LaCarne Magazine N104 by LaCarne Magazine

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Nº104 - FEB 2021 - AÑO 10

las ardillas de dakota sin límites con posmodernia

ENTREVISTAS

Jarramplas - lujuria - morti - taladro - En árbol Difunto The Architect of Nightmares - T Hate - Laverno - I.N.D.I.O. Directamente

investigación

Top 40 Música Extremeña Joao Gilberto

N104 aÑo 10 feb 2021

SUMARIO

investigación 06 Top 40 Música Extremeña

48 Taladro, Metal Brutal Consciente 54 En Árbol Difunto, el sonido de la

14 Joao Gilberto, eterno legado del

64 The Architect of Nightmares,

2020, Los 40 Carnívoros padre de la Bossa Nova

madera

Metal Extremo e historias ocultas

70 T Hate, Rap Kolla desde las alturas entrevistas de La Paz 28 Jarramplas la música y el papel de 76 Laverno, Death Metal de la vieja la mujer

escuela

34 Lujuria, 30 años, una vida 42 Morti, músico, compositor y poeta

80 I.N.D.I.O., Hardcore desde La Paz 86 Directamente, la solución en

itinerante

streaming

20 Las Ardillas de Dakota sin límites con Posmodernia

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

jorge ares, la chica boom, alfonseka, eva maría aroca, Luis Lama, omar vega

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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Top 40 Música Extremeña 2020 Los 40 Carnívoros

remendamente difícil realizar un top 40 de video-singles publicados en este 2020. Queríamos emular aquel mítico programa donde nos televisaban los videos musicales desde el número 1 al 40. Hemos recurrido a 40 grupos sabiendo que ha habido otras propuestas que no han podido estar en nuestra lista por no tener video single, pese a tener trabajo en este 2020. Amenoskuarto, Le Redtubers, Willy Wylazo, Supersexy Sound System, Les Motriz, Ulises Fernández, La Tabarra Quartet Band, Daniel Cárceles y su banda entre otros, son

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algunas de las formaciones que no han podido entrar en la enumeración, y es que cada año es más difícil poder elegir entre tanta variedad, calidad y propuestas realizadas en toda la región. Hemos intentado hacer la lista siguiendo los criterios de paridad. Si queréis participar en la enumeración, podéis votar o hacernos llegar vuestra propia lista a través de los comentarios en el mismo artículo o en nuestro Facebook.

Los 40 Carnívoros

Puertohurraco – Gloria Los de Mérida se han sacado de la manga el mejor disco (EP) del año. Gloria, su primer single, es una temazo realizado durante el confinamiento de puro Rock convencional sobre las

relaciones de pareja y sus problemas.

y pegadizo para toda la familia.

A los sintes está el teclista de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, que hace aún más maravilloso el track. Rock, Punk, Psicodelia y Garaje muy castúo para quitarse el sombrero.

https://youtu.be/6nPMT-4ZndE

https://youtu.be/reZZzjd3ovE Mala Sangre – The Night of Exploding Fireflies El Electro Dark más “frenzy”, juego de palabras para señalarnos las influencias de la electrónica francesa de sellos como Ed Banger, y el frenesí de esos pianos oscuros y Reznerianos, que nos vaticinan un discazo a modo de EP del cantante de la banda Paradise Key. Un temazo bailable sobre el control de las redes y las tecnologías en el ser humano. En San Vicente tenemos la B.S.O de un episodio de Black Mirror. https://youtu.be/cXbCDWNH8OM Supertennis – Cosas Simples Single realizado también durante el confinamiento, que genera un buen rollo enorme, y es un gran homenaje a todas aquellas pequeñas acciones/momentos de la vida que nos llenan de felicidad, y que solo las valoramos cuando dejamos de tenerlas. Una oda a la vida por parte de los de Alburquerque, que sin duda son la mejor banda Pop del momento. Un video fantástico y muy emotivo que nos alegra la existencia. https://youtu.be/9FAbCctUvys Javato y Los Disfrutones – Wawa Es otro de esos temas que nos alegraron el confinamiento, y que llenan de luz y de alegría situaciones complicadas. La banda pacense recoge ese desenfado, cachondeo, jolgorio y buen rollito tan importante en tiempos de pandemia. Single de su disco El Renacer de Nicodemo. Un himno rumbero

Rojo Cardinal – Madrid Los de Badajoz nos presentaron en enero pasado el tercer single de su disco primigenio Vuelan. Post Rock en castellano, su canción nos habla de las sensaciones, emociones de los pacenses en su nueva ciudad. La madurez de los hermanos se plasma perfectamente en el nuevo proyecto de ambos, y deseando verlos en nuestras tierras lo antes posible. https://youtu.be/fZQUextHIIo Solaris – Eve Una de las bandas más veteranas y con más bagaje del panorama Indie extremeño. Chuli se ha rodeado de estupendos músicos, y se nota con un trabajo sublime de Brit Pop intimista con guitarras afiladas, distorsionadas y atmosféricas de aire retro, muy en la onda de formaciones de Manchester. Chuli se llama Jesús, y su esencia recuerda a The Jesus & Mary Chains. https://youtu.be/KrIzLT8UNL4 Subterráneos – A Tourist in Your Own Youth Nos presentaron este nuevo single perteneciente a su álbum Take a Ride. Rock Indie de sonidos fuzz, guitarras pegadizas y melódicas shoegaze. Su música nos recuerda a Slowdive, pero también a Oasis, Cardigans o Garbage. Gran talento escondido entre chupas de cuero y actitud rebelde. Paco Loco los apadrina, y tú deberías escucharlos y verlos en directo. https://youtu.be/zHJA7YX3UlU Chloé Bird – La Herida Primer single de su cuarto álbum, que verá la luz ahora en el 2021.

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Canción en castellano es la gran sorpresa que nos depara lo nuevo de la artista cacereña, donde la calidad y madurez de sus composiciones, como la brillantez de sus videos, la convierten en una de las referentes del Pop extremeño.

Una jota que, bajo la percusión japonesa de Takashi Tajima, es una alhaja de valor incalculable en defensa de la naturaleza y del planeta.

Un tema que nos habla del deseo, con una muy buena producción audiovisual.

Descalzas – Generación Perdida La banda, procedente de diferentes partes de la provincia de Badajoz, nos presentó este single sobre la dificultad de los jóvenes para encontrar un trabajo y labrar su futuro.

https://youtu.be/9DRG9UsjqmE Niño Índigo – Donde Quiero Estar Segundo single de su álbum Meraki. Una oda a la naturaleza, un himno ecologista, una belleza sin igual la que nos lleva este cantautor Indie. Esta joya que tenemos en la Sierra de Gata es puro intimismo y preciosidad, aplicado al Folk más underground. Su cuarto álbum nos refleja perfectamente los sentimientos y las emociones durante el confinamiento. https://youtu.be/IU1XxkX8JmY Ruiseñora – Puñales que te doy Electrónica y psicodelia popular. Un temazo donde los ritmos bailables de la electrónica se fusionan dentro de una catarsis musical con la voz folk de su cantante, para adentrarnos en una santa rave. Una pacense y un canario residentes en Madrid nos bendijeron con un trabajo que se escapa de lo divino, para llevarnos a lo terrenal a base de beats y canción española. https://youtu.be/_sUmNjOckFk Milo Ke Mandarini – Pan de Pájaro Originarios de Castilla, la formación decidió elegir Villanueva de la Vera como su residencia en 2012, y desde entonces han sido adoptados como unos extremeños más. Unos apasionados del folk y de las músicas tradicionales mediterráneas, son la máxima representación de los sonidos más ancestrales y tradicionales de nuestra y otras tierras.

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https://vimeo.com/483947774

Un hit de puro Funk y Soul. Forma parte de su disco Con el pie izquierdo, una perfecta fusión de Swing, Soul, Funk, Rock y reivindicación. https://youtu.be/pJo5KpO50LA Fônal – Grita La banda cacereña de Pop Electrónico nos presentó su tema más Funk con la colaboración de la veterana rapera cacereña Laura P. Una canción con mucho flow sobre la igualdad y la sororidad. Formará parte del nuevo trabajo de la formación, que presentará seguramente a lo largo de este 2021, pero lo que sí que estamos seguros es que esta canción sonará sobradamente en algunas de las concentraciones entorno al 8M. https://youtu.be/Hj8oMxxwccs Scud Hero – Covid Nineteen El de Campanario es quizás uno de los músicos con más experiencia del panorama extremeño. Nos presenta este single realizado durante el confinamiento, donde claramente utiliza el nombre de la enfermedad para dejarnos un track pegadizo de Rock Electrónico. Un largo recorrido, y tantos y tantos reconocimientos lo hacen indispensable en el pasado 2020. https://youtu.be/JODnFK2qld4

Hombre Tigre – Ha empezado el baile Los de Cáceres nos hicieron bailar con este single. La banda de uno de los ilustradores más internacionales de Extremadura nos presenta su nuevo grupo con otros experimentados músicos de la capital mangurrina, donde el Pop Electrónico nos hace gozar. Derrochan carisma, y sobre todo ganas de hacérnoslo pasar bien a base de ritmos electrónicos, melodías Pop, sintes ochenteros, y un desenfado renacentista. https://youtu.be/qwK3LiDTibg Modernphase – Neandertal El dj/productor pacense no podía faltar en este 2020 con este temazo de ese estilo tan “bizarro” de electro-techno-acid ochentero castúo. Su música tiene guasa, tiene baile, y tiene sonidos retros que lo hace único e envidiablemente bueno. En Dj Mag lo saben, y por eso lo han fichado, y en Extremadura no hay fiesta sin él y, por supuesto, sin la formación a la que pertenece, Gameboyz. https://youtu.be/2O22Rdh7PWk Elnietoelgrave – Pa lo mío fear Isayah Thomas No podía faltar el trap y la música urbana, y quién mejor que el cacereño, además acompañado por uno de los gurús del rap extremeño. Un tándem perfecto de rap y R&B, que sin duda formará parte de la BSO de los móviles en las plazas y parques de cada ciudad del Estado.

Contundente, directa, sin miramientos. Sus letras van al grano, critican, son incisivas, y forma parte de esa nueva generación de raperas extremeñas. Además, cuenta con los beats y la producción de Evil Man, un referente en la escena Hip Hop instrumental, y un multi instrumentista que juntos nos han dejado un tesoro cargado de fuerza y reivindicación. https://youtu.be/6SooNZ3MRLQ Yago X Prosav & Vincent Beat – Verde, Blanca, Negra El video salió en abril, pero el tema se publicó el 30 de diciembre de 2019, pero no podía faltar este temazo del pacense. Reivindicación de la tierra, de querernos más, de respeto, de proteger lo nuestro. Cuenta con los elogios de raperos gurús nacionales como Frank T, y sin duda le espera un futuro prometedor. https://youtu.be/g-ktrbDT234 Jam Ramírez – New Era Mc originario de Torrejón de Ardoz, es una de las sorpresas que nos ha deparado el 2020. Su andadura se empezó a forjar en Extremadura como finalista en el Festival Interferencias 2019. El rapero es de los de vieja escuela, claro, conciso, combativo, a degüello para hablarnos de las realidades que nos tocan vivir. La Siberia extremeña como paisaje de fondo para rapearnos sus vivencias propias, en este nuevo single de su Ep Polos Puestos. https://youtu.be/bXSI-JQqfWQ

Una canción pegadiza de flow latino de uno de los artistas revelación del 2020. Todo queda en casa porque además el vídeo ha sido realizado por el pacense Esquie.

Lorkan & Dj Kast – We Have Magic Veteranos en la escena hip hop cacereña, nos presentaron a principios de año este segundo single de su disco Siempre desde ahora.

https://youtu.be/GNlYfKwwEVg

Frank T y el programa La Cuarta Parte ya les han brindado tiempo y maravillosas palabras, y nosotros no podíamos ser menos. Hip

Prosav & Evilman – Esfuerzo Crónico

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Hop de vieja escuela con unas notables bases Funks, y un viento dinámico y elegante. https://youtu.be/zUbXwxmkeIg Shoul & Libra Loggia – No Keremos Dinero Otros representantes de la música urbana cacereña son este dúo, que nos presentaron este pasado noviembre este nuevo single de letras directas pero costumbristas sobre la amistad, la diversión o la tierra. Con un estribillo pegadizo, los Mc’s conquistan los barrios donde la vida en la calle es una seña de identidad. https://youtu.be/gEWJY_bE9mo Pab Loparte – Calma M’c de Reggae, componente del grupo Real Jalea Pacto y del colectivo Extremareggae Family. El de Montijo es un Hip Hop rebel.

veíamos en aquella pequeña tienda de música del barrio de Valdepasillas, nunca imaginamos que estábamos ante una leyenda. Rock de influencias americanas, a veces la etiquetan como Blues, lo único que nos queda claro es que es nuestra reina del Rock and Roll. https://youtu.be/k4tAwW5pt74 Gene García & Mili Vizcaino – The Lady us a Tramp El dúo, junto con la Iberian Big Band, nos presentó el pasado mes de abril esta versión de Ella Fitzgerald para hacernos recordar lo maravilloso de las grandes orquestas americanas de a mediados de siglo XX, donde la elegancia y la genialidad van de la mano a modo de Swing y Jazz para Big Band. https://youtu.be/Jye_OUrsuVw

En su single nos habla de bajar de revoluciones, de tomarse la vida más tranquilamente, de ir poco a poco, de ralentizarse en su alegato a la naturaleza y al planeta, otras formas de hacer y de vivir.

Bambikina – Fe El pasado mes de abril, la artista de Jaraíz de la Vera nos presentó un single tan emocionante como esperanzador sobre la superación realizado durante el confinamiento.

https://youtu.be/C4TdQ-yRFeM

Puro sentimiento en la chica del Folk español. Canción que forma parte del disco Túnel, donde las influencias del Folk americano son evidentes, y en la que está acompañada por Depedro.

Happy New Year & 3AM – House of Lies La formación pacense, maestros del power pop con influencias del rock o el folk americano, nos brindaron con un nuevo single. Un homenaje a los cortometrajes de animación del siglo pasado, para contarnos una nueva historia de los hermanos Sánchez a ritmo de Country Rock. Se quedaron a las puertas de la final del Azkena Rock, que se tuvo que suspender por el virus, así que estos jóvenes sureños no pueden faltar en nuestra lista.

https://youtu.be/q_p9kd2NUs0 Prexton – Tony Montana El cacereño es una de las revelaciones del pasado año en cuanto al pop más anglosajón y folk más americano. Es un cantautor Indie de voz elegante, melodías adictivas, grandes arreglos, y mucho talento a la guitarra.

https://youtu.be/KxOPzVwGAYk

https://youtu.be/N8qNlxv5x18

Susan Santos – Somebody to Love La guitarrista, cantante y rockera pacense más internacional del momento. Los que la

Jorge Navarro & DaniFlaco – La Hora de los Traficantes El cantautor madrileño, adoptado en Montijo

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y Badajoz como un extremeño más, consigue hacer su sueño realidad al formar la pareja perfecta en el segundo single de su álbum El temblor de las quimeras. Folk-Rock de letras poéticas y contenido social hechas en castellano. https://youtu.be/8qIv1fmw8Yg Chop Chop y Los Chicos de Shooterville – El Alquimista La banda pacense y montijana nos recuerda a los grandes clásicos del Rock n Roll.

pensar le dio al hombre. Grabado durante el confinamiento, cuenta con los violines de Carlos Pérez, violinista de Robe, que aporta nuevos matices rockeros a los maestros del Rock rural. https://youtu.be/-Pm9SyIAsjU Derrape – Esclavo La formación originaria de Burguillos del Cerro nos presentó este single, que tiene mucho de homenaje en estos tiempos donde quien más y quien menos ha perdido a alguien.

Rolling Stone, T-Rex, Tom Waits son algunas de las influencias. En su último single con alma de Blues sureño, aplica ese color y filtro amarillo del vídeo para narrarnos letras personales y vivencias propias en castellano.

Incluido en el álbum El Precio del Arte, es una historia de romper las ataduras del trabajo a modo de rock urbano.

https://youtu.be/Rr4JiEZELAw

La Bruja Roja – Besos de Rock N Roll La banda cacereña nos presentó el single del disco con el mismo nombre. Rock ‘n’ roll puro en castellano de esta veterana banda de la capital mangurrina.

Deimler – Zero One Nuevo proyecto del experimentado baterista Óscar Trigoso. Desde Cáceres estamos de enhorabuena los amantes del metal extremeño. Zero One es puro Death Metal. Es el segundo single del EP del mismo nombre. Un tema que nos recuerda a Terminator, a la ciencia ficción, a escenas postapocalípticas, muy acorde con los tiempos en los que vivimos. https://youtu.be/laxMb4F5s2g Noxfilia – Carne de Cañón La banda placentina de Rock Punk nos presentó este tema de su disco en Tierra de Nadie, que lanzaron en el abril pasado. Un track sobre la inmigración, los refugiados, y todos los problemas que acarrea el abandonar una tierra para buscarse su futuro en otra. https://youtu.be/ANr904pCvrg Sinkope – Sin ti no hay color La formación de Quintana de la Serena nos presentó este segundo single de su disco Por

https://youtu.be/qtuIjVQWXTw

Un single con su propia identidad y estilo, fruto de un paso hacia adelante en la trayectoria de la formación. Los cacereños podrían poner perfectamente la B.S.O de Melisandre en GOT. https://youtu.be/jUaJkdkCadE Heiser – Catedrales La formación pacense es uno de los proyectos emergentes de la música extremeña. Nos presentaron el primer single de su disco Futuro imperfecto. Un tema que nos habla de los cambios, de la incertidumbre, de las dudas cuando abandonamos nuestros yugos de confort. Rock Indie en castellano de guitarras vibrantes, de músicos con tablas consolidadas. https://youtu.be/SDTGx9R-kMU Duende Josele – Hijos del Viento El ex Desván del Duende nos presentó el sinLaCarne Magazine

gle de su libro disco Desnudos integrales. José Manuel tiene mucho de poeta y también de cantautor, y en esta canción nos habla de muchas y tantas cosas como las utopías, las realidades, o las metáforas, que nos recuerda a clásicos como Luis Pastor, o a artistas más contemporáneos como Residente. https://youtu.be/Gi0Y898UwtI Huecco Feat Ana Guerra – Dos Segundos El extremeño, en colaboración con la canaria, nos presentaron un tema de Pop latino sobre el disfrute de la playa y la nieve. Cada uno nos narra lo que le gusta en contraposición del otro, y en perfecta fusión musical. Verano e invierno, playa y nieve, surf y snow, todo bajo la inconfundible esencia bailable y pegadiza “marca de la casa”. La canción perfecta para soñar sobre tiempos mejores. https://youtu.be/DSf8P9tQ4EA Rubén Rubio – Ahorita Es uno de los mejores bajistas del Estado, y éste fue el single de presentación de su disco Inexorable. Segundo álbum del cacereño, donde el jazz fusión es su seña de identidad. Un disco en el que han participado más de 30 músicos de los diferentes continentes, nos demuestra el nivel del artista que tenemos delante. https://youtu.be/7UQiNT2gtfU La Matrioska Creativa – XYZ Mario Soler sigue la estela de su anterior proyecto musical, Kempes, para ofrecernos el primer single de la maqueta Coordenadas de la Emoción, publicado hace un par de meses. Pop Electrónico y Synth Pop de atmósferas espaciales y voces melódicas e intimistas. Conceptualidad, delicadeza, y experimentación, acompañando a letras poéticas e hipnóticas desde Villafranca de los Barros. https://youtu.be/ZDn9gW2g7fQ

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SOLARIS - Foto por Javier Pulpo

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Joao Gilberto

eterno legado del padre de la Bossa Nova LEER MÁS

s suena el texto escrito aquí debajo, verdad? Sin duda es la canción más famosa que ha regalado Brasil al mundo (sin contar con lo que nos hizo Xuxa a los niños de los 80 de medio mundo…), pero no sólo eso, también se trata del icono de un estilo musical nacido de la combinación de la Samba y el Jazz: la Bossa Nova, cuyo principal arquitecto será el protagonista de esta nueva entrega: O Mito, Joao Gilberto.

