REVISTA GÉNESIS DEL DISEÑO

El arte no debe ser complaciente

Pinturas en las cuevas de Altamira

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GENÉTICA DEL DISEÑO

l origen del diseño gráfico podemos encontrarlo en la prehistoria, donde los hombres primitivos pintaban las paredes de las cuevas con bisontes y cazadores. Se narraban las crónicas de cacería y se resalta la necesidad del hombre por comunicarse.

Se debe reconocer que el ser humano elaboró un sistema de habla a base de sonidos al que les asignó significados, y luego creó la escritura a base de rasgos grabados, marcas, simbolos; La escritura se vuelve un complemento del habla, logra su trascendencia por medio de un soporte, superando al habla, pues hasta antes de los medios electrónicos, la palabra hablada era efímera.

La narración es el fundamento lingüístico Este recurso se ha perfeccionado junto con el lenguaje visual, pero su importancia recae en la manera en que interpretamos lo que percibimos a través de los ojos.

Rudolf Arnheim1 sostiene que para aprender del mundo, uno puede usar sentidos como la vista, con la que adquirimos la mayor parte del saber.

La comunicación visual, termino que engloba funciones educativas como lo señala Prieto Castillo (1999) mientras que Bruno Munari (1985, p. 79) afirma al igual que Arnheim, que la comunicación visual es todo lo que ven nuestros ojos y que cada elemento tiene un significado según el contexto en el que se encuentre. Tal comunicación puede ser casual e intencional y surgió en las cavernas de Lascaux al sur de Francia Donde se encontraron pinturas rupestres cuya elaboración fue a base de pigmentos mezclados con grasa y carbón de leña quemada, los animales representados tienen colores rojizos, ocres y amarillos y su finalidad era practico – ritualista.

Los grandes murales en las paredes, aparecieron alrededor del planeta, sobre todo en lugares como África y Nueva Zelanda.

Incluso en las pinturas rupestres, el hombre intentó describir algo: escenas de cacería, el tipo de animal que cazaba, incluso; trató de representar el 1 Fue un Psicólogo y filósofo nacido en Berlín, Alemania en 1904. Influido por la psicología de la gestalt y por la hermenéutica. Realizó importantes contribuciones para la comprensión del arte visual y otros fenómenos estéticos.

Ha publicado libros sobre la psicología del arte: Arte y Percepción (1954) .

La cueva de Altamira es una cavidad natural en la roca en la que se conserva uno de los ciclos pictóricos y artísticos más importantes de la prehistoria.

movimiento de los animales representados dotándoles de varios pares de patas más para simular alguna acción. Los cazadores representados, también eran pintados en persecuciones. La narrativa gráfica se acababa de crear.

Altamira desde su descubrimiento en 1868 por Modesto Cubillas y su posterior estudio por Marcelino Sanz de Sautuola ha sido excavada y estudiada por los principales prehistoriadores de cada una de las épocas una vez que fue admitida su pertenencia al Paleolítico.

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uizás, los sumerios ligaron a la tipografía con las manifestaciones gráficas. Inventores de la escritura cuneiforme, los sellos cilíndricos contenían imágenes o palabras, eran usados en el contexto comercial, para las transacciones, la correspondencia y la decoración.

Los sellos cilíndricos sumerios estaban hechos habitualmente de piedras (en ocasiones semipreciosas) de diferentes tipos, por ejemplo amatista, obsidiana, hematita. También se utilizaron en la antigüedad otros materiales como vidrio, cerámica, oro, plata, madera, hueso y marfil.

Los sellos cilíndricos sumerios se utilizaban para funciones diversas. En ocasiones, se presentaban orificios practicados sobre su superficie para poder llevarlos a modo de colgante, o prendidos sobre la ropa.

Se encontró una muestra de este tipo de sellos cilíndricos sumerios entre los restos óseos de la reina Puabi, en el Cementerio Real de Ur. El sello de la reina disponía también de un tapón de oro que se ajustaba sobre uno de los extremos del cilindro con betún.

A l g u n o s s el l o s cilíndricos sumerios también eran utilizados como amuletos para ahuyentar a los malos espíritus, traer suerte y prosperidad a quienes los llevaban.

Escritura y sello sumerio

La tipografĂ­a y el diseĂąo quedan ligados por el desar r ollo de libros desde antes de la imprenta de Gutemberg.

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l libro de Kells, es una biblia medieval realizada por medio del manuscrito, también es uno de los tesoros nacionales de Irlanda.

