kwARTalnik artystyczny 7 (12/2023) by kwARTalnik.artystyczny

Laureatem konkursu okładkowego pt. "W Zimowym Świetle" zostaje

Beata Kasprzyk

Gratulacje! Zapraszamy do odwiedzenia strony Beaty i obejrzenie innych prac. FB: Beata Kasprzyk Artystycznie

Wymiary: 29,8x42 cm Akwarela na papierze

Więcej na temat konkursu na okładkę znajdziesz na 42 stronie magazynu.

Spis treści:

8 16

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Autorzy:

Agnieszka Troć redaktor naczelna Pomagam innym rozwijać skrzydła kreatywności oraz pasję do rysunku i malarstwa. Dzielę się swoją wiedzą i doświadczeniem, a także wspieram, motywuję i inspiruję artystów na każdym poziomie. Pokazuję także, jak na swojej pasji, jaką jest rysunek i malarstwo, można zarabiać. Uczę nie tylko jak malować i rysować, ale przede wszystkim, jak wychodzić z artystycznej strefy komfortu, oraz pomagam wypracować artystyczny mindset sukcesu. Jestem założycielką platformy edukacyjnej Akademia ATDP dla wszystkich pragnących odnosić sukcesy w rysunku i malarstwie, a także założycielka i redaktorem naczelnym „kwARTalnika artystycznego” oraz kilku innych projektów. Moje motto: żyj z pasją, zarabiaj na pasji i zarażaj innych pasją. www.atdp.com.pl www.akademia.atdp.com.pl FB: Akademia ATDP IG: @akademia_atdp

Aga Dubik

Maja Kowalczyk Prowadzę działalność artystyczną od 2021 roku. Pasjonuje mnie realistyczny rysunek i malarstwo. Początkowo tematyką prac były portrety zwierząt wykonane pastelami suchymi w ołówku, z czasem rozszerzyłam swoją twórczość o obrazy akrylowe ze złoceniami, obrazy wylewane metodą pouring-art, a także rzeczy do użytku domowego zrobione z żywicy epoksydowej. Moje motto: nie szukaj inspiracji, ale jej doświadczaj, bo jest we wszystkim, co Cię otacza. www.majakowalczykart.com FB: majakowalczykart IG: @maja_kowalczyk_art

Monika Ziobrowska

Aga Dubik – jestem artystką wizualną, absolwentką Akademii Jana Długosza w Częstochowie. Choć na kilka długich lat, po przyjeździe do Anglii, rozstałam się ze sztuką… wróciłam. Mam codzienną, głęboką potrzebę ukazania piękna świata przyrody, światła i codzienności. Projektuję i tworzę biżuterię, ulotne chwile łapię w kadrze, emocje przelewam na płótno. Aranżuję przestrzenie mieszkalne, projektuję i wykonuję dekoracje wnętrz. Prowadzę zajęcia plastyczne dla dzieci. Zajmuję się szeroko pojętą wizualizacją plastyczną. Zapraszam serdecznie do mojego świata. FB: Aga Dubik Jewellery FB: Aga Dubik Photography IG: @agadubikphotography IG: @aga.dubik.jewellery

Jestem polską artystką mieszkającą w Londynie. Tworzę teksturalne obrazy z elementami 3D, wykorzystując różnego rodzaju media mieszane, takie jak glina, metale, tkaniny i pasta modelująca. Mój styl sprawia, że obrazy są uniwersalne i naprawdę wyjątkowe. Uwielbiam eksperymentować i odkrywać różne metody tworzenia sztuki. To jest najbardziej ekscytujący i satysfakcjonujący moment. Jednak najlepszą rzeczą w kreatywności artystycznej jest ostateczny rezultat, który zawsze mnie zadziwia, ponieważ podążam za pełną wolnością tworzenia zamiast jakiegokolwiek konkretnego przewodnictwa. Wszystko rodzi się z mojego serca i duszy w momencie tworzenia zamiast umysłu, który wierzę, że czasami może ograniczać nasze możliwości. Moje motto zawsze brzmi: "Płyń z prądem". FB: Monika Ziobrowska FB: ART Monika Ziobrowska

Bożena Krasowska

Anna Kwiecień Jestem założycielką i prowadzę „Radocha. Pracownia Pełna Dobra”. Dziennikarka, która po kilkunastu latach pracy zawodowej zamieniła pióro na pędzle. Obecnie maluję akwarelami i prowadzę warsztaty akwarelowe, na których pokazuje, ile radości można czerpać z malowania. Znajdziesz mnie na: FB: Radocha. Pracownia pełna dobra — Anna Kwiecień IG: radocha_pracownia

Jestem polsko — brytyjską artystką mieszkającą i tworzącą w Londynie. Rysuję odkąd pamiętam, a maluję od czasów nastoletnich. Na początku 2012 roku zapisałam się na kurs rysunku i malarstwa w Morley College London. To tam pod okiem mentora Denzila Foresta wypracowałam nowe techniki i sposób malowania. Po ukończeniu Morley College stworzyłam w domu w swoją pracownię artystyczną, znajdując malarstwo i rysunek jako sposób na uspokojenie umysłu i wyrażenie swojej duszy poprzez napełnienie serca błogą radością. Obecnie malarstwo to moja praca - pasja pełnoetatowa. Inspiracje czerpię z natury, wyobraźni i sztuki cyfrowej. Nazywam siebie Kobietą Kolorów. Oprócz malowania i rysunku tworzę biżuterię z kamieni naturalnych, zajmuję się technikami kreacji découpage ora pouring-art a ostatnio face paintingiem. Wspieram innych artystów dzieląc się swoim doświadczeniem, wiedzą i praktyką. Prowadzę warsztaty grupowe online dla dzieci i dorosłych oraz indywidualne w swojej domowej pracowni.

IG: @bozartwork www.BozArtWork.com Bozenakoj@hotmail.com

41 40 3

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

W JAKI SPOSÓB SZTUKA POMOGŁA MI ZNALEŹĆ WYJŚCIE Z TRUDNEJ SYTUACJI? Monika Ziobrowska

Czasami życie można porównać do burzy, która niesie ze sobą nieoczekiwane zmiany i trudności. Ale dopóki żyjesz, nie jesteś całkowicie zagubiony, nawet w najtrudniejszych sytuacjach.

Byłam świadkiem wielu historii, które udowadniają, że nawet w najtrudniejszych chwilach można znaleźć sposób na odzyskanie radości i sensu życia. Jedna z tych historii jest moja własna.

Depresja to jedno z najcięższych wyzwań, jakich można doświadczyć. Przez wiele lat zmagałem się z tym ciężkim stanem emocjonalnym, szukając sposobów na ucieczkę z tej ciemnej dziury. Odkryłam, że sztuka może być nie tylko lekarstwem na duszę, ale także narzędziem wnoszącym radość do życia. Sztuka ma magiczną moc. Zacząłem malować, eksperymentując z różnymi technikami i materiałami. Kolory stopniowo wypełniały moje życie, a pędzel stał się dla mnie narzędziem terapeutycznym. Każde pociągnięcie pędzla oraz każdy kształt namalowany na płótnie stawał się dla mnie sposobem na ucieczkę od tej ciemności. Straciłam pracę, która była dla mnie bardzo ważna. Szef powiedział mi, że jestem za stara i za droga. To było jak cios w serce. Poczułam się bezwartościowa i codziennie nawiedzały mnie myśli samobójcze. Życie wydawało się pozbawione sensu. Moje serce wypełniła pustka, a tęsknota za dziećmi, które opuściły dom, tylko wzmagała moje cierpienie, przechodząc etap pustego gniazda, który jest trudnym wyzwaniem w życiu każdego rodzica.

KwARTalnik artystyczny

Tworzyłam nie tylko dla samego tworzenia, ale także po to, żeby dzielić się swoimi pracami z innymi i wywoływać uśmiech na ich twarzach. Widząc, jak moja praca wpływa na innych, poczułam cel i sens tego, co robię. Sztuka stała się narzędziem budowania pozytywnych relacji z innymi ludźmi. Wystawy moich prac, na których ludzie gromadzili się, śmiali i rozmawiali o sztuce, sprawiały mi niesamowitą radość i poczucie spełnienia. Pozwoliło mi to także nawiązać nowe przyjaźnie i poznać ludzi, którzy podzielają moje pasje

W trakcie tej przemiany odkryłam także rzeźbienie w glinie. Praca moich rąk w połączeniu z wyobraźnią stworzyła coś nowego i pięknego. Każdy przedmiot, który stworzyłem z gliny, był wyrazem mojej wewnętrznej siły i determinacji.