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Olha que coisa mais linda Mais cheia de graça É ela menina Que vem e que passa Num doce balanço, a caminho do mar

La Bossa Nova: letras de amor, añoranza y nostalgia

Antes de entrar en materia, vamos a explicar un poco qué es la Bossa Nova, un estilo musical tan metido en el imaginario popular que es difícil que alguien no sea capaz de reconocerlo. Pero, ¿de dónde sale? La Bossa Nova es un estilo de samba que se desarrolla en Brasil

en los años 50, principalmente en la zona de Rio do Janeiro. A diferencia de la samba, que surgió en guetos y con la influencia de la música africana, la Bossa Nova nace entre la clase media blanca del sur de Rio, donde se encontraban los barrios nobles de la ciudad. Su principal característica es que utiliza ritmos diferentes que alternan las armonías, introduciendo acordes poco habituales, así como una síncopa muy innovadora, a partir de una sola división rítmica. Vamos, que era una vuelta al beat típico de la samba. Parece ser que fue

inventada por el baterista Milton Banana a partir de la simplificación extrema del ritmo de la samba, como si quitaran todos los instrumentos menos el tamborín. La innovación vendría de la sintetización del ritmo de la samba en la guitarra clásica de Joao, que reducía la participación de la batucada, estilizando los sonidos, todo ello a partir de la guitarra y de sonidos percusores del surdo y el tamborín. Se considera que la primera aparición del estilo es con el álbum Canção Do Amor Demais, donde la cantante Elizeth Cardoso se hacía LaCarne Magazine

acompañar por la guitarra de Joao, que innovó en la marcación del ritmo acentuando los tiempos débiles, para crear una síntesis perfecta entre el ritmo de la samba y la guitarra. La canción Chega De Saudade, se convertiría en un hito nacional (e internacional) de la Bossa Nova. La Bossa Nova no tiene pasos de baile que la acompañen. Se toca la guitarra en un patrón simple de un compás. El pulgar toca las notas bajas en 1 y 2, mientras los dedos tocan los acordes al unísono. Es una síncopa en el segundo compás… todo esto parece muy complicado, pero para que os hagáis una idea es como si la música estuviese balanceándose, y todo ello a partir de letras de amor, añoranza y nostalgia.

Joao Gilberto, el padre de la Bossa Nova

Joao Gilberto Prado Pereira de Oliveira nació el 10 de julio de 1931 en Juazeiro, Bahía. Hijo de un rico comerciante, vivió junto a su familia allí hasta los 11 años, cuando se mudaron a Aracaju. Con 14 años conseguiría su primera guitarra, regalo de su abuelo, creando su primera banda: Enamorados do ritmo. En 1947 Joao Gilberto se traslada a Salvador de Bahía, abandonando sus estudios para centrarse únicamente en la música y en la guitarra en concreto. Con 18 años comenzó a trabajar como crooner en la Radio Sociedade da Bahía. Después viajó a Rio do Janeiro, si bien comenzó trabajando como burócrata del Congreso, este trabajo le duró muy poco, y pronto estaba en la calle haciendo todo tipo de trabajos artísticos. Las primeras grabaciones del maestro Joao Gilberto que encontramos son dos sencillos de dos canciones a 78rpm. Están un poco deterioradas, y hasta 1956 no encontraremos grabaciones suyas de calidad, momento en que se produce la unión más famosa e importante de la música brasileña, la que crea nuestro protagonista con el productor, arreglista y compositor Antonio Carlos Jobim. Cuando se conocieron, Jobim quedó profun-

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damente impresionado con el estilo de Joao, poniéndose a la cabeza de sus composiciones, creando una de las comuniones artísticas más características de la historia de la música. El año 1963 fue decisivo para nuestro artista. A pesar de no llevarse muy bien, colaboró con el artista de Jazz Stan Getz, con la creacción

A partir de aquí, el estilo de Joao Gilberto se perfeccionó con la combinación de elementos tradicionales de la Samba con el Jazz más contemporáneo. Un estilo a partir de la guitarra acústica única, con un ritmo sincopado de acordes puntuados, con progresiones de acordes que se arraigan en la tradición del Jazz. Además, vocalmente ofrecía un estilo relajado y muy discreto, Joao no parece que cante, parece que susurre, como un murmullo, algo que sin duda aprendió de Chet Baker, pero también de las notas lentas de Miles Davis y Lester Young. Joao Gilberto era un trabajador exigente, que pretendía un control extremo sobre la acústica y el ruido. Ojo al dato, llegó a hacer 28 tomas para la canción Rosa Morena, hasta que pronunció correctamente la o de Rosa. Normalmente utilizaba 2 micrófonos para grabar, uno para la voz y otro para la guitarra, creando así una armonía mucho más clara, donde ambos sonidos competían por igual. Joao Gilberto tuvo una larga trayectoria con 13 álbumes de estudio y 4 directos; sin embargo, sus últimos años estuvieron marcados por problemas económicos y de salud. En 2011 le demandan y desalojan de su propia casa, y estuvo con litigios con sus hijos mucho tiempo. Parece ser que en 2017 su declive mental era notorio.

del disco Getz/Gilberto, que rápidamente se convirtió en un éxito internacional, y en un hito mundial de la Bossa Nova. A este álbum pertenece la archiconocida The Girl From Ipanema, donde también cantaba en inglés la esposa, en ese momento de Joao, Astrud.

La última actuación que consta de Joao Gilberto fue en el año 2008. Era tan poco frecuente verle en directo que los últimos conciertos que dio fueron en Brasil todo un acontecimiento. La última vez que se le vio fue en 2015, en un vídeo en Internet mientras le cantaba a su nieta A Garota De Ipanema. Murió el 6 de julio de 2019. Joao Gilberto fue un genio solitario con una voz íntima, rítmica y melódica. Más que escuchar una canción parece que estamos escuchando una charla, en bajito, como si cada palabra que saliese de la boca de Joao estuviese envuelta en un aire de melancolía. Eterno legado el del Padre de la Bossa Nova. LaCarne Magazine

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Las Ardillas de Dako Sin lĂmites con Posmodernia

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ota Texto por Pedro Gallardo

espués de meses con el sector de la música casi parado por culpa del COVID, ya pensábamos que no quedaba nada nuevo por descubrir, y que era mejor que terminara el año cuanto antes. Por suerte, Las Ardillas de Dakota nos dan una auténtica sorpresa en septiembre del 2020 con un bombazo sonoro: su Ep Posmodernia. Esta banda legendaria nos alegró el año cuando pudimos escuchar y disfrutar Posmodernia, un trabajo de Pop Rock bastante completo, y con una producción impecable de Guille Mostaza (Izal, Miss Caffeína, etc…), que ha conseguido un sonido muy moderno, manteniendo la marca característica de Las Ardillas de Dakota desde sus inicios, a finales de los 80. He de confesar que cuando pusimos Posmodernia en la Redacción de LaCarne Magazine, dejamos que el disco se repitiera varias veces de lo que nos gustó. Con la primera escucha ya consigue atraparte, y la voz de Jose Mora es la guía perfecta para viajar por la visión particular que tiene el grupo del mundo que nos rodea. Posmodernia es un trabajo muy completo y de muy alto nivel, que podría perfectamente dar la sorpresa en Latinoamérica, demostrando que Las Ardillas de Dakota tienen las cosas claras, y que ya no hay límites para ellos.

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Las ardillas de dakota, sin límites con Posmodernia

Bienvenidos a LaCarne Magazine, es un placer teneros aquí. Antes de entrar en materia, nos gustaría hablar con vosotros de los inicios de Las Ardillas de Dakota. ¿Cómo recordáis esos primeros ensayos y los primeros temas? Éramos muy jóvenes, 15 o 16 años. El único que tenía base musical era Rodolfo, nuestro primer guitarrista. Él nos enseñó mucho. Lo demás, como todos los grupos que empiezan a esa edad, muchas ganas e ilusión. Hacíamos versiones principalmente de grupos españoles, pero desde el inicio empezamos a hacer nuestras propias canciones. El recuerdo de esa época es inolvidable. Las Ardillas de Dakota se formó a finales de los 80, y a lo largo de vuestra trayectoria han sido unos cuantos los músicos que han pasado por la formación. ¿Cuántos quedáis de los componentes originales? ¿Seguís teniendo relación con los exmiembros de la banda? De los seis que éramos, quedamos tres, justo el esqueleto de la banda: batería, bajo y guitarra rítmica. Eso no se ha movido nunca del grupo. Sí, tenemos relación con la mayoría de ellos, también con otros músicos que han pasado por el grupo. En las primeras maquetas fuisteis perfilando poco a poco vuestro estilo y sonido. Nos gustaría saber cómo sonaban entonces Las Ardillas de Dakota antes, y cómo habéis ido evolucionando en vuestro sonido hasta hoy. Empezamos muy influenciados por la música de esa época, principalmente grupos españoles. Pop-Rock puro y duro, muy guitarrero, y con una base rítmica muy potente. Con el tiempo hemos ido probando cosas, hemos tenido cinco guitarristas distintos. Eso también nos abría más a otro tipo de sonidos y arreglos, pero la esencia de las canciones siempre ha sido la misma. Vais creciendo, y comenzáis a dar conciertos hasta un momento en el que os tomáis un descanso para después sacar vuestro primer larga duración, Cruce de Caminos (1995). Desde la perspectiva de la banda, ¿cómo veis vuestro primer trabajo ahora? ¿Qué importancia

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tiene éste para Las Ardillas de Dakota? Desde la distancia lo vemos como un disco muy típico de esa época, pero que suena impresionantemente bien. Nos lo grabó Juan Miguel Cobos y Pepe Loeche, en los estudios Musigrama. Hablamos de dos de los mejores ingenieros de sonido de este país. Hace poco lo hemos remasterizado, y se sigue escuchando mucho. Es un disco fundamental en la trayectoria de la banda. Nos sorprendió mucho saber que unos meses después de la salida de este trabajo la banda se separó. ¿Llegasteis a hacer gira para presentarlo? ¿Qué fue lo que ocurrió para que tomarais esa decisión de dejarlo? Era complicado, hay que trasladarse a esa época. Ya nos pilla con 25, 26 años y, o te fichaba una compañía, o era difícil dedicarte a esto, y tienes que buscarte la vida. Estuvimos muy cerca, pero al final no pudo ser. Empezamos a tener responsabilidades que no teníamos, y poco a poco lo fuimos dejando. Afortunadamente, Las Ardillas de Dakota volvéis en 2012. Contadnos, ¿qué os llevó a reuniros de nuevo? ¿Cómo fue volver a tocar y pisar los escenarios después de tanto tiempo? Esas responsabilidades van cediendo, y empiezas a tener algo más de tiempo. Al principio solo queríamos divertirnos un poco, y grabar muchas canciones que se quedaron en el tintero, pero principalmente nos animó mucho la fuerza del fenómeno Internet y lo que conlleva, las redes sociales, plataformas, etc. Al reeditar nuestro disco Cruce de Caminos y las maquetas que hicimos en el 89/90, nos empezamos a dar cuenta que por ahí teníamos hueco. Que nos pudieran escuchar en cualquier parte del mundo era algo que nos atraía mucho. De hecho, a día de hoy en Soundcloud nos escuchan más en Mexico y en Estados Unidos que en España. Es una pasada. Regresáis con fuerza, y publicáis Como Ayer en 2012, Por cualquier razón en 2013 y Volver a empezar en 2017, en el que se aprecia un cambio de estilo, una evolución en cuanto a vuestro sonido. ¿Cómo se da esa evolución? ¿Qué hay de diferente en este disco? Son tres discos muy diferentes. COMO AYER LaCarne Magazine

Foto por Sala Aperitoche

lo grabamos con muy pocos medios, y aunque al principio nos ilusionó mucho, con el tiempo nos dimos cuenta que lo podíamos haber hecho mucho mejor. Nos gustan mucho las canciones de este disco, y uno de nuestros futuros proyectos es volver a grabarlo. De hecho, en algunas canciones ya lo hemos llevado a cabo como “Mentira”, “Tus lágrimas”, y ahora “En esta ciudad”. POR CUAQUIER RAZÓN ya son palabras mayores. Queríamos volver para quedarnos. Joaquín Cobos, Papá Cobos, que nos ayudó en todo desde el principio, nos puso en contacto con Joaquín Torres, productor de muchísimos grupos de este país (Los Secretos, Hombres G, 091, etc.). El resultado fue buenísimo, además nos animamos a hacer una versión de Perlas Ensangrentadas de Alaska y Dinarama. Este disco nos permitió hacer una pequeña gira por España. Y con VOLVER A EMPEZAR quisimos plasmar en un disco cómo tocábamos en ese momento en directo. Lo hicimos en nuestro estudio para ganar en naturalidad. Se basa en

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una base rítmica muy potente. También dimos bastantes conciertos por España, y terminamos compartiendo cartel con Hombres G en el festival Europa Sur. Dejemos el pasado a un lado, y centrémonos en el presente. Habéis seguido evolucionando y, además, habéis fichado a un nuevo músico. ¿Habéis hecho audiciones, o ya estaba claro quién sería? Es el quinto guitarrista del grupo, Ramón Blein. Ya le conocíamos, es muy bueno y con mucha experiencia en directo. Es curioso. Siempre que se ha ido un guitarrista, nos lamentábamos mucho, era como si retrocediéramos. Pero con el tiempo nos hemos dado cuenta que ha sido bueno para el grupo. Nos ha obligado a variar y probar nuevos ritmos y sonidos, y no hacer siempre lo mismo. Os habéis puesto en marcha de nuevo con la nueva formación, y recientemente habéis sacado nuevo material al que habéis llamado Posmodernia. Contadnos qué vamos a encontrar en este nuevo trabajo.

Foto por Sala Aperitoche LaCarne Magazine

La esencia de las mismas canciones de siempre, pero con un sonido nuevo, renovado, incluyendo nuevos instrumentos y una producción más moderna. Los temas de este nuevo trabajo, ¿cuándo y cómo los habéis compuesto? ¿Cuánto tiempo os ha llevado hacerlo todo? Excepto “En esta ciudad”, que recuperamos del disco Cómo Ayer, todos son temas nuevos. Trabajamos en él un año o más. También incluimos una versión de Metadona del grupo Pistones. Habéis contado con Guille Mostaza en la producción, y nos gustaría que nos contarais cómo ha sido trabajar con él, y cuál ha sido su aportación en este trabajo. Estábamos un poco estancados en el PopRock tradicional, y queríamos ofrecer algo distinto. Escuchamos las producciones de Guille, y nos dimos cuenta que era lo que buscábamos. Nos entendió muy rápido. Queríamos un sonido nuevo, pero sin perder la esencia y la base rítmica. La grabación nos pilló en medio de la pandemia, y Guille nos puso muchas facilidades. Incluso las guitarras adicionales y algunos coros los metió él por la imposibilidad de ir. Guille Mostaza ahora mismo es de los mejores productores del momento, sin ninguna duda. Hemos visto el videoclip de En esta ciudad,

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uno de los temas que componen Posmodernia. ¿Hay algún motivo concreto por el que hayáis escogido este tema para el videoclip? ¿Dónde y con quién lo habéis grabado? Nos inclinamos por este tema sobre todo porque mostraba mucho el cambio de sonido que hemos dado a este disco. Los sintes y arreglos de Guille son fantásticos. El video lo ha hecho Jaime Guerrero, componente del grupo The Slothys. Nos gustó mucho los videos que estaba haciendo para su grupo. También hemos contado con la participación de la actriz Leticia Ramos, que está genial en el video. Con la situación actual y las restricciones por la situación sanitaria, ¿cómo estáis llevando a cabo la promoción de Posmodernia? ¿Sois de los pocos afortunados que podéis dar algún concierto? Hace casi un año y medio de nuestro último concierto, compartimos escenario con La Frontera. Luego no quisimos tocar más para

Foto por Sala Aperitoche

preparar el disco, y ya vino la pandemia. La promo del disco la hacemos a través de las redes sociales y medios que nos dais cobertura. El video lo hicimos también más tarde de lo que pensábamos. Digamos que vamos lentos, pero, dada las circunstancias, no queda otra. El panorama actual está bastante complicado, y, aunque en muchas ciudades está difícil el tema de los conciertos, nos imaginamos que estaréis deseando subiros al escenario de nuevo. Desde vuestro punto de vista, ¿cómo veis el futuro a corto/medio plazo? Bastante incierto. Este gremio ha sido muy golpeado, salas de concierto, músicos, festivales, técnicos de sonido, etc. Esperamos que pase pronto, que las salas, y la gente que se dedica a organizar conciertos, aguante el chaparrón. Nosotros cuando pase todo esto estaremos listos. Ojalá sea muy pronto. La cultura es segura, y todos estamos de-

seando volver a disfrutar de la música en directo. Os deseamos mucha suerte y éxito con Posmodernia, y esperamos ver muy pronto de nuevo a Las Ardillas de Dakota sobre los escenarios. Gracias por dedicarnos un rato para hablar con nosotros. ¡Un fuerte abrazo, amigos! Gracias a vosotros, y a toda la gente que nos sigue, nos oye y comparte nuestras canciones.

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Jarramplas

la música y el papel de la mujer lluvia de impactos causados por todo tipo de hortalizas y verduras. LEER MÁS

ste año será el primero de las últimas décadas donde la fiesta no se realizará por los motivos obvios de la Covid19, pero en el recuerdo y en nuestras mentes está la fiesta de interés turístico nacional que aglutina a toda la población de Piornal y la comarca de El Valle del Jerte durante el 19 y 20 de enero: Jarramplas. Jarramplas reproduce a un ser enmascarado pero colorido, que representa a un ladrón o delincuente que en tiempos pasados se dedicaba a robar el ganado y llevar el miedo y el terror a los pueblos del valle. Es una tradición legendaria, donde Jarramplas es recibido durante dos días o hasta que el sujeto aguante, a modo de castigo, por una

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Durante el recorrido de Jarramplas, el individuo toca un instrumento típico de Extremadura conocido como el tamboril. A continuación preguntaremos a nuestra experta en folklore Lu Pevi algunos de los detalles de esta fiesta:

Jarramplas, la música y el papel de la mujer

¿Cuál es la función del Mayordomo? La función del mayordomo/a, ya que también pueden ser mujeres mayordomas, es pagar los gastos de la fiesta (máscaras, migas que se ofrecen en la madrugada del 19, comida para convidar a amigos/as, familiares y mayordomos y jarramplas del año saliente y entrante).

ción? La mujer juega un gran papel en la fiesta de Jarramplas, aunque no sea un papel relevante de cara a la galería. Empezando desde la confección del traje, ella o ellas, porque suelen ser varias, confeccionan el traje blanco a medida. Casi todos los años lo ha realizado tía Pepa, una señora a la que la costura siempre se la ha dado muy bien. El resto de mujeres cercanas a Jarramplas y mayordomos se encargan mientras de cortar las tiras de retales, y posteriormente coserlas una a una en el traje de Jarramplas hasta quedar cubierto completamente por esas cintas de color. Otro papel importante del que se suele encargar la mujer es de poner flores a San Sebastián durante todo el año, y estar pendiente la semana de la novena, que es una semana antes, para pedir al Santo que todo salga bien.

