos durante la cuarentena rígida, haciendo registros sonoros de lo que llamamos El Advenimiento del Silencio.

Más allá de la Música, ¿qué obras literarias o autores nos recomienda? ¿Algún escritor que sugiera para leer?

El Curso Délfico, de Lezama Lima, que es en verdad un curso. En él, Lezama Lima propone la lectura de una serie de libros de distintos autores, que algo especial tienen, cada cual. Invita a leer, uno tras otro y en el orden propuesto.

Por otra parte, Juan Emar, Macedonio Fernández, Clarice Lispector, El Gran Sertón de Guimarães Rosa y tantos otros, muchos más. Lo que es cierto en realidad es que se recomienda leer algo que no te aburra, que te sorprenda, que te manche, que no se te vaya y que nadie te obligue.

Oscar García, Inmerso y Rojo Todavía Dulce

En el Séptimo Arte, y el apasionante Cine, ¿qué películas nos invita a ver?

Autores que sé que van a tocar alguna emoción en el auditorio, ya sea de amor, de ira, de asombro, o cualquier otra. Autores y directores como Tarkovski, Kurosawa, Godart, Kubrick, Liliana Cavani, Aronofsky, Abbas

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Kiarostami, Bergman, Scorcese, Fellini, Polanski, Kieslowki, Lynch, Guilliam, Ford Coppola, Hitchcock, Einsestein… La lista es larga y ya es tarde.

Dentro de nuestro territorio, o tal vez más allá, volviendo a la música, ¿qué álbumes son imprescindibles para culturizarse, coleccionar o escucharlos con suma atención y corazón?

Cosas que no se han escuchado, que no se difunden en los medios porque no se consideran ni comerciales ni populares. El término popular es tan ambiguo en lo musical, que designa cantidad de consumidores por un lado, y las reivindicaciones sociales por otro.

De ahí a que Carlos Vega, en los años 50 del siglo XX, haya desarrollado el término de Mesomúsica. Por eso puedo recomendar algo que hicimos con Juan Carlos Orihuela, el disco Útera, por ejemplo. O todas las músicas que se escuchan en el programa Mundofonías, o Philip Glass, o música para cine

de Ryuichi Sakamoto. También es largo y se hizo más tarde.

tes. Un saludo especial a quienes vayan a leer lo que aquí se ha escrito.

Para el 2022, ¿qué proyectos le traen ocupado? ¿Alguna primicia o adelanto?

Estamos trabajando una nueva obra con La Compañía Impresentable, de teatralidad y sonoridad, a estrenarse este año. Mientras, preparamos la repuesta de Inmerso y Rojo Todavía Dulce para abril 2022.

De igual manera se me refrescó el corazón, el Espíritu, y me dejé llevar por las sonoridades de mi soledad, eterna compañera de los poetas, que, a estas alturas de La Paz, podemos rozar el cielo con tan sólo levantar la mirada, y ver en él nubes de formas y mensajes o detalles, eufemismos estoicos que nos hacen perecedera la dualidad.

Seguramente a quienes no saben de qué se trata La Compañía Impresentable, invito a visitar la página y conocer de nuestras propuestas. En lo musical y multidisciplinario, quizás trabajamos en una nueva propuesta con Juan Carlos Orihuela, y personalmente en una producción de música para nada.

Su mensaje de despedida y saludos para los lectores de LaCarne Magazine.

Mi profundo agradecimiento por hacerme parte de sus entrevistas con preguntas importan-

A

gradezco infinitamente la posibilidad de entablar amistad y admiración con un personaje legendario para muchas y muchos de los artistas musicales que pisamos las tierras altiplánicas, y sentimos el mismo aprecio, admiración y respeto pleno por el Maestro Oscar García Guzmán.

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Zegadex

un genio a la batería a él.

R

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evisando los álbumes de fotos en casa de la tía Anabella Pantoja Valenzuela, me encontré con él, Daniel Zegada (Zegadex), de muy jovencito, y quien fuera compañero de aulas en el Colegio Alemán de la ciudad de La Paz, junto a mi primo Alejandro Thielen Pantoja (+), quien partió al otro lado del velo en 1991, tras un accidente en la ducha que le cobró la vida de manera súbita con un golpe en la nuca. Todos y todas nos quedamos impresionados, con un hoyo negro en el Espíritu, y con ese deseo de seguir junto

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Meses antes de su partida sin previa despedida, ya que un jovencito de 13 años tiene muchas ganas por comerse el mundo en ese instante de la pubertad, dejando atrás la niñez y abrazando la adolescencia, los cuates del curso y colegio habían decidido ponerle Rock & Roll a su crew o patota de amigos jaraneros, llamados We Are Pendex (y/o) Pacífic Boys, los a posteriori gloriosos WAPB’s.

La banda estaba apadrinada por el ahora guitarrista de Alcoholika L.C., el popular Jaime Kawai, y que en ese instante se sorteaban a manera de suerte los puestos en el equipo que daría vida a una de las bandas más funkeras que vio los albores de sus carreras musicales,

cieron a los Yungas los changos del colegio, y enseguida Daniel me ofertó su nuevo material discográfico. Entonces entablamos un fraterno diálogo, después de casi una década, vía Whatsapp, que desembocó en la presente exclusiva para LaCarne Magazine.

Zegadex, Jazz de por vida

Querido y admirado Zegadex, comencemos de adelante para atrás. Estás con nueva producción, que me la ofertas digitalmente, ¿de qué se trata tu nuevo material?

Tengo dos discos digitales: uno es con el pianista Mike del Ferro de Holanda y el bajista Christian Gálvez de Chile, y el otro es con el pianista Carl Winther de Dinamarca y el bajista Johnny Aman de Finlandia.

Son dos discos grabados en Vivo. El primero fue grabado en Chile, hace unos años ya, y el segundo fue grabado acá, en Bolivia, en un concierto en el Teatro Municipal. Son conciertos increíbles que debían ser plasmados en un CD para que la gente los aprecie.

en los comienzos de los 90’s, y registró dos placas discográficas para el Sello Discolandia, de manera tal, dejando su legado para siempre en la Historia del Rock hecho en tierras bolivianas.

Alejandro nunca tuvo el gusto de cantar, ni subirse a un escenario tomando el micrófono, pero sí de ensayar en su casa, donde hacían enloquecer con la batería y esos primeros pasos artísticos a la tía. El sueño y la misión, al parecer su Espíritu, se las encomendó a sus yuntas, quienes se han convertido hasta el presente en Maestros y referentes de la música contemporánea a nivel global.

Aproveché la causalidad para enviar por Messenger la fotito de aquel último viaje que hi-

Zegadex, eres un genio a la batería, ahora con el nuevo proyecto musical llamado El Trio del Terror. Coméntanos, ¿en qué andas actualmente en la música?

