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LACARNE

BOLIVIA.LACARNEMAGAZINE.COM

Nº5 Jun 2016 - AÑO 1

FIESTA CUETILLO embajadores de la legión galÁctica del funk

ENTREVISTAS

electroshock - mr prank jam

INVESTIGACIÓN

la neuma - dark evolution - y arrancó el hip hop consciente

EXPERIENCIAS

technolove - un instante de rock en sucre - sonido activo ii - las chitijuntuchas - escuela departamental de hip hop - ira, ley de identidad de género


mรกs info


SUMARIO

N5 aÑo 1 jun 2016

Revista digital de actualidad musical hecha por músicos y expertos

04 pulso boliviano Electroshock

08 ARDE BOLIVIA! Technolove

10 TEMPLE DIABLO

Un instante de Rock en Sucre

12 choca tu cabeza contra la pared La Neuma

16 ruido-valle

Sonido Activo II

20 juntucha

32 hiphopbol

Escuela Departamental de Hip Hop La Paz

36 zona oscura Dark Evolution

38 LA ventana internacional Mr. Prank Jam

44 mentes irreverentes

Y arrancó el Hip Hop consciente!

48 nosotras somos

Ira, Ley de Identidad de Género

Las ChitiJuntuchas

24 fiesta cuetillo

Embajadores de la Legión Galáctica del Funk

Equipo lacarne magazine Directora y contenidos S. Plata

Colaboradores

susan haecker, crónico, julie marín, nano romero, alfonseka, marioto, priss rojas, montserrat arce, roy alcon

Diseño, maquetación y redacción Pedro Gallardo

foto de portada por Blauh.com

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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ELECTROSHOCK

Entrevista a MARCO MACIEL Y DANIEL SUBIRANA Fotos por Susan Haecker

Electroshock está presentando su nuevo video “No Sé”, y está a punto de lanzar un DVD. Tuve la oportunidad de entrevistar a Marco Maciel (voz y bajo) y a Daniel Subirana (batería). Os dejo todo lo que estuvimos hablando. Ahora mismo estáis promocionando vuestor nuevo single, “No Sé”. Contadnos algo sobre el tema Marco: Bueno, la canción tiene una melodía compuesta por el Motete (Esteban Motete Zamora, guitarra). Me pasó la música y yo empecé a escribir sobre eso. El estribillo ya estaba hecho, y sobre eso escribí el resto de la canción, como haciendo la trágica y tratando de hacer algo melancólico también. La canción dice “No sé cuánto vales” y habla de un desamor, sobre una de esas chicas malas que nos rompen el corazón. Daniel: Una chica que no se decide, y al final quieres valorar si vale la pena, y eso es el “no sé cuánto vales”. Marco: Como que juega con uno. Pero no lo decimos tan a lo Maná (repitiendo todo el tiempo “mariposa traicionera”, etc.). Nosotros lo decimos de otra forma. Por ejemplo, en la parte que

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dice “cuando dejas ver dónde está tu diversión, imagino una puta sin corazón”, pusimos “fruta sin corazón”, porque si no lo cambiábamos nos podía dar problemas de censura, y nos dimos cuenta que el tema pegaba bastante entre los niños. Por ejemplo, al hijito de Daniel le gusta mucho. Siempre es bueno no salirse de los límites, y mejor si la canción es indirecta. Por ahí puede gustar, por el lado musical, aunque uno no entienda mucho la letra. Daniel: Cada uno ya le da su sentido y se identifica con algo que no tiene nada que ver con lo que hemos pensado. Pero se identifican y les gusta. Bueno, en tocadas en boliches sídecimos la palabrota… Marco: Sí, a la gente le gusta cantar así despechada, botar sus sentimientos en las tocadas en vivo, y tampoco hay niños… Me enteré que están sacando un DVD… Marco: Sí, es un concierto que grabamos el año pasado en el teatro de la Casa de la Cultura en Tarija. Decidimos hacer dos funciones e invitar al Grillo y al Matamba para que sean parte de eso, siendo referentes del reggae y del rock de acá. A fines de mayo ya debería salir el DVD con el título En La Casa. Daniel: Eso con la intención de fomentar la movida en Tarija, porque en teatros de allá solo se ven obras de teatro o grupos folclóricos. Somos el primer grupo de rock que trata de romper un poco eso, y lo logramos. Y con ese plus de que vino Grillo Villegas, quien desde sus tiempos en Loukass solamente tocó 4 veces en Tarija, y solo dos a nivel concierto con su banda. Y aprovechamos el hecho que tenemos un tema con Matamba (”Postales”). Y la verdad, en Tarija nunca lo presentamos en vivo con Matamba, entonces fue algo para que nuestro público local pudiera tener esa experiencia. Están trabajando en otro disco? Marco: Por el momento no, estamos esperando que caiga del cielo un auspicio grande para poder grabar un próximo disco, aunque sea el año que viene. No, es una broma en realidad, pero sí tiene mucho que ver lo económico, porque grabar un disco es muy caro. Les parece que la industria musical en Bolivia es profesional? Marco: Hay muy pocos que lo hacen de manera profesional. Daniel: Sin embargo, no es fácil sacar un producto afuera, ya que no todos cumplen con los estándares de calidad internacional. Marco: Creo que por el momento Aviónica es la única banda de rock que hace un trabajo a este nivel internacional. De bandas folclóricas o de cumbias no conozco mucho, los estándares LaCarne Magazine

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se mueven. Sé que hay muchas bandas que se mueven a nivel internacional, pero hablando de bandas de rock, Aviónica suena del carajo, produce afuera y con productores de otro nivel. Daniel: Eso te deja que aquí en Bolivia no hay. De hecho, para el siguiente disco estamos buscando ir afuera, pero también es mucho más caro, pero ya tienes la ventaja de poder competir con otros productos, y tener más oportunidades a nivel internacional. Marco: Sí, pero es muy caro para lo que queremos hacer nosotros. Bueno, puedes grabar un disco por 1000 Bolivianos en tu casa, pero no es lo mismo. Sin pensar mucho en querer vender en el exterior, hasta en el mercado local resulta difícil vender discos. Ni siquiera es fácil conseguir los discos de bandas locales y en muchos casos terminas contactando con la banda directamente para comprar algo. Daniel: Sí, nosotros mandamos mucho por correo. Marco: No hay quien se encargue de eso. Una banda nacional no tiene la plata para poder tener un grupo de gente que ayude en eso, y los músicos tienen que moverse por su cuenta. Y no todos los músicos tienen la vocación o el tacto para gestionar eso. Nos cuesta mucho entrar en distintos lugares, conseguir tocadas, hablar con ministerios o gobernaciones, movernos para ver quién puede vender el disco o hacer trámites. Daniel: Hay una empresa sin fines de lucro en Cochabamba que quiere que progrese el rock nacional, que se llama “Ahí Va”. Recién es muy nuevo, pero ellos juntan discos de todo lo que puedan y puedes contactarte con ellos, y te envían los discos a cualquier parte de Bolivia. https://www.facebook.com/ahivabolivia/ Si pudiesen cambiar algo para mejorar la situación para los músicos aquí, ¿qué harían? Daniel: Tengo una idea. Yo pienso que podríamos funcionar más como una institución, o de repente enfocarnos en los músicos de rock entre todos los géneros, gamas y colores, y hacer conciertos grandes a nivel Stadium o Teatro al Aire Libre. Al principio financiados por el Ministerio de Culturas, y que los colegios tengan un día cuando tengan que ir, como a veces les llevan a alguna exposición o evento. Con la entrada tendrán su disco, y con las entradas también entrarían fondos para las bandas y la institución que lo organiza y financia. Y si tienes alguna producción nueva que puedas presentar en uno de esos festivales, ya tendrás bastantes discos pre-vendidos. Con eso ya habría una base económica. Estarían tocando las bandas, estarían ganando algo y vendiendo discos. Si lograras que entren unos 30 a 40 mil personas, se resolvería la pobreza de los músicos y podrán seguir produciendo. Nos pasa por ejemplo que hemos pedido ayuda al Ministerio de Culturas para el anterior disco, y obviamente cuesta y tarda vender los discos, pero ya para el siguiente disco digamos ya tienes mayor cancha, mayor llegada, pero te dicen “ya les hemos ayudado, y ya no”. Entonces te dejan con todo lo que has cosechado a que se pudra porque no hay forma de seguir. Para poder sacar el DVD nos hemos prestado dinero, y el resto hemos juntado con nuestras tocadas. Un 60 o 70% de nuestros ingresos entraron al DVD sin saber si después va a funcionar el tema de la venta. Marco: No es nada fácil sacar material como ese. Por ahí la gente está curiosa en saber cómo es la cuestión, y estaría bien hablar de números para que sepan más o menos. Esto nos ha costado 3.500,- $, dinero que no teníamos. Nos pedimos prestado 1.500,- $ de mi hermana, y a partir de esa plata pudimos arrancar. Hay que pagar a los editores de video y sonido, la fabricación de los discos, los gastos de la pre-producción, luces, espacio, sonido, logística – bueno, con ganas se puede, pero es complicado.