Y sobre todo proteger a Jarramplas en todo momento, darle cachiporras si se caen, ver si va bien, si tienen que parar y apretarle las correas, limpiarle los trozos de nabos de los ojos para que pueda ver, o quitarle la máscara para que éste pueda descansar, etc. ¿Cómo se realiza el proceso de selección del sujeto que se esconde tras el traje y máscara? El proceso es apuntarse y esperar mínimo diez años, hay una lista de espera muy grande. Antiguamente se apuntaba normalmente por manda o promesa. Hoy en día mucha gente lo sigue haciendo por esto, pero mucha otra porque le gusta y porque para todo piornalego es un orgullo, y quizá podríamos decir un sueño poder enmascarar a tan importante personaje. En la actualidad se apuntan a los niños/as con muy poca edad, de ahí que la lista también se haya alargado tanto. ¿Cuál es la función de la mujer en esta tradi-

Pero sin duda el papel más importante de la mujer es el ser elegida para cantar la rosca en la misa del día veinte, elegida para comunicarte con la divinidad, y representar ese canto celestial que hace que la iglesia retumbe, al sonido del tambor y al compás de los corazones que palpitan con la misma fuerza que el ritmo de la membrana. ¿Qué tipo de música rodea a la celebración? Aunque la música es algo que a simple vista puede pasar más desapercibido, tiene gran importancia porque marca cada momento con el ritmo del tambor y con sus cantos, de una forma diferente. El sonido principal que se escucha el 19 de Enero antes de salir Jarramplas a recibir la lluvia de nabos es el del tamboril, acompañado con el sonido de los cohetes y de las campanas de la iglesia. Es un toque diferente “de pedir” en el que Jarramplas sin máscara, solo con el traje de cintas, junto a mayordomos/as y familiares recorre el pueblo casa por casa con un cesto en el que la gente echa dinero para el Santo. A lo que los mayordomos/as responden cada LaCarne Magazine

limosna “que el santo bendito se lo premie”. El segundo sonido de tamboril que se escucha, y es el que representa que Jarramplas va a salir o que está ya en la calle, es un ritmo ternario. Este sonido Jarramplas lo intenta tocar durante todo su recorrido. En la actualidad es difícil por la poca movilidad de las manos y por el impacto de nabos, pero aún así siempre se escucha en algún momento y hace vibrar todavía más la emoción. Otro sonido de tamboril que escuchamos es durante el llamado rosario en el que no se reza, pero sí se viste al santo mientras todos/ as los presentes dentro de la iglesia cantan “las alborás”, este canto pausado, cantado al unísono, nombra en cada estrofa momentos de la vida del santo, o de Jarramplas. En estos cantos, el tamboril toca constantemente con un ritmo binario, salvo en la última estrofa, que anuncia como siempre la salida de Jarramplas y que se canta en todos los finales siempre con el mismo ritmo terniario, más rápido y más enérgico. “A la guerra a la guerra Y al arma al arma Sebastián valeroso Venció batalla” Este mismo ritmo es el que se presencia en ese momento mágico de las «alborás», que comienzan cuando el reloj marca las 12:00 de la noche, y con ello anuncian que el día esperado ha llegado. En ese momento todo el pueblo lleno de emoción, con Jarramplas tocando de espaldas, acompaña el recorrido hasta llegar de nuevo a la iglesia y terminar de nuevo con A la guerra a la guerra. Antiguamente Jarramplas en las puertas del templo bailaba al Santo al son del ritmo binario que marcaba con sus propias cachiporras, mientras algún familiar o moza que cantaba la rosca bailaba un santo de tamaño pequeño. Se cree que esto desapareció porque al párroco le parecía un acto poco adecuado, por lo que el santo pequeño desapareció, y en su

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lugar se compró una de mayor tamaño que no permitía el baile. En el año 2008 se volvió a representar estos bailes que quizás vengan de los cultos a la fertilidad de la tierra, y la celebración del solsticio de invierno, donde la luz predomina sobre la oscuridad. Otro sonido que escucharemos el 20 en la misa al terminar será “la rosca”. Estos cantos, siempre representados por mujeres vírgenes que eran las encargadas de comunicarse con la divinidad, y un niño que repite el último verso en un tono muy agudo, dando paso a la

ñal de alegría y de festejo, se canta una ronda tradicional, en la que se acompaña de los instrumentos típicos del folklore tradicional, guitarras, laúd, botella de anís, caldero, tamboril, almirez, panderete, etc. Cada año los mayordomos eligen una ronda diferente que será cantada en ese momento de celebración, hasta llegar a la cooperativa a comer, para posteriormente Jarramplas volver a salir para la salida del rosario, en el que continuará el sonido de las alborás, hasta que todo el pueblo y visitantes besan el Santo. ¿Qué canciones podemos escuchar durante la fiesta? Alborás, roscas y rondas. Tenéis información ampliada en este artículo de lacarnemagazine. ¿Qué instrumentos musicales podemos escuchar durante las jornadas jarrampleras? Principalmente tambor de piel o de lona. De piel para los actos religiosos, de lona para los actos paganos ¿De qué se compone el traje? El traje de protección se compone de un peto y armadura de fibra de vidrio, para protegerse de los golpes, un traje blanco de cintas multicolor, con una cruz en la espalda, y una máscara cónica con cuernos, nariz puntiaguda y crines de caballo.

repetición de los dos últimos versos por las cantoras. En este emotivo rito, el tamboril solo es tocado por Jarramplas, que toca desde la tribuna, mientras que las cantoras cantan al santo abajo frente a él, junto al niño que repite. En este canto, el tamboril solo se toca con el ritmo binario entre estrofa y estrofa, y es al final cuando, como siempre, cambia el ritmo en a la guerra a la guerra, que anuncia la salida expectante de Jarramplas. Tras la misa y la salida de Jarramplas, en se-

¿Cuál es el papel de la Iglesia? El papel de la iglesia es ofrecer la iglesia para sus actos, para la novena, rosario del día 19 y 20, y misa mayor del día 20. El que juega un papel importante es el Santo San Sebastián, al que todo el mundo, independientemente de que crea o no, le tienen devoción y respeto. Algo curioso que viene pasando en los últimos años es que justo antes de la salida del día 20 de Jarramplas, en la puerta la multitud suele cantar canciones, peticiones, etc. De unos años para acá se venía cantando “que saque el vino el cura, que saque el vino el cura”. LaCarne Magazine

Y desde hace dos o tres años, al llegar un párroco nuevo al pueblo y enterarse de esto, nos ofrece una caja entera de vinos que compartimos entre todos los que estamos por allí. ¿Cuáles son los motivos por los que un piornalego decide ser Jarramplas? ¿Sólo pueden ser piornalegos? Repito, creo que es un orgullo y un sueño poder ser ese personaje, que por tan diversos motivos para todos los piornalegos es algo sagrado. Yo siendo mujer, y no habiendo estado dentro de esa máscara, salvo cuando me lo he probado alguna vez, creo desde lo más personal que la persona que se apunta para ser Jarramplas se apunte por manda, por promesa, o porque le gusta simplemente. Está movido por el sentimiento, aunque tenga que prepararse físicamente, ya que no es fácil encarnar este personaje sin estar preparado. Pero una vez dentro, tú te transformas, dejas de ser tú para ser Jarramplas, escuchas tu nombre, escuchas aplausos, y yo creo desde el más profundo respeto y mi total ignorancia por no haber estado desde dentro de esa máscara pero sí desde fuera, que la persona que encarna Jarramplas en ese momento se mueve por emociones, que le transforman en un guerrero, para aguantar lo que está aguantando, para finalmente salir vencedor como dice la estrofa final. “a la guerra a la guerra y al arma al arma Sebastián valeroso venció batalla”

cuyo disco Tiempo muerto del año 2011 nos brindaron con este tema dedicado a la fiesta de Piornal. La letra fue escrita por Roberto Guillén, viejos conocidos de Piornal, ya que han participado en el festival de la localidad Garabato Festival. Si te gusta el Rock urbano de Fito & Fitipaldis o Sinkope, echadle un vistazo:

Canijos sin Fronteras – Jarramplas

Grupo sevillano de fusión y mestizaje con más de 10 años de experiencia, más de 500 conciertos a sus espaldas, y 6 discos en el mercado. Ya habíamos hablado de ellos cuando los vimos en la Festa Major de Sants hace dos años, pero ni idea teníamos de la canción que dedicaban a Jarramplas y al Valle del Jerte. Esta canción la tenéis disponible en su recopilatorio del 2006 al 2013 en Bandcamp.

Sí, para vestirse el 19 pueden ser amigos o allegados, pero para ser Jarramplas tienes que ser piornalego. Después del recorrido por las músicas tradicionales de la fiesta, es hora de dar el paso a numerosas canciones «alternativas» realizadas por diferentes grupos musicales de la región, que a continuación citaremos.

Yesca – Jarramplas

Es un grupo de rock salmantino/extremeño, en

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El Efecto Verdolaga – Ronda

Jarramplera

Banda de folklore postmoderno. 11 músicos con el único objetivo de hacernos bailar y disfrutar de la gran fiesta que es su directo con jotas, rondas, malagueñas, etc. con textos adaptados a los nuevos tiempos, ácidos, irónicos y muy cómicos. Desde la comarca de la Vera, nos presentan este temazo que forma parte de su disco Amor cochino del 2011.

Acetre – Alborada de Jarramplas

El grupo extremeño más internacional de la música tradicional realizada en la Extremadura. No podían faltar por su indiscutible nivel. Los de Olivenza son un grupo veteranísimo, teniendo sus orígenes en 1976. Música celta y tradición extremeña de la mano. Alborada de Jarramplas formó parte del disco Canto de Gamusinos, considerado el segundo disco más importante de la música tradicional nacional en la década de los 90.

Los Jacobos – Jarramplas

Los de Plasencia con su punk melódico también le dedican su versión más gamberra y guitarrera al señor Jarramplas. Dicho tema forma parte del disco Siguen en el fango del 2019. Llevan Piornal en el alma, es su debilidad, y por supuesto para quien hace este artículo estamos ante la mejor canción.

Action P – Alborada de Jarramplas Remix

La versión electrónica no podía faltar. En realidad es una remix de break beat sobre el tema original de Acetre. No tenemos conocimiento de quién es el responsable de dicho remix. Sí que sabemos que su ubicación es Mérida, y que está relacionado con la escuela de arte de la capital de la región.

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Lujuria

30 años, una vida admirando toda la vida, como es el caso de Lujuria. LEER MÁS

ermitidme retroceder a hace 20 años, el día a que gracias al recopilatorio llamado Los 100 de Tipo descubrí a Lujuria y su canción Sin Parar de Pecar. Esa canción fue grabada a fuego en mi cabeza por distintos motivos, la voz, la música, y la letra me encantaron. Poco a poco fui escuchando sus otras canciones, y a día de hoy la considero una de las mejores, si no la mejor, del Heavy español. La vida a veces te da sorpresas maravillosas, y una es pertenecer a una gran revista de música gracias a mi mujer, y otra es que te da la oportunidad de tratar con músicos que llevas

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Esta entrevista en parte también es culpa de su «primo» David Collados, pues a través de él he podido conocer todo lo que se cocía en la banda, el libro de Ni política ni religión ni fútbol de Óscar Sancho, y conocer a Óscar. Espero que a través de esta entrevista conozcáis mejor a Óscar Sancho y a Lujuria, compréis su música, su libro, y os guste leerla tanto como a mí realizarla.

Lujuria, 30 años, una vida

¿Qué grupo o grupos te hicieron amar el Rock y querer dedicarte a la música? ¿Cuándo te entró ese gusanillo? Hola, cómo estáis. Gracias por interesaros por

el Rock. Viví la explosión de todos los grupos Heavys de este país, me entregué de lleno, me hice Heavy hasta los huesos. Un buen día llegó a mí una banda inglesa que decían ser los Sacerdotes de Judas, y hasta hoy. No soy músico, yo lo que soy es Heavy, que no es lo mismo, al menos no para mí. Ser el vocalista de Lujuria es una parte de ser Heavy, no el todo. El último disco de Lujuria, Somos Belial, es para mí el mejor disco de vuestra carrera, sin despreciar ninguno tanto a nivel lírico como musical. Sois un gran equipo unido y excelentes músicos, y eso se nota. ¿Cómo ha sido la acogida del disco en estos tiempos de pandemia? Me alegra mucho leer esto. Siempre pensé que un grupo, lleve los años que lleve, debe tratar de superarse cada disco, y en el momento que eso no pase, es el momento de pensar hasta aquí hemos llegado. A algunos les pasa tras dos o tres discos, otros llevan 50 años y aún no les ha pasado eso. Nosotros, honestamente, creemos que, tras 30 años ininterrumpidos de Heavy Metal, tenemos ahora mismo la mejor formación que ha tenido nunca Lujuria. Lujuria y por mí. Sobre lo que me preguntas, desde que recuerdo, me recuerdo fascinado por la música. Desde bien pequeño me pasaba horas, según me cuenta mi madre, oyendo la radio en el salón de casa. Era la época dorada de los conjuntos. Aún me sé trozos de muchas canciones de aquella época que me salen solos, y me sorprendo yo mismo. Siendo ya un preadolescente, me regalaron un radiocasete, el famoso loro, un loro de doble pletina enorme, y mi tío, mi primera cinta, Santana. Esa guitarra eléctrica me voló la cabeza. Con el tiempo salió Tequila y yo solo quería una cosa, ser Alejo Stivel. No quería cantar, no, quería arrollar. Quería ser lo que se llama un frontman. Después llegó Barón Rojo, y ya lo tuve claro, mi rollo es

Estamos muy unidos, muy compenetrados y muy motivados, y parece que nos quedan aún algunos cráneos que cortar. Este disco es la prueba. La acogida ha sido buena, y se estaba notando en los bolos que cada vez iban a más, hasta que llegó la pandemia y hubo que parar. Cuando pase la pandemia, que pasará, nunca llueve eternamente, seguiremos difundiendo la necesidad de ser Belial, y tras lo que estamos viendo, la necesidad más que nunca de ser Belial si queremos ser seres humanos mínimamente dignos. Además de músico eres profesor. ¿Cómo es la acogida de los compañeros y alumnos tuyos? Por mi parte habría estado encantado de que me hubieras dado clase tú y no una monjita (risas). ¿Qué cambios debe haber en el sistema educativo para mejorar la educación? LaCarne Magazine

¿Es difícil compatibilizar un trabajo con otro? Cuando empecé a ser profesor, ya era Heavy y ya estaba en Lujuria. Siempre ha ido unido y todo ha sido mucho más natural de lo que pudierais pensar. Por otro lado, la sociedad de hace 30 años tenía menos prejuicios que la actual, la actual se ha radicalizado mucho. Entonces salíamos de una dictadura y soñábamos con la libertad, ahora hay cada vez más gente que teme a la libertad y sueña con dictaduras, aunque haya que fusilar a 26 millones de españolas y españoles… Por eso necesitamos una escuela pública, laica, gratuita y de calidad, que haga lo que hace muchos años pidieron Asfalto y sigue más vigente que nunca, que enseñes a tu hijo (y a tu hija, por supuesto) a amar la libertad. ¿Tu trabajo de profesor te influye de alguna manera a la hora de componer? Sí y no, te explico. A la hora de componer, a uno le influye todo lo que es. En ese sentido ser profesor puede que algo influya, y eso se refleja principalmente en un tema Dejad que los niños se acerquen a mí, tema totalmente inspirado en mi vocación y en el amor que tengo por la infancia. Imagino también que muchas de mis letras llevan algo de intento pedagógico ante ciertas injusticias, y por lo tanto puede que algo de ese profesor que llevo dentro salga, pero, como te he dicho, lo que soy en esta vida es Heavy, y es siempre desde esa perspectiva desde la que me enfrento al papel en blanco. Durante la pandemia has escrito el libro Ni política ni religión ni fútbol, que ha sido publicado por Desacorde Ediciones, un libro muy bueno que puedes encontrar en La Esquina del Zorro ¿Por qué decidiste escribirlo? Yo no decidí escribirlo, él nació solo, lloró al nacer, y decidió darse una vuelta por el mundo a medida que fue creciendo. Durante el confinamiento sentí la necesidad de estar con mi gente, y el único medio que tenía fueron mis redes sociales, concretamente

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mi Facebook, donde hablaba con mi gente de todo, de absolutamente todo. Y en esas, alguien sugiere que todo aquello debía recopilarse y publicarse en un libro como testimonio de lo que fue uno de los acontecimientos históricos más importantes

El libro está teniendo una gran acogida. Lo que plasmas en el libro es justo lo contrario al título, animas a hablar de todo con todo el mundo. ¿La sociedad actual sigue coartada por la corrección política? Totalmente. Desde mi punto de vista vivimos una de las peores dictaduras que pueden darse, la dictadura de lo políticamente correcto. Una dictadura donde no tienes a un dictador al frente, en este caso, y eso es lo terrible de esta dictadura. Los dictadores son miles, cientos de miles, millones. Cada vez son más los que imponen esa dictadura, y, sin darnos cuenta, nos está ahogando mientras la aplaudimos. En nuestro Heavy se ve mejor que nunca, hemos perdido todo atisbo de revolución en nuestro planteamiento ideológico, y nos hemos convertido en caricaturas de lo que fuimos. Mira, hay mucho debate sobre cuál o cuáles son las causas por las que no enganchamos a los más jóvenes, y, por lo tanto, estamos perdiendo fuerza, y la realidad es que solo hay una causa. Desde hace 20 años la gran mayoría de los grupos punteros del Heavy Metal no están haciendo Heavy Metal, están haciendo pop con guitarras aceleradas, y eso, que carece de mensaje, no engancha a los más jóvenes, y a quien engancha, le da un mensaje equivocado de lo que es el Heavy. Ahora tenemos una generación reducida de seguidores entre los más jóvenes, que, encima, creen que eso es el Heavy Metal. Estamos bien jodidos, la verdad. Si el Heavy no es revolución es solo música, si es solo música es moda, y si es moda, pasará de moda. Mal camino estamos recorriendo…

que hemos vivido, o puede que el más importante. El libro empezaba a gestarse, sin darme cuenta me acababa de quedar embarazado de mi libro. Solo tuve que dejarlo crecer y darlo a luz.

Se habló de una segunda parte, ¿sigue en pie la idea? Si es así, ¿para cuándo la tienes prevista? Claro, la idea sigue en pie. Sigo contando lo que necesito contar, y sigo en contacto con mi gente en Facebook. El germen está, digamos que en estos momentos estamos follando buscando el embarazo. LaCarne Magazine

Cuando el libro necesite nacer, el destino me dejará embarazado de mi segundo libro, y lo daré a luz encantado, pero nadie sabe cuándo sucede eso. De momento me limito a buscar ese hijo. Si me quedo embarazado bien, lo estoy buscando. Tampoco descartes la idea de que pueda perder el libro con unos meses de gestación, las circunstancias irán diciendo, y, tranquilos, si al final doy a luz volveré a celebrar con todas vosotras y todos vosotros el bautizo. Al fin y al cabo, es un poco hijo de todas y todos. Entiendes el rock como una forma de vida, como una unión de personas solidarias entre sí, sin distinguir sexo o nacionalidad. ¿Echas de menos esa solidaridad en algunas ocasiones? Es una forma de vida, de lo contrario, como te he dicho en una pregunta anterior, es solo música. Hay quien decide disfrutar solo la música, sin implicarse en el modo de vida y no me parece mal, cada uno es libre de hacer lo que guste, pero que sepa que no es rockero, oye Rock, que no es lo mismo. La solidaridad me parece una de las cosas más necesarias en la vida, y siempre que falta, siempre, y no solo en el Rock, la echo de menos. En marzo Lujuria hicisteis 30 años. ¿Tenéis pensado cómo lo vais a celebrar? En Marzo del 2020 hicimos 30 años, y teníamos pensado cómo celebrarlo, pero no pudo ser. Nuestro manager, David Sanz de Calle Underground, el único mánager que hemos tenido en 30 años, creo que en eso somos caso único en la música (y que cada quien saque las conclusiones que considere al respecto, yo solo apunto que nunca fue la solución cambiar un entrenador si los problemas estaban en el equipo…) no se quedó satisfecho, y no hacía más que pensar en hacer algo original y distinto, y acorde con los tiempos, para celebrarlo. Dimos con ello y presentamos el proyecto al

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Ayuntamiento de Segovia, nuestra ciudad. Ayer nos lo aprobaron, y estamos muy contentos. Te copio el proyecto porque estamos muy orgullosos de él, es éste: 10 cuadros, 10 vídeos, 10 canciones. XXX años. Una vida. Lujuria cumple en 2020 XXX años de historia. Nacieron en la ciudad de Segovia, y desde siempre han llevado a gala ser de la ciudad más bella del mundo. Su tesón, su fe en lo que hacían, y su indomable espíritu comunero, herencia de la sangre de sus ancestros, ha hecho que el grupo nunca tire la toalla, y no solo eso, que no se tome un solo año, en esos 30 que llevan de vida, para descansar. Su lucha contra las injusticias, contra la violencia de género, a favor de las personas con alguna discapacidad, no podía parar si todos esos males no paraban.

En el año de su XXX aniversario publicaron un nuevo disco, Somos Belial, donde dejaban claro que ellos no son el diablo frente a ningún dios, son Belial frente a cualquier opresión. Y se embarcan en una nueva gira. La mejor manera de celebrar que cumplen XXX años es demostrando que tienen las mismas ganas, las mismas inquietudes, y las mismas ilusiones que el primer día. Los años han dejado huellas y cicatrices en su piel, pero han fortalecido su alma guerrera. De repente, llegó una pandemia y lo arrasó todo. Todo menos la ilusión de quien no conoce virus que la merme. Y si el maldito virus cree que puede matar a la cultura, Lujuria alzará de nuevo su pendón morado para demostrarle que nada, ni tan siquiera él, doblega al pueblo. Así nace el proyecto 10 cuadros, 10 vídeos, 10 canciones. XXX años. Una vida. En él, Lujuria quiere unir diversas artes, diversas disciplinas

culturales, todas ellas segovianas, para celebrar sus XXX años, y, de paso, que la cultura está más viva que nunca. 10 cuadros. – Lujuria ya trabajó en un disco anterior, Llama eterna, con la Escuela de Arte y Superior de Diseño «Casa de los Picos», y el resultado fue sorprendente. Quieren hacerlo de nuevo. En esa Escuela de Arte está el futuro de muchas de las artes plásticas segovianas. Vamos a dar visibilidad a esos talentos del futuro. 10 vídeos. – Las técnicas audiovisuales son el futuro, pero deben trabajar unidas a las más clásicas, y eso haremos. Una joven promesa de las técnicas audiovisuales afincada y empadronada en Segovia hace años, se encargará de ello. Su misión será grabar de manera íntegra la realización de cada uno de esos 10 cuadros para después realizar 10 videoclips que llevarán al mundo el futuro del arte segoviano.