Stopniowo zaczęło odradzać się moje poczucie własnej wartości. Zaczęłam odzyskiwać wiarę w siebie i w to, że mogę znaleźć nową drogę w życiu. Wraz z rozwojem mojej kreatywności odnalazłam siebie na nowo. Może straciłam pracę, ale nabrałam pasji i determinacji do tworzenia. Znalezienie wyjścia z ciemności nie zawsze jest łatwe, ale znalezienie czegoś, co nas inspiruje i motywuje, jest ważne. Dla mnie to była sztuka. Malowanie i rzeźbienie w glinie były moimi sposobami na ucieczkę od depresji. Te chwile twórczej aktywności przywróciły mi wiarę w siebie i pokazały, że stać mnie na znacznie więcej, niż myślałem.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Moja historia jest dowodem na to, że nawet w najtrudniejszych chwilach można odnaleźć w sztuce jasność i sens. Niezależnie od wieku i sytuacji życiowej, twórcza ekspresja może przynieść nam poczucie spełnienia i radości. Dla każdego z nas jest coś, co służy jako wewnętrzna ucieczka. Może to być muzyka, taniec, rzeźba lub inna forma wyrazu artystycznego. Ważne jest, aby dać sobie szansę na odkrycie źródła naszej siły i odnalezienia sensu w tym, co kochamy robić.

Niech moja historia będzie inspiracją dla tych, którzy czują się bezwartościowi, samotni i zagubieni. Sztuka może być pomostem, który poprowadzi nas do nowego życia, pełnego pasji i optymizmu. Po prostu uwierz w siebie i daj sobie szansę na stworzenie czegoś pięknego. Dzięki sztuce możemy znaleźć własne wyjście z trudnych sytuacji i realizować swoje marzenia. Traktuj siebie z życzliwością i szacunkiem i unikaj samokrytyki. Znajdź czas na swoje hobby i ulubione projekty lub poszerz swoje horyzonty. Rozwiązuj krzyżówki, załóż ogródek, zapisz się na lekcje tańca, naucz się grać na instrumencie lub rozpocznij naukę języków obcych.

Po prostu żyj!!!

Monika Ziobrowska

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Gdy zima w pełni, nie zależnie od tego czy za oknami jest śnieg, czy też nie, to idealna pora na namalowanie BAŁWANKA. Można go namalować jako Kartkę Świąteczną lub obrazek. Namalowanie go jest banalnie proste i jestem przekonana, że sprawi Ci dużo frajdy. A zatem, wyjmuj akwarele i maluj razem ze mną.

Użyte materiały:

Użyte kolory:

Aquarius Roman Szmal

papier akwarelowy CREADU 300 g/m2; 135 mm X 190 mm pędzle: Szeroki, płaski pędzel (1 cal) Pędzle okrągłe ze szpicem (nr 1, 4, 12

papierowa taśma maskująca papierowe ręczniki pojemniki na wodę i woda ołówek i gumka na potrzeby wykonania szkicu biały gwasz spryskiwacz do wody szablon do rysowania kółek (kółkownik) suszarka do włosów, by przyspieszyć proces schnięcia

biały gwasz lub akwarela

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Gdy szkic już jest gotowy, Przyklej arkusz papieru taśmą maskującą do podkładki. Nie przyklejaj jej bezpośrednio do blatu, bo będziemy kartką obracać. Możesz użyć do tego tył z innego bloku. Ja korzystam z bloku z kartkami klejonymi po bokach, więc jedyne zabezpieczyłam brzegi przed zalaniem ich farbą.

Odwracamy kartkę „do góry nogami” i podpieramy ją tak, by woda spływała w naszym kierunku. Następnie zaczynamy ją moczyć lekko wodą z niewielką ilością błękitu pruskiego (219). Pamiętajmy ominąć przy tym bałwanka.

Następnie dodajemy mieszankę błękitu pruskiego z indygo (dość dużo pigmentu a mniej wody) na granicę z linią horyzontu. Ponieważ kartką jest pochylona, pigment zacznie spływać w naszą stronę. Możemy lekko rozprowadzić go pędzelkiem, ale tak, by przy linii horyzontu nadal było najciemniej. Nad głową bałwanka dodajemy trochę turkusu (338).

Pozwalamy pigmentom swobodnie spływać i łączyć się ze sobą. Jeśli gdzieś zbiera się za dużo wody, przechylamy kartkę papieru i doprowadzamy ją na brzeg kartki, a następnie zgarniamy jej nadmiar ręcznikiem papierowym. Póki tło jest jeszcze mokre, czubkiem pędzelka delikatnie wprowadzamy tło na brzeg czapki i pompon, tak by nie były one zbyt gładkie.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

W ten sposób uzyskamy fakturę wełnianej czapeczki i pompona. To jest też dobry czas, by wygładzić brzuch oraz ręce bałwanka, a następnie odwracamy kartkę już do prawidłowej pozycji.

Moczymy kartkę delikatnie samą wodą od linii horyzontu do mniej więcej miejsca, gdzie stoi bałwanek. Następnie, również na linii horyzontu dodajemy mieszankę pigmentu błękitu pruskiego z indygo, ale już zdecydowanie mniej nasyconą. Również pozwalamy farbie delikatnie się rozpłynąć po zmoczonej kartce i pozostawiamy ją do wyschnięcia.

Gdy tło jest już suche, możemy wzbogacić go o efekt bokeh, czyli kółeczka. Użyjemy do tego szablonu do kółek. Można je zrobić na kilka sposobów. Możemy przy pomocy czystego, wilgotnego pędzla i kółkownika zebrać pigment z papieru. Możemy do tego użyć także białej akwareli lub gwaszu. Doskonale sprawdzi się zastosowanie obydwóch efektow, ponieważ do nam kółka o różnym kontraście.

Trzeba uważać, by układając kółkownik nie kłaść go na mokrej farbie. Rozmazałoby to cały efekt. Dlatego kółka także robimy etapami. Gdy część z nich już wysycha, my przechodzimy do malowania bałwanka.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Gdy kółeczka na tle wysychają, zabieramy się z malowanie czapki. Zaczynamy od żółtej akwareli i delikatnie moczymy kartkę pomiędzy pomponem a futrzastym obszyciem. Następnie, gdy papier jest jeszcze mokry, dokładamy trochę pigmentu czerwonego przy samym futerkowym obszyciu. Staramy się również malować tak, by brzegi były lekko “poszarpane”.

Podobnie robimy z rękawiczkami. Najpierw żółtą akwarelą malujemy całą rękawiczkę, następnie dodajemy trochę pomarańczowego pigmentu mniej więcej na środku i czerwony na samym brzegu (od dołu przy rękawach).

By pogłębić cieniowanie, możemy dodać fiolet przy samym brzegu czapki z obszyciem i przy rękawiczkach gdzie łączą się z rękawem. Podobnie robimy z pomponem, zostawiając trochę białego, niezamalowanego papieru na samej górze. Najpierw dajemy żółty, potem czerwony i fiolet przy samym połączeniu pompona z czapką.

Gdy czapka i rękawiczki wysychają, możemy domalować kilka kolejnych kółek na tle. Wykonujemy je dokładnie tak samo jak poprzednie, przy pomocy szablonu. Te najmniejsze, można namalować bez kółkownika zostawiając jedynie kroplę białego gwaszu.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Gdy wysycha tło, zaczynamy malować bałwanka. Moczymy wodą bok głowy, pozostawiając suchą przestrzeń tam, gdzie są oczy o nos. Przy samej krawędzi, przy czapce i szaliku, dodajemy niewielką ilość pigmentu indygo z fioletem. Gdy farba się rozpływa, malujemy nos w podobny sposób jak czapkę i rękawiczki zaczynając od żółtego koloru. Oczy robimy gęstym pigmentem indygo.

