Zbornik / Book Pixxelpoint 2012 - international new media festival

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Aljoša Abrahamsberg Uvodnik

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Aljoša Abrahamsberg Razen v vakuumu vesolja in ob določenih vremenskih pogojih na skrajno odmaknjenih teritorijih, kot so Arktika, Antarktika in širni platoji puščav, je vsepovsod prisoten zvok. Povsod drugod občutimo odsotnost tišine.

Kaj je slišal Felix Baumgartner, preden je odprl padalo, ko je 14. oktobra letos z višine 39 kilometrov skočil v praznino in pri prostem padu dosegel hitrost 1342 km/h ali 1.24 Macha?

Ali je počilo, ko je prebil zvočni zid? Mogoče?

Prebiti zvočni zid je metaforičen izraz iz sredine 20. stoletja, ker so takrat letala, ob približevanju hitrosti zvoka, postala nestabilna. To se je dogajalo zaradi t. i. udarnih valov, ki so začeli nastajati v transsonični coni - to je cona, kjer se hitrost letala bliža hitrosti zvoka. Včasih ti udarni valovi celo trčijo drug v drugega; pojav je znan kot šok - šok interakcija. Ta akumulirana energija se sprosti v procesu, ki je podoben eksploziji. Vpliv udarnih valov z višino upada, saj se z njo gostota zraka manjša.

Felix Baumgartner je sicer prehitel zvok tam, kjer je gostota zraka že nekoliko večja, kot je bila na višini njegovega odskoka, in bi lahko kaj slišal, če ne bi bil v zaščitni obleki.

Vsaj piš vetra, ki se ga sliši ob hitrem gibanju skozi prostor. Višina 39 kilometrov, od koder je skočil Baumgartner, je za 61 kilometrov nižja od imaginarne in dogovorne črte, kjer se začne vesolje. Ta meja je na višini 100 kilometrov nad morjem in se imenuje Karmanova linija. In to linijo si človek trudi preseči že vrsto let.

Raziskovanje in naselitev vesolja sta ena 3

Pixxelpoint 13 največjih izzivov človeštva danes. Vendar, ko bomo v času medplanetarnih potovanj zapuščali naš planet, bomo prav gotovo pogrešali tudi dejstvo, da zapuščamo teritorij brezštevilnih zvokov. Vesolje je namreč tiho in nemo, je tisti prostor, ki je gluh. Vesolje je najboljši naravni približek popolnega vakuuma. Ker tam ni delcev materije, ki bi trčili drug v drugega in tako prenašali valovanje, tudi ni zvoka, ki je posledica mehaničnega delovanja.

Vesolje je tako en velik prostor tišine.

Vendar brez tišine ne bi razlikovali zvoka. Kot ne bi zaznali svetlobe, če ne bi bilo teme. V tišini sicer na nek način srečaš samega sebe, ali kot pravi Steven Orfield, predsednik Orfield Laboratories, kjer je postavljena brezodmevna soba – najtišji prostor na zemlji: "Bolj kot je prostor tih, več stvari slišimo. Slišimo bitje svojega srca, pretakanje hrane po želodcu, včasih lahko slišimo tudi svoja pljuča. V brezodmevni sobi postaneš zvok ti sam. " Vendar dejstvo je, da odsotnost zvoka povzroči začasno psihološko nestabilnost ljudi. V nenadni popolni tišini smo zmedeni in se trudimo razumeti, kaj se pravzaprav dogaja z nami. Kar govori o pomembnosti, ki jo ima zvok za nas. Kot čutilna bitja se zanašamo na nenehno prisotnost različnih zvokov. Razni zvočni signali so kot gesla, ki nam pomagajo, da se znotraj nekega ambienta orientiramo. To, kar slišimo, postane otipljivo za dojemanje nekega prostora.

Zvok je tudi govor, s katerim medsebojno komuniciramo. Zvok je torej del naših vsakdanjih 4

Aljoša Abrahamsberg senzoričnih izkušenj. Tako kot imamo oči za zaznavanje barv in svetlobe, imamo ušesa, da z njimi slišimo zvok. Vendar si redkokdaj vzamemo čas za razmislek o njegovem nastanku, značilnostih in obnašanju.

Na festivalu Pixxelpoint zato letos častimo zvok in predstavljamo dela, ki na različne načine razširjajo naše razumevanje in zavedanje tega, kaj zvok sploh je. Predstavljeni so mehanizmi, s pomočjo katerih ta nastaja, se ga zaznava ali vpliva na izgled podob. Izbrane prakse uporabe zvoka prebijajo konvencionalne predstave o njegovem pojavljanju in poslušanju (Michele Spanghero, Tao G. Vrhovec Sambolec).

Prisotne so interaktivne inštalacije, ki izvabljajo zvok s pomočjo inovativne in kreativne izrabe odnosov med človekom, tehnologijo in arhitekturo (Signal To Noise). Predstavljeni so nenavadni instrumenti, resonančni objekti in zvočne skulpture, ki proizvajajo kontrastne, fascinirajoče šume in tihe pulze (Peter Flemming, Roberto Pugliese).

Ali projekti, ki omogočajo slišnost zvokov iz celega sveta (Radio Aporee), odmaknjenih pokrajin – Arktike (API) in morskih habitatov (Jana Winderen). Med njimi so dela, ki s kreativno uporabo različnih inteligentnih vmesnikov pred nas postavljajo čudovite interakcije zvoka in podobe (Matthew Biederman, Joao Martinho Moura). Delo, v katerem slišimo posnetke geomagnetnega viharja, sinhroniziranega z vizualno podobo (Ruth Jerman/Joe Gerhardt). Video, ki za 5

Pixxelpoint 13 sprožanje zvoka izrablja informacije premikov vlakov (Alexander Chen). Inštalacijo, kjer zvoke in glasove sprožajo mikroskopske živali (Matthijs Munnik), in inštalacijo, kjer zvok kot informacija, ki se sporoča iz različnih točk, postane dezinformacija – hrup (Studio Nomad).

Skratka, predstavljamo projekte, ob katerih se zavemo nepretrganega vibriranja stvari okoli nas in osupnemo ob njihovi nenehni slišnosti.

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Marko Peljhan 333.7

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Pixxelpoint 13 Ko je Ferdinad Delak v reviji Tank zapisal, da mora Ljubljana postati "garaž svetovne drveče lepote", mogoče ni govoril o hitrosti zvoka (verjetno je imel v mislih kakšnega Bugattija ...), je pa vedel, da sta mesti Trst in Gorica vsaka po svoje in takoj po prvi svetovni vojni to tudi postali. Tam so parkirali ideje veliki. Černigoj, sam Delak, Silvio Mix, Tulio Crali, Marinetti, Prampolini, Depero in drugi italijanski futuristi.

Po Krasu in Ljubljani je manifestiral Srečko Kosovel. V Kanalu Marij Kogoj. V Trstu tržaško konstruktivistično gibanje. Vsi so s svojimi akcijami, situacijami, razstavami in "seratami" vzpostavili temelje avantgardizma. Eden izmed naslednikov tega avantgardizma je prav transnacionalni in mejni Pixxelpoint.

Letos že trinajstič!

Görz Gorizia Gorica Gurize Nova Gorica.

To so naša mesta.

Ker zvok definitivno, poleg elektromagnetnega valovanja, ne pozna meja, smo se letos odločili, da bomo na novo umetnost, na avantgardo 21. stoletja, pogledali skozi uho in nazaj do očesa.

Ob meji, ki jo je, vseskozi mobilno kačo, zarisovala in jo še (vsaj v glavah nekaterih naših someščanov na levi in na desni strani te stare krevlje) zgodovina z velikim Z. Zgodovina s 8

Marko Peljhan spominom tisočletij in amnezijo, ki bi je bil vesel vsak psihiater. Tudi Černigoj konstruktivist, izgnan iz Ljubljane, je še vedno moral kam že – v Rim. Cadorna ni prišel do Ljubljane, Černigoj pa je vseeno moral v Rim. Preko Trsta seveda, da ne bo pomote. In nazaj v Bauhaus. Pogrešamo ga. Program, ki smo ga pripravili in o katerem v svojem uvodniku več piše kolega Abrahamsberg, tudi sam inženir zvočnosti, je seveda čisto oseben. Zelo oster in namerno ozek pregled radikalnih ter poetičnih pogledov in pristopov k umetnosti in znanosti zvoka v najširšem pomenu besede. Od tistega, ki ga proizvajajo razni oscilatorji, digitalno-analogni pretvorniki in procesorji, do tistega, ki ga ustvarjajo najbolj osnovni fizikalni procesi, do pokrajin, ki jih v obliki glasbe ustvarjamo mi sami.

Potem so tukaj še kolegi s sprostitvenim programom Pixxelmusic, in slika je popolna.

Da ne govorimo o intervenciji kolega in maga Beckerja in njegove asistentke Sele z Močjo medijev nad materijo in o performansu Dicka Hebdigea, ki je pojem subkultura definiral (ja, tja spadamo, začeli smo v "Bunkerju" in nismo pozabili!), in bo festival zaokrožil s Sindromom X. To bo še zanimivo!

Glasbi, ki jo slišimo ob Cagevem 4'33" in bodočim generacijam avantgardistov ob in na meji, letošnji PIXXELPOINT 13 tudi posvečamo.

Zapise pošljite v Rim in v Ljubljano.

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PrvA ProDukcIjA zA LyonskI bIenALe 2011, PonovnA PostAvItev zA PIxxeLPoInt 13

Arctic Perspective Initiative (API)

Dokumenti o morju, tundri in ledu InstALAcIjA, 2011

ArctIc PersPectIve InItIAtIve (API) Delo je odgovor na predpostavko, da prenos tradicionalnega znanja družbam omogoča pridobivanje vedno večje avtonomije in samozadostnosti. skuša najti metodo, s katero bi kartirali, risali zemljevide, opisovali, zapisovali in delili tradicionalna imena krajev, poti in zgodb o deželi, živalih in vremenu z novimi medijskimi orodji.

Lokalni jezik in ustna izročila o Deželi ter načini risanja zemljevidov tradicionalnih krajev se zelo razlikujejo od kolonialnega risanja zemljevidov za potrebe navigacije in upravljanja z naravnimi viri. v nasprotju s kolonialnimi navadami se kartografija v inuitski kulturi zgodi skozi samo poimenovanje lokacij in poti glede na njihovo uporabo in zgodovino.

PrIsPevkI Pudlo Pudlat, oshoochiak Pudlat, simeonie kopapik, napachie Pootoogook, Pitsaloak Ashoona, cornelius nutarak, Harry Ikkirapiik Ittuksarjuat, Marko Peljhan in Matthew biderman.

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PonovnA PostAvItev zA PIxxeLPoInt 13

Arctic Perspective Initiative (API)

zvočna krajina DIgItALne zvočne DAtoteke, 2010

ArctIc PersPectIve InItIAtIve (API) zvočne krajnine nunavuta se pogosto osupljivo razlikujejo od tistih z juga, po drugi strani pa so jim lahko neredko tudi neverjetno podobne. Prevladujejo zvoki prometa, ptic, snega pod nogami, gradbišč in glasbe. ta projekt tvori izbor avdio materialov, vse od posnetkov okolja, sodobne glasbene produkcije nunavita, Ayaya pesmi, skupnostnega radia, vF radio omrežja in grlenega petja.

PosnetkI okoLjA Matthew biederman in Inukjuak soundmap Project (avtorja nimilan yoganathan in Max stein, s posnetki: Mattusie Pov, tommy Weetaluktuk, tukai rousseau) koMPILAcIjo ureDILA Matthew biederman in Marko Peljhan IzbrAnI PosnetkI Iz Inuit songs from eskimo Point: ramon Pelinski, Luke suluk in Lucy Amarok the copper eskimo tradition: jeam oqhena, Frank kuptana, jimmy Memorana, William Qagyun DoDAtne skLADbe Leena evic, Alacie tullaugaq & Lucy Amarualik, errol Fletcher

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PIXXELPOINT 13 Arctic Perspective Initiative (API) je neprofitna mednarodna skupina posameznikov in organizacij, ki sta jo ustanovila Marko Peljhan in Matthew biederman. njen cilj je razvoj odprtih avtorskih, komunikacijskih in diseminacijskih struktur na obtečajnem območju. ustanovljena je bila kot neposredni rezultat projekta 417 programa IPy. cilj pobude API je sodelovanje z in učenje od prebivalcev najsevernejših dežel in Arktike ter krepitev njihovega položaja s pomočjo odprtokodnih tehnologij ter izobraževanja in usposabljanja. z ustvarjanjem dostopa do teh tehnologij in s spodbujanjem razvoja komunikacijskih in podatkovnih omrežij v skupni rabi brez visokih obratovalnih stroškov omogoča nenehen trajnostni razvoj avtonomne kulture, tradicionalnega znanja ter znanstvenih, tehnoloških in izobraževalnih priložnosti za prebivalce severa in Arktike. API sprejema osrednja načela inuitskega Quajimajatuqangita, dolgo obstoječega etičnega kodeksa, ki je poglaviten za inutiski način življenja. tA nAčeLA so PIjItsIrAnIQ – smatra se, da vsi pomembno prispevajo k skupnosti; AAjIIQAtgIInIQ – iskanje soglasja, reševanje sporov in upoštevanje več perspektiv in pogledov na svet pri odločanju v skupini; PILIMMAksArnIQ – znanje in vzgajanje svojih sposobnosti so ključni za produktivno in uspešno življenje s spoštovanjem do vsakogar; 14

ArctIc PersPectIve InItIAtIve (API) PILIrQAtIgIIngnIQ – sodelovanje in kolektivno delo za skupni cilj s poudarkom na skupini; AvAtIMIk kAMAttIArnIQ – poudarja pomen odnosa do okolja in do sveta, v katerem živimo skupaj.

ArctIcPersPectIve.org

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ArctIc PersPectIve InItIAtIve (API)

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MoÄ? MeDIjev nAD MAterIjo

konrad becker & sela

operacije PerForMAns

konrAD becker & seLA operacije izvabljajo fantazmogorične značilnosti digitalnega medijskega okolja. gre za elektro poezijo in diskurz, v katerem psihoakustični plesni ritmi raziskujejo mimetične komunikacijske naprave. vokalizacije in elektronski zvok ulice, navdihnjeni z milenarističnimi plesnimi manijami, izvabljajo izgrajenost spomina. nastop odkriva, kako se v zgodovini medijev ponavljajo teme duhov, zrcalnih svetov in nevarnih transkomunikacij. v projektu operacije so predstave obsedenosti bojišča, na katerih se odvija bitka za nadzor nad objektom in subjektom. operacije so psihosocialna kontekstualizacija, ki se odziva na uganko zombijev: kakšna je razlika med mrtvimi in živimi?

Performans operacije je osnovan na knjigi Dictionary of operations, ki bo v letu 2012 izšla pri založbi Autonomedia. konrad becker je umetnik in raziskovalec, teoretik in producent, avtor, skladatelj in glasbenik. je direktor in soustanovitelj kulturne obveščevalne agencije World-Information.org in je povezan s številnimi uglednimi projekti napredne kulturne prakse, kot so na primer Monotonprodukt, global security Alliance in Public netbase (1994 do 2006). je pobudnik številnih mednarodnih konferenc in razstav o medijih, umetnosti in kulturi, objavil je veliko avdiovizualnih produkcij, člankov in knjig v številnih jezikih. je hipermedijski pionir in čarovnik. revija the Wire je njegovo ploščo uvrstila med 100 najpomembnejših plošč 20. stoletja. sela je glasbenica, vokalistka in kantavtorica. v predstavi operacije navdušujoče uteleša popularno tradicijo medijskega kanaliziranja na odru. v 19

PIXXELPOINT 13 svojih projektih združuje različne sloge in tradicije vokalnega nastopanja in zajema širok spekter žanrov. je obetaven talent dunajske glasbene scene in izurjena multiinstrumentalistka, ki redno nastopa s svojim ansamblom sela Wie. en.WIkIPeDIA.org/WIkI/konrAD_becker

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konrAD becker & seLA

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Matthew biederman

Dogodkovno obzorje vIDeo InstALAcIjA, 2012

MAttHeW bIeDerMAn Dogodkovno obzorje si lahko razlagamo kot mejo prostora časa, za katero dogodki na opazovalca ne morejo več vplivati. najpogosteje se ta definicija nanaša na robove črne luknje, kjer svetloba za dogodkovnim obzorjem ne more več uiti in je zato ne vidimo. vendar pa dogodkovno obzorje lahko razumemo tudi kot samo točko zaznavanja. Projekt Dogodkovno obzorje razmišlja o trenutnem diskurzu o »utelešeni kogniciji«, ki pravi, da zaznavanja ne moremo ločiti po čutih in da ta ne »živi« v naših možganih (glej Alva noë: out of our Heads). ko se premikamo po prostoru, simultano slišimo in vidimo s celim telesom. Dogodkovno obzorje je v tem kontekstu točka, na kateri pojav zaznamo in razume naše lastno zaznavanje kot obzorje, ki se nepretrgano premika skozi prostor in čas. to spremlja obzorje zmožnosti tehnologije.

Pojem »dogodkovno obzorje« v projektu nosi številne interpretacije – namiguje tako na stičišče meja zmožnosti tehnologije, ki poustvarja ta projekt, torej tehnologije prikazovanja (v tem primeru je to projektor), kot tudi na meje človeškega dojemanja. raziskuje, kaj se zgodi, ko se približamo meji tehnološkega obzorja. ko skuša projektor prikazati boljšo ločljivost, kot jo zmore, pride do popačenj in nastanka moiré vzorcev. Pri siljenju projektorjev v stanja, ki jih ne morejo prikazati, ti interpolirajo. Pri tem nastane nepredvidljiv vzorec, ki ga dojamemo kot »tretjo« sliko, ki jo ustvarita dva vzorca pri različnih frekvencah. tisto, kar »vidimo«, ustvari naše lastno zaznavanje v kombinaciji z mejami tehnologije prikazovanja, kar odkrije obzorje, na katerem se srečata zaznavanje in tehnologija.

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PIXXELPOINT 13 biedermanovo delo sledi simultanim, prepletenim potem, ki pri tradicionalnem pogledu dajejo vtis raznolikosti. če pogledamo strogo umestitveno, bi njegovo področje spadalo med taktične medije, radio, slikarstvo, oblikovanje, uprizoritve, umetnost in tehnologijo. sam pa se noče omejiti na kateregakoli od teh medijev, temveč dopušča izmenjave in prepletanje med njimi prek različnih kombinacij raziskovanja medijev, prostorov, vsebin in ciljev. verjame v idejo umetnika kot obrtnika, provokatorja in nujnega agenta za predstavo (in izzivanje) vizije sublimnih čustev, ene možne različice lepote, ki vodi k novim razumevanjem in konceptom sveta, njegovih sistemov in potencialov. na ta način je umetnik inovator, vendar ne v tradicionalnem smislu – je tisti, ki osvetljuje možnosti in perspektive. biedermanova dela so od sredine 90. let 20. stoletja raziskovala dojemanje, estetiko, podatkovne sisteme, medijsko zasičenost in njihovo politiko.

Leta 1999 je prejel priznanje bay Area Artist Award za video, ki jo podeljuje new Langton Arts, in zasedel prvo mesto v kategoriji vizualnih umetnosti na slovenskem festivalu break21. gostoval je na rezidencah na številnih inštitutih in ustanovah, med drugim večkrat v centru za eksperimentalno televizijo in je še naprej rezident v cMu-jevem laboratoriju creAte. njegova dela so bila razstavljena v severni in južni Ameriki, v evropi in Aziji na številnih festivalih in prizoriščih, med drugim na 11. lyonskem bienalu, 7. AtA Festival Internacionalu (Lima, Peru) in na quebeškem trienalu 24

MAttHeW bIeDerMAn leta 2011. kot filmski in video ustvarjalec je sodeloval na festivalu FILe (sao Paulo), festivalu new Forms (vancouver), na edinburškem Fringe Festivalu, mednarodnih srečanjih v Parizu in berlinu ter na čikaškem underground Film Festivalu. njegova dela so bila prikazana na zeroone Festivalu (san jose) in scAPe bienalu na novi zelandiji. Leta 2007 je z Markom Peljhanom soustanovil Arctic Perspective Initiative (API), neprofitno mednarodno skupino posameznikov in organizacij, katerih cilj je zavzemanje za nastanek odprtega avtorstva in komunikacij ter za razširjanje infrastrukture v cirkumpolarni regiji.

WWW.MbIeDerMAn.coM

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MAttHeW bIeDerMAn

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Alexander chen

sprevodnik: Mta.me HD vIDeo, 2011

ALexAnDer cHen Pri projektu sprevodnik:Mta.me umetnik spremeni sistem newyorške podzemne železnice v interaktivno godalo. Delo s pomočjo dejanskega voznega reda newyorških podzemnih vlakov začne v realnem času kazati vlake, ki so odpeljali v zadnji minuti, ter jim sledi skozi naslednjih 24 ur. Linije so osnovane na diagramu Massima vignellija iz leta 1972. Projekt se drži določenih pravil. vsako sekundo preveri, kateri vlaki so speljali s končnih postaj. Hitrost vlaka določa pričakovano trajanje vožnje proti koncu linije. nekatere odločitve so bile sprejete na podlagi glasbenih, estetskih in tehničnih razlogov, na primer počasno bledenje linij, postopno pospeševanje časa in omejevanje števila sočasno potujočih vlakov. umetnik je uporabil tedenski vozni red. nekatere izmed teh omejitev imajo za posledico blage variacije, saj so v vsakih izbranih 24 urah zajeti drugi vlaki.

Projekt mta.me je narejen v HtML5/ javascriptu. Podatke jemlje z javnega vmesnika za programiranje newyorškega sistema podzemnih železnic, ki navaja natančen urnik postankov in odhodov (sistem trenutno vlakom ne sledi v živo preko gPs signala). Projekt je bil oblikovan v računalniškem grafičnem programu Illustrator in s pomočjo svg koordinat spremenjen v HtML5 canvas. umetnik je naredil inačico s plastmi HtML5 zvoka, a je pri zlaganju plasti naletel na številne omejitve in težave. zato zvok sproža Flash v ozadju, ki komunicira z js sound Managerjem.

