LaCarne Magazine Bolivia N3

LACARNE

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Nº3 Abr 2016 - AÑO 1

el metal que arrasa bolivia

ENTREVISTAS

la logia - chorizo caliente mal amen

INVESTIGACIÓN

¿Qué es el temple diablo? movimiento straight edge en la paz

EXPERIENCIAS

wookie dread - raroneat’s - 4 años del sub pub - mucho blady garutis - ejército de mujeres

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SUMARIO

N3 aÑo 1 abr 2016

Revista digital de actualidad musical hecha por músicos y expertos

04 pulso boliviano La Logia

34 hiphopbol Mucho Blady

08 ARDE BOLIVIA! Wookie Dread, Chorizo Caliente

38 Lo mas destacado Mal-Amen

18 TEMPLE DIABLO ¿Qué es el Temple Diablo?

42 LA VENTANA interNACIONAL

20 choca tu cabeza contra la pared Raroneat’s

46 mentes irreverentes

24 ruido-valle 4 años del Sup Pub

50 nosotras somos

Garutis

Movimiento Straight Edge en La Paz

Ejército de mujeres

26 hate

El Metal que arrasa Bolivia

Equipo lacarne magazine Directora y contenidos S. Plata

Colaboradores

susan haecker, crónico, juliesan, nano romero, roger jordán, marioto, alfonseka, priss rojas, ramiroi s kin, álvaro cuevas, montserrat arce

Diseño, maquetación y redacción Pedro Gallardo

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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la logia

pepe, la logia, el feminismo y los derechos de los artistas Texto y Fotos por Susan Haecker Entrevista con Pepe (José Alberto Morales)

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uve la oportunidad de entrevistar a Pepe (José Alberto Morales), cara, voz principal y armónica de La Logia, gran banda de Sucre con Luis Alfonso Orellana en la batería, Cidar Gutiérrez en la guitarra y Nacho Rocha en el bajo.

Les va muy bien a dos de los temas recientes con sus videos respectivos de La Logia – Indio Migrante y Pancananita. Cuáles son las historias e ideas detrás de los dos temas?

Indio migrante tiene que ver con la historia que la mayoría de los bolivianos vivimos, porque de una forma u otra somos migrantes del campo, que llegan a las ciudades con la esperanza de una vida mejor, pero creo que es algo común que los migrantes sean rechazados de diversas formas, incluso en sus propios países; por otro lado, el Pancananitas forma parte de un proyecto hecho con las Feministas callejeras, en realidad es una especie de Sound Track del comic “Los viajes y cantos de Victoria” que ellas realizaron como parte de una campaña de educación sexual, en el comic hay una escena donde aparece una abuela que justamente canta el arrullo quechua pancananitas, pancananitas. Mi abuela también me hacía jugar de esa forma cuando

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era niño. El resto de la canción habla de cómo construye a las mujeres, anticipadamente culpables tan sólo por ser mujeres.

La Logia se destaca por un gran compromiso socio cultural que no solamente se refleja en su música, sino también en sus presentaciones en vivo y actividades fuera de la banda. En una de las tocadas que vi, había toda una manifestación de las Feministas Callejeras en el escenario.

Me cuentas algo sobre las Feministas Callejeras y el apoyo que dan a ellas?

La verdad, el feminismo, a mi modesto entender, es el planteamiento político más importante de la humanidad. Conocer a mi pareja fue como quitarme una venda de los ojos, y descubrir en qué tipo de mundo estaba viviendo y cómo yo en persona estaba actuando. Carmen Julia, mi pareja, es una de las fundadoras de Las Feministas Callejeras, y es activista. A mí sinceramente me daba miedo al principio incluso marchar, pero realmente cuando entiendes claramente en qué posición están las mujeres en esta sociedad (patriarcal y capitalista), y las ves luchar por sus derechos que uno mismo a veces no respeta por estar construido como macho, no te queda otra que sumarte a la lucha porque también es nuestra lucha.

Otra actividad que me parece súper interesante, es el Sindicato de Artistas Libres de Chuquisaca. Cuál es la motivación y el propósito de este trabajo?

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Te cuento que el Sindicato surgió a partir de una convocatoria que hicimos la revista Agitprop, Las feministas Callejeras y nuestra agrupación musical La Logia, por la necesidad que tenemos los artistas de organizarnos y defender la libertad e independencia del arte, frente a cualquier agente que pretenda instrumentalizarlo.

Una vez formado el Sindicato, se evidenció la necesidad de visibilizar importancia del artista en esta sociedad y reivindicarlo como protagonista de la cultura; pero que a pesar de todo su aporte a nuestra sociedad no cuenta ni con renta de vejez, seguro médico, etc. Por otro lado, muchos artistas se ven obligados a ejecutar su arte de forma gratuita o con contratos injustos.

En resumen, el Sindicato se ha creado para defender los derechos laborales del Artista, y entre esos derechos la necesidad de producir su arte en un ambiente libre e independiente.

Cómo describes la escena musical y artística de Sucre?

Como en todo lugar hay todo tipo de producción musical y artística en general, lo común es la falta de incentivos a la producción, falta de medios de difusión que apoyen la producción local, la etapa de formación en música, por ejemplo, y en el caso específico del rock está en manos de unas cuantas escuelas privadas, pero en su mayor parte son las iglesias las que usan la posibilidad de “aprehender a tocar un instrumento” como anzuelo para los jóvenes, yendo esto, ya en esta etapa de formación, a encasillar y condicionar el accionar de estos futuros músicos.

Otra cosa que no ayuda es la falta de cadenas nacionales de comunicación, supongo que de eso la causa es el centralismo.

Cómo funciona el proceso de composición en La Logia?

Generalmente, yo llevo una canción en versión acústica, y luego con la banda vemos qué le hace falta, y al fin, en una especie de consenso, decidimos que está por fin terminada.

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El último disco completo salió en 2014, Una Herramienta Llamada Miedo. Hay esperanza de que saquen un disco nuevo pronto? Qué planes tienen para este año?

Justamente uno de los proyectos de la banda es sacar nuestro 7mo material para este año. Si conseguimos entrar en abril a estudio podríamos estrenarlo a finales de mayo.

Qué buena noticia! Muchas gracias por la entrevista y para todos los que quieren más información, les dejamos los siguientes links:

https://www.facebook.com/LaLogiaBol/ LaCarne Magazine

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wookie dread

en busca del wookie, una banda con sonido propio - Fotos por Roger Jordán

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o era para menos, la presencia de Wookie Dread desde Cochabamba para La Paz fue sumamente concurrida. LaCarne Magazine se mezcló entre los invitados para escuchar el reggae del que habla todo mundo, además de hablar con los músicos rastafaris.

Pasaban de las 23 horas, la presentación había empezado, se escuchaba un sonido ahogado que venía de debajo del edificio, mientras bajábamos el pasillo para entrar al local la música iba en crescendo hasta cruzar, supimos que otra banda de la “Tripulación Reggae Ska” tomaba el escenario, los Ska Rizo.

Mientras ingresamos a la cocina del local para entrevistarles, doy cuenta que ya sería la media noche. A veces las cosas se ponen repetitivas en las fiestas, pero estar entre reggaeros tiene un toque distinto. ¿Por qué eligieron el nombre de Wookie Dread?

JJRB: Es algo que siempre nos preguntan, la idea clara es que nuestro exbajista era grande gordo y peludo, y le decíamos Chewie, Chewbacca (Star Wars). De ahí se nos imaginó ver un chewie con rastas, era lo más loco que podía pasar de ahí: ¿Chewie Dread? – NO – mejor Woo-

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kie Dread. Quedó, suena bien, es corto y fácil de recordar. Algunas personas nos dicen Woky o wiki, como Wikipedia Dread (risas) pero nos gusta mucho desde el primer momento, no se cambió, hubo un consenso, claro.

En el escenario, la magia de los colores atractivos en los atuendos femeninos, las melenas se meneaban con Prana, y luego con Tierra Alta, parte de lo que es la Tripulación Reggae Ska. Los colores bailaban alrededor de la tarima.

La entrevista acababa para dar paso a estos músicos que ya han madurado su música tras cuatro años de recorrer Cochabamba con su arte. ¿Cómo inicia la creación de una canción para Wookie Dread?

JJRB: En realidad hay una idea de todos los lados, todos los integrantes aportan siempre a las canciones. Usualmente tomamos la idea de alguien que ya viene con algo que está semi plasmado, y se lo arma entre todos, cada uno hace su aporte quedando un producto que nos encanta. Nos fascina tocarlo, perfeccionarlo poco a poco, quizás el disco se ha retrasado algo, pero lo que estamos haciendo es que los temas mismos maduren, ir mejorando, va teniendo detalles, y de por sí nos gusta más, estamos más cómodos. Es un proceso como cualquier banda, creo que vamos para el cuarto año, somos una banda madura, con ideales, con fronteras, tenemos un objetivo, trabajar y mostrar a la gente lo que hacemos.