Następnie przechodzimy do bałwanowego brzucha. Również moczymy bok i na krawędziach dodajemy pigment, najpierw granatowy a przy samym szaliku, tam gdzie cień, dokładamy fiolet. Istotne jest, by starać się dobrać podobny odcień i natężenie cieni na brzuchy jak i na głowie bałwana. Trzeba pamiętać też, że akwarela podczas wysychania robi się bledsza.

Następnym krokiem może być namalowanie ust bałwanka. Podobnie jak oczy, malujemy je gęstym pigmentem indygo.

Gdy brzuch już jest suchy, przyszła pora na szalik i guziki. Znowu zaczynamy od żółtej akwareli. Guziki pozostawiamy do wyschnięcia, a w międzyczasie pracujemy dalej nad szalikiem.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Aby zacząć malować czerwone paski na szaliku, papier nie może być zbyt wilgotny, bo wszystko by nam się zlało. Nie może być też zbyt suchy, bo wtedy kolory paski będą się wyraźnie odcinać. Dobrze jest, gdy papier jest lekko wilgotny. Używamy wtedy cieniutkiego pędzelka i robimy czerwone paski.

Następnie, samym czubkiem pędzelka malujemy delikatnie cienie na obszyciu czapki kolorem indygo i fioletem. Pamiętajmy, że u góry czapka jest oświetlona, więc tam zostawiamy białe. Najwięcej cienia jest pomiędzy czapkę a głową.

Zostały jeszcze guziki. Środek zamalowujemy na czerwono, na krawędzi dodajemy odrobinę pomarańczy, a brzeg z lewej strony podkreślamy granatem, robiąc w ten sposób cień.

Na koniec zostało jeszcze dodać cieniowanie na rękawach. Robimy je podobnie jak brzuszek, używając tych samych kolorów. Dokładnie tą samą mieszanką tylko bardziej rozwodnioną, robimy kilka nieregularnych pociągnięć pędzla przed bałwankiem i delikatnie, wzmacniamy cień pod nim. Jeszcze tylko dwie białe kropecki białeym gwaszem na oczach, by dodać im trochę blasku, i ...

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Jeśli skusisz się namalować takiego uroczego bałwanka, koniecznie pochwal się efektem. Możesz to zrobić w grupie na Facebooku „Rysowanie, malowanie - cotygodniowe wyzwanie” , do ktorej Cię serdecznie zapraszam.

Agnieszka Troć www.atdp.com.pl www.akademia.atdp.com.pl FB: Akademia ATDP IG: akademia_atdp FB: Life Power IG: agatroc.coach

Masz ochotę na więcej tutoriali i wspólnego malowania? Dołącz do AKADEMIA ATDP VIP Ponad 70 godzin tutoriali i ponad 30 godzin teoretycznej wiedzy.

Co tydzień nowe materiały.

Część z dostępnych materiałów

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

W świecie fotografii nieustannie toczy się dyskusja nad tym, czy aparat fotograficzny przewyższa smartfon. Wybór pomiędzy dedykowanym aparatem a wbudowanym aparatem w telefonie nie jest jednoznaczny, a kluczowe pytanie brzmi: Co decyduje o wyborze?

Władza Ustawień i Kontroli Cyfrowy aparat fotograficzny dostarcza niezaprzeczalnej przyjemności z panowania nad ustawieniami. To, co odróżnia go od smartfonów, to możliwość pełnej kontroli użytkownika nad procesem fotografowania. Niezależnie od tego, czy chodzi o dobór odpowiednich ustawień, czy wymianę obiektywów, aparat daje większe pole do eksperymentów.

W przypadku smartfonów, nawet u tych wyposażonych w tryb profesjonalny, ograniczenia w ustawieniach są nieuniknione. Wprawdzie aparaty wbudowane w telefony potrafią dostosować się do warunków otoczenia, ale często użytkownik nie ma pełnej kontroli nad procesem.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Uniwersalność i Dostępność Smartfon jest zawsze przy nas, gotowy do uchwycenia chwili w każdej sytuacji. To urządzenie wszechstronne, które niemal każdy nosi przy sobie. Fotografowanie staje się niezwykle dostępne i intuicyjne, nawet dla osób bez specjalistycznej wiedzy fotograficznej. Jednakże, warto zastanowić się, czy wygoda używania smartfona nie koliduje z kreatywną swobodą.

Jakość w Detalu Jeśli mówimy o fotografii jako sztuce, detale mają ogromne znaczenie. Aparaty cyfrowe, ze względu na większe matryce, oferują zdecydowanie lepszą jakość zdjęć, szczególnie przy wydrukach o większych rozmiarach. To w dziedzinie fotografii artystycznej czy wymagającej precyzji detalu aparat fotograficzny wygrywa zdecydowanie.

Postprodukcja i Format RAW W dzisiejszych czasach obróbka zdjęć stała się integralną częścią procesu fotografowania. Tutaj aparat fotograficzny zapisuje się punktami za możliwość korzystania z formatu RAW. To on daje pełną kontrolę nad postprodukcją, co jest niezbędne dla zaawansowanych użytkowników chcących dalej eksperymentować z obrazem.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Cena i Wartość Inwestycji Rozważając zakup, cena odgrywa kluczową rolę. Zarówno smartfony, jak i aparaty fotograficzne oferują różne opcje cenowe. Jednak dla entuzjastów fotografii, inwestycja w dobrej jakości aparat fotograficzny wiąże się z większymi wydatkami niż zakup wysokowydajnego smartfona. To jednak również inwestycja w pasję i rozwijanie umiejętności.

Uchwytne Chwile i Twórcza Wolność W końcu, niezależnie od narzędzia, istota fotografii tkwi w chwytaniu momentów i wyrażaniu kreatywności. Zarówno aparat fotograficzny, jak i smartfon, oferują niepowtarzalne możliwości. Wybór pomiędzy nimi zależy więc od tego, co dla nas ważniejsze: kontrola techniczna czy swoboda chwytania chwil spontanicznie.

W dzisiejszym szybkim tempie życia, zarówno aparaty fotograficzne, jak i smartfony mają swoje miejsce. Ostateczna decyzja spoczywa w rękach użytkownika, który z aparatem w dłoni może stworzyć niezapomniane dzieła sztuki, a z telefonem uchwycić chwilę, której nie chce przegapić. Ostatecznie, to narzędzie jest tylko przedłużeniem naszej wizji artystycznej. Wybór jest więc nie tyle między aparatem a smartfonem, co między techniczną precyzją a twórczą wolnością.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

W 4 numerze KwARTalnika artystycznego omówione zostały różne rodzaje pasteli, takie jak pastele w sztyfcie, pastele w ołówku, panpastele, pastele olejne, pastele do tkanin oraz pastele wodne. W numerze 5 kwARTalnika pisałam o różnych akcesoriach do pasteli. W tym artykule skupię się na papierach do pasteli.

Rodzai podłoża, na których możemy pracować za pomocą pasteli, jest mnogość: od papieru, po płótno, drewno, aż na betonie skończywszy, jednak w tym artykule skupimy się na papierze. Warto wspomnieć, że pastele z powodzeniem można stosować z innymi mediami tj.: farbami olejnymi i akrylowymi, kredkami, węglem, itp. Dobór papieru z kolei zależy od wybranej techniki rysunku, gdyż nieodpowiednio dobrany papier może nas skutecznie zniechęcić do dalszych prób. W artykule omówię różne papiery ze względu na ich gramaturę, fakturę, specyfikę pracy pod kątem rodzaju pasteli. Zwrócę też uwagę na fakt, że każdemu artyście może odpowiadać dany papier, a dla innego będzie on nie do przyjęcia i wyjaśnię skąd ta różnica.