Alexander chen (roj. 1981) ustvarja glasbena in interaktivna dela. njegova sonata for the unaware iz leta 2002 je ustvarjala glasbo s pomočjo posnetkov potnikov filadelfijske 29

PIXXELPOINT 13 podzemne železnice. Leta 2011 je lansiral www.mta. me, ki je spremenil sistem newyorške podzemne železnice v godalo.

Leta 2012 je nastal www.baroque.me, s katerim je vizualiziral bachove suite za čelo. chen trenutno dela v googlovem kreativnem laboratoriju (google creative Lab), kjer je nastal logo Les Paul google Doodle (2010). chen je tudi multiinstrumentalist, ki nastopa kot the consulate general ter boy in static. trenutno živi v brooklynu v združenih državah Amerike. bLog.cHenALexAnDer.coM

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ALexAnDer cHen

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Peter Flemming

Instrumentacija zvoÄ?nA InstALAcIjA, 2012

Peter FLeMMIng vse stvari imajo naravno resonančno frekvenco. ta zanimiva ideja kaže, da je praktično vse v osnovi povezano, a za zdaj se bom držal fizikalnega. Moj stari avto se je pri določenih hitrostih močno tresel. naša telesa imajo resonančne frekvence. to velja tudi za spenjač na moji mizi, nebotičnike, mostove, tektonske plošče ... Instrumentacija je elektromehanska zvočna instalacija, ki jo je navdihnila resonanca. galerijska instalacija ohranja občutek provizoričnosti, saj se je razvila iz studijskih eksperimentov ter z uporabo omejenega nabora orodij in razpoložljivih materialov. Instrumentacija je bolj kot načrtovanemu in končanemu delu podobna osnutku ali shemi. je strukturirana, vendar nima načrta. vsebuje veliko improvizacije in je ob vsaki postavitvi močno drugačna.

Instalacija Instrumentacija je že vsebovala nenavadne zvočnike, narejene iz veder, bobnov, odsluženih oken in ročno zvitih elektromagnetnih tuljav. ti najdeni predmeti – resonatorji ojačijo druge dele instalacije. Delovna miza iz vezane plošče na primer služi kot akustični pretvornik za elektromagnetno aktivirane klavirske strune in kot oder za montažo strojev »igralcev«. vsak lenobno opravlja ponavljajočo se nalogo in prispeva k neskončno nihajočemu zvoku porajajočih se harmonij, nenadnih krešendov in aritmičnih udarcev. ko strojem prepustim vajeti pri vodenju predstave, odprem začasen prostor za razmišljanje o silah v našem okolju. ko raziskujem osnovne fizikalne »čarovnije« resonance, prisotne v vsakodnevnih strojih, konstrukcijah in sistemih, odkrivam, da tudi za nas veljajo fizikalni zakoni, ki so v osnovi skrivnostni in 33

PIXXELPOINT 13 izven našega absolutnega nadzora. ta izmuzljiva »čarovnija« je koristna opomba, da digitalnotehnokratskega sveta, v katerem stremimo k popolnemu nadzoru, vseeno ne nadzorujemo povsem.

IzjAvA uMetnIkA »Moja dela so elektromehanske ustreznice kratkim zgodbam. seveda vsaka dobra zgodba potrebuje nekaj napetosti. v svojih mehanskih »besedilih« skušam ustvariti napetost z mešanjem različnih sistemov. organski sistemi se mešajo s tehnološkimi, stari z novimi, ročno izdelani s strojno izdelanimi. namesto besed, stavkov in odstavkov uporabljam vijake, baterije, kovino in po meri narejeno elektroniko. napake in nesreče pogosto oblikujejo usmeritev mojih del. navadno se zgodijo, kadar naletim na tehnično ali finančno oviro ali pa se nek material muhasto upira mojemu namenu. Po dolgem puljenju las včasih uvidim, da je neželeno vedenje samo po sebi zanimivo. opustim prvotni cilj in grem po novi poti. Pustim ji, da me vodi, namesto da bi skušal zadostiti prej določenim kriterijem. razbiranje teh skritih znakov predstavlja ključen del mojega ustvarjanja«. umetnik Peter Flemming se že preko ducat let ukvarja z ročno narejenimi stroji – elektroniko prireja po posluhu in v studiu veliko intuitivno brklja. njegovo najnovejše delo je serija eksperimentov o resonanci, ki jo raziskuje preko zvoka, materialov elektromagnetnih aktuatorjev, mehanskih igralcev in provizoričnih ojačevalcev. njegova prejšnja dela 34

Peter FLeMMIng vključujejo lene stroje, umetniška dela, ki jih poganja sončna energija, ter hipnotično ponavljajoče avtomate. svoja dela je razstavljal po vsem svetu in zanje prejel številne podpore, nagrade in rezidence. je občasen pisatelj in kustos, pisal je razstavna besedila za druge umetnike, eseje, organiziral dogodke in predaval. je aktivni član upravnih odborov in številnih lokalnih umetniških organizacij.

Diplomiral je na univerzi za umetnost v ontariu ter na univerzi za umetnost in oblikovanje v novi scotii. trenutno živi in dela v Montrealu v kanadi, kjer predava elektroniko za umetnike na univerzi v concordii.

WWW.PeterFLeMMIng.cA

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Dick Hebdige

sindrom x: vrtoglavica & Avto biografija PreDAvAnje In PerForMAns

DIck HebDIge Potovanje v ugrabljenem kadilaku letnik 1962 zariše avtobiografijo skozi tri trenutke, ko oseba ni bila prisebna: (1) (2) (3)

trenutek ekstaze, ko je subjekt med aktom zapuščen, trenutek bežnega podoživljanja na otroštvo in trenutek zloma, ko se vsa ogledala razbijejo, vendar vsaka površina še vedno odseva kot ogledalo.

Dick Hebdige je od izida svoje prve knjige subculture: the Meaning of style leta 1979 veliko pisal o sodobni umetnosti in kulturi. Med njegovimi nedavno izdanimi eseji so Lucifer setting: Art, engineering and the Dawn of the stadium rock Light show (o svetlobni umetnosti po koncu 2. svetovne vojne), Hole... swimming... floating... sinking... drowning (o kalifornijskem bazenu) in Desert studies: More from Less than zero (za prvi izvod revije Arid: A journal of Desert Art, Design and ecology). rodil se je leta 1951 v Londonu in se leta 1992 preselil v združene države Amerike, kjer je bil devet let dekan šole kritičnih študij na kalifornijskem inštitutu umetnosti. trenutno predava na oddelku za umetnost, film in medijske študije na univerzi v kaliforniji v santa barbari.

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joao Martinho Moura

supercollider shape HD vIDeo, 2011

joAo MArtInHo MourA Minimalna nepretrgana avdiovizualna skulptura zvoka in navideznega črnila raziskuje generativne zvočne algoritme. zvok se ustvarja s pomočjo čelade, ki snema možganske signale. elektroencefalografski signal predela po naročilu v Processingu in supercolliderju spisana programska oprema. klavirska podlaga je bila napisana posebej za to delo. razstavljeno na festivalu animacije v sklopu Ars electronice 2012. Avtor se za navdih zahvaljuje Albertu de campu, julianu rohrhuberju in jamesu Mccartneyju. joao Martinho Moura je portugalski umetnik, ki se ukvarja z interaktivnimi mediji. njegovo interesno področje zajema inteligentne vmesnike, digitalno umetnost, digitalno glasbo in računsko estetiko. joao Martinho Moura je predstavil svoje delo in izsledke na številnih konferencah, povezanih z umetnostjo in tehnologijo, tudi na Mednarodnem festivalu za kulturo post-digitalnega ustvarjanja (International Festival for the Post-Digital creation culture oFFF) (2008), Mednarodnem simpoziju o računski estetiki v grafiki, vizualizaciji in slikovnih obdelavah (International symposium on computational Aesthetics in graphics, visualization, and Imaging cAe) (2008), Mednarodnem sejmu kreativnih umetnosti (International creative Arts Fair) (2008), zon Multimédia Premium (2008), na konferenci shiFt (sHiFt - social and Human Ideas for technology) (2009), computer Interaction (2009), svetovnem kongresu o komunikaciji in umetnosti (congress on communication and Arts) (2010), na ArtecH (2008 in 2010), Le corps numérique centre culturel saint-exupéry (2011), Mednarodni 41

PIXXELPOINT 13 konferenci teI (International conference on tangible, embedded and embodied Interaction) (2011) ter na Ars electronici v Linzu (2012). njegovo delo je bilo razstavljeno na Portugalskem, v braziliji, veliki britaniji, Franciji, Hong kongu, Avstriji in belgiji. joao Martinho Moura pripravlja magisterij v laboratoriju engageLAb univerze Minho na Portugalskem in kot gostujoÄ?i profesor predava pri ĹĄtudijskem predmetu Programiranje v digitalni umetnosti v okviru magistrskega programa taiste univerze.

WWW.jMArtInHo.net

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Matthijs Munnik

Mikroskopska opera zvoÄ?nA InstALAcIjA, 2011

PIXXELPOINT 13 Ali lahko mikroorganizmi tudi nastopajo? kako se naše dojemanje teh bitij spremeni, potem ko jih vidimo v umetniškem in gledališkem smislu? ko sem iskal potencialni nastopajoči mikroorganizem, sem naletel na c. elegans, na manj kot milimeter dolgega črva, ki se je premikal tako elegantno, kot to namiguje njegovo ime. to je tudi prvo bitje, katerega genom smo uspeli v celoti sekvencirati. Še bolj me je začel zanimati, ko mi je raziskovalec povedal, da lahko črve pod mikroskopom med seboj razlikuje glede na način gibanja, ki ga določijo mutacije. nekateri se premikajo v obliki spirale, drugi se valjajo ali trzajo, nekateri pa so zaradi mutacij bolestno debeli. v svoji instalaciji imam pet petrijevk, v katerih je po pet različno mutiranih črvov, ki se različno gibajo. teh pet skupin nastopajočih snemajo usb mikroskopi in slika se v živo predvaja na petih ekranih. napisal sem poseben program, ki sledi črvom in spreminja njihovo gibanje v zvok, tako da ti nevede postanejo nastopajoči glasbeniki v makroskopskem svetu nad njihovimi glavami. za ta nemočna bitja so znanstveniki skoraj kot bogovi, ki jih nadzorujejo od prve do zadnje celične delitve, zato sem hotel dati črvom moč, da na nas vplivajo v našem svetu. realizacija s pomočjo ncsb, ngI in Waag society.

Matthijs Munnik je nizozemski medijski umetnik, ki trenutno živi in dela v Haagu. njegova dela so pogosto mešanica predstav in instalacij, navdihnjena z novimi tehnologijami, znanstvenimi raziskavami in novimi

MAttHIjs MunnIk načini interakcije. Študiral je znanost in umetnost na kraljevi akademiji umetnosti v Haagu. za svoje najnovejše delo Mikroskopska opera je prejel nagrado Artist & Designer 4 genomics Award in bil nominiran za priznanje rotterdam Design Award.

WWW.MAttHIjsMunnIk.nL

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MAttHIjs MunnIk

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radio aporee

Maps sPLetnI Projekt

rADIo APoree radio aporee je projekt in platforma za umetniško raziskovanje konceptov in praks, povezanih z zvokom, prostorom in prostorskimi pogoji. nudi orodja in tehnike za interakcijo z dejanskimi okolji, tako v realnih in virtualnih prostorih kot med njimi.

Predlaga, da s poslušanjem obogatimo in okrepimo doživljanje in dojemanje sveta okoli nas. radio aporee ::: maps je eden glavnih dolgoročnih projektov radia aporee. je kartografija zvokov iz vsega sveta. vsebuje več tisoč terenskih posnetkov iz številnih urbanih, podeželskih in naravnih okolij ter javnih in zasebnih prostorov. zvočni zemljevid uporabljajo in dopolnjujejo posamezniki, umetniki ter institucije v različnih kontekstih in raznovrstnih konfiguracijah. Ponazarja slušno zapletenost našega sveta ter različna z zvokom, prostorom in kraji povezana dojemanja in umetniške perspektive tistih, ki projektu prispevajo lastne posnetke. radio aporee je ustanovil medijski umetnik udo noll (roj. 1966), ki ga tudi vzdržuje in aktivno razvija. Živi in dela v berlinu in kölnu v nemčiji.

Diplomiral je kot aplikativni znanstvenik/inženir fotografije, filma in medijske tehnologije na univerzi v kölnu. kot umetnik in medijski profesionalec je sodeloval pri številnih mednarodnih projektih in razstavah.

APoree.org/APoree.HtML

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rADIo APoree

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roberto Pugliese

spremenljivo ravnovesje zvoÄ?nA InstALAcIjA, 2011

PIXXELPOINT 13 to delo raziskuje obstoj Larsenovega učinka oziroma mikrofonije s pomočjo mobilnih naprav v tridimenzionalnem prostoru. značilno piskanje Larsenovega učinka se pojavi, kadar mikrofon ujame zvok, ki ga oddaja zvočnik. nastane, kadar se mikrofon nahaja preblizu zvočnika in ujame njegovo frekvenco. Mikrofon jača in reproducira zvočnikovo frekvenco z vse večjo širino, ki je v teoriji neskončna, v praksi pa jo ustavi zmogljivost ojačevalca. na dvignjeni površini se nahajata dve mehanični roki. na koncu ene roke je mikrofon, na koncu druge pa zvočnik. Posebej v ta namen spisana programska oprema dinamično spreminja položaj rok in onemogoča, da bi zaradi oddaljenosti mikrofona in zvočnika ojačevalec prišel do vrha svojih zmogljivosti. na ta način sistem doseže ravnotežje, ki ga je fizično nemogoče doseči. trud za ohranitev ravnotežja ustvari akustično in vizualno razsežnost, ki ni nikoli enaka: frekvenca mikrofonije in gibanje mehaničnih rok nista nikoli enaki in se v realnem času spreminjata. v naravi pojav mikrofonije pomeni sposobnost samoregulacije sistema, ki upošteva učinke določenih sprememb na njegove značilnosti, nekaj kar doživljajo vsa živa bitja. Projekt vpelje ta pojav v svet kibernetike s pomočjo zvoka. zvok naredi vse gibe zelo harmonične in naravne. Mehanski roki se gibata podobno kot pri živih bitjih, na primer kot pri živalih, ki se tepeta ali si dvorita. sistem se spremeni v biomehanski organizem, ki oživi in se odziva na zunanje dražljaje. zahvaljujemo se inženirju Walterju Puglieseju za tehnični doprinos pri nastajanju dela.

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roberto PugLIese roberto Pugliese se je rodil leta 1982 v neaplju, kjer še vedno živi in dela. Po magisteriju iz elektronske glasbe na konservatoriju san Pietro a Majella v neaplju pri Agostinu di scipiu posveča svoj čas predavanjem na isti instituciji (Laboratorij digitalne glasbe in laboratorij elektroakustike), igranju glasbe in postavljanju zvočnih instalacij. zvočne instalacije in skulpture razvija od leta 2007 ter razstavlja v Italiji in po svetu (v teksasu, new yorku, berlinu, karlsruheu, Madridu, Milanu, benetkah, veroni, rimu, neaplju ...). njegove raziskave se napajajo iz dveh umetniških tokov, iz zvočne umetnosti ter kinetične in programirane umetnosti. Izdeluje računalniško vodena mehanska orodja, ki interagirajo med seboj, s svojim okoljem in z opazovalcem. s tem raziskuje nova področja zvočnih fenomenov, analizira procese, s katerimi človeška psiha razlikuje naravne in umetne strukture (tako akustične kot vizualne), raziskuje odnos med človekom in tehnologijo ter odnos med tehnologijo in umetnostjo. Pri tem pri svojih delih ne pozablja na likovni vidik. zvok tako postane proučevani objekt ter medij za akustično in vizualno izražanje, vitalna energija, ki oživi neživo, vodič, ki analizira in stimulira človeško psiho in zaznavanje.

WWW.robertoPugLIese.coM

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semiconductor

20Hz HD vIDeo, 2011

seMIconDuctor Prva produkcija Arts santa Monica & Lighthouse uk s podporo british councila. zvočni podatki pridobljeni s pomočjo cArIsMe (canadian Array for real time Investigations of Magnetic Activity), ki jo upravlja univerza v Alberti in financira kanadska vesoljska agencija. Posebna zahvala Andyju kaleu.

Projekt 20Hz opazuje geomagnetno nevihto v zgornjem delu zemljine atmosfere. zvočno interpretirane podatke prihajajočega solarnega vetra, zajete pri frekvenci 20 Hz, zbrane iz mreže magnetomerov cArIsMA, slišimo kot ščebetanje in hrumenje. zvok neposredno oblikuje oprijemljive skulpture, ki spominjajo na znanstvene vizualizacije. z zvočno in vidno interakcijo različnih frekvenc se pojavijo zapleteni vzorci, interferenčni pojavi, ki raziskujejo meje našega dojemanja. tehnika: cg animacija, ustvarjena s pomočjo namenskega računalniškega algoritma, ki ustvarja oblike neposredno iz zvoka. umetniški dvojec semiconductor sta ruth jarman in joe gerhardt, ki prihajata iz združenega kraljestva. s pomočjo gibljive slike, zvoka in multimedijskih instalacij raziskujeta materialno naravo našega sveta in naše dojemanje le-tega, obenem pa se sprašujeta o našem mestu v vesolju. zaradi njunega edinstvenega pristopa sta osvojila številne nagrade in prestižne štipendije, na primer gulbenkian galapagos, smithsonian Artists research in nAsA space sciences. njuna dela najdemo v številnih mednarodnih javnih zbirkah in na razstavah 57

PIXXELPOINT 13 po vsem svetu, med drugim na beneškem bienalu, v the royal Academy, Hirshhorn Museum and sculpture gardenu, na bbc-ju, v centru Pompidou in v exploratoriumu.

WWW.seMIconDuctorFILMs.coM

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seMIconDuctor

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signal to noise

sonophore InterAktIvnA zvočnA InstALAcIjA, 2010

sonoPHore sonophore v latinščini pomeni »nosilec zvoka«.

Instalacija raziskuje zmožnost magnetnega traku za nošenje in prenašanje zvočnih informacij. obiskovalec nosi interaktivni uporabniški vmesnik, s katerim prebira zapise na stotinah odsekov magnetnih trakov, ki se raztezajo po notranjosti stavbe. ko javnost raziskuje prostor, predvaja in manipulira vnaprej posnete zvoke v tej zvočno zanimivi interaktivni zvočni instalaciji. signal to noise je skupen umetniški projekt v brightonu živečih avdiovizualnih umetnikov oliverja Wilshena in nialla Quinna. Interaktivne instalacije razvijata od leta 2009. v zadnjih treh letih razstavljata tako doma kot po svetu, med drugim v Londonu, seattlu in Münchnu. Primeri njunih del so bili pred kratkim vključeni v knjigo A touch of code: Interactive Installations & experiences roberta klantena, ki jo je leta 2011 objavil gestalten. Leta 2012 je na japonskem festivalu medijske umetnosti (japan Media Arts Festival) žirija nagradila njuno delo (jury selection Work). Do sedaj sta raziskovala kreativni potencial zastarelih medijskih tehnologij in se trenutno osredotočata na magnetni trak. oliver Wilshen je diplomiral iz umetnosti in oblikovanja na univerzi West of england (2002) ter iz glasbe in vizualne umetnost iz odliko na univerzi v brightonu (2006–2009). niall Quinn je študiral umetnost na Westminster kingsway colledge v Londonu (2005) in diplomiral iz glasbe in vizualne umetnosti z odliko na univerzi v brightonu (2006–2009).

WWW.sIgnAL-to-noIse.co.uk 61

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studio nomad

kakofonija zvočnA InstALAcIjA, 2011

stuDIo noMAD ta zvočna instalacija prikazuje možne težave pri pretoku informacij. skuša prikazati, kaj se zgodi, če nekaj napačno slišimo, manko informacij in družbene težave, ki iz tega izhajajo. načrt dela je jasen in ima jasno strukturo. uporaba analogne tehnologije in izogibanje zapletenosti povečata ekspresivnost instalacije. Po prižigu »walkmana« se trak začne premikati. vsak »walkman« predvaja zvok z istega traku na različni točki. zvok je isti, harmonije pa kaotične. točke branja traku med seboj niso enakomerno oddaljene. nekateri »walkmani« so glasnejši, drugi tišji, zato harmonije niso homogene. če se »walkmanom« približate, jasno slišite, kdaj se posnetek ponovi. Avtorji: András Pongor, soma Pongor, David tarcali. studio nomad tvori skupina prijateljev.

Poznajo se že dolgo, sodelovali so pri številnih kreativnih projektih in spoznali, da drug drugega dopolnjujejo in navdihujejo. Po daljšem projektu konec leta 2011 so ugotovili, da je pomembno imeti identiteto, skupno pot, ki jih vodi med oblikovanjem, kakršnokoli že to je. zanima jih več različnih področij in njihov cilj je sodelovati na različnih ustvarjalnih projektih, pa naj gre za fotografijo, grafiko, video ali instalacije. stuDIo-noMAD.tuMbLr.coM

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Michele spanghero

Poslušanje je smiselno zvočnA skuLPturA, 2012

PIXXELPOINT 13 Pri zvočni skulpturi Poslušanje je smiselno leseni tramovi služijo kot vektorji za prenos zvočnih vibracij, ki jih v realnem času proizvaja programska oprema. vibracije se širijo po lesu s pomočjo taktilnega pretvornika – zvočnika, ki spremeni zvočni signal v mehansko vibracijo, ki se širi ob kontaktu s snovjo. ta pretvornik je nameščen na težišče strukture, da se zvok lahko širi po tramovih ter spreminja frekvence in dinamiko glede na različne lastnosti lesa, ki filtrira in naravno absorbira zvočne valove v njem. Instalacijo torej lahko poslušamo samo tako, da se fizično dotaknemo resonančnega medija – da uho prislonimo na les. Plastičnost strukture tramov se torej ne zaključuje s skulpturalnega vidika oblikovanja snovi in prostora, ampak ta postane medij za prenos zvoka. Šele poslušanje je tisto, kar celotni skulpturi daje smisel.