Seguimos el hipnotizante balancear, de las dreadlocks y cabelleras para acomodarnos entre un público totalmente entregado a la fiesta.

Wookie Dread ha pasado años preparando el disco, madurando su sonido, pero al parecer todo es un camino ¿Tienen el disco ya acabado?

MFL: En realidad tenemos tres canciones que están grabadas. El nombre del disco va a ser EN BUSCA DEL WOOKIE, eso como adelanto, todo lo demás va a venir después. Tenemos una sorpresita con la gente con la que vamos a trabajar el disco, estamos en el proceso de preproducción de disco, planeamos que para mediados del 2016 vengamos a presentarlo aquí a La Paz, porque ha sido increíble cómo la gente nos ha dado una mano acá, les ha encantado las cosas que hemos traído, un sonido relativamente diferente en el ámbito del reggae, seguimos aquí “trotando”.

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¿Es su próximo álbum, su compilación de canciones, la culminación de su música?

No tenemos un disco conceptual, pero como el nombre del disco dice En busca del Wookie, lo que estamos tratando de hacer es encontrar el sonido que va a caracterizar a la banda, por ello es el título. En realidad conceptual no es, son ritmos que hemos escogido para conjugar en realidad todos los gustos de los integrantes de la banda, que cada uno se sienta cómodo con lo que se está tocando. Creo que eso también a la gente le gusta y así funciona, seguimos adelante con esa onda.

En el escenario, los Wookie Dread van introduciendo al público con guitarras eléctricas, teclados, efectos e instrumentos de viento tocados de manera única, la versatilidad del vocalista suena a un blues.

Una vez empezada la fiesta, se realiza una danza de guitarra y saxofón para dar paso a una canción que en inglés reza el verso “Abra Kadabra catch me if you can”, y el público cae en el embrujo del Reggae Now que grita Mauricio Flores, el vocalista.

Parecería que los andes es el segundo hogar de la banda, a lo que el saxofonista que lleva año y medio con los Wookie Dread afirma.

NA: La verdad es que ya vinimos un par de veces y me siento como en casa. La gente nos recibe con muy buena onda. Las bandas, más que todo en ésta época, que nos estamos apoyando “full” como los hermanos de Prana, Suyana, Tierra Alta, somos parte de la Tripulación Reggae.

Los arreglos que tienen de guitarra, trompeta y saxofón le da a la banda algo como si fusionaran el reggae como sólo Wookie Dread puede hacerlo. No por nada son parte de la Tripulación Reggae, que alberga a emblemáticas bandas y aprovechamos para hablar de ello.

ILF: En realidad, la idea nace un poco más de acá en La Paz, pues pensaron que para ser más fuertes tenemos que ser uno solo, en la misma revista en la que ustedes tienen se ha hablado de una pequeña reseña de cómo se ha ido formando el movimiento. Hemos visto que hay necesidades en las cuales tenemos que aportar, no sólo con música sino que tenemos que retribuirle como banda a la sociedad, concienciar, no tiene que ser sólo música, sino también es conciencia de que tú seas un buen peatón, de dónde botes la basura, de que todo esto vaya en función a lo que profesas.

Las emociones de las primeras filas están para hacer que la carne hierva, mientras las figuras bailan al ritmo de “Is this Love” de Bob Marley, que concluye con un solo de guitarra de un maestro como es Moisés Palomino, miembro fundador de la banda.

MP: En realidad fue Joaquín el que me llamó necesitando guitarrista, y yo fui. Como que resultó, y ahí estamos en la banda ya 3 años, yendo para cuatro años, haciendo música, componiendo. ¿Cuál la expectativa para hoy?

ILF: Expectativa de estar juntos como hermanos, disfrutar una banda de la otra, darle lo mejor al público. Aquí no se ve lo monetario, sino mostrar lo mucho que nos queremos.

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Nicolás toma el micrófono para pedir a todos que se aprendan el coro de la siguiente canción, misma que tiene a todos coreando “No lo harán”, mientras brincan de extremo a extremo, damas incluidas, la euforia impregnada con cada nota del teclado y la trompeta.

Desde LaCarne sabemos que lo que Wookie Dread, al igual que su nombre, propone es muy original, tiene músicos que disfrutan lo que hacen y lo hacen en familia. Sus canciones son como olas de energía que se estrellan en cada emoción. De seguro jamás se sentirán solos si escuchan a Wookie Dread. ¿Tal vez quieran hablar algo con sus seguidores?

NA: Lo único que digo a toda la gente es que apoyen al reggae, a toda la música nacional, toda la producción a las bandas nacionales. Apoyémoslos! Lo nuestro va a crecer y todos juntos la rompemos.

Peace In Love es la canción en la que aprovechan para presentar a la banda y cada uno de sus miembros. Todos talentosos interpretando su instrumento musical, nadie se queda indiferente con Wookie Dread, y esperaremos muy pronto su producción para juntos estar En Busca del Wookie. Ya la manecilla apuntaba a las 4am mientras LaCarne escuchaba y se mezclaba con el público para seguir llenándose de energía reggae.

Wookie Dread son: Javier Joaquin R. Baldivieso C. (Bateria, Percusiones, 2da Voz) Mauricio Flores León (Voz principal, 2da Guitarra) Moises Palomino (Guitarra Principal, Coros) Andrés Rodriguez (Trompeta, Coros) Nicolás Almanza (Saxofón, Coros) Eduardo Spinouza (Bajo) I-Lutan Fyah (Teclados)

https://www.facebook.com/WookieDread/ ver youtube 12 LaCarne Magazine

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chorizo caliente

“todo en la vida se aprende con esfuerzo, con dolor y con sangre” - Fotos por Roger Jordán

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horizo Caliente es una banda que empezó con la música desde la escuela. Siendo ahora músicos con muchos años de experiencia retornan a la escena musical con una nueva propuesta que será un norte para muchos que siguen su trayectoria.

LaCarne Magazine tuvo el placer de hablar con ellos en uno de sus ensayos para conocer a este power trio del rock punk alternativo, y adentrarnos en lo que piensan y sienten con su nuevo proyecto y nuevo álbum. Ellos son Chespy, Zuna y Bombas, los Chorizo Caliente.

¿El porqué del nombre de la banda Chorizo Caliente?

Bombas: El nombre de la banda surgió como que en una parrillada. Habíamos formado el grupo, estábamos los 3 justo, nuestro tío ya había preparado todo y grita “ya está el chorizo”, y a la hora de presentarnos nuestros familiares nos preguntan cómo se llama el grupo, y como vimos que ya estaba la comida, bueno, decidimos ponerle Chorizo Caliente. De esa manera nos pareció gracioso al principio, y hasta el día de hoy lo sigue siendo, pero se quedó el nombre. ¿Cómo fueron los inicios de la banda?

Chespy: Yo empecé de chiquito, tocando el bombo con mi papá (José Zapata, músico de ta-

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quirari) desde los 7 años, y mi hermano (Ernesto, baterista) tocaba desde los 10 años. He pasado por diferentes instrumentos, del bombo al charango, y de ahí a la guitarra. Y hemos crecido en una familia musical, de allí hemos conocido a nuestro bajista, siendo un power trio, porque hay bandas con muchos integrantes, pero nosotros somos como que la formación clásica del rock, y por ahora basta, en un futuro tal vez queramos hacer sinfónico (risas) lo bueno es que estamos chochos (felices) de la vida porque hay química entre nosotros. Es como que se tienen que alinear los planetas para que haya química en la banda. ¿Cómo fue el ingreso de Zuna en la banda?

Zuna: Yo recuerdo que estaban buscando un bajista y a mí me estaban enseñando a tocar en una guitarra acústica, e íbamos a tocar un tema de Panda, yo llegué y mi reacción fue “ya pues le meteré”, ya hace mucho. Ellos tenían más experiencia en la música, dije ya, bueno, yo voy a ser bajista. ¿Qué podemos esperar en el nuevo disco?

Chespy: Este disco tiene de todo un poco, con charango también en una canción que es bailable, colaboraciones con Diego Ballón, pianista de Efecto Mandarina, también colaboramos con “Moyo” Moisés, que es el cantante de Gran Matador, incluso en otra colaboración mi padre José Zapata. Lo hemos hecho con toda la energía. Quizás la temática del disco habla, como hemos ordenado los temas para que tengan relación,sobre cómo empiezas, cómo sufres y al final de cómo existe una luz al final del túnel. ¿Cómo procesan creativamente una canción los Chorizo Caliente?

Bombas: El proceso inicia cuando alguien trae una composición en guitarra o piano. Vamos a la sala, la trabajamos juntos y cada quién pone un toque con esa base para que no cambie la esencia de la canción. En el disco tenemos seis canciones de autoría de josé, tres de Daniel, y una mía. ¿Cuáles son sus influencias musicales?

Bombas: En mi caso tengo ese Groove sesentero, setentero, la invasión británica sobre todo, me gusta el metal, el hardcore, y trato de poner esos grooves, esos beats en las canciones, incluso música electrónica igual, y en el disco se ve reflejada las influencias de cada uno pero sintetizado en una sola banda.