Co na początku należy zauważyć to skład pasteli, który warunkuje dobór powierzchni. O składzie pisałam szczegółowo w poprzednich artykułach na łamach Kwartalnika, więc serdecznie zachęcam do ich przeczytania. Natomiast w wielkim skrócie pastel ze względu na swoją konsystencję jest materiałem, który wymaga podłoża zapewniającego odpowiednią jego przyczepność. Stąd pojawia się wszelka chropowatość oraz faktura podłoża służącego do tego medium. Na gładkiej powierzchni pastel będzie miał niestety nikłe szanse utrzymać się w perspektywie dłuższego czasu jak również nakładanie warstw byłoby mocno ograniczone na takiej powierzchni. Dlatego też do rysunku pastelami nadają się powierzchnie strukturyzowane.

W pierwszej kolejności omówię papier, który nadaje się pod pastel zarówno suchy w ołówku, sztyfcie jak i olejny oraz do wszelkich technik: zarówno realistycznych, jak i luźniejszych kompozycji.

... bo o nim mowa jest dla mnie najbardziej uniwersalnym papierem, po pierwsze ze względu na swoją gramaturę 360 g – co powoduje, że jest to raczej sztywny karton, z jednej strony tej wierzchniej przypominający papier ścierny mniej więcej o gradacji 1000, a z drugiej spodniej strony ma śliską powierzchnię. Dlaczego ta gramatura w przypadku pasteli jest taka istotna?

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Ze względu na to, iż przy nałożeniu wielu warstw, szczególnie przy rysunkach realistycznych sztywność papieru i jego specyficzna struktura minimalizuje ryzyko osypywania pasteli, co jest niezmiernie istotne przy trwałości danej pracy. Dodatkowo papier ten pozwala znakomicie blendować i nawarstwiać kolory, w zasadzie jak żaden inny. Wspaniałe jest to, że można na nim wykonywać wielokrotne poprawki, a nawet ścieranie (oczywiście gumką chlebową). Dla mnie osobiście to absolutny numer jeden. Producent proponuje piękne kolory w różnych odcieniach szarości, żółci, brązu, ale nie tylko, bo w ofercie znajdują się też bardziej wyraziste barwy tj.: burgund, antracite czy dark blue i wiele innych. Papier w bloczkach dostępny jest w atrakcyjnie dobranej kolorystyce barw w rozmiarach 18x24 cm, 24x30 cm oraz 30x40 cm, bądź możemy nabyć pojedyncze arkusze aż do rozmiaru 70x100cm. Arkusze przełożone są śliskim papierem, który można z powodzeniem podłożyć pod rękę podczas wykonywania pracy, gdyż pastel w minimalnym stopniu się do niego przykleja.

Co więcej, pastelmat ma tak dobrą przyczepność, że nie wymaga stosowania fiksatywy. Papier ten jednak nie od razu przypadnie wszystkim do gustu, trzeba nieco praktyki, ale gdy już nabierzemy wprawy to trudno będzie nam przerzucić się na inne podłoże. Warto wspomnieć, że pastelmat jest wodoodporny, więc sprawdzi się w technice malowania pastelami wodnymi, o których pisałam w jednym z poprzednich artykułów lub pastelami olejnymi przy użyciu terpentyny bądź oleju lnianego jak w przypadku farb olejnych.

Nieco zbliżoną strukturę ma papier...

aczkolwiek jego gradacja bardziej przypomina papier ścierny co powoduje szybsze zużycie pasteli ale i osypywanie się drobinek papieru, wynikające ze składu tego papieru czyli mieszaniny korka z płatkami roślinnymi i procesu jego produkcji. Za to blendowanie na nim to czysta przyjemność, a dodatkowo uzyskujemy miękki efekt rysunku. Natomiast cena może być dla niektórych niestety zaporowa. W tym przypadku papier można zakupić w bloczku jak i na sztuki, gramatura równie wysoka jak pastelmatu – 360g, dostępny w różnej kolorystyce.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Kolejne podłoże to papier welurowy bądź zamszowy, który przypomina materiał nałożony na papier/tekturę dedykowany głównie do suchych pasteli. Charakterystyką tego papieru są krótkie i dosyć mocno zbite włoski, a także mięsistość, co powoduje minimalne osypywanie się pasteli. Pigment bardzo dobrze wnika tę w strukturę, jednak blendowanie w tym wypadku jest nieco ograniczone w porównaniu do innych papierów, aczkolwiek nie jest niemożliwe. Podłoże idealnie nadaje się na wykonywanie nieco luźniejszych kompozycji, powoduje delikatny efekt rozmycia. Nieco problematyczne może być wykonanie bardziej realistycznej pracy, ze względu na ograniczone możliwości nawarstwiania. Wymazywanie może również przysporzyć nam trudność. Nasycenie kolorem jest nieco delikatniejsze na tym podłożu. Z pewnością papier wymaga wprawy, aczkolwiek jest to bardzo ciekawa alternatywa dla innych podłoży i na pewno warta wypróbowania. Tutaj również stosowanie fiksatywy nie jest wymagane. Ważna informacja – twardy pastel z dużą ilością spoiwa lub zbyt mocne dociskanie pastelą może uszkodzić strukturę tego papieru. Jeśli chodzi o informacje techniczne: tego typu papier dostępny jest zarówno w blokach jak i arkuszach, aż do rozmiaru 50x70 cm.

Gramatura tych papierów waha się od 260g do 300g, przy czym papier welurowy firmy Hahnemuhle jest giętki, aczkolwiek w tym przypadku nie ma to wpływu na przyczepność czy osypywanie pasteli. Kolorystyka nie jest tak bogata jak w przypadku pastelmatu, ale zawiera oprócz bieli i czerni chyba najpowszechniej stosowane kolory w odcieniach żółci i szarości.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Odrębną kategorię stanowią papiery posiadające głęboką, widoczną fakturę np.: Ingres, Canson, Renesans, Rembrant i są to zazwyczaj papiery o niższej gramaturze ok 160g, w tym przypadku papier jest giętki, toteż osypywanie pasteli jest znaczne. Mamy tu również do czynienia z propozycjami różnych faktur w zależności od firmy: począwszy od prążków (Ingres), plastra miodu (Canson Mi-Teintes), nieco głębszych dziurek (Fabriano Tiziano)

Jeśli chodzi o pastele suche, ograniczone jest warstwowanie i blendowanie wielu warstw. Natomiast pojedyncze blendowanie kolorów już jak najbardziej przebiega sprawnie, pod warunkiem że kolor rozprowadzimy równomiernie przed roztarciem. Jeśli chodzi o realistyczny rysunek, papiery mogą powodować nieco rozczarowania, zwłaszcza gdy wcześniej pracowało się na pastelamcie.

Mogą raczej zniechęcić niż zachęcić do tego typu precyzyjnych prac, natomiast świetnie nadają się do krajobrazów i luźnych kompozycji, ale nie tylko, bo w przypadku mniej szczegółowych portretów ludzi bądź zwierząt również się sprawdzą. Atutem może być z pewnością przebijanie faktury np.: prążków na papierze Ingres, aczkolwiek po wtarciu pasteli w fakturę można zniwelować nieco jej widoczność jeśli komuś nie odpowiada taki efekt.

Jeśli chodzi o pastele olejne to te papiery naprawdę świetnie się sprawdzają, nawet jeśli operujemy zwykłymi nieprofesjonalnymi sztyftami. Przede wszystkim pastele te bardzo dobrze trzymają się fakturowanego podłoża, a faktura z pewnością nadaje ciekawy efekt pracy. Gramatura jest wystarczająca, gdyż w tym wypadku nie ma wpływu na trwałość rysunku. W przypadku tego typu papierów dostępne są różne wersje kolorystyczne i rozmiary, zarówno w blokach jak i pojedynczych arkuszach.

Najtańszą, budżetową wersją, taką typowo do ćwiczeń jest z pewnością zwykły papier ścierny, którego gradacja około 1000 przypomina papier pastelmat. Trzeba jednak pamiętać, że materiał ten jest mocno kwasowy, toteż praca na nim nie będzie trwała. Ścieralność pasteli też jest znaczna na takiej powierzchni. Podsumowując, jeśli chodzi o realistyczny rysunek najlepiej wypada pastelmat i tutaj raczej trudno o alternatywę. Dalej są papiery mające fakturowane podłoża, świetne do pracy z pastelami olejnymi, ale i suchymi, gdzie faktura papieru może stanowić dodatkową atrakcyjność pracy i na koniec warto wspomnieć o papierach welurowych i zamszowych, gdzie rysunek jest zdecydowanie inny, nieco rozmyty, nostalgiczny oraz nadający pracy nieco romantyzmu i magii. Pamiętajmy, by korzystać z papierów bezkwasowych, które warunkują żywotność naszej pracy. Ostatnią rzeczą, o której warto wspomnieć, jest kolor papieru, który może mieć bardzo duży wpływ na końcowy efekt naszego rysunku, szczególnie jeśli widać fakturę papieru. Tutaj warto pokusić się o eksperymenty, gdyż efekty mogą nas pozytywnie zaskoczyć.