Bueno, sí, estoy con El Trio del Terror, también toco con Carla Casanovas. La próxima semana está llegando una cantante de Canadá, boliviano canadiense, se llama Verónica Magnamí. Está llegando con su novio, y vamos a estar tocando en El Bestiario (el 26) y en El Barranco (el 27 de marzo).

Por ahora estoy en eso. También soy docente del Conservatorio de Música y de manera privada, ¿no?, de batería y Teoría de la Música.

Por esas cosas de la vida, el disco de vinilo de tu primer álbum, que me lo autografiaste alucinantemente a mi nombre (para Alfonseka de Zegadex), cuando hacía mis votos de pobreza -como me dijiste- en el Centro Cultural Ojo de Agua (2010), lo tuve que vender a un coleccionista, una joya bien valuada para los amantes del Rock hecho en tierras paceñas. Viajando a tus inicios, muchos recordamos con cierta melancolía a WAPB’s. Contadnos tus inicios.

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He empezado a tocar a mis 14 años, justamente con los WAPB’s. Era una banda de amigos del Colegio Alemán y del Colegio San Ignacio. Hemos empezado tocando mucho Funk y Rock. Estaba el Carlos Olmos (guitarra), el Peque Gutiérrez (bajo), el Tavo Ávila (voz), y yo (batería).

Los WAPB’s fueron mis inicios en la música, qué bueno. Hasta el día de hoy siempre a mí también me trae mucha melancolía, recordar los hermosos tiempos que hemos vivido juntos, una maravilla. WAPB’s fue una maravilla para mis inicios.

Tras la disolución de WAPB’s, pasaste a formar parte de la banda de Rodrigo Grillo Villegas, acompañándolo en sus primeros álbumes. También recuerdo al proyecto La Maravilla Enmascarada, una experiencia Funky, donde eran los mismos WAPB’s, pero con otro vocalista, y que plasmó un increíble álbum. Luego a Berklee College of Music, a hacerte y formarte como el Maestro que eres. ¿Cómo te marco la Universidad?

Increíble, Berklee está considerada la mejor Universidad o las más prestigiosa Universidad de Música en el mundo, y he tenido yo el privilegio de estar ahí, con un apoyo muy fuerte de mi familia, y realmente ha marcado mucho, porque ahí he introducido mi vida al Jazz, que es ahora lo que más toco. El Jazz es prácticamente mi vida, ¿no?, y he tenido la oportunidad de conocer y tocar con gente extraordinaria a nivel mundial, y realmente toda mi formación musical se la debo a Berklee, a la Escuela.

Obviamente a músicos increíbles que no tienen nada que ver con Berklee, como el Christian Gálvez, el Mike del Ferro, el Carl Winther, con los que he grabado y con los que he estado en Tour en Europa y en el Mundo.

Realmente fue increíble el hecho de poder estar ahí, y poder estudiar con gente de tal prestigio.

Zegadex, tambores Increíbles

A partir de entonces, recuerdo un sin fin de proyectos musicales que has liderado y conformado: Las Vacas Locas, Kimsa Bop, entre

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otras agrupaciones de Jazz. ¿Cuál es tu experiencia discográfica a la fecha?

He grabado poco más de 150 discos de todo género, desde Folklore, Rock, Funk, Reggae, Salsa, Cumbia, un poco de Música Clásica, y Jazz. Realmente he grabado con mucha gente, muchos músicos a nivel nacional y mundial, y me siento muy privilegiado de haber sido parte de tantos proyectos. Espero seguir grabando con los que me necesiten y contraten. Sé que no soy muy barato cobrando, pero yo creo que vale la pena contar conmigo en cualquier grabación.

Es digno de admirar, de sacarse el sombrero y sentirse orgulloso de tu labor y logro hasta el aquí y ahora, entre tanto aporte que has dado como artista y músico. ¿Por qué lugares del Globo ha estado tocando Zegadex? ¿Qué festivales o shows te marcaron las entrañas del Espíritu?

He tocado en el Copenhague Jazz Festival, que es en Dinamarca, que ha sido una experiencia increíble tocar ahí. También otro Fes-

tival que me ha marcado, y cada año es un deleite poder esperar y añorar tocar ahí, es el FeztiJazz boliviano.

He tocado en el Perú, he estado en Chile, Alemania, Suiza, Francia, Inglaterra, Holanda, realmente he viajado bastante tocando. Eso para mí es muy importante, el hecho de que me hayan sacado del país para tocar en Festivales. Eso es increíble.

El mundo ha girado 180 grados luego de la llegada del COVID-19, ¿cómo has atravesado esta etapa musical y personalmente?

Obviamente, después de la pandemia y lo que ha pasado, todo se complica. Esperemos que las cosas mejoren para los músicos, porque está muy complicado el asunto, y obviamente el estilo que yo toco -que es Jazz- no es muy de lucro en Bolivia. Muy poca gente aprecia lo que es el Jazz por acá. Pero hay gente que sí me sigue y siempre viene a verme, y es una maravilla poder contar con ellos.

Zegadex, eres sin lugar a duda un personaje paceño y boliviano, el Zegadex es una Leyenda Viva, ¿qué aconsejas a la gente que quiere ser como tú: un artista musical que vive de su música?

Realmente es de mucho prestigio y privilegio poder tocar y vivir de la música. Es un poco complicado hacerlo, pero se puede. Ahora sí, la pandemia ha matado mucho el trabajo de los músicos, ¿no?, especialmente en el estilo de música en el que yo estoy metido.

Porque los que tocan Folklore, los que tocan Cumbia, ellos tienen mucho más trabajo. Pero para los que tocamos Jazz, no hay muchos espacios, y son muy limitados. Aparte, la gente no está muy interesada en el estilo, entonces es muy complicado.

Yo le aconsejaría a la gente que estudie mucho, que estudie música y teoría, y que escuche mucha música, porque la mejor manera de aprender a tocar es escuchando a los capos, a los grandes. El mejor consejo que

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puedo dar para un músico es que se vuelva un melómano de verdad, que escuche mucha música, y que esté siempre dispuesto a aprender, aprender y aprender.

Hasta el momento, dentro de la Historia de la Música Contemporánea realizada en nuestras tierras, Zegadex ha marcado hito, y tu labor va de la mano y en colaboración desde Llegas hasta AndeSol, ¿qué proyectos musicales rememoras haber integrado?

El Grillo Villegas ha sido un aporte muy grande en mi música- He grabado su disco que se llama Revolver, que es increíble, y tú has mencionado AndeSol -que es el Oscar Córdova-, también he grabado unos 4 discos con él. Es un privilegio. Soy aún el baterista de AndeSol, pero, una vez más, la pandemia ha frenado todo el trabajo para muchas personas.