Zuna: En mi caso siempre he seguido el punk. Frecuentaba a la comunidad anarko punk, y ahí LaCarne Magazine

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me nutría musicalmente, porque nunca fui un anarkopunk puro, pero la música me gustaba. De ahí compuse algunos temas, yo quería que suene punk puro súper agresivo, pero nos salió algo melódico y súper porque tenemos diferentes puntos de vista en los que, más que mi composición, se vuelve “nuestra composición”, y suena rico nuestro género. ¿Cuál fue la parte que les costó más al entrar al Estudio?

Chespy: Un defecto que teníamos, y creo que muchos tenemos, es grabarse. Tenemos que grabar nuestros ensayos, deberíamos grabar todos nuestros ensayos, creo que ese sería un consejo igual. Hagan una composición y graben en sus celulares para escuchar en sus casas, muchas veces, y ahí vas cambiando cosas, moviendo batería, guitarras, poniendo arreglos, cambiar la letra para crear algo mejor.

Eso no lo hacíamos, y que sirve mucho, íbamos al estudio sin solidez y eso como que improvisábamos, no agarraba el beat, el tiempo... Cosas que se corrigen si te grabas, practicar con metrónomo, esa sería la experiencia. Como todo en la vida, se aprende con esfuerzo, con dolor y con sangre. Luego ya te vuelves canchero (experto) ja ja ja. ¿El disco, en qué fase se encuentra?

Chespy: El disco está totalmente acabado, masterizado, y mezclado. Es más que nada rock alternativo, tenemos dos canciones electrónicas, rock Indie Británico, canciones pesadas, otra onda Happy Punk, es un disco muy variado, que ha cambiado con el paso de los años. Son cinco años de preparar el disco, hemos “hueveado” (holgadamente) cinco años que nos gustaba el punk, con temas como el Sas´q, que son más acelerados y otros como el No Puedo Negar, que es un tanto HardCore, y cambió tanto que la última canción es una balada en charango (instrumento de cuerdas andino). No sé si llamarlo evolución pero ha habido un cambio y el disco es como una mixtura de emociones ritmos y sonidos.

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¿Es su nuevo disco una historia en sí?

Chespy: En cuanto a eso tenemos que empeñarnos en planificar y crear un concepto, que escuches las canciones y que vean la portada y digan ESTO ES… pero hasta mientras vamos a acelerar el proceso. Hemos tenido como 10 propuestas y no nos han gustado, y seguimos en busca de eso. ¿Qué videoclip va a acompañar el lanzamiento del disco?

Bombas: Ahora estamos haciendo el storyboard del próximo videoclip, que es la canción Piérdete. Estamos en preproducción, viendo localizaciones, haciendo Scouting, viendo a los actores, estamos en ese proceso. De aquí a unas semanas empezamos con la grabación, de ahí lanzarlo, así como hicimos con Sonrisa Repulsiva en todas las plataformas. ¿Cuándo son sus próximas tocadas?

Zuna: Este primero de abril tocamos con Rock sin Restricciones, y posteriormente en la Juntucha y Chitijuntuchas.

Bombas: Estamos como banda invitada en la gran Juntucha, además de que estamos cerrando fechas para Cochabamba para la Fiesta de la Música en abril, y para mayo en el Na Cunna, igual en Cocha. Los esperamos, escuchen la música que hacemos

https://www.facebook.com/chorizocalienteband/ https://twitter.com/hotsausageband https://open.spotify.com/artist/6AHojLZo0Npu6efFeZ4PM https://www.reverbnation.com/chorizocaliente LaCarne Magazine

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¿Qué es el Temple Diablo?

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e preguntarán por qué este sector se llama “Temple Diablo”, no? Pues bien, cuando era changuito inocente, libre del mundo, antes de aprender a leer y escribir, con mucha sed de llenar mi alma y mi cuerpo de sonidos, de colorear mi mente con fantasías sonoras, escuché por primera vez un sonido que marcó mi vida para siempre.

Era una fiesta de pueblo en Uncía (norte Potosí) con mucha comida, bebida, sacrificios de animales y, por supuesto, baile y música. Estaba sentado en las faldas de mi padre cuando sucedió, fue al final de la tarde cuando escuché de entre toda la bulla del bla bla de la gente, que además hablaban en quechua, el aleteo de una mariposa de lata que saltaba torpemente al mismo tiempo que intentaba volar rápidamente, y me llenaba de colorido todo mi mundo en ese momento. No sé si el color en las figuras de la ropa de los campesinos danzantes me llevaba a imaginar tal suceso, o simplemente era el embrujo del sonido que salía de la boca del pecho de un campesino. Alrededor de la boca, un pedazo de madera que el campesino cuidaba como un bebé, pero al mismo tiempo movía las dos manos, una más que la otra, sin soltar la madera, aún así bailaba y hacía que bailen todos. Esas imágenes se me quedaron para siempre junto al sonido.

Claro, años después me di cuenta que era un Charango, y que siempre se tocaba a la altura del pecho por comodidad, y que esa boca era en realidad por donde salía el sonido del instrumento y no del amigo que tocaba. Además que era un charango más chiquito que los demás, que tenía cuerdas de metal, que tiene muchísimas leyendas fascinantes, a la cual se le atribuye el nombre y principalmente que este “temple” solo era uno de muchos temples, uno muy especial para mí. “Temple Diablo” cuando el charango canta y hace las melodías al mismo tiempo. Fue así que mi curiosidad por el charango, y mi fascinación por el “temple diablo” en particular, que me mandaron a ponerle titulo a este sector y contarles sobre este hermoso instrumento

El Charango

Instrumento musical de cuerda que probablemente sea el más popular a lo largo de la cordillera andina. Esta gran difusión se debe quizás en parte a lo “portátil” del instrumento y sobre todo a su sonoridad. En la mayoría de los instrumentos cordófonos, las cuerdas se suceden en progresión regular, es decir, de los graves a los agudos siguiendo así una afinación única. En el charango no se respeta ese orden, y las afinaciones varían de acuerdo a la situación geográfica y cultural. Por ejemplo, existe una afinación o “temple pascua” utilizado desde el carnaval hasta Pascua, para la fiesta del 3 de mayo, fiesta de la cruz, se utiliza el “kimsa temple” (todos con sus ritmos característicos). Cuando el charango canta o hace la melodía nos referimos al “temple diablo”, muy difundido en las poblaciones mineras de Llallagua, Uncia y Chayanta.

La sensación armónica, la densidad sonora y los colores tímbricos, son componentes no mensurables y menos representables, y su distinción auditiva responde en gran medida a una percepción “cultural” del sonido musical (no suena lo mismo en ningún pueblo, ciudad o país)

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Por lo general, el charango tiene cinco cuerdas dobles, es decir, cinco pares de cuerdas, aunque en Perú, en la zona de Ayacucho, se estila 4 cuerdas simples: dos a cada extremo, y uno doble, “octaveado”, en medio. Los de caja cavada (o “laukeado”, por su parecido al laúd), son más comunes en Bolivia, mientras que en Perú son laminados, por lo que comúnmente se dice que parece una pequeña guitarrilla.

Existen también charangos muy pequeños como el Walaycho, Maulincho o Chillador.

Tambien charangos grandes como el Roncoco, Khonkhota y Charango mediano o mediana. El charanguista boliviano Ariel Villazón tiene una teoría interesante sobre el origen del charango. Él piensa que su origen resultó de una variante directa del Timple (Guitarra pequeña) de las Islas canarias, es decir que el charango es un timple Canario modificado. Las similitudes con la Vihuela y la Mandolina no parecen ser tan contundentes como las que tiene con el timple canario. Su hipótesis se basa en tres puntos clave: primero, la construcción y el tamaño son idénticos; segundo, las notas son las mismas en algunas de sus afinaciones; y por último, el propio término “charango” proviene de las “charangas españolas”, que son parecidas a las tunas o comparsas. Posiblemente los emigrantes hispanos solían interpretar en sus comparsas (charangas) acompañados de timples. De ahí el nombre de «charango». Otra coincidencia adicional y clara se puede observar en la forma abombada de la caja de resonancia del instrumento.

También sugiere que la evolución desde el timple al charango se dio cuando los materiales para encordar cambiaron de tripa de animal a Nylon, y otros o seguramente a algún constructor se le ocurrió, al sustituir las cuerdas de tripa de gato por las de nylon, duplicar la cantidad de cuerdas para mejorar su sonoridad, siendo la única novedad la MÍ octava del centro. Como fuera, todo esto sucedió durante la época colonial. Recién en los años 50, el charango comienza a ganar popularidad en la ciudades grandes, donde era despreciado por sus orígenes campesinos.

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RARONEAT´S

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n el año 2014, una banda lanzaba su primer álbum, con todas las expectativas que en 4 años de existencia se podían hacer. Con las 11 canciones que conformaron su primer disco, titulado Pasiva Ansiedad, estas criaturas procedentes de la ciudad de Cochabamba, Bolivia, daban un primer grito a dos voces para dejar en claro que estaban vivos.