Maja Kowalczyk www.majakowalczykart.com FB: majakowalczykart IG: @maja_kowalczyk_art

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

TARGI SZTUKI a tworzenie obrazu

Zacznę od przedstawienia się dla tych, co jeszcze nie mieli do czynienia ani z moją sztuką, ani piórem na łamach tegoż magazynu. Nazywam się Bożena Krasowska. Jedną z moich ról w tym życiu obok matki jest także rola artystki - malarki mieszkającej w Londynie od 2004 i tworzącej regularnie od 2012 roku. Zawodowo natomiast od 2019, kiedy to zdecydowałam się otworzyć własną działalność, a następnie zrezygnować z pracy etatowej w sieci sklepów Mark & Spencer, gdzie zasiedziałam się aż 13 lat. To była odważna i wspaniała decyzja, szalenie uwalniające i budująca wewnętrznie. I tak oto, rok 2023 przyniósł kolejne przemeblowanie w sprawach zawodowych.

Prawdę mówiąc, moment, w którym od promocji swojej własnej sztuki nagle znalazłam się w miejscu, gdzie promuję innych artystów, był niemalże przeskokiem kwantowym! Pomysł przyszedł nagle i pod natchnieniem kilku okoliczności i osób. Jak pstryknięcie głośne palcami z okrzykiem: „Robimy to!, bo jeśli nie ja, to kto!” - pytanie retoryczne. Pierwsza okoliczność, to mój udział w lokalnych kiermaszach, w których sztuka traktowana była, potocznie mówiąc, „po macoszemu” zarówno przez organizatorów, jak i uczestników.

A co z córką?... I wydatkiem finansowym, który nigdy nie wiadomo, czy byłby inwestycją, czy pozostałby kosztem marketingowym i to dość pokaźnym? Z obserwacji organizatorów wynikało, że zrobić to może każdy. Mam za sobą doświadczenie w planowaniu, organizowaniu i promocji trzech swoich indywidualnych wystaw i to udanych… Tak więc ok, niech się dzieje!

Druga okoliczność, gdzie sztuka i rzemiosło traktowane były priorytetowo, ale brak marketingu, promocji w mediach społecznościowych, a przez to minimalny zasięg informacji, niemal totalnie ograniczały widoczność danego wydarzenia. Trzecia okoliczność i chyba przesądzająca, że pora zająć się tym tematem tu i teraz, z takimi zasobami, jakimi dysponuje, to fakt, że „obok nosa”, z westchnieniem, przechodziły mi inne targi sztuki oddalone od miejsca mojego zamieszkania na tyle, że uczestnictwo wiązałoby się z noclegiem poza domem.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Wszystkie projekty, czy to wystawy, warsztaty, targi, których podejmowałam się do tej pory, porównać mogę do tworzenia obrazu. Czyli w kolejności: Rodzi się pomysł. Znajduję dla niego miejsce, niczym zagruntowane już płótno pod obraz. Określam rodzaj medium, a właściwie sam przypływa adekwatnie do pomysłu. Przenoszę pomysł na płótno, zagłębiając się w procesie tworzenia. Początek wygląda tak, że wątpię, iż będzie to dzieło. Ufam jednak sobie, procesowi tworzenia i kontynuuję pracę, oddając się jego płynności. Praca twórcza w trakcie. Czasem pytam siebie: „Poważnie? Nie mogłaś po prostu i na luzie pobawić się abstrakcją?!” Jest finał, jestem zadowolona, ale bez ekstazy. Świadomie unikam perfekcji, bo wiem, że to perfekcjonizm to iluzja, ruch od życia i to właśnie on często uniemożliwia rozwój i wyjście do świata. Potrafi utwierdzać nas w przekonaniu niegotowości, utrzymuje z pozornym a niekończącym się postępie i nibydziałaniu. Warto powiedzieć sobie „Stop!” i odłożyć pędzel.

Pora pokazać swoje dzieło światu i zrobić mam to ja sama, nikt inny. Natomiast inni często mogą mnie tu wspierać i pomóc, jeśli się na to otworzę, poproszę, a przez to pozwolę sobie i im na to. Tego ostatniego potrzebowałam się świadomie nauczyć. Zosia-samosia może i zajdzie daleko, ale w zdecydowanie wolniejszym tempie i okrutnie zmęczona a tu przecież o zabawę i lekkość chodzi. Zakończenie procesu, czyli oklaski lub pomidory. Żartuję oczywiście, bo dobre ziarna, dają dobre plony, a „Po owocach ich poznacie”. Obawa przed porażką jest uzasadniona. Odkryciem dla mnie była obawa przed sukcesem. Te dwa bieguny, to myśl o chwili, która w momencie odczuwania obawy jeszcze nie zaistniała, a więc jest to jedynie konstrukt, imaginacja. Tu pora z tym pobyć, by odkryć, że obawiam się rzeczy, których nie ma, a być może nawet nigdy nie nastąpią.

Powróćmy do targów sztuki. Miejsce na nie pojawiło się w moich marzeniach o własnej wystawie już dużo wcześniej. Zamarzyłam o wyjątkowym miejscu - lokum w środku pobliskiego parku, obok ruin byłego opactwa. Piękno i zieleń widziana z wnętrza sali przez ogromne szklane ściany, to wspaniałe miejsce zgromadzenia artystycznych dusz i prezentacji dzieł lokalnej społeczności.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Wszystko zaczęło się na czas. Pogoda dopisała. Pomocnicy spisali się na medal. Artyści wykazali się samodzielnością, zorganizowaniem i piękną współpracą. Lokalna społeczność przyjęła nas ciepło i choć nie było tłumów, to frekwencja była zdecydowanie zadowalająca. Po wszystkim odetchnęłam z ulgą — udało się. Podziękowania i gratulacje, przemiłe wpisy w księdze gości. Wspomnienia i zdjęcia.

Pora ogłosić pomysł w mediach społecznościowych, by zebrać artystów i rzemieślników. Cały proces organizacji niemal od początku do końca płynął a ja z nim do celu, czyli dnia 23 września 2023: nabór artystów i rzemieślników, tworzenie grafiki i postów, materiały i działania marketingowe, umowy, opłaty, komunikacja z uczestnikami, gospodarzami budynku, itd. Gdy już wszystko, krok po kroku, dopięłam na tak zwany „ostatni guzik”, wcale nie odbyło się bez małych niespodzianek: a to ktoś zmienił zdanie, a to się rozchorował, czy też jeszcze ktoś inny poważnie skaleczył rękę. Podświadomość włada naszym życiem na tyle, jak bardzo żyjemy w nieświadomości tego faktu. Często włącza nam się tzw. autosabotaż a my nazywamy go chorobą, zmianą planu czy skaleczeniem ręki. To temat na inny artykuł, choć szalenie pasjonujący, pozostawiam go ekspertom np. totalnej biologii.

To było spore przedsięwzięcie, ale i super zabawa, jak każdy duży i szczegółowy obraz. Zdecydowanie warta powtórzenia wiosną 2024 roku. Zapraszam Was serdecznie a redakcji KwARTalnika za patronat medialny i obecność w czasie pierwszych w historii Abbey Wood Targów Sztuki, które odbyły się we wrześniu bieżącego jeszcze roku 2023. Bożena Krasowska ig: @bozartwork www.BozArtWork.com Bozenakoj@hotmail.com

Przyszedł dzień targów. Przed wyjściem z domu myśl: „Zaczęłaś? Kontynuuj!”, a więc do przodu, bez odwrotu. Do odważnych świat należy, mawiają!