El Libro de Kells, que contiene los cuatro evangelios del Nuevo Testamento, tiene un rico esquema decorativo conocido por sus detalles y composiciones dinámicas. Si bien muchos otros evangelios insulares de la época usan una paleta de colores reducida, el amarillo y ocre rojo, el añil y cardenillo, así como el lila y violeta son algunos de los pigmentos y colores dominantes en esta obra.

Abadía de Kells

El manuscrito toma su nombre de la Abadía de Kells, donde fue albergado por varios siglos, y se han realizado esfuerzos de conservación y preservación para que el manuscrito se mantenga en las mejores condiciones.

Creado originalmente con técnicas tradicionales que incluyen el uso de pergamino hecho de piel de becerro, el Libro de Kells ha sido reencuadernado al menos cinco veces para mantenerlo en buenas condiciones.

Treinta folios del manuscrito original se han perdido a lo largo de los siglos y los bordes del manuscrito existente se recortaron severamente durante una reencuardenación en el siglo XIX.”

Ilustraciones del Librode Kells

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sta imprenta privada estuvo fuertemente relacionada con la evolución de la producción editorial de finales del siglo XIX, ya que la calidad editorial se encontraba deteriorada por la baja calidad en el dibujo, la composición y el diseño de tipos, así como también la calidad de los papeles, la ornamentación y los imperfectos procedimientos de reproducción (linotipia, que generaba alta velocidad de producción, pero baja calidad de

William Morris dueño de Kelmscott Press.

Ilustraciones de la Kelmscott press basados en el estilo medieval decorativo

impresión) La demanda de libros superaba la producción, disminuyendo la calidad.

Kelmscott Press fue una imprenta privada, propiedad de William Morris un arquitecto, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista, doctor y político.

Se ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa Iniciando en 1890 publicó trabajos de Morris y clásicos literarios utilizando sus propios diseños para la tipografía y la ornamentación de las letras.

La primera producción en la imprenta Kelmscott fue La Historia de la Planicie Resplandeciente, de la autoría de Morris, ilustrada por Walter Crane El trabajo de la imprenta se caracterizaba por la acentuación de los elementos decorativos, principalmente en los considerados como medievales. Solía tener buena distribución de la mancha impresa. Se integraron también, consideraciones con el formato doble página.

Kelmscott Press, fue una imprenta que ideó libros rechazando las nuevas formas de producción en masa, tratando de regresar a la manera antigua de elaboración., es decir; intentando realizar de cada libro una artesanía, conjuntando tipografía y dibujo de manera armónica.

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rtes y Oficios, fue un movimiento o escuela cuyos orígenes están en Inglaterra a mediados del siglo XIX. William Morris ideó el concepto de retornar a la manualidad, a la naturaleza y el modo creativo de la edad media.

Morris y el arquitecto Philip Webb, diseñaron la icónica Casa Roja, un inmueble con tendencia medieval, y diversos tapices para sus paredes que consistían en dibujos de flores, barrotes y pájaros.

Estos tapices eran impresos

Red House, inmueble diseñado por elfundador de Klemscott press, William Morris y el arquitécto Philip Webb.

Abajo, detalle de la tapicería

Tapices diseñados por William Morris, usando patrones modulares de plantas, y elementos decorativos de herrería

Ilustración realizada por Phoebe Anna Traquair

con ayuda de bloques de madera grabados con la imagen a reproducir.

Sus practicantes eran artistas que conversaban a menudo y colaboraban en sus esfuerzos por elevar los estándares de diseño de todos los días.. Mientras que algunos desarrollaron una rica imaginería medievalizada como parte de su emulación de los valores sociales y artísticos de la Edad Media. Otros se esforzaron por formas simplificadas cuyo lenguaje decorativo dependía de las propiedades naturales de los materiales. Pero todos trataban de evitar la corriente de la industrialización Los diseños más representativos poseen características como: elegantes remolinos de parras, flores en módulos de perfecta simetría. Estos diseños pueden ser encontrados en los tapices para sillones ideados en el siglo XIX hasta nuestros días, en piezas de cerámica, cortinas y accesorios de moda.

Otros artistas del movimiento fueron: Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Cranc, Phoebe Anna Traquair, H e r b e r t Tu d o r B u ck l a n d ,

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A LT E R

CRANE

Conocido ilustrador de libros para niños, nació en Liverpool y realizó mucho trabajo de índole decorativo como mosaicos, pinturas y trabajó con materiales variados como yeso, vidrio y barro.