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10 canciones. – Serán el nexo de unión de las dos disciplinas anteriores. Elegiremos 10 canciones representativas de los XXX años de Lujuria, y cada uno de los cuadros versará sobre lo que a su autora o autor le inspire la música y la letra de la canción que se le asigne. Con estos mimbres haremos un precioso cesto cultural segoviano, donde se fundirán diversas técnicas pictóricas y de diseño, técnicas audiovisuales y la música, dando como resultado 10 originales videoclips que mostrarán al mundo el pasado, el presente y el futuro de la cultura segoviana. Todo ello para derrotar a un virus que nunca podrá vencer a la cultura si ésta decide continuar, y para celebrar XXX años de música, que bien lo merecen. Tenéis una amplia experiencia musical, ¿qué consejos podríais dar a la gente que empieza en un grupo o desea formarlo? Ésta es una pregunta recurrente, y siempre respondo lo mismo, a quien me pida consejos solo puedo decirle que crea en sí mismo y nunca pida consejos. Si los grandes grupos hubiesen escuchado los consejos que les daban, Black Sabbath se hubiese separado tras el primer disco, y no existiría el Heavy Metal tal y como lo conocemos. Nadie quiere aconsejarte, solo quieren imponerte su criterio, vive para demostrarle cuánto se equivoca. Debido a las restricciones sanitarias, como bien dices, están matando la cultura, se cancelan festivales, se cancelan conciertos, y los más perjudicados sois vosotros, los artistas. ¿Qué podemos hacer la gente de pie para resucitar a la cultura? ¿Te esperas algún tipo de ayuda o medida por parte del gobierno para paliar los daños de la pandemia que ha ocasionado en la cultura? Mientras ganamos dinero, nuestro triste objetivo es engañar al gobierno y tributar lo menos posible. Cuando no lo ganamos, nuestro objetivo es que el gobierno nos de dinero (que, si todo el mundo ha vivido tratando de esca-

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quearse de pagar, a ver de dónde lo saca). Espero que esta pandemia nos enseñe que el populismo barato de votadme y bajaré impuestos debe ser erradicado de raíz. Dicho lo cual, sí, espero que de los fondos europeos liberados para la pandemia la cultura reciba su justa parte como todos los demás sectores, ni más ni menos, y que esta pandemia nos enseñe que no podemos vivir sin cultura, y, a partir de ahí, que cada quien se conciencie, y, en la medida de sus posibilidades, la apoye. No creo que tenga yo que decir cómo. Sinceramente creo que todo el mundo sabe cómo, así que, si de verdad quiere apoyarla, tiene una tarea que hacer y no solo económica, es más, diría que esa tarea económica no es la principal, la principal, sin duda, es el respeto. Es la hora de acabar con los «haters» y que aparezcan los «lovers», fíjate que sencillo y que barato. Si por cada «hater» aparecen dos «lovers», la cultura habrá dado un paso de gigante hacia su salvación. ¿Quieres un slogan? Tómalo: La cultura necesita una jauría de «lovers». No te calles más. Aúlla. Junto a Mariskal Romero (La Heavy) y Tete Novoa de Saratoga abanderas la iniciativa de El Metal nunca muere, promovida por Cada lata cuenta. ¿Qué puedes contar sobre ella? Bueno, decir que lo de abanderados es algo injusto. Somos la imagen visible, pero la idea es de «Cada lata cuenta», buscad sus redes. Es un paso hacia un mundo más ecológico, donde el reciclaje sea cotidiano. Empezaremos por las latas de metal, y ahí el paralelismo era fácil. Latas de metal, heavy metal… el metal se recicla. La idea es muy buena, y en estos momentos está en fase de desarrollo. Esperemos que crezca, en eso están en Cada lata cuenta, en hacer crecer el proyecto para intentar que surja una gran campaña apoyada por las multina-

cionales que usan ese envase. Si se consigue, haremos muchísimo ruido, si no, todo el que podamos, y mientras tanto recordad, recicla, no dejes la basura sobre el cuerpo de tu madre. Hace poco ha habido una polémica debido a que un conocido miembro del heavy español (no voy a dar su nombre para no darle más bola, y tampoco dañar al grupo, pues están en las Antípodas ideológicas de dicha persona), ha hecho unas declaraciones inhumanas y de extrema derecha, llegando incluso a atacarte por no tolerar esas declaraciones. ¿Te preocupan este tipo de declaraciones y ataques? ¿Consideras que dentro del heavy de España hay más casos o es un hecho aislado? Por supuesto que me preocupan, me preocupan primero como persona. No es de recibo que una persona (sea heavy o no, sea famoso o no, sea quien sea) manifieste públicamente que a los inmigrantes hay que recibirlos con metralletas. Ante eso no me voy a callar nunca, repito, sea quien sea quien lo diga, nunca. Y sí, por desgracia dentro del heavy hay más casos, aunque, de momento, nadie más ha pedido semejante burrada. En eso, afortunadamente, es un hecho aislado, y por eso es urgente reaccionar, para que no se extienda semejante aberración. Por lo que veo en redes, la reacción mayoritaria ha sido contundente, y eso me parece muy positivo, que muchas y muchos, superando la admiración al personaje, han recriminado a la persona. Es la primera vez que ante un hater han aullado una jauría de lovers, eso me anima bastante. ¿El hecho de ser tan comprometido te cierra puertas a la hora de contrataciones? Sin duda. Solo tenéis que repasar festivales y ver en cuántos estamos. Pero no me preocupa, jamás tocaría para según qué gente ni por todo el oro del mundo. Lo positivo es que en otros festivales somos casi imprescindibles, precisamente por ser como somos. Con eso me quedo.

Hay festivales, salas, ayuntamientos, promotores, asociaciones, etc., para quienes tocaría gratis mil veces si hiciera falta, y también hay festivales, ayuntamientos, asociaciones, etc. para quienes no tocaría ni por todo el oro del mundo. Mira, el rockero famoso del que hablábamos antes fue llamado en 2014 para tocar en Venezuela, en un festival que apoya a Maduro, y Maduro apoya el festival. Nosotros hemos tocado ahí, y para mí es un orgullo. Ese rockero famoso que siempre habla mal de Venezuela, fue, tocó, cobró, y calló. Solo siguió hablando a la vuelta con el dinerito en el bolsillo… No digo más. En Rockcinante analizas lo que has bautizado como Nueva Ola del Metal Latino. ¿Cómo surge el programa? ¿Qué grupos habría que seguir muy de cerca? El programa surge gracias a Mariskal Romero, que, como buen periodista que es, detecta en mí la pasión por el Rock latino, y me lanza el anzuelo para hacer ese programa en su emisora, anzuelo que me trago encantado, y son ya 16 años de felicidad haciendo el programa. ¡Gracias, Mariskal! Sobre grupos, lo mejor que puedo aconsejaros es que entréis en la página de Mariskal y busquéis los podcasts del programa que están todos colgados. Os garantizo que, como mínimo, vais a descubrir un grupo por programa. Agradeciendo enormemente la entrevista, ¿quieres dejar algún mensaje? Gracias a ti y a LaCarne Magazine por la entrevista. ¿Mensaje? Lo contamos en nuestro último disco, llevamos 30 años dejando «Migas de paz», síguelas hasta mis brazos y únete a nosotros, SOMOS BELIAL.

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Morti

músico, compositor y poeta itinerante LEER MÁS

Fotos por Luis Gascón

uy buenas a todos, y gracias por pasar otro ratito conmigo en esta nueva entrada. En esta ocasión he tenido

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el placer de poder entrevistar a uno de mis artistas favoritos, a quien yo personalmente considero la mejor voz del panorama musical español, y para quien solo tengo palabras de admiración y agradecimiento, ya no solo por concederme esta entrevista, sino porque su música me ha acompañado en muchos momentos de mi vida. Estoy hablando del inigualable Morti.

Espero que disfrutéis de esta entrevista tanto como lo he hecho yo, que aún estoy en una nube.

Morti, músico, compositor y poeta itinerante

Todos te conocemos como Morti, (FHB, SKIZOO, Bushido, Ex Mundus, InMune) un gran cantante y compositor autodidacta (personalmente, para mí esto tiene mucho valor por experiencia propia), pero quiero preguntarte algo muy sencillo, y que no todos saben cómo responder, pero estoy segura de que vas a saber hacerlo con facilidad: Sin decir tu nombre ni tu profesión, ¿quién eres? Soy una especie de poeta itinerante… Una rara avis de paso que se busca a sí misma en todo aquello que hace, para salvarse y establecer una conexión con el otro a través principalmente de la música, por ser el lenguaje universal más inmediato y cercano al alma. Soy un funambulista que intenta mantenerse en la cuerda floja del devenir, y que avanza para llegar donde tal vez esté esperando lo que me esfuerzo en alcanzar de mí mismo en todo lo que siento y hago. Soy un “suicida” potencial que consigue neutralizar esa pulsión a golpe de verso y desgarrado canto… Soy un corredor de fondo que se pierde en sí mismo para encontrarse en cada naufragio provocado con el anhelo de tocar fondo para volver a otro punto de partida, y zarpar de nuevo hacia todas y ninguna parte a la búsqueda de sentido en un bucle sin fin… Soy un superviviente que hace señales de humo desde lo más incendiado de su corazón, sin posibilidad de rescate a la vista salvo el que me proporciona lo que se oculta tras eso que es indefinible e innombrable, y que caracteriza el gran misterio que todo lo abarca. Soy un pájaro oscuro y atornasolado herido por las balas de un tiempo sin tiempo, que vuela sin rumbo fijo, una ilusión conveniente que se reconoce en los claroscuros de unos caminos propios que van desapareciendo a medida que avanzo en ellos, y que, en defi-

nitiva, marca el pulso de un propósito o razón de ser. Soy un francotirador paciente esperando la oportunidad de poder dar en mi propio blanco para intentar crear nuevos mundos posibles… Soy un soñador insomne que, en la nana constante que a sí mismo se canta, halla su punto de fuga para poder llegar hasta ti… A primera vista, me da la sensación de que eres muy transparente, o eso parece ser cuando escucho tus canciones. ¿Dónde encuentras la inspiración para escribir esas canciones tan bonitas? En esa voz interior que necesita expresarse a través de los latidos que me hacen sentir vivo, y que se manifiesta en todos esos desarrollos que las tensiones musicales provocan en mí, y cuyo resultado se hace visible y audible en una especie de radiografías de un alma que necesita decirse cosas a sí misma para intuir o descubrir, tal vez, lo que en realidad es… De esa pulsión, de ese proceso de búsqueda interior o necesidad profunda, emerge aquello que da forma a mi particular discurso… Ni mejor ni peor que otros… Simplemente el mío. Soy fan de tu música desde hace casi veinte años. Adoro cómo suena tu voz y tu manera de interpretar las canciones de una forma envolvente, al menos así es para mí, que soy muy sensitiva y emocional, y realmente vivo cada canción como una experiencia extrasensorial. ¿Qué es lo que buscas transmitir con tu música? Emociones que inviten a cierta reflexión, y que diluyan cualquier barrera entre el emisor y el receptor. Derribar muros metafóricos, y crear puentes simbólicos entre todo aquello que aparentemente nos separa, pero que en realidad tenemos en común. ¿Cuáles han sido tus influencias musicales a lo largo de los años? LaCarne Magazine

Son muchas y muy variadas, y a diferencia de aquello a lo que se me podría asociar en ese sentido, intento alimentar mi curiosidad natural abriéndome a géneros muy variados. Intento ver la virtud también en manifestaciones que nada tienen que ver con el registro con el que, tal vez, me siento más cómodo a la hora de expresarme a través del medio musical. Considero que para crecer en ese sentido hay que salir de cierta zona de confort, pues enriquece y amplía la mirada, ya que ayuda a adoptar otros puntos de vista y a revisar el propio. Es un ejercicio muy sano y recomendable para superar prejuicios. Podría citarte muchas referencias que se caracterizarían por representar una especie de patrimonio emocional propio, pero no sé si hay espacio suficiente para poder citarlas todas o a casi todas… ¿Tienes alguna manía / costumbre a la hora de componer? Puedo empezar con una palabra, y, a partir de ahí, aplico mi método particular, el de seguir “el hilo de Ariadna” … Cada palabra me conduce a la siguiente, y así sucesivamente hasta que se revela el texto al cual luego le aplico la música en la que se sustentará. En ese laberíntico proceso, he de enfrentarme inevitablemente a mis minotauros interiores hasta lograr salir airoso de esas contiendas… Pero también puedo seguir el proceso inverso. La música me puede servir de inspiración para hacer una vertebración melódica que servirá como base al texto. Hay tantas formas de componer como la que las musas demanden… Es un misterio que requiere de un método para ser revelado. Y aquí, cada maestrillo tiene su librillo. Este año está siendo muy complicado por la

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maldita pandemia que estamos atravesando. ¿Cómo ves el mundo de la música a día de hoy? Oscuro e incierto. En cuanto a la música en vivo, vamos a tener que mentalizarnos de que ya nada volverá a ser como antes. Habrá que reinventar la manera de compartir y vivir algo que, en muchos casos, requiere de un público presencial para dar validez a esa experiencia. Fórmulas que aún no están definidas, pero que por ahora apuntan hacia un horizonte poco esperanzador, atractivo o tentador. El negocio también va a tener que hacer un ejercicio de revisión para recuperarse, y resistir el embiste devastador de esta crisis que lo ha puesto todo en cuestión y patas para arriba. Supongo que la actitud más inteligente es intentar abordar con cierta serenidad lo que está ocurriendo para poder sobrevivir, y ver como una oportunidad lo que a priori podría considerarse un gran inconveniente. Solo se mantendrán a flote aquellas propuestas que sean un fin en sí mismas, y que se sigan rigiendo por una especie de ilusión incondicional por seguir adelante, a pesar de

las adversidades que puedan hacer perder impulso. Toca volver a desempolvar, o rescatar, las razones profundas y desinteresadas que un día nos despertaron la necesidad de sumergirnos en este ámbito como un medio de conocimiento de nosotros mismos a través del lenguaje de lo inefable. Las que no sean capaces de adaptarse al nuevo orden impuesto por las circunstancias, desaparecerán como efecto de una especie de selección natural inevitable. ¿Qué es lo que más te gusta de tu trabajo? Todas las fases son importantes porque están condicionadas por la emocionalidad que, en mi caso, es el vehículo que me conecta con una parte de mí mismo asociada a algo muy visceral y vital, y cuya función o meta sería establecer un vínculo con quien recibe el resultado de todos esos procesos, que van desde la composición hasta la difusión y divulgación de lo creado. Hay varios factores en común en tus letras que me hacen tener curiosidad por preguntarte. ¿Crees en la casualidad o en la sincronicidad? Creo más en el misterio del devenir, en esa casual causalidad que pretendemos explicar

a través de esas ideas, para así poder darle algún tipo de razón de ser o explicación a lo que nos desborda por a priori, no tener lógica. Al margen de la intuición, es probable que, en el fondo, simplemente intentemos, a través de la elaboración de cierto mecanismo mental, darle sentido a lo que tal vez no lo tenga, apelando a estos conceptos para poder abarcar lo inabarcable, o por no tener la capacidad de reconocer que no tenemos ningún control sobre nada. Tal vez… Puede ser… No sé… Son conocidos tus proyectos con otros grandes artistas, como Enrique Bunbury, Carlos Ann, o Shuarma entre otros. ¿Con quién te gustaría colaborar en un futuro? No es algo en lo que piense mucho. Las colaboraciones surgen sin tampoco buscarlas. En mi caso se dan casi espontáneamente. Eso sí que podría entrar en el campo de lo que son los fenómenos extraños, más que los de sincronicidad o de causalidad, si es que realmente se dieran para poder explicar el azar que muchas veces condicionan esos hechos, y mueven los hilos que hacen que ocurran las cosas. LaCarne Magazine

Morti, ¿cuáles son tus proyectos actuales? ¿Tendremos pronto más música nueva de InMune, El Fantástico Hombre Bala o de Morti en solitario? A pesar de los problemas que está generando esta crisis, y que afectan con especial énfasis al sector cultural, y más concretamente al de la música, mis proyectos más inmediatos o planes más a corto medio plazo son ante todo no dejarme vencer por el desánimo, que es la verdadera pandemia que no para de propagarse como síntoma de lo que está ocurriendo. Mi idea es que vean la luz, cuando las circunstancias lo permitan y en condiciones, un nuevo trabajo de InMune y otro en solitario. Todo dependerá de cómo se vaya resolviendo lo que ahora mismo no nos permite proyectarnos en alguna dirección que permita poder dar vida a nuevos trabajos. Morti, ¿qué música has estado escuchando últimamente? Muchas y muy variadas. La lista sería interminable y ocuparía mucho espacio. La verdad está en los clásicos, y en aquellas referencias actuales que beben de esas fuentes. Y en ese sentido, ésas son las aguas donde me suelo bañar. ¿Qué banda sonora le pondrías a este 2020? La canción Todo cambia de InMune. Y para finalizar, siempre acabo con la misma pregunta: ¿algún dato adicional que quieras añadir o lanzar algún mensaje al mundo? Me gustaría añadir que esta pandemia está siendo devastadora y en muchos sentidos muy reveladora, porque está sacando a flote una parte de todos nosotros que tal vez desconocíamos, y que gracias a esta situación está quedando en evidencia para mostrarnos cuál sería el camino más adecuado que deberíamos seguir, para no seguir tropezado con las mismas puñeteras piedras de siempre, y que muchas veces nos ponemos nosotros mismos en el camino.

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Existen dos maneras de vincularte con la vida a través de los demás. Una, considerando esa experiencia como un fin en sí mismo, y la segunda, simplemente como una transacción, un medio. La primera es incondicional. La segunda, interesada. Esas dos vías son las que en gran medida definen nuestra manera de ser y de estar en el mundo. Esta crisis debería de ponernos frente a un espejo metafórico para reconocer en qué lugar se encuentra cada cual, porque las consecuencias de esa relación vital son las que van a definir la esencia y el futuro de nuestro mundo y nuestra especie. Ojalá todo esto que está ocurriendo fuera el principio de una revolución de conciencia. Aunque, sinceramente, no soy muy optimista porque lamentablemente todo sigue girando alrededor del sacro santo Ego que todo lo cosifica y pervierte. A pesar de ello, quiero pensar que saldremos reforzados y más sabios después de toda esta pesadilla. “Siempre hay luz al final de cualquier túnel. Sólo es cuestión de dirigirse hacia ella con serenidad y sin miedo”. ¡Amén! Muchas gracias por todo tu interés y apoyo sinceros.

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Taladro

Metal Brutal Consciente Taladro, Metal Brutal Consciente LEER MÁS

aladro es una banda procedente de Chile que nace en el mes de junio del 2005. Este trío está muy influenciado por diferentes géneros dentro del Metal, hay una variedad de sonido en su propuesta, y sus letras están de lleno basado en críticas sociales y todos los males que nos acontecen en la actualidad. Aldo Lizama es uno de los iniciadores de esta banda, quien se encarga de dar respuesta a la siguiente entrevista.

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Saludos! ¿Algunas palabras ante de dar inicio a la entrevista? Hola, Omar! Aldo acá desde Chile, voz y bajo de Taladro. Gracias por la oportunidad. ¿En qué catalogo podemos poner a Taladro? ¿Qué estilo se acerca más a su música? ¿Cuáles han sido sus influencias principales? En realidad, Taladro no se define por un estilo en particular dentro del metal y el rock, tenemos de todo un poco. La diversidad de gustos musicales entre los integrantes, hacen de nuestra música una fusión de estilos. En particular hemos definido nuestra música en atención a nuestro mensaje como Metal Brutal Consciente, atendiendo a nuestra pro-

El demo tuvo una excelente recepción del público, nos amplificó este deseo insaciable de tocar en vivo, tanto y más, siempre creando material nuevo. Así nos hemos mantenido activos en la escena nacional. A finales del 2018 sacan un video titulado “Monsanto”, con una fuerte crítica a la empresa Monsanto. Coméntame. En ese entonces se integraba a la banda el actual guitarra Gerardo Paredes, quien llegó con unos riffs nuevos y esta idea de los transgénicos. Monsanto trata la temática de la manipulación genética, el control de masas a través de los alimentos, y hace una fuerte crítica a la gestión de las empresas Monsanto por su monopolio del 80% a nivel mundial de la producción de semillas intervenidas genéticamente, creación de enfermedades como negocio para los laboratorios. Un hecho relevante es la asociación con otro monopolio mundial como Bayer, productor de pesticidas altamente peligrosos para el ser humano, esto y más productos que logran entrar al mercado gracias a sobornos, amenazas y despidos a quienes decidieron denunciar esta red de corrupción.

clama a través de la música, a nuestra forma de mirar el mundo. Respecto de las influencias musicales, podemos nombrar desde Grund Funk, Rush, Atheist, Slayer, Soziedad Alkholika, Metallica, Paradise Lost, Sentenced, Pantera, Tristania, o Judas Priest. Su primer material fue el demo Virtual del 2006. ¿Cómo fue recibido en ese entonces esta primera producción de la banda en la escena chilena? Virtual es el canto primo, el grito salvaje sin censura de Taladro 14 años atrás. Era más instinto que técnica, la rabia contenida en estridentes acordes.