Michele spanghero se je rodil v gorici v Italiji leta 1979. na univerzi v trstu je diplomiral iz moderne literature in sodeloval na delavnicah o elektronski glasbi, glasbenem oblikovanju in delanju videa. Pri tem skuša poiskati naravno sintezo (ne sinestetično) med oblikami izražanja zvoka in vizualno umetnostjo. raziskuje predvsem akustično umetnost tako v obliki glasbe (igra kontrabas) kot zvočne umetnosti, obenem pa tudi vizualno eksperimentira s fotografijo. njegov metodološki pristop je posredno, nepretrgano opazovanje mej medijev: navadno začne z zvokom, nato se njegovo delo prelevi v vizualno umetnost, da bi raziskal in preizkusil nov semantični sistem prej obstoječe stvari.

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MIcHeLe sPAngHero razstavljal in nastopal je v različnih mednarodnih kontekstih, kot so muzeji, galerije, klubi in festivali v Italiji, Franciji, Švici, sloveniji, Avstriji, nemčiji, na Danskem, češkem, nizozemskem, Poljskem, v Litvi, Latviji, estoniji in zDA. Leta 2008 je sodeloval na enomesečnem rezidenčnem programu na Moksu v Moosteju v estoniji. Pred kratkim je prejel priznanji ettore Fico in Icona. njegova dela so umeščena v javne in zasebne zbirke. njegove plošče so izšle pri številnih založbah, kot so Palomar records, gruenrekorder in MiraLoop.

WWW.MIcHeLesPAngHero.coM

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ŽIvLjenje v vAkuuMu

tao g. vrhovec sambolec

trden zvok InstALAcIjA, 2010

tAo g. vrHovec sAMboLec Po več generacijah življenja na Luni se bo človeštvo prilagodilo na odsotnost atmosfere in kisika.

Mutirana človeška bitja bodo sposobna živeti v vakuumu. njihovi organi se bodo spremenili in dihanje ne bo več življenjsko potrebno. ker v vakuumu ni zvoka, bodo živeli v popolni tišini. ne bodo se pogovarjali, temveč bodo komunicirali na nam danes nepredstavljiv način. Pojava širjenja zvoka po zraku, ki je bil tako pomemben za komunikacijo, razvoj jezika in identitete jaza, Drugega in okolja na zemlji, na Luni ne bo. namesto tega bo zvok na Luni ujet v vibracije trdnih predmetov in stvari, zato bodo meje teh vibrirajočih stvari predstavljale mejo širjenja zvoka. če bodo ljudje na Luni hoteli izkusiti občutek zvoka, kot ga slišimo na zemlji, bodo morali s posnetim ali radijsko prenešenim zvokom zavibrirati svoje lobanje. uporabili bodo majhne vibrirajoče pretvornike, v katere bodo ugriznili kot v liziko, da se bo zvok lahko prenašal iz pretvornika preko zob in lobanje v notranje uho. njihova usta se bodo spremenila v slušni organ in njihove glave bodo postale vibrirajoči zvočniki, s pomočjo katerih bodo slišali. tej napravi bodo rekli teethphones™.

Poslušanje kateregakoli posnetega zvoka iz daljne preteklosti bo zanje ustvarilo mentalno povezavo z zemeljskimi predniki – povezavo z izgubljeno dimenzijo življenja, ki jih je tako močno oblikovala. njihov odnos do posnetih zvokov z zemlje in človeškega glasu bo podoben našemu zdajšnjemu odnosu do Lune. ti zvoki bodo zanje obstajali daleč v prostoru in času, a bodo hkrati zaznani kot bližnji, več kot bližnji – saj se bodo pojavili samo v posameznikovi 73

PIXXELPOINT 13 glavi kot zvočne vibracije njegove lobanje. ta odnos do zvoka bo ustvaril intimno in nostalgično vez med ljudmi na Luni in dihom življenja, kakršnega poznamo danes. služil jim bo kot zvočni zapis spomina, obenem pa tudi kot sredstvo za mitične interpretacije njihovih zemeljskih korenin. tao g. vrhovec sambolec (sI/nL) je umetnik in glasbenik, ki se v svojih postavitvah ukvarja z nevidnimi efemernimi pojavi ter idejo prostora. njegova umetniška praksa je poetično raziskovanje razmerij med prehodnimi in časovnimi tokovi – kot so zvočni in vremenski pojavi – ter njihovimi naselitvami v arhitekturnih in socialnih prostorih. v njegovih instalacijah je arhitektura občutljiva do svojega neposrednega efemernega okolja; sočasno pa je z ustvarjanjem situacij, v katerih je vzpostavljen obrat med zunaj in znotraj, nepredvidljivim in konstruiranim, stalnim in začasnim, časom in prostorom, okrepljena časovna dimenzija arhitekture. njegovo delo obsega interdisciplinarne instalacije, instalacije mešanih medijev, zvočne intervencije in elektroakustično glasbo. razstavljal in nastopal je v številnih galerijah, muzejih in glasbenih festivalih po evropi (galerija kapelica – Ljubljana, galerija Škuc – Ljubljana, Moderna galerija – Ljubljana, Public space With a roof gallery – Amsterdam, Ars electronica – Linz, Madrid Abierto – Madrid, sonic Acts Festival – Amsterdam, Av Festival – newcastle upon tyne, cMMAs – Morelia, Mehika…).

WWW.tAogvs.org WWW.reALItysounDtrAck.org 74

tAo g. vrHovec sAMboLec

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jana Winderen

sušenje na soncu InstALAcIjA, 2010

jAnA WInDeren Akustično okolje oceanov je bistvenega pomena za življenje morskih bitij. naj gre za zvok hranjenja morskega ježka, paritveni klic samca polenovke, zvok vahnje, ki brani svoje ozemlje, ali zvok raka strelca, ki omami svoj plen, voda učinkovito prenaša zvočne valove. zvok v vodi potuje skoraj petkrat hitreje kot po zraku – hitrost je odvisna od tlaka, slanosti, tokov in temperature. Morska bitja uporabljajo zvok za komunikacijo, iskanje partnerja, lov in orientacijo. zvočne krajine nam omogočajo tridimenzionalen topografski »pogled« na njihov svet. ko vrsta izumre, izumre tudi njen zvočni odtis, ne da bi sploh vedeli, da so ta bitja kdaj obstajala, še preden smo doumeli njih ali njihovo okolje. zvočno delo sušenje na soncu sestavljajo posnetki iz vode in z obal v okolici Ljudkullena, narejeni julija 2011, ter posnetki polenovk, vahenj, rakov in sladkovodnih nevretenčarjev s krajev blizu Ljudkullena in daleč stran v morju.

Posneto s hidrofonom reson tc 4032 in tremi hidrofoni DPA 8011 na snemalnik s trdim diskom sound Devices 477t.

IzjAvA uMetnIce »všeč mi je nematerialnost dela z zvokom in njegova odprtost za asociativne in neposredne izkušnje ter čutno zaznavanje. Iščem zvoke iz nevidnih virov, npr. s terenskim snemanjem na slepo. v preteklih sedmih letih sem zbrala s hidrofoni narejene posnetke iz rek, z obal in iz oceanov v Aziji, evropi in Ameriki ter iz ledenikov na grenlandiji, Islandiji in na norveškem. v globini oceanov so nevidne, a slišne zvočne krajine. o njih večinoma ne vemo ničesar, 77

PIXXELPOINT 13 čeprav oceani pokrivajo 70 % našega planeta. eksperimentiram tudi z različnimi tipi mikrofonov, da bi zbrala zvoke, ki niso takoj prepoznavni, temveč dajejo prostor širšemu, bolj domišljijskemu doživljanju, ali zvoke, ki jih človeški čuti ne dosežejo, na primer ultrazvok. z njimi ustvarjam kompozicije v živo ali instalacije, trenutno tudi za film, radio, cD, glasbene kasete in gramofonske plošče«. jana Winderen raziskuje skrite globine s pomočjo najnovejše tehnologije; njeno delo odkriva zapletenost in nenavadnost nevidnega sveta. na dan prideta zvočna topografija oceanov in globina ledeniških razpok. ukvarja se z iskanjem in razkrivanjem zvokov iz skritih virov, kot je terensko snemanje na slepo. jana Winderen je likovna umetnica z diplomo goldsmiths colledgea v Londonu ter z diplomo iz matematike in kemije z univerze v oslu. od leta 1993 dela kot umetnica, kustosinja in producentka. trenutno živi in dela v oslu na norveškem.

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Color

Funkabit

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Color Iz preverjene ekipe Nano Records, ki jo vodi sam Master Spiller, silovito in z železnimi gramofonskimi iglami prihaja talentirani deček iz Trsta. Potem, ko je svoja najstniška leta preživel med ploščami, gramofoni in kopico glasbe, sta ga strast in predanost vodila po poteh in stan poteh po vsej Italiji. Ni le zmagal na italijanskem prvenstvu in bil okronan za "najboljšega turntablista leta", temveč se je znašel v družbi najboljših skrečerjev (bil je četrti v svetovnem finalu v Pragi leta 2004).

Njegov hip hop se staplja z religijo in elektro je edini naravni izid tega - pripravite se na skreče, natančnejše kot kirurški rezi, in udarne base, zaradi katerih se boste stopili kot maslo.

Funkabit Za imenom Funkabit se skriva glasbenik in DJ Simone Coccato. Ko ga je leta 2006 neustavljiva strast do house glasbe vodila do začetkov glasbene kariere, je začel delovati v duetu in prvič uporabljati ime Funkabit. Ko se je leta 2007 zaradi dela sodelovanje v duetu končalo, je podpisal pogodbo z bolonjsko založbo Mozzarella Recordings Francesca Brinija.

Njegova glasba je navdihnjena s francoskim house-om 90-ih, house-om iz Detroita, z brezčasnim funk-om iz 70-ih ter s sodobno plesno glasbo. Uporablja zvoke in ritmične vzorce iz bližnje preteklosti, ukradene s starih plošč. Te na novo združuje ter tako ustvarja dela, s katerimi razmiga plesišča.

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Alberto Novello & Paolo Pascolo hBar

JesterN – živa elektronika, procesiranje, vizualije, Paolo Pascolo – flavta

hBar Projekt hBar navdihujejo verjetnostni zakoni kvantne mehanike, ki so jih odkrivali fiziki v prvi polovici preteklega stoletja in z njimi pojasnjevali zagonetke paradoksov naše fizične stvarnosti.

Eden teh paradoksov je narava energije, ki včasih narašča v jasno ločenih skokih, spet drugič pa se zdi, da so spremembe popolnoma zvezne. Ta temeljni vidik našega razumevanja fizičnega sveta je sprožal debate in špekulacije že vse od časov antičnih grških filozofov. Zvok, ki je sam po sebi energija, lahko upravljamo tako, da raziskujemo gradiente med zveznim in ločenim, prenašajoč energetske paradokse v zvočno metaforo.

Sinusoide flavte in ločene kvantne stopnje digitalnega računalniškega zvoka se soočajo in stapljajo v delu hBar. Raziskujejo pretanjene meje med kontinuiteto in diskontinuiteto, med analognim in digitalnim, med slišnim in neslišnim, med resničnostjo in fikcijo. Računalnik deluje kot podpornik flavti in kot njen antagonist: njegov zvok postopoma mutira, prekriva izvorni zvok flavte z mnoštvom digitalnih klonov, pusti flavti, da se včasih njen zvok povzpne nad računalniško ustvarjenega in ga nato spet potopi v zvok digitalnega trušča. hBar je živo, elektronsko delo, v katerem glasbena dejanja flavte vplivajo na video in zvočne reakcije računalnika po verjetnostnih načelih kvantne mehanike in Heisenbergovega principa nedoločljivosti.

Alberto Novello oziroma JesterN je znanstvenik, skladatelj, zvočni in vizualni umetnik, rojen v Vidmu leta 1977. V mladosti je

Pixxelmusic študiral klavir in kontrabas na konservatoriju za glasbo v Vidmu ter igral električni bas s številnimi italijanskimi skupinami. Leta 2002 je diplomiral iz fizike na tržaški univerzi in nato leta 2004 združil svojo strast do glasbenega eksperimentiranja in znanosti z magisterijem iz umetnosti, znanosti in tehnologije na Nacionalnem politehniškem inštitutu v Granadi (Španija) pod mentorstvom J. C. Risseta, J. B. Barrierea in C. Cadoza. Od leta 2004 do 2006 je predaval elektronsko glasbeno kompozicijo na konservatoriju Ghedini v italijanski provinci Cuneo.

Od leta 2004 do 2009 je delal v centru Philips Research v Eindhovnu (Nizozemska) na področju zaznavanja in priklica glasbe ter spisal številne publikacije za mednarodne konference in revije. Leta 2009 je doktoriral na tehnični univerzi v Eindhovnu pri A. Kohlrauschu. Leta 2012 je diplomiral iz skladanja elektroakustične glasbe na inštitutu za sonologijo kraljevega konservatorija v Haagu pod mentorstvom P. Berga, J. Ryana in R. Barreta. Od leta 2004 je ustvaril številna elektronska avdiovizualna dela, ki so bila prikazana v mnogih državah.

Paolo Pascolo igra flavto in saksofon na področju eksperimentalne in improvizirane glasbe od leta 2003. Sodeloval je z glasbeniki, kot so Giancarlo Schiaffini, Giorgio Pacorig, Giovanni Maier, Tristan Honsinger, Phil Minton, John Paul Jones, Takehishe Kosugi, Kawabata Makoto, Hartmut Geerken, Saadet Turkoz, Daniele D’Agaro, Piero Bittolo Bon, Enrico Sartori, Stefano Giust, Alberto Novello oz. JesterN, 86

hBar Maurizio Abate, David Vanzan, Virginia Genta, Bruno Romani, in skupinami, kot so Improvvirus Sound Experience, Warrior Charge Soundsystem, Asabikeshiinh in Ronin (za glasbeno podlago filma Vogliamo anche le rose Aline Marrazzi leta 2008). Igra v kolektivu Orchestra Senza Confini, ki je bil leta 2011 pod taktirko Evana Parkerja, leta 2012 pa pod taktirko Zlatka Kaučiča, Giovannija Maierja in Johannesa Bauerja.

Albume je izdal pri založbah Palomar Records, Dobialabel, Qbico, Troglosound, Setola di Maiale in Ghost Records.

Igral je na jazz festivalih in koncertih v Italiji, Sloveniji, Franciji, Belgiji, Angliji, Nemčiji, Srbiji, na Nizozemskem, Hrvaškem, Švedskem, Danskem in Finskem, improviziral je v elektroakustičnih skupinah, kot so DevilMan (Palomar Records), Res_eT in hBar (Dobialabel), Phophonix Orchestra, Neokarma Jooklo (Troglosound & Qbico), Dob Orchestra (Palomar Records) in Aghe Clope (Setola di Maiale).

Sodeloval je tudi na področju gledališča z Mattatoioscenicom (CPT 70 % D’Acqua, v finalu izbora za nagrado Scenario 2007), Tristanom Honsingerjem (Abbastanza, 2008), Paolom Fagiolom (Through Hate and Anger, 2009) in plesno skupino Merce Cunningham (Nearly Ninety, 2010).

Je direktor kulturnega središča Dobialab in projekta medkulturnih izmenjav Live – Musiche di Sconfine.

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Lyno-Leum

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Lyno-Leum Po končani družboslovno-pedagoški srednji šoli in študiju filma se je Lyno-Leum začel udeleževati številnih delavnic o video tehnikah in komunikaciji po Evropi. Imel je srečo, da je spoznal in se lahko učil od srbskega filmarja Želimirja Žilnika. Na začetku svoje ustvarjalne poti je za svoje filme in dokumentarce prejel nagrade na tržaškem filmskem festivalu Alpe Adria in na festivalu DORF na Hrvaškem.

Kot ustvarjalec avdio-vizualnih in grafičnih vsebin je delal tudi pri projektih podjetij, kot so Mobitel, MTV Adria, Springfestival, CMA Astoria, Carnival Party, CEI Youth Orchestra, Tenda per la Pace e i Diritti, United World College.

Kot mentor ali predavatelj je sodeloval z organizacijami DZMP – Luksuz Produkcija, Oddelkom za antrologijo in etnologijo Univerze v Ljubljani, Alademskim filmskim centrom iz Beograda, Mondo 200 in s številnimi šolami v Furlaniji-Julijski krajini. Od leta 2006 dela kot video performer in VJ. Nastopil je na festivalih in prizoriščih, kot so Urban Art Forms – Wiesen, Flex – Dunaj, Stazione di Topolò – Topolò, K4 – Ljubljana, Kulturhalle Dampfzentrale – Bern, Loophole – Berlin ... Nastopal je skupaj z glasbeniki Booka Shade, Deadbeat, Princess Superstar, Aphrodite, Martin Buttrich in Anja Schneider.

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Moullinex

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Moullinex Če ima vsa dobra glasba kaj skupnega, je to gotovo njena zmožnost preseganja meja med različnimi žanri, plesišči ter kavči, vinilnimi ploščami in posnetki iz YouTubea. Prihaja Moullinex, Lizbončan in Minhenčan oziroma Luis Clara Gomes, po rodu iz majhnega podeželskega mesta na Portugalskem. V otroštvu je bil obkrožen z glasbo in glasbeniki in že od mladih let je bil odločno na poti iskanja svojega lastnega zvoka. Ta se ne podreja nobeni specifični sceni ali posameznemu žanru, a vseeno kot izhodišče jemlje udobje, ki ga čuti ob disco in house glasbi. Skupna značilnost njegovega glasbenega ustvarjanja so skrbno izdelane melodije, veliko človeške topline v glasbi hladnih elektronskih naprav, nepretenciozne linije sintetizatorjev, otožne kitare, osupljive bas linije in ritem, ki spominja na ne tako davno preteklost zvoka plesišč.

Luis pogosto sodeluje s prijatelji – pravzaprav je za večino električnega basa v njegovih skladbah odgovoren vsestranski Luis Calçada (tako je, še en Luis), za kitare pa običajno poskrbi Bruno Cardoso, ustvarjalec, ki ga bolje poznamo pod imenom Xinobi. Medtem ko je bilo Luisovo delo hvaljeno tako s strani stanovskih kolegov, kritikov in oboževalcev po vsem svetu, po tem, ko je remiksal dela glasbenikov, kot so Cut Copy, Sebastien Tellier, Two Door Cinema Club (seznam se kar ne neha ...) in sodeloval s Peaches za disko-delično preobrazbo klasičnega komada Maniac, je uspel najti še čas, da je s Xinobijem soustanovil založbo 91

Pixxelmusic Discotexas, pri kateri skrbi za brezhibnost njenih izdaj. Vrh tega pa ima še rezidenco v enem najbolj vročih klubov v Evropi – lizbonskem Luxu. Leta 2012 je ustanovil še Discotexas Band, hišni band založbe, ki spominja na stare čase soul ter R&B zasedb iz časa Motowna, v katerem Moullinex, Xinobi in Da Chick igrajo svoje skladbe in skladbe svoje založbe. A to še ni vse, za glasbene videe Moullinexa sta odgovorna kar oba Luisa in njune izdelke vsepovsod hvalijo zaradi ustvarjalne uporabe najsodobnejše tehnologije.

WWW.MOULLINEX.COM

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Munk

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Pixxelmusic Munk je projekt Mathiasa Modice, enega od ustanoviteljev znane nemške založbe GOMMA, ki ima pod svojim okriljem WhoMadeWho, The Phenomenal Handclap Band, Mercury in Moulinex. NME jo opisuje kot »vodilno indie house in avant-pop založbo v Nemčiji ... nemški odgovor na DFA«. Ena najslavnejših Munkovih skladb je Kick out the chairs!, pri kateri je za mikrofonom stari Munkov oboževalec James Murphy iz LCD Soundsystema.

Novi Munkov album The Bird and the Beat je bil izdan spomladi 2011 in prejel neverjeten odziv tako na mednarodni sceni (londonski DJ MAG je o njem objavil štiri strani dolg članek, sledile pa so še druge revije) kot med DJ-i, od Busy P-ja do Shit Robota. Erol Alkan je več mesecev vrtel La Musico v skoraj vsakem setu, skladbo pa sta izpostavila tudi Toddla T z BBC Radia One in Mary Anne Hobbs. Skladba je bila ponovno izdana na kompilacijah založbe Kitsune, Bugged Outa, na CD-ju skupine Friendly Fires ter številnih drugih CD-jih. Celo Karl Lagefeld je uporabil La Musico kot podlago za Chanelove revije leta 2011. Tudi Surface to Air in Wood Wood sta sodelovala z Munkom.

Junija 2011 je bil ustanovljen tudi nov Munk Live Band. Dve dekleti iz New Yorka za mikrofonom in na kitari, italijanski super bobnar, Mathias na klaviaturah ter vizualije.

WWW.GOMMA.DE/MUNK

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PIxxeLPoInt 13

ArtOpenSpace

PROVINZIA DI GORIZIA

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PIXXELPOINT 13 Pixxelpoint 2012 – 13. mednarodni festival novomedijske umetnosti nova gorica / gorica, 7.–14. 12. 2012

tisk uAb PrInt-It, gargzdai, Lithuania naklada 500

organizacija festivala kulturni dom nova gorica kuratorski tim Aljoša Abrahamsberg, Marko Peljhan vodja projekta Pavla jarc koordinator projekta Aljoša Abrahamsberg, Mateja Poljšak Furlan tehnični vodja tadej Hrovat gaffer in key grip Marko Marovt

nova gorica, december 2012

katalog izdal kulturni dom nova gorica zanj Pavla jarc Avtorji besedil Aljoša Abrahamsberg, Marko Peljhan ureditev kataloga Aljoša Abrahamsberg, Marko Peljhan, uroš veber, Pavla jarc, Mateja Poljšak Furlan Lektoriranje Ana cukijati Prevodi teja krašna (ang), tina Arnaut in Dea blažko (ita) oblikovanje Žiga testen

cIP - kataložni zapis o publikaciji narodna in univerzitetna knjižnica, Ljubljana 7:004.9(084) MeDnAroDnI festival novomedijske umetnosti (13 ; 2012 ; nova gorica / gorica) 333,7 Ms Pixxelpoint 13 : katalog / [13. mednarodni festival novomedijske umetnosti, nova gorica/gorica, 7.-14. 12.