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Las entrevistas suelen ser repetitivas. ¿Hay alguna cosa que quisieran que se les pregunte? Marco: Creo que ya lo preguntaste… que hace falta? Aquí en Bolivia hace falta apoyo. Se hace muy difícil vivir del arte Daniel: Falta apoyo de todos lados. Yo me he enfocado en la falta de apoyo entre nosotros, los músicos. Es algo que aquí todavía está vigente, que creo que ya lo han superado en Santa Cruz. Se han organizado muy bien, no importa cuál sea el género de música. Ya tienen un circuito preestablecido, y por eso también cuesta un tanto entrar al mercado cruceño. En Cochabamba van por ahí. En cambio, aquí todavía nos pisamos el vestido y fingimos ser amigos, pero siempre el que puede sacar mayor ventaja, lo hará. Cada uno rema por su lado, pero si nos unimos, nos institucionalizamos, podemos salir adelante.

Para más datos sobre Electroshock pueden entrar a su página de Facebook

https://www.facebook.com/Electroshocker/ https://www.youtube.com/watch?v=NkUIaU60zu0

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TECHNOLOVE 5 años de trayectoria en moda y música

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a música electrónica tiene ese sentimiento tan diferente de la música en vivo al carecer de un ídolo enfrente para identificarte. Tene una forma de inundarte de música, sólo ritmos que se impregnan en tu ADN mientras bailas y disfrutas de cada beat. LaCarne Magazine se mezcló entre los DJs más reconocidos para presenciar una fiesta electrónica anual que va creciendo desde 2011. El Technolove es una iniciativa de Tech Bross, a la cabeza de Steve Bravo, reconocido DJ de la música electrónica. El evento está destinado a promover y fortalecer la moda local y la producción de música electrónica desde hace cinco años, en los que impacta con su convocatoria continuamente. En 2011 Bravo afirma que la afluencia de personas al evento fue de 700 corazones bailando al ritmo de la música electrónica, en la Alive Rockers Music Bar, dejando ya el primer paso por un camino por recorrer beat tras beat para los siguientes años. Ya para el 2015 el Technolove desplegaba escenarios con pantallas gigantes, pasarela y modelaje, insertando el lado de la moda con belleza y música, y entrando en el circuito consolidado de eventos anuales de la urbe, a la cabeza de los más representativos Dj´s nacionales. Este año fue la discoteca Nueva Calle 21 el espacio que acogió al evento electrónico, con una capacidad de más de 700 asistentes, dado que desde 2011, año en que nació el Technolove, sobrepasó la expectativa y la convocatoria.

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Empezando a las diez de la noche la organización presentó un evento de moda, con 40 modelos en pasarela desfilando ropa, además de impulsar el lanzamiento de revistas urbanas dedicadas a poner en vitrina el estilo de vida de la farándula local, cultura y modelaje. El despliegue en la discoteca fue de primer nivel: pantalla gigante, proyección luces inteligentes, laser mapping y humo. Con un horario programado cada segundo, la primera sesión tuvo la presentación de modelos, que además de desfilar mostraron sus dotes realizando una coreografía festiva para deleite de los invitados. El logo de este año son 2 diamantes fusionados haciendo un corazón, que, colocado en el balcón debajo de la cabina de DJ´s, tomaba diferentes colores del mappin para la ocasión. La pasarela de seis metros de largo nacía por debajo de la pantalla gigante, y era iluminada con laser para resaltar a las modelos en la misma.

Se inició las siguientes sesiones con bailarines asistentes, realizando coreografías y una siguiente haciendo breakdance, donde vimos a los invitados Clan Urbe Sur, con 7 bailarines que tomaron la escena mostrando movimientos de poder y acrobacias al estilo street dance. Los DJ´s invitados principales fueron Sonor, y Dj Pituko, conocido como Paul Jové, un veterano de la escena electrónica local, que entregó una experiencia con ritmos trance en su presentación. Para cerrar la noche, el organizador y productor musical, Steve Bravo, se mezcló con FerMendoza a la guitarra, y empezaron la última parte del Technolove 2016. Horas más tarde, Bravo, mediante sus cuentas de redes sociales, agradecía a los asistentes y amigos. Bravo estuvo satisfecho por el éxito del evento de música electrónica Technolove, destacando la colaboración de DJs que entregaron todo en la noche, y LaCarne Magazine espera presenciar nuevamente el siguiente technolove para seguir danzando.

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un instante de rock en sucre

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ra por el año 98 cuando conocí al Julio, se hacía llamar El Negro. Este individuo cantaba y tocaba la guitarra, era fanático del rock nacional, y estaba enojado con la sociedad. Yo (Nano) también tocaba la guitarra y cantaba, nos conocimos por amigos de amigos, y con esos amigos decidimos hacer una banda llamada Amnesia (teníamos como 14 años, creo) En el bajo estaba el Gustavo, en la batería el Tico (Walter), yo en la guitarra, y en la voz el Negro. Juntos éramos pura dinamita, según nosotros, el único gran detalle era pues que no teníamos ni batería, ni bajo, ni micrófono, sólo teníamos guitarras acústicas, pero ni siquiera eran nuestras, eran de parientes de cada quién. Al pasar el tiempo, el Negro y yo nos dimos cuenta que no sería posible crecer como banda si seguíamos ensayando en tales condiciones de instrumentos. El bajo se tocaba en otra guitarra, y la batería en pedazos de cajas de cartón (era muy limitante). Y así transcurrían los días, hasta que alguien escuchó nuestras plegarias, y encontramos un lugar donde ensayar con verdaderos instrumentos eléctricos. El dueño se llamaba Gualberto, parecía un tipo vivido, tocaba un poco de todo, pero sus fuertes eran el teclado y la guitarra. Su lugar de ensayo era casi al frente de la casa donde ensayábamos (ahora sé que la casualidad no existe), y, al escuchar música en la casa de enfrente, no dudamos en tocar y preguntar si nos podría prestar o alquilar el lugar. Él nos dijo que nos cobraría 25 bs por hora. Como era buen tipo, nos daba todo el estudio, no nos faltaba nada en la vida… eso sí, la batería era eléctrica, pero a nosotros no nos importaba, la cosa era seguir componiendo y ensayando algunos temas que nos gustaban. Fueron mis primeros pasos con la guitarra eléctrica y los efectos, y para todos era como descubrir la magia pura. El Negro tenía pues sus cd’s y casettes originales de bandas como Llajwa, Loukass, Coda 3, Wapb´s, Lapsus, etc. Esos grupos eran la banda sonora de nuestros días…, bueno, también de nuestras primeras escapadas de casa y nuestros primeros tragos y cigarros. Poco a poco, y con el trascurso del tiempo, el Negro y yo fuimos cambiando a los amigos por músicos, como cada uno cambia sus prioridades (a veces una banda se convierte en una reunión de amigos más que en un ensayo de música). Fue así que conocimos al Viejo Vladi, el tipo más artista que conocí hasta entonces. Tocaba de todo un poco, escribía y tocaba la guitarra increíble, además, como era un “viejo lobo de mar” en el tema de la música y las bandas, no tuvo otra que juntarse con nosotros, adolescentes y enfermos por hacer música. El Viejo, aparte de guiarnos por el buen camino, nos llenaba pues de historias de las bandas pilares del rock en Sucre. Además, él había formado parte de ese otro momento musical, bandas como Viuda Negra, NTN o LLajwa eran mencionadas todo el tiempo, a parte de su propio camino musical. Ya la banda formada, comenzamos a componer y a grabar. Psiquis era el nombre del grupo, y a mí me faltaban 3 años para terminar el colegio, y ya estábamos grabando nuestro primer disco que titulaba Demencia Consumada, mientras organizábamos conciertos en los aniversarios de colegios con otras bandas de todo tipo. Nunca nos dimos cuenta que era una época tan especial en Sucre, donde bandas como La Logia ya la estaban rompiendo, y muchas otras estaban a punto de formarse o más bien definirse, como por ejemplo La Chiva, El silencio, Maldita Jakeca, Baél, Judas Letal, El Parque, Intemporal, Cicuta, etc. Había un ambiente ideal para las bandas. Todos nos prestábamos cosas como amplis, guitarras, bajos y hasta músicos. Los conciertos eran llenos de los propios integrantes de bandas y de sus amigos. Luego los festi-