Su principal influencia fueron los mármoles de Elgin, dispuestos en el Museo Británico y algunos estilos de coloreado japonés que usaría para ilustrar libros infantiles, como El príncipe rana (1864) creando una moda dentro del movimiento Arts n Crafts.

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HOEBE ANNA T U R Q U A I R

Artista irlandesa que tuvo reconocimiento internacional por su contribución dentro

Trabajos realizados por Walter Crane. Arriba The Lady of Shalott (1862) Técnica óleo sobre tela Abajo una ilusración de The Babys Own Aesop (1887) conservando el estilo de coloreado japonés

Las Tres Damas (1885)

Pintura autobiográfica de Turquair

del movimiento Arts n Crafts En Escocia fue una pintora e ilustradora usando grandes formatos y murales además de que su trabajo puede encontrarse en joyería Durante 1870, Traquair desarrolló su arte trabajando con bordados textiles y su circulo social ya contaba con amistades del ámbito científico, como el socio-biólogo Patrick Geddes, cuya asociación Edinburgh Social Union, encargó a Traquair decorar la Mortuary Chapel del Royal Hospital for Sick Children, Edinburgh. Los trabajos en este lugar duraron entre 1885 y1901.

Se trata de las Tres Damas (poderes divinos) éste fue su primer trabajo profesional.

La Capilla Mortuoria fue una habitación pequeña sin ventanas donde los cuerpos eran reverenciados o velados antes de ser enterrados.

Su trabajo fue una inspiración para la dirección posterior que iba a tomar el arte, “la decoración” y muchos elementos serían retomados para la ilustración de libros.

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l Art Nouveau, arte nuevo, o modernismo, se desarrolla a finales del siglo XIX, en Europa y después internacionalmente. Es una de las primeras tendencias vanguardistas que no pretende ir en contracorriente de la industrialización de la segunda revolución industrial, la que marcó

desarrollos para la industria química (petróleo y acero). Más bien unificó al artesano con la industria.

Se considera a Bruselas la cuna del Art Noveau, por la Casa Tassel , primer edificio realizado dentro de la corriente. Construido entre 1892 y 1893 por el arquitecto Víctor Horta, con la finalidad de

implementar un nuevo tipo de vivienda unifamiliar, utilizando nuevos materiales, como el hierro, vidrio, piedra cerámica y madera El Art Nouveau, es un movimiento decorativo, que mediante motivos orgánicos, plasmaba sensualidad o erotismo en objetos de arte característicos, como pinturas, esculturas, literatura y también en objetos ornamentales como joyería o muebles. Usa modelos bizantinos e influencias del bar roco y rococó francés, además de influencias japonesas.

Sin embargo es un estilo de la clase acomodada de los barrios burgueses, el consumo despreocupado y del vivir despreocupado.

Algunos de los autores más re presentativos son: Alphonse Mucha y Hector Guimard

Casa Tassel

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Alphonse Mucha

ALPHONSE MUCHA.

De origen checo, representaba por lo general, mujeres estilizadas adornadas con gran detalle de parras y tipografías.

Mucha tuvo éxito en Francia dibujando carteles pero su obra trascendió a la escultura y la joyería Mucha fue rechazado de la Academia de Bellas Artes de Praga donde pensaba continuar estudios de canto, por tal evento terminó trabajando como secretario del tribunal, aunque intentó también realizar trabajos dentro del área de la pintura decorativa y rápidamente volvería a tratar de encauzar su carrera artística hacia esa dirección Una de las primeras obras en pastel del artista sería Juana de Arco (1857) en el que Mucha ya posee su estilo inconfundible.

París, sería la ciudad donde el posteriormente decorador de joyería, se daría a conocer y donde tendría

Cartel de la actriz Sarah Bernhardt

Medea (1868)

Carteles diseñados por Mucha

Lorenzaccio (1896)

la fama que le acompañaría, además ahí realizó la mayor parte de su obra 1894 marcaría una época beneficiosa para Alphonse Mucha, pues se asociaría con la actriz Sarah Bernhardt. En este año, realizaría el primer cartel de teatro para la actriz Sarah Bernhardtóve, y comenzaría a trabajar en la obra que le dio gran reconocimiento un amplio conjunto de carteles como por ejemplo: La Dama de las Camelias en 1866, Medea en 1868, el cartel teatral Lorenzaccio (1896), Cartel de Gismonda (1894/ 1895), el cartel teatral del Buen Samaritano, el cartel de la “Tosca” en 1899., Hamlet (1899), el Cartel del Zodiaco para la revista parisina La Plume.. .