2012 = 13th International new Media Art Festival, nova gorica/ gorizia, December 7th-14th 2012 = 13o festival internazionale di new media art, nova gorica/gorizia, 7-14/12/2012 ; avtorji besedil Aljoša Abrahamsberg, Marko Peljhan ; ureditev kataloga Aljoša Abrahamsberg ... [et al.] ; prevodi teja krašna (ang), tina Arnaut in Dea blažko (ita)]. - nova gorica : kulturni dom, 2012 Isbn 978-961-6783-11-8 1. gl. stv. nasl. 2. Abrahamsberg, Aljoša 264398592

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PIXXELPOINT 13 Pixxelpoint 2012 – 13th international new Media Art Festival nova gorica / gorizia, December 7th–14th 2012 Pixxelpoint 2012 – 13o festival internazionale di new media art nova gorica / gorizia, 7–14/12/2012 Festival organized by × organizzatori del festival Kulturni dom nova gorica curatorial team × curatori Aljoša Abrahamsberg, Marko Peljhan Festival manager × Direttrice del festival Pavla Jarc Project coordinator × coordinatore del progetto Aljoša Abrahamsberg, Mateja Poljšak Furlan technical director × Direttore tecnico tadej Hrovat gaffer in Key grip Marko Marovt

catalogue edited by × catalogo a cura di Aljoša Abrahamsberg, Marko Peljhan, uroš veber, Pavla Jarc, Mateja Poljšak Furlan slovene language revision × revisione dei testi sloveni Ana cukijati translated by × traduzioni teja Krašna (eng. × inglese), tina Arnaut in Dea Blažko (ita. × italiano) Design × Design Žiga testen Print × stampa uAB Print-it, gargzdai, lithuania number of copies × numero di edizioni 500 nova gorica, December 2012 × nova gorica, dicembre 2012

catalogue issued by × catalogo pubblicato da Kulturni dom nova gorica represented by × rappresentato da Pavla Jarc texts written by × Autori dei testi Aljoša Abrahamsberg, Marko Peljhan

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Kitsune, Bugged Out, su CD del gruppo Friendly Fires e molti altri CD. Persino Karl Lagerfeld ha usato La Musica come sfondo per le sfilate di Chanell nell'anno 2011. Con Munk hanno collaborato anche Surface to Air e Wood Wood.

Nel giugno del 2011 è stato fondato anche il nuovo Munk Live Band. Due ragazze di New York al microfono e alla chitarra, l'italiano super bassista Mathias al pianoforte e alla visualizzazione.

to Air and Wood Wood made coops with Munk).

Since June 2011 there is also the new Munk Live Band. Two girls from NYC on mic and guitars, an Italian super drummer, Mathias on the keyboards and a visuals show.

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Munk Munk é il progetto di Mathias Modice, uno dei fondatori della celebre casa discografica GOMMA che si occupa anche di WhoMadeWho, di The Phenomenal Handclap Band, di Mercury e di Moulinex. NME la definisce come la "maggiore indie house e avant-pop casa discografica in Germania ... la risposta tedesca al DFA". Una delle più celebri canzoni di Munk è Kick out the chairs! nella quale dietro al microfono si trova il vecchio ammiratore di Munk, James Murphy di LCD Soundsystem.

Il nuovo album di Munk The Bird and the Beat è astato rilasciato nel 2011 e ha ricevuto un incredibile risultato cosi all'estero (il londinese DJ MAG ha pubblicato su di lui quattro pagine d'articolo al quale hanno seguito anche altre riviste) come anche tra i DJ da Busy P a Shit Robot. Erol Alkan ha usato per vari mesi la La Musica in quasi ogni suo set, la canzone è stata notata anche da Todd T con BBC Radio One e Mary Anne Hobbs. La canzone è stata nuovamente registata sulla compilazione della casa discografica

Munk

Munk is the project of Mathias Modica. One of the two guys behind – so much talked about – German label GOMMA. Label of WhoMadeWho, The Phenomenal Handclap Band, Mercury and Moulinex. Described by the NME as "the leading indie house and avant-pop label in Germany … the German answer to DFA. "In fact one of the most famous Munk songs is "Kick out the chairs!" wich features old Munk fan James Murphy of LCD Soundsystem on the mic.

The new Munk album "The Bird and the Beat" has been released in spring 2011 and got amazing feedback from the international press (London’s DJ MAG made a big 4 page story and others followed) and DJ’s from Busy P to Shit Robot. Erol Alkan played La Musica in nearly every set for months and on BBC Radio One Toddla T and Mary Ann Hobbs featured the song. The songs have been rereleased on compilations by Kitsune, Bugged Out, the friendly Fires Mix CD and many other CDs. Even Karl Lagefeld used La Musica as a soundtrack for his 2011 Chanel shows. And Surface

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occupa di solito Bruno Cardoso artista meglio noto sotto lo pseudonimo di Xnobi. Mentre il lavoro di Luis è stato elogiato sia da parte dei colleghi, dai critici e dagli ammiratori da tutto il mondo, dopo aver re-mixato brani di musicisti come Cut Copy, Sebastien Tellier, Two Door Cinema Club (e la lista non finisce qui...) e ha collaborato con Peaches per la discodelica rivisitazione del brano Maniac è riuscito a trovare anche il tempo di fondare con Xinobi la casa discografica Discotexas nella quale cura l'impeccabilità delle sue uscite. In fine possiede la residenza in uno dei club più esclusivi d'Europa – il Lux di Lisbona.

Nell'anno 2011 ha fondato la Discotexas Band. Il band della casa discografica che ricorda i vecchi tempi del soul e dell'R&B dei tempi di Motown nel quale Moullinex, Xinobi e Da Chick suonano i propri brani e quelli della casa discografica. Ma questo non è tutto, per i video musicali di Moullinex sono incaricati entrambi i Louis e le loro creazioni sono ammirate e apprezzate in tutto il mondo per l'uso creativo delle nuove tecnologie.

guitars are crafted by Bruno Cardoso, the creative force more commonly known as Xinobi. While seeing his work receive the acclaim of his peers, press and fans worldwide, with remixes for Cut Copy, Sebastien Tellier, Two Door Cinema Club (the list goes on and on...) and collaborating with Peaches for a disco-tastic rework of the classic track Maniac, Luis managed to find time to co-found the Discotexas imprint, together with Xinobi, now responsible for a flawless release catalog, along with a residency in one of the most sought-after clubs in Europe - Lux, Lisbon.

Started in 2012, The Discotexas Band is label’s very own in-house band, reminiscent of old Soul & R&B bands from the Motown era, where Moullinex, Xinobi & Da Chick perform the label’s tracks along with their own. If you think this is too much, wait: there’s more: the music videos for Moullinex are responsability of Luis Clara Gomes and Luis Calçada. They have been praised everywhere for the use of ground-breaking technology and creativity.

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Moullinex Se tutta la buona musica ha qualcosa in comune questo è senz'altro la capacità di oltrepassare i confini dei diversi stili, delle piste di ballo e dei divani, dei dischi di vinile e delle registrazioni da YouTube. Arriva Moullinex, un messicano da Lisbona o meglio Luis Clara Gomes, nato in un piccolo paesello a Portogallo. Durante la sua infanzia è stato circondato dalla musica a dai musicisti e già dalla più tenera età è stato in ricerca del proprio sound. La sua musica non è soggetta a nessun specifico stile o scena ma come base prende il conforto della musica disco e house. La caratteristica comune delle sue opere sono le opere curamente preparate, molto calore umano nei freddi dispositivi di musica elettronica, le non pretenziose linee dei sintetizzatori, le tristi chitarre, le incredibili linee e ritmi che ricordano le non cosi lontane piste di ballo.

Luis spesso collabora con gli amici – a dire la verità per la maggior parte delle sue creazioni si è occupato del basso elettronico il tutto fare Luis Calçada (ancora un altro Luis), delle chitarre si

Moullinex

If there is an underlying trait in all good music, it must be its ability to crush boundaries between genres, dancefloors and couches, twelve inches and YouTube clips. Enter Moullinex, Lisbon and Munich-based Luis Clara Gomes. Originally from a small countryside town in Portugal, he was surrounded by music and musicians during childhood and since an early age has been solely dedicated to the pursuit of his own sound, refusing to adhere to a specific genre or scene, but taking comfort in disco and house as a starting point. That being said, if there is a common trait between his productions, it must be the careful craft of melodies, a strong degree of human touch in machine based music, unpretentious synthesizers, desperate guitars, striking basslines, and beats reminiscing from a not so distant dancefloor past.

Luis often collaborates with friends - in fact, most of the electric bass you’ll hear in his productions is the responsability of renaissance man Luis Calçada (yes, another Luis), and the

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Dal 2006 lavora come video performer nel VJ e si è esibito in festival e locali come l'Urban Art Forms – Wiesen, il Flex – Vienna, la Stazione di Topolò – Topolò, il K4 – Lubiana, il Kulturhalle Dampfzentrale – Berna, il Loophole – Berlino ... Si è già esibito con artisti come Book Shade, Deadbeat, Princess Superstar, Aphrodite, Martin Buttrich e Anja Schneider.

Friuli Venezia Giulia (Italy). Since the beginning of 2006 he works as a live video performer and VJ. He has performed at venues and festivals such as: Urban Art Forms – Wiesen (AUT); Flex – Vienna (AUT); Stazione di Topolò – Topolò (ITA); K4 – Ljubljana (SLO); Kulturhalle Dampfzentrale – Bern (SWI); Loophole – Berlin (GER) and visualized audio- visual performance for musicians such as: Booka Shade, Deadbeat, Princess Superstar, Aphrodite, Martin Buttrich and Anja Schneider.

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Lyno-Leum Dopo aver concluso la scuola media sociologicopedagogica e lo studio del cinema all'Università del Lyno-Leumi ha iniziato a frequentare una serie di seminari sulle tecniche video e della comunicazione per tutta l'Europa. Così ha avuto anche la fortuna di incontrare e imparare dal regista serbo Želimir Žilnik. All'inizio della sua carriera artistica ha ricevuto per i suoi film e documentari vari premi al triestino Alpe Adria Film Festival e al Festival DORF della Croazia.

In qualità di produttore di contenuti audiovisivi e grafici ha lavorato anche su progetti delle compagnie come la Mobitel, l'MTV Adria, il SpringFestival, il CMA Astoria, il Carnival Party, il CEI Youth Orchestra, la Tenda per la Pace e i Diritti e il United World College.

In qualità di mentore o docente ha collaborato con organizzazioni come: il DZMP – Luksuz Produkcija, il Dipartimento di Antropologia ed Etnologia dell'Università di Lubiana, il Centero Accademico del Film a Belgrado, il Mondo 2000 e con innumerevoli scuole del Friuli-Venezia Giulia.

Lyno-Leum

After socio-pedagogical studies at high-school and filmmaking studies at the university Lyono-Leum started following several workshops about video-making techniques and communication across Europe. He had the luck to meet and learn from Serbian moviemaker Želimir Žilnik. In the early years of his course he has been awarded at the Trieste Alpe Adria Film Festival and Croatian DORF Film Festival for documentary and fiction films.

On the commercial level he has worked for clients such as Mobitel, MTV Adria, Springfestival, CMA Astoria, Carnival Party, CEI Youth Orchestra, Tenda per la Pace e i Diritti and United World College, producing audiovisual and graphic contents.

As a mentor or teacher he has collaborated with organizations and institutions such as: DZMP – Luksuz Produkcija, Faculty of Anthropology and Ethnology at the University of Ljubljana, Academic Film Center of Belgrade, Mondo 2000 and several schools in the region

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Turkoz, Daniele D’Agaro, Piero Bittolo Bon, Enrico Sartori, Stefano Giust, Alberto Novello aka JesterN, Maurizio Abate, David Vanzan, Virginia Genta, Bruno Romani e gruppi come Improvvirus Sound Experience, Warrior Charge Soundsystem, Asabikeshiinh e Ronin (per la colonna Sonora del film di Alina Marrazzi Vogliamo anche le rose 2008).

Suona nel colletivo d’improvvisazione Orchestra Senza Confini diretto da Evan Parker nel 2011 e da Zlatko Kavčič, Giovanni Maier e Johannes Bauer nel 2012. Ha pubblicazioni per Palomar Records, Dobialabel, Qbico, Troglosound, Setola di Maiale e Ghost Records. Ha suonato in festivals e concerti in Italia, Slovenia, Croazia, Belgio, Olanda, Francia, Svezia, Serbia, Danimarca, Finlandia, Inghilterra e Germania con I suoi gruppi di musica improvvisata ed elettroacustica DevilMan (Palomar Records), Res_eT and hBar (Dobialabel), Phophonix Orchestra, Neokarma Jooklo (Troglosound & Qbico), e con la compagnia di danza contemporanea Merce Cunningham Dance Company (Nearly Ninety 2010).

Stefano Giust, Alberto Novello aka JesterN, Maurizio Abate, David Vanzan, Virginia Genta, Bruno Romani and bands like Improvvirus Sound Experience, Warrior Charge Soundsystem, Asabikeshiinh and Ronin (for the soundtrack of Alina Marrazzi’s Vogliamo anche le rose 2008).

He plays in the collective Orchestra Senza Confini directed by Evan Parker in 2011 and by Zlatko Kavčič, Giovanni Maier and Johannes Bauer in 2012. He published records with Palomar Records, Dobialabel, Qbico, Troglosound, Setola di Maiale and Ghost Records. He played at jazz festivals and concerts in Italy, Slovenia, Croatia, Belgium, the Netherlands, France, Sweden, Serbia, Denmark, Finland, England and Germany, improvised and electroacoustic bands such as DevilMan (Palomar Records), Res_eT and hBar (Dobialabel), Phophonix Orchestra, Neokarma Jooklo (Troglosound & Qbico), and Merce Cunningham Dance Company (Nearly Ninety 2010). He is the cultural director of Dobialab Cultural Centre and of the intercultural exchange project Live – Musiche di Sconfine.

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Pixxelmusic

ble (Francia) sotto la direzione di C. Cadoz e J. C. Risset. Viene assunto dalla Philips di Eindhoven (Olanda) come ricercatore in percezione musicale, e contemporaneamente insegna Elaborazione dei Segnali Musicali al Conservatorio Ghedini di Cuneo, con S. Bassanese.

Nel 2009 riceve il titolo di PhD (Dottore di Ricerca) presso la Technische Universiteit di Eindhoven. Nel 2012 ottiene il master in composizione elletroacustica all'Istituto di Sonologia del Conservatorio Reale dell'Aja studiando con P. Berg, J. Ryan, and R. Barret. Dal 2009 lavora come freelancer, ed e' interessato principalmente a come rivoluzionare le pratiche performative audio-visive.

Dal 2004 ha prodotto diverse composizioni live electronics e installazioni multimediali.

electronic music composition at the Conservatory Ghedini of Cuneo from 2004 to 2006. From 2004 to 2009 he worked at Philips Research in Eindhoven (the Netherlands) in the field of Music Perception and Music Information Retrieval, writing several publications for international conferences and journals.

In 2009 he received a PhD at the Technische Universiteit Eindhoven (the Netherlands) under the mentorship of A. Kohlrausch. In 2012 he graduated in Electroacoustic Music Composition at the Institute of Sonology, Royal Conservatory of Den Haag, under P. Berg, J. Ryan, and R. Barret.

Since 2004 he produced several electronic audio visual pieces and performed internationally.

Paolo Pascolo is a flute and saxophone player active in the field of experimental and improvised music since 2003. He collaborated with musicians such Giancarlo Schiaffini, Giorgio Pacorig, Giovanni Maier, Tristan Honsinger, Phil Minton, John Paul Jones, Takehishe Kosugi, Kawabata Makoto, Hartmut Geerken, Saadet Turkoz, Daniele D’Agaro, Piero Bittolo Bon, Enrico Sartori,

Pixxelmusic

Paolo Pascolo e flautista e sassofonista attivo dal 2003 nel campo della musica improvvisata ed elettroacustica. Ha collaborato con musicisti come Giancarlo Schiaffini, Giorgio Pacorig, Giovanni Maier, Tristan Honsinger, Phil Minton, John Paul Jones, Takehishe Kosugi, Kawabata Makoto, Hartmut Geerken, Saadet

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tra la realtà e la finzione.

Il computer agisce sia come supporto del flauto traverso sia come suo antagonista : progressivamente mutando il suo suono durante I pezzi, nascondendo il flauto dietro molteplici effetti digitali, lasciondolo emergere dal suono digitalizzato finoa farlo dissolvere in un disturbato glitch noise. hBar è una composizione elettronica in cui le azioni musicali del flauto influenzano la generazione del video e le re-azioni sonore del computer, che è è preparato seguendo la probabilità della meccanica quantistica e il principio di indeterminazione di Heisenberg.

JesterN / Alberto Novello, e' uno scienziato e artista audiovisivo residente in Olanda. Dopo aver studiato pianoforte al Conservatorio Tomadini di Udine, si rende conto della limitazione imposta dallo spartito e decide di esperimentare strade piu' moderne suonando il basso in diverse formazioni friulane. Nel 2002 si laurea in Fisica all'Universita' di Trieste, e nel 2004 ottiene un master in Tecniche di Sintesi Sonora e Composizione Elettroacustica presso l'Instituto Nazionale Politecnico di Greno-

The computer acts both as the flute’s supporter and its antagonist: progressively mutating its sound through the piece, hiding the flute among a multiplicity of digital clones, letting it emerge from the digital medium at times just to bring it back into glitchy noisiness. hBar is alive – an electronic piece in which the flute’s musical actions influence video generation and sonic reactions of the computer, which are triggered according to the probabilities of quantum mechanics and Heisenberg’s uncertainty principle.

Alberto Novello a.k.a. JesterN is a scientist, composer, sound and video artist born in Udine (Italy) in 1977. In his youth, he studied piano and double bass at the Conservatory of Udine and played electric bass with several Italian bands. In 2002, he graduated from Physics at the University of Trieste (Italy). He then joined his passion for music experimentation and science, becoming a Master of Arts, Science and Technology at the Institut National Polytechnique of Grenoble (France) under the guidance of J.C. Risset, J.B. Barriere, and C. Cadoz in 2004. He taught

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hBar JasterN - live electronics, processing, visuals Paolo Pascolo - flauto hBar è stata ispirata dalle leggi probabilistiche della meccanica quantistica, sviluppata dai fisici nella prima metà del secolo scorso per risolvere I paradossi del nostro mondo fisico. Uno di questi paradossi riguarda la natura dell’energia, che alle volte sembra compiere salti discreti, altre volte movimenti continui Questo aspetto, per noi fondamentale a fini di capire il mondo della fisica, ha fatto nascere discussioni e speculazioni fin dai tempi antichi dei filosofi greci.

Il suono, essendo esso stesso energia, può essere manipolato per espolare I differenti gradienti tra il continuo e il discontinuo, trasponendo I paradossi riguardanti l’energia in una metafora Sonora. La sinuosità del flauto il quanta discontinuo del suono digitale del computer sono confrontati e fusi in hBar per esplorare il sottile limite tra la continuità e la discontinuità, tra l’analogico e il digitale, tra l’udibile e l’ inudibile,

hBar JesterN - live electronics, processing, visuals Paolo Pascolo - flute

hBar has been inspired by the probabilistic laws of quantum mechanics, conceived by a physicist in the first half of the last century to explain the puzzling paradoxes of our physical world. One of these paradoxes involves the nature of energy, which sometimes appears to make discrete jumps and at other times appears continuous.

This aspect, fundamental for our understanding of the physical world, has raised discussions and speculations since the era of ancient Greek philosophers.

Sound, being energy itself, can be manipulated to explore different gradients between discrete and continuous, transposing energetic paradoxes into a sonic metaphor.

Sinuosity of the flute and discrete digital computer sound quanta are confronted and fused in hBar to explore subtle limits between continuity and discontinuity, analogue and digital, audible and inaudible, reality and fiction.

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Pixxelmusic

Funkabit Dietro il nome Funkabit si cela il musicista e DJ Simone Coccato. Nel 2006, la passione irrefrenabile per la musica house lo ha spinto agli inizi della sua carriera musicale, cominciando con un duetto e utilizzando il nome Funkabit per la prima volta.

Quando nel 2007, per via del lavoro, la collaborazione con il duetto si è conclusa ha firmato con la casa discografica bolognese Mozzarella Recordings di Francesco Brini, noto anche come Frank Agrario, il batterista della band inglese Swayzak e membro del duo Pinktronix.

Attualmente con il collega Scuol Furan formano il Club Flamingo e lavorano in ambienti nazionali ed internazionali. La sua musica si ispira al house francese degli anni '90, al house di Detroit, al funky degli anni '70 e alla musica di danza moderna. Utilizza suoni e modelli ritmici del recente passato, rubati dai vecchi dischi in vinile che fonde insieme per creare opere che scuotono le piste da ballo.

Funkabit

Funkabit is the stage name of Dj and Producer Simone Coccato. In 2006 his overwhelming passion for house music led him to the beginning of his musical career by starting a duo and using his stage name Funkabit for the first time. Because of work-related reasons this collaboration ended in 2007, at which point Funkabit signed a contract that still blinds him to the Bologna label Mozzarella Recordings of Francesco Brini, stage name Frank Agrario, drummer and member of the brilant duo Pinktronix.

He is currently engaged in several projects with both international and Italian Djs and producers as part of a duo Club Flamingo along with the big Scuola Furano. His productions are influenced by French house from the 90s, house from Detroit, endless funk of the 70’s and contemporary dance music. He uses sounds and drums from the recent past as samples, stolen from old vinyl, and fits them properly together, creating pieces with the purpose of shaking up the dancefloor.

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Color Tranne che nel vuoto dello spazio e durante determinate condizioni meteorologiche negli estremi territori periferici come l'Artico, nell'Antartide e negli altopiani deserti, il suono è presente ovunque. In tutti gli altri luoghi sentiamo la mancanza del silenzio.

Dal team della Nano Records, al capo della quale troviamo lo stesso Maestro Spiller, con violenza e agi di grammofono arriva un ragazzo triestino di talento. Dopo aver trascorso la propria adolescenza tra i dischi, i giradischi e una miriade di canzoni la sua passione e dedizione per la musica lo hanno portato in lungo e in largo per tutta l'Italia. Non solo ha vinto il campionato italiano ed è stato incoronato "Miglior turntablist dell'anno" ma si è trovato anche in compagnia dei migliori scratcher (risultò quarto nella finale mondiale tenutasi a Praga nel 2004).

Qui l'hip hop si fonde con la religione e l'elettro è solo il risultato naturale – preparatevi ai scratcher più precisi dei tagli chirurgici e ai bassi prorompenti per via dei quali vi scioglierete come il burro.