Información que conseguimos investigando en diversas fuentes, trabajo duro, para plasmar tanta información y sentimientos en 4 estrofas de metal brutal consciente a la vena. En cuanto a las líricas, ¿en qué se basan, en qué se inspiran fundamentalmente para escribirlas? Contingencia universal social. Cantamos contra los abusos de las cúpulas de poder, de la indignificación del ser humano en un sistema neo liberal, opresivo y manipulador. Títulos como G8, Monsanto, Muerte a los Políticos, somos muy explícitos en nuestro mensaje, sin filtro, a morir. ¿Es Taladro una banda que está tratando de denunciar la enfermedad social que se vive en nuestro entorno? Así es, repudiamos a esas pocas manzanas LaCarne Magazine

corruptas que acumulan el poder, y exterminan la humanidad a través del enriquecimiento personal, la avaricia desmedida acosta de cualquier precio, vidas humanas, el medio ambiente, los animales, las personas, no tienen límites. En el trascurso de todos estos años, la banda ha tenido muchos cambios en su alineación. ¿Por qué tantos cambios? ¿Cómo afectaron dichos cambios a la música y a la vida de la banda? La alineación original se mantuvo hasta 2007, con la grabación de Virtual. Luego en las baterías hemos tenido un nutrido prontuario de músicos, todos muy profesionales y jugados con la familia Taladro. En el 2015, Francisco Atherton deja la banda, y en su lugar, Carlos Contreras. Los cambios se han generado por diversas razones, ideológicas y de disponibilidad de tiempo, ante una actividad que demanda tiempo y recursos sin retorno económico. No obstante, la diversidad de muy buenos músicos de diferentes tendencias del metal han sido la nutrición perfecta para una banda que no presume de estilos, y que raya en la diversidad. Las temáticas requieren una universalidad transversal ideológica, somos libertarios al minuto de componer. Danos la alineación actual de Taladro. Gerardo Paredes – Guitarras, Alejandro Schulze – Baterías y Aldo Lizama – Bajovoces-letras. En el 2019, la banda lanza el EP Metal Consciente Sistema Caído. Por favor, cuéntanos acerca de este trabajo, ya que fue una grabación que contó con varios colaboradores. Bueno, somos músicos con un prontuario en la escena. Personalmente tengo 25 años en este oficio, Gerardo debe andar cerca de los 20, Alejandro, el joven y reincidente en Taladro, hace 10 años apropiadamente. Hoy vuelve mucho más experimentado, somos

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una familia. Hago esta introducción para plasmar el espíritu con que se grabó este trabajo. Metal Consciente Sistema Caído contiene 4 temas: Sistema Caído (el single), Raza, Pablo de Rokha y Sin Miedo. Tocamos 2 músicos originales, Yo y Sergio Inostroza, Gerardo en las guitarras. Esta pequeña antología cuenta con la participación de nuestro siempre colaborador Arturo Contreras, Ingeniero en sonido, quien grabó las voces del EP 2019, y Joe Muñoz en la mezcla y masterización, también con un vínculo de amistad. Quedamos muy satisfechos por el resultado de este sonido, siempre con la visión de mejorar para la grabación en desarrollo del disco. La escena también lo recibió bien, con muy

pandemia. Con el lanzamiento de Metal Consciente Sistema Caído teníamos agendadas varias fechas, y llegó el maldito virus. De minuto avanzamos con grabar material para el disco. Esperamos hacer una pausa para hacer algo en vivo on line. ¿Han tenido ya la oportunidad de presentarse fuera de su país? En caso negativo, ¿para cuándo una posible gira fuera de Chile? La verdad que nada concreto. Muchas conversaciones, buenas críticas, felicitaciones, etc., pero todo posterior al lanzamiento del EP abril 2019. Todo se fue por tierra con el Covid-19. Igual es bueno sentir el apoyo del público, quienes son finalmente para quienes trabajamos por muy under que se quiera. Digamos que es el siguiente objetivo después de manufacturar una buena placa, una gira internacional en la medida de lo posible.

buenas críticas. ¿Cómo andan referente al tema de las presentaciones? Cuéntame sobre esto, ¿se presentan muy seguidos? Bueno, Taladro se cimentó con el concepto de banda en vivo. En los primeros 10 años tocamos mucho en vivo, lo único que grabamos fue Virtual. Ensayamos mucho, componíamos en los ensayos, y de ahí se probaba en vivo, ésa era la metodología. En adelante la banda sufre permanentes cambios de integrantes, pero siempre manteniendo la escena en vivo. Los dos últimos años hemos estado concentrados en grabar el máximo de registros posibles para el disco que estamos grabando, pese a las limitaciones que nos impone la manipulación de la

Para continuar, estaría bien que nos contaras más sobre su más reciente EP Metal Consciente Sistema Caído. ¿Dónde fue grabado y qué sello lo editó? ¿Cómo va la distribución, están satisfechos con el resultado del mismo? Bueno, el EP es de lejos nuestra mejor experiencia en estudio sin tener un disco editado. Tenemos bastante experiencia en estudios en la búsqueda de este sonido particular singular de Taladro. Las voces fueron grabadas y editadas en Ultrasónico Estudios, de propiedad de nuestro amigo colaborador de siempre Arturo Contreras; guitarras y bajo, Home Studio Gerardo Paredes, con el sonido que usamos en vivo; baterías, Sergio Inostroza Home Studio; mezcla y masterización de Joe Muñoz, fotografía de Sergio Inostroza, diseño de Gerardo Paredes, textos de Aldo Lizama. Estamos contentos con el resultado de este trabajo, pero sabemos que podemos hacerlo mejor y vamos por más, a plasmar todo el poder del Metal Brutal Consciente. Me imagino que todo esto de la pandemia los LaCarne Magazine

haya frenado un poco en su trabajo musical. Como puedes observar en la grabación del EP, lo único que se grabó en estudio fue la voz. Sergio tenía a sus padres complicados de salud, lo que nos obligó a trabajar en forma remota. A eso súmale que vivimos en los extremos opuestos de la ciudad, era yo el que me movía para ir a grabar, estaba con mayor disponibilidad de tiempo, además que somos todos padres, trabajadores. Gerardo graba en su Home Studio. Alejandro de Osorno, ciudad a 8 horas de Santiago, viaja una vez al mes y por espacio de una semana ensayamos duro, entre 6 a 8 horas diarias, limamos hasta el más mínimo detalle y a Ultrasónico Estudios. Así estamos trabajando el disco, con avances significativos. Personalmente fui el más afectado, dado que me vi en la necesidad de salir del proceso tradicional de grabación, el estudio, e instalar, mentalizarme y aprender a grabar en casa, indudablemente una experiencia crecedera que te abre más horizontes en la música, práctica que también te abstrae del trabajo en sala, de la cancha, ese ingrediente, esa sinergia espontánea se pierde. Tratamos de compensarla en los extensos ensayos una vez al mes, donde fluye la música, ahí está la magia, lograr transportar eso a un estudio, Home Studio, tener un método de trabajo. Qué más les puedo decir de grabar en pandemia, un completo desafío. ¿Para cuándo habrá ya un posible álbum de

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la banda? ¿Algún adelanto de lo que será el álbum? Nuestra Gantt decía disco 2020 antes de Octubre 2019. Estallido social en Chile, y Marzo 2020 Covid-19. Estamos haciendo lo posible para que este trabajo salga del laboratorio el primer semestre del 2021. Consiste en una antología de la banda de estos 15 años de creación y tocar en vivo, disco debut de la banda. Bueno, el EP es un adelanto del disco en términos de composición. El disco nuevo tiene un nuevo concepto sonoro, mejorado desde la grabación del EP, es el aprendizaje de esta experiencia, el crecimiento personal de cada músico. Primer semestre del 2021 tendremos material nuevo de esta nueva alineación. Te agradezco el espacio y el tiempo para esta entrevista. Les deseo la mejor como banda, y que sigan consolidándose en la escena chilena. ¿Hay algo que desees agregar? Muchas gracias a ti, Omar, a LaCarne Magazine por esta oportunidad de conversar, sentirnos libres en expresar nuestros sentimientos como banda, y desearles éxito, salud a ustedes, a Cuba, España y todo el mundo, que pase pronto esta infamia y que vuelva la libertad y el metal en vivo, aguante! ¡A METERSE METAL BRUTAL CONSCIENTE X LAS VENAS…!

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En Árbol Difunto el sonido de la madera

con Gabriel Gallardo Alarcón -voz & guitarra-, y conocer más de la brillante producción.

onocí a la banda En Árbol Difunto aproximadamente en 2017, cuando presentaban su EP debut. Logramos conectar una entrevista televisiva para el programa El Shock de la Marraketa Blindada. Luego de un ascenso vertiginoso en su carrera musical, cerrando el 2020 En Árbol Difunto nos sorprenden con dos producciones realizadas y difundidas por las plataformas digitales, se trata de Sonidos/Espacios (agosto) y Empero (diciembre), que es la obra por la cual nos reencontramos -luego de bastante tiempopara conversar sobre el nuevo material. Tomamos el hilo para una entrevista exclusiva

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En Árbol Difunto – El sonido de la madera en el álbum Empero

Saludos cordiales hasta Berlín. ¿Cómo te encuentras en la actualidad? ¿Por qué motivo migraste a Alemania? Saludos, Alfonseka, todo bien. Acá en casa encerrado por motivo de la segunda ola del COVID en Alemania. Aunque sin el virus, probablemente estaría aislado trabajando en casa (laburando en mis cosas como lo estoy haciendo de todas formas), por lo que no ha afectado tanto mi rutina. Estoy acá gracias a una beca de estudios que me gané en 2018 para estudiar Diseño de Audio en Berlín, y de ahí terminé viniéndome en marzo de 2019.

lista Andrea Vila (quien terminó grabando en el disco). Rock Acústico, Rock Progresivo, etc. ¿Qué géneros específicos podría identificar la música hecha por En Árbol Difunto? Ésa siempre es una pregunta difícil para mí porque En Árbol Difunto nunca escribimos canciones pensando en qué género en específico deberían caer, sino en cuáles son las ideas musicales que creemos pueden ser interesantes de explorar con el ensamble en el momento. Sin embargo, creo que el mercado (y la gente) pide que En Árbol Difunto intentemos encasillarnos, así que por lo general me remito a los géneros que siento más influencia han tenido en nosotros, porque son los que más escuchábamos cuando fundamos la banda, y esos son el Rock Progresivo, el Post-Rock y el Math Rock (creo que nos influencian muchas otras tendencias).

La última cosa que hice en La Paz antes de irme (casi literalmente, hasta dos días antes de mi vuelo) fue meterme al Studio con los demás chicos a grabar las guitarras de Empero. Eres guitarrista, compositor, letrista, y vocalista de la banda. ¿Quiénes te acompañan En Árbol Difunto para la grabación del nuevo álbum? La banda la conformamos Adrián Quintela Heredia (voces, guitarra criolla), Vicente Contreras Soux (bajo eléctrico), Omar Gabriel Jiménez (batería), Adriana De la Rocha (violonchelo), y yo (voces, guitarra criolla). Adrián y Vicente también aportan mucho con el proceso de composición de las canciones. Adriana De La Rocha tocó durante la etapa previa a la grabación, pero lastimosamente una tendinitis no le permitió grabar, y por ello tuvimos que pedir ayuda a nuestra amiga che-

Yo, por ejemplo, soy bastante metalero y me gustan las cosas bien ruidosas, y, aparte, también hago música electroacústica, bastante experimental y disonante. Adrián ha estudiado mucha música contemporánea de tradición escrita. Esas áreas de influencia no son tan notorias quizá de entrada, pero creo que permean nuestras ideas musicales desde lo subconsciente. Y después está el contexto de la música latinoamericana, que si bien no es determinante en nuestro sonido, me parece que es inescapable. El hecho de que En Árbol Difunto hagamos Rock con guitarras criollas -en vez de eléctricas- ya te dice bastante, y si bien no hacemos Folklore, es en este frente donde el Folklore Modernista de la obra tardía de Violeta Parra es un referente gigantesco para nosotros. Son varias sus influencias artísticas, no solamente la música, siento mucha poesía en sus versos y poetas en sus samplers. ¿Qué nos puedes comentar al respecto? Yo por lo menos siento a veces que soy algo LaCarne Magazine

así como un escritor frustrado que hace letras porque es malazo, vago, y demasiado tonto como para escribir una obra más compleja, y de hecho escribo siempre las letras al final porque es la parte que más me atemoriza de todo el proceso compositivo. Pero cuando ya no hay más salida que escribirlas, pues me obsesiono y las escribo y reescribo durante días, o semanas inclusive. En el caso de Exhortaciones, por ejemplo, donde decidí hacer esta especie de diálogo con Octavio Paz. Me parece que lo puse ahí como referencia de lo que yo creo debería poder aspirar a trasmitir una canción, y de ahí, la voz que compongo intenta dialogar con eso, pretendiendo alcanzar un estándar que sé es inalcanzable para un pseudo-escritor aficionado como yo. Pero por eso mismo va en línea con lo que quiero, ya que la canción misma habla desde el punto de vista de alguien que se cree “es mucha cosa y se las sabe todas”, pero que desde afuera se nota a leguas que no. A veces esos juegos entre la realidad que yo percibo de mí mismo y la ficción que intento crear en la letra, se mezclan, y es la parte divertida (pero al final para mí siempre gana la ficción). Por eso ninguna de mis letras es autobiográfica en ningún aspecto (al menos no de manera consciente). Quiero que mis letras sean abiertas, y que él o la oyente escuchen en ellas lo que él o ella quieran escuchar. Blanca Wiethüchter, de cuyo poemario Madera Vida y Árbol Difunto sale su nombre, ¿fue una gran inspiración para ti? ¿Cuál es tu conexión con la poetisa? Intenté estudiar una licenciatura en Literatura durante tres años en la Universidad Mayor de San Andrés (UMSA), antes de darme cuenta de que no servía para eso. Sin embargo, la experiencia me dejó marcado (recuerdo el trabajo de varios poetas bolivianos y latinoamericanos que cambiaron mi for-

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ma de percibir lo escrito). Entre los poetas nacionales que más me impactaron estaban el sucrense Edmundo Camargo y la paceña Blanca Wiethüchter. Quien haya leído el poemario Madera Vida y Árbol Difunto, sabe que sus temas están bastante ligados a la turbulencia del contexto boliviano de la década de los 80’s. En mi caso, mi fascinación deja de lado lo valiente de la metáfora histórica, y prefiere agarrarse cobardemente del lado más obvio del poemario, que es la resignificación de los objetos. Así como el árbol muerto contiene en sí el potencial de resignificarse en la madera que le da forma y contenido a un objeto nuevo, la música misma resignifica y le da una nueva vida a esa materia orgánica muerta a través de los instrumentos. En Árbol Difunto nació con el propósito de explorar lo que años atrás definíamos medio ambiguamente como “el sonido de la madera”, y tenemos un tema en nuestro primer EP llamado Sinapsis, que escribí pensando jus-

tamente en esas ideas. Si bien hoy por hoy la esencia de la madera queda en el uso de los instrumentos acústicos (me parece que ahora tenemos otras preocupaciones), lo cual hace que el nombre mismo de la banda quede medio limitante. Es posible que en el futuro lo transformemos de alguna manera, o que simplemente ignoremos irresponsablemente su origen. Igual me gusta nuestro nombre. Es sólo que me trauma un poco tener que nombrar cosas. Creo que nuestro nombre mismo es obsoleto desde el día en que nacemos. Capaz por eso, yo no me siento Gabriel sino Gabo (o “Gabu” para mis hermanos menores, o “Jiabo” para mis amigos chinos, o solo “Gab” para mis amigos europeos), y, vos no eres realmente Alfonso sino Alfonseka. Y eso está bien. Coméntanos sobre la nueva obra musical de En Árbol Difunto intitulada Empero. ¿Quiénes han trabajado en la producción? Además, grabado entre Alemania y Bolivia. Veo que hay bastantes créditos dentro de la mezcla, el máster, etc. ¿Podrías mencionar a la gente

que laburó contigo? Las bases (guitarras, bajo y batería) las grabamos en los estudios Hyla Records en la ciudad de La Paz, con los ingenieros Javier “Zurdo” Flores y Fabricio Zapata García. En la mezcla nos ayudó (desde su casa y ya en media pandemia) José Luis Blanco (o el White como le decimos los amigos), y el máster de las canciones largas lo hizo Marcelo Navía de Lado B. Las piezas instrumentales cortas las grabamos aparte, cada uno -de los que las compusimos- desde casa, igual ya en épocas de la cuarentena. Después yo grabé varias de mis tomas de voces principales en mi cuartito en Alemania, y se las mandé al White para que las agregara a la mezcla. Lo mismo con el tema que compuse como introducción al disco, Retazos. Todas las tomas de violonchelo que tocó Andrea fueron grabadas por Vicente (igual desde su casa, y en época de contingencia médica). En Árbol Difunto vienen con una estrella -como se dice- desde el inicio de su carrera, ganando

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concursos e importantes premios, que son un motor de gran impulso para concretar proyectos -como en este caso- el disco Empero, que contó con el apoyo del FOCUART. ¿Cómo se dio la gestación del material discográfico? Fue un proceso bastante largo, y que tuvo algunos baches importantes en el camino. Entre 2017 y 2018 En Árbol Difunto grabamos nuestro disco en vivo/documental Sonidos/ Espacios. Una de las canciones que registramos ahí era el Jaibo, pero en ese entonces nuestra interpretación de la canción no estaba madura aún, así que decidimos no incluirla en ese álbum. Por aquel entonces se unió a En Árbol Difunto, Vicente Contreras (bajista de Azorella), y su estilo le dio un nuevo aire a la sección rítmica de la banda, lo cual nos impulsó a compo-

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ner temas nuevos que aprovecharan sus cualidades como músico. De ahí nos dimos la tarea de componer canciones nuevas que acompañaran temáticamente lo que Jaibo ya iba proponiendo. A mediados de 2018 salió la convocatoria para un concurso bastante grande -en estilo batalla de bandas- llamado Premios Chuquiago Rock & Roll Waway, que contó con mucha participación y difusión en los medios del país. En Árbol Difunto decidimos entrar sin pensarla mucho. Lo que buscábamos no era ganar, sino, por un lado, darnos una excusa para ensayar mucho y pulir nuestra performance con miras a grabar un nuevo disco, y por otro, ponernos presión para acelerar la composición del material nuevo.

Para sorpresa de muchos (sobre todo la nuestra) terminamos ganando el certamen, y con ello un premio en efectivo, la grabación de un maxi-single y un videoclip. El premio en efectivo sí nos lo dieron (yo usé mi parte para comprar mi pasaje de avión), pero lo demás terminó en el limbo. No sabemos bien que pasó pues jamás nos dieron una explicación, pero estuvimos más de medio año en reuniones con representantes del concurso -en donde nos mandaban de un lado para otro con gente que se desentendía del asunto constantemente-, y no podíamos avanzar con el proyecto. Ya hartos de este ir y venir sin respuestas, en 2019 En Árbol Difunto decidimos desentendernos del concurso y más bien utilizar el impulso (y bronca) para hacer algo más grande y complejo que ese maxi-single. La tendinitis de nuestra cellista, mi beca, y la pandemia ejercieron cierta presión inesperada, pero creo que al final logramos acomodarnos y cumplir los objetivos que teníamos. Ya que poseíamos una idea clara de lo que queríamos hacer, decidimos presentarla al FOCUART (Fondo Concursable Municipal de Promoción al Desarrollo, Salvaguarda y Difusión de las Culturas & las Artes), y por suerte nos salió bien. Con eso pudimos pagar una parte de los costes de postproducción y difusión. Y como dicen, el resto es historia (yaaa…). La portada de Empero trae vida y arte en sí misma, ¿quién la realiza? ¿El artista escuchó el material para inspirarse? ¿Cómo nace la obra? La portada la pintó al óleo nuestro amigo Diego Ponce (quien es también un gran músico que toca el bajo en bandas paceñas muy importantes, como ser Azotador y Enfant). Nosotros casi no le dimos indicaciones sobre lo que queríamos, sino que dejamos que él escuchara el material y lo interpretara a su manera.