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Dziś zapraszam Cię do namalowania dzikiej róży. Postaramy się wspólnie stworzyć zimową akwarelę oddającą piękno tego krzewu.

Papier akwarelowy — najlepiej 100 proc. bawełniany. Ja będę malowałam na papierze Arches, grain fin, cold pressed, 300 gram. Pędzle — przygotuj średniej wielkości mop. Ja dziką różę malowałam pędzlem Renesans Roll Brush nr 2. Akwarele — do malowania użyłam: red light (Sonnet), ultramaryna (Białw Noce 511), Aquarius Violet (Roman Szmal 369), Sepia (Białe Noce 413), Urban Grey (Roman Szmal 262), Aquarius Green (Roman Szmal 346), Olive Green (Białe Noce 727) Inne akcesoria — przygotuj także płyn maskujący w pisaku, grubość 0,7 mm, ołówek, gumkę, taśmę malarską, sól kuchenną, suszarkę, spryskiwać i oczywiście wodę.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Do stworzenia jeżówek przygotuj trzy odcienie zieleni, dwa od odcienie różu, żółćdobrze i pomarańcz. Zaczynamy szkicu. Żeby oddać Przyda się też jeden ciemny kolor, może to być charakter dzikiej róży, zerwałam przed indygo albo perylene Greentejczy Przybysz’s Grey malowaniem kilka gałęzi rośliny i ułożyłam od Romana Szmala. Na zdjęciu możesz z nich kompozycje na kartce. Następnie zobaczyć, jakich kolorów ja użyłam. delikatnie ołówkiem zaznaczyłam linie gałęzi oraz miejsca, gdzie będą owoce dzikiej róży.

Przed malowaniem warto wybrać zdjęcie referencyjne, które może pomóc w stworzeniu na kartce kompozycji jak najbardziej zbliżonej do natury. Ja jednak nie oddaję nigdy w swoich pracach zdjęcia 1:1. Biorę je jako inspirację. Patrzę na układ roślin, kolory. Przy malowaniu jeżówek moją inspiracją było piękne zdjęcie Gosi Skibińskiej-Wyleżały, „Rudowłosa Fotografka”. Znajdziesz je na poprzedniej stronie.

Teraz czas na płyn maskujący, dzięki któremu miejsca, które nim pokryjemy, nie będą wchłaniać pigmentu i pozostaną białe. Nakładam go tylko w kilku miejscach. Pokrywamy nim kolce Zaczynamy szkicu. Nienamusi być onPamiętaj, bardzo na łodygachod oraz „wąsy” owocach. precyzyjny. Ważne jest, aby zaznaczyć miejsca zanim zaczniesz malować, płyn maskujący musi na będą kwiaty, oraz przecinające byćkartce, suchy.gdzie Jak to sprawdzić? Przyłóż palec do się linie łodyg. Środkową i dolną jeżówkę, które pokrytej płynem maskującym karki i sprawdź, czy wsuwają się na pierwszy plan, wyszkicuj bardziej się nie przylepia, jeśli nie to znak, że możesz precyzyjnie. Jeśli masz problem z malowaniem zacząć malować. kwiatów, wydrukuj sobie zdjęcie referencyjne i kilka razy obrysuj na nim ołówkiem kształt jeżówki. Pozwól swojej ręce oswoić się z kształtem, a następnie spróbuj go odwzorować na swojej kartce. Przygotuj minimum dwa pędzle: większy do moczenia tła i mniejszy (najlepiej mop) do malowania. Oczywiście, jeśli lubisz, możesz użyć większej ilości pędzli, większych do malowania tła i mniejszych do detali. Ja większość moich kwiatkowych prac maluję pędzlem Renesans Roll Brush nr 2.

Dziką różę będziemy malować w duch etapach. Pierwszy etap będziemy malować na makro. Na początku zmocz kartkę wodą za pomocom spryskiwacza.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Do stworzenia jeżówek przygotuj trzy odcienie zieleni, dwa odcienie różu, żółć i pomarańcz. Przyda się też jeden ciemny kolor, może to być indygo albo perylene Green czy Przybysz’s Grey od Romana Szmala. Na zdjęciu możesz zobaczyć, jakich kolorów ja użyłam.

No to zaczynamy. Od góry karki, wpuszczamy urban grey i ultramarynę. Malujemy po przekątnej, zgodnie z kierunkiem, z jakim idą naszkicowane przez nas gałęzie. Teraz podnosimy kartkę tak, aby woda z akwarelą spłynęły na dół. W kolejnym etapie zaznaczamy gałęzie oraz owoce. Do namalowania owoców użyłam czerwieni i fioletu. Gdzieniegdzie możemy dodać kilka liści. Jeśli gdzieś akwarela za mało się rozpływa, spryskaj to miejsce wodą, a następnie przechyl kartkę w takim kierunku, w jakim chcesz, aby popłynęła farba. Obserwuj to co dzieje się na kartce. Jeśli gdzieś jest za mało koloru, dodaj go. Pamiętaj, że po wyschnięciu akwarela będzie miała mniej intensywny kolor. Przed malowaniem warto wybrać zdjęcie referencyjne, które może pomóc w stworzeniu na kartce kompozycji jak najbardziej zbliżonej do natury. Ja jednak nie oddaję nigdy w swoich pracach zdjęcia 1:1. Biorę je jako inspirację. Patrzę na układ roślin, kolory. Przy malowaniu jeżówek moją inspiracją było piękne zdjęcie Gosi Skibińskiej-Wyleżały, „Rudowłosa Fotografka”. Znajdziesz je na poprzedniej stronie.

Chcemy, aby kartka nie była równomiernie pokryta wodą, tak jak to ma miejsce gdy moczymy ją przy pomocy pędzla. Spryskiwać pozwoli nam na zachowanie suchych niektórych części kartki. Uwaga! Dla zabezpieczenia kartki przed odkształceniem, przed jej namoczeniem, warto przykleić ją taśmą malarską do podkładki. Może nią być sklejka albo plecy starego bloku akwarelowego. Ważne, aby nie był to stół, bo przy malowaniu będziemy kartką poruszać, tak aby ładnie rozłożył nam się kolor tła.

Zaczynamy od szkicu. Nie musi być on bardzo precyzyjny. Ważne jest, aby zaznaczyć miejsca na kartce, gdzie będą kwiaty, oraz przecinające się linie łodyg. Środkową i dolną jeżówkę, które wsuwają się na pierwszy plan, wyszkicuj bardziej precyzyjnie. Jeśli masz problem z malowaniem kwiatów, wydrukuj sobie zdjęcie referencyjne i kilka razy obrysuj na nim ołówkiem kształt jeżówki. Pozwól swojej ręce oswoić się z kształtem, a następnie spróbuj go odwzorować na swojej kartce. Przygotuj minimum dwa pędzle: większy do moczenia tła i mniejszy (najlepiej mop) do malowania. Oczywiście, jeśli lubisz, możesz użyć większej ilości pędzli, większych do malowania tła i mniejszych do detali. Ja większość moich kwiatkowych prac maluję pędzlem Renesans GdyBrush tło jest gotowe czas na sól. To dzięki niej Roll nr 2. na pracy powstanie efekt szronu, który nada naszej akwareli zimowy charakter. Wybierz dwatrzy miejsca na pracy, które posypiesz solą. Pamiętaj, żeby nie dodawać jej zbyt dużo. Teraz czas na wysuszenie pracy. Możesz pomóc sobie suszarką.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Gdy kartka jest już sucha, ściągamy płyn Do stworzenia jeżówek przygotuj trzy odcienie maskujący. to różu, zrobić,żółć pocierając kartkę zieleni, dwaMożna odcienie i pomarańcz. palcem. Pamiętaj, że kartka musi być zupełnie Przyda się też jeden ciemny kolor, może to być sucha. Jeśli perylene będzie choć odrobinę wilgotna,Grey płyn indygo albo Green czy Przybysz’s maskujący zejdzie razem z częścią papieru, od Romana Szmala. Na zdjęciu możesz niszcząc zobaczyć,pracę. jakich kolorów ja użyłam.