Color

From the tried and true Nano Records squad, headed by Master Spiller himself, here comes this talented boy from Trieste, North-East of Italy, with fury and iron needles. After spending his teen years amongst vinyls, needles, turntables and a lot of music, he starts travelling highways and byways throughout Italy, with his passion and commitment as the only guide. Not only does he win the Italian championship and is crowned “Best Italian turntablist of the year”, but he also finds himsel famongst the world’s champion scratchers (4th at the world finals in Prague, 2004).

Hip hop meets religion here and electro is only the natural outcome: be ready for scratches better than a surgery cut and punchy basses that will melt you down like butter.

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Jana Winder esplora le profondità nascoste utilizzando le ultime tecnologie, il suo lavoro rivela la complessità e l’insolito mondo invisibile. Affiorano così la topografia degli oceani e le profondità dei crepacci glaciali. si occupa della ricerca e della divulgazione dei suoni provenienti da fonti nascoste, come la registrazione ad occhi chiusi.

Jana Winder è un artista con una laurea ottenuta al goldsmiths colledge a londra e con una laurea in matematica e chimica ottenuta presso l'università di oslo. Dal 1993 lavora come artista, curatore e produttore. Attualmente vive e lavora ad oslo in norvegia.

WWW.JAnAWinDeren.coM

since 1993 she has worked as an artist, curator and producer. she currently lives and works in oslo.

Jana Winderen researches the hidden depths with the latest technology; her work reveals the complexity and strangeness of the unseen world beneath. the audio topography of the oceans and the depth of ice crevasses is brought to the surface. she is concerned with finding and revealing sounds from hidden sources, like blind field recording.

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JAnA WinDeren

registrati con l’idrofono reson tc 4032 e con tre idrofoni DPA 8011 su registratore con HD sound Devices 477t.

Dichiarazione dell’artista: "Mi piace l'immaterialità del lavoro con il suono e la sua apertura per l'associazione e l’indiretta esperienza e la percezione sensoriale. cerco i suoni provenienti da fonti invisibili, come per esempio le registrazioni sul campo ad occhi chiusi. negli ultimi sette anni ho raccolto registrazioni fatte con l’idrofono nei fiumi, sulle coste e negli oceani dell’Asia, dell’europa e dell’America e dai ghiacciai in groenlandia, in islanda e in norvegia. nelle profondità del mare i paesaggi sonori sono invisibili ma udibili. Della maggior parte di loro non sappiamo nulla anche se gli oceani coprono il 70% del nostro pianeta. Faccio esperimenti con diversi tipi di microfoni per raccogliere i suoni che non sono immediatamente riconoscibili ma danno spazio ad un’esperienza più ampia, fantasiosa o suoni che non raggiungono i sensi umani, come gli ultrasuoni. con essi creo composizioni in tempo reale o d’impianti attualmente anche per film, radio, cD, musicassette e dischi in vinile".

Artist statement: "i like the immateriality of a sound work and the openness it can have for both associative and direct experience and sensory perception. i have been occupied with finding sounds from unseen sources of sound, like blind field recordings. over the last seven years i have collected hydrophone-assisted recordings, from rivers, shores and the ocean in Asia, europe and America, from glaciers in greenland, iceland and norway. in the depths of the oceans there are invisible but audible soundscapes, about which we are largely ignorant, although the oceans cover 70% of our planet. i am also experimenting with different types of microphones to collect sounds which are not obviously recognisable, but give room for broader, more imaginative readings or sounds that are unreachable for the human senses, as for example ultra-sound. i use these sounds as source material for composition in a live environment or to create installations, currently also for film, radio, cD, Mc and vinyl productions."

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Jana Winderen is an artist educated in Fine Arts at goldsmiths college in london, and with a background in mathematics and chemistry from the university of oslo.

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l’ambiente acustico degli oceani è di essenziale importanza per la vita delle creature marine. che si tratti dei suoni dei ricci di mare mentre mangiano, di un richiamo d'amore maschile del merluzzo, il suono dell’asinello marino che difende il proprio territorio o il suono del cancro che stordisce la sua preda, l’acqua trasmesse in modo efficiente le onde sonore. il suono nell’acqua viaggia quasi cinque volte più veloce che attraverso l’aria - la velocità dipende dalla pressione, dalla salinità, dalle correnti e dalla temperatura. le creature marine usano il suono per comunicare, per trovare un partner, per la caccia e per l’orientamento. i paesaggi sonori ci permettono una "vista" topografica tridimensionale del loro mondo. Quando una specie si estingue, si estingue anche la sua impronta acustica, senza nemmeno sapere che queste creature siano mai esistite, ancora prima di aver capito loro o il loro habitat naturale. il lavoro sonoro essiccazione al sole è composto di suoni dell’acqua e delle coste intorno a ljudkullen fatte nel luglio del 2011 e dalle registrazioni dei merluzzi, degli asinelli, dei granchi e degli invertebrati d’acqua dolce dei luoghi adiacenti ljudkullen e lontano nel mare.

the acoustic environment of the oceans is an essential component of life for the creatures inhabiting the seas.

Whether it' s the sound of a sea urchin feeding, a male cod calling out for a mate, the sound of a haddock protecting its habitat or a snapping shrimp stunning its prey, water is an efficient transmitter of sound waves. sound travels almost five times faster in water than in air - the speed differing according to pressure, salinity, currents and temperature. creatures living in the oceans use sound to communicate with each other, to find a mate, to hunt and to orientate themselves. soundscapes provide a three-dimensional topographical "view" of their world. As a species dies out, so does its sound imprint, without us knowing the creatures were ever there, before we are even close to understanding them or their habitats. the sound work Drying out in the sun is composed by local recordings in the waters and beaches surrounding ljudkullen in July 2011. it also consists of recordings of cod, haddock, crustacean and fresh water invertebrates from locations close by and far out at sea from the ljudkullen site. recorded with a reson tc 4032 hydrophone and 3 DPA 8011 hydrophones on a sound Devices 477t hard disk recorder.

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JAnA WinDeren

essiccazione al sole

Jana Winder

Drying out on the sun

Jana Winder

instAllAzione, 2010

instAllAtion, 2010

tAo g. vrHovec sAMBolec

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temporali – come fenomeni sonori e temporali – e il loro insediamento negli spazzi architettonici e sociali. nelle sue installazioni, l’architettura è sensibile all’ambiente effimero. contemporaneamente con la creazione di situazioni in cui esiste un impianto tra l’esterno e l’interno, tra l’imprevedibile e il costruito, tra il permanente e il temporaneo, tra il tempo e lo spazio, la dimensione temporale dell’architettura è invece rafforzata. il suo lavoro include installazioni interdisciplinari, installazioni di media misti, interventi sonori e musica elettroacustica.

Ha esposto le sue opere e si è esibito in numerose gallerie, musei e festival musicali in europa (galleria Kapelica - lubiana, galleria ŠKuc - lubiana, galleria Moderna - lubiana, Public space With a roof gallery Amsterdam, Ars electronica - linz - Austria, Madrid Abierto - Madrid, sonic Acts Festival - Amsterdam, Av Festival - newcastle upon tyne, cMMAs - Morelia, Messico …).

WWW.tAogvs.org WWW.reAlitYsounDtrAcK.org

in his installations, he makes architecture sensitive to its immediate ephemeral surroundings and enhances the temporal dimension of architecture by creating situations where the outside and inside, the unpredictable and constructed, the permanent and temporal, time and space converse.

His works encompass interdisciplinary and mixed media installations, sound interventions and electro acoustic music. He has shown and performed in Kapelica gallery - ljubljana, Ars electronica Festival - linz, Av Festival - newcastle, Museum of Modern Art - ljubljana, Madrid Abierto - Madrid, sonic Acts Festival- Amsterdam and PsWAr - Amsterdam, amongst others.

WWW.tAogvs.org WWW.reAlitYsounDtrAcK.org

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trasformeranno in altoparlanti vibranti che gli serviranno per udire.

Questo dispositivo si chiamerà teethphones™. l'ascolto di registrazioni sonore del passato creerà un legame mentale con i loro antenati terrestri - un collegamento alla dimensione di vita perduta che li ha così fortemente sviluppati. il loro atteggiamento verso i suoni della terra e della voce umana sarà simile al nostro corrente rapporto con la luna. Questi suoni per loro esisteranno nel lontano dello spazio e del tempo, ma allo stesso tempo saranno percepiti come vicini, persino più che vicini – essi verranno visualizzati solo nella loro mente come una vibrazione sonora del proprio cranio.

Questo atteggiamento verso il suono creerà un legame intimo e nostalgico tra gli esseri umani della luna e il spirito della vita come lo conosciamo oggi. esso sarà percepito come una registrazione sonora della memoria, e anche come mezzo di interpretazioni mitiche delle loro radici terrestre.

become a vibrating loudspeaker, through which they will be able to hear. they will call this device teethphones™. For them, listening to any recorded sound from a distant past will form a mental link to their earthly ancestors - a link to a lost dimension of life which shaped them so significantly. their relation to the recorded sounds from the earth and human voice will not be unlike the relation we have towards the Moon in present times. For them, these sounds will exist far away in space and time, and yet they will appear so close, more than close - as they will appear only inside one's head as sound vibrations of one's skull. this relation to sound will create an intimate and nostalgic thread between the Moon humans and the breath of life as we know it today, serving them as a recorded memory as well as a vehicle for mythical interpretations of their earthly origins.

tao g. vrhovec sambolec (si/nl) is an artist and musician working with invisible ephemeral phenomena and the notion of space. His artistic practice is a poetic exploration of relationships between transitory and temporal flows like sound and weather phenomena and architectural and social spaces they inhabit.

tAo g. vrHovec sAMBolec

tao g. vrhovec sambolec (si/nl) è un artista e musicista che si occupa di fenomeni invisibili effimeri e dell’idea dello spazio. la sua pratica artistica è un’esplorazione poetica delle relazioni tra flussi intermedi e quelli

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Dopo diverse generazioni di vita sulla luna, l'umanità si adatterà alla mancanza dell'atmosfera e dell’ossigeno.

Mutazioni della specie umana saranno in grado di vivere nel vuoto. i loro organi si trasformeranno, e respirare non gli sarà più necessario. Dal momento che nel vuoto non ci sarà il suono, loro vivranno nel silenzio assoluto. non parleranno, ma comunicheranno in un modo a noi oggi inimmaginabile. il fenomeno della propagazione del suono attraverso l’aria, che per noi era importantissimo per la comunicazione, per lo sviluppo della lingua e per l'identità di se, degli altri e dell'ambiente sulla terra, sulla luna non esisterà.

Al contrario, sulla luna il suono sarà intrappolato in vibrazioni di oggetti solidi, per questo i limiti di questi oggetti vibranti rappresenteranno i limiti della propagazione del suono. se la gente della luna vorrà sperimentare la sensazione del suono terrestre, dovrà trasferirlo al proprio cranio con l’aiuto di vibrazioni che si trasmetteranno tramite registrazioni o tramite la radio. useranno piccoli trasmettitori vibranti gestiti come lecca-lecca, il suono sarà così trasmesso tramite i denti e il cranio fino all'orecchio interno. le loro bocche saranno trasformate in organi d'udito, le loro teste invece si

living on the Moon for generations, humanity will adapt to life without atmosphere and oxygen. Human beings will mutate in such a way that they will be able to live in vacuum. their organs will change and breathing no longer will be necessary in order to live. since there is no sound in vacuum, they will live in total silence. they will not speak to each other and will instead communicate in a way that is unimaginable to us now. the phenomena of sound traveling through air, which used to be so important for communication, formation of language and identity of the self, the other and the environment on the earth, will be absent on the Moon. sound on the Moon will instead be captured in the vibrations of solid objects and things and the limits of these vibrating things will hence be the limits of sound propagation. if Moon humans will want to experience the sensation of sound as we hear it on the earth, they will have to use recorded or transmitted sound to vibrate their skulls. they will use small vibrating transducers, which they will bite like a lollipop in order to enable the sound vibrations to propagate from the transducer through teeth and skull into their inner ear. their mouth will turn into a hearing organ and their head will

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suono solido

tao g. vrhovec sambolec

solid sound

tao g. vrhovec sambolec

instAllAzione, 2010

instAllAtion, 2010

MicHele sPAngHero

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concentra principalmente sull'arte acustica, declinata sia nella forma di musica (come contrabbassista) che della sound art, ma parallelamente conduce anche un percorso sperimentazione visiva con particolare interesse verso il medium fotografico. l'approccio metodologico caratterizza il suo lavoro attraverso una continua, obliqua, indagine dei limiti dei media utilizzati: di solito a partire dal suono, le sue opere diventano tangenti all’arte visiva nel tentativo di ricercare e sperimentare un nuovo sistema semantico della materia preesistente.

Ha esposto e si è esibito in vari contesti internazionali quali musei, gallerie, teatri, club, festival in italia, slovenia, Francia, svizzera, olanda, Danimarca, germania, Austria, repubblica ceca, Polonia, lituania, lettonia, estonia e stati uniti d’America. nel 2008 ha partecipato ad una residenza artistica di un mese nello studio MoKs in estonia. recentemente ha vinto il premio ettore Fico e il premio icona. le sue opere fanno parte di collezioni pubbliche e private. Ha pubblicato dischi per varie etichette tra cui Palomar records, gruenrekorder e Miraloop.

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and visual arts. His research mainly focuses on the acoustic art, both in the form of music (as double-bass player) and sound art, but he's also conducting a visual experimentation on the photographic medium. the methodological approach characterizes his work through an oblique, continuous survey of the limits of the media: usually starting from the sound, his works become tangential to visual art in the attempt to research and test a new semantic system of the pre-existing matter.

He has exhibited and performed in different international contexts such as museums, galleries, clubs and festivals in italy, France, switzerland, slovenia, Austria, czech republic, germany, Denmark, netherlands, Poland, lithuania, latvia, estonia and usA. in 2008 he has participated in a one-month artist residency program in MoKs – Mooste (estonia). He has recently won ettore Fico prize and icona prize. His works are part of public and private collections. His discs have been released for several labels such as Palomar records, gruenrekorder and Miraloop.

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MicHele sPAngHero

la scultura sonora listening is Making sense utilizza delle travi come vettori per la propagazione delle vibrazioni sonore prodotte in tempo reale da un software e diffuse sul legno da un trasduttore tattile (uno speaker che trasforma il segnale audio in vibrazione meccanica e la diffonde per contatto con la materia). Questo trasduttore è posizionato nel baricentro della struttura in modo che il suono possa propagarsi attraverso le travi e cambiare le sue frequenze e dinamiche a seconda delle diverse proprietà di filtraggio e assorbimento naturale dell’onda sonora da parte del legno. l’unico modo dunque per ascoltare le installazioni è di entrare in contatto fisico con la materia risonante, appoggiando l’orecchio direttamente sul legno. il senso plastico della struttura delle travi non si completa quindi nell'atto scultoreo di dar forma alla materia e allo spazio, ma diventa piuttosto un mezzo per la propagazione del suono cosicché l'ascolto diventa ciò che dà propriamente senso a tutta la scultura.

Michele spanghero è nato a gorizia nel 1979. laureato in lettere moderne presso l’università di trieste ha inoltre frequentato workshops di musica, sound design e video making. la sua attività si focalizza sul tentativo di trovare una sintesi naturale (non sinestetica) tra le forme espressive delle arti sonore e visive. la sua ricerca si

the sound sculpture listening is Making sense uses wooden beams as vectors for the propagation of sound vibrations, produced by a real-time audio software and diffused through the wood by a tactile transducer - a speaker that converts the audio signal into mechanical vibration, spread by contact with matter. this transducer is positioned in the barycentre of the structure, so that sound can propagate through the beams and change its frequencies and dynamics according to different properties of wood, which filters and naturally absorbs sound waves. the only way to listen to the installation is therefore to get into physical contact with the resonant matter by placing the ear directly on the wood. the plastic sense of the beams' structure is thus not completed by the sculptural act of shaping matter and space, but rather becomes a mean for the propagation of sound, therefore listening becomes precisely what gives meaning to the whole sculpture.

Michele spanghero was born in gorizia (italy) in 1979. graduated in Modern literature at the university of trieste, he also attended workshops on electronic music, sound design and video making. His activity concerns the attempt to find a natural synthesis (non synaesthetic) between the forms of expression of sound

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listening is Making sense

Michele spanghero

listening is Making sense

Michele spanghero

sculturA sonorA, 2012

sounD sculPture, 2012

hanno capito che ispirano e completano l'un l'altro.

Dopo un progetto più ampio che hanno svolto nel 2011, hanno capito quanto sia importante avere un’identità, un percorso comune che li guida durante la loro creazione, qualunque essa sia. sono interessati in una serie di settori, il loro obiettivo è di partecipare in più progetti creativi, che si tratti di fotografia, grafica, video o installazioni. stuDio-noMAD.tuMBlr.coM

them during design, whatever the design is. they are interested in many areas and their goal is to participate in different creative projects, be it photography, graphics, video or installation. stuDio-noMAD.tuMBlr.coM

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Questa installazione sonora ci mostra i potenziali problemi nel flusso delle informazioni. cerca di mostrare che cosa potrebbe succedere se si sentisse qualcosa nel modo sbagliato, quindi la mancanza di informazioni e i problemi sociali che ne derivano. il piano del lavoro è chiaro e ha una struttura ben definita. l'utilizzo della tecnologia analogica e l'evitazione delle complessità aumentano l'espressività dell'installazione. Dopo l'accesa del "walkman" il nastro inizia a muoversi. ogni "walkman" produce un suono su punti diversi dello stesso nastro. il suono è lo steso, l'armonia è invece caotica. i punti del nastro non sono distanziati ugualmente. Alcuni dei "walkman" sono più forti, altri sono più silenziosi, per questo le armonie non sono omogenee. se ci si avvicina al "walkman" si sente chiaramente quando la registrazione parte di nuovo.

Autori: András Pongor, soma Pongor, David tarcali studio nomad è formato da un gruppo di amici, che si conoscono già da tanto tempo e hanno partecipato insieme a più progetti creativi con i quali

this sound installation depicts possible problems in the flow of information. it tries to reflect on human misaudition, the lapse of information and social problems which derive from these. the design is clear and it has a transparent structure. Analog technology and ignorance of complexity are used to strenghten the installation’s expressiveness. After turning on the walkman the tape starts to move. each walkman plays the sound, on the tape, from a different point. the sound is the same, but the harmonies are chaotic. reading points are not equidistant. some walkmans are louder while others are quieter, so the harmonies are not homogeneous. if you listen closely to the walkmans, you can easily notice when they are in the course of replay.

Made by: András Pongor, soma Pongor, David tarcali. studio nomad consists of a group of friends. they met a long time ago, worked on many creative works and realized they supplement and inspire each other. At the end of 2011, after a longer project, they found it important to have an identity, a common path that leads

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stuDio noMAD

studio nomad

cacophony

studio nomad

sounD instAllAtion, 2011

cacofonia

instAllAzione sonorA, 2011

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concentrando sul nastro magnetico. oliver Wilshen: laureato con lode in musica e arti visive presso l'università di Brighton (2006–2009). laurea in arte e design presso l'università West of england (2002). niall Quinn: laureato con lode in musica e arti visive presso l'università di Brighton (2006–2009). Ha frequentato corsi di arte presso il Westminster Kingsway colledge a londra (2005).

oliver Wilshen: BA Music and visual Art: First class Honours Brighton university 2006-2009, Art & Design Diploma in Foundation studies university of the West of england 2002 niall Quinn: BA Music and visual Art: First class Honours Brighton university 2006-2009 Foundation in Fine Art , Westminster Kingsway college, london 2005

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sonoPHore

sonophore indica in latino il "portatore dello suono". l'installazione esplora la capacità del nastro magnetico di portare e trasmettere informazioni sonore. il visitatore indosserà quindi un trasmettitore interattivo con il quale leggerà le registrazioni su centinaia di sezioni del nastro magnetico, che si estenderanno all’interno dell’edificio. Quando il pubblico esplora gli spazzi dell’edificio, contemporaneamente manipola suoni preregistrati di questa interessante installazione sonora interattiva. signal to noise è un progetto comune dei due artisti audiovisuali oliver Wilshen e niall Quinn provenienti da Brighton. gli artisti sviluppano installazioni interattive dal 2009. negli ultimi tre anni preparano mostre dei loro lavori sia a casa come per il mondo, tra altro anche a londra, seattle e München.

Alcuni esempi del loro lavoro sono stati recentemente inclusi nel libro A touch of code: interactive installations & experiences di robert Klanten, che è stato pubblicato nel 2011 da gestalten. nel 2012 sono stati premiati dalla giuria (Jury selection Work) del festival dell'arte dei media giapponese (Japan Media Arts Festival). Fino ad ora hanno studiato il potenziale creativo delle vecchie tecnologie dei media. Al momento si stanno

sonophore can be translated from latin as "sound carrier", with the work intending to explore magnetic tape’s physical capacity to hold and transmit sonic information. A tangible user interface is worn by the participants as they are invited to interact with hundreds of strips of audio tape that laterally span the interior. As the public explore the space, pre-recorded sounds can be recalled and manipulated in this sonically engaging interactive sound installation. signal to noise is the collaborative artistic venture of oliver Wilshen and niall Quinn, two Brighton based audio-visual artists. they have been developing interactive installations since 2009, and have gone on to exhibit work both nationally and internationally over the past three years. this has included exhibitions in london (england), seattle (usA) and Munich (germany). examples of their work have also recently been included in ‘A touch of code: interactive installations & experiences’ by robert Klanten, published by gestalten in 2011. in 2012 their work was chosen by Japan Media Arts Festival as a Jury selection Work. in the past their practice has investigated the creative potential that obsolete media technologies have to offer, currently focusing on the magnetic audiotape format.

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signal to noise

sonophore

signal to noise

An interActive sounD instAllAtion, 2011

sonophore

instAllAzione sonorA interAttivA, 2011

regno unito. con l'aiuto di immagini in movimento, di suoni e installazioni multimediali esplorano la natura materiale del nostro mondo e la nostra percezione di esso e contemporaneamente si chiedono dove ci troviamo nell'universo. grazie al loro approccio unico hanno giĂ vinto numerosi premi e borse di studio, per esempio gulbenkian galapagos, smithsonian Artists research e nAsA space sciences. i loro lavori si trovano in una serie di collezioni pubbliche internazionali e in mostre mondiali, tra cui anche al Biennale di venezia, nel the royal Academy, Hirshhorn Museum e nel sculpture garden, al BBc, nel centro di Pompidou e nel exploratorium.