El Oscar Córdova es un poco mayor de edad, y seguramente tiene que cuidarse demasiado de esta pandemia, ¿no?, por eso ya no tocamos mucho. Esperemos que cuando esto baje un poco, los contagios, y se disipe este virus, volver a los escenarios con AndeSol. Con el Grillo creo que va a ser un poco más complicado, porque siempre utiliza a los músi-

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cos que están de moda, y, bueno, yo ya estoy un poco pasadito de moda -creo-.

Pero también debo mencionar a Kimsa Bop, Las Vacas Locas, El Trio del Terror, tengo otro trío que se llama El Trio del Amor.Bo, tengo mis tríos, Zegadex Tríos, por los que han pasado muchos músicos, como el René Ponce, el Ariel Choque, el Jobim Jara, el Ronax Aranda, David Aspi, Efraín Blass, el Edwin Mendoza, tantos músicos con los que he tocado.

Por ahora el principal Trío con el que estoy es El Trío del Terror, que realmente suena increíble, que es el Edwin Peredo en el piano, el Raúl Flores en el bajo, y su servidor.

Zegadex, lo que tengo es lo que soy

Dentro de tu experiencia y sabiduría musical, luego de tres décadas de ser el Zegadex, ¿cómo te ves ahora?

Muy afortunado de tener tres hijas que me dan mucha paz y luz en la vida. Quisiera hacer mucho más por ellas, pero realmente lo que tengo es lo que soy, me veo bien. Estoy viviendo muy lejos, en Palca, es muy tranquilo por acá, debo decir que soy feliz por todo lo que he he-

cho y pienso hacer.

Algunas sugerencias musicales para escuchar y adjuntar a la colección.

Hay un guitarrista que me gusta mucho que se llama Wayne Krantz, que puedes chequear en el internet, hay un disco que se llama Black Swam.

Obviamente hay que escuchar de los capos -como he dicho-. Mi grupo favorito de la vida es Dave Holland Quintet, que es increíble, tendrían que chequear eso también, es un bajista inglés. Y obviamente los tradicionales como Charlie Parker, Miles Davis, John Coltrane, Jacky McLean, esos me gustan, Thelonious Monk, lo tradicional siempre me ha gustado mucho.

Es tradicional para nuestra época, porque en su momento era considerado Jazz Moderno, ¿no?, pero por ahora son clásicos, muy clásicos, y legendarios músicos que han marcado mi vida.

Mas allá de la música, el apasionante universo del Cine, ¿qué película te marcó y recomiendas ver?

Una película que me ha gustado mucho, y la

he visto muchas veces es Forrest Gump. Me parece una película muy buena, y también hay una película que se llama The Usual Suspects, Los Sospechosos Usuales, muy buena película con Kevin Spacey, sería bueno que la chequeen esa película.

Y en la Literatura o Narrativa, ¿qué te gusta leer? Alguna obra o autor de tu gusto.

He leído muchas biografías de músicos importantes. Me gusta mucho leer biografías, y La Biblia es el principal libro que siempre atesoro y está conmigo, y me guía en todo esto que es vivir. La Biblia Reina Valera 60 es la mejor. ¿Ahora es más difícil que antes hacer y ser músico? ¿Cómo estás asimilando y sobrellevándote en esta pandemia y cuarentenas, personal y artísticamente?

Muy difícil en esta pandemia y cuarentena. Esperemos que las cosas se reabran pronto, se disipe este virus, y que podamos seguir con nuestras vidas normalmente, pero realmente ha matado mucho la industria de la música esta pandemia.

Y una vez más, muchos más aún el estilo de música que yo toco, que es Jazz, porque no hay muchos espacios para tocar, y no hay mucha gente interesada para esto. Estoy con proyectos musicales listos para salir adelante, y esperemos dar nuevas noticias musicales pronto.

Antes de cerrar la entrevista, ¿tienes alguna frase o lema, alguna cábala antes de entrar a Escena o Estudio?

Yo siempre le encomiendo a Cristo y al Señor mis tocadas, siempre le he dedicado -al Señor- cada nota musical que sale de mi cuerpo.

El Señor es lo más importante que hay para mí, y, o es una cábala o lema, pero es más o menos, aferrarme al creador y a la vida, gracias a que Él me ha dado la vida, y les ha dado la vida a mis hijas, y es lo más importante que puede haber. Yo toco para el Señor, y después recién viene el público.

El Señor, mi persona y el público, ¿no? Soy un alabador por excelencia, me encanta tocar para el Señor, y sé que cada vez que toco, LaCarne Magazine

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el Señor recibe mi música como aroma de inciensos -como dicen las escrituras-, y tiene que llegarle al Señor mi música como un deleite para sus oídos. Estoy completamente convencido de que Él sí aprecia cada nota que sale de mi cuerpo, es increíble.

Me siento muy orgulloso de poder tocar para Él, y ser parte de esto, que es su Reino.

Siempre tuve un anhelo, luego de la súbita muerte de mi primo, y cofundador de WAPB’s, el Alejandro Thielen, de cantar con ustedes Ondas Metafísicas o Chamani, los clásicos de la banda, ¿qué recuerdos guardas de esos primeros ensayos en casa de la tía Anabella?

Me acuerdo muy bien de tu tía Anabella, una persona con un carácter muy fuerte, pero muy buena persona. Sé que estuvo muy delicada de salud recientemente, y hemos tratado de apoyarla.

Tengo recuerdos muy gratos de tu primo, el Alejandro, realmente él fue uno de los fundadores de los WAPB’s, él no tocó porque se nos fue muy rápido, fue una verdadera tragedia para todos, que nos marcó la vida, ¿no?

Realmente fue el primer deceso trágico que tengo yo recuerdos, fue muy traumático para todos, no solamente para los WAPB’s, sino para toda una generación de amigos y compañeros del Colegio Alemán, y fuera del colegio.

Tengo recuerdos del Stadium muy increíbles, porque él dominaba el Stadium como si fuese su casa, tenía entradas. Entrábamos con el Alejandro al Estadio como si fuese su casa, entrábamos a oscuras y contando pasos, increíble.

Hemos entrado hasta la cancha a ver clásicos, porque él sabía cómo entrar. Lo recuerdo con mucho cariño a mi hermano Alejandro Thielen, tu primo, que fue un tipo extraordinario.

Los que hemos tenido la dicha de conocerlo sabíamos lo jodido que era, ¡era un jodido!, y era increíble poder compartir con él la vida, el colegio, el deporte, y tantas cosas.

Zegadex, un alabador por excelencia 72 LaCarne Magazine

Tanto tú, como el Olmos, el Peque o el Kawai son músicos de gran nivel y entrega, y el que te habla, el rapero más loco y el MC más desquiciado de esta puta madre que nos parió (Bolivia). Esa magia del Alejandro se quedó en el Espíritu Colectivo, que nos encaminó para llegar a ser los que somos. Gracias por la bella charla, y tus palabras de despedida.