RaroNeat´s se forma como un proceso natural, en la época del colegio para divertirse mucho tocando covers de bandas punks, con integrantes que ya no permanecen, salvo por el fundador del proyecto Mario Morató Toranzos, quien, además de tocar la guitarra al revés, también hace las letras de los temas. En la otra guitarra encontramos al recién integrado Michel Castro Espinoza, en el bajo a Kevin Sánchez Linares, y a Fabrizio Eróstegui Losantos en la batería. Pero cuando decidieron que la música era algo serio en sus vidas, allá por el 2011, la banda tenía a Carolina Maldonado Solís como vocalista, con quien concibieron su sonido en los comienzos, compartiendo con Mario, bastante equitativamente, el frente del escenario y la

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voz principal en los temas del disco. Ella también escribe una de las letras, la canción número 4 de esta primera producción llamada Cambios. Por esta razón fue un golpe bastante fuerte para el grupo verla partir. Habían definido el sonido vocal como un dúo y no se imaginaban a la banda sin una chica cantando en ella. Además de eso, se suma también la retirada de otro miembro y gran amigo, quien fuera el primer guitarrista de la agrupación, Marcelo Muriel Zelada, que se mantuvo hasta un tiempo después de la grabación del Pasiva Ansiedad para dedicarse a otros proyectos musicales.

Intentando por 3 meses encontrar un reemplazo para Carolina, la banda se da por vencida y decide dejar de perder el tiempo y asumir lo que quedaba: la necesidad de seguir haciendo música a cómo de lugar. Mario asumió el rol del que se escabullía un poco… delante de la banda y enfrente del público, para cantar sus propias letras y exponer por sí mismo las situaciones de su vida, canalizando experiencias que han producido diferentes cambios, expresando LaCarne Magazine

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deseos quizá reprimidos, revelando los primeros pasos de un camino de autoconocimiento, inspirado, como muchos, por todo y por nada, sin sustraerse a la influencia literaria de quien admira demasiado: el psicomago A. Jodorowsky.

El sonido de RaroNeat’s parte con influencias de la década de los noventa (como Foo Fighters por ejemplo para Fabricio), algo de pop, rock clásico británico, entre otras vertientes y de bandas Indies por sobre todo, asimilando siempre lo nuevo que uno y otro integrante de la banda lleva y trae. Cabe destacar la gran admiración de Kevin por el maravilloso Paul McCartney, y la inexorable huella de los chilenos Los Bunkers en las guitarras de Mario. De esta manera se entiende que estamos ante un proceso de construcción que aún tiene mucho por delante y que poco a poco coloca sus cimientos.

Las mejores presentaciones en vivo, opina Fabrizio, son aquellas donde la gente y amigos cantan, saltan y bailan con la banda. Esto les quita el mal sabor del sonido deficiente que muchas veces se aguanta en los locales de música en vivo, que por ignorancia, falta de interés o recursos, no invierten en equipos y sistemas de mayor calidad para los grupos, que cada fin de semana aportan con covers o composiciones que, como en el caso de RaroNeat’s, ya cuenta

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con cuatro videos del primer disco. Algunos de ellos son: “Ni gloria, ni victoria”, con una letra crítica e instigadora; o “Más Allá”, tercer sencillo del álbum debut, una balada existencialista que dice: “Buscando la claridad en lo oscuro, no intento… sólo procuro, encontrar la paz, más allá de los muros”, compuesta mientras se miran partir los aviones, tal vez, en los frondosos alrededores del aeropuerto de Cochabamba.

Hay que tener cuidado con éste cuarteto que ya prepara un EP para el presente año, porque lo que no reciban… lo irán a buscar por ellos mismos. Por ejemplo, Sonido Activo, que es un festival organizado por ellos y autofinanciado por las bandas participantes, que al no conseguir un lugar en los grandes eventos donde priman agrupaciones consagradas, deciden crear su propio espacio desde el pasado 2015, “¿Por qué no?”, dice Mario con tranquilidad, quien no se imagina la vida sin su proyecto. Esperemos que así sea. Larga vida a RaroNeat’s.

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4 años del Sub Pub

20 años de Cartel Afónico… ¿Perseverancia o necedad?

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ay que ser perseverantes para poder mantenerse con vigencia en cualquier proyecto que se tenga en la vida, y llevarlo a un puerto “exitoso”, pero, en la música, en el rock y en Bolivia esto es algo más complejo.

En marzo del presente año, el no tan viejo, pero querido Sub Pub cumplió su 4to aniversario, tiempo que parece corto, comparado a su crecimiento (en todo el sentido de la palabra) pero sobre todo a su aporte a la escena rockera Cochabambina, a pesar de los altibajos que implica sostener un “negocio” como éste, la pasión es lo que nos mantiene de pie y luchando contra varias adversidades. Éste se celebró con una banda, que por cosas de la vida nunca antes había ejecutado su rock n’ roll con agallas en este espacio, tenía que ser una ocasión especial, y al que le quedan dudas de que esto fue así es porque seguramente no se acuerda. Sí, Cartel Afónico hace que muchos fanáticos del rock honesto perdamos los estribos en sus shows.

Sólo un par de meses anteriores al cumpleaños número cuatro del Sub Pub, Cartel Afónico ya había hecho de las suyas con su “Tarde Valluna del Rock” en el mARTadero, celebrando 20 años de existencia y vigencia, con centenares de personas que acompañaron y se entregaron a todas esas canciones escritas y gritadas en dos décadas, tiempo que se tuvo que esperar para un aniversario digno y merecido, que ninguno de los presentes olvidará. El encuentro fraterno con amigos de la música en el

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pogo, bajo el efecto Cartel, hace que hasta la macurca y la resaca tengan su gusto.

Fueron celebraciones del rock local merecidas, por el movimiento que se está generando en la ciudad, festivales, autogestión y muchas ganas de crecer y perdurar.

El circuito que las bandas tienen en la ciudad no deja de ser limitado, pero tampoco deja de crecer junto al apoyo de espacios e iniciativas culturales alternativas que afianzan la escena.

La necedad nos mantiene resistiendo, creando y apoyándonos entre todos, no existe otra forma que la colaboración, trabajo y crecimiento conjunto. Una muestra de esta realidad son las actividades que se vienen en la ciudad, con distintos formatos, pero con la misma idea, movimiento e intercambio de la cultura alternativa.

Próximos festivales: Llajta Rock (Abril) Sonido Activo (Mayo) Fiesta De La Música (Junio)

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HATE - EL METAL QUE ARRASA BOLIVIA

HATE S.A. EL METAL QUE ARRASA BOLIVIA

Texto por Priss Rojas Fotos por Ramiroi S Kin HATE S.A.: “Nacimos para hacer música” La banda Metal con más trayectoria en bolivia, concedió una entrevista a LaCarne Magazine. ¿Cuánto tiempo tiene de trayectoria HATE y cómo definen su género?

Hacemos thrash groove metal. Tenemos aproximadamente 22 años, empezó a finales del 94. Desde muy jóvenes empezamos con Bladi (ex vocalista), cuando aún estábamos en colegio. ¿Quiénes integran HATE? Grover Ocampo en la batería, Raúl del Villar (Tulul) en la voz, Diego Ponce en el bajo, y Ricardo Larrazábal (Puntos) en la guitarra. ¿Cómo definen la personalidad de cada integrante de HATE y la compatibilidad que existe entre ustedes?

Todos somos muy buenas personas. Es básico en una banda que te lleves bien con todos.

Obviamente, siempre hay desacuerdos pero nunca llegaron a peleas. Es difícil muchas veces ponerse de acuerdo entre dos personas, imagínate cuatro.

Grover, es una persona muy dedicada a la música y es bastante disciplinado; Tulul es el divertido; Diego, nuestro bajista, tiene 19 años, es el más calladito de la banda y toca muy

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bien; Puntos, él es la parte fundamental de HATE, es el motor. Él es quien nos recuerda que la disciplina es fundamental. ¿Por qué es HATE S.A.?

Estábamos buscando un nombre potente, que exprese la música que hacíamos en esa época y ahora. Así nació el nombre de HATE, por el estilo, es música agresiva.

Pusimos S.A. por Sudamérica… es que son bastantes bandas que están con el nombre de HATE, entonces cuando conseguimos un contrato con una marca de amplificadores nos dijeron que había que diferenciar para evitar confusiones. ¿Cuáles son los referentes musicales de la banda?

Nuestras influencias son variadas. Escuchamos todo tipo de música, desde el heavy clásico, alternativo, grunge… bandas como Héroes del Silencio, Pantera, Sepultura, Slayer, Black Sabath, el Black Metal también… al baterista le gusta lo progresivo. Al vocalista le gusta el rock and roll, AC/DC, Motorhead y Death Metal; el bajista escucha Thrash de la nueva… es una buena conjunción, cada cual aporta con sus géneros preferidos. ¿Con qué objetivo nace HATE? Como todas las bandas, empezamos sólo queriendo hacer música, no sabíamos dónde podíamos llegar. La cosa se puso más seria… se volvió nuestra profesión, gracias a eso Puntos estudió música, se metió de lleno… empezamos tocando punk, alternativo y thrash…. Sacábamos a Nirvana, Sex Pistols, Judas… toda una mezcla, estábamos buscando nuestro horizonte.