WWW.seMiconDuctorFilMs.coM

our place in the physical universe. their unique approach has won them many awards and prestigious fellowships such as the gulbenkian galapagos, smithsonian Artists research and the nAsA space sciences. their work is part of several international public collections and is exhibited globally including; venice Biennial, the royal Academy, Hirshhorn Museum and sculpture garden, BBc, the Pompidou and the exploratorium.

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la prima produzione di Arts santa Monica & lighthouse uK con il sostegno del British council. i dati dell’audio sono stati ottenuti tramite cArisMA (canadian Array for real time investigations of Magnetic Activity) che è gestita dall'università di Alberta e finanziata dall’Agenzia spaziale canadese. un ringraziamento speciale va rivolto ad Andy Kale. il progetto 20Hz osserva la tempesta solare (detta anche geomagnetica) nella parte superiore dell’atmosfera terrestre. i dati interpretati come suoni del proveniente vento solare, catturati sulla frequenza di 20 Hz e raccolti dalla rete di magnetometri cArisMA possiamo sentire come uno cinguettio e come un rumore. lo suono formula delle sculture che assomigliano a delle visualizzazioni scientifiche. con l’interazione sonora e visiva di differenti frequenze appaiono dei modelli complessi, fenomeni d’interferenza che esplorano i limiti della nostra percezione. tecnica: animazione cg, creata con l’aiuto di un algoritmo al computer che crea forme direttamente dal suono.

co-commissioned by Arts santa Monica + lighthouse uK. supported by the British council. Audio Data courtesy of cArisMA, operated by the university of Alberta, funded by the canadian space Agency (canadian Array for real time investigations of Magnetic Activity). special thanks to Andy Kale.

20Hz observes a geo-magnetic storm occurring in the earth's upper atmosphere. Working with data collected from the cArisMA radio array and interpreted as audio, we hear tweeting and rumbles caused by incoming solar wind, captured at the frequency of 20 Hertz. generated directly by the sound, tangible and sculptural forms emerge suggestive of scientific visualisations. As different frequencies interact both visually and aurally, complex patterns emerge to create interference phenomena that probe the limits of our perception. technique: cg animation, made using custom scripting which generates the forms directly from the sound.

semiconductor is a uK artist duo consisting of ruth Jarman and Joe gerhardt. through moving image, sound and multi-media installations they explore the material nature of our world and how we experience it, questioning

seMiconDuctor

il duo artistico denominato semiconductor è formato da ruth Jarman e Joe gerhardt. i due artisti vengono dal

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20Hz

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20Hz

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HD viDeo, 2011

HD viDeo, 2011

texas, new York, Berlino, Karlsruhe, Madrid, Milano, venezia, verona, roma, napoli ...). le sue ricerche si basano su due correnti artistiche, sull'arte sonora e sull'arte cinetica e programmata. Pugliese fabbrica strumenti meccanici controllati dai computer che possono interagire tra se stessi, con l'ambiente e con gli osservatori. con questo esplora nuove aree di fenomeni acustici, analizza i processi attraverso i quali la psiche umana differenzia tra le strutture naturali e artificiali (sia acustiche che visive), esplora il rapporto tra l'uomo e la tecnologia e il rapporto tra la tecnologia e l'arte. nel frattempo però, nelle sue opere non ignora l'aspetto visivo. il suono diventa cosÏ l'oggetto di studio e il mezzo per l'espressione acustica e visiva, l'energia vitale, che rende vita all'inanimato, una guida per analizzare e stimolare la psiche umana e la percezione.

WWW.roBertoPugliese.coM

His research primarily derives its energy from two artistic currents, that of sound art and that of kinetic and programmed art. using software controlled mechanical tools that interact among themselves, with their environment and the observer, he aims to examine new areas of research in sound phenomena, to analyze the processes that the human psyche uses to differentiate structures of natural origin from artificial ones (acoustic as well as visual), to discover the relationship between man and technology and the relationship between art and technology, without ever losing sight of the visual aspect. the sound thus becomes the object of research as well as a means of acoustic and visual expression, a vital energy that animates the inanimate, a guide that analyzes and stimulates the human psyche and human perception.

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roBerto Pugliese

significa la capacità di auto- regolazione del sistema, che comprende gli effetti di alcune modifiche alle sue caratteristiche, subite da tutte le creature viventi. il progetto ha introdotto questo fenomeno nel mondo della cibernetica attraverso il suono. il suono rende tutti gli movimenti molto armoniosi e naturali. le braccia meccaniche si muovono molto similmente alle braccia degli esseri viventi, per esempio come le braccia di due animali che fanno lotta oppure si corteggiano. il sistema si trasforma in un organismo biomeccanico vivo che risponde agli stimoli esterni. ringraziamo l’ingegnere Walter Pugliese per il contributo tecnico nelle creazione dell’opera. roberto Pugliese è nato nel 1982 a napoli, dove vive e lavora ancora oggi. Dopo il Master in musica elettronica presso il conservatorio di san Pietro a Majella a napoli da Agostino di scipio dedica il suo tempo alle lezioni presso la stessa istituzione (laboratorio di musica digitale e laboratorio di elettroacustica), alla riproduzione di musica e alla creazione di installazioni sonore. sta sviluppando installazioni sonore e sculture dal 2007 ed espone le sue opere in italia e all'estero (in

modifications to its features. All living beings experience this condition. this project introduces this phenomenon into the world of cybernetics, through the use of sound. sound makes all the movements extremely harmonic and natural, and the mechanical arms show a movement pattern that is similar to the behavior of living beings, such as two animals fighting or courting. the system changes into a biomechanical organism that has its own life and reacts to external solicitations.

We thank ing. Walter Pugliese for technical contribution to the realization of the work.

roberto Pugliese was born in naples in 1982, where he lives and works. After having taken his Master’s degree in electronic music at the conservatorio san Pietro a Majella in naples under the guidance of Mr. Agostino di scipio, he divides his time between teaching at the same institution (digital music laboratory, laboratory of electroacoustic), playing music and realising sound installations. He has been developing sound installations and sound sculptures since 2007 and has exhibited both nationally and internationally. this has included exhibitions in Marfa (texas), new York, Berlin, Karlsruhe, Madrid, Milan, venice, verona, rome, naples…

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Questo lavoro esplora l’esistenza dell’effetto larsen o della microfonia con l’utilizzo di dispositivi mobili nello spazio tridimensionale. il rumore tipico dell’effetto larsen si verifica quando il microfono cattura il suono emesso dal diffusore. Questo succede quando il microfono si trova troppo vicino all’altoparlante e cattura la sua frequenza. il microfono amplifica e riproduce la frequenza dell’altoparlante con una larghezza crescente che è infinita in teoria, in pratica però può essere fermata dall’amplificatore. su una superficie sollevata ci sono due braccia meccaniche. Alla fine di un braccio c’è il microfono, alla fine dell’altro c’è invece l’altoparlante. il software appositamente progettato cambia dinamicamente la posizione delle braccia e impedisce, a causa della distanza del microfono e dell’altoparlante, all’amplificatore di raggiungere il massimo delle sue prestazioni. in questo modo il sistema raggiunge l’equilibrio che è fisicamente impossibile da raggiungere. lo sforzo per mantenere l’equilibrio crea una dimensione acustica e visiva che non è mai la stessa: la frequenza della microfonia e lo muoversi delle braccia meccaniche non sono mai identici, nel tempo reale si trasformano. in natura il fenomeno della microfonia

this work has the purpose of exploring the occurrence of the larsen effect (also known as feedback) through the use of mobile devices in three-dimensional space. the distinctive screech of the larsen effect typically occurs when a microphone catches sound, emitted by a speaker. it engages when the microphone is located too close to the speaker, and gets in the way of its frequency. the microphone amplifies and reproduces the speaker’s frequency with an ever-increasing width, virtually unlimited and, in practice stopped by the amplifier’s clip. on a ground support, two mechanical arms are located. At the end of one arm there is a microphone, and on the end of the other there is a speaker. A software, created with this specific purpose, manages the position of the arms in a dynamic way, and provides that the distance between the microphone and the speaker never causes the amplifier to clip. this way, the system tends to reach an equilibrium that is physically impossible to attain. the struggle to balance creates an acoustic and visual dimension that is never the same: the frequency of feedback and the movements of the mechanical arms are always different and change in real time. in nature, the phenomenon of feedback is the capacity of a system to regulate itself, taking into account the effects of certain

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roBerto Pugliese

equilibrium variant

roberto Pugliese

equilibrium variant

roberto Pugliese

instAllAzione sonorA, 2011

sounD instAllAtion, 2011

rADio APoree

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si è laureato come scienziato applicativo/ingegnere di fotografia, film e tecnologia dei media all’università di Köln. come artista e professionista dei media è stato coinvolto in numerosi progetti e mostre internazionali.

APoree.org/APoree.HtMl

worked as an artist and media professional in numerous international projects and exhibitions.

APoree.org/APoree.HtMl

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radio aporee è il progetto e la piattaforma per l’esplorazione artistica di concetti e pratiche legate al suono, al spazio e alle condizioni spaziali. offre strumenti e tecniche per l’interazione con gli ambienti reali, sia con spazi reali e virtuali sia con spazi tra di loro. suggerisce che ascoltando arricchiamo e rafforziamo le esperienze e le percezioni del mondo che ci circonda. radio aporee ::: maps è uno dei più importanti progetti a lungo termine del radio aporee. È una mappatura dei suoni provenienti da tutto il mondo. contiene migliaia di registrazioni fatte in una serie di ambienti urbani, rurali e naturali e spazzi pubblici e privati. la mappa sonora viene usata e integrata da individui, artisti e istituzioni in contesti e configurazioni diverse. illustra la complessità uditoria del nostro mondo e diverse percezioni collegate al suono, spazio e luoghi, nonché le perspettive artistiche di coloro, che contribuiscono alla realizzazione del progetto con registrazioni proprie.

radio aporee is a project and platform for the artistic research of concepts and practices related to sound, place and spatial conditions. it provides tools and techniques for the engagement and interaction with actual environments, in and in between real and virtual spaces. it suggests listening as a way to enrich and intensify the experience and perception of the world around us. the radio aporee ::: maps is one of the major, long-term projects on radio aporee. it is a cartography of sounds from all around the world. Meanwhile, it contains many thousands of field/location recordings from numerous urban, rural and natural environments, public and private spaces, showing the audible complexity of our world, as well as the different perceptions and artistic perspectives of its many contributors, related to sound, space and places. the soundmap is used and populated by individuals, artists and institutions, in various contexts and versatile configurations.

radio aporee is founded, maintained and actively developed by media artist udo noll, *1966. He lives and works in Berlin and cologne. He graduated as an applied scientist / degreed engineer for photography, film and media technology at the university of cologne, and has

rADio APoree

radio aporee è stato fondato dall’artista udo noll (nato nel 1966), che lo sta anche mantenendo e sviluppando attivamente. vive e lavora a Berlino e Köln in germania.

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Maps

radio aporee

Maps

radio aporee

Progetto online

WeB ProJect

MAttHiJs MunniK

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indifese, gli scienziati sono quasi come degli dei che gli controllano dalla prima e l'ultima divisione cellulare, per questo motivo ho voluto dare ai vermi il potere di influenzare noi nel nostro mondo. realizzazione attraverso il ncsB, il ngi e il Waag society.

Matthijs Munnik è un artista mediale olandese che attualmente vive e lavora a l'Aia. i suoi lavori sono spesso una miscela di performance e installazioni ispirate dalle nuove tecnologie, ricerche scientifiche e nuove modalità di interazione. Ha studiato scienza e arte alla royal Academy of Arts dell'Aia. Per il suo ultimo lavoro opera microscopica è stato premiato con il premio Artist & Designer 4 genomica Award ed è stato nominato per il riconoscimento il Design Award di rotterdam.

WWW.MAttHiJsMunniK.nl

our world as well. realized with help of ncsB, ngi and Waag society

Matthijs Munnik is a Dutch media artist currently living and working in the Hague, the netherlands. His work often consists of a mix between performance and installation, inspired by new technologies, scientific research and new ways of interaction. He studied artscience at the royal Academy of Art in the Hague.

For his most recent work Microscopic opera, he received the Artist & Designer 4 genomics Award and was nominated for the rotterdam Design Award.

WWW.MAttHiJsMunniK.nl

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Possono recitare anche i microrganismi? come cambia la nostra percezione di queste creature una volta che gli vediamo in senso artistico e teatrale? Quando ho cercato il potenziale microrganismo mi sono imbattuto in c. elegans, un verme di meno di un millimetro che si muoveva veramente elegantemente, esattamente come suggerisce il suo nome. Questa è anche la prima creatura il cui genoma è stato possibile pienamente sequenciare. Ancor più mi sono interessato a lui quando un ricercatore mi ha spiegato che sotto il microscopio i vermi si possono differenziare secondo la modalità di movimento che viene indicata dalla mutazione. Alcuni si muovono in una forma a spirale, mentre altri si rotolano o si contorcono mentre altri ancora sono patologicamente obesi per via delle mutazioni. nella mia installazione ho cinque piastre di Petri nelle quali si trovano cinque vermi diversamente mutati che si muovono in modo diverso. Questi cinque gruppi di artisti vengono registrati da microscopi usB mentre l'immagine viene proiettata in diretta su cinque schermi.

Ho programmato un programma speciale che segue i movimenti dei vermi e gli trasforma in suoni, cosi che essi involontariamente diventano musicisti del mondo macroscopico sopra le loro teste. Per queste creature

can micro-organisms also be performers? How does our relation to these creatures change, after they are seen in an artistic and theatrical context? looking for a micro-organism that would have the qualities of a performer, i was introduced to c.elegans; a tiny worm, less than a millimetre in length, that moved just as elegantly as its name implies and the first creature to have its entire genome sequenced. i was intrigued when a researcher told me, that to tell the worms apart under a microscope, he used different mutations that altered the way they moved. Because of their mutations some move in a spiral, others roll or twitch and some become morbidly obese. in my installation i have five petri dishes filled with five different mutated worms, and each group moves slightly differently. these five groups of performers are filmed with a usB microscope shown live on five screens. i wrote special software that tracks the worms, and translates their movements into sounds, making them unaware performers of the music in the macroscopic world above their heads. While for these helpless worms the researchers are almost like gods, controlling them from their first to their last cell division, i hoped to give them the power to affect us in

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MAttHiJs MunniK

opera microscopica

Matthijs Munnik

Microscopic opera

Matthijs Munnik

instAllAzione sonorA, 2011

sounD instAllAtion, 2011

Multimedia Premium (2008), alla conferenza shift (sHiFt - social and Human ideas for technology) (2009), al computer interaction (2009), alla conferenza Mondiale sulla comunicazione e sulle Arti (congress on communication and Arts) (2010), all’nq Artech (nel 2008 e nel 2010), all’le corps numérique - centre culturel saint-exupéry (2011), alla conferenza internazionale tei (international conference on tangible, embedded and embodied interaction) (nel 2011) e all'Ars electronica di linz (nel 2012). il suo lavoro è stato esposto in Portogallo, in Brasile, nel regno unito, in Francia, a Hong Kong, in Austria e nel Belgio.

Joao Martinho Moura sta preparando il master nel laboratorio engagelAB dell’università di Minho in Portogallo e insegna come professore al corso accademico Programmazione in arte digitale, nel programma del master presso la stessa università.

WWW.JMArtinHo.net

Multimédia Premium(2008), le corps numérique centre culturel saint-exupéry (2011), international conference on tangible, embedded and embodied interaction (2011), Ars electronicA linz (2012). His work has been shown in a variety of places in Portugal, Brasil, uK, France, Hong Kong, Austria and Belgium.

Joao Martinho Moura is undertaking research at university of Minho’s engagelAB in Portugal and teaches Programing for Digital Arts as invited professor in the context of a Master’s program in technology and Digital Arts (MtAD) at the same university.

WWW.JMArtinHo.net

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JoAo MArtinHo MourA

una minima audiovisiva scultura del suono continuato e un inchiostro invisibile esplorano algoritmi audio generativi. il suono è creato grazie ad un casco che registra i segnali del cervello. il segnale elettroencefalografico viene elaborato secondo il processo Processing in supercollider. la base in pianoforte è stata scritta appositamente per questo lavoro che è stato sposto al festival dell’animazione nell'ambito dell’Ars electronica 2012. l'autore ringrazia per l’inspirazione Albert de camp, Julian rohrhuber e James Mccartney.

Joao Martinho Moura è un artista portoghese che si occupa di media interattivi. le sue aree di interesse comprendono interfacce intelligenti, arte digitale, musica digitale e l'estetica computazionali. Joao Martinho Moura ha presentato il suo lavoro e le sue conclusioni a numerosi convegni legati all’arte e alla tecnologia tra cui anche il Festival internazionale della cultura della creazione post-digitale (international Festival for the Post-Digital creation culture oFFF) (2008), al simposio internazionale di estetica computazionale nella grafica, la visualizzazione e di imaging (international symposium on computational Aesthetics in graphics, visualization, and imaging - cAe) (2008), alla Fiera internazionale di Arti creative (international creative Arts Fair) (2008), all’zon

A minimal continuous audiovisual sculpture of sound and imagined black ink exploring generative sound algorithms. the sound is created through a brain interface helmet. the electroencephalogram signal serves as input for custom made software, developed in Processing and supercollider. the piano track that accompanies the base sonority was written specifically for this piece. exhibited at Ars electronica Animation Festival 2012. the author is grateful to Alberto de campo, Julian rohrhuber and James Mccartney for all the supercollider inspiration.

Joao Martinho Moura is a Portugese interactive media artist. His interests are focused on intelligent interfaces, digital art, digital music and computational aesthetics. Joao Martinho Moura has presented his work and research in a variety of conferences related to the arts and technology, including the international Festival for the Post-Digital creation culture oFFF (2008), World congress on communication and Arts(2010), sHiFt social and Human ideas for technology (2009), international symposium on computational Aesthetics in graphics, visualization, and imaging - cAe (2008), ArtecH (2008), ArtecH (2010), computer interaction (2009), international creative Arts Fair (2008), zon

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supercollider shape

Joao Martinho Moura

supercollider shape

Joao Martinho Moura

HD viDeo, 2011

HD viDeo, 2011

della scuola di studi critici presso il california institute of Arts. Attualmente insegna presso il dipartimento di studi dell'arte, del cinema e dei media presso l'universitĂ della california a santa Barbara.

school of critical studies at california institute of the Arts. He currently teaches in the Departments of Art and Film and Media studies at the university of california, santa Barbara.

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il viaggio in un cadillac rubato del 1962 presenta l'autobiografia attraverso tre momenti nei quali la persona non è cosciente:

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A trip in a hijacked 1962 cadillac traces out an auto-biography via three moments when the subject wasn’t all there (as the english phrase has it):

(3)

(2)

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the moment of ecstasy when the subject is abandoned in the act, the moment of remotely recollected childhood and the moment of the crack-up when all the mirrors smash yet every surface functions as a mirror.

(1)

il momento di estasi quando il soggetto è abbandonato durante l'atto, il momento della rivisitazione fugace della sua infanzia e il momento del crollo, quando tutti gli specchi si rompono ma però ogni superficie ancora riflette come uno specchio.

Dick Hebdige has written extensively on contemporary art and culture since the publication of his first book, subculture: the Meaning of style in 1979. recently published essays include lucifer setting: Art, engineering and the Dawn of the stadium rock light show (on post World War 2 light art); Hole: swimming.. floating...sinking... drowning (on the swimming pool in california) and Desert studies: More from less than zero (for the inaugural issue of Arid: A Journal of Desert Art, Design and ecology).

Born in london in 1951, he moved to the usA in 1992 where he served for nine years as Dean of the

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Dick Hebdige ha scritto molto riguardo all'arte contemporanea e sulla cultura da quando è uscito il suo primo libro subculture: the Meaning of style nel 1979. tra i suoi saggi pubblicati da poco troviamo lucifer setting: Art, engineering and the Dawn of the stadium rock light show (sull'arte della luce dopo la seconda guerra mondiale), Hole... swimming... floating... sinking... drowning (sulla piscina californiana) e Desert studies: More from less than zero (per la prima copia della rivista Arid: A Journal of Desert Art, Design and ecology). nato nel 1951 a londra, si trasferì negli stati uniti d'America nel 1992 dove è stato preside per nove anni

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DicK HeBDige

sindrom x: vertigini e Autobiografia

Dick Hebdige

the x syndrome: vertigo and Autobiography

Dick Hebdige

conFerenzA e PerForMAns

lecture AnD PerForMAns

Peter FleMMing

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supporto, premi e residenze. È uno scrittore occasionale e curatore, ha scritto testi d’apertura per altri artisti, saggi, ha organizzato eventi e conferenze. È un membro attivo di molti consigli e innumerevoli organizzazioni artistiche locali. si è laureato presso l’università d’arte di ontario e presso l'università di Arte e Design della nuova scozia.

Attualmente vive e lavora a Montreal in canada, dove insegna elettronica agli artisti presso l'università di concordia.

WWW.PeterFleMMing.cA

lecture series. He is an active board member or member of several local arts organizations.

A graduate of the ontario college of Art and the nova scotia college of Art and Design, Flemming currently lives and works in Montréal, where he teaches electronics for artists at concordia university.

WWW.PeterFleMMing.cA

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viti, batterie, il metallo e elettronica fatta su misura. gli errori e gli incidenti spesso influiscono sull’orientamento delle mie opere.

Di solito avvengono quando incontro degli ostacoli tecnici o finanziari oppure per via di un materiale capriccioso resiste il mio scopo. Dopo che mi sono a lungo strappato i capelli dalla testa mi rendo conto che il comportamento indesiderato è di per sé interessante. così abbandono il progetto iniziale e proseguo in una nuova direzione. il lascio guidarmi invece di cercare di soddisfare i criteri predefiniti. la ricerca di questi segnali nascosti rappresenta una parte fondamentale della mia creatività". l’artista Peter Flemming si occupa da più di una decina d’anni di macchinari fatti a mano – l’elettronica è fatta a orecchio in uno studio di grande caos intuitivo. il suo ultimo lavoro è una serie di esperimenti sulla risonanza che è esplorata attraverso il suono, i materiali elettromagnetici, i giocatori meccanici e gli amplificatori provvisori. i suoi lavori precedenti includono macchinari pigri, opere d'arte alimentate da energia solare e anche macchinari ipnoticamente ripetitivi. le sue opere sono state esposte in tutto il mondo e hanno ricevuto molto

they typically occur when i have met some kind of technical or financial limitation, or some material quirk asserts itself contrary to my aims. After much hair pulling i occasionally realize that the unintended behaviour is interesting in itself. i drop the original goal and pick up a new path, letting it lead me along instead of trying to bend it to suit pre-determined criteria.