Joyería diseñada por Alphonse Mucha

El arte nuevo recurre a la decoración como sistema elemental, factor que según Tolstoi 1 es un vicio de los que no saben crear arte, es complaciente de la clase alta, degrada al artista porque no impregna en su obra su sentir, sino que manifiesta su desinterés por cuestionar o proponer. Tal dirección lleva al arte a una degeneración, la cual se enfatiza en losposteriores movimientos artísticos del siglo XX

2 Tolstoi L. ¿Ques es el arte? p.31, Cap 8

Héctor Guimard

Abajo, difrentes entradas a l sistema del metro parisino

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E C T O R G U I M A R D

Artista francés que campuso elementos decorativos con distintos materiales como cerámica, vidrio y metales. Tales elementos eran vegetales o florales.

Su estilo era abstracto. Las obras más reconocidas fueron las bocas del metro parisino, marquesinas metálicas, que se convirtieron en emblema de la ciudad. Algunas fueron regaladas a algunas ciudades del mundo, como la Ciudad de México, que se encuentra en la entrada del metro Bellas Artes.

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mpezó como una reacción al Expresionismo Abstracto, se pretendía cambiar las raíces surrealistas de aquel movimiento por las dadaístas del Pop, sobre todo el uso de collages.

Uno de los precursores fue Duchamp, el primero en exponer objetos cotidianos, como inodoros fabricados en serie, en galerías o museos. También fue el primero en justificar las carencias y limitaciones

del artista, argumentando que quien decide si una pieza es arte o no, es el artista, por lo tanto, el espectador no tiene una opinión de valor.

Otro de los precursores es el estadounidense Robert Rauschenberg, Este artista texano, proponía un modelo más crítico, por usar recortes de personalidades políticas y a menudo se le considera un neodadaísta, pero fundamenta su trabajo con teorías y cuestionamientos.

Composición de Robert Rauschenberg,

Usaba incluso deshechos y animales disecados, creaba textura a través de la imagen usando el collage como herramienta de su expresión básica.

El Pop Art tiene origen en Londres en 1950, época de la postguerra en donde se acercan las bellas artes a las manifestaciones

artísticas populares, haciendo critica e ironía a través del uso de íconos estadounidenses.

Paolozzi, uno de los fundadores presenta Bunk! una serie de collages que consistían en tiras cómicas, anuncios, portadas de revistas norteamericanas, mientras que en Nueva York, el Pop Art se produce en masa, el clásico sistema de producción en serie, idea usada por Warhol.

Además se contraponía a los valores conservadores y estaba a favor de los derechos civiles Los materiales son: colores puros, brillantes, fluorescentes, provocación, la utilización de materiales como la gomaespuma y una constante provocación llena de humor son algunas de sus características El contenido era a veces banal y complaciente, sin embargo se pretendía ironizar al poner dentro de galerías, imágenes provenientes del conocimiento público. Se podría pretender que

así, el producto que tenía la finalidad de llegar a las masas populares, podía llegar a las galerías convertido en arte.

Otra de las características, es que los autores utilizan máquinas y técnicas simples para lograr la repetición y producción en masa por ejemplo la serigrafía.

El Pop Art aportó mejores elementos al mundo de la publicidad para crear imágenes y para incrementar e l i n c o n s c i e n t e c o l e c t ivo

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T O A S E

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Un diseñador reconocido, dueño de Milton Glaser Inc. Ha recibido diversos reconocimientos por sus aportaciones al diseño.

En 1954, es cofundador de Push Pin, un estudio reconocido del que fue presidente hasta 1974.

La característica valiosa de las aportaciones de Milton es la ilustración en sus diseños, a diferencia de otras agencias que usaban solo fotografías. Ejemplo de ello son los posters realizados para la ciudad de Nueva York y el álbum de Bob Dylan

Arriba el logo realizado por Milton Glaser Abajo, la ilustración hecha por el mismo autor para el álbum del cantante folk Bob Dylan

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NDY WARHOL

Warhol, cuyo verdadero apellido era Warhola, tiene una inclinación hacía el mundo de las celebridades, no hacia el arte en sí.