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vales organizados en la “Recoleta” (bellísimo lugar) y la cancha universitaria. Con el tiempo las bandas se animaron más a grabar, otras se fueron del ambiente, y los músicos empezaron a rotar. La ciudad ya quería escuchar a bandas locales y quería ir a esos conciertos, y hasta te compraban lo que habías grabado. Todo pasó sin darme cuenta de que estaba viviendo la mejor época del rock en Sucre. A partir de ahí, las bandas grabaron discos e hicieron giras, lograron que en Bolivia la gente conozca sus nombres y canten sus canciones. Y bueno, mi amigo el Negro y yo nos peleamos por las ideas diferentes de la banda, y él se fue con otros amigos a formar Cicuta, y yo, junto al Viejo, formamos Intemporal. Al pasar un buen tiempo, el Negro y yo nos volvimos a encontrar en la banda más grande que dio Sucre: La Logia. Tocamos ahí un buen tiempo, y luego él se fue a Santa Cruz de la Sierra a trabajar de Abogánster, y yo me fui a La Paz a estudiar música…LA HISTORIA CONTINUARÁ. TODAS LAS BANDAS MENCIONADAS CUENTAN CON DISCOS…

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La Neuma L

a vida de Markos Castro, guitarrista y vocalista (fundador) de La Neuma, está definida por la música desde muy temprana edad. Sus padres lo inscribieron al Conservatorio Nacional de Música a los 14 años porque lo veían hasta respirar con su indisciplinada guitarra, y el punk hervía en sus venas. Probablemente pensaron que sería una actividad como cualquier otra, con las que llenan los días del colegio, sin imaginar que él convertiría este hecho en un camino sin retorno. Estudiando guitarra eléctrica conoció a uno de sus ídolos, el gran Grillo Villegas, que en ese momento era profesor en el conservatorio, y con quien compartía el amor por Spinetta, por el estudio de la armonía y a quien pudo ver grabar unos de sus mejores discos, el Hidrometeoros, y nutrirse de cómo fusionaba la música nacional con rock. Pero fue con Nirvana con quien sintió el mandato de subirse al escenario a tocar, y abandonar el imperceptible rincón donde escuchaba música y fantaseaba con tener un programa de radio. Fue así como en un momento pudo concretar una banda que grabó su primer álbum-demo el año 2006 titulado “Hasta Mientras” del que se desprende el corte “Recién” donde se notan influencias de Nirvana y El otro yo, aun cuando nunca hubo el interés de enmarcarse en un sólo estilo o seguir caminos archi recorridos. En el año 2009 graban 3 canciones, de las que tuvieron video “Arunta” (fusión de Tinku y rock) e “Idilio” (balada). Y en el año 2012 producen otro álbumdemo titulado Naif, con 10 canciones que, de algún modo, clarifican el sonido de la banda. El nombre de La Neuma fue escogido primero por un gusto sonoro, pero descubrieron que uno de

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sus significados es “la acción de decir algo con movimiento”, lo que se ajustaba al mosh de los conciertos punks, una gran influencia en esos primeros tiempos. Sin embargo, de toda ésa época sólo permaneció el bajista Arturo Leytón Melgarejo, provocándose un quiebre, incluso una pequeña muerte de la banda, por así decir. Pero con la entrada de Nebaí Ríos Miranda en el año 2013 en la voz y teclados, La Neuma se reconstituye. En 2014 lanzan el sencillo “SemiCueca”, y en 2015, “Posiblemente”, compuesta completamente por Nebaí, cantada con su voz de cristal, con total preponderancia de un sonido atmósferico de teclados, sintetizadores, y acordes abiertos de una guitarra con un delay que se pasea brillando tranquilamente. Probablemente, el diario en el que escribía y dibujaba Markos a los 13 años le ayudó a mantener la costumbre de escribir, anotar todo lo que le llama la atención, como un silo del que luego extrae para crear una canción. Insiste que si bien entiende que las letras son importantes, lo primero que viene a su cabeza es la música, un riff, una armonía que habla por sí misma y le indica buscar palabras que hablen de la lluvia, o de preguntas como ¿qué es vivir? Y a pesar de la carga existencialista, prefiere integrar un toque gracioso o irónico. Aunque le gustaría, no cree tener influencias literarias, ya que sus grandes inspiraciones, como Matilde Casazola, Cortázar o Rimbaud, son gigantescos genios, y los libros “objetos sagrados” que abren las puertas a magníficos mundos, como El señor de los Anillos (opinión que muchos compartimos, por cierto). Al respecto de desarrollar un sonido particular, Markos cuenta: “Todos me dicen que ya debería tener mi Fender, y efectivamente creo que es un sonido hermoso, pero mantengo la filosofía de usar guitarras baratas, porque si bien tienen sus desperfectos, es parte de lo divertido. Muchos ven a la guitarra como una especie de cruz para los católicos que debe ser venerada, pero yo sin miedo destruiría mi guitarra. Creo que no hay que tenerles tanto apego. Me motiva la historia de Kurt Cobain, que tocaba una Mustang porque era barata, era la guitarra económica de Fender, y hasta su slogan lo dice en los primeros años “la guitarra para el estudiante”. Eso demuestra que se puede llegar a descubrir algo, todo puede ser parte de la búsqueda de una identidad sonora”. La Neuma también ha vivido el lado oscuro que muchas bandas emergentes atraviesan sin poder salir. La indiferencia de programas de radio y televisión (¿Hay algún noticiero que detalle qué es lo que habrá en La noche de Museos?). La insuficiente cultura del público para escuchar LaCarne Magazine

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composiciones en clubes, impenetrables círculos de gente que no harán nada por ti porque no eres su amigo, trabajar para poder comer, y a eso sumar el cansancio de ir para allá y para acá buscando puertas que ni siquiera se abren, cuando podrías estar haciendo nuevas canciones, arreglando las que no te convencen, o mejorando la técnica de tu instrumento. “Afortunadamente hoy la difusión por internet es más efectiva, es realmente una herramienta útil para las bandas en Bolivia. En el 2006, lo primero que hice fue abrir un Myspace, y gracias a eso nos pasó algo muy lindo (y eso también nos sirvió para continuar). Nos escribieron de Rusia y Argentina, y yo no lo podía creer, pensaba que era una especie de mensaje automático, pero nos respondieron, querían que viajáramos, pero lastimosamente no teníamos los recursos para hacerlo, yo apenas estaba comenzando a trabajar. Pero fue lindo que alguien te escuche, cosa que acá no pasaba al ir a la tele o a la radio. Por eso mi apego al internet, y el agradecimiento a la gente que se interesa por nuestro trabajo.” Un gran desafío pendiente para completar y aportar al nuevo sonido de La Neuma es encontrar un baterista que tenga gustos similares, o entienda los estilos que se replican en la banda a cabalidad. Incluso más allá del virtuosismo, sería necesaria una especie de mentalidad o química que termine de concretar este proyecto, que tiene muchísimo más para dar, que cree que la unión entre las bandas es clave para progresar, y que pase lo que pase, como dice una canción de Queen, “el show debe continuar” (The Show Must go on).

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SONIDO ACTIVO II

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a noche del sábado 21 de mayo estuvo llena de actividades y eventos para todos los gustos del público Cochabambino. Tres bandas consagradas del país se presentaron en un par de boliches, también algunas movidas electrónicas por ahí, y metal por allá. Definitivamente cada fin de semana se confirma que la movida valluna no estaba dormida, solo andaba de parranda. Pero esta crónica se centra en una novedosa y corajuda propuesta que también se dio lugar en esta agitada noche de sábado, y va en camino a consolidarse como evento. El Sonido Activo es un festival musical alternativo, que nace en el año 2014, auto gestionado por las bandas participantes, identificados y caracterizados por la actividad y constancia en busca de la evolución colectiva de la escena local y nacional, con la prioridad de demostrar que hay nuevas propuestas en carrera, logrando vigencia y firmeza en el movimiento, además creando y afianzando un nuevo circuito. Este año se llevó a cabo la segunda versión de dicho festival en el lugar que se convirtió prácticamente en una sede, ideal para estos eventos masivos, el mARTadero. El line up distinguido por su variedad de géneros fue conformado por Astrofónica, Amoniako, Densidades, Mandíbula, Odd Culture, Oportuncrisis, Raroneat’s y Ser. Noche con altas expectativas para estas ocho bandas y sus 29 músicos, que vinieron trabajando semanas previas en la logística, organización y difusión del evento. También para el público presente, que viene siguiendo y apoyando independientemente a las bandas participantes, y gente nueva que se interesó por el evento, dándose cita al recinto que empieza a retumbar con la música de la banda Oportuncrisis: Punk rock n´ roll melódico, preciso y bien ejecutado por músicos de experiencia (integrantes y ex integrantes de bandas de la escena local como: Hap’s, Annagrama, Amoniako, etc.), en un nuevo proyecto que promete buenas canciones y renovar energías en este género. Días antes estuvieron abriendo el show de la banda argentina histórica de punk rock, 2 minutos. Motores más que calentados para ver y oír a otro nuevo proyecto pero muy consolidado, y siendo una de las muy gratas sorpresas de la noche, Astrofónica: grandes músicos, presentación pulcra y mucha fuerza en el escenario. Banda que además viene muy activa y promocionando su primer sencillo: la poderosa “Infierno”, que sin duda fue una de las canciones que varios de los asistentes fueron coreando al abandonar el recinto. La noche estaba encendida, la cantidad de gente comienza a aumentar considerablemente, y es el momento ideal para el show de uno de los dos power tríos de la noche, Odd Culture: en escenario, presentan canciones nuevas demostrando la evolución compositiva de la banda, los buenísimos y pegajosos riffs, que es una de las especialidades de la casa Odd, suenan y se apoderan de las cabezas y pies del público, se arma el primer pogo, algun@s lesionados en él. Fue más que energética presentación, y el público cada vez más involucrado al escenario y a lo que pasa encima del mismo, representado por el logo característico del festival.