Knowing how to read these hidden signposts as they reveal themselves is a crucial part of my process."

Active for over a dozen years, Peter Flemming is a folk machinery artist, doing electronics handcraft "by ear," tinkering intensively and intuitively in the studio. His most recent work is an ongoing series of experiments about resonance, explored via sound, electromagnetically activated materials, mechanical performers and makeshift amplification devices. Past work has included lazy machines, solar powered artwork and hypnotically repetitive automata. He has exhibited extensively internationally and been the recipient of numerous grants, awards and residencies."

Peter Flemming is an occasional writer and curator; he has produced exhibition texts for other artists, presented papers, organized events and developed

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Peter FleMMing

montaggio per le macchine dei "giocatori". ognuno di loro compie ripetutamente il compito ad esso assegnato e contribuisce all’infinito oscillamento del suono delle emergenti armonie, ai improvvisi crescendo e ai battiti ritmici. Quando lascio le redini della gestione della prestazione alle macchine apro uno spazio provvisorio per il ragionamento sulle forze presenti nel nostro ambiente.

Quando faccio ricerche sulla "magia" fisica della risonanza presente dei macchinari di ogni giorno, nelle costruzioni e nei sistemi, scopro che anche per noi valgono le leggi della fisica che sono essenzialmente misteriose e fuori del nostro controllo assoluto. Questa fantomatica "magia" è una nota importante, infatti, il mondo digitaletecnocratico nel quale cerchiamo di controllare tutto, infondo non lo riusciamo a controllare completamente.

to an endlessly fluctuating sound track of shimmering harmonics, sudden crescendos and arrhythmic beats. By letting machines run the show, i hope to open up a temporary space for contemplation of the forces at work in the environment around us. exploring the basic physical "magic" of resonance, present within our everyday machines, structures and systems, reveals that we are subject to material laws that are fundamentally mysterious and outside of our absolute command. this elusive "magic" is a worthwhile reminder that we are not in total control in a digital-technocratic world where total control seems to be the goal.

Artist stAteMent "i look at what i make as the electro-mechanical equivalents of short stories. naturally, every good story needs some tension to keep it going. in my machinic "texts", i try to create tension by intermixing different systems. organic ones blend with technological ones, the old with the new, and the handmade with the machinemade. And rather than words, sentences and paragraphs, i use bolts, batteries, metal, and custom electronics.

Mistakes and accidents frequently shape the course of my artwork.

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DicHiArAzione Dell’ArtistA "le mie opere sono l’equivalente di un racconto elettromeccanico. naturalmente, ogni buona storia ha bisogno di un po’ di suspance. nei miei "testi" meccanici cerco di creare la suspance con il mescolamento di diversi sistemi. i sistemi organici si mescolano con la tecnologia, il vecchio con il nuovo, il fatto a mano con il fatto a macchina. invece di parole, frasi e paragrafi uso

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tutte le cose hanno una frequenza di risonanza naturale.

Questa interessante idea mostra che fondamentalmente tutto è legato ma per ora mi atterro al fisico. la mia vecchia auto tremava molto a determinate velocità. i nostri corpi hanno una frequenza di risonanza. ciò vale anche per la cucitrice sulla mia scrivania, i grattacieli, i ponti, le placche tettoniche... instrumentazione è una elettromeccanica installazione che è stata inspirata dalla risonanza. l’installazione, conserva un senso di provvisorietà essendo nata da esperimenti di studio e con l’utilizzo di strumenti già citati e inoltre con i materiali a disposizione. instrumentazione assomiglia più che a un lavoro progettato e completato a una bozza o ad uno schema. È strutturato ma non contiene un progetto. contiene innumerevoli improvvisazioni e cambia ad ogni nuovo posizionamento. instrumentazione ha già contenuto insoliti altoparlanti fatti di secchi, di bidoni, di finestre scartate e di bobine elettromagnetiche incurvate manualmente.

Questi oggetti trovati diventano risonatori che amplificano il resto dell'impianto. il piano di lavoro di legno compensato, per esempio, serve come convertitore acustico per le corde del pianoforte elettromagneticamente attivate e come ripiano di

All things have a natural resonant frequency. this intriguing idea suggests a baseline connection between just about everything, but i'll keep to the physical for now. My old car would vibrate intensely when reaching certain speeds. our bodies have resonant frequencies.

As does the stapler on my desk, as do skyscrapers, bridges, tectonic plates...instrumentation is an electro-mechanical sound installation inspired by resonance. the gallery installation preserves a sense of the makeshift, having evolved from studio experiments, using a limited palette of tools and readily available materials. instrumentation is more like a framework or schematic, rather than a pre-determined finished work. structured, but not scripted, the work contains a high level of improvisation and varies significantly from implementation to implementation. instrumentation has involved unlikely loudspeakers cobbled from buckets, drums, salvaged windows and hand-wound electromagnetic coils. these found-object resonators amplify other parts of the installation. For example, a plywood work-table serving as an acoustic transducer for electromagnetically activated piano wires, and as a stage for an assembly of machine "performers". each lethargically performs a repetitive task, contributing

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Peter FleMMing

instru mentazione

Peter Flemming

instru mentation

Peter Flemming

instAllAzione sonorA, 2012

sounD instAllAtion, 2012

AlexAnDer cHen

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in tempo reale tramite il segnale gPs). il progetto è stato ideato con il programma grafico illustrator e con l’utilizzo delle coordinate di svg convertito in HtMl5 canvas. l'artista ha costruito la versione HtMl5 con strati di suono, per questo motivo in seguito ha incontrato una serie di limitazioni e problemi. Pertanto, il suono è attivato da Flash in background il quale comunica con lo Js sound Manager.

Alexander chen (nato nel 1981) crea lavori musicali e interattivi. con la sua sonata for the unaware del 2002 ha creato musica grazie alle registrazioni dei passeggeri della metropolitana di Philadelphia. nel 2011 ha lanciato www.mta.me che ha cambiato la metropolitana di new York in uno strumento a corde. nel 2012 è stato creato il www.baroque.me con il quale ha visualizzato le suite di Bach per il violoncello. chen attualmente lavora nel laboratorio creativo di google (google creative lab), dove è stato creato il logo les Paul google Doodle (2010). chen è anche un multiinstrumentalista che suona come the consulate general e Boy in static. Attualmente vive a Brooklyn negli stati uniti d’America.

Blog.cHenAlexAnDer.coM

is being triggered by Flash in the background, communicating with Js sound Manager.

Alexander chen (b. 1981) creates musical and interactive work. in 2002, he made sonata for the unaware, a piece which generated music from footage of Philadelphia subway commuters. in 2011, he launched www.mta.me, which turned the new York subway system into a string instrument. in 2012, he created www. baroque.me, visualizing Bach’s cello suites. chen is currently working at google creative lab, where he conceived the les Paul google Doodle (2010). chen is also a multi-instrumentalist who makes music as the consulate general and Boy in static. He is currently living in Brooklyn.

Blog.cHenAlexAnDer.coM

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nell’ambito del progetto conduttore:Mta.me, l’artista trasforma il sistema della metropolitana di new York in un strumento a corde interattivo. il lavoro, effettuato grazie all’orario effettivo della metropolitana di new York, mostra in tempo reale i treni che sono passati nell'ultimo minuto e gli segue per le successive 24 ore. le linee sono basate sullo schema di Massimo vignelli del 1972. il progetto si attiene a determinate regole. il programma controlla ogni secondo quali treni sono partiti dalle stazioni finali. la velocità del treno determina la durata prevista del viaggio verso la fine della linea. Alcune variazioni sono state prese in base a motivazioni musicali, estetici e tecnici come per esempio il lento dissolversi delle linee, l’accelerazione graduale del tempo e la limitazione del numero dei treni che viaggiano contemporaneamente, inoltre, l'artista ha usato il programma settimanale della metropolitana. Alcune di queste limitazioni hanno provocato delle lievi variazioni, infatti, sono selezionati diversi treni ogni 24 ore. il progetto mta.me è stato progettato in HtMl5/ Javascript. i dati sono presi con l’interfaccia pubblica per la programmazione del nuovo sistema della metropolitana di new York che indica l’orario esatto delle fermate e delle partenze (momentaneamente il sistema non segue i treni

At conductor:Mta.me, the artist turns the new York subway system into an interactive string instrument. using the MtA's actual subway schedule, the piece begins in realtime by spawning trains which departed in the last minute, then continues accelerating through a 24 hour loop. the visuals are based on Massimo vignelli's 1972 diagram. the piece follows some rules. every minute, it checks for new trains launched from their end stations. the train then moves towards the end of the line, with its speed set by the schedule's estimated trip duration. some decisions were made for musical, aesthetic, and technical reasons, such as fading out routes over time, gradual time acceleration and limiting the number of concurrent trains. Also, the artist used the weekday schedule. some of these limitations result in subtle variations as different trains are chosen during each 24-hour loop.

Project Mta:me is built in HtMl5/Javascript. it pulls from the MtA's public APi, which provides a detailed schedule of stops and departure times. (the MtA does not currently track trains live positions via gPs.) the design was created in illustrator, then exported via svg coordinates into HtMl5 canvas. the artist built a version with layered HtMl5 audio, but ran into many limitations and bugs when layering multi-shot samples. so the audio

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AlexAnDer cHen

conduttore: Mta.me

Alexander chen

conductor: Mta.me

Alexander chen

HD viDeo, 2011

HD viDeo, 2011

MAttHeW BieDerMAn

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internazionale a Parigi e Berlino e alla chicago underground Film Festival. le sue opere sono state esposte in zeroone Festival (san Jose) e al Biennale scAPe in nuova zelanda. nel 2007 ha co-fondato con Mark Peljhan l’Arctic Perspective initiative (APi), un gruppo no profit internazionale di individui e organizzazioni il cui l’obiettivo principale è creazione e la nascita della liberta dai diritti d’autore e della comunicazione e per la diffusione di strutture nella regione circumpolare.

WWW.MBieDerMAn.coM

in 2007 he co-founded the Arctic Perspective initiative (APi), with Marko Peljhan, a non-profit, international group of individuals and organizations, whose goal is to promote the creation of open authoring, communications and dissemination infrastructures for the circumpolar region.

WWW.MBieDerMAn.coM

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sfida) per la visione di emozioni sublime, una possibile versione della bellezza che porta ad una nuova comprensione del concetto del mondo, dei suoi sistemi e delle sue potenzialità. in questo modo, l'artista è un innovatore ma non in senso tradizionale - è quello che illumina le possibilità e le prospettive. i lavori di Biederman hanno esplorato dalla metà degli anni 90 del ventesimo secolo la percezione, l'estetica, i sistemi di dati, la saturazione dei media e la loro politica. nel 1999 ha ricevuto per il video, il premio Bay Area Artist Award che viene assegnato dal new langton Arts, inoltre, ha conseguito il primo posto nella categoria delle arti visive al Festival sloveno Break21. è stato ospite in innumerevoli istituti e istituzioni, tra cui varie volte presso il centro di sperimentazione televisiva e continua ad essere residente presso il laboratorio di cMu creAte. le sue opere sono state esposte in nord e sud America, in europa e in Asia a innumerevoli festival e locali tra cui all’11° Biennale di lione, al 7° AtA Festival internacionalu (lima, Perù) e al triennale di Quebec nel 2011. come artista di film e di video ha partecipato al festival di File (sao Paulo), al festival new Forms (vancouver), al Fringe Festival di edimburgo, all’incontro

conceptions of the world, its systems, and potentials. in this way, the artist is an inventor, not in the conventional sense, but as one who serves as a beacon, illuminating possibilities and perspectives.

Biederman’s works have been exploring perception, aesthetics, data systems, media saturation and its politics since the mid-90s. in 1999 he was the recipient of the Bay Area Artist Award in video by new langton Arts, and won First Place in the visual Arts category of slovenia’s Break21 festival. He has served as artist-in-residence at a variety of institutions and institutes, including the center for experimental television on numerous occasions, and continues to be a resident at cMu’s creAte lab.

His works have been exhibited in north and south America, europe, and Asia in a variety of festivals and venues such as the 11th lyon Bienniale, 7 AtA Festival internacional (lima, Peru), and the 2011 Quebec trienniale among others. As a film and video maker, his works have been included in the File festival (sao Paulo), new Forms Festival (vancouver), the edinburgh Fringe Festival, Paris/Berlin international Meetings, and the chicago underground Film Festival. His public works have been shown at the zeroone Festival (san Jose), and the scAPe Biennial in new zealand.

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MAttHeW BieDerMAn

limiti degli orizzonti tecnologici.

Quando il proiettore tenta di visualizzare una risoluzione migliore di quella che può gestire si presentano distorsioni e la formazione di modelli moiré. nel costringere i proiettori ad uno stato in cui non possono proiettare, essi interpolano. in questa occasione nascono modelli imprevedibili che vengono percepiti come una "terza" immagine che viene crea da due campi a diverse frequenze. Quello che "vediamo" crea la nostra percezione in combinazione con i limiti della tecnologia di visualizzazione che rileva l'orizzonte dove si incontrano la tecnologia e la percezione. il lavoro di Biederman segue le simultanee, intrecciate strade che nell’ottica tradizionale danno l'impressione di diversità. se guardiamo rigorosamente il suo campo di lavoro si potrebbe inserire nei media tattici, nella radio, nella pittura, nel design, nelle arti dello spettacolo, nell’arte e nella tecnologia. non vuole però limitarsi a nessuna di esse ma consente invece lo scambio e l'interazione tra loro attraverso varie combinazioni di ricerca sui media, sullo spazio, sui contenuti e sugli obiettivi. egli crede nell'idea dell'artista come un artigiano, un provocatore e un agente necessario allo spettacolo (e alla

display more resolution than is available, is a breakdown of the technology, which in turn produces moiré patterns.

By forcing the projectors into states that they cannot reproduce, - they do the only thing they can do – interpolate, creating an unpredictable pattern that one perceives as a "third" image, one that is created by two patterns at varying frequencies. in fact what is "seen" is only created by one’s perception combined with the limits of the display technology, again exposing a horizon where perception and technology meet.

Biederman’s work follows simultaneous, intertwined threads, creating a varied practice when examined traditionally. if approached in a compartmentalized fashion, his practice would be situated within tactical media, radio, painting, design, performance, and art and technology. He chooses, however, not to be restricted to any one of these mediums, but instead to allow for exchange and crossover between them through diverse combinations of engagements of media, place, content, and aim.

He believes in the idea of the artist as an artisan, the artist as a provocateur and the necessity to present (and provoke) a vision of sublime emotion, one possible version of beauty that leads to new understandings and

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PIXXELPOINT 13

l’orizzonte degli eventi può essere interpretato come il limite dello spazio-tempo in cui gli eventi non possono più influire sull'osservatore. in maggior parte, questo termine si riferisce ai bordi dei buchi neri, dove la luce dietro un orizzonte degli eventi non può più sfuggire e quindi non possiamo più vederla. tuttavia, l'orizzonte degli evento può essere interpretato anche come un singolo punto di percezione. il progetto l’orizzonte degli eventi riflette sul discorso attuale della "cognizione incarnata", la quale spiega che non è possibile dividere la percezione secondo i sensi e che questa non "vive" nel nostro cervello (vedi Alva noë: out of our Heads).

Quando ci spostiamo nel luogo, allo stesso tempo ascoltiamo e vediamo con tutto il corpo. l’orizzonte degli eventi è in questo contesto, il punto in cui percepiamo l’evento e capiamo la nostra percezione come l’orizzonte che si muove continuamente attraverso lo spazio e il tempo. Questo accompagna l’orizzonte della tecnologia. il termine "l’orizzonte degli eventi" nel progetto comporta molte interpretazioni - allude sia al punto di incontro dei limiti della tecnologia che ricrea questo progetto, quindi, le tecnologie di visualizzazione (in questo caso il proiettore) come anche ai limiti della percezione umana. essa esplora che cosa accade quando ci avviciniamo ai

understood from one perspective, an event horizon is the space-time beyond which events cannot affect an observer. the most common definition typically refers to the edges of a black hole, where beyond the event horizon no light escapes and can therefore not be observed. However, the event horizon can be understood as the point of perception itself. event Horizon reflects on the current discourse around "embodied perception" where the act of perception cannot be separated based on sense, nor does it "live" in our brains. (see Alva noë: out of our Heads).

We see and hear with our entire body, simultaneously as we navigate space. Within the work the event horizon is the point at which we perceive a phenomenon, and understanding our own perception as a horizon continually moving through time and space coupled with the horizon of the technology. the term "event horizon" has a multiplicity of interpretations throughout the work – it is a hint towards the meeting point of a collapse of technology supporting the work, namely display technology (in this case the data projector) and human perception.

What occurs as the limits of the technological horizon are approached, and a projector attempts to

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MAttHeW BieDerMAn

Matthew Biederman l’orizzonte degli eventi

Matthew Biederman

event Horizon

viDeo instAllAzione, 2012

viDeo instAllAtion, 2012

KonrAD BecKer & selA

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netbase (dal 1994 al 2006). È l'iniziatore di una serie di conferenze internazionali e mostre d'arte, dei media e della cultura, inoltre, ha pubblicato numerose produzioni audiovisive, articoli e libri in molte lingue. È un pioniere ipermediatico e mago. la rivista the Wire ha inserito il suo disco tra i 100 dischi più importanti del 20° secolo. sela è una musicista, una cantante e una cantautrice. nello spettacolo operazioni inspiratamente incarna la tradizione popolare della canalizzazione dei media sul palco. nei suoi progetti combina diversi stili e tradizioni d’apparizioni vocali e copre una vasta gamma di generi. È un promettente talento della scena musicale viennese e una formata multiinstrumentalista che si esibisce regolarmente con il suo gruppo sela Wie. en.WiKiPeDiA.org/WiKi/KonrAD_BecKer

he has published a large number of audiovisual productions, articles and books in several languages. A pioneering hypermedia wizard, the Wire magazine singled out Konrad Becker's work among the 100 most important records of the 20th century. sela is a performer, vocalist and singer/songwriter. referring to a popular tradition of stage mediums her work in operations is a thrilling embodiment of media channeling. in her projects she combines different styles and traditions of vocal performance and spans a wide range of genres. the up and coming talent of the viennese vocalist scene is an accomplished multi-instrumentalist and regularly appears with her ensemble project sela Wie. en.WiKiPeDiA.org/WiKi/KonrAD_BecKer

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PIXXELPOINT 13

operazioni fa uscire caratteristiche fantasmagoriche dal mondo digitale dei media. si tratta di un discorso e di una poesia elettronica in cui i ritmi psico-acustici del ballo vengono analizzati da dispositivi di comunicazione mimetici. vocalizzazione e suoni elettronici della strada, ispirati dalla millenaria mania del ballo fanno riaffiorare la struttura della memoria. la prestazione rivela come nella storia dei media siano presenti i temi dei fantasmi, dei mondi paralleli e delle transcomunicazioni pericolose. nel progetto operazioni è presente l’ossessione del campo di battaglia, sul quale si svolge lo scontro per il controllo sull’oggetto e sul soggetto. operazioni è una contestualizzazione psico-sociale che risponde al enigma degli zombie: qual è la differenza tra i vivi e tra i morti? la performance operazioni è basata sul libro Dictionary of operations che sarà nel 2012 pubblicata dalla casa discografica Autonomedia.

Konrad Becker è un artista e un ricercatore, un teorico e un produttore, un autore, un compositore e un musicista. È il direttore e co-fondatore dell’agenzia di informazione culturale World-information.org ed è collegato con innumerevoli importanti progetti di pratiche culturali avanzate, come ad esempio il Monotonprodukt, il global security Alliance e il Public

operations evokes the phantasmagoric qualities of digital media environments. A performance of electropoetry and discourse where psycho-acoustic dance beats explore mimetic communication machines. vocalizations and electronic street-sound inspired by milleniarist dance manias excavate constructions of memory. the show unveils media history to be haunted by reoccurring themes of ghosts, mirror worlds and dangerous trans-communications. in operations the theaters of possession are a battleground for control of the object and the subject. A psychosocial contextualization responding to the enigma of the zombies: what is the difference between the dead and the living? operations is based on the new Dictionary of operations book published by Autonomedia in 2012.

Konrad Becker is an artist and researcher, theorist and producer, author, composer and performer. Director and co-founder of World-information.org, a cultural intelligence agency, he is associated with several renown projects of advanced cultural practice including Monotonprodukt, global security Alliance and Public netbase (1994 to 2006). initiating many international conferences and exhibitions on media, arts and culture,

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KonrAD BecKer & selA

operazioni

Konrad Becker & sela

operations

Konrad Becker & sela

PerForMAns

PerForMAnce

ArcticPersPective.org

AvAtiMiK KAMAttiArniQ – sottolinea l’importanza dell’atteggiamento verso l’ambiente e il mondo nel quale viviamo tutti insieme.

PilirQAtigiingniQ – la cooperazione e il lavoro collettivo per l’obbiettivo comune con l’accento sulla comunità

PiliMMAKsArniQ – la conoscenza e l’educazione delle proprie competenze sono di vitale importanza per una vita produttiva e di successo nel rispetto di tutti.

AAJiiQAtgiiniQ – ricerca del consenso, risoluzione dei conflitti e la considerazione di molteplici prospettive e visioni del mondo nel processo decisionale della comunità

ArcticPersPective.org

AvAtiMiK KAMAttiArniQ – stresses the importance of one’s relationship to the environment and the world we live in together

PilirQAtigiingniQ – the concept of collaboration and working collectively for a common purpose, stressing the importance of the group.

PiliMMAKsArniQ – the skills of knowledge and capacity building are understood to be key in leading a productive and successful life while being respectful to all.