Obviamente, él podría explicar su trabajo mucho mejor que yo, así que no intentaré reemplazar las interpretaciones de nadie con mi propia subjetividad, pero un elemento importante que quizá puedo mencionar es cómo la figura que pintó parece estar trazada desde dos perspectivas al mismo tiempo, pues si bien la figura parece correr, al mismo tiempo te da la sensación de que está cayendo, y este detalle encaja muy bien con varios de los temas que intentamos expresar formal y musicalmente: como la inestabilidad, el avanzar lineal y sin vuelta atrás, y las voces de los distintos personajes que ofrecen puntos de vista diferentes. En fin, yo creo que la pintura es similar a la poesía, y si la explicas demasiado, la matas un poquito -ya que cierras los posibles significados-, así que prefiero dejarla viva para que los que la vean puedan hacer relaciones con la música libremente. Adentrándonos en el material estrenado de En Árbol Difunto, coméntanos de los textos que has escrito. ¿Qué temáticas has tocado en tus letras? Tenemos discusiones dentro de la banda misma acerca de cómo interpretamos nuestro propio trabajo -así que solo hablo por mí-, pero yo creo que nuestro tema central es el “remordimiento”. Tenemos varios personajes que dicen muchas cosas, a veces con mucha seguridad, pero otras veces con mucha duda, y a veces hasta se contradicen a sí mismos, o entre sí. Siempre hay una molestia latente por lo que se ha dicho o hecho, pero también una consciencia de que ya no se puede volver atrás, y que el peso de todas estas acciones pesa y persiste, sin desaparecer. Creo que este tipo de sensación es bastante universal, y que todos lo hemos sentido en mayor o menor medida. A mi entender, nuestro disco es un intento por explorar esa parte de la condición humana. El disco de En Árbol Difunto abre con Retazos, LaCarne Magazine

una instrumental (intro) para luego pasar a la canción Exhortaciones -uno de los preferidos para mí- con sampler de la voz de Octavio Paz (casi un dúo con el poeta). ¿Qué nos puedes comentar de la canción? ¿Quiénes la componen? ¿Qué te inspiró para los versos? ¿Por qué el sampler de La Llama, El Habla de Octavio Paz? Retazos la compuse yo. Supongo que es una especie de obertura donde presento riffs y otras ideas musicales (o retazos) que toco a través de todo el disco, pero recontextualizadas y juntas en una sola pieza. Asimismo, Exhortaciones nació originalmente de una idea mía, pero luego se expandió con muchos aportes importantes de Vicente y Adrián. Ya dije algunas cosas sobre la letra antes, pero quizá puedo agregar que la idea nació a partir del constante sentimiento de superioridad moral que es palpable en las redes sociales, y que no sólo veo en los otros (también en mí mismo cuando me toca interactuar). Creo que es casi inevitable, y que en parte nos hemos olvidado de lo que realmente significa conversar. Las palabras de Octavio Paz son un buen contraste a esta suerte de Segismundo moderno, encerrados en cámaras de eco en las que todos nos estamos convirtiendo.

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En fin, la idea lírica nació de ahí, pero al escribirla se fue desarrollando por otros lados, y creo que tiene una vida propia que va más allá de mis prejuicios moralistas, así que en realidad me gustaría que la gente la leyera considerando sus propios prejuicios, y no necesariamente siguiendo al pie de la letra los míos. Los autores somos autores sólo mientras hacemos. Cuando terminamos el hacer, la obra tiene vida propia, y si intentamos imponer nuestros significados sobre esa obra ya acabada, no estamos haciendo otra cosa más que encadenarla. En resumen: mejor escuchen la canción y no me tiren pelota. El tercer tema del álbum, intitulado Desplegar, continua con la atmósfera del disco, que podría ser una obra conceptual. ¿Quiénes la componen? ¿De qué nos hablan en la letra? Al igual que con Exhortaciones, yo traje la idea original, pero luego Vicente le agregó toda una sección con una guitarra afinada en “Si”, que le dio un aire nuevo y que me inspiró para escribir una letra totalmente distinta a lo que tenía en mente. La forma de la canción misma es algo así como un espejo, y por ello la letra también sugiere imágenes frente a un cristal, con la reflexión de un personaje que quiere cambiar algo, y otro (¿o quizá otra parte de sí mismo?)

que le da la contra. Retorno (el cuarto track) es un instrumental. ¿Quién lo compone? ¿Qué aires trae? Vicente Contreras compuso y grabó este tema. Básicamente se agarró de una parte de la letra del último verso de Desplegar, que habla de “querer retornar para enderezar los destiempos”. A partir de ahí nació la idea de que el instrumento principal vaya en reversa, para que dé la impresión de que estamos desandando, pero cambiando lo que vino antes, quizá a manera de arreglar los errores que la voz poética percibía en el tema anterior. Todo se mantiene dentro de una tonalidad cercana a la de Desplegar, pero no idéntica, como si se tratara de una fantasía que sustituye el recuerdo, algo así como un deseo de lo que podría haber sido diferente. El tema 5, intitulado Jaibo -con una duración de 12 minutos aproximadamente-, contiene sampler de Los Olvidados de Luis Buñuel. Otra de las canciones más exquisitas del álbum, donde haces una interpretación vocal con impostaciones singulares y bien logradas. ¿Cómo nace la canción? ¿Quiénes la componen? ¿De qué hablas en los textos? Como mencioné antes, la canción tiene una

historia larga, que data desde finales del 2016 o principios del 2017 (ya no lo recuerdo bien). Es una canción donde prácticamente todos colaboramos de alguna forma. Esto incluye a nuestra ex-bajista Valeria Illanes, quien trajo la línea de bajo original, que fue el germen sobre el cual los demás comenzamos a verter ideas. Cuando Valeria salió de En Árbol Difunto, la canción estaba aún incompleta, y la terminamos de escribir con Vicente, por lo cual me parece que es una canción pivote que nos lanzó en una dirección más rockera y pesada en comparación a lo que veníamos haciendo antes, que quizá estaba un poco más influenciado por la música latinoamericana de guitarra. La parte que mencionas sobre mi interpretación vocal, la hice inspirándome en ciertos principios estéticos que atrajeron a Buñuel. En Los Olvidados hay una escena de un sueño muy famosa y que -como seguramente a muchos otros- me dejó muy impresionado, muestra varios de los elementos del “surrealismo” y lo “dadá” que influenciaron al cineasta en su juventud. Ya que nos inspiramos mucho en esa película para hacer el contenido lírico (que lo escribimos entre Adrián y yo), me pareció apropiado LaCarne Magazine

intentar algo nuevo dentro de lo que yo vengo haciendo, y experimentar un poco con la poesía automática, básicamente dejando que las palabras vinieran como un delirio improvisado, influenciado por las temáticas que rondan tanto la película como el contexto de la canción en el disco, y por el sentimiento crudo que yo imagino este personaje tendría al entrar en un delirio así. Creo que es un momento muy influenciado por lo dramático, lo teatral, y fue bastante divertido grabarlo. Adenia es el sexto track, que como interludio sirve para darle aire al disco. ¿Quién está tras la composición? Todo el cierre del disco que involucra Adenia, Permanencia, y Atasco son primordialmente obras de la mano de Adrián. El disco es casi un degradé de ideas que va desde mí, pasa por el Vicente, y desemboca en el Adrián. No es algo que realmente hayamos diseñado (nos hemos dado cuenta en retrospectiva). Permanencia, la séptima canción -que también tiene una amplia duración aproximadamente de 7 minutos-, me dejó con el alma y los oídos calmos. Letras y voces que juegan con la armonía, la melodía, y los ritmos de manera espectacular. ¿Qué nos puedes comentar de la canción? Como decía, esta canción la compuso Adrián, casi en soledad. Durante varios meses venía a los ensayos mostrándonos pedacitos y preguntándonos nuestra opinión. Creo que la cambió varias veces, y lo mismo con la letra. Adrián nos comentó que en cierto momento él y otros amigos se pusieron a escuchar grabaciones históricas de distintos personajes famosos e infames de la historia boliviana, y una de las que lo impresionó más fue la de Jaime Cárdenas (el asesino serial sucrense), que recién aprendido, y desde las instalaciones de la policía, narraba a un periodista cómo se sentía por haber sido capturado. Partes de esta narración fueron sampleadas

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para la canción, y la voz cantada no está interesada en explorar los asesinatos, simplemente indagar en el estado de remordimiento, pero también de frialdad e inalterabilidad que son el objeto de las palabras de Cárdenas. La última palabra de la canción (y del disco) es “desaparecer”, que contrasta con la primera frase en Exhortaciones (“Soy un Dios”), e intenta cerrar este proceso de caída. Personalmente es mi tema favorito del disco, y me da algo de envidia no haberlo escrito yo. Cerramos el álbum de En Árbol Difunto con el tema Atasco, otra instrumental que sella el material con gloria. ¿Cómo definirías este epílogo? Es como un alejarse de algo que sigue ahí latente, enorme y volátil, y que aún está y seguirá cayendo -por más que el oyente se vaya y el disco termine-, el sentimiento sigue y no va a desaparecer. El Adrián me dijo que la compuso pensando en otra cosa. De hecho, la canción que iba a cerrar el disco originalmente era “Adenia”, pero yo lo convencí de que se equivocaba. ¿Dónde encontramos Empero para su adquisición? Si les gustó el disco pueden apoyarnos comprándolo en Bandcamp. Pagar una subscripción en Spotify solo le da dinero a Spotify. En contraste, el modelo de Bandcamp es mucho más conveniente para los artistas independientes, y el dinero de las compras nos llega en su mayoría a nosotros. No hacemos esto por dinero, pero cualquier aporte nos ayuda a poder financiar futuras producciones. Cuál es tu mensaje para la gente que leerá esta entrevista, unas palabras de despedida. Simple: lávense las manos, háganlo seguido, pónganse las pilas en lugares concurridos, no se toquen la cara. Evítenlo, amigos, usen desinfectante, eso es muy efectivo… ¡Felices fiestas!

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The Architect of Nightmares

Metal Extremo e historias ocultas

Extremo e historias ocultas LEER MÁS

racias a los amigos de AM Agencia México pude conocer a la banda mexicana The Architect of Nightmares.

Sus comienzos datan del 2014, y en su propuesta musical encontramos una mezcla de estilos dentro del Metal Extremo, y con una temática basada en literatura e historias ocultas. Ya están próximos a lanzar su segundo álbum titulado Fearing the Unknown, pero de esto y más nos comenta uno de sus fundadores, Damián Ymirson (guitarra y voz).

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Saludos. Para comenzar, por favor, cuéntanos, ¿en que están concentrados The Architect of Nightmares en estos momentos? En estos momentos The Architect of Nightmares estamos trabajando en la post producción de nuestro segundo lanzamiento titulado Fearing the Unknown, del cual se desprenden 3 sencillos incluidos en la versión final. Este disco estará disponible de manera física, y en todas las plataformas de streaming alrededor de enero de 2021. Bien, hablemos de sus orígenes, que según creo fue a finales del 2014. ¿Cómo ha sido su incursión en el medio metalero? ¿Tuvieron muchos tropiezos para darse a conocer, o todo se dio de buena forma? El proyecto comenzó realmente hasta que Dan y yo comenzamos a trabajar juntos. Ma-

quetamos 5 canciones para poder primero llenar los puestos de bajista y baterista.

vocalista, y entra Nacho Rodríguez (Urtikaria Anal) en la voz.

La idea era poder tener un demo que pudieran seguir y saber cómo acoplarse, entre otras cosas. Eventualmente Sanz se une, y un tiempo después Pepe.

Nacho tenía una agenda establecida con su banda, y tenían una gira programada por Europa, de manera que tuve que tomar ambos compromisos en la voz y en la guitarra, y es la alineación que se ha mantenido desde el inicio.

Durante la primera fase del The Architect of Nightmares éramos nosotros 4 originalmente, y hubo un período de maduración algo largo, porque yo no tenía la intención de cantar y tocar, e intentamos con un guitarrista más y yo solo cantaba. Realmente jamás había cantado así, y coordinar ambas tareas toma tiempo. Fue una experiencia completamente nueva. Estuvimos unos meses con Eleazar Blackfox en la guitarra. Después de la salida de Eleazar me paso a la guitarra de nuevo y buscamos un

Afortunadamente hemos tenido la buena experiencia de que nuestro trabajo ha sido bien aceptado por la escena local, aquí en Monterrey, México. La gente y la escena está bastante competida, hay bandas con mucha hambre y con muchísimo talento, y hay muchísimo público dispuesto a que los convenzan con nuevas propuestas. Entonces hay que trabajar con enfoque y mantener un proyecto como tal, y dejar de ser “la banda de la cuadra”. LaCarne Magazine

Como toda banda, The Architect of Nightmares comenzamos desde abajo invirtiendo y produciendo todo nosotros, con la meta de poder tener un material en forma, y lanzamos así el Consummating Divinity. Tuvimos la suerte de que nuestro manager, Adán Moreno, nos volteó a ver y nos propuso trabajar juntos, lo cual fue fundamental para poder tener base y poder ser escuchados en el siguiente nivel, el nacional. Al poco tiempo de llevar formados, The Architect of Nightmares saca su debut discográfico titulado Consummating Divinity. ¿Qué podéis decirnos de Consummating Divinity? ¿Está aún disponible? Este álbum se lanzó en marzo del 2017 en digital, y más tarde ese año estuvo disponible en físico. Fue maquilado por Discos Denver, y está disponible en físico y en todas las plataformas de streaming. La temática en general trata del ocultismo y la cacería de brujas. No tiene alguna temporalidad específica, pues es un tema aplicable a cualquier punto en el tiempo. Narra la evolución de un alma inocente en búsqueda de no sólo respuestas, sino verdades, para luego ser juzgada, torturada y ejecutada por su propia familia. Esto es una analogía al adoctrinamiento espiritual, lo que debes de creer y lo que no, el control sobre el comportamiento por parte de otros estratos, y lo que termina causando la opresión.

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¿Cómo se puede catalogar a The Architect of Nightmares, como una banda de Metal melódico, Death Metal, Thrash…? Wow, bueno, si tuviera que encasillar a The Architect of Nightmares en una sola vertiente del Metal sería algo como Occult Metal…, si es que existe eso. Desde que empezamos a componer nos dimos cuenta que, aunque tenemos influencias musicales diferentes, pudimos hacer que fluyeran juntas, en vez de chocarlas y hacer alguna más predominante, y pues, bueno, sucedió esto, un melodeathrash hablando de historias de “brujas”, símbolos y entidades dimensionales. ¿Tú o algunos de los integrantes de The Architect of Nightmares tienen proyectos paralelos, o están de lleno en The Architecture of Nightmares? ¿Quiénes son actualmente los integrantes de The Architecture of Nightmares? Damián Ymirson: Voz/Guitarra. Estoy trabajando en un proyecto “solista”, con algunas colaboraciones, mas tardará algún tiempo en ver la luz debido a costos de producción. Aún está en desarrollo y sigo componiendo para ambos proyectos, paralelamente. Dan Chapa: Guitarra Líder. Dan es un gran pianista antes que guitarrista, cabe mencionar que es zurdo y aprendió a tocar a lo diestro la guitarra. De momento no ha habido algún otro proyecto que le llene el ojo…, que sepamos. Adolfo Sanz: Bajo. Sanz llegó a probar suerte

con nosotros por mera curiosidad. No escuchaba ni melodeath, tech death, ni thrash, y le pareció interesante el proyecto y ha sido el bajista desde el inicio. Se fue adaptando e involucrando en el tech death y en el melodeath inmediatamente. Actualmente solo está en las líneas de T.A.O.N., pero ha participado con otras agrupaciones de otro género musical. Pepe “Tortuga” Rodríguez: Batería. Pepe es el clásico baterista de 9 bandas de 9 diferentes géneros, pero me atrevo a decir que se ha empeñado y dado la prioridad necesaria para con la banda. Ha tenido el puesto de columna vertebral de varias decenas de bandas locales. No hay un número actual de en cuantas bandas tiene colaboración, pero voy a decir mínimo 3 más aparte de T.A.O.N. El primer álbum de The Architect of Nightmares, Consummating Divinity, les abrió las puertas con gira por su país México, y compartir con grandes bandas. Coméntanos sobre esto. Gracias a nuestra agencia tuvimos la gran oportunidad de hacer 15 fechas en 2018, y 23 fechas en 2019, apoyando a Nervosa en ambos años y a Vader en el 2019. Estuvimos presentes en el México Metal Fest III, abriendo el evento y compartiendo escenario con muchas bandas icónicas del Metal como I Am Morbid, Cannibal Corpse, Phil Anselmo, Napalm Death, Obituary, Munici-

pal Waste, entre otros. Para nosotros es una experiencia muy única. Se aprende mucho y constantemente. Siempre hay cosas nuevas, y es muy agradable saber que se puede convivir con los demás de la banda, que hay enfoque y profesionalismo al mismo nivel entre todos, y siempre hay esa exigencia mutua. ¿Cuáles han sido tanto nacional como internacionalmente las bandas que han influido en el trabajo de The Architect of Nightmares? ¡Ésa sería una lista muy larga! En lo general compartimos el gusto por bandas clásicas, por supuesto, pero más con bandas como Obscura, Beyond Creation, Hypocrisy, Scar Symmetry, Necrophagist, Edge of Sanity, Arch Enemy, entre muchas. Dime si no estoy equivocado, pero como que sus letras están rondando las temáticas oscuras, ¿estoy en lo correcto? Sí, la temática de las canciones es sobre ocultismo, entendiendo el término como la información encriptada, oculta o restringida a la que tenemos acceso, de todo este proceso de “satanizar” cualquier otra práctica fuera de las religiones políticamente establecidas y manejar a las masas. En el 2017 firman con AM Agencia México. ¿Qué ha significado esto para The Architect of Nightmares? ¿Qué tal es ser parte de AM Agencia México? ¿Cómo ha sido el trabajo con ellos? Para nosotros fue un paso fundamental. El LaCarne Magazine

sentir que se puede tocar base con gente dedicada a este medio da mucha tranquilidad y mucha confianza en cómo se va a desarrollar el proyecto. Mantener bien balanceada esa mancuerna abre otros horizontes, y se genera esa confianza para seguir trabajando juntos en un ganar-ganar. La situación en Latinoamérica está en crisis económica, y, debido a la pandemia viral, México no escapa de esto. ¿Se le dificulta mucho a una banda de metal en tu país programar sus giras? ¿Cómo está actualmente la escena mexicana? Localmente no hay actividad aún en bares o eventos como conciertos. Sabemos que hay menos restricciones en otros estados cercanos como Coahuila; sin embargo, es difícil programar algo dado que no podemos saber con certeza si el evento se llevará a cabo o no, si habrá más restricciones, etc. Por lo pronto, The Architect of Nightmares hemos decidido enfocarnos en el trabajo pendiente, e inclusive empezar a pensar a futuro para un tercer álbum. ¿Coméntanos cómo ha sido la receptividad hacia la banda tanto en México como en el exterior? Va creciendo, y eso es un indicador muy positivo. Estamos muy emocionados de que este año ya tuvimos algunas escuchadas en países del norte y centro de Europa, por ejemplo. Por supuesto que la tecnología nos ha ayudado muchísimo a expandir horizontes, y esperemos que le podamos seguir dando mucha difusión a todo lo que viene. Sé que The Architect of Nightmares están próximos a lanzar un nuevo álbum, Fearing the Unknown. ¿Qué diferencias vamos a encontrar en Fearing the Unknown con respecto a su disco debut? Fearing the Unknown es un poco más técnico, y las canciones maduraron diferente a como se compuso el Consummating Divinity.

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Ese primer álbum nos ayudó a encontrar un sonido, tiene más contenido de voces limpias donde estábamos buscando alinear ciertos matices. Siento que es una producción un poco más cruda que Fearing the Unknown, pero eso ya lo decidirán ustedes. ¿Qué pueden comentar sobre este álbum a nivel de concepto, de música y de producción? ¿Se siente satisfecho con este trabajo? Nos sentimos muy satisfechos con el trabajo. Para nosotros ha sido todo un viaje. El concepto está relacionado con el álbum anterior en cuanto a la temática, y musicalmente siento que ha habido progreso en toda la estructura musical. El videoclip es algo que siempre ayuda mucho a difundir la música de las bandas. ¿Algún vídeo para promocionar este nuevo disco? Sí, tenemos planeado un vídeo oficial aparte de los playthroughs y lyric videos. ¿Cuál es el próximo paso de The Architect of Nightmares, aparte de la promoción del nuevo álbum? Aprovechar este tiempo para planear una tercera y cuarta producción, ya que todo eso lleva tiempo y maduración. Bien, esto es todo. Realmente agradezco su tiempo y sus palabras. Si deseas darnos algún mensaje final, el espacio es tuyo. ¡Agradecerles muchísimo por el interés en nuestro trabajo, y todo el apoyo en la difusión del Metal! De antemano estamos a sus órdenes, y los invitamos a escuchar nuestra música a través de plataformas digitales de streaming, y adquirirla también si así lo desean. Es un honor para nosotros.

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T Hate

Rap Kolla desde las alturas de La Paz T Hate – Rap Kolla desde las alturas de La Paz

a ciudad de La Paz está ubicada en la región montañosa del altiplano boliviano, que en tiempos precolombinos fue conocida como el Kollasuyu, parte del Gran Tawantinsuyu (en la época del Imperio de los Incas). En esta región andina se llama a la gente originaria del lugar como “kolla”. Conocí a Antonio David Mamani Hilaya aka T Hate durante el entierro de Blady Mc aka Marka Aru (nuestro amigo en común) en febrero del 2016. Ahora nuestra amistad se basa en el Rap y en la memoria del desaparecido rimador paceño. En exclusiva para LaCarne Magazine, nos reencontramos (on line) para conversar sobre su carrera musical y sus proyectos venideros. Gracias por la confianza.