Gracias, Alfonseka, por la oportunidad de hablar un poco, y contar un poco de mi vida, de mi música. Te respeto mucho, y agradezco a la vida, al Señor, por darme el privilegio de poder dar música y de poder expresar lo que siento en los tambores, que es mi vida. Mando un saludo muy especial a todas las personas que realmente creen en mí, y me apoyan.

Quiero agradecer y mandar públicamente un saludo a mis hermanos Pablo Guardia, Sebastián Müller, el Hormando y el Ovidio Vaca Diez, el Mauricio Muñoz del Carpio, el

Roberto Baya Marañón, el Jaime Villalobos, los músicos con los que toco -que son increíbles-, y quiero mandar un especial saludo a mi esposita -que es la Eliana Koski-, y a mis tres hijas: la Alicia, la Magdalena y la Pancarita, las amo de una manera sobrenatural, y a mi madre que está conmigo y espero tenerla mucho tiempo más a mi lado, y poder ser luz para ella y para las personas que me rodean.

Una vez más, muchas gracias, Alfonseka, por la oportunidad de poder charlar contigo y poderle hablar a la gente. Te mando un abrazo y que Dios te bendiga siempre. ¡Chao, mi hermano!

S

aludos cordiales, querido Zegadex, ya te busco en persona algún momento para cagar de risa y apoyarse mutuamente. Bendiciones para ti y la familia. Gracias, hermano, por la invitación, y espero verte

pronto. Felicitaciones por ser tan cool y buen padre, me hiciste llorar de emoción.

Cerramos la emotiva entrevista realizada en el día del padre en estas tierras, y creo que en las españolas también, 19 de marzo 2022, una fecha inolvidable para los amantes de la buena música y de los capos como Daniel Zegada, que aún lo recuerdo jugando Tapagol junto al primo, también pachangueando con la pelota en la calle, y más aún en los primeros escenarios que pisó junto a WAPB’s, en el RockBol en el Colegio Francoboliviano, o en Zona Franca del Pedro Cajías (+).

Añoro ese re encuentro que algún día se dará, más allá de acá, y en otro plano existencial junto a los amigos y los primos.

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Plika

irreverentes y malcriadas existencias psíquicas y espirituales.

E

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s muy emotivo reencontrarse en una entrevista con Juka, líder vocalista de Plika, a quien tuve de invitada en el programa La Noche con Marraketa Blindada, por Radio Cúspide, aproximadamente de finales del año 2018.

Fue una genial velada, donde conocí de pleno a una inquieta, radiante y vanguardista artista musical, que con su honesta presencia me dejó en claro el rol que había decido tomar como cantante Punk Roquera dentro de la nueva escena local.

La bienvenida a esta exclusiva es muy grata, luego de tantas conjeturas que te llevan al borde de la locura, actos colectivos que, sumados a la “plandemia”, causan estragos en nuestras

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En estos momentos, qué mejor que hablar del canto a voz en cuello, y tratar de iluminar, con el brillo interno de nuestra conversación, un piquito a los lectores de LaCarne Magazine y seguidores de la banda, siempre sacándoles una sonrisa de buena onda, y mejor una carcajada de libertad.

Plika, la nueva dimensión del Rock Alternativo en La Paz

Saludos cordiales, ¿cómo naces a la vida musical?

Hola, qué tal, soy Juka, líder y fundadora de la banda Plika. Y bueno, mi interés por la música es muy raro, porque aquí en casa no escuchan Rock. Por ejemplo, tenía primos que escuchaban a Luis Miguel, tenía primas que eran bien cumbiancheras igual, y cada uno estaba en su mundo.

se llamaba los 10 Más Pedidos, y estaba Marilyn Manson – como te digo- R.H.C.P., Limp Bizkit, Korn, pero luego ya he empezado a seleccionar lo que a mí me gustaba.

Mis principales influencias van por el Indie y por el Punk. Me gusta mucho de The Distillers, que es una banda con una chica al frente. Me gusta mucho las bandas que están conformadas por mujeres, liderizadas por mujeres.

También me gusta mucho Hole, me encanta Courtney Love -me parece increíble-, los Yeah Yeah Yeahs, que tienen mucho que ver con el sonido de banda de Plika -como banda influencia musical-, me gusta mucho The Strokes, Franz Ferdinand, The Hives, Hot Hot Heat… Son las bandas que más me han influenciado para hacer música. Personalmente escucho todo tipo de música.

Pero hay algo bien bonito que me ha influenciado harto, y es la banda Secuencia Progresiva. Ellos son mis vecinos en la Zona de Villa Armonía, y me he criado prácticamente con su música. Yo era una bebé, y me gustaba escucharlos, me acuerdo que lloraba y demás, y me calmaba escucharlos cuando ellos ensayaban en su terraza. Desde entonces yo creo que me ha ido interesando ese tipo de “ruido musical”. No digo “ruido” en mal aspecto, sino ese sonido estridente.

De esa manera he comenzado a consumir bandas como de The Cranberries, Red Hot Chili Peppers, No Doubt, Marilyn Manson, y me llegó la inquietud de hacer música. Yo soy empírica, no tengo estudios en música, compongo tarareando, y de esa manera es como he empezado a formarme musicalmente. ¿Qué influencias musicales has recibido?

Al principio consumía lo que MTV me daba -cuando tenía 10 años-. Veía un programa que

¿Cómo nace la banda Plika? ¿Quiénes integran en la actualidad Plika?

Plika nace el 2009, en realidad ya antes ¿no?

Se funda con Bryan Gonzáles (+) y con David Blanco, que ahora toca en Alaxpacha -te cuento-. Éramos un trío que empezábamos a componer y a tocar con bajo perfil, luego ya fui buscando otros músicos.

El 2009 nos lanzamos al éxito. Nuestra primera tocada ha sido en el Ministerio de Culturas.

No sabíamos qué estábamos haciendo, pero nos lanzamos y fue lo mejor. De esa manera hemos perdido el miedo y demás, y hemos empezado a movernos. La banda ha tenido hartos cambios, y siempre he tratado de que la banda esté conformada por chicas.

Es lindo tener mujeres en un grupo, más que todo por las influencias que te decía, pero hay mucha inestabilidad ¿no? A veces en sus casas no les dejan tocar, o prefieren irse al Folklore, que les resulta más acomodable. Entonces las chicas se van dispersando.

Actualmente cuento con un gran equipo, estamos con Daniela Aramayo en la guitarra eléctrica, Jhocelyne Lema en el bajo, y Gonzalo Burgos en la batería. Tres músicos que tienen LaCarne Magazine

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un recorrido importante -están en diferentes proyectos-. Entonces aprendo mucho de ellos todo el tiempo.