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Los megáfonos nos anunciaron que se viene Ser. Nadie quiere perder el hilo de la noche, y empieza el intenso sonido de las guitarras de esta banda, que tiene una sorpresa en su alineación, pero no en el sonido. Toda la fuerza que espera el público se hace presente, y, por si a alguien le quedara la duda, el baterista se encarga de quitársela golpeando su instrumento con toda la furia con la que nos tiene acostumbrados, como siempre… Un buen show de los intérpretes de “Chancho Man”, una presentación corta pero efectiva. El escenario calentito, el público con las ganas de seguir escuchando más bandas, más propuestas, y llega Amoniako, tras su reciente regreso a la actividad y a los escenarios, con temas importantes de su primer trabajo discográfico y coreados por la gente como “Adiós” o “Fantasmas”, que mantenían a la gente muy entretenida y animada, con un sustancial ida y vuelta del público y la banda, clave para mantener enganchados a todos los presentes a este concierto, que más allá del aporte de cada banda y sus canciones, ya es una fiesta conjunta donde el público disfruta de absolutamente todas las bandas, objetivo buscado y logrado por el festival. En esta parte de la reseña es necesaria y fundamental la primera aparición de alguien que, desde la primera versión, estuvo luchando en conjunto con los más de 30 músicos que fuimos Sonido Activo l y ll para sacar esto a flote y que, con el tiempo, pueda consolidarse, porque sentar las bases y principios de algo así no es fácil, pero mucho menos imposible. Mentalidad que mantuvimos desde la fundación de este festival. Me refiero a Miki Andrade (Vocalista y guitarrista de Mandíbula y fundador del Sonido Activo), que respetando el orden de presentación de las bandas, le toca hablarnos a su manera de la presentación de Raroneat’s: Miki: Honestamente, me quedé muy sorprendido mientras escuchaba a la banda en la sala lateral del escenario, calentando la guitarra para entrar después de ellos. Tal vez fueron necesarios los cambios en su trayectoria porque uno tiene que ir mejorando. Eso quiere decir que el trabajo que hicieron ha sido efectivo, escuché mucha solidez y madurez, además de percibir la intensidad y la vibra que generaba el público con Raroneat’s. Ha sido una de las bandas más fuertes de la noche, y creo que tienen mucho por dar y por experimentar, con un show además dinámico, que no ha perdido soltura. El cierre del festival fue con la excelente y entregada presentación del otro power trio del festival: Mandíbula, sin duda uno de los grupos más coreados de la noche, y, aunque sea un cliché, fue realmente un broche de oro y con mucha calidad, pisando fuerte con grandes canciones imposibles de no ser cantadas, como “San Sebastián” y “Cartas”, y también presentando material nuevo. Presentación ideal para cerrar un festival que es resultado del trabajo conjunto y comprometido de los músicos participantes. Trabajo e inversión extra musical, pero con sólo una idea en común: mirar hacia adelante y empezar a hablar de movimiento, de bandas de distintos géneros, distintas formas de llegar a la gente y pensar, pero con la premisa de que nadie nos regalará nada, y que unidos, activos y, sobre todo, creyendo en lo que hacemos y trabajando juntos vamos a poder crecer, como músicos y bandas, pero sobre todo como movimiento para nosotros mismos y también para los músicos que vengan. Cochabamba y sus bandas están activas! El próximo evento (Sonido Activo III) se hará en la segunda mitad del año, pasando la posta a otras 8 bandas que están activas y dispuestas a gestionar este festival, manteniendo y respetanLaCarne Magazine

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do para cada versión posterior el principio de la autogestión y el trabajo colaborativo. Las bandas participantes y gestoras del Sonido Activo lll son Annagrama, Astrofónica, Átomo, Notion, Oportuncrisis, Pepe Padilla Ensambl3, Raw Diesel, Rekor, bandas elegidas por una convocatoria realizada por el Sonido Activo ll, donde también enviaron material bandas del exterior interesadas en el formato, y muy probablemente se confirme alguna presencia internacional. ¿Qué experiencia te deja ser parte activa de un festival auto gestionado? Miki: Este tipo de festivales brinda a las bandas y músicos la interacción, compartir entre involucrados, encontrar entre músicos distintas virtudes y capacidades que pueden aportar al evento, y así hacer que el trabajo sea más organizado y óptimo. Nos enseña a conocer el presupuesto que conlleva realizar un evento o concierto de esta magnitud, nos brinda el conocimiento para más adelante tener pautas para organizar algún otro evento, porque es muy importante estar totalmente involucrados con una organización de este tipo. Otro punto importante es la calidad. El tener varias áreas de trabajo en el Sonido Activo ll nos dio la oportunidad de mostrarnos a nosotros mismos que se puede lograr un evento de calidad La puesta en escena de cada banda ha sido muy buena, con mucha confianza y muy aguerrida, y la calidad de los músicos va mejorando cada vez más, por las exigencias propias. En cuanto a sonido, tuvimos alta calidad, un backline y equipo de piso muy bueno también. La escenografía, también con el aporte colaborativo y la creatividad, se armó algo muy interesante, de mano del juego de luces. En distintas áreas se cuidó el detalle de lo que se hacía. Sin duda y concluyendo, el aporte más importante del Sonido Activo es la motivación y la generación de circulación de artistas a nivel local. Existe una necesidad de las bandas y músicos de encontrar una mejor escena y lograr sumar fuerzas entre las bandas activas del momento, para poder hacer un evento más importante y masivo, con respecto a los conciertos que damos en boliches.

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Las Chitijuntuchas, forjando a las nuevas leyendas de la música

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a primera ChitiJuntucha empezaba el primer sábado de abril en la zona que vio nacer el festival, Alto Obrajes, exactamente en el parque del ingeniero en la Ciudad de La Paz, mostrando un evento abierto al público con espíritu inclusivo en un soleado día a las diez de la mañana. Dado que la Juntucha se nutre de conciertos previos llamados ChitiJuntuchas (pequeñas juntadas, por traducir algo), o sea, festivales relámpago que abren sus escenarios a músicos noveles. Se esperan cada semana entre 2 y 3 eventos en diferentes categorías, en un recorrido por la urbe y sus espacios, ya sean parques, discotecas o plazas.

Este 2016, por las tarimas de las Chitijuntuchas han pasado bandas que ya tienen producciones discográficas, así como Mortsure o Anarkotizados, Reverdecer y otros, mientras algunos como Fyse, Alter Ego o Sangre Hirviendo se hacen un lugar para posicionar su arte de a poco. Es una vitrina impresionante y un apoyo. Con 263 bandas inscritas en las categorías de Alternativo, Thrash, Black Metal, Punk, y Hard Core, se esperan muchas semanas de Chitijuntuchas cargadas de energía. Pero esto ya llega a su fin, en parte ya que algunas categorías ya tienen finalistas, mientras otras siguen en competencia, pero, como afirma José Juntucha, estos puntajes y ganadores no son relevantes, todas las bandas tienen un increíble nivel, no es un concurso, es una clasificación para participar del festival principal, La Juntucha. Asimismo, José comenta que es muy difícil que los boliches (locales) de música abran sus puer-

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tas al rock, e incluso es otro tanto difícil ubicar espacio disponible para la categoría Thrash, aún sin motivo aparente (la revista cree que porque hacen mucha revuelta), empero José. Recalca además que los lugares que acceden a las ChitiJuntuchas quedan maravillados. Ya sea por la afluencia que lleva la Juntucha, o por la energía que llevan los jóvenes a donde van, hay espacios que se comprometen a acoger más fechas para las Chitijuntuchas, es el caso de HardRock Café y La manzana 2. Las plazas además pueden ser tomadas los sábados por la música, deslumbrando y ganando nuevos adeptos al rock local, que a veces llegan a las plazas viendo una feria y buscando artesanías, y terminan viviendo conciertos íntegros y sacándose fotos con los invitados.