Trabaja en el medio publicitario e ilustrando portadas para revistas como Vogue y Harper’s Bazar en un momento en el que triunfan artistas fraudulentos como Jackson Pollock; en ese contexto realizó diversos dibujos, la mayoría de estilo lineal y sin aportación, pero Warhol decide entrar al terreno de las artes, esta decisión coincide con la germinación del Pop Art. Las técnicas del publicista Warhol, cayeron en el tedio por sus patrones repetitivos de imágenes con productos de consumo, desde la cara de Marilyn Monroe en serigrafía a colores, hasta las botellas de Coca –Cola y por supuesto la lata de sopa, con esto trataba de simular la producción en masa.

Sus técnicas solían ser: serigrafía,

offset, pintura en tonos planos con colores brillantes, aunque también incursionó en el cine, realizando películas prácticamente caseras, pues Warhol no sabía de sonorización, ni edición; algunos han clasificado estas cintas como minimalistas, sin embargo son estériles de contenido.

La película Kiss (1963) es una serie de escenas de parejas besándose durante mas de más de 50 minutos.

El cantante/compositor Lou Reed famoso por Take a walk on the wild side (1972) y estar presente en la banda sonora de películas como Trainspotting (1996) o Million Dollar Hotel (2000), también estuvo frente al lente de Warhol haciendo solo tomas cíclicas. Además, Reed grabaría una canción llamada Believe(1990) basada en la agresora de Warhol.

La última cinta del cultista de Marilyn Monroe fue Empire(1964) en la cual solo aparece una toma del edificio Empire State, por más

de 8 horas. Andy Warhola, recibió por esta cinta grandes halagos de la crítica mediática, pero como se ha visto, la clase acomodada establecerá lo que es arte, la tendencia, lo complaciente.

Warhola copiaba a Marcel Duchamp, el autor del inodoro en el museo se disfrazaba de mujer, incluso bautizó a su alter ego femenino como Rrose Selavy, mientras que el publicista de la sopa Campbell pretendía ser Marilyn Monroe.

En 1962 Warhol intenta darle seriedad a su obra, por lo tanto comienza a realizar la serie conocida como Death n´Disaster,

La obra más reconocida de Warhol, la repetición de Marilyn Monroe

una serie de fotografías donde se exponían choques automovilísticos, el autor pretendía exponer que los medios de comunicación convierten la tragedia en espectáculo, dándoles una composición, de nuevo, repetitiva.

En 1968, una actriz aficionada, escritora, y activista radical llamada Valerie Solanas que formaba parte del personal asistente de Warhol, le dispara 3 veces a éste acusándolo del presunto robo de un escrito. Después de este suceso, la temática del oriundo de Pittsburgh, se dirige más a la música, creando portadas como el álbum Sticky Fingers (1971) de The Rolling Stones, Para John Cale diseñó la portada de “Honi Soit” (1981) entre otros.

Conclusión Asi como no todo es cultura, no todo es arte. El arte contrapone, cuestiona, conmueve por la relación y compromiso que existe entre el autor y su obra y el compartir un sentimiento con el espectador. Por otra parte el “no arte” solo complace y adormece, no busca establecer sentimientos ni un pensamiento, solo seguir una moda o dictámenes impuestos por una clase burguesa.

El diseño ha copiado del arte composición, posibilidades cromáticas, estética, dándole a estos elementos la practicidad en un contexto de producción que al día de hoy intenta la vía de lo sustentable.

Bibliografía Mark, J. J., 2015. Cylinder Seals in Ancient Mesopotamia - Their History and Significance. Disponible en: http://www.ancient.eu/ article/846/ sumerianshakespeare.com, 2017. Images of Sumerian Life.

Disponible en: http://sumerianshakespeare.com/106901.html http://www.ahmagazine.es/andy-warhol-y-el-cine/ https://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol#Pintura Victor Arwas, Art Nouveau: From Mackintosh to Liberty. The Birth of a Style, Papadakis, 2000, ISBN 9781901092332 Valeriano Bozal, El modernismo, en Historia del arte en España desde Goya hasta nuestros días, AKAL, 1991 pgs. 75 a 104 Antonio Checa, El cartel modernista en Europa, en Histotria de la publicidad, https://en.wikipedia.org/wiki/Arts_and_Crafts_movement https://www.ecured.cu/Arts_and_Crafts https://www.museunacional.cat/es/william-morris-y-las-artscrafts-en-gran-breta%C3%B1a

La genética es la ciencia que estudia la herencia. ¿que que ha hecho el diseño con el legado dejado por el arte?