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¿Cómo nace T Hate? La “T” es de “Toño” (como me decían mis papás desde chiquito, desde “llocalla”), y lo de “Hate”, porque en mi momento de empute es cuando escribo (no falta la gente que te hace renegar), para luego descargarse en una canción, en una producción que me ayude a desahogarme y verme. Tranquilizar esas malas energías y recargarse de buenas vibras. ¿Cómo te iniciaste en la vida musical? Más que iniciarme en la vida musical, la música la he tenido desde chango, desde feto estaba escuchando discos (Eminem, Cypress Hill, House of Pain), la música siempre ha estado en mí. Prácticamente comencé a escribir desde colegio, ahí empecé a hacer las primeras rimas con los cuates, no había muchos que les gus-

cuate que me ha abierto las puertas en esto de la movida. Nos conocemos desde el entierro de Blady Mc, ¿cómo recuerdas a Marka Aru? Marka Aru fue de los más reales que ha habido en el Hip Hop de Bolivia, para mí el más real. Muy aparte de lo musical, fue un amigo que te apoyaba. El primer cuate que me dijo que me pagaría la grabación para que hiciera un tema, y por eso siempre lo llevo en mi corazón al Blady -mi mejor amigo, mi mejor hermano-. Le gustaba cuando yo estaba comenzando a improvisar. El primer tema que le hice escuchar fue Odio + Odio, y me dijo que iba a ser un “boom”, pero que trabajara muy bien el coro. Bendiciones para Marka Aru.

taba lo que era esto del Rap (más estaban metidos en el Techno y esas huevadas). Pero no faltaba alguien que en una chupa me decía: a ver, tírate una rima, y “fa fa fa”, le rimábamos. Pero sólo era cantar, iniciarme en la vida musical fue hace cuatro años prácticamente, cuando sale el tema dedicado a mi papá (que ahora los estoy estrenando). T Hate, ¿cuáles han sido tus influencias musicales? Una de las grandes influencias que he tenido ha sido Temperamento, el que ha influido más en mi vida, sus letras me han llegado. Lo más anecdótico es que me lo hizo conocer mi sobrino de doce añitos en ese entonces: tío, escucha a este cantante, es un boricua que radica en Estados Unidos. ¿Cómo te iniciaste en el Movimiento Hip Hop? Me inicié gracias a Diccionario Lirikal, es el

T Hate, acabas de estrenar el tema Cantando Cerca / (Q.E.P.D. mi Tigrito) dedicado a la memoria de tu Sr. Padre, realmente emotivo. Con lágrimas seguramente en la sesión de grabación, cuéntanos de la realización en colaboración con Natural Poesía, ¿cómo has producido la canción? Este tema dedicado a mi papá es uno de los más fáciles que he grabado, pero más difícil de cantarlo porque me ha llegado al alma. Como anécdota, en la producción de la canción se me han abierto varias heridas que ya estaban sanando, me volvió a recordar el momento de la despedida en el cementerio, cuando le dije: “chau, Tigrito, te cuidas, nos vemos más allá”. Fue una canción dificultosa al cantarla, de pronunciar las rimas. Además, es como tenerlo al viejo (que ha muerto), y lo veas de cinco años para decirle: sabes, papi… Una canción que me ha sacado lágrimas. En el mismo tema se nota que estoy lastimado y herido. En la colaboración me ha ayudado la hermana Melanie Rosales, que es de Sucre, más conocida como Natural Poesía. Esa amiga sí que ha sido re buena onda, me mandó los audios en 2019, y el tema ha salido luego de un año que me envió los coros. Y en cuanto a la producción, mi buen DiccioLaCarne Magazine

nario Lirikal. Como anécdota, él también sufrió la pérdida de su Sr. Padre, y los dos nos hemos visto secos a la hora de terminar el tema, sin palabras, sin nada… No hablamos por un tiempo. Es el mejor de mis temas porque le menciono a mi viejo.

Familia, pero por el momento puedo mencionar que se ha convertido en un Colectivo (en el cual estamos entre otros Cholo Latino, Tío Sam, Cháma MC, Chistorete de Cruz de Estaca), trabajando silenciosamente para sacar más cositas.

T Hate, ¿cuál es tu producción musical hasta la fecha? He realizado singles -en video y audio- que son parte de un disco doble que sale en enero 2021. Love and Hate (Disco 1) y T. Hate / El segundo Paso (Disco 2).

Para el 2017 me invitaste a colaborar en un tema intitulado Lleca Llaco, que forma parte de tu disco Love & Hate. Fuimos a registrar mis textos en dos oportunidades al Studio Dreams Inc., donde Diccionario Lirikal, hasta la ciudad de El Alto. Posteriormente se lanzó en 2018 el estreno del single. Realizamos y presentamos el videoclip en 2019 junto a One C de Under Play. ¿Qué memorias te trae la producción de la canción? Un tema muy loco que habla la realidad. Escuchándote, mencionas dónde has vivido y toda la joda que has hecho. Por mi parte también, toda la joda que he vivido (por la Eguino, por la Manco Kapac, la Buenuca que me ha visto crecer).

Te anticipo -como sorpresa- que estamos preparando un Mixtape – Del Asfalto – junto a mis hermanos: Dj Conde, Jhonhas MC, JVS, y la productora Kuatro Paredez, que nos está abriendo sus puertas, apoyando al Hip Hop. Formas parte del crew Pachamama Familia Bolivia, coméntanos de ellos. ¿Quiénes son? ¿Cómo están representando en la actualidad? Han sido unos amigos que me han apoyado, en especial Cháma MC. En la actualidad trabajamos un proyecto. Yo participo en la crew como solista, preparando temas para representar con Pachamama

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La producción alucinante que hizo One C, le doy full crédito a ese hommie. Me ha encantado trabajar contigo, Marraketa, una persona muy profesional, vino con su guioncito hecho al Brad Pitt -jajaja- se podría decir.

Gracias nuevamente por el temón, tuvo buena acogida. El detalle es que sólo se hace conocer mediante el inframundo, mediante el underground. El que chapa, chapa así. Diccionario Lirikal es uno de los mejores productores de La Paz – El Alto. Tú mismo viste cómo labura, la energía que le pone al grabar. Hemos regrabado el tema para que salga un mejor producto, porque en algunas partes habíamos fallado -las tomas de registro-, has visto cómo se trabaja con él. Espero pronto la oportunidad para cantarlo en vivo, y sentir a mi lado ese Ajayu, esa fuerza. Estas en creación constante con varios productores en video, manteniéndote con Diccionario Lirikal -entre otros- en el audio. Como artista independiente inviertes en la obra, ¿cómo te fue hasta la fecha? Si quieres meterte en esto del Hip Hop -una vez me dijo un amigo-, tienes que invertir plata por más que no recibas nada a cambio, y es la realidad. Me encanta trabajar con Diccionario Lirikal, y aprendí bastantes cosas de él. En el audiovisual me gusta trabajar con el One C, una persona que le pone dedicación. Me alegra que te mantengas en “el juego” -como se dice en la movida-, con nuevas y constantes realizaciones como el tema “No me canso” ft. Dj Conde, y en la producción audiovisual con Versal Films, ¿qué nos puedes comentar de la obra? Es uno de los temas más locos que he realizado. Como anécdota, tenía que grabarse con otro invitado -que no quiero mencionar su nombre-, y como respuesta me dijo que debía ser más melódico, que va a pegar más, etc. Pero este tema, así tal cual lo ves – Boom Bap – seco, ha ganado el tercer lugar del concurso de “Rap Revolución” hecho por unos hermanos de la movida. La producción musical por Dreams Inc., y la visual por Versal Films. El día del rodaje hemos correteado por llegar -para el atardecer- a los edificios pintados con la obra del artista Mamani Mamani. Un excelente trabajo realizado en la ciudad de El Alto

de Bolivia. T Hate, ¿cómo lo ves y sientes al Hip Hop en Bolivia? El Hip Hop en Bolivia lo veo nulo. Hay buenos exponentes, eso no se niega. Hay buenos productores, eso no se niega. Pero lo mantengo y lo sigo recalcando: mientras no haya unidad y no muera la envidia, el Hip Hop en Bolivia va a quedarse ahí. Lo fundamental de todo esto es unidad y perder la envidia. El boliviano y el paceño son envidiosos. Si esto no se acaba, el Hip Hop será sólo para los cuates. Exportar Hip Hop sería alucinante, pero mientras no haya unión, yo lo veo verde. T Hate, ¿qué frase, qué palabras, qué versos te animan a seguir adelante? Una frase: “por más que me caiga (no me canso), si la tormenta se avecina (no me canso)”. Unas palabras: Belen y Nathaly (que son mis dos hijas). Un verso: “No me rendiré” – uno de mis mejores temas-, escrito en tiempos de bajón cuando no tienes plata y estas hecho shit, ¿no? Estos versos son los que me levantan full a veces. T Hate, ¿qué plataformas digitales y redes sociales usas para la difusión y promoción de la música hecha por T Hate? ¿Editarás el álbum doble en formato CD? La distribución digital ya está hecha, puedes buscar en Soundcloud T Hate, en YouTube también puedes ver los videos, en la página de Facebook T Hate / Pachamama Familia. El disco lo pienso sacar en CD para darle un recuerdo a la gente, tengo planeado hacer una buena promoción para que se lo escuche. Cerrando el año 2020 estrenas en diciembre un tema que forma parte de tu proyecto intitulado Del Asfalto. T Hate, ¿qué nos puedes comentar de la producción? Un tema Boom-Bap (tercer single oficial) que forma parte del Mixtape de Del Asfalto reaLaCarne Magazine

lizado por la productora Kuatro Paredez. El tema titula Poetas de Calle (una canción bien vacilona), quiero dar crédito (en el corito) a mi yunta, a mi duke -como se dice- DJ Conde, y a los hommies de Kuatro Paredez que son JVS y Jhonhas MC. T Hate, ¿cómo resumes esta etapa lúdica – creativa ligada a la Cultura Hip Hop? El Hip Hop lo estoy viviendo a pleno, me ha enseñado muchas cosas. Aprendí Photoshop para hacer la imagen, estudié producción audiovisual. Hago Hip Hop para que vean y escuchen mi producto, sin importar la calidad -puede ser 4K-, siempre yéndonos a lo profesional, viendo los detalles de la vocalización, etc. ¿Cómo está la movida actualmente? Paralizada por la cuarentena, aunque ya he cantado en tarima en El Alto en un par de eventitos (uno dedicado al Marka Aru). Agradecer a mi Sra. Esposa por el apañe. Aparte de la inversión económica que un artista independiente pone en su obra, está el Alma, el Espíritu, el Ajayu. ¿Qué temáticas estás tratando en tus líricas y textos?

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Las temáticas que estoy utilizando son de dónde vengo (el barrio). Como el primer disco es la carta de presentación de cada artista, estoy demostrando cómo estoy hecho (prácticamente). Presento temas como el No me rendiré, que indica que no desfallezcas a pesar de los haters, de la envidia. En el tema Demostrando (que es el primer tema profesional en grabar) hablo de cómo estoy llegando a esto del juego. El Rap junto a Niwed llamado Mi Apertura, donde dice en el coro: “Nadie me va a callar”, o sea, vamos a seguir haciendo esto. El tema Odio + Odio habla mi realidad en la calle, la orfandad y toda esa mierda. En la canción Qué me decía retrato de que siempre caminamos con la melodía a pesar de los problemas y obligaciones de la vida con la familia. Luego de bastantes meses sin eventos culturales y actividad musical, se realizó a finales del mes de noviembre 2020 el “Tributo a Blady Mc aka Marka Aru” en la ciudad de El Alto. ¿Cómo estuvo? ¿Qué tal volver a escena luego de las cuarentenas? Bien, un poco de temor en esas fechas (en medio de la gente) a que venga la policía y los

carguen. Gracias a Dios y al Espíritu del Blady ha salido bien. Los artistas invitados demostraron profesionalismo. Otros rappers se bebieron en honor de Marka Aru, armando un caos para quitarse el micrófono y poder improvisar. Todos querían rendirle homenaje al gran amigo que tuvimos. Fue “riquito” (esa es la palabra) pero nos faltó practicar, no estamos como antes. Hay que entrenar lo que es la respiración. ¿Cuál es el entrenamiento de un rimador como T Hate? Día a día practicando lo que se puede, ¿no? Cada noche un temita. Ahora mi hijita mayor corea mis temas -ya subiré videos-. Voy a producir y grabar los temas escritos en la cuarentena. Yo también tengo el amor de mi hijita (Ayten) que corea, salta, toma el micrófono, se sube al escenario, entra al Studio de grabación, etc. La familia es un impulso cuando uno es padre de familia. ¿Cómo te sientes al vivir estas bendiciones? Mis hijas son lo que me motiva para seguir adelante, sin ellas no sé dónde estaría. Me gusta, me agrada, me encanta, estoy enamorado de que coreen mis canciones. De que digan (con el corazón) mi papá es T Hate. Adoro a mis hijas, las idolatro y también amo al Hip Hop.Es una bendición grande que mi esposa y mis hijas me apañen en todo esto. Qué actividad u ocupación mantiene al artista. ¿Qué obligaciones debes cumplir más allá del Rap? Más allá de las rimas, estoy enfocado en la tienda (de celulares) donde laburo en plena Ceja de El Alto. Pero ahí en mi tiempo libre es donde plasmo y escribo mis ideas, hasta cansarme y sacar los mejores versos. Siempre que hay una rima, la grabo con el celular. Coméntanos de la canción Perdiendo la razón en colaboración con Jacker desde Italia. ¿Cómo surge la producción? Un día cualquiera recibo en mensaje por Mes-

senger -era un cuatecito que decía que quería hacer una colaboración conmigo-. ¿Y quién soy yo para negar una colaboración a alguien, no? Me dijo que era de Italia, que le gustaban mis temas… Me mandó el beat y el coro hecho. Yo tenía algo escrito (por coincidencias) en una letra que titulaba “De mente vacía” con doble significando (“de mente” o un “demente”, pero vacía). Le meto las rimas y me voy a grabar en tiempo de cuarentena donde el Nando en 3E Prod., quien me registra las voces y las envío posteriormente hasta Italia mediante Google Drive. Allá lo produce (mezclado y masterizado) Kim Jarabe -un productor jamaiquino--. ¡Pum! Sale el temita que me gusta, me encanta. Un mensaje para la gran hinchada de Hip Hop Latino alrededor del planeta, ¿qué nos puedes decir? Vivan Hip Hop, dejen la mediocridad, sueñen Hip Hop, coman Hip Hop. Escriban todo lo que quieran expulsar, desahoguen el alma en una libreta… Luchen por sus sueños. ¿Cómo se ve Deyvid Tony cuando se para frente al espejo y observa a T Hate en su reflejo? Gracias por apoyar a este humilde MC que se considera un alteño más (trabajo y vivo con la gente de aquí). Veo un MC alteño crecido en la “Buenuca” (como le decía mi viejo a la avenida que nunca calla,la Buenos Aires), siempre está llena de bulla, comerciantes y todo eso. Gracias por compartir conmigo la real Cultura Hip Hop, sin discriminar clases sociales ni nacionalidades, sin distinción de credos y colores de piel. Tus palabras de despedida para la gente que disfruta de la música y la cultura. Un saludo y muchas bendiciones para ti (y la familia). Gracias por este momento de incentivar lo que vengo haciendo, hay poca gente que ayuda en esto y te motiva a seguir (que te “da esquina” como decimos). Muchas gracias. Amor, lealtad y respeto.

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Laverno

Death Metal de la vieja escuela LEER MÁS

averno es una banda venezolana que se originó de mano de su fundador, Carlos Luis Solórzano. Esta agrupación ha participado en múltiples festivales y conciertos, y compartido con grandes bandas. Laverno detiene su camino en 1998, pero 17 años más tarde regresan a escena con más ánimos y fuerzas. Contacté con Carlos Luis Solórzano, y he aquí sus respuestas a la entrevista.

Laverno, Death Metal de la vieja escuela Saludos. Un placer hablar contigo. Antes de comenzar la entrevista ¿te gustaría comentarnos antes previamente? Saludos. Soy Carlos Luis Solórzano, gui-

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tarrista de la banda Laverno de Venezuela. Ante todo, quiero darle las gracias por compartir nuestro trabajo en tan prestigiosa revista LaCarne Magazine, y un especial abrazo a todo su público. Bien, según tengo entendido, Laverno se forma oficialmente en el 1992. Cuéntanos sobre esos inicios. Laverno se forma en el año 1992 en Maracay, Estado Aragua. Durante los próximos meses, su fundador, Carlos Luis Solórzano, tenía la necesidad de reemplazar algunos músicos debido al avance en ejecución, por tal motivo viajé a San Juan de los Morros, para así consolidarse y emprender las presentaciones en vivo. Durante los años 90, el grupo se presenta en múltiples festivales y conciertos en varias ciudades del país.

Sin Descanso fue el disco lanzado en 1996. ¿Quieres comentar o decir algo respecto a este disco? Sin Descanso fue otro Demo de producción casera de los 90. Laverno actualmente tiene en su EP de promoción temas que fueron de ese entonces, y que seguimos tocando en nuestras presentaciones. La banda estuvo desintegrada por un largo periodo de tiempo. ¿A qué se debió el periodo de inactividad de la banda? Los períodos de ausencia se deben a que el fundador de Laverno se dedicó a sus estudios universitarios, entre otras cosas. Ese tiempo duró desde 1998 hasta el año 2015.

Al poco tiempo de formados ya sacan un primer demo con el título de Absolución Inversa. ¿Cómo fue recibido este primer material de la banda? El demo Absolución Inversa fue de producción casera. Debido a la condición del material no salió al mercado; sin embargo, está un tema en YouTube con el nombre de: Laverno Criatura sin Alma 1993. En cuanto a su propuesta musical, ¿dónde podemos ubicar o encasillar el género que hace Laverno dentro del metal? Laverno con el pasar del tiempo se cataloga como una banda old school de Death Metal. Es para el disfrute, donde encontrarás estructuras musicales que te hacen entender este género. Según leí, su primer concierto de forma oficial fue el realizado junto a la banda Andrómeda. Quisiera me comentaras sobre este toque. Ése fue nuestro primer evento. Se realizó en el comedor de la Universidad Rómulo Gallegos (UNERG), en San Juan de los Morros. Éramos muy jóvenes, y así comienza la gran aventura. Debido a esa presentación, todo cambió. Andrómeda fue una banda muy buena, pero se disolvió al poco tiempo.