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HATE - EL METAL QUE ARRASA BOLIVIA Desde el inicio de la banda, ¿cúanto evolucionó en cuanto a integrantes?

Hemos cambiado bastantes integrantes, sobre todo bateristas. Grover es el cuarto, pero ésta es la primera vez que cambiamos de vocalista, y eso significó incluir a un nuevo bajista.

HATE antes era famoso por el “trío”, pues empezó sólo con tres integrantes. El único que queda de los fundadores es Puntos, de hecho él fue quien convocó a Bladi (ex vocalista y cofundador) para formar HATE. Tulul, cuéntame tu experiencia como nuevo integrante de HATE Puntos me contó que Blady se había ido, y que quería que formara parte de la banda. Ya antes me había dicho algo, pero nada serio… la probabilidad era casi nula. A mí siempre me gustó el rock, pero no era muy disciplinado.

Entonces tuve que ir a la casa de Puntos a aprenderme las canciones, sin olvidar que ésta no es como otra de las bandas que tuve.

HATE es HATE, y yo tenía que compatibilizar con su vieja estructura para renovar y fusionarlo con mi estilo.

Me gusta que sea una banda donde cada uno se preocupe en su propio sonido para después fusionar todo. Yo pienso dar todo mi empeño y fuerza, no pienso fallar.

Es una experiencia de disciplina y trabajo. Es el fruto de un trabajo arduo. Me gusta saber que creamos cultura del rock, saber que dejamos los excesos y que podemos tocar en otros escenarios, que las autoridades no tengan miedo de poner metal en las calles. Señores, no olviden que los metaleros somos personas muy buenas y amables. ¿Quién compone las canciones? ¿Hay alguna temática específica en la que se basan?

La mayoría de las letras casi siempre las compuso Puntos, letra y melodía. Bueno, siempre trabajando con el baterista, como en Prevalecer, que es el último disco, trabajó con Grover.

En las letras tenemos de todo, tratamos de no abarcar muchos temas políticos, aunque sí lo

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hicimos en República de Odio, no con la intención de tomar partido, sólo para dar nuestra opinión, Los temas giran en torno a nuestras vivencias cotidianas, y también a veces a vivencias personales. Protestamos contra las religiones, cuestiones sociales y esas cosas. ¿Cuáles fueron sus presentaciones más importantes?

Es difícil. En 20 años tuvimos varios conciertos… puede ser una Juntucha que se hizo en el estadio. Estaba repleto y era gratuito. Otra presentación importante puede ser cuando abrimos el concierto de Rata Blanca la primera vez que llegó..., eran más de ocho mil personas.

En cuanto a la producción ejecutiva, ¿son independientes?

Sí, todo sale de nosotros. Somos independientes. Trabajamos como sello también. Para el primer disco tuvimos que sacar un préstamo del banco para poder grabar y sacar los discos. Funcionó bien, y a partir de ahí ha ido corriendo todo bien. Ya podemos darnos el lujo de sacar los discos nosotros mismos con nuestro propio respaldo. ¿Cuáles son los discos que sacaron hasta el momento?

1. Heart beat machine 2. Anagramas 3. Republica de odio 4. Ángel oscuro 5. Hate en vivo 6. Pandemonium 7. Legado de odio 8. La sangre del tiempo 9. Prevalecer, que lanzamos este 18 de marzo.

El primero tiene en su mayoría canciones en inglés. Desde el segundo todo es en castellano. Antes de estos, ya habíamos sacado unas cuantos demos.

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HATE - EL METAL QUE ARRASA BOLIVIA ¿Qué me pueden decir del último disco Prevalecer?

Es un disco muy profesional. Las letras se inspiran en muchos factores, como el control de las élites sobre la gente, la manipulación de las religiones, que las máquinas dominarán al hombre algún día… es decir, manejamos temas cotidianos, tratando de profundizarlos… es el mejor trabajo de HATE hasta ahora. Estamos ansiosos de ver cómo va salir este disco porque es algo diferente, es más agresivo, tiene un enfoque más Death, y hay nuevos integrantes y, por ende, suena diferente. ¿Cómo definen la aceptación del público nacional?

Hasta ahora todo ha estado muy bien. Hemos ido creciendo. Para ser una banda de Metal hemos llenado bastante. Podemos darnos el lujo de tocar en lugares donde muchas veces a otras bandas de Metal no se les ha permitido. Esto ha sido en base a que hemos ido ganando terreno.

Más allá del género musical, ¿qué bandas son sus favoritas dentro del territorio nacional?

Oil, nos parece que tiene un gran futuro, fueron a tocar en ocasiones a europa. Octavia también tiene mucho profesionalismo, es una banda muy sólida. De las nuevas, Azotador, que para ser tan jóvenes son muy capos; Black Jack, es una gran banda, su vocalista hace su presentación maravillosamente, es uno de esos cantantes que ya casi no existen; Gonzalo gómez en un gran guitarrista y cantante; Wara también es una fusión rock y folclore, es muy lindo de escuchar. ¿Qué es lo que consideran que detiene el progreso de las bandas de rock en bolivia?

Son dos cosas. Primero, son los tributos, porque además de ser dinero fácil, no requiere tanto trabajo. Lastimosamente la gente sigue asistiendo. En segundo lugar, es difícil dedicarse a cualquier tipo de arte, pintura, música, danza. Entonces si quieres dedicarte al arte, debes hacer una actividad paralela y eso hace que no le puedas dar la seriedad que se merece, y además la gente no reconoce estas actividades. La pregunta clásica es “Haces música y ¿qué más?”. Y no se dan cuenta del trabajo que significa ser músico. Es el mismo trabajo que se necesita para ser ingeniero. ¿No es cierto? Igual son 8 años para salir del conservatorio, igual que medicina. De todas formas, la mejor escuela es la experiencia y el amor por la música que haces.

Por otro lado, no estamos en condiciones suficientes en nuestro país para hacer arte. No hay lugares, ni incentivo para que alguien sea artista.

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¿Qué consejos les darían a las bandas nuevas?

Que se dediquen a ensayar, que dediquen bastante tiempo a esto… HATE ensaya 4 días a la semana, y eso permite que uno mejore bastante, eso a su vez da lugar a más tocadas, y eso a más aceptación del público. Esa es la clave. Hay que tomárselo en serio.

Y algo muy importante es que sepan que uno nunca terminará de mejorar. Si crees que eres perfecto en lo que haces, sólo te perjudica. Tienes que practicar. ¿Qué opinan de LaCarne Magazine?

Es excelente recibir apoyo más allá de nuestras fronteras. Cada espacio es invaluable y esperamos que sigan apoyando a las bandas y fomentando este maravilloso amor por la música.

Muchas gracias por la entrevista. Fue un placer Gracias a ti y a LaCarne Magazine por el espacio.

https://www.facebook.com/hatebolivia LaCarne Magazine

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legaste a mi vida en el 2005. El Evento que nos agrupaba se llamó “A LA LUZ DEL HIP HOP”, organizado por la O-KRU. Un encuentro internacional con grupos de toda Bolivia y desde Alemania: MIcrophone Mafia. Tú participabas con tu proyecto LOS MANIATADOS, junto a Gabo Mc.

Luego del evento, me saludaste y ahí aproveche de hacerles una nota para el programa de TV Triburbana Hip Hop, que estrené ese año en CTV - Canal 18 (La Paz).

Posteriormente nos encontramos en el HOME STUDIO LA KASA DE LA AWICHA (mi hogar) para coordinar un nuevo proyecto musical y editar un material tuyo.

Estabas en colegio (pre-promo) y de luto (tu papá había fallecido), es por eso que querías homenajearlo con un nuevo CD. Lo primero que registramos fue el tema “Oh! mi Dios”, junto a Los Maniatados, Perro Pekeño y Marraketa Blindada. Single que se editó en el disco Renacer de Alfonseka/Marraketa.

En ese momento en el sello disquero Wakala Discos, donde funcionaba el Home Studio, se estaba realizando las sesiones de grabación del Cd Project: LA PAZ-BERLÍN / BOLIVIA-ALEMANIA.

A la cabeza de Renan Spodeaka “One WAR” (quien llegó de vacaciones a La Paz), y su grupo S&C Supreme, con el Dj y productor Dualiz m Beats, que se encontraba en Berlín. Grabamos un disco entre paceños y alemanes único, donde realizaste el rap “TERCER MUNDO”, junto a Renan. Una joya del rap boliviano.

Por tu energía andina te invité a la actuación en el vídeo arte “SANTA ROSA Y EL TAWA”, la historia de un joven alteño que sueña con conocer la ciudad de La Paz y hacer rap.