Gracias al internet se ha implementado una nueva categoría para bandas que desean hacer conocer su material, produciéndose una ChitiJuntucha Online por primer año, y con perspectivas a llevar la iniciativa hasta niveles internacionales para próximas ediciones. Estas conexiones se realizan los domingos con la presencia de los músicos invitados y jurado en vivo, que escucha atentamente cada producción, nominando incluso una canción ganadora. Las ChitiJuntuchas Online reciben el material en la semana para diferentes categorías, y se ha encontrado con audios que al parecer han sido grabados incluso con smartphones. Es una experiencia fascinante escuchar la energía que transmiten y la voluntad en las canciones, todo con jurados como los jóvenes radialistas Rock Melody, además de algunos organizadores como Silvio, Manu y Carlos. LaCarne Magazine se ha involucrado de a poco en el festival para conocer a los jóvenes talenLaCarne Magazine

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tos, sus inquietudes, motivaciones, todo por lo que late el corazón de las futuras promesas de la música nacional. Y se ha encontrado con bandas que, aparte de que aman lo que hacen, sus integrantes son soñadores y libres. Estamos en Junio, y el recorrido del festival es todavía largo. LaCarne sigue el camino con los convencidos que la movida va creciendo, y la fuerza de escuchar música en vivo es mejor que ir a una discoteca a escuchar música grabada. Creemos que se vienen nuevas leyendas de la música. Gracias por estar aquí para ver nacer cada año algo nuevo.

https://www.facebook.com/JUNTUCHA

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FIESTA C

embajadores de la le

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CUETILLO

egión galáctica del funk

Texto por Crónico Fotos por Blauh.com

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iesta Cuetillo es de los pocos grupos que tienen éxito en el mundo del funk. Recientemente lanzaron su segunda placa discográfica con bandas invitadas en el centro de Santa Cruz de la Sierra, todo para anotar bitácora, y despegar a través del sonido groovy y llegar al planeta soñado: El planeta Funk. Así empieza esta aventura alocada en la que LaCarne Magazine tiene el gusto de traerles una entrevista para conocer a los tripulantes y Embajadores de La Legión Galáctica del Funk, como se hacen llamar. La gente quiere conocerles un poco más ¿Quiénes son los miembros actuales de Fiesta Cuetillo? Hola, amigos de LaCarne Magazine! Tenemos la suerte de que la familia Cuetilla ha sido la misma desde el inicio, y está conformada por: Ignacio Cossio en la guitarra, Pablo Román en el bajo, Alejandro Parrilla en la batería, y Salvador Sambiasi en la voz. ¿Por qué Fiesta Cuetillo ha escogido el funk para transmitir su mensaje? Elegimos el funk porque nos permite expresar muchas cosas de distintas maneras, sin etiquetas ni categorías, fusionando influencias, estilos y géneros, que es como nos nace la música. El ser sucede, el funk también. Tienen nuevo álbum y más diversión para armar la fiesta. ¿De cuántas canciones consta el Astrofunk? El Astrofunk cuenta con diez canciones y dos bitácoras, que le dan el ambiente a esta nueva producción. ¿De dónde toma el nombre el álbum? ¿Es una canción dentro de la misma producción? El nombre del Astrofunk nace de un planeta que creamos para proyectar el concepto de lo LaCarne Magazine

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que queríamos lograr con el disco. Desde un planeta lleno de fiesta, placer, funk, diversión y mucho groove es de donde viene toda esta música, que promete dar mucho que disfrutar. Planeta Funk es el nombre del primer corte de esta nueva placa, y queríamos que tuviera relación directa con el título del disco para que arranque con todo. ¿Cuál fue la parte más dura para sacar las nuevas canciones del álbum de Fiesta Cuetillo? En realidad, el crear canciones no es lo difícil. Como banda que se maneja con autogestión, lo difícil en realidad va más de la mano de aspectos administrativos que de creatividad musical. ¿Tienen alguna anécdota para contar de la grabación del disco? La grabación del Astrofunk se realizó en medio de una gira nacional que estábamos realizando con nuestros hermanos de La Chiva, que constaba de 5 semanas, tocando un fin de semana en una ciudad distinta. Esto significaba partir por tierra el jueves para prever cualquier bloqueo, y llegar con tiempo de hacer un par de medios a cada ciudad y estar regresando lunes en la tarde noche a Santa Cruz. Esto nos dejaba 2 días para entrar a estudio y dar el todo por el todo en cada sesión. En estas jornadas, que eran intensas, nuestra mayor motivación era saber que ese fin de semana íbamos a estar compartiendo con los Chivos partiéndola en el siguiente destino. Te imaginarás cómo nos picaban los pies el sexto fin de semana, jajajaja. ¿Cuál es la expectativa que tienen con el AstroFunk? Estamos esperanzados de que éste sea el disco que nos permita abrir más puertas en los países vecinos, y nos ayude a llevar la fiesta a todo el continente. ¿Tiene el AstroFunk una historia? ¿Cúal es el mensaje implícito? Tanto en la vida como en la música, el principio y el fin no son más que momentos puntuales en el tiempo, y a veces le damos más importancia a esos momentos y nos distrae-

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mos de lo que realmente importa: el viaje que tiene cada uno para con uno mismo, con el fin de encontrar lo que queremos. El viaje en sí es el conjunto de momentos en los que tenemos que estar presentes y ser, siempre. Tuvieron una masiva audiencia en su presentación oficial en la Manzana 1, ¿por qué apostaron por esa escena similar al Festival de Cosquín? Qué bueno que hagan esta pregunta porque esa puesta en escena en particular tuvo mucho trasfondo. Creemos que si a los artistas nacionales se les dan las condiciones necesarias, pueden brindar espectáculos que no tienen nada que envidiarle a los que se llevan a cabo fuera del país. Una de las limitaciones principales en Bolivia para desarrollar las distintas artes son los espacios y las condiciones donde estos se aprecian. Creemos que lo que hicimos nosotros sí puede ser un reto para una banda auto gestionada, pero no debería serlo tanto para la alcaldía, el Ministerio de Culturas y la empresa privada. Si nosotros pudimos, más que seguro que ellos también. Esperamos que esto sirva como un humilde ejemplo de la sinergia que se da cuando confluyen buenas voluntades, esfuerzo y pensar en grande.

¿Quiénes fueron los invitados en esta ocasión? Nos acompañaron 3 bandas en esta celebración. Doctrollers, de Santa Cruz, quienes están apostando por sus composiciones y produciendo material. Desde Córdoba llegaron nuestros amigos de Cuatro al Hilo, quienes con su rock argento calentaron al público cruceño en lo que fue su primera gira en esta ciudad. Finalmente, nuestros hermanos de La Chiva, de Sucre, dejaron todo en el escenario con su blues rock lleno de polenta. En cuanto a los vientos ¿tuvieron colaboraciones con otras bandas e invitados? En los vientos tuvimos la colaboración de tres colegas y amigos: Marcelo Lazo en el saxofón, Cimar Lizarazu en el trombón, y por último ClementTuaciluobel en la trompeta, quien fue el encargado de hacer los arreglos para todos los bronces.

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¿Cómo ven el surgimiento del Funk actualmente? El funk está teniendo un momento interesante, donde su libertad de expresión está llamando la atención de mucha gente. Nosotros tenemos la suerte de ser una especie de punta de lanza, y esperamos poder abrirle mucho camino a todas las camadas venideras. El video Planeta Funk es muy alocado. ¿Quién les dirigió el video y cómo surgió la idea? ¿Por qué pelean con un pollo? Gracias por salvar al mundo. Pues antes que nada, gracias por el agradecimiento por salvar el mundo, muy considerado de tu parte. Como verás, es un trabajo sucio pero alguien tiene que hacerlo. El video fue dirigido por Eduardo Aguilera Pinto, quien ha dirigido 4 de los 5 videos que tenemos. Nos conoce demasiado bien, y sabe cómo explotar cada una de nuestras fortalezas para lograr los resultados que logra. La pelea con el pollo fue una de las tantas ideas que venían dando vueltas hace rato, y de alguna forma tenían mucho sentido dentro de este nuevo planteamiento. Jugamos con la idea del pollo haciendo que en Planeta Funk apareciera, a modo de cameo, el hijo del pollo que

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nos almorzamos en Funkyrem, nuestro primer videoclip. Aparte de todo esto, Salvador se plantó en que él quería usar el traje de Kimberly de los PowerRangers, y, bueno, me imagino que lo entenderán. ¿Qué se viene para más adelante en los planes para Fiesta Cuetillo? Los siguientes planes son llevar el show del Astrofunk a la mayor cantidad de lugares dentro y fuera del país. Muchas gracias por compartir todo esto con nosotros y felicidades por el AstroFunk. Gracias a ustedes por el espacio y tiempo dedicados a compartir un poco de nuestro viaje. Los esperamos siempre, y no se olviden que la fiesta, ¡la hacemos todos!

http://fiestacuetillo.com/ LaCarne Magazine

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escuela departamental de hip hop - la paz el inicio del sueño de crear generaciones para el hip hop

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n este 2016 iniciamos actividades con la titulación oficial del primer rapero dentro de la Escuela…

¿Qué tipo de Escuela es ésta? Resulta difícil describir los caminos de un artista Hip Hop en nuestro terreno, tienes que desarrollar bastantes habilidades que son necesarias en la carrera del rimador made in Bolivia. Es insuficiente tener un texto escrito, acomodado a una instrumental. Es insuficiente saber hablar cantadito o rapear. Con los años de experiencia y aprendizaje, apoyado en los estudios universitarios y con mucho empeño, se logra unir la comunicación social y el arte del rap. El teatro es otro aliado a la hora de convertirte en actor de las palabras, frases, versos, poemas en ritmos.