AAJiiQAtgiiniQ – is the concept of consensus building, conflict resolution and consulting various perspectives and differing world views when descion-making within a group

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Arctic PersPective initiAtive (APi)

Arctic Perspective initiative (APi) è un gruppo non-profit internazionale di individui e di organizzazioni fondato da Marko Peljhan e Matthew Biederman. il suo obiettivo è lo sviluppo di sistemi aperti di diritto d'autore, della comunicazione e della diffusione nella zona circumpolare. È stata fondata come conseguenza diretta del progetto iPY 417. il fine dell’APi e la collaborazione e l’apprendimento di e da parte della popolazione delle terre più settentrionali dell'Artico e l’incremento della loro condizione con l’aiuto di tecnologia open source e di istruzione e formazione. con la creazione di un accesso a queste tecnologie e promovendo lo sviluppo delle reti di comunicazione e dei dati condivisi, senza costi elevati permette un continuo sviluppo autonomo della cultura, delle conoscenze tradizionali e delle opportunità scientifiche, tecnologiche e didattiche per i residenti del nord e dell'Artico. l’APi accetta i principi fondamentali del inuita Quajimajatuqangita, il lungo esistente codice d’etica che è fondamentale per il modo di vita inuita.

the Arctic Perspective initiative (APi) is a non-profit, international group of individuals and organizations whose goal is to promote the creation of open authoring, communications and dissemination infrastructures for the circumpolar region. its establishment is the direct result of the work of the iPY project 417. the aim of APi is to work with, learn from, and empower the north and Arctic Peoples through open source technologies and applied education and training.

By creating access to these technologies while promoting the creation of shared communications and data networks without costly overheads, continued and sustainable development of autonomous culture, traditional knowledge, science, technology and education opportunities for peoples in the north and Arctic regions is enabled.

APi’s work embraces the central tenets of inuit Quajimajatuqangit (iQ), a long-standing code of ethics that is central to the inuit way of life.

tHese guiDing PrinciPles oF iQ Are PiJitsirAniQ – whereby everyone is understood to be a valued contributor to their community.

PIXXELPOINT 13

Questi PrinciPi sono PiJitsirAniQ – si considera che tutti danno un contributo importante alla comunità

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File audio-digitali, 2010, nuova disposizione per il Pixxelpoint '13 i paesaggi sonori nunavut sono spesso sorprendentemente diversi da quelli del sud, dall’altra parte, invece, possono spesso anche incredibilmente simili. Dominano i suoni del traffico, degli uccelli, della neve sotto i piedi, dei cantieri e della musica. Questo progetto è formato da una selezione di materiali audio di molte cose: dalle registrazioni dell'ambiente, della musica moderna nunavita, dalle canzoni Ayaya, dalla radio comune, dalla radio vF di rete e dal canto gutturale. le registrazioni dei paesaggi: Matthew Biederman e inukjuak soundmap Project (autori nimilan Yoganathan e Max stein, con registazioni: Mattusie Pov, tommy Weetaluktuk, tukai rousseau) compilacion redatta da: Matthew Biederman e Marko Peljhan registrazioni tratte da: inuit songs from eskimo Point: ramon Pelinski, luke suluk e lucy Amarok the copper eskimo tradition: Jeam oqhena, Frank Kuptana, Jimmy Memorana, William Qagyun canzoni aggiuntive: leena evic, Alacie tullaugaq & lucy Amarualik, errol Fletcher

Digital Audio Files, 2010, restaged for Pixxelpoint 13

the sonic landscape of nunavut is at times strikingly different than in the south and at other times exceedingly similar. sounds of traffic, birds, snow underfoot, construction, and music dominate the soundscape. this project comprises selection of audio materials ranging from field recordings, produced contemporary music of nunavut, ethnographic recordings of early inuit songs, Ayaya songs, community radio, HF radio net, and throat singing.

Field recordings by: Matthew Biederman, inukjuak soundmap Project (nimilan Yoganathan / Max stein with recordings by: Mattusie Pov, tommy Weetaluktuk, tukai rousseau) compilation edited by: Matthew Biederman and Marko Peljhan recordings from: inuit songs from eskimo Point, ramon Pelinski, luke suluk, and lucy Amarok, the copper eskimo tradition: Jeam oqhena, Frank Kuptana, Jimmy Memorana, William Qagyun. With Additional songs from: leena evic, Alacie tullaugaq & lucy Amarualik, errol Fletcher.

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Arctic PersPective initiAtive (APi)

Paesaggio sonoro

Arctic Perspective initiative (APi)

sonic landscape

Arctic Perspective initiative (APi)

instAllAzione, 2011

instAllAtion, 2011

la prima produzione per il Biennale di lyon 2011, nuova disposizione per il Pixxelpoint 13 il lavoro è la risposta alla presupposizione che il trasferimento delle conoscenze tradizionali permette alle culture di ottenere una maggiore autonomia e autosufficienza. cerca di trovare un metodo con il quale sarebbe possibile effettuare una mappatura, disegnare cartine, descrivere, scrivere e condividere i nomi tradizionali dei luoghi, percorsi e storie del paese, degli animali e del clima con i nuovi strumenti multimediali. l’approccio che tiene conto della lingua locale e della tradizione orale sul Paese e inoltre della strategia di disegnare cartine dei luoghi tradizionali, si differenzia significatamene dal modo coloniale di disegnare cartine per la navigazione e la gestione delle risorse naturali. in contrasto con le abitudini coloniali, la mappatura della cultura degli inuit avviene attraverso la denominazione dei posti e delle vie in base al loro uso e alla loro storia. contributo da parte di: Pudlo Pudlat, oshoochiak Pudlat, simeonie Kopapik, napachie Pootoogook, Pitsaloak Ashoona, cornelius nutarak, Harry ikkirapiik ittuksarjuat, Marko Peljhan e Matthew Biederman

A work commissioned by the lyon Biennale 2011, restaged for Pixxelpoint 13

With contributions by Pudlo Pudlat, oshoochiak Pudlat, simeonie Kopapik, napachie Pootoogook, Pitsaloak Ashoona, cornelius nutarak, Harry ikkirapiik ittuksarjuat, Marko Peljhan and Matthew Biderman Based on the premise that the transmission of traditional knowledge enables the constant movement of societies towards greater autonomy and sustainability, this work is an attempt to establish a method to chart, map, describe, record and share traditional placenames, trails and stories about the land, the Animals and the Weather with new media tools. the local language and oral history tradition of understanding the land, combined with the traditional placename mapping strategies is strikingly different from colonial based navigation and land resource management based mapping. cartography within inuit culture, in contrast to colonial practices, happens through the very act of naming locations and trails based on their use and history.

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Arctic PersPective initiAtive (APi)

Arctic Perspective initiative (APi) Documento sul mare, la tundra e il giaccio

Arctic Perspective initiative (APi)

sea, tundra and ice Papers

instAllAzione, 2011

instAllAtion, 2011

Arctic PersPective initiAtive (APi)

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nel senso più ampio del termine. Da quello che lo produce, dai diversi oscillatori e convertitori digitale-analogici e processori, fino a quello creato dai processi fisici più elementari e alle province che sotto forma di musica creiamo noi stessi.

Poi ci sono qui anche i colleghi con il rilassante programma Pixxelmusic e l’immagine è completa. Per non parlare dell'intervento del collega e mago Becker con la sua assistente Sela con Il potere dei media sulla materia e di Dick Hebdige che ha definito il termine subcultura (si il nostro posto è li, abbiamo cominciato in un "Buncher" e non lo abbiamo dimenticato!) e che concluderà il festival con la sua Sindrom X. Ne vedremo delle belle.

Il PIXXELPOINT 13 è dedicato alla musica che ascoltiamo con il Cage 4'33" e alle future generazioni di avanguardisti vicino e sul confine.

Le incisioni vanno mandate a Roma e a Lubiana.

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Pixxelpoint 13

Poiché il suono, oltre che alla radiazione elettromagnetica non conosce confini, abbiamo deciso che quest'anno guarderemo all’arte, all’avanguardia del 21° secolo, attraverso le orecchie per poi tornare agli occhi.

Al confine dove il grande serpente immaginario è stato ed è ancora dipinto dalla storia con S in maiuscola (almeno nella mentalità di alcuni nostri concittadini sia sulla parte sinistra sia sulla parte destra di questa nostra curva). Una storia con la memoria millenaria e con l’amnesia che potrebbe avere ogni psichiatra. Anche Černigoj, costruttivista, espulso da Lubiana è dovuto andare dove - a Roma. Cadorna non è arrivato fino a Lubiana ma Černigoj ha dovuto ugualmente andare a Roma. Attraverso Trieste ovviamente per intenderci. Per tornare indietro a Bauhaus. Ci manca.

Il programma che abbiamo sviluppato e del quale scrive più dettagliatamente il collega Abrahamsberg nel suo editoriale, anch’egli stesso un ingegnere del suono, è ovviamente puramente personale. Una panoramica delle radicali e poetiche visioni sull’arte e sulla scienza del suono

that we ourselves create in the form of music.

Then there are colleagues with a relaxing Pixxelmusic programme and the picture is complete. Not to mention an intervention by a colleague and mage Becker and his assistant Sela with The Power of Media over Matter and a performance by Dick Hebdige, who defined the term subculture (yes, that is where we belong, we started in "The Bunker" and we did not forget!) and will round up the festival with The X Syndrome. This should be interesting!

We dedicate this year's PIXXELPOINT 13 to the music we hear during Cage's 4'33'' and to future generations of avant-gardists next to and on the boarder.

Send recordings to Rome and Ljubljana.

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Marko Peljhan

Quando Ferdinand Delak ha dichiarato nella rivista Tank che Lubiana dovrebbe diventare il "garage della bellezza rombante" forse non parlava della velocità del suono (probabilmente aveva in mente una Bugatti …) ma sapeva che Trieste e Gorizia lo erano già, ognuna a modo suo e Lubiana lo diventò subito dopo la prima guerra mondiale. Lì i grandi hanno parcheggiato e loro idee. Černigoj, lo stesso Delak, Silvio Mix, Tulio Crali, Marinetti, Prampolini, Depero e altri futuristi italiani. Per il Carso e a Lubiana teneva manifestazioni Kosovel, a Kanal Marij Kogoj, a Trieste il movimento costruttivista triestino. Con le loro manifestazioni, situazioni, mostre e serate hanno fondato le basi per l’avanguardia. Uno dei successori dell’avanguardia e anche il frontaliero è transnazionale Pixxelpoint.

Quest'anno per la tredicesima volta di fila.

Görz Gorizia Gorica Gurize Nova Gorica.

Queste sono le nostre città.

Because sound, like electromagnetic waves, knows no boundaries, this year we have decided to look at new art, the avant-garde of the 21st Century, through the ear and into the eye.

Along the boarder, a constantly moving snake, which was and still is drawn (at least in the heads of some of our fellow citizens on the left and the right of this old cane) by history with a capital H. History with a millenia-old memory and amnesia that any psychiatrist would embrace.

Even constructivist Černigoj, exiled from Ljubljana, had to go - where was it? - to Rome.

Cadorna never made it to Ljubljana and Černigoj still had to go to Rome. Via Trieste, of course. And back to Bauhaus. We miss him.

The program we put together and on which my colleague Abrahamsberg elaborates in the Introduction, is of course purely personal. A very sharp and deliberately narrow overview of radical and poetic approaches to art and the science of sound in the broadest sense. From sound, made by different oscillators, digital-analogue converters and processors, to sound, made by the most basic physical processes, to the landscapes

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Pixxelpoint 13

Marko Peljhan 333.7

When Ferdinand Delak wrote in Tank magazine that Ljubljana must become "a garage of the world's racing beauty" maybe he was not referring to the speed of sound (he was probaby thinking along the lines of a Bugatti...), yet he knew that Trieste and Gorica became just that - each in its own way, right after World War I. Great people parked their ideas there. Černigoj, Delak himself, Silvio Mix, Tulio Crali, Marinetti, Prampolini, Depero and other Italian futurists. Srečko Kosovel manifested in Karst and Ljubljana. Marij Kogoj in Kanal. The Trieste Constructivist Movement in Trieste. With their actions, situations, exhibitons and literary evenings they built the foundations of avant-garde. One of the successors of this avant-gardism is exactly transnational and borderline-based Pixxelpoint.

In its 13th year!

Görz Gorizia Gorica Gurize Nova Gorica.

These are our cities.

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Marko Peljhan

Munnik) e installazione in cui il suono è come un’informazione che si dilaga da diversi punti e diventa disinformazione-rumore (Studio Nomad).

In breve, presentiamo progetti grazie ai quali ci rendiamo conto dell’incessante vibrazione delle cose attorno a noi e rimaniamo esterrefatti della loro costante udibilità.

Marko Peljhan

333.7

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Pixxelpoint 13

grazie all’utilizzo innovativo e creativo delle relazioni tra l'uomo, la tecnologia e l'architettura (Signal To Noise).

Sono presentati strumenti insoliti, strutture risonante e sculture sonore che producono rumori contrastanti e affascinanti e oltre a ciò anche degli impulsi silenziosi (Peter Flemming, Roberto Pugliese).

Inoltre, progetti che consentono di udire suoni provenienti da tutto il mondo (Radio Aporee), da distanti paesaggi artici (API) e dagli habitat marini (Jane Winderen).

Tra loro ci sono dei lavori in cui con l’utilizzo creativo di diverse interfacce intelligenti ci presentano delle magnifiche interazioni di suoni e immagini (Matthew Biederman, Joao Martinho Moura). E ancora un lavoro nel quale sentiamo le registrazioni geo-magnetiche di una tempesta, sincronizzate con un’immagine (Ruth Jerman/Joe Gerhardt).

Poi un video che utilizza le informazioni dei viaggi dei treni per produrre il suono (Alexander Chen). Installazione dove i suoni e le voci sono prodotte da animali microscopici (Matthijs

Martinho Moura). One work plays recordings of a geomagnetic storm, synchronized with visual images (Ruth Jerman/Joe Gerhardt).

A video uses information about movement of underground trains for sound generation (Alexander Chen). In one installation sound and voice is triggered by microscopic animals (Matthijs Munnik), in another sound as information, conveyed from various points, becomes disinformation-noise (Studio Nomad).

In short, we represent projects that make us aware of the incessant vibration of things around us, so that we amaze at their constant audibility.

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Aljoša Abrahamsberg

vari segnali sonori sono come delle password che ci aiutano ad orientarci all’interno di un ambiente.

Quello che sentiamo diventa importante per la percezione di uno spazio.

Il suono è anche un tipo di linguaggio con il quale comunichiamo tra noi. Il suono quindi fa parte della nostra esperienza sensoriale quotidiana. Così come abbiamo gli occhi per differenziare i colori e la luce abbiamo anche le orecchie per ascoltare il suono. Ma raramente ci prendiamo il tempo per riflettere sulla sua origine, sulle sue caratteristiche e sul suo comportamento.

Per questo motivo quest’anno al festival Pixxelpoint onoriamo il suono e presentiamo lavori che in modo diverso ampliano la nostra comprensione e la nostra consapevolezza di quello che è il suono. Sono presentati i meccanismi attraverso i quali il suono nasce, si percepisce e influisce sull'aspetto delle immagini.

Le pratiche selezionate dell'uso del suono rompono le convenzionali rappresentazioni di com’esso appare e si ascolta (Michele Spanghero, Tao G. Vrhovec Sambolec). Sono presenti installazioni interattive che creano il suono

Therefore at this year's Pixxelpoint festival we worship sound and present artworks that in different ways expand our understanding and awareness of sound. Mechanisms through which sound is created or perceived and through which it influences the appearance of images are presented.

Selected practices of sound usage break conventional ideas of its appearance and hearing (Michele Spanghero, Tao G. Vrhovec Sambolec).

Interactive installations create sound through innovative and creative use of interactions between man, technology and architecture (Signal To Noise).

Unusual instruments, resonance objects and sound sculptures create contrasting, fascinating noises and quiet pulses (Peter Flemming, Roberto Pugliese).

Projects enable listening to sounds from all over the world (Radio Aporee), remote areas of the Arctic (API) or underwater habitats (Jana Winderen).

Some works creatively use different intelligent interfaces and present wonderful interactions of sound and image (Matthew Biederman, Joao

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Pixxelpoint 13

naturale che più si avvicina al vuoto assoluto.

Poiché li non si trovano particelle di materia che si scontrano tra loro e cosi facendo trasportano le onde non c’è neanche il suono che è la conseguenza del funzionamento meccanico. L'universo è così un grande posto silenzioso. Tuttavia, senza il silenzio non saremmo in grado di riconoscere il suono.

Come non saremmo in grado di riconoscere la luce senza il buio. In un certo senso nel silenzio trovi te stesso o come dice Steven Orfield, presidente dei laboratori Orfield, dove si trova la camera insonorizzata - il posto più silenzioso al mondo: "Più il luogo è silenzioso più cose sentiamo.

Sentiamo il proprio battito cardiaco, lo scorrere del cibo nello stomaco, a volte possiamo sentire anche i nostri polmoni. Nella camera insonorizzata diventi tu il suono. " Tuttavia, sta di fatto che l'assenza di suono causa nelle persone una temporanea instabilità mentale. Nell’improvviso completo silenzio siamo confusi e cerchiamo di capire che cosa ci stia realmente accadendo. Il che prova l'importanza che ha per noi il suono. Come esseri sensoriali ci affidiamo alla presenza costante di diversi suoni. I

would not see light without darkness. In silence, you meet yourself, or as Steven Orfield, the president of Orfield Laboratories, which houses anechoic chamber - the quietest place on Earth, puts it: "The quieter the room, the more things you hear. You’ll hear your heart beating, hear your stomach gurgling loudly, sometimes you can hear your lungs. In the anechoic chamber, you become the sound."

But the fact is the absence of sound creates a temporary psychological instability in people. In sudden total silence we are confused and strain to understand what is happening to us. That underlies the importance of sound. As sensory creatures we rely on the constant presence of various sounds. Different sound signals are like codes that help us orientate in an environment.

What we hear becomes tangible for perception of space. Sound is also the speech we communicate with. Sound is therefore a part of our everyday sensory experiences. Like we have eyes to perceive colour and light, we have ears to perceive sound.

However, we rarely take the time to think about its origin, characteristics and behaviour.

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Aljoša Abrahamsberg

d'urto con altezza del declino, perché li la densità dell'aria diminuisce.

Felix Baumgartner ha superato la barriera del suono, nel punto in cui la densità dell'aria è un po' più grande di quanto non fosse all’altezza in cui è saltato e così avrebbe potuto sentire qualcosa, se non fosse per gli indumenti protettivi. Almeno il rumore del vento, che si sente durante il movimento rapido all’interno di uno spazio.

L’altezza di 39 chilometri, da dove è saltato Baumgartner è di 61 chilometri sotto la linea immaginaria e concordata, di dove comincia lo spazio. Questo limite è ad un'altezza di 100 chilometri sopra il livello del mare e si chiama linea Karman e l’uomo cerca di oltrepassare questa linea ormai da anni. L’esplorazione e la colonizzazione dello spazio è una delle più grandi sfide che l'umanità deve affrontare oggi. Tuttavia, durante i viaggi interplanetari del futuro, quando lasceremo il nostro pianeta sicuramente sentiremo la mancanza anche del fatto che lasceremo un territorio di innumerevoli suoni.

Lo spazio è un luogo tranquillo e silenzioso, è uno spazio sordo. Lo spazio è la rappresentazione

starting point, so he could have heard something if he hadn't worn a protective suit. At least the air breeze one hears during quick motion through space. The altitude of 39 kilometers, from whence Baumgartner jumped, is 61 kilometers lower from an imaginary and agreed line where space begins. This line is at 100 kilometers above sea level and is called the Karman line. This is the line man has tried to break for many years. Exploring and settling of the universe is one of the greatest challenges mankind faces today. However, when we leave our planet in the era of interplanetary travel, we will most definitely also miss the fact that we will be leaving a territory of innumerable sounds.

Namely, the universe is quiet and mute, it is a deaf space.

The universe is the best natural approximation to perfect vacuum. Because it lacks material particles which would collide and transmit waves, it also lacks sound, which is the consequence of mechanical activity. The universe is therefore a vast area of silence. But without silence we would not hear sound, like we

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Pixxelpoint 13

Tranne che nel vuoto dello spazio e durante determinate condizioni meteorologiche negli estremi territori periferici come l'Artico, nell'Antartide e negli altopiani deserti, il suono è presente ovunque. In tutti gli altri luoghi sentiamo la mancanza del silenzio.

Che cosa ha sentito Felix Baumgartner prima di aprire il paracadute, quando il 14 Ottobre di quest'anno, dall'alto dei 39 chilometri è saltato nel vuoto e durante la caduta libera ha raggiunto una velocità di 1.342 chilometri l’ora o il Mach 1,24? Ha forse sentito un botto quando ha rotto la barriera del suono? Forse? Rompere la barriera del suono è l'espressione metaforica usata nella metà del ventesimo secolo, perché a quell’epoca gli aerei quando si avvicinano alla velocità del suono diventano instabili. Questo accadeva per le cosi dette onde d’urto che si venivano e creare nella zona transonica - la zona dove il velivolo raggiunge la velocità del suono. A volte le onde d’urto si scontrano l’una con l’altra, un fenomeno noto come interazione shock-shock. Quest’energia accumulata viene rilasciata in un processo che è simile ad una esplosione. L'impatto delle onde

Save for in the vacuum of the universe, during certain weather phenomena and in extremely remote territories, such as the Arctic, the Antarctic and on vast desert plateaus, sound is omnipresent.

Everywhere else we feel the absence of silence.

What did Felix Baumgartner hear before he opened the parachute on 14th October 2012 and jumped into nothingness from 39 kilometers, reaching free fall speed of 1342 km/h or 1.24 Mach?

Was there a sonic boom when he broke the sound barrier? Maybe? Breaking the sound barrier is a metaphoric expression from mid-20th century, because at that time approaching the speed of sound made planes unstable due to shock waves.

These begin to form in the transonic zone - a zone in which plane speed approaches the speed of sound. Sometimes these shock waves even collide in a phenomenon known as shock-shock interaction. This accumulated energy is released in a process, similar to an explosion. Shock wave influence decreases with altitude because of decreasing air thickness.

Felix Baumgartner passed the sound in an area of somewhat greater air thickness than at his

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Aljoša Abrahamsberg

Introduzione

Aljoša Abrahamsberg

Introduction

Aljoša Abrahamsberg

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Pixxelpoint 13

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