Una pregunta que se me escapó, y me encanta hacerla, ¿cuál es tu nombre de nacimiento y cómo nace el nombre artístico Juka? ¿Cómo surge el nombre de la banda Plika?

Mi nombre de nacimiento es Carmen Julia Apaza Terceros, pero eso lo dejo para las oficinas y para los trámites (je je). Juka nace en la Universidad, un amigo me bautizó así por Carmen Julia. La “ca” y la “ju” (al revés) y me quedé así. Plika nace cuando traté de entrar al conservatorio y no pude, pero se me quedó en las prácticas la anotación musical. ¡La barra que surge de la cabeza de las notas!

Es una parte de las figuras musicales, ¿verdad?

Sí, se llama “Plica”, y dije que si algún día voy a tener una banda, se va a llamar así. Y bueno, la cambie la “c” por una “k”, Plika. ¿Cuál es la discografía de Plika?

Plika cuenta con dos discos. El primero con el nombre homónimo de la banda – Plika – es un Maxi Single, y el segundo es un EP que ha sido producido por Martín Joffré, que lleva el nombre de Seis. Ése es nuestro trabajo, y ahora estamos en proceso de composición. ¿Cómo has atravesado el tiempo que nos tocó con cuarentenas, COVID-19, y la pandemia, musicalmente y personalmente hablando? ¡Ha sido una mierda! (ja ja). Mi vida ha cambiado totalmente. Personalmente, el hecho de no ensayar, de separarnos y demás, nos ha llevado a muchas cosas ¿no? Tenía que presentar el álbum, no he podido hacerlo. Tenía que hacer un evento, se ha quedado así. Tenía que hacer un videoclip, no he podido hacerlo -me ha faltado plata-.

Entonces sí me ha parecido terrible lo del COVID. Aparte, me deprime mucho. Soy una persona que se deprime rápido, me deprimí mucho estando encerrada. Hasta ahora, todavía las cosas no están normales, estamos tratando de volver de a poco.

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¿Cómo se encuentra la movida cultural en La Paz? Mira, me he escapado a ver algunas tocadas, y me gusta lo que veo. Hay propuestas increíbles, que han nacido en todo este tiempo, que ya tienen años, pero recién los estoy visibilizando, y me encantan.

Están ahí Las Ovejas Negras de Tupiza -por ejemplo-, que me parecen increíbles, me parece una banda sensacional, tan originales, tan divertidos, y se van moviendo, están tocando harto. También las Warmi Putas -que es una banda con la que vamos a tocar- me parece muy buena. Entonces es una movida que está volviendo, y está volviendo con fuerza.

Hay varias sorpresas, y me agrada porque ya hacía falta. Hay una banda que se llama Tabasco que suena muy bien y se organizan bien, hacen eventos muy de la puta. Entonces yo creo que se está volviendo con potencia.

Al principio con miedo por este maldito bicho, pero ahora ya veo que se está moviendo más.

A Nadie le gusta mi Música

Este fin de semana retoman o vuelven a los

escenarios. ¿Cómo se encuentran las expectativas?

Personalmente me encuentro feliz, hemos parado un buen tiempo. Tocamos una vez en la pandemia, que fue difícil -no sabía si tener contacto con la gente o no-, estábamos en un pico alto y paramos completamente. Te estoy hablando de hace un año -creo-.

marcó o sea la referencia de tu vida?

Amo Asia Argento, la hija de Darío Argento, y me encantan sus películas. Hay una película que se llama El Corazón A Veces Puede ser Mentiroso, y yo creo que ésa es una de mis películas favoritas, que la vería una y otra vez -siempre encuentro algo-, actúa Marilyn Manson.

Pero estamos nerviosas, personalmente estoy así. Me comen los nervios, pero es algo que quiero hacer, que tengo que hacer porque es parte de mi vida -me muero sin Plika-. Es algo que necesitamos hacerlo. Nos hemos preparado, hemos estado ensayando, así que es un momento muy importante para nosotras.

Es una gran película, bien Punk, bien sucia, triste, mucha referencia a los Sex Pistols. Les aconsejo ver esa película. Y las películas de Asia Argento siempre me han gustado. Una que la veo siempre (ja ja) que se llama American Honey, donde actúa Shia LaBeouf y Sasha Lane, trata de unos chicos marginales.

¿Qué discos son tu cabecera o los que recomiendas para prestar atención?

El Revolución Mental de Las Ovejas Negras de Tupiza, el Unknown Pleasures de Joy Division -que me parece una obra de arte-, el disco homónimo de Hole, son los tres discos -que diría- que se deberían escuchar en este momento.

Me gusta esa película, su fotografía y la historia de un amor roto. Los amores rotos siempre son los que más te marcan.

Más allá de la música, ¿alguna película que te

En la apasionante Literatura, ¿qué obras han influenciado en tu vida?

Me inicié con Víctor Hugo Viscarra, quien es mi amor secreto (ji ji), es un hombre que ha sufrido mucho, y me gustan mucho las historias marginales ¿no? Por eso también hay un LaCarne Magazine

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libro que estuve leyendo de Irvine Welsh, que es Acid House, también me gusta Trainspotting.

Me gusta mucho Alejandra Pizarnik, me parece triste, puedo recomendar En Esta Noche, En Este Mundo. Las historias de autobiografías me gustan mucho, por ahí he leído la de Morrissey, también la de Kim Gordon de Sonic Youth, Girl in a Band es el título.

Son los libros que más me han gustado por esta temporada.

Volviendo a la música, ¿qué planes o proyectos para el 2022? ¿Alguna primicia?

La primicia es que estamos en proceso de componer. Yo creo que se viene algo diferente con Plika, siempre tratando de no estancarnos, canciones es castellano, así que ésa es la primicia, y movernos ¿no?

Tocar otra vez, no sabes lo que se extraña tocar en los escenarios. ¡Ah! Y se viene un video de la canción S.E.B.A.S. La presencia femenina -como una dimensiónes muy importante en el ambiente musical, ¿cómo se siente la Nueva Escena Local?

He visto que hay más bandas de mujeres, me encanta eso. Te cuento que está Asalto Sexual, Perra Tu Vida, las Warmi Putas, Baby Doll, Violeta Violenta, Black Row, una gran presencia femenina en The Black Widow, muy buena banda -te aconsejo que la escuches-, gran producción y grandes músicos.

He tenido la oportunidad de conocer a la bajista (Jhosh Ballón), que es una máquina, y me gusta eso, en los últimos años se ha visto más esto. Algo ha pasado en esta pandemia que han salido bandas así, y es interesante en ese aspecto, así que ya no me quejo de eso.