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Gracias a la inquietud empírica y la base académica se desenvuelve una trayectoria integral que actúa en los campos de la producción y difusión artística. Una escuela que empieza a brotar dentro de cada célula y pum!!! Explota luego de una década y más de hacer y proponer una forma de vida hecha música y rima. Los afamados talleres Durante los años universitarios (1995-2000), de lo que más disfrutaba en la Carrera de Comunicación Social eran los Talleres de Teatro, que eran extra curriculares y me llenaban de vibra artística a otro nivel. Culminando los estudios y proyectando la música de Marraketa Blindada, me encontré con el desafío de distar mi primer curso o taller en El Alto. Lo realicé entre abril y junio del 2004, y se llamó “Waynarap”, editando un CD intitulado Wilamasis I, donde teníamos como objetivo artístico fusionar el aimara (idioma) y los instrumentos locales (sikus, charangos). Fue un éxito sin precedentes y los oportunismos surgieron rápidamente. Objetivos Siempre me influenció la idea de poder reinsertar o reintegrar a las personas que sufren algún tipo de marginalidad a través de su discurso o palabra, con su propio ajayu (espiritu) poder dar la cara y reflexionar a la sociedad. Creo que luego de una década de compartir el rap por medio de la educación o producción, en los talleres y charlas, en los eventos y encuentros, en los conciertos y directos, pues estoy orgulloso de poder colaborar al desarrollo humano, tanto de manera espiritual y material, llegando al climax de la carrera Hip Hop que es comunicar socialmente. Muchos compañeros y compañeras se han superado de sus dolencias físicas, de sus limitaciones sociales, y han salido adelante gracias a la carrera artística que hoy en día tiene “escuela”, y viene con pasos de “marraqueta”. Los titulados y los egresados El primer titulado oficial es Samuel Asitiri Silva aka Sol Creciente, quien fue mi alumno en el tallerap realizado en Fundación La Paz (Villa Copacabana), en el segundo semestre del 2005. Sol Creciente vivió situación de calle y un monton de atropellos a los derechos humanos desde niño. Es el primero en titularse, ya que “empezó” sus estudios HH aquel año (05), y este enero 2016 volvió a la Escuela para registrar un nuevo material, y así cerrar 11 años de aprendizaje, LaCarne Magazine

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salir airoso con su producción que vale una titulación real en el arte del MC (Maestro en Comunicar). Del Home Studio a las Aulas Grabando y produciendo bajo el sello “Wakala Discos”, durante el periodo 2000 – 2016, he logrado aprender mucho en el hogar, y de ahí, montar un estudio casero de grabación fue importante para el desarrollo de los talleristas. Cuando estás en una casa, encuentras comodidades que son diferentes o ausentes a las de un estudio “pro” de grabación. Luego del taller “Waynarap” pase a dictar clases entre diciembre 04 – enero 05 en el Penal de San Pedro. Bautizando el curso como “RAP EN QHANA”. Posteriormente me concentré en los “becarios” que fueron “raperos talento”, con las palabras listas para rimarlas. 2005 fue el año donde la producción y edición de obras en discos (CDs), videoclips y actuaciones se empezaron a sentir: el rap paceño tenía vida y voz propia.

“Con los años de experiencia y aprendizaje, apoyado en los estudios universitarios y con mucho empeño, se logra unir la comunicación social y el arte del rap.“ Las clases se volvieron particulares. Fue fundamental ser una especie de profesor/productor que gestó el nuevo rap en el departamento de La Paz, logrando apadrinar y “becar” a una gran cantidad de raperos, comunicadores en esencia. Tallerap & Hip Hop Con la discografía realizada, acompañada de videografía y una fuerte carga artística, continuamos el camino que edificaría con los años una estructura simbólica que refleja una “escuela” independiente, auto gestionada y propositiva. 2008 fue el año de entrar al colegio y realizar el taller en el afamado “Ayacucho”. En 2009, la población objetivo fueron niños y jóvenes trabajadores. Con ambas experiencias logramos sacar a la opinión pública discos compactos y videos documentales. Han sido años de acercarse a poblaciones que viven pobreza como los lustracalzados, con los que luego de charlas en las calles, grabaciones y algo de ilusiones, sacamos material referente de denuncia, lucha y sobrevivencia en ritmo rap. Los discos que se han editado sirven para que los “lustras” tengan un ingreso económico extra. LustraRap Project es el nombre del Taller que integra: situación de calle, rap y comunicación. El principal tallerista, rimador y actor es el Choquito Flow, que se mantiene en la Escuela HH desde el 2013.

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dark evolution

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ark Evolution es una de las pocas bandas dark electro en La Paz - Bolivia. Muestra su arte con sonidos melancólicos, agresivos y bailables. Se han caracterizado por no usar ningún tipo de programas o equipos para distorsión de voz, ya que en el ámbito electro dark la mayoría de las bandas usan equipos de distorsión vocal. Así mismo, al no tener álbumes en su recorrido, tienen temas subidos a Soundcloud. Parte de la esencia de la banda muestra una temática oscura y bizarra. El nombre se puso por la evolución musical sin instrumentos físicos, ya que todo es digital. Las composiciones son propias de la banda, con sentido abstracto En la voz tenemos a Royer Alcon, y a varias personas que ayudaron en la programación en escenario (Erick Avila, Carlos Zuna, Liliana Zárate, Iris Suárez). La banda ha tenido muchos cambios, como el primer nombre de la banda, que fue Dark Revolution. En el 2010 debutaron, consiguiendo experiencia en su género tras bastante tiempo, siendo una banda muy desconocida, ya que el genero dark electro tiene poco público, y eso lo sabe quien conoce el ámbito y sigue los pasos de bandas como Hocico, Amducia, C-Lekktor y Devilsight. La banda Dark Evolution sigue con su propuesta en escenarios, esperando el crecimiento de la escena Electro Industrial. La Paz y Cochabamba son ciudades donde con más frecuencia se presentan en eventos Industriales y Góticos. En el 2011 lanzaron su primer tema, “Alma Pérdida”, que gracias a su público fue muy bien recibido y apoyado. La banda ACIDO sacó un remix al tema, y se esperan otros remixes a los temas ya conocidos. La propuesta de Dark Evolution como banda es mostrar un ámbito desconocido en Bolivia, que el público busque nuevas opciones musicales y salir fuera de lo comercial, que se integren al electro industrial y sus derivados,

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que vean que la música digital sin instrumentos físicos tiene un progreso en la evolución músical Temas como Demencia y Decencia, Alma Pérdida, No Siento Nada y Narcotizado se pueden escuchar en la pagina oficial de facebook Dark Evolution o en Soundcloud. Royer Alcon (Vocal): Como cualquier banda, he tratado de mejorar los sonidos y la calidad en mi música, y he tenido el apoyo de varias bandas amigas, y buen apoyo del público en el escenario. Lamentablemente no he tenido el tiempo suficiente para sacar todo mi material, pero poco a poco trato de hacerlo al ser una de las pocas bandas del género dark electro en Bolivia. Siempre trato de organizar eventos para apoyar mi escena, ya que en América Central, América y Europa es más fuerte el movimiento. En Sudamérica ha tenido un gran crecimiento, y espero que haya más gente con interés en este género.

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mr prank jam talento que rompe esquemas Texto por Priss Rojas

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n esta oportunidad tuve el grato placer de entrevistar a Mr. Prank Jam, una banda de San Juan del Río en Querétaro, México, que se dedica a hacer rock progresivo instrumental con mucho estilo. Una banda digna de representar a un país tan diverso musicalmente. Esta banda está conformada por José Manuel Durán en la batería, Miguel Ángel Ramírez en la guitarra, Juan Arriaga en el bajo, y los hermanos Andrés Álvarez en la segunda guitarra y Hugo Álvarez encargado del sintetizador.

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¿CÓMO NACE MR. PRANK JAM? Nace de la necesidad de hacer un cambio total después de tocar covers varios años. Tocábamos Soda Stereo, Guns N’ Roses, Maldita Vecindad, Real de Catorce, Héroes del Silencio, Kiss, The Police y otros. Entonces, Mike Ramírez tomó la iniciativa y propuso hacer una banda que componga su propia música y que empiece con una idea original. Manuel Durán, en la batería, lo siguió, empezando con ensayos e ideas para hacer sólido el proyecto, e inventando a Juan Arriaga en el bajo. Así, la alineación de inicio. Después se tuvo la oportunidad de entrar a un concurso de bandas en San Juan del Río. Después de varias presentaciones, conocimos a Mario Nieto, quien sería nuestro mánager y quien nos contactó con Pablo Araiza, con quien se


trabajó en la producción del material discográfico. Para este disco, Pablo nos propuso integrar al cuarto miembro: Andrés Álvarez. Después de 5 meses de producción, la banda entró al estudio de grabación Solvemymistery. Posteriormente se introdujo a la banda a Hugo Álvarez en los sintetizadores para la presentación del disco. Ésta es la alineación actual. ¿POR QUÉ EL NOMBRE Y CUÁL LA FUSIÓN DE GÉNEROS QUE UTILIZAN PARA SU MÚSICA? El nombre de Mr. Prank Jam es un personaje creado para representar la decadencia de lo social, político y religioso de nuestra actualidad. Es una sátira a lo que vivimos hoy en día, y Mr. Prank Jam lo representa.