Przed malowaniem warto wybrać zdjęcie referencyjne, które może pomóc w stworzeniu na kartce kompozycji zbliżonej do Przypatrz się też tłu,jak czy najbardziej nie jest za blad. Jeśli jest natury.potrzeba, Ja jednakdodaj nie oddaję w swoich taka jeszczenigdy w niektórych pracach zdjęcia 1:1. Biorę je jako inspirację. miejscach ultramaryny, a następie rozprowadź Patrzę mokrym na układ roślin, kolory. kolor pędzlem alboPrzyzamalowaniu pomocą jeżówek moją inspiracją było podkreślamy piękne zdjęciesepią Gosi spryskiwacza. Na koniec Skibińskiej-Wyleżały, „Rudowłosa Fotografka”. kolce, dół gałęzi oraz kilka „wąsów” przy ZnajdzieszIjegotowe! na poprzedniej stronie. że wspólne owocach. Mam nadzieję, malowanie przyniosło Ci dużo radochy!

Gdy płyn jest zdjęty, możemy zacząć malować szczegóły. Na początek zaznaczamy linie gałęzi. Użyj dwóch kolorów brązu, najpierw jaśniejszego, a następnie, u dołu gałęzi, gdzie pada cień, ciemniejszego. Podobną zasadę zastosuj przy mapowaniu owoców. Malujemy je na sucho, nanosząc na dolną część owocu akwarelę, a następnie mokrym pędzlem Zaczynamy od szkicu. Nie musi być on bardzo rozprowadzając ją ku górze. Warto na górze precyzyjny. Ważne jest, aby zaznaczyć miejsca owoców zostawić trochę bieli, która będzie na kartce, gdzie będą kwiaty, oraz przecinające dawała efekt odbijającego się światła. się linie łodyg. Środkową i dolną jeżówkę, które wsuwają się na pierwszy plan, wyszkicuj bardziej precyzyjnie. Jeśli masz problem z malowaniem kwiatów, wydrukuj sobie zdjęcie referencyjne i kilka razy obrysuj na nim ołówkiem kształt jeżówki. Pozwól swojej ręce oswoić się z kształtem, a następnie spróbuj go odwzorować na swojej kartce. Przygotuj minimum dwa pędzle: większy do moczenia tła i mniejszy (najlepiej mop) do malowania. Oczywiście, jeśli lubisz, możesz użyć większej ilości pędzli, większych do malowania tła i mniejszych do detali. Ja większość moich kwiatkowych prac maluję pędzlem Renesans Roll Brush nr 2.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

ART BLOCK Jak pokonać twórczą blokadę?

Blokada twórcza to stan, który prędzej czy później przytrafia się każdemu artyście. To stan, w którym nie jest się w stanie tworzyć, a każda próba przełamania impasu wiąże się z niepowodzeniem i jeszcze większym zniechęceniem. To także stan, w którym tworzenie przestaje sprawiać przyjemność. Może to dotyczyć każdego rodzaju sztuki, od malarstwa i rzeźby, przez muzykę i literaturę, po taniec i teatr. Blokada twórcza może być frustrującym i demotywującym doświadczeniem, ale nie jest ona czymś, czego nie można pokonać.

Jakie są przyczyny ART BLOCKA? Przyczyn blokady twórczej może być wiele. Niektóre z nich są związane z samym artystą, inne z jego otoczeniem. Do najczęstszych przyczyn blokady twórczej należą:

Zmęczenie i wypalenie twórcze. Może pracujesz zbyt intensywnie, może odczuwasz zmęczenie i brak motywacji. W takiej sytuacji ważne jest, aby zrobić sobie przerwę i odpocząć.

Zmiany w życiu osobistym. Może w Twoim życiu coś się ostatnio zadziało, na przykład choroba, rozstanie lub śmierć bliskiej osoby. Takie zmiany w życiu osobistym, mogą mieć duży wpływ na twórczość i także wywoływać blokady. Ważne jest, aby pozwolić sobie na przeżycie emocji bez oczekiwań, że będzie się tworzyć tak jak wcześniej. Im zmiany w życiu są większe, tym ich wpływ na twórczość także wzrasta. Można nauczyć się je wykorzystywać, by wzbogacały twórczość i pomogły przejść przez trudny okres, zamiast wywoływać blokady.

Strach przed porażką. Może obawiasz się, że Twoja nowa praca nie będzie wystarczająco dobra. W takiej sytuacji ważne jest, aby pamiętać, że każdy popełnia błędy. Nawet najwięksi i najwspanialsi artyści tworzyli lepsze i gorsze dzieła.

Perfekcjonizm. Każdy, kto dąży do perfekcji, może mieć trudności z zaakceptowaniem swoich prac. Czy to także jesteś Ty? W takiej sytuacji ważne jest, aby nauczyć się, że perfekcjonizm jest wrogiem rozwoju, także artystycznego.

Brak inspiracji. Może nie masz pomysłu, co stworzyć. W takiej sytuacji ważne jest, aby szukać inspiracji w otaczającym świecie.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Jak sobie poradzić z blokadą twórczą? Istnieje wiele sposobów, aby uporać się z tak zwanym art blockiem. Oto kilka wskazówek:

Zrób sobie przerwę. Jeśli czujesz, że jesteś przytłoczony, zrób sobie przerwę od tworzenia. Idź na spacer, posłuchaj muzyki lub poczytaj książkę. Możesz wybrać się też na spotkanie z innymi artystami. Takie spotkania i porozmawianie z innymi osobami, które już pokonały podobne blokady, pomoże spojrzeć na sprawy z innej perspektywy.

Szukaj inspiracji. Wyjdź do muzeów, galerii sztuki lub na wystawy. Oglądaj filmy, czytaj książki i słuchaj muzyki. Nie koniecznie muszą to być rzeczy związane z Twoją formą twórczości. Inspiracja jest wszędzie. Trzeba tylko ją zauważyć.

Spróbuj czegoś nowego. Wybierz technikę, temat lub styl, w którym nigdy wcześniej nie pracowałeś. Poszerzy to trochę Twoją artystyczną strefę komfortu.

Współpracuj z innymi artystami. Dyskutowanie o swoich pracach i tworzenie wspólnych projektów z innymi artystami może pomóc ci wyjść pokonać twórczy impas.

Wielu artystów doświadcza momentów, gdy ich kreatywność zastyga w martwym punkcie, a inspiracja zdaje się być nieuchwytna. Jeśli blokada twórcza trwa dłużej niż kilka tygodni, warto spojrzeć na problem z innej perspektywy i poprosić o pomoc specjalistę, na przykład psychologa, lub coacha. Coach, będący artystą z doświadczeniem, może pomóc zidentyfikować, zrozumieć i przezwyciężyć blokadę twórczą poprzez zastosowanie kilku skutecznych strategii.

Pierwszym krokiem jest zrozumienie źródeł blokady twórczej. Często wynika ona z presji, oczekiwań lub braku pewności siebie oraz z nieuświadomionych przekonań, które nie pozwalają realizować twórczej pasji. Specjalista może przeprowadzić głęboką analizę, pomagając zidentyfikować te czynniki i skoncentrować się na ich przezwyciężeniu i transformacji.

Kolejnym ważnym aspektem jest także rozwijanie umiejętności samoświadomości. Poprzez refleksję nad własnym procesem twórczym, artysta może zidentyfikować wzorce myślowe, które hamują jego kreatywność. Ważne jest tu wsparcie w rozwijaniu zdolności samooceny i budowaniu poczucia własnej wartości oraz pozytywnego podejścia do własnej twórczości.

Nie oczekuj zbyt wiele. Nie stawiaj sobie zbyt wysokich wymagań. Pamiętaj, że każdy popełnia błędy, a perfekcjonizm jest wrogiem Twojego rozwoju.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Następnym istotnym elementem jest stworzenie inspirującego środowiska twórczego. Warto zidentyfikować czynniki środowiskowe, które wpływają na kreatywność, a następnie opracować strategii ich optymalizacji. To może obejmować zarówno organizację przestrzeni pracy twórczej, jak i kształtowanie pozytywnych relacji z otoczeniem. W tym także może pomóc Ci na przykład coach kreatywności. Coach może być także pomocny w określeniu celów i planów działania oraz skoncentrowaniu się na konkretnych zadaniach, co może złamać impas twórczy. Regularne monitorowanie postępów i dostosowywanie strategii w razie potrzeby stanowi kluczowy element całego procesu.