¿Qué los motivo luego de 17 años de inactividad a reagruparse nuevamente y continuar adelante? Por la insistencia de los fans, amigos y familiares, reunieron a la banda en el 2015, para luego continuar sus presentaciones. Luego de su reagrupación sacan el EP Regreso a la Absolución. ¿Qué podemos encontrar en este nuevo material? La banda actualmente se encuentra promocionando su EP Regreso a la Absolución, el cual cuenta con tres temas, grabado en 2017. Las canciones son Desafío a la Muerte, Extraño Dolor y Aftosa Demencia. Temas pertenecientes a los años 90. Háblanos un poco sobre la lírica y temática de Laverno, ¿qué quieres transmitir con la música y la letra? ¿Qué bandas los han inspirado en toda su trayectoria? La lírica y la temática de Laverno es ser lo más entendible posible, dentro de lo que llamamos sonido, para transmitir el gozo musical del Rock. Y las letras tratan sobre problemas sociales, espirituales, científicos, psicológicos, entre otras cosas. Las bandas que nos han influenciados son muchas entre varios géneros. Cómo, por ejemplo, Krueger, Death, Obituary, Iron Maiden, Slayer…

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En esta trayectoria de tantos años, Laverno ha tocado junto a reconocidas bandas nacionales. ¿Cómo se han sentido y qué experiencia han ganado al compartir escenario con estas bandas? Ha sido una experiencia única. Se aprende a trabajar de ordena y profesional, mejorar nuestro performans, y conocer personas muy importantes dentro del Movimiento del Rock Nacional. Respecto a la alineación, ¿han ido variando con el paso de los años, o la base de la banda ha sido siempre la misma? ¿Algunos de sus integrantes cuentan con proyecto musical paralelo, o solo están dedicados de lleno a Laverno? Laverno, con el transcurrir de los años, ha cambiado de integrantes. La única persona que sigue desde sus inicios es el guitarrista Carlos Luis Solórzano. Actualmente el grupo está conformado por Marco Alfano, guitarrista, que también forma parte de Noxious e Imperial Ceremony;

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Carlos Luis Solórzano, guitarra; Jorge Rodríguez en el bajo; Jacob Gouverneur en la voz, y en la batería, Jean Franco Cavazzoni. Venezuela está actualmente en la mira de muchos debido a los problemas políticos existentes, tal es así que últimamente se han suspendido algunos eventos y festivales. ¿Cómo es realmente la vida en Venezuela? Y la escena metalera, ¿cómo está de salud? Todos sabemos que nuestro país está pasando por momentos muy difíciles debido a la problemática política, social y económica. Nos cabe destacar que solo los venezolanos saldremos adelante unidos, siendo emprendedores. Esto ha afectado muy significativamente la cantidad de presentaciones en vivo y todo tipo de eventos; sin embargo, ha crecido, debido al confinamiento, en los medios digitales mucha información del Rock venezolano, donde el público está siempre informado de lo que ocurre en el Rock Nacional e Internacional. laverno

Con todo esto de la pandemia, el Covid-19, ¿qué está haciendo la banda para seguir promocionando su música? El grupo está promocionando su música a través de las redes sociales, con constancia y por el apoyo de los medios. ¿Hay algunos adelantos para un posible nuevo álbum? En caso afirmativo, se podría adelantar algún detalle. Laverno se encuentra en plena preproducción de su nuevo EP llamado El Mar De Los Cangrejos Muertos. Los temas están siendo grabados en el Estudio Producciones Stop, en la capital del Estado Guárico. ¿Cuáles son las actividades venideras de la banda? ¿Qué les dirías a todos los que aún no los han escuchado para que les presten mayor atención? Concluido el EP, comenzará la difusión de nuestro trabajo por las redes sociales. De forma continua estaremos en la producción del video oficial de uno de los temas. A todo el público general, Laverno es una banda que no busca destacarse como músicos virtuosos, ni tampoco competir con nadie,

somos un grupo que toca un Death Metal Old School muy entendible (musicalmente hablando). Gracias por responder estas preguntas, ¿algunas palabras que quieras hacerles llegar al público? Me permitiré el honor, por tan importante revista Internacional, en extender estas palabras. En nombre de Laverno le doy las gracias a todo el público que nos han escuchado en muchas partes del mundo, a la prensa, radio, TV, manager, productores, artistas, locutores, programas, zine, páginas, y revistas internacionales que de alguna manera nos han apoyado. A ustedes, LaCarne Magazine, por permitirnos llegar más allá. En especial a todos los seguidores de tan importante revista. Abrazos. #laverno

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I.N.D.I.O.

Hardcore desde La Paz I.N.D.I.O. , Hardcore desde La Paz LEER MÁS

Foto por Ana Piroska

os conocimos con Peter Rodríguez Zapata, líder fundador de la banda I.N.D.I.O. en los inicios del 2000, cuando la escena Hardcore en La Paz de Bolivia tomaba forma, y aparecían bandas que proyectaban una potencia musical extraordinaria. Han pasado 20 años, y tenemos el gustazo de reencontrarnos en otra sesión comunicacional para charlar de la vida musicante que nos ha tocado sobrellevar en la misma hoyada del altiplano. En exclusiva para LaCarne Magazine, gracias por acceder a la conversación.

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Saludos cordiales. ¿Cómo te encuentras actualmente? Hola, LaCarne Magazine. Muchas gracias por el espacio y la entrevista. En un año que ha sido tan difícil, es gratificante que haya gente que te brinde un espacio para conocer más sobre la música. ¿Cómo naces a la vida musical? Como todo chango de nuestra generación -creo que somos contemporáneos con el Seka-, con la pasión por el Rock, escucharlo desde muy chiquito. Nunca faltaba el amigo en colegio que llevaba la guitarra, y ahí comencé a tocarla, adentrarme en el instrumento. Cuando estaba por salir bachiller, me metí al Conservatorio (aunqueno lo terminé, estuve un par de años). Ahí se me abrió un espectro de la música mucho más grande (aprendí de música clásica y contemporánea).

¿Cómo fueron tus inicios en la música? Estaba en el Conservatorio de Música, ahí empecé a armar la banda. Creo que mis primeros escenarios fueron por el 2000, donde comencé a tocar y a ver la música de una manera más seria. Instinto Natural De Interminable Odio. ¿Cómo nace I.N.D.I.O.? Justamente en ese ínterin, me conozco con Mauricio Águila (primer baterista). Con él nos juntamos un día para hacer unos Jams -sin la idea de hacer una banda-, sólo queríamos un poco pasar el tiempo, pero vimos que había un feeling y una química alucinante. Más o menos escuchábamos el mismo estilo de música (era extraordinario poder compartir tocando los instrumentos). Un batero increíble, sabía mucho más de música que yo. Decidimos armar la banda, trajimos un bajista más, y esos fueron los inicios de I.N.D.I.O.

¿Qué influencias musicales has recibido? Principalmente mi influencia más grande está dentro del Rock. Desde muy pequeño empecé a escucharlo, tenía unos primos mayores (que manejaban unos Tapes).

¿Cuál es la discografía de I.N.D.I.O. hasta la fecha? Participamos en varios compilados, el CD producido por la Otra Vereda y editado por el sello Discolandia (2002), justamente para apoyar al Hardcore y Metal Underground paceño.

Creo que la primera banda que escuché fue Metallica, cuando tenía 6 o 7 años. Siempre moviéndome dentro del Rock, pasando a escuchar Hard Rock, Heavy Metal (Iron Maiden, Mötley Crüe, Guns & Roses).

El disco de la Marathón Rock (2002), realizado por el Equinoccio Pub. Recientemente salimos en otro compilado de un sello disquero que se llama Crecer Records (uno de los más importantes a nivel Latinoamérica de Hardcore). Y el disco EP que hemos grabado el 2018 que se titula Instinto Natural De Interminable Odio.

De adolescente escuché bastante Grunge (Pearl Jam, Alice In Chains, Soundgarden). Ahí me fui interiorizando en el Metal extremo, me empezaron a gustar bastantes bandas como Slayer, Pantera, Sepultura (que ya me llevaron a adentrarme un poco más en lo que era la música extrema).

¿Quiénes conforman actualmente el proyecto musical I.N.D.I.O.? ¿Qué instrumentos interpretan? Keru Von Borries en el bajo y coros, Jason “Jimbo” Ascarrunz en la guitarra, Diego Dávalos en la batería, y mi persona (Pitt Rodríguez) en la voz.

Conocí el Death Metal y el Hardcore, que es una de las músicas con las que más me identifico en realidad.

¿Cómo les fue con su edición discográfica por No Wasted Records? ¿Dónde se grabó? ¿Qué anécdotas guardan de aquellas sesiones? LaCarne Magazine

Alucinante, fue como cosechar los frutos que dejamos hace tiempo, porque I.N.D.I.O. tuvo un lapso. Yo decidí dejar el proyecto unos 10 años (por lo menos), y al volver, vimos que la gente estaba emocionada, quería escucharnos. En eso se subió al barco No Wasted Records para apoyar el retorno, por fin registrar el ansiado disco que habíamos dejado hace tantos años. Lo grabamos en el Studio Power Sound de Pedro Ascarrunz (un capo que ha grabado a tantas bandas de la movida Under en La Paz). Nos sentimos como en nuestra casa, con la gran amistad que tenemos con él, como que fluyó todo. Hicimos unos coros donde llevamos amigos, nos fueron a visitar nuestros hijos, realmente una experiencia muy linda. Estresante a la vez, ir y venir. Tomé las riendas del canto (antes era guitarrista también) por la necesidad de la banda. Reaprender todo. ¿Cómo ves la escena actual del Hardcore en Bolivia? En Bolivia, obviamente, ya no es lo mismo que antes. A principios del 2000 había la escena La Paz – Hardcore, ¿no? Una de las más potentes y que más pegó dentro la movida paceña. Bandas como Scoria (que ya tenía su recorrido), Vade Retro, Pantano (el hilo conductor con los hermanos Delgadillo, que nos juntaron a todos para hacer una Comunidad). Quién no se acuerda de aquellas inmemorables tocadas en el Tiwanaku Pub (prácticamente el boliche del Hardcore paceño). Ahora creo que no somos muchas las bandas Hardcore en La Paz (y en el interior no conozco), somos tres o cuatro que estamos ahí bregándola y dando todo. Aunque I.N.D.I.O. se amolda a tocar en conciertos que son más de ámbito Metal (encajamos bien por ahí), estamos queriendo volver a armar escena en torno a esta música. No sólo ser nosotros.

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¿Y en el resto del continente? Está súper fuerte como siempre, el Hardcore en Sudamérica o en Latinoamérica no se ha debilitado para nada. Las bandas y las productoras siguen con todo. Países como Chile o Argentina tienen mucho recorrido con bandas del estilo que son increíbles. Con lo que no comparto un poco es que últimamente como que el Hardcore ha servido para ponerse una bandera de “corrección política”. Principalmente en Chile y Argentina han salido que estos Movimientos de Hardcore son pro aborto, veganos y nada más. Nosotros venimos de una escuela más de los orígenes del Hardcore, una escuela más New York, nosotros hablamos más de calle, más de guetto, más de P.M.A. (Positive Mental Attitude), seguir con el puño arriba, no rendirse. ¿Qué nos pueden contar del inicio del Movimiento Hardcore en La Paz? ¿Qué bandas recuerdan? Lo que más se puede rescatar fueron las to-

catas en el Tiwanaku Pub, los festivales Hardcore del Equinoccio Pub (que fue un gran tiempo nuestra casa). La escena era fuertísima a principios del 2000, con las bandas mencionadas (Pantano, Scoria, etc.) fue un Movimiento bien potente. Recuerdo las tocadas: éramos todos amigos, poníamos lo máximo para que salgan increíbles los eventos, y el público que se reventaba cada noche. Grandes y gratos recuerdos. En noviembre 2020 participaron del festival ILLIMANI METAL XIII, ¿cómo les fue? ¿Qué tal la experiencia del concierto on-line? Sí, este año muy diferente (por la pandemia) porque lo hicieron en formato de Streaming. La experiencia increíble, aunque se extraña al público en el escenario, por lo menos para mí fue espectacular. El desplazamiento de la gente de la organización hace que sea uno de los más grandes eventos de La Paz y de Bolivia. Se rajaron en la producción, en la grabación y mezcla.

Las bandas que estuvimos presentes, creo que tuvimos un plus en comparación a los años anteriores (en cuanto a la realización impecable). Por mi parte lo disfruté bastante, una experiencia nueva y gratificante en todo sentido. Han generado un público identificado con sus canciones y su imagen, algo propio de bandas que logran realzar ese sentido de apropiación que se traduce en sus presentaciones en directo y su trayecto a lo largo de los años, ¿cómo ven a su público que los sigue y admira? ¿Cómo anda la hinchada de I.N.D.I.O.? En realidad, tuvimos un lapso de 10 años sin tocar y dejamos mucho público de la “vieja escuela” -que esperaba que volvamos-. Ése era el público que seguía a la banda, pero lo interesante -que nos hemos dado cuenta con este Illimani Metal– ha sido que hay mucha gente nueva que nos ha llegado a conocer y ha llegado a saber quiénes somos, por lo menos el día del Streaming las redes sociales explotaron, todos nos han dado un súper apoyo. Nos hemos sentido muy bien por la gente -que

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posiblemente no nos haya escuchado antes o que no haya prestado atención a la banda-, ahora sí tuvo la oportunidad de escucharnos sobre el escenario, y les encantó la música. Nos mandaron toda la buena vibra y todo el apoyo. Yo creo que en eso andamos, en tratar de recuperar al público antiguo y llegar a uno nuevo. Los textos y versos en sus canciones son comprometidos, rebeldes, y de una profunda identidad Hardcore. ¿Qué nos pueden comentar de su trayectoria como autores y compositores hasta la fecha? ¿Qué temas identifican a la banda? Nuestro “one hit wonder” es el tema Chapare, escrita en el 2002 al 2003, donde el país estaba en llamas y el Chapare era como Vietnam (a la salida del presidente Gonzalo Sánchez de Lozada). Una canción que nos ha seguido siempre, un poco hemos tenido que mutarlo, ¿no? Porque los contextos cambian. La idea -cuando escribí ese tema- era hablar del contexto en el que estamos viviendo, no tanto de política. El coro lo hizo un tema bien característico nuestro. Del nuevo disco, el tema Sangrando la victoria que está más abocada a un sentimiento personal, la banda le puso su receta (mucho más acelerada, pesada y Hardcore), uno de los nuevos hits que nos acompaña ahora. Por otro lado tenemos mucha fe en los temas que vienen. I.N.D.I.O. en la actualidad es una banda de culto dentro de la escena musical independiente de La Paz. ¿Están preparando nuevo material? ¿Qué proyectos se vienen en camino? Terminar de maquetar el nuevo disco, que ya debería estar listo, pero por motivos de la pandemia pusimos un stop obligatorio a la composición. El 2021 trataremos de grabar el material y realizar el videoclip de Sangrando la victoria. Teníamos fechas en el interior de Bolivia y en un festival muy importante de Hardcore en

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Chile. Esperemos que se retomen y concreten. ¿Cómo se ven de músicos bolivianos, interpretando un género musical diferente a lo comercial y “under” ante lo populacho? En realidad -creo que- ya no hay tanto esa desvinculación entre géneros. El Metal ha escalado mucho en todos los segmentos de la sociedad, y como que el cumbiero, el popero o el rapero ya saben lo que es el Metal, ya saben que está ahí. Tenemos exponentes muy fuertes dentro el Metal que han dado la cara por Bolivia en el exterior, en ese sentido lo “under” ya no lo es tan “under” como lo fue en los 90’s, donde te escuchaban pocas personas. Ahora las bandas tienen muchas más oportunidades de hacer escuchar su música, que es en realidad la meta de toda agrupación. ¿Cuál es la frase, lema, verso o palabras que te levantan el ánimo y permiten que sigas en la batalla de la música? Catch as can -jajaja- (es un chiste interno). Positive Mental Attitude o Actitud del Pensamiento Positivo. Puño arriba siempre (escuchando buen Hardcore) ante las adversidades. Un mensaje de despedida para la gente que disfruta de su música, para los nuevos admiradores y seguidores de I.N.D.I.O. Quiero agradecer a toda la gente que ha estado y está con nosotros, que nos brindan su apoyo. A LaCarne Magazine y Alfonseka, que siempre se ha puesto al hombro el impulsar la escena Metal en Bolivia. Sin personas como ustedes, hay muchas bandas que no podríamos seguir ahí arriba, subiéndonos al escenario y haciendo lo que nos gusta. Gracias a nuestros productores, y los invito a escucharnos en todas las plataformas digitales.

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

directamente La solución en Streaming

irectamente es el nombre de la primera plataforma de streaming cultural y educativo de Extremadura. Un proyecto ambicioso que surge durante el confinamiento de la pandemia, para intentar dar salida a toda la cultura que había sido silenciada por las medidas contra el COVID. César Sanguino, Titi Martínez, Ana B. Carretero y Tini Saquete son los pilares de esta fantástica idea, y referentes en el mundo de la cultura extremeña desde hace bastantes años. Gracias a su iniciativa, muchos músicos podrán encontrar una solución a su parón obligatorio con conciertos en streaming, eventos locales podrán convertirse en internacionales, y los actos institucionales tendrán un mayor impacto social al llegar a más personas. Hablamos con ellos para que nos cuenten

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cómo surgió la idea, y todo el trabajo que están realizando. Bienvenidos a LaCarne Magazine, es un placer teneros aquí. Habéis empezado este proyecto con un montón de conciertos en streaming, y se nota el cuidado que habéis tenido para que todo saliera bien. ¿Con quién habéis trabajado en estos primeros meses de vida de Directamente? La idea de crear una plataforma de contenidos audiovisuales surgió durante el confinamiento, y salió de las cabezas de César Sanguino y Titi Martínez. Unos meses después nos sumamos Ana B Carretero y Tini Saquete para completar tareas de producción, coordinación, y otras que iban surgiendo a medida que comenzábamos a darle forma a la primera programación de eventos de diciembre de 2020.

Foto por Javier Pulpo

Hasta llegar a la primera emisión del concierto, que programamos el día 5 de diciembre con el grupo Seventh Sun, ha habido que trabajar mucho y superar muchos obstáculos. Hemos aprovechado nuestra trayectoria en producción musical y audiovisual para contar con grupos cercanos, pero con una experiencia acreditada para intentar conseguir eventos con calidad profesional, y creo que lo estamos consiguiendo. En el equipo de Directamente se encuentran referentes y profesionales bien conocidos de la música en Extremadura. ¿Esto ha ayudado al buen arranque del proyecto, o todos los inicios son difíciles? En todos los proyectos, la experiencia de las personas que lo empujan es un pilar básico. Muchos de grupos que han pasado o que pasarán próximamente tienen buenas referen-

cias de nuestra trayectoria, o hemos trabajado en otros eventos, por lo que esa relación ya crea una base de confianza y tranquilidad que ayuda a cerrar acuerdos. Si a esto le sumamos que existe un hambre de directo brutal en todo el sector debido a la situación restrictiva que seguimos viviendo, ha dado como resultado una carga extra de proactividad que ha facilitado la producción, y nos está haciendo disfrutar mucho de la Música en directo, porque al final éste es el objetivo común de tod@s l@s profesionales que coincidimos en directamente.es Algunos os habrán llamado “locos” por iniciar un proyecto tan completo y ambicioso en época de pandemia, pero nosotros pensamos que es el mejor momento para reinventarse y evolucionar con propuestas culturales frescas e innovadoras. ¿Habéis encontrado apoyos LaCarne Magazine

institucionales y del sector? Cuando llegó la suspensión y aplazamiento de conciertos y otros eventos culturales, lo vimos claro, y ofrecimos a la administración regional nuestros servicios de emisión en directo para cubrir estos eventos, y poder continuar con las programaciones previstas como la Red de Teatros, pero ni siquiera nos respondieron. Entonces no contábamos con un espacio desde el que poder retransmitir los conciertos en condiciones profesionales, pero contábamos ya con equipos y personal profesional para cubrir eventos externos. Fue ahí cuando nos pusimos en contacto con el Ayto de Cáceres para poder utilizar el plató de televisión situado en El Embarcadero de Aldea Moret, y poner toda la carne en el asador para programar conciertos de forma independiente, haciendo empresa con los artistas. Tenemos que agradecer la implicación del consistorio para facilitar el acceso al plató, y conseguir poner en marcha la plataforma. Además, así aprovechamos unas instalaciones fabulosas que no se estaban utilizando apenas. La producción de estos eventos puede complicarse en estos tiempos de confinamiento. ¿Cómo se presenta este 2021? ¿Podéis adelantarnos los próximos estrenos en vuestra plataforma? El panorama es desolador en general, pero el sector de la industria cultural está sufriendo sobre manera este parón, y la falta de ayudas de la administración para un@s profesionales que en la mayoría de los casos no han podido acogerse a las ayudas generalistas que se han puesto en marcha. Esto está sirviendo para darnos cuenta de que hay una falta de protección que va a suponer el cierre de muchas empresas, y el fin de la vida profesional de mucha gente. Pese a todo esto, o precisamente por todo esto, estamos empeñad@s en seguir programando y ofreciendo Música en directo al alcance de cualquiera que pueda conectarse a la red, y pagar una media de 5 € por concierto. Ya tenemos cerrada la programación de febrero con artistas como Javato y los Disfrutones, Spinoffs, Celeste Montes, Darío Gon-

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zález o Tabarra Quartet Band, además de una gala especial de carnaval con La banda de West, y algunas sorpresas. Algunos de estos eventos los emitiremos en abierto, por lo que solo tienes que suscribirte en la web de una manera fácil y rápida. Si algún grupo, empresa, o institución quisiera grabar su evento y retransmitir desde vuestra plataforma, ¿qué tendría qué hacer? ¿Cómo podría contactar con Directamente? Como te decíamos antes, también hacemos servicios de emisión en directo para cubrir eventos en vivo. Llevamos todo el equipo y personal necesario y nuestra propia conexión a Internet, por lo que el cliente solo tiene que preocuparse por el desarrollo del evento, y nosotros lo emitimos para todo el planeta. Si eres un grupo musical y te interesa hacer un concierto en la plataforma desde el plató, también puedes escribirnos a través de nuestra web, y estaremos encantados de hablar para conseguir hacerlo. Os deseamos mucha suerte y éxito con Directamente, y esperamos ver muy pronto esta plataforma en boca de todos. Gracias por dedicarnos un rato para hablar con nosotros. ¡Un fuerte abrazo, amigos! Seguimos siendo trabajador@s autónom@s, por lo que los éxitos los vamos consiguiendo poco a poco, a fuego lento, como un buen cocido. No podemos hacer grandes inversiones para hacer un arranque espectacular o una gran campaña de marketing, pero esto nos hace disfrutar mucho del día a día, y de esos éxitos menores que se consiguen trabajando con gente que tiene sueños y anhelos muy parecidos a los nuestros, y que, cuando se acaba el bolo, se despiden de todo el equipo con palabras de agradecimiento y una sonrisa inolvidable en la cara.

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