Nosotros hacemos rock progresivo instrumental. Hacemos una fusión de hard rock, country, flamenco y, en algunos pasajes, hasta disco. Los nuevos temas incluyen ritmos latinos. ¿CUÁLES SON SUS INFLUENCIAS? Dream Theater, Agora, Pantera, Muse, Porcupine Tree, Rammstein, Riverside, Pink Floyd, King Crimson, Foo Fighters, Jimi Hendrix, Metallica, Deep Purple, Tool. ¿CÓMO EVOLUCIONÓ LA BANDA DESDE SUS COMIENZOS HASTA AHORA? Hubo una evolución considerable antes y después del disco en el aspecto musical y profesional, también en cuanto a la integración de nuevos miembros a la banda (Andrés y Hugo Álvarez), gracias a quienes se generó un soniLaCarne Magazine

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do más fuerte y tempestivo, que es lo que caracteriza a Mr Prank Jam. ¿QUÉ TAL LES VA CON LA ACEPTACIÓN DEL PÚBLICO EN SU PAÍS? Bastante bien. Mucho mejor de lo esperado, dado que nuestra música no es tan comercial en comparación a lo que se escucha actualmente en el país. A pesar de que la banda no cuenta con un vocalista y todo es instrumental, la gente siempre nos regala sus aplausos, y terminando el show nunca faltan aquellos que se acercan a felicitarnos y a alentarnos, o simplemente a conocernos y saber más de nosotros como banda. Eso es algo súper importante para nosotros, porque nos debemos a nuestro público y a toda esa gente (amigos, colegas y familia incluidos), quienes creen en nosotros. ¿CONSIDERARON INCLUIR UN VOCALISTA? Lo hemos considerado y aún no hemos dado con el indicado, pero no lo descartamos. Tendría que ser una voz fuerte capaz de crear buenas melodías, como Maynard James Keenan de Tool, o el famoso Jeff Scott Soto. ¿QUIÉN COMPONE SU MATERIAL? Cada cual aporta ideas y se fusionan, dando buenos resultados. Así también se van formando los temas para el siguiente disco, que saldrá a luz el 2017.

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¿CUÁLES FUERON SUS PRESENTACIONES MÁS IMPORTANTES? Aeroshow en Querétaro 2014, siendo teloneros de La Castañeda, una banda reconocida en México que celebraba sus 20 años de trayectoria musical. Fuimos teloneros de Gonzalo “Gox” Valdivia, guitarrista de Héroes del Silencio (Tour 2013), promocionando su proyecto independiente en 2014. Fuimos ganadores del concurso estatal ACAI Music en la ciudad de Querétaro en 2015.También fuimos teloneros de la gira de la Banda Brasileña Fake Number en México en el año 2014. ¿CUÁLES SON SUS METAS COMO BANDA? Trascender en la escena musical, y hacer que la gente se identifique con nuestra propuesta. Nos gustaría viajar a Europa, Latinoamérica y todo el mundo. CUÉNTENME UN POCO ACERCA DEL MATERIAL DE SU PRIMER DISCO Es un disco homónimo conceptual, que relata la histora del personaje llamado Mr. Prank Jam en 5 capítulos (cada track es un capítulo), donde se refleja la situación decadente de la sociedad actual. A lo largo del disco se pueden encontrar pistas de audio que enriquecen el mensaje de la historia de cada capitulo. Tracks Cap. 1 - El Regreso Cap. 2 - Avalancha Cap. 3 - Mr Circo Cap. 4 - Décimo Octavo Cap. 5 - Houdini La portada corre a cargo del diseñador Arturo Plaza “Mr Aullido”, y básicamente es el personaje Mr. Prank Jam, en una especie de mutación. El disco fue lanzado oficialmente el 23 de Julio del 2015. Se grabó en la ciudad de Leon Guanajuato, en el estudio Solvemymistery, producido por Pablo Araiza, grabado por Alberto Mares, mezclado por Tonio Ruíz (guitarrista de Coda, y vocalista y guitarrista de Qbo), y lo mejor es que fue masterizado por el gran Tom Baker en Baker Mastering, California. ¿EN QUÉ GRADO RECIBE APOYO EN MÉXICO UNA BANDA COMO LA DE USTEDES? La verdad, la escena del Rock Independiente es muy hermética, hay apoyo de algunos medios independientes y bares, pero entrar a foros más grandes, siendo una banda independiente y de LaCarne Magazine

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La Ventana Internacional provincia, se vuelve casi imposible, por eso la banda se considera autogestiva, aunque a pesar de ser independientes estamos abiertos a nuevas propuestas. CUÉNTENME ALGUNAS ANÉCDOTAS QUE RECUERDEN Una ocasión fuimos a tocar a un bar en una ciudad cuyo nombre no queremos mencionar. Llegamos al lugar, el encargado no sabía que íbamos a tocar ese día, y no quería dejarnos usar el escenario ni la iluminación. Después de una discusión fuerte, y sabiendo que no habría todas las facilidades para poder dar un buen show, decidimos no tocar. Saliendo del bar, regresamos a subir nuestras cosas a la Van de la banda y, ¡oh, sorpresa!, nos habian abierto la Van en plena avenida principal, y nos robaron el estéreo y una mochila con playeras que nuestro baterista había mandado a hacer para vender y ayudarse económicamente. Ahí frente al bar habia una cámara de vigilancia que apuntaba a la Van, fuimos con el encargado y se negó a mostrarnos la grabación. Tras una hora de alegatas decidimos largarnos de ahí. Tristes y enfurecidos decidimos jamás volver a esa ciudad, y hasta ahora hemos respetado esa promesa. Hay anécdotas cómicas también, pues ha pasado de todo, desde casi caídas del escenario, pequeñas electrocuciones, desconexiones accidentales porque alguien pisa tu cable... En fin, muchas cosas. ¿QUÉ CONSIDERAN QUE ES LO MÁS IMPORTANTE PARA FORMAR UNA BANDA? Disponibilidad, compromiso, dinero (nunca está de más), constancia, pasión y una dotación de Pañales, uno nunca sabe cuando puede recibir una muy buena noticia y algo extraño pueda ocurrir en la reacción… ¡es broma! También hay que considerar que una banda exitosa está consolidada tanto musicalmente como con su público, y antes que ser buenos músicos son buenas personas. ¿QUÉ CONSIDERAN QUE ENTORPECE EL PROGRESO DE UNA BANDA? La mediocridad, el conformismo, la envidia, los malos hábitos. Algunas veces hasta la misma escena frena el progreso de una banda. No hay cabida para el rock como para otro tipo de música. Se necesitan espacios y medios para hacer conocer nuestro trabajo. Por ello, queremos felicitar a LaCarne Magazine. Es un excelente medio y una muy buena opción para los músicos y artistas que quieran dar a conocer sus propuestas, tiene un excelente contenido, muy profesional y es muy entretenido leerla. Queremos aprovechar para agradecer el espacio y el tiempo que nos dedicaron para esta magnífica entrevista. Gracias a toda la redacción de LaCarne Magazine, en especial a Pedro Gallardo (España) y a Priss Rojas (Bolivia). Mandamos un saludo a toda la gente que cree en nosotros y siempre nos brindan su apoyo incondicional… ¡muchas gracias, banda, esto es para ustedes!. ¿QUÉ SUGERENCIA LES DAN A LAS BANDAS QUE SE EMPIEZAN A FORMAR? Que no pierdan la fe, y que no pierdan la cabeza. Disfruten cada momento bueno y malo, y desháganse de los malos hábitos. El truco para el dominio de cualquier instrumento es practicar, practicar y practicar. Es necesario ser constantes y dedicados. La pasión por lo que hacen es fundamental, y por supuesto también lo es escuchar a Mr Prank Jam… ¡yeeeeah!