Plika, Dulces y Rojos Labios para un Beso Francés

¿Alguna frase o verso que le guste evocar?

No, alguna frase no. Siempre dije -o sea, es algo simple- “que hagan lo que quieran”, sobre todo siendo chicas, luego te arrepientes.

Hay una sola vida, la vida es única, y a veces nos confundimos con los prejuicios, con los

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estereotipos, con la familia, con el qué dirán, entonces ésa es la frase de Plika para la gente que escucha la música que hago.

Hablando de la obra musical de Plika, ¿qué canciones han marcado? ¿Qué temas son los más pedidos por su público y seguidores?

El tema Nobody Likes My Music y S.E.B.A.S., que son los más movidos y bailables. Entonces la gente cuando escucha esos temas se ponen las pilas.

Marco Tóxico ilustró un lindo cover para su material. ¿Qué anécdotas nos puedes compartir del arte gráfico ligado a su música?

Marco Tóxico es un ídolo (ja ja). Yo le tengo mucho respeto, aprecio y cariño, y ha podido plasmar lo que queríamos. El anterior logo fue hecho por Diego Zambrana, y es como una niña con un cerebro, una niña malcriada e irreverente, una niña cual Frankenstein.

Marco Tóxico la hizo crecer, ya usa ruleros, es más irreverente. Esa niña había crecido, entonces él ha logrado plasmar eso. Y el último Arte que se hizo fue por Valinsky, que

¿cómo te sientes artísticamente?

A partir del contexto, sí está en guerra el planeta, pero ha sido más una guerra personal (ja ja), y te voy a hablar desde mi perspectiva. Ha sido muy difícil, el COVID nos ha dejado rotos, nos ha dejado desde cero, entonces yo lo llevo más por ese lado.

La guerra interna que tenemos cada uno a la hora de sobrellevar la soledad, la depresión, la ansiedad y demás. Sé que estamos atravesando por momentos muy fuertes, pero para mí ha sido una guerra interna. Y me ha costado con Plika, ya no quería que exista Plika, pero no se puede dejar la música así no más.

Tu mensaje de despedida para la gente que aprecia tu arte y para la nueva fanaticada de Plika.

Que sigan escuchando Plika, que nos den la oportunidad de apreciarnos, y a los que no les guste, pues hay un montón de bandas (ja ja) que pueden compartir. Ése es mi mensaje.

también hizo crecer a esa persona ¿no? Ésa ha sido la representación. Pero Marco Tóxico es una persona con la que trabajaría toda mi vida, la verdad.

De los videos de Plika, ¿cuál nos recomienda para prestar ojos y atención?

Por el cariño y el aprecio, el video de Rollercoaster Grrrl, dirigido y hecho por el maravilloso Jorge Catacora. Un video muy sensible y sincero, les aconsejo. Es muy personal -aparte-, él tomó fragmentos y fotos de mi vida, le tengo mucho aprecio a ese videoclip.

Un breve consejo para las mujeres y hombres que quieren expresarse por medio del arte musical.

Como lo dije antes, que no tengan miedo, que hagan la música que quieran hacer, sin prejuicios ni estereotipos. Muchas veces vivimos -puedo asegurar- en una sociedad conservadora, y eso nos limita demasiado. Yo les digo que no tengan miedo y que lo hagan, y así podremos disfrutar de su música.

Actualmente en guerra está el planeta Tierra,

M

uchas gracias nuevamente a Plika por la confianza. Volver a hacer una entrevista semipresencial vía chat Whastapp es muy funkero, como decíamos en los 90’s, y más aún a una artista local Punkera, cuando ni en nuestras más libidinosas imaginaciones soñábamos con chicas jóvenes, mujeres rebeldes, y niñas malcriadas al mando de la Nueva Escena Alternativa de estas tierras altiplánicas y elevadas en las Cordillera de Los Andes.

Congratulaciones por no tirar la toalla del Rock, y continuar inquietando a mamás y sus wawas, con la hermosa malcriadez Punk, los estridentes y melódicos viajes sonoros que prosigan sonando a borbotones. Éxitos totales, y estaremos ansiosos de escuchar lo nuevo de Plika, post cuarentenas, ya vacunados y escarmentados. Durante estas guerras internas y externas, mejor la música que la violencia, sin lugar a duda.

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Rabia Rivera mujer es poder

P

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ara concretar una entrevista a larga distancia, desde Bolivia hasta México, para hablar con Rabia Rivera, hay que atravesar miles de kilómetros, varias fronteras y banderas, y un continente. El viaje es largo y arduo de Sur a Norte América. ¿Qué sería de nuestra labor sin las redes sociales? Y en especial del Instagram, que ayuda a cristalizar las charlas, ganar confianza, y realizar la labor comunicacional.

Acá aún no se adoptó el nuevo slang mexi-

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cano, por lo menos para mí, aún me debo adaptar al modismo morras (mujeres), o al de banda (público), entre otras palabras vivas del léxico cotidiano, emergentes desde una las tierras más chingonas del planeta, y, como gritan los amigos,: ¡Viva México, Cabrones!

Mientras disfruto del álbum Luz Púrpura (2016), y me entretengo con una variedad creativa de videoclips de Rabia Rivera en su canal YouTube, y luego de nutrirme de su arte, agradezco por la confianza y colaboración en exclusiva para LaCarne Magazine.

Rabia Rivera, rimando y fluyendo con actitud Hip Hop ¿Cómo se inicia o nace a la vida musical?

localizar con qué conectas cuando tú creas.

No puedes sonar a algo más que no seas a ti. Por ejemplo, la influencia de los 2000 ya no significa nada en mis creaciones presentes. Y no es con desprecio, porque soy amante del presente, y creo que quien verdaderamente me influye hoy, en cada rola que hago, es “quien produce la rola”, amo y respeto tanto a mis productores. ¿Qué discografía tiene Rabia Rivera hasta el presente?

Sin Rap me aburo, Luz Purpura, y todos los sencillos que hemos trabajado a lo largo de estos años, así como un buen número de colaboraciones (ja ja). No tengo el número exacto, pero sé que es una enorme lista.

Hipsteria es una obra muy genial, que cuenta con un videoclip entretenido y creativo, donde el humor y la actuación son el hilo conductor o narrativo dentro de la puesta en escena, y producción. ¿Cómo nace y se hace la presente producción?

Ja ja ja Está loquísima esta historia, porque esa rola no la quería sacar en mi disco (ja ja), ya que cuando la mostré en el Estudio, me empezaron a bullear con el tema de Rabia Fresa, Rabia Hípster, y esas cosas que son, nos discriminan por suertudos (ja ja).

Como que nací con ese chip, desde morrita sin miedo a los escenarios, y también enfocada en lo espiritual, porque me gustaba la idea de entrar al coro, y pertenecí al coro de la Iglesia del barrio como 4 años, o sea, siempre me gustó cantar. Creer en algo. Hasta que conocí el Hip Hop.