Ganamos un premio dentro del concurso audiovisual “Jóvenes Miradas”, organizado por el CONACINE (Consejo Nacional de Cine) en septiembre del 2005.

Para motivarte por el éxito que obtuvimos, te di una “beca” para grabar un disco en WAKALA DISCOS.

Eran los primeros meses del 2006 y aparecisteis con el Jotas y el proyecto MUCHO VERSO. Sin dudar ni un segundo en un par de meses sacamos la maqueta del horno ILUSIONES, SENTIMIENTOS con éxitos como “ARTE ADICTO” (un himno del rap paceño y boliviano, a la fecha). De yapa un videoclip para apoyar la difusión del nuevo grupo de LaCarne Magazine

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rap chukuta, que fue estrenado en el segundo año del programa de TV Triburbana HH (2006).

Estabas en la promoción del colegio y con un disco flamante bajo el brazo! Al año venidero te fuiste al cuartel, disque a servir a la Patria, a disparar bala... En 2008 volviste con honores y vida del servicio militar obligatorio, me regalaste tu ropa del batallón al que serviste en Santa Cruz, y pasamos a registrar el single inédito “PLANETA DE LOS AMANTES”, junto a Mucho Verso, y el tema colaboración para Marraketa Blindada “DONDE SEA UN RAPERO”, que salió editado en el Cd de Alasita 2009, EL INICIO.

Posteriormente fuiste y viniste de la Argentina, y antes de quedarte de “esclavo de la

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costura bolita” (empleados costureros en el extranjero), regresaste para crear MARKA ARU. La primera marca de ropa exclusivamente Hip Hop.

Yo recibí de tus manos un pantalón XXXL en el 2014 como parte del intercambio de servicios publicitarios con mi show TV EL SHOCK DE LA MARRAKETA BLINDADA, en Palenque TV.

Te volviste el “Sastre del Rap”, y bastantes colegas del gremio requirieron tus servicios para personalizar sus prendas: chamarras, pantalones, bandanas, camisas, etc... hasta gambas (zapatillas).

LLegó el carnaval 2016, y al parecer el Pepino (Juglar tradicional de fiestas de carnaval) con su entierro nos trajo tu muerte: domingo 14 de febrero 2016. Estabas en otro sello disquero, la “I.P.R.” Industria Pesada del Rap, junto a otro productor, WILMAN, estrenando nuevos sencillos en el soundcloud como MUCHO TRAGO, por otro lado estabas diseñando ropa a todo nivel, compartimos por ultima ocasión en el evento LA HOYADA EN EL MAPA (febrero 2014, donde cantamos DONDE SEA UN RAPERO).

Luego una reunión final ese diciembre del 14, junto al proyecto comunicacional SUBTERRANEO y el camarada Alexis Camacho, donde se planeaba el diseño de la marca “FIDEL: ROPA DE COMBATE”. Era diciembre 2014, los facebooks y saludos durante el 2015, y hasta siempre un abrazo blindado. En tu entierro el ataúd cargamos, lloramos y te representamos.

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mal-amen Hablamos con Ale Oliveira, cantante y guitarrista de Mal-Amen

Presentasteis en 2015 un maxi single con 4 temas. ¿Cómo está reaccionando el público?

Así es, exactamente hace un año estaba ya entrando a estudio para hacer el maxi single de 4 temas y un pedazo extra instrumental al final del disco. El trabajo fue realizado en Cochabamba y La Paz, y duró alrededor de 3 semanas, fue muy rápido.

Este maxisingle fue el producto de muchos años de componer, ensayar, maquetear, etc, producto de muchos temas escritos en limpio y borrador, pero nunca publicados en ningun lado hasta ahora.

En relación al público, bueno, en realidad no tomo en cuenta las opiniones del resto sobre el trabajo que hago. A mí me hace feliz hacer lo unico que quiero hacer, y eso es música!, pero para mi sorpresa, y considerando lo entendido y “exigente” que es el público en Bolivia, hubieron unas cuantas personas por ahí que les gustó el estilo (aprecio mucho eso), llegando inclusive uno de los temas del maxi a ser numero 1 a nivel nacional (El Universo es mas), lo cual fue aún más raro y sorprendente. Aún así no dejaba de ser placentera la sensacion de pensar que hay personas que congenian en lo que quieres expresar mediante una cancion.

Os etiquetáis como rock experimental, pero en vuestros temas se pueden ver huellas de stoner, electrónica y rock de los 70. ¿Cómo ha sido evolucionar como grupo en Bolivia?

Le puse a Mal-Amen la etiqueta de “Rock Espacial” en realidad, pero no tanto por los sintetizadores, que el maxi contradictoriamente NO lleva, sino por transmitir esa construcción de una realidad personal más elevada para la gente con su entorno, el espacio y el universo en general. Es como un efecto de masa crítica o el efecto “mono numero 100”. Vivimos adormecidos y distraídos a la vez, y qué mejor si usamos tonos, vibraciones y palabras que de alguna manera puedan despertar a 1, 2, o 3 personas, después serán “cientos”. En todo esto me incluyo, me he equivocado mil veces en la vida y ando desadormeciéndome también como muchos.

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Huellas del estilo stoner, para mí es un halago, pienso en Red Fang y me dan ganas de tomarme unas cervezas, gracias!! Curioso que menciones música electrónica y rock de los 70..., hace un tiempo estuve trabajando en algunas colaboraciones y maqueteos en estudio con Marcelo Guerrero, quien aparte de ser amigo, es uno de los fuertes hombres de la musica electrónica en Bolivia, y casualmente estuvimos trabajando unos temas suyos y un par de temas de MalAmen en versiones rock-electrónico (con aires kavinsky, M83, Miami Nights entre otros). Cosas que algún momento saldran al aire a flotar para la gente, cosas que al final nos gusta, o por ahí también, no salen. De alguna manera los temas que hicimos seguían la línea rock pero con aire retro. Interesantes maquetas salieron de estas amenas reuniones.

Ya la evolución de la banda, en este último tiempo se ha ido dando espontáneamente. Creo que lo mejor para concebir un proyecto es intentar muchas veces, y sonar mal al principio. Lo principal es crear a partir del pensamiento, a partir del deseo de querer hacer algo, que se haga realidad física, es como un Tulpa.

Todo el tiempo pasado que ha sido importante en la evolucion de la banda, ahora sólo es un recuerdo diario de lo difícil que es evolucionar acá, pero en el camino se aprende mucho. A nivel difusión musical, apoyo o sponsors, por lo menos ahora hay más movida. A un nivel social y monetario tambien por parte de los boliches, el público, el gobierno y sus programas culturales, redes sociales, globalizacion etc., etc., etc., pero aún funciona a medias, todavía tiene que evolucionar y supongo que tiene que pasar un tiempo todavía.

Sabemos que el grupo ha tenido varios cambios en la formación, y que sólo tú quedas de los miembros iniciales. ¿En qué estado se encuentra ahora mismo el proyecto? ¿Quiénes te acompañan ahora en este viaje musical?

Es correcto, el proyecto tuvo varios cambios, intentos, vivencias. El origen de todo esto, en el inicio, se resume a un pequeño cuarto donde me las arreglaba para grabar algunas ideas q venían a la mente. Vale mencionar que ya a la hora de ensayar y sonar fuerte, Orlando Uyuni, baterista (Organica, Valpax, Mal-Amen 2012) estuvo mucho tiempo trabajando conmigo y poniendo el hombro al proyecto. En los inicios al bajo Alejandra García, Orlando “liku” Garnica, Luis Bellot, quienes dejaron la banda por diferentes motivos, pero que aportaron mucha buena vibra e ideas. Posterior a eso decidí sacar el maxi como solista, y me ocupé de preparar los temas para grabar y producir en esa epoca con algun productor que me encontré en el camino.

El proyecto actualmente ya tiene una formación oficial, con planes de tocar en vivo y como siempre, divertirnos. Estamos ansiosos, sufrimos de sobredosis de ensayos y sesiones de maqueteo, aparte de la exploración que significaría el tocar en vivo y poder “sonar” bien. Siempre es bienvenida esa sensación de enganchar con el publico.

Actualmente la alineación oficial de Mal-Amen es Sergio Hevia, en la batería, muy contundente, solido y con unas rapidas habilidades cerebrales para improvisar y darnos el ambiente exacto para los temas; Elvin Riveros, en el bajo, con conocimientos en bateria, hábil pieza fundamental para darle tono al impacto y suspender las guitarras. Al mismo tiempo yo me encargo de las voces, guitarras, las programaciones y sampleo. En general estamos conectados, nos llevamos bien y estamos con un solo objetivo de trabajar y producir el mayor tiempo posible.

El tema “El universo es más” nos ha encantado. ¿De qué hablan los temas de Mal-Amen?