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mรกs info LaCarne Magazine

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Y ARRANCÓ EL HIP HOP CONSCIENTE! - Alan Galvez

Fotos por Ramiroi S Kin

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l movimiento Hip Hop retomó bastante fuerza en los últimos años. Es decir, estuvo presente siempre identificando a varios grupos suburbanos, pero relativamente reciente es que muchos de los artistas que se dedican a participar de este género le dieron un giro muy interesante. Alan Gálvez, con toda la motivación de quien se apasiona con verdadero sentimiento por sus actividades, me dio la oportunidad de conocer acerca de su vida, de su visión, de su activismo. Solía ser parte de Ama Arte, un grupo de amigos que intentaban hacer “rap conciencia”, pero con varios errores inevitables en las letras que componían: rayaban en el machismo, en la violencia y en el rap trillado. Conocieron a Mustafá Yoda, un artista argentino de hip hop y fundador del sello discográfico Sudamétrica. Este encuentro cambiaría el rumbo de la música que hacía Alan, y no sólo eso, sino su propósito y convicción, ampliando la visión de hasta dónde puede llegar un artista hip hop viendo al rap no sólo como el fin, sino como el medio en sí. Después de este simbólico viaje, los integrantes de Ama Arte ya se habían identificado con distintos perfiles e ideologías políticas, entre otros conflictos personales, y el grupo se disuelve y cada cual toma su camino en el mundo del Hip Hop. Alan empieza a interesarse en la reali-

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zación de talleres con un propósito bastante claro: poder despertar consciencias. Este entendimiento explotaba en varios ejes temáticos: radicaba en el rechazo a una opresión gubernamental, incitaba la libertad de expresión en el arte mismo y criticaba de un modo a la mayoría del hip hop que comúnmente se hace en un freestyle. Alan, en ese nuevo comienzo, estrecha sus lazos de amistad con La Imilla MC (Valeria Milligan), artista hip hop que da mucho énfasis en sus composiciones a los derechos de las mujeres. Juntos empezaron a dar talleres de rap, de producción, de pistas instrumentales, regalaron su arte subiendo a micros, en mercados..., todo para la difusión de sus ideas. Alcanzaron una gran cobertura, más con niños y sus madres, que se involucran cada vez más con este movimiento. Así nace el Colectivo Mafia Andina, con toda esta iniciativa de usar el Hip Hop como arte que trasciende mentes, para despertarlas. Es un proceso largo e imperecedero en cuanto a lo que ellos mismos aprenden al enseñar. Es un camino que requiere paciencia y perseverancia. En el primer taller asistieron dos personas, ahora alcanzan a más de treinta, que es el máximo de personas con las que se puede trabajar por taller. A través de SoundCloud promovieron lo que escribían los participantes en los talleres, dándoles el ritmo hip hop, introduciendo los versos a las propias composiciones de Alan. En un inicio, el mensaje era más generalizado: no dañar el medio ambiente, cuidar las expresiones propias y luchar en contra de la represión. Con el tiempo, desde hace aproximadamente un año, la figura se especificó en cuestiones coyunturales, por ejemplo el rechazo y desaprobación a la creación de un centro de energía nuclear. Este mensaje hizo más interesante y provocativo este panorama contestatario, pues puso en riesgo todo lo que ellos hacían. Aun así, varios colectivos se unieron e hicieron posible unificar las voces que exigen la anulación de este plan gubernamental. Empezaron a llegarles contratos cortos para la realización de talleres en diferentes entidades que trabajan con sectores vulnerables de la población infantil. La condición nunca fue económica, era poder hacer conocer sus canciones. Poco después empezaron las oportunidades de cruzar la frontera boliviana. Fueron a Chile, a Perú y a Argentina con sus talleres y su Hip Hop consciente. La invitación fue recíproca: La Imilla MC y Alan organizaron el festival de Hip Hop consciente Corazonsudaka. Grandes del hip hop pudieron presentarse en Bolivia como Portavoz, DJ Cidtronick, Caye Cayejera, - quien forma parte de un movimiento feminista importante de Ecuador -, entre otros. Paralelamente a la organización del evento, ya venían trabajando con las y los lustrabotas de la ciudad de La Paz. Con ellos empezaron a relacionarse cuando los veían infaltablemente en los LaCarne Magazine

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eventos de hip hop que organizaban. El micrófono pasaba por las manos de quien tenía una lírica que expresar. Entonces empezaron a organizar pequeñas sesiones artísticas en pleno centro paceño, con el micrófono abierto y el espacio para que las/los lustrabotas, y cualquier peatón que lo desease, pudieran realizar cualquier expresión de arte: pintura, poesía, artes plásticas, gastronomía... Fue así que conocieron a Lustra MC, quien sorprendió a todos por el enorme talento en afinación e improvisación que posee. Cuando subieron a la red un video donde se escuchaba rapear a Lustra MC, no tuvieron la más mínima idea de cuán exitoso sería. Este video, donde también participa Alan, fue conocido mundialmente gracias al internet y a CNN. Entre todo este ambiente favorable para el activismo de Mafia Andina, decidieron que era hora de prestar atención al motor de todas sus actividades: la música. Todos tienen el propósito de terminar de grabar sus respectivos discos y a la par seguir con los talleres comunitarios, que se van ampliando en espacio (áreas rural y urbana) y contenido. En la esfera del Hip Hop, este tipo de rap consciente es fuertemente criticado desde distintos ángulos: la mayoría de las sociedades convencionales relacionan intrínsecamente al movimiento Hip Hop con delincuencia, y pandillas, y hay personas que son parte del movimiento y cultura Hip Hop y aseguran que el rap callejero, por su mismo origen, no puede perder el tinte de violencia, y piensan que lo que hace este tipo de rap consciente es venderse al Estado. Frente a todo esto, Alan Gálvez define que el Hip Hop y Rap sí son netamente callejeros, que es imposible separar este movimiento de la calle, pero al mismo tiempo, y con toda tolerancia posible ante las distintas opiniones, hay que saber llevar el activismo de forma pacífica, ya que la violencia está implícita en el intento mismo de incentivar a las personas de los pueblos y las ciudades a aceptar estas reacciones contestatarias.

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Ley de identidad de género

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ace pocos días se promulgó la Ley de Identidad de Género, que habilita a la población transexual y transgénero boliviana para que pueda acceder al derecho de la identidad personal, a cambiar su nombre y el dato del sexo en todos sus documentos de identidad, de acuerdo a su identidad autodefinida. Este cambio permite a las personas transexuales y transgénero el ejercicio de sus derechos fundamentales como el voto, la educación, la salud, el empleo y la vivienda, entre otros. En los días posteriores a la promulgación, las redes sociales fueron invadidas con manifestaciones a favor y en contra de la Ley, y éste no es un escenario de debate desconocido para nadie. Por el contrario, plataformas de opinión como Facebook y Twitter son de uso popular en aproximadamente tres millones de bolivianos, en un porcentaje amplio entre los 18 y 40 años. Las estadísticas señalan que a medida que pase el tiempo más gente estará “conectada”, mientras muchos nos preguntamos cuál es el verdadero significado de aquella palabra. Si bien resulta difícil saber realmente cuántas personas han compartido su opinión en la red respecto a la Ley de Identidad de Género, existe una realidad evidente: hoy la manifestación libre de una persona a la que estás “conectada” tiene repercusiones en tu sensibilidad. Esa puede ser la razón por la que en los últimos días los círculos sociales de discusión respecto a la Ley han estado llenos de IRA. Y ése es precisamente el nombre del más reciente trabajo de Libellula, “IRA”, una canción, acompañada de un videoclip, en el que se logra comprender aquel sentimiento como una prisión de la que no se puede salir, que se alimenta del miedo y produce miedo, envolviendo al ser en un círculo del que es muy difícil escapar. Este trabajo logra, desde mi punto de vista, describir el camino que ha tomado el debate en torno a la Ley.

“En los días posteriores a la promulgación, las redes sociales fueron invadidas con manifestaciones a favor y en contra de la Ley” Ha circulado un video en el que un grupo de personas describen a la Ley de Identidad de Género como una Ley “oscura” que (cito) “discrimina y vulnera la ética y la moral”, siendo una ley “discriminatoria, exclusiva, no debatida, impositiva y privilegiada” que “vulnera otros derechos”. El video ha sido compartido cientos de veces, y en cada una de las publicaciones se ha generado una serie de comentarios envueltos en ira, que provienen, además, tanto de las personas a favor como de las personas en contra de la Ley. Y una vez más, una realidad que precisa diversidad de opinión, comunicación y empatía con el otro, se ha convertido casi en un pretexto para la difusión del miedo, los prejuicios, la riña personal y el encarcelamiento del pensamiento.

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Estoy cada vez más convencida de que el camino del debate impersonal en las redes sociales no es suficiente. Aunque para muchas personas parezca un significativo aporte, recae en el ego y la ira del mismo, que ante argumentos que refutan una expresión personal decide lo más fácil e inmediato: IGNORAR – BLOQUEAR – CERRAR. Desde su “red personal” uno decide con qué información quedarse, qué opiniones son “dignas” de ser leídas y comentadas, quiénes merecen nuestro tiempo y preocupación, y el debate real se diluye entre opiniones personales. En un tiempo en el que urge mirarse en la realidad del otro, de todos, incluso aquellos cuyas realidades y luchas no conocemos, conviene re-pensar nuestra red ¿cuándo ha sido la última vez que nos hemos sentado a conversar con una persona que no comparte nuestras ideas? ¿cuán conectados estamos realmente?.

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