Entonces la saqué de mi álbum, y cuando visité Homegrown con Alex Malverde (+) y nos sentamos a escuchar el disco que iba a lanzar ese año -que era Luz Purpura-, Malverde vio en la carpeta esa rola que decía Hipseterica, y también en burla dijo “awebooo” póntela, y le habló al maestrísimo Dr. Zupremo para que se la diera, y le dijo que no la quiere sacar.

¿Cuál es nombre y lugar de nacimiento?

Alma Rosa Rivera Aguilar, Torreón – Coahuila.

Yo digo que es la buena del disco, y sentí una aprobación super chingona por parte de ellos, que awebo, ya estaba preparada para hacer algo así.

¿Qué influencias musicales y artísticas han marcado en Rabia Rivera?

Wow, creo que tiene que ver con la época y gusto de acentuación musical (ja ja), o sea, si hay de todo, creo que lo más importante es

Con lo del video, fueron ideas que eran como yo imaginaba los personajes en las rolas, y quien actuaría no llegó, y me dediqué a ponerme todo lo que hubiera que ser necesario: la toma de vaquera fue con la ropa del papá LaCarne Magazine

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del Black (ja ja), que sacó de su casa en un momento de locura, pero fue uno de los videos más divertidos y apresurados que hicimos, detrás estuvo chingo de amigos prestándome cosas, hasta el auto -que es una joya-, y nadie lo había manejado a excepción del dueño. ¡Lo de la actuada, creo que sí se nota que moría de risa! (ja ja).

Rabia Rivera, Viaja a Tu Interior

Rabia Rivera cuenta con bastantes y variados videoclips, entre los que me llamaron la atención muchas producciones, como Headshot o Listo Pues. ¿Qué videos nos recomienda para prestarle ojos y corazón? ¿Alguna anécdota en la realización? ¡Headshot es mi creación de principio a fin!

Digo la neta, tengo buenísimos masters a mi lado, y ahí las correcciones me las dio la Master La Reina David, de las cuales me encan-

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taría presumir que fueron pocas, pero lo armé en un Alcatel, las tomas salieron de un iphone, pero quería hacerlo a mi gusto ¿sabes?

Era algo como muy personal, porque las tomas de las partidas son de mis hijos, y aportaron con mandarme los videos de Fornite y War Zone, que es la mitad del video pues (ja ja), y la neta, siempre han sido mis ideas, obviamente según el Productor con quien jale, y en el mood en el que ande.

Digo en listo, pues absorbí mucha energía de los B-boys de mi región, los cuales amo y respeto machin, por el Movimiento que son, y por cómo salvaguardan la Cultura del Hip Hop. Estoy trabajando en Entidad, y la neta, quiero seguir haciendo videos. Hay uno que me gustaría que toparan, que fue el primero que hice

yo misma, se llama No Volveremos Jamás, y pues como me reclamó los derechos YouTube (por el uso de un sample) ¡Lo dejé en mis lost videos!

Ha colaborado junto a Jezzy P en una canción recreativa y amistosa (Rompiendo el Beat).

También me gustó mucho la actitud del tema Arte Extremo ft. Aborigen y W Kronico. Escuché otra rola junto a Mc Luka, y una variedad importante de colaboraciones y cyphers. ¿Qué canciones en colaboración han marcado sus pasos como Rabia Rivera?

Ruda Rivera (ja ja), ése era mi nombre chingao (ja ja), pues creo que el estar enojada es mi zona de confort, pero también es una cuestión de la música, porque creo que voy con ella, pero los mensajes que hay entre cada línea son cosas que veo o vivo en el presente.

Arte Extremo era una rola para poder homenajear a la pandilla que activó socialmente a mi región en el arte dérmico, y así obligarlos a que me tatúen por siempre (ja ja). Es broma, espero que lo lean. Y el tema con Mc Luka es porque realmente Kronico y yo somos re conspiranoicos, y se tenía que decir tantas barbaridades que por eso lleva el nombre de Irreverentus.

Rappers Game 3 es uno de mis cyphers favoritos que me ha tocado dar. Quiero Más con todo mi crew de Ciudad Juárez. Pero en este momento hay canciones como Cigarro Tinto y Monchis con Jerónimo Gorraez, Control con Young Cobos, Embudo con Manhy, Magiologia con Timo Pacheco, Vamos a Bailar con Verónica, y Entidad con Wave North, que es el tema que estoy promocionando, y me hace muy feliz poderlo compartir con ustedes, junto LaCarne Magazine

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a Pok 37, Bomzai, W Kronico y yo – mera-.

Mientras el planeta Tierra estalla en guerras, y sumadas las cuarentenas debido a la “plandemia”, desde el arte musical, ¿cuál es su visión y posición ante los Estados Profundos que se dedican a esclavizarnos y mandonearnos? ¡El rollo es no dejarse, y no dormirse, y no lloriquear porque no hay chance! Si queremos cambiar el mundo, debemos hacerlo ya, y con el presente decidir qué queremos hacer. Ahora con tanta información es necesario conectar primero con nosotros mismos, antes de que la información nos conecte a algo que no queremos.

Creo que dejar de ser víctimas de la manipulación mediática es a través de la expresión humana, y ya sea que por medio de la tecnología podamos llegar a más como nosotros que buscan algo en el arte.

Es muy refrescante escuchar a Rabia Rivera, empoderando la presencia de mujeres al frente del Mic. Algo sumamente fundamental. Representar con la dureza y firmeza femenina, además de la toma de consciencia, es un bien necesario para el desarrollo de la Cultura Hip Hop. ¿Cómo se va abriendo y expandiendo

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-musicalmente- entre los sistemas llenos de machismos y militarismos?

Ojalá sólo se tratara de poner ideas listas en los oídos de la gente.

Pero entrar a la industria musical ya es dedicar cuerpo y alma por la búsqueda de un fandom. Un artista puede exigirse demasiado, y quizá hasta perderse en su creatividad, así que trabajar con orden y metas claras es lo más importante para nuestra estabilidad emocional, y esas exigencias superficiales podrán ser discernidas por nuestro verdadero público seguidor.

Así que lucho por no sentirme mal cuando sé que, para unos mejores resultados, es recomendable sistematizar nuestro trabajado administrativo, que ya no tiene nada que ver con lo artístico, pero sí con la creatividad.

Rabia Rivera, defensora y luchadora de la Cannabis Sativa, que en muchas de sus canciones es mencionada y evocada. La santa planta es motivo de censura, pero es una hierbita que sale de los suelos y su tierra, una hermosura que nos ha regalado la escuela de la vida, una planta satanizada por los narcos estatales, y la gran Industria de Fármacos.