Gracias!! El universo es más habla de cómo existen tantas posibilidades de evolución que tendríamos, y que al mismo tiempo no nos la permiten, nos mantienen adormecidos y a lo que realmente ocurre, envenenando el sistema, los cielos, la comida, y nos mantienen peleando entre LaCarne Magazine

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nosotros. La extensión de todas las posibilidades de mejores oportunidades de vida y realidad está en cada ser humano de este planeta. Es necesario abrir los ojos, abrir la mente, sensibilizar nuestros sentidos y no crear karma, y, lo principal, tener la voluntad de crearnos un mejor futuro para cada uno de nosotros.

Creo que la idea general, como te comenté al principio de la entrevista, en las líricas va por el lado de tratar de no alimentar la mala vibra existente en todo nuestro alrededor zombie-ficado, crear un concepto auténtico y espontáneo de transmitir un mensaje de evolución positiva, y qué mejor que hacerlo con música (para mí la mejor terapia). Puede ser que algunas canciones no te grafiquen cosas exactas o con un concepto preciso, pero eso es lo mágico de crear realidades, ambientes o sensaciones en la música. Y bueno, al margen de los placeres que esta vida también ofrece, los cuales nunca están demás jajaja, tampoco rechazamos el darnos una buena calidad de vida, alguna vez.

Vivir de la música es complicado para cualquier artista ¿Qué crees que tendría que cambiar en Bolivia para que fuera más fácil?

Sí, definitivamente es bastante complicado. En el país lo que tendría que cambiar o implementarse es inversión financiera, lograr que sea auto sostenible, y que exista un equilibrio costo versus beneficio para todos los actores de este proceso. Igualmente la mentalidad es algo principal a la hora de generar un progreso o un retroceso en la escena rockera-metalera de Bolivia.

Cochabamba es vuestra sede oficial. ¿Hay mucho movimiento musical en la ciudad? ¿Es fácil dar conciertos en tu zona?

Sí, algunos momentos es nuestra sede. Hay bastante movimiento, se ha incrementado en los ultimos 10 años aprox., con bandas de todo clase de estilos y público de todo estilo.

Los conciertos son complicados porque normalmente te pagan algo, pero tienes que alquilar cierta parte del sonido, equipo, etc. Entonces para la demanda hay gente que te alquila equipo, pagas y pagas. Esas son las cosas que al final desmotiva a los músicos porque si no hay plata, no hay buen sonido, e impuntualidad por todas partes. Una serie de problemas y por ende es complicado dar conciertos de calidad. Lastimosamente todo tiene un costo para ambas partes, y pocas veces se llega a un acuerdo de beneficio para ambas partes.

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Mal-Amen podría hacerse un hueco en el panorama internacional. ¿Os habéis planteado cerrar conciertos fuera de Bolivia? ¿Qué planes tenéis para la gira de promoción?

Seguro que sí, creo que son experiencias muy interesantes, conocer otros lugares e interactuar con personas y músicos fuera del frasco. De hecho, tuvimos dos viajes, uno por grabación a Buenos Aires, y otro por un concierto privado con amigos músicos en México D.F. Cosas sin mucha relevancia, pero se siente bien poder llevar la música a otros espacios y lugares, y charlar con la gente, tocar, grabar, comer!....

Conciertos fuera del país pienso que es algo que vendrá en algún momento. De hecho, estamos en contacto con algunos países en América para futuros planes, todo depende de la difusión, distribución, y lo principal, que el público extranjero esté interesado en la banda en vivo, aparte de la fuerte “competencia” que existe. Considero que es un reto.

De hecho, no tenemos planes definidos para alguna gira promocional. Ahora estamos apuntando a conciertos locales y en otras ciudades para que el público pueda conocer la banda, comunicándonos con colegas para poder armar tocadas en vivo. Cosas que en algún momento dejé de hacer y ahora estoy retomando. En algún momento que decidamos ingresar a grabar el álbum oficial ya podriamos planear gira promocional. No tenemos muy definido el futuro actualmente.

Ha sido un placer haber hablado contigo, Ale. Esperamos que consigáis muchos éxitos y que volvamos a encontrarnos pronto.

Igualmente, Pedro. Gracias por la entrevista. Si efectivamente estamos positivos en nuestro trabajo, y con muchas ganas de llevar a todo lado nuestra música y lo que amamos hacer, estaremos pronto con novedades para compartirlas con la revista.

Les envio un abrazo a todos los amigos lectores y Rockers en general. Les invito a visitar nuestra página en Facebook. Apoyemos la escena boliviana, que tiene buenos músicos y promete buen futuro!! Gracias...!!

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La Ventana Internacional

GARUTIS

Texto por Álvaro Cuevas

renético, intenso y algo nervioso, como la vida misma en la gran ciudad de Santiago, es el rock pop que propone esta banda proveniente de la capital chilena, y que recientemente reeditó su disco debut titulado Altiro.

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que finalmente se transformó en Garutis”, afirma Juan Pablo. Desde un inicio se dejaron ver las fuertes influencias del post punk y el indie británico, bandas como Joy Division, Franz Ferdinand y Arctic Monkeys revelaron una marca indeleble a la hora de componer y, como en casi todo, “… por supuesto The Beatles son fundamentales”, concluye Juan Pablo.

Conformado por Juan Pablo Garuti en la guitarra y voz principal, Claudio Vera en el bajo, César Lagunas en los teclados y Christian Vilches en la batería, este cuarteto inició su vida musical hace seis años y con otro nombre, “las canciones y el estilo comenzaron a definirse entre el 2010 y el 2012, cuando con Claudio formamos Automatics, agrupación

Aun así, no es sólo el rock británico lo que define a Garutis, las referencias locales son ineludibles, especialmente los irreverentes Los Prisioneros, pero la propuesta va más allá.

Las canciones en español, caracterizadas por letras ácidas y directas, apelan a una identificación inmediata con su público, a una verdad que se sirve caliente, sin filtros ni adornos

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La Ventana Internacional innecesarios, pero siempre ingeniosa, en la que hay lugar para la sabiduría y la belleza.

En este sentido, la composición no se limita a una persona, es un trabajo de equipo que da forma a las canciones de Garutis, “generalmente llego con una letra, una idea musical y una rítmica. Todo eso lo vamos puliendo y desarrollando entre todos. Con Claudio trabajamos el tema composición. Yo propongo las estrofas y Claudio propone el coro. Hemos funcionado muy bien así.”

El año 2013 lanzaron su álbum debut, Altiro, producido por Andrés Godoy, renombrado productor chileno que ha trabajado con bandas como Sinergia, Las Lilits y Los Peores de Chile. Juan Pablo comenta la importancia del trabajo con Andrés, “fue vital trabajar con él para definir los conceptos de cada canción (la letra), definir estructuras y arreglos. Fue un tremendo aprendizaje.” Además fue grabado y mezclado por Jaime Medel, quien ha trabajado junto a Claudio Narea (Los Prisioneros) en sus dos últimos discos, completando un equipo ganador que permitiría lanzar un material de gran nivel, que los llevó a cumplir las metas que muchos músicos se proponen, “Nos abrió la posibilidad de llegar a las plataformas digitales, de hacer videoclips y por supuesto de tocar en vivo […]. Hemos recibido muy buenos comentarios. Gracias al disco hemos conocido a grandes personas que nos han ayudado en esta aventura.”

En vivo, Garutis son una banda enérgica que no da descanso, quien va a uno de sus conciertos puede esperar “un show cargado de ritmos frenéticos, energía, fuerza y letras viscerales que se cantan con todo.” El cantante y guitarrista asegura que en vivo se entregan por completo.

A pesar del gran momento que atraviesan, no son ajenos al panorama actual que enfrentan las bandas independientes, y Juan Pablo no es muy optimista al respecto, “Somos parte de un movimiento rockero esquelético, frágil. Estamos a la deriva. El panorama es muchísimas bandas y pocos espacios de expresión. Suena añejo pero es así. El desarrollo es una ilusión. Los grupos están a codazos buscando una oportunidad. Si a eso le sumamos aquellas ‘vacas sagradas’ que siguen ocupando escenarios, es poco lo que queda para el resto. El desarrollo tecnológico en Chile no va de la mano del desarrollo cultural. Los que toman las decisiones no apuestan a nuevos sonidos. Son pocos los que se la juegan de verdad. Escucho en su mayoría música no chilena. No me identifica lo que se está haciendo en Chile y tampoco me siento partícipe de un movimiento. Sí, tengo amigos músicos que tienen sus bandas y que a veces compartimos

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escenario. Feliz de eso. Pero ¿movimiento rockero? La cumbia, el reggaetón, las baladas románticas y el heavy metal le llevan ventaja al rock. Garutis es rock chileno muy poco chileno. A la hora de poner play prefiero Manchester que Concepción.”

El año 2015 reeditaron su primer disco e ingresaron a las plataformas digitales mediante Sudamerican Records. Actualmente están componiendo y esperan tener un nuevo disco a finales de este año, además de seguir tocando en vivo, porque eso mantiene viva a la banda. Y es aquí donde radica el destino inevitable de todo músico, “hacer música es una necesidad. Queremos seguir haciendo canciones, producir nuevos discos y mantener nuestra amistad por años. Porque somos compañeros de banda y además amigos. Muy buenos amigos.”