Dlaczego o tym piszę?

Pamiętaj, że blokada twórcza jest normalnym doświadczeniem, które spotyka każdego artystę. Nie bój się prosić o wsparcie, jeśli go potrzebujesz. Z czyjąś pomocą uda Ci się o wiele szybciej i łatwiej pokonać wszelkie ograniczenia kreatywności. Jeśli czujesz, że potrzebujesz wsparcia w pokonaniu blokady twórczej, rozbudzeniu kreatywności, by dalej tworzyć z pasją i radością nie tylko dzieła sztuki, ale i życie, zapraszam Cię na kurs „Obudź swoją kreatywność na wiosnę - 12 tygodni do rozkwitu Twojego pełnego potencjału.” Kliknij w link, lub zeskanuj kod by zobaczyć szczegóły. www.atdp.com.pl/kreatywnosc/

Agnieszka Troć

Zeskanuj kod

Bardzo ważne jest, by nie koncentrować się jedynie rozwój technicznych umiejętności, równie istotne jest kierowanie uwagi na aspekty emocjonalne i psychiczne. Praca nad radzeniem sobie z niepewnością, brakiem poczucia własnej wartości, porażkami czy krytyką znacząco wpływa na kreatywność i elastyczność twórczą artysty.

Metoda ta jest uniwersalna i może być stosowana w różnych dziedzinach kreatywności, takich jak malowanie, rysowanie, pisanie, muzyka, teatr czy codzienne gotowanie i kreatywne rozwiązywanie problemów życia codziennego. Wierzę, że każdy ma w sobie twórczy potencjał. Dzielę się moją metodą z innymi, aby pomogła im obudzić swoją kreatywność i żyć pełniej.

Piszę o pokonywaniu blokad twórczych i rozwijaniu kreatywności, ponieważ sama wielokrotnie doświadczyłam tego zjawiska. Przez kilka lat nie byłam w stanie malować ani rysować, co było dla mnie bardzo frustrujące. Czułam się, jakbym straciła część siebie. W końcu udało mi się znaleźć sposób na pokonanie blokady i odzyskać radość z tworzenia. Opracowałam własną metodę, która pomaga nie tylko mi, ale i innym osobom obudzić swój twórczy potencjał.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Wasze prace w konkursie

"Nasze zdjęcie – Twoja praca" z 6 numeru kwARTalnika artystycznego Poniżej prezentujemy kilka Waszych prac zgłoszonych do konkursu "Nasze zdjęcie — Twoja praca". Zdjęcie z szóstego numeru magazynu, które było dla Was inspiracją, znajduje się po prawej stronie. Zapraszamy do przejrzenia wspaniałych interpretacji, a także do odwiedzenia stron autorów prac.

Marzena Ciołek akwarela, A4

Anna Krogulska 28x21cm; akwarela+gwasz

Dominika Kossakowska akwarela, A5

Katarzyna Łukasik akwarela, 27 cm x 19 cm

Halina Pałygiewicz suche pastele; papier ścierny 400, 18x24 cm

Renata Kudłacik A4, Pastele suche w kredce, biały pisak

Dorota Chełmowska suche pastele

Sławomir Przygodzki długopis

Jadwiga Młynarczyk-Bachta A3, farby akrylowe

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Konkurs cykliczny

"Nasze zdjęcie – Twoja praca" 7 numeru kwARTalnika artystycznego Zasady są bardzo proste – udostępniamy zdjęcie, a Ty na jego podstawie wykonujesz swoją pracę. Technika i format dowolny. Najlepsze prace zgodne z regulaminem zostaną opublikowane w kolejnym numerze kwARTalnika. Zimorodek Fot. Ralph Lightman FB: LightmanPhotography

Regulamin: 1. Na podstawie zdjęcia konkursowego należy wykonać pracę artystyczną. 2. Format dowolny. 3. Technika dowolna (w przypadku grafiki cyfrowej autor bierze odpowiedzialność za prawa do źródeł, z jakich korzysta podczas wykonywania pracy konkursowej). 4. Termin zgłoszenia pracy: 1 marca 2024 r. 5. Można zgłosić maksymalnie 2 prace konkursowe. 6. Prace należy wysłać mailem na adres: kwartalnik.artystyczny@gmail.com, tytuł wiadomości mailowej: „Nasze zdjęcie – Twoja praca”. 7. W wiadomości proszę podać: rozmiar, technikę, imię i nazwisko/pseudonim artystyczny autora pracy oraz adresy do stron internetowych i mediów społecznościowych, jeśli takie posiada. 8. Najlepsze prace zostaną opublikowane w kolejnym numerze magazynu. O wyborze prac zdecyduje zespół redakcyjny. 9. Zgłoszenie pracy do konkursu stanowi jednocześnie zgodę na jej publikację w magazynie „kwARTalnik” oraz w ramach promocji czasopisma i akceptację regulaminu.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Zwycięzcą konkursu okładkowego pt. "W zimowym świetle" została

Beata Kasprzyk Wymiary: 29,8x42 cm Akwarela na papierze

Gratulacje! Zapraszamy do odwiedzenia strony Beaty i obejrzenie innych prac. FB: Beata Kasprzyk Artystycznie

Kilka innych prac zgłoszonych do konkursu:

Krysia Schneider

Izabela Cichulska-Quaas

akryl na płótnie 25×35 cm

akryl na płótnie 50 x 70 cm

Ewa Kerntopf Akwarela

Jadwiga Młynarczyk-Bachta

Katarzyna Rogaczewska

Farby akrylowe, papier format A3

Akwarele, kredki akwarelowe 30x40cm

Renata Kudłacik

Barbara Mleczek

Anna Krogulska

21cm×30cm Akryl na płótnie

A3, akwarela z odrobiną gwaszu

31x23cm akwarela+gwasz

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Harmonia Hałasu Konkurs na okładkę Jeśli chcesz, aby Twoja praca pojawiła się na okładce kolejnego numeru kwARTalnika, wykonaj pracę przedstawiającą temat „HARMONIA HAŁASU” i prześlij ją do nas na adres: kwartalnik.artystyczny@gmail.com

Regulamin: 1. Do konkursu można zgłaszać wyłącznie pracę własną. 2. Format pracy: orientacja pionowa. 3. Technika dowolna (w przypadku grafiki cyfrowej autor bierze odpowiedzialność za prawa do źródeł, z jakich korzysta podczas wykonywania pracy konkursowej). 4. Termin nadsyłania zgłoszeń: 1 marca 2024 r. 5. Można zgłosić maksymalnie 2 prace konkursowe. 6. Prace (skan lub zdjęcie dobrej jakości) należy wysłać mailem na adres: kwartalnik.artystyczny@gmail.com, tytuł wiadomości mailowej: „Okładka kwARTalnika”. 7. W wiadomości należy podać: rzeczywisty rozmiar, technikę, imię i nazwisko lub pseudonim artystyczny autora pracy oraz adresy do stron internetowych i społecznościowych twórcy (jeśli takie posiada). 8. Najlepsza praca zostanie opublikowana w kolejnym numerze na okładce. O wyborze pracy zdecyduje jury w składzie zespołu redakcyjnego. 9. Zgłoszenie pracy do konkursu stanowi jednocześnie zgodę na jej publikację w magazynie „kwARTalnik” oraz w ramach promocji czasopisma i akceptację regulaminu. 10. Zwycięzca konkursu, oprócz publikacji swojej pracy na okładce magazynu, otrzyma papierową wersję kwARTalnika artystycznego oraz "Kreatywnik", o którym więcej można przeczytać na 7 stronie 5 numeru magazynu.

KwARTalnik artystyczny 7 (12/2023)

Zapraszamy także do przejrzenia poprzednich numerów kwARTalnika.

Wersję papierową kwARTalnika artystycznego zamówisz na Amazonie. Zapraszamy do odwiedzenia i polubienia naszej strony na Facebooku i Instagramie kwARTalnik artystyczny

Kolejny numer już w marcu 2024!