¿Qué tal, hoy por hoy, la Cultura Hip Hop en su área? ¿Algunas bandas o referentes que nos recomiende para adjuntar al playlist y escuchar con atención?

Increíble, vengo de una región con mucha historia de este género, con increíbles maestros y colegas feroces, que han logrado posicionar sus canciones en el gusto de la gente, por no llamarlo de las masas, pero en este momento hemos hecho una gran mancuerna entre los Estados que contienen muchas similitudes, y son casi hermanos.

¿Cómo se encuentra la lucha por la legalización y despenalización de la marihuana por allá?

Complicado, como siempre. No es fácil salir a la calle gritando: “soy mamá y fumo mota”, y no por que cualquiera creería que esas palabras jamás deberían ir juntas, sino las complicaciones legales a las que se enfrentan miles de mamás que necesitan ese lado recreativo para poder tener paz, y cumplir nuestro trabajo con amor y tranquilidad.

Lo hablo quizá más medicinalmente que recreativamente, porque realmente los beneficios son increíbles. Aquí la cuestión es ¡por qué chingaos! arriesgarse a conseguir una onza de marihuana miada (orinada) o llena de porquería, en lugar de tener lugares establecidos para considerar un consumo confiable y responsable.

Digo, quizá a nuestros dirigentes no les importa este tema, pero habrá miles de personas que llegaremos hasta el autocultivo con tal de seguir disfrutando de nuestra planta, que nos puede convertir en mejores personas.

Rabia Rivera, Sin Rap me Aburro

Hablo de Chihuahua y Coahuila -en específico-, Torreón y Juárez, que con mencionarlos ya suena a Revolución, y esto es lo que ha surgido desde mi integración en The Weight, y con ello la creación de Wave North, donde hay trabajos con artistas que son mis amigos, que eso es más chingón aún. Ellos son el master de masters W Kronico, que tiene todo el sabor clásico y hasta purista de nuestro Movimiento.

El emblemático y master de tantos Pok37, Productor y Rapero con una gran trayectoria, y sin duda un artista que se gana su lugar a pulso. El joven, pero supertalentoso Bomzai, que inyecta juventud y madurez con su música y estilo.

Con ellos formamos la primera parte del team de mis sueños, más toda la banda que se va sumando al cotorreo. Estos son los artistas con quien siento una familiaridad cabrona y un talento fenomenal, que me encantaría que todo el mundo los conociera.

Damos un brinco al Séptimo Arte, y dentro de este fascinante mundo cinematográfico, ¿qué película es su preferida, para verla una y otra ves?

Mulán sin duda. Yo creo que me inspira tanto que me aprendí los diálogos como oración (ja ja), es la principal en mi buscador.

En el vocablo y sus versos, tenemos lindas carreras profesionales que estamos seguros no sirven de nada en estos Estados Profundos, pero la Literatura y Poesía nos permiten reunirnos y unirnos en elevadas dimensiones LaCarne Magazine

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mágicas de familia, el poder de la palabra es apasionante. ¿Qué libros o autores recomienda para leer?

Hace semanas no recordé su nombre y sentí que me volvía loca (ja ja), así que volví a buscarlo y creo que es buen momento de darle una releída.

La Reina David puso en mis manos el último libro que leí físicamente, y fue Tu Crítico Interior se Equivoca de Danielle Krysa, lo súper recomiendo para todos los que estén vivos, ya que es una forma de descubrir que la creatividad es la que nos hace mejorar la vida. Sólo hay que poner acción y aplicarla. ¿Qué evento o Festival ha marcado la existencia musical de Rabia Rivera -hasta ahora- en el planeta azul?

El Festival 212 de Rmx en el 2011. ¡Nunca me sentí tan impresionada como ese día!

Revolviendo un poco las discotecas digitales del ahora, ¿qué álbumes y discos nos recomiendas para adjuntar a las colecciones?

Check Your Head / Beastie Boys, el homónimo de Vieja Guardia All Stars, y, Vol.1 / Dignatarios. Y creo que lo nuevo que saqué (ja ja), porque estoy segurísima que alguna rola encajará en tu vida.

Dentro de su activo y vasto recorrido, ¿qué canciones han sellado luces en su Espíritu? ¿Cuáles son los temas de su preferencia para interpretarlos en Escena? ¿Algunas rolas que sean parte de la fanaticada de Rabia Rivera?

Sin Rap Me Aburro es la primera rola que causó un cambio exagerado en mi carrera, y,que unificó lo que teníamos W Kronico y yo, en ese momento de mucha especulación, y a partir de ahí siento que el mundo me tomó en serio.

Luz Purpura es mi rola favorita, porque media canción la escribí en el Estudio, perdí la mitad en la computadora por culpa de mi hijo, que era un bebé y yo mamá distraída, y fue el trabajo final de un diplomado del General W Kronico, que teníamos que grabarla ese día y a esa hora, y prácticamente fue un free el final -oups ja ja-. Amo tocarla en vivo, la siento

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tanto que me es muy fácil interpretar.

Sin Rap Me Aburro, Cigarro Tinto y Monchis, Luces de Bengala, Me mantengo, y, no sé, ¡me gustaría que también se enamoren de las nuevas rolas, como yo!

Unas palabras de ánimo para las chicas y chicos que se quieran iniciar en el Movimiento, y por medio de la música Rap quieran expresarse o comunicarse.

Hágalo para reírse, para liberarse, para enamorar, para convencer, para vivir, para comer, ¡pero háganlo con chingo de amor, por favor!

Y si no, mejor siéntese a escucharlo o párate a bailarlo.

Siempre activa y productiva Rabia Rivera, ¿qué planes o proyectos tiene para el 2022? ¿Alguna primicia que nos quiera compartir?

Wave North, mi sello, mi familia es mi chamba en este momento, y ¡estoy orgullosa del ritmo que llevamos! Estreno rolas con ellos, justo ahora promociono Entidad, Me Voy Lejos, y una colaboración con Dan Koh y Jerónimo Gorraez, ¡que seguramente hará llorar a dos o tres!

Su mensaje de despedida para la gran fanaticada, y para las nuevas seguidoras / admiradoras, para los lectores y lectoras de LaCarne Magazine. ¡Chingo de gracias, no soy nada sin ustedes!

Y por favor, no se pierdan los nuevos lanzamientos, ya que no voy a tener piedad con esto. ¡Y vamos por todo!

F

inalizo la presente entrega con mucha alegría, y dejando esa zona de confort rabiosa para otro momento, como dijo la artista. Mientras disfruto en el Spotify la nueva rola Entidad, y me agarro de lo inefable del Arte, invisible y poderoso como los Arcángeles, benditos los que nos escuchamos y comunicamos en este tiempo de ascendencia, y transformación planetaria.

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