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MOVIMIENTO STRAIGHT EDGE EN LA PAZ: “LAS MENTES VACIAS NO PIENSAN, NO LUCHAN”

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s totalmente cierto que nuestras sociedades, en todas partes del mundo, llevan implícitamente un estilo de vida en particular, aquel esquema social que nos refleja y retrata a su vez aquellas costumbres y hábitos de sociedades pasadas.

En todo este panorama, siempre estuvo “la/el diferente”, “la oveja negra”, “quien no encajaba” con la estructura impuesta. Siempre estuvieron presentes aquellas/os que ven la vida con una esencia distinta y vienen a romper esquemas. Lo mejor de todo esto: tienen una meta, pues no hay que confundir a un rebelde sin causa con uno que sí la tenga.

Resultan exquisitas por demás estas luchas en contra la corriente, estas pasiones poco compartidas y muchas veces criticadas negativamente y, en ocasiones hasta distorsionadas en su propia realidad; en medio de la rutina personal es necesario abrir nuestras mentes y no sólo conocer estas contraculturas, sino respetarlas, promoverlas si nos son compatibles, y aprender de ellas que se puede ser distinto, que se está permitido soñar y vivir de la forma que más nos apetezca.

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Mentes Irreverentes pretende ser parte de sus vidas y ofrecerles un abanico de matices con los que muchas personas enfocan sus vidas más allá de sus fronteras ideológicas, económicas, sociales y físicas.

Músicos, ideólogos, políticos, artistas, genios, activistas de todo tipo, etc.: todos serán bienvenidos en este espacio para transportarnos a sus propios contextos de acción.

En esta ocasión, quiero compartir y dedicar esta primera publicación a un movimiento que trasciende fronteras, y que difunde una idea bastante interesante y totalmente opuesta a las estructuras sociales tradicionales y sus culturas de ocio: MOVIMIENTO STRAIGHT EDGE EN LA PAZ: “LAS MENTES VACÍAS NO PIENSAN, NO LUCHAN” Jaime Rosales Angulo de 26 años y Renatto Vincenti Campos de 28 años, ambos de La Paz, Bolivia, se declararon abiertamente pertenecientes a la línea del Straight Edge. Esto representa todo un estilo de vida, cuya tendencia inició dentro de la subcultura del punk, a principios de los 80’s, en el momento justo donde se vivía una decadencia de drogas que empañaba completamente el objetivo contestatario que representaba y caracterizaba este género. Es entonces que nace el hardcore punk claramente estructurado, (es necesario aclarar que los primeros pasos, no claramente definidos del hardcore punk ya se habían dado), para contrarrestar los efectos devastadores de esta escena, que prácticamente se había auto aniquilado por sus adicciones.

El movimiento se representa con el símbolo de la(s) “X”, esto porque Teen Idles, una banda hardcore punk que surgió a inicios de los 80’s, estaba compuesta por menores de 21 años, por lo que en una de sus presentaciones, al percatarse de esto la gerencia del local, marcó a cada miembro de la banda con una “X” para que no se les vendiera alcohol, ya que en Estados Unidos sólo jóvenes de 21 años en adelante pueden consumirlo. A partir de esto, y a manera de compromiso, la banda sugirió lo mismo en todas sus presentaciones para permitir a los jóvenes menores de 21 disfrutar de los conciertos sin la necesidad de que consuman alcohol. Así esta marca fue asociada con el movimiento. Dos de los integrantes de esta banda formarían posteriormente la banda Minor Threat.

La banda hardcore punk Minor Threat, expuso por vez primera la denominación Straight Edge, gracias al lanzamiento de una canción con el mismo nombre del EP “Minor Threat” en 1981.

Ahora, después de más de tres décadas, este estilo de vida se ve propagándose por el mundo entero, llevando consigo la idea de abstenerse de los vicios y adicciones.

Sin duda, el tinte de este movimiento se mantiene político. Renatto afirma que el hecho de que existan estas drogas y su libre comercialización (aunque en distintas partes del mundo unas sean legales y otras no), se debe a un mal intencionado acto de adormecimiento, para hacer a cada miembro de la sociedad incapaz de analizar su contexto económico, político y social; para anular cualquier intento de acción directa.

El grupo de Jaime “XStraight Edge – La PazX”, no está delimitado por el gusto musical del harLaCarne Magazine

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dcore y/o el punk, sino que también está conformado por gente perteneciente al movimiento hip hop; pero todos llevan la misma bandera, todos proclaman “No necesito estúpidas drogas”, “Joven drogado, victoria del Estado”, “Si estás drogado, no puedes combatir”, “Las drogas acaban con la lucha revolucionaria”. Este grupo surgió gracias a que muchas personas simpatizaban con la idea, entonces decidieron organizar un colectivo.

Renatto, de corriente anarquista, compara bastante esta estrategia de sometimiento con lo que sucedió al movimiento libertario y pacifista Hippie, cuando estaba en su auge en la década de los 60’s y la mayoría de sus integrantes fueron arrasados por sus adicciones, principalmente al LSD y la marihuana.

El grupo donde participa Jaime, se dedica a la realización de distintas actividades, por un lado las que ofrecen alternativas saludables ante el consumo de drogas, como la práctica de Kick Boxing, y otras como charlas en unidades educativas y reuniones de ex adictos. Aseguran que ya no pueden limitarse a la abstinencia de sustancias tóxicas, al contrario, se encuentran en una posición reaccionaria, en la que toda su rabia debe ser dirigida al capitalismo y su guardián: el Estado. Para ellos, el Straight Edge significa autonomía individual en contra de las jaulas mentales y el modelo de ocio que siguen las sociedades contemporáneas.

Renatto, si bien no puede ser miembro activo del grupo de Jaime, a manera individual sí trata de promover el movimiento mediante la socialización de la idea en cada oportunidad que tiene.

El movimiento Straight Edge y todo individuo que asume este estilo de vida, notablemente hace frente a una estructura social. Estos grupos ponen todo su empeño, recursos y pasión en una apuesta por cambiar el mundo, por despertar mentes, por formar críticas, autocríticas y criterios bien fundamentados; por pelear aquellas luchas desde la individualidad y formar un frente de impacto social.

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Ejército de Mujeres

H

ace un par de años, 18 mujeres conquistaron el escenario del Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez, reunidas en el concierto de Atajo, ACUSTIWARMY (que viene, como ellos explican, de Acústico, Warmi = mujer y Army = ejército). Pienso que los conciertos con varios artistas invitados siempre generan en algún nivel reflexiones y debates sobre la realidad del ámbito musical, al mismo tiempo que despiertan cierta ansiedad por la acción sobre los temas de interés común; y considero esto muy positivo. Pero sucede también, que cuando la adrenalina desaparece, y todos retornan a sus actividades de rutina, las ideas, propuestas y sueños se quedan dentro de esos teatros, sentadas detrás del escenario, esperando a que el siguiente grupo de artistas se deje envolver por ellas y se las lleve.

El año 2015 no pude evitar notar que Nosotras logramos capturar esa energía que emanamos en el Teatro Municipal, probablemente unida a la de más mujeres que dejaron su arte en el mismo escenario. Y no es casualidad, que solo en el segundo semestre del año pasado se hayan llevado a cabo no uno, sino tres eventos importantes protagonizados, dirigidos y producidos por mujeres. Me refiero a “AYLLI: CANTO DE MUJERES”, “WARMI LUNA CRECIENTE” y “NOSOTRAS SOMOS”. Estas tres expresiones artísticas/culturales tomaron impulso en mujeres que,

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no casualmente, participaron del concierto ACUSTIWARMY. Lo cierto es que este año está inundado de energía femenina, que sueña, proyecta y crece en las voces e instrumentos, en las expresiones de cientos de mujeres en todo el país.

Sibah (cantante y compositora, líder del movimiento “Nosotras Somos”) realizó la invitación a un intercambio de composiciones e interpretaciones de mujeres en la ciudad de La Paz por primera vez el año 2011, bajo la filosofía “UBUNTÚ” (yo soy porque nosotros somos). El proyecto ha reunido y presentado a mujeres compositoras e intérpretes de todo el país, creciendo a tal punto que hoy al finalmente ha probado que trasciende el formato de “concierto” o “iniciativa”, pues es en realidad un movimiento que propone tanto a hombres como a mujeres escucharse en la voz del otro, reconocerse en las historias de los demás, reapropiarse de la música hecha en el país y construir mediante esta expresión artística la transformación de nuestra sociedad.

He ahí el motivo de este espacio, su razón de ser, su búsqueda. Un espacio que planea mostrar lo que somos Nosotras, todas, diversas, valientes, amantes, emprendedoras. Somos un mundo de mujeres del cual se ha descubierto muy poco. Del que se ha escrito mucho pero no suficiente.

Los invitamos a unirse a nuestro movimiento.

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